1 20 15 https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20000/Croma_2019_No_1_Noviembre.pdf 2828e9e5dbed7ca15a62901055530448 PDF Text Text No: 1 Noviembre A Octubre 2019 �ÍNDICE 4 Detrás de cámaras con Bere Jaramillo 7 Cumpliendo un sueño con Ángelica Rubio 10 Tridente Brand Firm con Rodolfo Ramírez Morales 12 Marketing Digital Beca por el “Impulso 20 CONARTE: Artístico y la Creación 2019” A Octubre 2019 22 El Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca en Mederos 24 Comex Trends 2019 Créditos Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Académica Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Sancho González Coordinadores y Editores de la Revista Croma Sara Gabriela Barcenas Solis Karina Alejandra González Céspedes Flor Isela Islas Rodríguez Naomi Nicole Castro Garcia Paola Alejandra Martínez Escalante Melissa Ondarza Escalante Alba Alejandra Pecero Reyes Arantxa Olíblish Rivadeneyra Gonzaga Yaire Atzhiri Ivana Rodríguez Espinosa Jesús Alberto Suarez Bernal Luis Cecilio Treviño Farah Citlali Eunice Zeledón Aguilar Estancia de producción A Octubre 2019 �A L U M N O D E S T A C A D O Nos hablaste de ti y vemos que desde antes ya tenías un gusto por la fotografía, ¿a qué crees que se debía este gusto? Fue mucho por la nostalgia, creo que para mí siempre fue muy importante cuidar mucho las fotografías pues cuando era pequeña mi papá falleció y cuando crecí cuidé mucho esas fotos, su valor era demasiado grande. Cuando descubrí todo lo que implicaba la fotografía me enamoré mucho más de esta. LO QUE HE DEDUCIDO ES “QUE NO ME GUSTA HACER SIEMPRE LO MISMO, SI SE PUDIERA DECIR ESE ES MI ESTILO. QUE CADA SESIÓN SEA UN GRAN RETO ” CON BERE JARAMILLO 4 Noviembre 2019 por Jesús Suárez C reer en ti es una parte esencial en todo aspecto, ejemplo de ello es Berenice Jaramillo, egresada de la Facultad de Artes Visuales, quien nos platica sobre su experiencia en la fotografía y los retos de empezar a darse a conocer como profesional de esta área. Platicaremos de algunos de sus trabajos y el proceso que conllevan, además de conocer cómo se ha mantenido en el mundo del freelance a lo largo de los años. Yo soy Berenice Jaramillo, estudié en la Facultad de Artes Visuales, en la generación 2004-2008. Desde pequeña me gustó la fotografía, pero donde realmente aprendí a fondo de ella fue en la preparatoria. Podría decir que me enamoré de la fotografía y después de esta experiencia tomé la decisión de querer dedicarme a ello. Ya estando dentro de la carrera también descubrí mucho el gusto por el cine y se combinaron el cine, la fotografía y la postproducción, pero yo no era muy buena fotógrafa y por eso me fui adentrando a la postproducción. Cuando me gradúo y me dedico a eso, me doy cuenta de que no me apasionaba, entonces regreso a la fotografía, que fue volver a los primeros pasos de creérmela y que me crean como fotógrafa. ¿Cómo hiciste para perder el miedo a que los demás vean tu trabajo? Sí es un proceso, la verdad yo sí batallé un rato en creérmela como fotógrafa porque de algún modo buscas la aceptación de la gente, pero al final del día lo que más valor tiene es ver tu trabajo y decir: esto me gusta, sé que no es lo mejor pero estoy contenta con lo que estoy haciendo, ahora sí empiezas a creértela y eso te empuja para aprender más técnicas de todo lo que implica la fotografía. Cada artista tiene su método de trabajo, ¿nos podrías decir cómo es el tuyo?, ¿Tus ideas para los proyectos suelen ser muy trabajadas o son la inspiración del momento? Depende a dónde van dirigidos o con qué intención. A mí siempre me gusta saber qué es lo que quiere el cliente, qué mensaje quiere transmitir, qué colores le gustan, tratar de sacarles la mayor información posible, aunque ellos no tengan idea de qué quieren, siempre van a saber qué no quieren y eso te va a ayudar a saber por dónde no irte y ya en base a eso te puede inspirar cualquier cosa, ellos mismos, una película, etc. ¿Sigues algún proceso para conocer las bases del proyecto? Bueno, cada proyecto es diferente, pero para poner un orden es fundamental la entrevista presencial con el cliente y después una lluvia de ideas o moodboard para soltar las ideas de formas, paleta de colores, encuadres, etc. 5 Noviembre 2019 �D O C E N T E SOBRE SER FREELANCER ¿Cuál fue el detonante para que Una pregunta muy frecuente cuando se comienza a hacer freelancer es el equipo de trabajo, ¿tienes algún consejo para saber con cuál comenzar? Para comenzar, les diría que se compren la cámara que puedan.Vayan descubriendo qué tipo de fotografía les gusta hacer y cuando lo descubran compren el equipo adecuado a la necesida. Nosotros usamos cámara réflex y con el tiempo invertimos mayormente en lentes que creemos que son la mejor inversión. tomaras la decisión de que tu camino sería como freelancer aunque esto costara un poco más de trabajo? Desde el principio, cuando me gradué, me involucré en cortometrajes durante un año. Poco tiempo después, trabajé durante cuatro meses para una empresa en la cual editaba y grababa los videos, pero me di cuenta de que eso no era lo que yo quería, tanto en la carga de trabajo, como en los horarios de oficina. A partir de entonces tomé la decisión de ser freelance, llevo más de 10 años así y créanme, se puede vivir de esto, aunque mucha gente les diga lo contrario. “ ME SIENTO UNA PERSONA EXITOSA, ME SIENTO BIEN PORQUE VIVO DE ESTO Y ME GUSTA LO QUE HAGO PARALELO Sabemos que el trabajar en equipo siempre es muy difícil, ¿como es la química que tienes con tu pareja, Nau, a la hora de trabajar un proyecto? Siempre ha sido de gran ayuda, desde que éramos novios siempre nos hemos apoyado, él se encarga de la parte de efectos especiales y yo de editar. Desde hace 2 años empezamos a hacer una unión mucho más marcada con la especialidad de cada uno. Nuestro proyecto en puerta es formalizar la empresa, pues por lo regular nos relacionan solo con nuestros nombres por separado y no en conjunto, entonces la intención es establecernos como un solo negocio que llevará el nombre de “Paralelo” y estamos a solo unos pequeños detalles para que pueda ya salir a la luz. ¿Algo que identificará a PARALELO? Estudio creativo que ofrece diferentes técnicas; que sepan que no estamos casados con un estilo de fotografía o video, nos interesan marcas tanto pequeñas como grandes. ” Fotos por Bere Jaramillo Aparte del talento y de las capacidades para realizar tu trabajo, ¿crees que exista otra característica para satisfacer al cliente? La atención, la gente lo valora mucho. Recuerdo que mis primeros clientes me seguían contactando en parte por el trato con ellos, la entrega a tiempo, la importancia que les das, sin duda es un punto a favor. Con la experiencia que tienes siendo freelance, ¿podrías dar un consejo a quienes tienen una idea, pero se desaniman o están indecisos? Tienen que ser perseverantes. Obviamente no llega de un día para otro; si te apasiona lo que haces, valdrán la pena los años que le hayas invertido. Me siento una persona exitosa, me siento bien porque vivo de esto y me gusta lo que hago. CUMPLIENDO UN SUEÑO por Gema Espinoza Palomares De la mano de Angélica Rubio y su negocio ‘la libreteria’, adentrémonos a conocer un poco de su perspectiva respecto a lo que implica el cumplimiento de ‘un sueño’. De aquella idea, que un día, llega a nuestra mente y queremos volverla una realidad. ¿Cómo fue su comienzo en ‘la libreteria’? Primero me fui de maestría, y cuando regresé del intercambio fue cuando decidí salirme de mi zona de confort, y aventarme de 100% a mis 3 proyectos; a empezar ‘la libretería’, a dedicarme 100% a los clientes de mi estudio de diseño y a seguir con ‘pin factory’. El mismo trabajo fue el que me orilló a ello, ya no tenía tiempo, así que tenía que trabajar para alguien o bien, dedicarme a mis emprendimientos, ahí fue cuando decidí emprender al 100%. “ TÚ ERES EL PROPIO CREADOR DE TUS SUEÑOS, MIENTRAS MÁS LO DESEAS, MÁS ES LA MOTIVACIÓN POR CUMPLIRLO. LLEGA A TU META Y SIEMPRE DA TU 100% ” Para ver más de su tranajo: www.paralelostudio.mx @berejaramillo.foto Fotos por Bere Jaramillo 6 Noviembre 2019 7 Noviembre 2019 �¿Qué la inspiró a formar ‘la libreteria’? Yo siempre he sido muy amante de tener sketchbook, y estando precisamente de intercambio, mi socia y yo entramos a unos cursos de encuadernación. Siempre buscaba el sketchbook a un precio justo, con los materiales que quisiera, pero además que lo pudiera customizar. Así que, como no había eso en Monterrey o en México, entramos a cursos, ya que en España se da la mata de encuadernación; entramos a muchos cursos, y fue cuando compartí con ella la idea de hacer un producto mínimo viable cuando regresáramos, un producto para testear si le gusta o no al mercado. Llegamos, hicimos todo: marca, página de Facebook, compramos dominio, hicimos todo como si la empresa existiera, y empezamos a hacer dummys, y no los vendíamos, los regalábamos a quien quisiera probar las libretas. Después que vimos que sí les gustaba y nos daban feedback; nos decían: ‘ay pues pónganle esto’, ‘quítenle esto’, lo que hicimos después fue empezar a vender. Por lo tanto, primero testeamos el producto y viendo que sí había una respuesta, decidimos por ya empezar a hacerlo. ¿Qué fue lo que les motivó para hacer este proyecto? Encontrar un producto que no existiera y ofrecerlo en el mercado, ya que antes ni en Monterrey ni otro lugar de la República Mexicana, había quien los produjera. En cambio, ahorita ya hay muchas opciones. ¿ Cuánto tiempo le dedica a la realización del producto que ofrece? (libreta) Depende bastante del proyecto, por ejemplo, tenemos unas libretas con la técnica de impresión digital, la impresión es muy rápida. Una libreta, con todo su proceso: la impresión, armado de la libreta, cosido, doblado, el prensado y cortado, porque se tiene que refilar, se lleva como 4 minutos más o menos. Pero si la técnica no es de impresión digital, y es serigrafía, el tiempo de producción se extiende, porque hay que mandar a hacer placas, mandar a serigrafiar, o si es un alto o bajo relieve 8 Noviembre 2019 Un consejo con experiencia... Ángelica Rubio y su socia. Juntas fundadoras de ´la libreteria’. u offset, pasa exactamente lo mismo, depende mucho de la técnica. ¿Qué técnicas de diseño se utilizan para la realización de las libretas? Las técnicas de diseño gráfico que se utilizan en las libretas son más artesanales; hablando en términos de diseño gráfico propio de las libretas, lo que hacemos es ver un proceso de diseño, el entendimiento de lo que el cliente necesita, después de que el cliente nos dice cómo quiere o qué es lo que busca en la libreta, lo diseñamos. En ‘la libreteria’ muchas de las veces, nosotros tenemos que proponer el diseño y otras veces el cliente es quién nos envía su diseño. Independientemente de que el cliente nos mande su diseño, nosotros a veces le damos recomendaciones, algunos son otros estudios de diseño que mandan a hacer libretas con nosotros, y otros son empresas a las que nosotros brindamos recomendaciones, y a base de esas recomendaciones ya ellos nos dicen qué sí y qué no quieren. ¿Cuántos y cuáles son los tipos de papeles que se utilizan? Papel bond blanco, es un papel con un sello de FCC (responsabilidad social por el medio ambiente). Para mí, sirvió un montón el hecho de trabajar para alguien, si pueden empezar a trabajar antes de salir de la carrera, háganlo, es súper, súper bueno. Si están estudiando todavía, evidentemente, mi consejo sería que toda la parte teórica que puedan aprender ahorita en la facultad, apréndanlo; todos los libros que puedan leer de su carrera, apréndanlos, porque luego el tiempo se te va a hacer como agua entre los dedos, nada, y no vas a tener tiempo para eso. Trabajen para alguien, trabajen para distintas personas, aprendan a ser mandados para después tú saber mandar, aprendan a ser bien receptivos a feedback, eso es vital en la parte del diseño, a ser súper ‘open mind’ a las críticas que te den, nunca dejen de aprender, tomen la cantidad de certificados que sean posibles, y atrévanse, da miedo sí, pero una vez me dijeron esto y creo que fue lo que me hizo darme cuenta, que puedo perder; “Dicen que atrás del miedo, está el éxito”, pues nos da mucho miedo perder esa certidumbre que te da al tener un sueldo, pero cuando te das cuenta que eres capaz de producir no tú sueldo, si no el sueldo de más personas, está bien padre, entonces hay mucha responsabilidad, sean responsables, cumplan con sus tiempos, cumplan con sus pagos, si ganas $3.00 no gastes $6.00, eso es muy importante en un emprendedor, si ganas $3.00, gasta $.50, nunca puedes rebasar, y si vas a rebasarte no lo hagas con tu dinero, háganlo con el de alguien más, es decir, con un inversionista o con el dinero del banco, con un préstamo, pero nunca con tu capital. Entonces atreverse, perder el miedo, y de ahí todo se va acomodando. Mandamos a imprimir 3 diferentes tipos de papel: con rayas, de cuadros y con puntos, para las diferentes necesidades de los clientes, pero por lo general es Bond Blanco, Bond Ahuesado y el Bond impreso en los 3 diferentes modelos que son raya, cuadro y puntos. Los papeles de las libretas tienen diferentes los covers, son un papel que se llama ibayme que es ecológico, y otros papeles que son papeles regulares y con el tratamiento que le damos lo convertimos en algo mucho más padre. ¿Cuál es su experiencia en este proyecto? Pues la mejor experiencia de todas en estos 5 años ha sido de aprendizaje y de dolor, porque crecer duele un montón; tomar decisiones arriesgadas que a lo mejor ponen todo tu capital en juego porque no sabes cómo va a resultar. En realidad estamos como en expectativa y a ciegas, pero la experiencia ha sido de aprendizaje 100% y bastante enriquecedora, se traduce en un montón de felicidad, porque de a poco ves como el proyecto va siendo más fuerte. En temas de diseño ha sido bien enriquecedora porque el hecho de tener como el estudio de diseño al mismo tiempo está boxeando a ‘la libretería’ lo que ha proyectado en mi carrera profesional es como tener conciencia del valor de cómo se diseñan los márgenes, las columnas, por los tipos de impresión, y por la forma en cómo se produce una libreta. En términos de emprendimiento, fuera de que yo también soy diseñadora gráfica, ha sido súper satisfactorio con mi propio capital sin tener que pedir recurso económico de nadie y empezar auténtica y sencillamente desde cero. Y la otra que es más personal tiene que ver con que me encanta la parte de toda la papelería, entonces digamos que tiene mucho de mi espíritu del tema de diseño pero les voy hacer completamente honesta, toda la parte de calidad y de muy buena ejecución no es por parte mía, es también por parte de mi socia y yo pongo esta parte mía, como esta parte de business core, de estrategias y de diseño gráfico, pero ella pone todo su saber, su conocimiento en el desarrollo del producto que hacemos, entonces si soy justa, y puesto el éxito de la libretería no depende del 100% de mí, depende del equipo de trabajo y de las personas que nos ayudan a materializar el producto, entonces una experiencia personal y profesional súper enriquecedora. 9 Noviembre 2019 �N TT R R EE V V II SS TT A A EE N TRIDENTE BRAND FIRM “ NO PIERDAS EL TIEMPO, APROVÉCHALO Y NO LO DESPERDICIES EN COSAS QUE NO VALEN LA PENA, OBSERVA, EXPERIMENTA COSAS NUEVAS Y SIGUE TUS CORAZONADAS SIEMPRE CON CUIDADO ” ACONSEJA RODOLFO RAMÍREZ Te traemos lo que implica emprender tu propio negocio de la mano de uno de los expertos en el tema. 10 Noviembre 2019 H ay personas que deciden iniciar su negocio, sin embargo cuando esto sucede, se presenta el miedo a la pérdida de la inversión inicial, o a fracasar. Es claro que emprender no es para todos, entrar en el mundo de los negocios por tu propia cuenta no se trata sólo de tener una buena idea, sí, es una de las bases, pero se necesita capitalizarla. Por este motivo decidimos acudir a un diseñador experto en ésta área, Rodolfo Ramírez Morales, egresado de la Facultad de Artes Visuales, Director de Tridente Brand Firm, agencia en San Pedro, que inició como un proyecto escolar para pasar a ser un estudio de diseño que busca favorecer los gustos de los clientes. “Como negocio somos como un camaleón que se va adaptando al ecosistema de los negocios y las tendencias de comunicación”, expresó Rodolfo. Esto los hizo crear estrategias, implicando los temas de la comunicación para llegar a ser la agencia que son en la actualidad, establecieron sus pilares de servicio como el ‘branding’, la estrategia y la multimedia. Esto los llevó a trabajar para empresas importantes, como lo son algunos de los más famosos festivales de música que s que el miedo lo controlara. El público meta de Tridente se divide en dos segmentos, uno de ellos son los “followers” quienes, como lo dice la palabra, siguen su trabajo porque les gusta y la otra parte son los clientes, que van desde empresas hasta personas que necesitan una identidad gráfica. Debido a su amplia oferta de servicios, eligen estos estratégicamente junto con los elementos gráficos adecuados para cada uno de sus clientes y así cubrir sus necesidades. En esta empresa lo que los compete es que cuentan con especialistas para cada uno de sus servicios y estos están capacitados en los medios sociales, esto crea una oferta de calidad para los clientes, además de que realizan experiencias de consumo buscando trasladarlas al consumidor final y cuentan con la herramienta de la innovación tecnológica. Nuestro experto nos comentó que una de sus principales motivaciones para llevar a la realidad este proyecto fue la ambición por superarse y tener un mejor estilo de vida para compensar lo que había pasado durante su época de estudios. Una de las actitudes que lo llevó al lugar donde se encuentra ahora fue su atrevimiento para hacer las cosas y no dejar que el miedo lo controlara. Las cosas que más aprecia de haber elegido este camino dice, “con base en dedicarse a hacer lo que realmente te gusta, son los momentos en los que las personas se interesan por tu trabajo, cuando llegan a agradecerte por compartir tus experiencias o cuando te reditúan tu trabajo”. Actualmente un aumento salarial y un ascenso ya no es suficiente motivación para los jóvenes, la alternativa del emprendimiento ofrece una perspectiva diferente, que lo convierte en una opción más atractiva y es más común encontrar que los estudiantes quieran emprender un negocio, pero no siempre cuentan con el apoyo necesario, por esta razón gracias a su experiencia, Rodolfo Ramírez nos dice algunos consejos que te podrían ayudar si buscas seguir este camino. Es primordial que busques dedicarte a lo que te gusta, lo que realmente te apasiona, teniendo siempre las bases para fundamentar tus conocimientos para poder salir al mundo laboral. Cuando haces algo que en verdad te gusta no se ve como un trabajo, una forma de aprovechar esto es con las herramientas que tenemos a la mano como las revistas, libros o apps para ver los trabajos de los demás, observando las tendencias para llenarte de información y crear tus propias inspiraciones. 11 Noviembre 2019 �12 Octubre 2019 13 Octubre 2019 �M A R K E T I N G EL MARKETING 360 EL SOBREVIVIENTE DEL CAMBIO TECNOLÓGICO por Melissa Ondarza y Atzhiri Rodriguez T ras el avance de los medios digitales, las empresas han tenido que adaptarse a estos nuevos reglamentos que en un principio no les afectaban, pero ahora pueden llegar a cambiar el significado de las cosas. “ ANTES LA PUBLICIDAD SE BASABA EN CARTELES O COMERCIALES, PERO AHORA, GRACIAS A LAS REDES SOCIALES, SU MERCANCÍA PUEDE LLEGAR HASTA LUGARES FUERA DE SUS FRONTERAS, ” Lo que uno pagaba para que su anuncio estuviera en un cartel publicitario ahora es lo mismo que pagar para ponerlo en internet y llegue por sí solo a millones de personas. Era cuestión de suerte que tu anuncio fuera visto por muchos, pero ahora las empresas saben la cantidad de espectadores que día con día ven sus anuncios, cosa que antes era imposible saber. Las marcas tenían su propio logotipo establecido, pero hasta hoy saben que deben acoplarse y cambiarlo, pero conservando su significado. Los medios digitales les abren las puertas a muchos emprendedores ocasionando que haya más competencia , por lo que las empresas existentes, que antes estaban en la cima, deben adaptarse para no quedarse atrás. Tanto los precios como el material han cambiado en esta nueva era digital. 14 Noviembre 2019 Las empresas ya no tienen que preocuparse por invertir dinero en imprenta o en un comercial, ya que ahora la cantidad que pagaban para eso puede esparcir su publicidad. El pagar por un comercial o un cartel solo te permitía darte a conocer en cierta área. Gracias al marketing digital, ya las empresas no temen en invertir dinero porque, sin importar dónde esté su publicidad, puede llegar hasta lugares que ni ellos esperaban. La creatividad también es un punto a favor. El ser formal lo ha vuelto aburrido, hoy en día uno tiene que ser creativo para tener más atención y que el mundo sepa quién eres; es una forma más eficiente de dejarle tu marca al mundo y sea más fácil recordarte. El marketing, hoy más que nunca, es regulado por la tendencia social y tecnológica más que por la clásica mezcla de las 4P (Producto, Precio, Promoción y Plaza). Hoy existen un par de variables más que tenemos que considerar a la hora de modelar un negocio, ya sea de producto o servicio. Algunos referentes contemplan la EXPERIENCIA como el nuevo factor X del éxito a la hora de desarrollar una estrategia de marketing. Otro factor contemporáneo es la diversificación del segmento o nicho de mercado, tal como lo menciona Seth Godin (Tribes), la segmentación tradicional de género, edad y ubicación ha sido reemplazada por las TRIBUS (Brand Tribe). Un mundo interconectado y global ha desembocado en subgrupos aglomerados por intereses mutuos y coincidencias, es así como la estrategia más sensata de marketing empleará una segmentación por nichos de interés y consumo diversos e incluso transversales de un grupo a otro. Con el tiempo las redes sociales fueron posicionándose y otras desvaneciéndose, Facebook y Twitter fueron las más persistentes y evolutivas al grado que, como la regla de oferta y demanda exige, llegó el toque lucrativo de estas. Ahí comenzó el atractivo mundo de pautar para negocios en estas redes sociales. En un principio bastaba un buen diseño para anunciarse y esto nos abría las puertas para un nuevo modelo de negocio que no tardó en ser cautivado por los freelancers y agencias publicitarias convertidas más tarde en agencias de marketing digital. Pero al pasar de los años, comenzamos a ver políticas y ajustes de estas redes que han ido evocando mayor producción y creatividad a un nivel estratégico a un sin fin de ofertas desde freelancers, Community Managers, Agencias de Marketing digital, Influencers, etc. Las redes que actualmente mucha gente usa para el Marketing son Facebook e Instagram aunque depende mucho tu empresa o negocio para ver cuál de las dos te funcionaría más. Para poder darte a conocer, lo principal es analizar el mercado en donde se dará a publicitar aquel producto de manera local o a nivel nacional. La publicidad en las redes tiene dos segmentos: uno es la parte orgánica, que son todas las publicaciones y mensajes que no llevan presupuesto publicitario; la otra son las publicaciones pagadas o publicaciones pautadas con Facebook Ads y Google Ads. 15 Noviembre 2019 �LAS REDES SOCIALES COMO NEGOCIO Facebook Ads es el área comercial y publicitaria de Facebook. Está principalmente gestionada a través de herramientas como Administrador de Anuncios o Facebook Business Manager. Es la oportunidad de sistematizar un canal de prospección de clientes, posicionar tu marca o generar ventas directas a través de una serie de campañas publicitarias mediante la audiencia de esta red social. Facebook distribuye los anuncios entre su audiencia según una serie de variables y algoritmos basados en segmentación de big data desde áreas geográficas, género, comportamientos, gusto e intereses, en una semejanza análoga a lo que sería repartir volantes casa por casa en sentido figurado, esto en diferentes zonas de la red social. Dentro de las limitantes que Facebook Ads establece, está la reducción de publicidad con mucho texto en la imagen, la publicidad que pueda resultar engañosa como la típica de “antes y después”, las promesas de enriquecimiento, fortuna al azar, así como publicidad que atente contra la integridad como discriminatorias o aquellas que evoquen temor y miedo, principalmente en temas de salud y estética. En la actualidad la interacción es una fuente 16 Noviembre 2019 de éxito para una campaña, ya que permite elevar el rendimiento de alcance y conversión de prospectos de manera orgánica (sin costo) y, en un futuro, te da la posibilidad de activar campañas de remarketing. Google Ads posiciona tu negocio en la web. Pero, ¿cómo funciona? Google Ads usa palabras clave de búsqueda, de esta manera, cuando un usuario introduzca en el buscador la palabra que haz elegido les aparecerá la publicidad. Está basada en campañas de PPC (pago por clic) donde tienes que pagar por cada clic que reciben tus anuncios por parte de los clientes, es decir, te cobrará cada vez que alguien haga clic en el anuncio. Carla Morales (Asesora en redes sociales) ha trabajado en campañas de festivales y conciertos de la empresa Prime Entertainment. Ella participa en dar a conocer todo lo que comunica en las redes sociales, pá ginas web, entre otras más. Aunque por su cuenta da cursos y talleres sobre las redes sociales. Su principal canal es Facebook en cuanto a su trabajo personal debido a que de ahí conoce a muchos de sus clientes por parte de recomendación. En cuanto a la hora de realizar una campaña para una empresa ella menciona: “Primero analizo el mercado. Todo depende de la cuenta que uno tiene. Cuando se es una marca que nadie conoce, lo esencial es hacer un estudio de mercado en donde se dará a publicitar aquel producto local o nivel nacional. Realmente es conocer todo el entorno del negocio para así saber la estrategia digital que usarás”. Google Ads y Facebook Ads también forman parte de la estrategia de mercado que utiliza. Siendo plataformas para realizar publicaciones pagadas con el beneficio de llegar más lejos dándose a conocer. La estrategia fundamental de cualquier negocio es tener presupuesto designado para dar a conocer tu marca en redes sociales. “AMBAS PLATAFORMAS FUNCIONAN MUCHO PARA LA INVERSIÓN, ES DECIR, PARA LA PAUTA PUBLICITARIA. YO TRABAJO CON DOS SEGMENTOS, UNO ES LA PARTE ORGÁNICA QUE ES ASÍ COMO LE LLAMAMOS A TODAS LAS PUBLICACIONES Y MENSAJES QUE NO LLEVAN PRESUPUESTO PUBLICITARIO. LAS PUBLICACIONES PAGADAS O PUBLICACIONES PAUTADAS SON CUANDO SALEN A LA LUZ ESTAS APLICACIONES DE GOOGLE ADS Y FACEBOOK ADS. ME ENFOCO MÁS EN ESTAS PLATAFORMAS”. Para las empresas representa un ahorro económico gigantesco. Antes se gastaba demasiado en anuncios panorámicos o en otros medios, que no dejan de estar vigentes. Pero ahora con lo digital conviene más, ya que lo que invertías para un anuncio panorámico ahora te puede ayudar a llegar a diez mil personas a nivel nacional o incluso más lejos. El marketing se ha vuelto medible. “SI NO ESTÁS EN EL MUNDO DIGITAL, LITERALMENTE NO EXISTES PARA EL RESTO DEL MUNDO. SI UNO NO VE TU PUBLICIDAD EM REDES SOCIALES LA PERSONA PENSARÁ QUE ES FALSO Y NO TE COMPRARÁ. HA SIDO UN GRAN ESFUERZO DE LAS EMPRESAS POR PERTENECER A LAS REDES SOCIALES PARA ASÍ DARSE A CONOCER”. 17 Noviembre 2019 �MARÍA FERNANDA JIMÉNEZ DIANA DIAZ por Gabriela Barcenas y Citlali Zeledón M aría Fernanda Jiménez (ilustradora mexicana) cuenta con su marca “Amarillo pastel”, dedicada a hacer ilustraciones, comisiones, etc. Ella nos platica su experiencia sobre las redes sociales; su forma para llegar al público. “LAS REDES SOCIALES SON UNA GRAN HERRAMIENTA QUE TODOS DEBERÍAMOS APRENDER A USAR AL 100% Y PARA EL BIEN, HAY MUCHAS OPORTUNIDADES AHÍ, BASTA CON EMPEZAR A HACERLO (COMPARTIR TU TRABAJO) PARA DARTE A CONOCER. ” D Siendo influencer, contando con aproximadamente 28.4k de seguidores, nos cuenta que ha sido una gran experiencia, donde ella a lo largo del tiempo ha participado en eventos y conocido gente cuyos intereses o ámbitos son los mismos o, al ser diferentes, la inspiran. Aunque también tiene sus contras, como el no saber si el contenido que quieres subir será adecuado o si a tu público le agradará. Con la llegada de las redes sociales, es mas fácil llegar a más público y la cantidad de gente que ve tu trabajo. “Instagram, en realidad es la única en la que comparto todo “oficialmente”, me gusta porque puede servir de inspiración, para conocer a gente que está en lo mismo que tú y no sólo “ EL TRABAJO TAMBIÉN HAY QUE DISFRUTARLO, NO SOLO HAY QUE PENSARLO PARA VENTAS para vender tu trabajo, también puedes saber qué O PARA COMPLACER A UNA AUDIENCIA, ESO están haciendo tus artistas favoritos”. Pero el éxito MUCHAS VECES NOS FRUSTRA Y HACE QUE en redes sociales ¿Es suerte o esfuerzo? PREFIRAMOS NO HACER NADA.” María nos comenta puede ser subjetivo, esto debido a que para ella fue una gran cantidad de Sin embargo, ella nos aconseja no vivir del like esfuerzo, constancia y paciencia. ni de la expectativa de la gente que te ve, por el contrario, tratar de mostrarte real siempre, eso es “ MIENTRAS MÁS PUBLICAS E INTERACTÚAS, lo que hace auténtico tu trabajo y a ti. MÁS RESPUESTA TIENES, PERO HE APRENDIDO QUE TAMPOCO PUEDES VIVIR AMARRADO A LAS REDES. ” 18 Noviembre 2019 iana Díaz (ilustradora y youtuber mexicana) personas puedan robar tu trabajo, contrario a nos habla del cambio de lo tradicional que otras redes sociales. era el marketing a la actualidad. “Hoy en día, gracias a las redes sociales, podemos trabajar “POR EJEMPLO, FACEBOOK ES TODO UN desde la comodidad de nuestro hogar y no MUNDO DE ROBO DE ARTE E ILUSTRACIÓN, LO necesariamente tenemos que estar pegados a una CUAL AFECTA MUCHO A LOS ARTISTAS, YA QUE computadora para poder trabajar. Ha sido una gran NO RECIBEN CRÉDITOS NI LINKS DIRECTOS estrategia que las empresas se adentren a la era A SUS PÁGINAS Y, POR ALGUNA RAZÓN, EN digital, debido a que es lo que actualmente mueve INSTAGRAM SI DAN CRÉDITOS A LOS ARTISTAS O mucho tanto a la juventud como a los adultos, AL MENOS ES MÁS FÁCIL QUE LOS DEN. ” además de que es una forma de dar visibilidad a tu marca internacionalmente”, menciona Diana. “Yo siempre digo que existe un público para cada cosa. No todo le va a gustar a todos. Cada estilo “PARA MÍ FUE ALGO INGENIOSO Y SIRVIÓ PARA tiene su público y su función, nunca debemos decir QUE SE DIERAN CUENTA DE LA IMPORTANCIA DE que algo es “malo” o “bueno”, todo es de cómo ve LAS ARTES Y EL DISEÑO DE TODO TIPO, CÓMO la gente cada cosa personalmente y los gustos de TIENEN UNA GRAN INFLUENCIA EN LA GENTE Y cada uno. Se debe respetar mucho todo eso. ” LA FORMA EN COMO VEN LAS MARCAS”. Para Diana es importante mantener una conexión con sus seguidores: “Uno muy importante En cuanto a las redes sociales más utilizadas para fue empatizar con las personas. Siempre tratar darse a conocer se encuentran Facebook, YouTube de llegar a ellos de alguna manera, tratar de e Instagram. Diana nos cuenta que utiliza mucho crear conexiones. La gente siempre busca una más Instagram debido a que te permite conectar experiencia, algo que los haga sentir cosas al de manera más directa con el público, además momento de interactuar contigo. En el marketing de que encuentras una gran variedad de gustos, siempre busco dar más que un producto, trato de es agradable, visual, y es menos probable que las brindar una experiencia. ” 19 Noviembre 2019 �L E N G U A J E S Fotos por Yasodari Sánchez Lorena Estrada (representando al Colectivo Estética Unisex) y Yasodari Sánchez participaron en la convocatoria de forma autónoma, con sus proyectos “La ciudad del trabajo” y “La Independencia en sintonía con ideas”, correspondientemente. Ambos proyectos podrían conectarse porque reflejan su deseo de que la sociedad se permita evaluar ‘en un espejo’ cómo es que forma parte de algo, y que esto mismo puede distinguirse para crecer como individuo y sociedad. Al darse a conocer los acreedores a beca, ambos proyectos salieron victoriosos, “La ciudad del trabajo” en el área de fotografía y “La Independencia en sintonía con ideas” en el área de las artes visuales. El proyecto “La Ciudad del trabajo” de Lorena dió comienzo en Agosto del presente año; se adentra a visibilizar lo mencionado a través del tema del empleo dentro del contexto del Capitalismo Neoliberal, en su búsqueda a que se origine una introspección en la variedad existente de modalidad de trabajo, es decir, que observemos cómo el concepto de ‘empleo’ se ha ido transformando al paso del tiempo, e identificar en lo que se ha avanzado y falta por avanzar, así Fotos por Lorena Estrada CONARTE: BECA POR EL “IMPULSO ARTÍSTICO Y LA CREACIÓN 2019” Fotos por Melissa Ondarza por Alba Pecero D entro de la Facultad de Artes Visuales destacan los nombres de las artistas, y también profesoras, Lorena Estrada Quiroga y Yasodari Sánchez Zavala, quiénes atendieron al llamado de la primera edición de la convocatoria “Impulso artístico y la creación 2019” por parte del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León; programa de reconocimiento 20 Noviembre 2019 bianual /anual creado para el fortalecimiento de la trayectoria de artistas y creadores nuevoleoneses. En dicho evento se eligieron 10 proyectos, los cuales fueron merecedores de una beca económica de $200,000.00 pesos. Al final se recibieron 83 postulaciones, de las cuáles se seleccionaron proyectos que pudieran lograr una intromisión de valor significativo con la sociedad y su alrededor. como de la deficiencia que todavía persiste dentro de ello. Para demostrar lo anterior, se está buscando seleccionar fotografías captadas en puntos clave dentro de México, que muestren la realidad de los empleados dentro de un espacio, así como la diferencia de una modalidad de trabajo a otra; por ejemplo, de un empleo asalariado a uno ‘freelancer’. Esencialmente, es un proyecto de investigación-creación; por lo tanto, se tomará en primera instancia la investigación y gestión, para que de esa forma se pase a la edición del material recolectado, pero también porque el proyecto es de largo aliento y se estima una duración en años antes de que finalmente concluya. Mientras tanto, Yasodari se embarca en su proyecto “La Independencia en sintonía con ideas”, el cual comenzó en 2014, buscando evidenciar el patrimonio, la identidad y la memoria de prácticas que han ido generando el presente tejido social, esto para manifiesto en la importancia de las comunidades o grupos que en ocasiones se les tiene en una idea clasista, ya sea por el desconocimiento o ignorancia de estos. Al mismo tiempo, destaca la acción de generar cruces en distintas áreas del conocimiento en conjunto con las comunidades, tomando como ejemplo a la Col. Independencia, donde habitan ella y su familia, exponiendo que, así como esta comunidad, existen muchas otras, o lugares de los que se tendría que hablar y dentro de ello nosotros mismos deberíamos desarrollar acciones, ya sea como ciudadanos, artistas o profesionales. Parte del proceso que sigue el proyecto es generar un documental y a la par de su desarrollo se han agregado otras acciones que son de práctica artística con presencia audiovisual, tanto que se llegó a la preparación de un libro y a la idea de arrancar una intervención pública. En ambos proyectos podemos identificar el propósito de generar resultados eventuales antes de lograr el resultado final. Entonces, a pesar de que la beca esté considerada para un año dentro de sus respectivos proyectos, esto no determina su finalización, puesto que se pretende indagar profundamente en los temas que trata cada uno. De esta manera, se vela por el cumplimiento del compromiso que se decretó cuando decidieron hacer un cambio con y para la sociedad. 21 Noviembre 2019 �A R T E S EL INSTITUTO DE ARTES GRÁFICAS DE OAXACA EN MEDEROS por Arantxa Rivadeneyra U na de las colecciones gráficas más importantes de Latinoamérica tuvo lugar los pasados tres meses en el nuevo Centro de Investigación, Innovación y Desarrollo de las Artes (CEIIDA) ubicado en nuestro campus universitario. Como celebración de su 30 aniversario, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca exhibirá 189 piezas como una muestra de la riqueza que hay dentro del acervo artístico creado por Francisco Toledo. Esta exposición expuso un lado distinto del artista oaxaqueño quien, además de ser tal vez el pintor mexicano más reconocido de nuestros tiempos, era un coleccionista de arte apasionado. Esta exhibición llevó por nombre “IAGO, Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, tres décadas en la gráfica” la cual se concentraba en la revisión y reflexión de la gráfica como medio artístico. “Una de las grandes aportaciones de esta técnica dentro de las artes visuales es que difunde lo que sucede cotidianamente en la historia. Al final se vuelve un documento histórico”, expresó Berenice Torres, museógrafa de la exposición. La colección del acervo creado por Toledo durante 30 años, resguardado por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y el IAGO, ha sido punto de convergencia para el resguardo de obras destacadas a nivel nacional e internacional. David Alfaro Siqueiros, Pablo Picasso, Francisco De Goya, Joan Miro, Wilfredo Lam, el mismo Toledo, entre otros. La segunda parte llamada “Artistas de la gráfica contemporánea” estáuvo conformada por 139 obras, por primera vez exhibidas fuera de Oaxaca, de la autoría de los artistas Gabriel Orozco, Abraham Cruzvillegas, Berenice Torres, Dr. Lakra y demás autores coetáneos. “ LAS PERSONAS QUE ASISTIERON PUDIERON ADMIRAR PIEZAS QUE PARA VERLAS JUNTAS TENDRÍAN QUE SALIR DE MÉXICO Y VISITAR VARIOS MUSEOS. ELLOS SOLO TUVIERON QUE IR AL CEIIDA PARA VERLAS TODAS JUNTAS Y DARSE UNA IDEA DE SU ALCANCE Para la realización de este proyecto se contó con el apoyo de Sara López Ellitsgaard, hija de Toledo, quien es la Directora del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, IAGO. Así como la colaboración de Inari Reséndiz, Gerardo Martínez, coordinador del cervo Toledo-INBA y La primera parte de la exhibición Joushimar Mora coordinador reunía obras de artistas como de Exposiciones del Instituto de Leopoldo Méndez, José Artes Gráficas de Oaxaca. Guadalupe Posada, Julio Ruelas, Manuel Felguérez, José Luis Cuevas, José Clemente Orozco, ” “Escena Erótica” por Dr. Lakra 22 Noviembre 2019 Fotos por Paola Martínez 23 Noviembre 2019 �E V E N T O COMEX TRENDS 2019 por Flor Islas L as tendencias 2019 que se dieron a conocer dentro del evento COMEX de este año fueron las siguientes: Hiperlocal: Pretende honrar el pasado para crear un legado a través de colores neutros cálidos que evocan tonos de elementos de la naturaleza. Accionismo: Se rige bajo un pensamiento revolucionario que invita a generar cambios y reafirmar el empoderamiento de la mujer; está llena de colores enérgicos que sin duda voltearás a ver, como los primarios, blanco, negro y tonos rosas. Endémico: Su intención es reflejar tanto el poder como la fragilidad de la naturaleza, su crecimiento y el paso del tiempo que observamos a través de paisajes autóctonos; está conformada por verdes de todas las tonalidades, grises y un rosa sombreado. Reflejo: Inspirada en el comportamiento del ser humano, su interacción con el entorno y la transformación de sus emociones, esta paleta está conformada por colores intensos, naranjas saturados que se equilibran con verdes, azules y tonos neutros. El día 28 de Agosto de 2019 se llevaron a cabo los Macro talleres de #ComexTrends 2019 en nuestra Facultad de Artes Visuales. Este evento inició con algunas conferencias impartidas por la arquitecta 24 Noviembre 2019 Elizabeth Gómez, el diseñador industrial Emiliano Godoy y los diseñadores Rodrigo Noriega y Ariel Rojo. El equipo de Comex dio el pronóstico más inspirador y acertado sobre colores, materiales y superficies, analizamos las influencias culturales, ambientales y tecnológicas que determinarán los colores y tendencias del próximo año. El discurso vibrante y el debate apasionado revelaron un tema claro y unánime para el 2019: expresión. El impulso básico por expresar nuestras creencias y nuestra pasión surge de tantas formas específicas como hay seres humanos en el planeta. No seríamos nada sin la expresión. Finalmente, de entre la amplia variedad de tonos rosas que sobresalen en su gran colección, el color elegido fue Emilia [083-04] como el Color del Año, el cual representa a la humanidad como esencia del 2019. Al final de esta gran conferencia se llevaron a cabo los talleres que dio este gran equipo. Taller 1: Objetos Impartido por el reconocido diseñador Emiliano Godoy. Taller 2: Objetos Impartido por el reconocido diseñador Ariel Rojo. Taller 3: Innovación Impartido por el reconocido diseñador Rodrigo Noriega. Taller 4: Espacios Impartido por la reconocida diseñadora Elizabeth Gómez Coello. Fotos por Paola Martínez 25 Noviembre 2019 �A � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2019 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Noviembre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, 2019, No 1, Noviembre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/11/2019 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020112 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Beca Conarte Comex Trends Emprendedor Fotografía Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca libreteria Marketing digital Redes sociales https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20001/Croma_2020_No_2_Junio.pdf 41bfa0776c2bd3a8107028a94d9b5bc7 PDF Text Text Junio 2020 / Número 2 Arte. Diseño. Audiovisual La creatividad en tiempos de pandemia ��4 ALUMNO DESTACADO Isaac Marcos Foto y Arte en Cuarentena 6 DOCENTE Nuestros profesores desde su perspectiva 8 COVID-19 Netoplasma 10 COVID-19 Soluciones de Diseño en la Cuarentena 12 COVID-19 Ángel Rincón 14 COVID-19 El muralismo de Chanate 16 COVID-19 Home-Office: Roberto Ipiña, Fernanda Salgado, Rebeca Lizárraga Créditos Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Académica Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Sancho González Coordinadores y Editores de la Revista Croma Alejandro Carlín Galavíz Marlene Guajardo Rodríguez Christian Eugenio Guerra Daniel Canizales Carlos Rodríguez Fernanda Villarreal Sepúlveda Estancia de producción EN PORTADA @angelinabambina - Freepik Intervención: Leonardo Rojas Abreu 18 COVID-19 Prácticas Profesionales: Fernanda Álvarez, Fernando Rojas 20 ALUMNOS Intercambio 22 ARTES El arte del performance: Celeste Flores 24 COVID-19 ABURTOV: Colorista en MARVEL Comics 26 ENFOQUE Efectos Especiales FAV: 28 TALENTO Ana Hinojosa �A L U M N O D E S T A C A D O ISAAC MARCOS FOTO Y ARTE EN CUARENTENA por Christian Eugenio Guerra Platicamos con Isaac Marcos, estudiante de FAV y fotógrafo independiente, sobre su forma de trabajar y cómo lo ha sobrellevado en estos momentos de crisis por la pandemia, también nos da algunos tips para manejarnos mejor en estas situaciones de acuerdo a las experiencias que ha tenido. Cuéntanos un poco sobre ti y a lo que te dedicas. Hola, actualmente estoy estudiando la carrera de Lenguaje y Producción Audiovisual en la Facultad de Artes Visuales, voy en octavo y me encuentro trabajando como fotógrafo y artista digital freelancer, combinando la realidad con la magia del 3D para llegar a composiciones muy chiditas. ¿Cómo comenzaste a desarrollarte por tu cuenta en el mundo de la fotografía profesionalmente? Todo fue por el vídeo, un semestre antes de entrar a la Facultad empecé con muchas ganas de aprender a hacer videos y hasta cierto punto algo de cine, mis papás me ayudaron con mi primer cámara y comencé a aprender sin darme abasto por medio de Youtube, hasta que un día de la nada comencé a hacer fotos y prendió una chispa que no se ha apagado. ¿Qué ventajas y desventajas consideras tiene el trabajar de una manera independiente? La ventaja principal es que el trabajo que haces con cualquier cliente va a tener tu toque como artista, en lo que sea que hagas va a estar plasmado tu estilo ahí, que a fin de cuentas es lo que forma tu nombre en el medio, contrario a estar en una empresa, pues muchas veces tenemos que limitarnos por ciertos lineamientos que ésta nos dicta. La desventaja que le veo es por el lado económico, normalmente si estás como freelancer no vas a tener un sueldo fijo y aunque como artista uno no tiene la meta de hacer todo esto solo por dinero… no quita el hecho de que es un factor importantísimo para subsistir. ¿Qué procesos de trabajo y herramientas para laborar utilizas regularmente? Las principales son mi cámara (Sony a7ii) y los programas en donde se hace toda la magia (Photoshop y Blender), ya en casos muy específicos llego a usar algunos otros programas para hacer el trabajo dependiendo de qué idea tenga o cuál sea la petición del cliente. 4 JUNIO 2020 �Debido a la situación de salud actual y la cuarentena, ¿qué tanto te ha afectado en tu trabajo y cómo ha cambiado tu forma de laborar? Pues como todo… sí se vio muy afectado, por lo menos hasta nuevo aviso en lo que todo esto se calma, por el lado del 3D pues no necesito dejar mi casa para seguir trabajando por lo que aún han estado llegando nuevos trabajos, me ha enseñado mucho a trabajar con lo que se tiene aquí a la mano y explotar un poquito más la creatividad. ¿Qué soluciones estás empleando para poder laborar en estos días de cuarentena? Intentar lograr lo más posible sin la necesidad de salir de casa, usando todo lo que mi capacidad e internet me pueden ofrecer. Como estudiante o profesional, ¿qué experiencias te está dejando la situación de salud actual? La experiencia de estar constantemente buscando una solución para los diversos problemas que se presentaron, esto te vuelve mucho más ágil y eficiente a la hora de crear. ¿Consideras que en el ámbito educacional y laboral estamos preparados para situaciones de este tipo? En México aún nos falta un poquito más de experiencia para poder sobrellevar mejor estas situaciones, sin embargo sí se ha hecho lo posible y un buen trabajo para hacer que pese menos estar en una situación así. “ SON ESTOS LOS TIEMPOS DIFÍCILES DONDE UNO EXPLOTA MÁS LA CREATIVIDAD PARA PODER SUBSISTIR EN EL MUNDO DEL ARTE ” ¿Qué consejos le puedes dar a la gente que estudia o trabaja actualmente en esta crisis en ámbitos relacionados al diseño y el arte? Lo mencionado anteriormente, son estos los tiempos difíciles donde uno explota más la creatividad para poder subsistir en el mundo del arte, buscar diferentes alternativas que nos puedan ayudar a salir adelante (ya sea emocional o económicamente), haciendo foto de stock, vendiendo comisiones, creando contenido en sus redes para agarrar clientes, vendiendo servicios de retoque a distancia, etc. No olvidemos que somos artistas y los artistas no solo buscan, crean. ¿Qué propones para estar preparados como sociedad y como profesionales para este tipo de situaciones en el futuro? Primero que nada el buscar la manera de generar un ingreso pasivo ya que esto te ayudará no solo en ese tipo de situaciones sino en toda tu vida, aprovechar los momentos que se nos dan para aprender a hacer diferentes cosas y no quedarnos en un solo campo artístico, así serás más susceptible a ser contratado aún en tiempos difíciles y yo creo que lo más importante es no perder la cabeza, estas son situaciones que no podemos controlar, lo importante es mantenerse firmes ante lo que venga y nunca dejar de crear. 5 JUNIO 2020 �D O C E N T E NUESTROS PROFESORES DESDE SU PERSPECTIVA Más que maestros, diseñadores; más que diseñadores, compañeros; y más que eso, nuestro ejemplo; la vida de nuestros profesores desde su perspectiva. por Marlene Guajardo L a situación por la que el mundo está pasando en la actualidad nos ha llevado a estudiantes, maestros y diseñadores a realizar una adaptación como todas las personas lo han tenido que hacer, para así sobrellevar esta realidad, en nuestra Facultad queremos reconocer a nuestros maestros que han logrado y sobrellevado los retos que el Diseño Gráfico nos impone; así mismo entrevistamos a uno de nuestros maestros para conocer un poco sobre ¿cómo ha sido su carrera? y ¿cómo ha sido para él enfrentar la situación del covid-19?. Aquí podrás conocer un poco más sobre el Maestro Manuel Sancho. ¿Cuál fue la carrera que estudió? Diseño Gráfico. ¿A qué se dedica actualmente? Soy jefe de diseño editorial en el área de soft news del periódico El Horizonte y docente de la FAV. ¿Cuánto tiempo lleva trabajando en su área? Formalmente 12 años, desde 2008. ¿Cuál ha sido su mayor desafío en el área laboral? En general podría decir que un desafío grande que he vivido y sé que muchos otros diseñadores también, es el poder desarrollarte y crecer en alguna empresa en el área creativa. A veces es complicado porque la demanda es poca y la oferta de diseñadores es mucha, por lo que están escasas las vacantes en estas áreas. Algo que creo que me 6 JUNIO 2020 ha ayudado mucho a superar ese reto ha sido ser siempre propositivo, tener buena actitud ante el trabajo y sobre todo involucrarme en otras áreas y procesos, no solamente a los correspondientes al diseño, de esta forma te vas haciendo de habilidades y conocimientos generales no solo de tu área sino de todas las que hay a tu alrededor y podrás desempeñar casi cualquier puesto en tu equipo o hasta en tu empresa. ¿Algún Proyecto que usted pueda destacar de entre todos en los que ha participado? Uno que puedo mencionar es la primera vez que diseñé todo el concepto y layout de una revista, fue el rediseño de la revista LOOK en el año 2014 lo cual se hizo con motivo del segundo aniversario de la revista. ¿Cuáles fueron sus primeros retos ante la cuarentena para el área a la que se dedica? Creo que fueron menos que los de muchas otras personas, la verdad siempre he pensado que el diseñador es “home officer” por naturaleza, claro que hubo algunas cosas que resolver, al trabajar en equipo lo primordial es la comunicación, ponerse de acuerdo cuál será el mejor canal para mantenerse en contacto y por otro lado el acceso a la información y materiales, fue muy importante también poder entrar a servidores y nubes para compartir todo y que lo técnico no fuera un impedimento para realizar el trabajo. ¿Cómo ha sido el reto para usted en esta cuarentena?, ¿considera que hubo cambios en su rutina de forma radical? Sí, definitivamente ha cambiado mucho y sobre todo me ha hecho reflexionar sobre la manera en la que trabajamos actualmente y mis perspectivas sobre la profesión del diseño. Por un lado, esta situación nos ha demostrado que, efectivamente ante una crisis, siempre vienen oportunidades. Las empresas han descubierto que todo el trabajo que se hacía en una oficina, en un horario establecido, sin problemas se puede realizar desde cualquier otro lugar donde se tenga una computadora con acceso a internet. Claro, estamos hablando de labores que no requieren de un trabajo manual, pero en muchísimos de los puestos administrativos, creativos y educativos, por mencionar algunos, nos dimos cuenta que podemos llevarlo a cabo desde nuestra casa y rendir igual o mejor que si estuviéramos en la oficina. En el tema personal también cambió por completo mi rutina, como la de muchos otros padres de familia, ahora dedicarse las 24 horas del día �a trabajar / ser papá ha sido todo un reto, pues normalmente la mayoría contamos con ayuda de alguien más, guarderías, familiares, etc., y con la contingencia ahora tienes que encontrar la manera de malabarear entre el trabajo y el rol de las actividades de padre o de la casa, ¡ha sido un show! Y algo muy importante que creo que cambió fue el cómo percibo el trabajo del creativo. Hace tiempo, especialmente recién graduado, comenzaba mi vida laboral y me daba cuenta que en muchas empresas la carrera de Diseño Gráfico no era tan bien pagada, pasé algunos años trabajando y logrando méritos, creciendo en las empresas para las que laboraba y me di cuenta que era difícil, pero podías ir logrando cosas importantes con esfuerzo y perseverancia. Ante esta contingencia mi manera de pensar es que no hay mejor área para trabajar que la creativa, y esto lo digo desde el punto de vista de oportunidades laborales. Es un área que puede generar su propio empleo sin mucho esfuerzo ni inversión, por ejemplo, como diseñadores gráficos, estamos dotados con las herramientas para darle servicio a un emprendedor o a empresas de todos los tamaños en necesidades que tienen diariamente y por las cuales invierten millones de pesos al año, claro, debemos estar listos para hacer nuestra labor de venta como profesionales, pero tenemos todo para hacerlo y la naturaleza de nuestro trabajo nos lo permite. Muchas otras áreas, por poner algunos ejemplos, un reclutador de personal, un médico, un ingeniero mecánico y muchas más, solo pueden hacer una pequeña parte o tal vez nada de su trabajo desde casa, son profesiones que por lo general tienen un lugar de trabajo, requieren materiales o herramientas más costosas y que no es tan común contratar de manera freelance o externa. Es por esto que mi manera de ver la carrera de diseño cambió por completo y me di cuenta que tenemos una gran ventaja que debemos todos comenzar a aprovechar. 7 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 NETOPLASMA por Alejandro Carlín Te presentamos esta interesante entrevista a Netoplasma, egresado de la Facultad de Artes Visuales, que nos da una perspectiva de su carrera y su desarrollo profesional. ¿Cómo nació tu gusto por el diseño gráfico? Mi gusto por todo lo que hago parte del dibujo, como la mayoría de los niños, me encantaba dibujar y no paré de hacerlo, fui descubriendo otras cosas que me llamaban la atención como el arte, el graffiti, las caricaturas y finalmente cuando me tocó elegir una carrera que estudiar vi el diseño gráfico como lo más cercano a lo que me gustaba por materias como historia del arte, dibujo, teoría del color, etcétera. Estudiando descubrí que, en realidad, diseño era muchas otras cosas además de solo dibujar y me fui enamorando de la carrera y el amplio abanico de oportunidades que ofrecía, una de esas oportunidades era la ilustración, donde pude mezclar mis nuevos conocimientos sobre composición, tipografía, resolución de problemas y programas de diseño con mi gusto por el dibujo y el arte urbano. 8 JUNIO 2020 ¿Cuánto tiempo llevas laborando y cómo fue que llegó esta oferta de trabajo? Llevo poco más de diez años como diseñador, pero siempre he complementado esa labor con la ilustración y el arte urbano. Desde mitad de carrera trabajé como practicante con Paco Reyes que era profesor en FAV, luego estuve en Cadena & Asociados varios años, donde me enamoré del branding, los proyectos holísticos y el trabajo en equipo, para posteriormente experimentar el trabajo de diseñador en el mundo de la publicidad en Menos Uno Cero Uno, ahora Brands & People. En esos trabajos aprendí mucho sobre tipos de proyectos, clientes, cotizar, cómo funcionan las agencias y equipos de trabajo sin dejar de lado mis proyectos personales como Netoplasma, que me han llevado a trabajar con marcas que admiro, dar cursos, exponer, dar conferencias y hasta en algún momento tener una marca de ropa. �Luego creí estar listo para trabajar como Freelance, lo cuál es bastante difícil así que duré solo un año hasta que formé un estudio con un socio que se llamó Hungry, llegando a ser seis personas en el equipo y tres años después decido salir de ese estudio para poder tener el timón a la hora de decidir el método de trabajo, clientes, rumbo del estudio, etc., y finalmente formé junto a mi esposa, que también es diseñadora, mi actual estudio de diseño, ilustración y murales que se llama Huracán Design. ¿Cómo ha sido o cómo ha evolucionado la manera de trabajar desde que empezaste a la actualidad? En cuanto a lo técnico creo que la práctica, el conocimiento de los programas y el uso de shortcuts me han hecho muy rápido a la hora de trabajar, aunque sigo aprendiendo cosas nuevas todo el tiempo y tratando de usar otras herramientas que antes no existían como el iPad. En el proceso creativo, toda la experiencia de trabajar en grandes agencias y marcas con los aciertos y errores que implica, me han hecho más eficaz a la hora de resolver conceptos, bocetos, tener referencias claras y buen ojo, haciendo a veces hasta copy o dirección de arte. Como mencioné anteriormente, siempre hay cosas que aprender, las herramientas digitales, los negocios, los clientes y los procesos pueden cambiar, y es nuestro deber como profesionales estar lo más actualizado posible. En estos tiempos de contingencia, ¿Hubo algún cambio por cuestión del covid-19? Sí, teníamos el estudio en la colonia Roma a una cuadra de Garza Sada, me gustaba mucho ir con mi esposa al trabajo en bici o caminando, pero tuvimos que dejar de rentar ese espacio porque al estar en casa con nuestros hijos no le íbamos a dar uso en muchos meses, además tomamos la difícil decisión de dejar ir a un practicante de la Facultad de Arquitectura que nos apoyaba con contenido de video y fotos para los murales que hacíamos y que por el virus, hemos dejado de hacer. Tenemos solamente un diseñador en el equipo y está trabajando desde casa, con menos horas de trabajo y revisiones diarias por videollamada. Los proyectos de los clientes afortunadamente no se han detenido, creo que lo que hacemos adquiere mucho más valor en estos tiempos porque los presupuestos de marcas se van a lo digital o a tratar de diferenciarse de alguna forma. ¿Crees que habrá algún cambio en el futuro en temas como el home office o en general con el diseño gráfico? Creo que el cambio va a ser en general, las empresas se van a dar cuenta de lo innecesario que es rentar espacios, los empleados verán lo costoso en tiempo y dinero que es transportarse a esos espacios, y lugares como coworks van a tomar mucha fuerza para las pocas actividades presenciales que queden. Empresas como Twitter ya avisaron a sus empleados que pueden trabajar siempre desde casa si lo desean, personas como los nómadas digitales y los freelancers van a crecer mucho y para estudios de diseño como nosotros se abre un abanico nuevo de oportunidades como trabajar a distancia con los mejores diseñadores o ilustradores independientemente de donde vivan, teniendo proyectos de todo tipo sin depender de un falso estatus que dan las oficinas bonitas o la localización de las mismas. ¿Qué tips podrías brindarles a tus colegas que están pasando por esta situación? Usen la tecnología a su favor, aplicaciones como Notion, Asana o Todoist, ayudan muchísimo a planear las actividades, diarias, semanales y mensuales. Que se pongan objetivos y no sean reactivos a lo que vaya surgiendo. Tengan un espacio de su casa destinado solamente a trabajar, esto muchas veces es difícil, pero es clave, no trabajen en el comedor o la cama. Cada espacio debe tener su propósito. Tratemos de ser positivos, encontremos las oportunidades que esconde la crisis, propongan cosas nuevas a sus clientes, ya que para ellos todo esto también es nuevo y muchas veces no tienen idea de cómo resolver o dónde poner sus presupuestos. Por último valoren su tiempo, hagan lo posible por salir de esto más preparados, con mejores hábitos y replanteando lo que es verdaderamente importante para ustedes. 9 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 SOLUCIONES DE DISEÑO EN LA CUARENTENA por Alejandro Carlín Con la llegada del Covid-19 a México, la cuarentena le dio un giro a los proyectos que teníamos, para algunos se tuvieron que cancelar por completo, para otros, solo posponerlos para cuando todo termine. E l pasado 27 de abril de 2020, para conmemorar el día del diseñador, el Festival de Diseño Gráfico DH ofreció conferencias internacionales organizadas por el estudio Tipos Libres en Querétaro, iniciando con una conferencia en la plataforma Zoom, misma que fue transmitida en vivo por Facebook, en la cual nos hablaron sobre diseño, platicaron sus experiencias y nos compartieron las soluciones que surgieron para sus proyectos durante el confinamiento por el Covid-19. La conferencia virtual inició con algunas bromas y risas, saludándose entre ellos como viejos amigos con tiempo de verse, para dar paso a presentarse cada uno contando los estudios/agencias de diseño de las cuales forman parte y complementando con los puestos que han tenido y el tiempo que han estado viviendo de diseño. Después de responder algunas preguntas tales como ¿es mejor estar en una agencia o crear una?, ¿hay machismo dentro del diseño? entre otras llegaron a la pregunta de ¿Qué tanto les ha disminuído el trabajo debido al confinamiento? ¿Qué están haciendo para “sobrevivir” a ello? A lo que Paulo Villagrán nos comparte que al empezar a ver que los proyectos se evaporaban y al acumularse el estrés empezó a hacer ejercicios creativos con los clientes que ya tenía, para proponer talleres en línea, encontrar caminos nuevos y aprender cosas nuevas. Ser freelance y vivir de diseño en la actualidad es algo complicado. Gabriel Meave menciona que es bueno ser todólogo, y en tiempos de crisis es una muy buena opción, el ser ilustrador, hacer identidad, hacer tipografías, tener mayor flexibilidad te hace tener más clientes. El pago de regalías es el mejor ingreso si creas contenido que lo pueda generar a largo plazo. El éxito de un diseñador se basa en el éxito de nuestros clientes, mencionó Meave. 10 JUNIO 2020 �Para ello, Rosemary Martínez, dice que siempre hay que tener una actitud de servicio con los clientes, el saber cómo usar la creatividad para ayudarlos en tiempos así. Como diseñadores tenemos la responsabilidad creativa para elevar la economía. Construir relaciones con los clientes para cuando estemos en la necesidad, ellos respondan con ayuda., comentó Rosemary. Para Roberto Puig, el aprender a hacer relaciones auténticas y duraderas con los clientes es vital para que a largo plazo te “echen la mano” y en momentos de crisis te salven. A Ana Cisneros, después del shock de perder grandes contratos, vino a su mente el conversar con los clientes, y preguntarse ¿qué puedo hacer yo? ¿Qué no se ha hecho? ¿A qué puntos ponerles mayor atención? ¿Dónde tenemos mayor oportunidad de crecimiento? Las empresas se están reinventando, como diseñadores nos toca hacer lo mismo para tener éxito con nuevas perspectivas a nuestros proyectos, asegura Cisneros. Juan Carlos Fernández opinó sobre la crisis y cómo la producción de muchas empresas disminuyó, por lo tanto, el dinero también. Agregó que nosotros como diseñadores tenemos que saber cómo ofrecerle un valor a nuestro trabajo sin perder la confianza con los clientes. Para cerrar el tema Eduardo Espinoza nos menciona que debemos aprender a afrontar situaciones complejas, para encontrar la manera de hacer proyectos, lo más valioso no es el diseño, sino la relación que haces con el cliente. “ LAS EMPRESAS SE ESTÁN REINVENTANDO, COMO DISEÑADORES NOS TOCA HACER LO MISMO PARA TENER ÉXITO CON NUEVAS PERSPECTIVAS A NUESTROS PROYECTOS ” 11 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 ÁNGEL RINCÓN por Alejandro Carlín Un productor audiovisual que tiene como pasión la fotografia, Ángel nos platicó cómo inició su interés por la fotografía: “Desde que tengo memoria siempre me ha gustado ver fotografías antiguas, me impresiona mucho saber que una persona guardó un instante de su visión para la eternidad, me inquieta mucho saber por qué el fotógrafo decidió mostrarnos ese momento, ese ángulo, ese lugar o esas personas. Para mí la fotografía es mágica porque a través de ella puedes contar la realidad de lo que vives o si lo prefieres puedes inventar y mostrar mundos paralelos de tu visión, todo depende de lo que quieres contar.” A dentrándonos más en la plática queríamos saber específicamente en qué se centraba su trabajo, esto fue lo que nos respondió: Actualmente tengo mi propia marca que se llama “Pajarito Pajarito”, dedicada específicamente al ramo social, mi labor principal en Pajarito es la fotografía, también hago un poco de marketing y edición de video. Ya estando ahí nos dio curiosidad en qué fue lo que lo llevó a querer enfocarse a eso especificamente, a lo que nos contó: “Caí en el ámbito social de rebote, al egresar de la Facultad, una muy buena amiga me invitó a trabajar como editor de video de bodas en una marca que para ese entonces fue de los primeros en innovar en el ámbito social, y fue ahí dónde me enamoré del género. Trabajé varios años como productor y post-productor de video en “Reelove” y pasado el tiempo, para distraerme un poco del video, empecé a hacer sesiones fotográficas de parejas para mis amigos y uno que otro conocido, casi sin darme cuenta así fue como inicié mi propia marca “Pajarito Pajarito”. Quisimos saber también que es lo que le gustaría transmitir con su trabajo y lo que nos dijo fue que siempre está tratando de potenciar los sentimientos de los clientes, aunque parezca que la fotografia social es fácil, él nos dice 12 JUNIO 2020 que tienes que acoplarte al sentir de los distintos clientes y siempre proyectar a tu manera lo mejor de su mundo. Realizó sus estudios profesionales en la Facultad de Artes Visuales en la generacion 2004-2008. Ha tomado varios cursos, entre los cuales destacan un curso de especialización en fotografía de boda en Tijuana con Kary y Tae de “Be Here”, un taller de fotografía documental y social en la UNAM con el fotógrafo español Fran Russo y actualmente mediante la vía digital está tomando varios cursos de fotografía de retrato, producto y marketing digital para redes sociales, y como ponente ha tenido la oportunidad de ofrecer varios talleres de producción de video social a lo largo de la República Mexicana. Algo que queríamos saber es ¿en qué se basa al momento de realizar una sesión? A lo que nos respondió: “cada sesión es un reto para mí, me pone muy nervioso cumplir las expectativas de mis clientes, trato de ser consciente de que estoy retratando gente que lo único que quiere es preservar ese instante para siempre, y justo esa es mi tarea. Siempre trato de conocer a mi cliente al punto de hacer amigos, las mejores sesiones que he tenido son con clientes con los que sigo mensajeando después de haber entregado el trabajo.” No todo es color de rosa cuando eres tu propio jefe, hay �que trabajar el triple para conseguir lo que quieres. Como inspiración y como modelo a seguir en la fotografía, en la actualidad hay muchos referentes en lo social, algunos de sus preferidos son Fer Juaristi, Daniel Aguilar, Citlali Rico y Edu López; en el área de video están Reelove, Fran Montoro y entre sus fotógrafos retratistas favoritos están Annie Lebovitz y Richard Avedon. “El mejor ejercicio para vencer la pena es forzarte a utilizar lentes fijos con una longitud focal corta, 28mm, 35mm, 50mm y olvidarte de los teleobjetivos y de los zoom, esto hará que te muevas para hacer los planos que quieres hacer y poco a poco ir perdiendo el miedo a la gente”. Él se ha atrevido a experimentar en la fotografía aplicando técnicas fuera de lo común, “esto es una de las bondades de la fotografía social, de vez en cuando llegarán a ti clientes que te permiten proponer cosas fuera de lo común”. Es ahí donde puedes echar a volar tu imaginación y utilizar recursos y técnicas que no utilizas habitualmente”. Él cree que el reto principal del fotógrafo es desmitificar la fotografía social. Todos y se incluyó, han pensado que la fotografía social es la menos “valiosa” o “interesante” de todas. Tiene en mente nuevos proyectos, nos dice que es muy sano hacer cosas distintas a tu trabajo, de la mano a Pajarito Pajarito también ha realizado producciones para empresas, escuelas y proyectos personales, hace fotografía y video para salirse de lo que hace siempre. “Tienes que creer en ti, creer en lo que tus maestros te han enseñado y sobre todo en lo que has aprendido de la vida. Mantente atento a las oportunidades que el destino te pone enfrente y sobre todo, procura estar dispuesto a experimentar y vivir cosas nuevas.” El trabajo más importante que ha realizado para él son todos, “siempre hay que trabajar pensando que no hay proyecto chico, hay que aplicar en cada foto todo nuestro conocimiento y nuestras vivencias para que el cliente quede lo más satisfecho posible”, concluyó Rincón. “ ...LAS MEJORES SESIONES QUE HE TENIDO SON CON CLIENTES CON LOS QUE SIGO MENSAJEANDO DESPUÉS DE HABER ENTREGADO EL TRABAJO. ” 13 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 EL MURALISMO DE CHANATE “El diseño me dio las herramientas, posteriormente yo busqué mi lenguaje” por Carlos Rodríguez A lejandro Guerrero Arriaga, mejor conocido como “Chanate”, egresado de la Facultad de Artes Visuales de la Licenciatura en Diseño Gráfico, nos muestra un poco de su evolución en su camino como diseñador y cómo ha pasado estos días por la cuarentena. “Originalmente, como muchos estudiantes de corta edad, no estaba seguro de lo que quería hacer con mi vida, es normal sentir dudas y miedos, pero estaba seguro de que el camino podría encontrarlo en la Facultad de Artes. Fue poco después de avanzado el año de estudiar diseño cuando comprendí que había hecho la elección correcta pues, aunque yo buscaba dedicar mi vida a la producción artística, entendí que aprender a comunicar visualmente un mensaje, sería mi principal arma en el medio.” ¿Con quién has colaborado y cuánto tiempo llevas en este ambiente? Actualmente colaboro con diferentes organizaciones sociales a nivel nacional y mundial entre las cuales se encuentran la ONU, el Colectivo Tomate y World Art Destinations. A lo largo de más de 4 años he trabajado de forma independiente promocionando constantemente mi obra, esto me llevó poco a poco a generar estas vinculaciones cada vez más formales y constantes. Así como todo artista, el camino se genera cuando produces de forma ininterrumpida y buscando cada vez más profesionalizar tu obra. ¿Cómo ha evolucionado tu manera de trabajar desde que empezaste hasta la actualidad? Creo firmemente que el artista debe aprender a ser profesional, y este profesionalismo debe buscarse constantemente, pues las oportunidades laborales, cuando te dedicas al arte, pocas veces llegan por sí solas y muchas veces debemos aprender a generarlas. He vivido de cerca la evolución del arte urbano en los últimos años, afortunadamente y gracias a que más profesionales se han decidido dedicar a la gestión del arte, existen muchas más ofertas laborales que hace 4 o 5 años. ¿Has trabajado desde Home Office?, cuéntanos un poco de tu experiencia. Es importante fundamentar el trabajo artístico, la investigación, la redacción y la promoción, son procesos que se llevan a cabo mejor a través del home office, y son procesos sumamente importantes para darle credibilidad y valor a la obra de todo artista. Por eso mismo es importante que todo profesional del arte busque balancear su tiempo entre producción y home office. 14 JUNIO 2020 �“ ESTA SITUACIÓN HA PUESTO EN EVIDENCIA QUE EL ARTISTA URBANO O EL DISEÑADOR DEBE SER CAPAZ DE MUCHAS OTRAS HABILIDADES MUY DISTANCIADAS A SOLO PINTAR O DISEÑAR ” ¿Crees que vaya a haber un cambio en el futuro con el home office en tu trabajo o en todo el entorno del diseño gráfico? Definitivamente, creo que se ha abierto aún más el diálogo sobre si es realmente necesario ir a un espacio de trabajo asignado para desempeñar tus labores. Es cierto que muchas etapas de un proyecto deben realizarse a través de acciones en el espacio público pero muchas etapas también pueden realizarse dentro de nuestros talleres u hogares, cosa que no se había planteado al nivel que ahora está siendo considerado. ¿Cuál es la metodología que tienes como Home Office? Busco mantener una rutina sana, siempre he creído que lo que consumimos repercute directamente en lo que producimos. Mi metodología se basa principalmente en dejar fluir las ideas, no creo mucho en los procesos estandarizados, también fijo horas de trabajo y dejo tiempo para seguir alimentando el proceso creativo. Y bien, nunca trabajo más de lo que mi cuerpo resiste, normalmente cuando pinto, tolero jornadas de 10 o 12 horas, pero porque es estar de pie y activo, con espacios de descanso. Y cuando hacemos home office perdemos la noción del tiempo muchas veces, y no es sano pasar tantas horas sentado. ¿Qué tips podrías brindarles a tus colegas que están pasando por esta situación? Esta situación ha puesto en evidencia que el artista urbano o el diseñador debe ser capaz de muchas otras habilidades muy distanciadas a solo pintar o diseñar. Si bien recuerdo haberlo escuchado durante la carrera, ahora lo comprendo con más claridad, el producto visual debe saber ser responsable antes que cualquier otra cosa. Conforme a tu ambiente laboral, ¿Hubo algún problema u osbtáculos por el Covid-19? El problema me agarró en otro país. Yo estaba viajando a Sao Paulo, Brasil cuando me llegó un mail notificándome que uno de los festivales de los que había recibido una invitación, serían cancelados por tema del Covid-19. Originalmente iría a Brasil a realizar 3 proyectos, afortunadamente pude realizar uno de ellos, el más importante. Desde entonces todos los festivales y proyectos han sido cancelados o pospuestos de forma indefinida. 15 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 HOME OFFICE Las diferentes generaciones de Diseñadores de nuestra Facultad nos han sorprendido con muchos alumnos talentosos, en esta ocasión hemos entrevistado a tres de ellos, Roberto Ipiña, Fernanda Salgado y Rebeca Lizárraga, que nos cuentan sus experiencias en la modalidad del Home Office. por Marlene Guajardo ROBERTO IPIÑA R oberto Ipiña es Diseñador Gráfico e Ilustrador, apasionado y con mucha experiencia en Branding y Motion Graphics, en esta pequeña entrevista que le realizamos nos comparte un poco de su desarrollo laboral y cuál es su clave para ser un diseñador tan exitoso a tan corta edad. Cuéntanos, Roberto, ¿Cuál ha sido el proyecto que más te enorgullece? A finales del año pasado en el estudio donde trabajo me encargué, junto con mi directora creativa, de realizar diseños de señalética, banners y publicidad para Metalsa, un proyecto del que me enorgullezco porque estos diseños fueron llevados hasta Japón, lo cual hizo el proceso de diseño más complejo porque todos los detalles a la hora de transcribir textos tenían que estar muy bien cuidados ya que podía perderse el mensaje que se pretendía transmitir. Y al final, cuando nos compartieron imágenes de todo montado en el evento, me sentí muy bien, ya que ver mi trabajo llegando hasta el otro lado del mundo me hizo darme cuenta de que todo había valido la pena. ¿Tienes algún ídolo del diseño?¿Qué te inspira? Sí, Jorge Alderete y Paula Scher, los considero dos de mis grandes ídolos porque han destacado mucho en su trabajo, cada uno con su estilo diferente, me han inspirado a seguir sus pasos y fueron parte del motivo de elegir la carrera de Diseño Gráfico. Trato de buscar la inspiración en el día a día, no perderle detalle a lo que pasa a mi alrededor y estar al tanto de lo que hacen otros diseñadores, me sirve mucho de inspiración ver proyectos terminados y el cómo llegaron a la solución final. ¿Qué te motiva a seguir creando? Que me falta mucho camino por recorrer, que cada proyecto/ diseño nuevo, siempre es un aprendizaje, también el hecho de ver proyectos de otros diseñadores y que gracias a ello cada vez intento hacerlo mejor y sobre todo el hambre que tengo por lograr mis propósitos. 16 JUNIO 2020 Con tanta experiencia que tienes, ¿Qué consejos les darías tú a las generaciones futuras sobre el campo laboral del diseño gráfico? Que no tengan miedo, el camino al principio es difícil, pero una vez dentro, vale totalmente la pena todo el esfuerzo y corazón que le pones, que se equivocarán, sí, pero se debe aprender de los errores para no volverlos a cometer, porque una parte importante del aprendizaje es equivocarse. Y por último, que aprovechen las oportunidades que se les presenten porque la experiencia es muy importante y si se puede ir sumando cuanto antes mejor. �FERNANDA SALGADO Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico, ingresó a la Facultad de Artes Visuales en el 2014. Actualmente trabaja en Grupo Imasu, en las marcas Mia Paluzzi (tienda de ropa) y Misanta (calzado), en ambas hace un poco de todo, desde la parte gráfica, el contenido para las redes sociales, la página web, hasta la fotografía, lookbooks, atención a clientes por las redes, y seguimiento de las órdenes de los mismos por la tienda en línea, Salgado menciona entre risas que “es algo así como casi todos los departamentos juntos de la película Pasante de moda”. Tiene aproximadamente cinco años y medio, empezó a trabajar a mitad de la carrera con un grupo de consultores e-learning. Reto con la contingencia Comenta que como la marca de ropa principalmente se vende al 90% en tiendas físicas, tenían muy obsoleta la página web, al cerrar las tiendas se invirtió totalmente el modo de venta, por lo que “en menos de una semana tuve que rehacer la página totalmente de cero, fue muy caótico pero el resultado de la nueva página me gusto mucho”, menciona Fernanda. Tips para las generaciones Primero “buscar ver esta situación con otro enfoque, darle más valor a lo que antes se podía tomar como un hecho, desde la cercanía física con los seres queridos, hasta las actividades exteriores que hacíamos habitualmente, además de que personalmente creo que la Tierra ya necesitaba un respiro de nosotros. En cuanto a recomendación para la situación creo que cada quien siente que es lo mejor por hacer como hobby para su tranquilidad emocional”, concluye Salgado. REBECA LIZÁRRAGA Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico, actualmente se encuentra en el Departamento de Diseño y Comunicación de la empresa donde labora desde hace 3 años y medio. Uno de sus mayores desafíos fue comunicar conceptos tecnológicos y abstractos por medio de story telling y motion graphics. El adaptar el reporte anual convencional a una plataforma interactiva incorporando UX/UI, ha sido uno de sus trabajos más destacados. Reto con la contingencia Con la contingencia Lizárraga menciona “al principio no tenía mi segundo monitor y se me dificultaba mucho trabajar, también mi disco duro se me había quedado en la oficina, después todo eso fue resuelto, pero ahora los horarios varían muchísimo, he llegado a trabajar por las noches y el fin de semana, mientras que entre semana no hay mucho qué hacer”, son los cambios que destaca Rebeca con respecto al home office. Tips para las generaciones “El siempre estar creando y aprendiendo, ayuda muchísimo; crear algo, planear cosas artísticas y aprender cosas nuevas. Siempre uso mi planner en el que distribuyo tareas. Esta práctica ha continuado conmigo durante la cuarentena, permitiendo mayor visibilidad en el avance de pendientes y de tareas personales. Hacer más ejercicio de lo habitual para compensar el sedentarismo y calmar la ansiedad, me gustaría mantener mi vida fit en el futuro”, concluye Lizárraga. 17 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 PRÁCTICAS PROFESIONALES Ante la contingencia generada por la pandemia de Covid-19, la vida nos cambió, y esto no fue la excepción para nuestros compañeros que se encontraban haciendo sus prácticas profesionales, por lo que te presentamos estas entrevistas en las que podrás conocer sus experiencias frente a esta situación. por Christian Eugenio Guerra FERNANDA ÁLVAREZ EL NORTE ¿Dónde realizaste tus prácticas profesionales? En Lince Media para el periódico El Norte ¿Por qué te decidiste en ese lugar? Porque un amigo me metió presión para buscar una plaza ahí, yo ya tenía planes de hacer estancias, pero al final sí me dieron la plaza y pues aquí ando ¿Cuánto tiempo realizaste tus prácticas? Aproximadamente 3 meses ¿Qué ocurrió con tu plaza cuando empezó la pandemia? Todo era muy incierto. El día que empezó la cuarentena mi jefe me dijo que no volveríamos hasta nuevo aviso y que si había algún cambio él nos avisaba. En la página de Facebook del periódico ya no publicaron el noticiero que yo editaba todas las semanas entonces mi plaza quedó detenida. ¿Qué seguimiento te ofreció la Facultad? La neta sí ha estado bien complejo. El departamento de RH y el de PP de la FAV han estado coordinándose para ver qué opciones tenemos. Hasta ahorita nos han dado oportunidad de seguir en Lince o cambiarnos de programa. Ha sido todo muy lento porque ya casi acaba el semestre y pues los procesos de la UANL también están cambiando. ¿Cuáles son tus planes laborales en estos tiempos de contingencia? Pues una vez acabado el semestre mi plan es buscar un trabajo un poco más formal, ahorita no he estado activamente buscando. 18 JUNIO 2020 ¿Qué recomendaciones les darías a futuras generaciones si se llegaran a encontrar en una situación similar a la tuya? Pues creo que algo importante que hay que entender es que hay cosas que simplemente no están en nuestro control. Al inicio me preocupaba que mi jefe pensara que no me importaba mi puesto, pero eventualmente me dijo que no pasaba nada, que ni siquiera ellos estaban preparados para saber qué hacer, así que mi consejo sería mantenerse en contacto con los jefes de departamento, para cualquier actualización de la situación. �LEONARDO ROJAS “CZERWONSKI” EL HORIZONTE por Christian Eugenio Guerra Me llamo Leonardo, tengo 21 años y mi seudónimo como diseñador y profesionista es Czerwonski, en referencia a mi apellido. Actualmente estudio diseño gráfico y estoy cursando sexto semestre. Entre mis áreas de expertise están el diseño editorial, la fotografía análoga, la edición de vídeo y el diseño relacionado al social media. ¿Qué propones para estar preparados como sociedad y como profesionales para este tipo de situaciones en el futuro? Nunca se sabe que es lo que deparará el futuro, por lo que diseñar esquemas que permitan la subsistencia de diversas industrias durante una crisis, es y será clave para el nuevo estilo de vida de un mundo globalizado post-cuarentena. ¿Qué procesos de trabajo y herramientas para laborar utilizas regularmente? Para los procesos digitales, suelo usar la suite de Adobe y diversos servicios de almacenamiento en línea. En el caso de la fotografía, uso una Minolta Maxxum 7000i, junto con un lente 50mm. Para mi proceso de trabajo, el lado creativo es extremadamente importante, parte de un trabajo completo es obtener referencias de diferentes medios. Debido a la situación de salud actual y la cuarentena, ¿Qué soluciones estás empleando para poder laborar en estos días de cuarentena? Utilizar un espacio de tiempo en el día para realizar trabajos, acomodándolo acorde a mis necesidades. De la misma manera que había un horario establecido para cada actividad en tiempos de actividades presenciales, he preferido conservar dicho horario para basarme en mi día a día. En la empresa donde realizas tus prácticas, ¿qué tanto te han apoyado en lo personal y en lo laboral en esta crisis de salud? Durante mi estancia en El Horizonte, fui parte del equipo de social media, encargándome de la realización de contenidos digitales, entre los que destacaban adaptación de reportajes a los formatos de las diferentes plataformas y el aspecto visual de ciertas secciones. ¿Consideras que en el ámbito educacional y laboral estamos preparados para situaciones de este tipo? A pesar de que el daño a las industrias pertenecientes a la economía naranja y al mercado de los campos creativos no es tan notorio como el que se ha gestado en áreas relacionadas a diversas otras actividades, la verdad es que gran parte de las instituciones de educación pública en México no están totalmente preparadas para este tipo de situaciones, en especial por períodos amplios. 19 JUNIO 2020 �A L U M N O S INTERCAMBIO por Marlene Guajardo E l intercambio académico es algo con lo que muchos soñamos y se requiere esfuerzo y disciplina, actualmente en nuestra Universidad se ha visto más activo este proceso y nuestra Facultad no se queda atrás, chicos de otros estados y países se han preparado durante semestres para ser aceptados en nuestra Facultad. En esta ocasión, contactamos a las alumnas que este semestre hicieron su proceso y nos cuentan un poco de cómo ha sido su experiencia. ¿Cuál carrera estudias? Paola: Diseño Gráfico Jailene Montalvo: Lenguaje y Producción Audiovisual ¿Universidad de origen? Paola: Universidad de Guadalajara en el Centro Universitario de la Costa, P.V. Jailene Montalvo: Universidad Veracruzana, y en ella estudia Ciencias de la Comunicación. ¿Cuál es el semestre que estás cursando actualmente? Paola: Sexto semestre Jailene Montalvo: Octavo semestre ¿Has vivido alguna experiencia laboral? Paola: Como freelance pero me encantaría trabajar en agencia Jailene Montalvo:Hasta el momento no, solo he participado en proyectos con amigos y personales, en cuestiones de fotografía, video y periodismo. ¿Consideras haber expandido tu aprendizaje con el intercambio? Paola: ¡MUCHO! amplió demasiado mis conocimientos sobre el diseño en un panorama diferente. Jailene Montalvo: Sí, demasiado, en muchos factores, por ejemplo, el ambiente, es totalmente diferente, llevan un ritmo de vida muy acelerado, muy dinámico, eso me llevó a adaptarme y seguir ese estilo de vida. En la FAV, tienen un sistema educativo totalmente diferente al mío, y quedé encantada con él, en el tiempo que estuve, los medios o recursos que nos ofrecían para poder llevar a cabo nuestras actividades me ayudaron muchísimo. ¿De qué forma dirías que fue el proceso de intercambio? Paola: Tedioso, pero 100% vale la pena Jailene Montalvo: Algo estresante, mucho papeleo y tiempo. Se debe trabajar en esto desde que inicias en tu carrera, ya que debes ser una persona constante y perseverante, responsable y aplicada, ya que el mudarte a otra ciudad te exige que seas una persona de compromiso al cien, el tiempo de espera es frustrante, pero al final satisfactorio. 20 JUNIO 2020 ¿Cómo calificas a la Facultad de Artes Visuales? Paola: 10/10 desde que llegué fueron muy amables y el campus es muy bonito. Jailene Montalvo: En cuanto al ambiente que me rodeó durante mi estancia, puedo decir que fue muy bueno, a pesar de que no conviví mucho con mis compañeros, aquellos que se acercaron fueron muy amables, me asignaron maestros excelentes, en cuanto a las instalaciones, equipo, etc., se encuentran bien equipados, ya que como mencioné antes, todos los recursos que solicité me ayudaron mucho. ¿Cómo fue tu experiencia en FAV, personalmente? Paola: Gratificante, intensa y divertida. Jailene Montalvo: Muy satisfactoria, el tiempo que estuve asistiendo a clases me fue muy grato, mis maestros siempre fueron muy atentos y considerados, el lugar, la vista me gustó muchísimo. Crecí mucho en cuanto a mi persona, poder estar en un entorno totalmente distinto hace cambiar mucho tu perspectiva. ��A R T E S EL ARTE DEL PERFORMANCE por Daniel Canizales Entrevistamos a la Maestra Celeste Flores, y nos contó algunas cosas interesantes sobre los performance en general, su experiencia en ello; así también nos dio consejos para quienes quieran realizar arte con su cuerpo. Además nos cuenta sobre un proyecto de videollamadas para realizar performance a causa del Covid-19. H ablamos sobre que es un performance y en qué consiste, y nos platicó que es una técnica artística como la pintura, el grabado, la fotografía, etc., pero se utiliza el cuerpo como herramienta para decir algo, además es efímero, o sea que dura poco tiempo porque es único e irrepetible, solo sucede una vez; se puede realizar con audiencia o en solitario, hasta en registro fotográfico o de video que marca tiempo, espacio y movimiento. Platicamos de donde surgió la idea de los performance y nos dijo que este arte está siempre acompañado de los movimientos disruptivos de la historia, es una de las pocas vanguardias que se generalizó en todas partes del mundo, al mismo tiempo, se habla que en los años 50 y 60 se empezó a ver un movimiento de performance y esta réplica se dio desde antes del movimiento estridentista en México y empezó con los movimientos disruptivos, estos son; la anti institución, lo anti académico, el anti museo, el anti gobierno, etc. Lo podemos ver hoy en día, con el performance de “Y LA CULPA NO ERA MIA, NI DONDE ESTABA, NI COMO VESTÍA” porque este performance está acompañado de una fuerte carga política disruptiva y generalmente este tipo de arte va dirigido a una etapa de la vida social, y como vemos, éste ha trascendido en todo el mundo y está acompañado de un baile que da a entender de una forma pacífica sobre cómo las mujeres se sienten inconformes con los acontecimientos no solo del país sino del mundo entero. 22 JUNIO 2020 �Nos dio curiosidad de cómo inició en este arte y le preguntamos cuál fue el primer performance que vivió y nos contó que cuando estaba en la secundaria iba caminando por el centro y que a lado de ella se paró un hombre que le pareció enorme, que vestía short de mezclilla muy corto, unas botas industriales amarillas muy altas, una playera de tirantes muy pequeña, totalmente rapado y llevaba como mochila una muñeca con tela en la panza, y los brazos, piernas y cabeza eran de látex. El siguió caminando y al hacerlo empezó a arrojar una serie de cosas por la calle, esto, nos dice Celeste Flores, que le dio mucho miedo. Años después cuando entró a la Facultad y estando ya por 3er semestre se dio cuenta que aquel hombre al que vio cuando era niña era Juan José González, que para ella fue uno de los primeros performancistas que existieron en la Facultad y que realizó muchos movimientos disruptivos. Preguntamos si existen variedad de performance, a lo que ella nos respondió que al igual que la fotografía y la pintura, este tipo de arte también tiene su técnica de realizarse como: el performance documentado, el performance que tiene que ver con la trasgresión, entre otros. VIDEOPERFORMANCE EN LÍNEA PARA VER DURANTE LA CUARENTENA La organización mexicana de perfoREDmx, conformada por los artistas Pancho López y Celeste Flores, con el apoyo de Isis Pérez, Lucy Magaña y Laura Lubozac, crearon una campaña con el fin de que en este confinamiento causado por el Covid-19, se puedan brindar al público propuestas interesantes qué ver. El programa del ciclo de videoperformance está compuesto por 40 artistas que fueron invitados a realizar frente a las cámaras desde su casa un video de entre 1 y 5 minutos, donde expresan su trabajo en estos tiempos de cuarentena, reflexionando sobre todo el tiempo, el espacio, las distancias y las distintas formas que conlleva producir un performance en casa. Y una vez concluida la cuarentena, perfoREDmx presentará en foros la recopilación de los trabajos. 23 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 ¿Como ilustrador-colorista, cuáles son tus procesos creativos para llegar a las soluciones finales? Soy muy básico. Veo cuál es la escena, qué “feeling” o “mood” tiene, qué personajes y qué colores traen, qué permite el dibujante, y con base en eso aplico teoría del color, composición y algunos elementos de diseño extras. ¿Se requiere de un equipo especial para el trabajo que realizas? ¿Software, Hardware? Sí, ocupas una buena computadora, una tableta digitalizadora, no sé si el Ipad Pro sirva bien para colorear, sé que sirve para ilustrar y dibujar. El software que utilizo yo es Photoshop. por Christian Eugenio Guerra COLORISTA EN MARVEL COMICS Entrevistamos a Jesús Aburto, alias ABURTOV, él es ilustrador, diseñador gráfico y actualmente se desempeña como colorista exclusivo de Marvel Comics, aquí nos cuenta más acerca de su experiencia en esta área. por Daniel Canizales ¿Cuál fue la carrera que estudiaste y como nació tu gusto de querer estudiar eso? Estudié Diseño Gráfico después de haber desertado de Medicina, a la cual entré porque no estaba seguro de poder tener trabajo formal dibujando, y porque me gustaba química, biología y física en la prepa, aunque siempre me la pasaba dibujando. Cuando me salí, entré a diseño gráfico porque era lo más cercano a lo que ya estaba convencido que quería hacer: dibujar. ¿Cuánto tiempo llevas laborando y cómo fue que llegó esa oferta de trabajo? Llevo desde el 2006 trabajando con Marvel Comics, un poco más de una manera indirecta. Después de salir de Medicina, empecé a conocer más gente que también le gustaba lo mismo que yo. Entre esas personas había algunos que ya habían encontrado la oportunidad de trabajar en los cómics extranjeros, incluyendo Marvel, empecé a ayudarles hasta que me incorporé a ellos totalmente. ¿Cuál es tu experiencia al trabajar para Marvel? Pues es algo que nunca me imaginé. Ni siquiera existía la labor de colorista como hoy en día, era una cuestión mas técnica. Es algo que disfruto mucho porque aparte de meter mano en las historias de personajes que marcaron mi juventud, también he tenido la fortuna de trabajar con artistas que admiraba, tales como Rob Liefield, Jim Lee y Todd McFarlane. 24 MARZO2020 2020 JUNIO ¿Cómo ha sido o cómo ha evolucionado la manera de trabajar desde que empezaste hasta la actualidad? Por un lado está la evolución de las cuestiones tecnológicas - desde hardware, software y capacidades de las redes-. Yo empecé a hacer mis trabajos con una 486, antes de que aparecieran los procesadores “Pentium”, el internet era telefónico y lo usaba solo en las noches para enviar los archivos, claro, era lentísimo. Alcancé a entregar trabajos en ZIP drives. Empecé también con el Photoshop 4, alguna vez entré a una agencia de diseño en donde manejaban el Photoshop 3, era horrible, y con mouse, cuando en mi casa yo tenía ya una Wacom ArtZ2, tenía pocos niveles de presión, pero era en ese momento lo máximo. Ahora estoy desde mi casa trabajando, en una laptop “gamer” con una Cintiq conectada. Ésta me permite hacer mi trabajo directamente sobre la pantalla. Las capacidades del internet son ya bien conocidas. En la casa pueden estar viendo Netflix en 2 TV distintas, alguien más puede estar con Spotify en el celular, y yo trabajando viendo tutoriales de Youtube o haciendo stream en mi página de Youtube mientras trabajo. En cuestiones académicas y técnicas, también he evolucionado, al estar buscando galerías de artistas, más cursos y tutoriales para mejorar de manera integral, no nada más mi trabajo. Debido a la situación de salud actual y la cuarentena, ¿qué tanto te ha afectado en tu trabajo? y ¿cómo ha cambiado tu forma de laborar? No mucho. Lo único diferente y algo estresante son las actividades y tareas que les piden a mis hijos por la situación de las clases online. Aparte, sí hubo un distanciamiento entre las fechas de entrega de mis proyectos. ¿Qué soluciones estás empleando para poder laborar en estos días de cuarentena? Ver las cosas por el lado bueno. Reducir gastos. Al tener un poco de tiempo libre, empecé a clavarme en como usar mejor las redes sociales, atender algunos proyectos personales, como mi comic “La Letra M” que es un super héroe mexicano, en donde aplico mucho de lo que le he aprendido a Marvel. ¿Como profesional, qué experiencias te está dejando esta situación de salud actual? Hubo un buen amigo que falleció en CDMX, Juan Vlasco. También artista de Marvel. Aunque siempre he sido muy fijado en el tema de aprovechamiento del tiempo. Su deceso hizo que se me acentuara más, y retomara algunos objetivos que tenía algo laxos. �¿Crees que vaya a generarse un cambio en el futuro con el home office en tu trabajo o en el entorno del diseño gráfico? Consideras que en el ámbito educacional y laboral estamos preparados para situaciones de este tipo? ¿Qué propones para estar preparados como sociedad y como profesionales para este tipo de situaciones en el futuro? Tengo años haciendo home office, así que no me afecta a mí tanto el cambio, pero sí veo que muchas empresas que podían funcionar así y no tomaban la decisión por tradicionalismo o falta de iniciativa, lo hicieron y les está dando resultado. Espero que muchas empresas sigan con ese modelo de home office y así muchos problemas de tráfico y generación de contaminación puedan bajar. La sociedad está lista para un cambio drástico en el cual se aproveche la tecnología , pero por mentalidades conservadoras no se dan. En cuanto a lo académico, en la vida tal cual, no hay escuelas institucionalizadas. El único ser vivo sobre la Tierra con “escuelas” es el humano. Está bien, pero creo que ya pasó su “boom”, o evolucionan de alguna forma, o desaparecerán porque ahora todo está lleno de información. Lo único que detiene al individuo de llegar a aprender algo, es su propia voluntad y falta de enfoque a sus metas. Una vez que termine la contingencia, ¿Crees que el Home Office permanecerá o todo seguirá igual que antes? Espero que muchos permanezcan en home office. Pero algunos regresarán queriendo forzar a que sea igual que antes, yo creo que ya no lo será. Con experiencia como la que tú tienes, ¿Qué tips podrías brindarles a tus colegas que están pasando por esta situación? Los artistas que conozco, que son muy buenos, siguen teniendo trabajo. La única salvación es ser muy bueno en lo que haces. Siempre habrá alguien ocupando el servicio o producto que puedes dar, y por lo general, buscará la mejor opción. Ya de ahí verá el precio. Ese el el tip 1… el tip 2 es, ya que eres bueno, no te malbarates. Te haces daño tú y a los demás, por eso este país no avanza, porque entre los mismos del gremio se sabotean depreciando sus labores. A eso súmale la corrupción, y te da una esferita del infierno. Algún consejo que puedas darle a los estudiantes que les gustaría desempeñarse profesionalmente en el área que tú te desarrollas. Enfocarse a desarrollarse en lo que les gusta. Mostrar sus avances por medio de las redes. Aprender inglés y tener buena ortografía. Tener ambición, pero no ser impertinente. Pasando la cuarentena, ¿Qué es lo primero que harás o qué extrañas más hacer? (Por ejemplo: Ir al cine, visitar familiares, etc.) Ir a la playa. ¿Dónde podemos ver tu trabajo? Estoy en varias partes: facebook.com/J.Aburtov instagram.com/aburtov youtube.com/aburtov Twitch.com/aburtov Y mi comic de La Letra M! Pueden leer gratis las historias en facebook.com/LaLetraM ¡Gracias! 25 MARZO JUNIO2020 2020 �E N F O Q U E EFECTOS ESPECIALES por Daniel Canizales Entrevistamos a dos de los grandes Licenciados en Animación y Arte Digital, provenientes de aquí mismo, de Monterrey, que han tenido una trayectoria muy buena, trabajando en proyectos de animación y efectos especiales, como lo fueron las películas de Jumanji y Justice League. F ueron una serie de preguntas en donde nos transmitieron su conocimiento y sus experiencias al trabajar en el mundo de los efectos especiales, donde todo realmente fue muy interesante. ¿Qué carrera fue la que estudiaron? Ambos estudiamos Licenciatura en Animación y Arte Digital, en el Tec de Monterrey. ¿Qué los llevó a trabajar en VFX? Andrés - Quise trabajar en VFX desde que tenía 11 años y veía los “detrás de camaras” de ‘El señor de los anillos’ y ‘Harry Potter’. ¿Cómo y por qué entraron al mundo de los efectos especiales? Andrés - Después de graduarme, trabajé como freelance y en cortometrajes sin paga. Intentando por 4 años, más o menos, hasta que me ofrecieron un contrato de 2 meses en Irlanda. Gracias a esa experiencia, me ofrecieron trabajo en MPC Montreal después. Ilse - Después de trabajar por 4 años en Producción de Videojuegos en México, nos mudamos a Montreal, y MPC me dio la oportunidad de brincar al área de VFX. ILSE MARTÍNEZ 26 JUNIO 2020 ¿Antes de trabajar en grandes compañías, cómo iniciaron y consiguieron experiencia? Ilse - Inicié mi experiencia como administradora de proyectos ayudando en cuantos proyectos pudiera en mi carrera, siempre ofreciendo mi capacidad de organización y planeación a equipos de trabajo que su enfoque era más creativo y necesitaban apoyo para llevar sus proyectos a cabo. �¿Cómo fue para ambos trabajar en el equipo de producción para efectos especiales en Jumanji: Welcome to the Jungle y Justice League? Andrés - Jumanji fue un gran proyecto, el VFX supervisor es uno de los mejores con los que he trabajado. Siempre pedía la opinión de los artistas y comprendía las dificultades de todas las tareas. Justice League fue un reto. Nos llamaron para terminar el tercer acto de la película y tuvimos alrededor de 8 semanas para hacerlo. No hubo tiempo para planear y todos fuimos de 0 a 100. Ilse - Jumanji es uno de los proyectos que más he disfrutado, el equipo de dirección, producción y supervisión eran muy talentosos. Justice League fue un proyecto muy difícil, muchos cambios creativos cuando ya estábamos en las últimas del proyecto (creo que todos saben sobre el retiro del bigote de Henry Cavill). En mi posición como Administradora de Proyectos lo importante siempre es llegar a la meta. ¿Qué tan tardado es trabajar en una película de tales magnitudes? Andrés - Normalmente se trabaja por secuencias, a veces muchas, a veces pocas. Pero en total un proyecto puede tomar de 4-6 meses, hasta un par de años. Ilse - Las películas de gran presupuesto como las de Marvel, toman un poco más de un año en VFX, repartido entre varias compañías de VFX. Las series de televisión toman menos tiempo, ya que su presupuesto es más reducido, entonces se pueden tomar menos libertades creativas. ¿Cuál sería su película ideal para trabajar? Algo como “quisiera hacer VFX en Star Wars”? Andrés - Para mi sería trabajar en un proyecto como ‘Infinity War’ o ‘Endgame’. Una película con el presupuesto y la pasión del equipo para volver el resultado final algo increíble. Ilse - Muero por trabajar en películas de terror, algo de Stephen King o su hijo Joe Hill. También me encantaría trabajar con talento mexicano, en algo de Guillermo del Toro o Alfonso Cuarón. ¿Cuál es la película/serie que consideran referencia de VFX? Andrés - El principal en la industria, creo sería Star Wars. ¿Dónde nos recomendarían tomar cursos para aprender efectos especiales? Andrés - Digital Tutors o Gnomon son los cursos en línea mejor desarrollados, en mi opinión. ¿Creen que los efectos especiales prometan mucho futuro? Ilse - La calidad de cine y televisión solo mejora año con año, esto crea muchas oportunidades para que la industria de VFX siga creciendo. ¿Cuál efecto les ha costado más realizar y por qué (algunas de las películas en las que han trabajado)? Andrés - La secuencia más complicada ha sido la de los créditos iniciales de ‘Ghost in the Shell’. Tener que adaptar una secuencia de un anime sci-fi fue mucho trabajo, muchos cambios y mucho refinamiento. Ilse - El elemento más difícil de realizar en los proyectos que he estado, por mucho, fue el Lazo de Mujer Maravilla. Batallamos mucho para que se viera realista y se moviera como la directora de la película quería. Tuvimos muchísimas interacciones con muchas propuestas, y después de 3 o 4 meses lo logramos. La escena más difícil y la que usamos para establecer el look es donde Diana está en la Plaza de la ciudad, peleando con su lazo. ¿En cuál película/serie les gustó más trabajar, tanto como jefes, compañeros, experiencias, etc? Ilse - Para mi fue Mujer Maravilla. Fue mi primer experiencia en VFX y me dio unos estándares muy altos. Fue un proyecto liderado en su mayoría por mujeres, lo cual era muy inspirador para mí. Fue un proyecto difícil, pero muy bien organizado, lo cual hace que disfrutes el trabajo arduo. ¿Cuál es la parte que más les gusta de VFX? Andrés - Cuando puedes ver cómo el público lo está disfrutando. Todo vale la pena al final. Ilse - Creo que mi momento más feliz después de un proyecto, lo viví cuando salió Mujer Maravilla; tuve la oportunidad de ir a una proyección avanzada para fans y ver a tantas niñas enamorarse de un proyecto en el que yo participé fue una sensación que no sé si algún día vuelva a vivir. Eso es lo que más me gusta de VFX, ver la reacción del público. ANDRÉS AMAYA 27 JUNIO 2020 �T A L E N T O F A V ANA HINOJOSA Egresada de Diseño Gráfico de la Facultad de Artes Visuales, nos platica un poco acerca de cómo fue su elección de estudiar diseño, así como la evolución y desenvolvimiento que ha tenido en él. por Carlos Rodríguez E studió Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales, y el gusto surge a raíz de que en la preparatoria tomaba clases de pintura y fue algo que le apasionaba, pero al mismo tiempo le encantaba la publicidad. En la carrera encontró esas dos vertientes de las cuales comenta que sigue aprendiendo muchísimo. ¿Cuál es la rama del diseño en la que laboras actualmente? Actualmente trabajo en mi proyecto “Coyote Marketing” que nació en Monterrey y ahora estoy residiendo en Tijuana. Teniendo clientes en Monterrey, CDMX, San Diego y Tijuana. Coyote es una agencia de diseño, marketing y publicidad y nos enfocamos a la creación de marca en PYMES, desde el naming, procesos en IMPI, elaboración de páginas Web/ E-commerce , fotografía de producto, desarrollo de contenido y manejo de redes sociales. 28 JUNIO 2020 ¿Cómo empezó el gusto por las artes visuales y tu enfoque en esto por encima del diseño? Las artes visuales siempre fueron parte de mi vida, en mi familia la mayoría pintaban pero nadie hizo carrera en eso. Siempre había desarrollado mi gusto por el dibujo y saliendo de preparatoria decidí aplicar para Artes Visuales y al terminar la Facultad, entré a trabajar a una agencia de publicidad donde duré unos años, llegando a ser Directora de Arte, hasta que hubo un día que decidí darle oportunidad a las artes plásticas e inicie mi proyecto “Ahache”, aunque nunca dejé de “freelancear” ni de pintar, tuve que llegar a la conclusión de que tenía que separar el arte del diseño. Desde que lo hice, los dos proyectos han florecido estructuradamente. Aprendí que son disciplinas paralelas y que los objetivos son diferentes aunque usen las mismas habilidades o tengan criterios parecidos. “ APRENDÍ QUE SON DISCIPLINAS PARALELAS Y QUE LOS OBJETIVOS SON DIFERENTES (EL ARTE Y EL DISEÑO) AUNQUE USEN LAS MISMAS HABILIDADES O TENGAN CRITERIOS PARECIDOS. ” �¿Cómo ha evolucionado tu manera de trabajar desde que empezaste a la actualidad? ¡Muchísimo! Jamás dejas de aprender y de evolucionar, pero te vas metodizando. Crear una estructura interna en todos los procesos, me ha ayudado enormemente. Por ser arte no necesariamente tiene que ser informal, tienes que hacer que tu proyecto sea rentable y autosuficiente y generar el capital necesario para que siga vivo. Al inicio, no sabía muy bien qué estaba haciendo, y es normal ese sentimiento de incertidumbre, pero, conforme vas accionando, vas aprendiendo: Todo proyecto o toda empresa es como un ser vivo que va creciendo, moviéndose y desarrollándose pero también puede morir si no se le alimenta correctamente. “ THE CREDIT BELONGS TO THE MAN WHO IS ACTUALLY IN THE ARENA; WHOSE FACE IS MARRED WITH DUST AND SWEAT; WHO STRIVES VALIANTLY, WHO ERRS AND MAY FALL AGAIN AND AGAIN, BECAUSE THERE IS NO EFFORT WITHOUT ERROR OR SHORTCOMING. ” Nos podrías platicar, ¿cómo surgió y cómo se desarrolla el programa que tienes de enseñar a los adultos mayores? Surge de una oportunidad de enseñar pintura en un lugar en Monterrey, enfocado a crear un espacio donde nuestros adultos mayores se sigan desarrollando de manera física, emocional, social y cognitiva. “ MI EXPERIENCIA DE PINTURA ME AYUDABA A MÍ PERSONALMENTE PERO NUNCA HABÍA VISTO LOS BENEFICIOS QUE TIENE EN LA GENTE MAYOR Y AHÍ EMPECÉ A ESTUDIAR Y LEER MÁS AL RESPECTO. ” Más allá de “Arteterapia” como tal, hablamos de cómo la pintura se vuelve un canal de comunicación donde fluye e influye de manera positiva a nivel físico, mental y emocional. Las personas mayores tienden a deprimirse y recuerdo que terminando una clase, una alumna se acercó y me dijo “Estaba en mi cuarto y empecé a sentirme mal, muy triste y luego cerré mis ojos y empecé a escucharla a usted hablando de cómo no importa la edad, el arte siempre nos sigue enseñando THEODORE ROOSEVELT cosas, y que yo era buena en esto de la pintura y me volví a sentir tranquila”. El arte no es una clase donde sacas 100 o cero, donde eres bueno o malo en algo, más bien el arte te sana el alma y te confronta. ¿Debido a la contingencia, ha cambiado tu manera de trabajar? La rutina no, pero sí las juntas con mis clientes, esto también nos ha forzado a descubrir plataformas para lograr una comunicación eficaz. Pero en mi caso particular, la contingencia me ayudó mucho, porque las empresas que no veían necesaria la parte digital se dieron cuenta que es fundamental y han decidido migrar sus proyectos a esta plataforma. ¿Habrá un cambio en el futuro con respecto al home office en el diseño? Creo que las empresas que no lo contemplaban verán una oportunidad para reducir costos y los trabajadores tendrán la oportunidad de trabajar sin sacrificar tantas horas en el tráfico. ¿Qué tips podrías brindar con respecto a esta modalidad de trabajo? Ten una agenda y sé disciplinado. Tienes que levantarte y es como si fueras a ir a trabajar, te arreglas, desayunas y seguir tu semana de acuerdo a la planeación de tu agenda. Planea tus actividades un día antes, por ejemplo yo antes de dormir planeo mis tareas para el día siguiente y descanso mejor, al día siguiente solo leo y empiezo a trabajar los pendientes. 29 JUNIO 2020 �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2020 Número Número de la revista 2 Mes de publicación Mes cuando se publicó Junio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2020, No 2, Junio Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/06/2020 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020113 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Arte urbano Branding COVID 19 Cuarentena Diseño gráfico Edectos especiales Home office Intercambio académico Muralismo Pandemia Reinventarse https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20002/Croma_2020_No_3_Octubre.pdf 86a5435ebec88f3ceea9de9a7444c97c PDF Text Text Arte. Diseño. Audiovisual Octubre 2020 Número 3 �Enfoque Artes Eventos 20 24 Los colores y sus significados Cómo nos inspiramos para crear arte E-Fest Wacom 12 22 28 Diego Castañeda Laboratorio Cultural Ciudadano Certamen de cortometraje UANL Lettering 18 Docentes 16 Alumnos FAV Emprendedores Í N D I C E 04 06 08 Alex Miranda Javier Molina Sindy Ethel Créditos Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Estancia de producción Andrea Guadalupe Olivares Pérez Oscar de Jesús Sánchez Rodríguez Andrea Reynosa Pedraza José Manuel Ochoa Osorio Sofía Santos Arizpe Uriel Almazán Martínez Octante 14 Inspiración Portada Sindy Ethel 2 Octubre 2020 Octubre 2020 3 �A L U M N O D E S T A C A D O ALEX MIRANDA Como freelance te puedes enfrentar a muchos tipos de situaciones, ¿cuál es tu opinión con respecto a cuando un cliente te pide copiar el estilo de otro ilustrador? Como buen “estudihambre”, he accedido a estas peticiones, generalmente es gente fanática de cierto programa y quiere regalar algo. Cuando he trabajado con alguna marca o proyecto, he sido muy afortunado en que me den libertad creativa con mi estilo. Hablando un poquito de él... Alex Miranda tiene 20 años de edad, es nacido en Monterrey, Nuevo León. Actualmente es estudiante de la Facultad de Artes Visuales de la carrera de Diseño Gráfico, godínez de medio tiempo, ilustrador y animador freelancer. A POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA lex Miranda, ilustrador y animador mexicano y por medio tiempo “godín”. Nos cuenta sobre su marca “Alex M” la cual es dedicada a hacer ilustraciones y animaciones, entre otras cosas. Él nos platica sobre su experiencia como freelancer. Alex M comenzó desde hace tres años a construir su marca y perfil. Todo dio inicio en la cuenta de Instagram, la cual usaba para subir sus dibujos día a día hasta convertirse en uno de sus hobbies favoritos. ¿Tú querías estudiar diseño o solo entraste porque impartían ilustración?, ¿Cómo fue que descubriste esta rama del diseño? Como muchos otros, yo supe que iba a entrar de lleno al diseño desde muy joven, realmente no había otra opción profesional para mí, era esto o vivir debajo de un puente, lo cual es completa y totalmente respetable. Descubrí la ilustración desde que usé Instagram por primera vez. Fue a partir de esa red social que comencé a seguir cuentas de ilustradores y supe que esto que tanto disfrutaba podía ser un trabajo y además uno muy divertido. Como muchos, me imagino que te pasas consumiendo contenido visual para sacar tus propias ideas ¿Quiénes son tus mayores influencias? Mis inspiraciones vienen de varios lugares muy diferentes, desde El Cursi, Andonella, Rebecca Sugar, Pequeño Capitán, holasoyyuyú y Sonia Lazo, hasta fotografía editorial, de moda, el drag o incluso las ilustraciones de las lecturas de la SEP, “iconic”. ILUSTRACIÓN: ALEX M ¿Cómo describirías tu estilo de ilustración? Mi estilo es muy cambiante, sin embargo, trato de mantener una línea que me permita experimentar sin eliminar del todo mi esencia. En pocas palabras, mi trabajo es un reflejo de todo lo que me inspira, todo lo que me produce dicha, risa, amor o incluso dolor. En su mayoría retratos, mis ilustraciones intentan retratar ILUSTRACIÓN: ALEX M personas, a veces imaginarias, que reflejan estética o figurativamente sentimientos que tengo en mi día a día. Vas a encontrar montones de rojo, rosa y morado, personajes femeninos poderosos, cultura pop y algunas ilustraciones originales que representan momentos de mi vida. ¿Qué crees que es más importante dentro de la ilustración: el estilo o el mensaje? Creo que es importante tener algo que decir, el estilo viene después. Personalmente me considero muy flexible en cuanto a esto último, pues el que manejo con Alex M, es el que disfruto más y que me permite expresar ciertas ideas, sin embargo, he pasado por mil y un estilos y técnicas que quizá sirvan para expresar otra cosa. Poco a poco fui desarrollando bien lo que me gustaría retratar en mis ilustraciones y el estilo se fue adaptando a eso. En tu opinión ¿saber dibujar “bien” es un requisito obligatorio para poder ser ilustrador? Creo que es necesario tener una base técnica y conocimientos para ser ilustrador. Puede que tu estilo de ilustración tenga apariencia de “mal dibujado” pero es fácil intuir cuando algo está hecho de esta manera y se trata de una toma de decisión consciente o cuando se debe a falta de criterio, cómo alguna vez dijo alguien que conozco: “tienes que saberte las reglas para después romperlas”. ¿Cómo manejas tú el proceso con el cliente? He aprendido a través de muchísimos errores, y a pesar de que mi flujo de trabajo aún puede mejorar, creo que está en un buen punto de equilibrio. Generalmente los clientes llegan con una idea de lo que necesitan. En cuanto al pago, como dijo alguien que conozco: “get the check in advance”, o sea, primero el pago. El proceso es muy tranquilo, empiezo con bocetos, actualizaciones por correo en imágenes de prevista, siempre con marca de agua y no en calidad final, SIEMPRE. Instagram, Behance, Facebook son algunas de las plataformas que los ilustradores usan para dar a conocer su trabajo. ¿Crees que es importante compartir tu trabajo en las redes sociales? ¿Cuál ha sido tu experiencia en este aspecto? Creo que sí es importante, en lo personal, compartir mi trabajo en internet me ha abierto muchísimas puertas, desde conectar con gente creativa, hasta trabajar con personas que admiro. “Hoy en día para mí, ser ilustrador, además de ser un hobby, es una fuente de ingreso. Realmente soy muy afortunado.” ¿Algún consejo que le quieras dar a las personas que quizás están empezando con esto de la ilustración y están batallando en encontrar su propia voz? Esta pregunta me dio un “mental breakdown” porque es algo que llegué a preguntarle a mucha gente en el pasado. Suena muy cursi y de libro motivacional de Yordi Rosado, pero realmente es la práctica, neta. Estar constantemente dibujando y practicando, consumiendo contenido que te inspira, música, series, películas. Incluso conocer personas, situaciones de la vida cotidiana, todo te ayuda a construir tu perspectiva como ilustrador, sólo tienes que darle tiempo y estar en “friega” dibujando, experimenta y solita va a llegar. ILUSTRACIÓN: ALEX M Para ver más de su trabajo Instagram: @artofalex Behance: artofalexm ILUSTRACIÓN: ALEX M 4 OCTUBRE 2020 OCTUBRE 2020 5 �POR: ALUMNOS DE CLASE DE FOTOGRAFÍA D O C E N T E Si algún día llegas a romper la regla, que tu esencia siempre sea única para al practicarlo tener un justificante del por qué. E POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA l Maestro Javier Molina (Jefe del Área de Comunicación de la imagen institucional de la Facultad de Artes Visuales y Fotógrafo) nos contó sobre la fotografía junto con su experiencia y algunos consejos para quienes están interesados en esta disciplina e incursionar en este mundo. Hablamos sobre sus gustos en la fotografía, sus intereses y su metodología en ella y platicó que esta es una de las áreas que más le gustan. Por ejemplo, como la foto de retrato o hablando de algo más “comercial” la foto de moda. Nos dio curiosidad del cómo surge su interés en esa área y nos contó que en su pasado siempre hojeaba revistas de moda y de ahí le empezaron a llamar la atención las imágenes que se mostraban, por ejemplo las fotografías de mujeres en el desierto solas o imágenes fuera de lo que comúnmente ves, desde ese momento intrigado empezó a ver los créditos que siempre aparecen en la esquina inferior de cada imagen con el nombre de los fotógrafos, siendo constante empezó a buscarlos y conocerlos y desde ese momento inició con su inspiración. Platicamos sobre cuál es la metodología que sigue para la toma de una fotografía y nos contó que primeramente comienza con la observación y después con la imaginación. Nos comenta que esta metodología para la captura de un momento exacto viene desde su niñez cuando salía de viaje y sus padres no lo dejaban dormir para poder apreciar los 6 Octubre 2020 paisajes, o cuando era estudiante y usaba el transporte público y veía en su trayecto gran cantidad de espacios, esto lo motivaba a imaginar cómo sería tomar una fotografía de un paisaje, un edificio, una persona etc. La observación es el primer paso para llegar a un buen cuadro, a partir de ellos dejamos que nuestra ocurrencia e imaginación haga lo demás jugando con el momento, los objetos, las luces, de esta manera es cómo es posible tomar una buena captura, nos comentó el Maestro Javier Molina. La inspiración que él ha tenido ha ido evolucionando con el tiempo, de las fotografías en blanco y negro, la ciudad, nuestro transporte, a darse cuenta que más que un estilo de fotografía se trata de la reflexión que se hace sobre una imagen. La honestidad en el trabajo es lo más importante. POR: JAVIER MOLINA EN INSTAGRAM El ojo educado Recuerden que, al ver la imagen del fotógrafo, llama la atención el proceso, de ahí se agarra lo esencial, este proceso es llamado TROPICALIZAR lo cual es adaptar una idea a tu contexto. Un ejemplo claro es una serie de fotos que hice llamada “El homenaje al cabrito” en el cual metí al cabrito, la flora y fauna, los frutos de la región, algo que tenga su significado culturalmente, y todo eso fue inspirado en una pintura que vi de Rembrandt llamada el “Buey desollado”, entonces a diferencia de los elementos de su pintura yo ponía elementos de nuestro territorio, ahí hablamos de no ser la copia sino algo mejor, es la reflexión de lo que dice ser tu estilo. Un dato muy interesante que le preguntamos fue el ¿Cómo eliges a quien tomarle fotografías? Su respuesta fue: Todo depende de lo que se esté buscando en el momento, pero tengo un gusto por las personas andróginas ya que tienen un misterio que intriga, también el rostro de las personas con una apariencia ambigua, si es una persona muy ruda tratarlo de hacer más femenino, o al contrario, al igual las personas muy altas ya que para fotografiar es más estético hablando de lo relacionado con moda todo depende mucho del concepto que esté buscando. Una de las recomendaciones que nos dio es el siempre aprender la técnica, y si algún día llegas a romper la regla, que tu esencia siempre sea única para al practicarlo tener un justificante del por qué, en esto no hay que ser metódico ya que se puede ser un desastre, pero al final todo sale. Siempre hay que observar y poner atención en las cosas, porque forzamos el ojo a poder ver otra perspectiva de lo que comúnmente la gente no ve, ya que tu modo de ver las cosas es más agudo porque la misma formación te obliga a observar y es donde tu percibes la realidad de otra forma y es ahí donde está la genialidad, la magia de la fotografía. Viaja fuera del estado; y si puedes del país, lee, ve al cine, disfruta, agudiza los sentidos, empápate de información y entiende nuevas culturas distintas a las tuyas, eso te llevará a algo, alguna crítica o alguna reflexión y todo esto enriquece al ojo educado… Octubre 2020 7 �L E T T E R I N G EL LETTERING COMO ARTE VISUAL ¿Cómo te iniciaste en el mundo del lettering? Me animé a ir a Colorado, EE. UU. para hacer mis prácticas profesionales como diseñadora web en Crispin Porter, una agencia de publicidad donde me tocó hacer un poquito de todo: cosas digitales, impresos, revistas, portadas, etc. Aquí te ponen un mentor y me asignaron una mentora en impresión. Al inicio estaba algo triste pero ella era muy apasionada por el diseño editorial y las tipografías, y me enseñó cómo combinarlas, cómo elegirlas, cómo hacer bonitos layouts con ellas. Después de cuatro meses de prácticas profesionales, no fui contratada; pero eso no me detuvo. Comencé a practicar llenando libretas de muchas letras, tomaba talleres de caligrafía en cada oportunidad que tenía. Luego comencé a subir mis trabajos a Behance, Instagram y otras redes sociales de todas las prácticas que hacía y gracias a eso comenzaron a ubicarme como alguien que hacía lettering. Gracias a eso, logré obtener un proyecto en la Ciudad de México donde me pidieron trabajos para un bazar; hice dos y al tercer poster le pusieron mucha publicidad que circuló por toda la CDMX. Gracias a eso comencé a ser más conocida y eso me animó a querer aprender más formalmente acerca de caligrafía, pues mis conocimientos eran muy básicos y todo lo que aplicaba eran cosas que aprendí con esos talleres. Eso hizo que me animara a ir a Nueva York y tuve un golpe de suerte para poder hacer la maestría y al mismo tiempo estar trabajando en una agencia que se dedicaba a ilustración y lettering; donde podía aplicar lo que aprendía. ¿Qué es para ti el lettering? Dibujar letras. Si tú tienes que hacer sets de letras; es decir de la “A” a la “Z” más los símbolos los debes de mover de lugar para que funcionen en cualquier combinación y cualquier persona pueda usarlo. A diferencia de la caligrafía que ya son técnicas que ya están bien definidas donde hay reglas que definen cómo son las inclinaciones de la mano para que salga de cierta forma. En otras palabras: el lettering se deslinda de la rigidez de la caligrafía y si sabes las bases de tipografía es mejor porque las formas de las letras que hagas se van a ver bien. Alguna vez te has preguntado “¿Qué es el lettering?” Si bien es cierto que esta tendencia se ha ido fortaleciendo con el paso del tiempo, esta forma de expresión ya existía desde antes de este nuevo milenio. En esta edición de CROMA nos acompaña Sindy Ethel quien ha tenido una trayectoria ascendente en el lettering y como orgullo universitario, es ex alumna de nuestra facultad. Ven y acompáñanos para conocer un poco más sobre su trayectoria. Si una tipografía se tarda mucho tiempo en hacer ¿Cuánto tiempo tardas en hacer un lettering? Depende del proyecto principalmente: si recibes feedback, si lo vas a probar en distintos soportes, del deadline, del presupuesto, entre otras cosas pueden hacer que estés haciendo letterings de una hora hasta una semana. Realmente no existe una regla que rija este trabajo. ¿Tú crees que el lettering es un fenómeno reciente o ya existía desde hace tiempo atrás? Diría que como algo moderno, sí. Es un fenómeno reciente. Pero como algo que ya existe de tiempo atrás, el lettering existe desde el momento en el que existió la escritura y desde el momento en el que comenzamos a dibujar letras estamos haciendo lettering. 8 OCTUBRE 2020 FOTO: SINDY ETHEL POR: URIEL ALMAZÁN OCTUBRE 2020 9 �L E T T E R I N G ¿Cómo te iniciaste en el mundo del lettering? Me animé a ir a Colorado, EE. UU. para hacer mis prácticas profesionales como diseñadora web en Crispin Porter, una agencia de publicidad donde me tocó hacer un poquito de todo: cosas digitales, impresos, revistas, portadas, etc. Aquí te ponen un mentor y me asignaron una mentora en impresión. Al inicio estaba algo triste pero ella era muy apasionada por el diseño editorial y las tipografías, y me enseñó cómo combinarlas, cómo elegirlas, cómo hacer bonitos layouts con ellas. Después de cuatro meses de prácticas profesionales, no fui contratada; pero eso no me detuvo. Comencé a practicar llenando libretas de muchas letras, tomaba talleres de caligrafía en cada oportunidad que tenía. Luego comencé a subir mis trabajos a Behance, Instagram y otras redes sociales de todas las prácticas que hacía y gracias a eso comenzaron a ubicarme como alguien que hacía lettering. Gracias a eso, logré obtener un proyecto en la Ciudad de México donde me pidieron trabajos para un bazar; hice dos y al tercer poster le pusieron mucha publicidad que circuló por toda la CDMX. Gracias a eso comencé a ser más conocida y eso me animó a querer aprender más formalmente acerca de caligrafía, pues mis conocimientos eran muy básicos y todo lo que aplicaba eran cosas que aprendí con esos talleres. Eso hizo que me animara a ir a Nueva York y tuve un golpe de suerte para poder hacer la maestría y al mismo tiempo estar trabajando en una agencia que se dedicaba a ilustración y lettering; donde podía aplicar lo que aprendía. En otras palabras: el lettering se deslinda de la rigidez de la caligrafía y si sabes las bases de tipografía es mejor porque las formas de las letras que hagas se van a ver bien. ¿Qué es para ti el lettering? Dibujar letras. Si tú tienes que hacer sets de letras; es decir de la “A” a la “Z” más los símbolos los debes de mover de lugar para que funcionen en cualquier combinación y cualquier persona pueda usarlo. A diferencia de la caligrafía que ya son técnicas que ya están bien definidas donde hay reglas que definen cómo son las inclinaciones de la mano para que salga de cierta forma. ¿En qué te inspiras cuando haces lettering? Depende del proyecto, porque más que artista soy diseñadora. Según lo que venga en el brief vas armando tu moodboard para sacar tus ideas y ver qué tantas cosas podrías hacer. Ya cuando es un proyecto personal, tomo cosas que están en mi día a día, como por ejemplo: de lo que está a mi alrededor, de las cosas en la ciudad, de mi background mexicano. ¿Tienes algún proyecto que haya “marcado” tu carrera profesional? Hay dos en especial. El primero es un proyecto que hice en el 2012 porque me gustaba que fue un póster que hice para la escuela de Saltillo, Digital Invaders, porque fue el primer proyecto de letras donde me animé a hacerlo de cero; sin ningún conocimiento del tema y donde me atreví a romper todas las reglas de la tipografía y a como Dios me dio a entender. De repente ese proyecto ya estaba en todos lados como referencias e incluso me plagiaron dos veces ese proyecto. El último fue de Adobe que hice en San Francisco donde me pidieron que recreara una pieza que había hecho. Y me gustó bastante porque estaba compartiendo algo mío y lo estaba compartiendo a nivel mundial. Aunque estaba nerviosa, fue todo un reto para mí porque fue estar hablando inglés mientras trabajaba por una hora y al final quedó un resultado muy padre y lo mejor de todo es que disfruté el proceso. Si una tipografía se tarda mucho tiempo en hacer ¿Cuánto tiempo tardas en hacer un lettering? Depende del proyecto principalmente: si recibes feedback, si lo vas a probar en distintos soportes, del deadline, del presupuesto, entre otras cosas pueden hacer que estés haciendo letterings de una hora hasta una semana. Realmente no existe una regla que rija este trabajo. ¿Tú crees que el lettering es un fenómeno reciente o ya existía desde hace tiempo atrás? Diría que como algo moderno, sí. Es un fenómeno reciente. Pero como algo que ya existe de tiempo atrás, el lettering existe desde el momento en el que existió la escritura y desde el momento en el que comenzamos a dibujar letras estamos haciendo lettering. ¿Hasta qué punto es importante el estilo para hacer el lettering? Depende de qué quieras tú. Puedes irte por el camino de ser artista y tener algo que te represente mucho a ti o que seas del camino del diseño es el estilo que tú haces. En lo personal soy más diseñadora, yo me adapto al brief, pero hay quienes son más artistas. Ambos caminos son válidos, ninguno tiene menos valor o importancia que el otro. ¿Cuándo decidiste especializarte en lettering? No estoy muy segura si tuve ese momento ya que me gustaba demasiado el tema y quise aprender más y yo creo que por eso se fue perfeccionando. Fue más como un “me gusta hacer esto y dejaré de hacer esto hasta que me aburra”. Como me gusta mucho la ilustración y el lettering, logré encontrar lo que me apasiona hacer. 10 OCTUBRE 2020 ILUSTRACIÓN: SINDY ETHEL ILUSTRACIÓN: SINDY ETHEL ILUSTRACIÓN: SINDY ETHEL ¿Hay alguien a quien tú admires o de quien saques mucha inspiración? Tuve un maestro llamado Ken Barber en Nueva York, es el mejor maestro y la mejor persona; sabe muchísimo. También está Jessica Hisch que se dedica a hacer puro lettering y podría decir que también Herb Lubalin quién ya falleció pero su trabajo en los 60 de logotipos y lettering fue bastante inteligente para la época en la que se hicieron. OCTUBRE 2020 11 �L E T T E R I N G DIEGO CASTAÑEDA “El lettering es brindarles personalidad a las letras” O LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA 12 OCTUBRE 2020 LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA “Siempre tenía mi escritorio lleno de hojas y éstas estaban llenas de puros dibujos. Jamás dejé de dibujar” POR: URIEL ALMAZÁN tro gran artista que podemos encontrar en el mundo del lettering es Diego Castañeda quien es un ex alumno de la Facultad de Artes Visuales. Desde niño se sintió atraído por la escritura; sin embargo, no todo el tiempo supo que se dedicaría a esta disciplina del dibujo. Para él, el lettering es brindarles personalidad a las letras pues las palabras ya te brindan un mensaje con un sentimiento; el otorgarles estos sentimientos hace que el mensaje se enfatice aún más. Desde niño estuvo influenciado en el mundo del arte, gracias a que su padre formó parte de la primera generación del diseño gráfico en el CEDIM, todos los trabajos que vio de él lo influenciaron lo suficiente como para saber desde esa corta edad que quería ser como su papá. A través de su trayectoria escolar, nunca dejó de dibujar. Siempre hacía los clásicos dibujos de los maestros, de Goku o cualquier cosa que se le atravesara por su cabeza. Intentó ser todo lo que un diseñador gráfico puede ser al llegar a la facultad comenzando con la ilustración, pues ya traía un poco de experiencia gracias a todos los dibujos que hizo en el pasado. Sin embargo, en el 2010 salió una página en Facebook llamada “Typeware” donde subían las clásicas frases de “Deja tú lo guapo, soy diseñador” y al ver las paletas de colores tan llamativas y las tipografías tan variadas, comenzó a llamarle la atención. Esto le hizo desear lograr la misma calidad de comunicación que las publicaciones de esa página. Al terminar sus estudios, él optó por viajar a la CDMX para poder especializarse en el lettering, aprovechando el tiempo libre que tuvo por el despido de la agencia en la que trabajaba en el 2014. “Siempre tenía mi escritorio lleno de hojas y estas estaban llenas de puros dibujos. Jamás dejé de dibujar” nos comentó, ya que desde niño hasta ese entonces no había tomado un descanso de dibujar letras. En ese viaje, logró conocer todas las bases que le hacían falta para poder trabajar el lettering como se debía de hacer. Algo que él siempre recomienda en sus talleres en Octante es que tomes bases teóricas para poder entender cómo funcionan las cosas, pues aunque la práctica hace al maestro si ésta no está sustentada por el conocimiento, se vuelve un ciclo sin fin. Y nadie se salva de caer en esos círculos viciosos. Hay que aprender a ser autocríticos para poder saber dónde te equivocaste y así corregir los trabajos que hagas. LLETTERING: DIEGO CASTAÑEDA Así mismo, él recomienda que todos hagan sus portafolios en las redes sociales de su preferencia, pero que el objetivo sea darse a conocer ya que si hacen un trabajo y no lo publican, nadie sabrá de él. Incluso tú mismo te olvidarás de tu propio trabajo y ahí se quedará. Educa tu ojo y atrévete; suelta tu mano y llena tus hojas cuando estés practicando y equivócate cuantas veces sea necesario para que puedas darte cuenta en el resto de los intentos de que estás mejorando. LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA “Aunque la práctica hace al maestro, si no está sustentada por el conocimiento, se vuelve un ciclo sin fin.” LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA OCTUBRE 2020 13 �L E T T E R I N G INSPIRACIÓN POR: URIEL ALMAZÁN Y qué mejor manera de satisfacer estas necesidades artísticas que buscando inspiración para estos temas. Hoy en día es fácil encontrar muchos trabajos gracias a las redes sociales con las cuáles puedes rápidamente hacer llegar tu trabajo a más de miles de personas. Un ejemplo de estas redes sociales es Instagram, que se popularizó velozmente por la calidad que mantiene en las imágenes y cuya interfaz es más limpia que la de otras redes sociales. Aquí puedes encontrar los famosos “Hashtags”, que son palabras claves –o etiquetas– que puedes ponerle a tu foto para que cuando un usuario escriba sus intereses el buscador pueda hacer un “match” y pueda mostrarte tu trabajo. Y una curiosidad es que en Instagram puedes seguir los hashtags para que en tu inicio sigas viendo contenido completamente personalizado. Una de estas etiquetas que pueden encontrar es el de “#lettering” donde todos los usuarios publican sus trabajos relacionados con este tema. Y uno puede encontrar desde cómo personalizar tus propias agendas creando títulos únicos hasta un estilo grunge donde no existe un orden ni un sentido estético de las hojas con la letra. También existen cuentas dedicadas a extraer trabajos de otros colaboradores para poder brindar al grupo artístico más obras de arte y seguir alimentando la inspiración, por ejemplo la cuenta “lettering_daily” crea publicaciones continuamente de trabajos de otros artistas y logra generar una galería de variedad de este arte donde no solo ves distintos estilos de trabajo sino ves distintos métodos para poder realizar tan espectaculares trabajos. Una tercera manera de encontrar inspiración en esta red social es escribiendo la palabra clave “lettering” en el buscador. De aquí, el algoritmo de esta herramienta te arrojará los resultados más próximos a lo que intentas encontrar. En un mundo donde la tecnología ya está al alcance de todos y tiene un hambre enorme por seguir creciendo, es inevitable ver este tipo de trabajos en donde sea gracias al alcance de un solo clic. Sigue buscando y nunca dejes que tu hambre por seguir creando se desaparezca. Como nos dijo Sindy, no busquemos likes y hagamos solo por hacer, sino plantearnos objetivos y metas. 14 OCTUBRE 2020 POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM OCTUBRE 2020 15 �E M P R E N D I M I E N T O Octante Una tienda enfocada en gente creativa, artículos de papelería de alta calidad y marcas Premium. Flor Imperial Hecho por Diego Castañeda Visita y contacta octante: _ INSTAGRAM @OCTANTEMX _ TIENDA EN LÍNEA www.octante.mx _ WHATSAPP 81 2980 7165 _ OFICINA 81 8356 3560 _ SUCURSALES Monterrey Valle Calz. San Pedro Col. Miravalle Centro Comercial Pueblo Serena Carretera Nacional Col. Valle Alto POR: KELLY SIKKEMA EN UNSPLASH POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA U POR: KREATED MEDIA EN UNSPLASH n poquito de su historia… Dio sus inicios en el 2010 vendiendo exclusivamente la marca “Moleskine” la cual es una marca italiana que engloba libretas de notas, bolsos, agendas, instrumentos y accesorios de escritura y lectura. Montero, Fundador y Director de operaciones inició con su primer local en Río Orinoco en Centrito Valle donde vendían a clientes y amigos de su despacho “Visualización Arquitectónica”. Después de su primer local abrieron una pequeña isla en el Centro Comercial Galerías Valle Oriente Monterrey en la cual estuvieron año y medio y gracias a su éxito se pasaron a su local actual en la Colonia Miravalle. En el 2016 abrieron su segunda tienda en la Col. AltaVista en la zona del Tecnológico de Monterrey, la cual terminó siendo cerrada y en el 2019 gracias a su éxito abrieron una tienda más grande en el Centro Comercial Pueblo Serena al sur de la Ciudad de Monterrey. Handlettering is still alive”. Introduciéndonos un poco más, Octante es un mundo de material artístico en donde increíblemente existe el mejor sacapuntas del mundo, ¿Sabías que existía? Porque nosotros no, y para ser el mejor sacapuntas ocupa su complemento así que al igual encuentras las mejores marcas de lápices, de todo tipo de madera, y la mejor calidad que existe. Un dato curioso que nos dijeron es que ahí mismo existen los mejores plumones para hacer lettering como lo es la marca TOMBOW y la marca POSCA. Esta tienda tiene muchísimos productos novedosos, de la mejor calidad y a un muy buen precio. Miguel tiene un lema el cual es “No vendería algo que no usaría” lo cual nos da a entender que siempre tendrá el mejor material en su tienda. Una cosa que los diferencia al resto de las demás tiendas de material artístico es algo asombroso como el “Octante INK BAR” en el cual manejan diferentes tipos de tintas de varias partes del mundo con las cuales tienes la facilidad de pedir el color que necesites, es una forma más ecológica de verlo ya que ahí mismo puedes ir a rellenar tus tinteros lo cual es mucho más barato y mejor para el medio ambiente. Algo muy interesante de esta tienda es que durante los últimos años han manejado varios talleres y cursos, como lo son de acuarela, lettering, ilustración y caligrafía. Debido al COVID-19 se tuvieron que suspender los cursos por el momento, pero cuando se lleguen a abrir de nuevo, no desaproveches la oportunidad de aprender cosas nuevas. Isla en Valle Oriente Fotografía tomada de @octantemx en Instagram 16 octubre 2020 octubre 2020 17 �E N F O Q U E Los colores & el cine Porque un mundo sin color no sería lo mism0. POR: OSCAR DE JESÚS SÁNCHEZ RODRÍGUEZ Ejemplo de una paleta de colores referente a la pelicula “Scott Pilgrim vs. the world” Rojo Seguimos con el color rojo que al igual que el Azul también es uno de los colores más populares entre la sociedad, en el cine el rojo tiene la función de transmitir sensaciones intensas e incontrolables tales como puede ser el amor y la sexualidad, la violencia, autoridad, el peligro, la rabia e ira. Naranja Hay que recordar que la selección de colores en una película no es por casualidad, más bien es producto de un cuidadoso análisis de escenografía. S in duda alguna los colores siempre han formado parte importante en nuestra sociedad tal como lo son la ropa, objetos de uso común, la publicidad y en el cine no es la excepción. Todos percibimos los colores de diferentes maneras y nos transmiten una sensación, a esto lo conocemos como: la psicología de color. Este nombre proviene de “La Teoría de los Colores” propuesta por el alemán Johann Wolfgang Von Goethe en 1810 donde él hablaba, o más bien, proponía diferentes usos y significados para cada color. En el cine los colores tienen varias funciones como establecer un conflicto, definir las personalidades de un personaje al igual que el desarrollo de este, señalar elementos importantes y para transmitir un sentimiento o emoción en cada escena. 18 OCTUBRE 2020 Proseguimos con el color naranja que es el más cálido de todos, el cual trasmite sensaciones positivas tales como la alegría, la amistad, la interacción humana y lo exótico, también está vinculada a la nostalgia, los recuerdos y la juventud. Amarillo En quinto lugar, tenemos el color amarillo en su lado positivo trasmite la originalidad, seguridad, el optimismo y la vitalidad de las personas, pero por otro lado no tan positivo representa la enfermedad y las emociones negativas de las personas tales como locura, envidia, celos, enfados, entre otros más. Azul Para poder armar todo lo anteriormente mencionado se tienen que definir los tonos que se utilizarán en la película y aquí es cuando se crea la paleta de colores, que serán las series de tonalidades que se usarán en toda la película y darle un contexto desde la preproducción. Pues es muy bien sabido que utilizar un color morado para una escena romántica no será lo mismo si usamos un tono rosa. Una vez explicada la importancia de los colores en el cine, mencionaremos sus significados. Sabiendo esto, ir al cine ya no será como antes, tendrás una visión muy diferente de las películas, podrás disfrutarlas aún mejor al saber por qué un color específico está en el entorno y/o lo que utiliza cierto personaje, recordemos que las palabras no son las únicas maneras de trasmitir un mensaje. Empezamos con el Azul que es uno de los colores más populares y de los favoritos de las personas, y sin duda en el cine es un color que puede trasmitir diferentes emociones dependiendo del contexto estos pueden ser: tranquilidad y reflexión, pero por el contrario puede representar la tristeza y la soledad, en otros casos también se puede asociar a lo pasivo, a la tranquilidad y a la satisfacción. Rosa Verde Morado Continuamos con el color verde que es asociado con la naturaleza con lo cual tiene los significados de la fertilidad y de la inmadurez también se utiliza para representar aspectos de un personaje tal como su voluntad, si es alguien pasivo o defensivo, cauteloso, posesivo, persistente, su autoestima y su liderazgo. Por otro lado, puede representar cosas malas por ejemplo una amenaza, corrupción o al igual que el rojo el peligro. Otro de los colores es el rosa que lo han estado representando siempre como el color femenino, está más enfocado a los personajes femeninos y atribuirle cosas tales como la belleza, empatía, su alegría, dulzura o inocencia, entre otras más. Y ya para terminar con los colores seguimos con el violeta o morado, este color no es muy común encontrarlo en todo lo que nos rodea, por este motivo en el cine lo usan para representar ambientes de fantasía, ilusión, de lo místico y lo erótico, en personajes es utilizado para transmitir irresponsabilidad, intuición, la sensibilidad, la inmadurez y lo afectivo al igual que la realización de sus deseos. OCTUBRE 2020 19 �A R T E La inspiración para crear arte ¿ POR: JOSÈ MANUEL OCHOA OSORIO Cualquier cosa o evento que haga ver la realidad como algo fuera de lo común propicia la inspiración misma. 20 octubre 2020 Cómo fue que Leonardo se inspiró para crear la Mona Lisa? ¿Qué inspiró a Miguel Ángel crear al David y a Cervantes el Quijote? ¿Qué es lo que inspira a los artesanos a crear sus obras? El campo del trabajo artístico es muy amplio y variado, pero ¿qué es ese algo que tienen en común los artistas que los motiva a crear arte? Entre las primeras personas que trataron de explicar la inspiración se encuentra Platón, en su diálogo “Ion” establece que la creación poética no depende del saber adquirido por el poeta, sino de una fuerza divina que lo posee. Así, más allá de lo que es la inspiración en sí misma, existe la pregunta acerca de qué y cómo se inspiran los artistas para crear sus obras. La respuesta puede ser muy fácil o difícil según se vea, todo inspira y a la vez nada lo hace, el proceso tiene que ver con el artista mismo, su forma peculiar de observar el mundo, sus emociones y su realidad. El artista visualiza su entorno y a través de su obra busca transmitir sentimientos y emociones de lo que lo rodea. Se puede considerar entonces que uno de los motivos que más inspiran es la naturaleza misma, ya que es un marco perfecto para producir sentimientos y emociones agradables. Al estar en contacto con la naturaleza, las personas nos relajamos y nos sentimos más tranquilos, de esta forma, en un ambiente feliz, las ideas pueden fluir mejor. Pero el artista se inspira en cualquier cosa, no se limita a nada, cualquier cosa o evento que haga ver la realidad como algo fuera de lo común propicia la inspiración misma. El ver un amanecer, el nacimiento de un niño, la muerte de un ser querido, todas estas situaciones son motivo para producir emociones en el artista para que al crear su arte busque una forma de comunicar sus sentimientos que le produjeron esa situación. Entonces para crear arte, hay que salir a buscar la inspiración, yendo a museos, ver obras de otros artistas, ver películas, oír música, leer libros, todo aquello que propicie la imaginación es benéfico para que esta llegue. Un buen consejo es llevar a la mano en donde anotar las ideas que van surgiendo, la memoria La inspiración es un sutil río de claridad que salta desde un conocimiento inmenso y eterno; sobrepasa a la razón con mayor perfección que la razón sobrepasa al conocimiento de los sentidos” Sri Aurobindo. puede ser engañosa, y al leer las notas se pueden mejorar las ideas y la creatividad va surgiendo en ese momento. La inspiración ha aparecido. Puede existir el bloqueo creativo, para esto es mejor relajarse y no pensar en ello porque para que haya una buena inspiración se debe tener un descanso y relajación adecuados. Hay que considerar que las personas con altos niveles de estrés rara vez tiene momentos de inspiración, el estrés mismo es agotador. Un momento de inspiración es un momento mágico donde las personas liberan su creatividad y recordando considerar la frase “que la inspiración te encuentre trabajando”, se crea una inercia de seguir creando más obras, de mejorar en lo que se está trabajando. POR: RAKICEVIC NENAD EN PEXELS inspirar Del lat. inspirāre ‘soplar’. _ tr. Infundir o hacer nacer en el ánimo o la mente afectos, ideas, designios, etc. tr. Sugerir ideas o temas para la composición de una obra literaria o artística. tr. Dicho de Dios: Iluminar el entendimiento de alguien y mover su voluntad. prnl. Sentirse motivado por alguien o algo para el desarrollo de la propia creación. rae.es octubre 2020 21 �A R T E Nuevo León tendrá un Laboratorio Cultural La infraestructura del Laboratorio Ciudadano promueve la colaboración y la realización de proyectos. POR: CONARTE 22 octubre 2020 Queremos atraer a este espacio a los genios para que diseñen el Nuevo León que necesitamos todos” POR: ANDREA REYNOSA E l Antiguo Palacio Federal actualizará sus vocaciones culturales a través de un nuevo proyecto sobre un Laboratorio Cultural Ciudadano (LABNL), un plan diseñado por el gobierno estatal a través del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León (­CONARTE), el cual se dio a conocer a través de su presidente Ricardo Marcos. Él, junto con el Secretario de Infraestructura, ­Humberto Torres, anunciaron la presentación e inicio de la obra a ­ ­mediados de este año. Según los informes, el proyecto incluirá el cierre de la Calle 5 de Mayo, entre Zuazua y Zaragoza para hacerla peatonal. La restauración de la misión artística del Antiguo Palacio Federal se inició con el objetivo de establecer un Laboratorio Cultural Ciudadano, el cual tiene como propósito potencializar la creatividad e innovación de los jóvenes para poder generar proyectos creativos. El proyecto invierte 107.9 millones de pesos; de los cuales 83.2 millones se destinan a obras inmobiliarias y otros 24.7 a equipamiento. El gobernador Jaime Rodríguez Calderón, resaltó la importancia de crear las condiciones para el desarrollo de la cultura y las artes a través de la experimentación con las nuevas tecnologías. - “Una promesa fue regresarle a la comunidad cultural un espacio que permita que creemos las nuevas historias y el nuevo arte. Estamos otorgando las condiciones que necesitan las nuevas generaciones para trascender al futuro [...] Queremos atraer a este espacio a los genios para que diseñen el Nuevo León que necesitamos todos” “Un laboratorio ciudadano es un espacio de generación de ideas, abierto a proyectos de personas e instituciones que buscan la solución de problemas en conjunto. “ Marcos García, director artístico de MediaLab-Prado, ­Madrid, destacó que el objetivo del Laboratorio Cultural Ciudadano era convertirse en una plataforma generadora de ideas que esté al servicio de la población. “La infraestructura del Laboratorio Ciudadano promueve la colaboración y la realización de proyectos. No es tanto un centro cultural que programa contenidos, sino que sirve como una plataforma para que personas con ideas se reúnan con colaboradores y puedan llevarse a cabo”. El LABNL contará con espacios para la creación de diversos contenidos y aprendizaje como: aulas taller, talleres de producción, un estudio audiovisual, estudios sonoros, escénicos, de arte, tecnología, producción digital e ideas, así como incluir un espacio dividido para seis laboratorios donde abordan diferentes temáticas relacionadas a la producción. De igual manera, contará con rincones escénicos, almacenes, oficinas y cafeterías (por nombrar algunos) dirigida principalmente a los jóvenes entre 16 y 35 años. Por ello es que es considerado que este tipo de espacios deben estar abiertos al público, así como las instituciones educativas y culturales para el desarrollo de proyectos en conjunto. Las obras para el Laboratorio Cultural Ciudadano empezaron el pasado 14 de julio del 2020 y se tiene planeado que el Laboratorio inicie sus operaciones a principios de diciembre de este mismo año. POR: CONARTE octubre 2020 23 �E V E N T O S Uno de los festivales más grandes de diseño, arte y fotografía de Latinoamérica, que da oportunidad a estudiantes de compartir un momento con los artistas más reconocidos de la industria, se adaptó de manera virtual con más de 30 webinars y 50,000 espectadores de todo el mundo. POR: SOFÍA SANTOS ARIZPE W acom Academy es una iniciativa educativa de la marca Wacom dirigida a estudiantes para que descubran nuevas técnicas y herramientas que los ayuden a impulsar su creatividad y potencial artístico. El evento da oportunidad para que los aspirantes interactúen con personas profesionales en el campo a través de conferencias, eventos, talleres y concursos presentados por los mejores artistas en el mundo de la animación y diseño. Abarcando temas como diseño, animación 2D y 3D, escultura digital, diseño de cómics y personajes, efectos visuales y edición de fotografía. 24 octubre 2020 Cada año, desde 2017, han realizado un tour por distintas universidades de América Latina, donde artistas reconocidos como: Aaron Blaise (Rey León, La Bella y la Bestia, Pocahontas), Dan Katcher (Game of Thrones) y Mike Thompson (Marvel: Black Panther), presentan clases a los estudiantes y hablan de su experiencia y procesos con herramientas de Wacom. Este año tuvieron que planear una dinámica distinta para que el evento se presentara a los estudiantes. Formando así el e-Fest 2020 Wacom Academy, un evento en línea, completamente gratuito con más de 60 horas de contenido, dando oportunidad a que estudiantes interesados de otros países también tuvieran acceso a las pláticas con diferentes artistas. Agenda e-Fest 2020 Horarios de artistas invitados el 4 de septiembre. academy.wacom.com E-FEST 2020 WACOM ACADEMY (De izquierda a derecha) Ilustraciones para WacomAtrévete hechas por @bydigu, @leodelsabio, @dandan_gula, @inhuumi, @cuartitochill en Instagram E-FEST 2020 WACOM ACADEMY Para su cuarta edición, se organizó un evento virtual de 4 días donde 30 artistas reconocidos mundialmente, platicaron sobre temas específicos a su carrera o también trabajaron en vivo creando piezas o ilustraciones para explicar su proceso al momento de trabajar con los programas y herramientas. Las conferencias duraron aproximadamente una hora y media, contando con momentos para que los estudiantes presentes en la sesión pudieran hacer preguntas o mostrar trabajos de su portafolio para recibir retroalimentación de los artistas. La edición reunió a más de 50,000 asistentes, de 20 países, registrados en las conferencias y 120 portafolios de alumnos de diferentes universidades para ser revisados por los profesionales y generar reconocimiento de la comunidad Cumpliendo así el objetivo de Wacom Academy, que busca llegar a artistas aspirantes que quieran aprender nuevas técnicas y generar un espacio donde puedan acercarse al mundo laboral de esta increíble práctica a través de pláticas con los artistas más importantes que comparten con ellos la misma pasión por el arte y la animación. ARTISTAS INVITADOS En esta edición se presentaron artistas destacados de diferentes partes del mundo como Argentina, Chile, Colombia, Perú, Estados Unidos, Guatemala, Inglaterra y México. Reunieron a artistas reconocidos de Disney, Pixar, Marvel y DC como: Grant Alexander, de Pixar por diseño de personajes; Armand Serrano, que ha trabajado con efectos visuales en Disney; Hugo Blendl, que participó en la animación de Rick and Morty; Mike Sandoval, artista digital que participó en proyectos para Corona Capital y Foo Fighters; y Daniel Bel, escultor digital en Sideshow Collectibles. octubre 2020 25 �E V E N T O S WEBINARS El evento presentó las conferencias a través de Zoom, desde la mañana hasta la media tarde, donde los artistas contaron con una hora y media aproximadamente para compartir una charla o presentación con los estudiantes. Te presentamos un resumen de algunos webinars de esta edición: LILA CRUZ La conferencia empezó con la artista, presentándose y demostrando su trabajo de ilustración editorial para portadas de libros. Su plática fue muy útil para los estudiantes ya que hizo una demostración con la tablet de Wacom en el proceso de sus ilustraciones, aportando tips y técnicas mientras compartía su pantalla para que pudieran ver lo que estaba haciendo. También habló de la importancia de estar familiarizados con materiales reales como acuarela, para poder trabajar más fácil con las tabletas gráficas y los pinceles. Hubo un momento donde revisó trabajos de los estudiantes y les ayudó a mejorar sus piezas demostrando las técnicas y referencias para que pudieran lograrlo. ¡ MIRA TODAS LAS CONFERENCIAS ! Puedes visitar la página de Wacom Academy, academy.wacom.com para disfrutar de los webinars de todos los invitados, accesibles para todo público. Artistas Invitados Banner de academy.wacom.com GRANT ALEXANDER Grant empezó presentando su trabajo en Pixar, en el cual estuvo por 12 años, formando parte de producciones como Cars 2, Onward, Soul y Coco. Esta plática informó a los estudiantes de los procesos que se llegan a tener en Pixar, y cómo trabajó los backgrounds de Coco. También platicó sobre el diseño de personajes, haciendo una demostración de su proceso, mientras respondía preguntas sobre su carrera y experiencias en todo su trayecto artístico. GRETEL LUSKY La artista empezó con una pequeña introducción de su trabajo y carrera. Para la conferencia presentó su proceso desde cero para crear una ilustración. Explicó paso por paso todo lo que hace desde los ajustes del archivo en Photoshop hasta detalles de la paleta de color que utilizaría. Mientras trabajaba en la ilustración, respondió preguntas sobre el proceso de sus bocetos, las herramientas que más usa en la aplicación, entre otras. HUGO BLENDL Su plática empezó con un agradecimiento a WACOM por la oportunidad de trabajar con la comunidad artística y sus viajes con la marca para dar charlas y clases de animación 2D y 3D, para mejorar la industria de esta rama en Latinoamérica. Habló sobre su carrera en Netflix y proyectos con Universal. Sobre su proceso, técnicas y tips para mejorar. La plática fue muy divertida ya que mientras iba contando un poco de su historia, estaba animando pequeñas ilustraciones que acompañaban lo que decía. Además de la plática, preparó unos ejercicios para presentarles a los estudiantes y les explicaba herramientas del programa mientras animaba. Webinars Captura de pantalla de las sesiones de Lila, Grant, Gretel y Hugo. Reproducidas en la página de Wacom Academy. #WACOMATRÉVETE Además de las conferencias y demostraciones de nuevos productos de Wacom, se organizaron concursos con algunos artistas y el concurso principal “#WacomAtrévete”. La convocatoria empezó a finales de agosto cerrando el 11 de septiembre para anunciar a los ganadores una semana después. Sin embargo, debido a la gran respuesta de los aspirantes, recibiendo 2000 piezas por calificar, la fecha de la premiación se cambió para el 23 de septiembre donde los ganadores se nombraron en la cuenta oficial de WACOM en instagram. 26 octubre 2020 Dentro de los jueces para decidir a los ganadores, estaban los mismos artistas invitados al evento: Gretel Lusky, Mike Sandoval, Mikeila Borgia, Nicolás Chacín, Mr. Phillip y Linda Platas. Calificando a los artistas por la ejecución de la idea, presentación, la historia, sin dejar a un lado el nivel de originalidad y técnica. El concurso estaba dirigido a artistas amateurs exclusivamente, ya que su objetivo principal era descubrir el talento emergente e impulsar a nuevos artistas a mostrar su trabajo con la comunidad sin importar qué tipo de arte usan para expresarse, ya fuera, digital, análogo, fotografía o animación. Ganadores de WacomAtrévete Captura de pantalla de @wacom en instagram. octubre 2020 27 �E V E N T O S “Se proyecta” el certamen de cortometrajes de la UANL POR: OSCAR DE JESÚS SÁNCHEZ RODRÍGUEZ U n certamen que dio inicio el pasado 20 de febrero, cuyo objetivo es invitar y motivar a sus alumnos a poder demostrar su ta- lento artistico en la creación de cortometrajes. Esta tuvo dos tipos de categorías: La primera llamada “Categoría Especial” dedicada a estudiantes de la Facultad de Artes Visuales, Facultad de Artes Escénicas y la Facultad de Ciencias de la Comunicación. La segunda llamada “Categoría Generales” donde podrían participar el resto de los estudiantes de facultad y preparatoria. El total de cortometrajes registrados para esta convocatoria 2020 fue un total de 33, donde 17 de ellos pertenecían a la “Categoría Especial” y 16 para la “Categoría Generales”, sin duda alguna quedó claro que ni la pandemia puede detener la creatividad y el amor de cada uno de los participantes por plasmar sus ideas en un cortometraje. Los premios para los cortometrajes ganadores fueron para el primer lugar la cantidad de $25,000, para el segundo lugar el monto de $15,000 y por último el tercer lugar $10,000, además de que estos cortometrajes ganadores serán proyectados gracias al Ficmonterrey. 28 OCTUBRE-2020 Hay que felicitar y agradecer a cada uno de los estudiantes que participaron por su gran esfuerzo de lograr que un evento como lo es el Certamen de Cortometrajes de la UANL fuera un éxito, a pesar de la situación que estamos pasando,motivando a muchos estudiantes a que participen en el próximo certamen y sobre todo a seguir con sus sueños de producir grandes historias. Oscar Sanchez Los ganadores para los participantes de la “Categoría Especial” fueron los siguientes: En primer lugar, tenemos al estudiante Emanuel Sena Galeana de la Facultad de Artes Visuales que nos presentó “Los niños perdidos” un cortometraje repleto de drama. En segundo lugar, se lo llevó “Desde mi pantalla” con un cortometraje con un tono de romance dirigido por Luisa Valentina Frassier Canache estudiante de la Facultad de Artes Visuales. En tercer lugar, también de la Facultad de Artes Visuales lo obtuvo Marlon Fabricio Romero Algaba con su cortometraje lleno de drama, delincuencia juvenil llamado “Castigada”. Agradeciendo a cada uno de los estudiantes que pusieron en alto el nombre de nuestra facultad en el certamen de cortometrajes, esperando a que llegan mas logros para casa uno de ellos y que sigan animando a todos nuestros compañeros a seguir creando varias historias, Fuente de imagen “Sitio web UANL” Los ganadores para los participantes de la “Categoría General” fueron los siguientes: En el primer puesto se lo lleva la estudiante Sara Gabriela Arredondo Mendoza de la Facultad de Arquitectura con su cortometraje “Azúcar” manejando un género de ficción. En el segundo puesto lo tiene el documental titulado “Cuarentena” dirigido por el estudiante Iaf Ueman Alcántara Sánchez de la Escuela Industrial y Preparatoria técnica “Pablo Livas”. En tercer puesto lo obtuvo “Yakei: Los vigilantes de la noche” un cortometraje de horror surrealista, dirigido por el estudiante Joshua Samuel Rincón Ramos de FACPYA Cada uno de estos estudiantes nos hacen saber que todos llevamos un artista adentro y que no lo unico que nos detiene es el no intentarlo, y esperemos ver mas participaci´n de otras facultades para conocer diferentes estilos y visiones de contar una historia. Fuente de imagen “Sitio web UANL” Y además de tener a los ganadores en sus respectivas categorías, también hubo menciones honoríficas para algunos cortometrajes, los cuáles fueron: De la “Categoría Especial” fue un documental de ficción titulado “Coliseo” dirigido por la estudiante Gabriela Ramírez Zúñiga de la Facultad de las Ciencias de la Comunicación. Otro cortometraje con mencion fue “Ave” un drama familiar dirigido por el estudiante Alejandro Medina Vega de la Facultad de Artes Visuales también de la “Categoría Especial” Y por último un cortometraje perteneciente a la “Categoría General” fue para el drama “Piojo” del estudiante Tadeo Osvaldo Hernández Silva de FIME OCTUBRE 2020 29 �S E C C I Ó N 30 septiembre 2018 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2020 Número Número de la revista 3 Mes de publicación Mes cuando se publicó Octubre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2020, No 3, Octubre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/10/2020 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020114 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Artes Colores Cortometraje Docentes Emprendedores imspiración Laboratorio cultural ciudadano Letterning https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20003/Croma_2020_No_4_Diciembre.pdf 2b6234f9fff037f24125baf68e7fb786 PDF Text Text Arte. Diseño. Audiovisual Diciembre 2020 Número 4 El ARTE urbano, una EXPRESIÓN SOCIAL septiembre 2018 1 �Í N D I C E pág. 04 pág. 18 Alumno Destacado pág. 06 Emprende pág. 20 Docentes pág. 08 Enfoque pág. 22 Nota de portada pág. 16 Artes pág. 26 Emprendedores Artes 2 ENERO 2021 �edores pág. 28 Eventos pág. 30 Eventos Créditos M.C. Rogelio Garza Rivera Rector QFB Emilia Vásquez Farías Secretaria Académica Dr. Celso José Garza Acuña Secretario de Extensión y Cultura Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González M.A. Abigail Eugenia Guzmán Flores Subdirectora de Posgrado Estancia de producción Oscar de Jesús Sánchez Rodríguez, Andrea Guadalupe Olivares Pérez, José Manuel Ochoa Osorio, Andrea Reynosa Pedraza, Uriel Almazán Martínez y Sofía Santos Arizpe Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz Portada Carlos Robledo y Hazael Holz eNERO 2021 3 �A L U M N O D E S T A C A D O JESSICA PÉREZ POR: URIEL ALMAZÁN ¿Alguna vez te has preguntado qué es estar en el programa Talentos de la UANL? Pues quédate aquí porque nuestra compañera de Diseño Gráfico, Jessica Pérez nos contará un poco de cómo ha sido su experiencia en este esquema que maneja nuestra Universidad. P ropiamente, Jessica es una alumna que, como muchos, desde un inicio no tenía idea de qué quería estudiar como carrera; y quizás esto te parezca un dato curioso pero ella tenía pensado estudiar mecatrónica antes de decidirse por diseño. Esto gracias a la influencia de su padre al ver que se metía de lleno a arreglar las computadoras en las tardes. Y no fue sino hasta la preparatoria donde decidió unirse a un curso de dibujo, pues desde niña esta actividad siempre ha sido su favorita y como pasatiempo. Durante este curso, el maestro que estuvo al frente estudió diseño. Entonces en las clases él contaba mucho las cosas que hacía y eso despertó su interés. Luego en casa revisó el plan de estudios que tenía la escuela y se sintió atraída por este, pues habían muchas cosas que no conocía y sonaban demasiado interesantes. Y poco a poco se fue generando este interés por la carrera hasta desarrollarse como un amor a lo que hace tanto en diseño como en manualidades. Al llegar a FAV, la oportunidad de ser alumna talento le llegó de sorpresa pues cuando recién comenzaba el semestre logró ser parte de los primeros 10 lugares en el examen de ingreso. Le ofrecieron formar parte del programa y sin saber mucho de lo que le depararía, aceptó. Para su sorpresa el formar parte de este programa le abrió muchas puertas que aprovechó para todo. 4 ENERO 2021 �POR: JESSICA PÉREZ Tú eres tú, tú decides qué vas a hacer porque es algo que tú vas a experimentar y no tu tío, tu mamá o tu abuela”. -Jessica Pérez POR: JESSICA PÉREZ Le ayudó a descubrir su manera de trabajo basado en la organización, esto a causa de que este programa le demandaba muchas horas de servicio (80 en total al año) debía de distribuir su tiempo muy bien en toda la semana para que pudiera hacer todo lo que tenía (y quería) hacer: las áreas, cumplir con las horas de talentos, ver a sus amigos y sobre todo darse tiempo para descansar y recuperar energías. Gracias a este programa, logró conocer a muchos maestros, quienes le han dejado su contacto para poder contar con ella con algún proyecto que les llegara a surgir, logró conocer a muchas personas tanto en el programa como fuera de la Facultad. Así mismo, el formar parte de este programa le ayudó a descubrir (y reforzar) su método de trabajo; que es a base de post-its. Al hacer una lluvia de ideas, se queda con las mejores cinco que puedan concretar una buena base y de ahí comienza a crear y hace crecer su concepto hasta lograr las cosas que nos muestra en sus trabajos. Por otro lado, una ventaja que le ofreció este programa fue el poder irse de intercambio a España donde se fue a una escuela de Bellas Artes y logró viajar por toda Europa, donde nos contó que en este continente la gente respeta mucho los espacios visuales para evitar un ruido visual en la calle, o que si en un lugar el color predominante de los diseños es azul, todos los demás diseños de las competencias los puedes ver con la misma gama de color dominante. Y en especial que allá se busca destacar por formas y mensaje, no por colores. Por último, Jessica alienta a los alumnos que deseen irse de intercambio a que se atrevan a no tener miedo a tomar sus propias decisiones. A afrontar nuestros miedos y salir de nuestra zona de confort. Y que tengan paciencia ya que este proceso de intercambio es muy lento y largo, muy tedioso y cansado; aparte de estar lleno de papeles. Pero es algo que vale muchísimo la pena como una experiencia de vida para contar. POR: JESSICA PÉREZ eNERO 2021 5 �D O C E N T E S Ana Fabiola Medina Ramírez POR: JOSÉ MANUEL OCHOA OSORIO Maestra, ¿quién es Ana Fabiola Medina Ramírez? Soy psicóloga, la licenciatura es con Acentuación en Psicología Clínica Infantil, continué haciendo la maestría precisamente porque yo quería seguir buscando un espacio en el arte y me di cuenta en un momento que necesitaba profesionalizarme. Entonces entré a la maestría en la Facultad de Artes Visuales, pero ahí me reencuentro con la psicología, me interesa mucho la investigación. Mi tema de investigación fueron procesos formativos en la infancia, los procesos creativos de la niñez. Hice un doctorado en filosofía con acentuación de estudios de la cultura, donde continúo mi investigación en procesos formativos de la niñez. Toda mi vida he sido dibujante. Toda mi vida he sido una niña que dibuja todo. Ese es mi recuerdo más antiguo: estar dibujando, estar coloreando. Mi interés por el arte se mezcla mucho con la psicología, siempre mirando a la infancia. El doctorado y la maestría me dieron oportunidad de hacer talleres, de acercarme mucho a la niñez. Primero para tener los documentos que yo requería de mi investigación, pero después llevarlos a los docentes. Y ahí es donde entra este diálogo y este reto de mostrar mi propuesta al que está trabajando con niñas y niños todos los días. Cómo la reciben, cómo la llevan a sus aulas y cómo la traen de regreso. Eso me ha enriquecido muchísimo. La vida no es algo lineal. Te presenta experiencias que hacen que des el giro. El encuentro con personas también, en mi caso, le debo muchísimo de toda esta inspiración al doctor Ramón Cabrera Salort quien fue mi tutor en la maestría y al doctor José Javier Villarreal, que fue quien me introduce a la literatura y fue mi tutor en el doctorado. A ambos les debo muchísimo de mi formación y siempre que tengo la oportunidad lo comento Te expresas a través de diversas formas de artes. ¿Cómo eliges una forma u otra forma de arte?. Ese siempre ha sido un gran misterio. Aunque he revisado libros, que te muestra cuál es el proceso creador, de donde surge este ímpetu, esa necesidad por crecer, por crear, por expresar. Pero nunca explican por qué elegimos que esto sea pintura, que esto sea dibujo, que esto sea escultura, que esto sea un poema. Siempre dices ¿por qué necesita salir con este cuerpo, en esta codificación? entonces yo simplemente me dejo llevar. También son épocas. En un momento me acerqué mucho a la escritura, tomé talleres, como por ejemplo con Margarito 6 ENERO 2021 POR: FABIOLA MEDINA RAMÍREZ Cuéllar, y me jacto por haber tenido excelentes personas cerca que te nutren mucho, personas creativas, que creo que eso es lo más importante para ser un creador, estar en medio de un círculo de creadores. ¿Por qué los murales? ¿Qué expresas ahí? Mira, cuando empecé de voluntaria, primero empecé en la clínica 25. Ahí hay un espacio muy pequeño donde van los niños, los pacientes pediátricos, era un espacio muy saturado. Anteriormente había tenido otra invitación a pintar murales en el en el Hospital Universitario, también en el área de pediatría, ahí tienen un patiecito de juegos para los niños internados y quise ponerles un cuento, imágenes, no nada más una pintura que alegrara el espacio como un salón de fiestas infantiles, sino con esta vocación de la educación en el arte darles elementos para que se detuvieran a contemplar. Eso es algo que debemos enseñar, uno de los primeros pasos para introducir en la apreciación del arte es enseñar a detenerse y contemplar la pieza. Cuando me invitan a ser voluntaria en el Hospital Materno Infantil, empecé haciendo talleres, después empecé a tener la libertad para pintar, había muchos muros blancos, y convencí del proyecto de empezar a pintar murales. Mostré muchos bocetos hasta que me dijeron: bueno, está bien. Yo ya estaba con el pincel en la mano, fueron muchos meses del proceso hasta que por fin estaba aprobado. Ya llevo 80, y salen más y más, �parece que no hay tanta pared, pero hay muchísima y todavía me quedan pendientes. Y fue esa misma idea que hubiera un diálogo. Primero educar la mirada del de los niños y niñas. Entonces ¿cómo hago esto? Ofreciéndoles distintas formas de líneas, curvas, rectas y zigzags, darles también distintas figuras. Y son figuras que son de la experiencia y parte de la experiencia de ellos, como los animalitos, que es lo que más les agrada. Entonces ven una silueta de una jirafa, saben que es una jirafa, pero de repente lo nuevo, la experiencia nueva. Porque si fueran nada más imágenes que son conocidas, o sea que pertenecen a su experiencia, no hubiera diálogo. Hay una parte de la experiencia infantil ahí y otra gran parte de lo que la imagen te da, por ejemplo, en un degradado que te lleva de un azul a un rosa, un elefante pintado en morado, cuando tú pintas o coloreas los elefantes en café o en gris, una jirafa construida con puros pajaritos. Entonces formas nuevas de representar. Ese es también parte del diálogo, y parte de este juego que quiero hacer, porque en los murales también hay juegos para ellos. También he tenido la oportunidad que en muchos de los murales hay intervenciones de los propios pacientes, que también es un diálogo con el niño, con la niña, quien se da cuenta que el trazo es de otro niño como ellos, porque quiere decir que es un testimonio de que estuvo una niña o un niño pintando. Y ¿cuándo pintas? cuando estás feliz, cuando te estás restableciendo, cuando estás mejor, entonces esa es una señal, también una huella de que se pasan momentos de felicidad. POR: FABIOLA MEDINA RAMÍREZ ¿En qué te inspiras para crear el arte? Mis inspiraciones. Muchos los libros, por ejemplo, mis imágenes que me provocan los libros, que me remiten mucho a mi niñez, porque yo lo que hacía con mis hermanas era eso, recortar, dibujar. Eso me remite mucho a mi niñez. El retrato me inspira en la persona que estoy pintando, cuando no es encargo, y cuando ese encargo, bueno, el gusto que me da hacerlo. ¿Cómo organizas tu tiempo? Prioridades, dándole tiempo a la otra prioridad, que es la de crear. A veces con 15 minutos tienes o con media hora para dedicar a tus actividades. Hay cosas que traigo en la cabeza y que digo ahorita no es el momento porque tampoco 15 minutos va a ser suficiente y a veces necesito toda una tarde o todo un fin de semana para concentrarme. De todas tus obras ¿qué consideras que tienen en común y qué las hace únicas y diferentes? Yo creo que la honestidad, yo siento que juego mucho como niña, si literal, como niña. Y si lo expreso mucho, sobre todo en los libros, en el papel. Sí soy cursi y sí soy romántica, y lo expreso. Tengo situaciones, por ejemplo, de situaciones como mujer, soy empática con muchas situaciones que por las que se está luchando actualmente, en el espacio feminista, si las comparto, sí aparecen, pero van a aparecer con mi matiz. De los murales que tienes en el Hospital Materno Infantil, ¿cómo están ellos conectados? Todos tienen los mismos tonos, los colores, porque yo manejo una psicología del color. Es un espacio hospitalario donde la salud mental es importante para el restablecimiento. Entonces uso tonos azules, verdes, si acaso morados, pero no hay colores estridentes. El rojo está muy poco porque aparte el rojo evoca la sangre, alerta mucho; el amarillo está presente también y los naranjas, los cálidos están, porque si no se vería todo muy frío, pero están en menos cantidad. Los colores son un elemento que transita, que está a través de todas las imágenes. Los temas siguen siendo de animales, la mayoría. Jirafas, elefantes, las peceras, ya tengo mi globo pecera, esa imposibilidad de un globo pecera con el pececito adentro y que está como que flotando. Juego mucho con los árboles, pero esos árboles que se transforman. La transformación está en muchos de los de los murales. La Dra. Ana Fabiola Medina Ramírez es catedrática y directora de la carrera de Artes Visuales en la FAV de la UANL. Algunos de sus murales se encuentran en el Hospital Materno Infantil en Guadalupe, NL. Parte de su obra puede ser vista en sus redes sociales https://www.facebook.com/AnaFabiolaPoetaVisual. eNERO 2021 7 �M U R A L I S M O Carlos Robledo POR: JOSÉ MANUEL OCHOA OSORIO 8 eNERO 2021 �eNERO 2021 9 �POR: CARLOS ROBLEDO M U R A L I S M O I nició pintando murales en el programa Monterrey Joven, actualmente es el Coordinador de murales en el Instituto Municipal para el Desarrollo Cultural de San Nicolás. Desarrolla su obra principalmente en muros, street Paint, chalk, mandonnari y pintura de caballete. Ha realizado y expuesto su obra en Italia y Alemania, la cual se caracteriza por el retrato y la figura humana. ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? ¿Cómo fue que empezaste a pintar? Yo creo que eso viene desde el kínder. Cuando yo entraba a concursos de dibujo y de hacer cuentos. Poco a poco iba ganando algunos premios y te ganabas una libreta para que tú siguieras practicando. Después hubo dos tíos que, en diferente tiempo, yo veía trabajar. Uno es Ricardo Moreno y otro es Daniel Reséndiz Murillo, ellos veían que yo más o menos sabía dibujar y me enseñan a perfeccionar un poquito la técnica, uno en caricatura y otro un poquito más en retrato. Luego en la secundaria yo continuaba haciendo retratos. Después le continué yo viendo a gente pintando murales y todo eso y me gustó. ¿Cuál fue tu motivación para que le interesara el arte? Mis tíos fueron ejemplo a seguir. Tal vez el golpe que más recuerdo con lo que hago actualmente, que son los murales, fue en una ocasión que vi pintando a un chavo que se llama Morgan 10 ENERO 2021 y él estaba pintando un mural por la colonia Industrias del Vidrio, estaba participando en un concurso que se llamaba “Haciendo Esquina” en San Nicolás y me gustó mucho lo que estaba pintando, yo dije, bueno, a lo mejor me gustaría hacer esto algunas veces, pero solamente fue así como que tal vez lo haga, pero de ahí me quedó la espinita y seguí practicando y practicando actualmente es a lo que me dedico. Los artistas que influyeron mucho fueron Adrián Procel y Orlando Maldonado, era impresionante la técnica que tenían. ¿ Cómo fue tu primera obra en el arte urbano? La primera obra en mural fue una práctica en la Facultad de Artes Visuales, creo que fue en segundo semestre. No fue directamente sobre una pared, sino fue en un lienzo grande y fue con cuatro compañeros. Después hicimos un mural, también por la Facultad de Artes Visuales, era buscar en los alrededores de la colonia cercana para realizar un mural. Lo realizamos entre Ricardo Esquivel, Alejandro Uzeta y un servidor. Me gustó muchísimo la experiencia. ¿Cuáles son las dificultades contra las que te has enfrentado al pintar sobre muros? Puede ser que se seca muy rápido la pintura y estás expuesto a las inclemencias del tiempo. Más que nada el solazo y la proporción. Pero ya después, pasando el tiempo, vas solucionándolo. �Con la EXPERIENCIA vas hallándole más rápido la SOLUCIÓN a las cosas" ¿Existe algún mejor momento para empezar a hacer el arte o realmente a cualquier hora se puede comenzar sabiendo cuáles son las condiciones? Bueno, antes no había tanto problema. Ahorita, por ejemplo, si le saco la vuelta al sol, tratamos de pintar cuando no nos da tan de lleno el sol. Porque si afecta mucho pudiendo ocasionar hasta cáncer de piel o solo deshidratación. ¿Cómo y cuándo se dio cuenta del potencial suyo para esto que hace hoy en día? Yo creo que fue en ese concurso de “Monterrey Joven” donde sacamos el segundo lugar. Si bien ahorita no nos gusta tanto cómo fue el resultado, si no hubiéramos iniciado con eso, no hubiéramos continuado, entonces yo creo que ahí fue donde dijimos bueno, lo hicimos bien, pero se puede hacer mucho mejor. eNERO 2021 11 �POR: CARLOS ROBLEDO M S U ER CA CL II Ó S M N O ¿Qué diferencia existe entre el arte urbano y los murales? El arte urbano engloba un poquito más todas las expresiones que se dan en la calle o en el muro, puede ser stencil, graffiti o stickers. En el mural en sí es nada más la pintura, generalmente es en acrílico. ¿Por qué arte urbano y no otra expresión artística? Me gustó bastante. El hecho de que Adrián Procel me inspirara a hacer esto. Me gustó tanto el trabajo sobre muro y que mucha gente lo puede hacer, o replicar o continuar, porque hay demasiados estilos y técnicas de diferentes artistas. Hoy puedes enfrentar tu verdad a un muro, para un artista que ya tiene varios murales no es algo así como que extraordinario, pero para alguien que va iniciando muchas veces es su primer proyecto y si este en sí le sale bien o si le queda una buena impresión va a continuar. Hay mucha gente que ya no le sigue, pero me ha tocado muchos artistas muy buenos que continúan, entonces a mí me gusta más que nada eso de estar en el arte urbano, porque puedes abrir el espacio para que más artistas continúen. ¿Haces algo más, aparte de pintar? Yo trabajo actualmente como coordinador de murales en el Instituto Municipal para el Desarrollo Cultural de San Nicolás. Hago también obra sobre caballete y lienzo. También lo que es el mandonnari o street art que es con gis pastel. También me gusta hacer deporte ya sea bicicleta o futbol, pero prácticamente es que me la paso pintando o dibujando casi todo el tiempo. 12 ENERO 2021 ¿Cómo nace tu inspiración? ¿Cómo es el proceso de inspiración tuyo? ¿Desde dónde creas? Puede ser desde muchas maneras. Generalmente tienes, aunque sea una libretita o un sketchbook que siempre traes por si se te ocurre alguna idea, haces el boceto rápido o el bosquejo y después tratas de llevarlo a cabo en algún mural. Y también me gustan mucho los libros, ya sea de historia de la naturaleza o de retrato, me gusta mucho ver y tal vez de ahí te inspira verla para después hacer alguna cosa. Trato de no ver muchas obras de arte de otros artistas en la cuestión de arte urbano no tomar cosas que hicieron otros. Sí, generalmente ya está todo hecho, pero hacerlo a tu manera. Para ti, ¿cómo es el conservar tu esencia para decir yo soy de arte urbano? Yo creo que es más que nada hacer esa cadenita, por ejemplo, si tú tienes una habilidad, un don y tú lo puedes repartir y luego esos que lo tomaron lo pueden repartir a otros más y así se va haciendo esto algo más grande. Entonces yo creo que esa es la esencia que me gustaría que siempre se conservara ¿Cuáles han sido las dificultades más grandes que te has encontrado en el camino de ser artista? Las otras cosas que te comentaba antes del sol o de la pintura se seca muy rápido, esos son cuestiones fáciles de resolver, o te vas ahí acoplando. Pero la cuestión a lo que me he enfrentado más fuerte es la camaradería. �septiembre eNERO 2018 2021 13 �M U R A L I S M O Hay ocasiones que ciertos artistas le temen, en lugar de favorecer a que entre más gente como que cambian el ego y tratan de boicotear a los mismos artistas, o de criticarlos o de criticar un estilo. Y en el caso de un servidor, o de donde trabajamos es tratar de que todos los estilos sean válidos, todos los artistas son buenos. A mí me gusta siempre conservar eso, que es la camaradería y tal vez una de las principales problemáticas que me ha tocado en el arte urbano es eso, el que se pierden un poquito, de repente se gana en algún concurso o así y se le sube y se olvida la raíz o la esencia de lo que es el arte urbano. De las obras que has hecho ¿consideras que éstas tienen un común denominador? Yo creo que es el retrato y la figura humana. Me gusta mucho y casi toda la obra que hago es el retrato y la figura. Pues lo ve mucha gente, desde niños hasta personas adultas, entonces de repente me gusta que sea algo más digerible, que lo pueda ver cualquier persona. Hay demasiados estilos diferentes y todos son correctos. La ESENCIA yo creo que es que cada artista tenga su sello y su estilo." redes sociales _ INSTAGRAM @carrobledo _ FACEBOOK POR: CARLOS ROBLEDO Y MONKEY Lic.Carlos Robledo 14 eNERO 2021 �"Ya estoy mejor" Obra por Carlos Robledo, acrílico sobre madera. De todas las obras de las que usted ha realizado, ¿Hay alguna a la cual le haya agarrado un amor muy grande, que le haya generado mucho cariño? De las obras, está una de un cabrito que se llama “Ya estoy mejor”, concursó en el periódico El Norte, del Grupo Reforma, en la muestra de arte Sierra Madre. Esa es una obra que me gustó mucho, se quedó en el concurso y me gustó tanto que la volví a hacer. También está una que se llama “Fortuna”, es un retrato de mi esposa, mide unos 60 por unos 60 y es un retrato que no me quiero desprender de él. Y en cuanto a obra en mural, hay uno que hice de Natalie Portman junto con Monkey que es de Montreal. Ese mural se ha estado repintando, cambiando el fondo, siempre con Monkey, Está ubicado en Manuel L. Barragán y Juan Pablo II en San Nicolás, ese mural me gusta mucho, es mi favorito. ¿Cuánto ha sido el tiempo máximo que le ha dedicado a una obra, ya sea por amor al arte, por trabajo, por lo que sea? En cuanto a murales tratamos de ser rápidos, por lo mismo del sol. Entonces nos hemos tardado, unos diez días en un mural grandísimo, pero es trabajar en ciertas horas, o cortarle a las 4 horas. Con sus obras, ¿Busca expresar algo, algún sentimiento, algún mensaje o algo que sus obras dijeran por usted? En la mayoría son retratos de personas que significan algo o que me inspiraron, ya sea en la música o en el cine, o familiares o amigos, que tenga empatía con ellos. Rara vez agarro murales por comisión, es muy raro si lo hago, pero es solamente con la amistad. Pero sí hay ocasiones en que se tiene que hacer bajo cierta temática o bajo cierto lineamiento, digamos, si vas a Houston, y te dicen que es un evento a beneficio, pero la temática es gente que sea de Texas o que, va a ser de puro cine o de puros músicos. Entonces ya hay una temática y te tienes que encajar ahí. Pero generalmente me gusta mucho hacer retratos de gente que admiro o que convivo con ellos o que quiero dejarles algo. Para Carlos, el arte urbano siempre va a existir como ha existido desde la prehistoria que pintaban en las cavernas. Incluso en Pompeya se hacía graffiti para propagandas políticas, pintura sobre muros. Siempre va a haber nuevas maneras, se usa el esténcil, los pegotes, y hay nuevas tecnologías como el video mapping. El arte urbano tiene un futuro muy largo. ¿Pero cuál? Solo el tiempo y la evolución de este arte lo dirá. eNERO 2021 15 �E M P R E N D I M I E N T O Rubí MUÑOZ ¿Te has imaginado tener tus gustos o cualidades en tu calzado? POR: ANDREA OLIVARES R ubi Muñoz con 21 años, originaria de Mazatlán, Sinaloa. Actualmente estudiante de cuarto semestre de la Facultad de Artes Visuales específicamente de la carrera de Artes Visuales, nos cuenta como fue desarrollándose en el mundo de la pintura, particularmente en la personalización de tenis. ¿Cómo descubriste que la pintura era para ti?, o en su defecto ¿cómo supiste que esto era lo que querías estudiar? Desde pequeña he vendido dibujos, pero a la pintura no me empecé a meter como hasta la secundaria, porque me daba miedo usar los colores, pues sé dibujar, pero no sabía acomodar o hacer uso de los colores en el dibujo; mis papás de pequeña me compraban crayones y libros para colorear, y practicaba pero en la secundaria me compre unas acuarelas y comencé a sacarles provecho y me di cuenta que no se me hacía nada difícil usarlas y desde ahí empecé a vender pinturas pero me compraban más los dibujos. En la preparatoria entré a varios concursos de dibujos y pinturas o participaba en las exhibiciones de la escuela, esto ayudó que mis compañeros comenzaran a ubicar mi trabajo. ¿Por qué venir a estudiar a Monterrey y no a Guadalajara? La verdad yo no quería quedarme en mi estado, lo amo pero quería ponerme un reto más grande y pues en Mazatlán ya conocía todo o casi todo y por esto decidí irme a otro estado, mi mamá me apoyó en esta decisión e investigué el plan de estudios en estos dos estados, Guadalajara tenía el plan de estudios más orgánico y en Monterrey era más teórico o sea que no nada más iba a ir a esculpir, pintar, dibujar, o sea si lo voy a hacer pero también vas a saber el porqué, y eso fue lo que me llamó la atención, ya que lo práctico lo puedo aprender sola y lo teórico si lo tenía que aprender de algún lado porque era más difícil que yo lo buscará. 16 ENERO 2021 FOTO: RUBÍ MUÑOZ Recuerdo que veía a mis hermanos estudiando algo donde se sentían identificados, cuando entré a la Facultad estaba muy feliz ya que estaba estudiando algo que me gustaba y cuando entre al CPA por primera vez, me quería morir, el ambiente de artes es muy bonito, los semestres pasaron muy rápido por lo bien que me sentía en la Facultad. Ojalá pueda conocer a más personas, eso es algo que me impulsa mucho a seguir adelante” ¿Cómo te sientes en la carrera actualmente? Siento que ahorita es el momento más crítico de la carrera porque me gusta estar con gente, tocar el material, poder hojear los libros y me estreso mucho porque no veo a mis amigos, si tengo dudas no es como que les puedo preguntar en ese mismo momento, ya sea a los maestros o a mis amigos. ¿Cómo iniciaste en la personalización de tenis? Los primeros tenis que subí fue en Mayo del 2018 y fueron de Caroline y la puerta secreta, tengo dos años haciéndolos pero fue por una amiga que inició todo, ya que me dijo que ella sabía que yo pintaba y que cuánto le cobraba por hacer lo mismo pero en unos tenis, al estar en ensayo-error básicamente se los regalé, estaban muy baratos porque no quería prometer mucho, no sabía cómo iban a quedar los tenis o que reacción iba a tener el material en ellos. �pares de tenis que le hago a Jesús Luna de la banda el recodo y se compartieron muchísimo, gracias a esto me hicieron una entrevista de una página en línea de Sinaloa. Cuando me pidieron el primer par, yo vivía en Texas por este motivo nunca se me hizo raro que me pidieran tenis de otro estado, nunca me había puesto a pensar que de verdad que los estaba mandando a otros estados y es muy bonito. POR: RUBÍ MUÑOZ Después del quinto par deje de contarlos y actualmente no se cuantos he hecho, pero la segunda persona fue una maestra y me pidió dos pares, gracias a esto fui subiendo, veían mi trabajo y me los pedían, he pintado tenis a gente que no imaginaba y a personas de otros estados, se siente muy bonito. ¿Cómo es el proceso para poder hacer una personalización de tenis?, ¿el cliente te dice su idea y tú la plasmas? El proceso comienza cuando me contactan por redes sociales, muchas personas me dicen traigo esta idea y la desarrollamos juntos o no me dicen nada solo de que lo quieren y me dan total libertad creativa para hacer las personalizaciones, otras tantas me dicen que quieren algo en específico y aquí trato de hacer que el cliente quiera cambiarle algunas cosas, en ocasiones me dicen que sí, pero en muchas otras me dicen que no, después de eso yo empiezo a hacer bocetos rápidos, le mando las fotos a los clientes y ellos me van diciendo si les gusta o no y cosas en las que moverles. En cuanto a los tenis, muchas veces me los dan nuevos a veces me depositan el dinero, los compro, los pinto y por último los entrego. El tiempo de entrega varía, si me encuentro en vacaciones los puedo pintar en un fin de semana, pero cuando estoy en clases el tiempo de entrega es una semana, más que nada para no estresarme y que eso se vea reflejado en mi trabajo. ¿Has pensado en abrir una tienda física? Si, me gustaría, pero no me gustaría pintar muchos pares de algo en especifico, siento que es más fácil que alguien se enamore de algo que pidió y no de algo que ya estaba hecho, se perdería la magia de la personalización; lo que si me gustaría es tener como un local para exhibirlos, no tanto para venderlos sino para mostrarle a la gente lo artístico. Me gusta mucho conocer a personas porque ellas me pueden enseñar cosas que nunca haya visto en la Facultad y me parece muy padre que esas personas te alimenten, así como tu lo puedes hacer con ellas ya sea en lo estudiantil o en la vida. Visita su instagram para ver más de su trabajo. @rubi_zelda_munoz y en @therutlan_island_shoes POR: RUBÍ MUÑOZ Cuando entraste a la Facultad, ¿te imaginaste que algún día ibas a estar personalizando cosas para personas que no son de tu vínculo social? Pues es que simplemente se dio y me gusta mucho hacerlos, mi parte favorita es ver la expresión de las personas al abrir la caja y verlos, sin embargo, como todavía estoy en la Facultad, me gustaría ir perfeccionando todo porque se que todavía me falta mucho por aprender, pero como ya me encuentro dentro del medio, claro que me gustaría que se pudieran compartir mucho más y que llegara a más personas, de hecho, ya van dos eNERO 2021 17 �E M P RS EE NC DC II M Ó INE N T O FOTOGRAFÍAS POR MARCO REYNOSA "Nunca te imaginas que quieres ser fotógrafo cuando eres niño" Así empezó nuestra entrevista con el ex alumno FAV y ahora reconocido fotógrafo Marco Reynosa. Nos cuenta sobre su historia, su carrera, sus inspiraciones y la creación de su empresa… Encuentra su trabajo en instagram _ ESTUDIO @marcomaschuy _ PERSONAL @marcoreynosa POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA M arco Reynosa es un fotógrafo muy reconocido en Monterrey, Nuevo León. Es egresado de FAV y nos comentó que empezó estudiando Diseño Gráfico, se graduó como tal pero empezó su carrera siendo Ilustrador, ya que otra de sus pasiones es el dibujo de la figura humana. Su primer acercamiento al mundo artístico y a la fotografía fue al tomar un curso en nuestra Facultad de Artes Visuales y ahí fue donde conoce y se interesa en esta área. “Mi primer trabajo fue en una agencia de publicidad como director de arte, gracias a ello, todo esto del mundo de la fotografía empezó cuando estaba realizando un proyecto, siempre tomaba fotos según el proyecto, buscaba el “objeto”, le tomaba foto y lo editaba para presentarlo, ahí fue donde se complementó todo, vieron que sabía de fotografía, entonces pasó que ya no solo diseñaba, sino que también les vendía mis fotos.” ¿Cómo se fue despegando del Diseño? A los clientes de la agencia les gustaban tanto mis fotos que ellos mismos me buscaban. “La primera foto que vendí mía, fue gracias a un proyecto donde iban a lanzar en prensa de un celular, realicé un boceto de como tenía que quedar la foto, tomé la foto al celular con un gorro y bufanda de navidad, la agencia contrató a un fotógrafo profesional, pero al cliente no le agradó y pide que se publique la mía. Esa fue la primera foto que vendí, de ahí me buscó otras tres veces más el mismo cliente, aparte de cobrar mi sueldo base cobraba la fotografía. A la empresa no le agradó tanto. Ya con el tiempo me fui independizando ya que vi que ganaba más por ese lado. 18 ENERO 2021 ¿Cómo nació Marco más Chuy? La agencia comenzó hace muchos años. Todo empezó en la misma empresa donde conocí a mi socio Chuy, ambos nos quisimos independizar y juntarnos para empezar nuestro propio negocio, todo esto fue mucho después de trabajar en otra agencia.Trabajamos de manera muy sencilla ya que todos tenemos un papel en ella, Chuy es el encargado de conseguir el cliente, nuestro equipo de trabajo hace los análisis del proyecto a realizar para poder armar un escenario adecuado para la fotografía y yo me encargo de producir la fotografía. ¿Cómo es trabajar con clientes reales que exigen más calidad, innovación y creatividad en un proyecto? Recuerden, la seguridad lo es todo ya que el estar seguro de tu calidad de trabajo te da facilidad de llegar a cada vez más clientes y clientes que te piden una calidad tipo “NY” o Europa y uno como fotógrafo tiene que ingeniarse para poder cumplir con las expectativas del cliente o incluso sobrepasarlos. ¿Qué es lo más difícil de tratar con un cliente? Cobrar, siempre tienes que tener un bonche de dinero para poder producir la fotografía, porque el cliente siempre te va a pagar uno o dos meses después. Es recomendable estar preparado porque primero será una inversión propia. ¿Cómo es tu técnica? Desde siempre yo tomaba la foto y hacia el arte, siempre busco hacer las cosas diferentes, según lo que requiera la foto, para mí la fotografía te va diciendo qué tipo de trabajo o edición requiere para ser más que un buen trabajo. �¿Al elegir modelos qué tomas en cuenta? Es muy importante que el modelo cumpla con ciertos requisitos, no todos los rasgos y complexiones pueden ser para cualquier foto, porque en la mente tienes lo que quieres hacer y vas escogiendo consiente o inconscientemente para obtener el resultado que quieres. ¿Esa parte de poder elegir tu modelo cómo se fue dando? Sé que para un estudiante es difícil poder tener exactamente al modelo que quieres porque no tienes un trabajo previo que mostrarle, pero ya cuando tienes un reconocimiento es más fácil, ya que es como una oferta venta. ¿Qué considera que tiene una buena foto? Para mí es la iluminación y composición, esto es la base. Pienso que una foto que no está bien iluminada jamás va a ser una buena fotografía, y la edición debería ser lo menos importante, aunque la fotografía comercial depende demasiado de eso y ahí es porque se requiere. ¿Qué ha sido lo más difícil al empezar a tomar fotografía profesionalmente? Creo que adaptarse a las ideas de un cliente necio, no comulgar con sus ideas y que te piden algo que no está padre, es como ese dicho “prostituir la profesión” pues te pagan para hacerlo. ¿Cuál cree que sería una de sus virtudes? Creo que es el saber dibujar ya que es más sencillo para poder proyectar una idea, en mi caso me funcionó para hacer lo que quiero, también el ser paciente y saber a no romper la armonía ya que lo que hacemos es arte y creo que un trabajo con buena armonía es muy importante para tener buenos resultados. ¿Hay oportunidad de realizar prácticas con usted o en Marco más Chuy? Hemos tenido la idea de realizar algo por el estilo, practicantes tuvimos alguna vez y no estamos cerrados a tener, pero como realizamos algo muy especializado puede ser difícil. Yo podía tener muchas ideas, pero nunca las exponía” ¿Cuál sería algún consejo para los chicos que quieren vivir de la fotografía? Creo que en mi caso fue todo muy orgánico, se fue dando poco a poco, y mi consejo sería “No esperar a querer lo que los demás tienen y defender tu trabajo lo más que puedas.” Nunca se desesperen al momento de cobrar porque poco a poco se van dando las cosas y veras el momento en que vas a poder decir con quién sí y con quién no trabajar. "Trabajo duro, dedicación y pasión son las claves del éxito" así concluyó Marco Reynosa para nuestra revista CROMA. eNERO 2021 19 �E N F O Q U E En memoria de David Carrizosa POR: OSCAR DE JESÚS SÁNCHEZ RODRÍGUEZ H ace unos meses recibimos la lamentable noticia de la muerte de David Carrizosa un amigo, un compañero, un maestro, un hijo, y sobre todo un cineasta que con su trayectoria inspiro a varios jóvenes a seguir con sus sueños de convertirse en grandes artistas. David Carrizosa también conocido como Davek fue un cineasta nacido en Nuevo León, estudió Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León y posteriormente una maestría en Arte con especialización en teoría, práctica y creación audiovisual en la Academia de Cine de Miroslav Ondricek en Republica Checa, también era una persona que adoraba la naturaleza. Su primer largometraje llamado “El hombre de las gerberas” del 2013 fue presentado en el 17° Festival de Cine Imagen de Madrid, España, además de que recibió el premio a Mejor Largometraje de Nuevo León en el 9 ° Festival Internacional de Cine de Monterrey. Posteriormente con su cortometraje titulado “Hyena” del 2014 logro ser proyectado en varios festivales tal como el 7° Festival Internacional de Cine Artfools en Grecia también en el 3° Festival de Kraljevski Filski en Serbia y por último en el 5°Festival de Cine de Opuzen en Croacia. Otros de su filmografía se encuentra Matamoros 317, En tierra de machos, el joto es rey, El silencio de las sirenas, El calostro de Juan, Leona y El ocaso del príncipe. El cineasta David también fue un gran fotógrafo que se enfocaba en la lucha libre y además su gran amor y pasión por el cine lo llevó a convertirse en maestro para compartir cada uno de sus conocimientos. 20 ENERO 2021 David Carrizosa será recordado por todos sus logros, por su gran trayectoria con la que hizo hablar de Nuevo León en diferentes países, también como un gran amigo, un excelente maestro y sobre todo un grandioso hijo, muchas gracias por todo, Descanse en paz. �“El corto Leona narra la historia de una joven madre, abandonada por su pareja y sumida en la miseria, sin trabajo que lucha desesperadamente por mantener a sus pequeños hijos. Su vulnerabilidad la hace presa de los bajos instintos de su rentero. Desesperada por su situación económica decide vender al mejor postor uno de sus órganos, poniendo en riesgo su vida”. -Sinopsis Oficial de CONARTE Frame recuperado del cortometraje “Leona” Frame recuperado del cortometraje “En tierra de machos el joto es rey” “El silencio de la sirena relata la historia de Paula, una joven que lleva una vida sencilla, pero que una decisión equivocada le cambia brutalmente su destino. Paula tiene su novio, y está enamorada; pero una noche decide irse de farra, se emborracha y las cosas se salen de control y termina teniendo sexo con un desconocido”. -Sinopsis Oficial de CONARTE “El filme En tierra de machos, el joto es rey cuenta la historia de Neto, un joven luchador atormentado por su historia familiar que amenaza con repetirse y lo atormenta. Su padre, era un famoso luchador exótico. Neto sufre y se encuentra confundido sobre su propia orientación sexual. Hasta que un final inesperado le da vuelta a la historia”. -Sinopsis Oficial de CONARTE Frame recuperado del cortometraje “El silencio de la sirena” eNERO 2021 21 �S E AC RC TI EÓ N Conociendo a DRAS TRES POR: OSCAR DE JESÚS SÁNCHEZ RODRÍGUEZ Conoce a Dras Tres, un muralista egresado de la Facultad de Artes Visuales, donde nos contara de como empezó su interés en el muralismo y sobre sus magníficos trabajos, además nos expresa sobre sus futuros trabajos que planea realizar. 22 ENERO 2021 ¿Como nació el nombre Dras Tres? Por la necesidad de tener un alter ego o seudónimo para artistas urbanos, tenía un apodo pero no me gustaba y busqué algo original durante 14 años, escogí cuatro letras de mi nombre: D, R, A , S y las organice hasta llegar a “DRAS” que me encantó y se quedó como mi apodo y con el tiempo; mas o menos 4 años, le agregué TRES para que fuera como un apellido y al combinarlos tuviera un mejor impacto. El “Tres” tiene diferentes significados: el día y mes en que nací 03/03, también representa el pasado, presente y futuro y los tres ciclos de un ser vivo: la vida, la muerte y la resurrección, de esa manera fue como nació el nombre de DRAS TRES. �¿Cómo fue el inicio de Dras Tres? Comencé con algo distinto a lo de hoy, inicie haciendo graffiti tradicional desde los 14 años como letras, rayando paredes, stickers, también murales pero en ese tiempo no era el mismo concepto que manejo en estos días, gracias al graffiti encontré el gusto por estudiar en la Facultad de Artes Visuales donde conocí e inicie con el muralismo basado en personajes, el concepto del tiempo, plasmar animales futuristas o en un contexto de lo que podría pasar en un futuro con la ayuda de la tecnología. La creatividad y discurso en un mundo surreal. ¿Cuáles fueron tus primeros trabajos y/o proyectos? Que yo recuerde los primeros trabajos que realicé de “graffiti” fueron las mantas para las personas que tenían novio/novia y querían dedicarles mensajes. Cuando estaba en la secundaria recuerdo a mucho amigos y amigas que me “contrataban” para crear mantas hechas con graffiti con mensajes de amor o ilustraciones personalizadas. Eso me sirvió mucho de práctica en aquel entonces y me ayudó para seguir comprando material para pintar murales y continuar explorando el arte urbano. Cuando agarré más experiencia mis primeros trabajos fueron hacer murales para marcas, agarré más confianza en mis trabajos, más gente y marcas me empezaron a buscar para pintar locales, uno de los primeros que recuerdo fue hacer un mural para el evento de música electrónica llamado Wish en su edición de Monterrey. ¿Actualmente estás en un proyecto o trabajo? Justo acabo de dejar mi trabajo de “planta” para dedicarme a varios proyectos como free lance en dirección de arte para marcas, haciendo branding e ilust ración, también traigo en puerta un trabajo en unas ilustraciones para una marca nueva de carros en Monterrey. ¿Cuáles son tus siguientes proyectos? Estoy en pláticas para realizar un proyecto de muralismo con un estudio de tatuajes de la ciudad, también uno de mis objetivos este año es aprender a tatuar, es algo que desde adolescente quería hacer y en algún momento lo practiqué, pero lo deje por enfocarme en otras cosas, este año lo quiero volver a retomar. Y pues continuar con mis proyectos personales como Dras Tres creando obra para en un futuro tener una exposición individual ¿Cuáles son las técnicas que utilizas para trabajar? Depende mucho de cada cliente o proyecto. Pero siempre he trabajado la ilustración digital, la pintura y cualquier técnica mixta. Me gusta explorar diferentes técnicas y no solo clavarme en una, creo que eso es lo que hace muy completo mi trabajo, que puedo realizar desde algo muy artístico como puede ser una obra en un canvas, un mural con técnica mixta hasta algo digital como lo es la ilustración. También le gustaría desarrollar otras técnicas como el tatuar, la pintura en óleo, acrílico incluso en otras; como la acuarela. eNERO 2021 23 �A R T E ¿Cuál de estas técnicas te gusta más y por qué? Creo que en todas me siento muy agusto, cada una me permite explorar distintos retos y eso me gusta. Me agrada mucho llevar algo a lo digital y ver el resultado y viceversa. Me siento agusto “saltando” de una técnica a otra, eso me hace estar inexperto en cada una y seguir exigiéndome más para seguir mejorando. Pero la que realmente me encanta es la pintura en aerosol. Lo que más me gusta al final de todo esto es ver realizadas mis propuestas y poder verlas materializadas. ¿Aparte de estas técnicas has trabajo con otras? Sí, el óleo. Me agrada, pero no es mi favorita. Creo que no le he dado la oportunidad para ver qué resultados puedo tener, también me gustaría explorar sobre esa técnica en algún momento. ¿Cuál es proceso cuando comienzas un proyecto y/o trabajo? Primero que nada, saber sobre qué va el proyecto. Después como casi todas las metodologías de trabajo saber cuál es el brief y después pasar a la parte creativa: hacer un research sobre el proyecto, ver muchas referencias, estar mucho en contacto con el cliente o la persona que te contrata para el proyecto, saber sus necesidades y después desarrollar las propuestas creativas. Si es un mural, un proyecto de identidad, ilustración o cualquier cosa, siempre tener en cuenta pensar primero la idea y luego ya realizar la ejecución de esa idea. Lo más importante es saber adaptarme a cada uno de mis proyectos. ¿Cuántas exposiciones has hecho? ¿Cuál jamás olvidarás? Realicé una hace 2 años en conjunto con otro amigo artista de la ciudad. He participado en varias exposiciones colectivas durante mi trayectoria y justo este año tenía pensado hacer una exposición individual, pero pues... Covid-19. Una que jamás olvidaré fue una en barrio antiguo que realizó un gran amigo que se apellida Castañeda, recuerdo que en esa exposición fue para rendirle homenaje a Bob Marley donde asistieron muchas personas entre ellas el vocalista de El Gran Silencio, C-Man y fue muy agradable que se tomó una fotografía con mi pieza estaba muy contento con mi ella incluso me lo presentaron y me felicitó, fue un logro muy pequeño pero que me hizo la noche aquel día. Fue cuando todavía era un estudiante de la Facultad y esto me ayudo a creer que mi trabajo tiene un valor. Desde tu punto de vista, ¿Que es el arte para ti? Para mí el arte es una forma de vida, es hacer algo, pero llevarlo más allá, es hacer algo de una manera que nadie lo haya hecho o de manera distinta... No es algo que puedas clasificar, no es un objeto, no es una corriente ni una obra, es una mentalidad. El arte no solo son las expresiones artísticas o todo lo que conlleva a la pintura o el dibujo. Puedes cocinar, hacer patinaje, bailar, cantar, crear bebidas, piñatas, lo que sea y aun así puede ser arte. El arte y la creatividad pueden ser aplicados a cualquier actividad, pero para mí el arte siempre será una mentalidad que te hace llevar eso que haces más allá de lo convencional. Eso es el arte para mí. ¿Qué prefieres más el arte manual o digital? Ambas me gustan mucho, cualquiera de las dos es muy importantes y se complementan entre sí, si me dieran a escoger entre una de las dos no sabría cual elegir, ambas me sirven mucho para mi trabajo. Para vivir necesito de las dos para mis procesos empezar con lo análogo y terminar en lo digital, en mural, etc. A lo mejor si fuera un artista plástico escogería el análogo. ¿Qué piensas del arte urbano? Qué es una expresión artística que ha servido para revolucionar pensamientos e ideologías y cada vez se le da más el valor necesario para que siga creciendo como una corriente artística. El arte urbano es una terapia, me ayuda desde que empecé a pintar con el graffiti para expresar lo que quería y sentía. ¿Cuál fue tu principal motivación para enfocarte en plasmar tu arte en murales? La necesidad de crear cosas nuevas. El explorar distintos formatos y el no conformarme con lo que puedo lograr en una hoja de sketchbook o un canvas. No me gusta limitarme a dejar las cosas solo en el papel, siempre me gustaba llevarlo más allá de la hoja. Siempre quería superar cada trabajo o proyecto siempre una nueva oportunidad la veía como retos, además otra motivación era querer ser como otros artistas que me habían inspirado. Querer siempre superarse, el dar más “Tengo pensado realizar mi primera obra individual en 3 años, ya que para esa fecha tendré 33 años y es un numero con mucho significado para mí, pero si logra quitarse la pandemia antes planeo hacer una exposición previa”. -Dras Tres 24 ENERO 2021 �¿Como te ha afectado la pandemia en tu trabajo y/o proyectos? Pues en cuestiones laborales me ha dejado mucha ansiedad. El estar encerrado todo el día se vuelve muy monótono y eso cansa, he aprovechado el tiempo enfocándome en esos proyectos personales y sobre todo en disfrutar el tiempo con mi familia. ¿Te gustaría impartir clases o talleres? Sí me gustaría impartir clases en algún momento, ya que me di cuenta de que los maestros son muy importantes, no porque antes te haya tocado un maestro malo no todos son iguales, el rol de los maestros te va a dejar una experiencia y te va a marcar para que a futuro puedas realizarte como profesional, si algún día me invitaran a dar clases en FAV estaría muy agradecido y contento. Talleres ya he dado algunos en congresos de diseño e incluso en otras universidades, y en algún futuro me gustaría volver a retomar el dar talleres. Siempre es bueno compartir el conocimiento. ¿Le ves un futuro positivo al arte urbano? Totalmente. Digo, como en todo movimiento siempre habrá gente o instituciones que le quieren sacar provecho o beneficiarse, pero es cuestión de cada artista persuadir qué proyectos les convienen y qué proyectos no. Sí le veo un futuro positivo, pero puede pasarle muchas cosas, mucha gente o instituciones que tratan de aprovecharse de este movimiento, que lucran ya que no le pagan lo que le corresponde al artista, que no valoran su esfuerzo, esto está pasando actualmente y puede suceder más seguido si ven que al arte urbano le va mejor espero equivocarme y que sea todo lo contrario. ¿Cómo ves a Dras Tres en los siguientes 10 años? Me veo creando. No sé sobre cuál técnica o formato, quiero seguir creando arte o cosas creativas como murales, diseño, ilustración, publicidad, tatuajes, que en 10 años pueda seguir diciendo sigo pintando y tatuando, poder hacer proyectos con más marcas e instituciones, proyectos que marque y motiven a los espectadores, incluso no quedarme en cosas 2D intentar algo nuevo como lo audiovisual. No sé qué nos depare el futuro, pero de eso si estoy seguro de que voy a seguir creando. Sea lo que sea que hagan, nunca lo dejen de hacer y en algún momento eso les dejara frutos, al final de cuenta es hacer lo que a uno le gusta y apasiona y comprender que a veces habrá situaciones difíciles, pero nunca dejarlo de hacer. -Dras Tres eNERO 2021 25 �A R T E José Luis Maldonado De la Facultad de Artes Visuales a nuestro querido ex alumno José Luis Maldonado. POR: ANDREA REYNOSA H ace unos cuantos meses se recibió una lamentable noticia sobre el fallecimiento de nuestro querido ex alumno José Maldonado un gran artista que desde joven nos ilustro con sus obras de arte. En agradecimiento y reconocimiento por su dedicación a fomentar el arte y su conocimiento. Único, auténtico, creativo y soñador… quien a lo largo de más una década estableció un diálogo a partir de la prevalencia del lenguaje, las ideas y las experiencias estéticas frente a la naturaleza, Así era José Luis Maldonado quien nació el 19 de octubre de 1974 en Santa Bárbara, Chihuahua, mudándose desde muy joven a la ciudad de Monterrey Nuevo León, es aquí donde el decide estudiar la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León, y es al egresar cuando inicia su producción artística, explorando el espacio y su significación. POR: JOSÉ LUIS MALDONADO 26 eNERO 2021 Desde la primera vez que ves una pieza de José Luis inmediatamente piensas que es un artista con un talento único. Maldonado expuso en varios lugares uno de ellos fue en el XII Bienal FEMSA en el 2015 como artista invitado en su proyecto “Árbol” en el cual para este proyecto José se trasladó a la ciudad de Montemorelos NL para extraer un árbol entero para presentárnoslo suspendido a manera de una pieza de Museo de Historia Natural. El cual la acción de sacar e instalar colgado un árbol, implica una reflexión del vínculo de sucesos que dan sustento a la vida reflexionando sobre la naturaleza de un árbol. �En muchas de sus obras de José Luis se observa una serie de procesos sobre los diferentes estados de la materia. Recomponía y sujetaba mapas, recortaba libros de comics y realizaba un estilo del dadaísmo, esculturas en periódico, arboles al aire sacando su raíz del suelo. Gracias a todo ello, Obtuvo varios reconocimientos a lo largo de su carrera como la Beca PECDA CONARTE – CONACULTA del 2016, la Beca PECDA CONARTE – CONACULTA del 2012-2013 de la Selección MARCO para representar a México en la X bienal de cuenca ecuador. Hace unos pocos meses recibió la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte, un estímulo otorgado a nivel federal, entre muchos otros más. José Luis emanaba una energía y una creatividad única, la cual siempre nos ha demostrado el potencial que hay en nuestro país en lo que sobre sale en el área del arte. Lo cual nos ha hecho sentir orgullosos a todos los estudiantes de la Facultad de Artes Visuales a seguir sus pasos y dejar el nombre de nuestra Facultad en lo alto, gracias por todo, gracias por tus obras, gracias por tu enseñanza y la creatividad en cada una de tus obras, y gracias por habernos contagiado con ese gran carisma y ganas de sobresalir que solo tu podías darnos. Siempre serás recordado por todos tus logros, tu actitud, y por tu gran trayectoria en este medio. Descanse en paz. POR: JOSÉ LUIS MALDONADO POR: JOSÉ LUIS MALDONADO eNERO 2021 27 �E V E N T O S ¿Han escuchado hablar de Encuadre, Asociación Mexicana de Escuelas de Diseño Gráfico, A. C.? Aquí te contamos que es. Identidad visual de ENCUADRE 2020 28 eNERO 2021 Conferencias de Encuadre ENCUADRE 2020 �POR: ANDREA REYNOSA E ncuadre es una poderosa herramienta de gestión colectiva de los problemas que afectan a las escuelas de diseño gráfico y disciplinas afines, como diseño de la comunicación gráfica, diseño de la información, artes visuales, etcétera, a nivel superior en México y sin otro propósito que el de elevar la calidad de la enseñanza y la investigación en esta disciplina. Su propósito es promover el mejoramiento de los estándares académicos y buscar los talentos sobresalientes de asociados en diseño gráfico y disciplinas afines. Encuadre se puede utilizar como recurso para que las escuelas asociadas brinden un espacio de reflexión, discusión e intercambio en los campos de la docencia, la investigación, la difusión y expansión cultural y la búsqueda de la excelencia académica. Los profesores son los principales para poder lograr lo anterior. Ya que, a lo largo de sus 25 años de historia, Encuadre ha propuesto y desarrollado diversas acciones para fomentar la formación de profesionales del ámbito académico del diseño gráfico destacando, entre otras, la celebración de encuentros, coloquios y congresos nacionales. Todo esto es para acercar a académicos y estudiantes de diseño gráfico al concepto de multidisciplinariedad, que es resultado del desarrollo de la sociedad actual debido al progreso tecnológico y la industria. Ya que el diseñador gráfico actual se encuentra ante un escenario en el cual se interconecta con diferentes disciplinas como la ingeniería, la arquitectura, la medicina, mediante la realidad virtual, realidad aumentada, modelado 3D, diseño de aplicaciones, entre otras herramientas que contribuyen a crear la dinámica de multidisciplinariedad para generar soluciones a las nuevas problemáticas visuales del mundo global, estos cambios se han generado de una manera muy rápida. eNERO 2021 29 �E V E N T O S El evento más grande del Norte de México en torno a los libros, La Feria Internacional del Libro Monterrey organizada por el Instituto Tecnológico de Monterrey postergará por primera vez su celebración de su 30ª edición hasta el 2021 a causa de la pandemia. POR: ANDREA REYNOSA L redes sociales _ INSTAGRAM @Ferialibromty _ FACEBOOK @FeriaDelLibroMty _ TWITTER @FeriaLibroMty _ YOUTUBE @FeriaLibroMty 30 eNERO 2021 a Feria Internacional de Monterrey jamás había detenido sus actividades desde la primera edición la cual fue en 1989. En 1992 fue cuando se trasladó a nuestro famoso centro de convenciones Cintermex la cual contó con la participación de 600 casas editoriales y reuniendo más de 200 mil visitantes en estos últimos años. Gracias a ello anunciaron el lanzamiento de su nuevo programa “Lecturas, voces e ideas” con la cual se continuo la promoción y la celebración de la lectura, la creatividad y el conocimiento con diversas actividades que estuvieron presentes al público a través de las plataformas digitales el pasado mes de octubre. Este nuevo proyecto obtuvo todo el apoyo de las casas editoriales, instituciones educativas y organismos infantiles del sector público y privado, donde en la plataforma web de la feria del libro quedo agendada a partir del mes de octubre y a finales del año con un programa el cual ofreció mas de 150 actividades como la presentación de libros, conferencias, charlas con autores, lecturas de obras, presentación de libros y revistas, diálogos entre expertos, talleres, actividades creativas, proyec- ción de cortometrajes y muestras de cine experimental, espectáculos musicales y artísticos, de una manera única y diferente digitalmente, con el fin de enriquecer el desarrollo y la lectura de las personas, además de brindar una experiencia memorable de una manera gratuita y disponible a través de sus plataformas. Esta es una de las experiencias más interesantes y únicas de este año, puesto que en este programa destacan autores como Pedro J. Fernández con su novela sobre la historia de México “Querido Don Benito”, Enrique Ortiz con “México a tres bandas”. El músico y compositor Nacho Llantada compartió su obra “Si te vas a enamorar, enamórate bien”, Mario Guerra abordo temas de los miedos, La futbolista profesional Paola “La Wera” nos trajo su libro “Tiempo de ser tu” el cual nos da un ejemplo sobre la fortaleza y la dedicación. Entre muchas personas más, que no acabaríamos. El programa de este evento lo encuentras en: www.feriadellibromonterrey.mx donde podrás conocer los eventos programados al igual que una sección de “Oferta de libros” donde ahí mismo están los libros con la sinopsis de cada uno, de los diferentes autores que participaron en esta edición. �eNERO 2021 31 Eventos transmitidos en Facebook Pláticas de Nacho Llantada, Cine experimental y Pedro J. Fernánddez. �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2020 Número Número de la revista 4 Mes de publicación Mes cuando se publicó Diciembre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2020, No 4, Diciembre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/12/2020 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020115 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Ana Fabiola Medina Carlos Robledo David Carrizosa Jessica Pérez Jose Luis Maldonado Marco Reynosa Rubí Muñoz https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20004/Croma_2021_No_5_Marzo.pdf 1a344b7ca61b2efbbbf266881c273f93 PDF Text Text �Í N D I C E Talento fav 04 MONTSE MARTÍNEZ 06 SHEILA MADAI VERÓNICA DELGADO 10 AMPARO VÁZQUEZ 19 ROSS MARISIN docentes 08 12 ALMA BANDA 14 JEIMY MARTÍNEZ 20 CAROLINA ORTIZ 21 MICHELLE LARTIGUE creatividad 18 FERNANDA ALMANZA emprendimiento 26 BLACK BUFFALO FILMS Arte enfoque 28 30 32 MUJERES EN EL CINE M.C. Rogelio Garza Rivera Rector Departamento de Investigación Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca QFB Emilia Vásquez Farías Secretaria Académica Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Dr. Celso José Garza Acuña Secretario de Extensión y Cultura CANTO DE SIRENAS Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú M.A. Abigail Eugenia Guzmán Flores Subdirectora de Posgrado Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz 2 Marzo 2021 22 AILÉH NAVARRO Créditos Especial MONSERRAT CARRIÓN 22 GABRIELA PEÑA Estancia de producción Eliana Rocio Castañon Salas Thelma Sofia Cortés López Jeny Naftali Rodríguez Gutiérrez Amairani Sugey Fraga Guzmán Lizbeth Estrello Ortiz Nátali Ashanti Guerra Jiménez Alejandra Silva Santiago Giselle Abigail Reyes Martínez Marzo 2021 3 �T A L E N T O F A V De estudiante a Licenciada Por: Sugey Guzmán Te presentamos a Montse Martínez, ilustradora recién egresada de Diseño gráfico de nuestra Facultad de Artes Visuales y ganadora del concurso #TodaUnaJefa a nivel nacional. Fotos por Montse Martínez. 4 Marzo 2021 S Por: Montse Martínez. Diseño ganador del concurso #TODAUNAJEFA. orprendida nos cuenta que no se esperaba ganar el concurso, pues el boceto de su diseño lo realizó en tan sólo una hora y por insistencia de su hermana menor. Cuenta que al ver el concepto y mercado de la marca, rápidamente pensó que si el producto era para mujeres, estas mismas querrían tener una red de apoyo y qué mejor que otras mujeres para hacerlo. El diseño tiene a mujeres reales de las cuales Montse tomó inspiración, en diferentes cuerpos y estilos. Tiene formas bastante simplificadas, por lo cual hizo que se saliera de su zona de confort. Aunque por un lado trabaja ilustraciones más planas con formas simplificadas y colores pastel, ella prefiere un estilo más parecido al body horror en donde crea personajes más detallados y los representa ya sea en ilustraciones o maquillajes. Un dato curioso sobre Montserrat es que no solo es egresada de nuestra facultad, sino que también recién terminó la carrera de Música en FAMUS. Nos cuenta que, desde una temprana edad empezó su educación y pasión por el arte, aunque a veces era difícil, esto hizo más emocionante el camino, pues toda esta educación en ocasiones le ha ayudado a crear fuentes de inspiración y en otras tantas en su proceso creativo, el cual consiste en tomar palabras al azar y construir conceptos, es así como ella crea sus grotescos personajes. Como ya mencionamos ella desde pequeña estuvo en clases de arte, de música y de otras disciplinas relacionadas y aún cuando su madre es médico, es ella quien la impulsaba en estas clases y en todo momento la ha apoyado a seguir con sus sueños y metas. Montse cree que es importante aconsejar a quienes aún son alumnos, nos dice que no siempre es bueno pensar y repensar el concepto ya que podría llegar a perder su esencia, también nos invita a creer en nosotros mismos y en las ideas que generemos, pues ella misma ha comprobado que a veces los diseños simples o con la primera idea que viene a su mente es la que al cliente más le gusta. Hoy esta ilustradora ha dejado un poco de lado su estilo y ha comenzado a trabajar de practicante para marcas pequeñas, pero considera que siempre hay momento para trabajar sus propias ideas, y aún cuando no tiene propuestas en puerta nunca se cierra a nuevos proyectos personales o externos. Definitivamente Montse es un talento FAV pues hacer dos carreras y completarlas exitosamente no cualquiera, esperamos ver pronto más de sus éxitos como ilustradora y artista. Marzo 2021 5 �T A L E N T O F A V LA FOTOGRAFÍA MUSICAL: UNA ENTREVISTA CON SHEILA MADAI Por: Sheila Madai | Priscilla Orfanos | Arena Monterrey Por: Sheila Madai | The Vaccines | Auditorio Rio 70 POR: ELIANA CASTAÑON S heila Madai Escarcega es egresada de FAV, en la Licenciatura en Lenguaje y Producción Audiovisual. Fotógrafa musical, fashion stylist, journalist con diversas publicaciones de su trabajo en: Noise Magazine, Look at Me, Weekend TV, Black Buffalo Films, El Norte, entre muchas otras. Nos platicó sobre su experiencia e inicios en la fotografía, su filosofía creativa y el proceso que conlleva. Para empezar, cuéntame cómo surgió dedicarte a lo que haces, ¿siempre supiste que, querias hacer fotografía o te agarró por sorpresa?, o ¿Algún momento de epifanía en el que dijiste “esto es lo que quiero”? Creo que sí, fue un momento de epifanía, porque quería buscar encontrarme con la música, participar en ella de cierto modo, por ejemplo, yo siempre fui de escuchar música de los 70´s y 90´s, pero la única forma en la que yo tenía contacto era de la manera audiovisual y por fotografías, entonces me empapé mucho de eso, y dije: yo también quiero hacerlo quiero encontrar una escena de música como las que yo veía que me gustaban y tomarle fotos. Es ahí cómo empezó todo porque quería ser parte de; con el tiempo fui tomando fotos de eventos musicales e incluyendo también la parte de la performance del músico, y de las bandas. ¿Cómo definirías tu estilo o como lo caracterizas? Si te soy sincera no sé cómo pudiera definirlo porque creo que no me gusta definir, es algo muy humano estar evolucionando a cada rato, porque no sé, a lo mejor voy a otro país y veo otras cosas que me van a llenar y tal vez todo eso, me va inspirar a plasmarlo en mi trabajo, pero bueno si tuviera que decidirme por una característica, es que siempre busco que sea espontáneo y análogo, porque te digo eso fue lo que yo fui aprendiendo inconscientemente de todo lo que veía de mis fotógrafas favoritas, retratando a cierto músico o banda y todo se veía muy normal, que la neta me choca decir esta palabra o esta frase, pero sí es esta parte de encontrar ¨momentos únicos¨. De lo análogo pues con eso crecí, yo empecé como fotógrafa con una cámara análoga, aprendí con esa estética y no directamente con lo digital. 6 Marzo 2021 ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? Tengo varios fotógrafos que me han inspirado alrededor de mi vida y que todavía siguen muy presentes, pero tomo mucho por referencia a Roberta Bayley, es una fotógrafa de la música punk de los setenta, realmente aún estoy intentando definir porqué me gusta tanto, pero creo que en parte es la espontaneidad que retrata. Pero la fotógrafa que me hizo entrar a todo esto, es Linda Eastman, que cuando vi sus fotos dije, ¨that`s me,¨ quiero hacer exactamente lo mismo que ella, porque similar a Roberta Bayley es mucho de capturar lo que está pasando en el momento. ¿Cuándo trabajas en digital, cuál es tu proceso de edición? Me gusta que las fotos sean diferentes. Hablando de música, cada músico o banda tiene su esencia entonces no me gusta seguir las mismas técnicas en todas, pero algo que sí procuro hacer siempre, es buscar la forma en la que se vean como si fueran tomadas desde una cámara análoga, llevo mucho tiempo estudiando cómo se ve una fotografía análoga a color y trato de imitar o encontrar esas mismas tonalidades que da el film, creo que esa sería una característica principal de mi edición, es encontrar la fórmula que se vea análogo, aunque esté tomada con digital. Cuando enciendes la cámara ¿Qué es lo que esperas capturar con tus fotografías? Soy muy perfeccionista entonces lo primero que espero es que me salga bien la foto, pero algo que admiro mucho y creo que inconscientemente lo observo, es la geometría, me gusta mucho encontrar geometría en las imágenes, buscar que una persona tenga ciertas formas geométricas o que por ejemplo un stage de cierta banda tenga este tipo de ambiente geométrico. O también busco reflejar un ambiente que recuerde, ese sentimiento o sensación que a mí me hizo sentir en ese momento. Además de la fotografía ¿estás o estuviste involucrada con la música de alguna otra manera? Sí, de hecho, hace un par de meses anuncié que voy a sacar mi EP de música, eso es una de las formas de música que siempre he querido trabajar y finalmente, lo estoy haciendo, de ese lado de compositor. ¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué es lo que llevas que no puede faltar en la mayoría de tus proyectos? Trabajo con digital porque es un poquito más sencillo, con análogo, debes de saber exactamente cuál ISO va a funcionar con cierta apertura y con tal velocidad, pero siempre procuro trabajar con análogo cuando sé que el ambiente estará también bajo mi control, pero la mayoría del tiempo uso digital por practicidad, y pues en mi equipo invariablemente siempre me llevo mi Polaroid, porque me gusta mucho, yo creo que es mi forma de cámara favorita, entonces nunca me puede faltar. La mayoría de las imágenes de música que seguimos viendo hoy en día son firmadas por hombres. Para ti, ¿qué papel juegan las mujeres en el mundo de la fotografía musical? Yo creo que el ojo que tenemos las mujeres es un ojo muy diferente al de los hombres, está en nuestra naturaleza, fijarnos en los detalles y en la creatividad sobre todovv, también somos mucho de fijarnos en la estética, obviamente también hay hombres que lo tienen, pero creo que nosotras lo tenemos más. Además, personalmente yo creo que es muy bonita la comunidad de mujeres fotógrafas, porque veo que le ponen mucho amor a lo que hacen, lo interpreto como sacar algo del corazón, más porque la música es algo importante para nosotras y por eso estamos ahí.v Marzo 2021 7 �D O C E N T E Cuatro trayectorias, una misma pasión: la docencia 8 Marzo 2021 Verónica Delgado La actual directora de la Facultad de Artes Visuales nos cuenta un poco sobre su trayectoria profesional. Le resulta algo complicado estar en las clases en línea porque son muy diferentes a estar presencialmente en un salón, pero ella nos dice que se siente igual de bonito en una pantalla. En cuanto a su puesto como directora ha estado muy contenta, pero aun así ha sido todo un reto para ella. Nos contó que: cuando estaba como docente en la facultad se dio cuenta de que había muchas necesidades y muchas cosas que faltaban, pero como docente no podía tomar decisiones, así que decide entrar a la parte administrativa. Estando ahí se da cuenta de que es un trabajo con muchísimos retos, además de ser muy absorbente y extenuante, también se da cuenta de que hay cosas y momentos muy bonitos. POR: VERONICA DELGADO El ser docente es algo gratificante para muchas personas, pues tienen la oportunidad de enseñar y compartir sus conocimientos a los alumnos. Es un trabajo en donde se puede aprender mutuamente y en donde ser un guía para el alumno es fundamental, es decir, ayudarlo a tener las herramientas para el futuro. Dedicamos esta sección a 4 docentes de la Facultad de Artes Visuales con el propósito de conocer sus trayectorias profesionales. Nos contaron sus inicios, retos, proyectos y su gran pasión por la docencia. Cada una de sus trayectorias son únicas y hasta cierto punto puedes identificarte con sus experiencias tanto en lo personal como en el área laboral. Directora de la Facultad de Artes Visuales Es aquí donde se dio cuenta de que su verdadera vocación es ser maestra. Empezó a trabajar como consultora independiente de marketing, daba asesoría a pequeñas empresas muy enfocadas en la parte de imagen y publicidad. A ella le gusta mucho investigar sobre los profesionistas del marketing y del diseño, ahí se da cuenta de lo que está sucediendo en las tendencias de hoy en día. Nos comenta que el mercadólogo es como el diseñador en cierta manera, ya que hay varias ramas del marketing a las que uno se puede dedicar, por ejemplo, mucha gente se va por la parte de investigación del mercado ya que hay que elaborar encuestas para obtener información del mercado e interpretarla para luego sacar un programa de marketing adecuado. Tuvo oportunidad de participar en muchos proyectos, uno en el que le gustó mucho trabajar, fue para una empresa española que era una franquicia de nutrición, le pareció muy interesante porque era hacer el plan de marketing y la promoción, así como el diseño. La Dra. Verónica nos comenta que el papel que tienen las mujeres en la mercadotecnia es menor comparado con los hombres y que esto se debe a la discriminación que existen en las empresas. Cuando era estudiante de mercadotecnia recuerda que había muchas mujeres estudiando la carrera, pero a la hora de graduarse y de conseguir un trabajo les resultaba difícil porque las empresas tenían el prejuicio de que una mujer iba a dejar de trabajar solo por estar casada y tener hijos, es por esto, que terminaban contratando a un hombre y no a una mujer. Ella nos dice: “el género o el estado civil no tendría por qué venir en el currículum, o sea, eso no es algo que se debería de tomar en cuenta”. Pero ella cree que el papel de la mujer tanto en el marketing como en el diseño ha crecido mucho a lo largo del tiempo, pues ya no se ve tanta discriminación como antes y que la mujer ha demostrado que puede ocupar puestos directivos en las empresas. Aunque suene cursi, la docencia es su vida entera y lo mejor fue que se dio cuenta que quería ser docente cuando entró a la Facultad de Artes Visuales, aquí despertó su amor por ello y le genera paz. Dra.Veronica Delgado Conferencia en los cursos propedeuticos de la Facultad de Artes Visuales. POR: THELMA CORTES L a Dra. Verónica Delgado empezó estudiando la Licenciatura de Administración de Empresas, pero cuando toma la materia de mercadotecnia se da cuenta de que le interesaba mucho esta área, tanto que tomó la decisión de cambiar de carrera para finalmente estudiar la Licenciatura en Mercadotecnia. Aunque le gusta la administración, el marketing es su vida. Empezó trabajando en el área de finanzas y mientras tanto estaba esperando la oportunidad de estudiar alguna maestría. Con el paso del tiempo la invitaron a dar clases para el área de diseño gráfico en la Facultad de Artes Visuales y al enterarse de que la clase sería de mercadotecnia, pero para diseñadores, le pareció muy interesante. Yo veo que soy de las pocas personas que puedo decir que mi TRABAJO ES LO QUE ME PERMITE ESTAR BIEN PSICOLÓGICAMENTE. Mucha gente que va a trabajar dice que comienzan a estresarse, a mí me pasa lo contrario, yo me relajo en mi trabajo, EMPIEZO A DAR CLASE Y ME OLVIDO DEL MUNDO” Las acreditaciones en cuestión de la calidad y las mejoras de infraestructura de la escuela, son de los proyectos que han sido todo un reto para ella, pero lo disfruta cada día porque se van viendo los frutos de todo el trabajo y se siente muy orgullosa ya que es un trabajo pesado. Aunque muchos directores no dan clases, ella no lo ha dejado porque le gusta mucho. Actualmente con la pandemia extraña mucho los eventos que se realizaban en la facultad y extraña estar con sus alumnos de manera presencial. Han habido muchos avances, cambios, que poco a poco se irán revelando o bien cuando sea el regreso de los estudiantes a la facultad. Marzo 2021 9 �D O C E N T E Amparo Vázquez Para muchos de nosotros nos ha costado el encontrar nuestro lenguaje para poder compartir las miradas que queremos mostrar y realmente no es algo sencillo, buscarlo nos lleva hacia muchas cosas. “En mi caso, encontrar mi lenguaje me ha tomado muchas cosas, decepciones, rechazos, fracasos, mucha remembranza, mucho reconocimiento a posterior como: “ah, mira, es que era tu estilo”, pero creo que siempre he sido alguien que no se ha dejado constreñir por las normas y soy muy terca, muy perseverante, muy segura de lo que hago, y de pronto no soy tan segura desde el principio, pero una vez que lo decido nada me mueve. También he pasado por muchísimos retos. El primero y más fuerte ha sido la barrera de género, honestamente. El segundo ha sido la barrera de ser regiomontana y no ser de la Ciudad de México que es donde está la producción más fuerte aquí en México, de no ser una mujer estadounidense o donde se produzca mucho más natural que aquí, el tercero el no venir del privilegio y creo que ha sido de lo más fuerte que he tenido que pasar y sobre todo de las barreras más fuertes que he tenido que quitar”, nos comparte la maestra. Por último, le preguntamos cuál es su propósito como profesora de la materia de Dirección de Arte en la Facultad de Artes Visuales: La transparencia de una mujer en el mundo audiovisual. L POR: AMPARO MARÍA POR: NOMBRE DE FOTÓGRAFO Maestra de Lenguaje y producción audiovisual. 10 Marzo 2021 a maestra Amparo Vázquez es docente de la materia “Dirección de arte” en la Facultad de Artes Visuales de la UANL también se dedica a la dirección, guionismo y al diseño de producción. Nunca llegó a pensar que se dedicaría a lo audiovisual, ya que lo veía como algo muy lejano, además de creer que no era para ella. Desde pequeña sabía que tenía esa atracción hacia este campo, pues se la pasaba viendo películas y programas en la televisión. El contar historias también era uno de sus mayores pasatiempos, incluso llego a hacer opera y teatro por mucho tiempo, esto hizo que se empezara a cuestionar acerca de lo que estaba detrás de todas estas obras y sobre el cómo se realizaban, de esta forma fue como empezó a conocer y a enamorarse de lo audiovisual. A ella siempre le encantó crear nuevos mundos y deseosa de poder llevar las imágenes de su cabeza a la realidad, comenzó a envolverse en el mundo del diseño de producción en lo audiovisual. Creando las historias y escribiendo fue cuando también comenzó a dirigir. “Me encantaba la idea de crear mundos, diseñar las imágenes exactamente como yo las quería aunque en ese momento no tenía idea de lo que era el diseño pero siempre tenía claro la visión que yo quería, el mundo que yo quería crear y el resultando a donde yo quería llegar y de pronto no podía expresarlo solamente a través de la palabra porque mucha gente me decía: “¿por qué no te dedicas a escribir?”, “¿por qué no te dedicas a hacer oratoria?”, “¿por qué no te dedicas al teatro?”, y mucho tiempo pensé que cada uno de estos era mi lenguaje, hasta que una vez que me di cuenta que lo que quería hacer era lo audiovisual”, nos cuenta la maestra Amparo. POR: JAVIER MOLINA POR: NÁTALI GUERRA La maestra Amparo partipó como Stylist en producciones junto con con otros maestros maestros de FAV. Sabemos que el mundo audiovisual para una mujer es un ambiente pesado y poco valorado. Ella nos comparte su pensamiento acerca de las mujeres cineastas: “Gracias a que las mujeres hemos tenido un mayor peso esto ha sido posible, creo que el peso de las mujeres siempre ha sido bastante, desde las actrices que ha sido el peso menos valorado hasta el más valorado que son las directoras. Por ejemplo, creo que las productoras siempre han sido una figura que están ahí, pero viven a la sombra de un hombre “la productora que le produce a un director”. Las mujeres cinefotógrafas no siempre han sido valoradas. Siempre hemos estado ahí y qué bueno que se nos esté reconociendo en este momento, pero siempre hemos estado ahí.” Hemos visto muchas películas en estos últimos años, la cuestión es, ¿qué le hace falta hoy en día al cine?, ella nos compartió su opinión acerca de este tema: “Al cine actual le falta ser autentico y ser único sin el afán o afición de ser diferente. Que venga desde el alma, desde las entrañas, desde las historias individuales. Menos de las mismas historias de siempre, más humanidad, más variedad.” Mi próposito en la docencia es EMPODERAR, PARA HACERSE NOTAR, PARA SOBRESALIR Y PARA SER SUFICIENTEMENTE HUMILDES Y RECONOCER LO QUE HAY QUE MEJORAR. Esa es mi intención y mi mayor deseo. En lo que a mí respecta COMUNICAR, GUIAR, CONTRIBUIR AL APRENDIZAJE, pero todo eso se resume en empoderar a mis alumnes que tenemos la fortuna de coincidir en el aula” Marzo 2021 11 �D O C E N T E Alma Banda Una docente apasionada por la producción audiovisual y el diseño gráfico. POR: LIZBETH ESTRELLO C on una trayectoria tanto en producción audiovisual como en diseño gráfico, la maestra Alma Banda nos cuenta un poco sobre cómo llegó a interesarle el diseño web y de cómo se desenvuelve en esta área. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales, en la especialidad de Camarografía, que sería lo equivalente a los lenguajes audiovisuales. Después de un tiempo laborando en la producción audiovisual, se da cuenta de que la producción de video se estaba volviendo en un proceso cíclico y es aquí donde decide refugiarse en el diseño. Aunque tenía conocimientos en diseño, no fue hasta que trabajó en el CEDIM que reforzó todo ese aprendizaje ya adquirido, incluso llegó a aprender más sobre esta área. Su curiosidad por el diseño fue aumentando, así que comenzó a aprender por su cuenta, además de certificarse en los software de Adobe, fue explorando varias áreas del diseño, como la identidad y la ilustración. En la que más se enfocó fue en el diseño web; no sólo quería diseñar páginas web, también quería saber cómo programar una, al no querer depender de un ingeniero o de un programador decide aprender ella misma y también de personas que sabían del tema. Cuando tenía dudas se acercaba a estas mismas personas para que le explicaran, fue así hasta que logró independizarse por completo. Sus inicios en el diseño web fueron como los de cualquier estudiante de diseño, pues se concentraba mucho en aprender los códigos de programación, y también tenía tropiezos al momento de programar, ya que al ver el código completado y de tener la certeza de que iba a funcionar, al final no ejecutaba lo que ella quería. A veces era frustrante para ella porque no funcionaba en el primer intento y porque dedicaba horas en la programación. 12 Marzo 2021 Maestra de Diseño Gráfico Cuando te gusta algo tienes que agregarle horas de vuelo, o sea, PRACTICAR Y PRACTICAR PARA AL FINAL ESTAR SATISFECHO CON LO QUE LOGRASTE” El proceso creativo que le ayuda a diseñar páginas web es empezar por hacer bocetos y trazar retículas conforme se imagina cómo podría ser el diagrama para una página, trata de hacer 3 o 4 diferentes. Después las pasa a ilustrador donde revisa cada una de las propuestas y elige una para mostrársela al cliente, estas no tienen diseño ya que puede que el cliente quiera cambiar algo de la estructura. Una vez aprobada por el cliente lo que hace es ponerle diseño y volverle a mostrar al cliente el trabajo para que autorice el diseño, cuando se aprueba y no hay ningún cambio por hacer es cuando empieza la etapa de programación. Un consejo que nos da, es no empezar a programar cuando aún está en la etapa de aprobación del diseño porque pueden solicitar cambios en el diseño y sería doble trabajo volver a programar la página. La maestra Alma Banda nos comenta que lo más difícil del diseño web es no saber cómo subir una página web a internet o cómo hacer una base de datos. Aunque son conceptos que normalmente no enseñan en la escuela y que pueden sonar muy complicados y lejanos, son cosas que también puede hacer un diseñador, solo hay que relacionarnos con los conceptos. Nos menciona que “Si nos quitamos la etiqueta de que algo es complejo desde la primera instancia, la verdad es que nos vamos a facilitar mucho las cosas”. Para respetar la confidencialidad que tiene la maestra con sus clientes no mencionaremos los nombres de sus proyectos, pero hay uno que le gustó mucho diseñar y se trata de un diseño de interfaz, una aplicación móvil para un banco. Fue un proyecto en el que tardó un año y medio en bocetar, diseñar y de enseñarle al cliente propuesta tras propuesta. Cada mínimo detalle de la aplicación fue planeado para poder llevarla a la ejecución con programación. Se hicieron pruebas para verificar que todo funcionara, luego los ingenieros estuvieron 6 o 7 meses más trabajando en las actualizaciones. Para ella fue todo un aprendizaje pues nunca había tenido un proyecto como este. En la actualidad tiene dos proyectos de tiendas web, una es de productos para la salud y la otra es para artículos promocionales, son proyectos que le emocionan mucho porque ambos son de amigos diseñadores y mientras ellos se encargan del diseño, ella se encarga de programar. Por último, nos compartió que le gusta ser docente porque le da retos todos los días, siempre trata de actualizarse, de investigar, de ver tutoriales, incluso de preparar su propio material pues no se puede quedar con lo que encuentra en internet. Ella busca que sus estudiantes tengan las herramientas necesarias para que las apliquen en el ámbito laboral. Lo que más disfruta es que no hay posibilidad de que se aburra porque siempre está aprendiendo y todos los días se sorprende. Todo mi proceso de trabajo me enseña y mi proceso de dar clases también” Marzo 2021 13 �D O C E N T E Jeimy Martínez La producción y experimentación del sonido como arte. Sin título. (Resonancia del trabajo de mujeres en un restaurant) Moviliario de restaurant intervenido (mesa y dos sillas), bocinas de tres pulgadas, material aislante, amplificador. Audios 7’05’’ / 6’69’’. *Se invita a participar, tomar asiento y acercar la escucha a la mesa. FOTO POR: ARCHIVO ARS Actualmente está desarrollando entrevistas y diversas grabaciones a mujeres que laboran en distintos sitios. Inició con mujeres que laboran en la preparación de alimentos debido a la relación que tiene con esto, pues su madre, Sylvia Galavíz Treviño, sacó adelante a su familia teniendo un pequeño restaurant en el Barrio Antiguo de Monterrey. Con este proyecto ella quiere reconocer todo el esfuerzo de su madre y el de las mujeres que con sus conocimientos y oportunidades mantienen económicamente a sus familias. Además de las entrevistas, ha grabado el ambiente en donde estas mujeres se desempeñan para luego hace ediciones y finalizar con una intervención de sonido sobre o a través de objetos. La primera pieza que surgió de su primer acercamiento fue una mesa y dos sillas, al poner tu oído sobre la mesa escuchas el ambiente en un lado, si te sientas del otro lado, escuchas la voz de algunas mujeres conversando de sus experiencias laborales entre otras cosas. Ser artista es complicado no sólo en Nuevo León, la maestra Jeimy Martínez nos comentó que esto se debe a que los públicos son pequeños y a que no se cuenta con mucha difusión y apoyo al arte, pero que gracias a los medios de difusión actuales es más fácil establecer contactos y desplegar el trabajo. Para las mujeres es todavía más difícil, pues hay cierta discriminación en los círculos artísticos, además de los asuntos de acoso sexual. Esto se vuelve doblemente difícil para las mujeres que inician en el ámbito profesional. Para ella el papel de las mujeres en todas las artes es importantísimo, incluso menciona que “los discursos hegemónicos patriarcales han silenciado a las mujeres en toda la historia y actualmente se empiezan a rescatar esas voces, obras, descubrimientos, y creaciones de las mujeres que fueron aplastados por la mirada masculina”. También nos comparte que la mujer no necesita ser musa para tener visibilidad, que las mujeres pueden crear sus propias posibilidades creativas, no solo en el campo de la creación, también en la curaduría, museografía, la crítica de arte, la educación y la investigación. Hoy en día las mujeres están recuperando estos espacios y creando proyectos para mostrar sus propias inquietudes, quehaceres y asuntos. Lo que más disfruta de ser docente es el aprendizaje mutuo, escuchar las inquietudes de sus estudiantes, asi como compartir y emocionarse por sus proyectos. Desde que empezó a dar clases ha aprendido mucho y sus métodos se han ido transformando, pero también ha crecido como persona. Cada generación, cada clase y cada estudiante la ha marcado de una u otra manera, incluso ha forjado amistades con ellos, pues la carrera de artes es pequeña y todos se conocen muy bien. Ha cometido errores, pero también ha tenido algunos aciertos y espera poder continuar con la educación por las artes ya que lo considera como un proyecto de vida. Golpe y Voz Composición sonora en colaboración con la colectiva feninista. Son Combativas. 2019 POR: LIZBETH ESTRELLO C on estudios en Artes Visuales por parte de la UANL y actualmente terminando su tesis de maestría en esta misma institución con el proyecto “Creaciones sonoras irruptivas: el sonido como elemento crítico en el espacio social”, la maestra Jeimy Martínez nos compartió su trayectoria profesional, así como su gusto por la docencia. Además de ser docente en la Facultad de Artes Visuales cuenta con proyectos artísticos en progreso y pertenece a dos colectivas de mujeres. Una de ellas es “Magadaleonas Teatro de las Oprimidas”, y la otra es “Son Combativas Batucada Feminista”. Su producción artística es variada, ha creado dibujo, instalaciones interactivas, esculturas sonoras y acciones in situ. El uso del sonido se ha convertido en su eje central para crear obras, sin embargo, no es el único elemento que emplea, pues lo visual sigue estando presente. Esto la ha llevado a explorar aspectos del sonido desde su acústica, su percepción, su representación en unidades de tiempo, textuales y a la experimentación con materiales y objetos. Incluso ha llegado a generar obra que implica su cuerpo. También logra la participación de otras personas en composiciones sonoras, acciones, grabaciones y experimentos con cintas magnéticas o esculturas que utilizan elementos digitales. Se ha acercado a cuestiones de la física del sonido, hasta lo simbólico de la escucha. En cuestión a las colectivas ya mencionadas, ha hecho un trabajo colaborativo con mujeres que, como ella, comparten la necesidad de hablar de cuestiones de género que tienen mucha urgencia en la actualidad, como la lucha por el cumplimiento de los derechos de todas las mujeres y el fin de la violencia. Esto a través de proyectos teatrales, de performance y de música. Su interés por el arte sonoro viene de descubrir que el arte es una área muy amplia, pues no solo a través de la vista sino también a través del oído nos pueden hacer sentir y pensar. Por algunos años su inspiración para crear sus piezas fue entender la física del sonido, pero después empezó a importarle el significado de lo que escuchamos cotidianamente, como el sonido del cantar de un pájaro que puede indicar que la naturaleza que nos rodea sigue viva. 14 Marzo 2021 Maestra de Artes Dentro de sus producciones ella destaca su obra “Ejercicio I para pozo de agua”, ya que es una intervención en sitio cuyo proceso se desarrolló en dos lugares. En Monterrey NL. y Boca del cielo, Chiapas. Se realizó una serie de grabaciones de audio a niñas y niños jugando y se combinaron con algunos sonidos de agua, estos audios se colocaron en varias norias donde se colocó equipo de amplificación. El propósito de esto era usar la noria como un “amplificador” del sonido por su concavidad. La instalación se quedo por algún tiempo y se esperó a tener cierta interacción. Este proyecto pertenece a una serie de piezas de intervención en espacios públicos y la relación con diversos contextos y el uso de las concavidades de las construcciones arquitectónicas, como puentes, norias, espacios vacíos etc. Ejercicio I para pozo de agua Intervención in situ Noria, audio 2:34min. Video-registro 4:33min. Considero que el arte POSIBILITA nuevas formas de EXISTENCIA en un mundo tan locuaz como el nuestro, que tanto requiere de un SENTIDO SENSIBLE” Sin título (Órgano) 10 dibujos en tinta blanca de aceite sobre papel 20 x 12cm Cajas con luz Marzo 2021 15 �C R E A T I V I D A D POR: LIZBETH ESTRELLO 16 Marzo 2021 ILUSTRACIÓN DE ALEJANDRA SILVA D entro del área de la producción visual es común utilizar la creatividad para desarrollar proyectos, pero ¿qué es la creatividad?, ¿guién es creativo?, ¿dónde está la creatividad en el cerebro?, ¿cuándo somos más creativos?. Sin duda son muchas las interrogantes que surgen en torno a la creatividad, pero te ayudaremos a contestar cada una de estas preguntas. Empecemos definiendo que la creatividad es una capacidad natural y básica del ser humano, esta nos ayuda a encontrar soluciones inteligentes y originales a nuestros problemas y desafíos diarios. También se puede definir como la capacidad de generar algo nuevo y valioso a través de la transformación de lo ya existente. Esta gran habilidad es muy importante, ya que a lo largo de la historia nos ha ayudado a sobrevivir y a evolucionar como especie, incluso nos ayuda a generar constantes mejoras a nuestra vida, a nuestro entorno y a la sociedad. Se puede utilizar en cualquier aspecto de nuestras vidas pues no es exclusiva del ambiente artístico. Todos nacemos con la capacidad de ser creativos, pero conforme vamos creciendo la sociedad, la familia y la escuela nos van imponiendo ideas, patrones y modelos, es decir, nos van diciendo qué hacer y qué no hacer; lo que está bien y lo que está mal. Cómo pensar, cómo actuar y cómo vivir. Esto hace que nuestra capacidad creativa disminuya, sin embargo la creatividad es como cualquier otra habilidad, necesita de la repetición como instrumento de enseñanza para poder desarrollarse y para poder perfeccionar esta capacidad con el tiempo. La creatividad en el cerebro es muy difícil de definir y de medir, pero gracias a la neurociencia se han hecho varios estudios para encontrar las áreas del cerebro que más utilizamos a la hora de ser creativos. La neuróloga Mónica Kurtis indica que para poder medir la creatividad en el cerebro se deben hacer uso de la Resonancia Magnética Funcional (FRMI por sus siglas en inglés) y de la Tomografía por Emisión de Positrones (PET por sus siglas en inglés), estas dos técnicas nos permiten obtener imágenes de la actividad del cerebro. El FRMI mide el flujo sanguíneo en el cerebro, donde más flujo hay significa que se está usando más esa área del cerebro. La técnica PET mide la glucosa del cerebro y cuanta más glucosa haya significa que hay más actividad. Mediante estas dos técnicas se ha determinado que la zona que más se ilumina al momento de ser creativos es la zona prefrontal medial del cerebro. Esta zona nos permite llegar a una meta, planificar objetivos, conseguir resultados, organizar la información jerárquicamente, mejorar la atención, la concentración, la memoria de trabajo y la flexibilidad (la cual se encarga de ver las cosas desde diferentes ángulos para no tener una respuesta automática). También conecta con la corteza visual, sensitiva y auditiva, la memoria (donde están todos los datos que conocemos) y las emociones. El cerebro no funciona por bloques, es decir, aunque la zona prefrontal del cerebro sea la que más se ilumina, no significa que las otras áreas del cerebro dejen de funcionar. Un claro ejemplo de esto es la íntima conexión de la zona prefrontal con la zona prefrontal lateral, la cual se encarga de filtrar ideas y de decidir si son buenas o no. A pesar de que esta zona nos ayuda a darle valor a la creatividad porque pone la idea en contexto, es aquí donde las reglas y los marcos sociales influyen en la zona y terminan cortando nuestra creatividad. ¿Alguna vez has encontrado la solución a un problema cuando no estabas pensando en ello?. Los momentos de inspiración no surgen cuando estamos concentrados en resolver algún problema, suelen aparecer cuando nuestro cerebro se encuentra reposando, haciendo actividades que no requieren de mucha atención, como lavar los platos, ducharse o simplemente pasear. Podemos decir que somos más creativos cuando nos distraemos y dejamos divagar la mente un poco, esto facilita el surgimiento de más y nuevas soluciones. La inspiración no se puede provocar, pero se puede estimular realizando tareas simples antes de hacer otras más complejas. Para esta edición de CROMA nos dimos a la tarea de hablar con mujeres que se destacan en su área por ser creativas, con el fin de inspirarte y motivarte a tener más confianza en tus ideas y para querer seguir siendo creativo. Esperamos que a través de sus trayectorias como profesionales también te animen a explorar tu lado creativo, a seguir creando y sobre todo a dejar de lado el miedo de hacer lo que más te gusta. Marzo 2021 17 �C R E A T I V I D A D Redes y contacto: Influencer en Moda y Edición Ilustradora y creadora del cómic “Sin y Laf” POR: JENY RODRÍGUEZ 18 Marzo 2021 @rossmarisin _ TWITTER rossmarisin Redes sociales: _ YOUTUBE Daily Vintage Itsferyalm _ TIENDA PRESETS Magic and pearls _ INSTAGRAM @itsferyalm POR: JENY RODRÍGUEZ R oss Marisin estudió la Licenciatura de Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Actualmente es Ilustradora y diseñadora freelance, se dedica a esto desde que egresó de la facultad en el 2008, lleva 13 años en este ámbito. Ella ha participado en diversos proyectos importantes. Cartoon Network Latinoamérica la contactó para el proyecto Girl Power; la llamaron para elegir a dos personajes de sus series favoritas de Cartoon para después hacer una ilustración tipo fan art de estos personajes, ella eligió a Garnert de Steven Universe y a Marceline de Hora de Aventura, sus personajes favoritos. Continuó en otro proyecto con Coca Cola, trabajó con un colaborador y tenían que dibujar los comentarios positivos para este nuevo año 2021, estos comentarios eran desde la página de Facebook de la empresa. Estas frases se las pasaban y tenían que ilustrarlas rápido por lo que fue ahí donde aprendió a dibujar en su iPad de una manera más rápida. Ross ha colaborado con clientes importantes tales como: Macmillan, Cartoon Network, Conafe, Elalebrije, El Palacio de Hierro, entre muchos más. Para lograr tener el prestigio que la caracteriza, tuvo que trabajar muy duro. Cuando aún era estudiante publicaba sus ilustraciones en Facebook y estas llegaban a personas que no ilustraban, su idea era entretener y hacer que la gente se identificara con lo que ella vivía día a día. Su cómic “Sin y Laf ” le ayudó a tener clientes, pues mucha gente lo compartía y muchos de sus fans eran editores o trabajaban en agencias de publicidad. La recomendación de Ross es: “Publica tu trabajo, de ese modo la gente te conocerá. También tenemos que apoyarnos entre compañeros, ya que de vez en cuando te puede llegar trabajo por parte de ellos”. Menciona que le gustaría crear un nuevo cómic ya que cuenta con diversos personajes que podrían funcionar muy bien. Conocer tu propio estilo es muy complicado, para Ross el haber realizado trabajos complicados le hizo darse cuenta del trabajo que le gustaba hacer. Desde ese momento comenzó a enfocarse en su forma de trabajar y a pulir todo su estilo para darle un buen servicio a los clientes que la buscan y para que la recomendaran o la volvieran a buscar. “Cuando uno va iniciando quiere aceptar todos los trabajos posibles, pero conforme _ PAGINA WEB rossmarisin.com POR: ROSS MARISIN a conocer más de los programas de edición como Photoshop y Lightroom. Cuando dominó los programas empezó a crear sus propios filtros. La gente se los pedía y ella se los proporcionaba gratuitamente, hasta que se dio cuenta de que podía venderlos. Como ella había estudiado en la Facultad de Ingeniería Mecánica y Eléctrica en tecnología de software comenzó a crear su página web para poder vender sus filtros, al principio no creía que esta idea tendría éxito pero se sorprendió al ver que el resultado fue todo lo contrario que incluso le pedían más. Su meta a corto plazo es trabajar más en sus dos canales de Youtube, también comenta que le gustaría mejorar más en tomar fotografías y seguir practicando. A largo plazo le interesa colaborar con marcas prestigiosas como Chanel, haciendo spots publicitarios y preparándose con cursos o talleres que la ayuden a cumplir su meta. Lo que más le gusta de su trabajo es ver el resultado final, ya que el proceso es muy tedioso y abrumador, pero se siente bien consigo misma al ver todas las horas de trabajo y sufrimiento invertido que la llevó a lograr el resultado esperado. POR: FERNANDA F ernanda estudió la carrera de Lenguaje y Producción Audiovisual en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Actualmente es influencer, su contenido es para aquellas personas que les interesen los temas de moda y belleza, cuenta con un canal de Youtube que habla sobre el tema y otro secundario en el que se dedica a hablar temas de edición de fotos y videos; también cuenta con una página web en la cual se dedica a la venta de filtros que ella misma crea llamada Magic Pearls. Ella tiene el desafío de competir como mujer latina, contra mujeres que cumplen con los estereotipos que la misma sociedad formó, es decir, delgadas, blancas y con muchísimos recursos. Nos comenta que el peso de una persona tiene muchísimo impacto pues es algo con lo que también tiene que lidiar. “Tengo el poder de generar un mensaje para todas esas niñas que no se sienten seguras consigo mismas, respecto a que son súper valiosas y que no importa su peso ni sus medidas ni cómo te veas. Creo que es importante porque a mí me ha truncado o cerrado muchas puertas tanto con marcas como con seguidores y es importante normalizar la apariencia física”. La inspiración la toma de personas que ella admira, una de ellas es Desi Perkins, todo el tiempo se inspira en sus videos, sus fotos y es por ella que decidió dedicarse a la moda y al maquillaje para Youtube. En la fotografía se inspiró en Jessica Kobeissi y es por ella que eligió especializarse en fotografía editorial. Fernanda creó su canal de edición debido a que subió un tutorial editando una fotografía de ella misma y se impresionó al ver que tuvo muchas visitas, desde ahí decidió subir más y más contenido del mismo. Para subir un nuevo video ella misma se pregunta lo que le gustaría ver en su canal, además de eso toma inspiración de las nuevas tendencias, los colores del año, lo que las personas usan, en todo lo que está de moda; incluso toma en cuenta lo que van diciendo las personas en los comentarios de sus videos de lo que les gustaría ver. Se mantiene fiel a su estilo para que todo tenga congruencia en su contenido y no se pierda esa inspiración ni el sentido que la caracteriza. “Siempre hago lo que me gusta y si dejas de hacer lo que a ti te gusta no está padre, entonces además de trabajo yo lo veo como un hobbie”. La idea de vender filtros nace el día en que comenzó con su primer video de edición. Ella buscaba la manera de editar sus fotos de una manera correcta y es en la escuela donde comenzó _ INSTAGRAM uno avanza sabe de lo que es o no capaz de hacer, gracias a esa experiencia ya sé qué tipo de proyectos aceptar y qué proyectos pasarlos a alguien más”. Ross se inspira en ella misma para crear a sus personajes de redes sociales, es la prueba de que cualquier cosa que hagas en tu día a día lo puedes tomar como inspiración; también toma en cuenta su propia personalidad para reflejar la actitud que tomarán sus ilustraciones y lo convierte todo humorísticamente. Lo que más disfruta Ross es dibujar, menciona que lo mejor es que le pagan por hacer algo que le gusta, le agrada que los clientes dejen que haga las ilustraciones con el humor que ella tiene ya que los clientes le confían su trabajo y le dan la libertad de expresar lo que le piden a su manera, obvio respetando los parámetros. Marzo 2021 19 �C R E A T I V I D A D Redes y contacta: Fotógrafa ve la moda como la oportunidad de crear universos fantásticos. POR: ALEJANDRA SILVA. 20 Marzo 2021 Le resulta gratificante poder ver los resultados de alguien con quien fue flexible y exigente para luego ver como se empieza a desarrollar y hacer cosas grandes, es una experiencia muy satisfactoria para ella al igual que ver como todos trabajan en equipo y están abiertos a aprender y desarrollarse. A todos aquellos que están estudiando diseño gráfico, Carolina les aconseja lo siguiente: No dejar que tu ego como diseñador LIDERÉ tu trabajo. La diferencia entre el ARTE y el DISEÑO es que el diseño sí es un servicio de soluciones, entonces te enfocas en las necesidades del cliente” ANAGRAMA C arolina estudió la Licenciatura de Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Originaria de Saltillo, Coahuila. Forma parte del equipo de partners en Anagrama, estudio creativo con presencia en Monterrey, Cd. de México, Estados Unidos y Japón, donde desarrollan experiencias de marca de forma multidisciplinaria. Actualmente lidera el Área de Proyectos Digitales, ejerciendo como Project Manager y Directora Creativa. Desde siempre le atrajo la creatividad y el arte a pesar de ser una persona más metódica lo que en un principio lo consideraba una desventaja contra las personas con facilidad de crear artísticamente, con el tiempo se dio cuenta de que la creatividad era algo que podía desarrollarse y con un método lógico en donde se realiza una investigación a profundidad a la marca y clientes le ayudaba a crear cosas con mejores bases, lo que la llevo al cargo del área de diseño y desarrollo web. Ser encargada y mujer en un área de diseño donde predominan los hombres le dificultó que en un inicio fuera considerada como una líder. A pesar de eso ignoró la brecha del género e hizo que su talento y su trabajo la hicieran destacar por su valor como diseñadora. Sobre su proceso creativo nos comenta que al diseñar empieza con un estudio del contexto del cliente, analiza la competencia y busca tendencias de lo que están haciendo bien y es con ese conocimiento que se crea algo original en base a las áreas de oportunidades que encuentran. Sus proyectos favoritos son en los que conecta con el cliente, comparten objetivos similares, pero con diferente perspectiva ya que considera que esos son proyectos donde se puede aprender mucho mutuamente y se crean buenas relaciones. “Todos los clientes son difíciles, pero la curva de aprendizaje te enseña a ser empático, debes encontrar los tiempos, leer al cliente, ver cómo está recibiendo la información y asegurarte de que estés transmitiendo bien tus ideas pues lo más difícil es estar en el mismo canal”. Sobre sus obstáculos como diseñadora y líder comenta que, “La relación con personas, ser un líder empático y entender que todos tenemos días buenos y malos, pero a la vez ser exigente para que todo salga, es de las cosas que más desgastan, pero más disfruto”. _ INSTAGRAM @michellelartigue POR: ELIANA CASTAÑON. M ichelle Lartigue estudió la Licenciatura en Artes en la Universidad de Monterrey. Empezó a hacer fotografía como un hobby a los 17 años, pues aún no veía la fotografía como un trabajo formal. En el 2016 inicia su carrera como fotógrafa de moda, cuando una marca la contacta para hacer fotografías para el contenido de sus redes sociales. En ese momento, es cuando se da a la idea de que sí se puede vivir de hacer fotografía de moda. “Lo que me interesaba de la fotografía en general es esto de crear una fantasía, escaparme un poquito de la realidad, y es entonces cuando encuentro a la fotografía de moda, me doy cuenta de esto de seguir creando universos fantásticos, a fin de cuentas una marca te está vendiendo un cierto estilo de vida, que se tiene que transmitir a través del modelo, crear todo un personaje con las prendas y con más elementos, y creo que eso fue lo que me atrapó, también me di cuenta de que me siento muy bien trabajando en equipo, con más creativos y esto en la fotografía de moda es clave”. Queda claro que en la fotografía de moda las marcas quieren trasmitir a través de sus prendas e imagen un estilo de vida. En este tipo de fotografías se necesitan de muchas herramientas y participación de varios creativos para un mismo objetivo. Por este motivo el proceso creativo de Michelle es basado en primera estancia en el moodboard que le mandan las marcas, por lo cual muy pocas veces se involucra en toda la dirección creativa y también las marcas que la contactan ya conocen su trabajo y estética que maneja, por esta razón solo interviene en procesos más técnicos como en la iluminación, en los colores de los cicloramas o si necesitan sugerencias en modelos. Pero a la hora de realizar el shooting, sí sugiere opciones para obtener el resultado que el cliente espera. “Aprendí que uno como fotógrafo tiene la palabra final y a veces se tiene que decir esto no está funcionado con el moodboard y buscar soluciones o improvisar”. También recalca esta parte de trabajar con más creativos, pues hacen que el resultado de las fotografías finales salga mucho mejor, pero hay que tomar en cuenta que estas personas tengan la misma visión o que tengan el mismo estilo y que concuerden en la misma idea final. La industria va creciendo y la fotografía de moda es un género que va evolucionando, que se están abriendo más oportunidades, específicamente con las pequeñas empresas o con pequeños creativos que van empezando, por lo cual Michelle recomienda que este es el mejor momento para empezar a ser fotógrafo de modas porque se están abriendo oportunidades en todas partes. POR: MICHELLE LARTIGUE El diseño gráfico como proceso lógico. Marzo 2021 21 �C R E A T I V I D A D Visita y contacta: _ INSTAGRAM @Kiwicreativas_packaging ¿Alguna vez pensaste que un empaque podría ser como un traje hecho a la medida? _ E-MAIL gaby@kiwicreativas.com _ SUCURSAL Niza 3205 Valle Primavera, Mty N.L POR: THELMA CORTES E lla es Gabriela Peña dueña de Kiwi Creativas, egresada de Diseño Gráfico Digital de la Universidad Regiomontana, también tiene la Licenciatura en Música por la Facultad de música de la UANL, actualmente está casada y tiene una hija de 4 meses. Todo empezó un 19 de febrero del 2008 cuando tomó la decisión de crear este negocio de fabricación y diseño de empaques. Cuando era estudiante de diseño gráfico tenía dos ramas que le interesaban, el packaging y el diseño editorial, una vez graduada empezó a trabajar en el periódico EL NORTE, pero no era exactamente lo que ella quería ya que veía a sus compañeras de trabajo hablar por teléfono a casa de sus padres para ver cómo estaban sus hijos, ella toma como ejemplo a su madre quien siempre trabajo en casa y quien empezó el negocio hace 30 años, solo que de forma rudimentaria, aquí es cuando Gabriela decide seguir con el negocio, pero de manera profesional. Kiwi Creativas ofrece un servicio integral de elaboración de empaques desde cero y para cualquier giro, su fuerte son los empaques para la repostería fina, panadería y restaurante, también ha hecho empaques para piezas de tráiler. El servicio es totalmente personalizado como un traje hecho a la medida, pues el cliente dice lo que quiere, ven cuál es su presupuesto y lo que espera de este. Gabriela nos comenta que el secreto de su éxito es que sea ella quien trabaje directo con el cliente, pues le gusta trabajar con libreta y lápiz a la mano y bocetar mientras dialoga con sus clientes. Su trabajo ha llegado a Cancún, McAllen y España, tras ampliar el inventario el año pasado la empezaron a buscar desde Argentina y Colombia, su proyecto del 2021 es hacer más envíos a otros países. El proyecto que más le gustó elaborar fue para un negocio de confitería, la solicitante traía sus propias ideas para el empaque y quería que la gente se enamorara del producto. Gabriela puso todo su corazón en el proyecto y el resultado fue maravilloso, le encantó a la solicitante y tuvo muy buena aceptación de la gente ya que el producto era para la época de navidad, este proyecto fue un parteaguas, ya que le metió acabados que nunca había hecho. 22 Marzo 2021 Sus clientes en general son exigentes porque venden productos de calidad y buscan el empaque perfecto, cosa que es su especialidad. Tuvo un cliente difícil, unos reconocidos event planner que salieron en la serie de “La casa de las flores”, nerviosa tuvo que ir a la Ciudad de México para hablar con ellos sobre lo que querían y llevarles muestras, lo que ellos buscaban eran empaques para su cafetería en Santa Fe, ella tenía el compromiso de hacer un buen trabajo, al final les encantó y esto fue para ella un paso más para ser reconocida en este giro. El miedo siempre va a existir, así que no pasa nada, lo peor que puede pasar es que no funcione, pero que pasa si ese pequeño salto si funciona. Ella tuvo miedo y recibió muchos comentarios respecto a dejar un buen trabajo, pero ella prefirió tener su propio negocio, ella nunca tiro la toalla y ahora este año Kiwi Creativas cumple 11 años, vive al 100% de eso. Todas las experiencias tanto buenas como malas han sido de aprendizaje y este es su consejo: No tiremos la toalla, CREAMOS en nosotras y HAGAMOS lo que nos APASIONA” Un guionista no sólo se encarga de hacer un guion cinematográfico, también crea ideas que forman la trama de una película, un programa de televisión, u obra de teatro, entre otros. Redes sociales: _ INSTAGRAM @ayns097 _ FACEBOOK Ailéh Navarro POR: ABIGAIL REYES A iléh Navarro estudió la Licenciatura de Lenguaje y Producción Audiovisual en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. A sus 23 años ella nos cuenta que su primer acercamiento al mundo del guionismo fue en su etapa de la secundaria cuando un amigo de ella le enseñó las cosas que escribía, así fue como ella poco a poco empezó a interesarse en escribir historias Ailéh nos comenta que la inspiración para sus escritos los encuentra en la música y hasta en sucesos personales. “Yo me baso en canciones que me gustan y estas mismas las intercambió con un amigo, para que no solo una persona las eligiera, también para ponernos el reto de “haber que haces con esto” y así estuvimos más o menos un mes y medio, y en ese transcurso salieron 8 historias, muy cortas, pero así me quite los prejuicios que tenía a la hora de escribir.” Una limitante que tenía nuestra guionista al momento de intentar narrar o crear una historia en base a los problemas o situaciones que le solían suceder en su vida, era que estos aún no tenían una solución para poder escribirlos, por lo cual hacía que Ailéh tuviera bloqueos creativos. Durante su etapa de la facultad Ailéh decidió mostrar en su salón de clases un guion que ella había escrito para la materia de Cinefoto, su idea les agrado a todos, por lo cual “A través del bosque” se produjo y así con mucho esfuerzo decidieron inscribirlo al Festival Internacional de cine de Monterrey en la categoría de KinoStart. “Siempre les dije a mis compañeros, desde que propuse el guion y dirección que yo quería que el cortometraje participara…y si no ganábamos quería que nos quedáramos con la sensación de que participamos y fuimos seleccionados entre tanta gente y el ver nuestro esfuerzo reflejado en la pantalla grande es una de las mejores sensaciones”. A través del bosque narra la historia de un hombre, cansado de la vida citadina, decide huir al bosque para librarse de todo su ser. Lo que no sabe, es la sorpresa que le espera ahí dentro. Al haber estado concursando en el FIC de Monterrey Ailéh nos dice que obtuvo muchos aprendizajes sobre su participación. “Te deja mucha confianza con lo que haces, al menos esos pequeños reconocimientos te impulsan a querer y seguir creciendo”. A todas aquellas personas que están interesadas en seguir en este camino del guionismo les aconsejo: “Tanto con guion u otros proyectos es hacerlo, JAMÁS QUEDARSE CON LAS GANAS DE HACER ALGÚN PROYECTO CON EL QUE TENÍAS UNA ESPINITA, nunca poner los limitantes de tengo mucho trabajo, mucha tarea, incluso si no se te ocurre nada, tu date, tienes miles de oportunidades”. Marzo 2021 23 �C R E A T I V I D A D Carolina ortiz ANAGRAMA Mujeres construyendo con creatividad y esfuerzo su estilo personal. ailéh navarro Michelle Lartigue Ross marisin fernanda Almanza Gabriela peña 24 Marzo 2021 Marzo 2021 25 �E M P R E N D I M I E N T O Redes sociales: @ blackbuffalofilms Black Buffalo Films es una casa productora conformada por la dirección de Lariss De La Vega y el diseño de producción y dirección creativa de Kathya Velázquez. POR: SUGEY GUZMAN E n sus inicios esta casa productora se centró en la producción de videos musicales, logrando entrar en revistas como Billboard y Rolling Stones, para luego incursionar con marcas internacionales como H&M y Chevrolet; así como para marcas como Heineken México. Esto es sólo un poco de lo que han realizado, pero ellas nos cuentan más sobre su trayectoria como dúo creativo. ¿Cómo nace este proyecto y conjugan sus talentos? Todo inició hace unos años, cuando nos volvimos pareja y nos dimos cuenta de que compartíamos el mismo amor por el arte y el cine. Cada fin de semana nos gustaba realizar experimentos de fotografía y video; un día realizamos un cortometraje en nuestra casa, en el cual queríamos crear una estética muy específica y nos dimos a la tarea de enfocarnos en narrativa, fotografía y dirección de arte. “Hubo una conexión que tuvimos para crear y fusionar ambas partes de nuestra creatividad”. Ese día obtuvimos un resultado que nos gustó mucho, y desde ahí nos propusimos desarrollar esta fusión creativa y crear nuestra casa productora Black Buffalo. 26 Marzo 2021 POR: BLACK BUFFALO FILMS Lariss de la Vega y Kathya Velázquez Fundadoras de la casa productora Black Buffalo Films. ¿Por qué iniciaron produciendo videos musicales? Siempre nos ha llamado la atención poder crear historias audiovisuales a través de la música, es algo que creemos jamás poder dejar, ya que es una pasión para nosotras. En una ocasión conocimos a Jorge Villarreal que con otros 4 chicos conformaban ¨DRIMS¨, nos platicaron acerca de su concepto como banda y juntos decidimos darle vida a un visual para su canción, es ahí donde comenzamos a plasmar la estética que buscábamos proyectar a través de la música. Creemos que TODO ARTISTA TIENE SU PROPIO ESTILO y jamás podremos ser repetidos, siempre procuramos plasmar nuestras voces en cada uno de nuestros proyectos” - Black Buffalo ¿Qué las llevó a ampliarse hacia spots y campañas publicitarias? Jamás nos pasó por la mente introducirnos al mundo de la publicidad. Todo sucedió cuando Toy Selectah, uno de nuestros más grandes impulsores en la industria, le envía nuestro trabajo a una productora ejecutiva de publicidad de CDMX (Claudia del Bosque), quien nos adentró al mundo de la publicidad presentando nuestro trabajo como una dupla de dirección y llevándonos en este viaje lleno de aventuras realizando spots para H&M y Chevrolet siendo representadas por la compañía LANDIA. ¿Qué recomiendan a mujeres jóvenes que quisieran empezar en la producción audiovisual? Queremos recomendar a las personas que quieren iniciar en el mundo de la producción audiovisual que experimenten lo más que puedan, dejen fluir su creatividad sin miedo a nada, siempre buscando tu satisfacción personal como creadoras. Hace unos años atrás los hombres tenían más oportunidades en esta industria, sin embargo, esto no sigue siendo así, pues hemos avanzado bastante es este tema, el punto es salir y crear tus propias oportunidades seas hombre o mujer, el arte es universal y no tiene por qué existir distinción de géneros, es decir todos somo iguales y tenemos las mismas capacidades de expresión, no importa si provienen de un hombre o una mujer. ¿Cuál consideran que fue la producción con la que se dieron cuenta que estaban teniendo éxito? La producción con la que vimos más éxito fue “Hablando Lento” de Odisseo, desde el momento que realizamos el guion y al verlo plasmado en la pantalla nos sentimos realizadas y orgullosas de cómo nuestras ideas en conjunto estaban reflejadas en este audiovisual, y justo fue este proyecto el que nos llevó a trabajar para H&M. POR: BLACK BUFFALO FILMS _ INSTAGRAM ¿Tienen algún proyecto del que se sienten más orgullosas? Creemos que cada proyecto tiene su propia esencia, a todos les tenemos mucho cariño y estamos orgullosas de cada uno. Pero en especial nos gusta mucho trabajar con Niña Dioz ya que su concepto como artista se presta mucho para hablar y expresar temas que, para nosotras, no deberían ser un tabú en esta época tales como la homosexualidad, la discriminación y como la religión sigue afectando actualmente en la sociedad. POR: BLACK BUFFALO FILMS Marzo 2021 27 �E N F O Q U E MUJERES EN EL CINE Las miradas femeninas y sus categorías en el séptimo arte POR: NÁTALI GUERRA E l tema de las relaciones entre las mujeres y el cine, es un tema del que se habla mucho, pero sobre el que se ha trabajado muy poco. Antes, las mujeres aparecían en pantalla para cubrir el deseo sexual de los hombres. Hoy en día las miradas femeninas ya no son ignoradas como en aquellos tiempos, ahora sí existen. ¿Cuántas veces no hemos escuchado o mirado una vivencia que pertenece a una mujer contada por un hombre? Un nuevo estudio de la Asociación de Mujeres Cineastas (CIMA) en el que analiza los 152 largometrajes presentados a las nominaciones de los 33º Premios Goya, pudimos conocer el mínimo porcentaje de mujeres que participan en estos proyectos. (29 %) En los departamentos de producciones con una mayor representación femenina en cargos de responsabilidad fue de lejos el de Diseño de Vestuario 92%, seguido del de Maquillaje y Peluquería 73%, en Producción el 31%, en Dirección y Guion solo representan el 20%, y en el Departamento de Fotografía el 9%. El departamento como menos mujeres es el de Efectos Especiales con apenas 7 mujeres por cada 93 hombres. La igualdad de los pagos de mujeres y hombres también varía. El pago de una mujer en producciones puede ser hasta de 50% menos que el de un hombre. Esto pronto acabará. Cada vez conocemos a más productoras que están alzando la voz y que van contagiando de esas ganas de crear un cambio a otras generaciones 92% 73% 20% 31% De las 2.279 personas que desarrollaron diferentes cargos de responsabilidad en esas películas eran mujeres. 28 Marzo 2021 Marzo 2021 29 �A R T E Monserrat Carrión El desafío de emprender en el mundo del arte. “Lo que intento hacer realmente es poner al alcance de cualquier persona una pieza de un artista. Ser inclusivo, apoyar el arte y pagarle al artista su trabajo creativo” Los artistas les mandan un catálogo con las piezas que quieren vender y es a través de las exhibiciones virtuales en su página de Facebook donde se pueden apreciar, si alguien se interesa por alguna obra puede ponerse en contacto con ella para comprarla. Además de las exposiciones y los sorteos Carrión ofrece talleres de autorretrato, ciclos de poesía virtual y exhibiciones fotográficas. EXPOSICIONES Monserrat nos comenta que para ella Carrión es un autorreconocimiento hacia un camino del aprendizaje y poder compartir con los demás. Y es que a través del arte podemos reflejar y predecir los procesos personales y sociales. Toda persona es capaz de ser creativa y esto es una necesidad, un impulso innato de los seres humanos. contacto y redes: _ FACEBOOK @CARRYONMX _ CONTACTO 81 1904 3623 POR: ALEJANDRA SILVA 30 Marzo 2021 OBRA DE LILA JAMIESON M OBRA DE VIVIANA SOFÍA creo? No va a pegar en ningún lugar, debo de confiar en lo que estoy haciendo, en las herramientas que tengo y en el talento de los demás, así como yo confío en el mío para que las cosas pueden funcionar“ Monserrat siendo una apasionada que le encanta aprender y conversar, logra admirar y decir: “¡Eso es maravilloso! ¿Por qué no compartirlo?” “Es una pasión, es amor y es a través de ellos mismos y de sus experiencias que lo disfruto más. Es ese poder estar receptiva a lo que los demás me están mostrando y evidentemente a lo que yo estoy mostrando porque es un espejo” Los artistas van llegando y es aquí donde se hace la pregunta ¿Cómo le hago para brincar a otra plataforma donde pueda autorreconocerme, autosustentarme y poderle pagarle al otro también a la misma medida y en la misma calidad? Son las redes sociales en donde se permite contactar e ir más allá para poder construir esta comunidad. OBRA DE ALFONZO DELGADILLO onserrat Carrión es una gestora social y cultural en instituciones públicas, privadas y asociaciones civiles desde hace más de 8 años, con experiencia en proyectos artísticos, diecinueve exhibiciones colectivas y tres individuales en diferentes disciplinas como pintura, dibujo, fotografía y arte conceptual dentro y fuera de la República Mexicana. Se desata la exhibición de dibujo, “Expose yourself ”, Galería Concord; 937 Blood St (Ossington) Toronto, Canadá en 2009. Seleccionada en 2007 y 2008 en la reseña de la Plástica Nuevo Leonesa. En el mes de marzo, a partir de la pandemia que comienza la Galería Carrión, no siendo una galería, sino más bien un gesto para ayudar a quienes se encontraban en necesidad debido a lo ocurrido, por medio de un sorteo. A trevés de esta acción le siguen sus amigos y conocidos de las artes, tales como pintores, escritores, fotógrafos, etc. Y es en colaboración con el pintor Eleazar Montexano como se da el primer sorteo con la venta de 100 boletos. “El emprendimiendo tiene que ver con tu capacidad de poder entender que tú eres una persona importante y que puedes transformar mil cosas. Realmente la magia del arte para mí es esa que puede transformar los ambientes y puede transformar realmente la percepción de todo, incluso de ti misma, puede sensibilizar, ser terapéutico, ser un diálogo interno donde si es claro y te gusta a ti misma ¿por qué no ofrecérselo al otro?“ Carrión funciona a través de una participación activa tanto de artistas como de su parte. Trabajar en equipo es una de las cosas más importantes y la confianza que se tiene y le tienes a las otras personas para poder construir. “Si yo quiero vivir de esto evidentemente quiero que al otro le vaya bien ¿Cómo hago para sostener un proyecto que yo no me OBRA DE RAFAEL ORTEGA Marzo 2021 31 �E S P E C I A L Canto de sirenas POR: ANA FABIOLA MEDINA RAMÍREZ “ …Detén tu nave y ven a escuchar nuestras voces. Después de deleitarse con ellas quienes las escucharon se van alegres conociendo muchas cosas que ignoraban, … sabemos cuanto sucede sobre la tierra fecunda” Canto XII, La Odisea Este escrito pretende unirse al tempo del canto de las mujeres creadoras de Nuevo León. Ser un reconocimiento al pulso de aquellas que contribuyen al tejido cultural del estado desde todos sus parajes. No se trata de una revisión histórica. Tampoco he querido arriesgarme a destacar nombres, ni a privilegiar lenguajes artísticos, por incluirlas a todas, aún cuando en mis palabras puedan algunas reconocerse. Mi escrito mira a través de la figura mítica de las sirenas con toda la intensión de proyectar, en un cielo dominado por seres etéreos, una imagen que palpita en su dualidad. Las sirenas en la mitología griega, son criaturas marinas mitad mujer y mitad ave. Según ciertas versiones, son hijas de Aqueloo, dios-río, y de Calíope, la de la bella voz, musa de la poesía y la elocuencia. En el griego antiguo: Σειρήν - Seirēn; pl.: Σειρῆνες - Seirēnes, significa: «las que atan y desatan/encadenan»; Relacionado también con la palabra púnica Sir, «canto» o del vocablo semítico seiren “hembra que fascina con su canto”. El mito cuenta que las sirenas un día osaron competir con las musas para juzgar quién tenía la más armoniosa y bella voz. Estas últimas, ofendidas por el atrevimiento de sus adversarias las transformaron en monstruos. Conservando su rostro humano, las cubrieron con grandes plumas. Ahora son la inquietud del mar1 . La primera mención de las sirenas es en la Odisea, cuando Odiseo se enfrenta a la fascinación de su canto, atado al mástil de su embarcación. El poder de la misteriosa melodía, consistía en que susurraba al oído aquello que cada oyente, fervorosamente, deseaba escuchar. 32 Marzo 2021 Moradoras del aire, seductoras y terribles, fueron temidas por los navegantes del mediterráneo cuyas naves eran arrastradas por el viento hacia los arrecifes donde se posaban. En la Edad Media, la iconografía de las sirenas sufre transformaciones en el sentido simbólico y formal para adaptarse a la ideología y a los patrones estéticos de la época. Su representación adquiere el aspecto que llega a nuestros días: hermosas mujeres con cola de pez y pasan a ser habitantes de las profundidades del mar, conservando el poder prodigioso de su voz asociado a tentaciones y encantos. Las sirenas del aire se tocan con Psyché, la bella joven de alas de mariposa. Psyché es la figuración del alma, una alusión a la muerte de la oruga dentro del capullo, pues nada de su apariencia pervive en la mariposa. Las sirenas se tocan con Psyché, soplo y alma, pero no con la que rasga la crisálida para despojarse del cuerpo, sino con aquella que es aliento jadeante y cuyo cuerpo excitado mueve la imaginación hacia su deseo. Las sirenas del aire cantan y es el aire el portador de su canto. Recoge, eleva y esparce la vibración de esas voces. De ese soplo de los labios, principio de vida, de los afectos y deseos, de la inteligencia y la voluntad. Soplo que es la encarnación del alma. El alma, escribe Didi-Huberman, es una forma nacida del aire, del corazón que pulsa y respira. Es Psyché encarnada en imagen surgiendo de la crisálida para extender su aura. Nuestras mujeres creadoras, son sirenas aviformes. Moradoras del viento. Volando a nivel de la respiración y el latido, pasean por la ciudad, se asoman por sus ventanas, por sus puertas, por los orificios de las balas. Miran en la profundidad de los ojos de sus habitantes. Escudriñan en la memoria de las casas, de las fábricas. Observan todo para develar sus vacíos. Cantan y su canto es polifónico. El viento que circula por las calles se vuelve entonces, beso, caricia, revuelo de cabellos, de rizos, de faldas, de velos. Ráfaga que arrastra las hojas y los panfletos. Diáspora llena de ese canto-imagen de la intensión del alma. Psyché que enciende su lámpara para alumbrar la imago de su deseo. El canto de nuestras sirenas creadoras es polifónico, elocuente. Didi-Huberman recoge esta cita de Holliger “Cada cantante entona según el tempo que da su pulso”2. La obra que cristaliza su canto en el aliento poético, creación de los afectos y la pulsión que agitan la respiración, es así, huella de aire encendido. Poetas del aire, llevan sus alas en las sienes, las manos o los tobillos. Sirenas que blanden sus pinceles: Enamorada del paisaje norestense, en el hálito de sus matices y formas, ésta deja la huella de su sentir; otra, inspira en la libertad de la abstracción, una crónica cromática de identidad y memoria; otra más, sostiene el aliento para dar forma a la reminiscencia en sus manzanas. Una, con sintonía sonidera, recorre los barrios de la Independencia. Territorio sonoro que celebra el jolgorio, el movimiento caliente, el amor extraviado o el barrio furioso. Otra, recupera rostros y la memoria dispersa de la antigua fábrica de acero, rasgando los velos que imponen el silencio. Bordeando el río se desplazan sirenas cuyo ritmo de voz se une al de sus manos, de sus plumas, para hacer volar las páginas de sus libros. Mientras otra las desprende para jugar con las palabras transmutando su lenguaje a otros ensueños. Una más, parte de la escritura en un cuaderno y de ahí deriva y registra su canto en múltiples objetos y superficies, tomando quizás la forma fragmentada de un libro. Marzo 2021 33 �E S P E C I A L Al pie de las montañas, la mirada de una es un hilo unido a otros, para confeccionar el manto de la visión, el vestido con que se cubre el aire. Sirenas que exudan la experiencia del cuerpo femenino por cada poro, por cada herida. Canto que en su hálito teje y desteje lienzos, materializa en cuerpos de manta, el espíritu femenino personificándolo en la maravillosa naturalidad de vientres que han dado a luz y de pechos que han amamantado. Sirena que logra recobrar el aura en este gesto del rollizo de la cintura y de la curvatura de la espalda. Entonces, en ese pliegue, la tela transfigurada en piel ocupa el espacio suspendido de significante y signo. Hacia otro lado de la ciudad, se escucha la intensidad de una exhalación que vacía los pulmones. Sirena que con-sentimiento del tiempo, condensa en su performance, lo efímero del cuerpo como imagen aérea en camino de su desmaterialización3. Por el Barrio Antiguo, la sirena que mueve los hilos de las marionetas hace un canto de los rostros del barrio que se asoman al umbral de sus puertas para sonreír a su lente; y de las niñas que palpitan en el corazón de la mujer madura. Por el mismo rumbo, otra sirena hace danzar entre nubes al hombre mayor, antes abandonado al temblor involuntario de sus músculos. En la Plaza de la Luz, se escucha un canto sonoro, vernáculo, que se pavonea con el colorido de su atuendo. No hay lugar en los alrededores que no haya sido escenario de sus vuelos, del hechizo de sus voces. Aún el más leve suspiro se desplaza lejos como el murmullo de la sirena que recorre en enjambres el mundo entero. Esta polifonía entrelaza lenguajes distintos. Miradas estéticas muy diversas que doblegan la materia con sus vibraciones sonoras, hasta hacerla repetir el eco de su canto. El acontecimiento 34 Marzo 2021 artístico, expuesto por igual en el muro del museo que en el del barrio, en el escenario o en la plaza, en el poema, el ensayo o la crónica, exhiben el imaginario de un territorio recorrido, mirado y sentido. La ciudad es así, una caja de resonancia, batir de alas, latir de corazones. Sirenas aladas de zapatos gastados y manos ocupadas, que saben dejar por momentos su quehacer poético para tejer con crochet y regalar un gorro, un café o una lectura al migrante, charlar con un anciano o guiar el pincel de un niño. Sirenas que por el aire se elevan al encuentro de sus hermanas. Nubes de mariposas que llevan en brazos a sus hijas y acompañan e impulsan el vuelo de sus discípulas para hacerlas ascender. En un gesto de sororidad, vocablo que se deriva del latín soror “hermana”, que significa amistad o afecto entre mujeres, y que no casualmente se pronuncia con un susurro, como secreto dicho al oído, suave y contundente, en este gesto, se les ve danzando juntas, tomadas de las manos, liberando pañuelos verdes, lanzando risas púrpuras, silbidos, gritos, exhalaciones. Realizando pintas y tatuando en su andar sonoro por las avenidas de la ciudad, los rostros de las desaparecidas. Sirenas co-creadoras de la imagen, se evocan mutuamente. Y ese evocar sucede en los dos sentidos del término, como llamado del espíritu y como memoria. Así, la escritura de las poetas borda el volado de los vestidos de la escultora; los bocetos de la dibujante, sus figuras pálidas y desnudas, se cosen a las crinolinas de la instalación. En otras representaciones, del capullo concebido por unas manos, surge la bailarina que con toda libertad consuma el performance; la lente de la fotógrafa, registra los rostros de voces potentes que sacuden los telones y cimbran los escenarios, y las reúne en una celebración inédita. En otro espacio, la misma tinta corre de la palabra al dibujo para dar forma a un mismo libro, bajo la mirada complacida de sus autoras; dos más, muy jóvenes, de pie y frente a frente, bordan un corazón una a la otra, en la túnica que las viste. La visión de quien las contempla se pierde en el mariposeo de sus manos, en ese salir y entrar de las agujas que parece que se hunden en sus pechos. Es este un vuelo cómplice en el que una y otra mudan los matices de sus voces y trastocan sus cuerpos. Vuelo rítmico, armónico, que dibuja figuras del viento, todas ellas portadoras de un sonido: ráfaga, torbellino, tornado, silbido. Un juego de transfiguraciones, hipnótico como el de los estorninos. Apropiaciones y metamorfosis del lenguaje. Un circular de la imagen que la vivifica. Hans Christian Andersen, en su versión de La Sirenita que no se cuenta a los niños, escribe que, al cumplir su ciclo de vida, el cuerpo de las sirenas se vuelve espuma para disolverse en el mar. Más en este vivir nuestro, ninguna sirena se desvanece, nadie falta: en esa evocación que llama al espíritu, se rescata de la espuma el canto de esos cuerpo-aire reclamados por las olas. Así, en este canto que se vuelve brisa, se eleva desde la banqueta, el lucero que coloreó con pedacitos de mosaicos el andar de los paseantes. Y aún con el nudo que ahoga la garganta, en la sonoridad de ese árbol a mitad de la lluvia4, las voces de las sirenas que pronuncian sus versos, se tornan presencia de esa ausencia luminosa, de esa luz dentro del agua del sueño, que vuelve a mover el aire con su deseo. CIVITA, V. (1973) MITOLOGÍA. DIVINIDADES MARINAS. NÚM. 3 ED. ABRIL. SAO PAULO. DIDI-HUBERMAN, G. (2018) GESTOS DE AIRE Y DE PIEDRA. SOBRE LA MATERIA DE LAS IMÁGENES. MÉXICO: CANTAMARES. 3 BACHELARD, G. (2006) EL AIRE Y LOS SUEÑOS. MÉXICO: FCE. 4 VILLARREAL, M. M. (2008) HERIDA LUMINOSA. MÉXICO: CONACULTA 1 2 Marzo 2021 35 �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2021 Número Número de la revista 5 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2021, No 5, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/03/2021 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020116 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Amparo Vázquez Comic Empaque Guión cinematrográfico influenceer Moda Mujeres creativas Sheila Madai Sonido Veronica Delgado https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20005/Croma_2021_No_6_Mayo.pdf 31faa77d353d135b80f1441dce608a0a PDF Text Text Arte. Diseño. Audiovisual Mayo 2021 Número 6 �Í N D I C E Créditos M.C. Rogelio Garza Rivera Rector QFB Emilia Vásquez Farías Secretaria Académica Dr. Celso José Garza Acuña Secretario de Extensión y Cultura Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú M.A. Abigail Eugenia Guzmán Flores Subdirectora de Posgrado Talento FAV 04 Arte nostálgico 08 Ilustración narrativa Docentes 10 Entre el aula y la galería Emprendedores 20 Eliana Bernal Enfoque 22 Estudio fotográfico en casa 24 Edgar Leal Artes 26 Pintura como un estado de meditación 28 Hula Hoop, algo completamente nuevo Eventos 30 41° Aniversario Facultad de Artes Visuales 34 FIC MONTERREY 2021 Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz Departamento de Investigación Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Estancia de producción Eliana Rocio Castañon Salas Thelma Sofia Cortés López Jeny Naftali Rodríguez Gutiérrez Amairani Sugey Fraga Guzmán Lizbeth Estrello Ortiz Nátali Ashanti Guerra Jiménez Alejandra Silva Santiago Giselle Abigail Reyes Martínez Portada y contraportada Mariana Socorro Aguirre Espinoza Ilustración 14 La ilustración en la industria musical 2 Mayo 2021 Mayo 2021 3 �T A L E N T O F A V ARTE NOSTALGICO Cindy Chaps nos contará en esta entrevista cómo inició su marca Creamy Pop además de cómo comenzó su pasión por la ilustración con ese toque nostálgico y kawaii que la caracteriza. mente me sentí vista. En el 2013 o 2014 ya no quería involucrar mi nombre así que pensé en otro más bonito, algo nostálgico y muy pastel porque los colores pastel han sido parte de la ilustración, pensé en Creamy y me gusto, pero si en Tumblr ponías esa palabra salían otras cosas, entonces pensé en Pop y terminó como Creamy Pop. Empecé haciendo fanarts, pero actualmente hago contenido original de mi marca. Foto: Cindy Chaps | Creamy Pop | Dreamer POR: THELMA CORTÉS G raduada de Diseño Gráfico por la Facultad de Artes Visuales de la UANL, Cindy Chaps es una mujer muy creativa que le gusta mucho explorar áreas creativas. Se considera una persona multidisciplinaria, pues actualmente se dedica a la ilustración con Creamy Pop y en su momento estuvo ejerciendo en el área de diseño gráfico, el branding y la identidad. Le gusta mucho la comunicación, es amante del arte y de los videojuegos. ¿Cómo comenzó tu pasión por la ilustración? Comenzó desde que era muy niña, mis papás me dieron muchas herramientas o mi propio espacio para desarrollarme, yo me acuerdo que en mi cuarto era un mundo súper desordenado, pero era un mundo de exploración, o sea, me encantaba dibujar mis propios cómics, incluso hubo un momento en el que me encantaba la moda y diseñaba, tenía libretas completas de diseños de moda, también escribía mis propios libros y me gustaba pintar en acuarela o acrílico, pero lo que más me llegó fue la ilustración digital. Cuando llevé la clase de ilustración me fascinó porque era muy distinto, a mí me gusta mucho lo geométrico, entonces aquí podías perfeccionar tus bocetos. El que me ayudó bastante fue mi ahora esposo Mario, porque él ya estudiaba diseño cuando nos conocimos fue mi mejor escuela, él me enseñó a ilustrar antes de que yo tuviera esa clase en FAV así que ya traía escuela previa para usar el Adobe Illustrator. ¿Cómo nació Creamy Pop? Estuvo extraño, primero fue Cindy Chapa y me hice una página en Tumblr hace muchos años, me gustaba ilustrar cosas nostálgicas de los noventa porque me recordaban mi infancia, mi mayor inspiración son las cosas que existían en los noventas, las caricaturas y los juguetes que tuve en mi infancia, ilustraba barbies, hacia Cabbage Patch, etc., y lo subía a mi Tumblr, después me emocionaba ver que al día siguiente tenía 100 notas (Las notas recopilan todos los reblogueos, «Me gusta» y respuestas que recibe una publicación), estuvo padre porque por primera vez real- 4 Mayo 2021 ¿Cómo fueron tus inicios en la producción y venta?h Primero empecé con stickers, luego fueron playeras, pero antes las hacía sublimadas y sí eran algo caras y no era nada rentable. Tenía mi torre de playeras e iba a las ferias a vender, después cambié a la serigrafia que en mi opinión es muchísimo mejor, más económico y de calidad, también hice pins de botón todo 100% original de Creamy Pop; pero siento que es momento de dar otro paso y hacer otra cosa diferente, no estancarse y seguir evolucionando entonces el siguiente paso es sacar prendas diferentes, más diseñadas, desde cero porque siempre me he inclinado más a la moda. ¿Qué retos ha enfrentado Creamy Pop? Bastantes, como lo mencione anteriormente yo antes hacía muchos fanarts, entonces un problema al que me enfrente fue al plagio. Hice una Cynthia de los Rugrats y llegó a muchos países desde China, Singapur, Chile, y hacían cosas a la venta con esa Cynthia desde calcetines, mochilas todo lo que pudieras imaginar y no solo fue eso, también otros fanarts que eran míos. No podía exigir o defenderme porque los personajes no me pertenecen, fue cansado y daba coraje recibir mensajes de personas que veían mis ilustraciones en otros lados, y dije: yo no quiero que otras personas tomen esas ilustraciones y yo no pueda hacer nada, por eso deje de hacer fanarts y empecé a hacer contenido 100% original, todos los personajes hasta la fecha yo los he creado. Pero hay que pensar que nunca va a hacer un camino limpio, siempre habrá piedras en el camino y hay que saber retirarlas. Es difícil, pero hay que aprender a disfrutar el viaje. ¿Cómo es tu proceso creativo? Primero veía referencias, entraba a Pinterest, pero me di cuenta de que en lugar de ayudarme me bloqueaba y era difícil despegarte de esa idea y querer hacerlo tuyo. Ahora mejor no veo nada, cierro los ojos y escucho música, empiezo a imaginar, luego hago bocetos, le voy dando forma y color, siempre lo preparo pensando que van a ser diseños impresos para separar colores y tener el archivo listo. Normalmente me baso en ani- Foto: Cindy Chaps | Creamy Pop | Pretty Triceratops Foto: Cindy Chaps | Creamy Pop | All Mine Mayo 2021 5 �T A L E N T O F A V malitos, de hecho, la última colección que saque fue como muy western y justamente fue porque andaba jugando un juego que era de vaqueros. Me gusta todo lo western desde que era pequeña y me parece interesante este crossover de este gusto por lo western y lo Kawaii. ¿Tienes alguna otra pasión? Los Videojuegos, soy muy gamer, me encantan desde que tengo memoria, ahorita tengo la fortuna de poder explotarlo en Twitch y de tener un ingreso, también entré al mundo de los tatuajes porque en Creamy siempre me pedían comisiones de mis diseños para tatuárselos, cuando me enseñaban sus tatuajes ya hechos no me gustaba como quedaba mi ilustración, entonces decidí aprender a tatuar mis diseños, digo no se si vaya a ser buena en esto, pero quiero intentarlo porque nunca me ha gustado quedarme con las ganas de nada. Empezando la pandemia compré la máquina, tintas, me puse a ver cursos, ya he tatuado a pocas personas, pero quiero un mentor para reforzar más esta técnica. ¿Cuál ha sido tu mayor logro con Creamy Pop? Mi mayor logro ha sido generar ventas en casi todos los continentes, ya he enviado a Europa, Asia, casi toda América, nada más me falta África, pero ya he enviado muchos paquetes internacionales y me da mucha satisfacción porque ya hay un pedacito de mí en estos países, desde Japón, Singapur, Rusia, Canadá, Estados Unidos, Argentina, Brasil, España etc. Foto: Cindy Chaps | Creamy Pop | Bunny Para terminar esta entrevista Cindy nos da un consejo para las personas que están comenzando a experimentar en el mundo de la ilustración: Mi mejor consejo es que hagan las cosas porque realmente les gusta, con AMOR, con PASIÓN y no dejen de hacerlo, que no les dé el bajón por los comentarios de que no se puede vivir de eso, CLARO QUE SE PUEDE VIVIR, hay muchos ejemplos vivos que yo puedo asegurar que si se puede y sobre todo no compararse con otros porque es muy común. Repostea tu arte las veces que sean necesarias para que llegue a la gente indicada. Otra cosa que nunca me voy a cansar de decir es colaboren, colaboren, hay que relacionarse con otros artistas, con influencers que son de ayuda, si yo no hubiera colaborado en mis inicios con otros ilustradores así chiquitos como yo, no hubiera sacado piezas padres, ni hubiera llegado lejos. Traten de conectarse con más personas y no tirar hate, ese es mi principal consejo COLABORAR” Cindy también tiene una cuenta de diseño que es Creamy Pop Studio en donde si una marca coincide con la esencia de Creamy Pop harán proyectos maravillosos de acuerdos a las necesidades del solicitante; ha trabajado con artistas independientes, marcas como Marzia Kjellberg, Chrissa Sparkles, Punky Pins, Latin Witch, Paraiso Kawaii, entre otras, te adjuntamos sus redes sociales para que veas sus ilustraciones y también su página donde puedes comprar. redes Sociales: _ INSTAGRAM @cindychaps @creamy_pop @creamypopstudio _ WEB www.creamypop.com _ TWITCH cindychaps 6 Mayo 2021 Mayo 2021 7 �T A L E N T O F A V ROBERTO PEÓN Roberto Peón estudiante de diseño gráfico nos contará cómo es posible crear historias a través del diseño O ILUSTRACION ROBERTO PEÓN 8 Mayo 2021 POR: ALEJANDRA SILVA riginario de San Nicolás de los Garza, Nuevo León, es un estudiante de 6to semestre en la Facultad de Artes Visuales en la carrera de Diseño Gráfico dedicado especialmente a la ilustración digital y narrativa gráfica. Su estilo toma elementos del cómic americano, hiperrealismo, la caricatura y las perspectivas isométricas, pero aún así le gusta experimentar con otros estilos. Su mayor fuente de inspiración dentro de la ilustración es Raúl Treviño, nacido en Monterrey, escritor e ilustrador de novelas gráficas y es en parte por él que eligió la carrera. Además de dicha persona, otra gran fuente de inspiración al momento de trabajar proviene de la música en general, ya que disfruta imaginar historias a través de ella. Desde niño siempre fue muy afín a las artes gráficas, le encantaba dibujar, esculpir con plastilina, ver animaciones en la televisión y fue cuando se hizo mayor, que decidió que la carrera de diseño era su mejor opción ya que le permitiría explotar eso que tanto le atraía desde pequeño. En el transcurso de la carrera descubrió que además de diseñar le gustaba crear experiencias e historias a través del diseño y encontrar empatía con las personas: “Hacer algo que conecte con las personas y pase de solamente gustarte a ti a gustarle a los demás, tanto por lo visual, por cómo se manejan las experiencias y la empatía”. De la carrera lo que más disfruta son sus compañeros, ya que considera que aprende mucho de ellos al igual que de sus maestros que son sus principales guías y fuentes de inspiración: “Son de los compañeros a quienes tienes a tu mismo nivel y llegas a aprender de muchas personas. El estudiar diseño puede ser no igual, pero si similar en muchas partes o hasta puedes lograr entenderlo por tu propia cuenta si te abocas a ello, pero es más bien el hecho de estar en FAV y la experiencia para conectar con las demás personas de tu generación lo que a fin de cuentas te enriquece”. En el 2019 ganó el concurso “Exprésate” en la categoría de ilustración digital, ese mismo año participó en la inauguración de “PLASMA” como expositor. Trabajo en la imagen de “Despega 2020” y en el desarrollo de identidad e imagen de la Dirección de Deportes, UANL. Recientemente estuvo trabajando con el maestro Meléndez de la Facultad de Artes Visuales en su muestra de cine “Linares Fantástico” en donde realizó la imagen de esta última edición hecha en casa. Roberto considera que una de las mayores experiencias que ha tenido es el hecho de poder colaborar en proyectos de distintos niveles tanto en lo personal como para otras personas o para un evento, ya que disfruta aprender a moldear su proceso y su estilo dependiendo de hacia quién va a dirigirse. El entender que no todo se trata de tu ESTILO también es EMPATIZAR CON LAS PERSONAS y encontrar qué es lo que quieren o que disfrutan ver” Roberto Peón Actualmente se encuentra trabajando en colaboración con sus compañeros en una historia con el diseño de personajes y guión, además de estar desarrollando otra por su cuenta. Por último Roberto nos motiva y aconseja a los estudiantes de la facultad lo siguiente: “Al final de cuentas a todos nos llega una oportunidad y si de verdad les gusta esto sean pacientes y estén más ahí por el amor a lo que hacen que por lo que quieren lograr. Los frutos vendrán más adelante, y lo digo como una persona que aún no le llegan esos frutos, pero entiendo que si estoy aquí es porque amo estar aquí y porque sé que algún día llegarán, por el momento es disfrutar el camino y ser paciente en que ya vendrá”. ILUSTRACION ROBERTO PEÓN NARRATIVA ILUSTRACION ROBERTO PEÓN ILUSTRACIÓN Mayo 2021 9 �Entre el aula y la galería D O C E N T E Te presentamos al maestro Carlos Alberto Rodríguez Torres, mejor conocido como Charly, un docente lleno de experiencias y anécdotas para contar, desde sus exposiciones más importantes hasta los proyectos más satisfactorios de su trayectoria POR: JENY RODRÍGUEZ ILUSTRACIÓN: CARLOS RODRÍGUEZ ¿Cuál fue su formación académica? Soy egresado de la Facultad de Artes Visuales, estudié la Licenciatura en Artes Visuales con acentuación en Diseño Gráfico, de un plan de estudios de los 90´s, en el cual teníamos materias de tronco común y tomábamos una especialidad, entonces teníamos esa posibilidad de hacer fotografía, artes plásticas, diseño, edición de video; después estudié una Maestría en Diseño con orientación creativa, esta también la cursé en la FAV, aparte estuve en otros cursos dirigidos a líneas de producción, entre otras cosas. 10 Mayo 2021 ¿A qué se dedica actualmente? Soy docente de la Facultad de Artes Visuales, desde el 2010, comencé con la materia de ilustración digital, es de un plan anterior donde se llamaba así, ya que existía también la ilustración análoga y según mi portafolio de trabajo me asignaron esa parte, así que la imparto desde esa fecha hasta hoy en día, también colaboro como administrativo en la FAV y hago proyectos freelance acomodándolo a mi tiempo libre, trato de hacer producción visual, esténcil, ilustración digital, modelado, haciendo diferentes tipos de aplicación de producción. ¿Cómo llegó a interesarle la Ilustración? Yo creo que siempre, yo me acuerdo que de niño me dejaba llevar por los libros con imágenes, recuerdo que con mi primo veía una enciclopedia de ese tiempo y solo veíamos las partes con fotos o dibujos, también coleccionábamos barajas de ese tiempo y siempre tuve la curiosidad de apreciar la ima- CARLOS RODRÍGUEZ - Docente gen, con mis libros de texto pasaba igual, soy de una generación que le tocó la segunda fase de Ilustradores de la Secretaría de Educación Pública, incluso me ha tocado conocerlos o llevar cursos con ellos. Me tocó ver cómics como todo niño mexicano como la Familia Burrón, Memín Pinguín, Capulinita, ya más joven veíamos novelas gráficas como Águila Solitaria, Kalimán; pero yo creo que por eso me interesó esa rama del diseño, ya de adulto me doy cuenta que siempre tuve la fascinación por la imagen en general. ¿Cómo fueron sus inicios en la Ilustración? ¿Fue fácil o difícil? Antes de entrar a la ilustración yo siempre dibujaba, no conocía ese término, para mí eran dibujos, bueno hay que tomar varios aspectos para que se pueda considerar como tal, pero siempre en la secundaria, preparatoria dibujaba cosas en el pizarrón, a mis compañeros, de hecho, en la facultad estaba entre poner atención y estar dibujando, de esta manera comencé a involucrarme. En lo profesional, antes era muy diferente a lo actual desde cómo publicar las obras, ya que, en la actualidad Mayo 2021 11 �D O C E N T E ¿Cuáles han sido sus proyectos más importantes? Así como los retos o satisfacciones con los que se ha enfrentado. Uno de ellos es el libro que ya mencioné, en otro hice un Jabba de Hut de Star Wars para una exposición que organiza un compañero de la Universidad, fue un proyecto importante, ya que mi trabajo de modelado se basa más en hacer máscaras, entonces hice una pieza diferente a lo que acostumbro a hacer y tuvo mucho impacto estuvo en la televisión, lo publicaron, estuvo la prensa, lo mencionó la Universidad, ya que muchos de la misma participan en la exposición, yo me ponía junto a la pieza como civil no como autor, para escuchar todos los comentarios y ver la reacción de la gente al ver la obra, esto es algo que siempre hago en mis exposiciones. Otro proyecto es una Revista llamada Presencia Universitaria, es de la preparatoria 8, en la cual yo realicé todas las ilustraciones, tanto de la portada como en interiores, participé en una edición de la Revista Lagarto, la portada fue mía y en el interior una galería de mi trabajo. Los retos que he tenido son más en cuestiones de producción artística, visual, modelado de esculturas, todos estos son retos que se convierten en satisfacciones para mí, porque yo sabía que podía ilustrar, dibujar, me introduje al modelado y también al tallado en madera y resulta que las piezas a mi estilo han quedado bien, me involucro con el grabado como técnica gráfica; creo que ser multidisciplinario en la producción visual y que según mi criterio y el de las personas que ven mi trabajo, me queda bien, entonces también es una satisfacción. De todas sus obras ¿qué considera que tienen en común y qué las hace únicas y diferentes? De mis piezas creo que algo que les da ese diferenciador es que tiene que ver con la temática que es muy mexicana, la cultura, tradiciones, costumbres, artesanías, el colorido lo saturo mucho y utilizo mucho el juego cromático, lo considero fundamental, ya que ayuda a transmitir más fácil los sentimientos o estados de ánimo, es importante hacer que todos los elementos se aprecien bien a la hora de jugar con ello, entonces es lo que hago y me fluyen esas ideas y hay gente que ve mi trabajo y me dice que es muy mexicano en todos los elementos recurrentes que utilizo dentro de la Ilustración. ILUSTRACIÓN: CARLOS RODRÍGUEZ ¿Cuál es su proceso creativo para Ilustrar? Depende mucho del tipo de proyecto que tengas, puede que necesites hacer un tipo de análisis para ver a quién va dirigido seguido de una serie de cuestiones, al final caigo en lo mismo de investigar, analizar, ver referencias de cosas similares y luego observo todos los elementos que se integrarán a la composición y ya comienzo a hacer la propuesta, después conceptualizo y comienzo con el boceto a mano posteriormente lo paso a digital, sigo teniendo esa vieja escuela que los maestros de ese tiempo nos mostraron. Para lograr un buen proceso tienes que comunicar bien la necesidad que hay en la Ilustración. Además de la ilustración ¿Qué otras áreas creativas le interesan? Me interesan las artes gráficas como el grabado, el modelado, con pasta para modelar, barro, que va dentro de mi producción, el esténcil me gusta mucho, he tomado cursos del mismo y creado buenas obras, me interesa también todo lo que respecta a la difusión cultural, como eventos culturales y artísticos, este es mi camino, lo que hago y las áreas en las que más fuerte me siento y lo que me interesa más. ¿Qué proyecto es el que más le ha gustado diseñar? Hay un libro que se llama Metodologías Cualitativas Aplicadas a la Investigación en las Ciencias Sociales, fue un proyecto que me invitó la Doctora Alma Elena Gutiérrez Leyton, es la Coordinadora de la Editorial T&R, a ella le gusta mucho mi trabajo y siempre me invita a colaborar con proyectos y consume mis productos, realicé la portada de dicho libro, ya había tenido varias portadas de revistas, pero esté era algo más grande, ya que diseñé la invitación a lo que es el libro, puedo decir que este proyecto es el que más me ha gustado trabajar, aparte de la satisfacción, lo presentaron en una feria del libro y que mucha gente que no conozco lo tiene, digo esto ya que los productos que yo manejo como tazas, playeras y todo eso yo sé quién lo tiene porque me lo piden y yo se los entrego. 12 Mayo 2021 Portada del libro Metodologías Cualitativas Aplicadas a la Investigación en las Ciencias Sociales POR: CARLOS RODRÍGUEZ ¿Para usted, qué es lo más difícil de ilustrar? Yo creo que lo más difícil es comunicar y lograr una buena composición, ya que ese es el primer aspecto que hay que considerar y hacerlo bien a través de una imagen independientemente de la técnica que utilices. POR: CARLOS RODRÍGUEZ las redes sociales son plataformas interesantes que ayudan a que conozcan tu trabajo y ya te buscan, pero antes investigábamos quién era el encargado de arte de la revista o llamar y buscar oportunidades de este tipo. También se me dió con mi grupo de amigos de ese tiempo y que aún tengo actualmente, buscar la manera de adaptar las ilustraciones de nuestra producción, si no había un espacio nosotros crearlo. Ya después la gente conoce tu trabajo y comienzan a pedir que trabajes con ellos. ¿Ha desarrollado proyectos en cuestión a estas otras áreas de su interés? He expuesto grabado en exposiciones de artes colectivas, nunca en alguna individual, también participé en 3 exposiciones de esténcil, la ilustración digital que he convertido en producto, estuve en un colectivo en el cual participamos en 9 exposiciones, se llamaba Muerterrey, lo formamos en el 2006 y esta ha sido la manera en la que he canalizado mi producción aparte de otras exposiciones, pero está fue en la que estuve más activo y que formaba parte del núcleo que lo empezó a formar. ¿Qué es lo que más le gusta de ser docente? Ser docente me ha dejado muchas satisfacciones, creo que dentro de ellas como todo maestro, compartir con los alumnos conforme a la materia que se imparte y ver como lo van magnificando, produciendo, lo van creando, generando y creciendo tanto como personas y como profesionista y eso me gusta bastante, ser un formador que después como satisfacción está ver cómo crece la gente con la que compartes todo esto en el aula; otra es formar parte de la universidad donde yo estudié, maestros con los que estuve y después tenerlos como compañeros, eso es una satisfacción, ser docente también me ha dejado el aprendizaje de involucrarme más con la producción artística, ya estoy con el especialista compartiendo todos los días, me involucro con cursos que hay y de ahí surgen nuevas ideas para participar en otras cuestiones, también me impulsa a crecer para ser un ejemplo y sirva de motivación para mis alumnos. ¿Qué consejo puede dar a quienes quieren seguir su ejemplo? Siempre apreciar dónde se puede aprovechar la ilustración, en qué plataforma, qué medios, ahorita ya se ha diversificado mucho hay muchas posibilidades de aplicarla y tienen que aprovecharlo; siempre tienen que saber canalizar su creatividad, yo por ejemplo lo hago por diferentes medios y no solo en el diseño, también siempre tienen que ser constantes y creer en en si mismo, tienen que tener humildad, ser sencillos, ser observadores, conocer lo más que se pueda de todos los aspectos de la vida, de todo el entorno, social, cultural, eso cuenta mucho para la producción. Mayo 2021 13 �I L U S S E T C R C A I Ó C N I Ó N LA ILUSTRACIÓN EN LA INDUSTRIA MUSICAL R Hablamos con Ribs sobre sus inicios, su lapso creativo y la relación del diseño con la música POR: ELIANA CASTAÑON Ilustraciones de Ribs (Raúl Amador) redes Sociales: _ FACEBOOK @Ribs _ INSTAGRAM @helloribs _ TWITCH HelloRibs aúl Amador mejor conocido como Ribs, es un ilustrador egresado de la Facultad de Artes Visuales de la UANL en la carrera de Diseño Gráfico. Su trabajo se enfoca en la ilustración, el branding y en el desarrollo creativo de ideas, habiendo participado en la creación de diversas portadas para singles de música de varias bandas. Para comenzar me gustaría que nos hablaras de tus inicios en la ilustración ¿cómo fueron? Pues a mí me gustaba dibujar desde muy chico, como que siempre estuve interesado en esa área, pero todo inició cuando yo estaba en la prepa porque seguía a varios artistas y me gustaba mucho esta idealización de cómo vivían del arte, ya sea pintando murales o de esta parte diseñando para marca de ropa etc., y ahí fue cuando decidí estudiar diseño para cumplir mi objetivo de dedicarme a la ilustración. ¿Cuáles son tus referentes? ¿Tienes a algún artista o ilustrador que admires? Sí, varios artistas mexicanos como Raul Urias, Sergio Navajas, e internacionales como James Jean, que de cierto modo me inspiran a lograr algo como ellos. 14 Mayo 2021 Cartel promocional para la banda Nosotros los olvidados Mayo 2021 15 �I L U S T R A C I Ó N Portada de álbum y singles para Rollo California Dentro de tu lapso creativo ¿cuál es tu proceso de trabajo? ¿qué técnicas utilizas? Cuando son proyectos para algún cliente suelo tener una metodología, más que nada para que el cliente, en este caso se sienta tranquilo, que vea que se está trabajando en el proyecto seriamente. Esta metodología consta de varias etapas, primero me enfoco en el bocetaje en papel, esto me sirve para sacar ideas, luego pasamos a donde el cliente elige una propuesta, ahí seleccionamos colores y estilo para poder empezar con el proceso en digital, hasta que entre los dos llegamos a un resultado final. En proyectos personales por lo regular me gusta mucho experimentar, agarro algún material que no suelo usar normalmente, también busco referencias de estilo y empiezo a jugar con todo eso para crear algo fuera de mi zona. 16 Mayo 2021 ¿Cómo has llegado a ese estilo en sus ilustraciones? No me gusta estancarme en un sólo estilo, pero podría decir que, sí tengo varias técnicas que me gusta mucho usar, por ejemplo, el ruido para darle textura, también suelo usar mucho el recurso psicodélico con los patrones y líneas que se ven, como esta textura como si fueran líquido, y hablando de elementos gráficos suelo usar mucho la astronomía o de igual manera toda esta simbología que se usa en el mundo del ocultismo. También depende mucho de la idea que traiga en ese momento, intento imaginarme las cosas y tratar de imprimir la imagen que tengo en mi cabeza, prefiero explorar mi mente y crear las imágenes que se me ocurren sin limitarme en la anatomía o tipo de trazos y colores, más bien, conceptualizo la idea. Portada de álbum y singles para Primavera Club En tu trabajo has diseñado las portadas para singles de música, ¿Cómo sucede esta relación del significado entre esa imagen y la música? Usualmente cuando es para alguna banda o algún álbum primero pido que me pasen la música para darme una idea del estilo que traen, para adaptar la imagen un poquito al sonido a partir de escuchar su música y también de hacerles preguntas para ir creando un brief de diseño. Después de darme una idea de saber qué camino tomar, reúno referencias que se me vienen a la cabeza y empiezo a armar un moodboard, obviamente lo voy revisando con la banda para ver si están de acuerdo o si les gusta, a partir de ahí pues empiezo con la metodología que anteriormente había mencionado, pero en conclusión en proyectos así, para mí si influye mucho la música para empezar a ilustrar. Bajo tu experiencia, ¿Cómo ves el diseño gráfico en la industria musical? Es importante sobre todo porque ya se está industrializando bastante, ya que en la actualidad los músicos suelen sacar más sencillos que álbumes y está ganando esta cultura de producir más rápido y claro que el diseño pues es muy importante en la industria musical porque ayuda a definir la imagen que acompaña al artista, no solo con su música, sino también darle un estilo que puedas identificar visualmente. Mayo 2021 17 �I L U S T R A C I Ó N 1) 1) Sin título Prismacolor - 21 x 29.5cm 2) Vergüenza Acrílico - 23 x 23cm 3) Ardido Acrílico - 23 x 23cm 2) 3) Desde tu perspectiva ¿cómo ves el mundo de la ilustración actual? Muy interesante, porque ahora hay muchas más puertas que antes para cualquier rama de la ilustración, en la que te quieras enfocar, creo que es un buen momento para decidir ser un ilustrador, además porque las herramientas ya permiten hacer muchas cosas, no tienes que limitarte sólo a ilustrar, puedes pasarte al modelado 3D, a la animación, o videojuegos, etc., ya que todo requiere ilustración en cierto modo y se transforma en un conjunto de habilidades que no se limitan solo a dibujar y colorear, sino aprovechar estas herramientas para crear varios proyectos en distintas áreas. Por último, ¿qué consejo le darías a las personas que se quieren dedicar a la Ilustración? Yo creo que los clásicos, si te gusta no tengas miedo a lo que pueda pasar, no tengas este miedo de no conseguir trabajo, porqué si realmente te gusta y te esfuerzas obviamente vas a conseguirlo. También estar consiente de que se tiene que practicar, investigar, leer y aprender anatomía para tener perspectiva, en sí aprender un poquito de todo, pero sobre todo dibujar conscientemente porque muchas veces sólo lo hacemos por inercia sin estar concentrados en lo que estamos haciendo y yo recomendaría mucho, porque es algo que yo he aprendido y que me costó trabajo entender, es el estar bien concentrado y saber cuál es la próxima línea que vas a trazar porque a fin de cuentas es lo que te va a ayudar a mejorar, también el experimentar porque es la parte divertida, cuando te enfrentas a la hoja en blanco y tienes que resolver problemas visuales. 18 Mayo 2021 Ilustración para Faraón - Single Oumen ¿En qué estás trabajando actualmente? En una portada para una banda que apenas acaba de sacar su primer EP, también en proyectos personales en pintura haciendo varias experimentaciones, para recaudar material y ver si después se da hacer una exposición. Mayo 2021 19 �E M P R E N D I M I E N T O Encuentra sus productos en: _ INSTAGRAM @wondergirl_club _ En la concept store moshi moshi monterrey Ubicada en Barrio Antiguo. También hace envíos a toda la República Mexicana Fotos por: WONDER GIRL CLUB Estudiante de diseño gráfico, técnica de uñas y emprendedora POR: LIZBETH ESTRELLO. C on tan sólo 20 años, Eliana Bernal vio la oportunidad de crear su propia marca, la cual nace por su pasión por el nail art. Antes de hablar sobre su emprendimiento, quisiéramos contarte un poco sobre la creadora de Wonder Girl Club, una marca que se enfoca en la venta de uñas press on. Eliana es estudiante de Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales, su gusto por esta área empezó a los 12 años cuando una amiga de la familia, quien era fotógrafa, iba a entrar a la carrera de diseño gráfico. Cabe resaltar que en ese tiempo ella quería ser fotógrafa, por lo tanto le interesó la misma carrera, con el tiempo fue investigando más acerca de esta área y nos comenta que fue la única profesión que le llamaba la atención. Actualmente las áreas que más le interesan son: el diseño de identidad y el diseño de empaque. Su interés por el nail art lo ha tenido toda la vida, nos contó que tendía a morder sus uñas y que esto le generó una inseguridad en sus manos, pues sus uñas eran muy pequeñas, así que comenzó a pintarlas y a ver videos de cómo hacer diseños. Poco a poco empezó a adentrarse en este mundo del nail art, de hecho, fue hace 2 años que tomó la decisión de inscribirse a un curso para mejorar sus habilidades. 20 Mayo 2021 Meses antes del inicio de la cuarentena ella se encontraba trabajando en un salón de uñas, el cual tuvo que cerrar por la pandemia, al no tener un lugar en donde pudiera laborar decide aprovechar esta oportunidad para iniciar su proyecto. Wonder Girl Club inició en cuarentena tras no encontrar una oportunidad laboral. Ella nunca imaginó que tendría su propia marca y nos dice que se siente muy feliz y sorprendida de lo que ha logrado con ella. Eliana siempre toma en cuenta lo que piden sus clientas, les pregunta lo que están buscando y en ocasiones son ellas quienes mandan una foto de lo que quieren. Cuando le dan libertad creativa siempre busca inspiración, incluso trata de estar al día con las nuevas tendencias que van surgiendo, una vez terminada su búsqueda comienza a hacer un moodboard o un boceto para usar como guía y le ayude a plasmar sus ideas en las uñas. Su búsqueda de inspiración siempre lo hace en plataformas como Instagram y Pinterest, ella sigue diversas cuentas de nail artist, dentro de sus favoritas están @latinwitch, una nail artist mexicana originaria de CDMX y @nail_unistella, una nail artist coreana que ha trabajado con varias artistas de grupos k-pop. Ella quiere seguir con su marca una vez que se gradúe, así como laborar como freelancer en el diseño. Sus planes para Wonder Girl Club son hacer una minicolección para celebrar el aniversario de la marca, el cual será en junio de este año. Además, planea tomar un curso con una nail artist famosa para poder seguir creciendo su marca, otro de sus planes a futuro sería tener su propio nail bar. Boceto en papel para colección de uñas. Acabado final de uñas. Mayo 2021 21 �E N F O Q U E ESTUDIO FOTOGRAFICO Iluminación: 1.- Luces de colores: Puedes apoyarte de papel celofán de colores y colocarlo frente a la fuente de luz para conseguir una luz roja o de algún otro color. 2.- Sombras: Lo importante de este elemento es la manera en que juegues, pues podrían servirte como estética o como parte de tu narrativa. Toma algún objeto, puede ser un colador o un vaso de cristal con agua y ponlo delante de la fuente de luz para que las sombras se reflejen sobre tu set. EN CASA ¿Muchas ganas de tomar fotografías, pero con poco presupuesto? Sigue leyendo que te daremos algunos consejos. S POR: SUGEY GUZMÁN abemos que la pandemia nos obligó a estar encerrados y a ingeniárnosla para crear espacios en nuestra casa que normalmente no tendríamos, sin embargo, para nosotros los fotógrafos que vamos iniciando y que contamos con poco presupuesto, pero con muchas ganas de trabajar, es común necesitar un estudio fotográfico casero, por lo que te daremos algunos tips que te ayudarán a conseguirlo. Primero que nada, deberás conseguir un espacio amplio de preferencia a lado de una ventana por donde entre la luz, una cámara réflex o tu celular y mucho ingenio. Creación de tu set: Te presentaremos algunas alternativas para tener tu fondo. 1.- Tela: Una tela o sábana te ayudarán mucho para conseguir un fondo con el que se pueda interactuar al igual que le dará un poco de dinámismo a tus fotografías. Y con unos cuantos metros más cubrirán el piso, con eso conseguirás un efecto de fotografías de estudio completas. 2.- Papel Cartulina: El papel cartulina te ayudará a tener un fondo completamente liso sin embargo funcionará más para planos cortos. 3.- Periódico: El revestir el espacio entero con periódico podría dar un resultado muy divertido. 4.- Tu pared: Esta siempre será la alternativa más fácil y de bajo costo, que con algo de imaginación podrás FUENTE: @KASEY . JO . GERST conseguir diferentes photoshoots. 5.- Elementos: No hay nada mejor que incorporar elementos a nuestro set pues lo hará lucir diferente, y un ejemplo son macetas y plantas altas con las que tu modelo pueda interactuar. FUENTE: @GASCAPHOTO Friendly reminder Recuerda que la diversión va bien acompañada de esta actividad. El tener una actitud positiva te ayudará a que tus fotografías tengan el mejor resultado de todos. FUENTE: TIM RISE FUENTE:TIM Nada es tan difícil RISE como lo pensamos es más sencillo de lo que parece. Siempre disfruta todo procedimiento. Deja fluir tu lado más creativo y comienza a sentirlo 22 Mayo 201 FUENTE: @MARYSOLORZANO ¿Qué te parecieron nuestros tips? Esperamos que te ayuden a tener sesiones nuevas y diferentes para que de ahora en adelante el espacio no sea un impedimento para crear fabulosas fotografías. Como ya te mencionamos el ingenio y creatividad para trabajar con estos consejos depende de ti. Mayo 2021 23 �E N F O Q U E EDGAR Galerista y gestor cultural abre su nueva galería para dar a conocer el arte local POR: ELIANA CASTAÑON E LEAL dgar Leal propietario de una nueva galería situada en Barrio Antiguo, posee una nutrida trayectoria profesional en el mundo del arte, también se desempeñó por un tiempo como profesor de la Facultad de Artes Visuales de la UANL y en algunas otras universidades, ahora arranca y nos presenta este nuevo proyecto llamado “Edgar Leal Galería”. Leal menciona que el proyecto de abrir una galería de arte le surge desde una preocupación muy profunda, respecto a la producción, distribución y consumo de arte local en Monterrey, ya que es una ciudad con millones de habitantes, con mucha industria pero con muy pocos Artistas y pensadores sobresalientes. Por esta razón se vio en la necesidad de abrir un espacio en el cual se recibiera o exhibiera la obra de artistas que no tienen la oportunidad de ser galardonados con los apoyos de las instituciones culturales en México. También como curador se requiere un conocimiento profundo, para ayudar al artista a realizar una exposición, ya que debe de decir algo y para decir algo debe desarrollar una narrativa, y tener una especie de diálogo, para apoyar en el desarrollo de un gesto expresivo. Del mismo modo ayuda saber profundamente sobre la historia y estilos artísticos, pues el arte es un lenguaje que se desarrolla a sí mismo y metafóricamente, es como si cada pieza de arte que existe, agregara un poquito al universo lingüístico. Por otro lado, nos cuenta lo necesario para poder gestionar una galería. Pues primordialmente requieres capital y un espacio, ya sea que lo rentes o seas propietario de uno, y cumplir una serie de reglas, demográficas y de montaje, pues un espacio cultural no puede ser solo una casa, por ejemplo, tienes que saber cómo colocar las luces, a qué altura poner las piezas, con que separación. Para ir ajustando la línea narrativa dentro de la exposición para el disfrute de la obra. El consejo que les da principalmente a los jóvenes que quisieran abrir una galería de arte es: “Visiten una galería para que aprendan desde las reglas de montaje, hata el funcionar de una galería, ya que no es una cosa sencilla, y sobre todo entre más experiencia obtengan más dominio tendrán sobre el tema, también interactúen con el galerista y los expositores, en conclusión en el espacio, busquen aprender, ya que el compromiso que exige el ejercicio de las artes es inaudible”. Para concluir mencionó que próximamente en la galería también estarán disponibles varios cursos y talleres, en varias áreas que serán anunciadas en su página de facebook. redes Sociales: _ FACEBOOK Edgar Leal Edgar Leal Fundador de Edgar Leal Galería. Edgar Leal y colegas Visita a Edgar Leal Galería. 24 Mayo 2021 Edgar Leal y alumnos Primera sesión de dibujo vivo y resultados. Con este objetivo en claro, menciona que su galería está abierta a varios artistas y que como curador y crítico el oficio le exige conocer a más artistas de su localidad. En su proceso de búsqueda, una vez ubicado al artista comienza a penetrar y buscar un lazo, que no necesariamente es de amistad, sino de oficio y menciona que en sí su labor es ir entrando a la obra que se está desarrollando. “En sí los lineamientos que busco dentro de mi labor de curador y crítico consiste en el caminar a la par de los artistas. Y esto es una responsabilidad increíble pues presentar una obra de arte es como presentarse desnudo y sabemos que esto no es fácil, pues el arte es algo que pertenece a un contexto determinado, a un tiempo, lugar, pero al mismo tiempo es atípico y global, es decir, una pieza de arte se entiende aquí y en cualquier lugar del mundo”. Mayo 2021 25 �A R T E Pintura como un estado de meditación Lorena también nos comparte una de sus experiencias como artista: “A veces como artistas exploramos construir un mensaje representando la naturaleza del cuerpo humano tal cual es y exhibirlo, esto para algunas personas aún les es incómodo que cuando entran al estudio y ven la obra de una mujer con su pecho expuesto hagan algún comentario “chistoso” o de plano ignorarlo, esto podría ser un pudor general al cuerpo tanto de hombre como de mujer al desnudo, pero específicamente discriminación a la mujer seriá en redes sociales como Instagram o TikTok ya que en ambas me han eliminado publicaciones de fotografías de mis cuadros o dibujos donde sólo si subo el pecho de la mujer al desnudo lo cancelan pero el pecho de un hombre no”. Conoce el arte de LoGa “Cuarentena” Por: Nátali Guerra L orena Janeth García Enriquez mejor conocida como “LoGa” es una artista regiomontana de 28 años la cual comenzó en el mundo del arte desde muy pequeña, “creo que el arte siempre ha sido mi mundo”. Empezó dibujando sus caricaturas favoritas y montañas que veía. Formalmente asistió a clases a sus 10 años. Lorena es egresada de la Facultad de Arquitectura de la UANL, estudió Diseño Industrial. Eligió esta carrera al saber que en ella se hacían millones de dibujos y ahí decidió que ese era su camino después de que sus padres no la dejaran estudiar Artes Visuales. Comenzó vendiendo cuadros pequeños a sus ex-compañeros de trabajo y amigos, después dió clases de pintura desde la cochera de su casa. En ese momento sus papás se dieron cuenta que lo de la “artisteada” iba en serio y desde ese entonces comenzaron a apoyarla y dándole ideas para la creación de su estudio. “Actualmente siento que no hay algo característico de mis obras ya que me encuentro en una constante búsqueda de experimentación de materiales y estilos para poder llegar a eso que las caracterice” nos menciona LoGa sobre su arte. Lo que la inspira es la exploración del inconsciente humano, siente una gran atracción hacia la investigación sobre el comportamiento de los humanos, relacionados en temas como la psicología, la filosofía y la historia del por qué actua- “Estigma de oficio” mos como lo hacemos y cómo realizamos Óleo en bastidor Por: LoGa acciones inconscientemente. 26 Mayo 2021 Acuarela Por: LoGa. redes Sociales: Lorena nos comparte que ella compara la pintura como un estado de meditación, debido a la concentración que está le brinda y cada que está en el estudio ella pierde la noción del tiempo, solo existe el presente de la obra en ese momento. La obra más difícil que ha hecho Lorena se llama “Futuro”, esta es un retrato y mide 30x30cm, la cual le tomó alrededor de 3 meses terminar debido a que quería llegar a una representación realista de la persona y lo hizo utilizando la técnica de veladuras, un método al que ella no estaba acostumbrada. Este método consiste en ir aplicando capas de pintura muy delgadas de poco en poco. _ INSTAGRAM @loga.art Pienso que la distribución de arte en México está bien pero en zonas fuera del centro del país o zonas de turismo, FALTA MÁS DIFUSIÓN de las artes y más en estados más industrializados como lo es Monterrey donde se vive muy acelerado” Lorena García “Inconsciente, seres, análisis de las transacciones, etc.” Óleo Por: LoGa El camino de cada artista para encontrarse a sí mismo es distinto. Para Lorena fue difícil debido a que en el mundo del arte nadie te dice qué hacer ni cómo lo tienes que hacer, nos menciona que existen las bases de lo que es la técnica artística pero cuando estás en el camino de artista te ves obligado a representar de tu propia manera lo que pasa a tu alrededor y a veces tienes que llegar a desaprender lo aprendido para crear tu propio concepto. “Futuro” Por: LoGa Mayo 2021 27 �A R T E Hula Hoop, algo completamente nuevo La danza está ligada a una idea muy particular del cuerpo. Al pensar en sus manifestaciones acuden, inevitablemente, a movimientos que pueden resultar raros, degradados, exóticos y/o irreconocibles Por: Abigail Reyes L a danza pretende cambiar la mirada sobre las infinitas posibilidades que ofrece el trabajo conjunto con cuerpos diversos y otra manera de pensar, hacer y sentir la danza. Hacer un aporte a la danza del nuevo milenio, elevar el sentido de lo humano, recrear nuevos vuelos y desde el arte, dar forma a la propia vida. La danza o el baile es un arte donde se utiliza el movimiento del cuerpo usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento, artístico o religioso. Es el movimiento en el espacio que se realiza con una parte o todo el cuerpo del ejecutante, con cierto compás o ritmo como expresión de sentimientos individuales, o de símbolos de la cultura y la sociedad. En este sentido, la danza también es una forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus movimientos y gestos. En esta ocasión, conocimos a Yuritzy Saucedo, mejor conocida como Yuyi hoop. Ella practica la danza de hula hoop. Esta se trata de bailar y jugar con un aro de hula hula haciendo trucos, bailables, etc. Este mismo aro lo puedes pasar por tu pecho, lo puedes mover de lado a lado, hacer visuales, girarlo en todas partes de tu cuerpo, aventarlo, hacer que pase de un lado a otro con algunos movimientos y divertirse mucho. Yuyi nos comenta que además de ser un buen ejercicio, tiene múltiples beneficios físicos y mentales. Por ejemplo, fomenta las relaciones sociales, alivia el estrés y la ansiedad, ayuda a tener mejor memoria, fortalece nuestro cuerpo, desarrolla la confianza en uno mismo, etc. Hablando un poco más con Yuyi nos dice que dentro del hula hoop hay muchas disciplinas como hula yoga, hula meditación, hula zumba, hula fitness, hula contact, hula poi hoop y un montón más. En sí, la danza con el aro puede parecer muy difícil pero no lo es. Solamente es cuestión de que te sueltes, de que pierdas el miedo y practiques de la mano de la paciencia y constancia. POR: YURITZY SAUCEDO 28 Mayo 2021 En mi experiencia lo mejor que les puedo compartir es que nunca digan que no pueden hacer las cosas (…) No te compares con nadie, no te presiones por ser mejor que nadie, cada quien florece de diferentes maneras y eso es lo más hermoso que podemos apreciar en la vida” Yuritzy Saucedo redes Sociales: _ INSTAGRAM @ yuyihoop POR: YURITZY SAUCEDO Mayo 2021 29 �E V E N T O S 41° Aniversario FACULTAD DE ARTES VISUALES Con más de 4 décadas posicionada como un referente a nivel regional y nacional POR: ALEJANDRA SILVA. L a Facultad de Artes Visuales como la vemos hoy en día es el resultado de una bella evolución que comenzó en el año de 1943 cuando Ignacio Martínez Rendón compartió su creatividad y talento con algunos alumnos ofreciéndoles cursos de dibujo y pintura clásica. En abril de 1980 el Honorable Consejo Universitario aprueba el primer plan de estudios de la recientemente creada Escuela de Artes Visuales; establece los grados académicos de Técnico en Artes Visuales y Técnico Superior dando origen a lo que hoy es nuestra querida facultad. En 1982 se reubica la Escuela de Artes Visuales para instalarse en la Unidad Mederos de la Universidad Autónoma de Nuevo León, donde actualmente se localiza. El primer director de la Escuela el Arq. Armando Flores, asume el compromiso de modernizar la carrera ya que existía en el contexto local la realidad de un mercado de la cultura de la imagen que demandaba el trabajo de creativos y estaba por otro lado el artista plástico que por entonces era también diseñador gráfico, publicista, creador de periódicos etc. Ante esta circunstancia, la aparición de una licenciatura en artes en el panorama de la educación universitaria ofrecía la oportunidad de especializar las inquietudes artísticas y hacer frente a las demandas de áreas valiosamente remuneradas y que responden a un mercado en crecimiento. 30 Mayo 2021 Con una población de 150 estudiantes y una planta de 20 maestros, en 1983 la escuela se transforma en Facultad de Artes Visuales. Desde el principio se establecen cinco campos de acción profesional: la producción, la difusión, la crítica, la docencia y la investigación en las artes visuales. En 1988 se hace una revisión curricular que reduce el programa de estudios a tres especializaciones: Artes Plásticas, Camarográficas y Gráficas. La carrera se propone incorporar adecuaciones y modificaciones que a su vez no alteren el sentido original de la formación artística; durante los años ochenta y a lo largo de los noventa, la Facultad de Artes Visuales tiene una amplia difusión e interés social, ya que la masificación de las nuevas tecnologías de multimedia, atraen a una inquieta y creativa población estudiantil. Durante los años de 1998-2000 el programa de estudios es revisado nuevamente y se llega a la conclusión de que las tres especialidades representan campos y prácticas profesionales diferentes, aunque históricamente comparten un origen común. De este modo, en el año de 2001 se establecen las carreras de Licenciado en Artes Visuales, Licenciado en Diseño Gráfico y Licenciado en Lenguajes Audiovisuales. Los objetivos de la división de las carreras son la especialización del conocimiento, la vinculación de los programas de estudios con las actividades profesionales de nuestro contexto y la oportunidad de flexibilizar una parte de la currícula para ofrecer a los estudiantes tanto la posibilidad de que se desarrollen según sus intereses, como la de permitir el mayor número posible de vasos comunicantes entre las tres licenciaturas. Al día de hoy se cuenta con 3 licenciaturas reconocidas y acreditadas por su calidad académica, estudios de posgrado a nivel maestría, aproximadamente 2500 estudiantes atendidos por más de 100 catedráticos y un gran equipo administrativo. En estos 41 años la Facultad ha tenido 6 directores y 3 directoras, es así que con 4 décadas, pero con más de 70 años de historia la han posicionado como un referente a nivel regional y nacional en el área de Artes Visuales, Diseño Gráfico y Lenguaje y Producción Audiovisual. A pesar de toda la contingencia sanitaria vivida a nivel mundial en el último año, no se dejó pasar esta fecha tan importante y es así que el 26 de abril en el marco de los festejos de aniversario se inaugura la “Galería de Directivos FAV”, espacio dedicado a honrar el trabajo de los que han entregado su tiempo y amor para forjar las bases de lo que hoy nos hace ser lo que somos y que han dejado una huella imborrable en la historia de nuestra escuela. Somos una Facultad fuerte, unida, que se transforma cada día, haciendo uso de la tecnología y convirtiendo cada reto que se presenta en una oportunidad de crecimiento, con la finalidad de trascender en nuestro entorno” Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora Francisco Quezada, artista y maestro jubilado de nuestra Facultad, nos honra con su enorme talento al brindarnos estas maravillosas piezas de nuestros exdirectores y exdirectoras. Le agradecemos al Arq. Armando Vicente Flores Salazar, al Lic. Salvador Alburto Morales, al Arq. Roberto Guerrero Lozano, al Arq. Mario Armendariz, a la Arq. Abigail Eugenia Guzmán Flores, a la M.C. Hilda Margarita Gutiérrez Ríos, al Dr. Mario Alberto Méndez Ramírez y al M.A. Juan Francisco García Hernández por entregar parte de su vida al fortalecimiento de la educación de las artes ya que cada uno dio lo mejor de sí para engrandecer a la facultad y siempre serán recordados. El maestro Francisco Quezada Ponce encargado de este proyecto inicio sus estudios en el año 1984 en la Facultad de Artes Visuales. Comenzó como docente alrededor de 1988 saliendo de la licenciatura en Diseño Gráfico, el Lic. Salvador Alburto quien era el director en ese entonces lo contactó para invitarlo a formar parte del equipo de docentes de la facultad. Se capacitó como docente a nivel técnico durante 3 años y posteriormente a impartir clases a nivel licenciatura, 30 años después decidió jubilarse en el 2018 y momentos previos a esto fue que visualizo este proyecto: “Este proyecto nace a raíz del amor y el cariño que le tengo a la facultad desde que entré como estudiante y posteriormente como maestro. A 2 o 3 años de jubilarme una tarde se me ocurrió dejarle algo a la escuela, un poquito de lo mucho que me han dado, que signifique y que tenga un valor histórico.” La idea de una galería fue propuesta por escrito primeramente en 2016 al M.A. Juan Francisco García Hernández quien en ese entonces era el director de la facultad. Una vez aprobado, el maestro Quezada se tomó la tarea de contactar y entablar una conversación con los directores y directoras para platicar con cada uno de ellos, plantearles el proyecto y pedir su participación, así como su apoyo para tener acceso a fotografías. Mayo 2021 31 �E V E N T O S La fase más difícil fue hacer el archivo de fotografías debido a las diligencias tanto de los ex-directivos como del maestro que en ese entonces aún se encontraba laborando como docente de la facultad. Fue un proceso tardado, pero una vez que eran recolectadas, tenían que ser seleccionadas para poder obtener las que estuvieran en las condiciones necesarias para ser dibujadas, puesto que tenían que cumplir ciertos requisitos como lo son una buena iluminación, composición y elementos que le ayudaran para efectos de definición de forma, contraste y volumen. Todo esto para obtener un buen registro de sus rasgos y poder captar todas sus facciones. A partir del 2018 se entregó de lleno a este proyecto y posteriormente debido al cambio de director se volvería a plantear la propuesta a la directora Verónica Lizett Delgado Cantú quien en el 2019 le daría luz verde para darle continuidad y poder sacarlo adelante: “Para mí fue una experiencia maravillosa el conocer a este grupo de maestros, disfruté mucho el proceso, fue muy lento, pero me hizo muy feliz” Los retratos son una obra a lápiz de grafito sobre papel fabriano en medidas de 40 x 50 cm ubicados en el Edificio B de la Facultad donde se exhibieron de manera virtual el 26 de abril. Es así como a partir de la inauguración de esta galería damos inicio a las festividades del 41 Aniversario de la Facultad donde posteriormente se realizaron los talleres de “Fotografía de Producción” impartido por Leyda Betanzo quien cuenta con estudios en Fotografía de Moda, Dirección de Arte y Styling y actualmente es docente en fotografía y post-producción. “Lettering” por Diego Castañeda con temas que prestan atención principalmente a los detalles que conforman una buena composición, armonía y personalidad a las letras. Y finalmente “Gráfica Experimental” por Berenice Torres en donde muestra la importancia del dibujo en los distintos procesos para realizar un grabado o una obra gráfica. De igual forma celebramos este aniversario con algunas actividades, como el estreno del podcast Nuestra FAV, preparado para estos días, a través del canal de Youtube de la Sociedad de Alumnos - Facultad de Artes Visuales donde se tocaron temas como el intercambio, la evolución de la facultad a través de estos 41 años, entre otros. También se realizó el “Ciclo de Charlas de Ex-alumnos” por Mario Barragán y Mildreth González. Y la presentación de la nueva imagen del tucán de FAV realizada en colaboración y con la valiosa ayuda del M.A. Julio Méndez en idea creativa. Es así como se dio fin a una semana de festejos y agradecemos a los maestros, alumnos y personal administrativo por un año más de desarrollo exitoso y de aportar arte y cultura a la comunidad. 32 Mayo 2021 inauguración de galería Retratos Arq. Armando V. Flores Salazar Jun-1980/Jun-1986 Lic. Salvador Aburto Morales Jun-1986/Jun-1992 Arq. Roberto Guerrero Lozano Jun-1992/Jun-1995 Arq. Mario A. Armendariz Velázquez Jun-1995/Jun-1998 Arq. Abigail Eugenia Guzmán Flores Jun-1998/Jun-2004 M.C. Hilda Margarita Gutiérrez Ríos Jun-2004/Jun-2010 Dr. Mario Alberto Méndez Ramírez Jun-2010/Jun-2016 M.A. Juan Francisco García Hernández Jun-2016/Jun-2019 directivos FAV Mayo 2021 33 �E V E N T O S El Festival Internacional de Cine de Monterrey es un evento cultural que se ha consolidado como uno de los más importantes del país C omo cada año el Festival de Cine de Monterrey (FIC Monterrey) lanzó su convocatoria abierta para recepción de películas, con la que se hará una selección para mostrarlas en la programación oficial de esta edición del festival que se realizará del 19 al 26 de agosto en la ciudad. Los cineastas interesados podrán inscribir sus películas en alguna de las secciones que tienen disponibles en el FIC Monterrey. Estas son Internacional, de cualquier nacionalidad excepto México, con largometrajes o cortometrajes de ficción, documental y animación. La segunda sección es Mexicano, donde se considerarán sólo películas con financiamiento del país, los interesados podrán inscribir también largometrajes o cortometrajes de ficción, documental y animación. 34 Mayo 2021 En la tercera sección denominada Nuevo León, se podrán inscribir largometrajes o cortometrajes dirigidos, producidos, escritos y/o estelarizados por nuevoleoneses. Además, cuenta con la categoría KinoStart, con el objetivo de promover cortometrajes estudiantiles de toda la República Mexicana. Actualmente, el FIC Monterrey, se está planeando de manera híbrida, sin embargo, se considera cambiar la programación a una modalidad virtual, en caso de que las condiciones sanitarias por la pandemia de Covid-19 cambien en el transcurso del tiempo. Para más información no dudes en visitar: https://monterreyfilmfestival.com/ Ilustración Mariana Aguirre POR: ABIGAIL REYES �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2021 Número Número de la revista 6 Mes de publicación Mes cuando se publicó Mayo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2021, No 6, Mayo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/05/2021 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020117 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Arte nostálgico Edgar Leal Elia Bernal Entre aula y galeria FIC Monterrey Hula Hoop Ilustración narrativa https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20654/Croma_arte_diseno_audiovisual_2022_Ano_4_No_7_Enero_1.pdf 97d2300a4c7f24ab543272c5ce5e35d9 PDF Text Text ENERO 2022 1 �I N D I C E Créditos Dr. Santos Guzmán López Rector Arte, Diseño, Audiovisual QFB Emilia Vásquez Farías Secretaria Académica UANL Enero 2022, Número 7 Dr. Celso José Garza Acuña Secretario de Extensión y Cultura Talentos fav Colectivo Escuincles + Highlander Villarreal Docentes Visuales a la vista Pablo Alvarado 04 10 Diseño de Producción, Rebel Mork, Mehrenda & Mauri Alvarez “Candy Boy” 14 Emprendimiento Grace Elizondo “Gra-C” + Beto Ibarra Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú enfoque Mario Cobas + “Proceso creativo en el diseño de producción” por Bere Jaramillo 22 26 artes Colectivo Ejido Doce eventos Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz Colectivo Mxertos de Harte Subdirección de Posgrado e Investigación Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca 32 34 Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Estancia de producción Aldo Saúl Alfaro Peña Alejandra Requena Montelongo Andrea Carolina Buentello Rosales Arturo Ernesto Soto Galván Brenda Janeth Martínez Camarillo Diego Aref Reyes Herrera Eva Mariana Garza Banda Frida Yazmin García Ochoa Gerardo Daniel Pérez Cobos Grace Elizondo Pérez Jose Emmanuel Morales Jiménez Orlando de Jesús Segovia López Raquel Guerra Ruíz Roxxana Gabriel Esquivel Rivas Yoana Lizbeth Navarro Hernández Portada y contraportada Andrea Carolina Buentello Rosales Raquel Guerra Ruíz CROMA, año 4, No.7, Enero 2022, es una publicación trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2021-032219402300-203, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. ENERO 2022 3 �T A SL EE C N CT IOÓ N F A V ESCUINCLES CREANDO UNA PRODUCTORA Y EMANUEL SENA GALEANA, SEBASTIÁN RAMÍREZ RODRÍGUEZ Y AURORA FERNANDA CHÁVEZ TORRES DISTRIBUIDORA ESTUDIANTIL Escuincles es una casa productora y distribuidora enfocada en la creación de proyectos audiovisuales para cine de ficción, documental y publicidad. E scuincles es un proyecto que nació como colectivo, pero que hoy en día se definen como una productora y distribuidora de cortometrajes estudiantiles e independientes. Se encuentra conformado por múltiples estudiantes de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL), y lleva en pleno funcionamiento desde el primero de junio. A pesar de su reciente fundación, ya se encuentran distribuyendo el cortometraje “La luz que recuerdo” (2021) en los distintos festivales regionales y nacionales; tales como “Ficmonterrey”, “Shorts México”, “VicFilm” y entre muchos otros. Además, al mismo tiempo están produciendo el primer cortometraje de la productora como tal, al cual entraremos en detalle más adelante. 4 ENERO 2022 ¿Cuál es el objetivo de “Escuincles”? Diríamos que el objetivo principal que tenemos ahorita es crecer y ayudar a crecer. Aunque estemos viendo mucho por nosotros, pensando en el futuro de lo que vayamos a hacer con la distribuidora y productora, algo que fue muy puntual desde nuestros inicios fue el apoyar a los demás y darles este crecimiento que tuvimos. Aportando este pequeño conocimiento que obtuvimos nosotros a todas esas personas que gustarían que sus proyectos crezcan y que el público los conozca. ¿En qué se diferencia “Escuincles” a comparación de otras casas productoras? Principalmente que somos muy nuevos, estamos en el proceso de un primer proyecto y que de una u otra forma estamos teniendo el reto de crecer en una circunstancia extraña para todo el mundo. La pandemia nos ha mostrado una nueva realidad con el que se han presentado dificultades, que anteriormente no existían. Por otra parte, sentimos que lo que hace especial a Escuincles es la falta de una “cabeza”. Esto a comparación de otras casas productoras regionales o nacionales, las cuales tienen a un dueño o CEO, quienes justamente son lo que ponen la productora y suelen ser la única persona que produce o, incluso, dirigen. Nosotros como empezamos como un colectivo, no tenemos esa jerarquía al momento de producir, tenemos esta libertad de que cada uno pueda producir dentro de los distintos puestos de producción e intercambiar a otro diferente. Creemos que esto es lo que nos diferencia y, en consecuencia, las historias que contemos también. Por último, otro punto clave de lo que nos diferencia es que no estamos buscando irnos al área comercial o de publicidad. Nuestra intención es irnos por el ámbito artístico, produciendo cortometrajes y mandándolos a los distintos festivales, aunque estamos abiertos a cualquier posibilidad en el futuro POR: GERARDO DANIEL PÉREZ COBOS ¿Cómo surgió la idea de crear “Escuincles”? En sí, Escuincles nació derivándose de dos partes: la parte productora y la de distribuidora. La parte productora surgió colectivamente a base del grupo que trabajó en “Los Niños Perdidos” (2020), ya que al ver que el cortometraje funcionó y obtuvo un gran recibimiento en los festivales de cine; ganando con ello el premio otorgado por la Tuna, tomamos la decisión de seguir trabajando juntos para seguir haciendo lo que más nos gusta. Ya que cada uno tenía la oportunidad de mostrar ideas y hacer propuestas de las distintas cabezas de producción. Fue en ese momento en que Escuincles nació como colectivo, con esta idea de que hay que seguir produciendo juntos porque tenemos la oportunidad de producir a lo grande gracias a este premio. En cuestión de la parte de distribuidora, surge de esa necesidad de apoyar a otras personas y, principalmente, a los demás estudiantes a distribuir sus cortometrajes. Mostrar todas esas historias, impidiendo que se queden en el olvido y encontrando un camino claro Nosotros queremos dar esta ayuda, apoyando en la distribución de los cortometrajes y provocando que la gente no tenga miedo” IMÁGENES DEL CORTO: “LA LUZ QUE RECUERDO” IMÁGENES DEL CORTO: “LA LUZ QUE RECUERDO” ¿Por qué la decisión de distribuir y producir cortometrajes? En la parte del por qué distribuir, es meramente debido a otorgar ese apoyo a aquellas personas que no saben acerca de ese proceso y no saben cómo dar ese paso necesario para llegar a múltiples audiencias. Por ejemplo, hubo muchos cortometrajes estudiantiles que vimos en tercer semestre que han tenido la calidad para estar en festivales, pero que no lo dieron porque da miedo distribuir. Nosotros queremos dar esta ayuda, apoyando en la distribución de los cortometrajes y provocando que la gente no tenga miedo. Y como productora, al ver que “Los Niños Perdidos” estaba recibiendo mucho amor, se nos despertó un querer seguir produciendo juntos, un hambre por estar en más festivales y que nuestros proyectos se vean. ENERO 2022 5 �T A SL EE C N CT IOÓ N F A V Ya verán por qué decimos esto. Y esperemos que al igual que nosotros, a ustedes también les guste mucho este proyecto que está siendo armado con el mayor cariño y esfuerzo. redes Sociales: _ FACEBOOK /escuincles.mx _ INSTAGRAM @escuincles_mx ¿Cuál ha sido la recepción del público hacia “Escuincles”? Hemos visto una muy buena recepción por parte del público. Nos hemos percatado de que Escuincles se encuentra en la boca de personas del medio, los cuales ubican quienes somos, provocándose un eco dentro de la comunidad. Además, gracias a todo el contenido que subimos a las redes sociales sobre la participación de “La Luz que Recuerdo” en el festival de Ficmonterrey, pues nos han empezado a llegar más seguidores, notándose el gusto por el contenido que estamos generando. Por otra parte, muchos de los festivales cinematográficos más importantes dentro de la República nos siguen, otorgándonos más alcance en las distintas redes sociales. ¿Cómo se organizan y plantean las actividades por venir dentro del Escuincles? Dentro de la distribuidora se divide en tres áreas, las cuales son: la administrativa, la de festivales y la de publicidad. Empezando por el área administrativa, se encarga meramente de cómo funciona Escuincles en sí, lo que harán las otras dos áreas. Después, en cuestión del área de festivales, son los que se encargan de investigar a fondo de todos los festivales existentes, saber cuáles son de paga, de estudiantes, gratuitos y sus categorías. Y por último, del área de publicidad, son los que generan toda esta calendarización sobre cada una de las publicaciones de los festivales por venir. Estas tres áreas son sumamente importantes para que la parte de distribución siga funcionando. 6 ENERO 2022 ¿Cómo ven a “Escuincles” dentro de un corto, mediano y largo plazo? A un plazo cercano, es seguir creciendo, conocer todas nuestras posibilidades, desarrollándonos poco a poco dentro de un panorama de clientela y, con ello, apoyar en la distribución de cortometrajes. A un mediano plazo, generar proyectos dentro del ámbito de lo artístico y seguir produciéndolos. Teniendo un equipo técnico propio del cual no dependamos tanto de una casa productora externa para nosotros tener la posibilidad de producir. A un largo plazo, sería adentrarnos a los proyectos comerciarles, que estos se mantengan a flote, provocando que vivir de Escuincles sea algo posible. Además, que la parte distribuidora forme parte de la escena cinematográfica en Monterrey. ¿Hay algún proyecto en el que estén trabajando recientemente y del que deseen platicarnos? Pues sí, ahorita tenemos un proyecto por ahí titulado “Conejos” el cual está siendo dirigido por Sebastián Ramírez y escrito en conjunto con Camila Saavedra; quien además es diseñadora de producción, y Mariana Castillo; que a su vez es primer asistente de dirección. Es el primer proyecto oficialmente producido bajo el nombre de Escuincles. Se lleva trabajando en él desde octubre del año pasado y conforme ha ido transcurriendo el tiempo, hemos estado aprendiendo demasiado sobre producir un corto fuera de la faceta estudiantil. Hablando del proyecto en sí, es una historia personal, ubicada dentro del romance pero con toques fuera de lo común. ¿Algún consejo para cualquier estudiante que desee producir sus proyectos audiovisuales? Como primer consejo, sería tener paciencia. No hay nada que no se pueda solucionar de distintas formas, saber que en todo hay una posibilidad. Aprendiendo a escuchar y ver los diferentes puntos de vista para llegar a un punto medio. Este consejo es algo importante de adquirir, ya que estamos en una industria en el que no ves resultados tan inmediatos. El segundo consejo sería tener una comunicación efectiva y saber trabajar en equipo, algo que se aprende dentro y fuera de la carrera es lo vital, que es el diálogo, ya que puede volver todo más ameno, hacer que las cosas funcionen y no nos tropecemos en el camino. Pasando al tercer consejo, consideramos el estar abierto a aprender. Nunca dejamos de aprender, nosotros que estamos en proceso de salir de la Facultad, nos hemos percatado que realmente nos falta mucho que aprender, entonces hay que estar dispuesto a aprender de los demás y, al igualmente, enseñar a los demás. Ya por último, sería ser perseverantes. En esta industria es ir creciendo poco a poco, aprendiendo desde otras perspectivas y distintas áreas de producción. Es seguir dando constancia del quehacer cinematográfico y seguir con el trabajo hasta estar satisfecho con él. No hay nada que no se pueda solucionar de distintas formas, saber que en todo hay una posibilidad. Aprendiendo a escuchar y ver los diferentes puntos de vista para llegar a un punto medio. Este consejo es algo importante de adquirir, ya que estamos en una industria en el que no ves resultados tan inmediatos.” IMAGEN DE LA PREPRODUCCIÓN DE “CONEJOS. IMAGEN DE LA PREPRODUCCIÓN DE “CONEJOS. ENERO 2022 7 �T A SL EE C N CT IOÓ N F A V Platicamos con él para descubrir más acerca de su pasión por el cine y cómo todo lo que ha aprendido a lo largo de estos años se debe a su gran curiosidad y la constante búsqueda por lograr sus cometidos. Nos comenta que se adentra al mundo de los VFX desde muy temprana edad, ya que con tan solo ocho años de edad abrió por primera vez After Effects. Menciona que siempre tuvo la idea de crear sus propios vídeos y/o cortometrajes, pero al no tener con quien realizarlos descubrió que mediante el uso de los efectos visuales podía complementar aquello que no podía hacer solo, sin embargo él no sabía que lo que estaba haciendo era post- producción. HIGHLANDER VILLARREAL LA PASIÓN QUE NACE DESDE LA CURIOSIDAD POR: EMMANUEL MORALES H ighlander Villarreal, oriundo de la Ciudad de México, es alumno de octavo semestre de la Licenciatura de Lenguaje y Producción Audiovisual. Se destaca en la creación de efectos visuales, donde se inició como freelancer 8 ENERO 2022 para varias producciones audiovisuales, como el largometraje ruso “The peacemakers” (2021), por mencionar alguna; actualmente trabaja para la casa productora SLYHIGH (siendo cofundador de la misma), la cual se dedica a la creación de publicidad, comerciales, videoclips y cine. Su aprendizaje ha ido creciendo con el pasar de los años y justamente se ha desarrollado gracias a su gran curiosidad, él suele indagar de manera exhaustiva en el cómo puede sacar adelante cierta problemática que se le presente, por ejemplo, si tiene que hacer un vídeo en 3D o tiene que hacer cierto efecto especial, investiga la manera de realizarlo y luego lo intenta cientos de veces, a base de prueba y error hasta que lo logre. Hace cuatro años creó la productora SLYHIGH junto a Sly García, un amigo suyo, y lo que inició con trabajos pequeños y esporádicos cada tres o cinco meses que ellos mismos buscaban o que eran encargos de amigos y que realizaban entre ellos dos o a veces con un pequeño grupo de tres, cuatro o cinco personas ha ido creciendo gradualmente a lo que es hoy en día: una productora con proyectos un poco más grandes, trabajos constantes y con una plantilla establecida de al menos diez colaboradores. Dentro de sus trabajos más importantes, se destaca una campaña de publicidad para la marca Coca-Cola realizada para el Festival Metate, así como un segmento de Barbie de Mattel para los Kids Choice Awards México, en donde crearon vía VFX un escenario virtual. El crecimiento de su productora durante estos últimos años, se ha dado de manera muy gradual y han llegado a donde están gracias a la creación de su portafolio, así como una búsqueda constante por aplicar a varios proyectos en los que pudiesen colaborar; Highlander dice que es así como cada vez ha ido tomando más fuerza su casa productora. Antes de llegar a la creación de su productora, primero tuvo un largo camino por recorrer (que a día de hoy sigue recorriendo), tuvo que aprender a realizar múltiples cosas, practicar las cosas hasta que le salieran bien, explorar los programas de edición y sus diferentes áreas de oportunidad, pasar noches sin dormir, no tener tiempo ni para el mismo y ha sido capaz de mantenerse porque está haciendo lo que más le apasiona: contar historias. Por ejemplo, nos comenta que su proyecto favorito, no ha sido un trabajo para alguna marca o compañía, sino más bien uno en el que hizo lo que verdaderamente ama: el cine. Para finalizar la entrevista, High nos dejó un consejo para todas las personas que son amantes del cine “Estudien pero también háganlo por su cuenta, investiguen aquellos temas que les interesen, si no llegan a ver algo de su interés en la carrera que estudian, investíguenlo, además de que hagan, hagan y hagan, aunque sientan que no son buenos en algo o no les gusta lo que hacen, sigan haciéndolo, ya que eso es experiencia y llegará el día en el que sean buenos”. Define tus OBJETIVOS, tu plan de vida definirá qué es lo mejor que tienes qué hacer para lo que quieres lograr, todas las respuestas que necesitas las encontrarás cuando definas qué es LO ¿Cómo te adentraste al mundo de After Effects? “Llegué al programa porque estaba haciendo un corto sobre una invasión de hormigas y lo quería hacer 3D, pero claro no tenía los recursos ni sabía cómo hacerlo, así que me fui a Google para buscar cómo lo podía lograr, de hecho me descargué muchos programas de Softonic, pero ninguno me sirvió, así que seguí con mi búsqueda hasta que me encontré un tutorial de alguien que explicaba cómo hacerlo con After Efects, así que ahí me ves con ocho años buscando el After pensando que iba a ser gratis, cuando me dí cuenta de que no lo era, me acordé de un conocido de mi papá que le movía a las computadoras, así que le dije a mi padre que si le podía decir a su amigo si lo instalaba, supuestamente eso hizo, lo empecé a usar y todo, pero a los 30 días me llega un mensaje que decía –tu prueba gratis ha terminado-, ahí empezó mi viaje” QUE QUIERES HACER”. redes Sociales: _ FACEBOOK Highlander Villarreal _ INSTAGRAM @Highvillarreal ENERO 2022 9 �D S E O C C C E IN ÓT NE PABLO ALVARADO Con 10 años de experiencia en publicidad y fotografía, el maestro Pablo Alvarado nos cuenta un poco sobre la docencia, su trabajo en la publicidad y además nos comparte algunos consejos. E POR: CAROLINA BUENTELLO l profesor Pablo Alejandro Alvarado Rodríguez es egresado de la Facultad de Ciencias de la Comunicación con acentuación en publicidad, además de haber tomado un posgrado de dirección de arte y redactor publicitario en la Escuela Superior de Creativos Publicitarios de Buenos Aires, Argentina, y por último la maestría en Diseño Gráfico con orientación en dirección creativa en la Facultad de Artes Visuales, donde también es docente, al igual que lo es en la Facultad de donde egresó. Su enfoque principal dentro del trabajo, es el área de la publicidad comercial y lo que más le gusta es el colaborar e interactuar con las marcas, ya que es algo que le genera emoción y lo motiva a ser más creativo. Nos cuenta que toda la inspiración que tiene para sus proyectos vienen de la misma publicidad, porque te hace pensar en qué pasaría si lo hubieras hecho tú, o si las personas se sentirían igual de emocionadas al ver tu trabajo. “No puedo creer que hayan pensado en una solución como esa, ¿Por qué no se me ocurrió a mí?”, nos comenta, que muchas veces pasan esas preguntas por su mente al ver campañas o activaciones extraordinarias. produciendo ideas nuevas y que esté a la vanguardia de lo que les interesa a los alumnos. Lo cual, hace esto mismo la parte difícil, el seguir el ritmo de los nuevos estudiantes, que ya tienen un conocimiento más amplio gracias a la tecnología y las tendencias, por ende, es complicado “alcanzarlos” teniendo tanta información actualizada. De todos los trabajos que ha realizado, el que más experiencia le dejó fue una activación con la marca Powerade para el Abierto de Monterrey, ya que nunca había realizado una campaña de BTL (below the line). Gracias a esa activación pudo ver una idea suya ya materializada. El compartir espacio con su creación, dentro del Abierto de Monterrey acompañado de las figuras que vinieron en ese momento, lo marcó para siempre como algo que le gustaría recordar, y más al ser con Powerade, siendo considerada por él, una marca enorme. El maestro Pablo Alvarado nos dice que el dar clases le ayudó a especializarse mucho más en cuestiones teóricas, a causa de que en su escuela era muy difícil pensar qué es lo que harías a futuro o incluso al ser tanta teoría, olvidabas la realidad. “Es aquí cuando llegas al punto en el que puedes compartir con tus alumnos esas experiencias, cómo es que suceden las cosas fuera de la escuela, y cómo es que hay muchas cosas que debes re-aprender de lo que ha sucedido de un tiempo a otro y que no todo es práctica. Lo cual se vuelve valioso para los estudiantes” dice, y que cuando eligió ser docente estaba atravesando uno de sus mejores momentos dentro de su especialidad, y por un momento pensó que le estaba diciendo adiós a la publicidad, pero no fue así, gracias a que muchas de las marcas o clientes con los que trabajó siguieron en contacto con él, abriendo de nuevo las puertas a ese campo. Campaña Below the Line de Powerade para el Abierto de Monterrey, dirigido por el maestro Pablo Alvarado. “El único producto que debería importarnos comprar en esta vida, es nuestra plenitud” La parte más fácil de su trabajo es que disfruta mucho hacerlo, y encontró dentro de un espectro de actividades el lugar perfecto para poder seguir practicando de manera constante, ya sea enseñando materias que impliquen creatividad o temas relacionados. Eso es lo que hace que esté 10 ENERO 2022 ENERO ENERO2022 2022 11 �D S E O C C C E IN ÓT NE Campaña Sigue de Paseo de Paseo Tec Monterrey, dirigido por el maestro Pablo Alvarado. Campaña Yo logré de la Universidad TecMilenio de Monterrey, dirigido por el maestro Pablo Alvarado. “Sean empáticos con ustedes mismos, auto-obsérvense y vean qué está pasando, pregúntense si están haciendo las cosas bien y si están siendo buenas personas.” Pablo Alvarado basa mucho su manera de trabajo en la publicidad, nos comenta, “Llega el momento en el que debes transformar información en algo visual y gráfico, tomar los elementos y hacerlos algo tangible; con la única diferencia de que en la enseñanza es un poco distinto, dado a que los estudiantes tienen menos experiencia”. Así mismo él busca poder enseñar todo eso que ya sabe, hacia sus alumnos. Nos contó que su trabajo se ha visto en una balanza, por el tema de la pandemia, donde en un extremo está lo que ha disminuído y en el otro lo que aumenta. Sin embargo en el tema de la docencia se ha encontrado con mejores respuestas, ya que muchos de los estudiantes se sienten más cómodos o se adaptaron al cambio, aunque sigue habiendo quienes no se sienten del todo agusto con ello. “Todo es referente a la perspectiva en la que tomamos las cosas” agrega como conclusión. Por último, nos cuenta que gracias a todo lo que ha aprendido de la vida, actualmente se siente pleno con sus logros y no hay algo que “le quite el sueño”. La plenitud, nos comenta, es algo que no se puede llegar a publicitar y se debe ir comprendiendo. La felicidad y la plenitud han sido su estandarte de vida, y en lo que se ha estado concentrando en estos años, optando por una manera más aterrizada de ver las cosas; incluso su mayor sueño ahora sería que uno de sus alumnos ganara un premio importante por su trabajo, que una de las personas a las que él contribuyó a su formación llegara a lograr algo así. 12 ENERO 2022 ENERO 2022 13 �P S O E C R C T A I Ó DN A P O R T A D A DE LA PRODUCCIÓN AL ARTE Visuales a la vista ¿ POR: ERNESTO SOTO UNA DULCE EXPERIENCIA ? Se han topado alguna vez con el término diseño de producción En México contamos con grandes diseñadores de producción, como es el caso de Eugenio Caballero, con una destacada trayectoria en proyectos como “El laberinto del fauno”, o la más reciente, “Roma”, respectivamente de Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón. Pero bien, ahora hablaremos de grandes artistas y diseñadores de arte que han pasado por la Facultad de Artes Visuales . El diseño de producción se vuelve una necesidad estética en el cine" E n el momento en el que el cine cobra vida, escuchamos por primera vez el término de dirección artística. Ya sea en un gran robo a un tren, o en un viaje a la luna, se necesitará una representación artística visual de ciertos elementos, y es allí donde nace la necesidad de esta área, la cual se encargaría de plasmar los más asombrosos sueños, haciéndose cargo de la creación de escenarios, vestuarios, utilería o maquillajes . El diseño de producción se vuelve una necesidad estética en el cine. No fue, sino hasta la llegada del cine a color, que esta área comenzó a recibir el reconocimiento que merecía, siendo William Cameron Menzies el primer galardonado al Óscar por su diseño de producción en el clásico norteamericano “Lo que el viento se llevó”. 14 ENERO 2022 Trabajo de Eugenio Cabellero como diseñador de producción en Roma, 2018. Conoce un poco sobre la gran experiencia de “Candy Boy” y el origen de este apodo. Redes sociales: POR CAROLINA BUENTELLO INSTAGRAM @soycandyboy M auricio Alvarez Ayala, mejor conocido como “Candy Boy” actualmente estudia el octavo semestre de la carrera de Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales. Tiene 20 años y entre todos sus gustos se encuentran el dibujar, escuchar música, bailar y los videojuegos, además de trabajar en proyectos de entretenimiento, videos musicales o en televisión. Su carrera ayudó mucho a agilizar el proceso de trabajar en la animación e ilustración, ya que le abrió un panorama de poder buscar a lo que se quería dedicar, y cuando al fin lo encontró, se dió cuenta que temas como la teoría y psicología del color, o de las formas le sirvieron. También nos contó que definitivamente quisiera dedicarse a la animación e ilustración para siempre aunque “nunca digas nunca”, agregó, “desde los 15 años, la primera vez que fuí a un concierto y vi las pantallas me dije ¡quisiera estar ahí, quiero hacer eso!, pero no como el cantante sino como el que realizó la imagen o animaciones del concierto” nos dijo. Aunque también quisiera aprender otras técnicas en ilustración o inclusive lettering, pero a un nivel de poder hacerlo en modelado 3D con distintas texturas o movimientos y para proyectos como video lyrics. Le preguntamos sobre ¿qué es lo más complicado que ha hecho como artista? y nos contestó que en cada proyecto sale algo más difícil. Al conseguir sus proyectos le van aumentando el grado de complejidad, pero dice que le gusta tomar retos y averiguar cómo es que resolverá ese trabajo, sin embargo lo ve como algo divertido ya que le gusta mucho aprender y ver tutoriales para mejorar sus conocimientos y después aplicarlos, por lo que a pesar de ser algo difícil siempre le encuentra lo divertido. “Siempre el proyecto más difícil, es el siguiente que harás”. ENERO 2022 15 �La mejor herramienta que tenemos es el CONOCIMIENTO Y HAY MUCHO CONOCIMIENTO GRATIS”. me da satisfacción el hecho de que estoy iniciando algo muy grande desde muy joven, siento muy bonito ver a mi familia y amigos felices por verme en proyectos grandes”. Algo que dice que le falta cumplir es ver su trabajo en grande, como en un panorámico y saber que miles de personas lo verán, aparte de todos los artistas con los que quisiera trabajar. “Me gusta mucho la música y la comedia, el stand up y las drag queens, me encantaría trabajar en esos campos además de la música”. Programas como “La más Draga” o comediantes como Richie O’ Farrill o el podcast de "La Cotorrisa", son personas con quienes quisiera trabajar en un futuro, aunque con el comediante Richie O’ Farrill ya tuvo un pequeño acercamiento, gracias a un trabajo personal de animación y stickers de Instagram de su podcast “Neurosis y Ánimo”, los cuales fueron todo un éxito y los siguen usando. Su proceso de diseño de arte, según nos dijo, inicia siempre con una lluvia de ideas que pueden surgir durante el día o incluso antes de dormir, que puede apuntarlas en su celular o hacer bocetos que sólo él entiende y dice que no parecen nada al producto final, después lo hace en un boceto de baja fidelidad para después digitalizarlo, y finalmente lo anima. Regularmente sus ilustraciones están pensadas para ser animadas en 3D, que es su parte favorita. Y cuando trabaja en conjunto a otros artistas inicia con las ideas que funcionen mejor y ya sobre eso, iniciar el proceso de trabajo. De entre todos los trabajos en los que ha participado, nos dió a destacar algunos que le emocionaron muchísimo, como el video “Nos Volvemos Locos” de Gloria Trevi y Guaynaa, la cual es su artista favorita, “verlos juntos y además yo ser parte de ese proyecto fue WOW, hasta Gloria Trevi me siguió en Instagram” dice Mauri, también colaboró en el video animado de “Feliz Navidad” de Thalia. Recientemente con RBD en su reencuentro virtual “Ser o Parecer” en donde tuvo lugar en el área de animación en conjunto de otro gran artista Nicolas Teviño “NicoTronick” quien ha sido un gran amigo y compañero, con el cual ha realizado muchos de sus trabajos, uno de ellos es en el programa “Nicolores” de NicoTronick en el canal 6 de Multimedios, como ayudante de animación y hasta llegó a tener su propio personaje, darle voz y animarlo para el programa a nivel nacional. De la mano de Nico y Ricky Zazueta, participó en el video “Hoy es tu pumpeaños” del personaje Pumpe del Show Piedra Papel o Tijera. “Todos tienen un cachito de mi corazón”- comentó. Tiktok “Nos volvemos locos” de Gloria Trevi y Guaynaa. 16 ENERO 2022 Candy Pop para el programa Nicolores. Pumpe del Show Piedra Papel o Tijera. Su mayor inspiración es la emoción de las personas, sobre todo cuando es trabajo para clientes y el saber que sus animaciones son parte de esa emoción, y dice “nunca termino de procesar lo que siento al ver mi trabajo en las plataformas, pero cuando vamos terminando e iniciando otros en secreto y privado, me emociona y Lo más difícil de mi trabajo es guardar el secreto hasta que se estrene, no poder contar nada a nadie, pero una vez que ya salen es una sensación muy bonita y VALE COMPLETAMENTE LA PENA”. Finalmente, su consejo para las personas es que prueben todas las ramas del arte, y en cuanto sepan qué es lo que les gusta y en que son buenos, den todo por aprender más, “vendía dulces o rifaba cosas, hacía lo necesario para juntar dinero y pagarme cursos, tuve dos cursos con Carlos Tristán de After Effects, cursos en línea de 3D, incluso videos tutoriales en Youtube, aprendan todo lo que puedan, así cuando tengas la oportunidad de entrar a un trabajo que te guste, ya sabrás que hacer y hacerlo sin problemas, el conocimiento que adquieran les va a durar mucho, aprovéchenlo y traten de expandirlo con las herramientas que puedan” agrega como conclusión. Gloria Trevi y Mamey. Mi apodo nació gracias a un amigo que me lo dijo por mensaje, como yo vendía dulces en la Facultad, se me hizo GRACIOSO ponerlo como apodo en mis “menús” y al ser PEGAJOSO con el tiempo los alumnos, profesores, directivos hasta en mi familia ya me conocían así, por lo que lo adopté como mi APODO OFICIAL, después de haber buscado uno desde la preparatoria, el que menos esperaba y el más ESPONTÁNEO fue el que me gustó más”. Intro del programa Nicolores. ENERO 2022 17 �P S O E C R C T A I Ó DN A UN ALMA REBELDE REBEL MÖRK Únete a la rebelión junto a Rebel y entérate sobre cómo nació su amor por el arte y sus inicios siendo drag queen, llevándola a triunfar en la cuarta edición de La más Draga. ¿ Redes sociales: @rebelmork POR:DIEGO AREF REYES HERRERA Cuándo nació esta pasión que tienes por el arte? Nació desde pequeño, siempre tuve una pasión por las artes ya que me gustaba mucho crear con las manos y elementos no convencionales. Mi pasión por las artes se veía sesgada por lo plástico ya que me era más fácil canalizar en objetos palpables. Mis abuelos siempre han sido muy cercanos a la solución de problemas de manera creativa, entonces creo que todo ese gusto venía insertado en los genes. ¿Cómo surgió Rebel Mörk? Nace a partir de mi gusto por la fotografía. Me encantaba hacer retratos desde que estaba en la secundaria pero fue hasta la Facultad donde decidí experimentar con el maquillaje en los rostros de mis modelos. Hasta que un día me encontraba en la necesidad de expresarme directamente con mis propias fotografías e inicié a hacerme retratos. Fue ahí donde jugaba con tendencias y maquillajes andróginos para explorar nuevos rumbos creativamente, sin imaginar que sería una catarsis emocional. ¿Cómo fueron tus inicios? Fue en una plataforma digital del la comunidad LGBT+ donde se impulsaba el talento local de artistas emergentes. Siempre fue muy apegado a lo cultural. También me hacía partícipe de toda oportunidad que la Facultad daba, ya sea en proyectos o exposiciones. ¿Con qué retos te topaste cuando decidiste dedicarte a esto? Enfrentarme a mí mismo, creo que la mayor barrera es mi cabeza. Sufro de ansiedad desde los 16 años y ha sido una jornada bastante pesada. Es una lucha constante contigo mismo pero lo importante es recordar que somos más fuertes que nuestro subconsciente. Otro reto es la discriminación, el lidiar con los estigmas que generaciones tras generaciones han cargado por mucho tiempo es algo difícil. 18 ENERO 2022 No se dejen guiar por sus miedos, creo que en este camino del arte es intentar y fracasar, TODOS VAN A ESTAR HABLANDO DE TI, OCUPAS TENER EL VALOR, atrévete a hacer lo que quieras hacer.” INSTAGRAM ¿Tienes alguna otra pasión que te ayude en tu vida de artista? La escritura, con ella logro exprimir mi cabeza al máximo, lo cual me pone demasiado exhausto ya que logro canalizar todo de mí en muchos aspectos pero si no sale todo... La escritura me ayuda mucho. ¿Qué consideras que es lo más gratificante del camino que elegiste? El reconocimiento que está tomando últimamente, la relevancia que tiene hoy en día, que se tome como una expresión artística como la danza callejera, que ahora ya no solo es en la noche que es de donde nace, sino también en el día. Y también las oportunidades que me ha otorgado a lo largo de los años que llevo trabajando en esto. ¿Cómo es tu proceso creativo? Canalizo mis emociones, soy una persona muy ansiosa, tengo miedos al pasado, al futuro y depresión; la canalizo y busco que los demás lo sientan para generar empatía y conciencia, busco hacerlo rápido, espontáneo y emocional. ¿Qué consejo le darías a alguien que quiere dedicarse a lo que haces? Que no se deje guiar por sus miedos, creo que en este camino del arte es intentar y fracasar, todos van a estar hablando de ti, ocupas tener el valor, atrévete a hacer lo que quieras hacer, tú tienes el control de tu vida, libérate de tus pensamientos y crea algo para ti. SOR JUANA por REBEL MÖRK ENERO 2022 19 �P S O E C R C T A I Ó DN A MEHRENDA UNA ARTISTA EN INTERNET Conoce un poco sobre Miranda Quezada mejor conocida como Mehrenda, su trabajo como artista, influencer y creadora de contenido en redes sociales. POR CAROLINA BUENTELLO M iranda Quezada es una estudiante de la Facultad de Artes Visuales, actualmente cursa el 8vo semestre de la carrera de Lenguaje y Producción Audiovisual y a su vez trabaja como creadora de contenido en redes sociales como Instagram y Tik tok enfocándose en el maquillaje y la moda, además de estar trabajando con el LABNL de Conarte, en un proyecto llamado “El cancionero para la memoria” el cual tiene el propósito de ser llevado a redes en el mes de enero. Eligió estudiar la carrera ya que desde muy chiquita le encantaba ver programas de televisión, películas, entre otros, pero no fue hasta la preparatoria, cuando decidió qué es lo que le gustaría estudiar. Su primera opción era cinematografía, sin embargo nos dice que no le encontró tanta variedad como la de lenguaje audiovisual, porque le ofrecía saber de cine, televisión, fotografía y videos. Fotografía por Daniela Torres @tiadonalddani Siempre lo más difícil de iniciar es dar el primer salto, ya sea por pena o por el qué dirán las personas que te rodean, pero una vez que das el salto, todo se vuelve más fácil" 20 ENERO 2022 Nos comenta que la razón principal de su inicio en redes sociales fue que sentía que por la pandemia no se estaba arreglando tanto, y al tener tiempo decidió explorar el mundo del maquillaje, empezó practicando y grabando su proceso para después subirlo a redes sociales, lo que ella no esperaba es que mucha gente comenzó a seguirla y a gustarle lo que hacía, fue ahí donde tomó la decisión de tomarlo como algo más serio. Si no se hubiera presentado la situación de la pandemia, también le hubiera gustado enfocarse en redes sociales, pero presentando su trabajo como fotógrafa, videógrafa o con sus ediciones fotográficas que a la gente le gustan mucho. Agrega que su carrera le ha servido de mucho en este nuevo espacio de creación de contenido en redes sociales, esto a diferencia de muchas personas que quieren iniciar en redes y no tienen un conocimiento amplio de fotografía o edición, así que el estudiar algo relacionado le ayudó a tener más noción sobre lo que podía subir, cómo subirlo y qué es lo que le atrae más a la gente, dejando de lado que algo que tuvo que aprender después fue el cómo funcionan los algoritmos y como debes manejarte, “crear contenido ya sabía hacerlo”- comentó.. Habló un poco sobre su proceso creativo o su proceso de diseño de arte, el cual dice que va conectado con todo lo que hace, ya que si tiene agendado grabar un video, lo que viene después es tomar fotografías la mayoría de las veces y que gracias a que tiene la libertad de elegir qué es lo que quiere hacer en el día va buscando ideas que la hagan sentir cómoda o que no ha hecho en un buen tiempo, lo que la hace salir de su zona de confort. Ella principalmente se inspira en imágenes que guarda en plataformas como Pinterest sobre distintos estilos, combinaciones de colores, formas, técnicas, texturas, entre otros, para después crear la idea principal y plasmarla en su cara. Usualmente, elige su outfit con base en el maquillaje que está creando, y sólo en ciertas ocasiones lo hace al revés, es decir si ya tiene un outfit en mente, hace un maquillaje que lo complemente. Finalmente vienen las fotografías, “busco que mis fotografías siempre tengan color, me gusta mucho que tengan color” nos dijo con mucho énfasis, y hace un recuento de todo su perfil sobre qué poses o encuadres ha usado últimamente, por ejemplo, si usó una fotografía de cuerpo completo, su siguiente fotografía tendría que ser una más cerca o un retrato, para tener un contenido variado; y para su trabajo fuera de redes, hace exactamente lo mismo, con la diferencia de que se adapta totalmente al cliente. Su experiencia al trabajar con distintas marcas la ha hecho darse cuenta de que su trabajo está siendo visto y recibido, dando como resultado el contacto de marcas grandes para colaboraciones o agregarla a sus listas de relaciones públicas, “es ahí cuando dices WOW”, nos dice feliz. Y que gracias a ese contacto, te permiten tener un mayor crecimiento, dando paso a que más marcas te conozcan y conozcan tu trabajo que hasta quieran trabajar y colaborar contigo. La opinión más importante es la que tengas tú de ti mismo, y ya las otras personas que digan lo que quieran, mientras sean constructivas o positivas todo está muy bien”. Un contratiempo que ha encontrado durante su trabajo ha sido que muchas veces se vuelve complicado hacer una idea realidad, “por ejemplo, se me puede ocurrir una idea súper padre pero no tengo el material adecuado y por la pandemia no es tan fácil salir a comprarlo” agrega. Lo cual ha sabido darle la vuelta y convertirlo en un beneficio haciendo que su creatividad crezca más, también mejoró sus habilidades en postproducción y edición fotográfica. “lo que más me gusta ahora, es todo el apoyo que recibo como creadora de contenido y en mi trabajo personal, me apoyan demasiado, y es muy bonito sentir eso aunque venga de gente con la que nunca has convivido en persona, además de que es muy libre, es como si yo fuera mi propio jefe, yo soy la que organiza las ideas, la imagen, los tiempos y me doy la libertad que quiero”- comentó. Finalizando, nos contó que su plan a futuro consiste en encontrarse bien económicamente por redes sociales y su contenido, también le encantaría participar en el detrás de cámaras de una producción, “es mi sueño al igual que el de todo artista”, también en sus planes está viajar a la Ciudad de México y probar suerte buscando oportunidades nuevas de trabajo, y siempre ha querido trabajar en una revista como directora creativa, llevando al mando el tema de cómo se vería dicha revista, el estilo de fotografías que tendrían, las pasarelas, el maquillaje, etc. Fotografía por Daniela Torres @tiadonalddani ENERO 2022 21 �E M P RS EE NC DC II M Ó INE N T O GRACE Gra-c es una marca de moda 100% mexicana creada por Grace Elizondo, una estudiante de la Licenciatura de Artes Visuales. ELIZONDO G POR: EVA MARIANA GARZA BANDA race Elizondo es una estudiante de 22 años que actualmente cursa la Licenciatura de Artes Visuales y anteriormente culminó sus estudios en la preparatoria técnica de Diseño y Proyección de Moda. Su primer acercamiento con las artes visuales fue cuando era muy pequeña gracias a su mamá, ya que es una artista visual que trabajaba realizando exposiciones y daba clase de pintura a niños, por lo que siempre se le fue inculcado el arte. Creó “Gra-c” a sus 18 años, a través de su pasión por el arte y la moda para incorporarse al mundo del emprendimiento con su marca propia, en la cual se dedica a intervenir prendas con diseños personalizados para su venta en Instagram y Facebook. Fue establecida con el objetivo de comenzar a generar ingresos para en un futuro establecerse de una manera más formal y poder distribuir sus productos con un alcance más amplio y llegar a más consumidores. Sus diseños destacan con la técnica de tie-dye, el cual se basa en un proceso en el que la tela se anuda y después se tiñe con distintos colores dependiendo el diseño que se quiera lograr, además, de incluir detalles únicos para diferenciarse de la competencia. REDES SOCIALES Instagram: @graceelizondo @gra_cmx Facebook: /gracedesign21/ Su marca se identifica completamente con el arte experimental porque le gusta hacer cosas distintas e innovar, además son aspectos diferenciadores que la definen como emprendedora; pero su pasión por este tipo de intervención originalmente comenzó cuando cursaba la preparatoria, ya que, sus compañeros y profesores siempre le recalcaban que destacaba por sus diseños por ser más extravagantes, gracias a que suele combinar materiales como plástico, luces led, texturas y colores, para tener resultados increíbles. Para la confección de las prendas que encontramos a la venta, Grace suele comprar prendas básicas (blancas y negras) en distribuidoras y después intervenirlas jugando con los dobleces de los textiles y con colores para generar diseños e integrarlos a su stock cuando esté satisfecha con los resultados, además, suele realizar bocetos cuando tiene alguna idea en mente, para después hacer el proceso creativo de una forma más organizada y precisa, pero incluso aquí no descarta la experimentación, ya que, el diferente uso de materiales le trae distintos resultados y tiene que ver con cómo se comportan los pigmentos con los textiles que utilice. Dentro de su tienda online podemos encontrar productos como, t-shirt, crewneck, hoodies, conjuntos unisex y aretes, aunque sus productos no acaban aquí, Grace maneja otra marca llamada “GP Shop” (@gra.c.e.p en Instagram), donde encontramos fundas, termos y tazas personalizados con resina al gusto del cliente. ¿Cómo funciona Gra-c? Es una marca completamente manejada por ella, ya que como se mencionó anteriormente, ella realiza sus diseños a mano, además de que cuando estaba en la preparatoria tomó un curso de modelaje y hoy en día es representada por “ONAVA the agency” que es una agencia de modelaje ubicada en Monterrey, por lo que ella es la modelo de su propia ropa, y su hermano es el fotógrafo de esta misma, además de tener su participación como modelo dentro del emprendimiento. En un futuro, Grace espera estar en pasarelas, donde los diseños y las confecciones que realice sean más formales y poder posicionar su marca en el mercado. Además, que conforme vaya creciendo como persona, su negocio evolucione junto con ella, para realizar nuevos diseños con una nueva perspectiva. Grace nos cuenta que emprender ha sido una experiencia que tiene altas y bajas, donde es de suma importancia el ser constante y no decaer, ya que como todos los negocios, pueden haber meses buenos y malos donde las ventas no son como uno desea, pero esto no influye en que debes detenerte con tu emprendimiento, al contrario, debes usarlo como una motivación de crecer y ser mejor. También nos dice que el trato con el cliente es algo muy importante, pero también te debes proteger a ti mismo como emprendedor, por ejemplo, en su caso al realizar prendas pintadas a mano, la forma de compra es bajo pedido, por lo que ella suele pedir un anticipo, para la compra de los materiales que va a utilizar, de esta manera se protege de que, si llega a haber alguna cancelación o algún imprevisto, ella no pierda recursos. Para un emprendimiento exitoso, el mejor consejo es no decaer y ser constante. Entiende a tus clientes y haz de tus experiencias una motivación para crecer. 22 ENERO 2022 ENERO 2022 23 �E M P RS EE NC DC II M Ó INE N T O Redes sociales: POR DIEGO AREF REYES HERRERA INSTAGRAM @betoibarra FACEBOOK @BetoibarraPhotographer WEB betoibarra.com ¿ Por qué elegiste la fotografía? Es algo que viene de familia, siempre estuve interesado en la fotografía desde que recuerdo, vengo de familia de productores audiovisuales, mercadólogos, marketing, siempre ha sido parte de mi día a día. ¿Cómo fueron tus primeros pasos en la profesión? Tengo dedicándome a la fotografía 10 años, si bien viene de familia nunca se me obligó a dedicarme a ello y mi primer contacto con ello fue cuando tenía 16 años, iba a los campos de fútbol americano, le tomaba fotos a los jugadores y las editaba para después venderselas a sus papás, fue como mi primer contacto con la fotografía como forma de trabajo, siempre vi la foto como un método de ingreso antes de verlo como un arte. 24 ENERO 2022 ¿Qué fotógrafos te han influenciado? Pedro Meyer, no sé si podría ponerlo en las palabras correctas, pero viendo su trabajo fue como me enamoré de la foto, eso fue lo que me abrió los ojos. ¿Cuándo no hay inspiración qué haces para recuperarla? Siempre he dicho que la falta de inspiración es para principiantes, para una persona que depende completamente de hacer arte, la falta de inspiración es un lujo que no te puedes dar, cuando no hay inspiración sigues procesos para sacar adelante el jale, la falta de inspiración no es una excusa para dejar de producir. ¿Qué es lo que más te gusta de fotografiar? Me gusta la fotografía como forma de expresión y me gusta que puedo vivir de esto, es lo que amo Fotografía por Beto Ibarra Entre el romance, las historias y la fotografía, tenemos a Beto Ibarra, un fotógrafo que toma preciados momentos de la vida de las personas para hacerlos permanentes en la historia, logrando con ello hacer tangibles las memorias de una vida hacer y es en parte lo que amo de hacerlo, que me permite muchas cosas, viajar, conocer, aprender. ¿Cuál es el secreto detrás de un buen retrato? La luz, pues la fotografía es luz y composición, primero composición y luego luz, yo primero compongo y luego expongo, un buen retrato tiene que transmitir, hay un dicho de Helmunt Newton que dice “Mi trabajo como fotógrafo de retratos es seducir, encantar y entretener” ese es el verdadero trabajo de un fotógrafo. ¿Tienes algún hobby que complemente tu profesión? La fotografía análoga, los procesos de revelado y ampliación. ¿Qué consejo le darías a los que recién empiezan con esta profesión? No le hagas caso a los profesores de la Facultad, en cuanto a que hacer sociales va a demeritar tu trabajo, pues generar dinero de este trabajo no es malo, no te creas hijo de Dalí, vive de lo que amas hacer. Fotografía por Beto Ibarra FOTOGRAFÍA POR BETO IBARRA IBARRA Fotografía por Beto Ibarra BETO ENERO 2022 25 �ES N E C F O C Q I ÓU NE MARIO COBAS Te presentamos a Mario un productor audiovisual y sonidista, que ha trabajado con grandes productoras como Amazon Prime Video. POR: ALDO SAÚL ALFARO PEÑA ¿Cuál fue tu primer acercamiento con el mundo audiovisual? Yo venía saliendo de estudiar medicina, no era realmente una carrera que me estuviera llamando la atención y en este proceso de entrar a estudiar algo diferente fue que entré a la Universidad de Guanajuato en la carrera de Animación y Arte Digital. Todo llega cuando tiene que llegar, y no me refiero que no hay que esforzarse, al contrario, uno debe luchar todos los días de su vida el doble de tiempo para poder conseguir lo que uno quiere.”. 26 ENERO 2022 En esa carrera vi cosas de diseño, ilustración, historia de arte y fui aprendiendo cosas muy amplias. Durante ese período una compañera me invitó a hacer un corto para el Festival de Cine de Guanajuato en la categoría de Identidad y Pertenencia. Dentro de la categoría se tenía 6 meses para hacer un documental que tratase sobre cosas características de la zona. Lo que el festival hace es darnos un coacheo con personas muy padres de la industria cinematográfica. Tuvimos a uno de los coloristas de La Reina del Sur (2011), Juan Carlos Rulfo, director del documental ¡De Panzaso! (2012), entre otros que nos estuvieron asesorando y apoyando. Yo entré haciendo sonido, pero después otra persona lo hizo y me fui a la edición donde ahí sí edité todo el documental. Me encargué de las entrevistas y después de la edición. Hice un poco de producción y co-dirigí el documental. Fue un proyecto muy padre, estuvimos alrededor de 19 festivales, entre ellos el festival de Cannes. Después de esto me fui a San Antonio a trabajar en un cortometraje que me sirvió para conocer a más gente de allá. Ese fue el momento en que descubrí que quería dedicarme a hacer cine, que realmente me llenaba de contar historias. Todo esto fue muy cercano a mi entrada a la Autónoma de Nuevo León porque justamente cuando el documental gana en Guanajuato yo iba a entrar a propedéuticos de Producción Audiovisual. Falté la primera semana para presentar el documental al festival, después hablé a la Uni y me dieron una prórroga para no ir la primera semana, pero me tenía que presentar a propedéuticos el lunes y el domingo se hacía la premiación; ese día ya no pude asistir. ¿Qué historias son las que te gusta contar?. Tengo un recuerdo muy presente de un maestro que me decía “cada vez que contamos una historia estamos tratando de sanar algo que está dentro de nosotros”, y la verdad es cierto. Yo fui paramédico durante mis estudios en Monterrey justamente para solventar mi carrera y es algo que me permitió conocer muchas historias y también ayudarlas. En la Cruz Roja siempre nos dijeron que no debes involucrarte con las historias de las personas porque psicológicamente no es sano para el paramédico, pero yo lo hacía. Siempre he estado muy cerca del documental, muy cerca de las historias que a la gente le sucede; un poco esta tragedia, esta injusticia. El último proyecto que hemos estado desarrollando junto a Roberto Goe y Valeria es sobre la historia de una nota roja que vi de un gran amigo mío, Carlos Jiménez, donde salió la muerte de un niño. "Salón Pezina" (2016) tiene ésta esencia de antaño, gente que quiere contar algo, adultos mayores que viven gran parte de su tiempo en una cantina y que son personas un poco olvidadas. "El Guardián" (2015) fue el primer documental que hice, Av. Aztlán (2017) que fue para el reto Doctubre MX habla sobre la revista y toda ésta avenida emblemática del norte de la ciudad de Monterrey que también tienen muchas historias que contar. ¿Cómo ha ayudado en tus proyectos conocer del mundo de la dirección, el sonido, el arte digital y la medicina? El ser paramédico me ayudó a poder ser más empático, a saber escuchar y poner atención, sin embargo también me ha ayudado en otros aspectos, por ejemplo, en éstos días trabajando en la serie que estoy ahora, había una escena de un niño en un hospital, entonces el equipo de arte me pidió ayuda para truquearlo y así la escena se viera creíble. En una película a un personaje le daban un balazo en la cara, entonces uno de los actores me pide asesoría para saber cómo el cuerpo reaccionaría e inclusive apoyé al equipo de arte para cuestiones del maquillaje. Por otro lado, cuando estudié animación y arte digital vi mucho de diseño, de edición, todo este tipo de cosas de Photoshop e Ilustrador. Yo abrí un pequeño negocio de rotulo, vinil, playeras con serigrafía, sublimación y de más y justamente en un proyecto pasado en el área de arte salió un chico positivo de COVID y tuvieron que aislar a todo el equipo y como no había nadie de arte gente del equipo de producción tomó roles de arte para decorar. Me tocó rotular un vehículo para que se volviera una patrulla, días antes los ayudé a poner viniles en un vidrio y empecé a explicar cómo hacerlo. Yo creo que todo lo que uno va viviendo, haga lo que haga, va nutriendo y hace que uno aprenda porque el cine es vivencial, entonces, cualquier cosa que uno haga nutre para poder hacer eso. El sonido me ha regalado muchísimas cosas; me ha regalado el poder tener una conciencia más a detalle del entorno, ser más consciente de los ruidos, pues las aves que hay en CDMX no son las mismas que hay en El Bajío, Guanajuato, de donde soy. Me ha permitido una conciencia más auditiva para poder entender estos procesos del cine y nutrir las historias. Por ejemplo en Zafra (2018), que se grabó en San Luis Potosí, habla de la quema de la zafra, entonces era escuchar víboras, conejos corriendo por el calor de la quema de la maleza y es encontrar otros ambientes, el fuego, los golpes del machete contra la caña. Era tratar de encontrar todas estas esencias de un pueblo que está sumido en una situación religiosa, por eso encontramos murmullos de iglesia. Creemos que el cine es 50, 50 “la fotografía es lo más importante” y los fotógrafos se lo creen. El sonido también importa, pero no sólo es eso, es el arte que vemos; cómo está adornada la locación, el vestuario, la actuación, incluso muchos departamentos que no contemplamos: los continuistas, el departamento de alimentación, drivers, la gente de limpieza que tienen todos los sets en orden. ENERO 2022 27 �ES N E C F O C Q I ÓU NE Por: Amazon Prime Video Proyectos en los que ha trabajado Mario Mario Cobas trabajando con el actor Chris Ramos en el set de El Juego de las Llaves. No es que uno sea más importante que otro; somos un equipo, un cúmulo de personas con un mismo objetivo. ¿Qué tipo de proyecto es en el que te sientes más cómodo? Creo que lo que hace que un proyecto sea cómodo es la gente con la que colaboras; afortunadamente trabajo con una casa productora con la que llevo un par de años y los proyectos los hacemos con la misma gente. Entonces para mí es muy cómodo estar haciendo estos proyectos con ellos. Somos gente muy cercana que hemos pasado buenas y malas. Vivimos en Cancún 3 meses para hacer el Juego de las Llaves (2019), pasamos navidad, año nuevo y mi cumpleaños juntos, ahora vivimos en Cancún otro mes para hacer otra película. Lo que me hace sentir cómodo es trabajar con la gente que quiero, que me apoya, que está el uno para el otro sin distinguir que eres de un departamento u otro. El cariño es realmente lo importante. Hacer ficción no me daría mucha comodidad porque no me siento tan capacitado para hacerlo, hacer documental 28 ENERO 2022 sí, siempre investigo y genero mucho material, el problema es editar y porque me cuesta mucho trabajo ir cortando partes de las historias que siento importantes, pero que no caben dentro de esta parte del documental. Me siento muy cómodo haciendo sonido ahora, siendo operador de boom, o microfonista; ya sea película, serie, cortometraje, documental, realmente en todas me siento muy cómodo, en cada proyecto aprendo cosas diferentes y se nutre no solo de técnica, sino de las historias que uno cuenta. ¿Cómo has sentido el salto de dirigir algo escolar como Salón Pezina (2016) a ahora trabajar en proyectos de Amazon Prime como El juego de las Llaves (2019)? Es un salto impresionante, la verdad no pensé llegar a éste punto y hacer lo que hago ahora. Cuando uno está en la escuela uno tiene llamado para hacer un corto de 3 días, 6 hrs, 8 hrs. Acá es trabajar de lleno, 12 hrs al día durante 6 días a la semana, por ejemplo. Cuando estábamos en la escuela era como jugar a hacer cine y de pronto te das cuenta que acá ese jugar ya no existe, realmente lo estás haciendo. Es un proyecto que terminará en una plataforma de Amazon, HBO, Netflix o tendrá salida a algún festival; empiezas a tomarlo con mayor seriedad. Hace unos días estaba pensando “estoy jugando a hacer cine” y no jugando en el mal sentido, sino que estoy haciendo algo que me gusta y me parece divertido venir todos los días a un llamado, y de pronto son 5 semanas de levantarte a las 5 am para llegar a tu llamado o tener llamados nocturnos de 12 hrs. Sí es pesado físicamente, pero lo disfruto mucho; disfruto hacer lo que tengo que hacer. Algunos días es estresante y me quiero volar la cabeza porque estamos grabando en una locación que es muy ruidosa, pero son los retos que implica el trabajo. Si pudieses darle un consejo a Mario que recién va adentrándose a la industria audiovisual ¿qué le dirías? Que no deserte; que hay que tener mucha pasión, muchas ganas y no dejarte caer por ninguna cosa. Ser tenaz, ser paciente. Hace 1 año estuve a punto de dejar esto porque venía la pandemia y entre otras cosas, pero afortunadamente ahora estamos bien, las cosas están saliendo como debían salir y estoy haciendo proyectos, hay trabajo, pero hace 1 año no lo pensaba. Roberto Fiesco fue la persona que me trajo a este mundo y gracias a él he podido lograr muchas cosas, alguna vez me lo dijo “el cine es para le gente que aguanta”. Ésta es una carrera de paciencia y aferrarse mucho. Yo decía que es muy fácil para ellos que toda su vida han trabajado de esto, pero ahora que lo estoy haciendo, sí, es de eso, de mucha tenacidad, de aguantar las buenas y aguantar las malas. Todo llega cuando tiene que llegar, y no me refiero que no hay que esforzarse, al contrario, uno debe luchar todos los días de su vida el doble de tiempo para poder conseguir lo que uno quiere. Eso le diría a mí, Mario, no desertes, sigue luchando, no pierdas la esperanza, en algún momento se va a conseguir y aun así me lo sigo diciendo porque no he llegado a donde quiero estar, pero voy en ese camino. ¿Algún proyecto futuro que te gustaría realizar? Sí, hacer mi corto de ficción; tener todo lo que necesito, la sabiduría y conocimiento para poder contar esa historia y se vuelva una muy bonita y pueda quedar satisfecho con ella. Todos los proyectos que vengan de hoy en adelante son trabajos que educan, que dejan. El sueño de seguir creciendo, seguir trabajando con la gente con la que colaboro, verlos crecer y como van siendo mejores junto con uno; realmente todo lo que venga es un gusto. ENERO 2022 29 �ES N E C F O C Q I ÓU NE BERE ENTREVISTA A JARAMILLO Berenice Jaramillo es egresada de la Facultad de Artes Visuales, actualmente trabaja como fotógrafa profesional en su propio estudio, Paralelo Studio, dónde realiza trabajos de fotografía comercial y artística. POR FRIDA GARCÍA ¿Desde cuándo trabajas con la fotografía y cómo describirías tu trabajo? Llevo más o menos como 6 años dedicándome más de lleno a la fotografía, hago mucha foto comercial para empresas y negocios, lo que se conoce como fotografía de producto y todo eso todo ese tipo de fotos, lo que me gusta también, es ofrecer foto retrato pero más como retrato creativo, en donde de repente bailarines, actores, actrices me contactan. Me gusta hacer las sesiones más personalizadas y con cierto estilo. Trato de hacer fotografía variada porque también soy una persona que luego me aburro de estar haciendo lo mismo, entonces me gusta que de repente venga una persona interesada en retratos y luego un negocio para fotos de sus productos, entonces por ahí andando variándole un poco en esos 2 ámbitos de la fotografía. POR: BERE JARAMILLO ¿En qué contenidos te basas para usarlos como inspiración? ¿Cómo describes el lado creativo del tipo de fotografía que manejas? Creo que que al final siempre dejas algo de ti y lo que te gusta en las fotos, por más que sea un cliente y te pida algo específico, uno siempre termina plasmando un poco de sí en lo que hace y ahí es donde por lo regular meto el querer hacer un poco más de dirección de arte, me gusta siempre proponer algo más a las ideas, agregarle esta parte más creativa, props, un poquito de diseño de color, texturas y demás. Entonces, creo que eso es como mi aportación, a veces se puede, a veces no, porque sobre todo en la foto comercial, es más cuadrado todo pero digamos que es como mi manera de plasmar lo que me gusta por el lado de dirección de arte. ¿Consideras que el diseño de producción es fundamental en tus fotografías? En mi caso, tuve la oportunidad de trabajar en un par de películas, bueno ya en 3 películas y series, en las cuales su producción es más estilo cine y ahí me di cuenta de la importancia de la dirección de arte, yo no había tenido como ese acercamiento en la fotografía, lo vine a conocer en el cine o las series y bueno, por qué no llevarlo a la foto, ahí descubrí la importancia de la dirección de arte y cómo éste es el que he querido plasmar siempre, pero definitivamente es importante para el estilo de foto que yo hago, yo sigo aprendiendo, tratando de conocer más de los procesos, pero sí creo que enriquece muchísimo a la fotografía la dirección de arte y al final pues también es parte de hacerlo muy diferenciador. Bueno, cuando yo estaba en la facu, me enamoré del cine, allí descubrí lo bonito que es el cine y realmente eso es como mi mayor fuente de inspiración, lo audiovisual en general, me encanta estar viendo imágenes de otros fotógrafos, que no tengan precisamente que ver con foto comercial y creo que la música, sobre todo los soundtrack de las películas, creo que también es común que me inspiren a estar creando cosas, voy tomando elementos que me gustaría plasmar en mis trabajos, como los ambientes; por ejemplo, del cine me gusta ver y analizar, la dirección de fotografía y la dirección de arte, más allá de la historia, me quedo con estas imágenes, entonces, del cine, yo creo que se puede sacar mucho y muy variado también, está padre. A veces la pregunta ideal es ¿qué no te gusta? Sabemos que cada sesión es diferente, pero en todas es necesario un proceso creativo para que se decida el estilo, ¿Cuál es tu proceso para decidir el diseño de producción de cada sesión? Recomendarías algún curso o libro a nuestros estudiantes fotógrafos que quieren empezar a desarrollar mejor el diseño de producción en sus trabajos. Por ejemplo, la mayoría de las veces llegan los clientes sin saber qué quieren, ni la menor idea de cómo expresarlo y tú tienes que tratar de sacarlo, entonces a mí me gusta mucho platicar primero con los clientes, así sea para un proyecto de foto comercial, a veces la pregunta ideal es, ¿qué no te gusta?, creo tiene mucho que ver con conectar con las personas, hay algunas que te dejan y hay otros que son más renuentes a contarte cosas, pero con un cliente que se abre también se empieza a empatizar y es más fácil hacer este proceso, luego para mí lo que sigue es buscar referencias, siempre trato de abarcar el estilo de iluminacion, el tipo de encuadres, las posturas que se van a usar, si va a llevar muchos productos, el tipo de productos, entre otros, con las referencias ayudas a visualizarle al cliente lo que se puede lograr. A mí lo que me ha servido para la dirección de arte en específico es ver behind the scenes, la verdad es súper padre ver cómo construyen todo, sobre todo de películas, es súper enriquecedor, también el analizar las fotografías, pensar cómo crees que se haya hecho el diseño de producción, viendo las sombras, los reflectores, es un ejercicio muy interesante. Ya que te lo validan, empieza la parte fea, que es la cotización y pues ahí ya empiezas a adaptarte, pero creo que para que te acepten una cotización, depende justo de esa conexión con el cliente. Como freelancer en Paralelo Studio, ¿cómo es el proceso en el caso de tu trabajo con clientes, ¿qué tanta influencia tienes con ellos en el diseño de producción y/o estilo en las fotografías? Ver fotos o ver películas y preguntarte cómo lo habrán hecho, es cómo hacerte consciente del trabajo que conlleva una producción en general y eso te va a hacer también más consciente de lo que conlleva tu dirección de arte, entonces creo que es lo que más me ha ayudado a mí. Sí recomiendo que de ser posible, te acerques a un director de arte y le digas ¿puedo ser tu ayudante o tu asistente?, porque eso es súper enriquecedor, a mí me tocó asistir a directores de arte en algunos comerciales y lo que aprendí en ese momento fue más valioso de lo que hubiera aprendido en cualquier libro o curso, porque ya es del mundo real, enfrentarse a la presión del tiempo, de un director y el pensar cómo resuelvo lo que me piden, te las ingenias en resolver las cosas en 2 segundos porque no queda de otra y es importante llevarlo a práctica. Yo creo que al final, todos los fotógrafos siempre terminamos influenciando un poquito a los clientes y al final también por eso te escogen, porque esperan cierta calidad, cierto tipo de luz, cierto tipo de retoque de fotos, lo esperan aunque no estén conscientes de esto, entonces es inevitable no dejar un poco de tiempo en las fotos, de tus gustos personales, del estilo de tu forma de ser, de retoque y de tu servicio al cliente también, entonces es la conexión que tú formas con los clientes y muchas veces los clientes te buscan por eso. POR: BERE JARAMILLO 30 ENERO 2022 ENERO 2022 31 �S E A C R C T IE ÓS N EJIDO Para esto han comenzado a realizar fotografía documental de ciertos espacios para así, tener un archivo regional de Linares. Otra manera de su recopilación de archivo, es realizando memoria oral (entrevistas) a personas que han habitado ciertos lugares, o que saben de términos constructivos e incluso a quienes tienen un negocio establecido, de esta manera van evidenciando cómo ellos mismos van construyendo su propio espacio. Dicho esto, han abarcado tanto el centro histórico de la ciudad como las periferias sin registro alguno. DOCE Por: Ejido Doce Ya para terminar, muchos de la comunidad saben sobre su proyecto ya que es necesario comentar sobre él y pedir autorización para el registro de fachadas de casas, tiendas, mercados etc. Y a los mismos habitantes les da la emoción el saber que jóvenes se interesen sobre recaudar la memoria del pueblo. Dupla de la reconstrucción memorial-patrimonial. POR: GRACE ELIZONDO E 32 ENERO 2022 Por: Ejido Doce No cabe duda que recaudar el archivo tiene sus dificultades dependiendo el sitio que les gustaría documentar, y con quién se acerquen a preguntar. El encargado de la Fototeca de Linares, las ha apoyado mucho, debido a que cuenta con archivo donado de los mismos habitantes. Sin embargo, en el caso de alguna casa deshabitada es más difícil encontrar; ¿Quién la construyo? ¿Cómo era por dentro? ¿Quiénes vivieron ahí?, a pesar de eso, siguen en proceso de llegar a documentar toda esa información. De esta manera el objetivo de su proyecto es ayudar a las personas a rememorar sus espacios. Pretenden llegar principalmente a las personas de su comunidad, ya que al final del día quienes habitan los espacios son los que pueden tener empatía en estos sitios y son ellos mismos los que lo transforman. De igual manera les gustaría que personas de otros estados o países vean el proyecto. El teatro Benítez - Por: Ejido Doce Daira E. Cruz Durán Fundadora de Ejido Doce Redes Sociales: _ INSTAGRAM ejidodoce Por: Ejido Doce Consejos para quienes deseen desarrollar un proyecto _ 1 “Si desean investigar sobre su comunidad, es bueno entrevistar a una persona mayor”. – Daira Cruz _ 2 Miriam I. Amaro De León Fundadora de Ejido Doce ranchos y de esta manera para tener un mejor futuro y continuar con sus estudios, emigran a la ciudad, de esta manera conlleva a un abandono de patrimonio. “Deberían apoyarse entre los proyectos, si tienen fines en común, es bueno apoyarse entre colegas”. – Daira Cruz _ 3 Por: Ejido Doce jido Doce es un proyecto de mujeres Linarenses de investigación-creación, conformado por dos Artistas Visuales de la UANL, con muchos intereses en común y muy unidas a su comunidad donde habitan; Linares Nuevo León. Daira E. Cruz Durán se dedica a desarrollar trabajos de investigación-creación con base en la historia y memoria de acontecimientos de la comunidad donde vive (Linares). Los medios a utilizar en sus producciones son muy diversos, entre esos son; textiles, fotografía documental, archivo, video y audio. Miriam I. Amaro De León, en un principio su producción se enfocaba en los procesos de despojo (segregación social del espacio) especialmente en el archivo de la Ciudad de Monterrey, por un contexto familiar. Su principal objetivo es el saber ¿cómo se recuerda un espacio que ya no está?; sus medios para trabajar son: la fotografía de arquitectura, archivo documental y el bordado como proceso íntimo. Debido a sus intereses de reconstruir la memoria de lugares donde han habitado, en el 2018 comenzaron a formalizar su proyecto Ejido Doce en donde “Ejido” es el lugar donde vivieron su infancia y “doce” es el año (2012) en que se conocieron, la investigación que realizan tiene un enfoque de la preservación patrimonial en donde el archivo recopilado (escritos, fotografías, entrevistas, video, audio, planos, entre otros) se transforma en una producción y de esta manera se le da difusión a la documentación encontrada. Este proyecto surge a partir de sus experiencias en un hábitat rural y la pérdida de sus costumbres, con la inquietud de ¿cómo salvar esos recuerdos?. Si las construcciones no se registran no serán encontradas y prácticamente no existirían. Buscaron ciertos sitios en google mapas, pero al ser un espacio pequeño, no aparecen. La razón del porque hay casas deshabitadas es porque hay familias donde los abuelos o papás, vienen de un contexto rural; de ejidos, de “Cree en lo que estés haciendo, cree en tu proyecto, sigue trabajando en él, si es necesario regresar al principio para encontrar la línea de él, hay que hacerlo, no entristecerse si no saben el camino a donde van”. – Miriam Amaro ENERO 2022 33 �E S V E C E N C T I Ó ON S REDES SOCIALES: FACEBOOK Muertxs de harte INSTAGRAM @muertxsdeharte Logo Muertxas de Harte Fotografía tomada por el colectivo Muertxs de harte HARTE PARA HARTISTAS Fotografías tomadas por Emmanuel Morales PRIMERA EXPOSICIÓN “MUERTXS DE HARTE” El Expendio dió lugar a la primer exhibición colectiva que llevó como temática la precariedad artística POR: EMMANUEL MORALES M uertxs de Harte es un colectivo reciente conformado por Luz Posadas, Valeria Miranda y Kiwi Zanahoria, el cuál nace por la unión y la necesidad de crear arte en compañía, dentro de un mundo donde la incertidumbre artística y la precariedad laboral abundan. Y a manera de bautizo, crearon su primer proyecto en conjunto: una exposición que lleva el mismo nombre del colectivo. El evento tuvo lugar el pasado sábado 25 de septiembre en ElExpendio, ubicado a unos cinco minutos de la estación Edison de la línea 1 del metro de Monterrey, en donde se presentó la obra de más de 20 artistas y tendrá permanencia de una semana, siendo el próximo sábado 2 de octubre su cierre. “La precariedad artística como una experiencia de incertidumbre económica y profesional, el uso de materiales baratos, reciclados, perecederos y de uso cotidiano como alternativa a los medios tradicionales” fue la temática del mismo. 34 ENERO 2022 Fotografía tomada por el colectivo Muertxs de harte Cartel de inauguración Las artistas que lo conforman nos mencionan que le dieron vida a este proyecto debido a la incertidumbre del ser artista en México, el cómo puede ser un privilegio exponer o incluso como ciertas formas y expresiones artísticas no encajan completamente con ciertas plataformas o en donde la mayoría de las convocatorias de arte cobran para aplicar, es así como del hartazgo y la frustración optaron por crear esta nueva plataforma para todas aquellas personas que se sientan igual que ellas. Fotografía tomada por el colectivo Muertxs de harte Algo que hizo realmente especial esta exposición, fue el hecho de que no es la típica exhibición con todas sus piezas enmarcadas, dentro de un espacio completamente ordenado y limpio, como si fuese algo “perfecto”, sino que optaron por una estética más desgarbada, siendo un contraste a la pulcritud que se suele ver en las galerías de arte. Con su proyecto, el colectivo nos invita a conocer y explorar las diferentes maneras del quehacer artístico y de cómo se expone; lograron hacer algo que va más allá de lo tradicional. Fotografía tomada por Emmanuel Morales ENERO 2022 35 �E S V E C E N C IT ÓO N S MIEMBRXS DEL COLECTIVO: KIWI ZANAHORIA: Fotografía tomada por Emmanuel Morales Se pudo encontrar una gran variedad de expresiones artísticas, que iban desde la fotografía, el collage, la pintura, escultura o el dibujo hasta el video-arte o incluso el arte-objeto; en donde varias de las obras estuvieron a la venta. Además de exhibir las piezas de los artistas seleccionados, durante el día de la inauguración también se abrió un espacio para que algunos artistas vendieran su trabajo en un mercadito de arte, donde hubo un poco de todo: stickers, fotografías enmarcadas y sueltas, postales, fanzines, ilustraciones, prints, prints en risografía, etc. Próximamente saldrá a la luz un fanzine elaborado por el colectivo que contará toda la experiencia de esta primer exposición, es una especie de documentación del evento, el cuál sería recurrente en sus futuros proyectos. Las organizadoras nos comentan que es muy probable que más adelante se hagan nuevas exposiciones manteniendo la esencia de lo que fue esta primer exhibición de “harte para hartistas”. @kiwi_zanahori Kiwi Zanahoria es una larva con alas, disfruta de sorber de la fruta podrida del mesón estrella. Vuela esperando encontrar basureros con todo tipo de materias vegetales putrefactas, nuevos sabores y colores. Empezó a morir de harte al caer en un balde de desechos tóxicos, otorgándole la necesidad de crear e incitar a que otras moscas lo hagan. VALERIA MIRANDA: Valeria Miranda es una mosca muerta que disfruta de pararse en los pescados de muestra del mercado. Pasó su etapa larva en el plato de carne y sobras para fieras del circo Atayde Hmnos. Murió de harte cuando se paró en una fotocopiadora y la aplastaron con el texto “modos de ver”, imprimiéndola para siempre. @valeeria.miranda LUZ POSADAS: Fue un evento muy especial, lleno de personas talentosas que tienen mucho que decir y que lograron hacerlo con lo poco que tienen a la mano, presenciar esta primer exposición colectiva fue de cierta forma ver cómo los artistas vuelven a emerger de la tierra para declarar lo que les pertenece: el arte y cómo hacerlo lejos de esta estigma de que debe ser un privilegio hacerlo. Luz Posadas es una mosca que le gusta cortarse los pelos ella sola creyendo que le van a quedar bien, también empezó a picar más moscas para hacerles dibujitos en su piel y sueña con morir de harte bien morida para siempre algún día. @luzposadas 36 ENERO 2022 ENERO 2022 37 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2022 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 4 Número Número de la revista 7 Mes de publicación Mes cuando se publicó Enero Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2022, Año 4, No 7, Enero Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/01/2022 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020723 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Diseño de producción Diseño gráfico Escuincles Mehrenda Muertxs de Harte Pablo Alvarado Publicidad https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20655/Croma_arte_diseno_audiovisual_2022_Ano_4_No_8_Junio.pdf 103c90bc65078dd0a487d83aa57153c3 PDF Text Text CROMA ARTE, DISEÑO, AUDIOVISUAL 2022, NÚMERO 8 LA CONEXIÓN DEL A R T I S TA C O N S U A R T E junio 2022 1 �Í N D I C E Yasodari Sánchez ARTÍCULO DEL MES P.12 Artistas del futuro DIMENSIÓN 26 P.4 Í La fotografía como memoria Con Alma Daniela P.8 2 junio 2022 P.20 Fundamentos esenciales del artista EMPRENDIMIENTO P.14 ENFOQUE TALENTO FAV N Víctor Moreno La virtud de la difusión cultural Sofía Segovia P.24 D Sueños musicales de la FAV P.22 I �ARTE Créditos Rector UANL Dr. Santos Guzmán López Secretaria Académica UANL QFB. Emilia Vázquez Farías Secretario de Extensión y Cultura UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Flor de Liz Castañeda EVENTOS P.30 E Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Subdirección de Investigación y Posgrado Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Secretaria Académica M.A. Eva Julia De La Cerda Cruz Coordinadores y Editores de la Revista Croma Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Redacción y Diseño: Dulce Marian Gaona Miranda Eloísa Estefanía García Berlanga Omar Adrián Guajardo López Fátima Loera Mejorado Nery Andrea Arechiga Pérez Stephanie Cuevas Rodríguez Claudia Lizbeth González Reyes Karen Esmeralda Salazar Rodríguez Laura Giovanna González Rodríguez Angélica Fonseca Ruiz Daniela Alejandra Zapata Loera Anakaren Lozano González Carla Mariela Mora Rodríguez C Corrección de Estilo Sergio Feluel Hernández Loaiza “Materia estética disponible” Miguel Calderón P.34 Portada Omar Guajardo e Isaac Almazán CROMA, año 4, No.8, Junio 2022, es una publicación trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos,Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2021032219402300-203, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. junio 2022 3 �TEANL TE RNETVOI SFTAAV ARTISTAS DIMENSIÓN 26 DEL FUTURO Un podcast de Halda Vázquez y Tonny Berumen el cual va dirigido a la comunidad creativa, artística y no tan artísticos. Donde podrán escucharlos hablar sobre: Diseño Gráfico, los procesos creativos, danzas, sus experiencias, entre otros. POR: FATIMA LOERA MEJORADO 4 septiembre 2018 �¿ Qué los llevó a entrar al mundo del podcast y cómo nació la idea de crear Dimensión 26? Halda: En realidad la idea del podcast nos surgió simplemente, nos guiamos por este camino porque como artistas lo que queremos es hacer más cosas, no centrarnos en una sola idea. Lo que queríamos era crear una pequeña agencia, ya que Tonny se encarga del medio audiovisual y yo del medio gráfico. Tratar de hacernos un poco más reconocidos ya sea para poder conseguir clientes o contactos que nos ayuden a hacer más proyectos, así que la idea del podcast surgió como idea de marca personal. Nos fue comiendo más el podcast y nos empezó a gustar más, nos fuimos por ese camino en el cual ahorita estamos muy contentos. Tonny: Dimensión 26 no es solo un podcast, es un proyecto que puede ser lo que sea. Halda: Estábamos tratando de darle conceptualización, lo único que teníamos en mente era, “queremos hacer algo juntos, queremos que esto sea algo muy grande que participen muchas personas y que ayuden a inspirar a más gente”. ¿Cómo es el proceso de elegir e investigar los temas que hablan? Tonny: Normalmente yo soy el que propone temas pero ahí vamos viendo. Deben ser cosas relevantes o por el contrario, que no haya mucho contenido de eso, por ejemplo vamos a hacer un video del arte digital y yo no encontré videos de eso, nos ponemos a ver videos de Youtube para ver que hay. También tenemos propuestas de amigos, hay temas que nos aburren o que se hablan mucho pero no lo dicen de otra forma. Halda: Algunos de los temas por ejemplo “¿Qué es el arte?” usualmente cuando escuchamos de eso nos llegan a aburrir con la historia o se centran solamente en un tipo de arte ya sea el arte plástico o pintura y nosotros queremos abarcar diversos temas o hacer como que más grande la información para que le llegue a muchas personas y se sientan identificadas, siempre tratamos de hacer las cosas diferentes y hacer lo que queremos escuchar, cuando queremos investigar temas no siempre dan la información que queremos escuchar. Nosotros siempre estamos investigando ya sea de páginas de internet, a través de videos, tratar de ver los temas relevantes que están surgiendo dentro del arte y la creatividad. Son cosas nuevas que probablemente hay poca información pero tratamos de dar un surf a todo el internet para ver que le podemos dar al público y decir nuestra opinión. Tonny: A veces son temas que nos gustan y le agregamos el nicho. junio 2022 5 �T A L E N T O F A V FOTOS: CORTESÍA DE DIMENSIÓN 26. ¿Han sido influenciados por otros artistas? Halda: Creo que gran parte de lo que somos o lo que nos gusta está influenciado ya sea en tendencias artísticas, tendencias de diseño, algunos autores no son creativos tal cual pero han hecho cosas grandiosas que nos han gustado mucho. Tonny usualmente comenta a sus artistas favoritos en cada episodio, creo que lo hace más interesante el tener de referencia artistas que nos gusten y podamos transmitir. Tonny: A parte creo que nos dirigimos más a artistas digitales porque es lo que más nos ha influenciado, de hecho es lo que más me gusta. Halda y yo tenemos de base casi las mismas referencias, hay cosas no tangibles que pueden ser referencias, es como un efecto cadena a lo que realmente somos ahorita. FOTOS: CORTESÍA DE DIMENSIÓN 26. Podcast #36 de Dimensión 26. Podcast #37 de Dimensión 26 con Mariely Soto. 6 septiembre 2020 ¿Cuál es la mayor meta para Dimensión 26? Halda: Lo que queremos hacer es dar cursos, ya sea enfocados en la producción del podcast o cualquier rama creativa que estemos relacionados. Hacer una exposición acerca de nuestro arte con un fluxus game en donde la gente se sienta más interesada en participar y que además sea parte del arte. Tonny: Una de nuestras premisas como proyecto es que el arte es divertido, es nuestro distintivo. Halda: También es hacer un festival estilo conferencia en donde las persona que estén interesadas puedan participar exponiendo su voz, su arte, que sea de todos y para todos. Lo que queremos remarcar es que el arte se comparte en donde cualquiera puede ser artista y todos pueden disfrutar de eso. ¿Qué aprendizajes o experiencias les ha dejado este proyecto? Halda: Lo que más se nos ha quedado es la mejor comunicación, hemos visto nuestro avance en cómo comunicamos el mensaje y ser multidisciplinarios, yo solamente empecé con diseño gráfico pero ahorita tengo que checar sonido, luz, cámara, entre otras cosas que ni siquiera hubiera pensado. Tonny: Por mi parte creo que en saber cómo hablar, siempre he convivido con gente, también hemos mejorado en contenido de calidad y en cómo expresarse, se nota la diferencia de nuestro primer episodio al último. Recientemente lanzaron “Artistas del futuro” ¿Qué los llevó a crear esta nueva sección? Tonny: Es para impulsar a los artistas, nunca hemos querido que se estanque el proyecto en el podcast por eso Dimensión 26 hace esta sección para empezar a mudar. No sé cómo vaya a ser en un futuro pero probablemente los podcast solo serán para invitados, puede que no, puede que sí. Halda: Lo que tratamos de hacer es crear una comunidad como dijimos hace rato “de todos y para todos” esa fue la primer intención cuando empezó a trazarse este camino de Dimensión 26. No solamente queremos que nosotros seamos la Dimensión 26 y que solo nosotros podemos hablar de arte y creatividad porque al final de cuentas no sabemos todo. Tonny sabe de producción, yo sé diseño gráfico, pero queremos llegar �a la gente que sea músico, que sepa de danza, teatro, arte contemporáneo, etc. y nosotros no podemos dar el ejemplo pero hay gente afuera que puede y queremos ofrecerles este espacio. Que los artistas del futuro sean reconocidos, ahorita vamos comenzando a nivel estatal pero tenemos contemplada a gente en otros estados de la república para que el arte se comparta y que el mundo sepa “ellos son artistas del futuro y tú puedes ser como ellos”. Crear esa boleta de nivel donde el arte se vaya desmontando de lo que solamente es pintura y que sepan que el arte puede estar en todos lados. Tonny: La mayoría de los podcasts son invitar a alguien solo para que hable de sí mismo, entonces preferimos darle presentación al invitado donde ahí es el protagonista. Aunque no conozcas a la persona, te gusta el contenido. Nos inspira inspirar, tal cual. ¿Piensan añadir alguna otra sección a su Dimensión 26? Halda: Vamos trazando un camino con Dimensión 26, queremos hacer muchas cosas, en nuestra cabeza estamos, “queremos hacer esto esto y esto” pero son cosas que se tienen que organizar y Artistas del futuro apenas va trazando esa línea, a como tenemos los artistas vamos a trabajar mucho durante 2 años para 10 artistas, es demasiado el contenido que tenemos que hacer pero sí lo hemos pensado. Tonny: Como habíamos dicho, el fluxus game, el noticiero como parodia de cosas que están pasando porque el formato que tenemos es atemporal, si los ves dentro de 10 años tiene que tener alguna relevancia no como Tik Tok que sale una vez y ya pasó la moda. Halda: Más que nada conceptos artísticos que estén saliendo y podamos darle cierto giro divertido para que no se vea como si solo estuvieran comiendo información, simplemente darle más sentido con comunicación y diversión. El fluxus game sería algo interactivo en donde la gente va a estar jugando y te des cuenta que es algo artístico. Los cursos son para que la gente se sienta más inspirada. El festival de arte donde todos son invitados. Tenemos esa lista donde ya están para conceptualizarlas, también queremos empezar en Twitch para que la gente tenga la libertad de preguntarnos, de reaccionar, de guiarnos por ese camino. Que se sientan más conectados con nosotros y nosotros con toda la audiencia porque a veces queremos preguntarle a la gente sobre los temas y no podemos porque el podcast INSTAGRAM queda grabado y queremos una respues- @dimension.26 ta. YOUTUBE REDES SOCIALES: Dimensión 26 SPOTIFY Dimensión 26 junio 2022 7 �FOTOS: CORTESÍA DE ALMA DANIELA T A L E N T O 8 junio 2022 F A V �L A FOTOGRAFÍA COMO MEMORIA CON ALMA DANIELA Ganadora del segundo lugar en el Certamen de las Artes Visuales UANL 2021 T POR: FATIMA LOERA MEJORADO e presentamos a Alma Daniela, estudiante de Lenguaje y Producción Audiovisual que ha colaborado en múltiples eventos con su fotografía. Es una mujer talentosa que destaca por sus trabajos fotográficos, los cuales comparte a través de Instagram. Dichos proyectos se caracterizan por el uso llamativo de colores, iluminación natural y que tiene de protagonistas a personas ya sea en el medio artístico, movimientos sociales, deporte o photoshoot. También gusta de capturar momentos para recordar y compartir con los demás. ¿Cómo ha sido el proceso de aprendizaje en las colaboraciones? A: Fue prueba y error, pero sobre todo mucha pelea conmigo misma por qué solemos tener esa voz que es como “no vas a poder”, “no te van a elegir a ti”, “no te va a salir”, como que me pongo a pelearme conmigo y esa voz. Ahora es “me van a elegir a mí” o “si ellos no me eligen, voy a hacer que me noten”, “tu inténtalo”. Ya si me dicen que no, bueno al menos lo intente y me quite la idea de que no iba a poder porque tenemos ese impostor dentro de nosotros mismos que si no nos vamos contra eso te vas a quedar ahí, yo intento decírselo a mis amigos o conocidos “tu diles lo que sea que hagas, ya si les interesa o no depende de ellos”. Ese ha sido el proceso intentarlo, quien me elija que bueno y el que no se lo pierde. ¿Cuáles son tus intereses en la fotografía? A: Hasta ahorita he hecho de todo un poco y creo que no tengo una meta fija de querer hacer esto o llegar a cierto punto. Creo que mi interés es quedarme aquí en mi “Safe place” y me gusta mucho por memoria, recuerdos, expresarme, hacer mis propias ideas, proyectos, creo que lo que me interesa de la foto es tenerla. Seguir creando y sea una forma en la que pueda ser yo, si se puede vivir de ella me parece perfecto. ¿Hay algún proyecto que estés deseando hacer? A: Híjole, que no quiero hacer pregúntale a mis papas o amigos yo quiero hacer todo, constantemente mi cabeza está llena de cosas y es como “le voy a hablar a esta persona y le voy a decir que hagamos esto” o “le voy a hablar a este grupo de bailarines y les diré que hagamos esto”, ni me conocen ni me topan en su vida, pero yo soy como de “no me importa, yo les voy a hablar y les voy a decir”. Después ya me acuerdo que tengo clases, tarea, trabajo, proyectos, etc., entonces como que muchas cosas se me olvidan, pero en el día a día como que voy creando al menos una idea o algún proyecto y lo voy anotando. Intento llevarlo a cabo, pero si me voy a lo súper extremo, bueno espero no sea súper largo plazo, puede ser mediano plazo, ojalá que sí. Me gustaría mucho trabajar con algún ballet como: El Ballet de Nueva York o también, aunque mucha gente lo ve como “no manches”, me gustaría trabajar con la NFL, ¿por qué? ¡Y porque no, chica!, No tengo ningún equipo en específico sino como el deporte, o sea, no es algo que te haya comentado, pero “profesionalmente” mis primeros trabajillos fueron en futbol americano súper local, en un equipo chiquito pero, como te dije con eso he ido midiendo mi avance, o sea, como que empecé en un equipo chiquito y ahora es el equipo representativo y ahora es de otro estado, ahora estoy en otro país, entonces al rato quiero llegar a la NFL Como para decir “si se puede”. junio 2022 9 �T A L E N T O F A V ¿Cómo te inspiras para hacer fotografía? A: Todo y todos me inspiran, es una muy mala respuesta probablemente pero, como que el pensar que todos tenemos algo bueno y no solamente en persona sino todos los lugares tienen algo bueno. Todas las personas tienen algo bueno, todos los climas tienen algo bueno, y que en parte en mi ansiedad probablemente el sentir que quiero que todo el mundo pueda sentir o conocer eso, o sea es como, habrá gente en 5 años que no vaya a poder ver esto que estoy viendo yo ahorita, entonces que ya no va a existir en ese momento o lo que sea. Entonces siento la necesidad de ser yo quien se los muestre, como no sé, “hay alguien que está trabajando ahorita y no va a poder ver este atardecer” entonces tengo que subir la foto y que la vean, muy probablemente tiene que ver con la ansiedad… pero eso me gusta y el crear el recuerdo, el que se quede ahí pues para los que vengan, para los que sigan etc. Porque también me da mucho miedo y no debería estar diciendo esto, pero, me da miedo mi memoria, que en algún momento me falle o ahí se me atraviesen los cables o algo y ya no recordaría cosas, sería bonito tener eso, aunque me imagine o me invente las historias de cada foto, pero, voy a tener de donde inventar sino pues que voy a hacer. 10 junio 2022 ¿Qué es lo que te gusta expresar con tus fotos? A: Pues igual creo que depende de cada foto y de cada estilo y de cada persona pero, en general como honestidad porque sin hacer problema ni nada pero muchas veces como que creemos que la persona, el objeto o el producto debe verse como nosotros o como lo que nosotros somos y a mi me gusta un poco más como el “yo soy muy llorona pero ella se ríe por todo entonces tiene que verse feliz”, o sea no importa que yo este triste tengo que empatizar con esa persona y conocerla al punto de poder mostrar lo que es ella y no envolvernos. No hacer como una mezcla aunque luego llega el punto de termino mostrando lo que soy yo como quiera, como que es una mezcla de ambas personas y cosas. Pero si me gusta la honestidad y con esto no quiero hacer como creer que la foto tiene que ser natural y sin retoque o edición tú puedes hacerlo, pero que sea honesto a la persona, al lugar, el tipo de producto que se está vendiendo, no quitarle la esencia a eso por lo que sea que tú quieras comunicar. ¿Hay alguna fotografía que te haya gustado hacer, pero no has tenido la oportunidad? A: Yo siento que si me he quedado con ganas de hacer muchas cosas por decir que participo en una convocatoria y no me se- �FOTOS: CORTESÍA DE ALMA DANIELA leccionan y entonces me quedo con la idea o formo un proyecto para algún presupuesto que tenga ahí alguna asociación y no quedo y no lo puedo hacer y se queda el proyecto completo, pero no me quedo INSTAGRAM con las ganas como tal porque lo intento @almadaniela hacer de otra forma. Bueno no tuve todo ese dinero lo hago con poco presupuesto o no conseguí a esa modelo entonces la modelo soy yo no importa, intento para que no se me quede perdidas esas ideas pero siempre, todos los días tengo algo que digo, “huy debí haber hecho esa foto”, “debí haber salido a hacer esto” etc. Creo que el punto es en lugar de decir, “ay no lo pude hacer”, últimamente si me detuve mucho pero yo sola como que me regañe de que “ponte las pilas”, lo que sea que quieras hacer, no tienes que hacer el súper gran proyecto puedes empezar desde el celular, con cámara análoga, tu perro, vecino, con lo que sea el punto es seguir haciendo porque eso nos ayuda a seguir carburando sobre todo como artistas. Siento que no me quedo con las ganas de nada porque hago otra cosa. REDES SOCIALES: ¿Con qué iluminación te gusta trabajar más y por qué? A: En general, probablemente el 99.999% de todo lo que hago es con luz natural, con luz de ventana así natural, si se y si he utilizado y si tengo flashes y lámparas, pero casi siempre estoy sola entonces me da como más miedo o hasta hueva la verdad el de que “ay tengo que sacar esto y luego armar todo” y luego como estoy pues enfocada en la imagen, después pienso “que no se vaya a caer esto o lo otro”. También como la transportación del equipo, intento casi todo sea con luz natural a menos que sea algo nocturno o en algún lugar tipo teatro pues me informo a ver qué tipo de iluminación tienen que me puedan apoyar para no llevar algo yo, prefiero lo natural por comodidad y también porque da ciertos tonos diferentes y se me hace bonito. junio 2022 11 �D O C E N T E S YASODARI SÁNCHEZ S u nombre es Yasodari Sánchez Zavala, egresada de la Facultad de Artes Visuales en 1997, Maestra en Artes Visuales, por la misma institución y tiene otra Maestría en Educación que hizo en el Centro de Estudios Universitarios. ¿De dónde surgió la idea para llevar a cabo este proyecto? ¿Cuáles fueron las estrategias de planeación y producción del documental? Y: La idea surgió porque hay como muchas cosas. Yo antes de comenzar a hacer esto, trabajaba en la reflexión del espacio público y los procesos migratorios. Entonces a partir de esa reflexión empecé a hacer una serie de documentales, una mini serie sobre migración en Monterrey. Tomando diferentes comunidades que son importantes de mencionar, que fueron los indígenas, los centroamericanos y tres grupos extranjeros: España Japón y Argentina; a partir de ahí tomé la Independencia como el origen de la migración y el proceso migratorio y comencé a hacer entrevistas, y una de esas entrevistas me llevó a Los Sonideros. Yo soy de la colonia Independencia, mis papás y mis abuelos también y yo decía ¿Por qué se genera tanta comunidad? Y en realidad era algo que yo siempre buscaba en los proyectos. A partir de ahí comencé a pensar en el oficio, que para que eso funcione tienen que vincularse muchas cosas y al final todos somos Sonideros. Generar otros dispositivos sociales, esos son las dinámicas para tener una salida de arte. En realidad lo que yo quiero recuperar es la memoria de los habitantes de la Independencia. Y: Yo siempre les digo a mis alumnos que de verdad lo hagan como un acto de urgencia, de necesidad, como cuando uno quiere comer o ir al baño. Todos mis proyectos los he empezado de manera autogestiva y tienes que estructurar a partir de esta reflexión que te digo, si sé que pasó esto, si tengo muchas respuestas, es decir, si llegaron los grupos desde ahí yo digo, “esta memoria tiene que ver con generar un podcast o esto tiene que ver con accionar a la comunidad pintando con su logo en mano”. Estos datos a veces se piensan como en datos duros desde una mirada folclórica o exótica. Si tengo mi agenda como de 20 cosas a veces salen más, pero las hago no como en ese orden si no que el orden va saliendo y va como muy natural o como muy orgánico. 12 junio 2022 ¿Hacia qué tipo de público va dirigido? Y: Nunca pienso mucho en el público, pero sí tengo claro la cuestión de circuito artístico, esta condición de socializar la obra, en ciertos espacios, en ciertas convocatorias. Sí me importa mucho cómo pensar estas dinámicas de arte, creo que eso �es lo que construye otro sentido a muchas otras cosas que están normalizadas. Creo que el arte sí hace que se esguincen varias formas en que hemos situado un ecosistema solamente desde lo político o lo mediático, creo que el arte resignifica esas partes. Siempre estoy pensando en que estas partes del arte puedan saltar a procesos comunitarios o desde la comunidad. ¿En qué año inició el proyecto? Y: Este proyecto de Los Sonideros inició en el 2013, fueron las primeras entrevistas en el 2012-2013, pero en ese momento tenía varios proyectos, entonces iba poquito a poquito. Pero yo creo las entrevistas formales fueron en el 2013 y 2014. Para mí eso es importante, porque es lo que significa el oficio y luego a partir de ahí en el 2015 me dieron un apoyo para el largometraje. Durante el proyecto, ¿cuál fue el momento que en lo personal le causó más impacto con base en la seriedad de la escena? Y: Mira yo soy súper intensa y no puedo vivir con esta intensidad, la Independencia es una colonia muy extensa y de las más antiguas, pero fue importante ese barrio porque es la memoria de mis padres. Creo que esa es la parte personal y es un barrio difícil, es una colonia difícil que tiene grados de violencia. Yo recuerdo de niña pandilleros, creo que es algo importante de hacer y que se re-aplique. Porque qué condiciones y que oportunidad tienen los niños para que pasen otras cosas y son niños que tienen muchas familias. Pero creo que ese espacio, la ausencia es una forma de pensar en el abandono, en el silencio, en la representación que tiene esta ciudad y qué ciudadanos están generando. Eso es lamentable, es la gente de la Indepe, son la gente que construye San Pedro. La condición de que hay violencia, droga, y es un pretexto para maquillar a alguien de otro nivel. ¿Tuvo dificultades de algún tipo durante la filmación?? Y: No, a lo mejor cuando empecé en la misma producción y no tenía dinero y no sabía a quién decirle. Algunos alumnos no saben mucho de sonido y era difícil. Es difícil porque llevaba el proyecto sola y era enseñarle a un alumno y luego a otro y simplemente no te entienden. Festival de los Barrios de la Indepe 111 Aniversario 2021 - Mural Sonidero ¿Qué proyecto está interesada en hacer próximamente? Y: Ahorita mismo tiene que ver con Los Sonideros y los compositores de la Indepe, voy a hacer un disco de compositores, pero un proyecto mío de cuarentona, yo siempre quise tener una banda y todos mis tíos han hecho música, están haciendo un grupo, se llama La Dinastía Sánchez, y por el mero gusto, a mí me gusta escribir mucho y hacer canciones. Y otro proyecto que el año pasado me dieron mención honorifica y estaba trabajando con mujeres indígenas, que seguramente tengo que seguir a la par y con los niños estoy en un taller de cine. Tengo muchas ideas y quiero hacer muchas cosas, y con esos niños estoy trabajando con fotos. ¿Qué es lo que más ha disfrutado del proyecto? Y: Yo disfruto en cada proyecto, los ponía a bailar y me inventé un juego como lotería y les regalaba tarjetas telefónicas de 20 pesos, a partir de ahí, yo también pensaba en ¿a quién le hablaban?. También hay un baile que se llama la puntita, y disfrutaba mucho eso y con los indígenas disfrutaba sus bailes y además el amor que le tienen a sus bordados. En otros momentos, llegaba con los centroamericanos y comían verduras fritas y los indígenas comían tamales y luego con los de la Indepe era tómate una cheve, todas esas interacciones las disfrutaba mucho. Festival de los Barrios de la Indepe 111 Aniversario 2021 - Mural Sonidero junio 2022 13 �P O R T A D A FUNDAMENTOS esenciales FOTOGRAFÍA: GUILLERMO LÓPEZ GAONA DEL ARTISTA Acompáñanos en este breve recorrido, en el cual discerniremos los elementos esenciales de un artista en la época contemporánea, así como las obras y su incursión en el presente contexto social. POR: OMAR GUAJARDO FOTOS: OMAR GUAJARDO Y GUILLERMO LÓPEZ 14 junio 2022 �E l camino del artista también es placentero, gratificante y excitante. Con el cuidado y tacto necesario, puede ser la búsqueda de luz en la oscura incertidumbre del vacío de la existencia. Un artista no es un artista hasta que alguien más lo reconoce como tal; una persona ajena a la historia de su recorrido, alguien que juzga la obra sin un criterio predeterminado y que reconoce y respeta la creación del autor. El deber del artista es promover en sí mismo el hábito de la creación porque es una necesidad inherente del ser humano, lo que lo llevará a acercarse más a la búsqueda y localización de su propio estilo y de su voz interior. Dentro de esa necesidad existen fundamentos que hacen que un artista sea reconocible. En este artículo se discernirán aquellos componentes que rodean el aura mítica de un artista. UNA BREVE INDAGACIÓN SOBRE LAS MEMBRANAS DE LA CREACIÓN Podemos comprender a la creatividad como la capacidad de aportar soluciones originales a los diferentes retos y/o problemas que se plantean a partir de la generación de ideas. Se caracteriza por abordar la realidad de forma original y flexible. Este proceso mental va estrictamente ligado con la imaginación, y por consecuencia, toda aquella persona que requiere hacer uso del pensamiento creativo debe de tener mucha información en su mente relacionada con el tema a tratar. El proceso creativo orientado a un fin, y con aras de materializarse en una obra, se caracteriza por los siguientes 5 elementos: 1. EL PROCESO CREATIVO CONLLEVA UNA ACCIÓN: Cuando se hace uso de la creatividad como fuente de innovación, no es suficiente concebir una idea, sino que tener la idea es solo el inicio. Para que la creatividad pueda materializarse y tener sentido, es necesario implementarla y que funcione. Una idea creativa que no es práctica no puede ser considerada como creatividad. Desafortunadamente, en el mundo acelerado en el que vivimos, una idea no la compra nadie, esa idea tiene que verse reflejada en un proyecto real para poder ser valorada. 2. LA FLEXIBILIDAD: Es la capacidad básica de adaptación, debido a que está referida al manejo de variadas categorías de respuestas frente a una situación concreta. En el proceso creativo, además de crear ideas válidas y prácticas, se deberá buscar que sean variadas para adaptarse mejor a las circunstancias que sean requeridas según sea el caso. 3. ORIGINALIDAD: Es la capacidad de crear respuestas, que además de ser consideradas válidas y flexibles, al mismo tiempo resulten novedosas e inesperadas y que por lo tanto, provoquen un cierto impacto y que sean el detonante de un factor de cambio. 4. FLUIDEZ: Este es un elemento cuantitativo, no cualitativo. Es aquella capacidad que tenemos las personas de generar en el proceso creativo muchas ideas de forma rápida, particularmente de la fluidez de pensamiento. Esta característica de la creatividad nos permite la producción abundante de ideas, un mayor número de soluciones a situaciones o problemas. FOTOGRAFÍA: GUILLERMO LÓPEZ GAONA 5. MOTIVACIÓN Y PASIÓN: La pasión por realizar nuestro proyecto determina el grado en el que nos involucramos al buscar la competitividad y al intentar que nuestro proyecto llegue al punto que deseamos. Esta no es una característica indispensable del proceso, pero sí es un valor añadido que hace más interesante nuestro viaje inventivo. junio 2022 15 �PPOORRTTAADDAA EN BUSCA DE LA INSPIRACIÓN Comúnmente se tiene esta idea de que la concepción de las mejores obras, los resultados más favorables y las acciones más significativas se llevan a cabo bajo los efectos de la “inspiración”. A decir verdad eso es sólo quedarse con la parte más romántica del proceso. La mayoría de las personas pasan por alto el hecho de que ese “momento divino” viene a raíz de una actividad que fomenta esa práctica. Por eso es necesario realizar actividades diarias para estar en constante movimiento y aprovechar de mejor manera esa bocanada de ideas y conceptos que ayudan a perfeccionar lo que haces. La inspiración, en su gran mayoría, es un estímulo, y éste es una señal interna o externa que es capaz de influir en un objeto y hacer que éste reaccione ante tal señal. Es por eso que la mayoría de los episodios de inspiración que podemos llegar a tener son producto de una sensación, un lugar tangible y/o imaginario en el cual estuvimos. Algún sentimiento que nos recordó los pasajes más emotivos de nuestra vida, o directamente a una persona que nos provee la energía y fluidez necesaria para poder afrontar nuestros retos más difíciles, acompañándonos con esa inspiración, que en muchas ocasiones, termina por ser la explotación de ideas que ya tenemos, pero vistas desde otro punto de vista. De hecho muchos episodios ilustres de la época moderna y la cultura contemporánea han sido resultado de la mitificación de este concepto. Músicos que han compuesto piezas excepcionales, artistas que han pintado sus mejores obras, escritores que han conseguido plasmar sus mejores ideas en papel, entre otros. Esto hace todavía más grande el mito de que “el artista sólo trabaja bajo inspiración”; lo cierto es que aquella persona que realmente es consciente de su potencial, sus limitaciones o que tiene la habilidad de la autocrítica, tiene la suficiente sabiduría para trabajar sin inspiración. Pues ser una persona que sólo trabaja esperando esos momentos de “iluminación” en esta época es algo que da mucha ventaja a otras personas. 16 junio 2022 LA INESPERADA VIRTUD DE LA DEDICACIÓN Dicen que no existe una recompensa que no sea equivalente al esfuerzo impregnado en tratar de conseguirla; aun cuando estas recompensas son aparentemente “fáciles de conseguir”, siempre existirá el factor humano, el cual involucra la superación personal. Por tal motivo, las personas que constantemente se encuentran en movimiento, en busca de nuevos retos, están en busca de obtener mejores resultados o en este caso mejores recompensas. La dedicación es todo aquel esfuerzo implementado con dirección a un objetivo en una unidad determinada de tiempo. Esta constancia se desarrolla, se obtiene; por tal motivo es considerada como una virtud, una cualidad y, en el mejor de los casos, en una característica. Podemos desarrollar esa virtud de la dedicación mediante diversas acciones que dependen enteramente de nosotros: OBTENIENDO RESPONSABILIDADES Es adquirir conciencia del potencial que podemos llegar a desplegar del lugar en el que nos encontramos, así como de la necesidad de tomar el control de nuestros propios actos prestigiándolos lo más posible. Es una buena oportunidad de medir las capacidades del artista y sus límites. �DANDO UN ESFUERZO EXTRA Ir más allá de lo que habitualmente tenemos planificado fortalecerá nuestra energía interna y nos brindará una gran sensación de plenitud y satisfacción personal. Al llevar a cabo esta práctica en un corto plazo nos daremos cuenta que esos pequeños detalles creativos nos proporcionan mejores resultados. SABIENDO DISTRIBUIR NUESTRO TIEMPO El tiempo que le dedicamos a cada una de las actividades que realizaremos puede ser la clave para evitar el estrés, así como la presión que termina perjudicando el proceso entero. Completar lo que empezamos, cerrar ciclos de la mejor manera y cultivar nuestra claridad e impecabilidad en cada una de nuestras esferas de acción nos llevan a disipar el caos y traer calma y claridad a nuestro mundo. TRABAJANDO EN LO QUE TE GUSTA Te permitirá multiplicar tu productividad, es decir, ser más eficiente en el trabajo y conseguir mejores resultados que los que no podrías obtener en un puesto de trabajo que realmente no te hace feliz. Cuando trabajas en lo que realmente te atrae y te hace feliz, tus sentimientos también serán más positivos y estables. LA DERROTA VIENE IMPRESA EN EL INTENTO Un verdadero artista es constantemente víctima del fracaso, eso es prácticamente ley de vida porque cada fracaso constituye lo que realmente serás. Éste forma su estilo y puede proveer una perspectiva a medida de cada intento fallido que él artista puede tener. Una característica de las personas que logran sobresalir es la resiliencia, eso que se define como la capacidad humana de sobreponerse a los golpes de la vida. La persona resiliente es aquella que acepta el fracaso como parte del juego, ve la vida como un escenario lleno de retos que hay que superar y tiene una actitud desafiante ante la adversidad. El gran dilema es que el fracaso es relativo, dentro de un estándar social o profesional cualquier decepción laboral puede precisarse como derrota, pero en muchos casos, cada caída es simplemente un paso en falso que se da sin necesidad de polarizarlo hasta convertirlo en lo que conocemos como fracaso. Incluso para un eficaz auto-sabotaje personal es inherente separar el fracaso del éxito, ya que, contrario a lo que suele mencionarse, ninguno de los dos nace a partir del otro. De la quietud nace la inspiración y del movimiento surge la creatividad. ” ISABEL ALLENDE La relatividad del fracaso es similar a la perfección ya que se rige bajo parámetros personales, por lo cual, cuando alguien intenta compartirte las “10 claves para levantarte del fracaso” lo hace desde su perspectiva, que si bien, puede ser un consenso bastante próximo a tu ideología. A final de cuentas no deja de ser un lineamiento personal, o como Aristóteles alguna vez mencionó: “El fracaso se dice de muchas maneras”. junio 2022 17 �P S O E C R C T A I Ó DN A REFLEXIÓN AUTOR ALGO QUE NO NOS SIRVE, PERO QUE TODOS NECESITAMOS, Y VICEVERSA Friedrich Nietzsche afirma “la vida sin arte sería un error”. Mientras que su contemporáneo Oscar Wilde, en el prólogo de su novela, El retrato de Dorian Gray escribió: “todo arte es inútil”. Este oxímoron se origina por dos pensamientos fundamentados por los puntos de vista y la experiencia de cada artista, así que ¿quién tiene la razón? La verdadera respuesta podemos formularla a raíz de conceptualizar ¿qué es útil? En el margen de la productividad, la filosofía y el arte son inútiles. Sin entender su capacidad de mostrarnos un modo distinto de expresar e interpretar lo real, el hombre piensa, trabaja y “juega”, entendiendo aquí el juego como una acción sin utilidad, una actividad divertida, pero también una necesidad antropológica que ha originado la creatividad. Se comete el error de adoptar lo útil como medida de todas las cosas, llegando a valorar lo humano en función de su utilidad y olvidando que cada persona es única e irrepetible. Consciente de su finitud y con un grado de libertad que le permite elegir hacer cosas inútiles por puro placer. El ser humano no se limita a lo material y necesario, sino que necesita cultivar su espíritu. Desde sus orígenes, en un impulso fundamental el hombre ha hecho arte, siendo a veces su arte lo único que ha sobrevivido. El artista necesita crear y además sus congéneres disfrutan y valoran el arte que otros han creado y es por ello que perdura en el tiempo. El arte define nuestra capacidad de apreciar la verdad y la 18 junio 2022 belleza por su carácter moral. Éste nunca pierde su valor precisamente porque no es útil, sino por que resulta ser placentero, a la vez que atrevido, desconcertante y misterioso. Éste es el paradigma de la inutilidad suprema, sublime y fascinante. Nuestra necesidad de crear cosas es la esencia del ser humano porque es inquieto por naturaleza. En ocasiones hacemos cosas sólo por la experiencia, por generarnos nuevas perspectivas o por aprender conceptos nuevos. La raíz del arte yace en eso, si es útil o no depende completamente de la persona que lo consume, y aún más del autor que lo genera. Sí para ti es indispensable contar ficciones, crear fotogramas, dibujar pensamientos o grabar historias, que no exista nadie que te diga que eso no es necesario. Si crear arte es útil para ti, eventualmente será necesario para los demás. CREAR ES UN PROCESO EGOÍSTA, PERO ES LA ACCIÓN MÁS GENEROSA POSIBLE En la gran mayoría de procesos de desarrollo de cualquier producto o servicio, existe una intervención de valores personales que cada elaborador le impregna. No necesariamente esos valores tiene que ser propios del autor o inventor de la obra, mientras más personas tengan acceso a la realización del proyecto, más factores intervendrán en la concepción final, en este caso todos cumplen un fin; un fin que puede tener intenciones realmente genuinas y de responder una duda o satisfacer una necesidad. Cualquiera que sea el caso, debemos comprender que uno de los principales componentes que incentivaron esa �TRANSMISIÓN EXPOSICIÓN ideología es que el artista debe pensar en sí mismo para crear, decisión de emprender aquello que deseabas es el egoísmo. Durante toda mi infancia, siempre me preguntaba ¿por qué en sus métodos, procesos, mensaje y estilo para obtener malos padres le prohíben a sus hijos ser egoístas? Era más una terial suficiente que se utilizará para generar lo que sea que se cuestión de identidad que de valor, si un niño no compartía deba generar. Muchas personas cometen un error al pensar que el artista aquello que poseía, entonces todos los otros niños no se relacionarían más con él y los otros padres culparían a los del niño tiene una responsabilidad social, que tiene que ser un líder de opinión, o que debe ser más influyente que nuestros egoísta, lo que les crearía mala reputación, y nadie gobernantes, cuando la realidad es que nunca ha sido quiere eso ¿o sí?.Pero la realidad es que el egoísmo así. El arte no es algo que deba cargar con el peso de no debería de verse como lo peor del comportamienmuchas minorías, y claro está que no puede satisfacer to humano. Muchas veces el egoísmo es la reiteraa la gran mayoría de las personas. No conozco alguna ción de lo mucho que anhelamos alguna recompensa ley o norma que se haya reformado a raíz de una obra, o es el recordatorio de todo el esfuerzo que ejercimos película, o pintura, pensar así sólo condenaría nuestro para conseguir algo. producto aún y cuando éste ni siquiera salga a la luz. El artista crea por necesidad, por inquietud, para Paradójicamente ese egoísmo que puede contextuaresponder una pregunta, pero sobre todo el artista INSTAGRAM lizar a la obra, es la acción más generosa del artista pordebe regirse por un motivo. Ese motivo tiene que ser REDACCIÓN que secretamente en el marco teórico de la proyección hasta cierto punto egoísta, pues ese egoísmo puede @_omarguajardo de la idea está implícito el deseo de transgresión. presentarse en distintas alternativas, no solamente Esa transgresión que hace que los emprendedores por fama, ni para que nuestro ego se enaltezca de FOTOGRAFÍAS se decidan a comenzar a crear, el poder transmitir un tal manera que seamos recordados por siempre. El @memolpzg mensaje, un pensamiento y generar algo con base en artista tiene una visión y esa manera de ver las coese proyecto. sas, es la que intentamos transmitir. La persona debe En las membranas de cada acción se encuentra adherido sentirse completamente realizada con su obra, debe ser su primer crítico y decretar si lo que hizo está listo para mostrarse. un fuerte deseo y ese deseo termina por ser una de las motivaTratamos de hacer que las personas consuman ese punto de ciones más grandes de los artistas. Por lo tanto, el egoísmo de vista, y eso está bien, no necesariamente es malo. Muchas otras cada obra termina fructificando ante la natural necesidad de personas además del artista hacen eso. Lo que mantiene esta comunicarnos como seres sociales. REDES SOCIALES: junio 2022 19 �E M P R E N D I M I E N T O LA VIRTUDde la VÍCTOR MORENO DIFUSIÓN CULTURAL En esta edición platicamos con Víctor Moreno, fundador y CEO de la marca MTY360, que cuenta con un medio de difusión artística que acumula más de 50.000 mil seguidores en sus diversas plataformas y con un portal de internet que recibe miles de visitas diarias. POR: OMAR GUAJARDO L os medios de difusión digitales son la lógica evolución del medio impreso, es decir que proceden de los formatos de divulgación de diversas noticias, como es el caso de: los periódicos, los folletos, libros o revistas. Víctor Moreno de MTY360 platicó con nosotros, con motivo de conocer su punto de vista sobre el aporte de los medios digitales al ámbito artístico. CONECTANDO CON EL PÚBLICO ¿Cuáles fueron los indicios y cómo surgió la idea de emprender en un medio digital propio? Yo antes colaboraba en “Hellow”, solía escribir un blog y ahí comencé a agarrarle sabor al medio. Después me fui a ABC y ahí tenía una columna todos los sábados y a partir de eso yo quería seguir escribiendo de cosas que me gustaran, no sólo de música. Hasta que un día platiqué con un amigo y surgió la idea de crear un magazine digital. Después platicamos con mi hermano y decidimos emprender el proyecto con una página digital. ¿Existieron dificultades u obstáculos al inicio del proyecto? La verdad es que no muchos, por ejemplo, en el ámbito de conciertos yo ya conocía a varios contactos, conocía a muchos productores de aquí de Monterrey y comencé a solicitar acreditaciones para los eventos. Pero, en la cuestión digital sí hubo obstáculos, debido a que alimentar la web fue difícil ya que sólo éramos tres personas colaborando he intentábamos siempre mantener actualizado el portal, y sí, los primeros tres meses sí fueron pesados. Después entraron un par de colaboradores más, logramos solventar la página y le seguimos para adelante, ya con ayuda de ellos. 20 junio 2022 La marca de MTY360 se ha mantenido como un medio digital, ¿fue planeada así desde un principio? Sí, al principio surgió la idea de intentar hacer las revistas semanales o mensuales en formato impreso, pero la verdad es que a mí no me llamó mucho la atención de tener un medio impreso, porque hoy en día la mayoría de las fuentes de información son digitales. El alcance que ha conseguido el portal y sus redes sociales ha ido creciendo exponencialmente con el paso del tiempo ¿alguna vez has sentido que la marca ha sobrepasado tus expectativas o pretensiones? Sí, sobre todo al principio cuando algún famoso o celebridad te da retweet o utiliza o comparte las fotografías que le tomaste en algún evento, al inicio si me sorprendía mucho, pero ya con el paso del tiempo veo normal cuando sucede algo así. Todo eso ayuda mucho en la exposición de las redes sociales. Por ejemplo una vez subí una publicación en twitter y Chumel Torres lo compartió, y eso generó muchas interacciones y seguidores nuevos en la página. También Billy Corgan de “The Smashing Pumpkins” una vez compartió durante varios días fotografías que le tomamos en el Riot Fest de Chicago y bueno, eso da mucha vitrina en redes sociales y exposición como medio digital. Aparte de la zona del área metropolitana, ¿en qué otros lugares y eventos ha hecho cobertura MTY360? Todos los años vamos al Austin City Limits, hemos ido a muchos festivales en Texas, al Riot Fest de Chicago, también al Kaboo de San Diego en sus primeras dos ediciones. Teníamos acreditaciones para el Mad Cool en Madrid, pero la pandemia canceló el evento. También en Inglaterra fuimos al Glastonbury, y en Méxi- �REDES SOCIALES: WEB www.mty360.net INSTAGRAM @mty360 TWITTER @mty_360 FACEBOOK @MTY360 Fuente: MTY360. Foster the people (Pa´l Norte 2021) co hemos ido al Corona Capital y al Vive Latino, entre otros, y claro contando a los festivales más cercanos al área metropolitana. ¿Cuál es el marco contextual y periodístico que MTY360 suele cubrir? Más que nada nos enfocamos en los conciertos, festivales, musicales, eventos; también funciones de prensa en el cine. En ocasiones subimos post de tecnología, redes sociales y también de deporte, sobre todo en el ámbito local, cosas relacionadas a la cultura popular. Por ejemplo, hemos cubierto aperturas de galerías, eventos artísticos y exposiciones en museos. ¿La idea de tener colaboraciones siempre se mantuvo vigente desde el inicio? Sí, yo ya había hablado con diferentes personas que conocía –de deportes sobre todo–, gente que en otros lugares tenían menos espacio o no les permitían muchas notas y acá (en MTY360) si alguno de ellos me pedía una oportunidad, yo les dejaba la hoja blanca para que desarrollaran sus artículos. ¿Qué elementos y/o aspectos consideras fundamentales para el desarrollo de las piezas de contenido de los colaboradores de MTY360? Personalmente, creo que lo más esencial es que aporten ideas nuevas, porque es muy fácil copiar la información. Es importante que el colaborador trate de aportar un punto de vista particular. Siempre intentamos que los contenidos tengan un toque personal de cada autor, nosotros no censuramos nada, solamente que el mensaje no sea emitido con malas palabras o groserías. Por ejemplo, la gente que empezó conmigo en el año 2015 aún se mantiene colaborando con nosotros, siguen sumando experiencia laboral quizá en otros medios, pero ligados al proyecto (MTY360). Lo que trato es que la gente que colabore realmente haga contenido que le guste, porque si le gusta lo que hace, lo seguirá haciendo. La perseverancia es quizá la aptitud que se vuelve fundamental para lograr trascender en algo, LA CONSTANCIA ES MUY IMPORTANTE PORQUE SE VUELVE VISIBLE”. VÍCTOR MORENO FUNDADOR DE MTY360 ¿En qué forma crees que MTY360 aporta al ámbito artístico? De diferentes formas, pienso que primordialmente en la difusión de la cultura popular, por ejemplo a los artistas locales, sitios turísticos que no necesariamente son los lugares típicos, el propio arte que los colaboradores en MTY360 suben a sus redes y con la exposición de los eventos que se llevan a cabo no solamente en la ciudad sino en diferentes puntos en los que la marca (MTY360) acude. Logo oficial de la marca MTY360 junio 2022 21 �E M P R E N D I M I E N T O SUEÑOS MUSICALES DE LA FAV Actualmente Kato Martínez combina su trabajo de marketing digital en MVS radio con sus proyectos musicales, y como la mayoría, ha tenido que buscar ingreso para desarrollar sus propios proyectos, en esta entrevista nos demuestra que no es imposible y nos cuenta su secreto para tener éxito. POR: NERY ARÉCHIGA C reo que hablo por una gran parte de nuestros lectores cuando digo que en algún momento hemos soñado con ser grandes artistas; justo como con los que crecimos admirando por todo lo que su trabajo provocó en nosotros; pero sin duda alguna, el arte es algo que contiene diversas ramas de expresión y una de esas es la música. Muchos de nosotros tenemos objetivos claros desde un principio y nos esforzamos durante todo el trayecto hasta lograrlo, pero otros dentro de este abanico de sabiduría nos dejamos llevar para poder encontrar ese granito que mueve todas nuestras ganas y despierte el interés y amor por el proceso artístico que más nos acomode. Y este fue el caso de Kato Martínez, un increíble talento egresado de la Facultad de Artes Visuales, con un enfoque a la producción musical muy especial, y en esta edición nos comparte su experiencia para inspirar y apoyar a cualquiera con la misma aspiración. ¿Por qué decidiste estudiar LLyPA? Kato: Investigando y tratando de encontrar algo que a Kato le emocionara, descubrió que había algo en esta carrera que capturaba su atención, “el hecho de agarrar una cámara y grabar cualquier idea me llamaba mucho la atención y me movía por dentro”; estoy contento de haber tomado esa decisión sin 22 junio 2022 indagar de más. Así es como Kato hizo un clic instantáneo con el plan de aprendizaje y siguió su corazón. Soy afortunado de haber dado en el blanco y no haberme traicionado a mi mismo en el sentido de haber tomado una carrera que es muy juzgada. ¿Los planes de la producción músical ya estaban desde un principio o se fue añadiendo a tus prioridades? ¿Cómo decidiste dedicarte a producir ? Kato: Yo desde muy pequeño fui víctima de las rutinas de mis padres y una muy bonita de ellos era escuchar música e ir al cine, así que creo que inconscientemente esa pasión estaba dentro de mi cabeza pero la que más predominaba era el grabar, hacer guiones, actuar y toda esa onda. Es hasta tercer semestre que conocí a un compañero del mismo campus en la Facultad de Música que se llama Diego Arizpe con el cual descubrí que compartimos muchos gustos y formas de pensamiento tanto musicales como de arte. Él me enseñó cómo veía el tema de la música y poco a poco se abrió ese caparoncito de la música hasta el día de hoy. Siempre me gustó escribir cosas y cuando decidí ponerme las pilas fue hace como tres años pero tengo muchas cosas guardadas para estar chambeando en la música. Me apasiona mucho cantar y hasta hace poco me la creí. �¿Cómo combinas tu trabajo y estudios con tus proyectos musicales? Kato: Tengo la fortuna de que están relacionadas inherentemente ambas, son arte. Pasé cuatro/cinco años de mi vida estudiando una carrera que no está directamente relacionada a la música pero ¿Cómo puedo sacarle provecho?. ¿Cómo puedo trabajar? Y es ahí cuando pongo en práctica mis conocimientos de producción audiovisual para complementar mis proyectos musicales y es muy gratificante. Me doy cuenta que los equipos de los proyectos de los artistas grandes, tienen un equipo basto con mucha gente atendiendo diferentes aspectos del negocio musical y viéndolo como artista emergente Indie, pues tengo la fortuna de que conozco cómo trabajar varias áreas que complementan el trabajo del músico aunque no haya estudiado para serlo. Sin duda cualquier profesión puede encontrar la manera de involucrarse con el arte que más le acomode . ¿Cómo ha sido tu experiencia de tus proyectos personales como productor musical hasta el día de hoy? Es una experiencia demasiado hermosa el hecho de pensar hasta dónde puede llegar algo que tú escribiste o pensaste. A mi me gustan mucho los compilados, entonces viéndolo así, soy una persona que le gusta planear cada detalle de lo qué hay dentro, ese es mi trabajo personal como artista. Una de las herramientas que nos da la carrera son los contactos, tuve la oportunidad de socializar sanamente con mis compañeros antes de la pandemia y cuando tomé la decisión de grabar mi primer material discográfico fue a raíz de eso, porque conocí a un compañero involucrado en todo ese ámbito. Tuve la fortuna de conocer a Alan Urbiales que es un gran productor de Monterrey y fue todo lo que necesitaba para animarme y poder dar este gran paso. Todos estos prospectos de grabar y todo es cuando descubro, que mi pasión número uno es hacer música y mi pasión de hacer cine se convirtió en mi pasión número dos pero siempre está ahí y me gusta mucho complementarlas. Es algo maravilloso toparse a muchas personas en el camino y darse cuenta que varias han recorrido lo mismo que yo, desde haber estado en la misma facultad, estudiando lo mismo. ¿Qué consejos puedes darle a los lectores con base en tu experiencia? Si tienes la chispa de hacer música háganlo con determinación, paciencia y perseverancia, “la peor cosa con la que te puedes enfrentar es contigo mismo”. Es increíble cuando te metes y encuentras qué hay colectividad, pero el verdadero reto es que voy a hacer yo para destacar del resto”. ¿Cuáles son tus planes para este 2022? CAVILO SE ESTRENA PRONTO, dentro de unos pocos meses aproximadamente para Abril estaré estrenando un EP de seis canciones y un intro. Cavilo significa pensar profundamente y creo que dió como anillo al dedo con lo que estaba tratando de decir con este material. Es amarillo me gusta jugar con los colores y eso es lo más próximo para este 2022 en cuanto a lanzamientos. Es algo maravilloso toparse con muchas personas en el camino y darse cuenta que varias han recorrido lo mismo que yo, DESDE HABER ESTADO EN LA MISMA FACULTAD ESTUDIANDO LO MISMO” junio 2022 23 �E N F O Q U E SOFÍA SEGOVIA L EN a literatura es una de las ramas del arte más antiguas y necesarias en la historia del ser humano. Es fundamental FOQU E en la idiosincrasia social y un aspecto infalible para la comunicación humana. La literatura impresa tiene sus raíces desde el siglo XV cuando, Johannes Gutenberg, revolucionó el mundo al inventar la prensa de imprenta y a lo largo de los años esas palabras tintadas en papel se han convertido en una oportunidad de conexión entre un emisor y un receptor. Es por eso que en esta edición reconocemos la labor de los artistas que se dedican a la literatura y la utilizan como método infalible de la expresión humana. Así que nos reunimos con Sofia Segovia, autora originaria de Monterrey, Nuevo León, ella es conferencista, escritora y best-seller de tres libros: “El murmullo de las abejas”, “Huracán” y “Peregrinos”, además de sus diversos proyectos como, “El pasado como memoria del futuro”. Hablamos con ella para conocer su punto de vista sobre diferentes cuestiones que conciernen al ámbito artístico y a la literatura contemporánea. Sofía Segovia “−Hay cosas que angustian y que nos mueven a contar esas historias a literatura es de unaalguna de las ramas del porque arte másese manera, antiguas necesarias ennunca la historia ser o tipoyde historias estándelsueltas humano. Es fundamental en la idiosincravienen conectadas en un plazo de tiempo o sia social y un aspecto infalible para la coson una La tendencia.” nicación humana. literatura impresa tiene sus L ces desde el siglo XV cuando, Johannes Guteng, revolucionó el mundo inventar infalibles la prensa que de te ¿Cuáles son esosalelementos constituyen a ti (Sofía Segovia) como artista? tiene que estar súper conectada con la realidad y con todo lo prenta y a lo largo de los años esas palabras tinYo pienso que es un todo, así como el ser humano, no se puede que está pasando, realmente conectada con las noticias y las as en papel se han convertido en una oportunidefinir de manera lineal, así como la vida, como la historia, es historias verdaderas. Yo pienso que de ahí saco muchísima si d de conexión entrepienso un yo emisor receptor. Es por supues- no inspiración, sí esa angustia. Hay cosas que angustian y que una esfera, que así yes.un A mí, por ejemplo, eso que en éstalasedición reconocemos la labor to que anécdotas, todas las historias que mede han contado y son nos mueven a contar esasinfalibles historias de que alguna ¿Cuáles esos elementos temanera, consti-porque que he leído, porque considero que mientras tenemos fama de ese tipo de historias nunca están sueltas o vienen conectadas en artistas que se dedican a la literatura y la utili- tuyen a ti (Sofía Segovia) como artista? vivir un porcentaje del día en el éter otro aspecto de mi vida un plazo de tiempo o son una tendencia. Es lo que me ha imcomo método infalible de la expresión humana. Yo pienso que es un todo, así como el ser humano, 24 junio 2022 no se puede definir de manera lineal, así como la vida, í que nos reunimos con Sofia Segovia, autora origiia de Monterrey, Nuevo León, ella es conferencista, como la historia, es una esfera, pienso yo que así es. �lante estudié la carrera de comunicación porque me gustaba mucho escribir, yo quería escribir como periodista, pero en la carrera me decía: “No le agregues flores a tus relatos”. Lo cual ahora que lo pienso es una cualidad muy interesante para cualquier novelista. pulsado a escribir desde el año 2000, porque siento la necesidad de estar conectada con lo duro, lo crudo de la realidad. ¿Qué soy? Soy una persona que tiene todas las dimensiones posibles y que las exploro, hay parte de lo que hago que es absolutamente intelectual y hay parte de lo que hago que viene absolutamente del corazón. Exploro todo eso y el resultado da historias que provienen de la exploración de las emociones y de la condición humana, sin dejar de lado ese aspecto que invita al lector a cuestionarse cierto tipo de cosas. ¿Recuerdas tus primeros contactos con el ámbito artístico? Soy de Monterrey y eso es importante mencionarlo, el Monterrey de 1965, porque el entorno en el que vivimos también nos conforma, nos constituye, nos cuenta nuestras historias, pero finalmente ¿qué era Monterrey en mi infancia? Era una ciudad que estaba encontrando su estabilidad económica, pero apenas estaba en búsqueda de su vocación artística. En ese tiempo casi no había conciertos o librerías de literatura para lectores, no había muchos museos, no se hacía mucho arte, entonces ¿Qué sucede? Yo leí toda mi vida, no hubo un libro como tal en el que yo pensara, “voy a ser escritora”. Lo que sí, de todas maneras, es que a pesar de que era una ciudad muy industrial, en mi familia se leía mucho, cada Navidad el Santa Claus nos traía colecciones de libros, algo que apreciaba mucho. En mi familia era muy normal la lectura, no tanto en el exterior o al menos no era algo muy común, no conocí a ningún autor, nada me acercó a eso. Más adelante estudié la carrera de comunicación porque me gustaba mucho escribir, yo quería escribir como periodista, pero en la carrera me decía, “no le agregues flores a tus relatos”. Lo cual ahora que lo pienso es una cualidad muy interesante para cualquier novelista. ¿Cuáles fueron tus primeros pasos en el ámbito profesional? Juntando todas estas lecturas e historias, en toda mi vida nunca me separé de la lectura, siempre supe que me encantaba la literatura, pero siempre creí que se hacía en otro lado, en Monterrey no, pero después iba a ser el año 2000 y el mundo se iba a acabar, así nos lo anunciaron (risas) y no que yo creyera, yo pienso que la vida es más grande que los unos y ceros. Pero resulta que sí me hizo una invitación, para detenerme un poco y escuchar mi interior, escuchar y quedarme en silencio de todo lo demás. Escucharme a mí y decir “si se acabara la vida, ¿qué tendrías al final de todo?, ¿algo que mostrar? ¿un legado que dejar?. Sí, muchas cosas había escrito, había escrito cosas para campañas políticas en diferentes proyectos y así, y mi familia, mis hijos, muchas cosas que me siento orgullosa, pero ¿qué era lo mío? Y comprendí que lo mío, lo mío, eran los cuentos que escribí de niña y de jovencita, de la carrera, comprendí que no tenían que ver con nadie más, no eran para cumplir con otra persona, era para cumplir conmigo. Entonces busqué un taller de creación literaria aquí en Monterrey, fui y la primer pregunta que me hicieron fue ¿de qué se trata tu novela? y yo pensé: ¿se puede soñar con eso? y eso lo convertí absolutamente en este sueño que siempre debió haber sido mío, pero que nunca me di cuenta (ni siquiera) que tenía derecho a él, para nada. Fue algo muy curioso, porque fue un momento detonador. La siguiente semana llegué con el primer avance de mi primera novela y de ahí comenzó todo. El mensaje que envías necesita un receptor y eso fue una maravilla para mí, tener receptor del mensaje de mi primera novela que fue “Noche de huracán” el que me inspiró, ahora sí a escribir “El murmullo de las abejas” la cual me abrió la puerta al mundo. Referente a que el mensaje tenga que tener un receptor ¿Qué opinión tienes sobre que tus obras tengan que ser calidad por el público? Es algo absolutamente maravilloso, yo comencé a abrir mi tiempo y decidí también ocuparme en hacer éstas reuniones maravillosas con lectores y comprender que, si, yo escribí la novela y le puse punto final y lo festejé aquí con mi familia, pero, finalmente el verdadero punto final se lo pone cada lector y es algo de lo que hablo mucho y festejo. Los lectores son absolutamente libres de recibir el mensaje y comprenderlo desde su perspectiva. Pero cuando leemos estamos absolutamente solos en ese junio 2022 25 hacía a ser anun la vid que me u darm y de todo ¿Un habí rente cosa Y com escri dí qu cum Ento Mon fue: soña sueñ nunc a él, mom el pr men tor y men cán" llo d �E N F O Q U E mundo ficticio planteado por la obra y estamos solamente con nosotros mismos, nuestros pensamientos, emociones y la empatía que podemos tener con cualquier de los personajes. Con toda libertad, tú libertad, y entonces a veces encuentras lectores que se van más por ciertas interpretaciones, por ejemplo, en “El murmullo de las abejas” hay quienes dicen que “es un libro de ecología” y hay otros que dicen “es un homenaje a la vejez” y todo es válido. Es algo en lo que creo absolutamente y festejo cuando veo las críticas de mis obras y aplaudo la libertad de cada lector. A ti como lectora ¿Con cuáles libros te has sentido muy identificada y que hayan sido muy importantes en tu vida? En lo personal me gusta mucho una novela que se llama “A Gentleman In Moscow” de Amor Towles, me agrada el ritmo que tiene sin prisas. Me gusta mucho también “La fiesta del chivo” de Mario Vargas Llosa. Te podría mencionar también “Platero y yo” de Juan Ramón Jiménez porque fue el primer libro en el cual descubrí que la tinta negra también hace imaginaciones en la mente, cuando era niña pensaba, “tengo a platero en mi mente”. Lo recuerdo con mucho cariño y de ahí hasta muchos otros libro más, yo suelo leer de todo y eso es algo que pienso que se refleja en mis propios libros porque a mí no me importa mucho el género, sino que realmente lo que me atrapa son las historias bien contadas. 26 junio 2022 En tus obras se tratan temas regionales y eso ha conectado exponencialmente con público de todo el mundo ¿A qué crees que se deba ese efecto? En “El murmullo de las abejas” pasa eso, todas mis historias tiene mucho de local pero en ésta novela está más presente. Yo escribí esta novela con la angustia de completar la historia de México, porque es tan centralista que ni en los libros de historia cuentan al noreste de México. Monterrey nunca está en ningún libro de historia y yo precisamente quería decir, “ya me contaste mucho la revolución desde tu punto de vista centralista ahora quiero romper con eso y quiero contarte la desde el punto de vista y el momento histórico norestense de Linares en Monterrey”. Todo eso es el murmullo (de las abejas). Pero cuando terminé de escribirla, la envíe a la editorial y ahora sin mencionar que yo era de Monterrey. Después, resulta que a mi editora le gustó mucho el libro, inicio el proceso y en pocos meses fui a firmar el contrato. En la junta me mencionaron que mi novela era muy local y que era difícil que fuera a trascender a diferentes lugares no sólo de México sino del mundo, a lo que yo les mencioné, “yo si veo mi novela funcionando en todos lados” y hoy me enorgullece haber tenido esa convicción. Toda la literatura de la historia de la humanidad es regional. ¿De dónde es “Cien años de soledad”? es regional. Qué maravillosa es la literatura porque es un viaje precisamente a regiones concretas del mundo, un viaje que los �lectores queremos emprender, ¿por qué alguien no querría emprender el viaje a Linares?, sí yo me la paso por todo el mundo ¿por qué no van a aceptar esta invitación que yo estoy haciendo?, lo regional a mí me parece que finalmente es lo que tenemos, no tenemos otra cosa, pero aún existen estas ideas de que la literatura mexicana solo tiene que contar cierto tipo de historias, de cierto tipo de lugares, de cierto tiempo de puntos de vista y es lo aceptado y medio se parece a cómo se cuenta la historia oficial de México, lo cual a mí me da mucha tristeza. Pero hay que defender lo regional pensando siempre que lo regional puede ser universal. En “Murmullo de las abejas” el personaje de Simonopio se caracteriza por tener valores como la lealtad, la inocencia, el amor incondicional y la libertad ¿Crees que son valores fundamentales que se necesitan en la sociedad de hoy en día? Si, es posible. Fíjate que encuentro que cada quien interpreta diferentes cosas, hay gente que se va por la cuestión de la naturaleza, que sí está muy presente también. Pero finalmente son valores universales o preguntas universales, problemas universales, ésta cuestión del hombre contra el gobierno también puede existir en la novela. Disfruté mucho escribiendo la novela, desde todas esas cosas que me gustan y luego ver cómo es recibida, poder decir,“mira, puede que hables otro idioma pero hasta entiendes el sentido del humor y eso es algo bien bonito, porque aquí hay un sentido de humor mexicano en esta novela”. Los humanos tenemos más cosas en común qué diferencias. El arte se ha presentado en muchas situaciones como el puente de conexión humana ¿Para ti que representa el arte en el entorno social? Estoy absolutamente de acuerdo, tan es así que tengo una asociación con otras autoras (3 y contando historias sin fronteras).La literatura es un puente, hablando se entiende la gente, leyendo se siente la gente. No hay más, hay que hacer el ejercicio de abrir un libro traducido y sentir lo que se siente ser mexicano, cuando eres de Estados Unidos o viceversa. Hay que atreverse un poco a sentir esa otredad. Por ejemplo, en Peregrinos (Libro de Sofía Segovia, 2018) existe un personaje que lo único que tiene a su disposición son granos de trigo y esos los usa para contarle cuentos a una niña. Él es polaco y la niña es alemana, no hablan el mismo idioma. Pero en esos dibujos, le cuentan sus cuentos que le contó su madre y resulta que terminan borrando todas las fronteras y creo que tenemos la prueba absoluta de que la literatura borra frontera. Se ha comentado que la literatura se encuentra escrita, pero el contexto y significado de muchas obras se modifica con el paso del tiempo ¿A qué crees que se deba eso? Qué maravilla son esos autores que escriben libros que no son necesariamente para un rango específico de edad, que tiene un público amplísimo, por ejemplo cuando la gente lee “Momo” o “El Principito” y piensa en la aventura de un niño que se vuelve un poco angustiante porque está sólo, pero luego lo vuelves a leer más adulto y te das cuenta que son relatos sumamente complejos y muy filosóficos, porque tiene que ver con qué entiendes más cosas al crecer y sobretodo comprendes mejor éste tipo de relatos. ¿Qué consejos les darías a todos aquellos que son Padres o Madres y que les ayude a incentivar el pensamiento creativo en sus hijos? Yo creo en la creatividad como forma de vida feliz y creo que eso es algo que nace desde nuestra forma de vida infantil. Simplemente, creo que ahora los Padres pueden estar mucho más dispuestos a encontrar los talentos de los hijos, los talentos bien particulares de sus niños. Incluso las escuelas también junio 2022 27 �E N F O Q U E los Padres deben de entender que hay que apreciar y respetar el momento en el que está el hijo en ese momento. Si el hijo piensa en “monstruos azules”, no cambiarles su pensamiento o decirles que los “monstruos son verdes” o “no existen los monstruos” Nunca dejen de tener ese puente con su imaginación y su creatividad y creo que ese puente puede ser la literatura. es que ue tenando ¿Tendrás algunos libros que hayas leído últimamente que recomiendes a la audiencia? Creo que sobre todo a mí me llama mucho la atención el espacio y los proyectos que están publicando autoras, obras hechas por mujeres, no me refiero a literatura femenina, no me gusta usar ese término, sino buenas obras creadas por mujeres, siento que hay una visión muy interesante que actualmente se está plasmando en los libros contemporáneos. Si recomendaría que centrarán la mirada en ese tipo de literatura. Afortunadamente México cada vez lee más y entre más leamos, más escritores van a surgir. entienNo hay un limexiicevertredad. Segoue tiesos los s polao idiouentos an bomos la ontera. ra has qué libros especímo, por incipivuelve uego lo son reporque crecer relatos. s . ¿Qué consejos les darías a todos aquellos que son Padres o Madres y que ayude incentivar el “−Si hay quelesestar alapendiente pensamiento creativo en sus hijos? del talento de cada hijo, implica estar abiertos a que la creatividad no viene Yo creo en la creatividad como forma de vida feliz y por que género. creo eso es algo que nace desde nuestra forma de vida [...] infantil. Si el hijo piensa »monstruos no estar Simplemente, creo que ahora los azules«, Padres pueden cambiarles su pensamiento o decirles que mucho más dispuestos a encontrar los talentos de los hijos, los talentos bien particulares de sus niños. los »monstruos son verdes« o »no existenIncluso las escuelas también exploran más esto, no tienes que los monstruos« ” ser realmente bueno en matemáticas, puedes ser bueno en literatura o en otras facetas y explorar eso. Si hay que estar pendiente talento hijo,bueno implica estar exploran más esto,del no tienes quede ser cada realmente en mateabiertos a que ser la creatividad no viene hay máticas, puedes bueno en literatura o enpor otrasgénero. facetas Si y explorar eso. Si hayelque estar del talento de cada hijo, que promover uso de pendiente la imaginación. Personalmente implica estar abiertos quees la que creatividad viene poryogénero. lo que concluyó deamí en minoinfancia nunca Si hay que promover el uso de la imaginación. Personalmente deje de ser lectora y creo que la lectura me ha seguido lo que concluyó de mí es que en mi infancia yo nunca deje de conectando hoyque enladía con lo yo imaginaba de hoy niña ser lectora y creo lectura meque ha seguido conectando yendarme no tengodeque de sorprenderdía concuenta lo que que yo imaginaba niñadejar y darme cuenta que no tengo dejar de sorprenderme por el de pensamiento ima-de me por que el pensamiento imaginativo mí misma ginativo de mí misma de cuando era niña. También creo que cuando era niña. También creo que los Padres deben de entender que hay que apreciar y respetar el momento 28 junio en el 2022 que está el hijo en ese momento. Si el hijo piensa en "monstruos azules", no cambiarles su pensamiento o En tu proceso creativo ¿Cuáles son esos elementos que te ayudan a que puedas crear obras de manera más solvente y eficaz? El proceso creativo precisamente lo que no busca es el mismo resultado siempre, yo creo que hay autores que si son así, que se encuentran una fórmula y funciona muy bien. Personalmente y lo que a mí me funciona no puede partir de ninguna fórmula, yo conozco otros autores y que son muy esquemáticos, muy organizados y hacen muchos procesos antes de crear una novela y entonces antes de que empiecen ya la tienen planeada al cien por ciento. Yo tengo un proceso creativo muy libertario, casi de libertinaje. Yo siento mi creatividad radica en la tripa (risas) ese es el instinto y no estoy tan equivocada, porque después descubrí que la tripa –el estómago– si está cubierta en una película de neuronas, lo cual quiere decir que si son muy primitivas, pero ahí en esa capa que tenemos en el estómago pueden radicar las mariposas por ejemplo. Esas que te indican el instinto de algo, el instinto de luchar o correr, yo siento que esas son los primeros avisos de algo, ese apretoncito que da el estómago, que te indica algo, en ocasiones el miedo o hasta a veces el amor, incluso antes que el corazón. Yo pienso que ahí radica la creatividad, este impulso, este instinto creativo. El impulso sale de la tripa y nos va a guiar a los recursos que nos ofrece nuestro cerebro. Entonces, yo escribo con la tripa y el corazón, ambos como punta de lanza, impulsados por el cerebro que me provee de información. Si les recomiendo mucho escucharse a ustedes mismos, escuchen su murmullo y no teman estar en completo silencio. �junio 2022 29 �A R T E FLOR DE LIZ CASTAÑEDA LA DANZA COMO MÁXIMA EXPRESIÓN CORPORAL CON Con motivo de brindarle un merecido homenaje y reconocimiento a esos artistas que se esfuerzan por comunicarse mediante su arte, platicamos con FLOR CASTAÑEDA, actual bailarina de la compañía del ballet de Monterrey, que cuenta con más de 20 años de carrera profesional en la cual ha logrado presentar su arte en muchas ciudades alrededor mundo. POR: OMAR GUAJARDO E l verdadero arte representa un proceso infalible que ocasiona mucho dolor, al igual que placer. Es decir, que para crear una obra, un artista se debe de enfrentar contra diversos obstáculos, ya sean tangibles e intangibles. Justamente, si existe una rama del arte que supone un esfuerzo tanto físico como emocional es la danza, ya que representa una de las máximas expresiones visuales del ser humano por medio de movimientos físicos que representan emociones y mensajes no verbales. Flor de Liz Castañeda es una bailarina profesional originaria de la Ciudad de México, con especialización en la interpretación de danza de concierto y aceptó nuestra invitación para charlar con nosotros sobre la danza como medio de expresión artística y su importancia en la contemporaneidad. LO MÁS ESENCIAL DE FLOR ¿Qué elementos o características crees que te componen a tí en el aspecto profesional? Mi mundo ha sido la danza y es donde he crecido. Creo que la danza es un arte que involucra el cuerpo, la ente y el corazón, entonces es una composición que hace al ser humano íntegro. Para mí, la clave ha sido siempre encontrar el gusto por lo que estoy haciendo, por cada cosa que estoy haciendo. En cada proceso tú vas teniendo altas y bajas, pero la clave es siempre tener un objetivo que te apasione, que tú quieras lograr por ti, que tus sentimientos estén involucrados y por lo tanto eso te va llevar a salir. La clave de todo ese proceso es aprovechar lo bueno, lo malo, lo difícil y lo fácil, todo es un conjunto. La clave es no perderte, tener el objetivo y ya de ahí vas ir sumando o restando, pero si, saber a dónde quieres llegar o transmitir a un público. 30 junio 2022 REDES SOCIALES: INSTAGRAM @flowerdelizcc En tu caso particular ¿eres una persona de estar constantemente trazandote metas? En general sí, sí soy una persona que siempre se traza objetivos o metas. Aunque también he aprendido que en el mundo del arte eso varía mucho, porque muchas veces, tu vas por un objetivo o un camino y dentro te encuentras algo que te va a dificultar el camino, pero esos obstáculos que se presentan te llevan a otras cosas mejores. �LA ARTISTA DETRÁS DEL ESCENARIO ¿Qué te impulsó a escoger la danza como la rama artística a la cual terminarías dedicándote? Desde pequeña estuve inmersa en ese mundo, tuve maravillosos maestros que siempre me inculcaron el ser no sólo una persona, sino también una bailarina integral. Yo soy graduada de la academia de la Danza Mexicana y mi carrera es como intérprete de danza de concierto. En ese plan de estudios se llevaban 8 años de ballet clásico, 6 años de contemporáneo y también 6 años de danza folclórica. Muchos estaban como en contra de ese plan de estudios porque argumentaban que no se creaba una bailarina completa. Para mí, fue lo mejor que pude haber cursado, porque me volvió bailarina integral y dentro de eso, también los maestros me enseñaron el camino hacia las demás artes que a lo mejor no son mi especialidad, pero si conocí, abrí mi mente, la mirada y el corazón hacia otro tipo de artistas. Salir a una exposición, escuchar un buen concierto, apreciar un película y eso, no solo te enriquece como artista, sino como persona. ¿Recuerdas ese primer momento o lugar en el que te sentiste muy atraída por la danza? Yo creo que el momento en el cual yo dije, “yo quiero estar aquí, yo quiero bailar, yo quiero dedicar mi vida a esto”, fue de las primeras funciones a las que empecé a ir al palacio de bellas artes en la ciudad de México. Yo soy originaria de allá, ahora vivo en Monterrey por la compañía en donde bailo (Ballet de Monterrey), y recuerdo haber pisado el palacio de bellas artes y quedarme maravillada con lo que vi. Con el apoyo de mis papás empezamos la búsqueda de escuelas y la investigación de un plan profesional para que esto fuera más en serio y a la fecha el haber bailado en tantos teatros y presentaciones, haber pisado el palacio de bellas artes me hacen recordar ese momento y digo, “sí, sí fue ese momento”. ¿Cuáles fueron los primeros proyectos o compañías en los que marcaste tus primeros pasos en la danza? Al principio, yo estudie en la academia de baile de Coyoacán, fue mi primera escuela. Luego de ahí, ingrese a la academia de la danza mexicana que fue de donde me gradué y mi primer compañía fue el ballet independiente en la ciudad de México, donde tuve la oportunidad de bailar un repertorio del maestro “Raúl Flores Canelo”. Aunado a eso, fui desarrollándome como bailarina clásica y contemporánea. He tenido también la oportunidad de bailar folklore mexicano -lo cual es un placer- y eso me ha llevado a viajar a muchas partes del mundo y ser muy bien recibida por el público. Flor de Liz Castañeda bailarina profesional La danza es un arte que involucra EL CUERPO, LA MENTE Y EL CORAZÓN, por lo cual es una composición que hace al ser humano integro.” - FLOR CASTAÑEDA BAILARINA PROFESIONAL Flor de Liz Castañeda actual miembro del ballet de Monterrey junio 2022 31 �A R T E bamos súper cansados pero con esa satisfacción y esa felicidad de haber terminado. Es como ese choque que te lleva a pensar, “estoy súper cansada, ya no puedo más, pero soy la persona más feliz del mundo de estar aquí” En tu trayectoria profesional ¿has estado en un estado de flujo en el cual ya ejecutas los movimientos más por inercia que por planeación? Sí, a estas alturas de mi carrera ya ha sucedido. Me acuerdo la primera vez que baile el lago de los cisnes te juro que en elpaso más sencillo no dejaba de pensar en todo lo que tenía que hacer; en seguir la fila, yo formo parte del cuerpo de baile, entonces, siempre son movimientos en los que más de diez o veinte bailarinas tienen que ir al mismo tiempo. Eso pasaba las primeras veces que bailé ese ballet, después de muchas presentaciones ya mi cuerpo, tuvo no solo la memoria muscular, sino toda esa experiencia para poder bailar más tranquila y cada vez estar disfrutando más y eso está padre porque ya no te tienes que preocupar tanto por la parte técnica, aunque una bailarina nunca deja la parte técnica de un lado. ¿Cómo fue el proceso en el cual El Ballet de Monterrey te contactó para invitarte a formar parte de la compañía? Cuando yo me gradué, una amiga me invitó a tomar un curso de verano aquí en Monterrey. Vinieron en ese entonces bailarines del “Miami City” a impartir el curso, y estaba también la bailarina Katia Carranza, que a mí la verdad me inspira muchísimo y dije, “¡es mi momento, vamos!”. Fuimos al curso y estuvimos ahí aproximadamente de 2 a 3 semanas. De ahí, el director que estaba en ese momento habló conmigo, me comentó que si me interesaba quedarme. En ese momento yo tenía otras dos opciones más, pero el ballet de Monterrey era mucho más atractivo en la cuestión de bailar más repertorios, producciones más grandes, entonces ahí dije, “bueno, el que no arriesga, no gana”. Entonces, una semana después regresé a la ciudad de México y le comenté a mis papas. Al principio pensé, “va a ser una cuestión de seis meses a un año” y después pasaron trece años y aquí seguimos súper contentos (ríe). EL PAPEL FUNDAMENTAL DE LA DANZA Crear arte es un proceso de mucho dolor, pero también de mucho placer, y si hay una rama del arte que realmente cumple esa máxima es la danza Si, es una mezcla bastante rara. A veces platicando entre bailarines decimos, “bueno, nosotros ¿qué seremos masoquistas o qué cosa?”. Recuerdo hace unos cuatro años que nos fuimos a una gira a España y nos tocó ir con dos ballets muy pesados que son: “Lago de los cisnes” y “Bayadera”. Entonces, estábamos realmente que no podíamos dar un paso, los pies nos quemaban, está32 junio 2022 ¿Cuál crees tú que es el papel que ejerce la danza contemporánea en la sociedad moderna? Juega ese papel de sensibilizar a la sociedad y a todas las personas que lo ven, que llegan a tener contacto con ello. Es esa parte, siempre normalmente el artista trata de llegar al público con movimiento, con música pero, ¿de qué forma? Sensibilizando, entonces, tú al sensibilizar a ese público, a esa sociedad, lograr tener empatía y si tú te das cuenta, si este mundo fuera un poquito más empático otra cosa seria. �junio 2022 33 �E S V E C E N C IT ÓO N S “MATERIA ESTÉTICA DISPONIBLE” MIGUEL CALDERÓN Miguel Calderón por: Mauricio Castillo 34 junio 2022 Foto de exposición “Caída Libre“ por Kurimanzutto galería del artista. �POR: STEPHANY CUEVAS M iguel Calderón nos trajo 53 obras en su primera revisión curatorial “Materia Estética Disponible” la cual se expuso en El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, donde se pudo disfrutar de la exposición asistiendo al museo o darse un rápido recorrido por las salas a través del sitio web de este mismo. Sin embargo, para quienes tuvieron la oportunidad de asistir, pudieron apreciar la obra titulada “Mutante” que contiene a 3 peces del “Lago de Chapultepec” los cuales presentan un color diferente al que normalmente tienen, o “Avalancha” una obra bastante humorística, con las cuales se pudo observar y analizar los mensajes detrás de cada obra. El artista nos mostró desde fotografías, dibujos, videos, películas, hasta esculturas con temas como: La naturaleza humana, lo social y personal. No siendo obras difíciles de interpretar, e incluso podría decirse que en más de 3 se apreciaba la “ironía”, algo característico del artista Miguel Calderón. La creatividad en esta exposición fue interesante, si hacer arte fuera tan “fácil” como algunas personas lo dicen, todo el mundo podría hacerlo, ¿no? Pero no a todas las personas se les ocurre colocar una alfombra con sus logros y ver cómo se le es pisoteada… Miguel Calderón, “Materia Estética Disponible”, Museo MARCO, Monterrey (2021) El artista nos mostró desde fotografías, dibujos, videos, películas, hasta esculturas con temas como: La naturaleza humana, lo social y personal. REDES: KURIMANZUTTO. COM Obra “Ridiculum Vitae”, alfombra con los logros del artista a lo largo de su carrera junio 2022 35 �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2022 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 4 Número Número de la revista 8 Mes de publicación Mes cuando se publicó Junio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2022, Año 4, No 8, Junio Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/06/2022 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020724 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Danza Difusión cultural Estética Expresión corporal Fotografía Fundamentos escenciales del artista Música Poscast Sofía Segovia Talento Fav https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20804/Croma_arte_diseno_audiovisual_2023_Ano_5_No_9_Marzo.pdf 9f8c0b8b90406a2b4357f746c370d216 PDF Text Text ARTE, DISEÑO, AUDIOVISUAL 2023, NÚMERO 9 EL ARTE DIGITAL UNA EXPERIENCIA ENVOLVENTE NOVIembre 2022 A �I N D I C E 04 TALENTOS FAV 24 Karen Vangoo Sofía Badillo 10 DOCENTES 30 Sergio Montes 14 PORTADA Exposición de arte digital 22 EMPRENDIMIENTO Frida Martínez 2 marzo 2023 34 �Arte, Diseño, Audiovisual Marzo 2023, Número 9 Créditos Dr. Santos Guzmán López Rector Dr. Juan Paura García Secretario General Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL ENFOQUE Mejor cortometraje de ficción: El sueño más largo Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Académica Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado ARTE El arte de la ciencia EVENTOS Compite arte con fútbol Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores y Editores de la Revista Croma Frida Mariela Martínez Álvarez Carla Mariela Mora Rodríguez Karen Esmeralda Salazar Rodríguez Edith Campos Reyna Daniela Alejandra Zapata Loera Gabriel Eduardo Castañon Zúniga Laura Giovanna González Rodríguez Estancia de producción El Viajero Portada CROMA, año 5, No.9, Marzo 2023, es una publicación trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2021-032219402300-203, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. NOVIembre 2022 A �T A L E N T O F A V EL ARTE DE LA CREACIÓN A TRAVÉS DE LA EDICIÓN KAREN RAMÍREZ POR: LAURA GIOVANNA GONZÁLEZ RODRÍGUEZ Conocida como Karen Vangoo, es una estudiante de Lenguaje y Producción Audiovisual. En sus proyectos plasma el roce entre la realidad y la ficción, convirtiéndolos en escenarios mágicos llenos de vida e historia. ¿Qué significa para ti la fotografía? Me gusta tomar fotos en cualquier momento que esté, con amigos o en algún lugar al que haya ido. Entonces, es simplemente como retratar lo que se está haciendo en ese momento. Por un lado, sacar algo bonito y ,por otro, al ver las fotos, pues te recuerda lo que estaba sucediendo en ese instante, con quiénes estabas o ese tipo de cosas. ¿Desde cuándo decidiste ser fotógrafa? En primer semestre de la carrera tenía la materia de fotografía básica y la verdad no pensaba basarme en eso, yo entré por video, pero me empezó a gustar mucho y lo empecé a practicar todos los días; subiendo fotos a Instagram como para obligarme tanto a captarlas como para aprender también a editarlas. Entonces no sé, fue como un hobby que me empezó a gustar muchísimo y así fue creciendo, poquito a poquito fue escalando y en muy poco tiempo logré conseguir resultados que quería desde hace muchos años al ver videos o imágenes en Instagram. 4 marzo 2023 Cuando vas a realizar un proyecto, ¿cuál es tu proceso de inspiración? Si se me ocurre algo, hacerlo en el momento sin planearlo, porque a mí nunca se me ocurre cómo planear las cosas, entre más lo planeo, más grande lo quiero hacer y nunca sale. Entonces mejor decir, quiero hacer alguna sesión, a ver qué sale, porque yo sé que, pues sé hacer cosas chidas, pero tienen que salir en el momento, más espontáneo. Y es lo mismo cuando pinto cosas, apenas en el momento, porque si lo piensas mucho, al menos en mi perspectiva, no, nunca sale. Con el paso del tiempo, ¿ha cambiado tu concepto respecto a trabajar en esta área? Pues sí, antes quería hacerlo todo conforme a las reglas, por así decirlo, o conforme a lo que mis maestros decían, pues a mí me gusta mucho la edición; entonces decían no, no edites o no hagas esto o el otro. Yo fui más como, okey, en su materia, entrego lo que usted pide, pero en lo personal yo hago lo mío, o sea lo �que a mí me gusta y ya, pues a fin de cuentas es mi trabajo, ¿no? Entonces yo hago lo que quiero. Cuando miras al futuro, ¿te ves aún dedicándote a esto o algo relacionado con ello? Sí, a mí me gustaría mucho hacer pósters de películas o series, porque va más relacionado con la edición de foto, yo creo que hay algo por ahí, o sea, algo por ese estilo. A lo largo de tu vida, ¿qué te ha aportado la fotografía? Yo siento que, a ver patrones, cosas como encuadres, cada vez que veo algo digo “ay, esto se ve chido” o “ay, eso está chueco”, o en lugares, por ejemplo, abandonados o cosas así, que dices “uy, dan miedo”, pero a la vez lo vuelves como en el ámbito de la fotografía y piensas “uy, eso se vería superchido si lo llevas a un ambiente apocalíptico”, cosas así; está chido ver cualquier cosa desde otro punto de vista. En cuanto a lo personal, ¿hay alguna área de tu vida en la que la fotografía te haya ayudado? En el ámbito de los encuadres. Por ejemplo, al realizar pinturas o alguna presentación, inclusive de PowerPoint, como que ya sabes los balances o cosas así, tal vez en ese tipo de cosas. Me ha ayudado a generar muchas ideas, que, si quería hacer, por ejemplo, un diseño en pintura o en mis cumpleaños siempre hacía yo camisetas con logos, y siempre tenía que pedirle a alguien más que me los hiciera y bueno, al menos en este año lo hice yo. Entonces estuvo muy chido porque no nada más era la idea que yo tenía, sino que también fue realizado por mí. Con tu conocimiento de fotografía, ¿cuál crees que sea la mejor forma o método para aprenderla? Practicándolo, todos los días, puedes ver tutoriales y nunca vas a poder realizarlo si no lo practicas, porque, pues así yo puedo ver videos de cocina y no cocino, puedo quemar la cocina, ¿sabes?, entonces yo lo que hacía era, veo un video de cierta cosa que quiero hacer y luego luego lo intento; y ahí es como vas diciendo “ah, okey, esto jala muy bien”. O también, bueno, yo hacía videos para Youtube con amigos donde eran fotógrafos vs fotógrafos, y era como que “oye, solo tienes tres minutos para tomarle fotos al modelo en esta área” y ahora el que sigue y el que sigue, así te ibas agilizando más y más. Tener esos contactos sirve mucho porque cada uno se va a su espacio y ya después les puedes preguntar sobre cómo toman las fotos o qué cámara usan y cosas así. Tal vez ellos tengan más experiencia que tú, o que ellos lo vean de otra manera, y eso sirve muchísimo, porque piensas “puedo hacer lo mismo, pero de esta otra manera por si las dudas” y ya, con eso la haces. Hay personas interesadas en este campo, pero creen que ya hay demasiada gente dedicándose a ello, ¿tú qué les dirías? Esto yo lo veo más que nada como un hobby, todo lo que me gusta lo veo como un hobby porque si lo convierto en trabajo, siento que me desanimo y ya no hago nada. Entonces yo creo que todos deberían de intentarlo, es algo que inclusive puedes hacer con tu celular. A mí en lo personal me gusta con la cámara, como que todo el hecho de tomar fotos en RAW y editarlos me gusta mucho. Entonces, que lo intenten, no pierdes nada con intentarlo, es algo muy bonito que puedes aprender y puedes hacer muchas conexiones. REDES SOCIALES: _ INSTAGRAM @ karen_vangoo _ YOUTUBE karenvangoo marzo 2023 5 �T A L E N T O F A V SOFÍA BADILLO LA ESENCIA EN EL ARTE Sofía Badillo cursa octavo semestre de la Licenciatura en Diseño Gráfico. Comenzó su amor al arte a través de su abuelo, y ahora es freelancer, trabajando con múltiples marcas y haciendo proyectos personales. POR: DANIELA ZAPATA LOERA ¿Por qué te convertiste en artista visual? ¿Tuviste alguna experiencia específica que hizo que tomaras esa decisión? Creo que desde que era niña he estado rodeada de muchas cosas artísticas, mi papá es arquitecto, entonces siempre estuve rodeada de diseño y creatividad; mi abuelito también pintaba y siempre me asombraba ver lo que hacía. Creo que desde el inicio me llamó la atención plasmar las cosas, ensuciarme las manos y estar experimentando con materiales; aunque conforme fuí creciendo creo que lo comencé a ver como una manera de poder expresar cuando no lo sabía hacer verbalmente. Por: Sofía Badillo 6 marzo 2023 REDES SOCIALES _ INSTAGRAM: @soychofyy @sssofiabadillo ¿Qué cualidad esperas que las personas vean reflejada en tus trabajos? Creo que siempre transmitir un sentimiento, que las personas vean mi trabajo y puedan sentir la emoción que plasmé en mi arte, o que puedan empatizar con lo que estoy tratando de ilustrar y no vean solamente algo estético y bonito. Que se pregunten el por qué de todos los elementos y colores. ¿Cómo defines tu éxito como artista? Pues no sé si todavía llego al éxito de ser artista, digo cada quien tiene diferentes metas, pero todavía no llego a mi propia versión de ser exitosa como arti- �sta. Estoy feliz del lugar en donde estoy, pero creo que todavía me hace falta experimentar más. Todo lo que he hecho hasta ahora es experimentación, y creo que es en gran parte por mi cualidad o defecto de decir que sí puedo hacerlo, aunque tal vez no sepa cómo, pero siempre voy a ver la manera de poderlo lograr, solo que tiene que salir en el momento, más espontáneo. Has trabajado con diferentes marcas, ¿el proceso es similar para todos o cada cliente tiene un proceso diferente? Cada marca es super distinta, así como cualquier persona. Algunos clientes son super libres y abiertos y te dicen “tú date, haz lo que tu quieras”, te dan rienda suelta para poder experimentar; y por otro lado, hay otras que se tienen que apegar a ciertos aspectos, el proceso es un poco más cuadrado porque ya tienen las especificaciones de lo que tienes que hacer y no hay tanto margen por probar. ¿Qué es lo que más disfrutas al hacer tu trabajo? Conectar con personas, cada que lo Por: Sofía Badillo pienso y lo pongo en perspectiva me sorprendo de lo mucho que el diseño y el arte me ha conectado con personas que no creía que podía conocer, y lo mejor es que son personas que también están en el ámbito creativo y está muy chido trabajar con gente tan talentosa. ¿Cómo es tu proceso creativo? Básicamente volverme loca, depende del proyecto, pero en general, siento que soy una persona muy visual. El primer paso es juntar muchas referencias de todo, desde comida, pasto, texturas, películas, etc. Después voy a bocetar, que me gusta más hacerlo de forma análoga porque lo siento un poco menos serio; lo platico con la persona con la que estoy trabajando y rebotamos ideas, para terminar ya desarrollando el proyecto. ¿Cómo sigues desarrollando tus habilidades artísticas? Yo he sido autodidacta, siento que mucho de lo que he aprendido ha sido por la práctica. Claro que hay cosas que aún no sé hacer, pero siempre busco seguir aprendiendo, quiero seguir experi- mentando y explorando; poder decir que si me gusta el trabajo de una persona, yo tratar de poder hacer algo así. Siento que es siempre estar buscando y metiéndome presión a mi misma. ¿Qué tendencias artísticas suelen inspirar tu trabajo? Siento que mucho de mi estilo siempre ha estado muy ligado al surrealismo, me encanta tanto en artistas visuales como en musicales; aunque también me gusta mucho el arte conceptual, creo que todo lo que hago es una fusión de estas dos. Los artistas visuales que más me gustan son René Magritte, Remedios Varo y Leonora Carrington. ¿Cómo ha cambiado tu estilo a lo largo del tiempo? Siento que hay una esencia de mi que se refleja siempre, pero el arte y el diseño continúa evolucionando. Al final de cuentas nuestro trabajo es una representación de lo que estamos sintiendo, nuestra personalidad. Por: Sofía Badillo marzo 2023 7 �Cuando inicié me daba mucha pena que la gente viera mi trabajo y mis primeros trabajos eran en colores sutiles y pasteles, no decían mucho; pero conforme fui teniendo más práctica y confianza todo comenzó a ser más llamativo, con más cosas y más elementos. Creo que por eso nadie encuentra su estilo totalmente, porque siempre evolucionamos; y es muy difícil ir conociendo lo que creo que me define, lo que me gusta y lo que no, todo es a prueba y error. ¿Cuáles son tus partes favoritas y menos favoritas de trabajar de manera profesional dentro del arte? El poder expresarme o justo tener un espacio para yo poder compartir lo que me gusta, y el poder conectar con personas de manera creativa es increíble. Cuando estás en la escena creativa es super chido, porque siempre estás aprendiendo de los demás. Creo que lo más me molesta es el hecho de que no lo valoran, sé que es algo que les molesta a todos los que somos del área creativa; que las personas siguen menospreciando indirectamente todo lo creativo, aunque estemos avanzando en ese aspecto. Siento que hay una esencia de mí que se refleja siempre, pero nuestro arte y diseño continúa evolucionando con nosotros... nuestro trabajo es una representación de lo que estamos sintiendo o nuestra personalidad.”. 8 marzo 2023 �marzo 2023 9 �D S E O C C C E IN ÓT NE SERGIO MONTES Siempre Innovando POR: GABRIEL CASTAÑÓN En los comienzos, su enfoque artístico iba por las artes plásticas, ya que su inquietud por expresarse lo llevó a dibujar, pintar y esculpir personajes de películas en pequeños trozos de gises. Después comenzó con la escritura en donde desarrolló algunos trabajos y con el paso del tiempo, la inquietud por seguir expresándose, producir imágenes y una huelga estudiantil en la cual se vio envuelto, lo llevó a su primer encuentro con una cámara fotográfica con la que comenzó a narrar por medio de imágenes las vivencias de los estudiantes. Diversos periódicos locales al no tener un corresponsal, recurrieron a pedirle los rollos fotográficos para ver lo que había capturado y poder publicarlo en sus notas referentes a dicho acontecimiento, esta acción le dio mucho gusto y lo motivó a seguir explorando en la fotografía. Dicha inquietud lo impulsó a emigrar, en el año de 1986, de Silao Gto., su ciudad natal, a Monterrey, N.L., donde por azares del destino se encontró con la Mtra. Hilda Gutiérrez, quien le compartió información sobre la Facultad de Artes Visuales, llamando su atención y motivándolo a entrar a dicha Facultad, donde amplió sus conocimientos y sus ganas por seguir expresándose por medio de contenidos audiovisuales, se fueron acrecentando. 10 marzo 2023 Buscar expresarme me llevó a conocer una cámara fotográfica y sin saberlo, esto definiría el rumbo de mi vida y a lo que me dedico hoy en día”. POR: SERGIO MONTES E l Maestro Sergio Montes Ortega, originario de Silao Guanajuato, es Licenciado En Artes Visuales con acentuación en Camarografía que con el nuevo plan de estudios se convirtió en la carrera de Lenguaje y Producción Audiovisual. Es jefe del Centro de Medios en la Facultad de Artes Visuales y como docente imparte la materia de Fotografía de Estudio. Sergio Montes dirigiendo a la actriz Montserrat Oliver. �Foto de producto tomado por el Maestro Sergio Montes para diferentes marcas importantes a nivel nacional. Los aprendizajes de hoy, pueden representar algo muy fuerte en el futuro, tenemos que aprovecharlos ”. Al egresar de la Facultad, su primer empleo como profesionista fue en una casa productora que laboraba para diferentes marcas importantes de la ciudad, en dicha empresa entró como camarógrafo. Todos los conocimientos que había adquirido, sumado a su pro-actividad y buen desempeño en su trabajo, lo llevaron a ascender en poco tiempo a productor en dicha empresa. Ahí mismo trabajó de la mano con su jefe, quien era fotógrafo y lo apoyaba mucho en la parte de manejo de iluminación, cámara de fotografía, creación de sets fotográficos y la manipulación de producto. Trabajó contenido para campañas de marcas reconocidas como 7-Eleven, Soriana, Cervecería y más. de esta empresa, ya que la UANL estaba buscando alguien que pudiera realizar el video institucional. Por una recomendación y más importante aún, por su manera creativa de narrar historias, el maestro Sergio logra realizar este video institucional con el cual cautivó a los espectadores. Logró ganarse la confianza de su jefe y le fue brindada la oportunidad de quedarse a cargo del estudio de fotografía, lo cual le brindó mucha experiencia, ya que al realizarse de manera análoga debía cuidar todos los aspectos para que las fotografías pudieran salir bien, sin gastar tantos rollos. En dicha agencia también se dedicaban a realizar los videos institucionales de las empresas y esto también le brindo al maestro Sergio una amplia experiencia en dicha rama, lo cual le sería muy útil al salir En el año de 1999 comienza su labor como docente en la Facultad de Artes Visuales impartiendo el Seminario de Fotografía de Estudio. En su momento fue un gran reto impartirlo, ya que tenía que ver de qué manera transmitir correctamente los conocimientos a los alumnos, logró exitosamente impartir dicho seminario, perfeccionó el plan de estudio y se convirtió en el precursor para que dicho seminario se volviera materia y hasta hoy en día la imparte a los alumnos de la carrera de diseño gráfico. Dicho proyecto fue el detonante para que el maestro entrara a laborar en la UANL a lo que antes era el Centro de Apoyo y Servicios Académicos conocido como ¨CASA¨, ahí se mantuvo durante 10 años como productor de contenidos de apoyo didáctico para las clases de los maestros de la Universidad. Dirigiendo y produciendo video institucional de la UANL. marzo 2023 11 �D O C E N T E Maestro Sergio Montes impartiendo la materia de fotografía de producto. Continuó abriéndose camino dentro de la Universidad y emigró a Colegio Civil en la Secretaría de Extensión y Cultura, se enfocó en el departamento de televisión, el cual se encarga de cubrir los eventos culturales realizados en el Aula Magna, ya sea conciertos, obras de teatro, musicales, actividades culturales y más; de dicho material se generaban programas de video para que las personas pudieran tener acceso a los eventos. En esta etapa laboral se centró en la producción de los contenidos para que la calidad del producto final fuera óptimo. A la par de dicho trabajo y su labor como docente, en el año 2010 es buscado nuevamente para realizar el video institucional de la UANL, cabe hacer mención que fue tanto el éxito de dicho video que se mantuvo realizándolo año tras año hasta el 2013. En dicho año sale de la Secretaría de Extensión y Cultura para irse a la Facultad de Artes Visuales y hacerse cargo del Centro de Medios, en donde se encuentra como encargado hasta el día de hoy. En 2011 tuvo la oportunidad de documentar a la Com- 12 marzo 2023 pañía Titular De Danza Folklórica de la UANL en el país de Turquía, propuso y generó un documental en el cual muestra las vivencias de los bailarines al presentarse en diferentes ciudades, la sorpresa que se llevaron al enterarse de que se trataba de un concurso del cual no sabían y la emoción de ganar dicho concurso frente a grandes exponentes de otros países. El Centro de Medios, es el área audiovisual de la Facultad de Artes Visuales, que está enfocada en realizar el registro de lo que pasa día con día en la Facultad, enfocados a los eventos administrativos, académicos y estudiantiles para que esto se vuelva un archivo con el cual poder dar promoción, difusión y también mantener un archivo histórico. En dicho departamento sigue fungiendo como productor de los contenidos que se generan, buscando que los videos sean creativos, llamativos y con la información precisa para que, en un lapso de tiempo corto, puedas saber qué fue lo que pasó en el evento o lo que se esté buscando mostrar, esto ya que el maestro comprende que �hoy en día, los tiempos han cambiado, tienen que adaptarse a las nuevas plataformas y que los espectadores no se quedan a ver materiales largos. Hoy en día además de sus labores en la FAV, colabora en la agencia llamada Piraña, en donde realiza diferentes actividades relacionadas con la industria audiovisual y es también presidente seccional del sindicato de la UANL. El maestro Sergio nos comentó que se mantiene vigente en su ámbito de diferentes maneras, aprendiendo de otras personas expertas del medio, siempre que existe una duda de algún tema, no tiene temor en preguntar, escucha a los alumnos de las nuevas generaciones, lo que ellos comparten sobre la industria, las nuevas ideas que traen, educándose constantemente en diferentes plataformas digitales que tiene que ver con fotografía, equipo y producción. Esto lo inspira a buscar, romper esquemas, ser diferente y encontrar la manera más creativa de expresar sus ideas audiovisuales, quiere dejar los clichés a un lado e innovar en cada momento que sea posible, esto lo ha llevado a ser exitoso en los diferentes proyectos y empresas de las cuales ha sido parte. Nos compartió también que sigue estando lleno de sueños y metas, dentro de las que se encuentra realizar su primer largometraje con la finalidad de compartir una historia, la cual se encuentra escribiendo y espera muy pronto poder llevarlo a cabo. Le aconseja a los nuevos artistas que sean constantes, busquen pulir cada proyecto, mantenerse estudiando y no dar por hecho que ya lo sabes todo para que de esta manera sigan vigentes por muchos años, que sean pacientes y no dejen de soñar. Contenido realizado en su viaje a Turquía para cubrir al grupo de danza que representó a la UANL. Busca en tu vida actualizarte constantemente, para poder estar siempre vigente.”. marzo 2023 13 �A R T Í C U L O D E L M E S Exposición de arte digital EXPERIENCIA ENVOLVENTE Te traemos lo que implica visitar y conocer las exposiciones de arte digital, llevarte a un mundo donde vives la experiencia envolvente POR: KAREN SALAZAR RODRÍGUEZ H oy en día la tecnología ha jugado un papel muy importante en el mundo del arte, nuevas prácticas artísticas han surgido a base de ella, usando cualquier tipo de herramientas digitales para su creación y presentación dentro de un espacio de exhibición. A principios de los 80´s, el concepto de arte digital tuvo un gran impacto, que detonó obras de algunos personajes como lo son, Harold Cohen y Kenneth Snelson. Pero a principios de los 50´s, varios artistas experimentaron con herramientas tecnológicas gracias al trabajo de pioneros como el artista y matemático Ben Laposky. Fue desde el momento en que empezamos a tener un acercamiento cotidiano con máquinas y dispositivos tecnológicos, que surgen las prácticas artísticas, dentro del arte contemporáneo y empiezan a sumarse varios artistas a este tipo de arte, en sus obras podemos ver diversas formas y no solamente una técnica, es decir, piezas completamente virtuales con la posibilidad de que las personas interactuen con ellas. pueden usar un sin fin de técnicas con diversas formas, teniendo la facilidad de crear piezas totalmente virtuales y que pueden insertarse en áreas como por ejemplo: arte con buscadores, arte con software, hipermedia/hipertexto, ciberperformance, arte dentro de redes sociales, programación, video, GIF, realidad virtual y visualización de datos. ¿QUÉ ES EL ARTE DIGITAL? Alguna vez nos ha tocado que no podemos visitar de forma presencial algún museo o galería, ya sea, porque está muy lejos o no tenemos la disponibilidad de ir, gracias a esta tecnología ya puede ser posible visitarlo sin estar presente, existen muchas galerías y museos virtuales donde las personas pueden interactuar y recorrer cada pasillo como si estuvieran ahí, algunos artistas han recurrido a las redes sociales para presentar sus obras de arte digital, ya sean fotografías, videos o compartiendo links de algunas galerías donde sus obras han sido expuestas. El arte digital se define como un tipo de arte que apoya a las nuevas generaciones a sumarse y a perder el miedo, los motiva a seguir creando arte, como ya se mencionó anteriormente, se 14 marzo 2023 Avedon, LaTurbo (2016) �EL USO DE LAS TECNOLOGÍAS en el arte ya es habitual en muchas de las exposiciones museísticas y artísticas. Podemos ver dentro de esto INSTALACIONES MULTIMEDIA ENVOLVENTES, que permiten al visitante descubrir a los artistas de manera más vivencial y ampliar de esta forma el conocimiento sobre su obra y su contexto. ‘Drawing on the water surface creado por the dance of koi and people — infinity’ EL ARTE DIGITAL COMO EXPERIENCIA ENVOLVENTE El arte digital usa diversas formas, estilos y técnicas, algunos elementos como la luz, el sonido y el color, son usados para la interconexión de los límites entre el espacio de tiempo real y el espacio de tiempo virtual, donde vemos más allá de una simple obra, podemos interactuar con ella las veces que queramos y de alguna forma nos sentimos conectados con ella. En este punto, los espectadores, con su presencia e interacción, completan la obra. Con la inmersión, nuestro estado de conciencia se transforma, al vernos rodeados de un entorno audiovisual y a la vez nos produce una percepción de presencia en un mundo no físico. Los museos y las galerías se han introducido por completo en el entorno digital, comenzando por páginas web informativas, para después ofrecernos visitas virtuales a las colecciones museísticas, lo impresionante que es visitar un museo desde casa o vivir la experiencia de realidad virtual es muy emocionante. Con esto se busca ofrecer una doble experiencia: nuevas sensaciones al visitante y ampliar el acceso virtual a las obras artísticas desde cualquier parte del planeta, facilitándonos las visitas y gracias a esto, las personas con solo tener un link o visitar un sitio web, pueden vivir esa experiencia envolvente que todos en algún momento buscamos. EL ARTE DIGITAL EN GALERÍAS La pandemia ha tenido muchas detonantes en el mundo del arte, uno de ellos es el surgimiento de más artistas, cada uno de ellos se han adentrado en el arte digital y las experiencias envolventes, debido a los cierres de museos anteriormente cuando la pandemia era más fuerte, fue así como muchos artistas se dieron a conocer, usando diferentes medios para presentar sus piezas, algunos usaron páginas web, redes sociales como Instagram y galerías virtuales. La pandemia no los detuvo para crear nuevas obras con este toque virtual, como se sabe el arte digital se basa en el uso de herramientas digitales para crear una obra, el uso de programas como Photoshop, Illustrator, entre otros es algo importante en el arte digital. Así como las experiencias pueden ser buenas y enriquecedoras, también puede suceder que las expectativas que nosotros teníamos de una obra y las sensaciones que creíamos que nos iban a producir, terminan siendo decepcionantes, porque no era lo que esperábamos ver o sentir, a través de una pantalla. Las galerías se han sumado al arte digital creando páginas web, donde las personas pueden visitar las diferentes obras, algunas con realidad virtual aumentada, que les brinda una experiencia única y envolvente. marzo 2023 15 �A R T Í C U L O D E L M E S Artistas en el mundo digital Te traemos algunos artistas que se están sumando al mundo del arte digital, que han experimentado en este espacio virtual y cómo es que a través de la observación se han inspirado para realizar estas obras tan interesantes que componen las exposiciones de arte MARTÍN DE PASQUALE. INSTAGRAM El artista Martín de Pascuale con 14.3 K de seguidores en Instagram comparte ilustraciones que hace con la herramienta de Adobe Photoshop, con sus juegos ópticos y efectos especiales, nos cambia la percepción de la realidad, tal y como la conocemos. Pasquale, vive actualmente en Buenos Aires y desde allí crea un mundo en el que se mezcla lo real con lo fantástico. Sus obras son increíbles y atrapan al público por las formas y elementos que usa en el cuerpo de cada persona que fotografía, les agrega un elemento que las hace interesantes. También podemos decir que las fotografías tienen ese aspecto cómico e irónico, algunas veces se centra en la mortalidad de su cuerpo, nuestro estado interno pero modificando el externo. @martindepasquale FELIPE RUI. Felipe Rui nos presenta arte en 3D, con imágenes un poco grotescas de caricaturas que alguna vez hemos visto, él cuenta que la cara del espejo es el alma, pero si estas caricaturas salieran del mundo de la fantasía a la vida real, nos daríamos cuenta del terror que nos causarían. Él trata de hacer el retrato de estos personajes un poco más oscuro y grotesco, haciendo que la criatura más aparentemente inocente nos sorprenda y nos cause terror. Personajes famosos desde Mickey Mouse o Bob Esponja que muchas veces nos han hecho soñar y reír, de pronto los vemos con una expresión de enojo, hundidos por el estrés y la ansiedad. 16 marzo 2023 INSTAGRAM @feliperui3d �VIDEOARTISTA MATT TAYLOR INSTAGRAM Él usa la plataforma de Instagram para presentarnos su portafolio personal, utilizando Vex, Python o la aplicación de software de animación 3D, Houdini. En sus diseños nos muestra algo totalmente emocionante y que te atrapa con los movimientos que hace cada figura, utiliza todo tipo de formas y colores, que es lo que resaltan sus diseños. Son interesantes y algo realmente nuevo, Matt Taylor proporciona links con tutoriales sobre como realiza estos trabajos, con el fin de que las personas se animen a crear. @emty01 JOHN MULLOOR. Jhon Mullor nos presenta una obra muy interesante, Life in the eye of the beholder que nos habla un poco de cómo los ojos son las ventanas que nos ayudan a descubrir el mundo exterior, pero también, son las ventanas del alma que permiten a los demás adentrarse en las profundidades de nuestro mundo interior. Nos da una visión a lo desconocido y lo increíble. El proyecto nos presenta una serie de 10 fotografías, donde resaltan los ojos azules más profundos, que se transforman en aguas heladas y en cielos brumosos, mientras que los ojos castaños o cafés albergan el escondite de una ardilla curiosa. _ PÁGINA WEB https://www.behance.net/ gallery/134996759/Eyeriz KEN KELLEHER PÁGINA WEB https://www.kenkelleher.com/ Hay muchos artistas sumándose a este mundo del arte, pero estos son solo algunos con un estilo muy interesante, innovador, que nos brinda una experiencia única y nos impulsa a conocer más sobre el tema, existen más artistas que han salido de su zona de confort y han realizado trabajos muy impactantes, donde no- Ken Kelleher utiliza elementos como la forma, la luz, la sombra, el tiempo y el espacio. Sus esculturas digitales son representaciones abstractas y gigantes y contrastan con el entorno de galerías, jardines y plazas públicas, creados especialmente para entornos interiores y exteriores en espacios públicos. Las piezas exteriores son renders fabricados en acero inoxidable, aluminio, bronce, ladrillo, hormigón o materiales más experimentales, cada uno a gran escala. sotros como espectadores podemos interactuar con las obras de manera virtual, es por eso que los invitamos a conocer más sobre el arte digital y de esta manera inspirarlos a hacer sus propias obras como solo ustedes saben hacerlo, con originalidad y pasión por el arte. marzo 2023 17 �A R T Í C U L O D E L M E S Museo virtual C POR: EDITH CAMPOS REYNA omo se sabe, con la llegada de la tecnología, el mundo está cambiando muy drásticamente, sin darnos cuenta se nos ha introducido muy rápido a este mundo tan fascinante e inmediato, y los museos no son la excepción, ¿cuántos no hemos deseado viajar a algún lugar para poder recorrer estos centros de arte tan impresionantes y que con ellos guardan una historia tan fascinante?; pues bien, con la llegada de la pandemia estos recintos tuvieron que buscar la manera de subsistir, unos ofreciendo cursos o libros online. ¿QUÉ ES UN MUSEO VIRTUAL? Un museo virtual es una colección de artefactos electrónicos y recursos de información sobre cualquier cosa que permita la digitalización y puede incluir fotografías, dibujos, texto, imágenes, gráficos, bases de datos, materiales, pinturas, etc.; es decir, un conjunto de objetos heredados e información almacenada en un servidor. Existen gracias al desarrollo de las nuevas tecnologías de la información y la comunicación que ayudan a establecer nuevos escenarios museísticos donde los límites del espacio real pueden ser superados a través de recursos técnicos y permiten incorporar evidencias culturales que los museos tradicionales impiden. Entre ellos destacan los museos virtuales (algunos son extensiones de museos existentes y otros se crean totalmente virtuales). El primer concepto de museo virtual lo tenemos EN LA COMPAÑÍA JAPONESA NTT, que en 1991 presenta una exposición titulada El museo dentro de la red telefónica. En un CD-ROM comienzan las visitas virtuales a museos, que compactaban unas cuantas imágenes en estas unidades de almacenamiento. Dependiendo de su contenido, los museos virtuales se agrupan en dos tipos: 1. Quienes exhiben obras no digitales y responden principalmente a los portales que las instituciones culturales tienen en Internet para difundir sus colecciones, así como información sobre exposiciones temporales, actividades educativas e información del museo como ubicación, horarios, precios a ofertar. Este tipo de “museo en línea” puede desde versiones digitales del propio folleto del museo hasta contar con la tecnología suficiente para ofrecer recorridos virtuales por sus salas. 18 marzo 2023 2. Los que exponen obras de arte digital (Net.art, ciberarte, WebArt, etc.) y nos remiten a entornos inmateriales ubicados en el no lugar llamado ciberespacio. Este tipo de museos se asocian a los conceptos de “arte en la red” y “arte res o net.art”. “Arte” es todo aquello que normalmente se concibe en otro medio y donde la red actúa únicamente como medio de difusión y/o exposición. En net.art utiliza la propia red y/o su contenido. �¿PRIMER MUSEO VIRTUAL? Para muchos museos, la pandemia representó el reto de reinventarse y explorar nuevas dinámicas. Para otros, como VOMA (Virtual Online Museum of Art), significó el terreno ideal para ser fundado como el primer museo virtual del mundo y gratis. Convirtiéndose en el primer museo 100% virtual. Gracias al artista británico Stuart Temple, quien creyó antes de la pandemia que el arte necesitaba ser más democrático y vio en Internet el espacio más inclusivo para lograrlo. Después de analizar las estrategias de los museos de todo el mundo, se dio cuenta de que estas actividades no serían suficientes. Entonces decidió montar el primer museo 100% virtual. Para hacer esto, se asoció con la arquitecta Emily Mann y el curador Lee Caveliere (quien se desempeñara como director del museo). Así nació VOMA, un museo que, según sus fundadores, crearon una institución digital capaz de mostrar el arte de una manera que el público nunca había tenido la oportunidad de descubrir, siendo un legado digital que durará años”. Los fundadores trabajaron con artistas, curadores, desarrolladores de juegos y arquitectos; y podemos decir que el primer museo virtual del mundo abrió sus puertas el 4 de septiembre de 2020. Pretende ser completamente gratuito e inclusivo para que cualquier persona con conexión a internet pueda visitar este museo sin salir de casa. En términos de experiencia de usuario, se parecerá mucho más a un videojuego que a un recorrido virtual tradicional. Todos tendrán un avatar y podrán pasearse por los pasillos y salas del museo de esta forma, que seguro dejará atónitos a todos con las infinitas posibilidades de Internet. Algunos museos cuentan con la tecnología necesaria para realizar visitas interactivas con vistas de 360 grados, proporcionando una experiencia de realidad virtual de alta calidad y muy satisfactoria para los usuarios. Como ejemplo de esto encontramos el Smithsonian National Museum of Natural History, en Washington, en cuya web se pueden visitar las exposiciones de historia natural y las de culturas occidentales antiguas, entre otras. Sin embargo, cabe mencionar que no todas las obras del museo están disponibles en formato virtual; y en muchos casos la experiencia sensorial de una visita presencial, donde el usuario puede acercarse físicamente a un objeto, no es comparable a una virtual, que puede provocar una respuesta emocional menor. Por otro lado, algunos museos no cuentan con la tecnología suficiente y pueden brindar imágenes de baja calidad de las obras, lo que reduce la participación del usuario y el disfrute de la experiencia. marzo 2023 19 �A R T Í C U L O D E L M E S LOS 10 MEJORES MUSEOS VIRTUALES DEL MUNDO Si te dejamos con la curiosidad y quieres experimentar esta nueva forma de ir a los museos, aquí te compartimos una lista de los mejores museos, claro que puedes encontrar más y puedes empezar buscando en tu localidad, tenemos que apoyar a estos sitios mágicos llenos de cultura. Louvre: Distintas obras y exposiciones del famoso museo parisino se encuentran expuestas en este formato virtual. Para quienes aún no han podido viajar a recorrerlo, es una buena manera de entrar en contacto. Palacio de Bellas Artes de México Palacio de Bellas Artes de México: Se pueden recorrer algunas de sus salas y hacer un tour sobre la arquitectura de este que es uno de los monumentos más famosos de la Ciudad de México. Museo Británico de Londres: Uno de los museos más famosos y visitados del mundo. Puedes descubrir sus obras y sus exposiciones descargando la app para visitas guiadas de realidad virtual. Louvre Museo de Orsay en París: Pone a disposición algunas exposiciones de forma virtual. Museo Hermitage: El museo de San Petersburgo, cuenta con más de tres millones de piezas y en su web se puede encontrar un recorrido 360° para conocer cada uno de los pasillos de sus seis edificios. Museo del Prado: Este museo, que cumplió 200 años en 2019, es uno de los más importantes y famosos en el mundo. El objetivo principal de su contenido virtual es que si estás a punto de viajar para conocerlo, puedas armar tu propio recorrido anticipadamente, logrando conocer todo lo que te interesa. Pero de todas maneras, puede funcionar como un mix entre lo virtual y la visita física, o directamente permitirte que lo conozcas desde tu computadora. 20 marzo 2023 Museo Británico de Londres �Museo de Arte Moderno de Nueva York: Las mejores muestras de arte moderno y contemporáneo pasan por el MOMA. Destination es la plataforma que el museo ofrece para que puedas hacer tu propio recorrido, lleno de curiosidades y de información que puede serte útil. Museos Vaticanos: Museo Vaticano Otros de los más famosos a nivel mundial, y que casi ninguna persona que visita Roma se anima a perderse, son los museos de la Ciudad del Vaticano. A través de su sitio web y de su sección de “colecciones”, se puede conocer cada pieza que se encuentra en ellos, junto a la información del autor, año de creación, lugar en el que fue creada y un poco de la historia de la misma. Museo de Arte de Sao Paulo Assis Chateaubriando: A través de la plataforma de Google Arts and Culture, se puede hacer una visita y conocer las obras del MASP, el primer museo de arte moderno de Brasil, que cuenta con obras provenientes de Asia, África, Europa y, por supuesto, de Latinoamérica. Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Corea del Sur: Museo de Arte de Sao Paulo Assis Chateaubriando No son demasiadas las personas que viajan a Corea Del Sur, pero esto no es una limitación si se quiere hacer un recorrido por uno de sus museos más importantes. A través de Google Arts and Culture, uno puede descubrir las obras del arte coreano y de lo que tienen para mostrar al mundo. Y como podemos ver, estos museos llegaron para quedarse, es una excelente oportunidad para recorrer los más grandiosos museos dentro y fuera de tu localidad, lo que antes era un sueño (viajar para conocerlos) hoy en día ya es una realidad, y mejor aún no necesitas gastar ni un solo peso, para llenarte de conocimiento, están a la mano las mejores exposiciones de arte al hacer solo un clic en tu computadora o móvil, date el tiempo para disfrutar de lo que te ofrece la tecnología. Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Corea del Sur NOVIembre 2022 A �E M P R E N D I M I E N T O FRIDA MARTÍNEZ PRIMAVERAL Frida forma parte de una ola de artistas que con su trabajo, cada vez más personas se vuelven fanáticas del bordado. Algo que antes se percibía como anticuado; ahora sigue creciendo en tendencia POR DANIELA ZAPATA LOERA ¿Por qué decidiste comenzar un negocio de bordado?¿Cómo surgió la idea? Pues la idea surgió enmedio de la pandemia, como muchos otros emprendimientos, sobre todo gracias a la necesidad que tenía de generar un ingreso extra con todo el tiempo que tenía libre. Quería pasarme todo el día bordando, y me encantan las Tote Bags pero me parecían que no eran tan practicas, quería que tuvieran más compartimientos y que fueran de mejor calidad; aparte de que no tenían personalidad pues son productos del Fast Fashion. REDES SOCIALES INSTAGRAM: @primaveral.mx @frida.mxjarrez 22 NOVIEmbre 2022 POR: PRIMAVERAL ¿Cómo describirías tu marca en 3 palabras? Yo la describiría como colorida, me gusta que todo tenga un toque de color, ya sea solo un pop de color o que sea completamente colorido; textil, pues me encanta jugar con textiles reutilizados, de segunda mano, nuevos, de todo; y versátil porque se adapta a los gustos de cada persona. �Bordar es una forma muy revolucionaria de DAR VOZ a las MUJERES, por medio de una actividad que anteriormente se consideraba tranquila y SILENCIOSA para las generaciones pasadas. ¿Qué fue lo que más te sorprendió cuando emprendiste tu negocio? Pues sí sabía que lo tenía que tener en cuenta, pero no sabía que el servicio al cliente iba a ser gran parte del proceso. Sabes que está ahí y que lo vas a tener que hacer, pero no lo tomas tanto en cuenta. Uno piensa que es solo contestar mensajes y ya, pero no, tienes que encontrar la mejor manera para que la comunicación entre ambas partes sea buena. Otro tema en el que no había pensado tan a fondo son los envíos, al principio mi plan era entregar el producto en algún punto medio, pero enmedio de una pandemia y teniendo en cuenta que no todos tienen la posibilidad de moverse libremente. Entonces tuve que buscar una paquetería segura para ambas partes. Por último, tampoco había pensado en el empaque en sí, como lo iba a entregar, si lo iba a envolver, si lo entregaría en una caja o bolsa, si le vas a poner un detallito extra, etc. Todos esos son detalles que sabes que tienes que hacer, pero hasta que llega el momento, te das cuenta que no lo habías pensado. ¿A qué artistas de bordados admiras?¿Qué es lo que te atrae de su trabajo? Me gusta mucho una cuenta que se llama No des puntadas sin hilo, es de una chava que se llama Andrea y hace bordados super padres, su trabajo se destaca por ser minimalista pero siempre tienen un POR: PRIMAVERAL detalle que destaca; también hace bordados interactivos, que me parecen geniales. Otra artista de la que me considero muy fan es Ximena Romero, admiro mucho su versatilidad y la paciencia que tiene al hacer bordados. Ver las puntadas que manejan y cómo experimentan con ellas, me parece una obra de arte. ¿Cuál es tu proceso creativo? Mi proceso creativo es algo extenso, por eso siempre que tengo un encargo bajo pedido, les doy de dos a tres semanas. Me gusta hacer las cosas con tiempo, cuidado y dedicación. Si el encargo es libre, dejo que la inspiración venga hacia mi y no la fuerzo. Empiezo con bocetos, a mano o en ilustrador, y desde ahí voy pensando en cómo darle un plus, ya sea una frase o usar algún tipo de puntada que pueda dar relieve. Después elijo la paleta de colores, que es mi parte favorita, y cuando tengo esto listo, comienzo con el bordado. Primero se tiene que planchar la tela, poner el bastidor y pasar el diseño a la tela con pluma y ya comienzo a bordar. Es válido buscar inspiración en los trabajos de los demás cuando sientes que no puedes pensar en algo para tus trabajos. ¿Qué significa el bordado para ti? Para mi el bordado es una forma de expresarme, me gusta muchísimo abordarlo desde la perspectiva feminista. Es un arte por el cual muchas mujeres se han expresado desde hace muchísimos años. Puedes ver a las mujeres en las marchas con sus bordados en pancartas o pañuelos. Bordar es una forma muy revolucionaria de dar voz a las mujeres, por medio de una actividad que anteriormente se consideraba tranquila y silenciosa. ¿Qué consejo le darías a alguien que está pensando en emprender? Lo más importante es ser constante, hacer las cosas con amor y paciencia y verás que poco a poco tu emprendimiento va a ir creciendo. No tienes que ser el mejor desde el principio, solo tienes que comprometerte a seguir mejorando aspectos tanto de tu emprendimiento como de tí mismo. No dejes que cosas como tener pocos seguidores o pocas ventas al principio te desanimen, todos pasamos por ese proceso al principio. Solo debes ser muy paciente y constante. marzo 2023 23 �E N F O Q U E MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN Foto: cortesía de Andrés Luna Su pasión se ve reflejada en la realización de este corto, que representa básicamente las 2 grandes áreas que le gustan, producción y post-producción. EL SUEÑO MÁS LARGO POR: EDITH CAMPOS REYNA A ndrés Luna Ruiz es egresado de la Facultad de Artes Visuales de la carrera de Lenguajes Audiovisuales y actualmente es docente de la misma, aparte de dar clases también se dedica a la producción, post-producción y edición de proyectos. Su pasión se ve reflejada en la realización de este corto, que representa básicamente estas 2 grandes áreas que le gustan. 24 marzo 2023 ¿Cómo inició el proyecto? El proyecto inició por Carlos Lenin que es el director del mismo corto, él ya tenía varias ideas de cómo le gustaría estar generando o haciendo esta producción; tenía un borrador que planteaba a grandes rasgos como el concepto, y no tanto la idea que acabó haciendo. Entre el año 2013 o 2015 no recuerdo muy bien, es cuando llega Lenin aquí a Monterrey, llega en pareja con Paloma Petra, y empiezan a hacer la Huasteca Casa Cinematográfica, que es la productora que empezó a hacer todos estos proyectos audiovisuales y empiezan a reclutar el equipo de trabajo, yo fui a una �entrevista, les caí bien (risas) y nos integramos como equipo; ahí también estaba Laura Carreto y Paloma, ambas son productoras del proyecto, Roberto Carlos que fue productor del mismo y yo que estuve editando y produciendo el proyecto. El proyecto empezó justamente de esa manera, la idea siempre fue de esa productora, no dedicarnos solamente a las producciones comerciales o institucionales, sino buscar de alguna forma empezar a hacer cine y que esto nos pudiera seguir generando, para seguir creando historias y llevarlas a la pantalla; que es algo complejo y difícil no nada más en Nuevo León sino también en todo México, pero bueno empezamos a trabajar ese guión, Isa Mora que también es parte del equipo de Huasteca, ella estuvo haciendo el guión con Lenin, también estuvo en el desarrollo. Fue algo muy interno, esas 5 personas que acabo de mencionar, Isa, Paloma, Lenin, Laura y yo, somos los que hicimos básicamente la pre-producción, la carpeta de producción. Se abrió la convocatoria del promo-cine, que se abre anualmente en CONARTE, para largometraje y cortometraje, en este caso aplicamos para el cortometraje, talleriamos el guión un par de veces, lo reescribimos hasta que estuvimos conformes con el resultado, que al final fue diferente al que se filmó, y es normal; eso por lo regular pasa, y bueno mandamos el proyecto que quedó seleccionado y nos dieron un apoyo para hacerlo, un apoyo que fue una buena parte de lo que se requirió para poder hacerlo, pero no fue la totalidad, sí faltó bastantito más. Equipo de cortometraje (de izquierda a derecha) Andrés, Isa, Paloma,Roberto, Laura y Lenin . ¿Fue difícil económicamente el proyecto? Sí, fue muy muy difícil, porque era un proyecto en el que el guión era bastante sencillo, osea el cortometraje trata, de una chica que tiene a su papá desaparecido y pues está en el pueblo con su mamá, están buscando durante varios años algún resto de él o demás personas que hayan sido desaparecidas para intentar encontrarlo, y llega el momento en el que tiene que seguir su vida, seguir adelante y dejar el pueblo; en esencia es muy sencillo, todo pasa en un pueblo. En el papel (guión) al principio eran pocos personajes y se empezó a masificar a algo muchísimo más grande, sobre todo porque Lenin tiene mucho eso, o sea, le gusta mucho trabajar, no de una manera muy espectacular, pero sí como exprimir todos los recursos lo más que se puedan, aquí si tiene que ver mucho con una visión muy particular, o sea con un objetivo muy claro de lo que quiere y lo que pretende con el cine de alguna forma, y en este sentido fue muy complicado, porque el guión era muy sencillo, creo que por eso, también dijeron, claro hay que apoyar este proyecto, pero ya en la realización, ese presupuesto probablemente fue menos de la mitad de lo que realmente se necesitaba para el cortometraje. Foto: cortesía de Andrés Luna marzo 2023 25 �E N F O Q U E Foto: cortesía de Andrés Luna El proyecto estuvo mucho tiempo enlatado y ya después lo pudimos sacar, porque en ese inter, Huasteca también hizo la película de La paloma y el lobo que es de Lenin, estuvimos más enfocados del 2018 a 2020 en la película, hasta que ya terminó el proceso, y nos dimos el tiempo de acabar la edición del proyecto, acabar el sonido y todo lo demás, o sea a darle como salida, pero si fue un proceso bastante tardado por cuestión del dinero y de que el proyecto lo requería; es por este tipo de cuestiones, que sí estuvo bastante compleja la producción a nivel económico. ¿Cuánto tiempo tarda en hacerse el guión? Ya lo tenía más o menos aterrizado Lenin, ya tenía un buen avance, también hay que plantear que el proceso del guión que se generó para CONARTE para el apoyo del promo-cine ese probablemente se tardó como unas 3 semanas, estuvo bastante rápido, pero de que ganamos el apoyo a que lo filmamos, el guión se siguió trabajando, yo creo que sí fueron como 2 o 3 meses de estar reescribiendo lo que ya se había planteado para CONARTE, para estar más seguros de lo que queríamos hacer, mucho del trabajo de guión, tiene que ver con sintetizar sobre todo, porque de entrada pues las ideas siempre son muy grandilocuentes y se sale del presupuesto, entonces pues se hace algo mucho más efectivo, mucho más sintético y más directo, quitar lo que no está funcionando y hacer que lo que va a estar, sea de impacto y que tenga personalidad también. ¿Cuál fue el proceso para realizarlo? El proceso estuvo muy padre, porque si lo hicimos muy académicamente correcto en ese sentido, hubo pruebas de cámaras, prueba de vestuario, hubo casting presencial, pruebas de 26 marzo 2023 maquillaje, porque parte del realismo que queríamos plantearnos, eran las personas que están buscando a desaparecidos, que llevan días en eso, entonces teníamos que buscar un look, una estética particular, igual con el vestuario. Entonces sí fue un proceso bastante interesante de desarrollar a los personajes y de buscar también a los proveedores, porque era el primer proyecto que estaban haciendo ellos, Lenin y Paloma en Monterrey como tal, en ese sentido, ahí fue, donde yo apoyé un poquito más, porque en ese momento yo tenía un poquito más de experiencia produciendo en Monterrey, que Paloma y Laura, que eran las encargadas en la producción como tal, y yo apoyé un poquito buscando ese tipo de recursos, de alguna forma esa fue mi labor en producción y ayudarlas también en la logística, pero realmente la producción, lo pesado lo hicieron ellas, yo estuve apoyando, asesorando también de cierta forma, porque en ese momento no había tanta experiencia, ahorita ya tienen más que yo fácilmente, pero en ese momento si era parte de mi labor darles un poquito de apoyo y seguridad también. ¿Cómo fue que el cortometraje participó en los premios? Una vez que terminamos de editarlo, y esto creo que sí es algo importante, el cortometraje se estrenó después de la película de Lenin, y la película de Lenin ya tenía cierto apoyo, cierto impulso, o sea, ya había un prestigio de por medio, que era su nombre, no es por demeritar el proyecto del mismo, para nada, pero creo que sí, para empezar o moverte en este tipo de industria cultural de alguna forma los festivales como tal, necesitas un respaldo, eso es importante, que de por medio teníamos a CONARTE, pero que realmente a nivel nacional e internacional, no tiene tanto peso y mucho menos en el cine, puede que tenga un poquito más en alguna otra área del arte, pero en el cine no tiene tanto impulso. �Otra cosa que teníamos a favor, era la escuela donde estudió Lenin, ya que es egresado del CUEC, entonces, eso ayuda también bastante para quién ve el nombre, ya es una validación de por medio que te ayuda mucho a empezar a moverte, ¿por qué digo todo esto?, porque en el primer Festival en qué quedó seleccionado fue Sundance, que no es cualquier cosa, quedar en Sundance tiene su mérito y su dificultad también, creo que en parte, sí claro, que el proyecto por sí mismo funciona y habla como tal, pero como ya tenían el bagaje también de haber distribuido la película La paloma y el lobo, pues era más fácil llegar a este tipo de festivales y decir, “oye ve mi película”. Sí cualquier persona de nosotros, llegamos ahí, va a ser mucho más complejo, por eso es bueno tener esos respaldos, por más mínimo que sea; CONARTE es parte de eso, el gobierno del Estado también puede ser parte de, pero es importante, incluso la Universidad también puede ser parte de eso, no lo digo desde mi lado docente, yo intento impulsar, para que la escuela también tenga cierto prestigio, obviamente no vamos a llegar tan rápidamente al prestigio que tiene el CUEC o que tiene el CCC, pero pues es la idea, ¿no?, que en algún momento podamos vernos de tú a tú de esa forma. ¿Qué significa ganar el Ariel? El premio Ariel básicamente, es como el Oscar mexicano, son los premios de la Academia Mexicana de Cinematografía, que se le otorga a las mejores películas y cortometrajes, o sea hay muchas categorías, cuando hablamos de cortometraje es más directo, gana el producto como tal, cuando hablamos de películas, igual que en el Oscar, puedes ganar como mejor película, actriz revelación, actor revelación, mejor sonido, mejor fotografía, mejor edición, etc. A nivel de cortometraje son dos temas, cortometraje ficción y cortometraje documental, pues nosotros ganamos en el de ficción, porque la historia es así, pero sí son los premios más relevantes o importantes de esta área en México. ¿Cuál fue su reacción al ser nominados? Fue una sorpresa, no esperaba que fuéramos nominados, porque es un proyecto que ya tenía bastante tiempo, ya era como, ya lo que salga es bueno, de alguna forma. Este corto pudo ganar y pues sí fue una grata sorpresa haber logrado eso, sobre todo, este proyecto que estuvo bastante tiempo enlatado, y como que volverlo a sacar, y darte cuenta de todo el impacto, o sea, de regresar al pasado y decir, yo hacía las cosas así, las entendía de esta forma, y actualmente pues es diferente en la manera que entendemos y percibimos el cine, entonces también ese cambio es interesante, esa reflexión al pasado, sobre todo en un proyecto que estuvo mucho tiempo sin hacerle nada, la gente cambia y la percepción del cine cambia bastante también. Foto: cortesía de Andrés Luna ¿Qué nominación obtuvo El cortometraje? Fue nominado como mejor cortometraje de ficción, en los Arieles y ganó, estuvo compitiendo igual como cortometraje de ficción en Sundance, creo que estuvo en Locarno también y en varios festivales internacionales. marzo 2023 27 �E N F O Q U E Foto: cortesía de Andrés Luna ¿Qué aprendizaje les deja este proyecto? El proceso estuvo muy padre, porque si LO HICIMOS MUY ACADÉMICAMENTE CORRECTO fue un proceso bastante interesante de desarrollar a los personajes y de buscar también a los proveedores. 28 marzo 2023 Bastante realmente, y sobre todo porque yo pensé que el proyecto iba a estar enlatado para siempre, sobre todo también porque, ya estaba otra película de por medio y a la película le fue muy bien en muchos sentidos. Entonces es como que retornar o remontar ese proyecto, hasta cierto punto, se podía sentir como un retroceso, justo porque también se hizo antes de cierta forma, pero el aprendizaje principal realmente es, darle valor a las cosas y las producciones por lo que son, sin poner de por medio ese momento, sino realmente que la misma obra hable por sí misma y que sea como la que se manifieste y la que se hace entender mejor, y justo como fue tanto el tiempo, ahorita haciendo memoria e intentándome poner en ese Andrés de hace 5 o 6 años, había muchas cosas que no veía o no percibía igual, y justo el proyecto me ayudó mucho a darme cuenta y sobre todo el equipo de trabajo que se formó con esas personas que éramos en ese entonces, estás 6 o 7 personas; creo que es lo más importante el poder descubrir con quién podemos trabajar y cómo podemos trabajar con esas personas, y eso también es un aprendizaje muy grande, saber con quién trabajar y saber cómo dialogar con las personas y cómo llegar a acuerdos. �¿Cuáles son sus proyectos a futuro? Personalmente lo que me gustaría es irme a estudiar la maestría documental en el CUEC, apenas estoy aterrizando la idea, del proyecto que quiero hacer y seguir adelante, seguir trabajando aquí en la escuela, me gusta mucho dar clases, el diálogo que se genera con los alumnos es muy refrescante y es bueno para poder ver a dónde podemos llegar, a mí me gusta mucho entregarme al proyecto, no hago muchos comerciales ni muchos institucionales y justamente por eso Busco mucho que el proyecto realmente tenga algo de espíritu, esencia o que de alguna forma pueda ser interesante, para explorar en la narrativa en cómo contar las cosas; ahorita estoy haciendo una serie documental de fútbol, no me agrada el fútbol, pero lo vi realmente como una oportunidad de un tema que desconozco completamente, y poder abrazarlo, entenderlo y manifestar una narrativa particular, que de alguna forma esté mi esencia como editor, seguir trabajando, seguir buscando esos proyectos que enriquezcan primeramente el espíritu, el alma y después también pues profesionalmente, la narrativa que es lo que más me interesa; buscar esas nuevas formas de contar la historia, salirnos un poquito de la manera convencional de lo que normalmente se está haciendo. Es muy interesante el tener en cuenta todo lo que pasa en el inter de como se genera el cine, todas las cosas que pueden llegar a pasar, para ver proyectada en una sala de cine, todos los sueños y pasiones plasmados en un guión, para después vaciarlos en la filmación y de ahí a la pantalla, llenarte de esas emociones tan complacientes y sentirte satisfecho con tus logros. Equipo de cortometraje (de izquierda a derecha): Andrés, Carlos, Paloma, Petra, Isa, Lenin, Roberto y Laura. Yo hacía las cosas así, las entendía de esta forma, y actualmente pues ES DIFERENTE EN LA MANERA QUE ENTENDEMOS Y PERCIBIMOS EL CINE, entonces también ese cambio es interesante, esa reflexión al pasado. Foto: cortesía de Andrés Luna marzo 2023 29 �A R T E El arte de la ciencia E CONCEPTOS EN RELACIÓN Te traemos lo que implica conocer y aprender de estos dos conceptos, que trabajan de manera conjunta para ofrecerte una experiencia única mediante obras artísticas Julian Melchiorri, cocoon (2014). 30 marzo 2023 POR: KAREN SALAZAR RODRÍGUEZ l arte y la ciencia, dos conceptos aparentemente alejados, consecuencia de la especialización profesional y la educación compartimentada. Con el paso del tiempo y del estudio de la separación de estos dos conceptos, surge el estereotipo de dos culturas, las ciencias y las humanidades, como podemos ver, la ciencia y el arte están estrechamente conectadas y ningún tipo de conocimiento es impermeable a otro. En la actualidad, el arte ha tomado un papel muy importante en el mundo de la ciencia, artistas han surgido gracias a ella, teniendo pequeñas aportaciones con obras en relación a la misma. Aunque pueden sonar dos conceptos totalmente diferentes, ambos se conectan creando una simultaneidad, es decir, un conjunto de realidades y pensamientos. Para comprender mejor cómo se engloban estos dos conceptos empecemos por el arte, que al igual que la ciencia es una forma de pensamiento donde se despliegan una serie de situaciones complejas, es decir, se hacen preguntas y se plantean problemas. Así mismo, al igual que la tecnología, el arte transforma una gran parte de lo que hay a nuestro alrededor y lo vuelve otra cosa, lo vuelve algo totalmente nuevo y funcional. Por el contrario, así como el arte tiene relación y similitudes con la ciencia y la tecnología también tiene sus diferencias, por ejemplo, está el hecho de que el arte no nos da respuestas ni soluciones únicas, sino que nos hace ser partícipes y nos convoca para que pensemos en opciones más allá de lo posible. El arte lo podemos encontrar en los libros, los teatros, en espacios públicos, como por ejemplo, anuncios o publicidad, así como en espacios privados, en el cine, en medios de comunicación como redes sociales, en la vestimenta, la comida y los sonidos, nosotros creamos arte de todas las formas posibles y en todo momento, a veces no nos damos cuenta que desde que nos levantamos hasta cuando vamos a la universidad hemos visto arte en diferentes lugares, hay que recalcar también que el arte no es algo bello que podemos ver, es una perspectiva de donde interrogar y transformar la realidad. El arte adopta el pensamiento, por lo tanto apela a otras dimensiones que la ciencia y la tecnología no pueden asumir desde la pura racionalidad. �Hay destacados avances como la inteligencia artificial, la edición genética, las telecomunicaciones que prometen cambiar el mundo Se mencionó anteriormente que el arte y la ciencia se relacionan entre sí, surgiendo de aquí artistas que aportan obras con base en la ciencia como lo es el director general de Divulgación de la Ciencia de la UNAM, César Augusto Domínguez Pérez-Tejada, quien nos explica que, Italia tiene una larga tradición científica y muestra de ello es esta exhibición, cuya relevancia cobra vigencia ante los momentos complicados que vivimos y los retos importantes que enfrentamos, como el cambio climático. También está el hecho que hay destacados avances como la inteligencia artificial, la edición genética, las telecomunicaciones que prometen cambiar el mundo. Confirmando así, que la ciencia tiene una gran responsabilidad en transformar estos problemas globales. El arte de la ciencia explora los valores, el impacto económico-productivo, aquí se destaca la contribución de una comunidad de mujeres científicas, líderes en todas las áreas del conocimiento. Exposición “Italia: el arte de la ciencia” Italia: el arte de la ciencia Universum Museo de las Ciencias. marzo 2023 31 �A R T E ¿Qué características tendría una ciencia artística? Una de las principales características es identificar c iertos marcos de lo artístico en el mundo de lo contemporáneo, avanzando en distintas conexiones entre ciencia y arte, así como, en la posibilidad de que estas conexiones colaboren en la difusión de investigaciones. Un ejemplo claro es el certamen y la exhibición “Art of science”, orientados a destacar el contenido estético de la labor científica. ¿En qué contribuye el arte para difundir la ciencia y viceversa? Se sabe que gracias a la ciencia, artistas han surgido para difundir información científica a través de sus obras artísticas, algunos materiales que usan para sus obras son componentes importantes en el mundo de la ciencia. El principal objetivo de divulgar información científica a través de obras artísticas es promover el interés por la ciencia. Algunas de las obras que se han expuesto han tenido una buena aceptación e interés del público, llevándolos a una experiencia donde se puede convivir con ambos conceptos, la obras que han tenido un gran impacto son relacionadas con experimentos o temas de la vida actual, el arte contribuye a esto, a hacer llegar el mensaje a las personas sobre lo que está pasando usando estos elementos científicos que los hacen interesantes a la vista del público. 32 marzo 2023 La importancia de conocer sobre la composición de una OBRA que puede considerarse como CIENCIA al mismo tiempo, es decir una CIENCIA ARTÍSTICA, que a su vez inspira a más personas, merece ser más reconocida. �Cuando el arte y la ciencia se unen, surgen obras magníficas, a continuación las obras más destacadas Artistas, ciencia y arte MIRIAM FERNÁNDEZ Licenciada en Bellas Artes pero también en Ingeniería, en sus obras conjuga el arte de la ciencia y lo usa como elementos poéticos sobre conceptos científicos, pero usando elementos cotidianos, donde nos muestra la importancia de la ciencia en el mundo del arte, sus obras actualmente son publicadas en una página y se subastan. PAGINA WEB https://www.saishoart.com/miriam-fernandez RAFAEL LOZANO-HEMMER Estos son solo algunos de los artistas que han aportado sus obras en el mundo de la ciencia, cada uno de ellos ha logrado llevar la ciencia y el arte de manera conjunta, son obras interesantes con estilos, elementos y formas verdaderamente increíbles característicos de la ciencia, obteniendo así una obra innovadora y original, existen más artistas que han presentado obras que tienen un trasfondo y una historia de cómo se llevó a cabo o qué los llevó a hacerlo, como podemos ver, la ciencia y el arte son dos conceptos que se relacionan totalmente y son la fuente de inspiración de muchos artistas, es por eso que los invitamos a conocer más sobre este tema y así inspirarlos a hacer su aportación en el mundo de la ciencia, donde la creatividad juega un papel muy importante y qué mejor que experimentar haciendo ciencia y arte de la manera más divertida y original que solo ustedes pueden hacer. PAGINA WEB https://maxestrella.com/es/news/ La obra de Rafael Lozano Heemer titulada “Pulse Topology” está compuesta por 6000 bombillas distribuidas a distintas alturas, creando una serie de cumbres y valles, con un aspecto visiblemente atractivo a los ojos, un paisaje en el que el visitante puede atravesar y admirar más de cerca. Cada bombilla interactúa con el pulso de los participantes en la obra, cabe recalcar que para esta obra se fabricaron sensores de pulso a medida para procesar el latido de los visitantes. pulse-topology-en-art-basel-suiza/ ANICKA YI El trabajo de la japonesa Yi se basa entre el arte y el experimento de biología. La artista, residente en Nueva York, es conocida por crear experiencias en sus instalaciones involucrando los sentidos, especialmente el olfato. Ella trabaja en colaboración con biólogos, químicos y perfumistas para crear sus olores inusualmente evocadores, así como instalaciones que funcionan como placas bacterianas. PAGINA WEB https://universes.art/es/bienal-vene- i cia/2019/fast-tour-1/anicka-y NOVIembre 2022 A �E V E N T O S QATAR COMPITE ARTE CONTRA FÚTBOL EN QATAR Surge proyecto cultural nunca antes visto en Arabia POR: DANIELA ZAPATA E n la Copa Mundial de la FIFA Qatar 2022, uno de los eventos deportivos más importantes y más vistos del mundo; se comenzó un plan de desarrollo cultural intensivo con la intención de atraer más turistas. Este programa fue supervisado por Sheikha Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al Thani, presidenta de los Museos de Qatar, el programa consiste en la apertura del Museo de Arte Islámico (MIA), la instalación de 40 obras monumentales en vías públicas llamado “Outdoor Museum” y la exposición “Mundo del Fútbol”, entre otras actividades que estarán disponibles para los millones de personas que viajaron a ver la copa mundial en noviembre de este año. Museo de Arte Islámico Qatar- National Geographic (2022) Art Mill - Por: Elemental (2022) Hahn- Por:Katharina Fritsch (2013) 34 Marzo 2023 Este plan cultural estuvo mayormente enfocado en la apertura del Museo de Arte Islámico, que se mostró renovado y con nuevas instalaciones en manos del arquitecto Ieoh Ming Pei, ganador del premio Pritzker. Su nueva apertura presentó exposiciones y temáticas nuevas, además de contar con piezas de arte enviadas desde el Museo Louvre en París y el Museo Metropolitano de Arte Contemporáneo en Nueva York. Aunque el renovado Museo de Arte Islámico es más que suficiente para dejar boquiabiertos a los turistas y fanáticos del arte; la organización de Museos de Qatar tuvo la misión de convertir a Doha y Qatar el epicentro del arte, pues inauguraron tres nuevos museos. Una de las nuevas instituciones fue el Museo Lusail, diseña- do por los arquitectos suizos Herzog & de Meuron, que es “el hogar de la colección más extensa del mundo de pinturas, dibujos, fotografías, esculturas, textos raros y artes aplicadas orientales”. Otra apertura es el Museo del Auto de Qatar, que trazó “la evolución del automóvil desde su invención hasta la actualidad y cómo ha influido en la cultura de Qatar”, este museo estuvo en manos de la firma de arquitectos de Rem Koolhaas. El tercer museo se trata del Molino del Arte, un lugar que reune “galerías de exhibición y actuación de arte moderno y contemporáneo, espacios dedicados para programas de aprendizaje y residencia de artistas e instalaciones de producción”, dice una declaración del proyecto. Esta nueva instalación se encuentra en la zona este del Museo de Arte Islámico. �El programa de “Outdoor Museum” trata de la instalación de diversas esculturas de todo tipo de dimensiones, formas y materiales, cuyas creaciones se encomendaron a grandes artistas internacionales, regionales y locales. Las obras fueron distribuidas en diversas áreas públicas, desde el Aeropuerto Internacional Hamad, los diferentes estadios de fútbol, plazas comerciales y barrios de la ciudad. Con el propósito de convertir a la ciudad de Doha en un gran museo de arte al aire libre, como también celebrar el legado local y abrirse a las otras culturas del mundo. La presidenta de los Museos de Qatar dijo: “El arte público es una de nuestras manifestaciones más destacadas de intercambio cultural, donde presentamos obras de artistas de todas las nacionalidades y procedencias. Estos trabajos promueven nuestra misión de hacer que el arte sea más accesible, involucrar a nuestros públicos, celebrar nuestra herencia y abrazar las culturas de otros.” Ghandi’s Three Monkeys - Por: Suboh Gupta (2012) El arte público es una de nuestras manifestaciones más destacadas de intercambio cultural, donde presentamos obras de artistas de todas las nacionalidades y procedencias. Nuestra misión es hacer que el arte sea más accesible, involucrar a nuestros públicos, celebrar nuestra herencia y abrazar las culturas de otros. The Miraculous Journey - Por: Damien Hirst (2013) Por último, pero no menos importante, se presentó la exposición “Mundo del Fútbol”, un espectáculo de gran dimensión que celebró la historia del fútbol y las más grandes competiciones de este deporte. La exposición estuvo dividida en dos partes, iniciando con “un primer tiempo” para examinar el atractivo universal y global del fútbol; el juego que millones de personas juegan, miran y disfrutan, independientemente de su edad, género, nacionalidad o nivel socioeconómico. En el “segundo tiempo” de la exhibición, se invita a recorrer la historia del mundial desde Uruguay 1930, hasta la final en el Estadio Lusail, el pasado 18 de diciembre de 2022. Esta increíble exposición estuvo disponible a partir del 1 de octubre de 2022 en el Museo Olímpico y del deporte en Qatar. Cabe destacar que Qatar se ha convertido en uno de los primeros países de la región en crear un programa cultural de esta magnitud, un paso muy importante para mostrar y diversificar el legado cultural de los países de Arabia. La organización de los Museos de Qatar ha logrado desarrollar un proyecto cultural sumamente innovador y sorprendente, tanto que generó competencia con la Copa Mundial que se celebró por primera vez en Oriente Medio. marzo 2023 39 �Marzo 2023, Número 9 36 NOVIEmbre 2022 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2023 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 5 Número Número de la revista 9 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2023, Año 5, No 9, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/03/2023 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020844 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Arte Arte digital Creación Edición Escencia Innovación Museo virtual https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/21553/Croma_arte_diseno_audiovisual_2023_Ano_5_No_10_Julio.pdf ffe2d6d0f5f732dc2cd6ab83e5a2afb9 PDF Text Text ARTE,DI SEÑO,AUDI OVI SUAL 2023,NÚMERO 10 DelRe gi s t r o ANALÓGI CO al DI GI T AL �Créditos Dr. Santos Guzmán López Rector UANL Dr. Juan Paura García ÍNDICE Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL Dra. Ver ónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado M.A. Eva Julia De La Cerda Cruz Secretaria Académica DOCENTE Lorena Estrada Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabr iela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez 10 Coordinadores y Editores de la Revista Croma Mariana Alejandr a Rodr íguez Del Ángel Coordinadora alumna Casandr a Vanessa Her nández Ríos Samaria Abigail De la Rosa Olveda Cecilia Marlene Cuellar Leos Milton Jair Rojas Hernández Eliseo Escobar Reséndiz Gabr iela Melo Pavón Ricardo Ver a Mejía TALENTOFAV Brandon Medellin !vana Leal 4 6 Estancia de Producción Pablo Alejandro Alvarado Rodríguez Portada ARTE Maquillaje de Efectos Especiales con JMMN FX y Creature Studio 88 CROMA, año 5, No. 10, Junio 2023, es una publicación trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos,Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2023080113474100-102, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. �T A L E N T O F A V FOTOGRAFÍA DE RETRATO BRANDON MEDELLÍN Nos comparte su proceso creativo y el estilo estético que define sus fotografías POR: MARLENE LEOS K evin Brandon Medellín Benavides, es estudiante de la carrera de lenguaje y producción audiovisual de la Universidad Autónoma de Nuevo León, Nos contó acerca de su pasión que es la fotografía, sus inicios, experiencia y su enseñanza de vida para continuar con sus procesos creativos. Su interés por la fotografía empezó desde edad muy temprana, ya que su mamá tenía cámaras analógicas en casa que usaba para tomarle fotos, eso despertó su curiosidad, pero no fue hasta preparatoria que tomó más gusto por fotografiar, en ese entonces con su celular, pero todo cambió cuando pensó en evolucionar su trabajo, así que ahorró dinero para comprar su primera cámara. Para hacerlo, compró dos boletos para ir al concierto de Justin Bieber, y uno lo vendió muy caro, gracias a eso pudo comprar su cámara Canon T6, con esta duró cuatro años, hasta que pudo ahorrar más dinero y se compró una cámara Canon 6D (Full frame), en cuanto a lente usa un 50 mm, 85 mm y 35 mm, ya que le encanta hacer retratos, con iluminación de luz natural y con poca profundidad de campo en sus fotografías. Alguien que ha influenciado en su trabajo, recién que inició en la fotografía fue un fotógrafo estadounidense llamado Brandon Woelfel y uno mexicano, llamado Henry Jiménez. Gracias a ellos Brandon descubrió su propio estilo, le gusta seguir experimentando para no quedarse en uno solo, intentar nuevas cosas y llevar al máximo su trabajo. El estilo estético fotográfico de Brandon se basa mucho en los colores, él se define como, “colorido y extrovertido”; curiosamente su color favorito es el café. ¿Pero qué hace que sus fotos sean tan especiales? Él interviene mucho las tonalidades de colores, que hagan sentir que es una escena de película, lo que le interesa es transmitir diferentes sentimientos, que cada persona que vea sus fotos tenga la mente abierta para imaginarse diferentes historias. Se destaca por las fotografías con personas, con la esencia de foto editorial. Piensa en una idea y la retrata, desde pensar en el vestuario, el lugar y, sobre todo, qué expresará su 4 junio 2023 redes sociales _ INSTAGRAM @brendonmedellin fotografía. Nunca tomó cursos, por lo que creía que si no sabía bien lo que estaba haciendo no cobraría por sesiones, pero tuvo la iniciativa de practicar por su cuenta, se capacitó viendo videos por YouTube para prepararse y así poder ofrecer un servicio más profesional. La manera en la que llegan sus clientes es mediante amigos, conocidos, o marcas de ropa o productos que quieren colaborar con él para sus redes sociales. Su proceso creativo se basa mucho en la percepción, puede estar escuchando una canción o algún sonido, incluso comiendo, e inmediatamente llega a su mente una idea para representarlo en una foto. YO FLOREZCO EN EL INVIERNO No es bueno quedarse con las ganas, siempre atrévanse a hacerlo, quédense con esa experiencia, ya llegará el éxito.” También cuando ve algún color tiene la necesidad de expresar lo que le hace sentir, le gusta caminar solo y encontrarse con lugares donde hay potencial para una fotografía. Uno de sus intereses es guardar flores marchitas, colocarlas dentro de cuadros, y saber que siempre estarán ahí, esto le ayuda a inspirarse cuando las ve, recordar momentos especiales y bonitos; estas son algunas maneras en las que llegan sus ideas. Brandon considera que, para ser un buen fotógrafo este debe ser paciente consigo mismo y con quienes vayan a trabajar, debes ser muy abierto a las opiniones, ya que siempre habrá gente que diga que no le gustan tus fotos o que cambies tal cosa, tienes que saber escuchar las ideas de los demás. Y lo más importante es ser creativos, valientes en experimentar, emplear colores que los demás fotógrafos no se atreven a usar. Recalca que, la fotografía está en constante evolución y pasa por cambios; los buenos fotógrafos no se quedan en un solo estilo, cambian de ideas y si no les gusta algo lo vuelven a hacer. Nos sugiere tener una mente abierta, para que lo que entre en nuestra mente podamos expresarlo de manera creativa y que no todo puede salir como lo pensamos, puede haber errores, pero existen muchas lecciones que aprenderemos con el tiempo. Nos deja en claro que una buena fotografía es la que te transmite y te hace sentir algo, eso es lo que hace que una foto nos guste. Uno de sus sueños es fotografiar a famosos, quizás trabajar con modelos, marcas internacionales de ropa. Otro interés es usar su estilo de colores en cortometrajes y películas. Ser un reconocido fotógrafo y colorista, porque tiene mucho que expresar con su creatividad, sus colores y su visión. Un consejo que da a cualquier persona que se siente atraído por la fotografía es que no se detengan por opiniones ni malos días, tomar en cuenta que siempre habrá gente que denigre tu desarrollo profesional con comentarios que hagan menos tu trabajo. Siempre sigan su propio camino, crean en sus ideales, siéntanse orgullosos de lo que harán y no importa si se equivocan, nadie es perfecto, cometerán muchos errores, pero aprenderán de ello. Algo que él repite mucho en su mente es que si no lo intenta no sabrá qué pasará, quizá lo logre o no, pero al menos lo intentó. Afirma Brandon. SABORES Y CRAYONES DE MI NIÑA INTERNA junio 2023 5 �T A L E N T O F A V Tatuadoras ILUSTRACIONES EN LA PIEL QUE INSPIRAN Nos reunimos con Ivana Leal, originaria de Allende, Nuevo León. Nos platicó sobre su pasión: los tatuajes, y el cómo fue que se interesó en este mundo. Hablamos de su estilo e inquietudes artísticas; así como de los tatuadores que la inspiran y de sus proyectos a futuro POR: RICARDO VERA MEJÍA ¿ FOTOGRAFÍAS DE INSTAGRAM DE @IVANA.INK Podrías darme una pequeña introducción sobre ti? Soy Ivana, tengo diecinueve años. Estoy estudiando la carrera de Artes Visuales, cursando el sexto semestre. Mi interés por el arte siempre ha estado desde que tengo memoria, me acuerdo que yo no era de andar en los deportes, siempre estaba sentada dibujando y coloreando. Cuando tenía trece o catorce años comencé a realizar retratos a lápiz para venderlos, también hacía pinturas pequeñas en fundas. Siempre me ha gustado la pintura, tengo cuadros que no comparto, siento que eso es algo muy mío. Hace un año comencé a realizar tatuajes. ¿En qué momento nació tu interés por el tatuaje y en decidir tatuar? Mira, soy de Allende, ahí no es tan común que la gente esté tatuada, hasta hace poco algunos miembros de mi familia se han hecho algún tatuaje. Recuerdo que mi acercamiento fue viendo programas relacionados al tatuaje. Alguna vez escuché que la piel es el lienzo vivo y eso llamó mi atención. Pensé: “sí yo lo hago 6 junio 2023 a lápiz también quiero hacerlo en la piel, para que las personas siempre lo lleven”. Cuando tenía dieciséis empecé con la inquietud de tatuar, así que comencé con los tatuajes de henna ya que no tenía a nadie a quién pudiera acudir para aprender. A los diecisiete, en contra de la voluntad de mis papás, busqué y compré en mercado libre el kit más económico para tatuar. Mis máquinas parecían como las que hay en la feria o las que usan en la cárcel, pero ya tenía todo, ahora faltaba buscar información sobre cómo armar las máquinas. Estaba empezando de cero y en ese entonces no había en internet mucha información al respecto para principiantes. Pensé: “no hay tanta gente tatuada en Allende, pero sí hay. ¿Dónde se están tatuando?”. Estuve preguntando y me dijeron de un chavo que se llama Rolando pero que le dicen “Rola la tinta”. Entonces le hablé y luego fui a la vecindad en donde vive, que se llama La garganta del Diablo. Llegué con mi maletita y le dije: “quiero aprender a tatuar”. Me dijo que por ser menor de edad no podía enseñarme mucho pero que sí a armar la máquina, así como dar algunos consejos sobre qué tintas y agujas usar. Y ya de ahí comencé a practicar con naranjas, plátanos y todo lo que se dejara. Pero no fue hasta un año después que empecé a tatuar personas. ¿Hubo algún tatuador famoso que te inspirara? Mucha de mi inspiración era de cuando veía el programa de Los Ángeles Ink de “Kat Von D” ya que ver una tatuadora mujer que ha llegado tan lejos, y más sabiendo que ella es de Montemorelos siendo yo de Allende, fue para mí como un “sí se puede”. También en mi trabajo me inspiro de otros tatuadores que a lo mejor no son tan famosos a nivel mundial o nacional pero sí en Monterrey, por ejemplo “Hueso Negro” es de aquí y fue uno de mis maestros cuando comencé a tatuar. Su estilo es micro realismo y fue así como decidí que quería realizar ese tipo de trabajo. Platícame, ¿Con cuál máquina comenzaste a trabajar? Cuando comencé a tatuar con el kit que compré, eran unas máquinas de bobinas. Una es para hacer la línea y otra para hacer el relleno y el sombreado. Estas se tienen que calibrar, ponerles ligas y varias cosas más. Se conectaban mediante una fuente de poder y a un pedal que pisaba cada vez que quería que la máquina arrancara. Ahora ya hay pedales que le pisas una vez y ya arranca, le pisas una segunda vez y se detiene. Hay gente que considera que las máquinas de bobinas son las mejores, pero para mí, toma mucho tiempo el estar calibrando y ponerle todas las cosas que necesitas. Hay tres tipos de máquinas: de bobinas, rotativa y pen. La pen es lo más nuevo; es con la que tatuó actualmente. En un inicio comencé con mi máquina de bobina hasta que entré en un estudio como aprendiz; ahí todos tenían sus máquinas pen, estás ni siquiera necesitan fuente de poder ni pedal; son inalámbricas y daban resultados mejores de los que yo podía dar con la calidad de la máquina de bobina que tenía. Estando ahí hice el cambio, pregunté entre amistades cual me recomendaban y me compré también por MercadoLibre mi máquina pen. Nunca probé con una máquina rotativa. ¿Cuál fue tu primer tatuaje y el primero en realizar en una persona? Mi primer y único tatuaje es el que tengo en el tobillo. Tiene mucho significado para mí porque es mi logo, lo hice cuando empecé a dibujar y lo utilicé para mi página de dibujo de retratos. Es una letra “I”, me han dicho que parece la “i” de los increíbles, pero me vale (se ríe). Entonces cuando comencé con los tatuajes decidí que lo usaría como mí marca. Con ese logo ya tengo mis stickers, bolsas, camisetas, todo lo que vaya haciendo como mi marca. Cuando entré al estudio, me dijeron que tenía que tener, aunque sea un tatuaje para sentir lo que estoy haciendo a otra persona y sí cambió mi manera de tatuar. Me hizo ser más cuidadosa pues, aunque no me dolió, se siente e incluso se escucha, es decir puedo sentir cuando estoy lastimando a alguien sí clavo de más la aguja. Este tatuaje me lo hice hace casi un año. El primer tatuaje que realicé fue a una de mis roomies; eran tres y también estudian en la FAV. Me dijeron “queremos estar tatuadas, no importa como quede, confiamos en tí, va a quedar bien”. La primera me dió un diseño suyo: una ranita punk con una patineta, se la hice en la pierna. Estaba súper nerviosa, eran las tres de la mañana cuando preparé todo en la mesa de la cocina, emplayé y me puse a tatuar. De ahí ya no lo solté. ¿Cómo definirías tu estilo? Es muy diferente tatuar a dibujar, pero, quería que fuera algo relacionado con dibujo. No me gusta dibujar ni tatuar a color. Hago detalles pequeños pues mi estilo va más dirigido al fine line o línea fina; palabras o fechas, por ejemplo. Apenas estoy comenzando con el micro realismo que son piezas muy detalladas y chiquitas. Eventualmente quiero poder hacer lo que hago en papel en la piel, que son los retratos, pero en pequeño, más minimalista. Alguna vez escuché que la piel es el lienzo vivo y eso llamó mi atención. Pensé: “Si yo lo hago a lápiz también quiero hacerlo en la piel, para que las personas siempre lo lleven.” junio 2023 7 �T A L E N T O F A V ¿Cómo es tu proceso de trabajo? Para empezar, no estoy en el estudio de planta, trabajo por citas; así que primero el acercamiento es del cliente hacia mí por las distintas redes sociales. Les pido que me manden su idea del diseño junto con las medidas aproximadas y la zona del cuerpo en la que lo deseen. Se hace una cotización y se programa una cita y ese día les pido que lleguen de preferencia solos o máximo con un acompañante. Cuando llegan, procuro tener preparado el diseño ya impreso con base a las medidas que me dijeron y saco tres tamaños; ellos eligen uno, preparo la mesa, les pongo el diseño y los llevo al espejo para que lo revisen. Sí les gusta dejo que se seque la guía con esténcil, los paso a mi lugar de trabajo; les muestro que todo esté nuevo, emplayado, desinfectado, y me aviento mi jale. Procuro que se sientan cómodos durante el tatuaje y al finalizar les doy sus indicaciones de cuidados con el tatuaje. ¿Qué es lo que más te gusta de los tatuajes? Me gusta que las personas se vayan con una buena experiencia y disfruten del proceso. Soy muy campechana, voy a estar platicando contigo durante el tatuaje. Me gusta que las personas se vayan contentas, también me gusta cuando llegan personas y me dicen que llegó porque le gustó un tatuaje mío que vio en alguien conocido, eso me encanta. El tatuaje es un trabajo que se recomienda solo. ¿Qué recomendación le darías a quien desee ser tatuador? Que lo haga, que no le dé más vueltas, que no busque cursos, son un engaño y solo quieren sacarte dinero. El mundo del tatuaje es muy celoso, nadie va a querer enseñarte, sí alguien te quiere enseñar va a ser porque ve tu potencial y sí te quiere cobrar, es porque solo se interesa en el pago, pues a veces, no te enseñan todo. Pienso que el sol sale para todo el mundo. Es un proceso complicado comenzar, pero una vez que empiezas, es de ahí para arriba, no lo sueltes. Vas a tener tatuajes que no te gusten los resultados, o clientes que no se van contentos, entre otros problemas, pero hay que seguir. ¿Hay algún tatuador que te esté inspirando de momento? Actualmente tengo varios que me inspiran, uno de ellos es “Hueso negro” de aquí de Monterrey. Su estilo fue el que más me inspiró al comenzar. Otro es mi jefe Carlos Porras del estudio donde estoy que se llama Punto & Coma, es un tatuador que hace composiciones; es algo que admiro mucho, dicen que tu admiras las cosas que piensas que puedes llegar a ser. Además del tatuaje, ¿Qué otros proyectos artísticos realizas? Además del tatuaje me dedico a lo que es el dibujo del retrato a lápiz. También me gusta mucho la pintura al óleo; de hecho, tengo un proyecto artístico que involucra el tatuaje y la pintura en el que estoy recreando obras de estilo clásico de la pintura en óleo de tamaño grande, con el twist de que tiene tatuajes. Me inspiro en el “Dr. Lakra”. Muchos de sus trabajos son digitales, es decir, toma una imagen y le agrega el diseño 8 junio 2023 del tatuaje; yo lo hago desde cero. Su estilo es más como arte pop mientras que yo voy a lo clásico. En este momento tengo una obra empezada que es de “Eva” del año 1500; quise que fuera la primera de una serie de obras. En esta pieza se marca el desnudo de Eva, la mujer pura que cae en el pecado; lo relaciono con los tatuajes y me interesa que con esto se deje de tener el concepto de que una persona tatuada es criminal. El tatuaje es arte, debe apreciarse como tal. ¿Qué proyectos tienes para tatuarte? Mi siguiente tatuaje quiero hacerlo en el brazo derecho: una máquina de bobinas, que fue con la que empecé a tatuar y lo quiero en estilo de micro realismo. ¿Cuáles son tus próximos proyectos como artista? Mi idea es seguir con esa serie de cuadros de pinturas clásicas agregándoles tatuajes; eventualmente exponerlos en una galería y vender mis obras. Como artista quiero que todo se vaya enfocado a poder combinar mis dos gustos: el tatuaje y la pintura. Como tatuadora me gustaría poner un estudio, en Allende, por ejemplo, ya que ahí no hay un estudio en forma. Vas a tener tatuajes que no te gusten los resultados, o clientes que no se van contentos, entre otros problemas, pero hay que seguir.” redes sociales _ INSTAGRAM @ivana.ink junio 2023 9 �D O C E N T E LORENA FOTOGRAFÍA DE LA COTIDIANIDAD ESTRADA La maestra Lorena Estrada Quiroga es una exponente de la fotografía contemporánea en la Facultad de Artes Visuales. Conoceremos acerca de su inicio en el medio fotográfico, su visión de mundo y sus procesos de creación. POR: ELISEO ESCOBAR RESÉNDIZ ¿Cuál es su formación académica? Estudié la licenciatura en Artes Visuales, que en ese entonces se dividía en tres acentuaciones, yo elegí artes camarográficas porque en ella veíamos fotografía y video. Durante la mayor parte de la carrera me centré en el videoarte, después me fui a vivir a la Ciudad de México, y estudié durante tres años en el taller de la maestra húngara Kati Horna en la Academia de San Carlos de la UNAM. Tiempo después regresé a Monterrey e hice la maestría en la Facultad de Artes Visuales. Ya en el año 2011 hice parte del Programa de Fotografía Contemporánea (PFC) dirigido por Javier Ramírez Limón. ¿Qué la motivó a realizar obra fotográfica? Mi padre estudió una Licenciatura en Administración de Empresas y cuando terminó se dio cuenta que su vocación era la sociología, por eso fue a estudiar una maestría en sociología urbana a Chile en 1966, becado por la OEA. Dedicó la mayor parte de su tiempo a la educación y posteriormente a las artes visuales. En casa siempre hablábamos de temas sociales y políticos, Así empecé a ver cómo mi papá convertía sus ideas en imágenes, y a generar significado a través de materiales y formas. Por otra parte, mi abuelo paterno era muy aficionado a la fotografía, siempre traía colgada una cámara de 35 milímetros con visor independiente y tomaba fotos de todo. Por un lado, heredé el gusto de mi abuelo por la foto y, por otro, aprendí de mi padre a expresar ideas sobre el mundo a través de mis prácticas artísticas. lo que sucede en México y el mundo, me interesan el comportamiento humano, las relaciones de poder, los medios de producción, las dinámicas laborales, la economía, pienso en mi vida cuando hago arte, la fotografía es el medio a través del cual me vinculo a la realidad del tiempo en el que vivo. ¿Por qué la fotografía puede ser considerada arte? La fotografía es un medio omnipresente que ha cobrado gran importancia para las dinámicas, no solo del arte, sino de la vida contemporánea. Desde los inicios del conceptualismo, la imagen fotográfica ha marcado el camino a seguir en términos de discurso y lenguaje, trazando nuevas maneras de entender el mundo. La fotografía es la práctica artística que mejor traduce nuestro tiempo y un ejercicio de conciencia que ejerce comentarios desde diversas áreas del conocimiento. Desde mi perspectiva, para que una acción simbólica sea considerada arte, debe ser hecha con ese propósito y estar inserta en el mundo del arte. La fotografía es el medio de nuestro tiempo; muchas personas tenemos acceso a un celular con cámara, sin embargo, pocas se proponen pensar y expresar de manera auténtica a través de ese medio. ¿Cómo es su proceso de creación fotográfica? Lo que hago es profundizar en un tema que me interese, veo lo que han dicho y escrito los especialistas acerca de él, entonces genero una opinión propia. Reflexiono acerca de lo que me inquieta/atrae, lo “veo” desde el arte, pienso en cómo convertir mi opinión en imágenes fotográficas. La FOTOGRAFÍA es un medio omnipresente que ha cobrado gran importancia para las dinámicas, no solo del ARTE, sino de la vida contemporánea. ¿Cuáles son sus principales temas de interés en la fotografía? Los proyectos fotográficos que desarrollo se inscriben en los campos de la imagen documental, el registro de procesos y el trabajo con archivos. La fotografía puede asociarse con la historia y la política; eso me atrae. Me gusta estar enterada de 10 JUNIO 2023 JUNIO 2023 11 �D O C E N T E ¿Qué es lo que más le apasiona de su proceso creativo? Me gusta comprender aquello que me interesa, generar ideas y después imaginar las maneras posibles de hacerlas realidad. Disfruto compartir esta experiencia con mi pareja, el sentimiento de estar en el mismo proceso y dialogar de manera creativa es algo que disfruto mucho. ¿Qué medios utiliza para darle exposición a su trabajo? Los medios tradicionales: centros culturales, museos y galerías, redes sociales. En mi experiencia uno de los modos más efectivos de “aparecer” en el mundo del arte son las convocatorias, sin embargo, la calle es el gran escenario, pues es allí donde conectas con personas que incluso desconocen las dinámicas del arte y sus códigos. ¿Cómo es el proceso de organizar una exposición fotográfica? Exponer es el plato fuerte, exponer toma tiempo, pero, sobre todo, debes tener algo por decir. Las exposiciones surgen como resultado de un trabajo sostenido, es decir, derivan de tu reflexión y tus apuestas en torno a un asunto, en otras palabras, una exposición aporta algo al contexto donde ocurre, una exposición se atreve o no es. Articular y seleccionar piezas con un discurso expositivo requiere de una postura crítica llamada curaduría. La curaduría es una acción curativa. 12 JUNIO 2023 Semblanza Lorena Estrada Quiroga Lorena Estrada Quiroga conformó el Colectivo Estética Unisex en 2010 junto a Futuro Moncada. Ha presentado su trabajo en Colombia, Brasil, México, Estados Unidos, España, Francia, Grecia y Malasia. Obtuvo el premio de adquisición Salón de la Fotografía de Nuevo León (2012), la beca del PECDA Monterrey en dos ocasiones (2012 y 2015), la beca de The Tierney Family Foundation Nueva York (2013), mención honorifica en la VII Bienal Nacional de Yucatán (2015), mención honorifica en la IV Bienal Ciudad Juárez-El Paso (2015), Gran Premio de la Reseña CONARTE Monterrey (2015), el Sistema Nuevo León para el Impulso Artístico y la Creación SNLIAC CONARTE (2019 ), el Sistema Nacional de Creadores de Arte (2019), el apoyo de Fundación Jumex Arte Contemporáneo para Publicaciones. Desde 2002 es docente de fotografía en la Facultad de Artes Visuales de la UANL y ha impartido talleres en el Centro de las Artes de San Agustín CASA, en el programa de fotografía contemporánea “El retorno de la imagen” en Querétaro y en LIMINAL Seminario del Centro de Investigación, Innovación y Desarrollo de las Artes, CEIIDA, UANL. La FOTOGRAFÍA es el medio a través del cual me vinculo a la REALIDAD del tiempo en el que VIVO. JUNIO 2023 13 �T E M A D E L M E S FOTOGRAFÍA ANTIGUA La historia de la fotografía ¿Alguna vez te has preguntado cómo fue que comenzó la fotografía? o ¿Quién la inventó? Te contamos POR: CASANDRA VANESSA HERNÁNDEZ RÍOS E Joseph Niépcehore Niépce (1765-1833) Louis-Jacques-Mandé Dahuerre (1787-1851) 14 junio 2023 sta técnica fue inventada por Joseph Nicéphore Niépce. Fue un físico, litógrafo, inventor y científico aficionado francés que en conjunto con Louis Daguerre, crearon el primer proceso fotográfico exitoso que se conoce como la «heliografía». El progreso del mejoramiento de esta tecnica no solo es gracias a Nicéphore, sino también a su colega Daguerre quien fue el primer divulgador de su tecnología tras inventar el daguerrotipo, además de trabajar como pintor y decorador teatral. El 5 de diciembre de 1829 firmaron un contrato de sociedad donde Daguerre reconocía que Niepce “había encontrado un nuevo procedimiento para fijar, sin necesidad de recurrir al dibujo”. Fueron varios días los que ambos estuvieron trabajando juntos. Cada uno informaba al otro sobre sus trabajos; a veces con recelo y otras con más espontaneidad. Después de la muerte de Niépce en 1833, Su colega continuó con la investigación y en 1835, hizo un descubrimiento importante por accidente. El descrubri que al poner una placa expuesta en su armario con un químico y después de unos días encontrar, que se había convertido en una imagen latente por efectos del mercurio que se evaporaba y actuaba como un revelador. Daguerre logró perfeccionar el daguerrotipo hasta 1838, pero no permitía obtener copias, ya que se trata de una imagen positiva única. Además, los tiempos de exposición eran largos y el vapor de mercurio tenía efectos tóxicos para la salud. El 7 de enero de 1839, se presentó públicamente el invento en la Academia de las Ciencias, en París. Posteriormente, el estado francés compró el invento por una pensión vitalicia anual de 6000 francos para Daguerre y otra de 4000 francos para el hijo de su compañero Niépce, con el objetivo de poner a disposición de la ciudadanía el invento, lo cual permitió que el uso del daguerrotipo se extendiera por toda Europa y los Estados Unidos. La fotografía en la actualidad ha extraviado bastante del pasado glorioso que alcanzó en algún momento. Hoy en día, la facilidad con que se obtiene un registro fotográfico le ha jugado en contra, volviéndola un arte de segunda categoría, aunque esto esté lejos de ser verdad. En la fotografía actual lo único a lo que la gente le pone especial énfasis es a la forma, es decir, a lo que enseña “directamente” la imagen. Este tipo de pensamientos le quita mucho potencial y significado al arte fotográfico. La primera cámara fotográfica Muchos han creído que la cámara oscura fue la primera en inventarse principalmente siendo un prototipo y esto ayudó en el gran logro de Nicéphore que junto con la ayuda del pintor y divulgador Louis Daguerre desarrollaron la primera cámara fotográfica de la historia el daguerrotipo. La idea principal era encontrar un proceso nuevo que permitiera acortar la exposición necesaria para lograr una heliografía (Procedimiento de duplicación de dibujos a través de la luz en un papel sensible utilizando la reproducción de planos) y dejarla por unos minutos, esto se consiguió usando distintos materiales y recurriendo a procesos químicos que permiten lograr la captura de imágenes de mayor definición. Despues de un tiempo Daguerre presentó su invento en la Academia de las Ciencias en París, lo cual logró popularizar su cámara y comercializar casi medio millón de aquellos daguerrotipos y finalmente en agosto de 1.839 el gobierno francés compró el invento y lo puso a disposición del público en general lo cual permitió su expancion por el resto de Europa incluso hasta los Estados Unidos. Ilustracion de Joseph Niépce con la primera cámara fotográfica La FOTOGRAFÍA sólo puede representar el presente. Una vez FOTOGRAFIADOS, el sujeto se convierte en parte del pasado.” BERENICE ABBOT FOTÓGRAFA ARQUITECTÓNICA Joseph Niépce. La primera cámara fotográfica. junio 2023 15 �T E M A D E L M E S La evolución de las cámaras fotográficas La primera fotografía de la historia Esta fotografía fue tomada en 1,826 y fue tomada por una “heliografía” proceso por el cual logró que la imagen creada por una cámara oscura quedara fijada en una placa de peltre a la que aplicó betún de judea. Niépce fue el primero en conseguir algo que se llevaba intentando desde hacía siglos, y por ello se le considera el padre de la fotografía. La imagen que se ve a continuación se le denomina “Vista desde la ventana en Le Gras” porque mostraba la vista desde su casa y para poder fijar la imagen necesitó nada menos que ocho horas de exposición. 1500 Cámara Oscura: su principal función es Proyectar una imagen inversa cuando la luz pasa a través de la abertura. Vista desde la ventana en Le Gras, por Joseph Niépce. ¿Cuál es la importancia de la fotografía? Con la fotografía, tienes la oportunidad de capturar eventos cruciales en proceso. Desde la política hasta los deportes y la música, así como la vida cotidiana, preservas la realidad tal como es en un marco de tiempo específico, recopilando información irremplazable para los arqueólogos del futuro. Tambien puede ayudar a conectar a las personas de todo el mundo, ya que las imágenes son un lenguaje universal que cualquiera puede entender y conmoverse, otro punto importante de esta tecnica es que ha sido la voz de la historia humana, es una herramienta insustituible para registrar recuerdos y resaltar cada aspecto de nuestra historia reciente. Puedes honrar el pasado revisando las tomas más icónicas que marcaron un evento específico en los últimos dos siglos, o incluso simplemente buscando en los archivos de tu ciudad para averiguar cuánto material fotográfico se produjo e inspirarte para hacer lo mismo y continuar el ciclo. Pera no olvidemos el punto mas importante el cual es el que las fotografías siempre contaran una historia atravez de ellas y de tambien de quienes la tomaron. Y por supuesto lno podemos olvidar los elementos más básicos de la fotografía son la cámara, el sujeto u objeto que se va a fotografiar, la luz existente y cómo no, el fotógrafo. 1839 El Daguerrotipo: fijación de la luz con la cámara oscura. 1884 El megaskop: primera cámara con capacidad de hacer capturas panorámicas. 1925 Leica l: 1ra cámara practica de 35 mm. Amplía el tamaño de la imagen hasta 24x36 mm. 2000 Sharp J-Sho4: primer teléfono móvil con cámara en el mercado. Nuve atómica sobre Nagasaki, por Teniente Charles Levy. 2015 ¿sabias que?... Rodolgo Ramírez Fundador de la agencia Las cámaras se pueden clasificar función de muchas cosas: del soporte en Tridente en Monterrey y ganador de en diferque se almacenan las imágenes (analógico o digital), del tamaño del sensor o película etc. 16 junio 2023 Sony A7 ¨ful frame¨: Sony sacó al mercado una cámara con mejores sensores y eliminando el espejo. junio 2023 17 �T E M A D E L M E S FOTOGRAFÍA ANÁLOGA L A NUEVA 18 JUNIO 2023 Cámaras Point & shoot, reflex SLR y desechables Sí bien existen diferentes tipos de cámaras con variaciones en sus características, podemos resumirlas en tres tipos: Las cámaras point and shoot (apuntar y disparar) siguiendo ese principio, se ocupan de toda la parte técnica, para que su usuario solo apunte al objeto a fotografíar y dispare, es decir, la cámara se encarga de enfocar, exponer automáticamente y pasar a la siguiente foto. Además son más compactas y de menor peso comparadas con las cámaras reflex, por lo que usualmente son las favoritas para llevarlas de viaje. Se podría decir que con estas cámaras no es necesario tener ningún conocimiento fotográfico para su uso, al igual que las cámaras desechables. Las cámaras reflex SLR (single-lens reflex) a diferencia de las point and shoot proporcionan a los usuarios el control para configurar los ajustes de su cámara. Además tienen la posibilidad de intercambiar sus lentes en función de las necesidades de la toma y, gracias a sus elementos ópticos, ofrecen una variedad de posibilidades creativas con resultados de mayor calidad. A pesar de ser fáciles de usar, es necesario tener conocimientos en fotografía. FOTO DE: FREEPIK V FOTO: FREEPIK Formatos de película FOTO: FREEPIK ivimos en plena era digital, rodeados y consumiendo tecnología a diario. Un ejemplo son nuestros smartphones capaces, entre muchas cosas, de hacer fotos con la calidad de una cámara profesional. Por lo qué se podría pensar que la fotografía con carretes de película son cosa del pasado, pero no, la fotografía análoga ha hecho su regreso y está más fuerte que nunca. ¿Por qué hacer fotografía análoga? Esta creciente popularidad ¿será gracias a las redes sociales? Sin duda estas han ayudado a que la comunidad de la fotografía análoga crezca, se mantenga viva y más presente que nunca pues cada vez más gente, sin importar sí son fotógrafos profesionales, casuales o amateur, se interesan por realizar fotografías con película. Tal vez este interés también se atribuye a la necesidad de realizar algo de manera más auténtica. Con cualquier cámara digital podemos observar en la pantalla LCD el cómo se verá la fotografía antes de realizarla y en todo caso, podemos tomar tantas fotos como queramos eliminando después las que no funcionan. Pero en la fotografía analógica no es así, tenemos 36 exposiciones por carrete aproximadamente, por lo que tenemos que pensar y visualizar bien la fotografía que haremos antes de apretar el botón. Esto es, buscar el mejor encuadre, medir correctamente la luz, realizar el ajuste de los valores necesarios en la cámara teniendo en cuenta el tipo de carrete que estamos utilizando, esperar el momento preciso para que el resultado sea como deseamos, y disparar. Además generalmente las fotografías análogas tienen una riqueza única en la paleta de colores, en los tonos, el contraste y la textura que cualquier fotografía tomada en digital. Por otro lado, existen diversos factores que pueden ocurrir durante el proceso de revelado de las fotografías y donde el resultado puede ser aleatorio, brindándole de una estética genuina, atractiva, por lo que la espera por correo de las fotos escaneadas para descubrir el resultado final de cada fotografía tomada, le da esa magia que la separa por completo de la fotografía digital. FOTO: FREEPIK POR: RICARDO VERA MEJÍA FOTO: FREEPIK ERA DEL FILM Las cámaras desechables, como el nombre sugiere, se utilizan una sola vez y luego se desechan. Comparten muchas características con las cámaras point and shoot, ya que tienen exposición automática, un rango de enfoque fijo, son ligeras y pequeñas. Sin embargo, a diferencia de éstas, aquí se pasa la foto manualmente, y la calidad del cuerpo de la cámara es baja, precisamente para que tengan un solo uso y luego se tiren. Esto aplica también al lente, que también es de baja calidad, muy lejos de la calidad de las cámaras point and shoot. En el mercado actual, existen diferentes tipos de película en función del tipo de cámara que se use, siendo el formato de 35mm el más conocido, pero también está el formato medio (110,120), Fuji Instax, las polaroid, etc. Los carretes o películas tienen diferente ISO, es decir, la sensibilidad que tiene la película al captar la luz en función a las distintas situaciones de luz existentes al realizar la fotografía ya sea que se utilize una película a color o en blanco y negro. El número de disparos en una película puede variar, por ejemplo, en los carretes de 35mm llegan a tener veinticuatro o treinta y seis fotos como norma general. Esta información se especifica en la película. JUNIO 2023 19 �T E M A D E L M E S FOTO: RITCHIE VERA FOTO DE: FREEPIK En la actualidad las marcas y fabricantes de película dista mucho de los años 80s y 90s, pues el sector se ha reducido y los costos de producción de las películas se han elevado. Algunas de las marcas que podemos encontrar en el mercado actual son Kodak, Fujifilm, Ilford, CineStill, Fomapan, Kentmere, Lomography, entre otras. Cada una de estas cuenta con una variedad de carretes distintos entre sí, por lo que a la hora de elegir puedes comenzar probando diferentes marcas y de esa forma encontrar la que más se adapte a la estética o necesidad artística deseada. Utilizando a Kodak como ejemplo, su película “Kodak Color Plus 200” tiene colores cálidos, baja sensibilidad de la luz y una saturación media alta, en cambio su película “Kodak Portra 400 y 800” son ideales para retrato y trabajos profesionales por los tonos de piel que da, cuenta con buen grano y una alta sensibilidad a la luz, muy útil para fotos de noche. 20 JUNIO 2023 La experiencia al imprimir y exponer tus fotografías es distinta al solo verla en una pantalla, hay una mayor satisfacción en el tacto de su tangibilidad. Al observar la foto impresa se logra un mayor vínculo con ella, se transmite más e invita a la reflexión de lo que se está contemplando ya que su visualización es más pausada, mientras que compartirlas solo en las redes sociales, hay un periodo corto de atención, y dependiendo del medio de donde se esté viendo la foto, puede verse de forma muy distinta e incompleta. Mientras la tecnología sigue avanzando y en algún momento se citaba que lo digital era el futuro y la muerte del film, no se puede negar su creciente popularidad en los últimos años, pues aunque existan aplicaciones que logren el efecto de una imagen tomada por algún carrete de película, no se compara con la satisfacción de realizar una fotografía con una cámara análoga. Quien sabe por cuánto tiempo más viva la fotografía análoga, pero tal vez este es el inicio de una nueva revolución que logre que se mantenga. FOTO: FREEPIK FOTO: RITCHIE VERA Imprime tus fotografías JUNIO 2023 21 �T E M A D E L M E S FOTOGRAFÍA LOCAL 22 junio 2023 FOTO: MAURICIO YÁÑEZ FOTO:HERMANOS LAGRANGE FOTO: NICOLÁS M. RENDÓN FOTO: DESIDERIO LAGRANGE FOTO: NICOLÁS M. RENDÓN Monterrey en 400 fotos Incursioné como investigador de la fotografía local, ya que hasta entonces NADIE lo había hecho.” ROBERTO ORTÍZ CURADOR Y EDITOR DE MONTERREY EN 400 FOTOGRAFÍAS ¿Alguna vez te preguntaste cómo fue que surgió la fotografía en Monterrey? Te contamos como fueron sus incios a través de Monterrey en 400 fotografías POR: MARIANA ALEJANDRA RODRÍGUEZ DEL ÁNGEL E n 1996, Roberto Ortíz Giacomán crea la primera exposición sobre la historia de la fotografía local, la cual recopila las primeras fotografías tomadas en Monterrey desde 1800 en adelante. Algunos de los fotógrafos que se incluyeron en esta exposición fueron: José S. Ortiz, Mauricio Yáñez, Alberto Flores Varela; fotógrafos del siglo XIX, como Sabas Treviño, Alfonso de Lagrange, Desiderio de Lagrange y Nicolas Rendón; y en la fotografía contemporánea: Aristeo Jiménez, Javier “Venny” Sánchez, Marcos Méndez, Roberto Maldonado Espejo, Juan Llaguno, Erick Estrada, Juan José Cerón, Javier Orozco y por supuesto, Roberto Ortíz Gicomán. Mientras Giacomán trabajaba para el Museo de Arte Contemporáneo como proveedor y haciendo diferentes servicios de fotografía aplicada a la museografía, Fernando Treviño, director del Museo, se acercó a él y lo invitó a crear una propuesta para una exposición relacionada con el 400 aniversario que se celebraba en 1996. “Hay que recordar que la invención de la fotografía, propiamente está planteada en 1839. La academia de ciencias de Francia anunció la invención del daguerrotipo, entonces para 1995 la fotografía tenía 156 años.” Recalca Giacomán. Durante su indagación sobre el tema, e incluso después de consultar a Don Israel Cavazos, cronista de Monterrey, con la finalidad de responder sus propias dudas sobre si existía algún texto o estudio sobre la historia de la fotografía regional, Giacomán fue sorprendido con la respuesta de que esta no existía. Fue así cómo planteó la exposición Monterrey en 400 fotografías, la cual constaría de 400 fotografías de lo largo del tiempo, en la que sobresaldrían los primeros fotógrafos de la ciudad y los temas sobre los que habían fotografiado en aquel entonces. “Primero nos planteamos una exposición de corte histórico, es decir, con fotografías antiguas y básicamente con fotógrafos que ya no vivían.” Sin embargo, durante el desarrollo del proyecto, se acordó agregar en una etapa de la exposición, una selección de fotografías (en ese tiempo contemporáneas) de la ciudad, la cual sería la conclusión, luego de la parte histórica. Con la asistencia de su gran amigo e historiador de arte, Javier Moisen Lechuga, quien en ese entonces se encontraba haciendo estudios doctorales en España, Giacomán mantuvo comunicación a través del fax, mientras Moisen lo asesoraba en el proyecto. Entre otros elementos importantes que asistieron a Giacomán en la exposición, se encontraba Alfredo Di Stéfano. Él había conocido a un personaje que radicaba en la ciudad de México, José Antonio Rodríguez, crítico de fotografía y arte, y que también realizó muchos proyectos de la historia de la fotografía en México. Gracias a la recomendación de Alfredo, Giacomán platicó con Antonio Rodríguez, a quien le entusiasmó mucho la idea. junio 2023 23 �M E S ÍA Z. GARC REFUGIO FOTO: FOTO : ROB ERTO O. S RRO . BA OE I N E UG O: E FOT 24 junio 2023 L DOVA . SAN SÚS R E J : FOTO escasos. En realidad, era una comunidad, por no decir pueblo. Y había transacciones comerciales y comercios, pero la frontera quedaba lejos. Los movimientos eran en carros tirados por mulas, por caballos y no fue hasta la introducción del ferrocarril alrededor de 1882, cuando comienza a desarrollarse Monterrey.” Los pocos ejemplos tempranos de fotografía en la ciudad eran de gente pudiente que alguna vez habían hecho algún viaje a la frontera, o que se tomaban daguerrotipos en otros lugares. Con el paso del tiempo, los originales de cámara de los daguerrotipos fueron quedando atrás con la creación de la técnica de albumina, la cual permitía crear impresiones en papel. Estas no necesariamente fueron tomadas en la ciudad y mucho menos por algún fotógrafo de aquí, sino por fotógrafos extranjeros que, gracias al ferrocarril, comenzaron a llegar y establecerse en la ciudad. “Esto es lo que lo que empezó a encontrar José Antonio en los anuncios y periódicos de la época. Yo al mismo tiempo, confirmaba esos anuncios porque encontraba en álbumes y colecciones familiares retratos con las firmas de aquellos fotógrafos que se anunciaban.” Así comenzaron a recopilar nombres e información sobre las vidas de diversos fotógrafos. “Primero de fotógrafos viajeros y luego de fotógrafos ya establecidos en la ciudad. Alguno de los primeros es Cayetano Izquierdo, de origen cubano. Él estuvo radicando un tiempo aquí y ofrecía sus servicios. También encontramos un fotógrafo europeo de apellido Fahrenberg. Sin embargo, uno de los primeros nombres que aparecen en la ciudad como uno de los primeros fotógrafos, es Sabas Treviño. Hemos encontrado en colecciones locales muchos de sus retratos ya como fotógrafo establecido en Monterrey.” Ya con la disposición del ferrocarril, y bajo el régimen porfirista, hubo mucho desarrollo comercial. Fue entonces cuando los estudios fotográficos comenzaron a crecer, pues al tener un medio de transporte en el cual era más fácil y rápido poder trasladarse, el número de visitantes aumentó significativamente. GIAC OMÁ N Con la experiencia en la investigación de archivos municipales y fuentes primarias, José Antonio Rodríguez se instaló en Monterrey por unos días, en los cuales accedió al archivo general del estado y revisó todos los periódicos, reportes, revistas y publicaciones acumuladas. Fue así como fue encontrando anuncios de los primeros fotógrafos en la ciudad. Con toda esta información recopilada, José Antonio se dedicó a escribir un texto para la exposición sobre la historia de la fotografía en Monterrey. “El texto de José Antonio Rodríguez de alguna manera es la primera versión de la historia de la fotografía en Monterrey, digamos, en términos escritos.” Asegura Giacomán. “Yo lo que me puse a hacer fue buscar en colecciones y a hacer reprografía de diferentes fotografías. Entonces no había cámaras digitales y lo estuve haciendo con película de transparencia con cámara de revelado, con cámara de película. Estuve tomando trasparencias y documentando todo lo que iba encontrando.” En 1939 y desde Europa, se lanza la invención del Daguerrotipo en el mundo. El gobierno francés le compra la patente a Daguerre (quien patentó el invento del daguerrotipo), y lo regala al mundo para que fuera un desarrollo tecnológico de uso abierto, como un regalo a la humanidad. En medio de esta busqueda de información, José Antonio Rodríguez y Roberto Ortíz Giacomán descubrieron que, aún sin terminar el año de 1839, se encontraron los primeros daguerrotipos en México tomados en el puerto de Veracruz. “A meses de haberse lanzado el descubrimiento de la fotografía por medio del daguerrotipo, encontramos que había llegado al país la primera persona con una cámara y con el conocimiento y los materiales para poder hacer registros en daguerrotipos.” Antes no existía el concepto de copias múltiples como hoy en día. Al principio, con los daguerrotipos, la pieza que ponías en la cámara y que luego revelabas era lo único que obtenías. “Los daguerrotipos que se puedan encontrar en Monterrey son muy FOTO : JESÚ S R. S ANDO VAL D E L FOTO: JOSÉ S. ORTÍZ T E M A Nos dimos la tarea de buscar los principios de la fotografía en Monterrey y ver si podíamos reflejar en una exposición, un TESTIMONIO, por medio de la fotografía del crecimiento de la ciudad.” ROBERTO ORTÍZ CURADOR Y EDITOR DE MONTERREY EN 400 FOTOGRAFÍAS junio 2023 25 �E M P R E N D I M I E N T O Regular Coffee CAFÉ Y FOTOLIBROS AND BOOKS redes sociales _ INSTAGRAM Nos juntamos con Fernando Gallegos en Regular Coffee and Books, donde platicamos sobre este proyecto de emprendimiento, además de su trabajo como artista visual @regularcoffeeandbooks POR: RICARDO VERA MEJÍA F FOTOGRAFÍAS POR: FERNANDO GALLEGOS ernando es artista, editor de fotolibros, curador de fotografía y maestro de la facultad de Artes Visuales. Se graduó de la FAV en la carrera antes llamada Lenguajes Audiovisuales. Poco después se enfocó de lleno en la fotografía haciendo también cinematografía y trabajos en comerciales. Actualmente se encuentra editando tres fotolibros y uno más que ya está terminado y en proceso de publicar. Nos contó que su trabajo como editor de fotolibros va desde la conceptualización del proyecto como libro a la edición, que es la selección de fotos; de ahí a la secuencia del trabajo y el diseño en página del proyecto. “Cuando trabajo un libro, lo que entrego es un dummy físico final ya con el diseño en forma general, incluso su diseño gráfico. Para mi todo es parte del concepto y hasta que el libro dice lo que tiene que decir como objeto, hasta ahí lo sueltas”. En cuanto al diseño gráfico aclara: “A veces se da crédito del diseño del libro al diseñador gráfico, pero no a quién hizo el libro. Cuando trabajo un proyecto hago una especie de concepto y luego me apoyo con un diseñador gráfico de confianza para que diseñe el trabajo; hago énfasis en eso para evitar confusión”. Como maestro en la facultad de Artes Visuales, antes impartía clases de “Iluminación” y “Cinefotografía”, ahora está dando clases de “Creación fotográfica”. Nos comentó: “Como yo trabajé muy de cerca con el equipo que hizo el nuevo plan de estudios, la idea es empezar a dar clases en lo relevante como puede ser «La historia de la fotografía ó, foto contemporánea» por ejemplo.” Hablando sobre su cafetería Regular Coffee and Books, le preguntamos cómo nació la idea del mismo. “Queríamos un lugar que operara bajo nuestras reglas. Mis dos socios, amigos de toda la vida, nos gusta mucho el café y somos de probar granos nuevos; cualquiera que haya ido a un café de especialidad se ha topado con que a veces parece que te quieren dar algo muy a 26 junio 2023 fuerzas, por lo que nosotros queríamos un proyecto que operara bajo reglas más sencillas. De ahí nace la idea del Regular; además queríamos poner una tienda de fotolibros que es algo que no hay en el norte del país.” Sobre su conceptualización y desarrollo del proyecto nos compartió: “Me gusta pensar que la forma en la que se armó es muy similar a como armo un proyecto de fotolibro; donde hay una serie de necesidades y conceptos que quieren comunicar por sí mismos y el objetivo es comunicar eso a las personas que se van a enfrentar a ello. Por eso es algo sencillo pero efectivo el «Regular» un café donde vienes y pruebas distintos granos que bien pueden ser exóticos de diversos lugares, así como también de una selección amplia de tostadores internacionales. Todo es en una onda de experimentar con algo que no has probado antes y en donde el barista también quiere probarlo contigo. Es decir, no es una onda de ahí te va este café chingón, sino más bien queremos que éste hable por sí mismo.” Al preguntar sobre sí los cafés tienen alguna permanencia o van rotando a cierto tiempo, Fernando nos comentó: “Van rotando. Queremos hacer como con los libros. Los cafés que tenemos aquí son como una especie de curaduría de un abanico de cafés que existen en el mundo. Al igual que con los fotolibros, no tenemos todos los libros que se hacen, hay una selección de los mismos que corresponden a diferentes cosas. Con los libros es más complicado porque es un público que no existe acá, en cambio con el café hay una creciente cultura. Al seleccionar un café, primero tiene que estar rico y debe tener, no su prestigio, pero sí su seriedad en el producto. A veces esa decisión está en la forma en la que manejan su barra o en su imagen que conecta con nosotros. Y en esa rotación es como vamos descubriendo diferentes cafés y barras en el mundo.” Un café donde vienes y pruebas distintos granos EXÓTICOS, así como también de una selección AMPLIA DE TOSTADORES INTERNACIONALES.” Hablando sobre si fue difícil la inclusión de una cafetería y tienda de fotolibros en la ciudad, Fernando nos respondió: “Es difícil por defecto, pero ya sabíamos. Al final para la mayoría de la gente la tienda de libros es una especie de concepto o temática de cafetería y no una librería en sí. Para mí y cualquiera que le guste los libros, no es así, es una tienda donde vas a encontrar libros que probablemente estás buscando. Sin embargo, sabíamos que iba funcionar como una especie de gancho de atracción y de alguna forma como una especie de decoración; que otra vez, es un punto delicado. Como artistas uno quiere que le compren su pieza porque es chingona y muchas veces te la compran porque se ve bonita. Sabíamos que el punto fuerte en lo económico iba a ser el café y que tendría la calidad que merecía para poder junio 2023 27 �E M P R E N D I M I E N T O posicionarse. A la hora de promocionar nuestro proyecto, si uno se fija en nuestras redes sociales, es muy sencillo y directo, «aquí está esto y ya» no es «ven y ve lo más chingon». Te lo vamos a mostrar con toda honestidad y esperamos que el producto sea lo suficientemente bueno para que lo aprecies sin la necesidad de que nosotros te lo digamos. En todo caso estamos empujando que se dé a conocer que tenemos una página web donde hacemos venta y envíos nacionales. Todo esto es intencional. Hay una filosofía detrás y una estrategia de algún tipo, pensando en hacer algo que hable por cómo es, tratando de dirigirlo a que se entienda de esa manera esperando que la gente lo aprecie. En Monterrey nadie lo está haciendo, nadie se atreve a poner un negocio que nomas sea y ya. Para nosotros es importante que el lugar mismo está tratando de decirlo.” También platicamos sobre cómo es el proceso en la selección de cafés y fotolibros, a lo que nos comentó: “Llevo mucho tiempo dedicándome a los libros, conozco muchas de las editoriales con las que trabajamos. Algunos personalmente y otros por nombre. En cuanto a la selección es sencillo: veo lo que hay y lo que puede ser interesante, contacto y hago pedido. En cambio, con los cafés es un poco más interesante, porque muchos son proyectos independientes que van empezando, en libros también, pero es diferente. En cafés no están ahí, hay que buscarlos, por Instagram, recomendaciones y así; cuando encontramos uno que nos interesa pedimos pruebas en bolsas pequeñas de algunos de los orígenes que tengan disponibles. Sí nos gusta, hacemos un pedido grande y si no, pedimos un par de bolsas nada más para ver qué onda, porque entendemos que el café es completamente de apreciación. Cuando hablas de cafés de especialidad, si tiene los cuidados que debe de tener en su preparación, no hay cafés malos. Hay que te gustan o no te gustan.” Tanto hablar sobre granos de café y fotolibros, nos interesó saber sobre su top cinco de granos de café y de fotolibros, a lo que nos compartió: American Photographs de Walker Evans es obligado; The Pond de John Gossage fue una influencia muy grande para mí; Songbook de Alec Soth también estaría por ahí. Me quedé con uno muy clavado, se llama Ciprian Honey Cathedral de Raymond Meeks; hace poco me acaba de llegar uno de Stephen Gill que se llama The Pillar. Es como la música, los dos primeros son mis favoritos, pero los otros son los que tengo ahorita en la cabeza. De cafés, un Kenya que tenemos de Cat and Cloud me gusta mucho; el Perú que tenemos de Portrait también ha sido de mis favoritos; el Hamasho, uno de Etiopia de Blind Tiger está muy bien.” Ese día de la entrevista, la calle donde se encuentra Regular Coffee and Books estaba y continúa en obra. Por lo que al preguntarle sobre sus próximos planes con la cafetería nos dijo: “Primero aguantar lo que están haciendo. Dicen que hasta septiembre terminan, así que va a estar pesado. Después normal, expansión. Tenemos ofertas en Ciudad de México, pero me gustaría establecer bien la marca en Monterrey. Estamos buscando abrir un local provisional por el tema de la calle, y luego planear mejor un espacio cuando se pueda.” 28 junio 2023 Hablando sobre su trabajo y proceso dentro de la fotografía nos platicó: “Son como comentarios urbanos, pero desde el punto de vista del individuo. Lo que me interesa en la mayoría de mis trabajos es como nos enfrentamos con el espacio urbano que nos rodea. Lo que hago son narrativas muy fragmentadas como paisajes que se van armando a través de los fragmentos, narrativas concisas y abstractas. Para darte una idea visual de cómo se ve lo que hago, son fotografías de varias cosas que cuando las pones en una especie de mapa aluden al espacio donde existe estas cosas, pero la mayoría es con una sensación de incomodidad, de extrañamiento, que muchas veces habla de cómo identifico que se me hace el estar en estos tiempos en los que vivimos de tener un sentido de pertenencia y crear un sentido de identidad con respecto al espacio que habitamos. Siento que están desarticulados, no me permiten conectarme con ellos. Mucho de lo que vemos en las calles es intentos de personas por apropiarse, precisamente porque no sienten que un espacio en sí les pertenezca. Por eso vas a ver que en medio de la calle va a haber una maceta. Ese tipo de cosas me interesa. Como en un afán de querer sentir algo de pertenencia con un espacio, lo estamos desarticulando por completo, dándole un nuevo diseño. El trabajo que hago no considero que sea sobre Monterrey o México en general, es sobre la IDEA DE LA CIUDAD.” En cuanto a mi proceso de trabajo salgo, hago fotos y reviso el trabajo. A veces no hay nada, otras sí y busco articularlo. El trabajo que hago no considero que sea sobre Monterrey o México en general, es sobre la idea de la ciudad. Si podríamos fijarlo en la ciudad latinoamericana, creo que hay un problema con las ciudades latinas pues no hay un sentido de identidad propia de las ciudades a diferencia por ejemplo de una ciudad estadounidense. Su identidad se sigue al pie de la letra sobre cómo tiene que ser la ciudad por lo que cada vez que ves algo fuera de lugar lo notas. La foto urbana americana de los últimos ochenta años responde a eso, vas caminando y notas enseguida lo que está fuera de lugar eso les ayuda a pensar en cómo se está transformando el espacio. En la ciudad latinoamericana no. Nada más observar alrededor y nada tiene sentido, ni una cosa con la enseguida, son completamente diferentes incluso con lo que ves abajo de lo de arriba y luego, destruida la calle. Nada sigue una regla de identidad de ningún tipo, estamos todo el tiempo en medio de un caos que es complicado para la construcción de una identidad propia y más preocupante porque hace casi imposible una identidad comunitaria.” Por último, le preguntamos ¿Qué tiene de especial la foto para él? y su respuesta fue: “Me gusta que me mete en problemas y creo que es algo que no pasa en ninguna otra disciplina. Es decir, me acerco a la fotografía desde el lado teórico siempre, lo que he hecho es tratar de entender cómo se comunica, cómo se arma y cómo interactúa con nuestro entendimiento de la realidad. Algo que no tiene ninguna otra disciplina en el sentido que con lo que te enfrentas cuando estás haciendo foto, no es una ocurrencia tuya, sino al cómo percibimos el mundo real teniendo este su propio peso. Por ejemplo, si yo te tomo una foto a tí, yo no puedo ir y decir que esta foto habla sobre tal cosa. Porque al final la foto es sobre ti y tú tienes tu vida y lo que sea que significas para ti mismo y otras personas. Entonces sí yo quiero usar un retrato tuyo tengo que pensar muy bien qué está pasando y el que significa tomar un retrato de una persona que existe y en qué contexto la pondré porque ya no estoy jugando solo con mis ocurrencias, sino con la vida de las personas. Y es algo que no tiene ninguna otra disciplina, pues hay una libertad de expresión. ubicación Regular Coffee and Books se encuentra ubicada en San Pedro, en la calle Río Colorado 200, local-7, en colonia Del Valle. Los invitamos a visitar su barra de café y tienda de fotolibros. junio 2023 29 �E N F O Q U E FOTOGRAFÍA DE NATURALEZA Sombras en el “Sombras en el paisaje”, una exposición fotográfica desde un punto de vista opuesto al antropocentrismo paisaje POR: MARIANA ALEJANDRA RODRÍGUEZ DEL ÁNGEL C redes sociales _ PÁGINA WEB omo resultado de una conexión entre su gran amor por el montañismo y su pasión por la fotografía, Roberto Ortíz Giacomán nos muestra Sombras en el paisaje, a través de 70 fotografías recopiladas en el transcurso de 20 años. Una exposición en la cual, en lugar de ver las montañas desde el punto de vista del ser humano, se plantea: Roberto Ortíz ¿Cómo es que estas ven hacia nosotros? Giacomán “Esta exposición de Sombras en el pai- Fotográfo, curador, saje tiene un planteamiento muy simple editor gráfico y uno pero fundamental porque hay un marco de los fundadores de la Fototeca de conceptual importante del que mi traba- Monterrey. jo personal gira en torno desde entonces. Tiene que ver con cambiar el punto de vista colonialista y de conquistador. Un punto de vista antropocéntrico. La fotografía invariablemente apunta a nosotros mismos, y la confirmación de este planteamiento son las famosas selfies. De tanto vernos a nosotros mismos hemos dejado de ver lo que nos rodea. Al planeta yo lo percibo como un ser vivo. Si los seremos humanos insistimos en seguirnos viendo nada más a nosotros, precisamente por esa actitud antropocéntrica, hemos dejado de ver que formamos parte de una entrando más que la tierra ser el reino que heredamos y que nos fue dispuesto para servimos de él, hemos perdido la noción de que somos parte de él y que debemos trabajar en coordinación y respetar a todos los demás sistemas y a los seres vivos. Esta idea de percibir al planeta como un ser vivo del cual nosotros somos un componente. Hay una interdependencia de los seres humanos con todo lo demás que está pasando en el planeta. Y mientras estemos viéndonos nada más a nosotros mismos se nos olvida esa otra parte. “ Al proponerse voltear a ver hacia donde no estamos viendo, Giacomán se fijó parámetros para crear su estilo, el cual consta de tratar de encontrar cosas diferentes y nuevas que aporten algo sobre como él ve las cosas. Un punto de vista más consciente de nuestro entorno y de nuestro efecto en él. robertortizphoto.com 30 junio 2023 junio 2023 31 �E N F O Q U E Minero Mitra, 2014. ¿Cómo fue que nació su inquietud por las sombras? Inquietudes por mostrar mi trabajo personal realmente vienen desde los 80s. Tuve una exposición que para mí fue muy importante. Ahí me sentí que ya tenía un ojo, y haber encontrado un lenguaje personal. Y ya empecé a darme cuenta de que podía externar ideas o imágenes diferentes de lo que ya había visto, y no caer en los lugares comunes. Desde siempre me ha gustado la naturaleza, el campo, y he practicado el montañismo desde hace muchos años. Incluso hubo en la época en la que me consideré montañista y casi en segundo lugar fotógrafo. Estaba entusiasmado con la idea de subir montañas cada vez más alto. Fui entendiendo de que esta actitud de “conquistar la cima de una montaña” era una actitud colonialista. Empecé a notar que esta idea de llegar a la cima de una montaña y tomarte la foto como “conquistador” levantado las manos en señal de triunfo, no iba a sorprender a nadie y era aburrido. ¿Por qué está enfocado específicamente sobre paisajes? Es invertir un poco. En algunas de las imágenes hay personas, pero siempre son pequeñitas a la distancia. Es en un ejercicio de humildad. Así formamos parte de este sistema. Deberíamos tener cierto nivel de humildad. En “sombras en el paisaje” son sombras del fotógrafo, que paradójicamente en la historia de la fotografía, a veces se consideran como un “error”. No es ningún afán de protagonismo, pero más bien, nuestro paso por la vida son como las sombras. Las sombras son proyecciones temporales. Por un momento pareciera que estamos integrados. Nos adherimos. Nos pegamos al paisaje. La imagen que representamos es muy relativa. Nunca es la verdadera. La verdadera está adentro. Es un ejercicio de representación en donde nada es realidad. Te puedes representar como muy vigoroso, como debilucho, como gordo, como flaco, y puedes hacer un juego de él. la técnica de cartografía aérea La cartografía aérea es una técnica con la que se recopilan datos de un terreno a través de la de la fotografía aérea, que puede hacerse con satélites, drones o aviones. Esta consiste en tomar una serie de fotografías sobre una zona para componer toda su superficie. Las imágenes tomadas se unen para formar una sola imagen del lugar. Esta técnica cartográfica fue una gran inspiración para la realización de “Sombras en el paisaje”, pues estas fotografías no se obtuvieron con un solo disparo de la cámara, sino con varios. Gordo, 2002. Mis fotos son construcciones porque están hechas. No es una instantánea.En realidad es un lapso, y tomo múltiples para conformar una sola.” Mitra pirámide, 2010. 32 junio 2023 junio 2023 33 �E N F O Q U E fotografía con cámara infraroja Las fotografías de la exposición “Sombras en el paisaje” fueron tomadas con una cámara infrarroja con el objetivo de ver el paisaje desde un punto de vista distinto al del ojo humano. Las cámaras termográficas (o cámaras térmicas) detectan la temperatura al capturar diferentes niveles de luz infrarroja, la cual es irradiada por los objetos e invisible a la vista humana. Cuanto más caliente es un objeto, más radiación infrarroja produce. Las cámaras térmicas detectan esta radiación y la convierten en una imagen. Fui aprendiendo a vernos desde fuera. A ver la actividad humana. Hay muchos temas fuera de nosotros. El planeta es riquísimo y funciona de maravilla.” Etla, 2014. ¿Cuál es el significado del blanco y negro? No son totalmente blanco y negro. Mi aproximación es la visión de la montaña. Tengo que ver de manera diferente de como vemos los humanos. Aunque puedo tomarla en color, no quiero usar los códigos o la paleta de colores como ven nuestros ojos. He aprendido que los sensores digitales ven mucho más que el rango visible pero los fabricantes las ajustan para que vean como vemos los humanos. He recurrido a un laboratorio que encontré en Estados Unidos en donde pueden remover los filtros que le ponen para hacerlas infrarrojas. En mi fotografía todo lo que es verde, todo lo que tiene clorofila, tiene una especie de florescencia, tiene una claridad, tiene como una luminiscencia diferente. Entonces yo juego con estos elementos que las montañas perciben. Lo peor que podrían hacer es que vieran el cielo azul, la vegetación verde, como los humanos. Mi interpretación del cerro de la silla es el cerro viendo a la ciudad. 34 junio 2023 ¿Cuáles son las lecciones más valiosas que ha aprendido en su carrera como fotógrafo? Por medio del oficio, de ejercer la profesión del fotógrafo y también de aprender a expresarme por medio de la fotografía, he aprendido a ver la vida. En mi carrera me he planteado: ¿Se puede ver la vida desde el visor de una cámara fotográfica? Ahora, con estas canas, te puedo decir que si. Si te puedes ganar la vida haciendo fotografía, pero también puedes aprender mucho de la vida viendo desde la fotografía. ¿Qué consejo le daría a una persona cuyo sueño es dedicarse profesionalmente a la fotografía? Opuesto de decir “Guíate por tu instinto, no veas lo demás y lánzate a que surja todo de tu inspiración”, por el contrario, es: “Aprende lo que han hecho los demás. No desprecies la historia de la fotografía y verás como eso te impulsa a descubrir algo nuevo.” Puerta Franca, 2015. Fogoso, 2002. junio 2023 35 �E ÍNNF DO I QC UE E Black Swan (2010) FOTOGRAFÍA DE CLAVE ALTA Y BAJA HIGH KEY o LOW KEY, ahí está el dilema Javier Molina, fotógrafo de moda, te explica como utilizar estos conceptos de la fotografía en distintos ambitos para que los apliques en lo que te convenga POR: SAMARIA DE LA ROSA S i quieres crear una atmósfera que realce ciertos conceptos visuales, el High Key y Low Key son términos utilizados en el entorno fotográfico y son técnicas de iluminación que se sirven para enfatizar ciertas características de la luz. Estos esquemas de iluminación son necesarios para crear fotografías que logren transmitir algo y para poder entenderlo mejor, Javier Molina Rangel, fotógrafo de moda, te lo explica. “No lo hago como un estilo que me caracterice, más bien lo adapto según el mensaje que se quiera trasmitir. Y es recomendable usarlos siempre y cuando exista justificación y congruencia en su utilización”, contó Molina. Desde sus inicios en la fotografía, Molina hace uso de estas técnicas cuando se necesita lograr escenas que requieran dar un mensaje específico o según las necesidades y conceptos que el cliente pida. Una buena fotografía no depende del tipo de cámara que se utilice, siempre y cuando conozcas 36 JUNIO 2023 Javier Molina Rangel. Fotógrafo de Moda y experto en el High Key y Low Key. los parámetros y el de los valores correctos de exposición de manera manual. Con esto puedes lograr maravillas entre luces y sombras. Una de las ideas erróneas que se tiene con respecto al High Key y el Low Key es creer que se trata de imágenes en blanco y negro, ya que cuando se mencionan luces y sombras, lo que se piensa automáticamente es en estos dos colores. Molina afirma que una fotografía de este estilo puede ser incluso a color, mientras se respeten las características visuales de cada esquema. Uno de los consejos que nos da nuestro experto es que si se llega a usar alguno de estos esquemas sea en base a la semiótica. Es importante analizar el CONTEXTO bajo el cual se está trabajando y así, a partir de eso, crear el AMBIENTE que mejor se adapte.” CONOCE EL HIGH KEY DOMINA EL LOW KEY High Key, también conocido como Clave Alta (traducción literal en español), hace uso de tonos vivos, utilizando una iluminación suave, sin sombras, con acentos en blanco, creando escenas sin volumen donde todo parece plano. La principal característica, como su nombre lo dice, es darle prioridad a las altas luces para que predomine el color blanco, por lo tanto, todo lo que conlleva un ambiente claro y limpio será enfatizado si se decide usar este esquema, comenta Molina. Se puede aplicar a todas las áreas de la fotografía de alimentos, ya que al mejorar los reflejos, puede proporcionar fondos bien iluminados y alimentos que tengan la frescura deseada en su fotografía. Así mismo, fotografiar específicamente a recién nacidos y niños utiliza connotaciones que simbolizan la pureza, la inocencia y una atmósfera clara. La moda también tiende a evocar estos sentimientos, como hacen los diseñadores cuando lo que se anuncia merece ser entendido, y de manera comercial. Se puede decir que el Low Key es el antagonista del High key, porque su valor es el opuesto. Aquí, el énfasis no está en el brillo, sino en la sombra. Nos comenta el fotógrafo de moda que una de las principales características es el contraste entre estos dos conceptos, resaltando los tonos negros, dejando solo puntos de luz muy concretos que crean dramatismo en la imagen gracias al claroscuro. Más específicamente hablando, se puede usar esta técnica para fotografiar objetos y sujetos en los que se desee crear una atmósfera inclinado hacia la penumbra y enfatizar los tonos oscuros. Se utiliza también en fotografías de alimentos, pero en lugar de la frescura, el Low key busca reflejar algo completamente distinto: “…esta técnica se emplea para lograr emular imágenes del estilo de los bodegones o naturalezas muertas del periodo pictórico barroco muy usadas en restaurantes de alta gama, te da ambientes sofisticados y elegantes.” Describe Javier Molina. Imágenes tomadas de Freepik. JUNIO 2023 37 �A R T E JMMN FX CREATURE STUDIO EFECTOS ESPECIALES & Hablamos con Juan Manuel y Carmen Cervantes, CEOS de JMMN FX & Creature Studio y nos platicaron sobre su trayectoria en la Industria del cine POR: MARIANA ALEJANDRA RODRÍGUEZ DEL ÁNGEL C on más de 25 años de experiencia y su gran pasión por los Efectos Especiales, Juan Manuel Méndez y Carmen Cervantes han llevado a su estudio, JMMN FX & Creature Studio, a ser el más reconocido del país, participando en proyectos internacionales en los que han colaborado con grandes casas productoras y reconocidos directores en Hollywood. Bebé animatrónico. Dummy hiperrealista de bebé realizado en Smooth-On gel de silicón, para serie internacional de Netflix. Los efectos especiales no nada más son terror, sangre. No. No sabes la cantidad de cosas que hemos ido descubriendo en el camino. Se van haciendo dummies, animatrónicos, cosas de fantasía increíbles. Es un mundo y yo creo que no terminamos ahorita.” CARMEN CERVANTES MAKEUP FX ARTIST Y CEO DE JMMN FX & CREATURE STUDIO 38 junio 2023 ¿Cómo lidian con la presión saber que su trabajo será visto por muchas personas al trabajar con plataformas como Netflix y directores como Alejandro Iñárritu? JM: Gracias a Dios hemos participado en muchísimos proyectos de Televisa, de Netflix, de Disney, en Amblin Entertainment con Spielberg, en Amazon, en HBO, y bueno para las casas productoras de comerciales, editoriales y toda la onda. Inclusive para fuera del asunto del cine y televisión para estos cuartos de escape que hoy están de moda. Hemos estado también en eventos para premieres de películas famosas, como Halloween. Hacemos dummies, animatrónicos. Luego, por ejemplo, en Halloween de que agarran al cuerpo y le cortan la cabeza. Algo muy memorable, es lo que quieren que nosotros hagamos y que quede con la misma calidad para esos cuartos de escape. Entonces ha sido muy variado. Por todos lados, afortunadamente nos han convocado para que hagamos toda esta parte de los efectos. CC: La verdad digo, presión, sí, la verdad siempre trabajamos con mucho estrés. Mucho. Porque desgraciadamente no le dan el tiempo que se requiere para poder desarrollar con mucha finura esta situación. Son muchos procesos. Un dummy, un maquillaje, requiere mucho tiempo para atrás, de producción. Hemos tenido producciones de estar trabajando un año para que después se filme. ¿Por qué? Porque tienes que hacer muchísimos efectos. Entonces realmente yo creo que la presión es esa. Que salga cada Zombie para cortinillas de The Walking Dead, FOX. Diseño de personaje, piezas prostéticas en silicón y Maquillaje FX por Juan Manuel Méndez, Carmen Cervantes y JMMN Crew. �A R T E Marcianito de Manzanita Sol para comercial. Makeup FX & diseño por Gabriel Solana. Prosthetics & Makeup FX por Juan Manuel Méndez. proceso lo mejor que lo podamos hacer. Hay veces en las que los directores te dicen “No, es que ni se va a ver. Es algo muy rápido. Es Night Vision” y nosotros decimos “No” porque por nuestro propio reto, por tener algo padre, le inyectamos mucha calidad, mucha creatividad, mucho profesionalismo, y los directores terminan haciendo el close-up. Ósea, desde que no se viera a “Wow, como voy a desaprovechar esto”. Y la verdad es que para nosotros es mucho halago porque aparte del estrés, tienes que tener muy preciso desde la planeación, de los materiales, del diseño, de los elementos, de cómo se tiene que ver, como va a ser la escultura. Híjole, es echarle mucha cabeza a toda esa planeación. Entonces es mucha emoción cuando sale. Los vemos en los cortos, en los comerciales del cine. La verdad es que es muy padre. ¿Cuál fue el proyecto que les sirvió de trampolín para ser más reconocidos en la industria? JM: Pues han sido varios. Antes de que pusiéramos el estudio, fue con una pierna que hice con el diseñador con el que trabajamos y fue para Amores perros de Iñárritu. Justo ese fue el que me catapultó para seguir haciendo todo esto y seguir yéndonos hacia arriba. Posteriormente, ya como estudio han sido varios, de hecho, en La cueva del Diablo con los directores, al ver que no nada más hicimos una sombra, sino que hicimos algo más elaborado, pues gracias a eso nos siguieron hablando para más películas. Inclusive el Compayito nos catapultó para muchos proyectos de Televisa también porque hemos sido de los pocos estudios que han logrado esa magia de que se sienta vivo. El Marcianito de manzanita sol también aquí en México fue algo nuevo, porque antes no se hacían ese tipo de proyectos y cuando salió al aire fue como muy recordado por muchos. Y también de ahí se abrieron las puertas para muchas otras cosas. 40 junio 2023 ¿En su estudio existen divisiones por área de especialidad? JM: Si. Nosotros empezamos siempre en estos proyectos con la lectura de un guion. Y ya de ahí cuando nos convocan, siempre vamos Carmen y yo a vernos con el director y con el productor y ya nos van planteando que es lo que quieren para el proyecto. Tenemos personal que hace el diseño, para empezar a aterrizar el look. Luego se pasan a la parte de escultura que es donde empezamos a crear todo el look ya en 3D de cómo se va a ver, ya sea un maquillaje, un animatrónico, un dummy o el efecto que se vaya a dar. También está la parte de los “Mold Makers” que son las personas que hacen los moldes de esas esculturas. Que es un rollote, eh. Al igual que todos, pero estas personas tienen la responsabilidad de que en ese departamento salga todo bien porque si tantito no le calculan bien, o no hacen un buen molde, le dan en la torre a todos procesos anteriores. Casi no le dan el aplauso o el crédito merecido a los Mold Makers pero obviamente es un trabajo que desde ahí parte si le sigues o te vas pa’ tras. CC: Ya esa parte es como decisiva. Si todo sale bien se puede continuar con los vaciados o si de plano te equivocaste al hacer un molde con candados, echas a perder la escultura, y es otra vez volver a empezar todo. Entones es mucha responsabilidad. JM: Y sigue la parte del vaciado, que es cuando uno ya inyecta en ese molde el silicón, el látex o el material que vamos a usar y acabados, que ya es la parte de pintura, insertado de cabello, el Entonces es asegurarnos incluso que tengan su garantía de que es seguro para usarlo en la piel. Desgraciadamente en muchas “escuelas” de maquillaje enseñan con látex. Imagínate el gran error. La gente que va ahí a aprender, pues no sabe. Ellos van a aprender resultados profesionales que se suponen que saben, y que enseñen con eso. Aquí en nuestros cursos jamás les damos látex. En las capacitaciones que damos es una capacitación muy integral en conocimientos de técnicas, de materiales, de procedimientos y que vayan seguros a su chamba. Que de verdad se sepan vender como artistas del maquillaje, pero con todo el respaldo de conocimientos que puedes ir teniendo. JM: Si, y han habido muchos casos. Nos han llegado a hablar de empresas de televisión, así de: que pueden hacer. Porque usaron justamente látex industrial y la actriz se sentía que se estaba quemando, ya tenía un enrojecimiento muy fuerte. Entonces nosotros les fuimos diciendo qué es lo que podían hacer en ese momento para que posteriormente fuera al dermatólogo, al médico, para seguir un tratamiento. Pero si, desafortunadamente se vuelve un error común por la falta de conocimiento, y sobre todo por lo que te digo, en YouTube muchas personas juegan con el látex no dando la precaución de que debe de ser un látex industrial si es para el rostro. El látex industrial se puede usar para muchas otras cosas como dummies, para elementos. Para la piel no. Para eso hay látex especiales. Y aún así, tiene que haber todo un tratamiento para que podamos estar libres de que no vaya a pasar algo. ponerle el ojito, la dentadura, la lengua, según el efecto que se vaya a hacer. Entonces si son como muchas disciplinas las que se van integrando para poder lograr estos efectos. CC: Y bueno, de ahí pueden partir muchas cosas, los animatronics, los mecanismos. Ya va como más especialidad. ¿Cuál es el error más común que comete un principiante? JM: Creo que el error más común es el uso del material. Desafortunadamente, por redes sociales y mucho por YouTube, vemos a personas que se hacen mil cosas en la cara. Les queda muy padre, pero nada más te dicen que usan látex, y nunca te ponen que debe ser un látex exclusivo para la piel, un látex cosmético. Entonces el error de muchas personas es ocupar en sí mismo, o inclusive ocuparlo haciendo un maquillaje con látex industrial. La gran diferencia es que el látex industrial tiene una gran carga de amoníaco. El amoníaco es el que hace que el látex esté líquido. Entonces meterle eso a la piel es super fatal. De hecho, a nosotros nos ha llegado gente que quiere estudiar con nosotros y nos han enseñado fotos de cuando le han metido látex y pues cuando lo arrancan se viene pues con todo y piel, y se ve ahí toda la herida bien fuerte. Entonces hasta allá puede llegar ese asunto. CC: Inclusive hay gente alérgica al látex que se puede morir. Y lo más fácil, y lo más barato: Látex. Todo el mundo cree que lo más usamos es látex. No. Usamos elementos profesionales. Carmen Cervantes aplicando el maquillaje en el set de grabación del comercial. Cíclope para comercial de Cinemex. Diseño de Maquillaje FX por Gabriel Solana. Efectos Especiales de Maquillaje y vestuario por Gabriel Solana, Carmen Cervantes, Juan Manuel Méndez y JMMN crew. junio 2023 41 �A R T E ¿Cuál ha sido el proyecto más complejo que han realizado? JM: Creo que todos los proyectos tienen su grado de dificultad, pero uno que recuerdo ahorita, es el dummy ahogado. Nos habían dicho de ese, pero no los tiempos ni que día se iba a hacer. Este proyecto fue para Estados Unidos. Ese dummy era muy complejo porque tenía un esqueleto tipo stop motion, o sea se podía mover. Podías ponerlo en posiciones. CC: Y teníamos ya el plan de trabajo por semanas de como ir avanzando para tenerlo en tiempo y forma. JM: Y sí nos habían dicho, “Oigan, después de este dummy probablemente necesitemos el mismo dummy de esta persona, pero ya muerta porque se va a ahogar, lo van a encontrar en un océano”. Dijimos “Órale, padrísimo” pero desafortunadamente, lo necesitaban a último minuto, entonces nosotros estábamos en la fabricación de este dummy, que era cuerpo completo con esqueleto, y ellos necesitan antes el otro dummy. El ahogado. Entonces cuando nos dicen, nosotros de “Híjole”. Aparte íbamos saliendo de la pandemia, no había muchos elementos, ni materiales, ni personal ni nada de ese asunto, entonces eso complicó muchísimo las cosas. Los materiales estaban detenidos en la Aduana o no los traían. Fue un caos. Afortunadamente, nosotros aquí en el estudio siempre procuramos tener un stock de materiales, pero con pandemia se nos estaba agotando terriblemente. Entonces tuvimos que hacer a un lado el dummy que estábamos haciendo para clavarnos en el otro dummy, y si nos dieron como una semana y media, 2 semanas para poder hacerlos cuando realmente eran 4 semanas. Entonces fue muy caótico. La gente que teníamos aquí en el estudio, tuvimos que meternos por completo, casi no dormíamos. Trabajábamos día y noche. No, fue una locura. CC: Todos los proyectos tienen algo. Por que, por ejemplo, al material hay que darle su tiempo, a que gele, incluso el clima afecta mucho a veces también a que los materiales sequen como deben de secar, no puedes abrir los moldes antes de tiempo porque se te descuadran. De hecho, el taller está con clima. Lo tenemos controlado porque si no, no gela. Realmente creo que siempre hay algo que debemos afinar, pero eso también es lo padre de cada proyecto porque te permite no a ponerte a llorar. Tienes que solucionar en el momento porque si no, al otro día ya se atrasó el proceso, y eso nos ha hecho mucho la mentalidad de seguir avanzando, porque a lo mejor un artista se puede poner a llorar, a decir “Ya no quiero, ya me salió mal y ya me voy porque no me salió lo que quería”, porque nos ha pasado. Artistas que de repente vienen y se sientan porque son las 3 de la mañana y no le salió como él quería y se pone, pues, berrinchudo y ya no continúa trabajando, entonces “Okay, gracias, bye. Tenemos que sacar el trabajo que nosotros nos comprometimos a sacar”. Y gracias a Dios siempre hemos quedado con resultados muy buenos. ¿Han tenido complicaciones con el envío de los dummys? JM: El que te digo que salió de emergencia, ósea si fue un caos en ese aspecto, pero bueno, salió bien, gustó muchísimo. Funcionó. Maravilloso. Nos lo detuvieron allá en la aduana, en Estados Unidos, porque pensaron que era una cabeza real. CC: Si, de hecho, lo mandamos por FedEx porque tenía que 42 junio 2023 FX irse a Miami. Y tenía que estar tal día, a tal hora porque iban a filmar. Fuimos a hablar con FedEx “Oigan, a ver, nos dedicamos a esto, no vayan a creer que estamos mandando cosas que no debemos”. Entonces es hacer una carta técnica, con todos los materiales de lo que iba hecho. Ahora sí que desglosar todo. JM: Toda la ficha técnica para que ellos puedan ver que es una cabeza falsa. CC: Y bueno, quieras o no son retos. Todo es crecimiento, todo son experiencias. JM: Si, y van super protegidos. Siempre les metemos el clásico plástico burbuja que ayuda muchísimo. Ponemos rellenos también, hay una especie como de plástico, como almohaditas que también ayuda al impacto. Siempre procuramos tener todo muy bien para que no vaya a sufrir ningún daño. A parte que también a los dummys o a las piezas que hacemos, les hacemos pruebas de resistencia para que aguanten. Sobre todo a ese ahogado, pues iba a ir abajo del agua. Lo iban a meter al océano, entonces tiene que aguantar el agua, la salinidad y todo ese asunto. Entonces hacemos todas estas pruebas en el estudio antes de enviarlo. ¿Qué consejo le darían a alguien cuyo sueño es dedicarse a los Efectos Especiales? CC: Lo primero, obviamente la pasión que de verdad debes de tener y el que te capacites. Nos hemos encontrado en el camino a gente que cuando abres sus trabajos pues si te llevas chascos porque estudiaron en Londres, en Canadá, pero realmente no hay una calidad con la que tú digas “Okay, vente. Vamos a hacer equipo dentro de un proyecto”. Por eso decidimos abrir nuestra división de capacitación que es el “Training center”. Para sobre todo que haya una competitividad laboral, pero de calidad. Leal. Porque que nada más ya “Por poner sangre soy super makeup artist.” No. Lleva un proceso. Nos ha costado algo de tiempo ir diseñando nuestros programas de capacitación para la persona que quiera empezar, tenemos el nivel 1, 2 y 3. Con varios programas, cada uno para que tú escojas con cuál _ quieres empezar. Entonces por FACEBOOK mi parte, yo si diría eso, que se JMMN, FX & Creature capacitaran profesionalmente, studio porque desgraciadamente hay _ cursos de “Has tu personaje INSTAGRAM en 3 días” y dices “Por amor @jmmnfx de Dios, claro que no” pero @jmmnmakeupfxtrainingcenter bueno, se respeta. Y nosotros _ lo que damos es lo mejor que YOUTUBE tenemos. No nos guardamos JMMN, FX & Creature stuningún secreto, les compartidio, Special Makeup Effects mos tal cual el “Know How” _ tanto en procedimientos, técPÁGINA WEB nicas, materiales, todo. Para fxcreaturestudio.com que puedas lograr lo que nosotros hemos logrado. TRAINING CENTER MAKEUP FX INSCRíBETE A LOS CURSOS _ NIVEL 1 BASES SÓLIDAS - Advanced teeth prosthetics FX - Injury & Trauma makeup FX - Silicone prosthetic - Master, makeup FX artist & designer for film and TV _ NIVEL 2 INTERMEDIO - Junior sculpture I - Junior sculpture II - Diplomado: Diseño y creación de personajes y criaturas _ NIVEL 3 TÉCNICAS AVANZADAS - Hiperrealistic decapitated silicone full head - Anging intensive prosthetics redes sociales Personaje para comercial Pepsi Natural JM: Si, y actualizarse. Checar bien los materiales y toda la onda. También nos ha pasado que, en escuelas, inclusive de maquillaje que tienen esa aparte de caracterización, luego usen materiales que no son para la piel, desafortunadamente. Entonces, si esa es la pasión de la persona (hacer efectos especiales), que investigue. Que se empape un poquito de este asunto. Ahorita, gracias al internet y a las redes sociales tenemos esa oportunidad de checar bien, de ver como se hacen en otros países, los profesionales y toda la onda. Pero si definitivamente es capacitarse al cien por ciento porque puede gustarnos, pero si dañamos la piel de alguien, nos metemos en un problema muy, muy serio. JMMN FX & Creature Studio, CDMX. junio 2023 43 �E V E N T O S EXPOSICIONES De acuerdo con los organizadores, CONARTE y Fundación Jumex, el objetivo fue lograr una conexión entre la historia, los lugares, paisajes, la naturaleza y los contextos sociopolíticos con las personas. Los autores de las obras utilizaron una gran variedad de técnicas artísticas, mismas que describían sus inquietudes a través de la creatividad y talento desde los años 90 hasta la actualidad. Estos artistas son de diversas nacionalidades; 7 de ellos son mexicanos. Good boy, Bad boy (1985), de Bruce Nauman. Fue un gusto para CONARTE COLABORAR en un proyecto de tal magnitud, buscando REFORZAR vínculos institucionales, suma a la escena artística local y a su vez, ofertar un atractivo adicional para los profesionales y aficionados las artes plásticas en Monterrey.” Nave Genadores del Centro de las Artes. Exposición Bonding. Una exposición de primera BONDING POR: GABRIELA MELO Llegó a Monterrey una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes de América Latina. Una exposición organizada por el Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León | CONARTE, en colaboración con la Fundación Jumex Arte Contemporáneo 44 JUNIO 2023 VERÓNICA GONZÁLEZ DIR. DEL CENTRO DE LAS ARTES Mural de Lawrence weriner (1942-2021) E l coleccionista Eugenio López trajo a la Ciudad una de las exposiciones más importantes de América Latina. El presidente de la Fundación Jumex Arte Contemporáneo engalanó a Monterrey con la nueva planta de la Colección Jumex: Bonding, una exposición audiovisual de arte contemporáneo, una de las más importantes, la cual constaba de 21 piezas y en la que se presentaron a través de aforismos, videos y frases emblemáticas. Esta muestra artistica tuvo una gran variedad de temas que trataban acerca de la Ciudad y de cómo se ha transformado através del tiempo. Además, en los videos se observa un santuario de las mariposas monarcas en México, aspectos destacados de otros países, temas de identidad, temáticas actuales con las que el espectador se sentiría identificado. Eugenio López y Patricia Marshall Los artistas fueron Patricia Marshall, quien tuvo un papel significativo en la formación de este acervo, realizó la siguiente selección de artistas: MBas Jan Ander, Doug Aitken, Carlos Morales, Knut Asdam, Stefen Bruggermann, Miguel Calderón, Alejandra de la Puente, Sebastián Díaz Morales, Cyprien Gaillard, Mario García Torres, Terence Gower, Rodney Graham, Daniel Guzmán, Friedrich Kunath, Alejandra Laviada, Gonzalo Lebrija, Jorge Méndez Blake, Ana Mendieta, Bruce Nauman, Melanie Smith, Salla Tykkä y Lawrence Wiener. El acceso gratuito a esta exposición fue en la Nave Generadores, dentro del Parque Fundidora. Estuvo desde febrero hasta el mes de abril, pudo dejar huella en las familias y alimentar su gusto hacia el arte. JUNIO 2023 45 �Junio 2023, Número 10 36 NOVIEmbre 2022 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2023 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 5 Número Número de la revista 10 Mes de publicación Mes cuando se publicó Julio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2023, Año 5, No 10, Julio Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/07/2023 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021230 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Analógico Digital Fotografía JMMN FX Paisaje https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/21572/Croma_arte_diseno_audiovisual_2024_Ano_6_No_1_Marzo.pdf 9f26f15a241bf36711fe51265301f4c6 PDF Text Text �Héctor Morales Alan García TALENTOS FAV Créditos Dr. Med. Santos Guzmán López Rector Dr. Juan Paura García Secretario General Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura 2 MARZO 2024 44 04 Andrea Barrera Conejo Tóxico Abigail Gutiérrez Jonathan Moreno La industria de la animación mexicana DOCENTES ARTÍCULO DEL MES 22 34 Í N D I C E Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Académica Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores y Editores de la Revista Croma �46 56 ARTE Las AI's como una herramienta para el arte, no un sustituto Damián Ortega: Pico y Elote. EMPRENDIMIENTO ENFOQUE Ram Tamez, el poder de la animación en la actualidad Matte Painting High key o Low key Ixchel Carolina Acuña Villa Coordinadora alumna Ana Yarezi Bazaldua Rodríguez Blanca Alicia Segovia Herrera Fátima Anayansi Sánchez Peña Jatziry Abigail Martínez Pérez Jorge Alberto Olvera Velasco Luis Angel Sigala Hernández Sebastián Méndez Jaramillo Silvio Abraham Manzano Pérez Vianey Alessandra De Lara Aguilar Estancias de producción 60 EVENTOS Portada: Jatziry Abigail Martínez Pérez CROMA, año 6, No.1, Marzo 2024, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 042023-080113474100-102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor MARZO 2024 3 �T A L E N T O F A V ERIKA HERNANDEZ CONEJO TÓXICO EL ARTE DE ADAPTARSE A LAS TENDENCIAS Erika Hernández, “Kika”, es dueña de la marca “Conejo Tóxico” conocida por su estilo kawaii e ilustraciones inspiradas en la nostalgia y cultura pop de los noventa, en este artículo nos contará sus vivencias como alumna en FAV, su experiencia emprendiendo y los retos que conlleva POR: BLANCA SEGOVIA C onejo Tóxico surgió en el 2016 y si bien no era el negocio que conocemos hoy en día, la experiencia que Erika tuvo al trabajar en “Viudas T-shirts” le ayudó a conseguir los proveedores y habilidades que se requieren para el mercado de camisas, lo que la ha llevado a participar en diversas ferias de diseño y anime aquí en el estado y fuera de este, al ir a la Hatsukoi en Ciudad de México. Cuéntanos sobre tu trayectoria, ¿Cómo fue tu tiempo en FAV? y lo que aprendiste, ¿te ayudó a desarrollar tu marca? Cuando yo entré me decidí por la carrera de diseño, porque malamente yo no había investigado qué carreras había en la facultad, yo solo vi artes y pues me gustaba mucho ilustrar, cuando vi la descripción de cada carrera vi que me llamaba más la atención diseño gráfico, porque en la carrera de artes venía creación de esculturas, pintura al óleo, performance, vi la descripción, pero no era algo en lo que me veía en un futuro haciéndolo, en la descripción de diseño venía creación de páginas web, de logos, problemas de comunicación, y me decidí por esa, presenté y así quedé. Durante los propedéuticos fue donde me di cuenta que sí era la carrera que yo quería, entré en el 2014 y me gradué en el 2018, nos tocó hacer la creación de un anuncio para Coca-Cola, un collage y un logo para una revista, eso fue mi propedéutico, y ahí me di cuenta que sí era para mí la carrera, al entrar a la facultad aprendí mucho y es lo que me está ayudando a desarrollar la tienda en estos momentos, la facultad si me gustó y comparándolo a otras escuelas el programa de la UANL está muy completo. Actualmente Erika ha tenido la oportunidad de aplicar lo que aprendió en esa época además de complementar sus habilidades con nuevos conocimientos, ella por su cuenta ha aprendido a hacer modelado 3D y lo que es el community manager. PROMOCIÓN DE LA TIENDA 4 MARZO 2024 �PRODUCTOS DE LA TIENDA Son herramientas que no se deben satanizar, sí SIRVEN PARA HACER MÁS FÁCIL EL TRABAJO O PARA APOYARSE, y pues no tiene nada de malo usarlas. Así mismo durante la entrevista surgió el tema acerca de cómo las IA`s no deberían ser satanizadas y al contrario deberíamos aprender a usarlas y sacarles provecho, ya que deben usarse como una herramienta para el creativo y no un sustituto, además de saber usar las herramientas de fácil acceso como el Canva y el Chat GTP. ¿Cómo surgió la idea/concepto de Conejo Tóxico? Desde que estaba en la facultad, pues me ponía a hacer garabatos, yo era la que se sentaba atrás a dibujar, me acuerdo que hice el boceto de un conejito con una máscara y le puse bien mamadora “Toxic Bunny” en inglés, y lo deje ahí, entonces después llevé un taller de serigrafia e Illustrador, y el de serigrafia me gustó bastante, el chavo sí le ponía empeño a lo que estaba haciendo, la verdad si estaba muy padre, nos enseñó mucho, hicimos una playera como de trabajo final, hice la ilustración más pichurrienta, fea y mal hecha, porque nomás tenía que ser de un color y yo realmente no sabía tampoco cómo separar los colores, fue a raíz de ese taller que le agarré gusto a tener cosas impresas con mis diseños, mis ilustraciones o mis ideas, y no le moví tanto hasta que, por algo pasan las cosas, cuando entré a trabajar con estas chavas en Viudas, yo me encargaba de hacer ilustraciones y las redes, a raíz de que yo pensaba: “Oye siento muy bonito que la gente utilice mis diseños, mis ilustraciones” empecé aprender a separarlos por color, acomodarlos, dónde comprar las playeras, qué tipo de playera debía ser para cierto tipo de ilustración, cuántos colores, aprendí mucho con ellas, ya una vez que salí de ahí dije: “Quiero hacer algo mío” También, cuando estaba en la facultad, hacían los mercaditos del Mercadearte, la primera vez me puse con una amiga y vendíamos llaveros de pasta francesa, y encontramos a una chava que hacía botones y le encargábamos para vender, me gustó mucho eso, cómo yo podía hacer mis cosas y venderlas. MARZO 2024 5 �T A L E N T O F A V Con esta respuesta, Erika nos cuenta que su experiencia en el Mercadearte no solo le dio el impulso de querer producir diseños propios, sino en dónde debía ponerlos y que fueran redituables, de igual forma se reflexionó acerca de cómo muchas veces se tiene el pensamiento de trabajar para otros en lugar de emprender o autoemplearse y cómo es necesario tener conocimientos y herramientas para auto sustentarse. ¿De qué trata Conejo Tóxico? ¿Cuál es la esencia de tu marca? Yo creo que la esencia sería: nostalgia y cultura pop, fue un tema que yo decidí agarrar, porque al principio sí hacia cosas que nada más a mí me gustaban, nostalgia, cultura pop, anime, a mí me gusta mucho Sailor Moon, entonces todo lo hacía de Sailor Moon, pero llega un momento en donde te das cuenta que aunque te gusta mucho lo que haces, tienes que hacer estudios de mercado y ver que se está vendiendo, porque aunque yo soy diseñadora e ilustradora, también estoy a cargo de un emprendimiento y al final, es importante darle a la gente lo que quiere; pero la esencia en sí son cositas kawaii, es una tienda super girly y rosa. Al ser una niña de los 90, para Erika este estilo es algo con lo que se siente cómoda y le gusta trabajar, teniendo la ventaja en una época donde esa década, volvió a ser tendencia aprovechando la reciente popularidad de Barbie, de igual forma, Erika se encarga de estar al tanto de las tendencias que van surgiendo y que sean fieles a la esencia de su marca, que se basa en el anime, los videojuegos, canciones, el city pop, así mismo se ha enseñado a usar el modelado 3D ya que actualmente la tendencia y2k está volviendo a tener fuerza, por lo que Erika busca seguir usando la nostalgia y cultura pop a su favor. Como mencionó anteriormente, es importante realizar un estudio de mercado para poder saber qué productos realizar y cómo venderlos, en el caso de Erika su mercado abarca personas de 18-35 años que crecieron en los 90´. Si bien las mujeres son una mayoría en su mercado, no se discrimina a los hombres ya que parte de la esencia de Conejo Tóxico es poder ofrecer mercancía a aquellas personas que no podían acceder a estos productos en su niñez y en una época donde el anime esta más normalizado. ¿Por qué decidiste emprender? Al principio que no me gustaba que me molestaran los clientes, después de trabajar con Viudas, trabajé en una empresa en el área de marketing de unos restaurantes japoneses, y a mí no me gustaba que mi jefa, la directora de arte, viniera a picar el monitor, y luego venía el jefe: “no quítale eso, no le hagas caso, pon esto” y a mí me molestaba mucho, como que no respetaran lo que yo estaba haciendo, con Viudas era igual, no me gustaba tener que hacer realidad los sueños de alguien, cuando yo tengo las herramientas, ya tengo los proveedores, ya tengo todo. Entonces junté dinero de los sueldos y de lo que me dieron cuando me salí y dije: “Bueno voy a empezar a emprender.” 6 MARZO 2024 Si bien Erika es una persona muy celosa de sus diseños y de igual forma con su creación de contenido, cuenta con el apoyo de una amiga que es contadora y con una empleada que apoya en los envíos, aunque no descarta la idea de contratar a más gente que le ayude con sus redes en un futuro con las condiciones que se merecen y convertir su pequeño negocio en una empresa formal. �T A L E N T O F A V ¿Cómo es tu proceso creativo o tu forma de trabajar? Primero investigo qué está en tendencia, que bueno, regresó el y2k, los 2,000, y cómo puedo acoplar eso a la tienda, reviso referencias, videos, canciones, como yo crecí en esa época, yo soy del 93, reviso recortes o cosillas que guardé de mi infancia y adolescencia, ahora que pasó todo lo de Britney, saqué unas ilustraciones de Britney Spears, su canción, la de Baby One More Time, cómo la adapto a mi estilo, primero boceto la idea en el iPad o en papel, ya después la empiezo a trabajar, empiezo a buscar un chorro de referencias, me gusta mucho Pinterest, es una red donde nadie se está peleando, nadie dice nada, estás ahí feliz viendo imágenes y cositas bonitas, ya cuando digo bueno ya saqué estas referencias de Pinterest, bueno voy a buscar de Britney Spears, escuchar las canciones, ver cómo se vestía, qué colores usaba, cómo puedo adaptar eso a la tienda, los colores de la tienda son lila, rosa, verde y azul, bueno eso lo adapto a la ilustración, y luego ya veo si la ilustración funciona en playera, porque no puedo hacer iguales diseños para playera que para sticker, sobre todo por el método de impresión. Aunque la serigrafía es la base de las camisas de Conejo Tóxico, actualmente Erika experimenta con nuevos métodos de impresión como la impresión directa, un método que no es muy usado en México ya que es más caro, sin embargo, esto no impide que Erika se adapte a las nuevas tendencias y usarlas en su negocio. Los productos principales que puedes conseguir en la tienda son: playeras, totebags stickers, botones, llaveros, parches, sudaderas (en el invierno), Erika de igual forma al estar vendiendo su mercancía en diferentes eventos dedicados al anime ha podido escuchar y analizar qué es lo que los clientes desean comprar y cómo es que puede adaptarlo a su tienda. pues también es lo de al no tener un horario fijo tal cual, pues a veces estás todo el día o hasta las 2 o 3 de la mañana. ¿Entonces tu dirías que ese es de los mayores retos a la hora de emprender? Sí, la organización del tiempo, es algo que todavía me falla mucho, también que de repente hay temporadas altas, por ejemplo a mí la temporada de regreso a clases es de la más baja de venta, incluso de eventos, porque todo el mundo está comprando útiles escolares o está de vacaciones, muchas veces incluso el algoritmo de Instagram, aunque pagué publicidad bajaron mucho la interacciones, porque la gente está buscando cosas de uniformes, dónde comprar útiles escolares, cosas de papelería, también es otro de los retos, administrar muy bien el dinero para que te rinda en esos meses. ¿Qué otra cosa tú crees que es un reto a la hora de emprender que hace que la gente desista? Que no tienes un ingreso fijo siempre, es muy diferente trabajar en una agencia, en este caso hablando de las áreas de trabajo de los creativos, en una agencia, o en el área de marketing de alguna una empresa, en donde ya tienes tu sueldo fijo; en cambio acá tienes que ver, qué estrategia de venta tengo que hacer, cuánto contenido debo publicar, qué contenido agrada o debe salir para poder llegar a más gente, cuál es la meta del mes, hay que pagar publicidad, es muy difícil todo eso, también que a veces las prestaciones las tienes que pagar aparte, darte de alta en el SAT, a mucha gente le da mucho miedo, que realmente no está tan mal ni es tan difícil de manejarse, pero sí creo que es una de las cosas que aleja a la gente, sobre todo la seguridad, o no tener como una seguridad. ¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo? La libertad de tiempos que tengo, pues muchas veces me hago mensa por la libertad de tiempo, pero me gusta que puedo decir: bueno voy a empezar a trabajar a partir de las 9, descanso a las 2 y le sigo hasta las 6, o hay mucho trabajo, hago todo el trabajo que puedo hoy, toda la tarde, hasta las 8 o 9 de la noche, y ya al día siguiente puedo trabajar más relajada, hacer más vueltas, también que tengo libertad de diseño eso también me gusta mucho, de manera creativa yo soy totalmente libre, sí me tengo que apegar al segmento que va dirigido a la tienda, a las tendencias, pero tengo más libertad de adaptar las cosas que yo quiera. ¿Qué has aprendido gracias a Conejo Tóxico? A tener mucha paciencia y ser muy perseverante, porque hay veces que digo: “Ay mejor me hubiera metido a trabajar en una agencia, ay hubiera estudiado leyes como mi mamá”, porque a veces si es muy pesado, le estaba diciendo a una amiga, que soy mi propio jefe explotador, sobre todo porque yo me encargo de la mayoría de las cosas. Le pasa a mucha gente que tiene emprendimientos o negocios propios que no tiene autocontrol con sus horarios, sigue siendo muy pesado, aunque está muy bien lo de la libertad de horarios, MARZO 2024 7 �T A L E N T O F A V El emprendimiento es un reto que conlleva mucho esfuerzo y sacrificio, actualmente en México hay 4.4 millones de emprendimientos, según los datos del Estudio sobre la Demografía de los Negocios del Inegi, del cual el 35% es de jóvenes de 26 a 35 años, por lo que es un gran reto manejar, con sus altos y bajos, antes de la pandemia, Erika abrió un pequeño local junto con otros empresarios en Interplaza, pero con la llegada de la pandemia se tuvo que cerrar además de otros conflictos, sin embargo eso no la detuvo y comenzó a enfocarse en su tienda en línea además de seguir desarrollando diferentes habilidades como la fotografía, el modelado 3D entre otras. ¿Te gustaría trabajar en alguna colaboración, has trabajado con alguna colaboración? Si me gustaría, de hecho, no fue una colaboración tal cual, pero había quedado con un chico que era líder de una banda, iba hacer la merch para su banda, pero ya por cuestiones de agenda y tiempo nunca nos pusimos de acuerdo, el era de la Ciudad de México, entonces ya como que ese proyecto quedó en pausa, pero sí me gustaría hacer más colaboraciones ya sea con artistas locales de aquí o marcas locales o igual con gente de otros estados, si me gustaría hacerlo pero como que no se ha dado la oportunidad. Me gustaría fusionar los estilos, que se vea que hay un concepto mío y un concepto de la otra marca, y sacar merch, igual un producto en particular o sacar varios tipos de mercancía como las que hace Vania Bachur la de Supergirl, creo que sacó una con Hello Kitty y varias cositas de ella, me gustaría hacer algo así. ¿Cuáles son tus metas a futuro? ¿Hasta dónde te gustaría que llegará Conejo Tóxico? Me gustaría poner un local, osea ya no uno partido en varios como en Interplaza, ya un local tal cual, y expandirme primero aquí, tener aquí la tienda que se conozca, que se haga más de renombre, y luego ya expandirme a otros estados o poner puntos de venta chiquitos, es como que una de mis metas, poner un local en una plaza concurrida, cuando yo tuve un local nos tocó que empezaba lo de la pandemia y a la gente le daba miedo salir, ya ahorita que está más regularizado me gustaría volver a ponerlo, si me gustaría tener un punto de venta mío nada más, ahorita tengo un punto de venta en Barrio antiguo en Moshi Moshi. ¿Te gustaría expandirte de manera Internacional? Mi sueño es poner un localito en Japón o que haya gente que me conozca en Japón. Gracias a la experiencia que Erika ha tenido a lo largo de los años, está dispuesta a volver a intentar poner un local por su cuenta ahora que tiene más conocimiento acerca de cómo funciona. 8 MARZO 2024 �T A L E N T O F A V ¿Algún consejo que nos puedas dar con base en tu experiencia?, ¿qué le dirías a alumnos que quieren emprender? Que es mucha paciencia, mucha perseverancia, no solo es decir: no se rindan, hay que investigar el mercado, muchas veces se romantiza esto de ser emprendedor, pero también si pueden tomar cursos de lo que sea, cursos de finanzas personales, cursos de Google Adds, porque a veces nos vamos con la idea de que para vender solo posteo en Instagram, y no, a qué mercado te quieres dirigir, qué temas puedes manejar, usar todas las herramientas que están disponibles, no hagamos menos ni a canvas ni a chat gpt ni a ninguna de estas herramientas nuevas que están saliendo, usen todo lo que tengan a su alcance, tomen cursos de cualquier cosa que ustedes crean que les puede servir ya sea profesionalmente o para su emprendimientos, en gobierno de repente ponen cursos en línea todavía, bueno un curso de cómo organizar mi contenido en redes sociales, bueno tomo ese curso si tengo chance, o incluso en YouTube hay muchos que te dan un cursito express de qué publicar y qué no, aprender y buscar cualquier cosa que tu crees que te pueda servir para tu nicho o el segmento que ya elegiste para vender, pues también siento que mucha gente dice: no te rindas, si no te rindas pero dame herramientas, busca cursos, también no tiene nada de malo que tener un emprendimiento y un trabajo fijo en una agencia, pues también aprovechar y que puedes aprender ahí, yo malamente me traje muchas fonts y templates, todo lo que me pude traer pues me lo traje, también me traje proveedores, aprendí donde se debían comprar las camisas o donde comprar, también investiguen y traten de aprender todo lo nuevo que sale por que el diseño va evolucionando constantemente, y cada año hay una tendencia diferente. Y aunque la facu si nos enseña y nos da la base, el diseño es mucho de ser autodidacta en ese aspecto. Con esta respuesta Erika nos demuestra que al usar las herramientas que tenemos en nuestro entorno podemos desarrollar nuestro emprendimiento y habilidades sin tener que esperar a que llegue el momento correcto o tener las herramientas adecuadas, por lo que siempre tenemos que seguir aprendiendo y conocer las diferentes tendencias que surgen y saber cómo adaptarlas a nuestro favor. REDES SOCIALES Insta, Facebook, TikTok: @ conejotoxicotshirt Próximos Eventos: La feria del diseño independiente La Conve-Noviembre Hatsukoi-Diciembre MARZO 2024 9 �el dibujar, una motivación pueden ser los vínculos amistosos, el cómo me gusta expresarles mi afecto que les tengo con dibujos, me gusta investigar a la gente, ¿qué les gusta?, ¿qué esperan de mí?, o sea, en hacer esos detalles, que se dirijan a un lado más personal, plasmar mis ideas, compartirlo con todos, me gusta ser notada y también que consideren ellos lo que hago y lo que soy. Muchas veces es, por lo que veo, escucho y quiero representar, mis sentimientos o las cosas que imagino. Son puntos de vista que tengo a la hora de querer dibujar. Abigail Gutiérrez La artista mexicana Abigail Gutiérrez nos cuenta sobre las profundas motivaciones a la hora de crear arte, su “burbuja” cuando está pintando y cómo crecer en el mundo del arte ¿Cómo te iniciaste en el mundo del arte? Desde pequeña he presentado cierto apego y atención con las caricaturas, después me daban ganas de dibujar lo que veía, aunque todavía no tenía tanto desarrollo motriz con mi mano para dibujar, pero sí me llevé más por ese lado que quería plasmar lo que veía, lo que me gustaba, empecé desde los 3 años, mis papás veían mi hobby, veían que tenía esa fascinación por seguir dibujando, dibujaba muchos animales. Mis familiares, se asombraban de lo persistente que era . En algún punto me salió muchísimo mejor que otras personas de mi escuela, ahí identificaron que iba por el camino de las artes. ¿Qué es lo que te motiva a hacer arte? Lo que realmente me motiva son las ideas que a veces puedo tener; puedo estar en mi vida diaria o viendo videos y de repente quiero plasmar, la amistad que tengo con mi mejor amiga, representar los gustos que tenemos en común, la conozco desde los 8, entonces ambas conectamos bastante, una de las cosas que siempre nos gustaba dibujar eran ponis, pues entre ella y yo intercambiamos dibujos. Era como que gusto por hacer algo con lo que ambas nos identificamos ,ya sea por el diseño o la trama, a nosotras nunca nos ha dejado de gustar 10 MARZO 2024 ¿Cuál es tu proceso creativo? Me estabas contando que cuando estás en tu vida cotidiana, de repente te entran las ganas de querer dibujar, o te entra alguna idea ¿tienes alguna costumbre antes de empezar a dibujar? Agarro un espacio libre o un momento en donde estar físicamente cómoda, sentarme en un lugar donde me pueda estirar, tener la espalda recargada, odio encorvarme o tener esa posición de camarón. Me gusta estar recta, tener el dibujo más cerca porque, cuando tenía unos 13 o 14 veía muy bien, pero con el paso del tiempo empecé a batallar en ver de lejos, aprendí que debo tener una muy buena iluminación, tener el dibujo cerca para no tener problemas a la hora de querer hacer un trazo grande poderme separar de la hoja y calcular bien. Me gusta poner mis cosas a como yo las identifique para poder hacer mi mugrero en paz, tremendo desastre que termino haciendo en el proceso dependiendo de la técnica, ya sea pintura, marcadores o gises. Utilizo diferentes métodos para cada material, pero siempre hago bocetos chiquitos en otro cuaderno, bocetos simples de lo que a mí me gustaría hacer para que pueda tener una idea de la perspectiva. Si la quiero desde arriba o desde abajo, para sentirme segura de lo que voy a plasmar, organizo mis ideas y veo las opciones para elegir la que más me guste. Cuando tengo problemas en la estructura, busco fotografías porque normalmente las ilustraciones ya están simplificadas o no te dan el panorama completo como tú tienes que aprenderlo. Paso muchas horas viendo los colores, cuando termino de hacer el boceto en grande, voy viendo el color base, el color secundario que tiene la luz, ¿por dónde está la luz? ¿por dónde está la oscuridad? Escucho música, para sentirme mejor, tener un buen estado de ánimo donde yo pueda estar dibujando por 7 horas que sí me las he aventado así, dibuje y dibuje hasta que ya lo acabo en un día, es una inversión de horas, de seguir con el ánimo a todo lo que da, desde que empiezas, te sientes que estás en tu propia burbuja. Se siente, así como que nada más estás tú, tus papeles, tus lápices, haciendo lo que más te gusta, aprovechando el momento para disfrutar. Se siente, como que nada más estás tú, tus papeles, tus lápices, haciendo lo que más te gusta, aprovechando el momento para disfrutar. �@moffin13_o MARZO 2024 11 �T A L E N T O S F A V ¿Por qué no entraste a artes visuales? Me di cuenta de que también me gustaba hacer presentaciones de Canvas o de PowerPoint, escoger la tipografía, darle un enfoque diferente a las presentaciones, el cómo presentar la información, cómo acomodarla en temas de investigación de la escuela, qué colores usar, también hacer videos, porque en pandemia aprendí a hacer videos de cómo hago mis dibujos desde cero. Aprendí intuitivamente a cómo editar, poner audios, animaciones, me gusta transmitir con palabras, no solamente una composición visual, sino que tenga escrito lo que quiero comunicarle a la gente. Mis papás, me hicieron despertar desde muy pequeña el hecho de que, no todo el tiempo solamente vas a dibujar y ya, tienes que planear una forma de vender tu trabajo, porque te pueden notar por tu trabajo, pero lo que vas a vender también son tus propuestas, tienes que hacerte oír, hacerte visible ¿quién eres tú? ¿de qué habla tu trabajo? , al principio se me complicó un poco, pero después fui perdiendo ese miedo en lo que me dicen mis papás, hacerte notar, que hablen de ti, que te recuerden, que siempre te tomen en cuenta, la capacidad que tienes, eso me lo dijeron desde que entré a secundaria porque en primaria llegué a participar en concursos, eso me motivó muchísimo a seguir en las artes plásticas, después me encargaron hacer letreros, pintar murales de 3 metros en la secundaria, hacer los bocetos. Después entre al Madonnari el cual gané 2 veces, ya cuando se atravesó la pandemia decidí empezar mi negocio porque también disfruto de complacer a la gente, les gustaba lo que hacía en mi estilo de dibujo, en cómo proponía ideas, tratar de entenderlas, porque yo sé que no muchos saben plasmar la idea imaginaria que tienen en su cabeza pero a mí me gusta ayudarles a aclarar un poco sus ideas o comprenderlas, entonces esos fueron mis comienzos, me gusta vender todo lo que yo hago, también vender lo que ellos me piden que haga, tenía muy en cuenta lo que querían, lo que les gustaba, porque 12 MARZO 2024 �No muchos saben plasmar la idea imaginaria que tienen en su cabeza pero a mi me gusta ayudarles a aclarar sus ideas. era lo que ellos necesitaban. Me gustaría aprender sobre mercado, estrategias de ventas, para empatizar con la gente en cómo piensa y cómo llamar su atención. Antes vendías tus obras a un precio muy bajo ¿A qué se debió esto? No muchos pagarían por algo que solo lo ven como un dibujo, si es un dibujo, pero lo que representa son las ganas de tener esa imagen en tu posesión, ¿te gusta lo que yo hago?, pues lo puedes obtener, pero dándome algo a cambio, que es lo que a mí me ha costado hacer, he conocido gente que dice “a mí me gustaría tener algo tuyo”, y yo digo “sí, pero a cambio me gustaría que me dieras dinero para que pueda ampliar lo que yo puedo ofrecer a la gente”, si puedo hacer una técnica en acrílico, pues quiero más pinturas, necesito dinero, pero sí los vendía baratos porque no estaba tan desarrollada mi habilidad de dibujar cosas complicadas batallaba en algunas partes de la anatomía humana, también me costaba hacer fondos, tenía ese miedo a que me lo fue- ran a pedir y que no saliera como ellos lo imaginaban o no les terminara gustando, muchos dicen “seguro sabes más cosas, ya dibujas muy bien deberías ya de haber aprendido eso”, pero no porque sepas de anatomía necesariamente tienes que saber de fondos o viceversa. Siento que a veces no cumplo con la expectativa de la gente en cómo me ve, cómo he hecho algunas ilustraciones, claro que lo puedo hacer, pero denme tiempo. ¿Cuáles son tus principales influencias artísticas? La naturaleza que tengo en mente y veo constantemente en paseos, en el atardecer, mediodía, noche, en los diferentes ecosistemas, los animales que los habitan. Los artistas que pude conocer gracias a los videos de YouTube, conocerlos y ver su forma de ser, sus estilos de dibujo, lo que transmitían con su estética visual. Las maravillas de los cuentos o novelas, como echan a volar tu imaginación, sientes esa inspiración en como poder plasmarlo en físico, mis recuerdos tan lindos, sobre esas personas y la música. ¿Cómo describirías tu estilo artístico, en pocas palabras? Bueno, mi estilo es muy detallado, pero al mismo tiempo es llamativo en el aspecto de los colores, me gusta que tenga ese efecto de Impresionismo, juego con la luz MARZO 2024 13 �T A L E N T O S F A V Muchas veces no existe nadie que te guíe en esos momentos, sientes una profunda tristeza, te transformas tu mismo en una piedra en tu camino. y estructura como en el semi realismo y lo combino con el estilo Cartoon o anime. ¿Te has fijado que algunas personas tienen miedo de dibujar? ¿qué les dirías a la gente que tiene ese miedo a dibujar? Sí, me he fijado bastante ahora que tengo un mes de experiencia con mis compañeros, sé que no es requisito, pero es una herramienta muy básica, entiendo que no todos tengan esa habilidad desde pequeños, pero siento que solo es de perder el miedo de enfocarse en ellos mismos, lo que he aprendido es que nunca te fijes en la vida de los demás, porque puede que te sientas menos, ellos no son tú, sé que puede llegar a ser frustrante que tus dibujos no se vean tan buenos como los demás, pero lo importante es reconocer la habilidad que tienes, saber cuál es tu límite y cómo manejarlo para seguir mejorando. Muchas veces no existe nadie que te guíe en esos momentos, sientes una profunda tristeza, 14 MARZO 2024 te transformas tú mismo en una piedra en tu camino por eso es fundamental solucionar esos problemas emocionales. Es importante la humildad, porque cuando hay alguien mejor que yo, nunca es el caso de que tenga envidia, me sorprendo, me dan ganas de preguntar ¿cómo lo hiciste? quiero saber, me encanta investigar el arte de la gente. ¿Cómo aprendiste a usar las técnicas de Acuarela? Prueba y error, porque las acuarelas son muy intuitivas; le pones mucha agua, no hay mucho color, le pones poca agua y sale mucho, hacía pruebas en hojas aparte, experimentaba con mis primeras ilustraciones, veía dibujos ya hechos para estudiar sobre el uso de los colores ¿Has tenido bloqueos creativos? ¿Cómo los superas? Si los he tenido, ahora un poco más en mi carrera, pero siempre procuro ver desde antes los proyectos para tener el tiempo de tener esas ideas que me motivan a realizarlas, siempre teniendo en cuenta el trabajo que piden que cumpla, así igual con el objetivo que quiero cumplir de poco en poco en mis ilustraciones, en su composición, tomando un descanso en ver películas, videos, platicar con mis amigos sobre mi frustración, e ir tomando mi propio espacio para intentar otras cosas aunque sean pequeñas, que me ayuden a volver a mi objetivo principal, no es fácil, pero hago que lentamente fluya el paso de la inspiración �¿Tienes algún consejo para artistas que apenas van comenzando en este mundo? Que siempre se motiven en lo que más les llame la atención e identifiquen qué punto fuerte destaca en ellos para poder explotarlo, que en ellos tengan la ambición de mejorar, investigando técnicas y modos de expresión para ver como transmitirlo a la gente, perder un poco el miedo del fracaso que es muy útil para después ver que si se necesita entender los puntos débiles que tuviste, al igual que para extender tu panorama creativo es ver varios temas sociales. Que ayuden a complementar esa pieza que te falta en tu camino, en desarrollar ese talento que no has podido descubrir tú mismo, al igual que, la ayuda de alguien, donde te muestre esos detalles que perfeccionen tus objetivos a corto plazo, y así ir alcanzando más en el futuro. ¿Hay algún ejercicio de dibujo que recomiendes para mejorar? Dibujar cosas pequeñas, lo que más te llame la atención ilustrar o bocetear, pero con el uso de referencias fotográficas para poder practicar las estructuras de objetos, como lo es la figura humana, experimentar con los colores y sus armonías, por último recomiendo muchísimo estudiar lo que más te intrigue aprender, para poder aplicarlo hasta dominarlo en su totalidad. MARZO 2024 15 �T A L E N T O F A V JONATHAN MORENO DISEÑADOR UX/UI Nos reunimos con Jonathan Moreno, diseñador gráfico y consultor, especialista en UX/UI, platicamos de su trabajo en el ámbito de las nuevas tecnologías, el desarrollo del diseño de interfaz de usuario y su experiencia trabajando en el extranjero POR: MILTON ROJAS C FOTOGRAFÍAS E IMÁGENES DE: JONATHAN MORENO uéntanos un poco sobre ti y a lo que te dedicas. Hola, hello, bonjour, mi nombre es Jonathan. Soy Consultor Senior UX/UI, actualmente radico y trabajo en la ciudad de Montreal, Canadá, en la industria de las tecnologías de la información (IT). Respecto a mi formación académica, dediqué muchos años a estudiar diseño gráfico. Estudié la carrera técnica de Diseño Publicitario en la prepa UDEM, después la licenciatura en Diseño Gráfico y posteriormente la maestría en Diseño Gráfico, ambas en FAV, UANL, en Monterrey, México. Adicional a ello, he tenido la oportunidad de complementar mis estudios en la Universidad Complutense de Madrid, España, y Concordia University en Montreal, Canadá. Cuento con 13 años de experiencia profesional, comencé a trabajar muy joven en el ámbito del diseño gráfico desde 2011, experimentando diversas áreas como el diseño web, branding, medios impresos, diseño de interacción, etc. Hoy en día trabajo como Concepteur UX/UI Senior bilingüe (francés–inglés) para una de las empresas de mayor prestigio en consultoría en tecnologías de la información, en Quebec, Canadá, colaborando en proyectos para compañías de gran tamaño alrededor de todo América del Norte. Por otro lado, en mi tiempo libre sigo mi pasión por enseñar como profesor para una de las academias en línea de tecnología más importantes de Latinoamérica, con sede en Argentina, llamada Coderhouse. Al mismo tiempo también ejerzo como mentor académico para la academia internacional en línea CareerFoundry, ambas en la disciplina de UX/UI. ¿Cómo diste con esta rama del diseño? Hoy en día es bastante importante, ¿cómo te interesaste en la carrera de diseñador UX/ UI? Toda mi formación académica y experiencia profesional temprana fue orientada al área de diseño gráfico, tuve la oportunidad de experimentar diferentes subespecialidades dentro de esta disciplina, hasta encontrar mi verdadera gran pasión, 16 MARZO 2024 �que es el enfoque a la industria de las tecnologías de la información. Mi pasión por la especialidad del User Experience and User Interface comenzó a partir de iniciar mis estudios de maestría, comencé a direccionar mi carrera y tesis al dominio de las startups de alto impacto. Por su naturaleza, esto implicaba hacer una inmersión en el factor de las nuevas tecnologías y su relación con la disciplina del diseño gráfico. Fue ahí donde inicié verdaderamente a especializarme en ello, primero a nivel académico, posteriormente pasar a la práctica profesional, obteniendo mi primer empleo como Diseñador UX/UI con enfoque en atender solamente fast-growing tech startups. Después tomé la decisión de orientar mi carrera a atender solamente proyectos relacionados al sector IT. De ahí en adelante, cada oportunidad laboral ha formado todo el toolkit de competencias, conocimientos, y experiencia necesaria para desempeñarme en los proyectos que ejerzo hoy en día. He sido muy afortunado en experimentar y entender las perspectivas bilaterales de los diferentes tipos de empresas, cuando uno ejerce como colaborador, como lo son las startups de high tech, dónde el tipo de trabajo es siempre acelerado, retador, innovador, muchas veces con gran libertad creativa e injerencia en la toma de decisiones estratégicas. Así como yo tuve mi propio camino, experiencia en cómo inicié mi carrera en UX/UI en una etapa temprana en la industria del diseño gráfico en México, cuando aún no era entendido como el fenómeno que hoy es visible, me gusta compartir mi conocimiento para facilitar el camino a aquellas personas que están interesadas en el ámbito, ya sea como profesor, consultor, o colega, siempre me muestro disponible para compartir. Personalmente veo todo como una serie de eventos concatenados, uno da dirección a su práctica profesional, se prepara, siembra las oportunidades, mientras que el resto se da por causalidad en el tiempo y espacio correspondiente. ¿Por qué crees que es importante el diseño de interfaz de usuario? “El diseño de interfaz de usuario es una disciplina muy importante en nuestra sociedad”, esa es una afirmación muy cierta. Estamos viviendo en un entorno donde la tecnología ha permeado en la vida del ser humano de una manera holística y contundente. Pensar hoy en día en algún ámbito de la vida que no lleve explícito o implícito el factor tecnológico, es difícil de concebir. Se entiende que la tecnología está presente en cada uno de los aspectos de la vida humana, y que su objetivo de manera general es el mejorar y facilitar la vida de las personas, así como abordar desafíos y necesidades humanas. Entonces, si ponemos atención a esa explicación, podemos observar que el concepto humano figura al centro del propósito de la tecnología, y que cualquier extensión de ésta, gira en torno a la satisfacción de las necesidades del humano. Lo cual me lleva a plantear, que, si la tecnología está hecha para atender necesidades humanas, en algún punto y sin importar el nivel de injerencia, ¿quién hará uso de estas tecnologías? La respuesta es el humano, o mejor dicho, el usuario. Partiendo de esa breve reflexión podemos decir que siempre al hablar de tecnología, de manera explícita o implícita, el concepto de diseño de interfaz de usuario estará presente en cualquiera de sus diferentes vertientes. Y digo diferentes vertientes porque al hablar de interfaz de usuario no solo nos limitamos a hablar de interfaz visual mejor conocida como interfaz gráfica de usuario (GUI), sino también de otros diferentes tipos como interfaz de línea de comandos (CLI), interfaz táctil, interfaz de voz, realidad virtual, o interfaz de usuario natural (NUI). Poniendo un ejemplo coloquial, de qué nos serviría contar con un software capaz de generar respuestas a los grandes problemas de la humanidad, si es difícil de entender cómo funciona, o peor aún, imposible de operar debido a una pésima o MARZO 2024 17 �T A L E N T O F A V nula interfaz de usuario. ¿Sería muy irónico, no?, Bueno, pues así de relevante es el diseño de interfaz de usuario dentro del dominio tecnológico. ¿Cuál es la tarea más difícil que has encontrado al hacer el diseño de una interfaz? Los desafíos más importantes para un diseñador UX/UI son encontrar un entendimiento holístico de los problemas y por consecuente, pensar en soluciones efectivas y viables. Desde mi punto de vista, el comienzo del reto es entender la disciplina como una especialidad que se enmarca en otros procesos de trabajo mucho más amplios. Al hablar de UI hablamos de una fase específica que se subscribe dentro de otros procesos más grandes. Es un engrane dentro de una gran maquinaria, si ese engrane está desalineado o no va al mismo ritmo que el resto de la maquinaria, las cosas no van a salir de manera óptima. El diseñador de UX/UI debe tener un buen dominio de cuatro grandes factores. El factor diseño, con una capacidad creativa y técnica para materializar soluciones bajo los más altos estándares de la industria y bajo una perspectiva centrada en el usuario. El factor tecnológico, un buen entendimiento de los tipos de tecnologías, los procesos, la viabilidad y su relación con la experiencia de usuario. El factor negocio, ser capaz de procesar los conceptos primordiales de la industria. Poder traducir objetivos de negocios en planes de acción, trabajo UX/ UI. Y el factor estratégico, ser capaz de tener un buen criterio y dominio de los métodos. La tarea más difícil al diseñar una interfaz de usuario suele ser la de encontrar un equilibrio entre los elementos clave para una solución UI efectiva, asegurándose de que la interfaz sea atractiva, usable, adaptable y accesible. 18 noviembre MARZO 20242023 Requiere un comprensión profunda de los usuarios, sus necesidades y los objetivos del diseño y negocio. Y al momento de hacer eso, ¿el factor de diseño es más importante que todo lo demás? Probablemente la respuesta más aceptada podría ser no. Siempre dentro del UX/UI lo más importante es responder a las necesidades del usuario, tomando en consideración también los objetivos de negocio de la compañía con la que estamos trabajando. Entendiendo en esta pregunta en particular el factor diseño como algo más relacionado al tema gráfico, visual, estético, idealmente no se debería superponer como prioridad antes de responder a las necesidades del usuario. Por otro lado, si entendemos el concepto diseño, como ese maravilloso concepto que es alinear soluciones estéticas y funcionales, entonces sí. El factor diseño debe implementarse y nutrirse de todos los hallazgos previos dentro del proceso de diseño de productos digitales. Un buen diseño UI siempre estará anclado a descubrimientos UX bien fundamentados, una infraestructura o marco tecnológico bien pensado y viable, así como a una definición de objetivos de negocios claros y coherentes. ¿Cómo es tu proceso de trabajo? ¿Cómo llegas a materializar la idea final de tus diseños? Me gusta gestionar mis procesos acordes al reto que se me presente, de inicio a fin. Me apasiona fundamentar mi práctica en metodologías, teorías, técnicas líderes en la industria, acorde a mi criterio para cada proyecto. De manera muy general, para referirme a la fase de producción de UX/UI dentro de cualquier otro proceso más grande para cualquier tipo de solución tecnológica, se le suele llamar UX/UI process. �Dentro del UX/UI process, existen diversos recursos en materia de metodologías, métodos y técnicas para llevar a cabo la labor. En mi caso, gestiono mi planeación y planteamiento de lo que creo que es mejor para cumplir en tiempo y forma con objetivos de negocio. Tomando en cuenta que otros procesos de otras áreas profesionales pueden impactar o tener injerencia en mi planeación de manera directa o indirecta. El proceso de diseño de experiencia de usuario (UX) y diseño de interfaz de usuario (UI) es un enfoque iterativo que se centra en comprender las necesidades de los usuarios y crear soluciones efectivas, eficientes y agradables de usar. Describiré un poco de lo que es este proceso: investigación y análisis; definición de objetivos y requisitos; creación de arquitectura de la información, sitemaps y userflows; creación de wireframes y prototipos; diseño visual (puede o no incluir el concepto Design Systems); validación (User testing); desarrollo e implementación; pruebas y evaluación; lanzamiento y seguimiento. Es importante tener en cuenta que el proceso de diseño UX/ UI puede variar según el proyecto y las necesidades específicas. También se trata de un proceso iterativo en el que se retroalimenta continuamente y se ajusta el diseño en función de las pruebas y la retroalimentación de los usuarios. La colaboración entre los equipos de diseño, desarrollo y usuarios es fundamental para lograr un diseño exitoso. ¿Tienes un estilo que hayas estado desarrollando hasta ahora? ¿Cómo lo describirías? Estrictamente hablando acerca del diseño de interfaz de usuario, en contraste con otras especialidades del diseño gráfico como la ilustración, el factor estilo gráfico personal, no se hace presente en la solución final, o por lo menos no debería ser así desde mi punto de vista. Ya que en el UI la solución gráfica y los elementos de UI siempre van a corresponder a las necesidades del proyecto y estarán supeditadas a las convenciones globales de interfaz de usuario. No obstante, sí creo que he desarrollado un estilo personal, que se refleja sobre todo en mi metodología personal de trabajo, en la premisa de creer en el diseño inteligente, y en mi criterio profesional que me permite poder asesorar clientes como consultor en UX/UI. Me fascina concebir mi quehacer profesional como una mezcla interesante entre ciencia y creatividad, dónde me permito experimentar con los diversos recursos disponibles en el universo del diseño y la tecnología para generar nuevas soluciones. Es interesante y a la vez un poco disruptivo para las personas con formación en diseño, el recordar que la creatividad no solo se manifiesta al producir diseños visuales, sino también se hace presente desde el momento en que generamos pensamientos divergentes a las soluciones convencionales, cuando ponemos en acción nuestro criterio y pensamos en identificar oportunamente los problemas principales de un usuario, y pensamos en cómo solucionar dichos problemas de manera efectiva e innovadora. Para mí, ese es el factor creatividad/estilo dentro de la disciplina de User Experience and User Interface. ¿Cuáles o quiénes son tus principales inspiraciones en el diseño de UX/UI? Una persona que me inspira mucho, que es un referente en cuanto a la disciplina del diseño y la tecnología, es el Dr. John Maeda, especializado en el proceso de investigación en la disciplina del diseño y la tecnología. Fue director de la prestigiosa Universidad Rhode Island de Estados Unidos, ha sido consejero invitado en el tema de tecnología y diseño para grandes empresas del mundo, es consulMARZO 2024 19 �T A L E N T O F A V tor, ha tenido puestos como directivo asociado en empresas muy importantes y tiene muchos libros que hablan acerca de liderazgo, de la relación entre el diseño y la tecnología, y cómo el diseño puede aportar muchísimo valor a todo el tema tecnológico. Entonces para mí, él es un referente muy importante en esta área, es una persona muy citada en la disciplina del diseño y la tecnología, me parece un personaje contemporáneo fascinante. Como todo tu trabajo se desarrolla principalmente en el idioma francés, ¿cómo manejas este reto? Además de todo lo que implica el tener que estudiar y especializarse en una industria como lo son las tecnologías de la información, el idioma se ha convertido en un must que he tenido que compaginar por la naturaleza de los frameworks de tecnológicos y lo que esto demanda. Como es fácil de deducir, el inglés siempre ha sido un idioma que se dice que abre muchas puertas a nivel profesional, sin embargo, personalmente el idioma francés ha tomado un papel protagónico que me ha permito tener experiencias profesionales muy interesantes. Yo comencé a estudiar francés en el año 2013 mientras comenzaba los primeros semestres de mi licenciatura, comencé a estudiarlo como un hobbie por mi gusto por la cultura francesa, sin dimensionar que esa decisión algún día se iba a con- 20 MARZO 2024 vertir en un catalizador para mi quehacer profesional y vida en general. Siendo más tarde en mi carrera cuando identifiqué que podría ser una llave para llevar mi carrera al siguiente nivel, y formalicé mis estudios con certificaciones oficiales que avalan mi nivel de francés. A lo largo de mis experiencias de vida, el francés me ha permitido desenvolverme en diferentes ambientes tanto laborales como personales, en las diferentes oportunidades que he tenido al viajar al exterior y de manera remota. Hoy por hoy, puedo decir con alegría que me desempeño en un puesto completamente bilingüe, dónde la comunicación en idioma francés e inglés se hace presente en mi cotidianidad. Desde la comunicación en los talleres de UX, Service Design hasta la comunicación con ingenieros de software. Sin duda alguna el idioma francés es una pasión en la que día a día me sigo desarrollando y la cuál siempre será un constante aprender. �¿Cómo se dio la oportunidad de que fueras a vivir a Canadá? De manera orgánica, diría yo. Creo que siempre fue un proyecto que visualicé de manera aspiracional pero que nunca dimensioné que fuese a pasar de la manera tan natural y es pontánea como pasó. Siento como si hubiese sido algo para lo cual me estuve preparando mucho tiempo, pero que nunca pensé que se fuese a hacer realidad. Tuve un primer acercamiento con la ciudad de Montreal en el 2018, cuando tuve la oportunidad de vivir y estudiar un tiempo en la ciudad. Ahí me empecé a relacionar a nivel profesional con algunas personas dentro de la industria tecnológica, así como de hacer varias amistades a nivel personal. Posteriormente tras la pandemia, se incrementó la demanda de profesionales dentro de la industria de tecnologías de la información, y fue ahí donde se presentó la oportunidad formal para reubicarme completamente a la ciudad de Montreal. Hubo un acercamiento profesional de una empresa que se interesó en mi perfil, ya que mis aptitudes encajaban perfectamente con lo que ellos estaban buscando, y me realizaron la propuesta. Sin duda alguna el hecho de que yo ya hablaba francés fue un punto clave para que se presentara la oportunidad, y a pesar de que no fue fácil tomar la decisión, decidí aceptar la propuesta. En retrospectiva lo veo como un golpe de suerte y otras veces lo veo como un proyecto de vida para el cual siempre me estuve preparando y simplemente sucedió. Genuinamente no lo vi venir, nunca pensé que fuese tan real, fue algo muy inesperado, por irónico que suene. La creatividad no solo se manifiesta al producir diseños visuales, también se hace presente desde el momento en que generamos pensamientos divergentes a las soluciones convencionales”. ¿Cuál es tu consejo para quienes están incursionando en el diseño de interfaz de usuario y las tecnologías? En primera instancia y aunque suene trillado, mi consejo sería que las personas sigan sus sueños, por más lejanos que parezcan. Que tengan confianza en sí mismos, que definan qué es lo que quieren y que tengan la certeza de que trabajando y aplicándose pueden lograr todo lo que se propongan. Todos tenemos la capacidad de alcanzar nuestros sueños tarde que temprano, es solo un poco de paciencia, disciplina, trabajo, creatividad y se puede lograr. Ya a un nivel más concreto, y es algo que siempre le digo a mis alumnos de Argentina, es que trabajen en su career path, identifiquen dónde se encuentran hoy en día, con que herramientas cuentan hoy por hoy, y que contrasten eso con la idea de hacia dónde quieren llegar, y qué necesitan para llegar ahí. Al hacer ese ejercicio obtendrán respuestas más concretas que les permitirán comenzar a generar sus propias rutas de cómo llegar a ese punto que desean. Redes SOCiales _ INSTAGRAM @designbyjonathan _ SITIO WEB www.jonathanmoreno.ca _ LINKED IN In/jonathanmnog MARZO 2024 21 �DIBUJO, HÉCTOR MORALES ALEGORÍAS yVIDA Con estudios en Arte Dramático y Escenografía; y una notable trayectoria en la pintura artísticamural; el profesor Héctor Manuel Morales Orona, nos habla sobre su particular fijación en el cuerpo humano y el valor de la experiencia de vida en su obra como artista y en la enseñanza. REDACCIÓN POR: SEBASTIÁN MÉNDEZ JARAMILLO ILUSTRACIONES POR: HÉCTOR MORALES ¿De dónde nace este interés por el dibujo y por qué la figura humana en particular? Yo me decidí por la figura humana porque como dibujante y artista, el cuerpo siempre ha sido uno de los motivos que me hace dibujar. Me gusta la figura humana y veo en ella todos los elementos que un dibujante puede percibir en cuanto al volumen y la expresividad. Hay varias cosas ahí como elemento didáctico que te permite programar una manera de enseñar y plantearlo paso a paso, empezando desde la estructura, luego el volumen y algo de anatomía; para que así, esto te permita abordarlo por temas y también llevarlo de algo sencillo a algo más complejo. 22 MARZO 2024 �Viento Cósmico por Héctor Morales Por ejemplo, cuando yo dibujo una montaña pienso en una figura humana porque veo volumen, proporción entre otras cosas; y bueno, eso es como dibujar un cuerpo. Hasta el paisaje lo veo desde ese mismo punto de vista, siempre me encuentro dibujando cuerpos y fue uno de los motivos que me llevó a querer adentrarme un poquito más a la figura humana. Aunque a mí me gusta dibujar de todo. Es interesante esa comparativa con el paisaje y la figura humana, ¿tuvo algún referente en su desarrollo como dibujante en ese entonces? Yo empecé dibujando paisajes muy influenciado por la maestra Saskia Juárez. Cuando yo quise ser pintor era porque yo veía su obra y me gustaba mucho, pues de esas casas sólidas que había en su trabajo intentaba reproducir desde lo que yo veía. Para mí, en esa solidez de las casas, se convirtió también en cuerpo, y así, la figura estaba ahí siempre. Saskia fue una referente para mí como estudiante ya en formación; cuando ya decidí tomarme enserio como artista y como pintor estudié Técnicas Antiguas. A partir de ahí pasé a entender también los materiales con los que estaban hechos la pintura y el dibujo, a aprender muchas cosas de la figura humana y todo eso fue como “cayendo”, donde todo empezó a recobrar sentido. Y referentes así a nivel muy personal no te puedo decir que haya tenido yo un maestro; más bien tuve “alter egos”. Uno de ellos fue Miguel Ángel; del que se aprende mucho viendo, pues no es que necesitas tener un maestro a tu lado, sino más bien… que a veces son maestros imaginarios y él es uno de ellos, aunque suene muy “pesadito” decir eso pero sí, viendo sus dibujos y pintura aprendes. Por ejemplo, en los cuerpos de Miguel Ángel no son cuerpos naturales, son figuras que, aunque eran a capricho suyo, se denota lo mucho que sabía de anatomía en la misma torsión de los músculos y todo aquello que no era precisamente natural en los cuerpos. Esas cosas me siguen llamando mucho la atención y también son cosas que trato reproducir en mis propios dibujos. También estaban Leonardo (Da Vinci) y Rembrandt y pues todos los pintores antiguos porque en ellos, yo veo sus dibujos como “apuntes” para algo más. Yo no lo veo como ahora, que tenemos el dibujo contemporáneo y es como “voy a hacer un dibujo”. Yo infiero en que los maestros antiguos decían, “voy a hacer un apunte, para luego llevarlo a un estudio y recrear una pintura”. Entonces, sus dibujos son apuntes para una pintura porque justo contienen todos los elementos que ellos usaron en la realidad, porque tú ves planos de distancia de un dibujo y hay saturaciones, los materiales que tenían, el color en el dibujo, y para mí eran como “códigos encriptados” que luego te metías al laboratorio, el estudio del artista, y se convertían en un cuadro, porque toda la información está ahí contenida, y eso me gusta ver de los dibujos de los maestros antiguos, algo que yo no veo en los dibujos contemporáneos. Y una de las cosas a estudiar en Técnicas Antiguas fue eso, detenerme en observar esos dibujos, y con eso, pude adentrarme más en el estudio de la figura humana, algo que todavía estoy tratando de entender. No es que yo lo domine, sino más bien, yo sigo aprendiendo. MARZO 2024 23 �D O C E N T E No quiero decir que tenga que ser terapéutico el arte, pero sí que tiene un ingrediente; aunque yo no lo tomo desde ese ángulo, sino como una experiencia de vida, y a partir de eso sí que te transforma y te da conocimiento, Partiendo de ese continuo aprendizaje con la figura ¿cuál considera uno de sus proyectos más importantes y qué le enseñó de su proceso creativo al llevarlo a cabo? Sí, hay un proyecto en particular que a mí me sirvió incluso para escribir mi tesis y es un proceso de creación, que partió de cosas que yo estaba sintiendo en ese momento, porque siempre he considerado que el arte está implicado con las experiencias de vida. Entonces, el artista está viviendo su vida y al mismo tiempo está queriendo crear algo, así digamos que con este proyecto partí de una situación particular que me empezó a afectar de tal manera que tuve que preguntarme: “¿qué voy a hacer con esto?” Y a partir de esa pregunta dije: “pues soy pintor, tengo que convertirlo en algo, encontrarle una salida a esto que me está… fastidiando.” De esa manera, esa experiencia que en un principio no me dejaba dormir; literalmente me la pasaba en insomnio, surgió una idea de crear a partir de esos movimientos en los que te revuelcas en la cama buscando el sueño sin encontrarlo y aquellos acomodos instintos del cuerpo, un proyecto que lo llamé “Cuerpo Insomne”. En Cuerpo Insomne me permitía tener como motivo principal las composiciones del cuerpo y ahí hicieron “clic” muchas cosas, lo que yo sentía y cómo lo representaba a partir de la experiencia en las posiciones incómodas del cuerpo y en las alegorías que yo utilizaba para representar las cosas que me estaban molestando, las que me daban miedo. Entonces busqué alegorías del miedo y lo asocié con el cuerpo, incluso también pensé realizar como un tipo de partitura dancística. Primero maqueté la iluminación que iba a formar parte del estado emotivo de la obra, ahí el color fue un elemento importante pues sería la vía para adentrarse a una convención emocional. Posteriormente pude trabajar con un actor, al que le daba indicaciones y él las interpretaba, para después hacerle una sesión fotográfica y partiendo de ese material que yo recopilé, empecé a dibujar. Al final hubo una especie de transformación, porque como artista cuando tomas un proyecto, ese mismo te tiene que aportar algo, un conocimiento o una experiencia. Fue un trabajo que duró dos meses pero que la repercusión de eso ha continuado porque me dio para terminar mi tesis y el proyecto de un libro que tengo ahorita. Pero también fue la manera anímica en la que entré y la forma en la que salí, y considero que fue para bien, porque el arte no es para fregarte, es más bien lo contrario, como para sostenerte, para no dejar que te hundas en el lodo o que te vayas a un hoyo. No quiero decir que tenga que ser terapéutico el arte, pero sí que tiene un ingrediente; aunque yo no lo tomo desde ese ángulo, sino como una experiencia de vida, y a partir de eso sí que te transforma y te da conocimiento. Te hace madurar. 24 MARZO 2024 CUADROS DE PROYECTO CUERPO INSOMNE te hace madurar. �¿Qué ha aprendido de su voz creativa al dedicarse a la docencia? La creatividad tiene que ver con la docencia en el sentido que, la misma te permite transformar experiencias. Por ejemplo, la del dibujo es una por sí sola porque estás tú dibujando, o sea, te toca de alguna manera. Entonces en el arte aunque uno cree que es la libertad absoluta… tiene reglas y formas de proceder, y si uno no lo ve así no le dará resultado. También te da esa posibilidad de enseñar a partir de una metodología, y a veces esa la haces tú como creador porque conoces los materiales y los temas con los que se va a trabajar. Yo siempre les digo a mis estudiantes que les voy a mostrar formas en las que a mí me ha dado resultado, pero ellos también pueden aportar e ir integrando técnicas y van haciendo sus propias metodologías. La creatividad está ahí en el sentido en que tú transformas tus maneras de trabajar en procedimientos. De repente me gusta grabarme cuando me pongo a dibujar o a pintar de manera libre, para después poder analizar esos procesos que yo hago o que repito, y al final en cosas que yo anoto y que pueden influir en mis clases. ¿Han influido sus estudios en Arte Dramático y Escenografía en los métodos de enseñanza que menciona? Ah sí, totalmente, porque la creatividad te conecta. Es como un puente en el que, a mí por ejemplo, los estudios que he hecho en Arte Dramático me han servido mucho; para trabajar primero mi propia obra y segundo, para enseñar. Yo aprendí mucho cuando estuve estudiando teatro y sobre los procedimientos de creación que ahora los utilizo en mis clases, no quiero decir que enmedio de una me ponga actuar, sino más bien, es conectar métodos y hablar de la composición, al igual como enseñar sobre la disposición de elementos en un escenario. Suena como una gran forma de relacionarse con sus alumnos como profesor, y preguntando más a profundidad sobre ellos, ¿cómo lleva a cabo la situación o qué estrategias aplica al enseñar a alumnos que no tienen experiencia en el dibujo? Si da miedo porque luego los estudiantes creen que tienen que saber todo, pero es que “el dibujo te enseña”, si es cierto que hay una parte que no puedes instruir por muy buen o mal maestro que seas, pues no puedes enseñar la experiencia de vida, porque esa es nada más suya. Lo que he tratado es: primero pensar que el dibujo sí se puede enseñar y aprender, no al 100% por las experiencias que comenté, pero sí que hay maneras de proceder incluso para alguien que nunca ha dibujado. Entonces, a partir de eso lo que yo propongo como metodología de enseñanza es irnos de lo elemental a algo más ambicioso. Dibujar una esfera en vez de la cabeza, o elementos muy básicos de geometrías muy sencillas para luego, ir señalando y agregar cosas de mayor dificultad. También es útil ir revisando a otros autores. Por ejemplo, me gusta mucho lo que hizo Betty Edwards porque ella enseñó a dibujar a gente de una fábrica por primera vez, se fue a darles clases y ella empezó a mostrarles como dibujar relaciones entre líneas, de manera que al final de todo esto, tenían un retrato completo y no se habían dado cuenta que lo habían hecho. Al final, si les exijo de alguna manera la complejidad que debe tener, sobre todo en el PIA, que debe haber una temática y justificación, porque ya tuvieron recorrido en el semestre y creo que ya pueden hacer algo un poquito más elaborado. MARZO 2024 25 �D O C E N T E Reitero, sean responsables con su talento, que si lo tienen deben hacer algo por ello, cultivarlo y prepararse mejor; y tomen enserio lo que están haciendo, porque solamente de esa manera van a ser conscientes de que son creativos y que pueden aportar algo a su entorno. Usted mencionó que se encuentra trabajando en el proyecto de un libro, así que, ¿cuáles son esos nuevos proyectos que tiene por delante? Sí, tengo un proyecto de un libro, ya está terminado por así decirlo, solamente que lo estoy revisando; desacomodando y acomodando. Tengo también un proyecto de una exposición individual para la cual estoy trabajando algunas temáticas, estoy apenas inmerso en la investigación sobre qué temas voy a abordar. Creo que con ese último proyecto va a ser por lo menos un año de trabajo para tener una exposición con una obra bien ejecutada y sólida. También vienen proyectos expositivos y un encuentro nacional de grabado del cual yo soy parte del comité, pues soy grabador. Será el primer encuentro nacional de grabado que se hará aquí en Monterrey, nosotros lo estamos proponiendo y sé que será interesante. El grabado es otra de las disciplinas en las que tengo como contemplado más adelante en exposiciones individuales, donde se presentarán de esos trabajos, pintura y dibujo, así que esperemos que sí ocurran. CUADROS DE PROYECTO CUERPO INSOMNE Me imagino lo relevante que se vuelve la constancia en la materia, siendo algo clave en el dibujo ¿no? Totalmente porque a mí me pasa que si yo no dibujo, porque luego también la enseñanza te quita el tiempo de practicarlo, cuando vuelvo a ponerme con ello se nota que el hábito se ha perdido un poco. Pienso que todos los días uno tiene que practicar, aunque sean 30 minutos o una hora, porque es la única forma de lograr un proceso; así es con el dibujo, la pintura y todo el arte que implica el uso de las manos. 26 MARZO 2024 Con base en su experiencia ¿qué les diría a los alumnos que estén interesados en desempeñarse en el dibujo y como puede nutrir su propia expresión artística? Lo que yo les digo siempre a los alumnos es que el punto de partida tendría que ser algo que a ellos les guste, porque si no es así, pues no llegarán a los 5 minutos y querrán abandonar el proyecto. Al ser cosas que les gustan, va a partir de algo más personal y que puede ser tomado en serio, porque es otra cosa que yo veo y es el hecho que no toman en serio lo que hacen. Podrán tener talento, pero si no son responsables no se hace gran cosa y solo queda el desinterés. Reitero, sean responsables con su talento, que si lo tienen deben hacer algo por ello, cultivarlo y prepararse mejor; y tomen en serio lo que están haciendo, porque solamente de esa manera van a ser conscientes de que son creativos y que pueden aportar algo a su entorno. Hacer consciencia de lo que tienen y qué piensan, porque decidieron estudiar artes. �REDES SOCIALES FACEBOOK Héctor Tutor INSTAGRAM @hectortutor MARZO 2024 27 �D O C E N T E ALAN GARCÍA HERNÁNDEZ DE LA PASIÓN A LA PROFESIÓN Nos platicó sobre su trayectoria profesional desde que egresó de la facultad. Lo importante de trabajar bien y cómo orientar tú pasión hacía una profesión, y las estrategias para poder monetizarlo N POR: RICARDO VERA MEJÍA os reunimos con Alan García Hernández, catedrático de la Facultad de Artes Visuales, quien imparte la materia de Análisis de Relatos. Es escritor, director y productor audiovisual y actualmente está a punto de concluir su Doctorado en la Universidad de Liège, Bélgica, en estudios cinematográficos. A continuación él mismo nos cuenta un poco de su carrera. Comenzaré diciendo, soy egresado de la preparatoria 22 de Nuevo León; lo platico porque cuando somos jóvenes y terminamos la secundaria todavía queremos tener una extensión de la escuela, ya que todavía no sabemos qué queremos hacer y el por qué tenemos que hacer algo para trabajar más allá de la respuesta evidente de necesitar dinero para vivir. Creo que es más adelante cuando descubres, qué es lo que tú vas a aportar a la sociedad. Para mí, esa es la verdadera vocación, cuando sabes con qué puedes contribuir. Al terminar la preparatoria, una persona que estimo mucho me decía que estudiara algo técnico, sin embargo, esto implicaba un año más de estudio. Es ahí donde hay un acercamiento a una orientación vocacional en la preparatoria y resulta que salía con altos puntajes en otras áreas que no tenía que ver con las artes. Curiosamente, sin ser de los mejores deportistas, salía más alto ahí que en lo relacionado a lo artístico, incluso salía más alto en biología y medicina. Sí yo hubiera hecho caso a esa orientación vocacional, quizá no estaría aquí, pero te digo con certeza que no me equivoqué. 28 MARZO 2024 �Lejos de criticar sí funciona o no la orientación vocacional, creo que tiene más que ver con una introspección tuya y el evaluar lo que estas encuestas o lo que tus maestros te dicen, y lo que realmente te hace feliz. Una tarde que estaba haciendo figuras de plastilina, ya era un adulto pero siempre me ha gustado esculpir o hacer figuras en plastilina y dibujar, aunque siempre lo había visto como un hobby como parte de mi naturaleza, fue la misma familia que me dijo «¿por qué no estudias algo referente a eso?». Fue entonces que me enteré de la Facultad de Artes Visuales; llegué con muchas dudas, pues trabajar de esto no lo visualizaba, en ese entonces estuve a nada de inscribirme en Medicina. Poco a poco me di cuenta que quizá siendo cirujano plástico orientaría ese gusto que tenía por modelar en plastilina o el dibujo, que también tiene mucho que ver. Finalmente me decido a venir aquí rompiendo todos los paradigmas familiares. En mi familia, o son futbolistas o son profesores a nivel secundaria, y no había nadie relacionado con las artes. Fue un verdadero reto en ese sentido y, afortunadamente, con todo y las carencias familiares que había, tuve ese apoyo, el cual es muy importante tener. Saber que si algo no funciona, todavía puedes dar marcha atrás. Tomé el reto y tuve la suerte de encontrar lo que se convertiría en mi pasión: las artes. Tener un tronco común me dio tiempo para definir y orientar lo que quería hacer. En aquel entonces la carrera era menos enfocada hacia el cine y más hacia la televisión, lo que me permitió ver a qué tipo de artes me quería dedicar. La gente me decía que el diseño gráfico tenía más futuro a nivel profesional, pero a mí no me llenaba. Finalmente descubrí en los medios audiovisuales, que convergía todo lo que me apasionaba, incluso empecé a tener una especie de epifanía. Me tocó el boom de los videoclubs en los 80 y 90, sobre todo del VHS. Haciendo memoria, descubrí que desde muy chico tenía una afición hacia las películas. Tuve la fortuna de que un tío tenía un videoclub, por lo que tenía acceso a películas que en ese tiempo era imposible conseguir. Fue un gran aporte, siempre le estaré agradecido a mi padrino por el desarrollo y el gusto que eso me influyó. Soy de las generaciones que se criaron con la televisión, por lo cual me tomo muy enserio lo que se produce para medios audiovisuales, porque pueden cambiar las generaciones. Tuve la suerte de que las producciones de aquel entonces enfatizaban mucho la amistad y la ética, las caricaturas de los noventa siempre cuidaban tener algún tipo de mensaje. Creo que se cuidaba más la televisión, y dicho y hecho, todos los de mi generación creemos en ese tipo de lazos y comportamiento, sobre todo la amistad y compañerismo. Me crié con la televisión y las películas como parte de una generación en la que los papás ya no están en casa por necesidades laborales. Todo eso influye en mi decisión para irme hacia los medios audiovisuales. En conclusión, si pudiera decir el secreto del éxito profesional, que no sea medido en el éxito económico convencional, creo que es ese, cuando encuentras tu pasión y el sentido de vida los puedes orientar hacia una profesión. Entonces, egresas y el reto es saber ¿qué vas a hacer? Trabaja muy bien porque nunca sabes quién va a ver tú trabajo o con quién vas a engancharte profesionalmente”. Hasta noveno semestre llevé la materia de producción de ficción con el maestro Martín Ontiveros, la experiencia que tuve con él como docente me permitió conocer el lenguaje de los medios audiovisuales en su totalidad, aunque no era cinematográfico. Ahí es donde empiezo a inclinarme en el gusto por la escritura, pues de hecho en el trabajo final, el guionista fui yo. Siempre le digo esto a mis alumnos, «trabaja muy bien porque nunca sabes quién va a ver tú trabajo o con quién vas a engancharte profesionalmente», lo cuento como una muy buena anécdota profesional. Todo lo que no hice en la carrera, lo hice en el último semestre, creo que todos tenemos ese clic profesional. Los primeros semestres estaba más interesado en el rock and roll, la música y otras cuestiones más propias de un pre-adulto. Me pasó hasta noveno semestre, más vale tarde que nunca. «Esto va a ser mi vida, mi profesión. Debo tomármelo más en serio» pensé. Me acuerdo mucho que le eché muchas ganas a ese último semestre y compañeros que se engancharon en un trabajo fueron los que me recomendaron. Entonces salí en diciembre de la facultad y en enero ya tenía un trabajo, que fue por recomendación directa de una compañera a la que aprecio mucho. En este trabajo me voy hacia el área de televisión, era una cadena privada que ofrecía sus servicios a empresas de la localidad y me contrataron como post-productor. Otra cosa increíble de la facultad es que a veces sientes que no aprendes nada, y aclaro me refiero a esa inseguridad de decir «lo vi en clase pero ahora estoy en el mundo real y no sé si realmente lo aprendí». Me enseñaron en estas máquinas que ahora ya están obsoletas, la de post-producción análoga que le llamaba la beta suit, era parte del sistema de betacam. La edición análoga requería el manejo de esas máquinas que parecía el laboratorio de El Santo, con botones y pantallas por todos lados. Y ¡oh sorpresa! el click fue instantáneo, al momento de enfrentarme ahí, resultó que sí había aprendido, que sí le sabía mover. Fue ahí donde tuve la oportunidad de orientarme al puesto que en ese entonces le llamaban “el creativo” y abarcaba un poco más de rasgos que la escritura. Desafortunadamente la empresa desaparece justo cuando apenas me estaba estrenando en ese puesto. Esto me sirve para empezar a considerar un futuro más alineado y es donde me oriento hacia la educación. Tengo todo el antecedente de mi familia siendo docentes y había algo en mí que me hacía pensar, y esto también se lo MARZO 2024 29 �D O C E N T E digo mucho a mis alumnos, en que había cosas que si me las hubieran dicho al estar en la carrera, llevaría años de ventaja. Entonces tenía esa inquietud de dar clases en mi facultad, porque tengo la camisa bien puesta, pensé: «Es mi facultad, quiero dar clases y decirle a mis alumnos las cosas que, si me hubieran dicho, me hubieran servido mucho». Elaboro un plan para llegar a la docencia, estudio la maestría y aprovecho ese tiempo para mantenerme como independiente y comienzo a ser freelance. Tuve trabajo como editor, camarógrafo y eventualmente también me cayeron trabajos de creativo. Me dio mucho gusto que me contrataran para escribir un guión para un vídeo institucional o un story board, ya que en ese entonces todavía se hacían a mano. Nosotros al estar a punto de egresar, pensamos ¿a dónde vamos? de acuerdo a nuestros intereses, y al enfrentarse uno al campo laboral, nos encontramos con que piden cierto grado de experiencia y otras habilidades que a veces en ese momento no contamos del todo. Es mi facultad, quiero dar clases y decirles a mis alumnos las cosas que si me hubieran dicho, me hubieran servido mucho”. ¿Qué recomendaciones puedes dar para encaminar con éxito la carrera artística y profesional? Siempre habrá esa necesidad de trabajar, de tener dinero, de ser independiente y de poder darse los gustos que uno quiere, por otro lado, está esa necesidad de encontrar aquello que realmente quiero hacer y ser; yo le apuesto más a esa segunda. Si quieres dinero, hay formas muy fáciles de hacer dinero, por ejemplo y lo digo sin ningún tipo de reserva, graba bodas, es un mercado que tiene para eso y mucho más. Muchas veces fui contratado para grabar bodas y te puedo decir que mi casa la compré gracias a ello, pues se ganaba muy bien y ni siquiera teniendo que ser el dueño de la agencia, a mí me contrataban otras por proyecto, yo ponía el precio, pero claro, hay que trabajar muy bien. Me tocó el boom de cuando las bodas empiezan a ser como películas, se venden de esta manera y afortunadamente en la ciudad en la que vivimos hay mucho mercado para eso. Pero llegó un momento en el que dije «Esto no es lo que yo quiero hacer». Para mí, más que buscar donde insertarse, es primeramente atender el qué es lo que quieres ser y hacer, y no siempre es exactamente lo que tú visualizas, tienes que ser lo suficientemente astuto como para saber dónde se inserta. Por ejemplo, me interesaba no sólo la docencia, siempre estuvo el hambre de hacer arte, de hacer una producción audiovisual. Sin conocimientos cinematográficos, me llamó la 30 MARZO 2024 Poster “Parpadeo”, largometraje escrito y dirigido por Alan García atención aquello que fue siempre mi pasión desde niño, el cine. Entonces empiezas a orientar tu quehacer hacia eso. En mi caso el cine, que aquel entonces era un poco más complicado, hoy en día las posibilidades son más amplias, con el boom de las plataformas de streaming hay más producciones, mayor mercado y más inmediato que antes. Ahora hay una mayor oportunidad de hacer lo que realmente quieres, solo es cuestión de redireccionar la pregunta: ¿dónde te puedes insertar?, ¿qué quieres hacer? De ahí buscar las estrategias para que eso te dé dinero. La carrera aquí en la facultad es muy versátil y permite desarrollarte en diferentes puestos. Particularmente me llamó la atención la escritura, que hoy en día mantengo y lo trato de compartir cada que tengo la oportunidad de platicar ante un auditorio o clase, si nosotros vemos el guión como tal, está muerto. El guión ha evolucionado a algo mucho más complejo y �completo, es decir, ser guionista ya no solo es escribir en el formato y plantearse una historia en un texto, el guión se ha convertido en una herramienta a tal grado que se ha usado en los medios publicitarios o marketing digital, como estrategia de lo que ahora llaman el storytelling o para hacer relatos. No se diga en la política con el famoso marketing político. Entonces, si tu sueño es escribir, puedes alinearlo a cualquier área que te lo pueda permitir, por ejemplo, puedes ser un director de campaña política porque tú estarías contando la historia de ese político a las masas. Muchos directores de campaña son las personas que dominan las estrategias que tú aprendes en una clase de guión. Si tu personaje protagonista es el político, constrúyelo y diséñalo tal cual como lo haces al crear un personaje de ficción porque vas a tratar de empatizar. La empatía es una estrategia que Aristóteles se planteaba desde la poética, es la esencia para que el relato funcione. ¿Para que provoque qué? En aquél entonces era provocar la catarsis en el aspecto de la tragedia griega, hoy en día así sea arte o algo comercial, siempre hay un objetivo a lograr. El guión funciona a través de las estrategias de persuasión para lograr un fin. Esperemos que sea un fin noble, honesto y ético, no como muchos lo utilizan. La política lo va a usar, para venderte un producto, el cine lo va usar quizá para venderte solo placer momentáneo, un deleite estético, una sonrisa o un discurso profundo y complejo, pero siempre habrá algo que se quiera vender. Entonces en ese sentido el guión me permitió esa versatilidad de discursos. Por cuestiones profesionales o de oportunidades, se me dio más realizar guiones para proyectos institucionales o incluso académicos. Actualmente mi trabajo como administrador dentro de la UANL se basa en la generación de material audiovisual académico con el cual el mismo storytelling lo utilizo para que un determinado contenido académico llegue a ese impacto que va alineado con todas las tendencias de gamificación, ahora se utilizan las estrategias de los videojuegos para venderte algo. En un principio nunca dejé mi gusto de hacer producciones audiovisuales de ficción, que esa es realmente mi pasión, pero cuando tengo que trabajar sigo haciendo lo que me gusta, que es escribir, aunque sea institucional o académico, termina siendo un deleite porque se aplican las mismas estrategias, solamente tengo que tener bien claro qué es lo que estoy vendiendo. ¿Lo buscaron o fue un descubrimiento en el camino? Te diría que he tenido mucha suerte, que no he tenido que buscarlo. Sin pecar de vanidoso, más que suerte es trabajar bien. Al igual que en el marketing, la recomendación de boca en boca es la mejor, por ello siempre le digo a los estudiantes que ahorita es realmente donde tú estás haciendo tu verdadera carta de presentación. Si trabajas bien con tu camarada, en algún momento él se va acordar de ti y te va a recomendar. A veces piensan «si el profe le flojea, entonces yo también le flojeo», pero no es para el profe, tú estás creando tu propio perfil. No es el objetivo primario del cine hacer filosofía, porque si no, no es cine, es filosofía”. Mi pasión real, si tuviera que escoger solo una cosa, sería hacer ficción. He podido darme el lujo de hacerla solo para mí. Me gusta escribir y no me puedo aguantar las ganas de verlo, así que termino haciéndolo, sin recursos y sin ningún tipo de cuidado más allá que el del placer de ver mi guión en pantalla. Hice un par de trabajos así, me aventé una película de dos horas nada más porque traía un guión que había trabajado en la maestría. Ahí conocí a un gran maestro, Giampiero Bucci, quién fue mi primer gran acercamiento a la filosofía. Recuerdo mucho que al terminar una de sus clases pensé «Todo lo que veo aquí, lo quiero transmitir a través de un guión», él como un gran filósofo me dio consejos que jamás olvidaré, «no es el objetivo primario del cine hacer filosofía, porque si no, no es cine, es filosofía», un consejo que desde entonces no he olvidado. ¿Proyectó esos trabajos a una audiencia? De esos trabajos no hubo ninguna pretensión más que el hecho de escribir algo que necesitaba escribir, el hacerlo de mí para mí. Uno es un corto, otro un mediometraje y un largometraje. En automático se empiezan a abrir puertas, me invitan a exponer en distintos lugares y fue así que hice algunas presentaciones. Curiosamente muchos años después me encuentro a un profesor que me dio clase de guión en la facultad y resulta que se acordaba de que había hecho algo bien en su clase y me invita a la cineteca a presentar los trabajos. Ahí fue donde volví a reiterar que trabajar bien te sirve de recomendación. Todo lo que había hecho hasta ese momento, mi trabajo como freelance, mis trabajos de ficción y los guiones para video institucional o cuestiones académicas, me sirvieron para llegar a la facultad listo y a punto de titularme de la maestría. Este es mi plan de vida que yo quería, dedicarme a la docencia porque iba a permitirme estar dedicado a las artes, regresar y compartir a la facultad lo que me hubiera gustado que me dijeran y me permitiría seguir produciendo por estar en el medio. Llegué a pedir trabajo y lo que me sirvió de currículum fueron esos proyectos. En aquel entonces no estaba tanto el boom de la edición no lineal o post-producción en software. Manejé algunas cuestiones de montaje y dijeron, «ah, mira, precisamente necesitamos a alguien de montaje». Entonces no fue directamente guión, que era lo que llegué pidiendo, pero eso fue lo que me permitió entrar. Ese vídeo que yo hice por gusto y placer donde había una cierta pasión, me terminó sirviendo como demo reel para que me contrataran. Picasso decía que «cuando las musas lleguen tocando a tu puerta, que te pesquen trabajando». También creo que es una MARZO 2024 31 �D O C E N T E Alan García con los hermanos Dardenne cuestión de disciplina, no hay que quitar el dedo del renglón, y esto aplica para cualquier tipo de actividad. Al final de cuentas llegué al guión tocando puertas y fue una administración particular la que le apostó a la producción audiovisual, que vio el potencial y ahí fue donde pude combinar todo. Fuera de lo respectivo a la docencia, ¿Tienes proyectos a futuro? “Me absorbe casi en la totalidad la parte de la docencia, estoy colaborando administrativamente en la secretaría académica donde eventualmente me están pidiendo que aporte desde mi experiencia en medios audiovisuales a las cuestiones académicas para tratar de ir con las tendencias globales de la educación que le están apostando mucho a lo audiovisual, y por supuesto, estoy en fase final de terminar el doctorado en la Facultad de Filosofía y Letras en la Universidad de Liège en Bélgica, pero es 32 MARZO 2024 en estudios cinematográficos. Después de haber estado allí tres años, regresé este diciembre a presentar la defensa de tesis en estudios cinematográficos. ¿Por qué en Bélgica? La principal razón es porque hay unos cineastas con un trabajo que me encanta. Son los hermanos Dardenne, originarios de una ciudad que se llama Lieja, y Festival de Cannes al que van, festival que ganan. Su película ‘Rosetta’, ganadora de la Palma de Oro en 1999, es una de mis películas favoritas. Ellos son modelos de guionistas filósofos y productores, es decir, es el ensamble de todo, ver cómo hay un discurso que obviamente tendrá un impacto social, pues sus películas las utilizan como medios para sensibilizar a la gente más allá del nivel artístico y la propuesta audiovisual que tienen. �Dan clase de guión en una de las universidades de allá y a mi se me dio la oportunidad de hacer un estudio doctoral enfocado hacia el proceso creativo del guión. Tuve la fortuna de conocerlos, platicar con ellos, entrevistarlos y aparte tomar clases de guión, es decir, tomar clases con el ganador a la Palma de Oro a Mejor guión con una película que se llama ‘El Silencio de Lorna’, que es una cátedra de cómo escribir guiones ganadores y es lo que trato de enseñarle a mis alumnos, porque el trabajo del doctorado es prácticamente una metodología de análisis y redacción de guiones para cine. Entonces lo que estoy enseñando hoy en día en clases es el resultado de ese doctorado. La docencia, la parte administrativa y el doctorado es lo que me ha absorbido, por lo que he dejado en stand by la producción personal. Por supuesto tengo proyectos parados, desde hace mucho tiempo, tengo un libro de cuentos donde los estoy tratando de escribir a partir de mi metodología de escritura, es una combinación de cuentos, novelas cortas. Todo lo que tenga en la mente lo voy escribiendo, de hecho, eso me ha funcionado como estrategia creativa, escribo algo y sé que tarde o temprano eso será parte de un proyecto, no lo dejo, lo voy almacenando y catalogando para en algún momento dado retomarlo, y así es como van saliendo. Siempre le digo a los estudiantes que ahorita es realmente donde tú estás haciendo tu verdadera carta de presentación; si tu trabajas bien con tú camarada, en algún momento, él se va acordar de ti y te va a recomendar.” Agradecemos mucho al Maestro Alan García por su tiempo para esta entrevista. Les dejamos su contacto de Facebook y compartimos su podcast ‘El Club de los Relatos’, el cual lo pueden encontrar en Spotify. REDES SOCIALES __ FACEBOOK Alan García __ SPOTIFY El Club De Los Relatos Cover de “El club de los relatos”, podcast por Alan García MARZO 2024 33 �P O R T A D A LOS INICIOS La animación en un MÉXICO ANTIGUO Acompáñanos a conocer qué proyectos y casas productoras impulsaron la industria de la animación para convertirla en lo que hoy conocemos POR: JATZIRY MARTÍNEZ CANTINFLAS SHOW (1972) E sta caricatura fue creada por el pilar de la industria cinematográfica de México Mario Moreno “Cantinflas” en conjunto con Televisa y DIAMEX, y es conocida como la primer serie de animación en el país, la trama era simple: el personaje de Cantinflas viviendo aventuras con grandes figuras históricas y educando a los pequeños de la casa. Con un total de 53 episodios de entre 5-7 minutos, varias revistas ilustradas de 24 páginas cada una, una adaptación para Estados Unidos titulada “Amigo and Friends” y un infructuoso intento de traer de vuelta la popularidad de la serie con una última revista titulada “Las aventuras de cantinflas”, este show dejó una profunda huella en el imaginario colectivo de muchas infancias mexicanas entre los 1970 y 1980. Aun siendo el trabajo menos reconocido del actor, “Cantinflas Show” fue muy innovador en su momento y se ha vuelto un legado para la industria de la animación del país, pues dicha caricatura marcó un antes y un después hablando estrictamente sobre series animadas, las cuales comenzaron a resurgir a inicios de los 2000 y solo han ido avanzando. Imagen de: revista925taxco.fad.unam.mx 34 MARZO 2024 Imagen de: cantinflashow.blogspot.com �Imagen de: alimagenes.wordpress.com Los tres reyes magos (1976) Bajo la dirección de Fernando “El abuelo de la animación en México” Ruíz y su co-director Adolfo Torres Portillo se logró realizar el primer largometraje animado en México, en una entrevista Ruíz declaró que su intención era competir contra la tradición navideña de Santa Claus y darles a los niños mexicanos su propia tradición para las fiestas decembrinas tal como lo hizo el presidente Pascual Ortiz Rubio, que en la navidad de 1930 organizó un evento masivo en un estadio donde quien repartía los juguetes era Quetzalcoatl y no Santa Claus. “Los 3 Reyes Magos” merecen reco- nocimiento al haber funcionado como un espacio formador de dibujantes, pues durante su producción y bajo la tutela del experimentado animador Claudio Baña, muchos jóvenes aprendieron a dibujar y animar. Aún así esto no impide valorar tanto la calidad de los dibujos como el hecho de que esta película permitió el despegue de la industria de largometrajes animados en México. Cabe mencionar que después de su estreno pasaron tres décadas más para que se volviera a realizar otra película animada, aún así no se puede discutir el referente que es este largometraje para todo los creativos del área. Imagen de: alexkong.mx MARZO 2024 35 �P O R T A D A El chavo del ocho (2006) A pesar de que esta industria se “apagó” de los 80s a los 90s, a partir de los 2000 comenzó lo que se puede llamar el renacimiento de la animación en México. Ánima Studios fue un factor clave, pues crearon películas como “Magos y Gigantes” e “Imaginum” ambas animadas en Flash debido a los bajos apoyos económicos, estas contaban con un sin fin de deficiencias narrativas y técnicas pero los ayudó a establecer su forma de trabajar, lo que provocó que poco después Televisa se les acercara con la idea de “El Chavo del Ocho” animado. Durante más de dos décadas Roberto Goméz Bolaños y su hijo Roberto Goméz Fernández buscaron una casa productora para animar la famosa serie de “El Chavo del Ocho” que se pasaba constantemente por Televisa, a pesar de que varios estudios de diferentes países les hicieran ofertas, ninguno pudo garantizar llevar a “El Chavo” a la pantalla con su distintivo carácter mexicano. Hasta que llegó Ánima Studios. Imagen de: chulavista.mx Considerada la mayor creación de esta casa productora, “El Chavo del Ocho” utilizó avances tecnológicos de la época para mejorar la calidad de animación que se venía ofreciendo hasta ese entonces. Flash, Maya, Combustion y After Effects fueron solo algunos de los programas utilizados para su realización, mientras que el precio por cada capítulo era alrededor de 100,000 dólares. Volviéndose la serie para niños de mayor éxito en toda la historia de la televisión iberoamericana “El Chavo del Ocho” demostró el éxito que puede tener una serie animada creada por mexicanos y permitió que las productoras de animación de México se aventuraran a seguir con proyectos cada vez más ambiciosos. Imagen de: blog.chespirito.com 36 MARZO 2024 �Huevocartoon (Casa productora) En este caso, hablaremos de un estudio de animación y no de una sola producción. “Huevocartoon” nació en el 2002 gracias a Gabriel y Rodolfo Riva Palacio, su idea fue crear un sitio de entretenimiento multimedia enfocado en la realización de cortometrajes protagonizados por toda clase de ovos. El éxito obtenido fue tan grande que en tan solo tres meses acumularon más de 3 millones de visitas al portal. Esta buena respuesta ubicó a los Riva Palacio entre los mayores pioneros del renacimiento de la animación en México. “Huevocartoon” ha concebido varios largometrajes hasta la fecha, el más antiguo llamado “Una película de Huevos” (2006), por desgracia, este proyecto y su secuela “Otra película de Huevos y un Pollo” (2009) fueron maquilados por completo en Argentina debido al poco apoyo económico que recibió el estudio y a la falta de talento entrenado en el país, aún así se presentaron como proyectos nacionales, “Una película de Huevos” logró recaudar más de 142 millones de pesos convirtiéndose en la animación mexicana Rodolfo y Gabriel Riva Palacio Fundadores de Huevocartoon Imagen de: pecime.com.mx Todo GRAN PROYECTO empieza por un sueño… y el nuestro vale la pena contarlo.” más taquillera durante casi 10 años, mientras que “Otra película de Huevos y un Pollo” recaudó 113 millones y medio. Este impacto fue tan grande que su tercera entrega “Un Gallo con muchos Huevos” (2015) pudo ser completamente maquilada en México ya con talento mexicano entrenado y durante su estreno logró rebasar la primera entrega con un total de 167 millones 808 mil 502 pesos, convirtiéndose así en la película más taquillera en la historia del cine animado mexicano. Sabemos que estos proyectos, desde los cortometrajes del sitio hasta el último largometraje en cines destacan por su humor picaresco mexicano y por la gran cantidad de chistes con doble sentido, permitiendo ser producciones para el disfrute de todas las edades, pero no se trata solo de eso, a nivel técnico las producciones de “Huevocartoon” son un verdadero logro, permitiendo que otros países visualicen el talento mexicano y ofreciendo múltiples empleos a los ciudadanos, apoyando y expandiendo esta industria. 37 Octubre 2023 MARZO 2024 37 �P POORRTTAADDAA 1 2 La saga de las leyendas Ricardo Arnaiz, dueño y fundador de Animex decidió apostar por la exploración de las leyendas mexicanas en la animación para representar a México a nivel nacional e internacional, esto lo empleó en su primer largometraje “La leyenda de la Nahuala” (2007) y aunque la técnica tuvo varias deficiencias, la apuesta fue tan bien recibida que llamó la atención de Ánima Studios, quienes conscientes del enorme potencial de la idea, decidieron unirse y junto a Arnaiz como director, comenzaron una importante franquicia que al día de hoy ya cuenta con 6 secuelas: “La leyenda de la Llorona” (2011), “La leyenda de las momias de Guanajuato” (2014), “La leyenda del Chupacabras” (2016), “La 38 MARZO 2024 Imagen de: Las Leyendas (Facebook) �3 leyenda del Charro Negro” (2018), “Las leyendas: El origen” (2022), “La leyenda de los Chaneques” (2023) y una serie de TV titulada “Las Leyendas” (2017), la cual también puede ser encontrada en Netflix. Ánima tiene un enfoque muy especial a la hora de producir sus películas, y es que ellos mismos deciden trabajar con recursos limitados. Cada una de las entregas tuvo un presupuesto menor a 2 millones de pesos y, en promedio, han recaudado dos o tres veces lo invertido. Esto no solo se limita al dinero, la misma estrategia también aplica al número de artistas y las fechas límite, lo cual los confina a producir lo más rápido posible, entregando productos que parecen baratos y terminan siendo éxitos en taquillas. Gracias al éxito que tienen estas producciones, Ánima Studios desarrolló “Las Leyendas” (2017) la cual se convirtió en la primera serie de animación producida completamente en México para el gigante del streaming Netflix, convirtién- 6 4 5 dose en una de las series más vistas en latinoamérica, junto a las demás aportaciones de Ricardo Arnaiz a la industria, lo sostienen como una promesa del cine animado nacional y su éxito ha logrado que otros países y nosotros mismos veamos el potencial y talento que se tiene nacionalmente. _ Redes sociales FACEBOOK: Ánima INSTAGRAM: @helloanima TWITTER: Imágenes 1-5 de: alexkong.mx Imágenes 6-8 de: legendquest. fandom.com @helloanima 7 8 39 Octubre 2023 MARZO 2024 39 �P O R T A D A EL PRESENTE La nueva generación de animadores mexicanos En esta sección les compartimos algunas de las propuestas y algunos creadores que más han destacado por su creatividad y las nuevas formas en que representan a México con sus lados dulces, amargos y agridulces POR: SILVIO MANZANO ¡Hay Elotes! B asada en el cómic de Rubén Arriola, mejor conocido como el Manchón, “Hay Elotes, El Canto del Elotero” es una serie animada de género cyberpunk mexicano que refleja la brutal realidad en la que vivimos y cómo nuestras raíces ecológicas y alimentarias son una alternativa para vivir en un mundo mejor. Manchón nos da un vistazo a un México retrofuturista que combina elementos del cine noir, la ultraviolencia, el animé japonés de los 80 y los mitos prehispánicos. Todo esto para ofrecer una original exploración del modelo agroecológico como alternativa sustentable a la voracidad consumista que tiene en vilo al mundo. Para ello se apoya en las vivencias de un elotero, cuya venta de maíz no es una profesión aparentemente sencilla como en la actualidad. En su contexto es el trabajo más peligroso del mundo, ya que su producto es completamente natural y no modificado genéticamente como el que puede encontrarse en las tiendas, lo que es visto como un desafío directo al sistema, uno que debe ser eliminado. El Manchón es un dibujante independiente de historieta, caricaturista y cronista social, lo que en México se conoce como un “monero”. En su obra mezcla crítica social, un humor ácido y absurdo cargado de irreverencia donde juega con los personajes del imaginario social mexicano. Ilustración por: El Manchón (Rubén Arriola) 40 MARZO 2024 _ Redes sociales INSTAGRAM: @manchonmonero �Imagen de: crunchyroll.com Onyx Equinox Convirtiéndose en el primer anime ambientado en México, “Onyx Equinox” se arraiga en las ricas tradiciones prehispánicas que alguna vez predominaron en el país para contarnos su historia. La mente creativa detrás de esta innovadora serie es Sofia Alexander, originaria de Quintana Roo, quien también ha dejado su huella en proyectos como “Las Chicas Superpoderosas” y la película de “Invasor Zim”. Envuelta en influencias de las culturas mixteca, olmeca, azteca y maya, la historia nos lleva a conocer a Izel, un joven azteca que se queda solo cuando su hermana es elegida como sacrificio. Desesperado, intenta suicidarse, pero es rescatado por un emisario divino que le encomienda la tarea de cerrar cinco puertas del inframundo para demostrar el valor de la humanidad. A regañadientes, Izel acepta, motivado por la promesa de que su hermana podría ser devuelta. Su viaje lo lleva por la región mesoamericana, donde enfrenta desafíos y busca sentido a su dolor, todo con el destino de la humanidad en juego. Sofía Alexander, originaria y criada México es súper fan del anime. Para mí, como mexicana, quería ver un México como una épica a la ‘Dragon Ball’ o el ‘Señor de los anillos’. Sentí que era mi deber hacer una historia sobre un México de una manera que no se hubiera visto antes.” en México, inició su carrera en la industria de la animación como artista de storyboard en 2016 en el reinicio de “Las Chicas Superpoderosas”. Desde entonces, ha continuado desempeñando ese papel en diversas producciones, incluyendo “Stretch Armstrong y los Guerreros Flex”, “Invader Zim y el Poder del Florpus” y “El Tren Infinito”. Además, Sofía ha contribuido con la creación de conceptos para Walt Disney Imagineering, la división encargada del desarrollo de los parques temáticos de la compañía. _ Redes sociales TWITTER: @sofiaealexander MARZO 2024 41 �P O R T A D A _ Redes sociales INSTAGRAM: @mr.hotsalsa Hot Salsa Desarrollada de forma independiente, “Hot Salsa” es una webserie animada dirigida al público adulto. Esta obra es el producto de la mente creativa de Miguel Gradilla, un talentoso artista nacido en Ensenada, Baja California, quien se destaca como animador, autor de cómics y diseñador de personajes. “Hot Salsa fue inventado cuando miraba una película del Cine de Oro y mi mamá preparaba las verduras para un caldo de res. Cuando vi las verduras en la cocina pensé: ‘¿Qué tal si las verduras fueran vaqueros?’, y así comenzó una ola de diseño y desarrollo con ese concepto”, explica Miguel sobre el origen de la idea de su serie. Esta webserie narra la fascinante historia de vegetales del norte que adquieren habilidades sobrenaturales al consumir salsa picante en un México inmerso en la cultura norteña, específicamente en la década de 1800. En esta versión de México, tanto las personas como los animales tienen características vegetales. Pico Salcedo, un joven alguacil y chile jalapeño, es hijo de un renombrado bandido y ve cómo su vida tranquila se ve alterada por las promesas que su padre hizo antes de su muerte. Poco a poco, Pico se une a un variado grupo de bandidos que se convertirán en sus amigos más cercanos: Calico, Chato y Leticia. Juntos, enfrentarán peligrosos desafíos y emprenderán un viaje para llegar a Ciudad Ensalada, el lugar al que todos los bandidos aspiran a vivir. Es importante destacar que la primera animación fue creada con la colaboración de un estudio independiente llamado Scum House (conocido por su trabajo en “Satina”), aunque no se considera el piloto oficial. Para su lanzamiento inicial, el proyecto se encuentra en proceso de desarrollo con un doblaje que refleja el auténtico acento norteño mexicano, específicamente de Ensenada, Baja California. Ilustraciones por: Miguel Gradilla Fuente: El Sol de Hermosillo 42 MARZO 2024 �La espectacular saga of the Mask! Un emocionante proyecto de animación 2D de origen mexicano titulado “La espectacular saga of the Mask!” el cual se hizo merecedor del prestigioso Premio Animation! en el evento Pixelatl 2020. Este proyecto es concebido y dirigido por el joven y talentoso José Alfredo Espinosa. Quien además es el autor de su cautivadora historia. Acompañando a José en esta creación, los co-creadores Karla Velázquez y Alex Durazo se destacan por su brillante labor en el aspecto visual de la obra. Este trío creativo se sumerge en el mundo de la lucha libre mexicana para tejer su narrativa única y transmitir un mensaje poderoso. Inspirados en la icónica figura del luchador mexicano de las décadas de 1960 a 1990, nos adentraremos _ Redes sociales TWITTER: @alfespinosan en la vida de “Hombrecito”, el hijo arrogante de un legendario luchador conocido como “El Hombre”. La trama se desarrolla a medida que “Hombrecito” se embarca en un viaje de redención tras decepcionar tanto a su padre como a su pueblo al no cumplir con las expectativas de convertirse en su protector y héroe. En el corazón de la serie se encuentra la exploración de la persona detrás de la máscara, así como la denuncia de la masculinidad tóxica. Además, la historia nos sumergirá en emocionantes combates en el ring, donde los luchadores se enfrentarán a criaturas, criminales y monstruos, ofreciendo una experiencia llena de acción y profundidad temática. Imagen de: animotora.com MARZO 2024 43 �E M P R E N D I M I E N T O ANDY’S EL EMPRENDIMIENTO EN GRANDES LIGAS ANDREA BARRERA Andrea Barrera, dueña del local “Andy’s”, nos contará su experiencia al emprender junto a su hermana y cómo desarrolló su estrategia para sobresalir en el mundo de las botanas POR IXCHEL ACUÑA & JORGE OLVERA REDES SOCIALES INSTAGRAM: @andysmva FOTOS POR ANDREA BARRERA 44 MARZO 2024 O riunda de Monclova, Coahuila. Experimentó un choque cultural al llegar como estudiante foránea, las botanas (boneless, papas fritas y dedos de queso) que son tan comunes en su ciudad natal no se veían por ningún lado en Monterrey, esto la puso a pensar “En mi primer semestre lo que más extrañaba de Monclova era la comida, era las botanas… Imagínate algún día vender botanas en Monterrey” Así fue como nació el proyecto de Andy’s una serie de restaurantes en diferentes ubicaciones, teniendo como punto principal una sucursal dentro del estadio de los Acereros de Monclova. Desde pequeña la llama del emprendimiento fue parte de la vida de Andrea buscando siempre encontrar un ingreso propio, vendiendo dulces en la primaria, ofreciendo snacks fuera de su casa y durante la pandemia tuvo su propia tienda de ropa. Sin embargo, el punto de inflexión en su vida fue cuando la idea de Andy’s llegó a su cabeza, pero el hacer funcionar un negocio desde cero es muy complicado ya que requiere invertir tiempo, dinero y muchísimo esfuerzo para posicionarse en un mercado que tiene competidores ya establecidos. “Ayudó bastante que Andy’s naciera en la pandemia, las clases eran en línea y me dio el tiempo de poder dedicárselo a Andy… Estuve 8 meses con mi hermana trabajando de lunes a domingo de 11 am a 11 pm”, mencionó. �Le preguntamos las claves del éxito de su proyecto y para ella el apoyo que recibe de su familia es algo indispensable, “Andy’s se volvió como una pasión familiar, empezó con mi hermana y conmigo, pero terminó involucrando también a mis papás” desde la apertura de su primera sucursal, su hermana ha sido una pieza fundamental para que Andy’s se convirtiera en lo que es hoy. Juntas crean una sinergia única, puesto que sus estudios se complementan de muy buena forma, Andrea cursando Lenguaje y producción audiovisual y su hermana mercadotecnia, gracias a esto lograron formular una estrategia que les permitiera diferenciarse de sus competidores. Crear una presentación única para su producto, sus famosos “conitos” y que junto a una gran estrategia de marketing digital con contenido original lograron desmarcarse del resto. Después de dos años de operaciones interrumpidos han tenido experiencias de todo tipo, pero una de las más desafiantes sin duda es el compaginar el emprendimiento con el ser estudiante universitario, para Andrea uno de los principales retos fue la distancia entre Monclova y Monterrey; por lo que medir Emprender es la libertad de poder hacer algo que te APASIONA, MOLDEARLO A TU GUSTO y el saber que LOS LÍMITES LOS PONES TÚ”. sus tiempos era algo indispensable para hacer funcionar el proyecto. El método que ella empezó a utilizar fue acomodar su horario de una forma que todas sus clases fueran en 2 días para poder regresar a Monclova el resto de la semana, poco a poco el proyecto fue tomando más fuerza y ella no estuvo tan al pendiente; sin embargo, aún se preocupa mucho sobre mantener las cosas balanceadas entre los estudios y el emprendimiento. Por último le pedimos a Andrea que nos compartiera un poco de su experiencia y que nos diera algunos consejos para emprender mientras seguimos estudiando, ella nos respondió que lo primero que tenemos que hacer es organizar nuestro tiempo muy eficientemente, olvidarnos de la procrastinación. El segundo consejo fue mantener los pies en la tierra, muchas veces al iniciar un emprendimiento las personas piensan que de un día para otro van a empezar a funcionar solos y la realidad es que requiere mucho sacrificio para poder echar a andar un proyecto exitoso. El último consejo fue que se mantuvieran resilientes, no rendirse, para ella el emprendimiento es un trabajo donde no tienes descanso, pero al final del día vale mucho la pena. El futuro de Andy’s se ve muy prometedor y seguramente dentro de algún tiempo se cumplan las metas propuestas, el sueño de Andrea es algún día posicionarse dentro de la MLB o la NFL, podemos decir orgullosamente que dentro de FAV tenemos un talento increíble, tanto en la producción como en el emprendimiento, sabemos que Andrea va a llegar muy lejos y pondrá en alto el nombre de la UANL. FOTOS POR ANDREA BARRERA MARZO 2024 45 �E N F O Q U E RAM TAMEZ EL PODER DE LA ANIMACIÓN EN LA ACTUALIDAD El animador mexicano demuestra que sus pasiones y su cultura pueden encontrarse de forma sentimental y dramática, haciendo que sus mensajes crucen fronteras. REDACCIÓN POR: SEBASTIÁN MÉNDEZ JARAMILLO ILUSTRACIONES POR: RAM TAMEZ E l mundo de la animación es tan vasto como complejo, en la misma radica una extensa trayectoria llena de técnicas tradicionales y avances tecnológicos, pero sobre todo, historias entrañables en las que se han presenciado personajes legendarios, tierras con estéticas creativas e imponentes y lecciones de vida que, tanto la audiencia más joven como la adulta, pueden llevar consigo por siempre. Aun conociendo a los estudios más representativos en el campo, ya sea en la magia y profundidad que puede ofrecer Disney y Pixar o las aventuras fantásticas e íntimas que retrata Studio Ghibli, la animación a lo largo de toda su historia ha trascendido a tal punto que puede generar un lazo universal más estrecho entre obra y espectador. La animación en México no pasa desapercibida en este macrocosmos de historias imaginarias, pues a través de los años se han visto grandes exponentes que han logrado ir más allá del boceto, de la figura digital o hasta de un “puppet”. Artistas de la talla de Sofía Carrillo y su camino en el stop motion más oscuro y gótico en ‘Cerulia’ (2017); la alocada y colorida cultura mexicana producto de la mente de Jorge Gutiérrez en ‘El libro de la vida’ (2014); las aventuras sobrenaturales y paranormales a cargo de Ricardo Arnaiz con su franquicia de 46 MARZO 2024 ‘Las Leyendas’ (2007 - 2023); o la naturaleza humana más inocente y trágica de Carlos Carrera con ‘El héroe’ (1994) y ‘Ana y Bruno’ (2017) Con todo lo mencionado, son vitales para esta industria las voces nuevas que se desarrollan aprendiendo de estas mentes creativas que han impulsado el campo de la animación en México. Uno de esos nuevos talentos es Ram Tamez, el cual ha ganado renombre en los últimos años y ha demostrado con ingenio y corazón el poder que reside en una historia local, donde sus pasiones y su cultura pueden encontrarse de forma sentimental y dramática, haciendo que sus mensajes crucen fronteras. �UNA OPORTUNIDAD Ramiro Tamez, mejor conocido como Ram, es un joven regiomontano que, aunque su pasión por la animación no llegó a temprana edad, siempre se vio envuelto por el mundo del cine, la música, la pintura y la atención por las diversas narrativas que exponían las producciones en aquel momento. Aun cuando él hubiera intentado aprender, estudiar o realizar otro tipo de actividades ajenas a sus intereses, Ram de forma directa e indirecta volvía a poner trazos y bocetos sobre una hoja de papel, tocaba su guitarra, se conectaba con sus raíces o apreciaba de forma íntima lo que el séptimo arte podía ofrecerle como espectador y futuro realizador. “Siempre uno termina regresando a donde uno es más feliz” (Cine para todos, 2021). La vida como animador mexicano se vuelve parte de su cotidianidad en el 2011, al llegar a trabajar para grandes casas de animación con sedes en México como Disney TV, Nickelodeon y hasta Cartoon Network, colaborando como animador 2D, realizando storyboards, arte conceptual, entre otras tareas. Su labor llega a tal punto que logra dirigir y supervisar crews completos a cargo de varios proyectos animados del mo- mento, pero estar donde se encontraba Ram no fue un camino sencillo, pues parte de los retos en un inicio, fue el de aprender nuevos métodos de trabajo y rodearse de personas que eran más talentosas que él. Entre ellos pudo conocer dos lados de una misma moneda: los animadores a favor de compartir sus conocimientos y sabiduría para que pudiera crecer y hacerse de un nombre en la compañía; y los que se tomaban tan en serio los sacrificios que habían hecho, para poder llegar al puesto donde estaban y que no se daban el lujo de brindar cualquier enseñanza, consejo o una simple ayuda, a alguien tan inexperto como Ram. Estas experiencias le pusieron al joven los pies sobre la tierra, una donde la animación, aun cuando no es correctamente valorada, es un campo lleno de ambiciones y metas reales a alcanzar. Al mantenerse así por siete años, la vida de Ram Tamez dio un giro inesperado en 2018, cuando obtiene una beca por parte de Guillermo del Toro para poder estudiar en la prestigiosa escuela de animación 2D de Gobelins, en París, haciendo que su carrera tomara un nuevo rumbo a descubrir. MARZO 2024 47 septiembre 2018 �E N F O Q U E A BORDO DE LA BESTIA Tras varios semestres de aprendizaje y enseñanza en las múltiples áreas que conforman la Maestría en Artes para la animación de personajes y cinematografía en la escuela de París, Francia; Ram tenía las herramientas para llevar a cabo su proyecto final de la carrera, y junto con Marlijn van Nuenen y Alfredo Gerard, compañeros y amigos extranjeros del joven mexicano, se lanzaron a planear la que sería la primera producción profesional en español por parte de Gobelins. Esta fue una idea que vino a la mente de Ram cuando vivió tres años en Guadalajara y pudo ver pasar un tren fronterizo en particular. La historia que contarían sería la de “Guayaba”, un hombre gruñón al que le es encomendado el cuidado de una niña llamada Lupita, para cruzar a los Estados Unidos a bordo del peligroso tren conocido como ‘La Bestia’. “El segundo año es más de divorcio… es cuando tenemos que hacer un cortometraje en equipo y es muy dramático” (De 48 MARZO 2024 �Obeso, 2022) describe Ram, lo que sería el arduo proceso de llevar a cabo la producción, pues puso numerosos desafíos para el trío de directores: como cambios en la historia, el decidir sobre qué subtramas se quedaban y cuáles no, cambiar el enfoque protagónico, entre otros. Numerosas fueron las lecciones que aprendieron con ‘La Bestia’, tal como identificar el pitch o el exponer y vender una idea como un arte por sí solo, la humanidad que pueden tener las creaciones en vez de tramas complejas y ajenas al contexto de la vida del animador mexicano, el aprender a descansar después de largas jornadas de trabajo y lo que implica terminar tu proyecto y que sea visto, después tomar ciertas decisiones un tanto dolorosas, entre comillas, “en función de que tu película exista, debes matarla un poquito” (Cine para todos, 2021). El cortometraje de ‘La Bestia’ se expuso al público por medio del canal oficial de YouTube de la escuela Gobelins, como par- te de la serie de trabajos de graduación de la generación 20182020, resultando en una grata sorpresa para los más cercanos al mundo animado y de la cultura mexicana, logrando reunir poco más de 70 nominaciones a premios y festivales, siendo el “Best student film” de los Annie Awards 2021, de los más importantes en obtener, pues es conocido como uno de los más prestigiosos reconocimientos en el campo de la animación. Ram Tamez, al fungir como co-director, guionista, animador, compositor y actor de voz, entre otros puestos, demostró una identidad única con aquel trabajo, pues por medio de un relato donde el peligro, el amor y el distanciarse de las raíces de una cultura, son piezas que convergen en un cortometraje que no teme en mezclar la cruda realidad y la fantasía que engloba el simbólico tren en la vida de numerosos pasajeros que van con la intención de cumplir su sueño americano. “Dedicado a aquellos que buscan una oportunidad”, se lee al final del corto estudiantil. MARZO 2024 49 �E N F O Q U E Referencias •Cine para todos. (2021). Creadores independientes Ep. 5: Ram Tamez, co-director del cortometraje animado La Bestia. [Video]. •De Obeso, C. (2022). RAM TAMEZ – CINEASTA DE ANIMACIÓN. Viva Mexico Rencontres Cinématographiques. UN FUTURO PROMETEDOR Ram Tamez actualmente vive en Francia, en donde recientemente pudo ser parte del Festival Internacional de Cine de Animación Annecy 2023, donde el invitado de honor fue el país de México y también pudo proyectar su último trabajo animado ‘Kikiriki’, una pequeña historia y canto de amor entre un gallo y una paloma con la más pura estética del cine de oro mexicano. El animador también ha llegado a trabajar al lado del icónico animador Genndy Tartakovsky para la serie ‘Primal”, de Adult Swim, entre otros proyectos que aún están a la espera de ser revelados. La historia de Ram Tamez es una donde, aun cuando se pueden tener dudas, conflictos o dilemas durante el proceso creativo de una obra, termina siendo un viaje donde la misma pieza artística logra retroalimentar y transformar al creador en sí, dando una perspectiva renovada de lo que uno representa en el mundo. Por el lado de Ram, se debe tomar conciencia sobre ver más allá del poder de la animación, desde el valor que tiene una historia y lo significativa que puede ser para las personas, al resaltar la belleza desde lo simple y la humanidad más honesta, al atreverse a ser valientes y confiar en el talento que radica en cada uno para destacar. “Hay gente talentosísima en México, pero llegan a un punto donde toman una decisión difícil que es probar en otro país porque hay más oportunidades, pero siempre con un espíritu de volver” (De Obeso, 2022). Storyboard para el cortometraje de “Kikiriki” dirigido por Ram Tamez (ideabybud.com) 50 MARZO 2024 �REDES SOCIALES PÁGINA WEB ramtammez.com INSTAGRAM @theramtamez TWITTER @RamTamez MARZO 2024 51 septiembre 2018 �E N F O Q U E ¿QUÉ ES EL LA TÉCNICA QUE INNOVÓ AL MUNDO AUDIOVISUAL MATTE PAINTING? La construcción de mundos imaginarios que parecen reales E POR: SAMARIA DE LA ROSA l Matte Painting es una herramienta de gran ayuda que, a partir de imágenes reales o creadas, genera escenarios realistas sin tener que invertir en lo que parece imposible. Actualmente, la técnica se usa en cualquier medio audiovisual. “Es una técnica que reduce mucho los costos, ya que no hay que levantar escenarios ni construir maquetas”, comentó Fernando R. Monroy, reconocido ilustrador digital y tradicional. Todo se hace con medios digitales, lo que permite emplearlo tanto en publicidad como en cine, videojuegos o en diseño de portadas. Hay un compendio de cosas que se debe saber sobre esta técnica, sin embargo, lo más importante es el dominio de la luz. Debido a que, por muy buenas imágenes o referencias que se busquen, si no se sabe integrar la luz será imposible que la ilustración sea creíble. Y, por supuesto, hay que tener buenos conocimientos de perspectiva (o tener un ojo muy habitado a manejarla). Es fundamental para que la línea del horizonte, es decir, la altura de los ojos del espectador, no varíe en ningún momento. TÉCNICAS Y PROGRAMAS DIGITALES PARA LOS PROYECTOS DE MATTE PAINTING En imagen fija, desde luego, el que prima es Photoshop; aunque hay otros programas que incluyen muchos elementos de retoque fotográfico, como ProCreate o ClipStudio, en Matte Painting no sólo se trabaja con imagen fija, “cuando la imagen tiene movimiento hay que pasar a otro software, como Adobe After Effects”, señaló Monroy. Los buenos artistas de Matte Painting son muy buscados por productoras, empresas, estudios y editoriales; su trabajo permite recrear universos nunca vistos con una inversión más ajustada y en tiempo récord. 52 MARZO 2024 �LOS INICIOS DEL MATTE PAINTING: STAR WARS Michael Pangrazio trabajando en el telón de fondo de La Batalla de Hoth FOTOS EXTRAÍDAS DE LA PÁGINA OFICIAL DE STAR WARS Hubo una época en la que los cineastas, debido a las limitaciones técnicas, no utilizaban imágenes generadas por ordenador, (CGI) sino que se recurría a la técnica Matte Painting, que en aquel entonces consistía en pintar paisajes con óleo o pinturas acrílicas sobre una superficie de vidrio. Una vez que la imagen estaba terminada se fusionaba con el video o se incorporaba en la postproducción. Más de 70 Matte Painttings fueron creados para “El imperio contra ataca” por tres artistas de Industrial Lights & Magic (ILM). Dos de ellos, Ralph McQuarrie y Michael Pangrazlo, eran relativamente nuevos en la forma de arte. El otro, Harrison Ellenshaw, prácticamente había sido criado para la tarea como hijo del pintor Matte elegido por Walt Disney, Peter Ellenshaw. Todo este trabajo fue hecho a base de pinturas acrílicas y óleo, algunos matte eran fragmentos para completar una toma ya existente y todos fueron pintados sobre rectángulos de vidrio enmarcados. Para crear muchos de los efectos, las pinturas se combinaron con elementos proyectados frontalmente sobre las áreas claras o neutras del vidrio pintado. Neil Krepela y Michal Lawler fueron los fotógrafos Matte asistidos por Craig Barron y Robert Elswitt (el primero con tan solo 18 años). La pintura conceptual de Ralph MCQuarrie del interior de Echo Base, puede haber inspirado la composición Matte final MARZO2024 2024 53 MARZO �E N F O Q U E HIGH KEY o LOW KEY, FOTOGRAFÍA DE CLAVE ALTA Y BAJA ahí está el dilema Javier Molina, fotógrafo de moda, te explica cómo utilizar estos conceptos de la fotografía en distintos ámbitos para que los apliques en lo que te convenga S POR: SAMARIA DE LA ROSA i quieres crear una atmósfera que realce ciertos conceptos visuales, el High Key y Low Key son términos utilizados en el entorno fotográfico y son técnicas de iluminación que sirven para enfatizar ciertas características de la luz. Estos esquemas de iluminación son necesarios para crear fotografías que logren transmitir algo y para poder entenderlo mejor, Javier Molina Rangel, fotógrafo de moda, te lo explica. “No lo hago como un estilo que me caracterice, más bien lo adapto según el mensaje que se quiera trasmitir. Y es recomendable usarlos siempre y cuando exista justificación y congruencia en su utilización”, contó Molina. Desde sus inicios en la fotografía, Molina hace uso de estas técnicas cuando se necesita lograr escenas que requieran dar un mensaje específico o según las necesidades y conceptos que el cliente pida. Una buena fotografía no depende del tipo de cámara que se utilice, siempre y cuando 54 MARZO 2024 Javier Molina Rangel, Fotógrafo de Moda y experto en el tema. conozcas los parámetros y el de los valores correctos de exposición de manera manual. Con esto puedes lograr maravillas entre luces y sombras. Una de las ideas erróneas que se tiene con respecto al High Key y el Low Key es creer que se trata de imágenes en blanco y negro, ya que cuando se mencionan luces y sombras, lo que se piensa automáticamente es en estos dos colores. Molina afirma que una fotografía de este estilo puede ser incluso a color, mientras se respeten las características visuales de cada esquema. Uno de los consejos que nos da nuestro experto es que si se llega a usar alguno de estos esquemas sea con base en la semiótica y la estética de nuestra imagen. Es importante analizar el CONTEXTO bajo el cual se está trabajando y así, a partir de eso, crear el AMBIENTE que mejor se adapte.” �Black Swan (2010) CONOCE EL HIGH KEY DOMINA EL LOW KEY High Key, también conocido como Clave Alta (traducción literal en español), hace uso de tonos vivos, utilizando una iluminación suave, sin sombras, con acentos en blanco, creando escenas sin volumen donde todo parece plano. “La principal característica, como su nombre lo dice, es darle prioridad a las altas luces para que predomine el color blanco, por lo tanto, todo lo que conlleva un ambiente claro y limpio será enfatizado si se decide usar este esquema”, comenta Molina. Se puede aplicar a todas las áreas de la fotografía de alimentos, ya que al mejorar los reflejos, puede proporcionar fondos bien iluminados y alimentos que tengan la frescura deseada en su fotografía. Así mismo, fotografiar específicamente a recién nacidos y niños utiliza connotaciones que simbolizan la pureza, la inocencia y una atmósfera clara. La moda también tiende a evocar estos sentimientos, como hacen los diseñadores cuando lo que se anuncia merece ser entendido, y de manera comercial. Se puede decir que el Low Key es el antagonista del High Key, porque su valor es el opuesto. Aquí, el énfasis no está en el brillo, sino en la sombra. Nos comenta el fotógrafo de moda que una de las principales características es el contraste entre estos dos conceptos, resaltando los tonos negros, dejando solo puntos de luz muy concretos que crean dramatismo en la imagen gracias al claroscuro. Más específicamente hablando, se puede usar esta técnica para fotografiar objetos y sujetos en los que se desee crear una atmósfera inclinado hacia la penumbra y enfatizar los tonos oscuros. Se utiliza también en fotografías de alimentos, pero en lugar de la frescura, el Low Key busca reflejar algo completamente distinto: “Esta técnica se emplea para lograr emular imágenes del estilo de los bodegones o naturalezas muertas del periodo pictórico barroco muy usadas en restaurantes de alta gama, te da ambientes sofisticados y elegantes”, describe Javier Molina. Imágenes tomadas de Freepik. MARZO 2024 55 �A R T E LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL UNA HERRAMIENTA PARA EL ARTE Y NO UN SUSTITUTO Aunque parece una amenaza para muchos artistas, el uso correcto ofrece una mejora en la producción de distintas tareas POR: ANA BAZALDUA & LUIS SIGALA L a inteligencia artificial (IA) es considerada como un campo de la informática en el que se combinan procesos de conocimiento humano con algoritmos informáticos, usados para crear programas que realicen determinadas acciones de manera autónoma. Los rápidos avances en la IA, así como el complemento de otras tecnologías, están revolucionando distintas áreas profesionales, ofreciendo una gran oportunidad en la mejora de producción de diversas disciplinas y facilitando sus procesos. Aunque pareciera que el arte sería la excepción, la nueva rama de la informática ya se ha dado entrada para ser una herramienta de gran acceso para diversos artistas que comprenden que la IA no vino a ser un sustituto del trabajo que realizan, sino a pulirlo. Esta automatización ha permitido a los artistas implementar diversos procesos que les han dado gran alcance para mantener un mayor y mejor enfoque en la parte más creativa de su trabajo. Pese a que muchos piensan en la inteligencia artificial como una amenaza, todo depende del uso correcto que se le dé. Por ejemplo, ha permitido que el arte sea mucho más accesible para las personas, creando cada vez más galerías y museos digitales que permiten la exhibición de obras de muy buena calidad, necesitando solo conexión a internet. Por otro lado, permite obtener datos importantes sobre la creación y recepción del arte, obteniendo un análisis mucho más objetivo de las diversas obras que realizan los artistas. 56 MARZO 2024 �El arte está cada vez más relacionado con la inteligencia artificial, por eso actualmente ya EXISTEN DIVERSAS HERRAMIENTAS que nos pueden ayudar a GENERARLO Y MEJORARLO. Imagen generada con las herramientas descritas de Photoshop Aplicaciones como Photoshop lo están implementando con su nueva función de relleno generativo, que si bien aún sigue en estado beta, es decir en fase de prueba, esta herramienta nos permite colocar elementos en nuestra imagen de manera automática. Para lograrlo, necesitamos elegir el área deseada con la herramienta “selección generativa”, después tenemos que indicarle al programa qué elemento queremos colocar, y en cuestión de minutos nuestro fotomontaje quedaría listo. La aplicación se encargará de crear diferentes opciones para que podamos escoger una. Con esta herramienta preliminar se podrían hacer muchas tareas, desde ponerle barba a las personas, hasta poner animales en las fotografías sin la necesidad de pasar por el proceso de tener que seleccionar la imagen, o en especial resolver los problemas que causa seleccionar cabello. Esta herramienta también puede crear nuevas imágenes a través de una primera idea, mientras le indiquemos qué elementos queremos conservar de la primera imagen. Además, esta no es la única utilidad de Photoshop que cuenta con esta tecnología. Desde hace tiempo existe la herramienta de “selección del sujeto” que nos permite de manera automatizada elegirlo en una fotografía. Es muy útil cuando se quiere realizar cambios en el fondo y se necesita que el sujeto esté en una capa separada. MARZO 2024 57 �Imagen generada con Bing al estilo Pablo Picasso DALL-E Esta aplicación es la que más causó revuelo entre artistas, diseñadores, y creadores de contenido digital. Se trata de DALL-E, un sistema de inteligencia artificial creado por OpenAI, los mismos creadores de ChatGPT. Está basada en GPT-3, un modelo de lenguaje con bastantes parámetros por lo que puede entender e interpretar el lenguaje humano de forma natural, porque está entrenada para identificar lo que queremos expresar. Esta inteligencia artificial puede crear imágenes tan solo escribiendo que es lo que queremos, es por esta razón que causo una gran polémica entre los internautas, ya que, si el crear imágenes es tan sencillo como indicarle a la computadora que es lo que queremos, las carreras como diseño gráfico, artes visuales y artes plásticas no serán necesarias en el futuro. Eso es lo que co58 MARZO 2024 Imagen generada con Bing Gato con Sombrero mentan muchas personas, sin embargo, la creatividad humana es irremplazable porque estas imágenes son creadas a partir de otras que ya existen en internet, y por lo tanto no cuentan con derechos de autor. Esto no quiere decir que no debemos usar las IA ya que son muy útiles a la hora de aprender sobre las tendencias que existen en el arte, y hacia donde se dirigen. Actualmente esta aplicación es de pago pero vale la pena probar cuales son sus capacidades. Tras el éxito de la aplicación, muchas otras personas desarrollaron sus propias herramientas de IA de Arte, como PixAl.Art, que te permite no solo crear arte, sino también analizar los dibujos de otros artistas para poder generar obras totalmente nuevas. Esto inquieta a los ilustradores porque al tener estas herramientas, los usuarios pueden generar sus dibujos sin necesidad del artista. �Imagen generada con Bing al estilo Pablo Picasso Bing Chat Es una función impulsada por IA que permite a los usuarios hacer preguntas complejas y obtener respuestas detalladas en tiempo real. También puede ayudar a convertir tus pensamientos en contenido atractivo y creativo, como poemas, historias, entre otros. Esta nueva inteligencia artificial creada por Microsoft destaca especialmente porque a diferencia de ChatGPT cuenta con datos hasta finales de 2023, pero lo que más nos interesa como artistas es su capacidad de crear contenido visual, esto nos puede ayudar enormemente a la hora de crear contenido, porque será más fácil identificar hacia dónde queremos que nuestros proyectos se dirijan con una imagen más clara de lo que queremos plasmar. Queramos o no, esta tecnología ya es una realidad, debemos adaptarnos a ella para conseguir mejores resultados, hoy en día muchísimas empresas utilizan ChatGPT para hacer consultas, recopilar información entre otras cosas. ¿Cuánto tiempo pasará para que también la utilicemos para crear imágenes? Si un programa como Photoshop lo está incluyendo en sus nuevas actualizaciones es porque nos dirigimos cada vez más a una nueva época del diseño, la información y el arte. Lo que debemos tener en cuenta es que aunque las personas puedan crear imágenes, el verdadero arte es el que se hace con la intención de expresarnos, no es lo que creamos, es por qué razón lo hacemos, desde pasar noches dibujando, pintando, manchándonos las manos, solo para transmitir una pizca de lo que nos gusta a otras personas, por eso es muy importante que sepamos como plasmar esto a través de todas las herramientas disponibles MARZO 2024 59 �E V E N T O S P IC EXPOSICIÓN O El artista mexicano deslumbra con su singular exposición de esculturas y ensamblajes. Y POR: ALESSANDRA DE LARA E n un brillante despliegue de creatividad y destreza artística, el aclamado artista mexicano Damián Ortega ha llevado su genio a la ciudad de Monterrey con su exposición "Pico y Elote" en el Museo de Arte Contemporáneo. Desde su inauguración el pasado mes de agosto, la exhibición ha cautivado a visitantes de todas partes, con una visión única que fusiona elementos de la cultura mexicana con una profunda reflexión sobre la naturaleza humana. Obra "Pico cansado", 1997. La exposición, cuidadosamente curada por José Esparza Chong, ocupó varias salas del museo, cada una inmersa en una atmósfera diferente pero igualmente intrigante. Desde el momento en que los visitantes ingresaban, eran recibidos por la icónica obra de Ortega, "Cosmic Thing", una escultura de un automóvil desmantelado suspendido en el aire. Esta obra maestra desafía la gravedad y redefine la relación entre objetos cotidianos y su entorno. Obra "Cosmic Thing", 2002. 60 MARZO 2024 �E T EL O "Pico y Elote" no solo es un título intrigante, sino que también sirve como un leitmotiv en toda la exposición. Ortega explora los conceptos de lo cotidiano y lo extraordinario al tomar elementos comunes de la cultura mexicana, como el elote y el pico, y los presenta de manera inesperada y provocativa. En una de las salas, el maíz se conviertía en una serie de esculturas que exploran su relación con la historia, la agricultura y la alimentación, recordándonos la importancia del maíz en la cultura mexicana. Otra sala presentaba ensamblajes impresionantes que combinan objetos cotidianos como herramientas, cubiertos y utensilios de cocina, creando obras que cuestionan la funcionalidad y la belleza. Ortega demuestra su habilidad para transformar lo mundano en lo sublime. Cosechar, ensamblar y colapsar, son los términos conceptuales que reflejan la amplia visión del artista. POR: ALESSANDRA DE LARA La exposición “Pico y Elote” de Damián Ortega en el MARCO fue un recordatorio de la vitalidad y la innovación del arte contemporáneo mexicano. Ortega ha logrado crear una experiencia que desafía las expectativas, estimula la mente y emociona el corazón. No se trata solo de una exposición de arte, sino de un viaje emocional y conceptual que invita a los visitantes a reflexionar sobre su propia relación con el mundo que les rodea. Obra "Elote clasificado", 2005. MARZO 2024 61 �Marzo 2024, Número 11 62 MARZO 2024 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2024 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 6 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, arte, diseño, audiovisual, 2024, Año 6, No 1, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/03/2024 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021251 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Alegorías Animación Arte Dibujo Diseño Tendencias https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/21627/Croma_arte_diseno_audiovisual_2024_Ano_6_No_2_Julio.pdf 4976d9d91d171f9b63f55759119844b8 PDF Text Text �S Í ENC DC I I CÓ EN 4 - TALENTO FAV DANY EL FANTASMITA 6 - TALENTO FAV MATIAS 10 - DOCENTE SANTIAGO 14 - TEMA DEL MES LA ILUSTRACIÓN EN NARRACIONES VISUALES 20 - EMPRENDIMIENTO ODRI 26 - EMPRENDIMIENTO DANIELA PEÑA 30 - ENFOQUE LOW BUDGET 32 - ENFOQUE ILUMINACIÓN 26 JUNIO 2024 �34 - ARTE REALIDAD AUMENTADA 36 - ARTE ARTISTAS MEXICANAS (BORDADO) 42 - EVENTOS EXPOSICIÓN DE LOS SUEÑOS VALLE ORIENTE 46 - EVENTOS 13º ANIVERSARIO CASA DEL LIBRO 50 - EVENTOS PRESENTACIÓN REVISTAS CROMA Y PARADIGMA CREATIVO 2024 52 - EVENTOS CONVOCATORIAS CONARTE 2024 CRÉDITOS Dr. Med. Santos Guzmán López Rector UANL Dr. Juan Paura García Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado M.A. Eva Julia De La Cerda Cruz Secretaria Académica Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores y Editores de la Revista Croma Denisse Yamilett Guadarrama Quintanilla Erasmo Carlos Fuentes Flores Fernando Aldair Villarreal Santana Perla Yazmin del Angel de la Cruz Sandra Valeria Flores Hernández Sofia Esmeralda Flores de León Estancia de Producción Portada: Perla Yazmin del Angel de la Cruz CROMA, año 6, No. 2, Junio 2024, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2023-080113474100-102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor septiembre 2018 7 �S E T A L E C N CT IOÓ NF A V DARIANA GARCÍA GARZA EL DISEÑO D Y UN FANTASMITA ariana García Garza, de 21 años, procedente de Coahuila y alumna de la Facultad de Artes Visuales, en donde cursa la carrera de Diseño Gráfico, nos comparte un poco de su proyecto “Danny el fantasmita” y cómo nace gracias al mercadearte. ¿Cómo nace tu gusto por el diseño gráfico? Comencé mis estudios en diseño gráfico gracias a una amiga, quien me contó un poco de esta carrera y las puertas que podrían llegar a abrirse al cursarla. ¿Cómo inicia tu gusto por el arte? Desde muy chica y viniendo de familia de artistas, entré a un club de arte con niños de secundaria, ya que era muy hiperactiva y trabajaba el arte en mis clases normales, mis padres optaron por impulsarme para que siguiera desarrollando mi talento y trabajar el arte de forma profesional. ¿Te inspiras en otros artistas para tu trabajo? Sí. Me inspiro con mis compañeros de Mercadearte para continuar trabajando y mejorando. Algunos de ellos son ‘Ghost’ (recién egresada de la facultad), ‘Moon’, entre otros. ¿Has trabajado con otro tipo de dibujo/ilustraciones? He experimentado con otro tipo de ilustraciones, los he estudiado y he aprendido muchísimo de ellos, como el realismo digital, pues creo que es importante aprender de todo lo demás para aplicarlo en todo proyecto que cualquier persona quiera realizar. El enfoque principal es trabajar el estilo, el cual me gusta llamar “Estilo texturizado kawaii”. ¿Cómo nace ‘Danny el fantasmita’? Comencé con el proyecto gracias a que conocí a una artista que admiraba y que también era alumna de la facultad, fue quien me inspiró a comenzar con el proyecto en Mercadearte. A pesar de que al principio no sabía ni siquiera como se llamaría el proyecto, estaba completamente segura a dónde quería llegar y con el paso del tiempo, gracias a algunas conferencias que me han ayudado, he ido encontrando un camino para seguir creciendo. ¿Qué herramientas utilizas para dibujar/diseñar? Inicié en el diseño con el PaintTool SAI y a mano, pero con el transcurso de los años y con la experiencia adquirida, cambié al uso de Procreate junto con el Photoshop e Ilustrator, con los que actualmente trabajo en el proyecto. Una regla que aplico en el trabajo como artista es “hay que saber las reglas para poder romperlas”. 42 JUNIO 2024 �¿Cómo es tu proceso creativo? Al principio no tenía un proceso, pero en la actualidad inicio con un moodboard, busco inspiración en la música, en los colores y en elementos que hay en trabajos de otros artistas, pero cambiando la forma en que se aplican. ¿Cómo ha evolucionado tu trabajo con el paso del tiempo? Han sido muy grandes los cambios, desde regirme por un solo estilo; en temporadas solo vendía anime o hiperrealismo, hasta vender distintos productos y estilos con la misma marca, teniendo una gran flexibilidad desde pequeña para adaptarme a las distintas demandas que el trabajo pueda tener, y variar en los productos. ¿Cómo decidiste dedicarte al arte? Estudié diferentes carreras, diferentes ámbitos y siempre sentí esa necesidad de ser yo misma quien trabajara en mis propios proyectos. Me mantuve en el área creativa pues también estudié repostería y algunos instrumentos. A pesar de todo esto, siempre supe que quería realizar cosas 100% por y para mí misma, nunca me vi trabajando para alguien más. Ilustración por Dariana García ¿Cómo ves el futuro del diseño gráfico? De forma positiva y muy abierto, a pesar de que aún algunas personas desconocen mucho, creo que es un mundo muy bueno para que la gente invierta, espero que siga creciendo mucho a pesar de las nuevas tecnologías, como la IA, pues veo fundamental el trabajo de un diseñador. Practica y no lo hagas a la fuerza. Disfruta el proceso. Ilustración por Dariana García JUNIO 2018 2024 35 septiembre �T A L E N T O F A V MATIAS ALONSO DESCOMPOSICIÓN CORPÓREA Matías Alonso, más conocido como Matt Honey, cursa la carrera de Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León. Nos habla de su recorrido como estudiante y artista visual dentro de la facultad. POR: VALERIA FLORES. ILUSTRACIONES: MATT HONNEY D esde su infancia, ha sentido un profundo interés por las artes, dedicando su tiempo principalmente a la ilustración y el dibujo. Sin embargo, no fue hasta la preparatoria cuando se dio cuenta de que podría convertir su pasión en su profesión a tiempo completo. Durante su trayectoria universitaria, Matt experimentó una transformación artística significativa. Aunque solía enfocarse en un estilo cartoon con ilustraciones llenas de colores brillantes y técnicas arraigadas en la acuarela en sus años anteriores, la carrera le brindó la oportunidad de explorar nuevas perspectivas y enfoques. Así fue como la corporalidad y corporeidad, que tienen que ver con la exploración de la identidad y su disección, se convirtieron en el tema actual que Matías ha tomado como inspiración para sus obras. “Descomposición corpórea” es su proyecto de tesina, donde Matías habla de cómo el individuo construye su cuerpo a través de relaciones, convivencias y su género; aspectos de la corporalidad de uno mismo. Conjuntamente a este trabajo, hay una serie de obras que nos comenta aún no están terminadas. Este proyecto ayudó en su parte de investigación y expresión de sus palabras para la creación de obras. 6 junio 2024 �La carrera me ayudó a pensar como artista, a pensar cómo hacer arte” Sus actuales obras reflejan el impacto positivo que tuvo el ambiente artístico en su desarrollo personal, así como descubrir el significado que quería darle a su arte. Dentro de su proceso creativo, menciona que lo que más le gusta es equivocarse y no poder borrar los errores que haya tenido al trabajar en un lienzo. “Es lo que termina haciendo que me enamore de mi pieza; pensar que no me salió como yo creía, esa misma cualidad te obliga a resolver las cosas que vas haciendo”. Hablando de su participación en proyectos dentro y fuera de la facultad, nos comenta que su parte favorita es recibir la invitación de sus colegas estudiantes y, en ocasiones, de los propios maestros. Participó en la exposición realizada en Valle Oriente titulada “Sueños que caben en una ventana” su obra expuesta fue resultado de salir de su zona de confort. junio 2024 3 �T A L E N T O 4 junio 2024 F A V �Quisiera dar mi granito de arena en el gremio artístico para que florezca”. REDES SOCIALESv _ INSTAGRAM @matthonney FACEBOOK Matt Honney @matthonney También está dando sus primeros pasos en el muralismo, trabajando en grandes formatos, invitado por el artista Chanate (Alejandro Guerrero) al proyecto "Viñedos de color", el cual forma parte de una iniciativa de rescatar muros de parques públicos. Esta participación resalta que la colectividad, el sentido de comunidad, y ver como el arte transforma un espacio, es lo que hace que el muralismo le parezca una técnica a la cual le tiene aprecio. En 10 años, Matías se ve con un estudio, un lugar propio donde pueda permitirse que llegara gente con la cual colaborar e incluso dar clases y talleres, ya que ser maestro es una ilusión muy grande, recuerda que en la primaria su Maestra de arte hacía todo lo posible y a sus posibilidades para enseñar correctamente, lo motiva que la gente se interese por el mundo artístico y lo aprecie tanto como él, “Quisiera dar mi granito de arena en el gremio artístico para que florezca”. Para Matías pasar de ser ilustrador a un Artista Visual, llevó un camino de aprendizaje que cada día va alimentando, comparte que al analizar sus trabajos anteriores vio patrones y se empezó a preguntar cuál era la razón de estos, lo que lo llevó a darse cuenta de la constante en sus obras, el cuerpo, a partir de esto empezó a leer e investigar sobre ello y así desarrolló más afinidad con sus obras y con él mismo. junio 2024 9 �E C DS O C C E INÓT NE SANTIAGO JAVIER VILLARREAL VILLARREAL EL GUIÓN DE VIDA DE UN CINEASTA Santiago nos comparte como ha sido su camino en el cine, algunos de sus trabajos y lo que lo inspira a crear. D POR: FERNANDO VILLARREAL e 34 años, nacido en Monterrey, Nuevo León e hijo de padres poetas, nos comparte su afición por el cine, el cual estuvo presente en su vida desde la infancia, pues a sus 4 años vio por primera vez una película de Sergei Eisenstein y a pesar de que a esa edad aun no entendía mucho de lo que estaba viendo, fue suficiente para dejar huella en él. Años después, este sentimiento por el cine renacería gracias a que su padre comenzaría a mostrarles cine de autor a él y a sus hermanos, y aquí empieza la historia. A pesar de que, en un inicio, sus estudios no estaban orientados al arte, ya que estudió negocios internacionales en FACPYA, su pasión por el cine siempre lo acompañó en su carrera, al mismo tiempo realizaba cursos de cine con Gabriel Nuncio, a quien Santiago considera una persona importante para su carrera artística. Fue hasta que realizó la maestría cuando Santiago se decidió por el arte, ya que estudió la Maestría en Artes, con orientación en Artes Visuales, especializado en Interpretación Cinematográfica. 4 JUNIO 10 JUNIO2024 2024 Santiago Javier Villarreal Villarreal Fotografía por: Nelly Zapata �Santiago Javier Villarreal Villarreal como director en un cortometraje ASÍ LLEGÓ A LA DOCENCIA Gracias a que creaba sus cortometrajes independientes (que algunos de ellos fueron seleccionados en un festival de la UDEM) mientras estudiaba en FACPYA, pudo obtener credibilidad sobre sus conocimientos de cine y arte que le serviría como un currículum. Esto sumado a la titulación de su maestría, le permitieron llegar a la docencia en enero del 2020. PRINCIPALES TEMAS EN SUS CORTOMETRAJES A pesar de que al principio Santiago inició con la ficción, y no consideraba que el cine documental fuera cine como tal, al paso de los años y gracias a que comenzó a consumir cine documental autoral de distintos cineastas (como Wim Wenders, Agnés Varda, etc.) esta idea cambió y es la orientación que actualmente llevan sus creaciones. Como prueba es el actual proyecto que está llevando a cabo sobre la vida de su madre. PROYECTOS IMPORTANTES DONDE HA PARTICIPADO Santiago nos hace énfasis en trabajar el presente, pues opina que el mejor cortometraje en el que ha trabajado es el que actualmente está desarrollando. Es un corto/documental que habla de su madre, de la relación que tuvo con ella en vida y otros aspectos de ella. Pero de forma puntual y considerando solo los que se han concluido, es el cortometraje “Voces de la memoria” el más importante, ya que ha llegado a festivales importantes, como la final del Festival de Montreal. De forma colectiva menciona su participación como primer asistente de director en el largometraje de Sinhué Benavides llamado “Somos invisibles”, pues le resultó ser una experiencia enriquecedora aparte de ser un gran proyecto. JUNIO 2024 septiembre 2018115 �E C DS O C C E INÓT NE Santiago Javier Villarreal Villarreal y dos de sus compañeros en la producción de un cortometraje Fotografía por : Luisa Frassier PROBLEMAS QUE HA ENFRENTADO EN SU CARRERA El profesor Santiago nos comenta de dos situaciones puntuales a lo largo de su carrera. La principal y más reciente fue el tema de la pandemia, pues se considera a sí mismo como una persona muy sociable y que incluso su trabajo en los cortometrajes, a comparación de otros cineastas, es abordado de forma social, pues prefiere trabajar con personas que de forma individual. Sin embargo “la interacción con los alumnos en las clases en línea era positiva y era un detalle que me ayudaba a combatir el aislamiento”, menciona. Recalcó que ser docente lo ayudó mucho pues, como estudiante en su maestría enfrentó la realidad de que no podía y no era sano para su vida el exigirse demasiado, además la producción de cortometrajes al mismo tiempo, lo hacía sacrificar la salud al tener un ritmo de vida muy acelerado, lo que le dificultaba el rendimiento en dichas actividades. Es cuando decide poner en pausa la producción de cortometrajes y enfocarse de lleno a su maestría. 6 JUNIO 12 JUNIO2024 2024 “La interacción con los alumnos en las clases en linea era positiva y era un detalle que me ayudaba a combatir el aislamiento”. ¿QUÉ LO INSPIRA? Como docente, el ver a alumnos esmerarse en sus trabajos y proyectos y luchando cada día por mejorar en todos sus aspectos le es muy inspirador ya que los considera como “futuros colegas y cineastas”. Por otro lado, nos cuenta que el trabajo de los grandes cineastas, como Andrei Tarkovski, Agnés Varda, son personas que lo inspiran e incluso hay parte de estos cineastas en el trabajo de él mismo, y por supuesto la familia, es una parte fundamental que lo motiva a trabajar y seguir luchando. �CONSEJOS A LOS ALUMNOS Y NUEVOS ARTISTAS “Que nunca dejen de hacer, que busquen apoyos, estímulos, que se endeuden, que crean en sí mismos, en sus proyectos, que toquen puertas. Que no dejen de hacer, de trabajar”. PRINCIPALES AUTORES QUE RECOMIENDA Si bien su película favorita es ‘Nostalgia’, de Andrei Tarkovski, estos son algunos de los títulos y autores que nos recomienda Santiago, al igual que nos aconseja leer ficción fuera de los aspectos técnicos del cine. Agnés Varda ‘Esculpir el tiempo’, de Tarkovski ‘¿Qué es el cine?’, de André Bazin ‘El lenguaje del cine’, de Marcel Martin También nos recomienda el trabajo de cine de Agnés Varda, Wim Wenders, Hirokazu Koreeda, Sofia Coppola y en la parte del cine mexicano nos recomienda a Claudia Sainte–Luce, entre otros. Andrei Tarkovsky Santiago Javier Villarreal Villarreal dirigiendo un cortometraje JUNIO 2024 septiembre 2018137 �T E M A D E L M E S NARRATIVA GRÁFICA LA ILUSTRACIÓN: un medio para dar vida a historias Las imágenes que transmiten una historia o un mensaje, llegan a ser emotivos y crean experiencias únicas en la lectura. Podemos encontrar distintos formatos, temáticas y obras de este tipo de arte, y seguramente hemos leído alguna de ellas. POR: PERLA YAZMIN DEL ÁNGEL DE LA CRUZ L a comunicación de ideas o mensajes, a través de representaciones visuales, es un acto que se ha realizado por mucho tiempo, en donde se busca interpretar, de forma gráfica, todo un contexto que será comprendido por el lector. La narrativa visual se refiere a la capacidad de contar una historia, transmitir un mensaje o evocar algunas emociones mediante una o más imágenes, las cuales están conformadas por elementos visuales que permiten atribuir ciertas características relacionadas a la intención de comunicación producida por el autor. Al momento de crear una narrativa visual, se debe considerar el discurso, el contexto, la audiencia y el propósito a lograr, ya que esto permite organizar todos los elementos visuales necesarios para la composición adecuada, con el fin de lograr una comunicación clara, efectiva y memorable. Lograr una conexión con el espectador es esencial para provocar emotividad, pensamientos y experiencias significativas con el solo hecho de observar la obra originada de la unión de texto e imagen, ya sea de forma consciente o inconsciente, siendo una comunicación visual que los autores no podrían lograr con el solo hecho de emplear recursos textuales. 14 junio 2024 �ILUSTRACIONES DE: ALICE OSEMAN La ilustración es una gran herramienta para idear representaciones visuales que comunican un mensaje de manera clara y atractiva, gracias a un proceso creativo que permite capturar la esencia del mensaje y transmitirlo en una imagen única. Así mismo, refleja una amplia gama de emociones y da vida a toda idea que se creía impensable o complicada, como los conceptos abstractos, la presentación de nuevos escenarios o personajes fuera de la realidad, apoyándose de una variedad de técnicas, estilos y medios para la construcción y aporte de valor en una ilustración. Cuando la ilustración es empleada en la narrativa visual, se convierte en un recurso muy valorado por su versatilidad y adaptabilidad, puesto que hace posible construir representaciones que vayan acorde al propósito de un relato, el género o temática de una historia, complementándose con los elementos visuales y contextos que engloban a la narrativa. De esta forma, la ilustración narrativa comprende una interpretación basada en el discurso, obteniendo como resultado una imagen o secuencia que puede estar acompañada con algún texto si es necesario, y solo bastará con la imagen para interpretar lo que quiere comunicar. Su importancia va más allá de ser un simple dibujo o complemento decorativo. Se trata de una expresión artística que conec- ta la imaginación del lector con la visión del autor, se enriquece a la narrativa, despierta la curiosidad hacia una nueva dimensión visual y atmósfera, así como también contribuye a una comprensión más plena de la obra. Esta sinergia entre el texto y la imagen se denomina arte secuencial, aunque comúnmente se le llama cómic o historieta. junio 2024 15 �T E M A D E L M E S Entre las características principales que podemos observar en una obra de arte secuencial se encuentra el uso de una sucesión de imágenes, que en conjunto forman un hecho o acciones que podemos interpretar, y justamente dichas imágenes son ilustraciones narrativas que se encuentran separadas por recuadros, conocidos como viñetas. Otra característica es el empleo de globos de diálogo, que contienen la comunicación de los personajes y pueden tener formas diferentes para referirse a pensamientos o expresiones exageradas. Incluso es posible representar los sonidos de una acción o algo por medio de palabras, y son conocidas como onomatopeyas. Las historietas se pueden encontrar en diferentes formatos y medios, ya que en un principio era común que fueran cortas y en medios impresos, pero actualmente es posible encontrar este arte en medios digitales a través de plataformas o redes sociales y con diferente extensión y géneros para todo público. De acuerdo con las características que presenta cada historieta, se clasifica bajo una denominación. Las más comunes son: tira cómica, cómic, webcómic y novela gráfica. Por otra parte, este tipo de arte también puede ser conocido bajo otra clasificación de acuerdo a la cultura y región. ILUSTRACIÓN DE: ANDREA PAREDES - @DRIU.PAREDES (INSTAGRAM) Tira Cómica ILUSTRACIÓN DE: CHARLES SCHULZ ILUSTRACIÓN DE: QUINO Este tipo de historieta, también conocida como tira de prensa, se trata de una narración de corta duración, generalmente de cuatro o más viñetas, y se publica en periódicos o revistas. Suelen ser representaciones de temas políticos, crítica social, sucesos relevantes o hechos de la vida cotidiana usando un toque humorístico o satírico, que se hace presente en el empleo de la ilustración simple o de caricatura, el texto u otros elementos gráficos. Otra característica es el uso de pocos personajes, casi siempre es solo un personaje quien protagoniza la historieta. Actualmente, es fácil encontrar una tira cómica en redes sociales, en donde los artistas comparten sus historietas de distintos temas y es posible un alcance e interacción más cercana con el público. Algunas obras populares son: “Mafalda”, por el humorista gráfico Quino; “Garfield”, del dibujante Jim Davies; y “Peanuts (Snoopy)”, por el autor Charles Schulz. 16 junio 2024 �IMÁGENES DE: MARVEL ENTERTAINMENT Cómic, miniserie de cómic y one-shot Se trata de historietas que tienen una extensión media o larga en su historia y regularmente presentan una continuidad en la historia para conformar una serie, es decir, la narrativa se extiende por una cantidad de publicaciones sucesivas hasta finalizarla. También se le llama miniserie de cómic a las obras que tienen una extensión media y solo basta con pocas publicaciones en su serie para abarcar en su totalidad una historia, comúnmente son un spin-off de títulos populares. Por otra parte, un one-shot se trata de una historieta que solo consta de un único capítulo, su extensión es considerablemente más larga que las tiras cómicas, pero muy corta en comparación a otros cómics. Las obras son publicadas en medios impresos de distintos formatos, a través de una serie de volúmenes o tomos de un título en particular, o bien, por medio de una revista especializada en historietas que compila partes de diferentes obras. A pesar de que fue muy popular en los inicios de los cómics, este formato de revista ha ido quedando obsoleto con el tiempo. En estas historietas se encuentra un acabado más profesional, el cual se ve reflejado en el estilo, detalle, entintado y coloreado de la ilustración, la narrativa y algunos detalles de impresión que otorgan valor a la experiencia de lectura. En un principio, los cómics se centraban en historias de superhéroes y sus aventuras para combatir villanos, pero se han introducido nuevas temáticas y géneros de interés para distintos grupos de público. Algunos de los clásicos populares son: “Batman”, obra en conjunto de Bob Kane y Bill Finger; “Superman”, creado por Jerry Siegel y Joe Shuster; “Spiderman” y “Iron Man”, ambas obras de Stan Lee. En otras regiones, los cómics son conocidos bajo otros nombres. En Japón se le conoce como “manga” a las historietas, y su sentido de lectura es de derecha a izquierda, siendo de forma contraria a la que se tiene acostumbrada en occidente. Otros países orientales también han identificado sus narrativas visuales bajo otros nombres de acuerdo con su cultura. En Corea del Sur se le conoce como “manhwa”, mientras que en China se le llama “manhua”. Estos términos también son usados en el resto del mundo para categorizar a las obras orientales por su país de origen. IMAGEN DE: @BLUEPERIOD_TEN (INSTAGRAM) IMAGEN DE: TIENDAPANINI.COM.MX/ junio 2024 17 �T E M A D E L M E S Webcómic 18 junio 2024 IMAGEN DE: NASHIDD IMAGEN DE: TAPAS ENTERTAINMENT INC. IMÁGENES DE: @WEBTOONOFFICIAL (INSTAGRAM) Son historietas con similitudes a los cómics, pero están diseñadas para ser leídas a través de medios digitales, donde los capítulos son publicados periódicamente en alguna plataforma o aplicación, y puede ser desde un capítulo único (one-shot), hasta una o más temporadas, esto dependiendo del desarrollo de la historia. Fácilmente se permite la compra y el acceso a cualquier narrativa que se encuentre publicada en la web, y cabe la posibilidad de que el público genere interacción en ciertos sitios. Un ejemplo de esto es la plataforma de Webtoon, que cuenta con un catálogo amplio y una clasificación por género de las obras que puedes encontrar, así también se permite reaccionar o comentar en cada capítulo de un webcómic. Los webcómics se caracterizan por permitir una lectura a través del desplazamiento del contenido en la pantalla en cualquier dispositivo que se encuentre disponible este arte, en algunas plataformas se pueden descargar los capítulos para disfrutar sin conexión a Internet. Las ilustraciones casi siempre son a co- lor y se aprovecha el uso de recursos gráficos que en formato físico sería difícil o más costoso de emplear, como los colores, texturas o transparencias en escenarios y personajes. Por lo general, las viñetas suelen ser grandes para facilitar la lectura en dispositivos con pantalla pequeña, y hay un espacio en blanco considerable en la sucesión de las viñetas que están organizadas de arriba hacia abajo. Usualmente estas obras son distribuidas en medios digitales, pero el gran éxito de algunas de ellas ha causado que editoriales busquen adaptar estas historietas a publicaciones impresas, mientras que las plataformas de streaming buscan adaptarlas a formatos audiovisuales, como series live action, y esto se ha vuelto popular en los últimos años con títulos que podemos encontrar en Netflix y Amazon Prime, como “Sweet home”, por Carnby Kim y Youngchan Hwang; “True beauty”, de la autora Yaongyi; y “Marry my husband”, por Sungsojak. �IMÁGENES DE: BRUGUERA IMÁGENES DE: VR EDITORES IMAGEN DE: PENGUIN RANDOM HOUSE Es una historieta de gran extensión que se considera un género literario debido a la fusión de literatura e ilustración, dado que aborda una narración con estructura literaria y la potencializa con el uso de elementos visuales. Las novelas gráficas se caracterizan por ser obras independientes, es decir, suelen ser historias que tienen estructurado un inicio, desarrollo y desenlace propio que se integra en una única parte, casi siempre de gran extensión y en un formato de libro. Lo anterior no es impedimento para aquellas obras que tienen secuelas o su historia se encuentra fragmentada en partes, porque siguen conservando esa estructura característica en su narración visual. Estas obras tienden a ser más profundas, puesto que en su mayoría tratan temas complejos, serios o específicos, así como también se muestra una perspectiva más íntima de la vida de los personajes, permitiendo conocer los conflictos, pensamientos y emociones que enfrentan a lo largo de la historia. Las novelas gráficas usualmente se enfocan en el público adulto, el cual puede comprender este arte interpretando y disfrutando los mensajes implícitos en el lenguaje escrito y visual. Sin embargo, no se descarta la posibilidad de hablar de temas sencillos y populares con una narrativa visual pensada para un público juvenil o dirigida a otros adultos con ciertos intereses. IMAGEN DE: FIRST SECOND Novela gráfica IMAGEN DE: DRAWN & QUARTERLY Al igual que cualquier historieta, presenta una secuencia de imágenes para contar todo el relato, tiene un acabado profesional, las viñetas pueden variar en su tamaño y forma que se considere necesaria, también se incluyen recursos lingüísticos de literatura en los diálogos y descripciones del narrador. Incluso algunas novelas se han adaptado a este medio de novela gráfica, ofreciendo una versión nueva y visual. Algunos ejemplos de novelas gráficas son: “Blankets”, de Craig Thompson; “Maus: Relato de un superviviente”, obra de Art Spiegelman; “This One Summer”, creada por Mariko Tamaki junto con Jillian Tamaki; y “300”, de Frank Miller. junio 2024 19 �E M P R E N D I M I E N T O DISEÑADORA GRÁFICA E ILUSTRADORA INSPIRACIÓN A TRAVÉS DEL INTERÉS Y LA NOSTALGIA POR CREAR Conoce a Odri, una artista originaria de Monterrey con gran gusto por la ilustración, la cultura japonesa y otras influencias que han marcado su vida. POR: PERLA YAZMIN DEL ÁNGEL DE LA CRUZ ILUSTRACIONES Y FOTOGRAFÍAS DE: ODRI D esde la infancia, Odri se ha interesado por el mundo artístico encontrando inspiración en sus colores favoritos, videojuegos y series noventeras. Ha encontrado ese gusto similar en muchas personas, por eso decidió proyectar ese gusto en ciertos productos que se puedan disfrutar visualmente y provoquen sonrisas. Actualmente se encuentra diseñando mercancía para su marca y promoviendo sus productos en eventos como convenciones de cómics y algunos mercados independientes. 20 junio 2024 �A continuación, la artista de Monterrey nos cuenta cómo ha sido el proceso para construir su camino en la ilustración y el emprendimiento. ¿Cómo nació tu interés por el arte? En general, a mí siempre me gustó dibujar, a lo mejor ya hasta puede sonar como muy cliché, pero a mí desde niña me llamó la atención. Para cuando salí de la prepa todavía me gustaba dibujar, lo hacía digital en Paint, pero yo no sabía responder “¿qué iba a estudiar?”, no tenía algo muy claro. Al final me decidí por Diseño Gráfico, porque no solamente me gustaba el arte en cuestión de expresión y de pintura, sino que también me gustaba el diseño, pero en ese entonces yo no lo llamaba ni lo veía como diseñar, simplemente era como acomodar cosas, en ese entonces así lo veía. ¿Cuáles son las influencias en tu estilo artístico? ¿Qué te inspira para ilustrar? Principalmente, yo empecé porque me gustaba mucho una artista, honestamente no sé si todavía siga activa, pero en mi niñez-adolescencia la seguía, obviamente sin saber que era una artista, ella se llama Lisa Frank, ilustraba o ilustra dibujos de temática de fantasía, está muy orientada en los 90´s y se enfoca en unicornios y gatitos. A mí esa artista me gustaba demasiado, en ese entonces no tenía idea de que era una marca de ilustración en específico, pues lo veía como una marca general, pero aun así me interesaba mucho. Esa persona dibujaba gatitos o unicornios con lentes, cosas también algo psicodélicas y muy coloridas, usaba mucho los colores degradados y mucha saturación de cosas. Si bien, hoy día no soy tan fan o seguidora de la saturación en general en ilustración, ella fue una de mis principales inspiraciones de joven. Actualmente, ¿cuentas con otras inspiraciones para continuar tu camino como artista o en tus ilustraciones? Hoy en día algo de lo que a mí me ha inspirado, por ejemplo, es la cultura japonesa en general como la temática del país, me gusta mucho todo ese aesthetic de los lugares y las cosas representativas que hay. Cuando iba empezando mi marca, lo que quería proyectar en mi mercancía era una fusión con el diseño, me gustaba crear cosas que se vieran como algo que a mí me hubiera gustado encontrar, tal vez de niña o de joven. Algo que también me inspiró fue el diseño que en su momento tenía ‘Sanrio’, antes de que fuera tan popular, pues los diseños los veías muy poco, no los veías en todos lados. A mí me gustaba mucho específicamente el uso de colores claros. Cuando empecé, intenté usar los colores pastel muy claritos, pero sentí que no se acoplaron bien con mi estilo o con lo que estaba haciendo, porque me enfoqué también en combinar varias cosas del estilo pastel con cosas que me gustaban como videojuegos, quizá pudo haber salido algo mejor, pero en ese entonces no me quedó como esperaba. junio 2024 21 �E M P R E N D I M I E N T O ¿Qué te impulsó a desarrollar tu propia marca y mercancía? Algo que me impulsó fue precisamente esa parte de querer encontrar algo que fuera bonito y no tan aniñado o infantilizado, no sé cómo se le podría llamar. Por otro lado, en ese entonces no había tanta mercancía disponible de las series que a mí me empezaron a impulsar o los videojuegos, pues no se encontraban muchas cosas, ahora en el tiempo que ha pasado, todas las ventas, tiendas en línea y productos, han ido en aumento, es mucho más fácil conseguir cualquier producto o algo de personajes del momento o de tiempo atrás. ¿Cómo surgió el nombre para tu marca? El nombre de Odri como tal no se me ocurrió a mí, realmente es una de esas historias súper random, que solamente era un juego de palabras con una de mis amigas en una reunión, estábamos jugando simplemente a decir así nuestros nombres mal, o sea, con una sola letra, pero era un juego que la verdad no tenía ni siquiera un propósito, entonces en una de esas que ella me dice “Odriono”, no salió como tal de ahí la idea, solamente se quedó como en el nombre porque yo me llamo Adriana, y de ahí surgió. Entonces, ¿el nombre de Odri es el mismo tanto para identificarte como artista como para tu marca? No lo había pensado, pero creo que por ahora podría decir que es el mismo, sí, sería el mismo, no me había puesto a pensar en su momento, si quería solamente ser una marca o un artista con una marca, pero así se quedó para ambas cosas. ¿Tus conocimientos como diseñadora gráfica te ayudaron en el proceso de creación de tu marca? Sí, yo diría que sí, considero que me he apoyado mucho el diseño gráfico en casi todo lo que he hecho para mi marca, hasta incluso he llegado a pensar si me estoy yendo un poquito más inclinado al lado del diseño que de la ilustración. Al menos últimamente he sentido que ha sido así, pero si me vuelvo a adentrar en el mismo tema de, por ejemplo, el diseño de la mercancía, siento que al momento de planear todo eso lo hago con mis lentes de diseñadora que tiene que ser así y tiene que quedar esto así para que se vea bien. A veces no sé si es algo bueno o algo malo, porque me tiendo a frustrar un poco cuando lo veo como diseñadora porque tiene que quedar de tal forma, tiene que cuadrar todo o si no cuadra no me gusta. Muchas veces me gustaría poder, digamos para crear algo de mercancía, solamente plasmar el diseño y ya, pero sí me he apoyado muchísimo del diseño gráfico. 22 junio 2024 Productos de la marca Odri. Los diseños son inspirados en series y videojuegos, plasmados casi siempre en productos funcionales. �De doodles a ideas Potenciales Cuando Odri no tiene idea de qué hacer exactamente para una ilustración, recurre a dibujar varios doodles en libretitas e ir combinando varias cosas hasta llenar la hoja. Después, Odri elige uno o más dibujos que considera que pueden funcionar y que le gustaría hacer realidad, desarrollarlos con mejor calidad y no dejarlos como algo inconcluso. ¿Cómo es tu proceso para realizar la mercancía y preparación para eventos? Lo que hago es que, dependiendo de mi evento, me pongo a ver qué es lo que puedo llevar de mercancía, hay ocasiones en las que hay eventos donde no se mueven algunas cosas, otros donde alomejor la gente tiene más preferencia por stickers, por llaveros o ese tipo de cosas. Lo que hago cuando es un evento nuevo es llevar de todo un poco o dependiendo también del capital que tenemos para invertir, no siempre se puede llevar todo lo que uno desea, pero la mayoría de las veces está ahí la posibilidad y voy seleccionando, y planeando también mis diseños, si el evento alomejor es como de videojuegos, pues vamos a llevar un poquito más de esto y poner las cosas que tienen más popularidad. Básicamente mi ritual es seguir trabajando hasta pocos días antes del evento, ya pasado el evento ahora sí descanso un buen rato. Es algo que también fui perfeccionando, no me considero una persona muy organizada en general, pero antes era mucho más desorganizada. Stand de Odri en la sección de Artist Alley en una convención en Guadalajara en 2023. ¿Cómo fue la experiencia al asistir como artista-expositora en tu primer evento? La primera vez que fui, hice algunos stickers, en ese entonces ilustraba en el programa de Illustrator, hacía muchos dibujos de ilustración vectorial muy sencilla, pero era lo que me gustaba y dibujé varios stickers así, eran como diez diseños más o menos, y los llevé porque no tenía nada. Para sacar el dinero que había puesto para lo del lugar, dibujé personas en el evento, cosa que me ayudó, a pesar de que yo no dibujaba tan bien. Otra cosa era que, con el sobrante del papel, me ponía a dibujar ‘Pokémon’, así chiquitos con un marcador Sharpie, los recortaba, los ponía ahí y los vendía a un peso. Era de que “¡ah, mira me sobró mucho papel!”, y pues ya me ponía a dibujarlos, los ponía ahí y sí los compraban; se me hacía muy curioso pues les interesaban a pesar de que estaban dibujados a mano literalmente. ¿A qué tipos de eventos sueles asistir como expositora? Ahorita me estoy enfocando mucho en eventos relacionados con todo esto de la cultura geek, de anime, videojuegos o a lo mejor un poco de cultura asiática, que es donde mayormente he visto que mis productos y mis ilustraciones se mueven un poquito más. Eso es ahorita, pero sí estuve mucho tiempo experimentando en varios lugares y mercados, pero tal cual te das cuenta de que no en todos lados está el público que busca tus productos. Por ejemplo, tengo amigas que se dedican a las acuarelas, acuarela de paisajes o de flores, y tiene buena aceptación alomejor en otro nicho de eventos como tipo bazar o más artesanal, había intentado también ponerme en mi búsqueda de lugares, que eso la verdad ya fue hace muchos años, y decir: “aquí sí”, “aquí a veces”. junio 2024 23 �E M P R E N D I M I E N T O ¿Qué te impulsa a seguir creciendo con tu marca? ¿Qué te motiva en todo este proceso? Me he querido enfocar en eso que me representa en mi lado artista y como ilustradora y no nada más a mis productos, es algo que todavía no he podido resolver en cierta forma pero sí me gustaría. Había tenido la idea de también empezar a enfocar mis ilustraciones en mi trabajo, por ejemplo, las colaboraciones, trabajar con marcas es algo que a mí me gustaría hacer, poder incorporar algo que yo haga y dibuje en cierta forma un poco libre para que se incorporen con alguna marca, en algún producto que ya exista, es algo que me interesa. ¿Qué es lo que más te ha gustado de esta experiencia como ilustradora y emprendedora? Creo que casi todo me gusta, es uno de los principales motivos por el que lo sigo haciendo, porque a veces sí ha sido frustrante en algunas ocasiones, por ejemplo, el pensar que tengo que hacer algo o terminar algo, a veces es un poco frustrante. En general, siento que sí me gusta ir a los eventos, me gusta conocer a los demás expositores o los demás artistas, aunque no siempre convives con todos o no siempre platicas, de todas formas cuando vas, puedes llegar a conocer mucho del trabajo de las personas de cómo lo hacen, de por qué lo hacen también; me gusta mucho conocer ese tipo de experiencias. A mí me gusta todo eso, ver a los otros expositores, artistas, conocer los eventos, en general es una experiencia agradable, incluso nos ha tocado estar en eventos que son al aire libre, hace calor o ese tipo de cosas, sí son un poquito más tediosos, pero no siento que me hayan molestado tanto. Ahora ya tengo mis restricciones de decir “no”, de que si vamos a estar a 40°C pues no, no creo; pero en su momento no me molestaba, realmente son experiencias que me gusta pasar. ¿Qué aprendizajes has tenido durante tu camino como artista y emprendedora? A nivel personal he aprendido tal vez a ser más organizada, uno con el tiempo va aprendiendo que no siempre puedes estar dejando las cosillas así por sin ningún lado, vas dándote cuenta de tus tiempos, eso es algo que me ha servido también para conocer mis tiempos de trabajo y mis formas de trabajo. Muchas veces no le prestamos atención a ese tipo de detalles, pero son cosas que uno va viendo en todo ese proceso. Uno con el tiempo va aprendiendo que no siempre puedes estar dejando las cosillas así por sin ningún lado, VAS DÁNDOTE CUENTA DE TUS TIEMPOS, eso es algo que me ha servido”. 24 junio 2024 El aprender a cómo tratar y dirigirme con las personas, en cómo tratar con personas que se dedican a la producción, creo que esos han sido de mis mayores aprendizajes, la organización también es parte de ello; en cuestión de ilustración y diseño pues diría que va más de la mano con la creación, pero en general, para mí esos han sido aprendizajes importantes porque son cosas que no se me dan naturalmente hacer. ¿A qué tipo de retos te has enfrentado en tu emprendimiento? De mis primeros retos fue esta parte del dinero para comenzar a crear la mercancía, que fue cuando inicié con todo eso y sí fue complicado. En ese entonces mi novio me ayudó a hacer mis primeros pedidos de productos porque me parece que en ese entonces yo no tenía trabajo, entonces tenía mucho tiempo para enfocarme en diseñar, pero no tenía tanto capital para para hacer la producción. Ese fue uno de los primeros retos, él me ayudó y las cosas salieron bien afortunadamente. En general, he visto más retos en cuestión de la creación de cosas, a veces sí me es difícil pensar en qué me gustaría hacer, qué me gustaría crear, cómo hacerlo, y todo eso lo junto en una sola lluvia de ideas. �Muchas veces uno no se siente listo, para dar ese paso de empezar a EMPRENDER CON SUS ILUSTRACIONES, pero creo que siempre es algo que VALE LA PENA INTENTARLO”. Antes ya habías comentado algo acerca de las colaboraciones que te gustaría realizar, ¿tienes otras metas a futuro en cuanto a tu emprendimiento o como ilustradora? Algo que me gustaría, además de las colaboraciones, creo que sería volver a la idea de llevar mi marca a productos que pueda manejar en stock, por así decirlo, que alomejor pueda promoverlos ya de otra forma, porque estoy consciente de que tal vez en algún momento voy a dejar de asistir a los eventos, eso es algo que uno hace por diversión, pero yo creo que no es algo que vaya a hacer todo el tiempo. Me gustaría crear alguna línea de algo, como de ropa, es el ejemplo más rápido que se me ocurrió, algo como ese tipo de cosas a mí me gustaría llegar con mi marca. Algo que pueda hacer con un diseño, una ilustración, que se use durante un tiempo considerable y tener los productos ya en un lugar fijo. También ahí podría entrar alguna colaboración, con alguna marca que pudiera adoptar algo de mis diseños y ya trabajarlos en algo así, estaría padre. ¿Qué consejo o mensaje le darías a los artistas que quieren emprender? Podrían empezar con lo que tienen, la verdad sí es algo que hace mucha diferencia. Muchas veces uno no se siente listo para dar ese paso de empezar a emprender con sus ilustraciones, pero creo que siempre es algo que vale la pena intentarlo, no creo que tengan que usar todo su repertorio personal, o sea, puedes crear algo específicamente para darte a conocer y puede salir bien, pero obviamente es a prueba y error. Algo que es muy importante es que no se desanimen, si las cosas no salen bien en un inicio no significa nada malo, realmente es algo que uno prueba, como mencioné hace rato en la otra pregunta, muchas veces intentamos en lugares que no son y podemos llegar a sentirnos mal por decir: “Ay, es que nadie preguntó”, “nadie se acercó a mi mesita”, cosas como esas; pero sí es muy variable todo esto. Muchas personas tienen la fortuna de ya saber su nicho o incluso desde antes de emprender, hay personas que se dedican a ilustración por hobby que saben su nicho y una vez que lanzan su producto les va bien porque ya conocen su mercado, y saben dónde pueden mover su producto y su trabajo. Para conocer más del trabajo de Odri y sus próximos eventos, puedes seguir sus redes sociales, especialmente en Instagram, que es donde encontrarás más contenido de lo que está haciendo en el momento, sus ilustraciones y hasta sus intereses. REDES SOCIALES _ INSTAGRAM @odriono _ FACEBOOK Odri _ X (TWITTER) @0drion0 _ TIKTOK @odrion0 junio 2024 25 �E M P R E N D I M I E N T O DANIELA PEÑA SOFT CLOUDS BAKERY Te presentamos a Dani Peña, artista, mamá y repostera que nos cuenta sobre su negocio “Soft Clouds Bakery”. S POR: VALERIA FLORES oft Clouds Bakery surge de la necesidad de Dani de expresar su arte de una manera distinta a la que comúnmente estamos acostumbrados. Su objetivo principal es estar presente en los momentos más significativos de las personas, aportando dulzura y creatividad a cada ocasión especial. La pasión de Dani por la repostería se manifestó desde una edad muy temprana, cuando comenzó a experimentar con pequeños postres en su cocina. Esta inclinación por la pastelería no solo se mantuvo, sino que se fortaleció durante sus años universitarios, período en el cual empezó a vender cupcakes caseros, reafirmando así su amor por la repostería y su deseo de compartirlo con los demás. Después de dos años dedicados a trabajar en un emprendimiento similar, en 2021, al sentir que sus capacidades creativas estaban siendo limitadas, Dani reunió el valor necesario para independizarse y dar vida a su propio negocio. Con herramientas básicas y una gran dosis de ingenio, “Soft Clouds Bakery” comenzó a tomar forma. Este nuevo proyecto le permitió a Dani reflejar toda su creatividad y pasión por la repostería, ofreciendo productos personalizados que reflejan su dedicación. Nos habló de algunas dificultades que enfrentó al iniciar su emprendimiento: “al iniciar el emprendimiento, lo más difícil es lo económico y el valorar tu propio trabajo, ponerle precio a tu trabajo es lo más complicado”. Dani recordó también que en 26 JUNIO 2024 �esos años había mucha competencia y las personas aún estaban recuperándose de la pandemia. “Sentía que estaba cobrando muy barato, pero tampoco me sentía lista para cobrar más, en ocasiones subía el precio y sentía que cobraba demasiado”. Estas incertidumbres fueron parte de su proceso de aprendizaje, enfrentando los retos financieros, así como la evaluación justa de su talento y esfuerzo. La atención al cliente es un aspecto que se destaca en Soft Clouds Bakery, a diferencia de algunas marcas grandes ya establecidas, Dani enfatiza la importancia del trato cercano y personalizado con sus clientes, así como el conocimiento profundo de su mercado. Para ella, ofrecer una experiencia visual y detallada es clave, “conmigo todo es muy visual, cuando me piden una cotización, proporciono una imagen con toda la información: el relleno, el precio, las porciones, los toppings, para que mis clientes puedan revisar todo y decidir con calma”, explica. Este enfoque orientado al consumidor no solo facilita la toma de decisiones, sino que también crea una conexión más fuerte y personalizada con cada uno de sus clientes. El miedo es tu peor enemigo. Si sientes miedo, hazlo, aunque sea con miedo, pero hazlo, porque si no, alguien más se va a armar de valor y te vas a quedar con ese ‘Ay, yo lo pude haber hecho primero’.” JUNIO 2024 27 �E M P R E N D I M I E N T O Uno de los mayores logros para Dani es la respuesta positiva que ha obtenido de sus clientes, “cada vez que llega un cliente y me dice que fue a un evento, probó un postre que era mío y pidió mi contacto porque le gustó lo que hago, es increíble”, comenta con entusiasmo. Este tipo de feedback positivo es una fuente constante de motivación para ella y la impulsa a seguir adelante. Saber que su trabajo es apreciado y recomendado por otros es una validación de su esfuerzo, que refuerza su compromiso con la calidad y el servicio en Soft Clouds Bakery. La visión de Dani para su negocio en los próximos cinco años incluye tener su propio local, “en cinco años me veo con un local bonito, posiblemente una cafetería, un punto de venta físico”, nos comentó con ilusión. Actualmente, una de las principales dificultades que enfrenta es la falta de espacio, ya que trabajar desde su hogar limita su capacidad de producción. Tener un local propio no solo le permitiría superar estas limitaciones, nos contó, sino también expandir su oferta y mejorar la experiencia de sus clientes, consolidando así la presencia de Soft Clouds Bakery en el mercado. Cakes & coffee “Arte sobre pastel y un buen cafecito”, así es como Dani describe “Cakes & Coffee”, un proyecto que inició en junio del año pasado. En él, los asistentes, con o sin experiencia en arte o repostería, aprenden a plasmar obras de arte sobre pasteles con materiales totalmente comestibles, sin olvidar la convivencia agradable entre las personas que asisten. Esta actividad actualmente se realiza en distintas cafeterías del área metropolitana, y cada clase tiene una temática distinta dependiendo del lugar elegido. Cakes & Coffee es arte sobre pastel y un buen cafecito”. Esta idea surge a partir de la vocación de Dani por enseñar a otras personas, “mis amigos y mi pareja me decían que debería dar clases. Llevo siete años dando clases de arte, y me decían que podía fusionar la repostería con el arte”, comenta Dani. Sin embargo, sentía una presión, ya que no se consideraba preparada para este tipo de formato, “entre que mi emprendimiento era muy nuevo y que yo no sentía que supiera dominar al 100% ciertas técnicas, no me había animado a hacerlo”. Si bien ya existían este tipo de clases en la ciudad, gracias a comentarios de sus alumnos se dio cuenta que las suyas eran distintas a las demás, “platicando con alumnos que han tomado mi clase y también clases en otros lugares, dicen que es muy diferente por la manera en que manejo la actividad y la explico”. 4 septiembre JUNIO 2024 2020 �Mientras que la competencia se centra únicamente en la repostería, Dani le da prioridad también al lado del arte, “conmigo aprenden historia del arte, aprenden de los artistas, sus obras, las técnicas que utilizaban, y aprenden de las tendencias del arte”. En Cakes & Coffee, se maneja una variedad de temáticas para decorar pasteles, incluyendo anime, Harry Potter, Studio Ghibli e incluso Halloween. Pero la favorita de Dani, es la temática de arte, “mi favorita es sin duda la temática de arte, siento que es con la que más experiencia tengo”, afirma Dani. La técnica que usa es la que llama oleo cake, la cual se usa para replicar las obras de los artistas en el pastel, las obras de artistas como Vang Gogh, Monet, Edvard Münch son las que se usan de referencia ya que la técnica se presta para igualar las pinceladas que se usaban en el impresionismo. “En Cakes & Coffee convivo con mucha gente, me encanta compartir lo que sé, la mayoría de las personas que asisten no son expertos, verlos hacer el pastel y que digan ‘voy a llevárselo a mi novio’ o ‘voy a compartirlo con mis papás’. Ver llegar grupitos de amigos a tomar la clase y divirtiéndose, es un sentimiento muy bo- nito”, comentó que es lo que más satisfacción le da del proyecto. redes sociales: INSTAGRAM @softcloudsbakery @dannysaaur FACEBOOK SOFT CLOUDS BAKERY @softcloudsbakery JUNIO 2024 29 �E F C O C IQ ÓUNE ES N LOW HACER CINE CON CELULAR BUDGET Actualmente cualquier persona puede crear una película con una computadora y un celular E POR: ERASMO FUENTES l mundo del cine ha estado evolucionando con el pasar de los años, de solo pensar que se tendría una herramienta portátil la cual nos ayudara a capturar imágenes y poder registrar momentos solo con un clic era una locura, además el pensar en crear una narrativa artística a partir de eso, sin embargo, con la evolución que se ha tenido en el ámbito de la tecnología, todo eso ha cambiado y ahora, en lugar de tener como prioridad la preparación y el perfeccionamiento de las grabaciones, las películas y vídeos llegan como algo espontáneo, junto con la rutina del ser humano. Ahora, los celulares comienzan a formar parte de las filmaciones profesionales, pero teniendo en cuenta que existen nuevas formas de poder filmar, aún existe una parte de desapego y perseveración de diversas personas que tienen la necesidad de poder conservar el cine clásico y profesional de antes. Tangerine, es un filme del cineasta Sean Baker, que fue grabado con 3 celulares iPhone 5s equipados con lentes anamórficos. 2 septiembre 30 JUNIO 2024 2020 Unsane, es un filme del cineasta Steven Soderbergh, todas las escenas fueron filmadas con un iPhone 7 Plus. ¿POR QUÉ NO FILMAR CON CELULARES? Algunos cineastas contemporáneos cuestionaron las nuevas formas de filmar con celulares y adoptar nuevos formatos que, a parte de que rompen con la imagen normal del cine y crear nuevas propuestas audiovisuales, como lo son las grabaciones con formatos en vertical o diversos tamaños longevos y pequeños, tienen la desventaja de carecer de rigor u homogeneidad, esto hace que cambie la calidad de las imágenes, un celular no puede grabar con la calidad como con una cámara de nivel cinematográfico. Con la aparición de las cámaras digitales se ha tenido una gran transformación en la fotografía, y por consecuencia, también en el cine. Pensar que con el mismo aparato de registro se puedan hacer fotos y tomar vídeos a gran calidad, unido al desarrollo de sensores potentes a precios accesibles, ha puesto al alcance de todos el poder tener un aparato para tener la oportunidad de crear contenido audiovisual. �¿CÓMO HACER UNA PELÍCULA CON CELULAR? 1/ FORMATO HORIZONTAL Te compartimos 5 consejos para crear proyectos audiovisuales profesionales. El grabar colocando un celular en una posición horizontal te permitirá el proyectar tu película en pantallas y televisiones sin tener áreas vacías o barras negras en los laterales. Es recomendable que siempre se tenga escrito un guión, tanto la historia, la duración de las escenas y los movimientos que se harán con la cámara antes de comenzar a grabar. Se podrá ahorrar mucho tiempo y se obtendrá un proyecto más limpio y coherente. 3/ USAR UN TRIPIÉ 5/ /2 La estabilidad de la cámara es una de las grandes diferencias entre tener una cinta amateur y una obra cinematográfica. Usar un tripié para poder evitar la vibración o un celular que cuente con estabilizador. No es igual el crear una película entera con un plano completo estático que el realizar diferentes tomas con trayectorias de cámara como paneos, zoom in, zoom out, tilt. PROGRAMA DE EDICIÓN ESCRIBIR UN GUIÓN /4 MOVIMIENTOS DE CÁMARA De esta manera se podrá modificar el sonido, el color, la luz, cortar ciertas escenas o el poder eliminar detalles que no te gusten para armar tu cinta tal y como se imagina. Actualmente cualquier persona puede crear una película con una computadora y una cámara digital, esto ha supuesto la aparición de nuevas formas de expresión y comunicación. JUNIO 2024 septiembre 2018313 �ILUMINACIÓN E F C O C IQ ÓU NE ES N ¿CÓMO AYUDA PARA GENERAR EMOCIONES? En el cine, la iluminación es tan importante como el guión. Esto es, porque no es posible el imaginar, una escena de suspenso sin el juego de luz y oscuridad. Pueden existir algunas muy iluminadas, pero definitivamente el uso de la luz influye en la intriga y el miedo que genera una película. Por eso, la iluminación en fotografía y cine es de especial cuidado y planeación. Así como ideamos los planos, nos ayudarán a que la historia audiovisual genere emociones y pueda transmitir la intención que queremos, de igual manera funciona la iluminación en el cine. Hay personas que dicen que sin luz no hay película, esto es, porque la importancia de la iluminación en el cine es tanta, que es la que se encarga de generar el ambiente para poder contar la historia. Gracias a la luz en el cine, según su intensidad, dirección, dureza y temperatura de color, se puede definir la profundidad, el tamaño y volumen de los objetos que tengamos en la escena, sobre todo obteniendo un aspecto de tridimensionalidad. Además, la iluminación cinematográfica nos ayuda a poder captar la atención de los espectadores y el poder guiar su mirada hacia diferentes puntos del plano cinematográfico. Es una guía que le dice a las personas qué cosas ver y en qué momento hacerlo. La iluminación cinematográfica también nos ayuda para mostrar la psicología de los personajes en la pantalla, en momentos en los que la historia pretende transmitir determinadas emociones. En este sentido, el director o el director de fotografía debe jugar con el tamaño, el color, la dureza y la proporción de las luces. Sin la iluminación en el cine los personajes podrían parecer un poco planos y las películas resultarían un poco más aburridas de lo que se esperaba. 1917; Director, Sam Mendes; Director de Fotografía, Roger Deakins. 4 JUNIO 32 JUNIO2024 2024 El Renacido; D.P. Emmanuel Lubezki. Enemy; D.P. Nicolas Bolduc. 007 Skyfall; D.P. Roger Deakins. Sin Lugar para los Débiles; D.P. Roger Asteroid City; D.P. Robert Yeoman El Hombre que Quería Existir. �TOP 4 EL CINE Y LA LUZ 4 PELÍCULAS DONDE SE UTILIZA LA LUZ COMO HERRAMIENTA NARRATIVA Llegó hasta el extremo de adaptar el lente más luminoso de la época (f/0.95) para las tomas a la luz de las velas. No hay truco en esas impresionantes escenas. Stanley Kubrick decidió experimentar rodando la mayoría de las tomas interiores sin ninguna iluminación, más allá de la luz de las velas, u otras fuentes de luz natural. Para muchos, la mejor película del siglo XXI. La vida y la muerte, el mismo sentido del universo, se retrata a través del tiempo y el espacio en esta película de Terrence Malick, pero sobre todo a través de algunas de las imágenes más sensibles e impactantes de los últimos años. Una de esas películas que te dejarán pensando al final. En materia de espectacularidad visual, Stanley Kubrick no tenía rival. ¿’El resplandor’? ¿’Barry Lyndon’? Sí, pero delante de todas ellas está la magistral ‘2001’, que, con su relato a través de la prehistoria, el espacio y el existencialismo nos regala una puesta en escena digna de enmarcar. Una de las mejores películas de Stanley Kubrick. Hubo muchos elementos que convirtieron a esta película en un clásico instantáneo, en un punto de inflexión para el género de la ciencia ficción, pero una de las cosas más importantes fue sin duda la estética. La espectacularidad de la puesta en escena de Ridley Scott ha influenciado a una cantidad incontable de cineastas posteriormente. septiembre 2018335 JUNIO 2024 �A R T E BLOCKSPOT REALIDAD AUMENTADA Transformando la Experiencia Artística a Través de la Realidad Aumentada (AR)T Space Imagen recabada de la página web oficial de Blockspot. Representa la exposición “(AR) T Space” ubicada en el corredor de Barrio antiguo en Monterrey. 34 JUNIO 2024 POR: SOFIA FLORES B lockspot es un estudio pionero en la creación de experiencias artísticas inmersivas que combinan arte, tecnología y realidad aumentada (RA). Fundado por un equipo de artistas y desarrolladores apasionados, ha cautivado al público con sus instalaciones interactivas y su enfoque innovador hacia el arte digital. La última exposición de Blockspot titulada “(AR)T Space”, fue un un verdadero éxito en Monterrey, atrayendo a amantes del arte y curiosos por igual. La exposición presenta obras de artistas locales e internacionales transformadas por la magia de la realidad aumentada, creando experiencias visuales y sensoriales únicas. �Una de las piezas más destacadas de la exposición es “El Jardín de las Delicias Aumentado”, una reinterpretación digital del famoso tríptico de El Bosco. Al mirar a través de dispositivos de RA proporcionados por Blockspot, los visitantes pueden ver cómo cobran vida las criaturas fantásticas y los paisajes surrealistas de la pintura, transportándolos a un mundo de ensueño y fantasía. Otra obra destacada es “Pulsar”, una instalación interactiva que utiliza sensores de movimiento y sonido para crear un paisaje digital que responde a los movimientos y las voces de los espectadores. “En Blockspot, tenemos como objetivo DIFUNDIR LA CULTURA USANDO LA REALIDAD AUMENTADA como herramienta ofreciendo una experiencia inmersiva que combina tecnología y arte”. Esta experiencia multisensorial invita a los visitantes a explorar y experimentar con el arte de una manera completamente nueva y emocionante. Para poder visualizar la exposición es necesario contar con un dispositivo inteligente con cámara como un smartphone, descargar la aplicación Over, disponible en playstore y appstore y por último crear una cuenta para, ahora si, poder observar la exposición. Blockspot, además de sus exposiciones, también ha colaborado con marcas y organizaciones creando experiencias de marca únicas utilizando la RA. Su trabajo con empresas como Nike y Coca-Cola ha demostrado el potencial de la tecnología para contar historias y conectar con el público de una manera más profunda y significativa. Su estudio se destaca como un ejemplo de cómo el arte y la tecnología pueden fusionarse para crear experiencias impactantes y transformadoras. Con su enfoque innovador y su pasión por la creatividad, Blockspot continúa desafiando los límites del arte digital y redefiniendo la forma en que experimentamos el arte en el siglo XXI. Presentación al inicio de la exposición Al inicio del recorrido se encuentra la presentación de “(AR)T Space”por medio de la aplicación “Over”. JUNIO 2024 35 �A R T E HISTORIAS ENTRE HILOS ARTISTAS DE BORDADOS MEXICANOS Te presentamos cuatro artistas mexicanas, amantes del bordado. Bordado en alfombra Foto de José G. Ortega Castro en Unsplash. Catazajá, Chiapas, México. 2021. 36 JUNIO 2024 POR: SOFIA FLORES E n el mundo del arte, cada forma de expresión encuentra su lugar para brillar y contar historias únicas. Los bordados mexicanos con sus colores vibrantes y diseños elaborados, son una forma de arte textil que ha sido parte integral de la cultura mexicana durante siglos y han cautivado al mundo por su belleza y profundidad cultural. A continuación, exploramos el trabajo de cuatro talentosas artistas mexicanas: Victoria Villasana, Viridiana Ortiz, Gimena Romero y Daniela Guzmán quienes han llevado este arte tradicional a nuevas alturas con su creatividad y pasión, añadiendo cada una su estilo y reflejando historias en sus obras. �Durante la época prehispánica los aztecas y los mayas eran conocidos por su habilidad en telar, utilizando materiales naturales para crear textiles decorativos o prendas de vestir, los cuales eran altamente valorados y a menudo se intercambiaban como tributo o bienes de lujo. Después de la llegada de los españoles se introdujeron nuevas técnicas de bordado y con el paso del tiempo la diversidad regional en bordado se hizo presente en México, esto se refiere a que cada estado y comunidad tiene su propio estilo de tejido. POR: SHELLEY PAULS Evolución del bordado en México JUNIO 2024 37 �A R T E Victoria Villasana El arte textil como expresión de identidad y conexión. “Los textiles SON UN ELEMENTO TÁCTIL Y RECONFORTANTE en nuestra psique, desde las piezas hechas por culturas ancestrales hasta las mantas que solían hacer nuestras abuelas”. Victoria es una artista textil de instalaciones y arte urbano que explora principalmente la interconexión. Originaria de Guadalajara Jalisco, estudió en la ITESO para después trasladarse a Londres donde se formó como estilista floral de moda. Inició haciendo texturas bordadas sobre fotos como un pasatiempo, pero después comenzó a colocar dichas imágenes en las calles. Influenciada por la historia, la cultura y las relaciones humanas, Victoria Villasana destaca como una artista que combina la tradición del arte textil mexicano inspirándose en la artesanía y las tradiciones textiles de México. Gracias a ello, ha logrado cautivar a audiencias de todo el mundo con su enfoque colorido en el bordado ya que sus piezas a menudo incorporan motivos tradicionales mexicanos. 38 JUNIO 2024 Lo que distingue el trabajo de Victoria es su capacidad para integrar el arte textil en contextos inesperados y contemporáneos. Un ejemplo de ello son sus intervenciones de arte urbano usando el espacio público como lienzo. Villasana añade capas de bordados a imágenes (en blanco y negro) y objetos existentes, creando una fusión única de arte callejero y textil. El dinamismo de su trabajo se deriva del modo en que sus bordados quedan sin cortar por debajo del marco, confiriéndole así a la imagen una estética surreal e imperfecta, también se destacan por su contenido emocional y conceptual. Muchas de sus piezas exploran temas de identidad, feminismo y conexión humana, transmitiendo mensajes poderosos a través de la combinación de imágenes y texto en sus bordados. Estas intervenciones transforman entornos urbanos ordinarios en lugares de belleza y contemplación. Gracias a ello, el trabajo de Victoria Villasana ha sido objeto de reconocimiento internacional, con exhibiciones en galerías de arte de renombre y colaboraciones con marcas y artistas de todo el mundo. Su capacidad para cruzar fronteras culturales y estéticas ha resonado con una amplia audiencia, consolidando su posición como una de las artistas más influyentes en el campo del arte textil contemporáneo. �Viridiana Ortíz Pintando con hilos. Viridiana Ortiz, conocida como “La Shula”, destaca como una artista que fusiona la tradición de los bordados mexicanos con una sensibilidad moderna y un fuerte mensaje social. Originaria de San Luis Potosí, México, sus principales intereses son la pintura y el bordado. La Shula ha logrado capturar la atención con sus obras que van más allá de lo estético, para contar historias profundas y provocativas. A través de sus bordados, transmite mensajes de empoderamiento y resistencia; especialmente en relación con las mujeres y las comunidades marginadas. Sus obras a menudo son representadas por figuras femeninas fuertes, que desafían las normas de género y luchan contra la opresión. También aborda temas como La Shula ha tomado “Más que bordar, mi técnica distintos talleres, así la injusticia social, la violencia y la preservación de la cultura indígena, utilizando el arte como diplomados en es PINTAR CON HILOS”. como una herramienta para la conciencia y el instituciones como: cambio social, donde a menudo incorpora retratos y palaCentro de las Artes de bras que desafían las convenciones culturales y el diálogo. San Luis Potosí Centenario y Bellas Artes. Sus trabajos han sido expuestos en el Palacio Municipal en dos de sus galerías, una en la Galería Teresa Caballero, su exposición individual “CARNES MUNDANAS” y en la Galería Juan Blanco, exposición individual “AL BORDE”. Fue Artista en Residencia en el Proyecto financiando por CONACULTA en la Casa de Cultura y Capacitación de la Fundación Veracruzana A.C. Actualmente realiza intervenciones de bordado y pintura en prendas que realiza para vender, imparte talleres de pintura y bordado, y sube contenido de su arte en sus principales redes sociales como TikTok, Instagram y Facebook. Viridiana Ortíz junto a su obra “Mal de ansias” Junto con el proyecto colectivo “V de Venus” participó con su obra el 8 de Mayo en la exposición del Festival de Creadoras Visuales. JUNIO 2024 39 �A R T E Gimena Romero Bordando historias. Gimena Romero es una artista originaria de la ciudad de México que dibuja con hilos, para ella el bordado es dibujo y el tejido es escultura. Descubrió su pasión por el bordado a temprana edad, inspirada por las tradiciones textiles de su cultura y el arte urbano que la rodeaba. Sus trabajos textiles los utiliza como medio de expresión elocuente. Estudió artes plásticas y visuales en México, en la Esmeralda. Después hizo la especialidad en ilustración y en bordado de Alta Costura, y ahora ha terminado la maestría en Artes Visuales con una tesis de investigación del bordado como técnica artística. Cuenta con seis libros publicados de literatura e investigación de bordado, ha estudiado muchos tipos de bordado, tales como alta costura en París, bordado con hilos de oro en Sevilla, bordados tenangos en Hidalgo. Actualmente, Gimena Romero se destaca por su enfoque en la técnica del “puntillismo bordado”, una técnica meticulosa que utiliza puntos pequeños y repetitivos para crear obras detalladas y emotivas. Sus obras, que a menudo retratan paisajes urbanos y naturales, están impregnadas de una profunda sensibilidad y una atención meticulosa al detalle. Una de las características más distintivas del trabajo de Romero es su capacidad para tejer narrativas a través del bordado. Para ella, la literatura también tiene un papel central, por ello asegura que sus bocetos provienen de la palabra escrita desde su primera exposición individual en la que basó su obra en el cuento “La casa tomada”, de Julio Cortázar. Cada puntada parece contar una historia, invitando al espectador a sumergirse en ella. En la actualidad, Gimena continúa desafiando los límites del arte textil, explorando nuevas formas de expresión, colaborando con artistas de diversas disciplinas e impartiendo cursos y talleres en plataformas como Domestika. Su trabajo ha sido exhibido en galerías de arte de renombre internacional y ha sido reconocido por su originalidad y su impacto emocional. “A veces hago este tipo de piezas, como un estudio, como una investigación plástica para LLEGAR A LOS LÍMITES QUE TENGO CON EL MATERIAL Y LA IMAGEN.”. 40 JUNIO 2024 �Daniela Guzmán El hilo rojo. Daniela Guzmán se destaca como una artista cuya obra trasciende los límites del bordado tradicional. Nacida en Ciudad de México, Guzmán encontró en el bordado no solo una técnica, sino una forma de expresar sus emociones. Actualmente es reconocida por su enfoque en el bordado contemporáneo, una forma de arte que combina la tradición del bordado con la innovación y la experimentación. Su trabajo se caracteriza por su uso audaz del color y la textura, así como por su capacidad para crear obras que van más allá de lo visual para transmitir sensaciones y estados de ánimo. Una de las técnicas más distintivas que emplea Guzmán es el “bordado libre”, en el que las puntadas se realizan de forma espontánea y sin un patrón preestablecido. Esta técnica le permite a la artista crear obras que parecen fluir de manera orgánica, capturando la esencia de la vida y la naturaleza en cada puntada. Al preguntarle sobre su inspiración, nos comenta: “encuentro inspiración en todo lo que me rodea; la naturaleza, la ciudad, las personas. Cada obra es un reflejo de mi mundo interior y de las emociones que experimento en el proceso de creación.” Esta conexión personal se refleja claramente en sus obras, que transmiten una sensación de intimidad y autenticidad. A lo largo de su carrera, ha participado en numerosas exposiciones y ha recibido reconocimiento por su trabajo innovador y emotivo. Sus obras han sido elogiadas por su capacidad para transmitir emociones complejas de una manera visualmente impactante, lo que ha llevado a muchas personas a considerarla como una de las artistas más prometedoras en el campo del arte textil contemporáneo. JUNIO 2024 41 �E V E N T O S 42 JUNIO 2024 �JUNIO 2024 43 �E V E N T O S 44 JUNIO 2024 �JUNIO 2024 45 �E V E N T O S 46 JUNIO 2024 �La Casa Universitaria del Libro conmemoró un hito importante en su historia al celebrar su decimotercer aniversario como epicentro cultural de la UANL. En esta ocasión tan especial, también se honró el legado de 80 años de la revista Armas y Letras, una publicación que ha marcado pauta en el ámbito cultural regional. Como parte de esta celebración, se inauguró la exposición “Impresión 111”, la cual ofrece una mirada retrospectiva a través de una selección única de portadas representativas de esta emblemática revista. Por otro lado, la entrega del Reconocimiento “Libros UANL 2024” fue el momento cúspide de esta jornada festiva, contando con la participación destacada del Dr. José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura de la UANL; el Lic. Antonio Ramos Revillas, Director de la Editorial Universitaria; y el Maestro Eduardo Diazmuñoz, Director Artístico de la Orquesta Sinfónica de la UANL. Se celebró la excelencia editorial y se reconoció el arduo trabajo de quienes han dedicado su vida a la difusión del conocimiento científico y humanista. Este prestigioso reconocimiento es un testimonio del compromiso de la UANL con la educación y la cultura, y un homenaje merecido a aquellos que han dejado una marca indeleble en el mundo editorial. Entrega de reconocimiento a Sandra Altamirano Entre los galardonados de esta edición se encuentran nombres destacados como Jesús Ángel de León González, reconocido por su contribución a la revista Biología y Sociedad de la Facultad de Ciencias Biológicas; Sandra Guadalupe Altamirano Galván, cuyo trabajo en las publicaciones Croma y Paradigma Creativo de la Facultad de Artes Visuales ha dejado una huella significativa; y el equipo editorial de la colección “El oro de los tigres”, bajo la dirección de la Capilla Alfonsina Biblioteca Universitaria. José Javier Villarreal elogió al Reconocimiento “Libros UANL 2024” como un tributo a aquellos que han impulsado la difusión del conocimiento en la comunidad universitaria mediante la edición y producción de libros. JUNIO 2024 47 �E V E N T O S 48 JUNIO 2024 �JUNIO 2024 49 �E V E N T O S L a Universidad Autónoma de Nuevo León abrió sus puertas a una celebración que trascendió las páginas de los libros y se adentró en el corazón de la comunidad literaria y académica. La Feria UANLeer 2024, un evento que quedará grabado en la memoria colectiva, mucho más que una simple reunión de letras y párrafos; fue un encuentro que desafió los límites de la imaginación y enriqueció el intelecto de todos los que tuvieron el privilegio de participar. Desde el inicio, las expectativas se dispararon hacia el cielo. La inauguración de la feria fue un espectáculo de diversidad y creatividad. Los asistentes se vieron inmersos en un torbellino de emociones y reflexiones mientras exploraban los diversos rincones del universo literario. Desde los versos melódicos de la poesía hasta la prosa cautivadora de la narrativa contemporánea, cada rincón de la feria estaba impregnado de la magia de las palabras. A lo largo de los días que siguieron, la feria se convirtió en un escenario vibrante donde la literatura se entrelazaba con la academia de una manera sin precedentes. Más de 30 actividades alimentaron la mente de los participantes y los 50 JUNIO 2024 sumergieron en un mar de conocimiento y creatividad. Presentaciones de libros, charlas con escritores reconocidos, talleres de escritura creativa y debates sobre temas candentes en el mundo de las letras fueron solo algunas de las muchas experiencias que la feria tenía reservadas para aquellos que buscaban enriquecer sus mentes y sus almas. Pero la Feria UANLeer 2024 no se limitó solo en el mundo de las letras, también sirvió como un espacio para el diálogo académico a través de las Jornadas de Revistas Académicas. Durante estas jornadas, investigadores y estudiantes se reunieron para discutir los avances más recientes en sus respectivos campos, compartiendo ideas, conocimientos y perspectivas en un ambiente de camaradería y colaboración. En medio del bullicio y la emoción de la Feria UANLeer 2024, se llevó a cabo un evento especialmente significativo: la presentación de las revistas “Paradigma Creativo” y “Croma” de la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Este encuentro ofreció una ventana única hacia el mundo del arte y la creatividad. �La presentación contó con la participación de la Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú, Directora de la Facultad de Artes Visuales, la Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván, Editora de las Revistas y el Maestro Dagoberto Salas Zendejo de la Dirección de Revistas UANL; quienes ofrecieron reflexiones profundas sobre el proceso creativo y el papel del arte en la sociedad contemporánea. “Paradigma Creativo” y “Croma” son más que simples publicaciones; son testamentos del talento y la diversidad artística que caracterizan a la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Desde ensayos y entrevistas hasta obras visuales y proyectos interactivos, estas revistas exploran una amplia gama de temas y técnicas, brindando a los lectores una experiencia enriquecedora y estimulante. Durante la presentación, los asistentes tuvieron la oportunidad de interactuar con los presentadores y discutir ideas sobre arte y creatividad. La presentación de “Paradigma Creativo” y “Croma” fue un recordatorio elocuente del poder del arte para inspirar, provocar y transformar. En un mundo cada vez más complejo y desconcertante, estas revistas ofrecen una luz brillante de esperanza y creatividad, recordándonos que el arte sigue siendo un puente vital hacia la comprensión y la conexión humana. A medida que los lectores se sumergen en las páginas de estas obras magistrales, están invitados a explorar nuevas perspectivas, desafiar suposiciones arraigadas y abrir sus mentes a la infinita belleza y posibilidad del mundo que nos rodea entre el arte, el diseño y el mundo audiovisual. Al final, cuando las luces se apagaron y las últimas páginas de los libros se cerraron, la Feria UANLeer 2024 dejó una marca indeleble en todos los asistente. Más que un evento; fue un viaje de descubrimiento, un oasis de creatividad y un faro de conocimiento en medio del vasto océano de la vida. Y aunque las palabras pueden desvanecerse con el tiempo, los recuerdos de esta experiencia perdurarán en nuestros corazones y mentes, recordándonos siempre el poder transformador de la literatura y el saber. JUNIO 2024 51 �E V E N T O S El Concurso de Álbum Ilustrado “A la Orilla del Viento” 2024 y el Premio Nacional de Diseño: Diseña México, dos eventos imperdibles que desafían los límites de la creatividad. Para los apasionados escritores e ilustradores que crean para niños y jóvenes, el Concurso de Álbum Ilustrado “A la Orilla del Viento” 2024 representa una oportunidad única. Organizado por el prestigioso Fondo de Cultura Económica, este evento busca avivar la creatividad literaria y artística en lengua española. La convocatoria acoge a escritores e ilustradores mayores de 18 años, sin importar su nacionalidad o lugar de residencia. Ya fuese trabajando individualmente o en equipo, todos pueden enviar sus propuestas. Se valoran propuestas inéditas que narran historias mediante imágenes y texto, o incluso únicamente a través de imágenes. La creatividad es clave: ¡no existen límites en cuanto al tema y la técnica empleada! Sin embargo, se pide que las obras no sobrepasen las 48 páginas y que sean presentadas en una maqueta que refleje el diseño final, incluyendo texto, color e ilustraciones. El ganador recibirá un premio de $150,000 MXN y la oportunidad de ver su obra publicada en la prestigiosa colección “Los Especiales de A la Orilla del Viento” del Fondo de Cultura Económica. Los trabajos deben enviarse antes del 31 de octubre de 2024 a: librosparaninos@fondodeculturaeconomica.com. 52 JUNIO 2024 �Organizado por el Consejo Certificador de la Innovación y el Diseño, A.C., es un viaje extraordinario donde la creatividad es la protagonista indiscutible. Desde el 1 de abril hasta el 31 de julio de 2024, se preparan para este evento único. Imaginando un escenario donde las ideas cobran vida y las formas danzan al ritmo de la innovación. Aquí, en este epicentro del diseño, no hay límites para la imaginación. Profesionales y estudiantes, mexicanos y extranjeros, todos son bienvenidos a este festín de creatividad. Desde el Diseño de Producto hasta la Vanguardia Digital, pasando por el Arte de la Comunicación Visual y la Elegancia de la Moda, cada aspecto del diseño tiene su lugar. Más que simples trofeos, estos galardones representan el reconocimiento a la capacidad de transformar el mundo que nos rodea. ¡Son parte de la historia y dejan su huella en la industria del diseño! Este concurso no se trata solo de ganar, se trata del impacto que tiene el diseño en la sociedad. Desde la lucha contra la contaminación de los océanos hasta la creación de experiencias más inclusivas, el diseño puede cambiar vidas. JUNIO 2024 53 �Junio 2024, Número 12 36 NOVIEmbre 2022 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2024 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 6 Número Número de la revista 2 Mes de publicación Mes cuando se publicó Julio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Relación OPAC http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, arte, diseño, audiovisual, 2024, Año 6, No 2, Junio Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2024-06-01 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021306 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Artistas Mexicanas Casa del Libro Exposiciones La Ilustración Realidad aumentada https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/21953/Croma_arte_diseno_audiovisual_2025_Vol_7_Num_1_Marzo.pdf a76f816fbaf23118da1143de40cc6cfe PDF Text Text �Í N D I C E TALENTO FAV 04 - DANIELA GODINEZ 08 - CHRISTOPHER SOSA DOCENTE 12 - MARTÍN ONTIVEROS TEMA DEL MES 18 - EL TATUAJE COMO FORMA DE EXPRESIÓN EMPRENDIMIENTO 24 - SOPA DE LETRITAS 26 - FREELANCE ENFOQUE 28 - EL ARTE DE LOS MOTION GRAPHICS 30 - EL AUGE DE LOS PODCAST �CRÉDITOS Dr. Med. Santos Guzmán López Rector UANL Dr. Juan Paura García Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado ARTE 32 - EL ARTE DEL CROCHET 36 - BODYPAINT 42 - EVENTOS 38 - FERIA DEL LIBRO 40 - ECOS: ARTE EN EVOLUCIÓN 44 - HALLOWEEN 46 - CERTAMEN DE ALTARES 48 - CERTAMEN DE LAS ARTES VISUALES M.A. Eva Julia De La Cerda Cruz Secretaria Académica Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores y Editores de la Revista Croma Armando Jahir Rodríguez Rodríguez Cesia Edlyn García Sagástegui Diana Isabel Lozano Hernández Evelyn Silvia Morales Arévalo Emilio Alberto Treviño Gallardo Fátima Joseline Vásquez Rico Fernando Abraham Armendáriz González Lucía Martínez Reyes Luna Guadalupe Gaytán Vázquez Mónica Alexandra Helgueros Hernández Poleth Islas Flores Estancia de Producción Portada: Armando Jahir Rodríguez Rodríguez CROMA, año 7, No. 13, Marzo 2025, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de la Facultad de Artes Visuales. Calle Praga y Trieste 4600, Fracc. Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Tel. +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No.04-2023-080113474100-102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Responsable de la última actualización de este número Coordinación Editorial FAV, Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván, Calle Praga y Trieste 4600, Fracc. Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L. México C.P. 64930. Fecha de última actualización 7 de marzo de 2025. DICIEMBRE 2024 5 �T A L E N T O F A V DANIELA GODINEZ PASIÓN POR LA FOTO POR: POLETH FLORES Fotógrafa y estudiante de producción audiovisual, comparte sus aprendizajes tanto en el ámbito académico como en la industria audiovisual. ¿Cuál es el área de la producción audiovisual que más te gusta? ¿Y por qué? Yo soy 100% de foto, he hecho trabajos de video pero la verdad no me siento tan segura en ese campo. Me gusta mucho la foto, empecé haciendo sociales, ahí por ejemplo, tuve que ser muy paciente conmigo misma porque me costaba mucho hablar con la gente, pero fui mejorando esa habilidad. Me gusta mucho más la foto, me siento más cómoda, lo disfruto mucho y me gusta también editar. ¿Qué habilidades o conocimientos crees que son importantes para destacar en el mundo de la producción audiovisual? Tienes que estar activo, tener mucha actitud de servicio, ser creativo y paciente, porque hay una curva de aprendizaje para muchas cosas. O sea, nadie nace sabiendo cómo operar una cámara. Yo cursé parte de la carrera en pandemia, entonces sí sentí que estaba muy atrasada, pero poco a poco le fui agarrando la onda y por otro lado, debes tener paciencia en tu propio proceso para no caer en compararte con los demás. ¿Qué proyectos consideras que han sido los más importantes en tu carrera hasta ahora? Gracias a mi anterior trabajo, tuve oportunidad de hacer proyectos bastante grandes, uno de ellos me costó mucho y siento que hubo un antes y un después de mí, ese proyecto fue para Coppel Jeans, mi primer proyecto en el que ya nadie me estaba apoyando, entonces las fotos que tomaron el día uno las querían editadas para el día 2, a la hora de salir me fui a mi casa a editar y cuando terminé ya me tenía que volver a ir y fue muy pesado, pero aprendí mucho, aunque fue trabajo bajo presión. Hice también una campaña para Coppel en abril, eran fotos de productos de tecnología y también me gustó mucho. 2 septiembre MARZO 20252020 �FOTO POR: DANIELA GODÍNEZ ¿Cuáles han sido los roles o puestos que has desempeñado en las producciones en las que has trabajado? He estado como asistente de foto fija, post productora y tech assit, que este último es un cargo que yo no sabía ni siquiera que existía, fue algo que sí me tocó aprender fuera de la facultad, también se aprende bastante fuera, con la práctica y el mundo real. Me gustaba mucho porque básicamente es como editar un previo en vivo, a lado del cliente y estás pegado al fotógrafo y tú eres los ojos del fotógrafo porque si él se está fijando en el encuadre, tú te fijas en la computadora en que el foco esté bien gracias a que la cámara está conectada por un cable a la computadora. Disfruto mucho trabajar en el departamento de foto, siento que cada proyecto te pide una cosa diferente, o sea, si tú ya le agarraste la onda el primer día de producción y piensas que el siguiente va a ser así, pues no, muchas veces cambian las cosas o cambian las necesidades de cada proyecto. COPPEL EVL 2024. FOTOGRAFÍA POR ADRIANA FARIAS. RETOQUE POR DANIELA GODÍNEZ ¿Cómo fue tu experiencia trabajando en la Tuna photo? Mi experiencia en la Tuna photo fue muy buena, actualmente ya no trabajo con ellos porque encontré mejores oportunidades de trabajo, duré el semestre haciendo prácticas y me quedé 3 meses más, aprendí mucho la verdad, me tocó trabajar con fotógrafos muy buenos y muy amables, trabajé con Pepe Escarpita , Adriana Farías y Jacobo Parra, siento que todos tienen la amabilidad de explicarte las cosas. Los primeros meses sí me sentía algo desorientada, pero fui aprendiendo a cómo asistir bien, siento que ya después de trabajar una vez con un fotógrafo, tú ya sabes más o menos qué es lo que se va a necesitar. También existe el puesto de encargada de equipo, yo tenía las llaves de la bodega de almacén y días antes de la producción tenía que ir por el equipo, hablar con el fotógrafo sobre qué ocupaba, si necesitaba luces, brolis, softbox, etc. Sí fue una curva de aprendizaje algo grande, pero aprendí de todo desde como asistir, post producción y mucho más, obtuve grandes aprendizajes. MARZO 2025 5 �T A L E N T O F A V ¿Cómo ves tu futuro profesional en la industria audiovisual? ¿Hacia dónde te gustaría dirigir tu carrera? La verdad no tengo un camino muy visto, cuando yo me salí de la Tuna fui teniendo otras oportunidades de trabajo, encontré una mejor oportunidad e hice el detrás de cámaras para una película, ahorita sigo tomando trabajos de sociales, el sábado pasado hice un evento corporativo, este sábado tengo 15 años, la verdad, siento que ahorita también estoy respirando un poco porque sí fue un trabajo de bastante presión y llegó un momento donde dije a ver sigo en la carrera, pero no puedo ser tan dura conmigo misma, entonces mientras sigo estudiando, recibo los trabajos que me van llegando, pero sí estoy abierta a todo lo que pueda realizarse, yo aquí recibo de todo. ¿Cómo has enfrentado la idea que tienen algunas personas en la industria sobre el dicho de que dedicarse a la fotografía social implica no ser un buen fotógrafo o no estar a la altura en el ámbito profesional? No comparto la opinión, siento que en lo social hay muchos rangos. Al instante se puede notar en tu trabajo, si vas empezando o si ya tienes tu camino más estipulado, pero siento que cualquier trabajo de foto, sea social o una campaña más grande, es respetable, es trabajo a final de cuentas y vas a desarrollar tu creatividad de cualquier manera, entonces pues sí, así yo empecé haciendo piñatas para niños pequeños y fue un trabajo que me enseñó mucho, tener la paciencia a los niños, montar y desmontar rápido, y poder dirigirlos. Creo que mucha gente empieza en lo social y está bien, o sea, te ayuda a tratar con un cliente, aprendes a como estipular tus precios y cosas así, yo siento que todo el trabajo de foto es respetable y es súper válido. POR: DANIELA GODÍNEZ Recuerda que nadie nace sabiendo, CADA QUIEN VA EN SU PROPIO CAMINO, siempre se puede seguir aprendiendo, practica mucho. NO TENGAS MIEDO DE INTENTAR LAS COSAS, es parte de ser paciente contigo mismo y de tu curva de aprendizaje ”. POR: DANIELA GODÍNEZ 6 MARZO 2025 �¿Cuáles fueron o han sido las materias que más te marcaron durante tu carrera? La materia que a mí más me gustó fue en cuarto semestre en posproducción de foto. Aprendí todo de post, la maestra es muy buena, nos enseñó cómo arreglar la piel, cómo hacer dodge and burn y fue muy paciente con nosotros porque ya estando en el salón, ves a gente que ya tiene más experiencia o ya va más avanzado, y pues yo no sabía mucho más que arreglar el color y un balance de blanco simple, pero de ahí aprendí mucho y me gustó bastante la verdad. Esa fue mi materia favorita, le saqué mucho provecho. Otra materia que me gustó mucho fue la de stencil, hice muy buena relación con el maestro y después de terminar la materia todavía fui un tiempo a apoyarlo en su estudio, el stencil me encanta porque ves toda la parte creativa, gráfica y lo que puedes hacer con las manos, aunque sí es un trabajo de mucha paciencia, como que hacer cada corte y todo eso, pero me gusta mucho esta área SALIMOS RAYADOS 2024. FOTOGRAFÍA POR ADRIANA FARIAS. RETOQUE POR DANIELA GODÍNEZ. ¿Tienes algún consejo para quienes desean ejercer en la producción audiovisual? Siento que es muy importante y la razón po la que también me han llegado trabajos es hacer relaciones, se llama networking. Cuando estás en producciones, sé amable con todos, ayúdales a los demás a hacer su trabajo, porque si el día mañana tienen un trabajo, ocupan apoyo, ellos van a pensar en ti y te pueden hablar. Ser muy proactivo, practicar y también algo en lo que yo batallo, pero recomiendo mucho, es publicar tu trabajo porque eso te abre más puertas. Algo de la fotografía es que siempre puedes seguir aprendiendo, hay muchas, muchas ramas. A mí me gustan mucho los retratos, los disfruto mucho, inclusive para trabajos más comerciales cuando hay oportunidad de ser un poco más creativo. Si tú vas a hacer un trabajo comercial simple, o piensas que no le puedes sacar mucho provecho; sí lo puedes hacer, puedes darle tu propio enfoque a las fotos. Algo que a mi me faltó es que no aprovechaba las tareas que me encargaban para dar mi 100% y usar eso de portafolio, siento que muchas tareas como que las hacía bien, pero pude haberlas hecho mejor. También fijate en qué áreas se pueden desempeñar mejor tus compañeros, si ves que alguien es bueno en sonido, tener la nota mental por si algún día le necesitas. Saber dirigirte con esa persona, ser amable con todos, para que si algún día ocupan apoyo, pues vengan contigo. Hay muchas veces que digo yo soy fotógrafa y todo lo que tú quieras, pero yo también sigo haciendo fotos gratis de vez en cuando, a veces hay proyectos que no van a estar muy bien remunerados y unos que van a estar súper bien, hay que saber cuáles sí aceptar, porque esos trabajos que no están tan bien remunerados o favores que te toca hacer, puede ser un favor que luego pidas de regreso o saber que ese proyecto te va a traer más trabajo después, si un cliente te habla y no tiene mucho presupuesto, pero es un cliente recurrente, tal vez valga la pena. Aprende a ponerle precio a tu trabajo, es algo en lo que yo batallo mucho y consulto con muchos amigos que también se dedican a lo audiovisual. Siento que es un tema que no vimos mucho en la carrera, cómo cobrar tu trabajo o contratos, pero se va aprendiendo poco a poco, cuando uno ya va sintiéndose más seguro con su trabajo va comprando más equipo y va cobrando un poco más. Y sí, es parte de ir creciendo profesionalmente. POR: DANIELA GODÍNEZ REDES SOCIALES INSTAGRAM @danyvisuales PORTAFOLIO https://danyvisuales.myportfolio.com/ MARZO 2025 7 �T A L E N T O F A V CHRISTOPHER SOSA SOSA PASIÓN T A L E N TPOR O F EL A V ARTE PASIÓN POR EL ARTE POR: POLETH FLORES Con un estilo de ilustración único y distintivo, este talentoso alumno encuentra inspiración en su amor por el cine y el teatro. ¿Cómo descubriste tu pasión por la ilustración? y ¿Cómo definirías tu estilo? Desde muy pequeño todos en mi familia dibujan. Mi mamá dibuja, mi papá dibuja, mi hermano mayor se dedica a hacer artes conceptuales, crecí en ese ambiente, desde entonces yo dibujaba en todas las libretas, obviamente me regañaban un montón, pero fue una actividad que yo no sentía que estuviera haciendo por hobby, ya que, según yo todo el mundo lo hacía, pero después descubrí que no. Yo creo que mi estilo es muy fantasioso, un poco inspirado en Pixar, muy llamativo para el público infantil, pero también creo yo, para las audiencias en general. 8 MARZO 2025 �¿Cuáles han sido tus proyectos artísticos que más te han marcado? Yo creo que para empezar fue Lory, es un cómic que hice hace dos años sobre un corazón que se estaba rompiendo pero no se quería romper, ese cómic estuvo en un concurso de la Universidad Autónoma de Nuevo León y lo ganó. Para mí era muy raro porque recuerdo que ese, en particular, no lo hice para estar en ningún concurso, lo hice por gusto y dio la casualidad que cuando yo lo terminé, como a dos o tres días iba a cerrar la convocatoria y dije bueno, pues voy a aplicar sin esperar nada realmente, llamó la atención de la gente, empecé a recibir respuestas muy bonitas de personas que decían que les había tocado la historia o que la sentían necesaria. Yo creo que, sobre todo eso, es lo que más me ha marcado. Otro proyecto fue de teatro el año pasado y este año otra vez estoy actuando en una función de El show de terror de Rocky. En sí es una obra que es un musical, yo entré a este proyecto, sin saber nada del musical, sin saber nada de la película. Lo hice ciegamente por amor al arte y ya estando en escena yo me divertía mucho. Entonces esto para mí es bien padre, porque realmente lo hice solo con el pensamiento de ir por diversión, pero al final tocó a las personas y quiero creer que les dejó un mensaje. MARZO 2025 9 �T A L E N T O F A V Encuentra algo que REALMENTE TE GUSTE MUCHÍSIMO , como para dedicarle un montón de tiempo, dinero, fallas y aciertos. No algo que creas que a los demás les va a gustar, algo que te encante a ti, CREE EN ESE PROYECTO Y HAZLO. Vale la pena hacerlo. ¿ Cómo el cine influye en tu trabajo creativo? Crecí con el cine muy inculcado en mi vida, desde muy pequeño mi papá siempre ponía películas, siempre me llevaba al cine, no recuerdo exactamente cuál fue la primera película que vi en el cine, pero yo sí creo que mis papás eran de esos que llevaban a sus bebés al cine, me consta. La primera película que vi, que yo dije me gustaría hacer esto, me gustaría seguir por ese camino, fue reciente, fue la primera de Jurassic World. Yo no tenía contexto de Jurassic Park ni de este tipo de películas, pero una tía no tenía con quién ir, me pidió que la acompañara y cuando fui a verla con ella en la escena final sale el T-Rex rugiendo y yo me acuerdo que se me puso la piel chinita. yo dije, yo quiero causar esto en la gente o a mí me gustaría poder generar esto que que yo estoy sintiendo. Entonces yo creo que ese fue el primer momento donde me di cuenta lo que quería hacer. El cine visualmente me ayuda a entender mejor mis historias. Por ejemplo, si yo quiero hacer un cómic de una historia que tenga en mi cabeza, lo que hago en mi proceso es siempre pasarla en mi mente, como si fuera una película y voy entendiendo cómo sería, si estos zapatos son importantes en la historia, pues lo voy a poner en un primer plano, los voy a dibujar más grande que todo lo demás o voy a usar colores más brillantes para que destaquen más que otros elementos. El cine me ha instruido bastante a la hora de yo contar mis historias. Me ha ayudado a entender mejor el lenguaje audiovisual, aunque casi nunca he usado audio, pero yo creo que en cuanto a composición y en cuanto a visuales, colores, todo eso y también mi gusto por el cine me hizo empezar a hacer resumenes de películas en redes sociales. 10 MARZO 2025 �¿Qué te motivó a iniciar el proyecto de hacer resumenes de películas en redes sociales?? Es algo que llevo haciendo ocho años, cuando yo estaba en prepa, era mucho de ir al cine, de ver películas, estrenaban una película y yo la quería ver el msimo día del estreno. Aparte soy muy ansioso, entonces no me podía esperar como un fin de semana o una semana y lo que me molestaba mucho era que, yo quería ver una película, pero luego no me ponía de acuerdo con la gente o no coincidíamos en tiempos, entonces yo me tenía que esperar para platicar, era tanta mi emoción de ver una película y de querer contarla con alguien, que dije tengo que contarla de alguna forma, pero pues no podía contársela a mis amigos porque obviamente no podía hablar con spoilers, lo que se me ocurrió en ese momento fue grabarme, así fue como empezó, creo que fue con los ilusionistas dos, algo así, la vi en el cine, llegué a mi casa, grabé mi opinión, la subí a YouTube, ahí se quedó y luego empecé a grabar más. Al principio era todo muy secreto, no me gustaba que la gente se enterara, nada más se lo pasaba a mis amigos con los que hablaba de películas, pero de repente, un día escuché que mi mamá estaba escuchando mi voz, y ella lo fue pasando y la gente ya sabía que yo tenía un canal. Y poco después, Multimedios se acercó a mí, me contactaron por correo, me dijeron que si quería cubrir ciertas películas, les dije que sí y poco a poco lo fui haciendo de forma más independiente. Ya las distribuidoras me conocían, les gustaba mi trabajo y también lo fui haciendo de una forma más práctica. Actualmente las escribo completamente en Facebook, se me hace muchísimo más cómodo así, es algo que a la fecha sigo haciendo. Yo creo que como dos veces por semana me invitan a ver películas antes de que se estrenen, lo cual está padre a cambio de que yo les escriba reseñas y las comparta. Y la respuesta del público, la verdad ha sido muy positiva, recientemente he encontrado la forma de conectar con la gente y sí, he notado que algunas pueden llegar a viralizarse o a comentarse mucho y eso se me hace muy padre. REDES SOCIALES @abookohchris @chrisvsosa @chrislemia MARZO 2025 11 �D O C E N T E MARTIN JAIME ONTIVEROS QUINTANILLA AMOR AL ARTE DE LA DOCENCIA Y LA PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL Con más de 40 años de experiencia en la producción audiovisual, Ontiveros nos comparte sus inicios en la producción de video, y algunos de sus mejores consejos y reflexiones sobre su labor docente en la facultad REDACCIÓN POR: LUNA GAYTÁN M Martin Ontiveros maestro decano de la Facultad de Artes Visuales FOTOGRAFÍA POR: LUNA GAYTÁN 12 MARZO 2025 artín Ontiveros ingresó a la Facultad de Artes Visuales el 1 de septiembre de 1984 como técnico audiovisual. Su labor inicial consistía en apoyar a los alumnos en el manejo de cámaras de video y asistir a los profesores en cuestiones técnicas. A medida que adquiría experiencia, su rol fue evolucionando hasta convertirse en profesor de tiempo completo en 1989. Actualmente, imparte las materias de Técnicas de Producción Audiovisual y Producción de Géneros Audiovisuales. El maestro Martín comenzó su carrera en televisión en 1979, cuando tenía solo 16 años y fue contratado como camarógrafo de estudio. Debido a su juventud, para trabajar le pidieron que se capacitara un mes con la cámara de televisión para que después le realizaran exámenes de la parte conceptual, técnica y operativa de la cámara, los cuales aprobó satisfactoriamente. En septiembre de 1979 inició como camarógrafo de estudio de televisión y fue ahí donde inició su carrera en el área de televisión, la producción audiovisual y la cámara, “Me enamoré de todo esto”, comenta el profesor. Al recordar sus primeros años en la televisión, menciona que, en Monterrey, en aquel entonces, muy pocas personas trabajaban como camarógrafos. Su pasión por la cámara lo llevó a continuar en este campo, y con el tiempo, empezó a desempeñarse como camarógrafo de exteriores, lo que le permitió salir del estudio y grabar en diferentes locaciones de Monterrey. �Con emoción, el maestro recuerda aquellos días cuando cargaba las primeras cámaras LDK 11 de Ampex. “Era un arnés pesadísimo, que llevaba la electrónica de la cámara en la espalda. A pesar del esfuerzo físico, era una experiencia enriquecedora y emocionante”, comenta. Sin embargo, este compromiso le costó en sus estudios, ya que en aquel tiempo estaba cursando su carrera en FIME y tuvo que dejar algunas materias debido a las demandas del trabajo en televisión. Decidió entonces dejar el puesto de camarógrafo y pasar a operar el switcher en el canal, para así poder terminar su carrera. Ontiveros ha dedicado gran parte de su trayectoria a la televisión deportiva, comenzando en 1997 con TV Azteca como freelancer, donde fue camarógrafo para los partidos del Santos de Torreón. A lo largo de los años, ha ocupado diversos roles, desde ingeniero de microondas hasta jefe de ingeniería, contribuyendo a múltiples deportes como fútbol, basquetbol, tenis y béisbol. En 2017, se unió al equipo que inició el VAR en México, donde lideró la implementación de las primeras unidades móviles en un tiempo récord de un mes. Tiempo después fue contratado por Fox Deportes de Estados Unidos como jefe técnico, donde pasó cuatro años aprendiendo sobre la planificación y la metodología del trabajo de otro país. Actualmente, se desempeña como ingeniero de control de video en TUDN, trabajando en partidos de fútbol de equipos como Rayados, Tigres y Santos. El profesor expresa su amor por su trabajo, afirmando que se siente “vivo” y “rico” gracias a su pasión por la producción de video y televisión. Su meta es participar en la cobertura del Mundial de Fútbol, un objetivo que espera alcanzar, aunque reconoce que depende de otros factores. “Mientras tanto, estoy agradecido por la vida, la salud, mis hijos, mis nietas y mi esposa”, comenta con entusiasmo. Martin Ontiveros trabajando en el estadio BBVA Martin Ontiveros trabajando en una cabina móvil MARZO 2025 13 �D O C E N T E En agosto de 1984, un amigo del profesor Ontiveros le comentó sobre una vacante en la Facultad de Artes Visuales. “Me dijeron que buscaban a alguien que conociera sobre cámaras y que le gustara enseñar”. Fue así como el profesor Ontiveros tuvo una entrevista con el entonces secretario académico, el doctor Salvador Aburto Morales, quien le ofreció el puesto de técnico audiovisual. Desde el principio, su rol fue apoyar a los alumnos con las cámaras de video y asistir a los profesores en temas técnicos. Aunque aún no era docente de manera formal, Ontiveros ya desempeñaba labores de enseñanza en la facultad. Martín Ontiveros menciona que su decisión de convertirse en profesor no estuvo inspirada por algún maestro en particular. Al ser asignado como asistente en la facultad, y luego como profesor titular, se propuso corregir aquellos aspectos que consideraba errores en sus profesores anteriores. El profesor Martín recuerda con claridad que en sus etapas como estudiante hubo maestros que le exigieron al máximo, especialmente en la secundaria y preparatoria, quienes lo formaron con un enfoque riguroso y le inculcaron la importancia de la disciplina. Comenta que estos profesores, aunque eran estrictos, dejaron en él una enseñanza profunda: el valor de la exigencia y el compromiso en el proceso de formación. Es por ello que hoy en día define su estilo de enseñanza como estricto, buscando formar no solo profesionales capacitados, sino personas integrales y comprometidas. Dentro de su trayectoria en la Facultad de Artes Visuales, Ontiveros encontró en el doctor Salvador Aburto Morales un modelo que reforzó su enfoque docente. Admiraba la dedicación, el orden y el respeto que Aburto mostraba hacia sus alumnos y colegas, características que Ontiveros ha intentado reflejar en su propio quehacer. Otro punto fundamental en su formación docente fue la Maestría en Artes, en la cual fue el primer egresado. Para él, esta experiencia representó no solo un logro académico, sino una oportunidad para reforzar sus habilidades y conocimientos en humanidades, un área que complementaba su formación técnica como ingeniero. Esta maestría, asegura, le brindó herramientas que sigue aplicando en la actualidad para rediseñar sus clases y mejorar constantemente su enseñanza, siempre con el objetivo de que sus estudiantes aprendan de manera significativa. Martín Ontiveros con su título de Maestría en Artes en 1998 14 MARZO 2025 �Para Martín Ontiveros, cada proyecto audiovisual representa un desafío y una oportunidad para aplicar todas sus habilidades y conocimientos. Uno de los primeros proyectos en su carrera que considera fundamental fue su participación en un concurso universitario de producción de video en los años 90. Su video, que exploraba la semiótica en el contexto de un congreso en la Facultad de Artes Visuales, fue premiado como la mejor producción. Ontiveros dirigió y produjo el proyecto, obteniendo con él un reconocimiento por su trabajo. En particular, el profesor recuerda con entusiasmo una producción llamada “Solidaridad”, creada también en la Facultad de Artes Visuales en 1990 junto con un equipo de estudiantes. Esta obra fue concebida como una parodia de la famosa canción “Solidaridad” que impulsó el entonces presidente Carlos Salinas de Gortari, y en ella participaron numerosos alumnos y extras. En un esfuerzo comunitario, el video fue editado en Canal 53, debido a que en ese momento la facultad no contaba con equipo propio para la edición de video. “Solidaridad” fue muy bien recibido, al punto de que Televisa Monterrey, a través del periodista Gilberto Marcos, reconoció su calidad. El maestro Martín recuerda cómo estas felicitaciones y la retroalimentación positiva sirvieron como motivación tanto para él como para sus alumnos, quienes participaron en la producción. Ontiveros comenta que lo que hace especial cada proyecto es el empeño y dedicación que pone en ellos. Reconoce que, al mirar sus producciones antiguas, siempre encuentra aspectos que mejoraría, pero siente que esa búsqueda de la perfección es lo que lo impulsa a seguir adelante. La producción de “Solidaridad” fue especialmente memorable, no solo por su alcance y calidad, sino también por el esfuerzo conjunto de todos los involucrados. Este reconocimiento externo representó una confirmación de que estaba enseñando y transmitiendo a sus alumnos los valores y habilidades esenciales para la producción audiovisual. Para el profesor, el éxito de proyectos como este es un reflejo de que el trabajo colectivo y la dedicación valen la pena, dejando una huella significativa en su trayectoria profesional. Martín Ontiveros menciona que la técnica es la base de cualquier producción audiovisual. Como Ingeniero en Electrónica y Comunicaciones, él ha dedicado su carrera a profundizar en el manejo técnico de los equipos y los procesos operativos, y considera que esta comprensión técnica es indispensable para cualquier profesional del sector. Según Ontiveros, los estudiantes deben dominar la técnica de los equipos, especialmente de la cámara, ya que ese conocimiento será el cimiento de sus proyectos. A partir de ahí, podrán explorar la parte conceptual y creativa de cada producción, adaptando sus habilidades a las particularidades de cada guión y tipo de proyecto. Para el profesor, aunque el contenido de un proyecto puede variar en estilo y enfoque, ya sea basado en un guión estructurado o en ideas espontáneas en proyectos artísticos, el dominio de la técnica facilita el proceso creativo. Esta habilidad técnica no solo les permitirá a los estudiantes ejecutar proyectos con mayor precisión, sino también experimentar y explorar la narrativa visual de maneras efectivas. Imágenes de la producción “Solidaridad” Facultad de Artes Visuales en la producción “Solidaridad” en los 90´s Dominando la técnica, lo demás es más fácil de llevar a cabo”. MARZO 2025 15 �D O C E N T E Alumnos en clase en el auditorio Juan Alberto Pérez Ponce Para el profesor Ontiveros, la producción audiovisual y la docencia son inseparables. En sus propias palabras, “están completamente unidas”. Desde 1985, cuando participó en la primera revisión del plan de estudios de la facultad, ha trabajado para integrar las dos pasiones en un solo propósito: brindar a los estudiantes la oportunidad de experimentar con la producción en un ambiente profesional. En ese entonces, trabajando también en Canal Ocho, visualizaba la creación de un estudio en la facultad que emulara las condiciones de un canal de televisión real. Esa visión se concretó con la creación del estudio Juan Alberto Pérez Ponce en la Facultad de Artes Visuales, logrando así un espacio donde los estudiantes pudieran dirigir y producir televisión en vivo. Gracias a este logro, y al apoyo de fondos federales, la facultad pudo adquirir equipo de televisión profesional, lo cual ha sido esencial para la formación técnica y personal de sus alumnos. Con esta unión entre producción y docencia, Ontiveros ha logrado compartir su conocimiento y su pasión con generaciones de estudiantes, fomentando en ellos tanto habilidades técnicas como valores de compromiso y profesionalismo. Reconoce que, a pesar de sus décadas de experiencia, la revisión curricular sigue siendo uno de sus mayores retos, “su coco,” como él mismo dice. Aun así, muestra una constante voluntad de aprender, especialmente sobre las nuevas herramientas tecnológicas, con el fin de fortalecer sus clases y ofrecer a los alumnos una experiencia más enriquecedora. El profesor Martín se muestra orgulloso y honrado de su rol como maestro decano en la Facultad de Artes Visuales, aunque admite que nunca fue una meta personal. Su trayectoria comenzó con humildad, sin plantearse objetivos a largo plazo, pero su pasión por el audiovisual y la enseñanza lo han mantenido en la facultad desde 1984. En su rol actual, continúa dedicándose a la docencia con entusiasmo, valorando especialmente el proceso de enseñanza-aprendizaje que comparte con sus alumnos, a quienes considera parte esencial de su vida profesional. 16 MARZO 2025 El maestro Ontiveros mantiene una disposición de servicio y un deseo genuino de contribuir más a la institución. Su verdadera satisfacción radica en ver el aprendizaje de los estudiantes y en ayudarlos a desarrollarse en el ámbito profesional de la producción audiovisual y la televisión. Esta labor le ha dado un sentido de realización, y aunque no planea su retiro inmediato, deja en manos del tiempo y de las circunstancias la decisión de hasta cuándo continuará compartiendo su conocimiento y pasión en el aula. A lo largo de su carrera, Ontiveros ha realizado ajustes en sus programas de estudio, tomando en cuenta tanto el estilo de aprendizaje de sus estudiantes como las necesidades cambiantes del mundo audiovisual. En su opinión, un buen docente sabe equilibrar sus conocimientos con las necesidades de sus alumnos y no teme hacer ajustes cuando es necesario para maximizar el aprendizaje en cada curso. Su perseverancia y dedicación a la docencia han sido claves en su constante evolución, siempre con el objetivo de ofrecer a sus alumnos la mejor formación posible Recientemente, el profesor Ontiveros recibió un reconocimiento por parte de la Universidad Autónoma de Nuevo León por sus 40 años de labor. Aunque aclara que no ha estado 40 años como docente oficial, sí ha trabajado en la universidad desde 1984, comenzando como asistente. Este reconocimiento lo hace sentir revitalizado y motivado a seguir contribuyendo en la docencia. El profesor Ontiveros comparte que recibir el reconocimiento por sus 40 años de labor en la UANL lo hace sentir vivo. Para él, continuar dedicándose a la docencia es una experiencia enriquecedora, y lo que más valora son los mensajes de sus ex-alumnos sobre sus logros. Independientemente de un papel que te entregan, lo más importante para mí son los mensajes de mis ex-alumnos sobre lo que han logrado y lo que logré en ellos, ese agradecimiento es el verdadero premio”. FOTOGRAFÍA POR: LUNA GAYTÁN �El mejor consejo que puedo darles es que lo que han aprendido y desarrollado como proyectos no servirá de nada si no le ponen el corazón a su profesión. Más allá de lo técnico, es fundamental que se apasionen por lo que hacen, pongan toda su energía y pasión en cada trabajo.” Martin Ontiveros con alumnos de la materia “Producción de géneros audiovisuales” El profesor Martín Ontiveros comparte un mensaje de profunda inspiración para sus estudiantes que están próximos a finalizar su carrera en producción audiovisual. Con décadas de experiencia, su consejo principal es que pongan el corazón en cada proyecto que emprendan. Para Ontiveros, el conocimiento técnico y la habilidad procedimental son esenciales, pero la diferencia real entre profesionales se encuentra en la dedicación y el amor que se le pone al trabajo. Les aconseja no solo dominar todos los conceptos necesarios para realizar una producción, sino que siempre den ese extra, sin importar las circunstancias. Comparte su experiencia personal al señalar que, en ocasiones, los proyectos que ha cotizado y autorizado han evolucionado más allá de lo acordado. “A veces, me piden más de lo que habíamos pactado, y prefiero hacerlo con toda mi dedicación. Si te pagan un peso por un producto audiovisual, debes abordarlo como si fueran 100,000. Cada proyecto es una oportunidad de demostrar tu capacidad y construir tu prestigio.” Además, sugiere a los estudiantes desarrollar la sensibilidad para saber cómo y cuándo actuar en el ámbito profesional. También enfatiza la importancia de confiar en que el camino de cada persona está guiado por algo más grande. Ante los obstáculos, Ontiveros invita a no desanimarse y a dejar que cada tropiezo sea una oportunidad para crecer, confiando en que cada paso tiene una razón y propósito. Con estos consejos, Ontiveros inspira a sus estudiantes a convertirse no solo en buenos profesionales, sino en personas que trabajan con integridad, sensibilidad y confianza en su destino. La trayectoria del profesor Martín Jaime Ontiveros Quintanilla es un testimonio del poder transformador de la docencia y de la pasión por la producción audiovisual. Su dedicación a la enseñanza y su compromiso con sus alumnos reflejan un profundo amor por su labor. Este amor por la enseñanza no solo enriquece a sus estudiantes, sino que también contribuye al legado de la Facultad de Artes Visuales, donde su influencia seguirá resonando en las generaciones futuras de profesionales en el campo audiovisual. Cada profesor tiene su trayectoria y sus anécdotas, experiencias, y seguramente, semejante a lo que yo siento, es un amor al arte, un amor al arte de la docencia.” Martin Ontiveros en entrevista por Luna Gaytán para la revista Croma MARZO 2025 17 �T E M A D E L M E S EMILIO TREVIÑO GALLARDO El tatuaje como forma de expresión El tatuaje es una manera de contar la historia de una forma visual y permanente. Cada tatuaje tiene un significado profundo que está ligado a experiencias personales, creencias o momentos importantes en la vida de una persona E l arte del tatuaje tiene raíces que se hunden profundamente en la historia de la humanidad. Desde las civilizaciones antiguas, como los egipcios y los polinesios, hasta las tribus nativas americanas, el tatuaje ha sido utilizado como un símbolo de estatus, un amuleto de protección, o incluso una herramienta de comunicación entre diferentes culturas. Sin embargo, la percepción del tatuaje ha evolucionado significativamente con el tiempo. Lo que antes era visto como algo reservado para marineros, pandillas o sectas religiosas, ahora se encuentra en personas de todas las edades y profesiones. En la actualidad, el tatuaje se ha convertido en una forma legítima de arte. Para muchos, el cuerpo se ha transformado en un lienzo donde los tatuadores, como verdaderos artistas, crean obras únicas y permanentes. Este arte en la piel es un proceso íntimo y a menudo cargado de simbolismo personal. Cada tatuaje tiene una historia, un significado que solo su portador puede desentrañar completamente. En este sentido, el tatuaje va más allá de ser una simple imagen; se convierte en una extensión de la persona, una parte integral de su identidad. A pesar de su creciente popularidad, el tatuaje aún enfrenta desafíos en términos de aceptación social. En algunos entornos laborales o culturales, los tatuajes visibles pueden ser malinterpretados o estigmatizados. Sin embargo, la percepción está cambiando a medida que más personas, incluyendo profesionales y figuras públicas, adoptan el tatuaje como una expresión de su individualidad. 18 MARZO 2025 �El tatuaje también es un medio para celebrar y preservar la herencia cultural. En muchas comunidades indígenas y tradicionales, el tatuaje es una práctica ancestral cargada de simbolismo y significado espiritual. Estos tatuajes suelen estar llenos de símbolos que representan creencias, mitos y tradiciones que se han transmitido de generación en generación. En estos contextos, el tatuaje es tanto una expresión individual como colectiva, un lazo que conecta al individuo con su comunidad y su historia. En la actualidad, muchas personas eligen tatuarse símbolos de sus culturas ancestrales como una forma de reafirmar su identidad y honrar sus raíces. Este acto puede ser una forma de resistencia cultural en un mundo globalizado, donde las identidades a menudo se diluyen. Más allá del simbolismo personal o cultural, el tatuaje también se ha consolidado como una forma de arte en sí mismo. Para muchos, el cuerpo es un lienzo en blanco donde los tatuadores, que actúan como artistas, crean obras únicas y complejas. Desde retratos hiperrealistas hasta diseños abstractos y geométricos, el tatuaje ha alcanzado un nivel de sofisticación técnica y estética comparable al de otras formas de arte visual. Lo que antes podía verse como un símbolo de rebeldía o pertenencia a subculturas específicas, hoy se ha transformado en una manifestación artística que atraviesa fronteras sociales, culturales y generacionales El arte del tatuaje permite a las personas expresar su creatividad y estética de manera única y permanente. Los estilos varían ampliamente, desde el tradicional japonés y el tribal polinesio, hasta el minimalismo moderno o el realismo en blanco y negro. Cada elección artística refleja los gustos y la personalidad del portador, convirtiendo su piel en una obra de arte viviente. En algunas subculturas y movimientos sociales, el tatuaje se utiliza como una forma de identificación y solidaridad. Por ejemplo, en el movimiento punk, los tatuajes son una manifestación de rechazo a las normas convencionales y una afirmación de los valores de la subcultura. En el feminismo, algunas mujeres utilizan el tatuaje como una forma de empoderarse y desafiar las expectativas sociales sobre el cuerpo femenino. El tatuaje puede también actuar como un símbolo de pertenencia a un grupo o una comunidad. Compartir un tatuaje similar o tener tatuajes realizados por el mismo artista puede crear vínculos entre personas con experiencias o creencias comunes, creando una identidad colectiva. MARZO 2025 19 �T E M A D E L M E S Diferentes estilos Tradicional americano Realismo Blackwork El estilo tradicional americano, también conocido como “old school”, es uno de los estilos más icónicos y reconocibles. Este estilo se caracteriza por líneas gruesas, gama cromática brillante y una paleta limitada de colores, predominando el rojo, negro, verde y amarillo. Los diseños suelen ser simples y de fácil lectura, con temas clásicos como anclas, rosas, corazones, dagas, águilas y pin-ups. Este estilo se popularizó entre los marineros y militares en el siglo XX, y sigue siendo un favorito por su estética retro y su fuerte presencia visual. El realismo en el tatuaje busca recrear imágenes detalladas y precisas, como retratos de personas, animales o paisajes. Este estilo requiere un alto nivel de habilidad técnica por parte del tatuador, ya que implica un uso avanzado de sombreado, gradaciones y texturas para dar una apariencia tridimensional. Los tatuajes realistas pueden ser en blanco y negro o a color, y su objetivo es capturar la esencia de la imagen de manera fidedigna. Es un estilo muy popular para tatuajes de retratos de seres queridos o ídolos. El estilo blackwork se basa en el uso exclusivo del negro para crear diseños que van desde patrones geométricos hasta imágenes figurativas. Este estilo incluye subgéneros como el tribal, el dotwork y el ornamental. Los tatuajes blackwork pueden ser simples o muy complejos, utilizando solo tinta negra para crear contrastes fuertes y formas definidas. Es un estilo muy versátil, que puede adaptarse a cualquier tamaño o parte del cuerpo. 20 MARZO 20252020 4 septiembre �Tribal Tipográfico El dotwork es un estilo que utiliza puntos pequeños para crear imágenes o patrones. Este estilo puede usarse solo o en combinación con otros estilos, como el geométrico o el blackwork. Los tatuajes dotwork requieren paciencia y precisión, ya que la imagen se construye punto por punto. El dotwork se presta para crear sombras sutiles y texturas complejas, lo que lo hace ideal para diseños que requieren un enfoque detallado y meticuloso. El tatuaje tribal es uno de los estilos más antiguos, con raíces en culturas indígenas de todo el mundo, como las polinesias, africanas y celtas. Este estilo se caracteriza por patrones geométricos repetitivos, líneas gruesas y diseños abstractos que a menudo tienen significados espirituales o culturales profundos. En la cultura moderna, los tatuajes tribales se han popularizado por su estética impactante y su capacidad para adaptarse a las formas del cuerpo. Sin embargo, es importante reconocer y respetar el origen cultural de estos diseños. El lettering se centra en la creación de palabras o frases con estilos tipográficos únicos. Puede variar desde letras simples y elegantes hasta estilos más elaborados como el chicano, que incluye sombras, adornos y efectos 3D. Este estilo es popular para tatuajes de citas, nombres o palabras que tienen un significado especial para la persona. Imágenes recuperadas de Pexels.com Dotwork MARZO 2025 21 �T E M A D E L M E S Adriana Aguirre REDACCIÓN POR: EMILIO TREVIÑO GALLARDO Soy Adriana Aguirre, tatuadora y estudiante de octavo semestre en la Facultad de Artes Visuales de la UANL, tengo 21 años, mi signo zodiacal es leo y lo que más disfruto en la vida es la música, el baile, Rosalia, Ralphie Choo, comer, la moda y por supuesto los tatuajes Actualmente me encuentro trabajando en un estudio en el centro de Cadereyta Jiménez, ciudad en la que vivo actualmente. Tengo un año de experiencia trabajando formalmente en ese local y verdaderamente no podría estar más feliz con mi trayectoria. No ha sido un camino fácil, sobre todo por familiares que no se sienten orgullosos de lo que hago, es doloroso saber que los decepcionas, pero al tratarse del vínculo tan bonito que tengo con mi trabajo, me es imposible separarme de él. Afortunadamente, así como he encontrado a quienes me insisten en dejar mi proyecto, son más las personas que con toda su buena vibra me apoyan y me desean lo mejor, es por esto que desde que comencé he podido avanzar hasta llegar a lo que soy el día de hoy. Tras realizar mi primer tatuaje en 2022, continué haciendo pocos más a gente cercana, pero estos mismos no los hacía con frecuencia ya que para ese entonces, el miedo en mí seguía demasiado presente, pues no dejaba de pensar en que era una inexperta plasmando algo eterno en la piel de alguien más. Fue gracias a toda la gente que confió en mí, y ¿por qué no decirlo?, que se arriesgó a que en mis inicios les hiciera un tatuaje, gracias a ellas, a ellos y a mi constancia, mi trabajo ha evolucionado a lo que es ahora y pude perder el miedo que sentía cada que prendía la máquina, pudiendo formalizar y llegar a un estudio de tatuajes en agosto de 2023. Conforme he ido avanzando he aprendido de todo: ¿cómo hay que tratar a los clientes?, ¿cómo se agenda una cita?, ¿cuáles son los cuidados previos y posteriores al tatuarse?, ¿en qué situaciones puedes tatuarte y en cuáles no?, ¿cómo todo lo que utilizas debe estar desinfectado y aislado?, etcétera. Es muy importante, sobre todo, el servicio que se le brinda a los clientes, pues te están dando su confianza para que modifiques una parte de ellos para siempre, estás tratando con su identidad y en mi opinión eso es de las cosas más valiosas y hermosas con las que contamos los individuos. 22 MARZO 2025 �Trabajo de Adriana Aguirre Al momento de diseñar, lo que más me gusta es jugar con el sombreado hecho con puntillismo, ya sea aplicado en algún elemento botánico, en un animal o en un insecto. Estos son tres de los elementos que más disfruto hacer a la hora de tatuar y dibujar Al llegar a tener los avances y logros con los que afortunadamente hoy cuento, he sido consciente de un sinfín de cosas, principalmente he ido comprendiendo y sintiendo cada vez más esta pasión, pues para mí un tatuaje no es solo un dibujo en la piel, un tatuaje también habla sobre quién eres: delata tus gustos, tus experiencias, tu historia, tus ideologías, tu estilo, tus preferencias, entre muchas otras cosas. El tatuaje para mí es el vínculo que una persona tiene con distintos elementos de su identidad, reafirma quién eres” Tatuar simboliza el respeto y el interés que tengo hacia la historia y el mundo ajeno, estando siempre agradecida y emocionada por plasmar lo que mis clientes quieren comunicar con su propio cuerpo. Asimismo tanto acudir a tatuarme, como tatuar a alguien más, para mí simboliza un método más de expresión, pues esta nueva imagen que se le está entregando al cuerpo no es más que un deseo de platicarse algo a sí mismos o hacia el mundo que les rodea sobre la persona que sienten ser en esos momentos. En mi experiencia, puedo mencionar que de los tatuajes que tengo hay dos que son mis preferidos, por un lado tengo a una mujer adulta con una lágrima en su rostro y una gorrita de fiesta con una flor marchita, al cual le brindo un significado que tiene que ver con ese dolor que sientes al ser mayor y voltear a ver a tu niño o niña interior, dándote cuenta de que creció rodeada de puro dolor. Por otro lado mi segundo tatuaje favorito son unas moras, simplemente porque amo las moras. Ambos son un ejemplo de lo que quiero expresar, así alguno tenga más peso sentimental que otro, ninguno es inválido y podría decir que los amo por igual. MARZO 2025 23 �E M P R E N D I M I E N T O SOPHIA SILVA LA TINTA COMO LIENZO Una talentosa estudiante de la carrera de Artes Visuales cuya pasión por el arte ha encontrado su máxima expresión en el tatuaje. POR: CESIA EDLYN C onoce a Sophia Silva, también conocida como sopade_letritas. Sophia ha fusionado sus habilidades creativas con su visión única para dar vida a su propio estilo en el mundo del tatuaje. En esta entrevista, nos comparte cómo ha sido su viaje para construir su camino en este arte tan íntimo, su enfoque como emprendedora, y los retos que ha enfrentado a lo largo de su trayectoria. COMIENZOS E INSPIRACIÓN ¿Qué te inspiró a convertirte en tatuadora y cuándo decidiste que querías dedicarte a ello? Siempre he tenido esa manía de rayarme la piel desde niña; me encantaba dibujar en mí misma, aunque mi mamá no lo veía tan bien y siempre me decía cosas como: “Pareces baño público”. Pero fue mi papá quien vio potencial en eso y me sugirió que probara a tatuar. Él fue quien me ayudó a comprar mi primer kit de tatuaje, y desde ahí empecé a tomarlo en serio. ¿Hay algún artista o estilo de tatuaje que haya influido en tu trabajo? Me atrae mucho el estilo blackwork. Aunque a veces me piden fineline, siento que me identifico más con el trabajo en negro, con esas líneas sólidas y definidas. También me gustaría explorar más lo tradicional, con esas líneas gruesas y colores vibrantes como el rojo, amarillo y azul. ¿Cómo describirías tu estilo de tatuaje y qué te atrae de ese estilo en particular? En este momento, mi estilo es minimalista, pero no creo que haya definido un estilo propio del todo. Me gusta experimentar con varios, pero definitivamente quiero enfocarme más en el blackwork y trabajar más con áreas planas de color sólido, en lugar de usar una escala de grises. Lo que más disfruto es esa libertad de explorar diferentes técnicas y estilos. 24 MARZO 2025 FOTOGRAFÍAS E ILUSTRACIONES POR SOPHIA SILVA PROCESO CREATIVO ¿Podrías contarnos sobre tu proceso creativo desde la idea inicial hasta el diseño final? Cuando alguien me pide un diseño específico, siempre trato de sugerir algunos cambios o mejoras, pero si el cliente tiene una idea muy clara, lo respeto. Si es un diseño que hago desde cero, primero me inspiro en mis propios gustos o en una temática que me interese. Luego busco imágenes de referencia y hago varios bocetos hasta que algo me convence. Y si es algo que me piden, siempre trato de adaptar mi estilo para que ambos quedemos contentos. ¿Cómo decides qué diseños hacer? ¿Prefieres trabajar con ideas del cliente o te gusta tener libertad creativa? Me gusta mucho cuando los clientes traen sus ideas, pero también disfruto cuando me dan la libertad de ponerles mi toque personal. Creo que el mejor resultado es cuando llegamos a un punto intermedio, donde lo que ellos quieren y lo que yo propongo se fusionan. ¿Qué importancia tiene para ti la relación con tus clientes y cómo te aseguras de que tengan una buena experiencia? Es muy importante para mí que mis clientes se sientan cómodos y seguros. Me gusta asegurarme de que estén 100% satisfechos con el diseño antes de empezar, incluso si eso significa hacer ajustes al stencil varias veces hasta que el acomodo sea perfecto. Al final del día, quiero que se vayan contentos no solo con el tatuaje, sino también con la experiencia completa. �DESAFÍOS Y LOGROS ¿Cuáles han sido algunos de los mayores desafíos que has enfrentado al comenzar como tatuadora? Al principio, me daba mucho miedo tatuar a alguien. Practiqué bastante antes de animarme, pero siempre tenía esa duda de si estaba lista. De hecho, hubo momentos en los que ni siquiera quería tocar la máquina. Fue una amiga quien me dio el empujón que necesitaba al pedirme que la tatuara. Claro, el primer tatuaje no fue perfecto, pero eso me motivó a seguir mejorando. Además, he contado con el apoyo de una amiga tatuadora que me ha resuelto varias dudas, especialmente en el relleno y los tiempos. Pero sin duda, la práctica ha sido clave. ¿Qué es lo más satisfactorio de haber montado tu propio estudio en casa? La comodidad, sin duda. No tener que desplazarme y que el trabajo venga a mí es una gran ventaja. Además, puedo ofrecer precios más accesibles por no tener que pagar renta de un local. Aunque, claro, tiene sus desventajas, como que algunas personas desconfíen o no se sientan tan cómodas al venir a una casa en lugar de un estudio más formal. ¿Cómo manejas el equilibrio entre el profesionalismo y la comodidad al trabajar desde casa? Me gusta que el cliente se sienta en confianza, por eso trato de crear un ambiente relajado, ya sea platicando, poniendo música, o lo que les haga sentir a gusto. Sin embargo, también es importante poner límites, porque hay clientes que a veces confunden la comodidad con demasiada confianza. Siempre trato de mantener el respeto mutuo. Así, Sophia Silva, o sopade_letritas, nos deja con una visión inspiradora sobre el arte del tatuaje y el espíritu emprendedor. Su recorrido evidencia que el camino hacia nuestros sueños requiere dedicación, paciencia y una constante evolución personal y artística. Para Sophia, el tatuaje no solo es una forma de expresión, sino una oportunidad para conectar con los demás y plasmar historias en la piel. Su historia nos invita a encontrar nuestra propia voz en aquello que amamos y a seguir adelante, transformando cada trazo en una parte de nosotros mismos y del mundo. REDES SOCIALES _ INSTAGRAM @sopade_letritas MARZO 2025 25 �E M P R E N D I M I E N T O FREELANCE: CLAVES DE SUPERVIVENCIA TOP 10 CONSEJOS AL COMENZAR COMO ARTISTA FREELANCER IMÁGENES RECUPERADAS DE PEXELS POR: FERNANDO ARMENDÁRIZ Y MÓNICA HELGUEROS Consejos resumidos de las palabras del artista y freelancer mexicano Fabián Ruiz, extraídos de la entrevista realizada por alumnos de FAV del canal ASIMÉTRiCXS en Youtube en Febrero del 2024 E petitivo. mpezar como artista freelancer implica desarrollar un portafolio sólido, promocionar tu trabajo en redes, gestionar clientes y establecer tarifas justas. Organiza contratos claros y mejora constantemente tus habilidades para destacar en un mercado com- 1. DEFINE TU NICHO: Decide qué tipo de arte visual ofrecerás y a qué clientes te dirigirás. 26 Marzo 2025 2. ESTABLECE TU MARCA PERSONAL: Refleja tu estilo y valores en tu portafolio y redes. 3. CREA UN PORTAFOLIO EN LÍNEA: Muestra tu mejor trabajo en un sitio o perfil de arte para ganar credibilidad. 4. OFRECE PROPUESTAS CLARAS: Define alcance, plazos y tarifas en cada proyecto para evitar malentendidos. �5. GESTIONA TUS TARIFAS: Investiga el mercado y establece precios justos que reflejen tu experiencia. 6. FOMENTA BUENAS RELACIONES CON CLIENTES: La buena comunicación puede generar recomendaciones. 7. ORGANIZA TU CARGA DE TRABAJO: Usa herramientas de gestión para cumplir plazos y organizarte. 8. EXPANDE TU RED: Conéctate con otros artistas y participa en eventos para crear oportunidades. 9. SOLICITA FEEDBACK: La retroalimentación ayuda a mejorar y a entender mejor las expectativas de los clientes. 10. PREPÁRATE PARA LA INCERTIDUMBRE: Ahorra y busca apoyo en coworking o redes para afrontar los altibajos. En conclusión, iniciar y consolidarse como artista freelancer requiere un enfoque integral que va más allá de las habilidades creativas. La clave para destacar en este campo es construir una identidad profesional bien definida: un nicho específico y una marca personal que reflejen un estilo único y atraigan al tipo de cliente adecuado. Además, contar con un portafolio en línea sólido, utilizar contratos claros y gestionar tarifas adecuadas permite establecer expectativas y evitar malentendidos. El éxito también depende de una gestión eficiente del tiempo y las relaciones, manteniendo una comunicación abierta y ofreciendo un servicio de calidad que fomente recomendaciones. Por otra parte, gestionar de manera estratégica las finanzas, planificar para la incertidumbre y construir una red de contactos amplia, son prácticas que otorgan estabilidad en un entorno con ingresos variables. En resumen, ser freelancer en el mundo del arte requiere creatividad y una visión de negocios sólida, lo que, con esfuerzo y constancia, permite construir una carrera independiente sostenible y enriquecedora. Ser artista freelancer es fusionar TALENTO Y VISIÓN para crear tu propio camino.” marzo 2025 27 �E N F O Q U E MOTION GRAPHICS EL ARTE DE LOS Dentro del contenido visual visto en los últimos años, los motion graphics se han destacado por mostrar un alto grado de dinamismo y viralidad. POR: JAHIR RODRÍGUEZ L csdcdLenimus, voluptas doluptae. Aborerum imaiorr ovidio es in es nis et a nestis quam aut quo desectu restorit eos estem aut facerupta viti adi nos a eumendandant re, conectur? Reicit moluptas ut aditionet lam fuga. Nemquiati beritio nsequatecus ab im vernatem qui audit dem re re vollo que sequi omnist, nihilla borepudanti sitatiisse maximil icimi, utem. Ma seceptin el endanda volupta tibusci in cusdae simpori busape susam alitaturepti aut autem quideli similibus dolora aut eum fugit es quam re, vol 1 DICIEMBRE 2024 POR: NOMBRE DE FOTÓGRAFO cabezacabezacabeza cabezacabezacabeza os motion graphics en la publicidad son piezas visuales animadas que combinan gráficos, texto, colores y sonido para transmitir un mensaje claro de manera dinámica. Estos gráficos en movimiento se utilizan para captar la atención del público de forma atractiva y memorable, aprovechando el poder de la animación para simplificar conceptos, fortalecer la identidad de marca y mejorar la experiencia del usuario mediante este contenido creado. Se aplican ampliamente en la publicidad actual para captar la atención del público y comunicar mensajes de forma dinámica. En redes sociales, se utilizan en videos cortos e impactantes que promueven productos o servicios, en especial en plataformas como Instagram, TikTok y Facebook. Además, son fundamentales en videos explicativos, donde ayudan a simplificar conceptos complejos en diversos sectores, haciendo más comprensibles las ofertas de las marcas. En campañas digitales, estos gráficos animados enriquecen banners y anuncios web con elementos en movimiento que capturan rápidamente la atención del usuario. Por otro lado, en anuncios televisivos o comerciales en streaming, los motion graphics refuerzan la identidad visual mediante animaciones de logos, tipografías y transiciones fluídas. Incluso en eventos corporativos y presentaciones, las empresas los emplean para crear contenido moderno y atractivo, facilitando la comprensión y haciendo que el mensaje sea más memorable. Esta versatilidad ha consolidado a los motion graphics como una herramienta clave en la comunicación MARZO 2025 28 �E N F O Q U E publicitaria, permitiendo a las marcas conectar mejor con su audiencia en un entorno saturado de contenido. Aunque es una técnica relativamente reciente, los motion graphics se han ganado un lugar en el mundo del arte contemporáneo debido a su capacidad para combinar estética, tecnología y funcionalidad comunicativa. Su versatilidad y el potencial para experimentar con diferentes estilos y técnicas les otorgan una riqueza expresiva que los convierte en una forma de arte reconocida, utilizada en diversos campos como la publicidad, el cine y la web. ¿POR QUÉ SON CONSIDERADOS ARTE? Combinación de disciplinas: Son un cruce entre el diseño gráfico, la animación y, en ocasiones, la cinematografía. Esta fusión de diferentes disciplinas artísticas les otorga una riqueza expresiva y una complejidad que los eleva a la categoría de arte. Creatividad y expresión: Al igual que cualquier otra forma de arte, los motion graphics permiten a los creadores expresar sus ideas, emociones y visiones del mundo de manera única y original, permitiendo que cada pieza se mantenga como una obra individual con un estilo y una narrativa propia. Narración visual: Son capaces de contar historias de manera concisa y efectiva, utilizando elementos clave como el movimiento, el sonido y la imagen como herramientas narrativas. Esta capacidad de comunicar ideas a través de la imagen en movimiento los acerca a otras formas de arte narrativo, como el cine y la animación. Impacto emocional: Pueden generar una gran variedad de emociones en el espectador, que van desde la alegría y la sorpresa hasta la tristeza y la reflexión. Este poder de evocar sentimientos tan intensos y diversos constituye una de las características más distintivas y poderosas del arte, que trasciende el tiempo, el espacio y las fronteras culturales. Valor estético: Al igual que una pintura o una escultura, los motion graphics pueden ser apreciados por su belleza formal, su armonía de colores y su composición visual. Son considerados arte porque cumplen con los criterios fundamentales que definen cualquier expresión artística como la creatividad, originalidad y la capacidad de comunicar ideas. En conclusión, los motion graphics son considerados arte porque combinan creatividad, tecnología y narrativa de manera innovadora, dando lugar a piezas visuales que no solo cumplen una función comunicativa, sino que también provocan una respuesta emocional en el espectador. Su capacidad para transformar elementos estáticos en secuencias dinámicas y su versatilidad para explorar diferentes estilos visuales les otorgan una riqueza expresiva que va más allá de lo digital o lo funcional. 29 MARZO 2025 �E N F O Q U E LA REVOLUCIÓN DIGITAL EN TUS OÍDOS EL AUGE DE LOS PODCASTS: UNA NUEVA ERA DE COMUNICACIÓN En la última década, los podcasts han pasado de ser un formato de nicho a convertirse en una de las principales plataformas de entretenimiento e información, atrayendo a millones de oyentes en todo el mundo IMAGENES EXTRAIDAS DE FREEPIK POR: EVELYN SILVIA L a manera en que consumimos contenido ha evolucionado los últimos años, y el podcast se ha convertido en un formato que ha crecido exponencialmente, siendo una forma muy de popular de entretenimiento en la era digital. Desde sus inicios, los podcasts han evolucionado, pasando de ser simples grabaciones de audio a convertirse en plataformas ricas y diversas que atraen a millones de oyentes en todo el mundo. El podcasting se remonta a principios de la década de 2000, cuando se utilizó por primera vez el término “podcast” en 2004. Sin embargo, su verdadero despegue ocurrió en 2005, cuando Apple incorporó la función de podcasts en su plataforma iTunes. Esto facilitó el acceso y la suscripción a programas, lo que llevó a un aumento significativo en la cantidad de oyentes y creadores. Durante este período, muchos programas comenzaron a explorar diversos géneros, desde noticias hasta entretenimiento y educación. 30 MARZO 2025 A medida en que el podcasting ganaba popularidad, comenzó a diversificarse. Según un estudio de Edison Research, en 2023 hubo más de 465 millones de oyentes de podcasts en todo el mundo y se estima que esta cifra alcanzaría aproximadamente 504.9 millones para finales de 2024. Además, un 57% de los oyentes afirma que ha incrementado su consumo de podcasts en el último año, lo que evidencia un creciente compromiso con este medio, siendo Spotify la plataforma que lidera esta industria, seguida por ApplePodcast. Hoy en día, el podcasting se ha establecido como una forma importante de comunicación y entretenimiento. Este medio ha evolucionado para incluir no solo audio, sino también elementos visuales y formatos interactivos. Asimismo, la pandemia global aceleró aún más su crecimiento, ya que muchas personas buscaron nuevas formas de entretenimiento e información mientras estaban en casa. �Y es que los podcasts ofrecen una forma única de consumir información que se adapta perfectamente a la vida moderna. A diferencia de otros formatos, como la televisión o el cine, los podcasts permiten a los oyentes disfrutar del contenido mientras realizan diversas actividades, ya sea conduciendo, haciendo ejercicio o incluso cocinando. La flexibilidad del on-demand, permite a los oyentes escuchar episodios en el momento que deseen. Esta característica se complementa con la capacidad de pausar, retroceder o avanzar en el contenido, algo que no es posible, por ejemplo, en la televisión, donde los espectadores deben sintonizar en horarios específicos para no perderse el contenido o la radio en vivo, donde todo es efímero y se transmite en tiempo real. Además, el acceso a plataformas como Spotify, Apple Podcasts y Google Podcasts ha facilitado la búsqueda y escucha de estos programas, haciendo que sea sencillo para los oyentes explorar una vasta biblioteca de programas sobre casi cualquier tema, lo que también democratiza el acceso al conocimiento y la cultura. Su amplia oferta temática es una de las características más atractivas. Desde historias personales hasta análisis sobre temas específicos; siempre hay un podcast para cada interés, y es gracias a esta variedad, se fomentan ambientes inclusivos donde cada oyente puede encontrar algo que resuene con sus intereses. Según la macroencuesta Statista Consumer Insights, el 47% de los mexicanos encuestados se declara como oyente de podcasts. De este grupo, el 42% pasa diez horas o menos cada semana disfrutando de este formato de audio, mientras que un 5% dedica al menos once horas semanales a esta actividad Más datos revelan que la comedia es el género más popular, con un 46% de los oyentes disfrutando de programas en esta categoría. La música sigue de cerca, con un 43% de los encuestados sintonizando podcasts relacionados con sus artistas y géneros favoritos. Además, los temas de consejos y autoayuda capturan la atención del 41% de la audiencia. Por otro lado, podcasts sobre negocios y economía, ciencia y tecnología, así como cine y televisión, son seguidos por alrededor de un tercio de los oyentes. Finalmente, los géneros que abordan la salud, bienestar e historia, son disfrutados por algo menos del 30% de los participantes. A medida que el podcasting sigue evolucionando, se convierte en una herramienta cada vez más esencial para divulgadores y creadores de contenido en general. Su capacidad para contar historias de manera íntima y, sobre todo, accesible, permite a los oyentes sumergirse en un mundo de ideas y experiencias que trascienden las barreras del tiempo y el espacio. A diferencia de otros formatos, como la televisión o el cine, los podcasts permiten a los oyentes disfrutar del contenido mientras realizan diversas actividades, ya sea conduciendo, haciendo ejercicio o incluso cocinando MARZO 2025 31 �A R T E CROCHET UN MUNDO DE CREATIVIDAD, ARTE Y TRADICIÓN POR: JOSELINE VÁSQUEZ Tejer es una técnica ancestral que sigue con vida, acompáñanos a explorar su origen, beneficios y el amplio mundo de posibilidades que ofrece, mostrando cómo ésta forma de tejido sigue cautivando tanto a jóvenes como a adultos 32 MARZO 2025 2 septiembre 2020 E l Crochet es una técnica tan antigua y fascinante que ha sobrevivido a lo largo de los siglos, reinventándose con cada generación. Con solo un gancho y un hilo, es posible crear un universo de posibilidades: desde accesorios y prendas de ropa hasta complejas obras de arte. La palabra “crochet” proviene del germánico croc y del francés antiguo crochet, que significa gancho, haciendo referencia a la herramienta principal utilizada para tejer. Pero ¿qué es lo que lo convierte en un arte tan especial? �Este tipo de tejido manual, que parece tan simple, es en realidad muy versátil. Con el ganchillo, se forman cadenas de puntos que, entrelazados, dan lugar a patrones complejos o sencillos. La belleza del crochet radica no solo en los productos finales, sino también en el proceso mismo, que resulta ser relajante y casi meditativo. Para iniciarte en este arte, solo necesitas tres elementos básicos: un gancho, hilo o estambre y unas tijeras. Los ganchos vienen en diferentes tamaños y materiales, desde aluminio y acero hasta madera y plástico. Para los principiantes, los ganchos metálicos son recomendados por su precisión y suavidad al deslizarse sobre el hilo. El hilo, por su parte, varía en grosor y textura, lo que influye en el resultado final de las piezas. ¡Y eso es todo! Con estos simples materiales, estarás listo para dar los primeros pasos en el fascinante mundo del crochet. Un vistazo a la historia del crochet Los orígenes exactos del crochet aún generan debate. Aunque hay evidencias de tejidos a mano que datan del siglo XI, se cree que la técnica moderna del crochet comenzó en Europa en el siglo XVI, durante el auge de los encajes. Sin embargo, algunos estudiosos han encontrado rastros de esta técnica en América y el Medio Oriente, lo que sugiere que pudo haber nacido en varias partes del mundo simultáneamente. Lo que está claro es que el crochet ha logrado mantenerse a lo largo del tiempo, adaptándose a diferentes culturas y estilos. Hoy en día, es una técnica amada por millones, desde aficionados hasta artistas textiles que experimentan con el crochet como forma de expresión. Una de las mayores virtudes del crochet es su versatilidad. Las creaciones pueden ser tan variadas como sombreros, bolsos, suéteres, tops y hasta cobijas. Sin embargo, no se limita solo a prendas de vestir. Puedes hacer accesorios como pendientes, guantes o incluso fundas para celulares. ¡Las posibilidades son infinitas! El crochet ha logrado mantenerse a lo largo del tiempo, adaptándose a diferentes culturas y estilos. septiembre 2018 3 �A R T E Tendencia actual: Amigurumi Una de las técnicas más populares dentro del crochet en los últimos años es el amigurumi. Esta técnica, originaria de Japón, se centra en la creación de figuras tejidas a mano, normalmente en forma de animales, personajes o criaturas adorables. Estas pequeñas obras maestras se tejen en espiral y se rellenan para darles una apariencia tridimensional. En la cultura japonesa, se cree que los amigurumis tienen un alma que acompaña y protege a su dueño, convirtiéndolos en algo más que simples objetos decorativos. Los amigurumis han ganado popularidad en todo el mundo, gracias a la explosión de tutoriales y patrones disponibles en línea. Si bien comenzaron en Japón, ahora es común ver estas pequeñas figuras adornando espacios en Occidente, ya sea en escritorios, habitaciones o como regalos personalizados. ¿Qué necesito para crear crochet? Los ganchos están realizados de aluminio, acero, madera, bambú y plástico, sin embargo, lo más recomendable es usar los metálicos ya que el tejido suele ser delicado. Existen alrededor de 25 tamaños de ganchillo, normalmente cuando se compra el hilo para tejer, se indica cual ganchillo debe usar. Para empezar en este gran arte, solo basta con hilo, gancho que corresponda y tijeras. Proyectos El crochet ofrece una amplia gama de posibilidades creativas. Se pueden hacer desde accesorios como sombreros, bolsos y pendientes, hasta prendas de ropa como suéteres y tops, además de cobijas, guantes y estuches. Esta técnica permite crear prácticamente cualquier cosa que la imaginación dicte. 34 MARZO 2025 �BENEFICIOS DE TEJER A CROCHET Más allá de ser un hobby, también tiene beneficios para la salud mental y física. Entre los más destacados están: • Mejora de la motricidad fina • Reducción del estrés • Aumento de la autoestima • Mejora la concentración y planificación • Fomenta la creatividad • Fortalece las relaciones personales • Entrena la resolución de problemas ¿Cómo aprender crochet? Si deseas sumergirte en el arte del crochet, existen numerosos recursos disponibles. Entre ellos, los cursos online son una excelente opción. Plataformas como Domestika ofrecen cursos para todos los niveles, desde principiantes hasta avanzados, con proyectos que van desde lo más básico hasta creaciones complejas. �A R T E BODYPAINT UNA EXPRESIÓN ARTISTICA Una manifestación artística que convierte el cuerpo humano en un lienzo vivo POR: EVELYN SILVIA E FOTOGRAFÍAS DE ANDREA MENDEZ l bodypaint o pintura corporal, es una técnica que tiene sus orígenes en prácticas antiguas que evolucionaron a lo largo de los siglos, adaptándose a diferentes contextos culturales y artísticos. Sus inicios se remontan a la prehistoria, cuando los seres humanos utilizaban pigmentos naturales como carbón y sangre animal para adornar sus cuerpos. Estas prácticas no solo tenían un valor estético, sino que también cumplían funciones sociales y rituales, siendo así utilizada como instrumento de transformación; los dibujos y colores permitían a los individuos alternar entre diversas identidades, señalar la entrada en un nuevo estado social o reafirmar su pertenencia a una comunidad determinada. En este sentido, el bodypaint adquirió un simbolismo social y cultural tan fuerte que cada vez más individuos deseaban exponer sus cuerpos decorados, Con el tiempo el bodypaint fue perdiendo su carácter utilitario y se transformó en una forma de arte reconocida, siendo a finales del siglo XX que resurgió con fuerza y comenzó a ser considerado un medio artístico por sí mismo. Diversos moviemientos del Body Art en los años 60 y 70 ayudaron a legitimar esta práctica y permitieron que artistas exploraran nuevas dimensiones creativas. El body painting también se integró en el ámbito del performance. Durante esta época muchos artistas comenzaron a realizar performances donde el cuerpo pintado era central y su efimeridad se convirtió en un recurso poderoso para explorar la vulnerabilidad humana y los límites del cuerpo. Andrea Méndez Artista egresada de la Facultad de Artes Visuales de la UANL se especializa en BodyPaint. 36 MARZO 2025 �Hoy en día, el bodypaint se presenta en diversas formas y estilos. Los artistas contemporáneos utilizan su creatividad para explorar temas como la identidad, la naturaleza y la crítica social, convirtiéndolo en una poderosa herramienta de expresión personal y social. Eventos como el World Body Painting Festival en Austria han contribuido a consolidar esta disciplina como una forma respetada de arte visual. El bodypaint ha encontrado su lugar no solo en galerías de arte, sino también en eventos culturales y festivales alrededor del mundo. A medida que crece su popularidad, también lo hace su aceptación dentro del ámbito artístico formal. Sin embargo, aún enfrenta desafíos relacionados con la percepción pública; muchos todavía lo confunden con el tatuaje o perciben como una forma de exhibicionismo. A pesar de esto, cada vez más artistas están desafiando estos prejuicios al mostrar el bodypaint como un medio legítimo para explorar la creatividad y autoexpresión. La comunidad artística está comenzando a reconocer su valor, no solo como técnica estética, sino también como un vehículo para el cambio social. redes sociales _ INSTAGRAM @andy_quartz Esta efímera forma de arte invita al espectador a reflexionar sobre la naturaleza del cuerpo humano y su relación con el entorno. MARZO 2025 37 �E V E N T O S C elebrando la anual y popular Feria Internacional del Libro Monterrey, el pasado 28 de septiembre inició una semana llena de un buen caos, creado por mar de gente entusiasta por la lectura y por adentrarse en su más grande exposición en Monterrey. Aunque Cintermex abrió sus puertas al público y brindó un espacio enorme, lleno de stands y salas, en donde se vio un flujo de personas impresionante; incluso algunos stands llegaban a acumular filas para lograr entrar, como fue el caso de editoriales de gran renombre como Planeta, o Librerías Gandhi, una de las tiendas de libros más grandes de México. En los últimos catorce años, la Feria ha recibido a miles de jóvenes interesados en la lectura, esto siendo consecuencia de una 38 MARZO 20252020 2 septiembre explosión de popularidad en las novelas juveniles, y diversos géneros como la ciencia ficción, fantasía, romance; y en las adaptaciones en pantalla que se ganaron las obras más populares de estos. Dicho fenómeno creó una ola de nuevas generaciones enamoradas de la lectura y la ficción, lo que repercutió en la cantidad de asistentes en pasadas ediciones de la Feria. Una buena manera de interesar a personas desde la infancia en la lectura es buscando que sea de una manera más orgánica, es decir, buscar que ellos se interesen por sí mismos y no forzarla. Un hecho es que nadie aprecia hacer cosas por insistencia de externos, lo que sería una buena razón para explicar el por qué los jóvenes no leen, cuando en realidad solo necesitan un buen incentivo, como encontrar libros que sean de temas de su interés para desarrollar el hábito de la lectura. �Lo más bello de la Feria en esta edición, fue todo lo que prepararon para los niños. El llamado “Pabellón de la Niñez” con el título “La Tierra Nuestro Hogar”, con el propósito de que los niños se sientan como parte de la naturaleza, un ser vivo más como los muchos que hay en el planeta. En este pabellón, se impartieron talleres que iban dirigidos a niños desde los seis hasta los trece años, estos fueron impartidos por diversas instituciones como la Secretaría de Cultura y CONARTE En estos talleres, los niños participaban en actividades para desarrollar su imaginación, como construir con piezas de LEGO, y dibujar basándose en audios proporcionados por medio de auriculares; además varios de los talleres se impartieron por medio de un cuentacuentos, donde sentaban a los niños en una sala totalmente ambientada para hacerlos sentir un “bichito” más en un gran campo. Aquí contaban historias con mensajes educativos, donde pequeñas actuaciones acompañaban a la narración; estos cuentos fueron preparados con la intención de ayudar a las infancias a comprender temas importantes y algo fuertes, uno de ellos aprender a lidiar con el duelo por el fallecimiento de un hermano, en la situación de los bebés que lamentablemente nacen sin vida. También, había un Foro de Espectáculos, en donde los niños podían entretenerse con diversas actuaciones que involucraban música y teatro. El conjunto de todas estas actividades, aunque para muchos no lo parezca, es una forma increíblemente asertiva para lograr interesar de manera natural a los niños en la lectura; antes de amar a los libros, hay que amar la narración y las historias. Muchas personas han relatado que la razón por la que tardaron mucho tiempo en interesarse en la lectura, o nunca lo hicieron, es porque su único acercamiento a la literatura fue en la escuela, donde muchas veces fueron forzados a leer obras que no captaban su interés y así se llevaron una mala experiencia de la lectura. Con estas funciones y actividades preparadas por la feria, se incita a los niños a convivir con la narración de historias, con la fantasía, con los mensajes, y con las emociones que éstos sacan a flote en ellos. En conclusión, el “Pabellón de la Niñez” fue notoriamente creado con la sólida intención de invitar a los niños a pasar momentos agradables, donde cada aspecto fue diseñado para ellos y su felicidad, rodeados de personas e intenciones de que encuentren ese espacio en la literatura para ellos. Físicamente, cada aspecto fue hecho para crear una experiencia mágica para las infancias, donde pudieron sentirse totalmente parte de la naturaleza. Algo que hizo muy especial a este pabellón fue el esmero con el que hicieron la identidad del evento, sobre todo las ilustraciones en exposición; hechas con colores vibrantes y un estilo que nos hace recordar a las figuritas de papel que tanto adoran hacer los niños cuando desatan su creatividad. MARZO 2025 39 �E V E N T O S ECOS: ARTE EN EXPOSICIÓN ALUMNOS 9° SEMESTRE Un espacio donde la creatividad y la iniciativa se encuentran, dando lugar a la primera exposición de este tipo, en la que los estudiantes pueden mostrar su evolución artística dentro de la facultad y compartir sus trabajos con el público POR: FERNANDO ARMENDARIZ L POR: DIANA LOZANO a exposición Ecos: Arte en Evolución, fue un vibrante despliegue de talento y creatividad dentro de la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Este evento celebra el arte emergente de los estudiantes de noveno semestre de las 3 diferentes licenciaturas de la facultad, quienes actualmente ya son egresados; ofreciendo un espacio para que sus obras brillen en un nuevo entorno. 40 MARZO 2025 La inauguración en la FAV tuvo lugar el 28 de agosto del 2024 a las 12 p.m. en el Edificio A, donde la directora Verónica Delgado Cantú compartió su entusiasmo por la iniciativa. �N EVOLUCIÓN Dra. Verónica Delgado Directora POR: DIANA LOZANO La exposición no solo muestra el talento de los estudiantes, sino que también actúa como una fuente de inspiración para los demás. Ver a compañeros exponiendo en un espacio tan importante genera curiosidad y ambición. MARZO 2025 41 �E V E N T O S La iniciativa El comienzo Todo comenzó cuando una alumna entusiasta, Julia Díaz, se acercó al departamento de vinculación con una idea ambiciosa: organizar una exposición colectiva que uniera a estudiantes de las tres licenciaturas. “Queríamos darles la oportunidad a los que están a punto de egresar de mostrar su trabajo en un espacio formal,” explica Celeste Flores, docente de la FAV. A las 12:23 p.m. del mediodía, la directora Verónica Delgado dio por inaugurada la esperada exposición, continuando el evento con un recorrido guiado por Julia Díaz, quien comenzó presentando su obra titulada “Si Mi Corazón no Rima con la Realidad”. En el marco de la exposición Ecos: Arte en Evolución, Julia Díaz compartió su visión y agradecimientos a todos los involucrados en hacer realidad este evento. “Quería hacer esta exposición más que nada para poder darle la experiencia a muchos amigos de todas las carreras, para que pudieran exponer y tener la oportunidad de mostrar su trabajo al público. Me di cuenta que en noveno semestre había mucha gente que nunca había expuesto, y quería facilitar ese proceso para ellos,”explicó Julia. No todos están acostumbrados a conocer cómo funciona una exposición, así que decidí que era hora de abrir ese espacio. Julia Díaz Egresada de FAV 42 MARZO 20252020 4 septiembre El recorrido por la exposición permitió a los asistentes apreciar una variedad de obras que reflejan la producción artística de los estudiantes, muchas de ellas creadas para exposiciones dentro del aula. La temática de las piezas indica una introspección intensa y honesta, mostrando la conexión personal del artista con su trabajo. Julia también comentó sobre la diversidad de medios en las artes visuales: “En nuestra carrera, también podemos explorar el performance y el audiovisual. A menudo, se asocian las artes visuales únicamente con materiales plásticos, pero vivimos en una época contemporánea en la que podemos expresarnos a través de diferentes formatos y experimentar con medios menos convencionales.” Con esta inauguración, Ecos no solo celebró el arte en su forma más pura, sino que también promovió un diálogo sobre la evolución y la diversidad en las prácticas artísticas, invitando a todos a explorar nuevas maneras de crear y expresarse. �POR: FERNANDO ARMENDARIZ POR: DIANA LOZANO Un llamado al arte y la colaboración Julia explicó que la idea de la exposición nació de su experiencia personal al no haber participado en muchas exposiciones durante su carrera, al hablar con compañeros de otras carreras, se dio cuenta de que ellos también carecían esa experiencia. Por lo que decidió organizarlo para facilitar el proceso, encargándose de la logística para que pudieran enfocarse en mostrar su trabajo. POR: FERNANDO ARMENDARIZ Julia Díaz junto con su obra en la exposición ECOS: Arte en evolución. También sugirió la importancia de conocer a personas del medio fuera de la carrera, pues no solo amplía la comprensión del entorno, sino que también aporta conocimientos técnicos y teóricos que pueden ser útiles. Enfatizó lo esencial de mantener una mente abierta hacia nuevas conexiones y relaciones de apoyo mutuo. Finalmente, Julia expresó su admiración por su generación de noveno semestre, destacando su sentido de comunidad y la capacidad para luchar por sus objetivos en conjunto, para enriquecer la experiencia artística de todos. La exposición busca seguir invitando a los estudiantes actuales a seguir los pasos de sus predecesores, pues se espera que esta actividad se repita en los próximos semestres, consolidándose como una tradición dentro de la facultad. “Las puertas están abiertas para que más proyectos como este florezcan.” Así, Ecos se convierte en un símbolo de la unión entre el arte, la iniciativa estudiantil y la gestión cultural, demostrando que la creatividad no tiene límites y que cada paso dado por los estudiantes es una semilla que germina en el futuro del arte. POR: FERNANDO ARMENDARIZ Abriendo puertas al futuro septiembre 2018 5 �E V E N T O S C ompromiso es la palabra correcta para describir la relación que tiene el alumnado de la Facultad de Artes Visuales con la festividad de Halloween. Como cada año, el pasado 31 de octubre se celebró la fiesta de Halloween en las instalaciones de la facultad; este es el momento más esperado por los alumnos en el año, pues es la oportunidad perfecta para escalar el ambiente tan divertido y creativo que caracteriza a las artes visuales, portando disfraces originales dignos de un espectáculo. Lo mejor de este evento son las actividades que se organizan, de alumnos para alumnos, como una nueva edición del Mercado de Arte y Diseño “MAD” en donde los estudiantes tienen la oportunidad de exponer su arte, la cotizada casa del terror con la gran fila para lograr acceder; y la más reciente edición: la cabina de fotografías, que brinda la oportunidad de inmortalizar el gran recuerdo de la fiesta más divertida del año. Y este evento también se trata de demostrar el talento de FAV, con la explanada llena de presentaciones como la de el Club de Música, o grandes concursos como la batalla de Lip Sync, y el tan esperado concurso de disfraces. 44 MARZO 20252020 2 septiembre �Aunque la Fiesta de Halloween en su totalidad es un evento increíble amado por los alumnos de FAV, es bien sabido que el momento más anticipado del evento es el concurso de disfraces. Por excelencia, las facultades del rubro artístico son quienes traen a la vida los disfraces más creativos y despampanantes, y la nuestra no es la excepción. Esta es una escuela llena de personas creativas, que en cada aspecto de su vida y su estilo buscan expresar su personalidad llamativa y su talento para el lenguaje visual; eso se ve reflejado en la manera en que el alumnado trabaja duramente por semanas para lograr un increíble disfraz y llevarlo a la facultad, para competir en el concurso de disfraces. Por este concurso han pasado cientos de alumnos con disfraces increíbles, de calidad y creativos, y con ellos una actuación espectacular para presentar su caracterización. Este momento es totalmente sobre personificación, y de éste mismo nació la leyenda viral, Ethan Kuri, quien fue viral en cuatro ocasiones: el vaso de Pollo Loco, el libro de español, la bolsa de Didi Food, y este año, volcán; él es el gran ejemplo del compromiso que tienen con crear un gran disfraz, y la diversión que da la fiesta. Como cada año, el Top 10 final de los disfraces fue impecable, haciendo extremadamente difícil poder decidir en los tres primeros lugares. Aquí, se premia la creatividad del disfraz, el empeño que pusieron en él, y la actitud con la que presentan su obra. Te presentamos los primeros 3 lugares del concurso de disfraces, donde lo más destacable fue el esfuerzo en la calidad del disfraz, la calidad del material y el maquillaje, la creatividad de crear piezas móviles, y el compromiso de enfrascarse en un personaje para dar una presentación completa de su visión. MARZO 2025 45 �E V E N T O S CERTAMEN DE ALTARES UANL POR: POLETH FLORES Y MONICA HELGUEROS Celebrando la TRADICIÓN y la CREATIVIDAD la UANL reúne a su comunidad en un colorido homenaje a la cultura y sus figuras destacadas. P FOTOGRAFÍA: MONICA ALEXANDRA or más de 25 años, la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL) ha invitado a su comunidad universitaria a participar en una de las tradiciones mexicanas más emblemáticas: el Certamen de Altares de Muertos. Organizado por la Secretaría de Extensión y Cultura, a través de la Dirección de Desarrollo Cultural, este evento ha reunido a estudiantes y docentes de diversos planteles para rendir homenaje a figuras destacadas de la Universidad y la cultura popular a través de altares llenos de color y simbolismo. Este año, el certamen se llevó a cabo con la misma pasión y dedicación que ha caracterizado a esta festividad. El Dr. José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura de la UANL, destacó la importancia de estas manifestaciones artísticas: “Estas expresiones son integradoras y representan a nuestra comunidad, manteniendo viva la tradición”. 46 MARZO 2025 Las preparatorias y facultades que participaron fueron demasiadas este año, un total de 31 sedes, abarcaron desde la Preparatoria 1 hasta la Facultad de Filosofía y Letras, mostrando un abanico diverso de propuestas que rendían tributo a figuras como Guillermo González Camarena, El Santo, y Cristina Pacheco. A continuación, se presentan las dependencias ganadoras del certamen de este año. GANADORES DEL CERTAMEN DE ALTARES UANL 2024 Primer lugar: Altar dedicado a Guillermo González Camarena por la Facultad de Artes Visuales. Segundo lugar: Altar dedicado a Ramón Valdiosera Berman por la Escuela Industrial y Preparatoria Técnica Álvaro Obregón (Unidad Monterrey I). Tercer lugar: Altar dedicado a Cristina Pacheco por la Preparatoria 9 �FOTOGRAFÍA: EFRAÍN ALDAMA, PREPARATORIAS Y FACULTADES UANL FOTOGRAFÍA: EFRAÍN ALDAMA, PREPARATORIAS Y FACULTADES UANL FOTOGRAFÍA: EFRAÍN ALDAMA, PREPARATORIAS Y FACULTADES UANL MARZO 2025 47 �E V E N T O S CERTAMEN DE LAS ARTES VISUALES UANL 2024 El arte estudiantil encuentra su escenario, brindando una oportunidad única para que las ideas y talentos jóvenes se hagan visibles POR: FERNANDO ARMENDARIZ E n el más reciente Certamen de las Artes Visuales UANL realizado el día 5 de Septiembre del 2024, autoridades académicas y culturales tales como: el Dr. José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura; Martha Ramos Tristán, directora de Desarrollo Cultural Universitario; Sara López, Curadora de Arte; Pablo Cuéllar, coordinador de Exposiciones de la Secretaría de Extensión y Cultura; se reunieron para celebrar la creatividad de los estudiantes. Martha Ramos, agradeció el apoyo del rector de la UANL y destacó la labor del jurado compuesto por egresados de la Universidad. Reconoció la importancia de las artes en el desarrollo de un pensamiento crítico entre los jóvenes y alentó a los participantes a seguir dedicándose a estas disciplinas. “¿Algún día seré libre?” por Olga Margarita González Nieves. El certamen, que comenzó en los años 90 y se realiza anualmente desde 2004, recibió 109 obras en diversas categorías: dibujo, pintura, fotografía y formatos tridimensionales. Ramos enfatizó el esfuerzo de los estudiantes y la confianza en que algunos de ellos se convertirán en artistas destacados. Agradeció a los equipos involucrados en la organización y montaje de la exposición, motivando a los participantes a continuar su camino en el mundo del arte y a seguir presentándose en futuras convocatorias. POR: DIANA LOZANO Sara López, expresó su admiración por las autoridades presentes y agradeció a todo el equipo de la Secretaría de Extensión y Cultura por su dedicación en la realización del evento. En su discurso reflexionó la complejidad de las artes y la influencia que tiene en la sociedad. Afirmó que todas las obras presentadas, premiadas o no, reflejan un esfuerzo valioso y cultural. Felicitó a los participantes por su valentía al mostrar su trabajo y los animó a seguir explorando el arte, ya que muchos de ellos podrían convertirse en agentes de cambio en el futuro. 48 marzo 2025 �POR: FERNANDO ARMENDARIZ “¿Para qué sirve el arte?, créanme que he escuchado a los más importantes estudiosos y académicos titubear, contradecirse y no poder resolver esta interrogante. El arte parece cotidiano y omnipresente, pero tiene un aura e incluso en sí mismo las armas para destruirla, ejercicio humano contradictorio hasta el límite, pero quizá el más influyente y seductor de todos.” Así mismo, José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura, dio al público la bienvenida al Certamen de Artes Visuales UANL 2024 en el emblemático Colegio Civil, destacando su importancia como un lugar de encuentro y expresión creativa. Resaltó la visión del rector Santos Guzmán López sobre una educación integral que valore la diversidad y el impacto del arte en la formación de estudiantes y docentes. “No me resta más que felicitar a los estudiantes que participaron en este certamen con sus pinturas, dibujos, fotografías y piezas tridimensionales, hoy nuestra máxima casa de estudios impulsa su talento y los convoca a seguir creando arte, quiero decirles que la Universidad Autónoma de Nuevo León la hacemos todos, absolutamente todos; los que le damos vida, los que exponemos, los que vamos a los cursos, los que estamos en los campus, los que nos sentimos universitarios, muchas gracias por estar aquí.” POR: DIANA LOZANO Villarreal también mencionó que las 109 obras presentadas fueron evaluadas con rigor por un jurado de prestigio, considerando aspectos como originalidad y técnica. Felicitó a todos los participantes y los animó a seguir explorando su talento artístico, reafirmando que la Universidad es un espacio donde todos contribuyen al desarrollo de una comunidad vibrante y creativa. La ceremonia no solo celebra el arte, sino que también impulsa a los estudiantes a trascender como profesionales y agentes de cambio en la sociedad. “Elena” por Priscila Alheni Ángeles Leija. MARZO 2025 49 �E V E N T O S GANADORES Formatos tridimensionales 01 * PRIMER LUGAR Obra: El vals del equilibrio Cinthia Lizeth Cantú Guardiola Facultad de Artes Visuales MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Elena Priscila Alheli Ángeles Leija Preparatoria 7 Oriente Fotografía 01 02 03 * PRIMER LUGAR Obra: Arriba Myriam Catalina Puente Ávila Facultad de Ciencias de la Comunicación SEGUNDO LUGAR Obra: Rito, fe, muerte Fernando Isaí Díaz Gutiérrez Facultad de Artes Visuales TERCER LUGAR Obra: Mi visión mundo nírico Aarón Yecatl Ayala Sánchez Facultad de Ciencias de la Comunicación MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Vida Estrella Ismerai Medina Salazar Preparatoria 16 Obra: Ecos del Alma Valeria Murillo Gámez Preparatoria 8 Obra: Texas on the road Cecilia Alejandra García Zugsti Facultad de Artes Visuales 50 MARZO 2025 �Pintura Dibujo 01 PRIMER LUGAR 01 PRIMER LUGAR 02 SEGUNDO LUGAR 02 SEGUNDO LUGAR 03 TERCER LUGAR * Obra: Cada vez que entro al club Mauricio Javier González Manzo Facultad de Arquitectura Obra: Dinámica de músculos Bibiana Jiménez Ramírez Facultad de Artes Visuales Obra: Cerro de Santa Catalina Shirley Elizabeth Coronel Ponce Preparatoria 25 MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Perdónanos Señor Itzel Jacqueline Posada Martínez Facultad de Artes Visuales Obra: Como vine al mundo Andrea García Orozco Facultad de Artes Visuales 03 * Obra: Analogía circulatoria José Luis Hernández Pérez Facultad de Medicina Obra: El fantasma de Tsushima Eduardo José Gutiérrez Facultad de Ingeniería Mecánica y Eléctrica TERCER LUGAR Obra: Dulces sueños Alejandro Udave Sadurni Facultad de Ciencias Químicas MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Emergencia Sofía Rubí Leyva Acevedo Facultad de Artes Visuales Obra: Sin cabida ni pronunciación Itzel Jacqueline Posada Martínez Facultad de Artes Visuales MARZO 2025 51 �Marzo 2025, Número 13 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2025 Volumen Volumen de la revista 7 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Tetramestral Relación OPAC https://revistacroma.uanl.mx/index.php/revista/issue/view/14/14 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2025, Vol. 7, No. 1, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Diseño Arte Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2025-03-01 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource txt/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021477 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant San Nicolás de los Garza, Nuevo León Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores Artistas cine y curiosidades Fotografía Los tatuajes como forma de expersión Producciones audiovisuales https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/22061/Croma_Arte_Diseno_Audiovisual_2025_Vol._7_No._2_Agosto.pdf 85eddf7c1d9dd47ece653db85309097a PDF Text Text �Í N D I C E TALENTO FAV 4 CRISTINA PALOMO 8 EDGAR SANDOVAL DOCENTE 12 DR. MARIO ALBERTO MÉNDEZ RAMÍREZ TEMA DEL MES 16 DEL PAPEL A LA PORTADA EMPRENDIMIENTO 20 PINKUPINKU 22 OZIEL CASTILLO ENFOQUE 24 ANIMACIÓN TRADICIONAL VS ANIMACIÓN DIGITAL 2 AGOSTO 2025 �ARTE 28 LA VISIÓN DE UN ARTISTA DEL GRAFFITI PATRIMONIO 32 JOSÉ GUADALUPE POSADA EVENTOS 34 BIENAL DE VENECIA 38 CREPÚSCULOS QUE DURAN UN INSTANTE 42 EMPRENDER EN EL DISEÑO CREDITOS Dr. Med. Santos Guzmán López Rector UANL Dr. Mario Alberto Garza Castillo Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL M.A. Ana Isabel Guzmán Medrano Directora de la Facultad de Artes Visuales Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado M.A. Santiago Javier Villarreal Villarreal Secretario Académico Jorge Humberto Briones Leal Portada Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván MMDRS. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores Croma CROMA, año 7, No. 14, Agosto 2025, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Adriana Karina Aguirre Araujo Barbara Gisselle Frias Rosales Juan Angel Salazar Rios Juan Gerardo Delgado Robles Lizbeth Guadalupe Diaz Martinez Marjaneh Vargas Barajas Monica Damarys Rodriguez Gracia Oziel Isaias Vazquez Ruiz Ximena Alejandra Mendez Paulin Estancia de Producción Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2023080113474100-102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor AGOSTO 2025 3 �T A L E N T O T A L E N T O F A V F A V CRISTINA PALOMO EL ARTE ESPEJO Y VOZ COMO Estudiante de la carrera de Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León, nos detalla su evolución artística con el paso de los años N POR: MÓNICA DAMARYS RODRÍGUEZ GRACIA Con el tiempo, fue cultivando una profunda afinidad por las letras; su gusto por los libros transformó su proceso artístico en un híbrido entre lo pictórico y lo literario. El impulso definitivo para inscribirse en la carrera de Artes Visuales surgió durante un concurso en su preparatoria, al cual fue invitada por sus maestros, quienes conocían sus inclinaciones artísticas. El evento, que coincidió con su cumpleaños número 17, consistía en una competencia de pintura y dibujo en vivo con temática del Día de la Mujer. Al finalizar, cada participante debía presentar un discurso sobre su obra. Cristina relata que, al dibujar y exponer su pieza, una sensación de plenitud y adrenalina la invadió por completo. Tras ganar el primer lugar en su categoría, FOTO POR: EMILIANO ZAMBRANO acida en Monterrey, Nuevo León, el 5 de marzo de 2003, Cristina Palomo siempre ha visto las artes como un espejo y una lente a través de los cuales se interesa por el mundo que la rodea. Hija de arquitectos con inclinaciones artísticas, menciona que, desde siempre, sus padres le brindaron tanto a ella como a su hermano el impulso necesario para perseguir sus sueños creativos. Gracias a ese apoyo, nunca dejó de lado su interés por la escritura y pudo desarrollar sus habilidades en ese ámbito. 4 AGOSTO 2025 �IMÁGEN: CRISTINA PALOMO IMAGEN: CRISTINA PALOMO tuvo su primera gran certeza: supo que eso era lo que quería hacer el resto de su vida. La matriz artística de Cristina es el dibujo, al que considera su primer gran amor. Sin embargo, sus procesos creativos, técnicas y habilidades han evolucionado con el tiempo y a lo largo de su formación profesional. Desde un inicio mostró interés por los retratos y los objetos realistas, así como una inclinación por el estilo caricaturesco en el diseño de personajes. Conforme avanzaban los proyectos escolares, comenzó a explorar un enfoque más abstracto en la pintura, abordando temas diversos como la dignidad humana. Al mismo tiempo, desarrolló un creciente interés por el muralismo y el activismo artístico. En una etapa inicial, sus procesos creativos estaban más enfocados en la técnica, en la frescura de la experimentación, aunque aún sin una fase conceptual clara. Las piezas eran creadas en sesiones intensas e ininterrumpidas, sin estructura ni seguimiento. Con el tiempo, Cristina ha construido un proceso más consciente y sólido, con mayor duración en el desarrollo de las obras, apoyada en referentes y en una búsqueda deliberada de un estilo propio. La conceptualización previa, el vínculo con intereses personales y la toma de decisiones formales son, para ella, los cambios más notables en su paso por la facultad. La vulnerabilidad de Medusa fue una pieza clave en su evolución artística. A través de este grabado, Cristina inició una producción más honesta e íntima, donde temas como el feminismo, el cuerpo y la identidad comenzaron a ocupar un lugar central. Esta obra marcó un parteaguas: no solo fue seleccionada para exposiciones, sino que también le dio la confianza para profundizar en temáticas personales. Al hablar del grabado, menciona con gratitud el apoyo del profesor Héctor Morales, cuya metodología basada en el proceso y el acompañamiento fue fundamental para su desarrollo. �T A L E N T O F A V El abstracto como un lenguaje en sí mismo, UNA CONFESIÓN SENTIMENTAL gráfica, orgánica y libre”. IMAGEN: CRISTINA PALOMO Continuando con la exploración de temas personales y ahora enfocada en la crítica social y cultural, desarrolló un proyecto para su tesina sobre cómo la religión católica afecta la percepción de diversos temas en el mexicano contemporáneo. Esta investigación tuvo como resultado Soy Virgen, Soy Madre, Soy Puta, una pintura con la que culmina una madurez que la artista venía desarrollando desde hace mucho tiempo y con la cual se permitió explorar de lleno temáticas con causas que le son significativas, como la identidad, el erotismo, la maternidad y la sexualidad. En sus proyectos recientes, podemos ver que se desenvuelve en un ámbito abstracto y esta inclinación -nos menciona- comenzó como un juego. En su periodo de inmersión en la pintura, utilizó lo abstracto para buscar entender mejor el color, sus efectos y teoría, y como recurso para generar atmósferas, ya que su método de aprendizaje es a través de la experimentación. Ese lenguaje le permitió expresar sensaciones que la pintura figurativa no lograba. 6 AGOSTO 2025 �IMÁGEN: CRISTINA PALOMO El año pasado, incursionó en un viaje de estudios a la Universidad de Salamanca, en España, y durante ese tiempo viajó a Sevilla y al país vecino, Portugal. Esta experiencia -nos menciona- además de ser maravillosa, despertó muchos nuevos intereses. La ciudad en la que vivió se encontraba rodeada de catedrales e iglesias de estética barroca, y es por eso que uno de los intereses mencionados fue la exploración del sentimiento sagrado religioso. El apoyo de su maestro de pintura, Vallejo, así como la oportunidad de disponer del taller de pintura durante todo el semestre, le permitieron aventurarse mucho más en el arte abstracto y experimentar con sus intereses pictóricos y sus procesos. De la misma manera, un viaje de esta escala no podría estar completo sin la experiencia de conocer nuevas personas, y esto fue un punto a destacar en su desarrollo personal, ya que convivir con artistas tan increíbles, en especial la pintora alemana Lili Geyer, con su pasión y dedicación a la práctica diaria, la inspiró a tomarse más en serio sus procesos y no solo las piezas terminadas. Este viaje significó una revolución en su forma de percibir las artes. Para Cristina, el arte no se trata de hacer lo que uno quiere ni de estar cómodos, ya que cuando uno se atreve a seguir el camino menos esperado, ese que nos intimida y que muchas veces evitamos, es cuando se dan grandes descubrimientos. Es por eso que también nos invita a desarrollar un criterio propio, un gusto sin disculpas, para aprender a entender qué es lo que nos gusta y qué no; a rodearnos de personas que crean en nosotros, que nos admiren, porque en esa colectividad, dice, hay un gran crecimiento. Para ella, nuestras voces valen, y nuestras piezas, también. IMAGEN: CRISTINA PALOMO Considero que cada idea tiene una PROPIA VOZ, UNAS NECESIDADES PARTICULARES. Y en base a eso, seguir las necesidades de la pieza”. AGOSTO 2025 7 �T A L E N T O F A V FANTASÍA EDGAR SANDOVAL QUE ILUMINA Su obra crea portales hacia mundos mágicos donde la cotidianidad adquiere un giro extraordinario E POR: ADRIANA KARINA AGUIRRE ARAUJO dgar Sandoval es un artista mexicano de 22 años. Su obra define lo que es un acercamiento para observar el mundo con otros ojos. "Mi obra es una invitación a ver el mundo desde una perspectiva sensible y a perderse en la magia de lo cotidiano" -comenta Edgar-. Desde que era un niño, Sandoval se sintió muy atraído por el dibujo y la pintura, asegurando desde pequeño que quería ser pintor. “Desde pequeño me encantaba dibujar y experimentar con los materiales. Esa curiosidad y el placer de ver cómo podía transformar mis ideas en algo visual creo que me llevaron a la idea de querer ser pintor. Siempre decía que quería serlo sin siquiera haber tocado un pincel. Mi primera experiencia con la pintura fue con acuarelas escolares. Hasta los 14 años, aproximadamente, probé por primera vez la pintura acrílica, y apenas hace un par de años experimenté con la técnica al óleo”, explica el artista. Más allá de los medios, Edgar es principalmente impulsado por aquellas situaciones en las que puede aportar su grano de arena a quien lo necesita. “Lo que más me emociona es participar en eventos con causa social. Ver que mi trabajo puede acercar a las personas y, en ocasiones, hacer una diferencia en la vida de alguien”. Conforme a su proceso creativo, el joven comenta que es bastante personal, ya sea acomodándose a escuchar música, viendo alguna película, leyendo una historia inspiradora o dejando que algo le despierte el impulso de plasmar sus sentimientos en el lienzo. Añade que sus obras más simbólicas surgen de acontecimientos personales que ha transformado en algo positivo. Uno de los elementos más distintivos de su trabajo es el uso de pintura luminiscente, una técnica que juega con lo visible y lo oculto. “La pintura luminiscente me permite jugar con lo visible 8 AGOSTO 2025 Edgar Sandoval Su infancia reflejando la claridad de su pasión por la pintura. y lo no visible. Es como encontrar belleza en la obscuridad, mostrando que siempre hay algo brillante por descubrir”. Esto no solo da un efecto único a sus piezas, sino que refuerza la fidelidad entre su mensaje y lo visual: “Siempre hay algo brillante esperando a ser descubierto, incluso en los momentos más oscuros”. Por otro lado, el surrealismo es otra de sus grandes guías. Esta corriente le permite desarrollar sus propias historias sin límites, donde la realidad y la fantasía se fusionan. “El surrealismo me abre la puerta a un mundo sin límites, donde los sueños y la realidad se mezclan. Me ayuda a expresar ideas y sentimientos que a veces son difíciles de poner en palabras”. A la par de esto, tres de sus inspiraciones son Remedios Varo, Margaret La pintura luminiscente me permite jugar con lo visible y lo no visible. ES COMO ENCONTRAR BELLEZA EN LA OSCURIDAD, mostrando que siempre hay algo brillante esperando a ser descubierto”. Keane y Leonora Carrington, influencias evidentes en los elementos que suele manejar. “Los símbolos en mi obra son una forma de comunicación directa. Aunque para mi tengan un significado personal, me interesa que la gente interprete y sienta la obra a partir de sus propias experiencias”. �Para Sandoval, el arte es una herramienta de conexión y cambio. Por ello, su distinción como artista es clave: resalta con tonos oníricos apegados al universo, plasmando un enfoque surreal, sensorial y positivo. Como él mismo menciona: “No se trata solo de lo visual, sino de generar una conexión genuina”. La distinción de Edgar es innegable, encontrando en creencias populares una oportunidad para transformar. “Alguna vez leí una frase: ‘Si la vida te da limones, haz pastel de chocolate’. Este mantra me define, me recuerda que cada obstáculo es una oportunidad para reinventarme y hacer algo distinto a lo que se espera. No tengas miedo de transformar lo cotidiano en algo extraordinario. El destino no está escrito y no todo tiene que ser como debería ser. Mi consejo para crecer en el arte es reconocer que, por muy talentosos que seamos, todo sucede cuando te atreves a salir y a mostrar tu obra al mundo. No basta con crear, hay que construir puentes en el medio”. Causas sociales: Colaboraciones en exposiciones y eventos con causa como Causartt, Marttbe y Artecho. Experiencia educativa: Ha participado en el Museo MARCO en recorridos, talleres y montajes de obra, además de dar clases en diferentes espacios culturales a través de Conarte. Involucramiento con la comunidad: Ha dado talleres y clases en espacios culturales. Exploración creativa: Combina el arte con otras áreas como la moda o el diseño de interiores. POR: EDGAR SANDOVAL Distinciones de su carrera: AGOSTO 2025 9 �T A L E N T O F A V LA DIOSA DE ORO: LA PINTURA QUE UN HOMENAJE QUE TRASCENDIÓ EL TIEMPO CONECTÓ GENERACIONES FOTOS POR: ÉDGAR SANDOVAL Conmovido por la historia de Silvia Pinal, Edgar creó una obra simbólica en su honor y, aunque no logró entregársela en vida, el homenaje llegó a manos de su hija y conmovió a miles de personas a través del arte y la memoria POR: ADRIANA KARINA AGUIRRE ARAUJO E dgar tuvo una experiencia enriquecedora y admirable tras haber pintado un óleo en honor a la memorable Silvia Pinal, con el cual ha logrado ganarse el respeto y reconocimiento de miles de personas. “Toda mi vida, a través de mi familia, —sobre todo de mi mamá, que veía novelas y películas— crecí viendo a Silvia Pinal. Siempre me llamó la atención, pero hace unos años descubrí una serie biográfica sobre ella, y ahí fue donde realmente me atrapó su historia. El año pasado se me ocurrió la idea de hacerle una pintura y entregársela como homenaje. Antes de contactar a su familia, primero quise terminarla para ver si realmente les gustaría. La terminé más o menos en septiembre y logré ponerme en contacto con ellos. Para mi sorpresa, les gustó mucho y empezamos a planear la entrega"-comenta Edgar-. "Pero justo dos semanas después de haber hablado con Sylvia Pasquel, a través de un intermediario, la señora Silvia Pinal falleció. En ese momento, por respeto, decidí no insistir con la entrega y dejé que pasara el tiempo. De hecho, llegué a pensar que ya no se iba a hacer, pero meses después, a finales de febrero, volví a contactar a Sylvia Pasquel y acordamos entregar la pintura en su foro, en la Ciudad de México. Finalmente, el 7 de marzo pude hacer la entrega. A Sylvia le gustó mucho; grabamos algunos videos, nos tomamos fotos y fue muy amable. Me mostró todo su foro, el teatro, algunas de las piezas que tiene, y platicamos sobre la pintura"-menciona el artista-. "Esta pieza la hice con mucho cariño y respeto para la señora Silvia Pinal. Lamentablemente no pude entregársela en vida, pero quise cerrar el homenaje dándosela a su hija mayor. La verdad, no esperaba que esto se hiciera tan grande, pero a raíz de la entrega recibí mucho cariño de la gente, sobre todo de los admiradores de Silvia Pinal. También varios medios se interesaron en la historia de la obra y en conocer un poco más sobre mí. La pintura se llama La Diosa de Oro y la retrata con varios elementos simbólicos que representan tanto su historia personal como su legado en el cine, el teatro y el arte mexicano”-concluyó-. �AGOSTO mes 2025 2025 11 11 �D O C E N T E S UNA VIDA DEDICADA A ENSEÑAR Y PENSAR EL ARTE FORMACIÓN, VISIÓN Y PASIÓN POR LAS ARTES IMÁGENES POR: DR. MARIO MÉNDEZ Docente, exdirector y presidente de un organismo de investigación, el Dr. Mario Méndez ha sido una figura clave en la evolución de la enseñanza artística, apostando por modelos educativos que trascienden la producción y abrazan la docencia, la gestión y la reflexión crítica Dr. Mario Méndez, profesional de las artes. 12 AGOSTO 2025 POR: MARJANEH BARAJAS E n una entrevista con el Dr. Mario Alberto Méndez Ramírez, la revista Croma tuvo la oportunidad de conocer más sobre la experiencia y trayectoria de este profesional de las artes, quien fue Director de la Facultad de Artes Visuales durante el período 20102016 y Presidente de CAESA hasta 2025, un organismo dedicado al desarrollo de la investigación artística. Actualmente ejerce como investigador de las artes. Méndez Ramírez cuenta que tuvo un acercamiento a las artes durante su paso en los talleres impartidos por la Facultad de Artes Visuales, lo que lo llevó a desarrollar un gran vínculo emocional con el arte. Con el tiempo, incursionó en la docencia, motivado por el deseo de brindar apoyo en la formación de profesionales en el ámbito artístico. En el tema pedagógico, subraya que existen dos modelos de educación artística: el conservador y el universitario. El primero constituye un modelo tradicional que busca formar artistas virtuosos con base en criterios y cánones que anteriormente predominaban; mientras que, en el segundo, la educación tiene como objetivo principal formar profesionales de las artes que puedan ejercer en diversas ramas que van más allá de la simple producción. En este sentido, considera que, para que las artes y su formación puedan subsistir y desarrollarse, se requieren tres ejes principales: docencia, gestión y producción. Estos tres pilares ofrecen a los estudiantes de artes un abanico amplio de oportunidades. Méndez Ramírez menciona que, curiosamente, muchos estudiantes ingresan a la facultad con el deseo de convertirse en artistas y dedicarse a la producción, pero, conforme adquieren nuevos conocimientos, muchos optan por otros caminos como la docencia o la gestión. Estos intereses incluyen la educación artística, curaduría, museografía, investigación, entre otros campos. Reconoce que la labor formativa de las futuras generaciones no es tarea fácil, ya que implica investigar, tener visión, proponer programas educativos, intercambiar conocimientos con los alumnos y, sobre todo, alimentar la pasión por el arte en los futuros profesionistas. "No hay que olvidar el papel que juega la �El Dr. Mario reconoce el trabajo que se ha realizado mediante el empeño institucional. Es algo bonito también, el olvido, para QUE SE DILUYAN TOTALMENTE LAS COSAS Y SALGAN COSAS BUENAS. Sinceramente, no me preocupa mucho que me recuerden”. investigación en el arte, ya que conocer el pasado y el presente es la clave del futuro". Durante el paso por la dirección de la Facultad de Artes Visuales, Méndez Ramírez tuvo la oportunidad de conocer a fondo la historia de la institución, de estar en contacto con ella a través de sus talleres y de familiarizarse con su evolución. Este acercamiento le permitió comprender con mayor profundidad el presente de aquel entonces. Como docente, declara que la oportunidad de haber dado clases fue algo muy valioso para él, estar dentro de las aulas cada semestre, frente a varios grupos, donde cada alumno tenía su propia historia, motivación y una visión particular del arte. Para él, la enseñanza fue también una oportunidad para intercambiar conocimientos con sus estudiantes, tarea a la que se dedicó con el propósito de conocerlos y así aportar de forma más efectiva y significativa a su formación. Sin embargo, lo que considera más importante de su labor como profesor fue el contribuir a que sus alumnos cultivaran su propia pasión por las artes. AGOSTO 2025 13 �D O C E N T E S Dr. Mario Méndez, encabezando la reacreditación de la Licenciatura en Artes Visuales. Para Méndez Ramírez, desarrollar investigaciones sobre el arte, revisar constantemente los programas educativos, intercambiar conocimientos con sus alumnos y adoptar metodologías interdisciplinarias fueron aspectos clave durante su paso por la dirección de una institución y como docente. También enfatiza que la interdisciplinariedad es un rubro importante dentro de las artes, ya que, así como el ser humano es un ser social que depende de otros para desarrollarse, el arte no es una disciplina aislada ni confinada en una misma burbuja, sino que comprende todo un mundo que vale la pena llevar a nuevos horizontes: combinar las artes con otros campos y no negarse a revisar el quehacer artístico desde otras disciplinas. Sin embargo, también considera importante seleccionar adecuadamente las metodologías aplicadas a las artes, tanto en la investigación como en la docencia. Si bien existen muchos tipos de gran valor y utilidad, señala que ser interdisciplinario no solo contribuye significativamente a la docencia, investigación o creación artísticas, sino que también mejora el trabajo de gestión y administración. Durante sus años como director, buscó conocer otras facultades y relacionarse con diferentes disciplinas; conocer los marcos reglamentarios y legales; gestionar recursos humanos y financieros; y realizar labores administrativas apoyándose en otros profesionales y departamentos de distintas áreas. 14 AGOSTO 2025 Para hacer este tipo de labores y equilibrar sus distintos roles, FUE FUNDAMENTAL DISFRUTAR DE LO QUE HACÍA, tener pasión por su trabajo y disciplina para dedicarse a esto”. Él advierte que es muy importante llevar a cabo estas acciones para lograr una buena gestión que conduzca a los mejores resultados posibles, atendiendo las necesidades de las universidades comenzando por las más prioritarias, utilizando responsablemente los recursos disponibles (que muchas veces son limitados) y siguiendo los protocolos y marcos legales. Fueron sus metodologías interdisciplinarias y colaborativas las que lo ayudaron a tener un buen desempeño administrativo. Admite que es una labor sumamente demandante y difícil, en la que frecuentemente es necesario tomar decisiones complejas, ante las cuales es importante estar informado y actuar con responsabilidad. Sin embargo, comenta que la confianza y el trabajo en equipo, de la mano de otros profesionales (tanto del ámbito artístico como de otros campos), fue un gran apoyo para llevar a cabo sus funciones, tanto en la dirección como en la investigación. �A lo largo de su trayectoria, HA DESARROLLADO DIFERENTES FACETAS COMO PROFESIONAL DE LAS ARTES, por lo que tuvo varios hitos en su ocupación, los cuales casi siempre se relacionaron con haber conocido y compartido con personas importantes en su vida”. Celebración del 30 aniversario del IAGO, fundado por Francisco Toledo. LO MÁS RELEVANTE PARA ÉL EN SU TRAYECTORIA A lo largo de su trayectoria ha desarrollado diferentes facetas como profesional de las artes, por lo que ha tenido varios hitos en su carrera, los cuales casi siempre estuvieron relacionados con haber conocido y compartido con personas importantes en su vida, a quienes siguió como una luz que lo hacía reconsiderar sus pensamientos. En especial, su experiencia más significativa fue haber tenido la oportunidad de dar clases, ya que al hacerlo dialogaba con sus alumnos tratando de aportar algo, y simultáneamente absorbía mucho de ellos, incluso llegando a replantearse el arte mismo cada semestre. Él destaca su alegría porque desde muy joven ha tenido un gran disfrute por las artes y ha gozado de su profesión en todas sus facetas. Por ello, enfatiza la importancia de que los futuros profesionales del arte no olviden cultivar diariamente su pasión y su creatividad. Después de todo, esa es precisamente la clave para desarrollarse exitosamente en el arte. Al final del día, cuestiones como el reconocimiento o la fama son algo irrelevante, pues lo que más importa es estar en paz con uno mismo, amar lo que se hace y, sobre todo, ser feliz. Recibió influencias de autores de libros que le gustaban y de experiencias concretas, como sus viajes por diferentes países, su formación académica (destacando sus estudios en Barcelona), su trabajo administrativo en la Facultad, el proyecto del CEIIDA y su labor como presidente en CAESA. Dr. Mario Méndez inaugurando en CEIIDA el polo cultural del área metropolitana sur de Monterrey. AGOSTO 2025 15 �FOTOGRAFÍA POR GEORGIE COBBS (2017) T E DM OA C D E N E LT EMS E S DEL PAPEL A LA PANTALLA EL DISEÑO GRÁFICO D Hoy es prioridad para el diseñador tener una alfabetización tecnológica previa sobre el dominio manual, puesto que la disciplina se ha transformado a pasos gigantescos con la llegada del internet y el avance tecnológico de las últimas décadas 16 AGOSTO 2025 es la nuev �POR: JUAN GERARDO Y XIMENA E l diseño gráfico ha evolucionado desde formas más primitivas de la comunicación visual hasta convertirse en una disciplina esencial en la nueva era digital. Impulsado por avances tecnológicos y FOTOGRAFÍA POR KLAUS HAUSMANN (2017). “Las pinturas rupestres son el atisbo más remoto sobre el origen de la comunicación visual” los cambios culturales, su importancia radica en su capacidad para transmitir información de manera clara y atractiva. Desde las pinturas rupestres de Lascaux hasta los jeroglíficos egipcios y mosaicos romanos, la comunicación visual ha sido fundamental en la narración de historias y desarrollo editorial. DIGITAL va norma Durante la Edad Media, los manuscritos iluminados fueron clave para preservar y transmitir el conocimiento, gracias a su caligrafía e ilustraciones detalladas. La iconografía religiosa también destacó, mientras que los escudos de armas y los símbolos heráldicos comenzaron a usarse como formas tempranas de identidad visual. El diseño es una disciplina MUTABLE, FLEXIBLE Y COLABORATIVA que se desenvuelve en ambientes multidisciplinarios para la resolución de los problemas que se presentan”. Con la invención de la imprenta por Johannes Gutenberg en el siglo XV, se marcó un antes y un después. La posibilidad de reproducir textos e imágenes de manera masiva no solo democratizó el acceso a la información, sino que también transformó la tipografía, generando nuevos estilos y estándares para la composición visual. La Revolución Industrial consolidó el diseño gráfico como profesión, con la publicidad como una de sus principales aplicaciones. El desarrollo de la litografía y el cartelismo impulsó el uso de imágenes en la comunicación masiva, mientras que movimientos artísticos como el Art Nouveau y el Constructivismo influyeron en su estética, promoviendo la integración del arte y la funcionalidad en el diseño. El siglo XX trajo consigo la modernización del diseño gráfico, con la Bauhaus como referente de la simplicidad y la comunicación efectiva. Con la llegada de los medios de comunicación masiva, como la televisión y la publicidad impresa, el diseño gráfico se convirtió en una herramienta indispensable para FOTOGRAFÍA POR DAVID BUMGARDNER (2021). “La iconografía religiosa servían para narrar la historia del cristianismo y sus enseñanzas para atraer más fieles” las marcas y la cultura popular. Sin embargo, la revolución digital marcó un punto de inflexión con el surgimiento de software especializado como Adobe Photoshop e Illustrator, permitiendo nuevas formas de creación visual con una flexibilidad sin precedentes. AGOSTO 2025 17 �T E DM OA C D E N E LT EMS E S FOTOGRAFÍA POR: MARKUS SPISKE (2018) La constante innovación tecnológica exige que los diseñadores gráficos se adapten para crear EXPERIENCIAS VISUALES que conecten con las NECESIDADES”. 18 AGOSTO 2025 Asimismo, la democratización del internet brindó acceso a conocimiento especializado y plataformas de diseño, haciendo que el diseño gráfico evolucionara de manera colaborativa y globalizada. Hoy en día, disciplinas como el diseño web, UX/UI y la creación de contenido digital han redefinido la manera en que el diseño se integra en la vida cotidiana. Ya no se trata únicamente de comunicar visualmente, sino de generar experiencias interactivas e inmersivas para los usuarios. La irrupción de los medios digitales, vinculada a la expansión del internet a nivel global, ha ido sustituyendo paulatinamente al medio impreso. Con ello, se generó un debate sobre qué formato ofrece una mejor experiencia al usuario, algo que continúa hasta el presente debido a la incertidumbre sobre el futuro de las publicaciones impresas. En primer lugar, el material impreso ofrece una conexión tangible, ya que favorece la concentración y la comprensión del contenido a través de una estructura rígida que permite una rápida orientación. Además, el lector puede marcar páginas o agregar anotaciones. Aunque no se adapta a necesidades visuales como modificar el tamaño del texto, es un medio que no requiere de electricidad ni conexión a internet, lo que lo convierte en un recurso confiable de comunicación. A partir de la exploración de las posibilidades en color, textura y visualizar prototipos antes de ser producidos en serie, etc. A pesar de la optimización de procesos y las nuevas posibilidades que brinda lo digital, este formato no ha logrado reemplazar por completo a los soportes tradicionales. La litografía y la serigrafía siguen vigentes en la producción de carteles, textiles y arte gráfico, como ilustraciones y grabados para ediciones de arte. Aunque muchas editoriales han optado por distribuir contenido en línea, existen nichos específicos que valoran la conexión tangible que ofrecen las publicaciones y revistas impresas. �FOTOGRAFÍA POR: GEORGIE COBBS (2017) Por último, muchas de las tipografías diseñadas antes de la era digital han establecido los estándares del diseño gráfico gracias a su legibilidad y versatilidad. Incluso, diseñadores y artistas han rescatado la caligrafía para darle un nuevo significado artístico, ya que esta técnica aporta un carácter único a proyectos de branding y a la identidad visual de una empresa. El diseño gráfico es una disciplina que ha sabido adaptarse a los avances tecnológicos sin perder la relevancia de sus formatos tradicionales. Aunque el entorno digital ha optimizado procesos y ampliado posibilidades creativas, medios como la serigrafía y la tipografía clásica siguen vigentes en nichos específicos. La capacidad de integrar innovación y tradición ha sido clave para su evolución, permitiendo mantenerse como una disciplina esencial. Incluso los formatos y soportes tradicionales han trascendido por su VERSATILIDAD Y LA RIQUEZA VISUAL que aportan un carácter único y auténtico a los proyectos”. AGOSTO 2025 19 �E M P R E N D I M I E N T O CREATIVIDAD SIN LÍMITES FOTOGRAFÍA DE PINKUPINKU POR: S_TFUMAX EN REDES PINKUPINKU FOTO DE: PINKUPINKU POR: S_TFUMAX EN REDES. PinkuPinku es un artista que ha transitado entre la fotografía y la música, explorando lo visual y lo sonoro con una estética bizarra y kawaii. Lo que comenzó como un impulso creativo se convirtió en un proyecto serio, enfrentando retos como el costo de la industria musical y la necesidad de construir una comunidad. Hoy, apuesta todo a su sonido, confiando en que su identidad única lo llevará lejos 20 AGOSTO 2025 P POR: GISSELLE ROSALES ara PinkuPinku — también conocido como Isantov cuando lleva una cámara— es uno de esos artistas que no pueden quedarse quietos en una sola disciplina. Su historia comienza con una mirada aguda hacia el mundo: desde muy joven, se sorprendía al ver cómo ciertas escenas del día a día parecían gritarle “¡esto merece una foto!”. Así fue como nació su primer proyecto: la fotografía. Durante dos años, capturó instantes que otros no veían, desarrollando una sensibilidad visual que más tarde sería clave para definir su identidad como músico. Pero la música no tardó en aparecer. Fanático desde siempre de géneros variados, decidió dejarse llevar por la curiosidad y el deseo de experimentar. Lo que comenzó como una exploración personal se volvió una pasión que hoy ocupa gran parte de su tiempo y energía creativa. Aunque lleva apenas un año en la música, PinkuPinku ya tiene claro que no se trata solo de hacer canciones, sino de construir una experiencia estética completa. �FOTOGRAFÍA POR ISANTOV ¿CÓMO TE DEFINES COMO ARTISTA? FOTOGRAFÍA PARTE DE LAS CAMINATAS DE ISANTOV La estética visual puede ser UN ARMA PODEROSA para diferenciarte”. FOTOGRAFÍA POR: ISANTOV En el camino ha enfrentado muchos retos, sobre todo económicos: “todo es muy caro dentro de la industria musical”, dice sin rodeos. Aun así, no se detiene. Su ambición es clara: quiere tocar en venues más grandes, frente a más personas, y formar una comunidad que lo acompañe en su crecimiento. Las redes sociales han sido una aliada clave: lo ayudaron a difundir su primer sencillo y siguen siendo su escaparate más importante. Al hablar de cómo se inspira en lo medieval, en el Y2K, en lo kawaii, en lo otaku y en todo lo que se escapa de lo convencional, define su estilo como “bizarro, otaku y kawaii”, una mezcla que suena tan extraña como irresistible. Esta identidad se refleja no solo en su música, sino en cada aspecto de su imagen como artista. Aunque su proyecto fotográfico personal ha quedado en pausa, sigue colaborando como freelancer con otros artistas. Dirigió su sesión más desafiante el año pasado: ocho modelos, en plena calle y bajo un sol implacable. Sabe que dirigir no es solo tener una cámara, sino traducir una visión en algo colectivo. Y eso también lo aplica a la música: confiesa que aún no diseña del todo su imagen como músico, pero reconoce la importancia de trabajar con otros creativos y encontrar afinidades reales. Su consejo para otros artistas es claro: trabajen con lo que tengan, enfoquen bien sus ideas y practiquen siempre para mejorar la calidad en todo lo que hagan... y si no fluye, ¡no lo fuerces! Con nueva música en camino, su última presentación en OpenClub el pasado 26 de abril del 2025, y un estilo que no pasa desapercibido, PinkuPinku nos recuerda que el arte —cuando es honesto— puede ser tan extraño, poderoso y encantador como uno mismo. Si quieres acompañarlo en su camino creativo, PinkuPinku comparte pedacitos de su día a día, futuros lanzamientos y esa chispa que lo mueve a través de Instagram, donde está más activo como @ pinkupinku.u, una ventana sincera y colorida a su universo personal. ¡No te pierdas a este artista en rápido crecimiento dentro de la escena musical regia! AGOSTO 2025 21 �E M P R E N D I M I E N T O E M P R E N D I M I E N T O DE HOBBY A CARRERA REGISTRO DE EMOCIONES: OZIEL CASTILLO Oziel nos habla sobre su experiencia como fotógrafo en la escena indie y cómo eso ha evolucionado hasta generar su propio estilo visual ¿QUÉ BUSCAS TRANSMITIR A TRAVÉS DE TUS FOTOGRAFÍAS? Soy un fan del atractivo visual. Me gusta transmitir la idea de satisfacción o gusto cuando se mira una fotografía: ya sea por los colores, las expresiones o las formas. Me gusta poder decir “wow’’ y no dejar de mirar la foto cuando me encuentro con algo bueno. POR: OZIEL VAZQUEZ C onoce a Oziel Castillo, un fotógrafo independiente con raíces en la escena local de Monterrey, quien desde diciembre del 2022 ha dedicado su lente a capturar la esencia de las personas y la escena musical local. Comenzando su carrera como estudiante de la Facultad de Artes Visuales de la UANL, Oziel siguió su trayecto en los rincones más íntimos de Monterrey, documentando conciertos indies en lugares emblemáticos como Nodriza, Metapatio, Barrio Antiguo, donde la energía y la pasión de las bandas emergentes encontraron en su cámara, una forma de más de expresarse. Lo que inició como registros de la escena underground pronto evolucionó hacia un proyecto personal: sesiones fotográficas que fusionan su visión artística con la esencia de sus modelos, consolidando así su nombre en el medio. Su búsqueda de retos lo llevó a incursionar en el cine como parte del equipo de fotografía, aportando 22 AGOSTO 2025 22 septiembre 2020 Busco CREAR UN ATRACTIVO VISUAL, CAPTAR EL INTERÉS EN FOTO, Y EL INTERÉS DE LA GENTE en la misma”. a producciones audiovisuales una estética cargada de emociones y atmósferas que trascienden la pantalla. ¿QUÉ TIPO DE SESIONES DE FOTOS OFRECES Y CUÁL ES TU ENFOQUE? Ofrezco servicios de fotografía social, desde los típicos eventos como bodas, XV años y coberturas musicales. A veces también apoyo en rodajes. El enfoque que me doy a mí mismo, tiene que ver con la idea de crear un atractivo visual, captar el interés en la foto y en la gente que la observa. ¿A QUÉ TIPO DE RETOS TE HAS ENFRENTADO EN TU MARCA? Al inicio, fue aprender sobre la marcha y enfrentarme a una cantidad mínima de trabajos. Hoy el reto principal es tener una estabilidad constante, aunque me va muchísimo mejor que antes. �FOTOS POR: OZIEL CASTILLO ¿A QUÉ TIPOS DE EVENTOS SUELES ASISTIR Y POR QUE? Al principio, iba a toquines por gusto y por querer hacer lo que veía en internet. Tiempo después, me uní a un medio y comenzaron a mandar a auditorios grandes y próximamente a un festival en Monterrey (Tecate Pal Norte). El gusto se convirtió en ganas de trabajo. Me siento feliz captando imágenes y obteniendo ingresos de ello. ¿CÓMO TE ADAPTAS A LAS DIFERENTES CONDICIONES DE ILUMINACIÓN Y ESCENARIOS EN LOS CONCIERTOS? Usualmente, en lugares con luz decente solo uso un objetivo luminoso, un tiempo de exposición fijo pero alto y un ISO adecuado. Cuando la luz es pésima, uso flash, y luego corrijo iluminación, curvas y colores en postproducción. Mi equipo más usado es mi Nikon D7200, mi lente 35–70 mm f/2.8 y mi flash externo. Edito en Lightroom, que usualmente es suficiente, y uso Photoshop solo cuando son retratos en estudio para corregir detalles. ¿QUÉ MENSAJE LE DARÍAS A LOS FOTÓGRAFOS Y PRODUCTORES QUE VAN COMENZANDO? Que sean amables, que traten de ser extrovertidos, que compren un lente luminoso, y siempre aprendan por su cuenta. Siempre hay cosas nuevas que aprender y poner en práctica. Modelo: Ximena ¿CÓMO LOGRAS QUE TUS CLIENTES SE SIENTAN CÓMODOS Y NATURALES FRENTE A LA CÁMARA? Platico con ellos, no hago tantas preguntas, solo las necesarias. Y si algo no funciona en cámara, lo omitimos directamente. ¿CÓMO COMBINAS TUS FOTOGRAFÍAS EN TOQUINES, CON TU NEGOCIO? Los eventos musicales, ya sean toquines o conciertos, suelen estar separados por 2 o 3 semanas, a veces un mes, y siempre son en fines de semana (viernes o sábado). El resto de los días, los dedico a la fotografía social, incluso también algunos fines de semana si están libres. La verdad, incluso me he permitido no ir a un concierto que quería por cubrir un evento social. Hay que ser profesionales y priorizar a veces los negocios. Modelo: Sheila Johanna AGOSTO 2025 23 �E N F O Q U E IMÁGEN POR: VOXEL SCHOOL ANIMACIÓN TRADICIONAL VS ANIMACIÓN DIGITAL La animación es una vertiente del arte que evoluciona constantemente. Acompáñanos a conocer sus dos estilos más revolucionarios e importantes en la historia de la animación L POR: JUAN SALAZAR Y LIZBETH DÍAZ a animación tradicional nació a finales del siglo XIX y principios del XX como una forma de dar vida a los dibujos, creando la ilusión de movimiento al fotografiar cada imagen una por una, como si fuera una secuencia. Aunque al principio el proceso era bastante lento y complicado, permitió que los dibujos pasaran de ser imágenes estáticas a cobrar movimiento. Pioneros como Winsor McCay fueron fundamentales en los primeros experimentos, pero fue Walt Disney quien ayudó a popularizar está técnica. En 1928, con el estreno de Steamboat Willie, se marcó un gran avance al incorporar sonido sincronizado con la animación. Durante las décadas de 1930 a 1950, la animación tradicional vivió su apogeo, consolidándose como una forma artística muy poderosa. Aunque hoy la animación digital es la más utilizada, la animación tradicional sigue siendo muy apreciada por su estilo único, su toque artesanal y su capacidad para contar historias de forma especial. 24 AGOSTO 2025 La animación digital surgió a finales del siglo XX gracias a los avances en la tecnología informática y el desarrollo de software especializado. A diferencia de la tradicional, que requiere dibujar cada cuadro a mano, la digital permite crear personajes, escenarios y movimientos utilizando herramientas informáticas. Esto hace que el proceso sea más rápido y flexible, ya que se pueden hacer cambios fácilmente sin rehacer todo el trabajo manualmente. Con el tiempo, esta técnica fue perfeccionándose, ofreciendo más posibilidades para crear mundos y personajes complejos y detallados, así como efectos visuales impresionantes. La animación digital también permitió integrar gráficos en 3D y efectos especiales, lo que abrió nuevas formas de contar historias. Hoy en día, es la técnica más utilizada en la industria del cine, la televisión y los videojuegos, debido a su rapidez, precisión y la gran variedad de opciones creativas que ofrece a los animadores. Aunque la animación tradicional sigue siendo apreciada, la digital ha revolucionado la forma en que se producen y experimentan las animaciones. IMÁGEN POR: SHEYLA PIKGAR DOS DIMENSIONES, UN SOLO ARTE �REPRESENTANTES MÁS SIGNIFICATIVOS DE CADA ESTILO EXPONENTES DEL 2D IMÁGENES EXTRAÍDAS DE MILENIO, DISNEY LATINO Y SONORAPRESENTE BLANCANIEVES: fue la primera película de animación tradicional de larga duración. Su éxito demostró que la animación podía ser una forma seria de cine, abriendo camino para futuras producciones y consolidando a Disney como líder en la industria. REY LEÓN: reafirmó la importancia de la animación tradicional en una era en la que la animación digital empezaba a surgir. Su éxito técnico y narrativo mostró que la animación 2D seguía siendo relevante y capaz de emocionar a audiencias globales. VIAJE DEL CHIHIRO: combinó técnicas tradicionales con algunos elementos digitales, pero su éxito mundial destacó el valor de la animación hecha a mano. Mostró que aún podía ser una forma poderosa de contar historias y cautivar al público, especialmente a nivel artístico. IMÁGENES EXTRAÍDAS DE: INFOBAE, HOBBYCONSOLAS Y GQ MÉXICO EXPONENTES DEL 3D TOY STORY: fue el primer largometraje completamente hecho en animación digital, revolucionando la industria y marcando el inicio de una nueva era. Su éxito demostró el potencial de la animación por computadora y abrió la puerta a una gran cantidad de películas animadas digitalmente. SHREK: no solo destacó por su innovadora animación digital, sino también por su enfoque irreverente y su capacidad para atraer tanto a niños como a adultos. Su éxito consolidó a la animación digital como técnica dominante, mostrando que se podían contar historias complejas desde una nueva perspectiva. SPIDER-MAN: INTO THE SPIDER-VERSE: rompió barreras con una animación digital estilísticamente única, mezclando técnicas de cómic y animación 3D. Su innovación visual y narrativa mostró que la animación digital no solo podía ser realista, sino también altamente creativa, llevando la animación a nuevos niveles de expresión artística. AGOSTO 2025 25 �E N F O Q U E 2D S3D V ventajas y desventajas VENTAJAS: • Menor coste de producción: no hay necesidad de hacer una gran inversión. • Menos recursos técnicos: es mucho más accesible al no requerir tantos recursos técnicos ni de hardware. • Mayor énfasis narrativo: se centra mucho más en la creación de la historia y en dar vida a los personajes, por lo que la narración es más cuidada. • Llama rápido la atención: por su gran colorido y estética, consigue que el ser humano preste mayor atención. VENTAJAS: • Realismo visual: se crean imágenes y escenas muy realistas, gracias a los efectos de iluminación y la aplicación de texturas detalladas. • Mayor versatilidad y variedad de estilos: existe una mayor libertad a la hora de generar diferentes estéticas y estilos únicos. • Eficiencia en la producción: los modelos 3D creados pueden utilizarse en diferentes producciones, lo que permite ahorrar tiempo y dinero en proyectos futuros. DESVENTAJAS: • Poco realismo visual: en la animación 2D no existe la profundidad y, por lo tanto, el realismo es limitado. • Menos demanda en ciertos mercados: en las producciones con grandes presupuestos suele demandarse más la animación 3D. • Menos interactividad: dadas las limitaciones visuales y técnicas, su capacidad de interactividad es mucho menor. DESVENTAJAS: • Mayor complejidad técnica. • Mayor tiempo de producción y necesidad de recursos. • Posibilidad de adquirir un aspecto ‘‘plástico’’ en los modelados. • Necesidad de hardware y software potente. • Requiere conocimiento de programas complejos. La animación tradicional requiere un proceso manual de dibujo “frame a frame”, mientras que la animación digital utiliza modelos que solo necesitan ser creados una vez y luego pueden ser animados usando software. Esto hace que la animación digital sea generalmente más rápida y menos propensa a errores humanos. El estilo de la animación tradicional es, a menudo, más cálido y orgánico, reflejando la mano del artista. Por otro lado, la animación digital puede alcanzar un nivel de detalle y precisión muy elevado, lo cual es especialmente beneficioso en géneros como la ciencia ficción y la fantasía. La animación tradicional es laboriosa y puede ser extremadamente costosa y lenta debido a la necesidad de dibujar cada frame a mano. La animación digital, en cambio, reduce significativamente los tiempos de producción y puede ser más económica a largo plazo, aunque requiere una inversión inicial significativa en tecnología. Ambas formas de animación tienen sus méritos y desafíos únicos. La elección entre animación digital y tradicional depende en gran medida del estilo artístico deseado, del presupuesto, del tiempo disponible y de las preferencias personales del animador o del estudio de animación. 26 AGOSTO 2025 IMAGEN POR: PROYECTO MULTIMEDIA ¿LA ANIMACIÓN TRADICIONAL está en PELIGRo? �¿Qué FUTURO LES ESPERA? su capacidad de evocar emociones de una forma visualmente atractiva y accesible. Por otro lado, la animación 3D continúa avanzando a gran velocidad con la integración de tecnologías como la inteligencia artificial, la captura de movimiento y la simulación de entornos hiperrealistas. Estos avances no solo permiten crear personajes y mundos más detallados, sino que también facilitan la creación de experiencias inmersivas en cine, videojuegos y otras formas de entretenimiento interactivo. La creciente accesibilidad a herramientas de modelado 3D ha democratizado la producción de contenido, permitiendo que incluso los estudios más pequeños puedan crear producciones de alta calidad. Además, el 3D se ha expandido a campos como la realidad aumentada (AR) y la realidad virtual (VR), abriendo nuevas posibilidades para que los usuarios interactúen de manera más directa con los mundos animados. El futuro también se caracteriza por una mayor hibridación entre la animación 2D y 3D. Esta fusión permite combinar lo mejor de ambos estilos, creando obras visualmente innovadoras que mezclan la tradición con la tecnología más avanzada. Este enfoque se está utilizando en películas y series, donde la animación 2D se aplica sobre fondos 3D o se integran técnicas de ambos estilos para crear experiencias visuales únicas. Asimismo, el avance de la inteligencia artificial en la animación está optimizando procesos como la generación de movimiento y la creación de fondos, permitiendo a los artistas enfocarse más en la parte creativa y menos en las tareas repetitivas. La IA también promete personalizar las experiencias animadas, adaptándolas a las preferencias del público de manera dinámica. En resumen, el futuro de la animación 2D y 3D está marcado por la convergencia de tecnologías como la inteligencia artificial, la realidad aumentada y virtual, lo que expandirá las fronteras del entretenimiento y la narrativa visual. La creación de mundos animados más interactivos e inmersivos será una parte esencial de esta evolución, posicionando la animación como una herramienta fundamental para la comunicación, el arte y el entretenimiento en los años venideros. IMAGEN POR: ANIMUN 3D IMAGEN POR: ANIMATION BLOG El futuro de la animación 2D y 3D promete ser una etapa de grandes avances, impulsados por la constante innovación tecnológica que está transformando la manera en que se crean y experimentan los contenidos visuales. La animación 2D, aunque considerada tradicional, sigue evolucionando y adaptándose a las nuevas herramientas digitales. Esto le permite mantener su esencia única, mientras incorpora mayor fluidez, complejidad y detalle. A pesar de las innovaciones en la animación 3D, el 2D sigue siendo fundamental en muchos ámbitos, como los videojuegos, las series y las películas independientes, gracias a AGOSTO 2025 27 �A R T E ENTRE SOMBRAS Y EL SPRAY: La visión de un artista del graffiti El graffiti no busca aprobación, solo existir en el momento exacto en que la pintura toca el muro P IMÁGENES POR: LUCIO / WONE, INSTAGRAM: @martin_ebria POR: GISSELLE ROSALES 28 AGOSTo 2025 ara Lucio, el graffiti no es un adorno urbano ni una herramienta de embellecimiento. Es una acción transgresora, un acto que cobra sentido en el instante mismo de su ejecución. “El único momento donde existe arte es durante su ejecución; después deja de serlo”, afirma con seguridad. Su primer contacto con el graffiti fue en la infancia, al ver los tags y murales que cubrían las calles mientras caminaba con su madre. Con el tiempo, escribir su nombre en cualquier superficie se volvió una necesidad más que un pasatiempo. Lo que más lo motiva no es solo el resultado final, sino la adrenalina de intervenir espacios prohibidos y la tensión de esquivar a la policía. Entre sus recuerdos más intensos está la vez que pintó dentro de un túnel del metro. No busca reconocimiento ni una firma en una galería; para él, el graffiti de verdad no necesita permiso ni aprobación. Por eso, diferencia por completo lo que hace de los murales institucionales: “Eso no es graffiti”, sentencia. Pintar es un instante de libertad… hasta que la ciudad borra su rastro �El mayor reto ha sido el costo y el tiempo invertido, pero no se queja. Lo que sí critica es cómo el graffiti ha sido suavizado por proyectos gubernamentales que lo convierten en algo “bonito y aceptable”, alejándolo de su esencia. Tampoco le molesta que algunas marcas usen graffiti en publicidad, siempre que los artistas reciban un pago justo por su trabajo. Su consejo para quienes comienzan en el graffiti es claro: disfrutarlo, cuidarse y saber en qué terreno se mueven. “Diviértanse, cuídense mucho de la policía y de la gente que está más loca que una cabra”, advierte entre risas. Y sobre todo, nunca dejar lo que los apasiona. El arte callejero no necesita un marco, porque el mundo entero es su exposición”. LUCIO / WONE ARTISTA DEL GRAFFITI AGOSTO 2025 29 �A R T E Monterrey a Todo Color: El Graffiti y su Impacto en la Ciudad De Nueva York a Monterrey: La trayectoria del graffiti como voz rebelde y memoria visual de la ciudad POR: OZIEL VAZQUEZ P IMÁGENES POR: OBJETIVE-BROTHER-520 roveniente de las calles de Nueva York y Filadelfia en los años 60 y 70, llegó a Monterrey, Nuevo León, como un reflejo de su espíritu rebelde y su identidad urbana. A diferencia del street art, que suele contar con permisos, el graffiti tradicional es espontáneo, anónimo y, muchas veces, ilegal. 30 AGOSTO 2025 Su dualidad entre arte y vandalismo genera un debate constante en la ciudad: ¿es una manifestación cultural o un problema urbano? En una metrópoli industrial como Monterrey, los muros cuentan historias. Muraleando 2023, impulsado por Revive el Centro, buscó dignificar el graffiti a través de murales oficiales. Pero en colonias como Barrio Antiguo o la Independencia, el arte callejero surge de forma más orgánica, con tags y throw-ups que desafían las normas. Mientras instituciones como CONAR- TE buscan integrar el graffiti en espacios designados, en municipios como Escobedo y Santa Catarina su crecimiento ha sido percibido como vandalismo. Pese a la controversia, el graffiti ha dejado huella en la ciudad. Murales inspirados en Studio Ghibli en la colonia Los Laureles, homenajes a Paul McCartney y BTS, y los icónicos changos de El Pront han convertido las calles en lienzos de expresión, especialmente en espacios emblemáticos como el Túnel de la Loma Larga. �Pront: La eternidad de lo efímero o se puede hablar de graffiti en Monterrey sin honrar a Juan Carlos García, “Pront”. Con sus changos traviesos, Pront transformó muros abandonados en parte de la identidad urbana de Monterrey, Nuevo León. Sus obras, inicialmente perseguidas como vandalismo, hoy forman parte del ADN visual de nuestras calles, donde turistas y locales buscan sus firmas con cariño. Murió en 2022, pero su legado persiste. El colectivo ACME’s Crew le rindió tributo con un mural en Diego de Montemayor 551, donde sus changos ahora conviven con retratos del artista. “Pront nos enseñó que hasta lo efímero puede ser eterno”, dijo en la inauguración Sofía Ramírez, líder de Revive el Centro. Hoy, sus diseños inspiran a nuevas generaciones que, entre tags y stencils, repiten su lema: “El muro no es tuyo ni mío: es de quien lo siente”. Mi arte refleja la ‛JUNGLA DE CONCRETO’ en la que se vive, y todos los ciudadanos se comportan como simios”. Pront señaló en su momento. IMÁGEN POR: @streetart_guanatos N ADN urbano de Monterrey AGOSTO 2025 31 �P A T R I M O N I O CELEBRAN ANIVER S JOSÉ GUADALUPE POSADA Exponen algunas de las impresiones en tinta que brindan un breve vistazo al Porfiriato y la Revolución Mexicana FOTOGRAFÍAS TOMADAS POR MARJANEH VARGAS BARAJAS (2025) 32 AGOSTO 2025 dE ARTISTA POR: JUAN GERARDO DELGADO ROBLES Y MARJANEH VARGAS BARAJAS �El 12 de febrero del 2025, a las 12:00 hrs., y con motivo del aniversario número 173 del artista José Guadalupe Posada, el Departamento de Patrimonio Artístico, liderado por Héctor Morales, organizó una muestra conmemorativa de la obra del artista, ubicada en el edificio E de la Facultad de Artes Visuales. Dicha muestra está compuesta por una selección de diecinueve grabados con las técnicas de zincografía y xilografía. Las piezas enmarcadas forman parte de un acervo cultural de más de 700 grabados, los cuales fueron cedidos por el Instituto Nacional de Bellas Artes al rector Gregorio Farías Longoria de la UANL y al primer director de la Facultad de Artes Visuales, Arq. Armando Flores, en el año de 1985. SARIO MEXICANO Se prevé que la muestra sea presentada también en otras dependencias de la UANL con la intención de difundir el legado cultural e histórico del artista. Posada fue un artista con una gran capacidad crítica. Abordó la cotidianeidad, así como los acontecimientos históricos que marcaron a la época, con fenómenos como el sufrimiento del pueblo bajo el yugo de los poderosos, la marginalidad, la tragedia, el dolor, la risa, la vida y la muerte. Cabe mencionar que su obra fue tan prolífica y adquirió tal difusión, que hubo más de veinte mil obras publicadas y más de sesenta periódicos y publicaciones que le dieron cobertura. Fueron precisamente estas publicaciones periodísticas, sumadas a la ausencia de capital económico, las razones que llevaron a Figura 1. Calavera con Guitarra (1900) por José Guadalupe Posada. Posada a trabajar con grabados en pequeño formato. El ilustrador mexicano tuvo influencias de Manuel Manilla al ilustrar la vida social y política de México a través de las calaveras, siendo uno de sus grabados más icónicos La Catrina, una sátira a la burguesía porfirista, que se convirtió en un símbolo importante para el Día de Muertos. Una de las obras de Posada fue inspirada en los acontecimientos de 1899, cuando el paso del cometa Biela provocó zozobra en el público, haciéndoles creer que el juicio final estaba cerca. Dicho evento llevó al artista a realizar a una representación satírica sobre las supersticiones de la población. En sus últimos años de vida, experimentó los comienzos de la Revolución Mexicana, algo que supo aprovechar para plasmar visiones de triunfos, ideas, personajes y acontecimientos principales. Ilustró a Madero y a Zapata bajo un juicio ambivalente entre el apoyo y la crítica, además de retratar la perspectiva violenta de los combates y fusilamientos. Tras su muerte, sus placas fueron almacenadas en la imprenta de Antonio Venegas Arroyo, aproximadamente entre 15 mil y 20 mil de ellas. Algunas de sus obras se perdieron con el transcurso del tiempo, pero fueron recuperadas posteriormente por Diego Rivera, Jean Charlot, entre otros artistas, quienes redescubrieron y editaron sus planchas con fines de difusión para las generaciones posteriores. Finalmente, fue el Departamento de Patrimonio Artístico de la Facultad de Artes Visuales, el encargado de clasificar, preservar y difundir el material creado por este célebre grabador e ilustrador. Actualmente, la obra de Posada trasciende en la historia y el arte mexicano como un conjunto de piezas que no solo presentaron catástrofes, milagros, crímenes, sucesos sensacionales y cancioneros, sino que además fueron capaces de mostrar múltiples perspectivas sobre la experiencia de vida de aquella época. Hoy en día, su obra sigue dando de qué hablar, al tiempo que inspira a las nuevas generaciones con su carácter y humor icónicos. Obtuvo el respeto y admiración de otras figuras, como JOSÉ CLEMENTE OROZCO Y DIEGO RIVERA, quienes lo consideraron como el prototipo del artista del pueblo”. AGOSTO 2025 33 �FOTO: ANDREA AVEZZÙ / LA BIENAL DE VENECIA E V E N T O S BIENAL DE ARQUITECTURA DE VENECIA, 2025 APUESTAN POR LA SUSTENTABILIDAD CON LA MUESTRA COLECTIVA: INTELLIGENS, NATURALE, ARTIFICIALE El arquitecto e ingeniero Carlo Ratti explora soluciones inteligentes y sustentables al cambio climático POR: MARJANEH VARGAS BARAJAS E ste 2025 tomará lugar la Bienal de Venecia, un evento dedicado al desarrollo y difusión de las artes. Pero ¿qué es la Bienal de Venecia y por qué vale la pena hablar de ella? La Bienal de Venecia surgió en 1895, y en la actualidad, es considerada una de las tres instituciones culturales más prestigiosas del mundo. Es famosa por estar a la vanguardia en la investigación y difusión de las nuevas tendencias artísticas contemporáneas. Desde su fundación, ha organizado eventos en diversas disciplinas, tales como: arte (1895), arquitectura (1980), cine (1932), danza (1999), teatro (1934) y música (1930). 34 AGOSTO 2025 En esta ocasión, se abordará la Bienal de Arquitectura 2025, que se llevará a cabo del sábado 10 de mayo al domingo 23 de noviembre del 2025 (con preapertura el 8 y 9 de mayo) en la ciudad de Venecia, Italia, específicamente en las sedes de los Giardini, el Arsenale de Marghera y otros lugares del centro histórico. Este año, la Bienal presentará la 19ª Muestra de Arquitectura, protagonizada por la exposición colectiva Intelligens, naturale, artificiale (Inteligente, natural, artificial), bajo la curaduría del arquitecto e ingeniero Carlo Ratti. La muestra abordará una aproximación interdisciplinaria a la problemática medioambiental actual, desembocando en soluciones inteligentes que, a través de la arquitectura, permitan enfrentar la crisis climática. Dicha propuesta busca desglosar el concepto de inteligencia en todas sus formas, más allá del simple concepto de inteligencia artificial, expandiéndolo dentro de un conjunto de significados más amplios e integrados. Desde disciplinas como el arte, la ingeniería, la biología, las ciencias sociales y políticas, se pretende �GIARDINI. FOTO: ANDREA AVEZZÙ / LA BIENAL DE VENECIA La Bienal de Venecia surgió en 1895, y en la actualidad, es considerada una de las tres instituciones culturales más prestigiosas del mundo”. FOTO: JACOPO SALVI / LA BIENAL DE VENECIA Este año, la Bienal presentará la 19ª Muestra de Arquitectura, protagonizada por la exposición colectiva Intelligens, naturale, artificiale, bajo la curaduría del arquitecto e ingeniero Carlo Ratti”. individuar soluciones concretas a los desafíos medioambientales del presente. Tal y como expresó Ratti: “Para afrontar un mundo en llamas, la arquitectura debe surgir para explotar toda la inteligencia que nos rodea”. Intelligens, naturale, artificiale defiende cómo la arquitectura puede expandirse a diferentes campos y jugar un papel fundamental en la resolución de la crisis climática, una problemática que la humanidad enfrenta desde hace varias décadas. No hay que olvidar que el calentamiento global ha ido aumentando año con año la temperatura del planeta, alcanzando cifras alarmantes. Tan solo en 2024, el promedio global rebasó considerablemente el límite de +1.5°C establecido en el Acuerdo de París de 2016. Pero ¿cómo puede una disciplina como la arquitectura hacer frente a estos desafíos? Al respecto, el curador Ratti expresó: “La arquitectura siempre ha sido una respuesta a los desafíos que plantean las condiciones climáticas. Desde las “chozas primitivas”, el diseño humano ha estado impulsado por la necesidad de protegernos para sobrevivir: nuestras creaciones han buscado cerrar la brecha entre los entornos hostiles y los espacios seguros y habitables que todos necesitamos”. Intelligens, naturale, artificiale, es planteada bajo una perspectiva optimista, en la que se aplican enfoques arquitectónicos inteligentemente, que se adaptan al contexto actual: “La arquitectura debe volverse flexible y dinámica, tal como el mundo para el que está diseñada” (Ratti). El 24 de febrero de este año, tuvo lugar una conferencia de prensa en Ca’ Giustinian, San Marco, sede de la Bienal de Venecia. En ella, el presidente de la Bienal, Pietrangelo Buttafuoco, junto con el curador de Carlo Ratti y Cristiana Costanzo, jefa de la oficina de prensa del sector de Artes Visuales y Arquitectura de la Bienal, presentaron la Bienal de Arquitectura 2025. Durante la conferencia, Buttafuoco reconoció el trabajo del curador para articular un discurso a través de la muestra que no sólo comprende los términos tierra, naturaleza, mundo e inteligencia, sino también las relaciones entre ellos. Según su reflexión, la naturaleza envuelve la tierra, el mundo ocurre en la tierra y requiere de inteligencia para garantizar la preservación del todo. En sus propias palabras: “Cuando comenzamos, nos confrontamos con lo que entonces era la razón específica de la Bienal de Venecia, no solo el intérprete, sino también el espejo exacto en el que la construcción del mundo en la tierra, a través de las diversas disciplinas, encuentra un código, una referencia. Todos nosotros, con responsabilidad sobre el contenido de la construcción y el compromiso teórico, debemos reconocer la urgencia de dar respuestas a lo que hoy la tierra, en su devenir mundo, nos exige. Más aún, cuando la construcción del mundo se desmorona, podemos ofrecer soluciones gracias a la ciencia, el genio y el ingenio”. Ratti, por su parte destacó que existe una relación entre el clima y la arquitectura, y cómo, en un mundo azotado por el calentamiento global, es posible contrarrestarlo mediante una arquitectura que reduzca las emisiones. Enfatiza que, si bien: “La reducción de las emisiones también depende de la industria, el transporte y la producción de energía. Ahora neAGOSTO 2025 35 �E V E N T O S L’ARSENALE. FOTO: ANDREA AVEZZÙ / LA BIENAL DE VENECIA La muestra abordará una aproximación interdisciplinaria a la problemática medioambiental actual, desembocando en soluciones inteligentes que, a través de la arquitectura, permitan enfrentar la crisis climática”. y otras salas del Arsenale, las cuales ofrecerán al espectador un recorrido con tres mundos temáticos: Natural Intelligence, Artificial Intelligence y Collective Intelligence, culminando en la sección Out, donde se plantea la pregunta: ¿Podemos mirar al espacio como una solución a las crisis que enfrentamos en la Tierra? Dentro de la muestra, cada sección fue concebida como un espacio modular y fractal, donde se conectan proyectos de pequeña y gran escala que generan una red de diálogo. Cabe mencionar que incluso la propia ciudad de Venecia será un laboratorio viviente, en el cual se presentará un nuevo tipo de exposición, con instalaciones, prototipos y experimentos distribuidos entre los Giardini, el Arsenale y otros barrios. La Muestra de Arquitectura de la Bienal de este año representa un proyecto a gran escala que contó con la colaboración de 66 países (26 en el Arsenale y 25 en el centro histórico) y más de 750 participantes. Entre ellos, hay arquitectos, ingenieros, matemáticos, científicos del clima, filósofos, artistas, cocineros, programadores, escritores, talladores, agricultores y diseñadores de moda, todos seleccionados bajo un criterio curatorial interdisciplinario e innovador. UN TOTAL DE 16 PROYECTOS SELECCIONADOS, CORDERIE. FOTO: GIULIO SQUILLACCIOTTI / LA BIENAL DE VENECIA cesitamos pasar de la mitigación a la adaptación, y en esto, la arquitectura en el sentido más amplio, y la ingeniería, son nuestra única esperanza”. Por otro lado, los espacios expositivos de Intelligens, naturale, artificiale, serán: Las Corderie, el Pabellón Central, los Giardini 36 AGOSTo 2025 DE LOS SIGUIENTES ARTISTAS: 1. �Sebastián Enrique Carvajal Avilés (Chile) 2. Joelle Mohammad Dib (República Árabe Siria) 3. Anya Ghosh (India) 4. Jia Wei Huang (Malasia) 5. Tomás Cid Leme Ferreira (Brasil) 6. Tinsae Tsegahun Mengistu (Etiopía) 7. Caterina Miralles Tagliabue (España) 8. Agnes Thomasina Parker (Inglaterra) 9. Lucia Rebolino (Italia) 10. Bárbara Schumacher Militzer (Chile) 11. �Angela Miriam Loescher Montal (España), Latifa Khalil Yaqoob Alkhayat (Bahréin), Ous Abou Ras (Canadá), Jules Maurice Marcel Kleitman (Francia) 12. �Gildardo Ramón García Ayala (México), Abril Gu dalupe Armenta Medina (México), Alejandro Aguilar Solorio (México) 13. �Clara Mu He (China), Chun Tak Henry Chung (China) 14. �Tanvi Khurmi (Canadá), Rita Espinha Dos Santos Abreu Morais (Portugal) �Se espera que la Bienal de Arquitectura de Venecia 2025 combine esfuerzos de distintas disciplinas para elevar la arquitectura a un nivel capaz de adaptar a la humanidad a un mundo devastado por el cambio climático”. 15. � Florian Kilian Jaritz (Alemania), Franziska Gödicke (Alemania) 16. �Jaakko Julius Heikkilä (Finlandia), Emil Oscar Lyytikkä (Finlandia) Un total de 16 proyectos seleccionados reunirán a arquitectos, ingenieros, matemáticos, científicos del clima, filósofos, artistas y otros expertos en una visión interdisciplinaria innovadora”. Para hacer realidad una muestra de tal magnitud, la Bienal de Venecia colaboró con múltiples instituciones de talla global, como: la COP30 de las Naciones Unidas en Belém, el C40, la Alianza Baukultur en Davos, el Soft Power Club y muchos otros. Cuenta además con un programa público, GENS, el cual alberga- rá reuniones y conversaciones que involucrarán a audiencias de todos los tamaños. En conclusión, se espera que la Bienal de Arquitectura de Venecia 2025 sea un evento artístico internacional de gran escala que, al combinar esfuerzos de distintas disciplinas, eleven la arquitectura a otro nivel. Un nivel capaz de adaptar a la humanidad a un mundo devastado por el cambio climático, pero que, de forma inteligente, dé un paso adelante para hacer las paces con la naturaleza, convirtiendo este planeta un lugar no sólo habitable, sino también sustentable. FOTO: ANDREA AVEZZÙ / LA BIENAL DE VENECIA FOTO: JACOPO SALVI / LA BIENAL DE VENECIA AGOSTO 2025 37 �E V E N T O S DOS SIGLOS DE ARTE QUE DAN IDENTIDAD A NUEVO LEÓN “CREPÚSCULOS QUE DURAN UN INSTANTE” La Pinacoteca de Nuevo León alberga una muestra única que refleja el pulso cultural de un estado en constante transformación P POR: JUAN SALAZAR Y LIZBETH DÍAZ ara la conmemoración del 200º aniversario de la instauración de Nuevo León como “Estado libre y soberano de la República Mexicana”, el Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León, a través de la Pinacoteca del Estado, ha organizado una monumental exposición titulada “Crepúsculos que duran un instante. 200 años de artes visuales y poesía en Nuevo León”. Esta muestra colectiva, dirigida por el maestro Xavier Moyssén, se convierte en un tributo a la riqueza cultural de la entidad, celebrando dos siglos de historia que han definido su identidad en el ámbito artístico. Con una curaduría a cargo de expertos como Sara López en artes plásticas, Carmen Avendaño en poesía y Roberto Ortiz Giacomán en fotografía, además de la minuciosa investigación FOTOGRAFÍAS TOMADAS POR: LIZBETH DÍAZ 38 AGOSTO 2025 histórica realizada por Alan Hernández García, esta exposición se presenta como una auténtica joya visual y literaria. La colección reúne 375 obras de 220 artistas locales, abarcando una impresionante variedad de géneros y técnicas que van desde la pintura y la escultura hasta la fotografía, el vídeo, las instalaciones y, por supuesto, la poesía. Cada una de estas obras ofrece una ventana única a la evolución artística de Nuevo León a lo largo de dos siglos, destacando la creatividad y la diversidad de voces que han marcado el panorama cultural de la región. Lo interesante de esta muestra es que no solo presenta arte, sino que lo contextualiza dentro de los momentos históricos, sociales y políticos de cada periodo. A través de sus secciones, los visitantes recorren un viaje visual y poético que refleja los cambios en la identidad de Nuevo León, desde la construcción del estado hasta su evolución democrática. Con obras que van desde el siglo XIX hasta lo contemporáneo, la exposición transmite la esencia de la región a través de generaciones de artistas. �La exposición‛̀CREPÚSCULOS QUE DURAN UN INSTANTE’ es una muestra representativa del arte y la cultura de Nuevo León, y un reconocimiento al talento de sus creadores, pasado y presente”. Doctora Melissa Segura Guerrero, Secretaria de Cultura de Nuevo León. Esta magna exhibición no solo documenta la transformación de las formas estéticas a lo largo del tiempo, sino que también da testimonio del espíritu resiliente, creativo y reflexivo de los artistas nuevoleoneses. La selección de obras destaca tanto los grandes hitos históricos como los momentos íntimos de la vida cotidiana, tejiendo un diálogo entre el arte y la memoria colectiva. “Crepúsculos que duran un instante” traza un puente entre pasado y presente, ofreciendo a nuevas generaciones la oportunidad de redescubrir y resignificar su patrimonio cultural. En este espacio convergen la nostalgia, la crítica social, la experimentación y la identidad regional, invitando a la reflexión y el asombro. La muestra incluye charlas, talleres, recitales de poesía y visitas guiadas, acercando el arte a públicos de todas las edades. Así, esta celebración de 200 años se proyecta hacia el porvenir, reafirmando al arte como eje vital en la construcción del Nuevo León contemporáneo. AGOSTO 2025 39 �E V E N T O S Un recorrido cronológico por la historia cultural La exposición se estructura en cinco secciones que permiten un recorrido cronológico desde 1824 hasta 2024, reflejando las transformaciones que ha vivido Nuevo León, tanto en lo social y político como en lo cultural: • I� ntroducción/Presentación del Estado de Nuevo León: Una mirada inicial sobre los orígenes del estado, donde la creación de su identidad comienza a tomar forma. • Alternancia y participación ciudadana (2001 – 2024): Este periodo contemporáneo se caracteriza por la interacción de las artes con la participación ciudadana, reflejando la diversidad de voces que constituyen la actualidad de Nuevo León. • Estabilidad e institucionalización (1927 – 1972): Durante estos años, se da un impulso significativo a la educación artística y la profesionalización de los creadores. • La construcción de un Estado (1824 – 1924): En esta etapa, la producción artística y literaria comienza a consolidarse, reflejando las primeras décadas del Nuevo León independiente. • Crisis y apertura (1973 – 2000): Años de gran efervescencia social y política, que se traducen en una explosión de nuevas expresiones artísticas que buscan abordar temas de crítica y cambio. Cada sección está cuidadosamente diseñada para no solo exhibir las obras, sino también para contextualizarlas dentro de los movimientos sociales y políticos que marcaron esos periodos. Desde la lucha por la autonomía estatal hasta los más recientes movimientos de participación democrática, la muestra revela cómo el arte ha sido un espejo de la evolución de la sociedad neolonesa. UN HOMENAJE A LA PLURALIDAD DE VOCES La directora de la Pinacoteca de Nuevo León, Elvira Lozano de Todd, destacó el propósito de la exposición al afirmar que se espera que “este recorrido por la historia cultural de nuestro estado nos muestre un panorama de su evolución y la pluralidad de expresiones artísticas de los creadores de diversas generaciones que han contribuido a construir la identidad neolonesa”. 40 AGOSTO 2025 FOTOGRAFÍAS TOMADAS POR: LIZBETH DÍAZ �La pluralidad, uno de los ejes centrales de la muestra, es clave para entender la complejidad de la identidad de Nuevo León. Las 375 obras que componen la exposición no solo revelan la creatividad de los artistas, sino también las inquietudes y los desafíos que la sociedad ha atravesado a lo largo de estos dos siglos. Un aspecto importante de la exposición es la revisión de las colecciones históricas de la Pinacoteca y la Fototeca, junto con los archivos de CONARTE, que se han utilizado para complementar la narrativa visual y literaria. Según Moyssén, este trabajo de recuperación y puesta en valor de los materiales archivados es esencial para crear una historia cultural ilustrada que haga justicia a las contribuciones de los artistas locales a lo largo de los años. UNA HISTORIA VIVIENTE La exposición, además de ser una retrospectiva de los dos siglos de Nuevo León, se configura como un homenaje vivo a la creatividad y la capacidad de los artistas para responder a las vicisitudes de su tiempo. Al mostrar la evolución del arte en la región, desde las primeras inquietudes visuales hasta las propuestas más actuales, “Crepúsculos que duran un instante” se presenta como un reflejo fiel del devenir cultural del estado, un estado que ha sido, y sigue siendo, una tierra fértil para la expresión artística. Es, en este sentido, una invitación a reflexionar sobre la memoria colectiva, sobre lo que hemos sido, lo que somos y lo que podemos llegar a ser como sociedad a través de la lente del arte. Una ventana abierta no solo al pasado, sino también al futuro de Nuevo León y su producción cultural. La exposición estará abierta hasta el final del presente año, ofreciendo a los visitantes una oportunidad única para sumergirse en la historia de la cultura de Nuevo León y la rica pluralidad de sus voces artísticas. Un viaje que promete ser tan enriquecedor como revelador para quienes deseen conocer más sobre el alma de este querido estado mexicano. AGOSTO 2025 41 �E V E N T O S FOTOGRAFÍAS POR: CENTRO DE MEDIOS FAV PABLO GUTIÉRREZ Y OMEGA UNO EMPRENDER EN EL DISEÑO: CLAVES PARA EL ÉXITO Y LA CREATIVIDAD El fundador de la agencia Omega Uno nos compartió en su charla con estudiantes su trayectoria, aprendizajes y consejos sobre emprendimiento, destacando la importancia del esfuerzo, la constancia y la formación continua en el mundo del diseño gráfico POR: MARJANEH VARGAS BARAJAS E l día 21 de febrero del 2025, a las 12:00 pm, en el Auditorio E de la Facultad de Artes Visuales, se llevó a cabo el evento “Diseño gráfico a la Vanguardia”, una conferencia impartida por Pablo Gutiérrez, CEO fundador de la Agencia Omega Uno, que cuenta con casi una década de experiencia y fue recientemente consolidada de manera oficial como empresa el año pasado. El evento fue gestionado por la Secretaría de Extensión y Cultura de la UANL dentro del marco de las actividades de la Cátedra de Arte Latinoamericano Fernando Botero 2025 y contó con la presencia de diversos profesores y departamentos de la facultad, así como con una gran asistencia por parte del alumnado. A lo largo de la conferencia, Gutiérrez compartió sobre su formación, trayectoria, algunas anécdotas profesionales y su camino hacia el emprendimiento de su propia agencia de 42 AGOSTO 2025 Pablo Gutiérrez Ceo y fundador de la agencia de diseño gráfico Omega uno. diseño. Relató de forma inspiradora la historia detrás de Omega Uno, al tiempo que brindaba consejos al público estudiantil sobre cómo profesionalizar sus pasiones en el mundo del diseño y el arte. Pablo Gutiérrez es egresado de la Licenciatura en Diseño Gráfico de la Facultad de Artes Visuales, generación 20112014. Tuvo acercamientos previos a las artes y al diseño durante su paso por la secundaria, a través de cursos y talleres de artes plásticas y de cómics que tomó en la facultad. Finalmente, motivado por seguir los pasos de su hermano, decidió estudiar Diseño Gráfico. Si bien su sueño �frustrado era ser arquitecto, descubrió que disciplinas como el diseño, la arquitectura y las artes parten de la misma base, lo que lo llevó a desarrollar un gran gusto por el diseño. Cabe destacar que su formación no terminó con su egreso de la facultad, ya que desde entonces ha tomado diversos cursos, talleres y diplomados que han ampliado sus habilidades dentro del mundo del diseño gráfico. A la par de su experiencia profesional con distintas empresas, en múltiples ocasiones tuvo que salir de su zona de confort, adquiriendo nuevos aprendizajes y generando resultados favorables. Tuvo su primera experiencia laboral en una agencia, en el área de creación de contenidos para redes sociales. También trabajó en fotografía, branding y otras áreas del diseño. Sin embargo, su sueño siempre fue fundar su propia agencia y tener un proyecto personal en el cual trabajar. La idea para Omega Uno surgió en una conversación que tuvo con su hermano, lo que rápidamente lo llevó a hacer un primer diseño y logotipo en su computadora. Sin embargo, no fue hasta tiempo después, cuando notó que no recibía ofertas de sueldo justas para su perfil multidisciplinario, que decidió dejar su trabajo en una empresa y dedicarse a Omega Uno. Lo hizo con la esperanza de seguir su pasión y ser recompensado justamente por ello. Después de todo, no quería quedarse con las ganas de intentarlo, y en caso de que su emprendimiento no funcionara, siempre podía volver a buscar trabajo en alguna empresa. Afortunadamente, su proyecto despegó y hasta la fecha nunca tuvo que recurrir a ese plan B. Fue gracias a su decisión de dar ese gran salto, arriesgándose a caer, que ahora existe Omega Uno, una agencia de diseño que ha ayudado a múltiples empresas como: QULOI , Welldex Logistics, VQS, Brookstone Bennington, RGT Global Connect, Elevados Film, Digital Co Tech Consulting, Tecnológico de Monterrey, Ecosis, RCM Reclutamiento para empresas, y Glorié. Cabe destacar que, a lo largo de los años, la agencia ha ido desarrollándose y creciendo para ofrecer múltiples servicios, como branding, generación de contenido, diseño web, fotografía, blogs, posicionamiento SEO, integración de CRM’s, e-Commerce, edición de video, estandarización de identidad de marca y aplicativos. Para Gutiérrez, el diseño es un área multifacética capaz de mejorar la vida de las personas. Al respecto, plantea la analogía de que el diseño gráfico es para el cliente, lo que la medicina es para el enfermo. Por ende, destaca la importancia de que el diseñador tenga un hambre constante por aprender y busque involucrarse realmente en el proyecto: Entendiendo cuál es la dolencia del cliente y qué desea para así ofrecerle un remedio eficaz, como un médico lo hace con su paciente. Eso es en lo que cree Omega Uno, tal y como su fundador propone: “Omega Uno nace de la convicción y la determinación de hacer las cosas con calidad y profesionalismo, con bases en la investigación y la mejora continua”. Cabe mencionar que no todo fue perfecto en el viaje para crear Omega Uno y consolidarlo como lo que es hoy. Tal y como su fundador declaró: “El progreso no es lineal, la frustración llegará, pero El progreso no es lineal, la frustración llegará, pero NO DESISTAS. Cuida tu salud mental y física”. — Pablo Gutiérrez.. no desistas. Cuida tu salud mental y física”. Él cuenta que tuvo múltiples altibajos, desde la falta de motivación e inseguridades hasta dificultades para equilibrar la vida personal y la profesional. Explica que, a veces, se tiene la tendencia a no querer hacer las cosas y sólo tener las ideas en la mente sin llevarlas a cabo. Cuando uno no se esfuerza al máximo, no es constante o simplemente no obtiene los resultados deseados, es fácil victimizarse, desanimarse y buscar excusas. En estos casos, Gutiérrez destaca la importancia de la fuerza de voluntad: comenzar a hacer las cosas aunque sea difícil, sin importar nada; fijarse metas a corto plazo, autoevaluarse constantemente, evitar la procrastinación y ser constante, haciendo así las cosas lo mejor posible y sin desistir. En sus inicios, Omega Uno incluso tuvo proyectos que fueron rechazados. Sin embargo, no hubo desánimo al respecto, AGOSTO 2025 43 �E V E N T O S ¡Visita el sitio web de Omega uno y conoce más! www.omegauno.mx Mantén siempre el hambre por aprender y aplicar tus conocimientos, CONFÍA EN SUS HABILIDADES Y ABRE TU MENTE”. — Pablo Gutiérrez. ya que la agencia postuló sus propuestas con la mayor calidad posible. En una ocasión, incluso recibieron comentarios positivos y retroalimentación. Fue precisamente el haber tomado el rechazo como una experiencia de aprendizaje lo que le permitió que la agencia se desarrollara aún más y ganara nuevas oportu- 44 AGOSTO 2025 ¡Sigue a Omega uno en Instagram! IG: omega1uno nidades para llevar a cabo proyectos importantes. Por otra parte, Gutiérrez compartió múltiples consejos a los estudiantes de la Facultad de Artes Visuales, los cuales le permitieron desarrollarse y llevar a cabo su emprendimiento. Entre ellos destacan: aprendizaje constante, equilibrio, cuidado de la salud física y mental, gestión del tiempo, esfuerzo, trabajo duro, capitalizar el trabajo propio, saberse vender adecuadamente, crear conexiones con clientes y socios, practicar cómo presentar un proyecto, convicción, concentración y proactividad. Sobre el aprendizaje Gutiérrez sugiere: “Mantén siempre el hambre por aprender y aplicar tus conocimientos, confía en tus habilidades y abre tu mente”. Un gran diseñador, artista o profesionista, no concluye sus estudios al egresar de la facultad, sino que continúa formándose, aprendiendo, y cultivando sus habilidades mientras adquiere nuevas. Estar en constante formación, además de sumar al perfil profesional, también aumenta la calidad y el valor de los proyectos. Por otra parte, él cuenta que su bienestar y desempeño me- �Omega Uno nace de la convicción y la determinación de HACER LAS COSAS CON CALIDAD Y PROFESIONALISMO, con bases en la investigación y la mejora continua”. — Pablo Gutiérrez. joraron considerablemente en el momento en que aprendió a balancear su vida personal y profesional, ya que hacerlo le permitió cuidar de forma más atenta su salud física y mental. Hacer cambios pequeños, como alimentarse sanamente, hacer ejercicio y dedicar tiempos específicos a sí mismo y a su trabajo, significaron una gran diferencia, por lo que destaca la importancia de llevar una vida balanceada en todos los aspectos. Del mismo modo, recomienda activamente esforzarse siempre, trabajar duro y apuntar alto en los proyectos que se llevan a cabo, pero nunca exagerar ni hacerlo a expensas de la salud física o mental. En el tema laboral, explica que se debe procurar capitalizar el trabajo propio y saberse vender. Para ello, menciona que transmitir confianza durante la venta y mantenerse transparente y honesto ayuda bastante. Después de todo, ¿cómo podrías ven- Entre los consejos para emprender en el diseño, Gutiérrez menciona: APRENDIZAJE CONSTANTE, EQUILIBRIO, GESTIÓN DEL TIEMPO, ESFUERZO, TRABAJO DURO Y CREAR CONEXIONES CON CLIENTES Y SOCIOS”. der algo en lo que ni siquiera crees? ¿Y cómo podrías esperar, como vendedor, que el cliente confíe en lo que vendes? La confianza y la transparencia son pilares clave para atraer a los clientes y generar relaciones a largo plazo con ellos. Pero no sólo las relaciones con los clientes son importantes; también las conexiones laborales pueden servir de apoyo. Gutiérrez explica que hay personas más extrovertidas que otras, a las que se les facilita más hablar, venderse y hacer negocios, y es normal. Lo importante es no dejarse llevar por la frustración si esa parte resulta complicada y simplemente concentrarse en hacer el mejor proyecto posible, coronándolo con una presentación bien ensayada. En su experiencia personal, encontró útil el premeditar las palabras que usaría en una presentación de proyecto e incluso escribir su discurso. Sin embargo, lo que fue aún más efectivo fue la práctica. Al final del día, lo más importante es aprender a articular el discurso, y hay que hacerlo sin miedo a ensayar las cosas. Ensayar ayuda a reconocer fortalezas y debilidades en el proceso; ya sea hablando solo o con una persona de confianza, practicar puede llevar a una mejor presentación, una que delate menos nervios y transmita más seguridad, lo que a su vez lleva a mejores resultados. Gutiérrez también aborda la importancia de tener convicción ante cada proyecto que se desee llevar a cabo y dar lo mejor de uno mismo al hacerlo. Si bien, a veces puede ser difícil concentrarse y trabajar, mientras que dejar todo para después parece más cómodo, es importante ir cumpliendo con lo que uno se propone, para así obtener resultados notables a largo plazo. Él incluso comenta que, en ocasiones, tuvo que aprender a concentrarse cuando era necesario, lo que lo llevó a encerrarse y aislarse de las distracciones temporalmente para poder trabajar. En Diseño gráfico a la Vanguardia, el CEO fundador de la Agencia Omega Uno nos enseña que la fórmula para vivir del diseño, del arte o de cualquiera que sea tu pasión podrá parecer difícil de descifrar, pero la solución es más simple de lo que uno imagina: simplemente se trata de hacer las cosas, sin dejar los proyectos sólo en la mente y las tareas en la lista de pendientes. Se trata de ser proactivo. ¿Cómo y por dónde comenzar? Él comenta que sólo hay que levantarse en las mañanas y empezar a trabajar por lo que quieres, sin importar nada. Por más difícil que sea persistir para que las cosas realmente funcionen, la persistencia y el trabajo duro son desafíos que no se deben menospreciar. AGOSTO 2025 45 �Agosto 2025 - Número 14 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2025 Volumen Volumen de la revista 7 Número Número de la revista 2 Mes de publicación Mes cuando se publicó Agosto Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Tetramestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2025, Vol. 7, No. 2, Agosto Creator An entity primarily responsible for making the resource Guzmán Medrano, Ana Isabel, Directora Subject The topic of the resource Educación Diseño Arte Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2025-08-01 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource txt/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021574 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource https://revistacroma.uanl.mx/index.php/revista/issue/view/14/14 Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant San Nicolás de los Garza, Nuevo León Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores Animación Diseño Gráfico Digital Dr. Mario Méndez El arte Emociones https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/22062/Croma_Arte_Diseno_Audiovisual_2026_Vol._8_No._1_Marzo.pdf e4a662fe9dead26ada543066c807fc93 PDF Text Text ARTE. DISEÑO. AUDIOVISUAL MARZO 2026 . No. 15 AÑO 8 Salud mental y física de los creativos �Í N D I C E TALENTO FAV 4 - KARINA MOCTEZUMA 8 - FERNANDO ARANDA DOCENTE 12 - YASODARI SÁNCHEZ ZAVALA TEMA DEL MES 18 - LA SALUD EN LOS CREATIVOS EMPRENDIMIENTO 24 - CHARLO 30 - ALONDRA IRACHETA ENFOQUE 32 - LA SEMIÓTICA EN EL CINE 34 - TIKTOK: HISTORIAS FUGACES ARTE 36 - TIM BORTON: STOP MOTION 38 - LA CATARSIS QUE SANA 2 marzo 2026 �PATRIMONIO 42 - HILDA CRUZ DE ABAD 44 - ADRIANA MARGAIN EVENTOS 46 - EXPOSICIÓN “REFLEXO” 48 - ALTAR DE MUERTOS 54 - FERIA DEL LIBRO 56 - MATERIAL FÍLMICO 58 - HALLOWEEN FAV REFLEXIÓN 60 - MÁS ALLÁ DEL DISEÑO CRÉDITOS Dr. Med. Santos Guzmán López Rector UANL Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván MMDRS. Alejandra Gabriela Mtz. Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores Croma María Fernanda Zuñiga Vega Maximiliano Meza Ferrer Reflexión Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado Andrik Alberto Luna Rivera Elizabeth Baca Fernandez Graciela Vargas Hernandez Irlanda Joelli Vargas Hernandez Karina Moctezuma Escobedo Maria Alondra Iracheta Reyes Paloma Elizabeth Gonzalez Coronel Ruby Ayde Leal Lopez Sanjuana Guadalupe Gonzalez Barajas Veronica Navid Rivera Silva Ximena Zapata Lopez Estancia de Producción CROMA, año 2026, No. 15, Marzo 2026, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2023-080113474100102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor M.A. Santiago Javier Villarreal Villarreal Secretario Académico Karina Moctezuma Escobedo Portada Dr. Mario Alberto Garza Castillo Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL M.A. Ana Isabel Guzmán Medrano Directora de la Facultad de Artes Visuales marzo 2026 3 �T A L E N T O F A V KARINA MOCTEZUMA ESCOBEDO EL COLOR COMO LENGUAJE Y ESTILO DEL ALMA Con base en el arte y el dibujo, la estudiante de la carrera de Diseño Gráfico desarrolla sus ilustraciones como lenguaje y voz emocional que se transmite en cada trazo. POR: VERÓNICA RIVERA Y SANJUANA GONZÁLEZ L a joven ilustradora Karina Moctezuma Escobedo, nacida en Monterrey, Nuevo León, el 02 octubre de 2004, nos abre la puerta a su mundo visual no solo conformado por pinceles sino también por tabletas gráficas, diversos tonos de colores y una infaltable taza de café en mano. Con una trayectoria que comenzó a inicios de su etapa en preparatoria y se ha expandido durante su estadía como alumna en la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Actualmente está concentrada en desarrollar su experiencia 4 MARZO 2026 profesional dentro de convenciones y mercados de arte, una visión más directa y pública de su trabajo hacia la sociedad. Con un estilo que la misma artista confiesa no saber cómo definir ya que la caracteriza la versatilidad que tiene para adaptarse a cualquier tema, proyecto o encargo. Sin embargo, ha resaltado que su gran distinción es el color y la forma en que este es difuminado dentro de la ilustración, un estilo tan libre como su inspiración. Manejando una estética influenciada por varios artistas extranjeros en redes sociales, personas conocidas en galerías de arte u objetos observados en su propio entorno cotidiano. �Uno de los mayores desafíos e incluso, se podría llamar enemigo, es el perfeccionismo en la carrera de la dibujante. Debido a que es una constante lucha entre la inseguridad de que su trabajo no sea suficientemente perfecto para los demás y mantener una no sobresaturación de los detalles en las ilustraciones para que a la vez no sea demasiado, un balance que ha estado desarrollando con esfuerzo poco a poco en su trayectoria. La artista menciona: “a veces me comparo demasiado en redes sociales y eso me frena. He dejado de publicar dibujos por no sentirlos suficientemente buenos pero también he aprendido a escuchar opiniones y a no cerrarme en mi propia visión”. El perfeccionismo ayuda a mejorar, pero también puede paralizar”. Título de la obra: Tiempo muerto Título de la obra: ¿Dónde están? MARZO 2026 5 �T A L E N T O F A V Título de la obra: Un recuerdo agradable La ilustradora suele utilizar el arte a su manera como lenguaje emocional. Partiendo desde una inspiración visual que obtiene de lo que observa en su día a día, dibujos donde mira detenidamente los detalles, la manera en que otros utilizan los colores y resaltan algunos elementos en estilos diferentes a los de ella; un proceso de inspiración constante para tratar de mejorar. Asimismo, Karina habla de esta dificultad que tienen algunos artistas para expresarse con palabras, optando por la comunicación por medio de colores “ilustrar es mi forma de hablar. Es sacar lo que siento y mostrarlo sin tener que explicarlo”. Un cuadro muy querido por la misma ilustradora es sobre una ardilla, realizado con una técnica al óleo tradicional. Este lienzo fue parte de la exposición Olarte Galería y Taller, a pesar de ser solo un enfoque general en el animal, tiene un contexto sentimental y nostálgico para ella ya que se trata de una escena que vio en un paseo dentro de La Huasteca, Santa Catarina El arte es la manera de expresar lo que sientes cuando no tienes las palabras correctas”. 6 MARZO 2026 donde se dio cuenta de lo feliz que se sentía al haber salido de su casa y respirar un momento lejos de las pantallas. La artista considera que para mantener una constante inspiración es importante el balance entre su labor que adora y el descanso que requiere por medio de otros hobbies, “al fin y al cabo, como personas también necesitamos un momento para nosotros” a causa de que el sostener una constancia exhaustiva en el dibujo puede desencadenar estrés y frustración que imposibilita seguir con el trabajo. Por eso, Karina recomienda levantarse de la silla, descansar y tomarse un respiro lejos para mejorar el ojo crítico. Como todo artista, ella también tiene herramientas indispensables en su entorno como lo son las almohadas para su mano y el asiento, porque la ayudan a mantener una buena postura mientras desarrolla proyectos digitales. Sin embargo, si la ilustración es más tradicional, las acuarelas y los lápices de colores son infaltables por su gusto de aplicarle color a todo. Un espacio lleno de pequeños detalles personalizados, stickers creados por ella misma y cuadernos llenos de bocetos con cada elemento reflejando su personalidad cálida, vibrante y en constante cambio. �Título de la obra: Metallic heart Quiero encontrar mi propia voz para poder hacer eco de cosas que he vivido y que puedan ayudar a alguien después”. Su ilustración más reciente trata de una persona observando la ciudad desde la distancia, envuelta en una explosión de luces y colores. Participando en el concurso Vograce con esta pieza, demostrando que su lenguaje visual continúa evolucionando. De igual manera, el evento más importante en el que considera que ha participado es en “Diseña mi tarro” de 7-Eleven, más que nada por el reconocimiento y la fácil ubicación que tiene la empresa para todos. Últimamente, enfrentó el reto de mostrar su arte en un lugar más público y grande como lo es la convención Oops que se llevó a cabo los días 18 y 19 de octubre en Cintermex, Monterrey debido a que la ilustradora participó por primera vez en un evento con este nivel de exposición en su carrera y llega a mencionar: “me asusté, claro, pero tuve el apoyo de mis amigos. Si siempre te dejas llevar por el miedo, nunca vas a poder vivir la vida como quieres”. En cuanto a su futuro, Karina sueña con expandir su marca hacia otros formatos de merch personalizada como lo son las almohadas, los peluches, las cobijas, las tote bags, las sudaderas con sus propios personajes e ilustraciones. Su meta es llegar a un público internacional y consolidarse como una artista que trasciende fronteras y formatos estableciendo su marca por completo, llegando poco a poco a diferentes personas, más allá de su público objetivo. Confesó que desea ser reconocida como una artista versátil que ha logrado adaptarse a diferentes estilos además del propio, sin perder su autenticidad y esencia en cada ilustración que realiza con el corazón. MARZO 2026 7 �T A L E N T O F A V CÉSAR FERNANDO ARANDA NUÑO Fernando Aranda Fotógrafo independiente, egresado de la Facultad de Artes Visuales en el año 2024. Una mirada humanista Una voz joven que retrata la dignidad y la emoción en cada imagen. POR: IRLANDA JOELLI VARGAS HERNÁNDEZ FOTOS: FERNANDO ARANDA NUÑO C ésar Fernando Aranda Nuño, originario de Mexicali, Baja California, ha encontrado en la fotografía no solo una vocación, sino una forma de entender el mundo. Desde muy joven descubrió que mirar a través de una cámara era también una manera de conectar con los demás, de observar sin juicios y con profunda empatía. Egresado de la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL), ha forjado una trayectoria que combina técnica, sensibilidad y compromiso social, construyendo una mirada artística donde la estética y lo humano caminan de la mano. Un sueño cumplido que marca un ANTES y un DESPUÉS en mi trayectoria”. Su historia con la fotografía comenzó a los 17 años, cuando viajó como voluntario a la Sierra Tarahumara, en Chihuahua. Aquel viaje, lejos de su entorno cotidiano, lo llevó a convivir con la comunidad Rarámuri y a descubrir la fuerza que tienen las imágenes cuando son creadas desde la cercanía y el respeto. Esa experiencia marcó un antes y un después en su manera de observar, convirtiéndose en la semilla de su primer proyecto documental: Vénezica Anagupi, centrado en la infancia y la vida cotidiana de esta comunidad originaria. Ese inicio, lejos de ser un episodio aislado, se transformó en una declaración de principios. La conexión genuina con las personas y su historia lo llevó años después a obtener el tercer lugar en el Quinto 8 MARZO 2026 Concurso Mundial de Fotografía Universitaria, celebrado en León, Guanajuato. Su trabajo fue reconocido por la solidez de su composición y, sobre todo, por su capacidad para capturar la dignidad de quienes retrata, sin recurrir al sensacionalismo ni a la mirada distante del espectador ajeno. Entre otros logros, destaca también su participación en la revista Cuarto Oscuro, una de las publicaciones más influyentes en el ámbito fotográfico mexicano, donde no solo colaboró como artista, sino que también asumió los roles de director creativo y ejecutivo. Alcanzar una portada a los 25 años es como él mismo lo describe, un sueño hecho realidad. �DONDE LA MIRADA SE VUELVE VERDAD MARZO 2026 9 �T A L E N T O F A V RETRATA LO DESDE HUMANO DENTRO César define su estilo como humanista y realista, aunque no en el sentido de copiar la realidad, sino de permitir que lo auténtico y lo espontáneo surjan naturalmente frente a la cámara. No busca posar ni alterar las escenas; su intención es acompañar, no dirigir. Cada fotografía nace de la confianza y el respeto mutuo, convirtiéndose en un acto de encuentro. Busco retratar a las personas con dignidad. MI TRABAJO NO DENUNCIA, ACOMPAÑA; RESALTA LO HUMANO EN SU FORMA MÁS HONESTA”. Sus proyectos se centran en personas, emociones y condiciones de vida, explorando temas como las masculinidades, las dinámicas de poder y la vulnerabilidad social. En sus propias palabras: Su fotografía se siente viva, cálida y cercana. Hay una intención de escuchar antes de mirar, de comprender antes de presionar el obturador. Esa sensibilidad le ha permitido construir un lenguaje visual propio, uno que habla de la empatía, de los vínculos y de la belleza que existe incluso en los silencios cotidianos. Influencias y caminos por recorrer Entre sus grandes referentes menciona a Henri Cartier-Bresson y Sebastião Salgado, fotógrafos que también hicie- 10 MARZO 2026 ron de la humanidad su centro de gravedad. Para César, estudiar sus obras ha sido una lección constante: entender cómo una imagen puede narrar una historia entera, cómo puede convertirse en una herramienta de memoria y transformación. Sin embargo, también reconoce que su aprendizaje es permanente, que aún tiene un largo camino por recorrer, y que el crecimiento como artista es un proceso que nunca termina. Más allá de los logros, Aranda enfrenta los desafíos que conlleva ser un joven artista en México. Desde lo económico —ahorrar para comprar equipo, trabajar con recursos limitados— hasta lo emocional, donde muchas veces el arte se ve como un lujo y no como un trabajo de valor social. Aun así, lo asume como un acto de resistencia cultural: seguir fiel a su visión, crear con honestidad y sostener su arte con dignidad, incluso mientras equilibra su vida profesional en otros ámbitos, como su actual trabajo en el sector gubernamental. �LA FOTOGRAFÍA EN TIEMPOS DE INMEDIATEZ En un mundo lleno de imágenes fugaces, César defiende la fotografía como un espacio de pausa y reflexión. Para él, cada imagen es más que una captura: es una invitación a mirar con atención y detenerse en medio del ruido visual que domina las pantallas. Aunque reconoce que las redes sociales han transformado la forma en que percibimos las imágenes, también valora su potencial para mostrar realidades antes invisibles. Su trabajo busca justamente eso: retratar con honestidad a las personas y sus historias, recordando que detrás de cada rostro existe un universo de emociones y memorias que merecen ser vistos con respeto. Consejo a las nuevas generaciones A los jóvenes que desean adentrarse en la fotografía, César les recomienda acercarse con curiosidad y empatía: Con apenas 25 años, César Fernando Aranda Nuño ya ha construido una trayectoria sólida que lo perfila como una de las voces jóvenes más prometedoras de la fotografía mexicana contemporánea. Su obra combina técnica, sensibilidad y compromiso social, dando vida a una estética humanista que seguirá madurando con el tiempo. Su historia nos recuerda que la fotografía, más allá de la técnica, es un acto de encuentro. Es crear memoria, tender puentes y dignificar la vida humana a través de la luz. Serie “Benésika Anagupi” (2019) Retrata infancias Rarámuri de la comunidad de Kwechi en la Sierra Tarahumara en el Estado de Chihuahua. Fotografíen con empatía y sentido, no solo con la mirada”. MARZO 2026 11 �D O C E N T E El poder de la Resiliencia y el Servicio a la LA DOCENCIA Y EL PODER DEL ARTE EN LA LUCHA SOCIAL Comunidad FOTO POR: VIDA UNIVERSITARIA – UANL. Yasodari Sánchez Zavala nos permite ver un poco de su vida y aquello que la inspiró y llevó a ser la artista que es hoy en día. Yasodari Sánchez Artista y docente comprometida con el arte y el servicio comunitario. 12 MARZO 2026 POR: ALONDRA IRACHETA Y ELIZABETH BACA L a revista Croma tuvo el honor de entrevistar a la artista y docente Yasodari Sánchez Zavala. En la entrevista nos habló de temas en relación con su carrera profesional y su docencia, el origen de su conexión con el arte, cómo su vida siempre estuvo influenciada del propósito de ayudar y cómo logró conectar el arte con la ayuda a comunidades vulnerables. La vida de Yasodari desde siempre estuvo ligada al servicio y al ayudar a las comunidades que se encuentran en estados de vulnerabilidad. Todo partió por sus dos mayores fuentes de influencia, su abuelo y su madre. Desde muy temprana edad, Yasodari empezó a experimentar cierto interés por los proyectos comunitarios y sociales, principalmente, de la mano de su madre, quien fue voluntaria en los DIF de Santa Catarina durante 25 años. Acompañaba a su madre en estos voluntariados desde los seis u ocho años, ella era estilista y en este municipio de Nuevo León abundaba la migración e inmigración por lo que se dedicaba a enseñar corte y demás; ahí, tuvo su primer acercamiento a las historias de vida de otras personas, ya que las alumnas de su madre le platicaban sus problemas económicos, de matrimonio, con los hijos, etc. Yasodari y su familia tenían una situación económica complicada, pero eso nunca fue un impedimento para que su madre ayudara a los demás. Aprendió de la memoria que tenía con su madre, quien la formó con voluntad y expectativas. “Mi mamá decía: el problema de ser pobre, no es ser pobre, es tener expectativas... tú no tienes oportunidades, Yasodari, lo único que tienes es la voluntad y si no la aplicas, pues ya es tu problema”. Por otro lado, su abuelo fue luchador social, siempre estuvo empapándola de política, “en vez de contarme cuentos, me contaba sobre política”; además, siempre estuvo al servicio de la comunidad, fue el primero que pavimentó la calle Francisco Zarco en la colonia Independencia y también creó un sistema para bombear agua a partir del río Santa Catarina. Toda su familia es de la Independencia y siempre presenció necesidades y formó parte de proyectos comunitarios. �Su interés subió al siguiente nivel cuando entró a estudiar artes en la Facultad de Artes Visuales. Al principio no sabía qué eran las artes, solo le interesaba el dibujo. Este llamado a la ayuda resurgió cuando a los diecinueve años le llegó un proyecto por petición voluntaria de la escuela, específicamente para el área de camarógrafa en donde estaba ella, este proyecto consistía en un documental de la Casa de Simón de Betania, lugar donde se resguardaban enfermos terminales, la mayoría con VIH. El problema principal era el tabú que todavía existía sobre el virus del VIH y su forma de ser contagiado. Varias personas que se sumaron al proyecto desistieron, pero ella se quedó seis meses más para ayudar, dar talleres y cuidar de un amigo enfermo de VIH del que se hizo cercana durante el desarrollo del proyecto. Una vez recibió comentarios tras un incidente con su amigo en donde diferentes compañeros le sugirieron tirar sus ropas por “riesgo de contagio”, ella no hizo caso, lavó su ropa y la siguió usando. Su padre, al ser biólogo, llegó a decirle: “Es más lo que tú puedes infectarlos, de lo que ellos te pueden infectar”, dándole a entender la erroneidad que existía sobre el tema. Luego de la muerte de su amigo, dejó de ir a la Casa de Simón de Betania, pero aprendió algo importante: “tú trata a las personas como quieres que te traten” y renació con más fuerza la inquietud que tenía de empezar a trabajar en comunidades vulnerables. Pero, ¿cómo surgió ese descubrimiento de la conexión que existe con el arte y la ayuda a la comunidad? A ella siempre le pareció más interesante el video que la fotografía, y exploraba esta área con grabaciones en mayoría personales y para la escuela. Pero, comenzó a darse cuenta del verdadero significado de la famosa frase del artista Duchamp “todo puede ser arte” a través de sus maestros, como, por ejemplo, el colectivo “La caxa” (comunidad de artistas) o como ellos se expresaban sobre FUENTE: PLAYLISTCURADA.COM/EN/AUTHOR/YASODARI-SANCHEZ/ El valor de LA PERSONA, pero también, los INTERESES REALES de un que hacer ya no digo artístico, de un que hacer QUE ATRAVIESA el arte de la comunidad y de los derechos humanos.” temas que eran tabúes, como, la práctica con modelos desnudos que era meramente interés técnico, de arte y proporción. Yasodari sentía que en aquellas épocas no lograba entender qué era realmente el arte, pero iba a todo tipo de eventos artísticos porque no conocía y estaba dispuesta a aprender. Su perspectiva sobre el arte se abrió mucho más al conocer diferentes personas con diferentes perspectivas de ver la vida y el mismo arte. Le cambió el pensamiento de que no solo era el ámbito estético, técnico y tradicional de siempre, sino que podías llegar mucho más lejos; observó diferentes formas de expresión, dibujos y pinturas que nunca en la vida se le hubiese ocurrido, pero que terminaba teniendo un propósito. Entendió y se desarrolló a partir de la observación y de empaparse de los proyectos de maestros y personas que se salían de lo convencional. Entonces es cuando empezó a cuestionarse cómo pudo ella haber trabajado los trabajos artísticos que contemplaba; eso la hizo entender otras salidas artísticas. MARZO 2026 13 �FOTO POR: PLAYLIST CURADA – YASODARI SÁNCHEZ D O C E N T E Yasodari Sánchez Durante una de sus actividades de mediación artística, promoviendo la expresión creativa y la conexión comunitaria. Pero no todo fue perfecto en sus épocas de estudiante, recién saliendo de la preparatoria, se le fue otorgada una beca en ingeniería química de parte del Tecnológico de Monterrey, pero prefirió irse por las artes y eso causó enojo en su padre; por lo que tuvo que verse en la necesidad de buscar formas para pagarse la escuela ella misma; hizo de todo, trabajó en boutiques, de limpieza, vendía tacos, entre otros empleos. Debido a su situación económica, se metió en una escuela gratuita en la colonia Independencia, en donde enseñaban oficios a las personas y aprendió a hacerse su propia ropa. En esa misma escuela, conoció a personas de muchas partes que le contaban sus historias y sus propias situaciones de vida; es entonces, cuando la hizo reflexionar y pensó que sería interesante hacer algo en video para visibilizar aquellas historias. En su época universitaria el ambiente estudiantil era pesado para ella; amaba sus clases y a sus maestros, incluso fue una muy buena alumna, siempre becada y necesitaba mantenerlo así. El verdadero conflicto eran las diferentes estructuras sociales que existían en su generación, en donde lo importante era “¿qué tienes? ¿qué eres?” o incluso tu valor venía dependiendo de tu 14 MARZO 2026 área centrada (visuales, lenguaje o diseño). En los primeros semestres de la carrera el mundo estudiantil la hizo a un lado por ser de la colonia Independencia o por vestirse con ropa muy holgada y buscó refugio con personas en su misma situación de rechazo. Aun así, Yasodari no descartaba que la situación era muy seria con el arte y la introspección que este ocasionaba en los demás. En específico, las áreas de lenguajes y artes ponían en evidencia temas controversiales. Yasodari se graduó de la universidad y siguió haciendo retratos y continuaba pensando en el dibujo. Tuvo un momento de quiebre, no sabía qué hacer; estaba segura de que quería hacer algo, pero no sabía qué con exactitud. Pero, no consideraba la palabra artista en su repertorio. Tras la muerte de su mamá en el año 2009, mientras la acompañaba en el hospital, conoció a muchas personas y escuchó muchas historias. También ese mismo año dio paso a la enfermedad de su papá y la suya, artritis severa que le impidió caminar. Ese fue su parteaguas, decidió que ya nunca iba a parar por el arte y las comunidades. Necesitaba ser más continua y disciplinada, con proyectos no espaciados, más estructurada y �No es solo ir a DIBUJAR y hacer un VIDEO BONITO, se pueden hacer MÁS COSAS”. más constante. Desde entonces, empezó a trabajar y se lo toma muy en serio, cuando trabaja se adentra en la comunidad, conoce sus secretos, vive con ellos; se tarda en tener salidas artísticas, pero le importa la relación con las personas, después de todo son personas con sentimientos, pensamientos, costumbres y creencias. Entró en la casa del migrante, llamada Casa Nicolás, para ayudar a los centroamericanos, en especial a las mujeres, ya que no se les permitía quedarse en cualquier espacio, la mayoría eran espacios para hombres. Empezó a contar historias y a entrevistar a los que entraban, en consecuencia, realizó juegos a partir de sus memorias, hizo dinámicas y aprendió de su folklore; dependiendo del país del que llegaban. Es entonces que su visión se abrió mucho más y buscó otras formas de expresar y visibilizar a la comunidad, aparte del video; por ejemplo, usaba tarjetas telefónicas, algunos ejercicios con ropa, etc. En el año de 2013, con el mismo grupo con quienes realizó el documental de la casa de Simón de Betania, hicieron el primer informe de mujeres centroamericanas en la ciudad, en donde se reportaban muchas violaciones y donde se fingía y aparentaba que no pasaba nada, se les quitaba foco y no se le daba la importancia y visibilidad que se merecía. El reporte arrojó que muchos centroamericanos trabajaban en San Pedro o en el mercado Juárez haciendo labores de limpieza, como cargadores, veladores, etc. Por parte de las mujeres, estas no eran contratadas y sufrían de muchos acosos sexuales de parte de sus autoridades, además de no contar con la seguridad adecuada para las labores que se les pedían realizar. Igualmente, al visibilizar el problema, ayudaron con acompañamiento psicológico y a denunciar. Este tipo de proyectos le hizo darse cuenta de muchos opuestos que se desarrollan en la ciudad y cómo esta se entiende con los migrantes y el clasismo, siendo Nuevo León el estado con mayor discriminación en el país. Ahora bien, es importante resaltar el trabajo de Yasodari al equilibrar su labor como artista y docente. Ella comenzó a producir a partir de los veintinueve años y es la principal razón por la que entró a la docencia, porque creía que le daría más tiempo para producir. A veces, debido a la carga de trabajo, le queda muy poco tiempo para las FOTO POR: PERIÓDICO EL VERSÁTIL. MARZO 2026 15 �FOTO POR: VIDA UNIVERSITARIA – UANL. D O C E N T E Trabajo fotográfico Realizado en el marco de las iniciativas de arte, comunidad y educación promovidas por Yasodari Sánchez. cosas personales, como comer. Aun así, ella afirma que nunca dejaría el arte académico, ya que los maestros y sus vidas activas con el arte y la docencia les da referencia a los estudiantes para que vean de primera mano cómo dar salida a sus proyectos. Los aproxima a ver los ecosistemas profesionales que les revela, al ser ellos aún muy pequeños. Aunque le gusta la docencia, le gustaría tener un poco más de enfoque en sus alumnos. No suele priorizar uno sobre otro, solo en situaciones y momentos puntuales o con situaciones difíciles, como, por ejemplo, proyectos finales. Menciona que es importante como docente seguir manteniendo un aprendizaje continuo y no caer en que ya sabes todo, ya que el mundo está en constante cambio. Es primordial aprender a escuchar, algo que ya no sucede mucho en la actualidad: escuchar para aprender y ser críticos. En cuanto a sus desafíos de trabajar directamente con comunidades en contextos complejos, Yasodari nos deja ver la completa realidad; no es un trabajo fácil, en un proyecto, donde tuvo que trabajar con una comunidad mixteca, le llevó alrededor de nueve meses para entrar en ella, todas las semanas sin falta iba a explicar sus proyectos, pero se complicaba por la diferencia de idiomas y demás. También le resultó difícil el voluntariado en la salud, donde darse cuenta y digerir la verdad. Ver a las mujeres y sus tratos 16 MARZO 2026 violentos, saber que se puede denunciar a un nivel local, pero ser consciente de lo que pasa en todos lados. En cuanto a su trabajo en la colonia Independencia, menciona que lleva alrededor de doce años con esta investigación, pero como todo, están las cosas buenas y las malas. Como aquella vez en donde la comunidad le ayudó con una operación del apéndice al reconocer que es la persona que imparte talleres gratuitos a los niños y ayuda en la comunidad; es consciente del apoyo y el respaldo que tiene, pero, enfatiza que a veces puedes llegar a romantizar a la comunidad, y no debe ser el caso. Menciona: “Uno puede romantizar a la comunidad, pero, la comunidad, como todo, tiene sus blancos, sus negros y sus grises”. Alude a las variadas anécdotas en donde diferentes personas que han trabajado en comunidad han pasado por estos malentendidos y por situaciones en donde terminan violentados ellos y el mismo proyecto. Pero sobre todo, siempre antepone tener ética, no lucrar y ser empático. Yasodari procura siempre trabajar de manera gratuita con las personas que la buscan para investigación y colaboración. Sobre todo, ella siempre hace más que solo una investigación y un proyecto por encima. Esta labor va más allá, se busca trabajar y ayudar de una manera por completo sincera. “Los proyectos comunitarios no solo se deben de quedar en la foto”. También se le preguntó sobre qué temas cree que serán urgentes �FOTO POR: VIDA UNIVERSITARIA – UANL. Uno puede ROMANTIZAR LA COMUNIDAD; pero, la comunidad, como todo, tiene sus BLANCOS, sus NEGROS y sus GRISES.” Yasodari Sánchez Durante la exposición En el cauce del río, presentada en el Museo MARCO. a trabajar en los siguientes años. Yasodari responde a la visibilidad de los derechos socioambientales y las infancias. Le preocupan los pocos pulmones de esta área, el río Santa Catarina, y forma parte del colectivo Los Guardianes de la Cuenca. Por otro lado, las infancias necesitan de buenas políticas públicas, ya que los niños desde edades tempranas se ven expuestos a la violencia y al narco porque no es una situación aislada y pasa en muchas colonias, barrios y países. Otro tema de extrema urgencia es la protección a las mujeres indígenas y cómo ellas perciben la ciudad. Ya que, quedan ajenas muchas poblaciones de mujeres, a sus costumbres y terminan siendo obligadas a diferentes casos de violencia. También, se debe hacer algo sobre el derecho a la memoria, un espacio sensorial y más afectivo, ya que las personas que llegan desconocen sobre el lugar y el área donde están y se pueden ver expuestas a la violencia y a los grupos criminales. Yasodari dejó en claro que la voz propia del artista y la voz de la comunidad en sus proyectos son uno mismo. “Siempre trato de pensar en un hecho autorreferencial, o sea, en un hecho que también me afecta a mí, no nada más a una comunidad...no es esta cosa de ellos y yo o yo y los otros. Es más bien algo que de alguna manera es el mismo universo y que si la violencia a la mujer le puede afectar a una mujer indígena, pues también nos afecta a nosotros... A veces el privilegio de estudiar o el privilegio de ser maestra tampoco tiene que ver con que a nosotros no nos pase, tiene que ver con que nos puede pasar y tener sensibilidad sobre eso que sucede allá y nos puede cruzar”. Enfatiza que la memoria tiene que ser colectiva y tiene que encargarse de restaurar ciertas formas de convivencia. Todo tiene que ver con involucrar a la comunidad. Para finalizar, Yasodari nos deja con un mensaje que le gustaría dar a los jóvenes artistas que buscan conectar el arte con la comunidad. Menciona que lo más importante es que sean honestos con las comunidades o los grupos en vulnerabilidad. Saber ser críticos, no solo desde la superficie, sino ver de entre las capas que componen un grupo y ver aquello que puede ser urgente, necesario y prioridad. Hace mucho hincapié en preguntarse las cosas que se hacen en un grupo: ¿Por qué el espacio que usan?, ¿Por qué la vestimenta?, ¿Por qué el baile?, ¿Por qué esas costumbres?... ¿Realmente estás involucrado? Si no se terminan sumergiendo, solo caen en la tendencia. Necesitan ser autocríticos y curiosos, preguntarse el por qué de las cosas. Se debe tener una autorreflexión del por qué tú mismo buscas ayudar, interiorizar y buscar la raíz del sentimiento del ayudar. Puede que venga de una experiencia de la infancia o de un suceso que te marcó. Sobre todo, tienen que ser conscientes de que lo que afecta a uno, afecta a todos y buscar un cambio, moverse y realizar proyectos que el gobierno no hace. Yasodari Sánchez es una artista con un sustento sólido en su arte y tiene claro hacia dónde va e irá en un futuro; con esta entrevista y su apertura a contarnos cosas sumamente personales nos deja ver su espíritu resiliente y luchador, el cual, no solo ve el problema, sino que está dispuesto a buscar el cambio y actuar. MARZO 2026 17 �D E L M E S LA SALUD EN LOS CREATIVOS Como creativos enfrentamos riesgos similares a los de otras profesiones, aunque pocas veces se hable de ello, es un reto constante que merece ser visibilizado POR: KARINA MOCTEZUMA Y PALOMA GONZÁLEZ E stas problemáticas se reflejan de maneras muy diversas: ilustradores y artistas desarrollan síndrome del túnel carpiano por las horas de trabajo; diseñadores pasan jornadas extensas frente a la pantalla y sufren de fatiga visual; cantantes se enfrentan al desgaste de sus cuerdas vocales; mientras que bailarines y actores lidian con dolores físicos y lesiones propias del esfuerzo corporal. A ello se suma la salud mental: el estrés constante que impone la sociedad, los plazos de entrega, la autoexigencia, la depresión y los bloqueos creativos derivados de la presión por destacar. La Emoción del Creativo Si hay algo que caracteriza a un buen artista es su creatividad y su capacidad de sentir emociones con más profundidad, esto es el motor principal que hace que se construyan grandes obras, ya que a través de la exploración de las emociones se puede ver al mundo desde perspectivas diferentes, conectar y comunicarse con otras personas mediante aquello que no podemos expresar con palabras simples. 18 MARZO 2026 Sin embargo, esto puede tornarse en un arma de doble filo, ya que el creativo siempre estará más atento a su alrededor, notando cosas que a ojos de los demás no son visibles, lo cual puede provocar un desgaste emocional bastante significativo ya que este proceso de reflexión e imaginación lo hace más sentimentalmente susceptible que otros. UN PROBLEMA MUY COMÚN ES EL INTERMINABLE PERFECCIONISMO Esa necesidad constante de querer un trabajo impecable, miedo constante a las grandes expectativas del público y sobre todo, las auto-impuestas. Este conflicto interno perjudica el resultado de la obra y termina generando más obstáculos como lo es la procrastinación, ciclos de frustración, ansiedad y dudar de las capacidades de uno mismo, por lo que se queda expuesto a más problemas del bienestar mental. IMAGEN DE KATHY DO T E M A �Las lesiones por movimientos repetitivos son afecciones de músculos, nervios, tendones o articulaciones causadas por la repetición constante de un mismo movimiento, lo que genera inflamación, dolor, rigidez y debilidad en la zona afectada. Estas pueden incluir condiciones como el síndrome del túnel carpiano y la tendinitis El tratamiento temprano es importante no solo para aliviar la inflamación y el dolor, sino también para evitar que la lesión empeore. Además de evitar la necesidad de cirugía y disminuir el riesgo de que la lesión produzca una limitación más grave. IMAGEN DE SHUTTERSTOCK Uno de los DOLORES MÁS COMUNES en diseñadores y artistas son las lesiones por movimientos repetitivos”. Lo recomendable en estos casos es el reposo durante unos días de la parte lesionada poner compresas frías, medicamentos y terapia física e incluso puedes acudir al médico por analgésicos y antiinflamatorios para aliviar el dolor. O fármacos para tratar el dolor del síndrome del túnel carpiano y síndrome del túnel cubital. Recuerda, deben ser prescritos por tu médico y acompañados de reposo y si es necesario de fisioterapia. En los casos en los que estos tratamientos no resuelvan el problema, se debe consultar con un traumatólogo especialista en la mano y miembro superior. La fisioterapia es uno de los tratamientos y de gran ayuda en caso de que no se mejore con el reposo y los antiinflamatorios, sin embargo, si no se acude a tiempo puede terminar necesitando una cirugía. PREVENCIÓN Y TRATAMIENTOS Los períodos intermitentes de descanso son una de las mejores maneras de prevenir lesiones por estrés repetitivo. Hacer un descanso cada 30 o 20 minutos después de comenzar, y luego a intervalos regulares. Lo importante es levantarse 1 o 2 veces por hora para beber agua, estirar la espalda y tomar un breve descanso de la pantalla. Buena postura y estiramientos. La espalda recta, el cuello recto y la cabeza erguida para evitar dolores de espalda y cuello, y procurar tener ambos pies en el suelo al sentarse. Así mismo es importante estirar músculos y articulaciones para mantener la flexibilidad y la buena circulación en esas partes del cuerpo que sufren posturas prolongadas y a veces inadecuadas. Si hablamos de la vista es importante también hacer ejercicios, uno de ellos es simplemente enfocarte en un punto en el fondo, un punto en el medio y un punto en primer plano, y seguir cambiando el enfoque entre estos. También procura ajustar el brillo de la pantalla de acuerdo al entorno y tener una mejor iluminación en la habitación. Así mismo la distancia de la pantalla deberá estar entre 40 y 76 cm de la cara. IMAGEN DE GETTY IMAGES Utilizar objetos y herramientas ergonómicas. Por ejemplo, las sillas ergonómicas con soporte lumbar, los ratones y teclados, los escritorios para trabajar de pie y muchos otros elementos esenciales tanto en términos de comodidad como de prevención de lesiones. MARZO 2026 19 �T E M A D E L M E S LO QUE HAY DETRÁS DE CADA CREATIVO Salud Mental Sí hablamos de la salud mental, recordemos que esta también tendrá consecuencias en nuestro cuerpo. La salud mental es de suma importancia, ya que sin ella el trabajo se verá afectado y especialmente tu persona E l funcionamiento de nuestro cerebro hace más fácil la generación de ideas, y este hecho ha sido estudiado por la neurociencia cognitiva durante mucho tiempo. A través de varios estudios neurocientíficos, se ha logrado detectar cierto patrón en la actividad cerebral mientras ocurre el proceso del pensamiento creativo, esto nos ha ayudado a entender que las señales emitidas en la red cerebral (cada una con su perfil) son las que contribuyen a la creatividad. La más importante de esta es la Red Neuronal por Defecto (RND). Imagen por: Lucía Lucas Sosa 20 MARZO 2026 Pintura por: Vincent Van Gogh, pintor reconocido por ser uno de los principales exponentes del postimpresionismo, pero también conocido por sus padecimientos. Los creativos son muy propensos a la introspección y a la ensoñación, que son reconocidos por formar parte del proceso creativo. La RND está vinculada con la rumiación, que es el acto de pensar repetidamente, enfocándose en ciertos problemas, generando un ciclo vicioso; dicho acto está vinculado a estados depresivos y ansiosos. Los estudios nos han revelado que la alta actividad de la RND está conectada con la rumiación patológica en personas con depresión, que se vuelve irregular y volátil, lo cual provoca que el individuo entre en pensamientos negativos de sí mismo. De la misma manera, el sueño (o su ausencia) tiene mucha importancia en la RND. Las funciones de la red se ven afectadas y alteradas cuando la calidad del sueño es deficiente o nula, lo que trae problemas como la falta de concentración. Y en casos de insomnio crónico, el desbalance de la actividad de la RND afecta muy notablemente a otras áreas. Este desbalance nuevamente tiene relación con síntomas depresivos como los mencionados anteriormente. La depresión y ansiedad pueden venir de un estrés constante y es muy común estar estresado cuando hablamos de cumplir con plazos o trabajos, sin embargo, es importante no ignorar ni minimizar el estrés y/o la fatiga. Los signos más comunes de agotamiento incluyen perder interés en los proyectos, sentirse abrumado e incapaz de cumplir con los plazos, tener dificultades para concentrarse y tomar decisiones, constantes bloqueos creativos y tener síntomas físicos como dolores de cabeza, insomnio o un sistema inmunológico debilitado. �Un consejo que puede ayudar no solo en esta situación es establecer límites horarios y prioridades, está bien no siempre aceptar todas las solicitudes, trabajar muchas horas y cumplir con expectativas poco realistas. No existe la perfección, y buscarla solo te llevará a un gran agotamiento, una mala calidad en tu trabajo y la insatisfacción. Para evitar esto, es esencial establecer límites y prioridades claras para tu trabajo, aprender a decir NO a los proyectos que están más allá de tu alcance, presupuesto o interés, negociar plazos y expectativas realistas con tus clientes y gerentes, delegar o externalizar tareas que no son esenciales o agradables para ti (no necesitas demostrarle nada a nadie y está bien fallar en el proceso, es parte de crecer). Procura programar descansos y dormir a tus horas para recargar tu energía y creatividad. Así como es importante comer y dormir, lo es descansar y tener pasatiempos, para distraerte de tu trabajo y tener una mejor calidad de vida. Y lo más importante, tómate un descanso y busca ayuda. Si crees que estás pasando por un momento difícil recuerda comunicarte y buscar ayuda, el estrés puede afectar tu vida de gran manera hasta tener daños irreparables en tu cuerpo. Busca ayuda profesional y apoyo personal de amigos y familiares. Imagen por: Cottonbro Studio MARZO 2026 21 �T E M A D E L M E S Imagen por: micuento.com Artistas que han visibilizado su lucha con la salud mental y física Casos de resiliencia, y cómo transformaron sus experiencias en arte y conciencia social. U n caso muy conocido es el de la artista mexicana Frida Kahlo, cuya vida estuvo marcada por el dolor físico y también por una profunda lucha emocional. Tras sufrir poliomielitis en la infancia y un grave accidente en su juventud, enfrentó no sólo limitaciones físicas, sino también periodos de depresión y 1 angustia. Fue precisamente en esos momentos cuando encontró en la pintura un medio para expresar sus emociones, convirtiendo el arte en su refugio y en una forma de expresar tanto su sufrimiento como su fortaleza. Sus obras, cargadas de simbolismo y sentimientos, son prueba de cómo la creatividad puede ser una herramienta para afrontar el dolor físico y la salud mental. Imagen por: Mark Savage El siguiente caso es el de Lady Gaga, quien ha hablado abiertamente sobre su lucha contra el dolor crónico causado por la fibromialgia y, al mismo tiempo, sobre sus batallas emocionales con la ansiedad, la depresión y el trastorno de estrés postraumático. Conocida por sus presentaciones llenas de energía y baile en el escenario, tuvo que adaptar sus coreografías y reducir la intensidad de sus espectáculos para cuidar su salud, mostrando que poner límites también es una forma de fortaleza. Para ella, la música se convirtió en un refugio y en una forma de transformar la vulnerabilidad en fuerza, además de inspirar a sus seguidores a pedir ayuda y hablar de lo que sienten. Con iniciativas como la Born This Way Foundation, Gaga ha buscado visibilizar la importancia de la salud mental y crear espacios de apoyo y empatía para jóvenes alrededor del mundo. 2 22 MARZO 2026 �Imagen por: Ashley Osborn 3 Otro caso es el de la banda Twenty One Pilots, que, a través de sus letras, ha visibilizado la lucha frente a la depresión y la ansiedad. La mayoría de sus canciones también abordan el estrés de la vida cotidiana y las inseguridades, condiciones a las que estamos constantemente expuestos en la sociedad actual, ya sea en el trabajo, la escuela o en nuestro entorno. Tanto Tyler Robert Joseph, su vocalista, como Josh William Dun, el baterista, han compartido experiencias personales relacionadas con la salud mental, señalando que la música ha sido un apoyo fundamental para enfrentar estas situaciones. Asimismo, alientan a todos sus seguidores a canalizar sus emociones mediante el arte, a no reprimir lo que sienten y a buscar ayuda cuando lo necesiten. De esta forma, su música se convierte en un espacio de expresión y concientización, cargado de simbolismo y honestidad, que recuerda a su audiencia que hablar de lo que sentimos no es una debilidad, sino un acto de valentía que nos guía hacia una vida más saludable y consciente. Imagen por: Brad Heaton MARZO 2026 23 �E M P R E N D I M I E N T O POR: MARLÓN GARCÍA PHOTOGRAPHER CARLOS GARCÍA WALTERBACH (CHARLO) EL TRAZO QUE CUENTA HISTORIAS Charlo es un artista que ha hecho del mural una extensión de su lenguaje interior, fusionando arte, diseño y comunidad con una estética espontánea y humana. Lo que comenzó como un ejercicio libre de trazo se transformó en un movimiento visual que invita a mirar, agradecer y pertenecer. POR: GRACIELA VARGAS HERNANDEZ E ntre trazos negros que se entrelazan en formas que evocan símbolos antiguos y palabras contemporáneas, Charlo ha encontrado su propio lenguaje visual; uno que respira autenticidad y fluye entre la estructura del diseño y la intuición del arte. En su obra, el blanco y negro no es solo una elección estética, sino una forma de síntesis: la búsqueda constante de equilibrio entre opuestos, entre el control del diseñador y la emoción del artista. ¿Cómo te defines como artista y diseñador dentro de tu propio lenguaje visual? Charlo dice que su trabajo es el resultado de una conversación constante entre dos mundos que no pueden separarse. “Mi arte está completamente influenciado por mi educación como diseñador, pero también sucede a la inversa: mi arte influye en mi forma de diseñar.” Egresado de Diseño Gráfico, aprendió pronto que el lenguaje visual podía ser más que una herramienta de comunicación; podría convertirse en una voz propia. “He hecho mucha identidad visual para marcas, pero con el tiempo me di cuenta de que también había desarrollado una identidad para mí mismo. Un lenguaje que, aunque nació del diseño, evolucionó en el arte.” 24 MARZO 2026 FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE CHARLO.STUDIO �Ese lenguaje se compone de líneas que respiran y símbolos que mutan. No hay bocetos rígidos ni planes cerrados; su proceso se construye desde la espontaneidad. “La gente se sorprende de que no tenga un plan para lo que hago. Ven un muro enorme y piensan que todo está calculado, pero en realidad todo ocurre ahí, en el momento. Eso rompe una expectativa, y me encanta ver sus caras cuando se dan cuenta de que el arte puede surgir del presente.” ¿Qué papel juega la comunidad en tu trabajo muralista? ¿Cómo influye la interacción con la gente en el proceso creativo? Para Charlo, el mural es un acto de la comunidad. Desde sus primeros proyectos en Denver, entendió que pintar muros era también pintar vínculos. “Empecé haciendo murales para mis vecinos, y eso me hizo sentir parte de la comunidad en la que vivía. Como inmigrante, fue mi manera de pertenecer, de sentir que también era parte del país, aunque no hubiera nacido ahí.” Durante el proceso creativo, su diálogo con las personas se convierte en parte del mural. “A veces la gente se me queda viendo sin saber qué pasa, y yo les saludo. Les pregunto una palabra que les guste mucho. Una señora, una vez, me dijo que le gustaban las mariposas. En ese momento pinté una en el mural.” Ese gesto aparentemente simple contiene el corazón de su práctica: el arte como un acto cotidiano, cercano y compartido. “Me llena de alegría ver cómo alguien que pensaba que el proceso creativo era algo sagrado o milagroso se da cuenta de que es algo cotidiano, al alcance de todos.” FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE @CHARLO.GW Me llena de alegría ver cómo alguien que pensaba que el PROCESO CREATIVO era algo sagrado o milagroso se da cuenta de que es algo cotidiano, AL ALCANCE DE TODOS.” ¿Cuál ha sido la reacción más significativa o inesperada del público frente a una de tus obras? FOTOGRAFÍAS EXTRAÍDAS DE CHARLO.STUDIO FOTOGRAFÍAS EXTRAÍDAS DE CHARLO.STUDIO “Una vez, una persona se acercó a decirme que, al ver uno de mis murales, sintió que podía respirar. Me dijo que había tenido un día muy difícil, pero que al pasar por ahí algo le cambió el ánimo.” Charlo recuerda esa escena con humildad. “Eso me hizo entender que el arte público puede tener un poder muy sutil pero muy real. A veces no se trata de entender la obra, sino de sentir que algo se mueve dentro de ti.” Aquella experiencia le confirmó que el arte no necesita intermediarios. Para él, esa es la verdadera finalidad de su trabajo: que las personas se detengan un momento y miren. “Si nos detenemos a observar los detalles, nuestro día puede cambiar. Mi trabajo pasa rápido, pero está hecho para que la gente explore, para que vea lo espontáneo. Si algo quiero dejar, es eso: que mirar una flor o una palabra puede cambiar tu actitud ante el mundo.” MARZO 2026 25 �E M P R E N D I M I E N T O Tus murales muchas veces transmiten mensajes positivos como “alegría” o “gratitud”. ¿Por qué es importante para ti incorporar esas palabras? Charlo no oculta que su trabajo parte de una necesidad emocional. “Vivimos rodeados de malas noticias, de cosas negativas. Yo trato de enfocarme en las cosas pequeñas que son buenas, pero sin negar lo otro.” Sus palabras y símbolos son espejos de lo que observa en la gente. “Últimamente he incluido palabras que no son tan positivas, como ‘llorar’ o ‘mal’. Lo importante no es ser feliz todo el tiempo, sino ser auténtico.” En sus piezas más personales, aquellas que exhibe en galerías, esa autenticidad se traduce en una mirada más introspectiva. “Mi trabajo mural es más colaborativo y público, por eso tiende a ser más positivo. Pero en mi obra íntima, el mensaje es más profundo. Tener esas dos partes, lo público y lo íntimo, lo alegre y lo doloroso, también es parte de mi arte.” Cuando trabajas en un mural, ¿qué importancia le das al espacio urbano que lo rodea? POR: GRACIELA VARGAS Charlo explica que cada muro tiene su propio carácter y que su trabajo busca dialogar con él. “El muro me dice qué hacer. A veces su textura, su historia o la gente que lo rodea cambian completamente mi idea inicial.” Para él, el arte urbano no es solo intervenir un espacio, sino escucharlo. “Pintar un mural es escuchar el ritmo del lugar. No quiero imponer algo que no le pertenezca a ese entorno.” Menciona con especial emoción su intervención en la estación Cuauhtémoc de Monterrey. “Nunca me imaginé volver y hacer algo tan público, algo que va a ver tanta gente todos los días. Todavía no me cae el veinte, pero me da mucha emoción saber que mi trabajo forma parte del paisaje cotidiano de mi ciudad.” “Pintar un mural es ESCUCHAR EL RITMO DEL LUGAR. No quiero imponer algo que no le pertenezca a ese entorno.” POR: GRACIELA VARGAS 26 MARZO 2026 �Dicha intervención, llamada “Dream structures. Las estructuras de un sueño”, tuvo su inauguración el pasado 19 de Octubre del 2025 a las 16:00 hrs, como parte del Festival Santa Lucía. La exposición cuenta con un mural de gran escala en la línea del metro, así como diez piezas montadas en mamparas dentro del lobby, las cuales pueden ser vistas por los usuarios. Esta exhibición es permanente y se puede visitar en la estación Cuauhtémoc, en la Línea 2 del Metro de Monterrey. ¿Qué diferencias sientes al trabajar en Monterrey y en ciudades como Denver o Nueva York? “Cada ciudad tiene su energía. En Estados Unidos me sentí adoptado; en Monterrey me siento en casa.” Charlo reconoce que la experiencia de migrar le dio una nueva perspectiva sobre su identidad, “Cuando pintaba en Denver, muchas veces incluía palabras en español, como una manera de mantener viva mi raíz. En Monterrey, en cambio, siento que esas palabras ya no necesitan traducirse; aquí se entienden desde el corazón.” Volver a su ciudad natal, dice, ha sido un proceso de reencuentro. “Se siente bien padre poder estar haciendo un mural donde crecí. Es un orgullo real, del corazón. Aunque me haya ido, estoy de regreso haciendo algo que me representa como individuo, pero también representa lo que soy gracias a esta ciudad.” POR: MARLÓN GARCÍA PHOTOGRAPHER POR: GRACIELA VARGAS POR: GRACIELA VARGAS POR: GRACIELA VARGAS MARZO 2026 27 �E M P R E N D I M I E N T O FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE CHARLO.STUDIO FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE CHARLO.STUDIO ¿Cómo ha influido la migración en tu lenguaje visual y en la narrativa de tus proyectos? “La migración me cambió completamente la mirada”, confiesa. “Vivir fuera te hace valorar más de dónde vienes. En mis murales en Estados Unidos siempre hay palabras en español: gracias, familia, amor; es mi manera de tender un puente.” Su estética, con líneas que recuerdan jeroglíficos y símbolos prehispánicos, también refleja esa conexión con sus raíces. “A veces me dicen que mis dibujos parecen jeroglíficos mayas o aztecas, y aunque no lo hago conscientemente, sé que mi formación mexicana está ahí.” FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE KRISTINADAVIESART.COM En tus talleres de arte, ¿qué ejercicios o dinámicas disfrutas más impartir a tus alumnos? Su faceta pedagógica es otra forma de conectar. En sus talleres, busca que cada participante encuentre su propio trazo, su propio símbolo. “Todos dibujamos una flor diferente; eso ya es una identidad visual, una huella.” Para Charlo, enseñar arte no es transmitir técnica, sino despertar curiosidad. “Me gusta ver cómo cada persona expresa algo propio sin darse cuenta. Es una prueba de que el arte está en todos; solo hay que dejarlo salir.” ¿Has tenido experiencias de colaboración con otros artistas o colectivos? ¿Cómo han enriquecido tu estilo? REDES SOCIALES INSTAGRAM @kristinadaviesart Kristina Davies. Artista visual abstracta que ha colaborado con Charlo. 28 MARZO 2026 SITIO WEB https://www.kristinadaviesart.com/ Charlo disfruta especialmente de las colaboraciones. Una de las más significativas ha sido con Kristina, una pintora abstracta. “Ella trabaja con color, yo con línea. Empezamos en extremos distintos del lienzo y nos movemos hasta que nuestros estilos se mezclan; es como un baile.” Ese intercambio ha reforzado su visión del arte como algo vivo, que sucede en movimiento. “Pintar con otros artistas te obliga a soltar el control; aprendes a escuchar visualmente.” �Si algo quiero dejar, es la idea de que LA CREATIVIDAD NO ES UN DON RESERVADO, SINO UN GESTO COMPARTIDO; todos podemos crear, observar, conectar.” ¿Qué legado te gustaría dejar a través de tu trabajo como diseñador gráfico y artista visual? “Quisiera que la gente, al ver mi obra, se detuviera un momento. Que entendiera que el arte no es un lujo, sino una forma de estar presente.” Más que dejar un legado material, le interesa sembrar una actitud: la de mirar con atención. “Si algo quiero dejar es la idea de que la creatividad no es un don reservado, sino un gesto compartido. Todos podemos crear, observar, conectar.” Entre líneas y símbolos, Charlo pinta desde el corazón y desde el presente. Sus murales son mapas emocionales que hablan de pertenencia, gratitud, memoria y comunidad. En cada nube que dibuja, en cada palabra que traza, se escucha una misma certeza: el arte sucede cuando aprendemos a mirar con atención. POR: GRACIELA VARGAS REDES SOCIALES INSTAGRAM @charlo.gw SITIO WEB https://www.charlo.studio/ FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE CHARLO.STUDIO MARZO 2026 29 �E M P R E N D I M I E N T O Arte sobre mezclilla JÓVENES TALENTOS FOTOS TOMADAS POR: ALONDRA IRACHETA Con cada trazo sobre la mezclilla, Alondra Iracheta transforma una prenda común en una pieza de arte con significado. 30 MARZO 2026 POR: ELIZABETH BACA C onvertir una prenda cotidiana en una obra de arte es posible. Así lo demuestra Alondra Iracheta, una joven emprendedora que transforma chaquetas de mezclilla en piezas únicas. El camino de Alondra en la pintura sobre mezclilla comenzó de manera inesperada. Mientras estudiaba la carera de Diseño Gráfico, su mamá encontró en Instagram videos de chaquetas pintadas y pensó que su hija podía intentarlo. La animó a probar con prendas viejas y pinturas básicas. “Al principio fue difícil, pero después mi mamá me empezó a dar más prendas para pintar y yo fui añadiendo más detalles como artista, con un enfoque más conceptual”, recuerda. Con el tiempo, su interés se convirtió en un emprendimiento. Su motivación principal fue descubrir que se sentía más cómoda pintando sobre tela de mezclilla que en un lienzo: “El fondo azul de la mezclilla me resulta mucho más fácil, es como que mi mente fluye más rápido ahí”. Aunque el inicio fue retador especialmente al emprender desde la universidad sin mucha experiencia lo ha asumido como un aprendizaje constante. SU PROCESO CREATIVO Cada pieza que pinta Alondra tiene un trasfondo personal. A veces, los diseños nacen de su estado de ánimo o de algún pensamiento; otras, de lo que los clientes le piden. “Si es algo para mí, tiene más significado; si es para alguien externo, depende mucho de la persona que me lo pide, pero siempre trato de darle un trasfondo”. Su proceso combina bocetos, pruebas y la determinación de lograr exactamente lo que imagina. “Lo que me inspira a crear es el propósito de la pieza, ya sea expresar un tema interesante o una situación que estoy viviendo.” Cada prenda es un ejercicio de constancia: a los colores y trazos suele añadir detalles brillantes, piedras y listones que hacen que sus chaquetas se distingan de lo común. �El arte no es sobre la PERFECCIÓN, sino sobre EXPRESAR lo que con PALABRAS no siempre puedes”. Obra de Alondra Iracheta Seleccionada para la exposición del Día de Muertos 2023. LA SATISFACCIÓN DE VER SUS PIEZAS EN USO El momento en que alguien viste una de sus piezas es para Alondra la mayor recompensa: “Se siente bien bonito porque alguien lo está usando, porque le gusta lo que pinté”. CONCURSO DÍA DE MUERTOS Un punto clave en su trayectoria fue su participación en un concurso con una chaqueta inspirada en el Día de Muertos. La experiencia fue todo un reto, pues coincidió con uno de los semestres más pesados de su carrera. Entre tareas y su colaboración en el altar de muertos de la Facultad, tuvo que organizarse para terminar su pieza. “¡Tres días antes no llevaba nada! Solo el boceto que hice entre la escuela y la casa. Necesito que la inspiración me llegue, y eso a veces es un problema”. A pesar del estrés, el esfuerzo valió la pena: su pieza fue seleccionada. “Yo no esperaba que quedara, pensé que no tenía oportunidad. Cuando vi mi nombre en la lista no lo podía creer”. Más allá del reconocimiento público, este logro le dio seguridad y le mostró que su arte tenía un lugar, además de demostrarle a su familia que su camino creativo tenía futuro. MIRADA AL FUTURO Entre sus planes está experimentar con nuevas prendas y accesorios: tenis, pantalones, chaquetas de cuero e incluso lienzos completos de mezclilla. También le gustaría consolidar su marca en línea y lograr que la gente la busque no por encargos genéricos, sino por piezas con significado. SU CONSEJO El consejo que comparte con otros jóvenes refleja su esencia: “No tengan miedo, incluso si tienen miedo háganlo. El arte no es sobre la perfección, sino sobre expresar lo que con palabras no siempre puedes”. Aunque el futuro es incierto, este proyecto le ha dado la fuerza para seguir su pasión. La pintura en mezclilla no solo ha transformado su forma de expresarse, sino también la manera en que se ve a sí misma y sus posibilidades como artista. La pintura en mezclilla no solo ha TRANSFORMADO su forma de EXPRESARSE, sino también la manera en que se ve a sí MISMA COMO ARTISTA”. REDES SOCIALES _ INSTAGRAM @theworldofmarilo MARZO 2026 31 �E N F O Q U E LA SEMIÓTICA EN EL CINE EL LENGUAJE OCULTO DE LAS IMÁGENES POR: RUBY AYDE LEAL LOPEZ Imagen extraida de: CineOculto. Cada plano es un signo y cada signo, una historia: descubre cómo la semiótica transforma nuestra manera de ver el cine. E ntre los estudiantes de artes, la semiótica tiene una mala fama ya que se le acusa de ser muy complicada, abstracta y oscura, lo cual si bien es cierto ya que los libros de la materia son bastante complejos, en el cine es uno de los mejores métodos para comprender lo que comunica el lenguaje cinematográfico, cada elemento visible y audible opera como un signo que el espectador interpreta, ya sea de manera consciente o intuitiva. Nada en una película está colocado al azar: todo participa en la construcción del sentido La palabra semiótica viene de la raíz griega seme sēmeiōtikos que significa intérprete de signos. Cuando hablamos de signos en el cine, nos referimos a cualquier elemento que comunique algo. Una rosa marchita puede transmitir pérdida; un ángulo de cámara en contrapicado puede hacer que un personaje se sienta más poderoso; un primer plano nos acerca a sus emociones. Estas interpretaciones dependen tanto de nuestra experiencia como de 32 MARZO 2026 los códigos culturales que compartimos. La semiótica identifica tres tipos principales de signos. Los iconos se parecen a la realidad (como una fotografía o un paisaje); los índices señalan una relación directa, como el humo que indica fuego; y los símbolos dependen de un acuerdo cultural, como el color rojo asociado al peligro o la pasión. En el cine, estos signos se combinan para crear capas de lectura que enriquecen la historia. El lenguaje cinematográfico también participa en la creación de significado. La puesta en escena, que incluye iluminación, vestuario, decorado y actuación, construye la atmósfera y revela información sobre los personajes. La puesta en cuadro, es decir, el tipo de plano, el ángulo y los movimientos de cámara, guía nuestra interpretación. El montaje une imágenes para generar nuevas asociaciones, como lo demuestra el famoso efecto Kuleshov. Incluso el sonido, como la música, los silencios y los efectos aporta emociones y tensiones que no siempre vemos, pero sí sentimos. �Comprender la semiótica nos permite analizar la narrativa desde otro ángulo. Objetos recurrentes, contrastes de color o ciertas composiciones pueden convertirse en metáforas visuales o en pistas sobre la intención del director. Un ejemplo conocido es El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro. En esta película, la clara distinción cromática entre los tonos dorados y cálidos del mundo fantástico y los colores fríos y azulados del mundo real establece un contraste emocional que guía al espectador. Los tonos cálidos sugieren refugio, imaginación y esperanza, mientras que la frialdad del mundo real subraya la dureza y crudeza del contexto histórico. Esta dualidad cromática funciona como un código visual que profundiza en la psicología de la protagonista y en la naturaleza de los mundos que habita. Imagen extraida de: Warner Bros. Otro ejemplo emblemático de semiótica aplicada en el cine se encuentra en El Padrino, donde las naranjas se convierten en un símbolo recurrente de peligro o muerte inminente. Aunque a primera vista parecen objetos cotidianos, su presencia estratégica antes de escenas violentas crea un patrón simbólico que el espectador aprende a reconocer de manera intuitiva. Este detalle visual se ha convertido en un elemento icónico del lenguaje cinematográfico de la película, demostrando cómo un signo aparentemente sencillo puede adquirir un significado profundo dentro de una obra. Asimismo, en Los Juegos del Hambre, el sinsajo funciona como un potente símbolo de resistencia y libertad. A lo largo de la saga, este emblema evoluciona junto a la protagonista, convirtiéndose en un signo cultural dentro del propio universo narrativo. Su presencia en vestuarios, gestos, propaganda y objetos lo transforma en un marcador visual de rebelión que trasciende su función inicial. El sinsajo no solo representa una identidad colectiva, sino que también actúa como un vehículo semiótico que articula el crecimiento político y emocional del personaje principal. Para finalizar, tenemos de ejemplo a El resplandor de Stanley Kubrick. La película utiliza los signos de manera magistral para construir atmósferas, desarrollar personajes y revelar discursos sociales y psicológicos. En “El resplandor”, la arquitectura del Overlook Hotel es un sistema de signos que comunica aislamiento, repetición e inestabilidad. La película es reconocida por su composición simétrica extrema, un recurso que normalmente se asocia con equilibrio o armonía, pero que en este contexto genera una sensación inquietante. La perfección geométrica de los pasillos y habitaciones actúa como un símbolo de control y, al mismo tiempo, como un índice de la mente deteriorada de Jack Torrance. En resumen, la semiótica en el cine nos invita a mirar más allá de la superficie. Cada encuadre, objeto o color tiene un significado que contribuye al discurso total de una película. Comprender estos signos permite desarrollar análisis más sólidos y sensibles, además de ampliar la forma en que interpretan y producen sus propias imágenes. agen optenida de CineOculto. Imagen extraida de: Warner Bros. Imagenes extraidas de: Amazon,NICHXAV. El cine, como cualquier lenguaje, se entiende mejor cuando descubrimos el sistema de signos que lo compone. Y es precisamente esta lectura profunda la que transforma la experiencia cinematográfica en un acto creativo, crítico e interpretativo. MARZO 2026 33 �E N F O Q U E CULTURA DIGITAL TikTok y el arte de contar historias fugaces En menos de un minuto, millones de usuarios logran condensar emociones, tendencias y reflexiones que trascienden la pantalla. POR: IRLANDA JOELLI VARGAS HERNÁNDEZ E n la era digital, las formas de comunicación han cambiado radicalmente, y con ellas, la manera en que contamos y consumimos historias. TikTok es una de las plataformas que mejor ha entendido esta transformación. Su propuesta se basa en la inmediatez: videos breves capaces de atrapar la atención del espectador en cuestión de segundos. Este modelo de narrativa corta responde a un público acostumbrado a lo rápido, lo visual y lo que genera un impacto inmediato. La magia de esta plataforma no radica únicamente en la brevedad, sino en los recursos creativos que pone al alcance de cualquiera. Transiciones fluidas, filtros llamativos, sonidos virales, música y efectos especiales se convierten en herramientas narrativas. Con ellos, los usuarios condensan ideas, emociones e incluso relatos completos en clips de apenas unos segundos. Lo interesante es que, aunque estas historias son fugaces, tienen el poder de quedarse en la memoria colectiva y generar tendencias culturales que trascienden lo digital. Un ejemplo reciente de cómo TikTok logra transformar la brevedad en narrativa impactante es el trend de “Ojitos mentirosos”, una cumbia que se viralizó acompañada de videos donde jóvenes se maquillaban como payasos y recorrían calles, tianguis o barrios populares. Más allá de lo estético, muchos de estos clips se produjeron con gran cuidado en la edición, el uso de filtros y la construcción de una historia visual. El maquillaje y las locaciones evocaban la película Chicuarotes (2019) de Gael García Bernal, cargando los videos de un simbolismo social y cultural que conectó con miles de espectadores. Esta tendencia demostró cómo una canción, acompañada de recursos creativos, puede convertirse en un relato fugaz que no solo entretiene, sino que también provoca reflexión e identidad colectiva. 34 MARZO 2026 Cada video funciona como una microhistoria. No importa si se trata de una escena humorística, un consejo práctico, un baile o un fragmento de vida cotidiana; la clave está en cómo se construye el relato con creatividad y ritmo. La plataforma fomenta un lenguaje audiovisual propio, donde lo breve es sinónimo de intensidad. En lugar de explicar demasiado, se busca mostrar lo esencial, generando un impacto emocional inmediato. TikTok también ha redefinido el papel del espectador. Ya no somos simples consumidores pasivos: podemos ser parte de la narrativa a través de duetos, comentarios o recreaciones. Esa interacción crea un ciclo en el que las historias se multiplican y se transforman constantemente, reafirmando la idea de que lo fugaz no significa superficial, sino flexible y adaptable a las dinámicas de la cultura digital. Además, la interacción constante entre los usuarios y el contenido hace que las narrativas en TikTok sean �un reflejo de la cultura compartida. Al no depender de una estructura rígida de inicio, desarrollo y final, cada video puede transformarse en un lienzo abierto donde los significados cambian con cada visualización. Los duetos, las respuestas creativas y las remixes amplifican la historia original, permitiendo que el contenido se expanda y se multiplique en formas inesperadas. Este fenómeno de “co-creación” democratiza el proceso narrativo y permite que cualquiera, desde creadores novatos hasta artistas establecidos, participen activamente en la construcción de significado colectivo. La velocidad con la que se difunden los contenidos y la capacidad de generar conversaciones globales a partir de un solo video refleja cómo las redes sociales han modificado nuestra relación con la narrativa. Lo efímero ya no es un obstáculo, sino un puente hacia nuevas formas de conexión y expresión. De esta forma, TikTok nos enseña que las historias no necesitan ser largas para ser significativas. Lo efímero puede ser poderoso y lo breve puede dejar huella. En cada transición creativa o en cada sonido viral se esconde una nueva forma de narrar que conecta con millones de personas alrededor del mundo. Al final, estas historias fugaces reflejan nuestra manera contemporánea de ver el tiempo: intensa, veloz y siempre en movimiento. No pierdas el tiempo, aprovéchalo, OBSERVA, EXPERIMENTA COSAS NUEVAS y sigue tus corazonadas siempre con cuidado”. INSPIRACIÓN EN CHICUAROTES (2019) En la cinta, se retrata la vida de dos jóvenes que buscan salir de la pobreza usando cualquier medio posible. No es una historia glorificada, sino una mirada cruda a la realidad de los barrios, con colores tierra, maquillaje de payaso y calles que hablan por sí mismas. No solo copiaban el estilo: buscaban esa sensación de estar luchando contra el mundo desde lo cotidiano, convirtiendo segundos de video en pequeños relatos visuales llenos de tensión y memoria. Haz clic y mira la historia detrás del trend. POR ANGELMUSIC MARZO 2026 35 �A R T E LA TÉCNICA ARTESANAL QUE RESISTE EN LA ERA DIGITAL TIM BURTON REVIVE LA MAGIA DEL STOP MOTION El cineasta regresa a sus orígenes con un cortometraje gótico dentro de la serie de Netflix, apostando por la imperfección, lo hecho a mano y la nostalgia que lo consagró. POR: SANJUANA GONZÁLEZ Y VERÓNICA RIVERA POR: NETFLIX LATINOAMÉRICA EN YOUTUBE E 36 MARZO 2026 Demuestra que, como productor, tiene la habilidad de combinar la trama de una serie popular, con altos niveles de audiencia, con lo hecho a mano y desconocido para las nuevas generaciones. Apuesta por lo artesanal y por la imperfección que suelen encontrarse en sus personajes, invitando a los espectadores a dejarse llevar por la esencia del stop motion. POR: NETFLIX LATINOAMÉRICA EN YOUTUBE n una era donde la inteligencia artificial comienza a predominar, reemplazando lo manual con lo digital, Tim Burton nos demuestra la atrapante magia que aún contiene el stop motion en la actualidad. La participación que se llevó a cabo en la serie Merlina revivió esta técnica artesanal, confirmando por qué el director de cine estadounidense es uno de los mejores dentro del mundo artístico oscuro y tétrico. En la segunda temporada de Merlina, en el episodio inicial, se utilizó la técnica para narrar la anécdota de El cuento del Árbol de la Calavera, en donde se habla sobre un estudiante con un corazón mecánico que está ligado al misterioso Árbol Calavera de la academia privada Nunca Jamás, contando la trágica historia de manera personal y significativa para el público. Un tributo a los orígenes cinematográficos de Tim Burton. En este regreso al stop motion del artista, podemos observar la clara influencia de sus demás obras icónicas, como El extraño mundo de Jack, El cadáver de la novia y Vincent, siendo este último uno de sus primeros trabajos en blanco y negro, completamente fiel a su estilo, utilizando figuras y paisajes macabros. �POR: NETFLIX LATINOAMÉRICA EN YOUTUBE Tuve que recurrir a técnicas rudimentarias, como las que usaba cuando era estudiante” Tim Burton, Director, productor y guionista Tim Burton y su legado en stop motion El cortometraje utilizado en la serie, realizado en una escala de grises, se caracteriza por tener una atmósfera clásica, gótica y emotiva. Se usaron aproximadamente quince títeres y diez sets hechos a base de materiales reciclados, en un proceso extenso de ocho meses en el que se involucró el equipo de Mackinnon & Saunders y el mismo Tim Burton. El director de cine realizó bocetos rápidos de los personajes e incluso talló en madera algunas esculturas, manteniendo el detalle, la precisión y su obsesión por la autenticidad en cada toma, cuadro por cuadro. Exigió que se evitara cualquier tipo de técnica digital en términos de animación, optando por efectos manuales como la explosión que sucedió en la Torre del reloj, donde las llamas se crearon con jabón de glicerina. Esta técnica, que lo llevó a la fama, forma parte de varios de sus proyectos más reconocidos, por lo que el productor mencionó en una reciente entrevista la nostalgia que sintió al estar de vuelta en sus orígenes. “Tuve que recurrir a técnicas rudimentarias, como las que usaba cuando era estudiante”, indicó Burton, recordando que en esa época trabajaba humildemente con material reciclado y un bajo presupuesto. Esto otorgó una atmósfera orgánica a este capítulo, enriqueciendo la trama y aportando un aura mágica y ancestral que caracteriza al stop motion. Asimismo, Tim Burton señaló que el cortometraje El cuento del Árbol de la Calavera, fue un homenaje a sus primeros maestros, manteniendo su énfasis en la profesora Doris Adams, quien lo animó a adentrarse en el mundo del stop motion durante sus tiempos de aprendiz. Su principal objetivo es que el público recuerde la importancia que esta técnica tiene en la narrativa cinematográfica y artística. Aunque complicada de trabajar, es irremplazable debido a su toque original y llamativo. Vincent (1982) Cortometraje en blanco y negro que rinde homenaje al actor Vincent Price y a la estética gótica, marcando el inicio del estilo único de Burton en el cine de animación. The Nightmare Before Christmas (1993) Dirigida por Henry Selick, esta película fue producida y concebida por Burton, quien aportó su visión artística y característico diseño de personajes. James and the Giant Peach (1996) Basada en la novela de Roald Dahl, esta película combina técnicas de stop motion con acción en vivo, bajo la producción de Tim Burton. Corpse Bride (2005) Dirigida por Mike Johnson y Tim Burton, esta película cuenta la historia de un hombre que accidentalmente se compromete con una novia cadáver. Frankenweenie (2012) Remake en stop motion del cortometraje original de Burton de 1984, el cual narra la historia de un niño que revive a su perro fallecido. Beetlejuice Beetlejuice (2024) Secuela de Beetlejuice, la cual incluye una secuencia animada en stop motion. Diseñada por Burton, para representar la muerte del personaje Charles Deetz. MARZO 2026 37 �A R T E ARTE Y EMOCIÓN LA CATARSIS CATARSIS QUE SANA De Altamira a Frida: el arte como vía de purificación y expresión POR: ALONDRA IRACHETA Y ELIZABETH BACA E l arte ha estado presente en la historia de la humanidad desde tiempos remotos, comenzando con las cuevas de Altamira como una forma de favorecer la caza o como una vía para acercarse y comunicarse con los dioses en la civilización griega. No solo se limita al lado estético o conceptual, sino también a la expresión y la comunicación, ya sea de temas sociales complejos o meramente personales. Varias figuras importantes que han dejado huella en la historia de la humanidad han abordado el tema de la catarsis y su estrecho vínculo con el arte. Un caso famoso es el del filósofo, científico y polímata Aristóteles, quien describe la catarsis como el efecto final de las acciones y de las emociones suscitadas por una bella tragedia. La catarsis, para los griegos, era un símbolo de purificación que, para alcanzarla, requería pasar por un proceso en el que los sentimientos se desencadenaban al presenciar una historia. Para ellos, este efecto se reflejaba especialmente en las obras teatrales de la época, las cuales, en su mayoría —si no en su totalidad— eran trágicas (historias con finales dolorosos). Tras experimentar este proceso, Aristóteles señalaba al arte como un medio contemplativo sobre las emociones, capaz de hacer que los seres humanos se reflejen en sus pasiones y en el dolor de sus emociones, logrando así que la humanidad pudiera comprenderse a sí misma desde su propia sensibilidad. Más tarde, a finales del siglo XIX e inicios del siglo XX, Sigmund Freud retomaría la relación entre catarsis y arte como herramienta de salud mental, dedicándose al estudio del teatro y su impacto en la mente. Incluso estudió la civilización griega y su respuesta a la catarsis en sus obras teatrales. Asimismo, tras la Primera Guerra Mundial, en diferentes países directamente involucrados, los médicos en hospitales psiquiátricos comenzaron a aplicar y estudiar el arte psico-patológico, concluyendo que el arte servía como descarga de la ansiedad y el sufrimiento que ex38 MARZO 2026 perimentaban estos pacientes. Además, apoyaba la liberación de endorfinas y dopamina, elementos clave para generar sensaciones de bienestar y placer. Tras la Segunda Guerra Mundial, se dio prioridad al tratamiento de la salud mental a través del arte con ex-soldados hospitalizados por neurosis (ansiedad, obsesiones, fobias) y niños abandonados. En el caso de estos últimos, se estudiaba su entorno a través de sus dibujos, mientras que los ex-soldados participaban en terapias grupales y en la terapia del arte. Además, el arte comenzó a servir como herramienta de comunicación para pacientes hospitalizados que no podían hablar o, en los geriátricos, para personas mayores con demencia. El arte despierta emociones profundas y permite que nos sintamos comprendidos y validados, fomentando la autorreflexión y la empatía”. �Ahora bien, ¿cómo se considera actualmente al arte como objeto de catarsis? Primero, debemos aclarar que el arte no se limita a la pintura, sino que abarca todas las bellas artes: arquitectura, escultura, pintura, literatura, música, danza y cine. Incluso, escribir un diario puede considerarse una forma de arte. El proceso de canalización de emociones se relaciona, en gran medida, con la creatividad humana. Esta no se limita al aspecto visual y estético; también implica la resolución de problemas y la búsqueda de alternativas a situaciones o pensamientos que afectan la mente. Así, incluso un ingeniero puede ser considerado creativo. Por lo tanto, cualquier persona, aunque inexperta, puede canalizar sus emociones y creatividad a través del arte. Claro que algunas personas poseen una creatividad más innata que otras, pero esto no significa que no se pueda entrenar y desarrollar al mismo nivel o incluso más alto. En el arte no existen reglas estrictas: algunas personas encuentran su canal de expresión en los lienzos, mientras que otras pueden preferir pintar en piedras, papel o utilizar el carboncillo. Quienes no se sientan atraídos por las artes visuales pueden explorar la danza, la escultura, la literatura y muchas otras formas de expresión. Cuando las personas encuentran un canal de expresión que les resulta adecuado, ocurre un proceso casi mágico: tras una semana difícil llena de conflictos y problemas que no pudieron expresarse plenamente, el arte permite externalizar sentimientos que de otro modo permanecerían reprimidos. Este proceso puede sentirse automático: se tiene clara la imagen y el concepto de lo que se quiere comunicar, o bien, se parte sin una idea definida, pero con el sentimiento presente, lo que es suficiente para que el proceso creativo se lleve a cabo. Cada ser humano lo experimenta de formas distintas, pero el resultado es el mismo: una catarsis emocional a través del arte. Si tu canal de expresión es la pintura o el dibujo, los estados emocionales pueden interpretarse mediante colores y formas: no es lo mismo usar azul para expresar tristeza que un amarillo vivo para comunicar alegría, ni un círculo que un cuadrado, que transmite fuerza y rigidez. La música genera catarsis emocional a través de melodías; escucharlas o tocarlas permite liberar tensiones y expresar sentimientos personales. La escritura, desde un diario hasta poesía o relatos cortos, también facilita la liberación emocional. La danza y el teatro movilizan el cuerpo, fomentando la conexión mente-emoción, el autoconocimiento y un alivio físico tras la actividad. No solo existe un canal de expresión en las artes visuales; la danza, la música, la literatura y muchas otras formas permiten canalizar emociones y alcanzar la catarsis”. Beneficios del arte: 1. El arte permite la catarsis emocional, liberando sentimientos reprimidos y generando bienestar. 2. Pintura, música y escritura activan emociones diferentes; por ejemplo, colores y formas transmiten estados de ánimo distintos. 3. La participación en actividades artísticas mejora la inteligencia emocional, la autoestima y la concentración en los niños. 4. El arte fomenta la empatía, la inclusión y el respeto por la diversidad, además de conservar la memoria histórica y cultural. MARZO 2026 39 �A R T E Al final, lo más importante en una obra o performance artístico no es el resultado final, sino lo que se siente antes, durante y después del proceso de catarsis. El arte despierta emociones profundas y permite que nos sintamos comprendidos y validados, fomentando la autorreflexión y la empatía. No todos comprenderán los sentimientos expresados en tu obra, pero esto no significa que sean incorrectos; siempre habrá alguien que experimente con la misma intensidad las emociones que transmitiste. Está claro que el arte debe jugar un papel fundamental en la educación y la sociedad. Sus ventajas incluyen el desarrollo del pensamiento crítico y creativo, la estimulación de la imaginación, la resolución de problemas y la innovación, habilidades esenciales en cualquier disciplina. Además, mejora la expresión emocional, el autoconocimiento y el aprendizaje integral; estudios demuestran que los niños que participan en actividades artísticas presentan mejor desempeño académico e inteligencia emocional, lo que favorece la autoestima, salud mental, memoria, concentración y coordinación. El arte también estimula la empatía y la inclusión, exponiendo a los estudiantes a diversas culturas, historias y perspectivas, fomentando la tolerancia y el respeto por la diversidad. En la sociedad, el arte conserva la memoria histórica y cultural, cuestiona realidades sociales, impulsa la cohesión comunitaria y promueve valores democráticos. Está claro que el arte debe jugar un papel fundamental en la educación, estimulando la creatividad, la inteligencia emocional y la empatía desde temprana edad”. 40 MARZO 2026 Un ejemplo claro del arte como catarsis es Frida Kahlo, quien expresó sus dolores físicos y emocionales mediante la escritura y la pintura. Su vida estuvo llena de tragedias, y el arte se convirtió en su escape emocional, ofreciendo al público un testimonio único de su mundo interior. Sus autorretratos, en particular, servían como catarsis, reflejando tristeza, ira, esperanza y amor. Su obra no solo fue una forma de expresión personal, sino también un puente para conectar con otras personas, demostrando que el arte puede sanar y comunicar sentimientos complejos. Una obra ejemplar es El Diario de Frida Kahlo: un íntimo autorretrato (1944-1954), donde en 170 páginas plasmó su expresión emocional a través de la escritura y la pintura. Entre los elementos recurrentes destacan Diego Rivera, el amor de su vida, y el México prehispánico, así como la representación de su dolor físico, como la pierna que eventualmente fue amputada. Su arte no buscaba ser estético, sino reflejar su sentir más puro, liberar cargas emocionales y fomentar la comprensión de otros. Aunque el arte es una forma de catarsis, no debe buscarse la perfección a toda costa. El arte puede liberar emocionalmente, pero si no se reconocen los propios límites o no se desarrollan las habilidades necesarias, el resultado puede ser frustrante. Sin embargo, incluso si la obra no alcanza la expectativa, conserva su valor si logra reflejar el sentir del artista; aprender a soltarlo es parte del proceso. �MARZO 2026 41 ILUSTRACIONES POR ALONDRA IRACHETA �P A TA RV II M S O O SN I O FOTOGRAFIAS POR XIMENA ZAPATA LÓPEZ ARTISTA DEL MES: AGOSTO Celebrar el arte y la enseñanza: CEDART Hilda nos comparte sus obras más significativas acompañada de sus seres queridos. POR: XIMENA ZAPATA 42 MARZO 2026 �E l 25 de agosto nos reunimos en el área del primer piso del edificio E para rendir homenaje a la gran artista Hilda Cruz de Abad, quien recibió un merecido reconocimiento por parte de la Facultad de Artes Visuales. Más allá de la entrega del reconocimiento, Hilda nos regaló la oportunidad de adentrarnos en su universo creativo: un espacio armónico, espiritual y profundamente humano. Su obra, fruto de un dominio excepcional en la pintura, el grabado y la escritura, se presentó ante nosotros como un canto apasionado al arte. “El material y la técnica usadas ayudan a definir determinados estados del espíritu.” Las piezas expuestas —pinturas y esculturas cargadas de fuerza y sensibilidad— pertenecen a una etapa significativa en la vida de la maestra: su tránsito como estudiante y posteriormente como recién egresada del Taller de Artes Plásticas, antecesor de la actual Facultad de Artes Visuales. Su huella no se limita a la creación artística. Como fundadora del CEDART Monterrey, Hilda Cruz de Abad ha formado a generaciones enteras de artistas, consolidándose como una figura indispensable en la docencia y en la vida cultural de nuestra comunidad. Su legado trasciende el tiempo y las generaciones. Cada una de sus obras es un reflejo de la sensibilidad con la que supo mirar el mundo y transformarlo en arte. Al recorrer esta exposición, no solo contemplamos colores, formas y materiales, sino también la voz de una creadora que invita a detenernos, a reflexionar y a sentir. Su presencia nos recuerda que el arte es, ante todo, un puente entre lo humano y lo trascendente. En esta edición del Artista del Mes de agosto, recibimos con profundo orgullo y gratitud tanto su presencia como la riqueza de sus obras. La maestra Hilda Cruz de Abad nos recuerda que el arte no solo se contempla, sino que también se siente, se vive y se comparte. “El material y la técnica usadas ayudan a definir determinados estados del espíritu.” Hilda Cruz de Abad Fundadora del CEDART de Monterrey, docente de la Facultad de Artes Visuales. Recibiendo reconocimiento por parte de la institución. MARZO 2026 43 �P A TA RV II M S O O SN I O ARTISTA DEL MES ADRIANA MARGAIN POR: RUBY AYDE LEAL LOPEZ E l pasado 16 de octubre de 2025, en punto de las 11:00 horas, el Departamento de Patrimonio Artístico, bajo la dirección de Héctor Morales, llevó a cabo la inauguración de la exposición correspondiente al “Artista del Mes”. En esta ocasión, la protagonista fue la reconocida ceramista y escultora nuevoleonesa Adriana Margain, cuya obra quedó instalada en el edificio E de la Facultad de Artes Visuales, ofreciendo a la comunidad universitaria y al público general una muestra íntima de su exploración técnica y estética. La exposición reúne un total de cuatro piezas de grabado elaboradas mediante la técnica de colografía, un método que destaca por su carácter experimental y su marcada riqueza textural. Esta técnica consiste en la creación de una matriz a partir de un collage construido con diversos materiales (generalmente objetos o superficies texturizadas) adheridos a un soporte rígido como cartón o madera. Una vez conformada la matriz, se aplica tinta o pigmento sobre su relieve para posteriormente transferir la imagen resultante a papel u otros soportes. 44 MARZO 2026 El proceso da lugar a composiciones con profundidades, contrastes y relieves únicos, cualidades que Margain explora con sensibilidad y precisión. Las obras exhibidas forman parte del archivo del Departamento de Patrimonio Artístico, una colección que resguarda un acervo considerablemente amplio y diverso. Muchas de estas piezas han permanecido bajo su cuidado desde mucho antes de la fundación formal de la Facultad de Artes Visuales, lo que convierte al archivo en un testimonio vivo de la evolución académica y creativa de la institución. Estos espacios se hacen con el objetivo de que tengamos una perspectiva histórica, una memoria de todo lo que ha sido la facultad, que a veces como estudiantes desconocemos”. �Una parte significativa de este acervo proviene de maestros y artistas formados en el histórico Taller de Artes Plásticas, lo que otorga a estas obras un valor no solo estético, sino también documental y cultural, al representar la consolidación de las prácticas artísticas en la región. El Taller de Artes Plásticas desempeñó un papel fundamental en el nacimiento y desarrollo de lo que hoy conocemos como la Facultad de Artes Visuales. Fundado en 1947 con una matrícula inicial de 45 estudiantes, el taller asumió desde sus inicios la responsabilidad de formalizar y profesionalizar el estudio de las artes plásticas en Nuevo León. Su crecimiento fue rápido y fundamental para la década de los años cincuenta ya había ampliado su plan de estudios con la incorporación de talleres especializados en litografía, xilografía y grabado en metal, sentando así las bases para la formación integral de generaciones de artistas. La exposición de Adriana Margain no solo permite apreciar las posibilidades expresivas de la colografía, sino que también reafirma la importancia del diálogo entre el pasado artístico de la institución y las prácticas contemporáneas. Al activar obras pertenecientes al archivo institucional en un nuevo contexto expositivo, el Departamento de Patrimonio Artístico contribuye a mantener viva la memoria creativa que ha dado forma a la Facultad de Artes Visuales, al tiempo que impulsa y reconoce el trabajo de artistas que continúan expandiendo el panorama cultural de Nuevo León. MARZO 2026 45 �E V E N T O S Una exposición que refleja experiencias NUEVA YORK EN REFLEJOS La muestra ‘Reflexo’ reúne las experiencias visuales de alumnos que encontraron en la fotografía un medio para plasmar sus memorias y reflexiones. FOTOS TOMADAS POR: ELIZABETH BACA 46 MARZO 2026 L POR: ELIZABETH BACA Y ALONDRA IRACHETA a exposición “Reflexo” realizada el 4 de septiembre de 2025 nace como una forma de plasmar la vivencia del viaje estudiantil a la ciudad de Nueva York, a través de la mirada de los estudiantes. La muestra reunió el trabajo visual de alumnos de distintas carreras artísticas, quienes transformaron su experiencia en imágenes capaces de transmitir emociones, memorias y reflexiones. Tal como lo expresó el maestro Eduardo Mallén en la inauguración: “Esta exposición es la reflexión de los alumnos, por eso el juego de palabra de Reflexo. La intención era transmitir esa experiencia, esa idea, eso que se vivió por medio de imágenes, de fotografías, de plasmar la ciudad y ver cómo dentro de lo que puede ser cotidiano también hay una reflexión, un sentimiento, una emoción”. La galería reunió las experiencias, las ideas y las emociones que surgieron en el recorrido. Cada fotografía captura un instante que va más allá de lo cotidiano, mostrando desde la grandeza de la ciudad hasta los pequeños detalles que muchas veces pasan desapercibidos. Durante la inauguración, algunos estudiantes compartieron lo que este viaje les dejó tanto a nivel personal como académico. Alison Zamudio compartió: “Fue muy lindo convivir con personas que estamos en la misma facultad pero nunca nos habíamos visto. La ciudad es muy grande y hay muchas cosas tanto para diseñadores como para artistas de las que se puede aprender. Lo que más me dejó fue visitar las exposiciones del museo MoMA, porque son muy variadas. Ahí te das cuenta de que todo, a ojos de ciertas personas, puede ser arte”. Cielo Sophia recordó con entusiasmo: “El viaje estuvo increíble, me la pasé bastante bien. Recorrimos varios museos, mi favorito fue el MoMA que es hiper-mega grande. Yo me hubiera quedado más tiempo ahí. Lo que me dejó fue aprender que en cada lugar se puede encontrar algo mágico; si te detienes a observar, siempre descubres algo distinto y valioso. Eso es lo que también busca el arte; ver más allá de lo que está enfrente”. Jorge Cornejo resaltó la importancia de abrir los ojos a nuevas realidades: “Me gustó mucho porque conocí un lugar nuevo. A veces nos encerramos en nuestra propia realidad y olvidamos �REFLEXO no es solo una muestra de imágenes, FUE UN ESPACIO donde los estudiantes lograron EXPRESAR SU MANERA DE VER LA CIUDAD”. todo lo que hay afuera. Lo que más me llevo es la conciencia de ese mundo que existe más allá de nosotros. Además, este viaje me ayudó a educar mi ojo; ya no tomar fotos en automático, sino planear lo que quiero ver y lo que quiero recordar”. Para el maestro Eduardo Mallén, el viaje también representó un aprendizaje personal: “Una cosa que amo de Nueva York es que me obliga a fluir. Yo suelo querer tener todo controlado, pero allá las cosas salen como tienen que salir y eso es algo que aprecio mucho. Aprendí que no todo debe estar bajo control y aun así puede salir bien”. Respecto a la exposición, el profesor compartió los retos que enfrentaron: “La coordinación con los alumnos fue lo más complejo. La maestra Alma y yo teníamos claro el concepto y la idea, pero gestionar la participación siempre es un reto: que manden, hagan y digan. Aun así, lo más importante fue que se logró motivar a todos, y el resultado es esta muestra que refleja el esfuerzo y la visión de cada estudiante”. “Reflexo” no es solo una muestra de imágenes, fue un espacio donde los estudiantes lograron expresar su manera de ver la ciudad y reconocer el talento creativo que lograron transmitir, a través de la fotografía y su manera de tener un recuerdo de esa gran experiencia que siempre recordarán. MARZO 2026 47 �E V E N T O S INAUGURACIÓN ALTAR DE MUERTOS INMERSIVO 2025 Un homenaje a la identidad regiomontana a través del talento universitario y la preservación de las tradiciones mexicanas. POR: XIMENA ZAPATA POR: GRACIELA VARGAS HERNÁNDEZ E l pasado 1 de octubre de 2025, a las 3:30 p.m., se celebró la inauguración del Altar de Muertos Inmersivo en el Pabellón Cultural del Gobierno de Monterrey, un proyecto que une la tradición ancestral del Día de Muertos con la innovación artística de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL). Este evento marcó el inicio de una experiencia cultural que busca honrar la memoria, fomentar el arte y fortalecer los lazos entre la universidad y la comunidad regiomontana. Bajo una atmósfera llena de color, flores de cempasúchil y calaveras ornamentales, se llevó a cabo una ceremonia que combinó emotivos 48 MARZO 2026 discursos, muestras de gratitud y una profunda reflexión sobre el valor del arte como vehículo de identidad y cohesión social. Durante la inauguración, se expresaron múltiples agradecimientos a las autoridades que hicieron posible el proyecto. Entre ellos, se reconoció el apoyo del alcalde de Monterrey, el licenciado Adrián de la Garza, y de la licenciada Silvia Nancy García Treviño, directora de Turismo y Cultura, por brindar el espacio y los recursos necesarios para que la Facultad de Artes Visuales pudiera llevar a cabo este proyecto que hoy se consolida como un referente artístico en la ciudad. Asimismo, se destacó la colaboración del doctor Santos Guzmán López, Rector de la UANL, y de la maestra Ana Isabel Guzmán Medrano, Directora de la Facultad, por su compromi- �POR: XIMENA ZAPATA Hoy podemos decir que Monterrey cuenta con un altar que refleja su IDENTIDAD, SU HISTORIA Y SU ORGULLO NORTEÑO”. - Andrés González. Andrés González Responsable del área de desarrollo cultural. so con la formación integral de los estudiantes y por su impulso constante a los proyectos que combinan arte, cultura y comunidad. También se agradeció el acompañamiento de la Doctora Eréndira Villanueva, Secretaria Administrativa de la Facultad, así como de los departamentos de Vinculación, Comunicación, Tesorería y Desarrollo Cultural, cuyos esfuerzos coordinados hicieron posible la materialización de esta obra colectiva. El maestro Andrés González, responsable del área de Desarrollo Cultural, subrayó que el altar representa el fruto del talento, la disciplina y la creatividad de los alumnos, quienes trabajaron arduamente durante más de dos meses en el diseño, modelado y montaje del proyecto. “Hoy podemos decir que Monterrey cuenta con un altar que refleja su identidad, su historia y su orgullo norteño”, señaló. Lejos de ser un altar tradicional, esta propuesta artística se distingue por su carácter inmersivo y contemporáneo. Inspirado en la emblemática Plaza Zaragoza, el altar busca transportar al visitante a una representación simbólica del corazón de la ciudad, donde convergen personajes típicos de la vida cotidiana regiomontana: el barrendero, el vendedor de algodones, las parejas de baile, los músicos locales, e incluso figuras ligadas al deporte y la vida popular. Además de los elementos escultóricos y florales, el altar integra tecnología multimedia a través de un videomapping que da vida a personajes icónicos de la cultura mexicana como El Piporro, Cepillín y Celso Piña; este recurso visual convierte el altar en una experiencia sensorial que combina imagen, sonido y movimiento, invitando al público a interactuar con la obra y a reflexionar sobre el significado de la vida y la muerte desde una perspectiva local. Durante la ceremonia, algunos de los docentes y alumnos involucrados compartieron su entusiasmo por haber logrado un proyecto que trasciende los muros de la universidad. “Queríamos que la ciudadanía se sintiera parte de este altar. Por eso incluimos una pared donde las personas pueden traer fotos de sus seres queridos y colocarlas como parte de la exposición”, explicaron. MARZO 2026 49 �E V E N T O S POR: XIMENA ZAPATA POR: XIMENA ZAPATA De esta manera, la obra no solo rinde tributo a los difuntos, sino que también se convierte en un punto de encuentro entre generaciones y memorias compartidas. En las entrevistas realizadas, los participantes coincidieron en que este proyecto representa una oportunidad de aprendizaje colectivo y una muestra del poder del arte para conectar a las personas. Hablaron de la organización del proyecto; los equipos se dividieron por áreas de escultura, pintura, calaveras, tapete de aserrín y ambientación, cada uno con líderes encargados de coordinar los avances y mantener la coherencia estética de la obra. Uno de los mayores desafíos, mencionaron, fue encontrar la identidad sonora del altar, “Buscamos una música que representara a Monterrey; algo que conectara con nuestra cultura y nuestra forma de vivir el duelo. No queríamos usar solo melodías del centro o del sur, sino algo que hablara desde el norte”, comentó uno de los profesores participantes. Los alumnos también expresaron su orgullo por colaborar con el municipio en un evento público, destacando la importancia de mostrar el talento universitario más allá del ámbito académico. “Durante años el altar era una actividad interna, pero ahora el público puede ver lo que hacemos, y eso nos llena de emoción. Es una manera de demostrar que el arte puede transformar espacios, inspirar y unir”, compartieron algunos de ellos. El Altar de Muertos Inmersivo permaneció abierto al público hasta el 2 de noviembre, en horario de 10:00 a.m. a 6:00 p.m., con entrada gratuita. La exposición invitó a las familias regiomontanas a disfrutar de una experiencia artística que celebraba la memoria de los seres queridos y la riqueza cultural de la región. Con esta iniciativa, la Facultad de Artes Visuales reafirma su compromiso de llevar el arte a la comunidad, promoviendo va- 50 MARZO 2026 �lores de colaboración, respeto por las tradiciones y apertura a la innovación. La fusión entre el simbolismo del Día de Muertos y las herramientas digitales contemporáneas da como resultado una propuesta fresca, emotiva y profundamente mexicana, que demuestra que la modernidad y la tradición pueden convivir en perfecta armonía. El altar no solo honró a quienes han partido, sino que también celebró la vida, la creatividad y el espíritu colectivo que define a Monterrey; mientras la memoria siga viva en el arte, la muerte nunca será olvido. MARZO 2026 51 �E V E N T O S Mientras la MEMORIA SIGA VIVA EN EL ARTE, la muerte nunca será olvido.” 52 MARZO 2026 �MARZO 2026 53 �E V E N T O S LITERATURA LETRAS QUE ROMPEN EL SILENCIO: FERIA INTERNACIONAL DEL LIBRO MONTERREY 2025 En la FIL Monterrey 2025, proyectos como Vindictas y la Biblioteca de Escritoras Colombianas reivindican la voz de mujeres olvidadas por la historia de México y Colombia. internacionales. En especial, tuvimos la oportunidad de descubrir la riqueza cultural de Colombia, a través de espacios dedicados a su literatura, su música y sus costumbres. Esta experiencia nos brindó una visión más amplia sobre cómo el intercambio entre países latinoamericanos fortalece la unión cultural y fomenta la diversidad. POR: ANDRIK LUNA FOTOGRAFÍAS POR: XIMENA ZAPATA ¿Qué pudimos encontrar en esta edición? Uno de los proyectos más destacados de esta edición fue la Biblioteca de Escritoras Colombianas, una iniciativa del Ministerio de las Culturas y la Biblioteca Nacional de Colombia, curado por la autora Pilar Quintana, quien también formó parte de los invitados especiales de esta edición. En torno a este proyecto se realizó una conferencia conjunta con la colección Vindictas, en la que participaron Pilar Quintana y Socorro Venegas, quienes compartieron detalles sobre el trabajo que desarrollan en ambas colecciones. Esta segunda edición de la Biblioteca de Escritoras Colombianas reunió a 97 autoras poco reconocidas, desde la época colonial hasta la primera mitad del siglo XX y se compuso de diez tomos que reúnen las obras de estas autoras. E n la edición 2025 de la Feria Internacional del Libro Monterrey, el país Invitado de Honor fue Colombia, con el objetivo de reconocer su potencia narrativa y la diversidad de su cultura literaria. Colombia cuenta con una amplia tradición en las letras; en 2007, Bogotá recibió el título de Capital Mundial del Libro, distinción que marcó un antes y un después en su proyección internacional. Logramos asistir a esta edición de la Feria Internacional del Libro Monterrey y no solo pudimos conocer la literatura que se produce en nuestro país, sino también acercarnos a obras Stand de Colombia. Stand con una variedad de libros de escritores colombianos, incluyendo la Biblioteca de Escritoras Colombianas. 54 MARZO 2026 �Ambas colecciones incluyeron diversos géneros literarios, como crónica, poesía, literatura infantil y novela corta, escritos por mujeres de Colombia y México respectivamente. ¿De dónde surgen estas colecciones? En 2017 se celebró un año de intercambio cultural entre Colombia y Francia, que reunió a numerosos autores, cineastas y músicos, convirtiéndose en un periodo de gran diversidad artística. Para el evento de clausura, la Biblioteca Nacional de Colombia colaboró con una biblioteca en París. Sin embargo, en la promoción del evento en redes sociales, la delegación colombiana presentó como representantes a diez hombres, todos originarios del centro del país, lo que generó cuestionamientos entre las escritoras colombianas sobre la falta de inclusión femenina en dicho evento. Ante esta situación, las escritoras colombianas decidieron unirse y crear el hashtag #ColombiaTieneEscritoras, mediante el cual muchas autoras se sumaron al movimiento. Pilar Quintana comentó algo muy significativo: “Llegué a la reunión que se realizó y me puse a pensar cuántas de las mujeres presentes había leído realmente; solo cuatro o cinco. Luego me cuestioné cuántas escritoras clásicas colombianas conocía, y descubrí que había leído apenas unas pocas, mientras que en la escuela leí a doce autores hombres”. Quintana señala que, en su búsqueda de escritoras colombianas clásicas, solía recibir respuestas como “no existen” o “eran malas”. Sin embargo, reflexiona que muchos de los escritores hombres que leyó en el colegio no destacaban por su calidad literaria, pero sí gozaban de oportunidades de publicación, algo que históricamente se les negó a las mujeres. Luego me cuestioné cuántas ESCRITORAS CLÁSICAS COLOMBIANAS conocía, y descubrí que había leído apenas unas pocas, mientras que en la escuela leí a doce autores hombres. Por otro lado, Socorro Venegas compartió la historia detrás de Vindictas, un proyecto que surge en 2019 dentro de la Editorial de la UNAM con el propósito de rescatar y difundir la obra de escritoras mexicanas que fueron olvidadas o marginadas de la historia literaria. La idea nació a partir de una conversación con una colega, cuando Venegas se dio cuenta de lo difícil que era encontrar textos de autoras como Luisa Josefina Hernández, pese a su relevancia en la dramaturgia mexicana. Este descubrimiento la llevó a cuestionar la escasa presencia femenina en los catálogos editoriales y en la crítica literaria. Así, Vindictas se convirtió en una plataforma que busca reivindicar la voz de las mujeres en la literatura, devolviéndoles el lugar que siempre les correspondió en la memoria cultural del país. ¿Qué fue lo más difícil al realizar las colecciones? En la colección Vindictas destaca la obra de Guadalupe Marín, titulada “La única”. Este libro, basado en experiencias personales, resulta especialmente interesante porque su autora es más conocida por las figuras masculinas con las que se relacionó: estuvo casada con el pintor José Clemente Orozco y con el poeta Jorge Cuesta. Ambos describieron la novela con tres adjetivos poco favorables: repugnante, indiscreta y deletérea. Durante la búsqueda de autoras para integrar ambas colecciones, las conferencistas comentaron que algunos herederos se mostraron entusiasmados al conocer que la obra de una familiar sería publicada en la actualidad. Sin embargo, en muchos casos, ese entusiasmo se transformó en silencio o rechazo al descubrir que dichas escritoras expresaban ideas adelantadas a su época, por lo cual desaparecían sin poder ceder los derechos para su publicación. Para concluir el evento, las conferencistas invitaron al público a acercarse más a estas colecciones, no solo durante la Feria Internacional del Libro Monterrey, sino también a través de la investigación y la lectura de autoras del pasado. Mujeres que, debido a las condiciones sociales, históricas y políticas de su tiempo, no pudieron difundir plenamente su obra y fueron relegadas por una tradición literaria dominada por hombres. Hoy, proyectos como Vindictas y la Biblioteca de Escritoras Colombianas buscan devolverles el espacio que merecen en la memoria cultural. MARZO 2026 55 �E V E N T O S AUDIOVISUAL REDESCUBRIENDO LA HISTORIA DEL NORESTE A través de fragmentos recuperados y una aventura para encontrar una película perdida, el Archivo Fílmico del Noreste nos muestra el valor de preservar el legado audiovisual. POR: ANDRIK LUNA E l pasado 27 de octubre, como parte de la celebración del Día Mundial del Patrimonio Audiovisual, proclamado en 2005 por la UNESCO para conmemorar, reflexionar y crear conciencia acerca de los registros audiovisuales, el Departamento de Patrimonio de la Facultad de Artes Visuales llevó a cabo una charla junto con el Archivo Fílmico del Noreste. El evento incluyó una pequeña proyección y un espacio para preguntas sobre los archivos que se presentaron. Por parte del Archivo Fílmico del Noreste acudió a las instalaciones de la Facultad Gil Morales, reconocido cineasta y fundador del proyecto, con tres años desde su creación. Colección Escamilla. “Daño tras el paso del Huracán Gilberto en Monterrey”. Archivo Fílmico del Noreste (1988). 56 MARZO 2026 ¿Por qué se creó el Archivo Fílmico del Noreste? Gil Morales mencionó que no buscaban crear un archivo en un inicio, sin embargo, conocían las condiciones en las que se encontraba la memoria audiovisual de la ciudad y de la región, ya que existían muchas lagunas de memoria que no estaban documentadas durante el siglo XX. Por ello, el Archivo Fílmico del Noreste nació a partir de un documental que el equipo realizaba en 2020. Al investigar, encontraron información sobre una película perdida, filmada en los años cincuenta por un cineasta regiomontano. Posteriormente, en 2021, realizaron varias entrevistas relacionadas con esa película. Tras una exhaustiva búsqueda, en la revista Proceso, en la edición de enero de 2022, descubrieron una nota donde se mencionaba que un habitante de Ciénega de Flores buscaba deshacerse de una gran cantidad de películas cinematográficas que contenían imágenes de la región del noreste de México, específicamente de Nuevo León. El equipo del archivo pensó que entre ese material podría encontrarse la película perdida, por lo que, después de una larga conversación, decidieron investigar. Los materiales se encontraban en una bodega de Ciénega de Flores, la cual había funcionado como taller mecánico y presentaba varias aberturas que permitían la entrada de polvo, frío y calor, factores que dañaron el material fílmico resguardado en el lugar. �Cuando un archivo fílmico empieza a deteriorarse, se percibe un OLOR A VINAGRE. Nuestra oficina comenzó a oler así, y de hecho, todavía huele a vinagre. Este olor es el PRIMER SÍNTOMA DEL DETERIORO, y una vez que aparece, no hay marcha atrás”. -Gil Morales A pesar del deterioro, realizaron distintas pruebas para rescatar el material. Gil Morales comentó: “Cuando un archivo fílmico empieza a deteriorarse, se percibe un olor a vinagre. Nuestra oficina comenzó a oler así, y de hecho, todavía huele a vinagre. Este olor es el primer síntoma del deterioro, y una vez que aparece, no hay marcha atrás”. Además de compartir este valioso archivo histórico del noreste, Gil Morales presentó un adelanto del proyecto que dio origen a todo: un largometraje documental que narra la búsqueda de la película perdida de los años cincuenta. En el avance se mostró cómo surgió la investigación y cómo este proyecto abrió la puerta a algo mucho más grande, creando un equipo de personas interesadas en preservar la memoria audiovisual de nuestra región, y logrando un proyecto que llegaría a más personas interesadas en este medio. Para concluir, Gil Morales invitó al público a seguir las redes sociales del Archivo Fílmico del Noreste, además de extender una invitación al estreno en 2026 del largometraje que pondrá fin a esta búsqueda, ofreciendo así un vistazo al inicio del Archivo Fílmico del Noreste y cerrando un capítulo fundamental en la preservación de la memoria audiovisual de nuestra región. ¿Qué se presentó del material fílmico recuperado? En la proyección del material fílmico se mostraron distintos archivos que abarcan desde 1951 hasta 1990, conformando un registro histórico valioso. Entre ellos destacan: • • • • • • • • • • El primer centenario de General Terán, N.L. El desfile del 16 de septiembre de 1956. La vialidad de Monterrey en 1958. La visita del presidente Adolfo López Mateos a Monterrey en 1963. La inauguración del Centro Médico Muguerza. El Grito de Independencia encabezado por el gobernador Luis M. Farías en 1972. La visita del presidente Luis Echeverría a Monterrey. La inauguración del emblemático Parque Canoas. Los daños ocasionados por el huracán Gilberto. La llegada del papa Juan Pablo II a Monterrey en 1990. Colección Escamilla. “Arribo del Papa Juan Pablo II a Monterrey”. Archivo Fílmico del Noreste (1990). MARZO 2026 57 �E V E N T O S FESTIVIDADES EL ARTE DEL TERROR: HALLOWEEN FAV 2025 Unidos por el arte y la festividad, los alumnos de la Facultad de Artes Visuales transformaron Halloween en una muestra de talento y creación. POR: ANDRIK LUNA FOTOGRAFÍAS POR: XIMENA ZAPATA C omo celebración por la festividad de Halloween, la Facultad de Artes Visuales, así como la Sociedad de Alumnos de la misma facultad, organizaron uno de los eventos más esperados por toda la comunidad estudiantil: Halloween FAV 2025. Un evento en el que participaron los clubes, la asociación Zihuame Mochilla y la propia comunidad de la facultad. Como una de las actividades principales se contó con el Mercadearte, un espacio en el que los emprendimientos de los 58 MARZO 2026 estudiantes y la asociación Zihuame Mochilla tuvieron un lugar físico para darse a conocer y vender sus productos. En esta edición se pudieron encontrar emprendimientos muy variados por parte de los alumnos, que iban desde pines, impresiones con láser, retratos caricaturizados, hasta repostería, y por parte de la asociación tenían productos artesanales, así como alimentos de la gastronomía mexicana. Para iniciar el evento, se presentó un número de baile con diferentes alumnos de la facultad, quienes realizaron performances con canciones icónicas de esta celebración, así como temas más modernos, como el K-pop. Este año cada presentación a diferencia de años anteriores contó con una gran participación por parte de los estudiantes, se pudieron ver grupos de más de diez personas o grupos más pequeños de cuatro integrantes. Entre los performances destacaron temas como “Your Idol” de la película K-Pop: Demon Hunters, “Abracadabra” de Lady Gaga, la canción inicial de la icónica serie Monster High y “Gabriela” de KATSEYE. �CONCURSOS DE LA EDICIÓN 2025 Este año no pudieron faltar los disfraces icónicos por parte de la comunidad estudiantil, así como el gran concurso de disfraces, que contó con la participación de trece estudiantes. Esta edición del concurso presentó un cambio respecto a las anteriores, en lugar de existir únicamente un podio de tres lugares, se amplió a cinco ganadores, dando así más oportunidades para motivar a los participantes con más premios los cuales consistieron en tarjetas de regalo para distintas plataformas digitales. Entre los disfraces más destacados estuvieron “Nightwing”, de los cómics de Batman; “Glinda”, del universo de Wicked; y “Hornet”, del videojuego Silksong, entre otros. Aunque la competencia estuvo muy reñida, cada participante mostró un desempeño destacable y original con su caracterización, sin embargo, el podio de esta edición fueron: “la enfermera” del videojuego Silent Hill y “el animatrónico Bonnie” de Five Nights at Freddy’s, compartiendo el tercer lugar; “Hellboy” y “Bendy” compartiendo el segundo lugar; y “Jason Voorhees”, de las películas de Viernes 13, quien obtuvo el primer lugar tanto por su originalidad y gran adaptación de su personaje, así como la interpretación que dio no sólo durante el concurso, sino también durante todo el evento. Además del concurso de disfraces, se implementaron dos concursos adicionales, cada uno con su propia dinámica. El primero fue el concurso de máscaras, cuyos premios consistieron en dos becas del 50 % en rectoría para el segundo y tercer lugar, y una beca del 100 % para el primer lugar. Al ser un concurso relativamente nuevo, solo contó con tres participantes, sin embargo, no se puede negar la creatividad y el empeño que pusieron en cada una de sus máscaras, las cuales parecían salidas de los mismos cuentos de terror. Por otro lado, se realizó el concurso de ilustración, con la misma dinámica de premiación. En esta ocasión, la base del concurso consistió en representar al animal simbólico de la facultad, el tucán, en el contexto de Halloween. En este concurso se observaron una gran variedad de estilos artísticos, desde propuestas más amigables hasta ilustraciones más caóticas, mostrando así el gran talento versátil que reside dentro de la facultad y su comunidad estudiantil. Sin duda, esta festividad fue una de las más esperadas por gran parte de la comunidad de la Facultad de Artes Visuales, ya que permitió a los alumnos mostrar su lado más creativo y libre mediante sus disfraces y performances a lo largo del día. Esta festividad representó una oportunidad para fortalecer la unión dentro de la comunidad estudiantil, donde a pesar de la diversidad de carreras, siempre existirá ese espíritu de autenticidad y creatividad que caracteriza a la facultad. MARZO 2026 59 �R E F L E X I Ó N IMAGEN DE FREEPIK EL DISEÑO GRÁFICO COMO HERRAMIENTA DE EMPATÍA Y TRANSFORMACIÓN SOCIAL Más allá del diseño: convirtiendo lo invisible en visible POR: ANDREA V. HUELGA E n un mundo saturado de mensajes e impactos visuales, retener la atención de las personas y despertar una emoción en medio del ruido, no es fácil. Ya no se trata solo de diseñar desde la creatividad, el verdadero desafío está en lograr conectar con las personas desde lo que sienten, piensan y valoran. Se trata de crear marcas coherentes entre lo que dicen y lo que hacen, y de utilizar el diseño como una herramienta de empatía, capaz de cuestionar realidades y ofrecer soluciones que transformen el entorno de las personas. No es sorpresa que como consecuencia a esta nueva era visualmente abrumadora, los usuarios transformaran sus hábitos de consumo y la manera en la que se comportan, volviéndose sumamente susceptibles al actuar de las marcas (Merca 2.0, 2022). Las personas ya no quieren que las marcas les vendan, sino que las comprendan, que tengan un propósito real, que inspiren y aporten algo positivo al mundo. 60 marzo 2026 Kotler. Kartajaya y Setiawan (2018), en su libro Marketing 4.0, explican que en esta nueva era del marketing, las marcas deben centrarse en generar conexiones auténticas y duraderas con sus usuarios a través de una comunicación más humana que permita romper barreras que tradicionalmente se generaban entre consumidores y marcas. Al humanizar a una marca, ésta se vuelve más atractiva: genera empatía, confianza y aporta un valor que hace más fácil la fidelización de los usuarios. En este escenario, el diseño juega un papel esencial, es la herramienta que permite darle rostro y voz visual a la marca. Cuando el diseño se aplica con intención y propósito, deja de ser una cuestión estética y se convierte en un medio que construye experiencias, transmite valores, visibiliza causas y genera empatía ayudando a los usuarios a comprender e identificarse con la marca. �En los últimos años se han abordado temas enfocados en cómo ha crecido, dentro de las marcas, una necesidad de apoyar causas sociales gracias a la conectividad y viralidad que ofrecen las plataformas digitales y redes sociales. El diseño tiene el poder de dar a conocer temas relevantes; así, da voz a personas que, de otra manera, no serían escuchadas y nos ayuda a generar conciencia sobre problemas de vital importancia”, Yolanda Moreno Cavazos, maestra. En las campañas con propósito social, el diseño traduce la estrategia de marketing en experiencias tangibles que conectan emocionalmente con la audiencia, transformando conceptos complejos en mensajes visuales claros. Como explica la Maestra Yolanda Moreno Cavazos (2019) “El diseño tiene el poder de dar a conocer temas relevantes; así, da voz a personas que, de otra manera, no serían escuchadas y nos ayuda a generar conciencia sobre problemas de vital importancia.” Diseñar con empatía y comunicar con propósito no es una tendencia, es una responsabilidad. Cuando se crea este tipo de estrategia, la comunicación de cualquier marca es capaz de influir en valores, actitudes y hábitos que beneficien al bien común. Sin embargo, es importante entender que al igual que un rompecabezas, todo forma parte de un sistema en el que se necesitan de varias piezas, como las políticas públicas, la educación, la economía y la tecnología, para que un proyecto de impacto social funcione. En el entorno visual actual, no basta con ser creativos al comunicar un mensaje y que este destaque entre la competencia, sino de transmitir información que invite a la acción, de paso a la reflexión y fortalezca la conexión humana con la marca, creando espacios visuales donde la empatía y la autenticidad se perciban, se sientan y se recuerden, potenciando el impacto de cada acción social o comunicativa. Como creativos, dentro de la industria de la publicidad, tenemos el reto de dejar de ver al público únicamente como consumidores, y empezar a verlos como lo que realmente son: personas con emociones, historias, miedos, preocupaciones y deseos. IMAGEN DE FREEPIK Vivimos en constante evolución, y la mercadotecnia no será la excepción. Las personas buscarán un enfoque más humano, donde la conexión emocional y la responsabilidad social sean tan importantes como la innovación tecnológica. Las marcas ya no se centrarán únicamente en vender productos, sino en transmitir valores a través de experiencias, y el diseño será el lenguaje que los haga visibles. Cuando se crea desde la sensibilidad y la empatía, el diseño tiene la capacidad de hablar sin palabras y de convertir lo invisible en visible. Referencias: Kotler, P., Kartajaya, H., y Setiawan, I. (2018). Marketing 4.0: Transforma tu estrategia para atraer al consumidor digital. LID Editorial Empresarial. Merca 2.0. (2022, octubre). Revista Merca 2.0, (248). Recuperado de https://www.merca20.com Moreno, Y. (2019) El diseño como herramienta de impacto social. UDLAP. https://blog.udlap.mx/ blog/2019/03/29/el-diseno-como-herramienta-de-impacto-social/ marzo 2026 61 �Marzo 2026 - Número 15 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2026 Volumen Volumen de la revista 8 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Tetramestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2026, Vol. 8, No. 1, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Guzmán Medrano, Ana Isabel, Directora Subject The topic of the resource Educación Diseño Arte Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2026-03-01 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource txt/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021575 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource https://revistacroma.uanl.mx/index.php/revista/issue/view/14/14 Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant San Nicolás de los Garza, Nuevo León Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores Docencia El Color Eventos y Patrimonio Salud Semiótica del Cine TikTok Tim Burton