95 20 16341 https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/457/22077/Humanitas_Revista_de_Teoria_Critica_y_Estudios_Literarios_2026_Vol_5_Num_10_Enero-Junio.pdf 4c6e6182cece1c4890af9904f32b39a6 PDF Text Text �D.R. 2026 © Humanitas. Revista de Teoría Crítica y Estudios Literarios, Vol. 5, No. 10, enero-junio 2026, es una publicación semestral editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León, a través del Centro de Estudios Humanísticos, Biblioteca Universitaria Raúl Rangel Frías, Piso 1, Avenida Alfonso Reyes #4000 Norte, Colonia Regina, Monterrey, Nuevo León, México. C.P. 64290. Tel.+52 (81)83-29- 4000 Ext. 6533. https://revhumanitas.uanl.mx Editor Responsable: Víctor Barrera Enderle. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo 04-2022-020212344100102, ISSN 2683-3247, ambos ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Responsable de la última actualización de este número: Centro de Estudios Humanísticos de la UANL, Mtro. Juan José Muñoz Mendoza, Biblioteca Universitaria Raúl Rangel Frías, Piso 1, Avenida Alfonso Reyes #4000 Norte, Colonia Regina, Monterrey, Nuevo León, México. C.P. 64290. Fecha de última modificación de 15 de enero de 2025. Rector / Santos Guzmán López Secretario de Extensión y Cultura / José Javier Villarreal Director de Historia y Humanidades / César Morado Macías Titular del Centro de Estudios Humanísticos / Beatriz Liliana De Ita Rubio Director de la Revista / Víctor Barrera Enderle Autores Artículos Rodrigo Rosas Mendoza Marcos Daniel Aguilar Ojeda Pablo César Osorno Equihua Dossier Jonathan Gutiérrez Hibler Paulina Michelle Mejía Maluy Alondra Jazmín Martínez Valdez Salma Lilian Ledesma Díaz �Santos Javier Velázquez Hernández Aimé Denise Rosales Rodríguez Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez Editor Técnico / Juan José Muñoz Mendoza Corrección de Estilo / Víctor Barrera Enderle Maquetación / Concepción Martínez Morales Se permite la reproducción total o parcial sin fines comerciales, citando la fuente. Las opiniones vertidas en este documento son responsabilidad de sus autores y no reflejan, necesariamente, la opinión de Centro de Estudios Humanísticos de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Este es un producto del Centro de Estudios Humanísticos de la Universidad Autónoma de Nuevo Léon. www.ceh.uanl.mx Hecho en México �Artículos Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 El goce inconfesable: lindes entre erotismo, lo fantástico y el terror en «Pasos en la escalera» de Guadalupe Dueñas Unspeakable pleasure. The boundaries between literature of erotism, fantastic and horror in Guadalupe Dueñas’s «Pasos en la escalera» Rodrigo Rosas Mendoza Universidad Veracruzana Xalapa, México rodrigomendoza707@gmail.com Resumen. El cuento «Pasos en la escalera» propone un encuentro entre la narrativa fantástica y el terror a través de la presencia de un erotismo problemático. Con el análisis de este cuento, y las referencias a otros más que componen la obra de Guadalupe Dueñas, este artículo busca explorar los temas que obsesionaban a la escritora mexicana y que conducen el cuento a una tensión entre lo erótico y lo inquietante. La antagonización animal y las complicadas relaciones interpersonales serán revisadas, siguiendo los apuntes de Camille Paglia, como incentivos de un erotismo problemático. Por otro lado, las propuestas de Rosemary Jackson, Rosalba Campra, Ana María Morales y José Sardiñas en cuanto a lo fantástico, así como las perspectivas de Mark Fisher y Eugene Thacker sobre el terror servirán para hallar los puntos de contacto entre ambas vertientes narrativas. Palabras clave: Literatura mexicana; literatura fantástica; literatura de terror; literatura y erotismo; Guadalupe Dueñas. 1 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” Abstract. The short story «Pasos en la escalera» proposes an encounter between fantastic and horror narratives through the presence of a disturbing erotism. Through the analysis of this story, and references to others in Guadalupe Dueñas’s work, this article explores the themes that obsessed this mexican writer and that lead the story to a tension between the erotic and the disturbing. Animal antagonism and problematic relationships will be examined, following Camille Paglia’s notes, as incentives for a complex eroticism. Furthermore, the proposals of Rosemary Jackson, Rosalba Campra, Ana María Morales, and José Sardiñas regarding the fantastic, as well as the perspectives of Mark Fisher and Eugene Thacker on horror, will serve to identify points in common between both narrative strands. Keywords: Mexican literature; fantastic literature; horror literature; literature and erotism; Guadalupe Dueñas. 2 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Introducción En el cuento «Pasos en la escalera», publicado en el libro No moriré del todo (1976), de Guadalupe Dueñas (Guadalajara, 1910; Ciudad de México, 2002), se presentan vacíos de información propios de lo fantástico que invitan al lector a imaginar un escenario oscuro y transgresor donde el terror converge con el sexo y la locura. La historia ofrece una serie de rasgos subversivos alrededor del erotismo que otorga cierta dimensión inquietante y perturbadora al sexo y, por tanto, la llevan a un oscilamiento entre la incertidumbre de lo fantástico y lo insondable del terror. El placer y la atracción se ven problematizados en este cuento desde una perspectiva racionalizada que, ya veremos, vuelve repulsivo aquello que contraviene el orden social impuesto y ya normalizado sobre la sexualidad. Dueñas es consciente de esas imposiciones de sentido alrededor de la sexualidad, del cuerpo, y de alguna manera las retrata en su rigidez para así incomodar al lector frente a este abismo de sexo y locura; lo obliga a usar su propia imaginación, acaso sus deseos más recónditos, para armar el rompecabezas, para acercarse a lo “no dicho”. Así, el texto enfrenta de manera muy interesante los desafíos del silencio referidos por Rosalba Campra en torno a lo fantástico e invita al lector a aventurarse y pensar en las explicaciones más perturbadoras posibles para llenar “las zonas de sombra” (1998: 138) que vienen bien para tejer una atmósfera enfermiza en torno a la carga erótica y zoofílica que se asoma en el cuento. Dueñas aprovecha esos silencios para poner sobre el lector la responsabilidad de imaginar la sordidez detrás de la bestialidad, haciéndolo partícipe, aunque sea imaginativamente, de esa misma violación al orden moral en torno al sexo que está tratando en el cuento. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 3 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” La propuesta de lectura del presente artículo, por lo tanto, consiste en tomar ese erotismo problemático como una especie de liberación aniquilante del cuerpo y el deseo que, si bien conduce al delirio y la muerte en el cuento, revela también la existencia de un plano superior, más allá de las convenciones sociales en torno a la sexualidad que Dueñas se mostró interesada en explorar en otros cuentos. Debido a ello, se hará un repaso de algunas obsesiones temáticas en la trayectoria cuentística de Dueñas. Entre ellas, la representación de los animales en tanto presencias hostiles y enigmáticas; la turbiedad de las relaciones de pareja y la problematización del espacio doméstico como generador de trauma, miedo y reclusión. Todo esto, veremos, se reúne en el presente cuento a partir de un elemento unificador: el erotismo. El cuento «Pasos en la escalera» cuenta la historia de una mujer que, tras despertar de un sueño intranquilo, descubre señales inequívocas de que “algo incomprensible” ha visitado su hogar. Mientras la mujer recorre con la mirada su habitación, el narrador omnisciente nos comunica que ella ha discutido recientemente con su esposo, un estudioso de las salamandras cuyo carácter se había vuelto cada vez más errático. Descubre la mujer, con sobresalto, que su cónyuge yace muerto en el piso. Sin saber la causa del deceso, resulta claro que las señales de ese algo están invariablemente ligadas a la muerte del hombre. Entonces, la narradora revela la razón del turbio episodio marital: se habían peleado a gritos la noche anterior porque el hombre había decidido “abandonarla para consagrarse por entero a la investigación de los seres que acaparaban su monomanía, su delirio y su empecinamiento” (2017: 147). Es decir, en detrimento de la relación con la mujer, aquel 4 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 amante de las salamandras se había entregado completamente ya no sólo al estudio detallado de los anfibios, sino “al placer sombrío” de acariciarlas y observarlas. Resulta evidente que entre el hombre y su objeto de estudio había un intercambio zoofílico que horrorizó por completo a esta mujer, mismo que Dueñas nunca explicita, pues juega con maestría con los silencios referidos por Campra (2018). En este punto, la evidencia hallada por la mujer sobre la alfombra, y que se relaciona con la muerte del esposo, nos remite a esa bestialidad más que sugerida: hay un rastro húmedo en la alfombra. La connotación sexual de las huellas de humedad una vez que entendemos la relación sexualizada entre el hombre y los anfibios eleva la tensión del cuento y nos acerca a un panorama bastante más siniestro de lo inicialmente imaginado. Lo que iremos viendo es el esbozo de un erotismo zoofílico, prohibido, desquiciante y casi místico que, siguiendo las directrices de la propia Dueñas marcadas en buena parte de su obra, insinúa más que explica en favor de una atmósfera lúgubre, inquietante y pesadillesca. La sexualidad se nos muestra como antinatural y, precisamente por ello, el cuento pisa el terreno del terror para presentar como ominoso el choque entre hombre y naturaleza en torno a lo erótico. Si seguimos los lúcidos apuntes de Camille Paglia en su Sexual personae (1990), encontraremos que lo dionisiaco –lo viscoso, las secreciones, el deseo– ha conquistado aquí el orden –la observación científica inicialmente defendida por el esposo– y las formas –que podemos identificar en el matrimonio resquebrajado–. Sobre lo fantástico Pero vayamos paso a paso. Primero reflexionemos sobre las manifestaciones de lo fantástico que rondan este cuento. En primer lugar, la mujer despierta desconcertada a causa del débil sonido de DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 5 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” unas pisadas. Algo le hace pensar que no es un producto onírico y que no es la primera vez que lo percibe. Luego, ella descubre las huellas y el cadáver bajo “la vaga claridad de la luna” (2017: 146). Así, tenemos un escenario nocturno que emerge inmediatamente después de un ciclo de sueño. Por lo tanto, el desconcierto de la mujer al despertar nos propone una atmósfera de pesadilla en la cual el tiempo se rompe, donde la lucidez diurna se combina con la oscuridad ambigua de la noche. Esto da paso a lo que José Miguel Sardiñas (2007) llama “conmoción intelectual”, señalada siempre por los personajes al interior del texto y que es el elemento central de lo fantástico: angustia, incertidumbre, extrañeza, asco. La mujer de este cuento atraviesa todas esas emociones, pero sucede no tanto por el descubrimiento del esposo muerto sino concretamente por el acto de bestialidad que nos es sugerido. Bajo tales parámetros, esos encuentros sexuales entre salamandra y hombre son en sí mismos una pesadilla para la mujer de esta historia. Y es exactamente la presencia de lo pesadillesco el punto de acceso a lo fantástico. Desde el comienzo sabemos que este personaje tiene “la certeza de que no lo había soñado” (2017: 146). El vago recuerdo de esos pasos en la escalera no fueron, aparentemente, producto de un sueño intranquilo porque está segura de guardar en su inconsciente alguna recóndita reminiscencia de aquellas pisadas. Esto configura una colisión “entre una zona o representante de nuestro mundo y la otredad” (Sardiñas, 2007: 8) que obedece, en este caso, al plano onírico y a la vigilia. En un nivel más profundo, también es una referencia a la sexualidad humana –nuestro mundo– y su confrontación con la carga erótica animalizada y el deseo oculto por las formas anfibias –la otredad–. La convergencia de ambos arma un escenario ideal 6 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 para esos silencios y omisiones que conducen al lector a una labor de llenado de información y de toma de decisiones que se mantienen en tensión para el adecuado devenir del cuento en relación con lo fantástico y el terror. Dicha tensión recae en la problematización del entendimiento humano alrededor de lo erótico, aspecto en el que me detendré más adelante. Ahora bien, para que lo fantástico irrumpa en esa realidad comprobable ya comunicada por el texto, a veces es necesaria la ayuda de un umbral, que podemos entender como “un nolugar entre la posibilidad de un mal destructivo y el atisbo de su concreción” (Solano Escolano, 2021: 123). Es usual que el umbral se halle dentro del espacio doméstico –una puerta, una habitación en especial– y Guadalupe Dueñas no ignora la importancia del hogar como facilitador de lo lúgubre. El magnífico «Al roce de la sombra» –de su primer libro de cuentos, Tiene la noche un árbol (1958)– nos presenta el entorno doméstico como depositario de la locura, el asesinato y la degradación. En ese cuento, la realidad y el delirio convergen en una serie de acciones patéticas y macabras emprendidas por dos ancianas en contra de una joven a la que reciben en su casa en un falso acto filantrópico. La hacienda resulta ser un pozo de demencia, soledad y melancolía que, en un revés metafórico y macabro del útero femenino, engulle la vida y la cordura de todas las mujeres que la habitan y, por lo tanto, divide en dos planos el mundo: lo exterior se entiende como normalidad y el interior de la casa se nos muestra como un abismo de anormalidades. En el caso del cuento que nos ocupa, son las escaleras el elemento articulador de la transición desde el orden reconocible hacia lo extraño. En Antes del silencio (1991), Dueñas dedica un texto DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 7 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” a las escaleras donde las califica como construcciones acechantes y maliciosas, “traicioneras superficies […] que desembocan al precipicio” (2017: 265). Debido a su naturaleza ligada a la transición entre un piso y otro, Dueñas piensa en las escaleras como si fueran una especie de limbo que conduce al precipicio, al encuentro con lo desconocido; la conexión de dos niveles distintos. Bajo esa línea, entendemos que la escalera representa ese estado de humanidad que luego transita al nivel animal –mediante el sexo interespecie– y, acaso en tercer plano, el roce divino cimentado en el éxtasis alcanzado gracias a la casi mística experiencia sexual con estos anfibios a los que los egipcios atribuían dotes divinos y que “la sabiduría cabalística [ha rescatado] de las llamas para sus actos mágicos y [ha recogido] sus cenizas invaluables” (2017: 147). Así, el acto sexual facilita el tránsito hacia el abismo insondable de placer y muerte del que el hombre ya no puede salir jamás. Así, las escaleras de este cuento hacen transitar a la mujer desde la realidad tangible –el orden de lo cotidiano, digamos– a la sorpresa de lo innombrable. Es en las escaleras donde yacen las evidencias: la humedad, el olor, el rastro de las extrañas pisadas. Al llegar al último peldaño se da el encuentro con el cadáver del esposo. También aparece la revelación final: “en la viga del techo temblaba el reptil, tritón de labios carnosos, espejismo deslumbrante” (2017: 148). Cuando la mujer mira los ojos de esta criatura, puede percibir sus celos. Ese algo se encuentra cara a cara con el personaje y es entonces cuando constatamos la incisión sufrida por el orden de lo real cuyo vehículo son las escaleras. Lo que perpetró el asesinato es algo que la mujer ni siquiera atina a asimilar por completo, pues se han derribado las fronteras de lo comprensible; la legalidad del mundo que la rodea ha sido vulnerada. 8 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Por otro lado, la sugerencia de la pesadilla conlleva una posible transgresión, una primera “ilegalidad”, como la llamaría Ana María Morales (2004), que viola esa realidad intratextual mimética que cualquier texto propone. Cuando eso sucede, nos hallamos en terreno de lo fantástico porque éste no es otra cosa que “un modo particular de presentar un discurso como disruptivo” (Morales, 2004: 7). Es decir, la literatura se presenta como fantástica cuando genera una irrupción en el orden del mundo inicialmente presentado; se muestra como ilegal en la lógica de lo real. Lo verdaderamente interesante de esta irrupción en el cuento es que, aunque el narrador omnisciente no nos revela inmediatamente el origen de esa repulsiva humedad y del desagradable olor, la mujer, por el contrario, desde luego lo intuye tanto como el lector. La ilegalidad aquí no sólo tiene que ver con la irrupción de otro orden de cosas en el mundo intratextual, sino que adquiere un peso mucho más interesante a partir de la zoofilia del hombre. El acto sexual entre él y la salamandra es el elemento disruptivo, lo ilegal, lo abominable y pesadillesco que rompe el sentido de la realidad matrimonial y quiebra la mente de la mujer y, por tanto, genera terror. La monstruosidad de la salamandra es determinada por la carga erótica que Dueñas le asigna, pues esa “pupila donde ardían celos infrahumanos” (2017: 148) que la mujer ve al final del cuento antes de perder el sentido es el resultado de la previa interacción sexual de la criatura con su esposo. Entonces, lo monstruoso no es el anfibio en sí mismo sino los actos abominables que, suponemos, el hombre cometió al volver a la salamandra su objeto de deseo. En ese cuerpo animal desfoga el hombre sus deseos y perversiones. Convendría preguntarnos, no obstante, las razones por las que calificamos estas interacciones sexuales como algo repulsivo. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 9 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” Señala Camille Paglia que el sexo “es el punto de contacto entre el hombre y la naturaleza, un punto en el cual la moral y las buenas intenciones quedan a merced de unos impulsos primitivos” (2021: 22). Para la filósofa italoamericana, sexo y naturaleza anteceden a cualquier otro precepto moral o social. Somos criaturas que provienen de la naturaleza, con impulsos y deseos que culturalmente hemos sancionado y restringido, olvidando su carácter primigenio en tanto simples atributos naturales de una especie que habita el mundo como tantas otras. Así, podríamos decir que la obsesión sexual entre este hombre y los anfibios es legítimamente natural. Con todo, nuestro tamiz moral y cultural vuelve incomprensible y reprobable dicho comportamiento. No es para menos, puesto que “el erotismo es un reino poblado de fantasmas. Es un dominio que se extiende allende los confines de la sociedad, un dominio maldito y encantado” (Paglia, 2021: 22). Para nada es gratuito el rompimiento matrimonial que sucede en esta historia: los preceptos morales en los que se funda tal institución social no pueden admitir la existencia de un deseo animal y dionisiaco, pues éste se halla por encima de cualquier tipo de convención civilizada. Recordemos que la narrativa fantástica se mueve en el terreno de lo sugerente y ese es, precisamente, el gran poder que ostenta frente al lector. Aquello apenas insinuado dentro del –y por el– texto es lo que consigue comunicar estados de profundo desasosiego, pues bien decía Rosalba Campra que en lo fantástico importa mucho “lo que se dice a través de lo no dicho” (1998: 135). La omisión, pues, es un factor que permite al lector llenar ese espacio vacío usando su propia imaginación –y entre más retorcida sea ésta, mejor–. En tal sentido, es interesante el manejo de esos silencios en el cuento porque se vuelven una estrategia infalible para Dueñas 10 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 que consigue tejer una sensación ominosa alrededor del erotismo y la animalidad. El final del cuento, además, cumple perfectamente con la función no-conclusiva de lo fantástico que menciona Rosalba Campra: “no se llegará al esclarecimiento completo de la aventura, pero la información será de todos modos suficiente para manifestar su carácter sobrenatural” (1998: 115). El desvanecimiento de la mujer ante la visión terrorífica del anfibio ocurre justo antes de ver cómo aquello se descuelga para aterrizar junto al cadáver. El final, como es usual en esta narrativa, resulta abrupto. La sensación de vacío, de inquietud, en el lector es evidente. ¿Qué sucede después con la mujer? ¿A dónde va la criatura y, más importante, exactamente de dónde ha venido? Nos vemos obligados, entonces, a admitir lo incognoscible como condición de lectura, a aceptar sus opacidades. No hay respuestas, pero la evidencia está ahí: hay un personaje que transita por el umbral y ante nuestros ojos yace la presencia aterradora de lo sexual que le da sentido a la locura del difunto. Así, el cuento se mueve en ese ámbito subversivo de la no-significación donde Rosemary Jackson coloca lo fantástico precisamente porque el acto sexual interespecie propone un vacío de significación dentro de la concepción normativa que Dueñas propone en torno a esta mujer. La zoofilia se acerca a lo indecible, es algo “sin orden cultural o fuera de él” (Jackson, 1986: 40) que, en su sordidez, no puede significarse dentro de la experiencia conyugal plasmada en el cuento. Por eso el terror es la herramienta ineludible para explorar tal dominio. Y Dueñas lo lleva a su máxima expresión al mostrar esa inefable dimensión extranatural del deseo y el placer. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 11 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” Sobre el terror Para entender mejor la función del terror puesta en juego aquí, recurro a Eugene Thacker, quien en su libro In the dust of this planet (2011) plantea el terror como un género donde se asoma un flujo de vida que no debería existir y, por lo tanto, escapa a nuestras imposiciones de sentido. Para Thacker, el terror no va tanto sobre –el temor a– la muerte sino, más concretamente, sobre la conciencia de lo frágil y marcesible de la vida; las posibilidades en que ésta puede peligrar y desintegrarse frente a aquello amenazante que ronda en la historia. La vinculación, siguiendo a Thacker, entre la vida que se ha desmoronado –el hombre muerto, desde luego, pero también la amenaza que pende sobre la mujer– y la presencia de algo –esa forma de vida que no debería haber participado en aquella muerte– es lo que comienza a encaminar el cuento de Dueñas hacia el terror sin despegarse del terreno fantástico. De manera que el terror es un proceso cognitivo que busca comprender un fenómeno que luce peligroso e insondable. Requiere, pues, de un vacío de información, un espacio que la imaginación debe llenar y en ese llenado es donde entra la cognición –o su imposibilidad– frente a cierta forma inabarcable para el pensamiento. El choque entre la búsqueda de sentido y algo que no parece tenerlo es lo que genera terror. Entonces, el terror se hace presente en este cuento a partir de una interacción sexual concebida como repulsiva y a la vez incomprensible. En «Pasos en la escalera» se asoma una sexualidad prohibida y siniestra que, gracias al tratamiento hecho con crudeza por parte de Dueñas, resquebraja la vida humana y la cordura porque se mueve en aquello que Camille Paglia entiende como dionisiaco: eso viscoso, turbio, húmedo casi líquido que emula al 12 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 útero femenino y, especialmente, al “caldo primigenio” del que provienen todas las fuerzas de la naturaleza. Para construir esa idea, la jalisciense recurre al terror y lo fantástico como herramientas que colocan al erotismo en un nivel incognoscible, ubicándolo en un más allá de los parámetros normales de conducta. La intervención de las salamandras en la locura y muerte del hombre implican aquello impensable que Thacker identifica como generador de lo terrorífico y que establece la indefensión humana frente a ese algo que nos confronta y nos supera. Lo importante del terror, su núcleo temático, es “confrontar la idea de que estamos absolutamente limitados para entender adecuadamente el mundo”1 (Thacker, 2011: 7). Y en ese resquicio de lo impensable, lo incognoscible, es donde reside el terror. Por supuesto, esa misma línea de pensamiento se aterriza en la bestialidad, en esa abominable interacción sexual entre especies que, dentro del texto, lleva el placer a terrenos delirantes, extáticos y casi divinos. La evidencia, hallada por la mujer, de un algo dentro de la casa que ocasionó la muerte del marido es otro factor que da pie al terror, pues revela la existencia de una vida que no debería estar ahí: “en el primer descanso de la escalera […] estaban las señales inequívocas del misterio, del paso de algo o de alguien que se hubiese deslizado hacia la alcoba de su marido […] Una humedad reciente y el olor a pantano señalaba la presencia de aquel algo incomprensible” (2017: 146). Una cosa todavía más desconcertante es revelada. Después de ese hallazgo en la escalera, nos encontramos, en el cadáver, “los ojos perdidos en espanto” (2017: 146). Acaso la peor muerte imaginable: la pérdida de la cordura frente al abismo del temor. 1 La traducción es mía. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 13 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” Aquí es donde vemos la exploración del terror a partir de aquello que Mark Fisher llama “the eerie”, que podríamos entender como “lo inquietante”. Es algo que apabulla, que se muestra incontenible, pero siempre luce fascinante (2016: 17). Tal fascinación trae consigo fatalidades como la locura o la muerte. Así sucede con el esposo de la protagonista de Dueñas: su fascinación por las salamandras, su enfermiza insistencia por complacerlas y desentrañar esa posible divinidad lo lleva a un terrible final. En algún punto, este hombre “no puede detener ya el goce del frenesí sexual. Al contrario, se entrega de manera compulsiva a él, aun sabiendo que esta experiencia pueda resultar destructiva” (Luna y Arciniega, 2021: 13). El sexo bestial es aquello incomprensible y fascinante que dejó al hombre con un rictus de puro horror previo a la muerte, atorándolo en la locura. Pero lo verdaderamente inquietante es esa delgada línea que separa el placer obtenido por el hombre y el terror expresado en su último gesto. En el momento de hallar el cadáver con una expresión de terror puro, la mujer ya “se halla a punto –con un pie ya dentro– de sumergirse en un mundo de leyes de naturaleza no concorde con aquellas que el texto había ya codificado como funcionales” (Morales, 2004: 30). La zoofilia es el elemento disruptivo que rompe las leyes de la normalidad tanto como las del matrimonio y de lo humano. Ya me detendré en esto más adelante. Solano Escolano enumera los elementos del terror esenciales en la literatura a partir de las formulaciones de Noel Carroll (2021: 119-120). Tenemos un descubrimiento; donde la presencia del monstruo –o lo extraño– queda establecida (las huellas de humedad). Luego está el umbral (las escaleras). Al final está la confrontación; cuando la concatenación de acciones entre el personaje y la criatura suele terminar en desastre (el hallazgo del anfibio, el desmayo posterior). 14 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Así, el encuentro final nos deja sin respuesta ante el destino del personaje, pero nos asumimos testigos de “un poder maligno, siniestro y enfermizo” (Luna y Arciniega, 2021: 20) que perforó la realidad. Lo más interesante es que tal poder no solamente es una cualidad del terror como género en el cual se inscribe el cuento, sino que también remite a las directrices que Guadalupe Dueñas exploró en toda su obra y que, como veremos enseguida, se prefigura a través de lo femenino y la sexualidad. Lo erótico. “Pasos en la escalera” en perspectiva con el resto de la obra de Dueñas La carga sexual en la obra de la jalisciense se manifiesta de diversas formas: veamos en su cuentística referencias a la orfandad, a lo marcesible del cuerpo, a la degradación del individuo. Muchos de sus cuentos se muestran oscuros, pesimistas, rebosantes de soledad y abandono. «En la tormenta» –Antes del silencio (1991)– cuenta la historia de un padre que, al descubrir el incesto entre sus dos hijos, decide suicidarse. Dueñas se aproxima también en ese cuento al sexo como un impulso indomable de la naturaleza que impone cierta incongnoscibilidad. El suicidio se muestra en la historia como un castigo autoimpuesto: el hombre asume que la aberración cometida por sus vástagos es directamente su responsabilidad por haberlos abandonado en favor de su trabajo. Más allá de la sordidez del relato, atendamos a la forma en que Dueñas perfila la sexualidad: una fuerza que no obedece las leyes sociales ni las convenciones humanas. Es algo misterioso y oscuro que trae consigo un descenso al abismo. Ambos hermanos se liberan a sí mismos de su orfandad mediante el intercambio sexual. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 15 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” Por su lado, en «Pasos en la escalera» la oscuridad y la caída al precipicio de la muerte es el resultado del encuentro entre sujeto y naturaleza, entre sexo y represión. El personaje de este cuento nos recuerda que “las represiones sociales lo único que hacen es incrementar el placer sexual” (Paglia, 2021: 62). Dentro del pensamiento occidental permeado por directrices morales y religiosas, Paglia asegura que el cuerpo femenino “es el prototipo de todos los espacios sagrados, desde la cueva al santuario” (2021: 46). De manera que el incesto y, con mayor razón, la zoofilia presentes en «En la tormenta» y «Pasos en la escalera», respectivamente, son una doble profanación del orden moral: transgrede la feminidad al conectarla con lo animal y al mismo tiempo quebranta la institución social de la familia, en un caso, y el matrimonio, en otro. Entonces, ambas historias muestran una suerte de liberación aniquilante a partir del sexo. El primer cuento se encarga de hacer un tratamiento de la culpa y la desolación a partir de la violación al orden moral. El segundo explora lo terrorífico del acto bestial, su ilegalidad. Dueñas cambia de registro en cada caso para insistir en el poder irrefrenable del sexo y lo poco preparada que está la mente humana para enfrentarlo: la locura y el suicido son los resultados. En esos términos, se vuelve necesario subrayar una de las mayores obsesiones temáticas de Dueñas: las turbias relaciones interpersonales. En su obra se asoman vínculos afectivos en decadencia que pueden ser de pareja, desde luego, pero también entre miembros de familias que han trastornado a los personajes infantiles, como se nota en «La tía Carlota», «Historia de Mariquita» –ambos de Tiene la noche un árbol (1958)– y «Extraña visita» –de No moriré del todo (1976)– en donde hermanas, tías y exmaridos establecen 16 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 una dinámica de hostilidades y rencores con los personajes que protagonizan estos cuentos. «La tía Carlota» abre con una frase estupenda que puede resumir efectivamente la condición de los personajes de Dueñas y el inconmensurable pesar que los aqueja: “Siempre estoy sola como el viejo naranjo que sucumbe en el patio” (2017: 51). Aquel cuento nos introduce en un universo de tristeza y desolación femenina que inmediatamente se entreteje con las texturas de la naturaleza: con la marchitez y el abandono de los árboles viejos, la sequedad de la tierra. «Pasos en la escalera» vuelve a esas texturas de lo natural ahora desde el erotismo, mostrando secreciones y contornos lúbricos, refiriendo siempre lo ctónico a partir del deseo sexual de lo innombrable. Sin embargo, no deja de prestar atención a la condición de completo desamparo de su personaje femenino, pues se trata de un campo de amplísimo interés que la jalisciense siempre supo explotar en su obra cuentística. En términos de esa desolación femenina, es importante el derrumbamiento del matrimonio en «Pasos en la escalera» porque hablamos de una mujer que se sabe totalmente sola y debe enfrentarse a la conmoción ocasionada por la muerte de su marido tanto como al resentimiento que guarda hacia él, originado por el abandono y especialmente por la perversión sexual recién descubierta. Esos sentimientos se combinan con el miedo que la invade ante el desconocimiento sobre las causas del deceso. En cualquier caso son las salamandras, esos “espíritus fálicos del fuego” (2017: 146), las que marchitaron su matrimonio. La mujer incluso las asume como sus “rivales” en la medida en que “competía” con ellas para obtener la atención del hombre, pues éste se embelesaba con el “contorno obsceno” y “señaladamente femenino” que poseen dichos anfibios. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 17 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” Esta figuración nos muestra un erotismo subversivo e inquietante que va tejiendo una atmósfera de terror. Dichas criaturas siempre resultaron acechantes para la mujer, pues “aparecían como algo repulsivo y maldito” (2017: 147). Esa pretensión de la mujer por darle forma anatómica a algo constituido por tierra, líquidos y membranas, es un intento falaz de contener aquello que todavía no entendemos por completo, como es la naturaleza. Vemos, pues, un razonamiento moralmente dirigido de lo erótico, la mujer insiste en animalizar esta fascinación sexual, la concibe como prohibida y abyecta precisamente porque su carácter dionisiaco rebasa la concepción social de vida en pareja normalizada por el matrimonio. Podríamos decir, también, que en ese razonamiento restrictivo alrededor del sexo se halla cierta expresión de violencia. Maricruz Castro Ricalde hace una lectura sobre Dueñas a partir de la intervención de la violencia en su universo narrativo, pues aquella se manifiesta como “una ruptura con los órdenes de la realidad normalizada, con lo que violenta las expectativas lectoras e introduce otros paradigmas para comprender el contexto narrativo” (2020: 79). La sociedad y sus reglas son construcciones humanas, preceptos que delimitan el gran marco de la naturaleza dominante y, por ende, la violentan. Estos anfibios representan ese lado incontenible –y por ello terrorífico– de la vida, de lo natural, de las fuerzas ctónicas, que se rebelan también violentamente contra las ataduras ideológicas socialmente aceptadas. Si el orden natural ha sido vulnerado por nuestras imposiciones de sentido, entonces es esperable que la naturaleza, lo ctónico, irrumpa violentamente en respuesta. Dueñas nos dice que las salamandras se comportan “como si lo volcánico fuese su elemento paradisíaco” (2017: 147). Esta forma de vida libre y primigenia 18 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 no puede ser asimilada por un proceso mental tan apegado a las restricciones y lo convencional. La “realidad normalizada” señalada por Castro Ricalde se debe resquebrajar para dar paso a la vida ctónica, al deseo irreductible, a lo ominoso. Por ello, el momento en que el éxtasis del hombre se funde con la perversión y la locura es francamente aterrador: “hubo veces en que llegó a sorprenderlo lijándose las yemas de los dedos hasta adelgazar su piel, y con transparencia de gasa, intensificar la sensibilidad que al relámpago de su membrana casi sangrante llegaba al éxtasis” (2017: 148). Lo anterior hace pensar en un intento del hombre por hacer que su piel alcanzase la misma textura y sensibilidad de los anfibios para así establecer un enfermizo vínculo sexual que a su vez se volviese místico, pues el cuento subraya el carácter divino que los faraones asignaban a estas criaturas. De esta manera, la comunión sexual entre hombre y criatura también roza un sentido metafísico, dado que pretende la liberación del cuerpo y la mente frente a las ataduras sociales. Con todo, hay una evidente imposibilidad humana en medio de este erotismo atípico que vuelve inconfesable el acto sexual: estas criaturas pueden compartir y disfrutar de esa sexualidad con otras especies, sin recibir censura de sus congéneres. De esta manera, la especie humana es la que parece constreñida dentro de fronteras muy específicas, que se desdibujan solamente al ingresar en una dimensión no humana, sino divina (Luna y Arciniega, 2021: 19). Lo que busca el hombre al modificar las yemas de sus dedos es, de alguna manera, un intento por tocar cierto tipo de animalidad y, más aún, de divinidad sexual que solamente pertenece a las salamandras o, en otro sentido, vincularse a sí mismo con esas DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 19 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” fuerzas ctónicas y acceder al dominio de la naturaleza. Acaso dicho atrevimiento es lo que le acarrea la muerte. Si bien pudo llegar a ese plano de deseo y satisfacción sexual, ciertamente lo terminó pagando con su vida. La ilegalidad, la transgresión, tienen un costo. Dueñas parece saberlo y por eso nos conduce a este espacio de naturaleza incontenible, de fuerzas más allá de la razón. Sólo la escritura alcanza a vislumbrar el terror que nos encierra en nuestra condición humana pero también alumbra el resquicio que puede liberarnos. Aquí nos hallamos ante otro elemento que interesaba sobremanera a Dueñas. El antagonismo animal; lo repulsivo y violento de su comportamiento frente a lo humano. Beatriz Espejo señala que, en la narrativa de la tapatía, los animales funcionan como “adversarios” que observan y martirizan a los personajes (2017: 14). Dueñas se encarga de lanzar expresiones como “abominable”, “espanto”, “repulsivo” y “detestable” para referirse a lo animal. En «Las ratas» –Tiene la noche un árbol (1958)– abundan imágenes realmente perturbadoras de estos roedores devorando los cadáveres en los cementerios: “en los hocicos arrastran despojos de pelo. Tiras de pellejo, residuos de tripas que vomitan empalagadas” (Dueñas, 2017: 117). También en «Enemistad» –Antes del silencio (1991)– vemos a una mujer atacada física y mentalmente por un gato, lo que la lleva al borde de la muerte y la locura. El vínculo interesante entre «Pasos en la escalera» y «Enemistad» es que salamandras y gatos se prefiguran como entidades oscuras, esquivas, omnipresentes y antiguas; con un poder que va más allá de la imaginación y el entendimiento humanos. Son mensajeras de la naturaleza, de las fuerzas incontenibles de la tierra que liberan el deseo en el hombre y lo empujan a la locura. 20 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Por eso las salamandras se erigen como fuente de terror, pues en el cuento “el asombro, el horror permanente es el originado por las prácticas sexuales y su placer ilimitado” (Castro Ricalde, 2020: 86) que, precisamente, es aportado por la presencia de estos seres. En ese punto convergen las propuestas de Thacker y Fisher: el terror germina donde sabemos que nuestra capacidad cognoscitiva se ve rebasada, donde algo no debería existir y, sin embargo, está. Son escurridizas, con mirada de serpiente y se comportan como “ninfas pasmadas en una eternidad lúbrica” (2017: 147). Esto último resulta muy esclarecedor a la luz de la enfermiza relación física y sexual que el hombre guardaba con ellas, pues el vínculo entre la salamandra y ese “mirar de las serpientes” (2017: 147) encierra la idea de la tentación y la manipulación que la mujer cree haber identificado en su marido a manos de los anfibios, como si éstos hubieran replicado las acciones de la serpiente bíblica. Es decir, las referencias a lo femenino, la tentación y lo sexual encarnadas en las salamandras nos proponen un escenario inquietante y disruptivo en cuanto al orden de las cosas. Asociar las salamandras con la idea de tentación coloca el acto sexual –en este caso zoofílico– en un nivel específico de perversión que, acaso, lleva a la muerte tanto como produce fascinación, repulsión y misticismo a partes iguales. Mediante el uso de expresiones como “placer sombrío”, “descubrimientos inconfesables” y la referencia a “algo repulsivo y maldito” en momentos clave de la historia, Dueñas consigue comunicar una opacidad en torno al acto sexual que refuerza la propuesta de Campra en cuanto al silencio y la omisión como recursos de lo fantástico. A través de lo no dicho es que el lector llena esos vacíos con formulaciones tan sombrías como aquello que Dueñas solamente ha sugerido. Si, como afirma Paglia, acaso DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 21 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” “un erotismo perfectamente humano sea imposible” (2021: 23), resulta entendible, entonces, que el sexo aparezca en este cuento como un elemento que conjuga el terror y lo fantástico para tensar las relaciones entre lo ominoso y lo ilegal. Sobre todo, porque no sabemos, no podemos entender, cómo es que la copulación se consumaba. Eso queda en la imaginación retorcida del lector y en la desmoronada mente de la mujer protagonista. Junto a ella, el lector comprende que no se puede conocer la profundidad del sexo mientras sigamos sin entender la naturaleza (Paglia, 2021: 24). Mientras ésta siga escapando a nuestras predicciones, a las imposiciones de sentido y regímenes de representación, seguiremos flotando inadvertidamente al borde de su abismo. Haciendo un uso magistral de las insinuaciones, Dueñas desliza la posibilidad de que el asesinato del esposo haya sido causado por los celos de la criatura, pues la mujer entiende, como revelación final, que la salamandra ha descubierto en ella “acicate de éxtasis y espejo de deliquios” (2017: 148). La expresión de espanto en el rostro del hombre acaso resguarda esa epifanía. El sexo, en su dimensión natural, se vuelve terrorífico en este cuento porque rompe las ataduras sociales y morales que sancionan la bestialidad como un trastorno. Dueñas perfila una sexualidad que, por monstruosa e impensable, es castigada por la fatalidad. Al final, en “un resquicio de piedad que subió desde su corazón” (2017: 148), la mujer acaricia la frente del difunto: ha entendido que la liberación del impulso natural del sexo lo ha conducido a la locura y la muerte. Ella misma acepta que, frente al poder de la naturaleza, encarnado en la salamandra, no hay escapatoria. Si, como afirma Camille Paglia, es imposible que el erotismo sea totalmente humano bajo la consideración de que naturaleza y sexo son indivisibles –y, por ello, debemos asociar 22 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 ambos elementos con la humedad, lo telúrico, la fuerza imparable de la Tierra–, entonces entendemos por qué lo erótico da entrada aquí al terror y lo fantástico: la dimensión incognoscible del sexo es la misma que la de la naturaleza. Y Dueñas juega con esa opacidad. Comprendemos, así, que el erotismo es un dominio oscuro y peligroso que se aproxima al carácter inquietante de lo fantástico y lo amenazante del terror. El carácter humano no puede acceder a ciertos tipos de placer sin pagar las consecuencias de su transgresión. El goce está atado a lo terrenal, a lo culturalmente impuesto; vive una especie de orfandad biológica. Ya Dueñas exploró de manera mucho menos simbólica la orfandad en su cuentística a través de las referencias constantes al desamparo infantil en relación con la precariedad afectiva y la frivolidad de los adultos sumado a la figuración de entornos domésticos como zonas lúgubres y hostiles que de alguna manera antagonizan el útero femenino o el núcleo familiar en general. «Historia de Mariquita», «Al roce de la sombra» y «Extraña visita» son ejemplos de ello. A manera de conclusión Podemos concluir que Guadalupe Dueñas utiliza los recursos del terror y lo fantástico para articular una visión transgresora del erotismo. Con ello, la tapatía alumbra nuestras restricciones como seres moralmente pensantes y plasma la limitación del pensamiento humano frente a la inquietante fascinación de las manifestaciones de la naturaleza y el sexo. El umbral, los silencios y la aparición de la zoofilia son elementos que colaboran en dicho objetivo. Se nota el interés de Dueñas por hacer un uso constante de las insinuaciones, deslizarse entre lo sugerente y así explorar el carácter destructivo de lo erótico a partir de aquello que el lector DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 23 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” acierta a imaginar para solventar el vacío de todo lo que la escritora voluntariamente elude. Vemos que las salamandras, en tanto objetos de deseo, conducen a la liberación sexual del hombre, a un estado de éxtasis casi divino que rebasa sus capacidades orgánicas. La insuficiencia cognitiva humana para enfrentar ese abismo de sensaciones relacionadas con lo ctónico-erótico deviene en locura y, por ello, en muerte. El juego con el silencio y las omisiones que emprende Dueñas parece una estrategia narrativa que contagia al lector de ese déficit cognoscitivo, esa no-significación en torno al erotismo y las profundidades del deseo que los personajes del cuento enfrentan. La naturaleza, lo hemos dicho, se resiste a nuestras imposiciones de sentido. Volver una parte de ella, las salamandras, en objeto sexual implica un proceso de constreñimiento que lo natural y las fuerzas ctónicas se encargan de derribar llegado el momento. La muerte de este hombre y la perdición mental de su esposa son resultados esperables ante la necedad humana de conceptualizar algo tan acuoso y voraz como el sexo y ceñirlo, luego, a los parámetros morales. Quizás sea cierto que “la naturaleza nos espera a las puertas de la sociedad para disolvernos en su pecho telúrico” (Paglia, 2021: 66). La disolución humana a partir de sus emociones y deseos fue una de las preocupaciones de Dueñas y en ninguna otra historia la exploró de manera tan efectiva y sórdida como en «Pasos en la escalera». Bibliografía Campra, Rosalba (1998), Territorios de la ficción. Lo fantástico, Editorial Renacimiento, Sevilla, 216 pp. 24 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Castro Ricalde, Maricruz (2020), “Lo sobrenatural y figuraciones de violencia en la obra de Guadalupe Dueñas”, Violencia. Representaciones estéticas, (ed. Leticia Mora Perdomo), Universidad Veracruzana - El Colegio de San Luis, Xalapa, pp. 77-96. Dueñas, Guadalupe (2017), Obras completas, primera edición (selec. y próls. de Patricia Rosas Lopátegui; introd. de Beatriz Espejo), Fondo de Cultura Económica, Colec. Letras Mexicanas, México, 829 pp. Espejo, Beatriz (2017), “Introducción”. Obras completas de Guadalupe Dueñas, primera edición (selec. y próls. de Patricia Rosas Lopátegui), Fondo de Cultura Económica, Colec. Letras Mexicanas, México, pp. 11-29. Fisher, Mark (2016), The Weird and the Eeerie, cuarta edición, Repeater Books, Londres, 144 pp. Jackson, Rosemary (1986), Fantasy: literatura y subversión, segunda edición, Catálogo Editora, Colec. Armas de la crítica, Buenos Aires, 93 pp. Luna Chávez, Marisol y Víctor Díaz Arciniega (2021). “Guadalupe Dueñas a contraluz de sus contemporáneas. Los temas de su narrativa” en Crisol, núm. 19, Universidad Nanterre de París, 2021, pp. 1-22. Morales, Ana María (2004), “Transgresiones y legalidades (lo fantástico en el umbral)”, Odiseas de lo fantástico, primera edición (eds. Morales y José Miguel Sardiñas), Ediciones Oro de la Noche, México, pp. 25- 38. Paglia, Camille (2021). Sexual personae (trad. Pilar Vázquez), Paidós, Barcelona, 857 pp. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 25 �Rodrigo Rosas Mendoza (Universidad Veracruzana) / “El goce inconfesable” Sardiñas, José Miguel, (2007). “El pensamiento teórico hispanoamericano sobre literatura fantástica. Un recuento (1940-2005)”, Teorías hispanoamericanas de la literatura fantástica, primera edición (ed. José Miguel Sardiñas), Fondo Editorial Casa de las Américas, La Habana, pp. 7-33. Solano Escolano, Damián V. (2021). “En el umbral del horror: Técnicas y funciones del terror en Autobiografía de un esclavo de Juan Francisco Manzano” en Latin American Research Review vol. 56, núm. 1, Universidad de Cambridge, 2021, pp. 113–125. Thacker, Eugene (2011). In the dust of this Planet. Zero Books, Alresford, 145 pp. 26 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-138 �Artículos Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 Rubén Salazar Mallén: protagonista y escritor del género policiaco Rubén Salazar Mallén: protagonist and writer of the crime genre Marcos Daniel Aguilar Ojeda Universidad Nacional Autónoma de México CDMX, México marcosdaniel1882@gmail.com Resumen. Rubén Salazar Mallén tuvo una carrera en la literatura que lidió y convivió con las diversas formas de apreciar y observar la cultura y la literatura. Durante su vida, vivió la culminación de la Revolución mexicana, el cambio de régimen y de estructuras económicas y políticas, el ascenso de los nacionalismos y la entrada del México moderno. Estos procesos se ven reflejados en su obra, pero sobre todo en aquellos relatos, ensayos y novelas que se aproximan al llamado género policiaco o género negro, por el cual, Salazar Mallén realizó una crítica a la política y a la sociedad del México posrevolucionario. En este artículo se exploran las facetas por las que transitó el artista y cómo por medio de su obra literaria entendió al México de la primera mitad del siglo XX. Palabras clave: Literatura mexicana del siglo XX, género policiaco, censura, novela negra, cuento policiaco, crítica social y política, Contemporáneos, Rubén Salazar Mallén, novela Cariátide, revista Examen. Abstract. Rubén Salazar Mallén had a career in literature that engaged with and coexisted alongside various ways of appreciating and observing culture and literature. During his life, he witnessed the culmination of the 27 �Marcos Daniel Aguilar Ojeda (UNAM) / “Protagonista y escritor de género policiaco” Mexican Revolution, the change of regime and economic and political structures, the rise of nationalisms, and the emergence of modern Mexico. These processes are reflected in his work, especially in those stories, essays, and novels that approach the so-called detective or noir genre, through which Salazar Mallén critiqued the politics and society of postrevolutionary Mexico. This article explores the facets the artist navigated and how, through his literary work, he understood Mexico in the first half of the 20th century. Keywords: Mexican literature of the 20th century, crime genre, censorship, noir novel, detective story, social and political criticism, Contemporáneos, Rubén Salazar Mallén, Cariátide novel, Examen magazine. 28 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 * Rubén Salazar Mallén (Coatzacoalcos, Veracruz, 1905-Ciudad de México, 1986) fue un escritor y periodista quien habitó casi todas las décadas del siglo XX mexicano. Fue un maestro de la pluma a quien le tocó vivir los albores y culminación de la Revolución mexicana, pero, sobre todo, la consolidación de ese nuevo régimen que cambiaría las estructuras económicas y políticas de la sociedad en su conjunto y a esa realidad obedece la trayectoria creativa de Rubén. Salazar Mallén tuvo una carrera en la literatura en la que lidió y convivió con las diversas formas de observar y apreciar a la cultura en un mundo de transformaciones de todo tipo, pero sobre todo ideológicas. En una primera mitad del siglo XX en que las tendencias políticas –que sin duda afectaban a todo lo demás– iban del ascenso de la izquierda y la movilización de las masas populares, basadas en el pensamiento marxisma, al crecimiento de las tendencias de derecha que estaban encaminadas al pensamiento capitalista, e incluso el fascista, con un orden económico, pero también militar. Rubén Salazar Mallén vivió también el ascenso de los nacionalismos, que en el caso de México estuvo marcado por la preponderancia de los nuevos grupos políticos en el poder que consolidaron al nuevo Estado posrevolucionario, el cual caminó al paralelo, en muchas ocasiones, en contraposición de las tendencias modernistas en el arte y en la literatura que justificaban lo contrario: el cosmopolitismo, el internacionalismo, el humanismo universal, la diversidad lingüística y filosófica, el arte por el arte mismo y el individualismo. Al igual que sus compañeros de generación artística como lo fueron Los Contemporáneos –escritores y pintores de DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 29 �Marcos Daniel Aguilar Ojeda (UNAM) / “Protagonista y escritor de género policiaco” la misma edad que él– como Xavier Villaurrutia, Salvador Novo, José Gorostiza, Gilberto Owen, Carlos Pellicer, Agustín Lazo y su paisano Jorge Cuesta, por ejemplo, fueron protagonistas del mundo cultural mexicano que para la década de 1920 y 1930 construyeron un discurso sobre México con estas características alejadas de la retórica nacionalista que provenía de la Revolución. Y este hecho no fue extraño, pues ellos eran demasiado jóvenes para recordar o sentirse identificados por aquella lucha política y armada; además, por su origen de clase media ilustrada, y con un orgullo citadino y de “dandismo criollo” cercano a lo predicado por sus maestros del Ateneo de la Juventud, no se aproximaron al mensaje de emancipación rural, campesino, obrero e indígena que intentaba reivindicar el movimiento revolucionario mexicano (Sheridan, 1999: 37-41). Este grupo, al que también se le pueden incorporar los nombres de Antonieta Rivas Mercado y el de Salazar Mallén1, desde el comienzo de su aventura intelectual tradujo y montó obras de teatro provenientes de las vanguardias europeas y estadounidenses desde 1928, y con la fundación de proyectos editoriales como las revistas Ulises (1928), Contemporáneos (1928-1931) y Examen (1932), alcanzaron a difundir sus ideas entre los círculos culturales del país. Así, demostraron esa otra forma de vivir en la modernidad, de manera intimista, personal, lírica y crítica, que se alejaba del proyecto nacionalista proveniente del nuevo Estado en donde el arte y las letras, como el muralismo o el estridentismo, debían ser los medios para difundir eso que llamaban “lo nuestro”, lo autóctono aliado a la 1 José Luis Ontiveros le llama a Salazar Mallén “el más solitario de los Contemporáneos”, en su libro Rubén Salazar Mallén, subversión en el subsuelo (1987). Universidad Veracruzana, p. 9. 30 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 era industrial, como una manera de transmitir la historia, los valores éticos y morales y la nueva “consciencia social” (Sheridan, 1999: 36) del pasado al presente; objetivos éstos que Los Contemporáneos no se vieron obligados a compartir ni a reproducir, pues su arte no necesitaba esa coartada institucional. Esta manera de ver y entender al México moderno posicionará a esta generación en una alteridad crítica, cuyas cúpulas políticas e intelectuales a veces los incorporarán y muchas otras los mantendrán al margen; eso sí, ellas y ellos nunca saldrán del centro de atención de la creación, pero sobre todo de la crítica artística que en algunas ocasiones llegó al extremo de pasar de la crítica periodística a la persecución política y judicial, en especial la persecución que sufrió Rubén Salazar Mallén por sus escritos, por su lenguaje y su manera de pensar. Este hecho posicionó a Salazar en una marginalidad y en una demonización que continúa hasta el siglo XXI. Un estigma de criminal de la cultura que lo persigue aún y que lo convierte en un móvil y protagonista perfecto de una historia policiaca, de un relato negro, género que, aunque parezca paradójico, él mismo cultivó, ya que siempre criticó la forma en que se ejercía el poder y la impartición de la justicia en este país. “El caso del censor y el mal hablado” Rubén Salazar Mallén fue un escritor heterodoxo, difícil elección en un México que tendía a la homogeneidad. Como hombre de su tiempo, en medio de las vanguardias estéticas e ideológicas, Salazar divagó con sensibilidad poética e imaginería erótica por historias que más que contribuir al chauvinismo, intentaron abrir las ideas a un entendimiento universal. Por este motivo, Salazar fue juzgado DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 31 �Marcos Daniel Aguilar Ojeda (UNAM) / “Protagonista y escritor de género policiaco” por aquella moral nacionalista en que los bajos mundos proletarios y “sus malas palabras” -groserías- no deberían salir a flote ante una nueva vida social en que la difusión de la “buena educación ética” del pueblo mexicano era la prioridad, aunque la verdad violenta, agreste, analfabeta, injusta y popular estuviera a flor de piel o, mejor dicho, a pie de calle. Difícil manera de ser moderno y contemporáneo la que escogió el veracruzano, quien a lo largo de su vida mutó, como si fuera Proteo, de ser un escritor de izquierda militante del Partido Comunista (1930-1933) –a la par de José Revueltas–, a convertirse en un reaccionario de la Revolución y del propio comunismo al formar un grupo de militancia fascista (1934-1944), para terminar como un renegado, un excluido y crítico anarquista hacia la segunda mitad del siglo XX (Ontiveros, 1987: 10). Por estas tribulaciones es el único exponente de esta generación que “sigue siendo perseguido por la justicia” (Ontiveros, 1987: 11) y aún se le observa por la crítica literaria actual como un rechazado que es mejor mantenerlo en el ostracismo. Algunos años antes de que este escritor pudiera concretar un relato formal de carácter y temática criminal, él mismo protagonizó en vida un caso policial cuando fue llevado frente a la justicia, en 1932, por darle la vuelta a la visión de lo que se esperaba entonces del ser mexicano, ya que fue acusado de ultraje y de “Delitos contra la Moral Pública” por la publicación de algunos capítulos de su novela proletaria titulada Cariátide, que vio la luz en la revista Examen, dirigida por Jorge Cuesta. Los siete capítulos de Cariátide publicados en los números 2 y 3 de esta revista, sucesora de Contemporáneos, fue denunciada penalmente por diversos periodistas del Excélsior por el uso de “malas palabras”, que para ellos constituían un ultraje, pues “jamás 32 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 en la historia de las hojas impresas en México se había estampado un lenguaje de tal procacidad, ni de la más cínica expresión como el que aparece en la novela […] En las páginas de la famosa revista de ‘literatura’ pueden leerse expresiones de una crudeza tal, que se resistiría a repetirlas el más soez carretero en cualquier sitio” (Salazar Mallén, 1957: 7-8). Algunas de las expresiones que aluden los denunciantes penales -que hoy pasarían desapercibidas y que en realidad son ejercicios “más bien tímidos” de imitar el habla de la clase trabajadora- son las voces de un grupo de militantes proletarios del Partido Comunista mexicano, a quienes Salazar Mallén da voz sin rebuscamiento intelectual ni poético, sino que plasmó las palabras que él mismo escuchaba en las calles y dentro del Partido Comunista en el que también era militante. Voces con “giros populares” (Domínguez Michael, 2010: 29) que dieron rienda suelta a una bien lograda “sustancia bárbara” (Ontiveros, 1987: 12) fueron para Rubén una estrategia literaria que humanizaba las letras para hacer que la literatura fuera más próxima a los posibles lectores. Expresiones como: “Yo creo que sería mejor pelarnos de una vez”; “¡Ah, comunistas jijos de la chingada!”; “¡Onde no habías de ser tú, pedazo de pendejo!”; “¡Otra vez pedo, cabrón!”; “Ni que no conocieras esta pinche carcajada” (Salazar Mallén, 1932: 13-17), entre otras, fueron los motivos por los que se emprendió la primera y única denuncia de censura ante un texto literario y en el que la justicia, haciendo uso del Código Penal, tuvo que dirimir un caso de libertad de expresión hacia un escritor y los editores de una revista cultural. Tanto Salazar Mallén, como Cuesta y, otros colaboradores de Examen, fueron juzgados y perseguidos, y aunque el juez de instrucción los absolvió, la revista no volvió a aparecer. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 33 �Marcos Daniel Aguilar Ojeda (UNAM) / “Protagonista y escritor de género policiaco” Dentro de las voces defensoras, para determinar si la escritura y publicación de Cariátide había sido, o no, un caso criminal, estuvieron incluso voces conservadoras como las de Alejandro Quijano y Genaro Fernández McGregor, quienes mencionaron que las obras literarias que publicaba Examen “a pesar de su aparente incursión en el campo del delito, no son realmente inmorales” (Quijano, 1932: 13). Tras este intento de censura artística y política -también moral-, de persecución y defensa mediática ante la opinión pública, el único que no salió ileso fue Rubén Salazar Mallén, quien a lo largo del tiempo siguió sufriendo actos de censura y estigmatización no sólo por la crítica literaria, por su árida manera de darle voz a los sin voz, sino por el peso que le cayó encima por haber sido sujeto de un juicio criminal que nunca lo dejó en paz. Este autor que en sus cuentos y novelas también trabajó casos policiales, de juicios, de perseguidos y sospechosos, fue el protagonista de este supuesto crimen; un ejemplo realista -como en sus novelasen donde el caso judicial estuvo en la censura promovida por la política posrevolucionaria y las fuerzas periodísticas conservadoras quienes no le perdonaron que alumbrara la miseria humana, el odio y las violencias que subsistían en ese “México nuevo” que debía salir ante el mundo con los mejores valores estéticos y éticos. Lo que vivió Salazar Mallén en este teatro mediático criminal, en una historia interna, centrípeta, pues, fue como una novela negra en donde la política se apropió de las características del policiaco para mostrar en su trama “el juego silencioso de los cautos, que se juega a puertas cerradas y entre un limitado número de jugadores” (Link, 2003: 7), en donde no se supo a ciencia cierta cuál fue el móvil del “delito”, si las malas palabras o los hechos humanos reales alejados de la idealización institucional o si fue un caso criminal 34 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 en donde tampoco se supo, a ciencia cierta, quién fue la mano que disparó contra las “malas palabras” de Salazar Mallén. De la persecución política a la crítica social ¿Se podría incluir parte de la literatura de Rubén Salazar Mallén en el género policiaco? A parte del proceso criminal que él mismo vivió, y cuyo relato contó en diversas ocasiones, en especial en el libro Adela y yo, de 1957, algunas de sus obras literarias también podrían formar parte del canon mexicano del género negro. Esa fuerza centrípeta que lo impulsó a contarse a sí mismo como parte de la trama de un delito, fue la misma fuerza que hacia afuera, de manera centrífuga, Salazar utilizó para explorar narrativamente el entretelón de la realidad mexicana en donde los actos subversivos, el escape, pero también los deseos salvajes, se entremezclaron en la novela que lo llevó a juicio. Fue en Cariátide, en esos primeros y únicos capítulos que se conocen -pues el mismo autor quemó la novela en un arrebato alcohólico durante la década de 1930- que Mallén narra el plan de un grupo de militantes del Partido Comunista Mexicano para tomar por asalto una estación de radio. El hecho que narra Rubén fue real, se trató del asalto a la XEW -que en la novela es la XCW- por parte del comunista Evelio Vadillo -que en Cariátide es Evaristo-, y que por sí mismo ya es un acto de rebeldía, de infracción a la ley que Salazar Mallén describe con el esmero y con la conciencia de haber participado en esos actos al lado de ellos. Así lo narra Rubén en Cariátide: “Obligado a hacerse oír por todos los medios, el Partido Comunista de México, que ha visto saqueada su imprenta y confiscados sus periódicos en el correo, se apodera por unos minutos de la estación XCW para decir a todos los trabajadores DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 35 �Marcos Daniel Aguilar Ojeda (UNAM) / “Protagonista y escritor de género policiaco” de América… Evaristo, pálido, con mano temblorosa, lee ante el micrófono […] En un rincón está Barrera con una pistola en la mano. Apunta al operador de la XCW, que desencajado, lívido, escucha la voz de Evaristo […] Frente a la estación de radio espera un automóvil. Evaristo y sus amigos suben en él. -A México, viejo; pero pícale -ordena Evaristo al chofer. Se siente dominado por una embriaguez extraña, mezcla de alegría, de temor, de orgullo…” (Salazar Mallén, 1929: 16). En esta novela, publicada en la revista Examen, el lector está ante la crónica de un delito que ocurre en las calles nocturnas de la Ciudad de México: la planificación de un asalto, el mensaje contra la represión que el gobierno emprende a un partido político opositor, el amago con pistola en mano del personal de la estación de radio y no podía faltar la dosis de adrenalina con la escena de la huida del lugar, estado en el que los asaltantes sienten una excitación por el plan consumado, pero también por el hecho implícito de concretar el escape para no ser atrapados por la policía. Aunque sólo por esta trama del asalto, Cariátide no podría ser considerada como una novela policial tal cual, en estricto sentido, pues la anécdota de la entrada violenta a la XCW sólo es parte de la trama general, estos destellos de crimen sin resolver (Bermúdez, 1987: 14) son indicios del interés que su autor tenía en la exploración de temas dicotómicos que en muchas ocasiones busca el género policiaco, como la lucha entre el bien y el mal, la justicia y el delito, el hallazgo de la verdad y la develación de la mentira, el conocimiento o el misterio de la psicología del criminal. Otro elemento que tiene Cariátide y que lo acerca al género negro es que la novela narra una realidad como crítica social (Bermúdez, 1987: 9) sobre la persecución de un grupo opositor 36 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 por parte del gobierno y su policía política. Rubén Salazar narra en ella cómo los integrantes del Partido Comunista de México son acosados, por un lado, por el gobierno posrevolucionario del Maximato Callista, y por el otro, por la Internacional Comunista que vigilaba sus pasos (Domínguez Michael, 2010: 32). La crítica social de Rubén sobre los bajos fondos y perfiles de la sociedad mexicana también recae en la novela en la constante denuncia que varios de sus protagonistas hacen hacia los actos y pensamientos de los mismos militantes comunistas. Como si fuera el cuadro “México, 1935” de Antonio Ruiz “El Corcito”, Salazar denuncia en su escrito cómo, a pesar de ser personas de izquierda, sentimientos como la envidia, el egoísmo, la lujuria, “la miseria moral” (Domínguez Michael, 2010: 29) y la traición invaden los actos de estos personajes que en teoría buscan el cambio y la revolución hacia los mejores fines colectivos. Una de las voces de Cariátide, por ejemplo, que podría ser el mismo Mallén, es un comunista abyecto que comienza a desconfiar de sus compañeros, de aquellos que no piensan en los demás sino en ellos mismos, a quienes acusa de intelectuales burgueses que sólo tratan de posicionarse política y económicamente. La desconfianza, la denuncia y el autorreconocimiento de esta “sustancia bárbara” social es la delgada línea que vuelve acercar a esta novela al género policial (Bermúdez, 1987: 13). El crimen en potencia Se debe decir que Rubén Salazar Mallén trabajó varios de sus cuentos y novelas bajo la categoría de “crimen en potencia” (Bermúdez, 1987: 13), es decir, un delito que narra el autor, pero cuyos acontecimientos, en teoría, aún no han ocurrido, está por ocurrir, se encuentra aún en la mente del futuro delincuente o simplemente queda la duda de DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 37 �Marcos Daniel Aguilar Ojeda (UNAM) / “Protagonista y escritor de género policiaco” si sucedió o no (Bermúdez, 1987: 14). Por supuesto que el autor que colaboró en los proyectos editoriales de Los Contemporáneos se acercó a esta categoría de manera natural, casi endémica en él, porque al narrar la realidad mexicana con su cara más cruda, Salazar creaba atmósferas en donde todo estaba enrarecido, sofocante y en donde todo parecía peligroso (Escalante, 1987: 8), como la vida misma. Ese peligro latente está en sus cuentos y novelas al denunciar esa realidad social nauseabunda y miserable, cruel y traicionera, lo cual no tiene nada de raro más que para el ciego que no quiere ver. Rubén era un detector de la podredumbre de la sociedad mexicana (Escalante, 1987: 8), es decir, un detective de los peligros de la existencia urbana, en donde la misma voz narrativa, en ocasiones, era el sujeto que en potencia llevaba en su mente todos los crímenes de la humanidad que habitaban en eso que él veía como “el desbarrancadero posrevolucionario” (Escalante, 1987: 8). Ejemplo de ello se encuentra en sus cuentos de la década de 1920, aquellos que publicó en la revista Contemporáneos, como “Espuma”, relato publicado en la edición de abril de 1929. Con un tono de prosa poética y con una estructura sintética y fragmentaria -muestra evidente de la vanguardia que estaba experimentando-, Rubén Salazar lanza los dardos del reflejo asfixiante de la realidad mexicana cuyos modelos a seguir, ya sea el líder político, el burócrata, el intelectual, el obrero y el campesino, el estudiante y el maestro, también son humanos de bajos instintos que son capaces de traicionar no sólo a sus seres cercanos, sino a ellos mismos. El protagonista de “Espuma” es un estudiante de la Escuela Normal de apellido Albarrán, quien en una noche agobiante se siente culpable de algo que el lector no puede entender, pero que intuye. 38 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 En sus lamentaciones y gemidos, Albarrán pronuncia lastimosamente el nombre de una mujer, María Luisa, en tanto que reflexiona sobre el fracaso que ha sido la Revolución mexicana que en vez de forjar una mejor sociedad ha destruido todo, una revolución que, para él, ha sido traicionada como un hecho criminal: “Las negras manos de los indígenas se mojan en sangre. Y ellos no saben nada… La flor de la codicia ya es su fruto. El caudillo. El caudillo. El caudillo-o. Pero el indígena no sabe nada. Le dan un arma. La usa. -Viva. Viva-aaa. Y el grito lo recoge el caudillo. El indígena muere. Revolución” (Salazar Mallén, 1929). En la historia, Albarrán se encuentra con otros colegas normalistas que, en vez de estudiar, salen por las noches al encuentro de un “erotismo canalla” y alcohólico entre burdeles y prostíbulos en un “trasfondo deprimente de estudiantes hambreados” (Domínguez Michael, 2010: 27). Mallén, en la voz de Albarrán, se niega a aceptar lo que sucede: un país revolucionario que presume “una risible pantomima de las ideologías” y sin embargo se trata de una “maldita revolución [que] no hizo otra cosa que fomentar la trata de blancas” (Escalante, 1987: 8). Y es que entre los planes noctívagos de los normalistas -heroicos ejemplos a seguir- está en ir al prostíbulo donde: “-Hoy vende una virgen la Gachupina. -Como vender a un becerro… Ven” (Salazar Mallén, 1929: 13). El hecho que acerca a este cuento con el género negro es el tema del crimen en potencia, porque aún no descubierto el criminal, la trata de personas y la violación están latentes en el relato, delito al que asistirá quizá Albarrán. Caben las preguntas: ¿por ello se siente culpable?, porque “Albarrán entra a su habitación, ve la ventana sin cortinas y siente una congoja espesa como la tinta de las imprentas. La congoja, espesa, en la cintura y en los brazos. Enciende la lámpara. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 39 �Marcos Daniel Aguilar Ojeda (UNAM) / “Protagonista y escritor de género policiaco” Está de pie ante el espejo. Tieso como los postes del telégrafo. Y en su cabeza hay un sombrero ridículo, sucio. Asco. -Maldito sea, maldito-o” (Salazar Mallén, 1929: 13). Hay dos caminos posibles ante este sentimiento de culpa, que podrían ser indicio de un delito perpetrado: el primero es el que el mismo Albarrán anuncia constantemente al lamentarse con el nombre de María Luisa: “Recuerda a María Luisa. Inmaterial, incorpórea para no enmendarla en la imaginación. Se entreabre en la memoria como un abanico de vidrio, tangible por el soplo... María Luisa. Sin mejillas y sin labios. Sin brazos, sin manos, sin piernas. Sin carne”. ¿Qué hizo con María Luisa?, ¿por qué ahora es etérea?, ¿dónde está?, ¿por qué Albarrán no quiere volver a beber alcohol? y ¿por qué se resiste a ir al prostíbulo? Salazar Mallén traza un paralelismo entre la mujer que sufre la trata de personas, el secuestro y la violación, con el dolor que siente ante una María Luisa a quien Albarrán ha despojado de corporaneidad. ¿Se trata de un secuestro, un asesinato, de una violación? Por otro lado, y ligado al delito que Salazar exhibe de manera realista -pero cuya narración trasciende a la poesía y a la fantasía- está el que acomete la misma Revolución -¿o la modernidad urbana?-, que para él ha formado un gobierno traicionero -malinchista que vende todo al mejor postor2- sobre aquel pueblo y con una clase política e intelectual que no dejan de ser canallas; Salazar lo dice mejor en “Espuma”: “Queremos ser dioses y nos compartamos como cerdos”. El delito de la traición ideológica y revolucionaria. 2 Hay que recordar que el autor de este concepto fue el mismo Rubén Salazar Mallén, que plantea en un artículo del 25 de abril de 1942, en la revista Hoy, titulado “El complejo de la Malinche”. 40 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Un clásico cuento policiaco Dice el escritor español José Moreno Villa que si Goya sólo hubiese pintado un cuadro como “Saturno devorando a sus hijos”, con ese solo cuadro hubiera pasado como uno de los mejores artistas en la historia del arte. Lo mismo se puede decir del cuento “El caso del usurero” de Rubén Salazar Mallén para el universo de las letras mexicanas. El cuento es considerado un hito dentro del género policiaco, uno de los pioneros dentro del policial en México. Este relato fue publicado originalmente en número 21 de la hoy histórica revista Selecciones policiacas y de misterio, a finales de la década de 1940. Aquella publicación fue fundada por el también escritor de género negro, Antonio Helú. Entre la nómina de autores que colaboraron en este magazine con cuentos policiacos se pueden nombrar a Rafael Bernal, María Elvira Bermúdez, Ramiro Gómez Kemp, José Martínez de la Vega, Juan Bustillo de Oro, Antonio Castro Leal, Enrique F. Gual y al mismo Salazar Mallén (Orozco Hidalgo, 2015: 6), entre otras y otros más. Escritores éstos, periodistas, guionistas de teatro, radio y cine, quienes se reunían en tertulias intelectuales y que compartían otros espacios mediáticos en los diarios y revistas desde la década de 1920. Rubén Salazar Mallén, para los años 40, ya era un asiduo articulista de Jueves de Excélsior y de la revista Hoy, por ejemplo, espacios en donde los creadores comenzaron a experimentar y a trabajar con los géneros de ficción, con los relatos fantásticos y de misterio y, por supuesto, no podía faltar el policiaco. De estas tertulias y publicaciones se desprendió la creación de espacios exclusivos para lo fantástico y lo policiaco como lo fue Selecciones policiacas y de misterio. Influenciados por la literatura anglosajona, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 41 �Marcos Daniel Aguilar Ojeda (UNAM) / “Protagonista y escritor de género policiaco” pero sobre todo por el cine, los y las escritoras mexicanas fueron incursionando en la escritura de estas historias sobre crímenes por resolver, investigadores, policías y detectives, estafas y asesinatos descubiertos o a veces delitos no resueltos. Los escenarios nocturnos descritos en varias de estas historias fueron motivo de inspiración para los cuentos y novelas que se escribirían en México durante las décadas de 1940 y 1950. Los misterios de la noche, que tanto gustaban a Salazar Mallén, motivaron los paisajes imaginarios idóneos para la escritura de relatos policiacos que se publicaron en Selecciones... Paisajes que se asemejaban a las películas de detectives que estos escritores comenzaron a ver desde varios años atrás. Por ejemplo, y para hablar sobre el contacto de este género en México con el cine, es imposible no relacionar los cuentos y las novelas de Rubén con una película sobre criminales, proxenetas y asesinatos como lo es La mancha de sangre de Adolfo Best Maugard, con argumento de Miguel Ruiz Moncada, filme de 1937, y que debido a la censura gubernamental fue estrenada hasta 1943. En ese ambiente de creación de vanguardia fílmica, teatral, radiofónica y literaria, en donde se oponía y complementaba lo nacional con lo cosmopolita, es que Salazar publica “El caso del usurero”, una clásica historia policiaca sobre el asesinato de un prestamista de dinero, en la cual, para desenredar el argumento, Salazar se pregunta ¿quién lo mató?, ¿cómo lo mataron?, ¿y por qué sucedió? Este es un relato en donde la lógica y la capacidad de raciocinio y racionalidad se aplican a la perfección, sin dudas ni titubeos -hecho raro para la zigzagueante e impaciente narrativa de Salazar Mallén-. Ejemplo de ello son las características del investigador de “El caso del usurero”, que comparte las de los 42 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 agentes o investigadores al estilo de las historias escritas por Robert Louis Stevenson, Arthur Conan Doyle o G.K. Chesterton. Por todo ello, fue que la investigadora del género negro, María Elvira Bermúdez, catalogó a este cuento de Salazar dentro de los parámetros del relato policiaco de “raciocinio” (Bermúdez, 1987: 20), ya que el protagonista, el investigador privado Enrique Andrade será el encargado de encontrar quién y cómo asesinaron al usurero Quintín Villegas, y para hacerlo Andrade deberá descubrir y desactivar la coartada del delincuente. La principal sospechosa es una de las empleadas de Villegas, la señorita Amalia Torres. Cuando llega el Ministerio Público a la escena del crimen, el inspector Zapata da por hecho que fue ella ya que, sin saberlo Amalia, Quintín le había dejado un generoso seguro de vida en el caso de que él muriera. Ella no lo sabía, pero sí el agente de negocios del usurero, Alberto Michelena, por lo que meses antes se dedicó a enamorar a la señorita Torres. Este cuento policiaco es redondo: hay un crimen, hay suspenso, un final inesperado, existe una investigación que terminará derrumbando la coartada del asesino (Bermúdez, 1987: 15-17); hasta existe un compañero o compinche de Andrade, al estilo Watson, se trata del ingenuo, pero bien intencionado Cirilo Masa. Aunque el relato fue escrito por Salazar Mallén utilizando el esquema clásico del relato negro, hay algunos elementos que permiten hacer algunas lecturas en torno a él. En primer lugar, y como dice Bermúdez sobre “El caso del usurero”, el cuento demuestra la popularidad y el interés del género que había entre los periodistas y escritores mexicanos: “Por ser único, repito, el de Salazar Mallén que, aunque no fue un profesional de la literatura de misterio, es un escritor importante cuya excepcional DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 43 �Marcos Daniel Aguilar Ojeda (UNAM) / “Protagonista y escritor de género policiaco” incursión en esta área de la narrativa demuestra hasta qué punto ésta no es, ni mucho menos, indigna de ser atendida por literatos de prestigio” (Bermúdez, 1987: 20). En segundo lugar, hay que resaltar que es el único texto de su tipo que se le puede atribuir a Salazar Mallén, una especie de one hit wonder policiaco que colocó a Salazar en las antologías de la literatura policiaca mexicana durante el siglo XX, al lado de maestros del género como Rafael Bernal, Antonio Helú, Salvador Reyes Nevares, Vicente Leñero o Paco Ignacio Taibo II. Dentro del argumento del relato, hay que resaltar otros pequeños pero significativos elementos. Es interesante cómo el protagonista, el detective Enrique Andrade, es frío y calculador, no tiene temor de contradecir las hipótesis de las autoridades ni de ser atacado por el verdadero asesino, ya que quienes dudan y enfrentan el escarnio del narrador -Salazar Mallén- son los verdaderos delincuentes: los impartidores de justicia que no hacen su trabajo y hasta el usurero que inconscientemente sabe que su negocio “no es correcto”. Esta frialdad racional de Andrade tiene, dentro del relato, su representación visual, ya que cada vez que Enrique debe pensar, imaginar y reflexionar acerca del caso, Andrade se sienta “con la mirada fija en una horrenda imitación de Rembrandt que está en la pared frontera a la ventana” (Bermúdez, 1987: 69). Por intuición, y debido a las implicaciones de este cuento criminal, se podría suponer que el cuadro al que hace alusión Salazar Mallén es “La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp” (figura 1), un óleo pintado por el neerlandés en 1632, cuyo protagonista es un hombre de ciencia quien enseña a los espectadores -sus alumnos-, con frialdad y conocimiento, cuáles son los elementos del cuerpo humano, sus sistemas y funcionamientos. Y lo hace sobre el cuerpo de un ser humano sin vida, así como el cuerpo 44 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 inerte del usurero. Sin duda, Enrique Andrade se veía reflejado en la figura de un científico como Nicolaes Tulp, sin titubeos y con plena confianza de sus conocimientos para llegar a la verdad, todo un personaje del raciocinio. Figura 1. “La lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp”, Rembrandt, 1632, óleo sobre lienzo. Galería Real de Pinturas Mauritshuis, Países Bajos. Otro elemento a destacar del cuento es que Salazar escoge con astucia quiénes son sus personajes y qué lugar tienen en la sociedad en que habitan. El usurero, Quintín Villegas, es para el autor veracruzano digno blanco para ser asesinado, pues dentro del mismo cuento, en voz de Andrade, menciona: “[Quintín Villegas] No vivía sino para explotar al prójimo” (Bermúdez, 1987: 72). Este hecho hace que la historia no salga del radar de crítica social, de relato militante, al que Rubén Salazar Mallén tenía acostumbrados a sus lectores. En este mismo sentido, y aunque el caso de la muerte DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 45 �Marcos Daniel Aguilar Ojeda (UNAM) / “Protagonista y escritor de género policiaco” de Quintín fue resuelto, el misterio no fue solucionado por las autoridades del ministerio público, pues al asesino no lo halló el inspector Zapata, sino que fue el investigador privado Enrique Andrade, dando otro puyazo al sistema de justicia posrevolucionario que siempre criticó Salazar Mallén de manera descarnada. El detective de la sociedad Hubo fuerzas interiores y exteriores que impulsaron a Rubén Salazar Mallén para entrar y salir de la literatura policiaca. El tema de la impartición de justicia, del delito cometido o en potencia siempre estuvieron en sus novelas, cuentos y artículos periodísticos. De manera tangencial su vida y su narrativa estuvieron ligadas al juicio penal y al juicio público. Su narrativa estuvo en la cuerda floja de la reflexión sobre la moral, la ética, el deber ser, la lucha entre el bien y el mal y la búsqueda o la pérdida de la verdad. Muy a su estilo realista, frío y áspero, Salazar Mallén ofreció a las letras mexicanas historias sobre qué es el delito en sociedades como la mexicana e historias sobre una humanidad que es capaz de todas las bondades, pero también de comer todos los crímenes posibles. Como aquella imagen descarnada de Goya, Salazar Mallén coloca a los lectores ante el horror de ser Saturno devorando a sus críos, o de ser los críos que no comprenden por qué el tiempo los ha consumado. ¿Quién es Saturno?, ¿quiénes son sus hijos? Es la pregunta de este detective de las letras, de la política y de la sociedad que fue Rubén Salazar Mallén. Referencias Bermúdez, M. E. (1987). Cuentos policiaco mexicano. Breve antología. UNAM. 46 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Domínguez Michael, C. (2010). Prólogo. En R. Salazar Mallén, Camaradas. Soledad, Conaculta. Escalante, E. (1987). Salazar Mallén. Novelista impaciente. En R. Salazar Mallén, La sangre vacía, SEP/Editorial Oasis. Link, D. (comp.) (2003). Prólogo. El juego silencioso de los cautos. El juego de los cautos. De Edgar A, Poe a P. D. James. La Marca Editorial. Ontiveros, J. L. (1987). Rubén Salazar Mallén, subversión en el subsuelo Universidad Veracruzana, 1987. Orozco Hidalgo, G. (2015). Selecciones policiacas y de misterio. Orígenes de la literatura policiaca en México (1946-1961). Tesis de licenciatura. UNAM. Quijano, A. (noviembre de 1932). Examen, (3). Salazar Mallén, R. (abril de 1929). Espuma. Contemporáneos, (11). ————— (septiembre de 1932). “Cariátide”. Examen, (2). ————— (1957). Adela y yo. Edición de autor. Sheridan, G. (1999). México en 1932: la polémica nacionalismo. FCE. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-139 47 �Artículos Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 Incesto y desarraigo en “La jaula de la tía Enedina” de Adela Fernández y “Uno no sabe” de Mónica Lavín Incest and unhomeliness in “La jaula de la tía Enedina” by Adela Fernández and “Uno no sabe” by Mónica Lavín Pablo César Osorno Equihua Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey Monterrey, México pablocesar.oe@gmail.com Resumen. Adela Fernández y Mónica Lavín se inscriben dentro de un corpus de autoras latinoamericanas que emplean el incesto como motivo para examinar las prohibiciones sociales y la desconfiguración corporal, sexual y afectiva que estas generan. Sus respectivos cuentos, “La jaula de la tía Enedina” (1976) y “Uno no sabe” (2003), comparten elementos diegéticos y discursivos que operan en función de una estética de lo abyecto y articulan el incesto entre mujeres adultas y hombres jóvenes (tíasobrino, madre-hijo) en su vinculación con el desarraigo social. El presente estudio contrasta los modos de representación del tabú endogámico y analiza las relaciones de poder entre los personajes de ambos cuentos, fundamentado en las propuestas teóricas sobre el horror al incesto de Sigmund Freud y Claude Lévi-Strauss, la revisión feminista que Adrienne Rich realiza sobre el tema y en la interpretación del desarraigo planteada por Homi K. Bhabha. Las autoras aquí examinadas recurren al desarraigo para retratar la marginación resultante de la transgresión de las normas patriarcales y los roles de género, y lo utilizan a modo de catalizador del deseo incestuoso. Además, hacen uso de eufemismos y narradores no 48 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 confiables con el propósito de configurar una autoridad enunciativa sobre los sujetos femeninos. Palabras clave: incesto, desarraigo, tabú, abyección, escritoras mexicanas. Abstract. Adela Fernández and Mónica Lavín belong to a corpus of Latin American women writers who employ incest as a literary motif to examine social prohibitions and the corporeal, sexual, and affective disfiguration these generate. Their respective short stories, “La jaula de la tía Enedina” (1976) and “Uno no sabe” (2003), share diegetic and discursive elements that operate within an aesthetics of abjection and articulate incest between adult women and young men (aunt-nephew, mother-son) in its connection with unhomeliness. The present study contrasts the modes of representation of the endogamous taboo and analyzes the power relations between the characters in both stories, based in the theoretical propositions on the horror of incest by Sigmund Freud and Claude Lévi-Strauss, Adrienne Rich’s feminist review of the subject, and in the interpretation of unhomeliness proposed by Homi K. Bhabha. The authors examined here resort to unhomeliness to portray the marginalization resulting from the transgression of patriarchal norms and gender roles, utilizing it as a catalyst for incestuous desire. Furthermore, they use euphemisms and unreliable narrators with the purpose of configuring an enunciative authority over female subjects. Keywords: incest, unhomeliness, taboo, abjection, Mexican women writers. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 49 �/ Pablo César Osorno Equihua (ITESM) / “Incesto y desarraigo” La representación del incesto en la literatura, espacio donde lo prohibido es admisible, no resulta inusual. Particularmente, la tradición literaria latinoamericana ha utilizado el incesto como motivo para tratar la decadencia de la moralidad y la descomposición social1. Adela Fernández y Mónica Lavín, en sus respectivos cuentos “La jaula de la tía Enedina” (1976) y “Uno no sabe” (2003), plantean una relación entre hombres jóvenes y mujeres mayores de su familia (tía y madre), no sólo a propósito de la transgresión del tabú, sino también de su articulación con el desarraigo social. Ambas autoras realizan una lectura del incesto atravesada por la falta de sentido de pertenencia y la separación de los sujetos hacia espacios periféricos tanto en la diégesis como en la narración. Aun con casi tres décadas de diferencia de publicación, ambos textos recurren a un vínculo entre la sexualidad y la abyección2 configurado a través de las relaciones de poder y los roles de género. La narrativa de Adela Fernández transita por el subgénero fantástico y se obsesiona con la crueldad, lo siniestro, el humor negro, la locura, el desamor, el abandono, etcétera (Carmona González, 2018). Su obra, que entrelaza elementos sobrenaturales con realidades terriblemente crudas, se ha posicionado, luego de múltiples reediciones, como un nuevo referente de la cuentística mexicana de lo insólito. “La jaula de la tía Enedina” tiene como protagonista a un hombre de diecinueve años repudiado por sus 1 Tan sólo hace falta una mirada a Edipo rey, Cien años de soledad o “La sunamita” para trazar una cronología narrativa de la cuestión incestuosa como fundamento de la catástrofe familiar. 2 Entiéndase lo abyecto como aquello despreciable, arrojado hacia los márgenes de un sistema porque “no abandona ni asume una interdicción, una regla o una ley, sino que la desvía, la descamina, la corrompe” (Kristeva, 2023: 25). 50 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 padres y obligado a llevarle comida a su tía Enedina, quien, después de quedarse sola en el altar el día de su boda, cae en la demencia y es confinada a un cuarto de trebejos. A partir de entonces, Enedina se empecina en poseer un canario y se lo pide a su sobrino; al no conseguirlo, este decide compensarlo con encuentros sexuales. Ambos habitan espacios marginales que propician dicha relación incestuosa: ella la locura y la soltería, él la negligencia parental. Por su parte, Mónica Lavín plantea en sus cuentos “el desastre afectivo, psicológico, personal y social… así como el destino irremediable del ser humano, condenado a topar de lleno con el mal, la desilusión y lo perverso” (Mendoza Piedras, 2004: 42). Hasta el momento, no existe estudio alguno sobre “Uno no sabe”, el cual sobresale por el tratamiento de la voz narrativa y su retorcida trama. En este relato, un joven es abandonado por su madre, Olivia. El resto de la familia evita a toda costa hablar de ella e incluso procura eliminar su recuerdo, pero el duelo del hijo persiste por años. Luego de enterarse de que su madre fue vista en una cafetería neoyorquina, él viaja en su búsqueda. Al reconocerla mientras trabaja de mesera, la seduce y tiene relaciones con ella, pero jamás le revela su parentesco. Si bien múltiples autoras retoman el tópico del incesto, las obras de Adela Fernández y Mónica Lavín comparten características en la diégesis y el discurso que las distinguen de otras; para explicarlo, me interesa contrastar los modos de representación de lo abyecto y profundizar en los puntos de encuentro entre las estructuras de deseo, poder y parentesco en ambos cuentos. Por un lado, este análisis parte de la propuesta de Sigmund Freud acerca del tabú y las investigaciones antropológicas de Claude Lévi-Strauss sobre el horror al incesto. A ambas teorías las enriquece el planteamiento de Adrienne Rich en Nacemos de mujer sobre la correlación del incesto y DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 51 �/ Pablo César Osorno Equihua (ITESM) / “Incesto y desarraigo” el sistema patriarcal, visto particularmente desde la cuestión edípica. Por otro lado, esta base teórica se vincula con el concepto de extrañamiento que Homi K. Bhabha utiliza para nombrar el desarraigo, o aquel desplazamiento hacia una experiencia de incertidumbre e incompletitud. Los personajes de “La jaula de la tía Enedina” y “Uno no sabe” coinciden en ser desplazados de su entorno social antes de la concreción del incesto. El extrañamiento, aquella sensación de no pertenencia que Bhabha (2019) denomina un estado donde “las fronteras entre el hogar y el mundo se confunden” (p. 26), está representado en los cuentos a través del exilio simbólico y espacial de los personajes. Aunque el desarraigo está comúnmente asociado con el movimiento en el territorio, para Patricia E. Escamilla (2021) es una categoría multidimensional que “ya no solamente concierne al exilio… sino a variadas perspectivas de dislocación entre los sujetos con respecto a los espacios físicos y a los otros individuos” (p. 6). Tanto Bhabha como Escamilla aluden a que el sentimiento de pérdida proviene de la falta de un núcleo social, lo cual, en ambos relatos, aparece como resultado de la desobediencia a un rol familiar. El desarraigo, en el caso del incesto, sucede debido a que aquellos transgresores de la norma son socializados a modo de tabú, que Freud (2023) define como “una idea de reserva” (31) o, en otras palabras, la manifestación de aquello que no debe ser tocado o profanado por temor a que su contacto devenga impureza. En suma, el tabú opera como un mecanismo que alerta del peligro de la destrucción social y, por ende, aparta a los individuos contaminantes hacia los márgenes. Lavín y Fernández utilizan a personajes expulsados de un grupo para representar justamente lo considerado impuro. Madre e hijo, tía y sobrino, quebrantan una 52 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 interdicción sexual entre parientes cercanos que, desde el punto de vista de Freud y Lévi-Strauss, pondría en entredicho la integridad del grupo. A este respecto, en Las estructuras elementales del parentesco, el antropólogo profundiza acerca del incesto como un fenómeno donde se priorizan los instintos sexuales “naturales” sobre la institución cultural humana (Lévi-Strauss, 1969), es decir, el tabú que los limita y castiga. Si bien “Uno no sabe” y “La jaula de la tía Enedina” esbozan cierta idea de la liberación de los instintos, sus propuestas se centran en cómo la prohibición se entrecruza con la institución patriarcal. A tal efecto, según Rich, el mandato de exogamia recaería, sobre todo, en aquel hijo varón que experimenta el complejo de Edipo: deseo por la madre. El sistema patriarcal procuraría mantener a la madre como una propiedad de su marido, ya que el incesto desdibujaría la estructura social y la jerarquía de poder. Sin embargo, los personajes masculinos de los cuentos aquí analizados en ningún punto son sometidos a la autoridad del padre, quienes sólo aparecen vagamente para reforzar el desarraigo de los narradores: “Uno no sabe que un día se irá a la cama y cuando despierte papá pondrá los cereales en la mesa nervioso… y nadie dirá que mamá no está” (Lavín, 2003: 7). No se retrata, entonces, una disciplina de los instintos orientada a evadir la “civilización patriarcal” (Rich, 2019: 268); en cambio, hijo y sobrino actúan respectivamente como reemplazos en la dominación sobre su madre y su tía, pues, al estar desarraigados del núcleo familiar, nadie más la ejerce. De tal modo, según Jenny DiPlacidi (2018) en Gothic Incest: Gender, Sexuality and Transgression, el castigo sobre el incesto edípico no respondería únicamente a la consanguinidad de los sujetos, sino al desacato de la potestad masculina y su propiedad sobre los cuerpos. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 53 �/ Pablo César Osorno Equihua (ITESM) / “Incesto y desarraigo” La norma patriarcal retratada en los cuentos mencionados se gesta en un entorno de desarraigo. Ambos personajes masculinos expresan una carencia de afecto materno. En el relato de Lavín (2003) se evidencia mediante la descripción del ecosistema del hogar después de la pérdida de la madre: “Uno piensa que alguien lanzará algo, un quejido, una pregunta, un plato, porque una madre no puede irse así” (7). El joven experimenta desconcierto ante la falta de un miembro de la familia que funcionaba como eje rector del núcleo. A pesar de que su padre y hermanas se afanan en no modificar la dinámica familiar, le es imposible resignarse a una ausencia inexplicable. Todos en la casa actúan como si la madre no hubiera existido; al hacerlo, niegan el lazo emocional que hubo entre ella y el hijo, lo que empeora el dolor por la pérdida. Además, el desarraigo en él incrementa al tomar en cuenta que la partida de la madre interrumpe el flujo afectivo “natural” entre ambos, construido a partir de la cercanía constante. Tras no establecer vínculo alguno con los miembros de su familia, el protagonista queda situado como un otro incluso dentro del “territorio” conocido. De manera similar, en “La jaula de la tía Enedina” existe una clara imagen de la exclusión del personaje principal: “A la tía nadie la quiere. A mí tampoco porque soy negro. Mi madre nunca me ha dado un beso y mi padre niega que soy hijo suyo” (Fernández, 2022: 23). El repudio se debe a dos motivos: la sugerencia de ser producto de una relación fuera del matrimonio y su tono de piel, el cual, se explica, fue provocado por la coincidencia de su nacimiento con un día de eclipse, elemento fantástico-supersticioso que delimita su posición social y lo mantiene alejado de cualquier muestra de cariño. Para ambos personajes, la carencia de lazos afectivos sólidos produce una perturbación del orden social “en 54 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 cuanto sistema provisto de cohesión y constructor de conductas morales para el bien de la colectividad” (Escamilla, 2021, p. 30). Así, en la búsqueda de una figura materna que antes ha sido insuficiente, no resulta problemático infringir la norma que impide el deseo entre consanguíneos. En cambio, las figuras femeninas son desplazadas del núcleo familiar por el incumplimiento de la norma patriarcal. La locura de la tía es provocada por el abandono de su prometido: [En] la víspera de su boda un hombre sucio y harapiento tocó a la puerta preguntando por ella. Le auguró que su novio no se presentaría a la iglesia y por siempre sería una mujer soltera. Compadecido de su futuro, le regaló una enorme jaula de latón para que en su vejez se consolara cuidando canarios. (Fernández, 2022: 23) El fracaso del matrimonio –inaceptable para el patriarcado– la vuelve un personaje marginal ante la mirada de los demás. Asimismo, el incumplimiento de su rol de esposa anula su posibilidad de convertirse en madre. Enedina es considerada una mujer inacabada: su soltería se asocia con un estado de incompletitud, pues atenta contra un “deber ser” femenino que no ha sido capaz de satisfacer (Guzmán Ponce, 2023). La tía enloquece y es recluida en el cuarto de trastos –lejos incluso del espacio doméstico–, donde no puede corromper el sistema cerrado del orden social. Este lugar, al igual que el símbolo de la jaula al que hace referencia el título, funge como un espacio de cautiverio para la alteridad: una periferia donde el tabú es inoperante al no estar bajo vigilancia familiar. Al contrario de la tía, en “Uno no sabe”, Olivia efectivamente cumple con el rol de esposa; sin embargo, al comienzo de la narración, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 55 �/ Pablo César Osorno Equihua (ITESM) / “Incesto y desarraigo” ya ha abandonado el hogar por motivos desconocidos. Su abyección responde a la renuncia de su función como mujer cuidadora y se refleja en los comportamientos de su marido e hijas, al igual que en la expresión de desarraigo del narrador: Uno aprende a no visitar a la abuela Nona porque sólo habla de papá y su cerrazón, y porque las hermanas, disgustadas, no resisten que busque razones para la orfandad de sus nietos. Uno no quiere estar en casas ajenas que le recuerden a una madre de rasgos borrados. (Lavín, 2003: 8-9) Sin un motivo aparente del abandono de la casa, la madre es repudiada por el ejercicio de su agencia, pues rompe con su “deber materno”. En consecuencia, Olivia se vuelve un tabú, un sujeto amenazante ante la puesta en duda de la propiedad de sus parientes masculinos. Dicho abandono se refleja a través del espacio de la casa, no únicamente la ajena –borrosa, desconocida, indescifrable–, sino la propia: Uno no sabe que el silencio será la explicación, que todos andarán como si la voz de la madre ausente fuera humo, como si los domingos siempre hubieran sido cuatro a la mesa… porque el único cambio visible son las fotos removidas… Vestigios de su madre en el cuarto que poco frecuenta uno, porque más vale no naufragar en el tamaño de la cama, en la doble almohada ni tras las puertas del clóset. (Lavín, 2003: 7-8) Las habitaciones y objetos se describen llenos de oquedades en representación de la ausencia; los espacios vacíos evidencian la desestabilización de la estructura y el “territorio” familiar que posteriormente propicia el incesto entre Olivia y su hijo. Ella, 56 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 disidente y excluida del núcleo social, queda fuera de la propiedad material de su marido (la casa) y deja de someterse a la potestad que el matrimonio pone sobre ella. El vínculo madre-hijo, al igual que el rastro de Olivia en el espacio doméstico, se desvanece; por lo tanto, ella pierde aquella condición sagrada que al hijo le impide desearla. Todos ellos, infractores del orden, son privados de afecto; todos comparten el extrañamiento provocado por la expulsión como castigo. La familia se representa como una entidad coercitiva que, sin embargo, no deja de ser un espacio al cual retornar. Ante el vacío emocional del hogar, los personajes masculinos son orillados al acercamiento entre parientes como solución a esta falta de pertenencia (Abderrazag y Kazi-Tani, 2019). No pretendo trazar una relación causal entre la experiencia de desarraigo y el incumplimiento de la exogamia, sino apuntar que el aislamiento forzado funciona, en ambos cuentos, como un estímulo para perturbar la sexualidad normativa impuesta por la familia. Tanto Enedina y su sobrino, como el hijo de “Uno no sabe”, buscan apegarse de nuevo al sistema social, pero, los dos últimos, toman agencia para cometer incesto y reestablecer el afecto maternal que les ha sido negado. El caso de Olivia es distinto, pues no pretende regresar a lo doméstico: todo el tiempo ignora la identidad de su hijo y funge como mero instrumento para satisfacer su deseo. Es así que, aun en la periferia, Olivia y Enedina se encuentran en una situación de desbalance ante ellos. En los personajes masculinos, la abyección desvanece la noción de lo propio y, por ende, el libre ejercicio de poder que les otorga la jerarquía, por lo que necesitan afianzar su posición de dominio. La relación entre Enedina y su sobrino es claramente de dependencia: sin él, la tía moriría de hambre, puesto que es el encargado de llevar el alimento DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 57 �/ Pablo César Osorno Equihua (ITESM) / “Incesto y desarraigo” a los cerdos y a ella3. Además, él es la única vía para conseguir el canario que ella tanto desea: Tía Enedina, vive con su jaula y con su sueño: tener un canario. Cuando voy a verla es lo único que me pide, y en todos estos años yo no he podido llevárselo… La verdad, a mí me da mucha lástima mi tía, y como no he podido llevarle su canario, decidí darle caricias. (Fernández, 2022: 23-24) El pájaro actúa como símbolo de los hijos que no logró tener en su juventud. La necesidad de poseerlo, al igual que la acción de recibir alimento, la sujeta a la voluntad de su sobrino ya que ella, bajo clausura, no puede valerse por sí misma. Es sólo a través de él que la tía puede subsanar el incumplimiento de la maternidad. Esta relación la vuelve vulnerable: ella pide, él da. El intercambio del canario por caricias refleja la capacidad de decisión del sobrino sobre la de la tía, lo que incluso le permite disponer de su cuerpo: No fue fácil hacerle el amor. Me enredaba en los hilachos de su vestido de organdí, pero me las arreglé para estar bien con ella… Tía Enedina me lastimaba, incrustando en mi piel sus uñas, mordiendo, y sus huesos afilados, puntiagudos se encarnaban en mi carne. (Fernández, 2022: 24) 3 La dinámica de alimentación coloca a la tía en una categoría animal (e inclusive en una posición menor): “Era importante para ellos saber cómo iba la engorda; en cambio, a nadie le interesaba que tía Enedina se consumiera poco a poco” (Fernández, 2022, p. 23). No es percibida como humana, por lo que tampoco está sujeta a la prohibición del incesto. Según Georges Bataille (1997), “[e]l incesto es una de estas situaciones que sólo existen, arbitrariamente, en la mente de los seres humanos” (p. 222); la animalidad, en consecuencia, permite al sobrino, casi presa del instinto, profanar su cuerpo con violencia. 58 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Hay aquí una irrupción en el cuerpo femenino, una tía que se resiste al incesto, pero que finalmente es obligada a ceder ante un placer sexual unilateral. La respuesta hostil contra la violación desestabiliza el poder del sobrino –ya mermado por la expulsión de la familia–, pues lo exhibe como un cuerpo blando que también es capaz de ser herido, transgredido. La dominación masculina se encuentra amenazada si inclusive Enedina, mujer abyecta, es capaz de subvertir la sumisión. Por ende, el intento de mantener su posición en la jerarquía vuelve al sobrino esa “representación simbólica de los alcances del patriarcado cuyo poder y normativa es tan fuerte que, incluso, los marginados de la esfera del poder patriarcal… son portadores, herederos y reproductores del sistema” (Ruffino, 2021: 192). Como se verá más adelante en el cuento, él la hará madre; es decir, creará un nuevo territorio donde no sentirse extraño y, así, pertenecer y poseer. La maternidad de Enedina se traduce como la conquista de su cuerpo y el retorno a una norma social que, por un lado, le exige a ella ser cuidadora y, por el otro, le devuelve a él su autoridad arrebatada. En palabras de DiPlacidi (2018), el incesto fungiría como un dispositivo que “leaves out the potential for female sexual desires and agency by positioning women as victims without offering an alternative narrative to their role within the family and home” (14). Enedina no abre la posibilidad de revertir el orden patriarcal, ya que es nuevamente arraigada en contra de su voluntad y, al igual que en “Uno no sabe”, el ejercicio de su agencia se traduce en indisciplina. Por lo tanto, la relación entre tía y sobrino termina por infundir docilidad en ella, cualidad tan esperada del sujeto femenino: “Desde aquellos días en que yo le hacía el amor han pasado ya dos años. A ella la he notado más calmada, puedo decir que vive en DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 59 �/ Pablo César Osorno Equihua (ITESM) / “Incesto y desarraigo” mansedumbre” (Fernández, 2022: 24-25). Inmediatamente después, al entrar de nuevo a la habitación, el descubrimiento de un par de gemelos albinos que se comportan como pájaros revela el resultado del primer contacto sexual: sus propios hijos4. Antes de abusar de ella, el narrador la ha llamado “rata gris” y “araña zancuda”, y retratado como un ser escurridizo, agresivo, inquieto; sin embargo, con el tiempo alaba su calma: en aquellos dos años la maternidad la ha vuelto mansa. Dentro del cuento de Lavín, al contrario, la dinámica de poder ya ha sido desarticulada por la partida de Olivia, lo que desvirtúa la superioridad de su hijo. De acuerdo con Rich (2019), la dominación masculina debe ser reafirmada de modo continuo, pues “[c]onvertirse en hombre implica destruir toda la susceptibilidad provocada por el poder femenino” (270). Con el objetivo de probar su virilidad, el hijo de Olivia utiliza a otras mujeres como objetos sexuales que eventualmente desecha5: 4 La perceptible monstruosidad de los niños enfatiza las consecuencias desastrosas del incesto: “[D]entro de la jaula pude ver dos niñitos gemelos, escuálidos, albinos. Tía Enedina los contemplaba con ternura y felizmente, como pájara, les daba el diminuto alimento. Mis hijos, flacos, dementes, comían alpiste y trinaban…” (Fernández, 200: 25). Este final pone de manifiesto que la alteración del marco moral de la sexualidad (MacCormack, 2004) no puede ser concebida sino como perversa. 5 Específicamente, Rich hace referencia a una demostración de hombría dirigida en contra de la madre. Luego del acto sexual, el narrador no encuentra a Olivia en la cama; vuelve a la cafetería y, al interrogarla por su partida, ella contesta: “No iba a esperar a que en la mañana confirmaras mis 49 años” (Lavín, 2003, p. 15). Finalmente, él se va sin despedirse: replica el abandono que antes ella llevó a cabo. Además de una venganza, esta sería aquella consolidación del hijo como un individuo exento de la “susceptibilidad” a la que lo sujeta la agencia materna. 60 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Pasan los años y uno empieza a mirar las piernas de las mujeres, a imaginarse besándolas y acariciándolas y uno da todo por rodear una cintura apretada y aspirar un aliento dulce, y uno las besa y las abraza en la penumbra del cine y se masturba pensando en ellas y cuando comienza a desear más allá de su cuerpo, su presencia y su ternura, uno se va sin despedida. (Lavín, 2003: 9) Es él quien toca, quien observa, quien desea y consume. Contrario al cuento de Fernández, aquí la fortaleza corporal masculina no es puesta en duda; en cambio, la posibilidad de un vínculo afectivo lo obliga a reconocerse como más que un cuerpo: un sujeto emocional, de ahí la huida ante cualquier esbozo de control femenino. Además, el posible arraigo detona el recuerdo de la madre ausente y, al igual que su padre se esfuerza por negar la existencia de la esposa desertora, el hijo se deshace de las mujeres que considera amenazantes para evitar adherirse a un núcleo que lo vulnere nuevamente. Al encontrarse con Olivia, sin embargo, esta ilusión de poder se ve frustrada. Luego de recorrer las calles de Nueva York y encontrarla como empleada de una cafetería, se obliga a entrar, mas ella no lo reconoce. La madre no se comporta como tal: “Uno no sabe qué hacer ante una madre que no despliega ninguna deferencia con ese cliente pedazo suyo” (Lavín, 2003: 11). Aumentan en él los estragos del abandono: el desinterés de Olivia lo descoloca, lo desorienta; por lo tanto, queda desdibujada aquella frontera de parentesco que dividía sus cuerpos y se da lugar a la posibilidad del incesto. El hijo seduce a Olivia y narra el acto sexual a modo de triunfo: “Uno entra en ella sin dificultad. Observa su cara congestionada, los ojos cerrados que uno agradece. Entonces piensa que ha entrado por el mismo conducto que se distendió DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 61 �/ Pablo César Osorno Equihua (ITESM) / “Incesto y desarraigo” para que él naciera” (Lavín, 2003: 14). Ella encarna la pasividad y se vuelve un contenedor del cuerpo del otro, quien se regodea en una demostración de virilidad. El hijo describe un retorno al útero materno; es decir, se vuelve nuevamente hijo después del extenso periodo de desarraigo. Aquel “conducto” presenta un simbolismo ambivalente: por un lado, actúa como un espacio que protege al hijo de las contingencias del afuera (Guerra-Cunningham, 2012); o sea, del orden social que antes lo ha repudiado; por el otro, permite formular una venganza del abandono e indiferencia de Olivia al instituirse como invasor de su cuerpo. Tanto Fernández como Lavín elaboran narrativas donde el sexo funge como un dispositivo de poder. Este se articula en función de la maternidad, la cual crea, para las divergentes y periféricas Olivia y Enedina, un nuevo arraigo al centro patriarcal. Irónicamente, el incesto les devuelve el estado de pureza descrito por Freud: si bien procrear con la madre es impensable porque devendría destrucción social, resulta menos peligroso que no tener descendencia en absoluto. Para ellos, en cambio, el ejercicio de poder sobre sus parientes representa una forma de reparación de la injusticia, un modo de no perder lo que es propio (Vidal García, 2018). Al cometer incesto, se reconocen como sujetos capaces de reestablecer la jerarquía de dominio que antes fue confusa. Esta estructura, además de lo que hasta el momento ha permeado en la diégesis, trasciende al discurso. La enunciación de ambos relatos proviene del sobrino o del hijo, lo que imposibilita obtener la mirada femenina sobre el incesto; más que una coincidencia, surge como un recurso que intensifica la alteridad de la madre y la tía. La abyección de los sujetos femeninos no termina en la remoción de las fotografías en la casa o el confinamiento al cuarto de 62 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 trebejos, sino que implica también una privación de la enunciación. De acuerdo con Julia Kristeva (2023), dicho estado abyecto podría definirse como lo “insimbolizable” (35), aquello que resulta tan ambiguo y amenazante que, al ser arrojado fuera del sistema, es incapacitado de cualquier forma de materialización que pueda perturbarlo. Aquí, las dos mujeres son representadas como contaminantes. Su silencio las mantiene inferiores, las obliga a no pertenecer, a vivir en el borde (Escamilla, 2021) y ser desarraigadas inclusive de la narración. La noción de lo fallido es determinada por sus parientes masculinos. Hijo y sobrino ejercen poder desde la mirada. El primero, particularmente, al encontrar a su madre en la cafetería, la contempla a lo lejos: Uno la ha visto colocar los platos en la mesa de junto… es la manera de recoger los platos lo que la delató… Uno se parapeta mirando la carta. Sabe que pronto escuchará su voz. Espía sus piernas y sus zapatos bajos de suela de hule. (Lavín, 2003: 10-11) Como un cazador que detecta a la presa, el hijo la observa y se prepara para su llegada. El temor que le obliga a escudarse tras la carta rápidamente se transforma en la inspección del cuerpo que después poseerá, cuerpo al cual teme precisamente porque lo desea. El relato de Fernández (2022) va más allá, pues el narrador observa y asume la subjetividad de Enedina: “Entré al cuarto… ella, acostumbrada a la oscuridad, se movía de un lado a otro. Se dio cuenta de que su agilidad huidiza fue para mí fascinante” (24, cursivas mías). Hace parecer a su tía como un ente seductor cuando, en realidad, vierte en ella su propio deseo. A pesar de su focalización limitada, emplea la narración para justificar el incesto. Ambos narradores se vuelven supervisores del sistema. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 63 �/ Pablo César Osorno Equihua (ITESM) / “Incesto y desarraigo” El lenguaje les pertenece a ellos, y a través de él, se ocultan en el anonimato y la mentira: un enmascaramiento que les permite ser cualquier hombre y ninguno: una fuerza patriarcal sin rostro. De este modo, manipulan el discurso a conveniencia, utilizan el engaño para mantener su poder. Por una parte, el sobrino jamás cumple la recurrente promesa del canario; en su lugar, se vale de ella para continuar con los tocamientos a Enedina. Por la otra, durante la conversación con Olivia, el hijo miente sobre el motivo de su estancia en Nueva York, pero crucialmente, elude la verdad sobre el parentesco entre ambos inclusive después del acto sexual: “Uno sigue allí con los párpados apretados, con el silencio de la verdad aterido en su garganta, en su sexo vencido” (Lavín, 2003: 15). El control de este conocimiento no da oportunidad a Olivia de abstenerse del incesto; su transgresión es obligada. En suma, se evidencian dos enunciantes no confiables que, además, transforman su herida social en un fundamento del abuso sexual. Los narradores se empeñan en mitigar dicho abuso a través del despliegue de eufemismos y así no reconocer su barbarie. En palabras de Leidy Vidal García (2018), “llevar a cabo cualquier tabú… se convierte en un acto criminal cuando… la acción disminuye los derechos individuales o la vida de una persona por medio de la fuerza, el fraude o la coerción” (45). El incesto basado en la aplicación de poder es socializado como inconcebible y propenso al castigo; el quebranto de lo prohibido aparece como una indisciplina ante la institución del tabú. El sobrino reitera haberle “hecho el amor” a su tía, haberle “dado caricias”, expresiones asociadas con el afecto y no con la violencia. Se trata de una estrategia discursiva para atenuar la violación y, de este modo, eludir el castigo. 64 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Aún más significativa es la composición narrativa del cuento de Lavín, donde el narrador hace uso del pronombre indeterminado “uno” como una declaración de vergüenza, la cual “involucra un intento de esconderse, un ocultamiento que requiere que el sujeto le dé la espalda al otro y se voltee hacia sí mismo” (Ahmed, 2015: 164). El narrador es consciente del acto abyecto cometido y (al igual que Edipo se enceguece y destierra al enterarse de que se ha acostado con su madre) se extirpa a sí mismo de la diégesis. Según Kristeva (2023), este recurso actúa como un “sustituto simbólico destinado a construir el muro, a reforzar el borde que aleja del oprobio” (p. 109). Dicho de otro modo, la enunciación indeterminada funge como una herramienta del hijo para evitar reconocer una doble abyección –orfandad e incesto. “Uno” libera al enunciante de la identificación: es ambigüedad; por ende, no puede materializarse ni ser sujeto a disciplina. Mónica Lavín y Adela Fernández aluden a la familia a manera de reproducción en miniatura del sistema social que percibe la endogamia como la perversión de los vínculos afectivos normativos. El desarraigo libera a los personajes de un régimen moral que prohíbe su deseo o lo acusa de impuro. A raíz del desplazamiento, la estructura de poder se presenta como poco clara, por lo que hijo y sobrino utilizan el cuerpo y la autoridad de enunciación como herramientas correctivas en contra de aquellas mujeres repudiadas, aunque, al mismo tiempo, necesarias para la conformación del núcleo familiar. La madre y la tía, al encontrarse estigmatizadas, habitan un perpetuo tránsito entre lo permitido y lo prohibido según la voluntad de sus parientes. Paradójicamente, el tabú exacerba la voracidad sexual de ellos, a quienes poco interesa un vínculo erótico y, más bien, procuran DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 65 �/ Pablo César Osorno Equihua (ITESM) / “Incesto y desarraigo” reivindicarse como sujetos valiosos mediante el sometimiento corporal. Expresan un deseo caníbal que consume lo sagrado para hacer explícita su capacidad de desobediencia al orden que antes los ha exiliado. A tal efecto, ambos cuentos ofrecen una idea del incesto como forma de resistencia a la opresión patriarcal que, sin embargo, replica los mecanismos de sometimiento para extender su dominio sobre lo privado. Mientras que en “Uno no sabe” se explora la corrupción de los afectos madre-hijo a fin de resaltar la insignificancia de la familiaridad cuando de cumplir una jerarquía sexual “natural” se trata, en “La jaula de la tía Enedina” se llevan al límite las consecuencias del desamparo, cuyo desenlace es la manifestación de la monstruosidad formulada a lo largo del texto. Ninguno de los relatos revela una postura panfletaria contra el incesto; antes bien, se emplea como un medio para pensar lo infame, la alteridad y la desolación. Si bien el tema es más que susceptible a una interpretación pedagógica de las consecuencias de la transgresión, la crítica de ambas autoras radica en el entrecruzamiento del deseo con la pena y su transformación en un justificante de la explotación de los cuerpos. Incesto y desarraigo aparecen comúnmente fusionados en la narrativa latinoamericana y, de manera no tan sorprendente, en aquella escrita por mujeres. Pero, a diferencia de otras escritoras cercanas a su generación y posteriores que utilizan el incesto como motivo literario –Inés Arredondo, Guadalupe Dueñas, María Luisa Mendoza, María Fernanda Ampuero, Mónica Ojeda, entre otras–, Adela Fernández y Mónica Lavín sobresalen por no focalizar la narración en las mujeres que lo sufren, sino en los hombres que lo ejecutan. Este otro ángulo permite desentrañar 66 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 la masculinidad coercitiva y su percepción de los cuerpos femeninos. Aun así, las obras de todas ellas, en consonancia, se preocupan por la endogamia en relación con la violencia, las sexualidades periféricas, lo sagrado, la marginación o la barbarie. En ese sentido, el cuento parece ser la plataforma de denuncia más habitual; acaso exista, en la narrativa breve, la posibilidad de que el horror no se prolongue más de lo debido. Referencias Abderrazag, S., & Kazi-Tani, L. (2019). 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La cuentística de Mónica Lavín [Tesina de pregrado, Universidad Nacional Autónoma de 68 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 México] Repositorio Institucional de la UNAM. https:// repositorio.unam.mx/contenidos/la-cuentistica-demonica-lavin-380198?c=wYN2No&d=false&q=*:*&i=1 &v=1&t=search_0&as=2 Ruffino, M. (2021). Intersecting Madness: Strategies of Fictionalization and Subversion in Contemporary Latin American Narratives [Tesis doctoral, University of California] Open Access Publications from the University of California. https:// escholarship.org/uc/item/9g99b9r2 Rich, A. (2019). Nacemos de mujer. La maternidad como experiencia e institución. Traficantes de Sueños. Vidal García, L. (2018). Vivir en crisis: el incesto y la literatura. Editorial Guantanamera. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 69 �Dosier Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 Didáctica de las humanidades digitales desde una crítica del periodismo cultural mexicano: proyecto Sábado Teaching digital humanities from a critique of Mexican cultural journalism: Project Saturday Jonathan Gutiérrez Hibler Universidad Autónoma de Nuevo León San Nicolás de los Garza, México jonathan.gutierrezhr@uanl.edu.mx Resumen. El presente artículo tiene como objetivo describir un proyecto de humanidades digitales con miras al análisis futuro de datos para publicaciones históricas en la creación del imaginario de la literatura mexicana, específicamente desde el periodismo cultural. Para tal propósito se eligió el suplemento cultural Sábado, del periódico Unomásuno, y cuyo primer número apareció en 1977. Palabras clave: Humanidades digitales, suplemento cultural, Proyecto Sábado. Abstract. This article aims to describe a digital humanities project focused on the future analysis of data from historical publications in the creation of the imaginary of Mexican literature, specifically from the perspective 70 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 of cultural journalism. For this purpose, the cultural supplement Sábado, from the newspaper Unomásuno, was chosen; its first issue appeared in 1977. Keywords: Digital humanities, cultural supplement, Sábado Project. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 71 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” Mármol Ávila y Sánchez Cabrera (2023) retoman las declaraciones de José Manuel Lucía Megías acerca de que las humanidades serán digitales o no serán nada. El escenario habla de una continuidad inevitable, pero eso no excluye la necesidad de plantear la manera de enseñarlas en diferentes contextos, pues como señala Caloca Lafont (2025) una de las retroalimentación positivas por parte de estudiantes es la enseñanza por medio de proyectos. Sin embargo, entre los retos que señala el autor de “Enseñar y aprender humanidades digitales en México” está la diferencia en la cantidad de recursos que tienen las instituciones privadas y otras centralizadas como la UNAM. En el caso de la Facultad y Filosofía y Letras de la UANL, todavía no hay una estructura formal e institucional para agrupar los diferentes proyectos de humanidades digitales. Sin embargo, no es un escenario lejano debido a los constantes retos que están representando la nueva incorporación de tecnologías, el trabajo día a día con documentos digitales y el impacto en las y los estudiantes por parte de las nuevas formas de ordenar la información. En ese sentido, como antecedente inmediato de este artículo, está la propuesta “Para una lectura distante de Sábado, suplemento cultural” (2025), trabajo que propone una aproximación desde las humanidades digitales para el estudio de periodismo cultural desde una lectura distante, en términos de Franco Moretti (2015); dicho texto fue sólo el inicio de un proyecto más amplio que a su vez dio los puntos de partida para otros proyectos de humanidades digitales dentro de la institución, por ejemplo, el estudio del suplemento cultural Aquí vamos, donde Roberto Kaput González Santos, Ivonne Acosta, Azael Contreras, Erik Daniel Antuna, entre otros nombres, están llevando a cabo en la actualidad1. 1 “Organizan café literario sobre ‘Aquí Vamos’” (12 de marzo de 2025), en 72 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Las humanidades digitales, al ser un área del conocimiento interdisciplinario, requieren partir de una consciencia de lo colectivo a manera de proyectos. La investigación tradicional, aunque lo siga pareciendo, en realidad es un trabajo de redes intelectuales en diferentes espacios de enunciación. Bien señalan Lázaro Pulido y De-Juanas Oliva (2024) que la aplicación de humanidades digitales lleva consigo ventajas pedagógicas, específicamente en lo concreto, además de lo principal en la colaboración y el diálogo de ideas. Por esta razón, es importante desarrollar proyectos a largo plazo, más allá de un ciclo escolar, esto con el fin de generar repositorios de investigación y de esta manera nunca partir de cero. En el caso del proyecto Sábado, nos encontramos en la segunda fase de aplicación y expansión del mismo. El presente artículo tiene como objetivo describir un proyecto de humanidades digitales con miras al análisis futuro de datos para publicaciones históricas en la creación del imaginario de la literatura mexicana, específicamente desde el periodismo cultural. Para lograr este fin, el primer apartado trata sobre el periodismo cultural y sus puntos principales de lectura en México; el segundo se enfoca en la relación entre humanidades digitales y didáctica, con énfasis en el periodismo cultural. Finalmente, el último apartado expone la segunda fase del proyecto donde se cambiaron varios números de la colección K a formato TXT para usar el Voyant Tools como una interfaz para ubicar posibles líneas de investigación dentro de un corpus amplio. Vida universitaria. https://vidauniversitaria.uanl.mx/cultura/organizan-cafeliterario-sobre-aqui-vamos/. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 73 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” Periodismo cultural: aproximaciones teóricas y crítica en México No es casualidad que Gabriel Zaid (2006) escriba en su texto “Periodismo cultural” la preocupación sobre el destino de éste, pues la cultura crea el periodismo y luego éste regresa a ella. Sin embargo, es importante estudiar las expresiones y proyectos que intentaron llevar a la cultura a un plano que no fuese secundario como señala el autor de Los demasiados libros: “La verdadera vida literaria sucede en los textos maravillosamente escritos. Pero dar noticia de ese acontecer requiere periodistas que lo vivan, que sepan leer y escribir en ese nivel, con esa animación” (p. 59). Con base en esta idea crítica, Zaid enumera ejemplos de artículos que considera importantes para hablar de un canon del periodismo cultural: Manuel Gutiérrez Nájera, Amado Nervo, José de la Colina, José Emilio Pacheco, Alfonso Reyes, Octavio Paz, siempre admirando la calidad de estas prosas publicadas en periódicos. Zaid se concentra en plantear qué es la buena información, incluso contando una anécdota de José Emilio Pacheco, de acuerdo con la cual le preguntaron sobre su relación con Oscar Wilde, donde ni reportero ni editor se dieron cuenta de tremenda pifia. Sin embargo, como podemos observar, las aportaciones de Zaid van en continuidad con un proyecto de Estado moderno y la construcción de una tradición literaria mexicana con base en un centralismo histórico, en sus diferentes vertientes. En el caso del periodismo cultural, es importante, aunque resulte conflictivo, preguntar qué se entiende por periodismo y cuál es la definición de cultura de la que se parte; además de tratarse de preguntas ontológicas, son preguntas éticas que permiten o censuran otros fenómenos o aproximaciones a la realidad desde estas expresiones. 74 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 De ahí lo importante de las aportaciones de Villa (2000) acerca de los suplementos culturales como una especie de campo de legitimación de los diferentes productos hechos en y desde una cultura: “Ahora bien, el suplemento cultural no tiene el mismo pluralismo y objetividad ni centra su valor en “la noticia” como hecho informativo fundamental, sino que trabaja casi siempre con patrones de selección, restricción y subjetividad”. Lo señalado por María Villa es importante porque toma una postura teórica distinta de la que plantea Gabriel Zaid. Más que hablar de la calidad de un tipo de periodismo, espacios como los suplementos culturales se entienden como espacios de construcción de subjetividades; por esta razón, la selección de reseñas, artículos, entrevistas, cuentos, novelas y otros productos culturales obedecerán a otro tipo de restricciones. Por ejemplo, una de las aportaciones importantes, con base en esta manifestación de selecciones y restricciones, está el caso de la traducción. Al contar con una restricción basada en categorías genéricas, estéticas e ideológicas, pueden llevarse a cabo estudios específicos en la creación de diferentes campos de legitimación. Tomo el ejemplo de Álvaro Ruiz Rodilla (2023) en su trabajo “Breve panorama de la traducción poética en el periodismo cultural de México (1947-1970)”, donde ofrece un análisis cuantitativo de la producción de traducciones poéticas en los años indicados en el título, pasando por diferentes espacios de enunciación como México en la cultura, La cultura en México, La Revista de la Universidad de México, La palabra y el hombre, sólo por mencionar algunos. Ruiz Rodilla analiza de manera cuantitativa la evolución en la cantidad de traducciones de poesía publicadas en diez revistas culturales. En sus conclusiones, menciona lo siguiente: “En todo caso, las revistas y suplementos de la época son núcleo y surtidor de cambios DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 75 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” mayúsculos en el imaginario geo-literario y en la conformación de discursos interculturales” (218). El trabajo de Ruiz Rodilla es importante como antecedente que explica la necesidad de realidad estudios diacrónicos y sincrónicos en la producción cultural de un medio que selecciona y restringe el tipo de publicaciones a un tipo específico, diferente al de la noticia en los grandes tirajes diarios. El imaginario geo-literario va de la mano de un campo de legitimación, a manera de diálogo y polémicas interculturales, a manera de herencia de la Ilustración y el debate por medio de la Razón. Debido a lo anterior, es necesario tomar en cuenta los suplementos y el periodismo culturales como un correlato en la construcción de la literatura mexicana. María Andrea Giovine Yáñez y Álvaro Ruiz Rodilla (2025), en su “Nota introductoria. La otra historia de nuestras literaturas”, parten de cómo las revistas y los periódicos han desarrollado diferentes capítulos en la vida intelectual y literaria del país. Es decir, no puede tomarse a la ligera la contribución de estos espacios de enunciación, pues también han sido parte de la escritura, como fuentes y enlaces, de la historia de la literatura mexicana. “Las publicaciones periódicas se construyen a partir de la polifonía, desde el concierto de voces y miradas” (17). Sin embargo, cabe añadir que cada publicación periódica tiene un trabajo editorial y esto es muy interesante para estudios futuros en el análisis cuantitativo y temático, y así dar pie al cualitativo, en torno a las publicaciones periódicas que han tenido un largo trayecto y cambios en su dirección; el caso de Sábado, suplemento cultural, con diferentes épocas, como las de Fernando Benítez y Huberto Batis, es un ejemplo de esto, además de los cambios en la economía y sociedad mexicanas de finales de los setenta a principios de los noventa. La polifonía no resulta entonces nada más del conjunto de 76 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 las diferentes voces en las publicaciones, sino en el dialogismo entre una dirección y otra o en el cruce de publicaciones críticas o incluso antagónicas de un periódico a otro. En el caso del estudio de Sábado, un punto de partida importante es la tesis de Adriana Noemí Reyes Llamas (2004), por su enfoque cultural desde la teoría de la comunicación. En ella se muestra el contexto cultural de los años de producción analizados en el suplemento, además de describir cómo había una apuesta, desde los suplementos culturales, para que la cultura estuviera al alcance de todos. De igual manera, a los nombres ya citados de publicaciones, se agregan en el panorama El sol de México en la cultura, La cultura popular en México, El semanario cultural, entre otros. Lo interesante es la percepción desde figuras importantes de la literatura mexicana la impresión acerca del proyecto editorial de este suplemento: En general la tendencia del suplemento es más abierta en relación con otros, ya que dentro de él se permiten muchas libertades a los escritores y colaboradores, por ejemplo mencionaba Gustavo Sainz en una entrevista hecha para este suplemento, que en su generación no se atreverían a escribir en el mismo tono que lo hacía Sábado. Además aquí nunca se respetó ningún reglamento contra la Obscenidad, al contrario fue el suplemento que ilustró a los dibujantes y pintores que presentaban más desnudos como Toledo, Arnaldo Coen, y José Luis Cuevas, dedicó números a mostrar fotografías de desnudos para mostrar la historia del desnudo fotográfico en México. (39) En el caso de este tipo de suplemento, representa un reto importante en el análisis de datos con el fin de llevar a cabo un estudio diacrónico a lo largo de su época. Un primer reto, para el estudio de los suplementos culturales, consiste en la definición de DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 77 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” texto. Esto es muy importante porque, además de lo escrito, es posible encontrar representaciones de otras artes, como el caso de la pintura o el dibujo. La caricatura es otra dimensión del texto artístico si se le aborda desde la semiótica de la cultura. En este caso observamos que la literatura se escribe a la par de las otras artes y coexisten, dependiendo el número, con otras artes. La fotografía, por supuesto, será otro elemento importante en este tipo de publicaciones. Sábado, por lo tanto, representa un espacio rico en diferentes géneros literarios, pero también en cuestión de tipos de textos artísticos. Sin embargo, el que no haya restricciones, no significa que exista un lector implícito en la dinámica editorial donde se destaquen ciertos temas sobre otros y con coincidencias ideológicas. Al retomar lo dicho por Villa, aunque no haya un reglamento (Reyes Llamas, 2004) contra la obscenidad, sí existe un campo de legitimación de nuevas poéticas y estéticas en diálogo2. Didáctica de las humanidades digitales: la importancia de los proyectos Desde la didáctica siempre ha existido una preocupación por los diferentes cruces o diálogos interdisciplinarios con el paso de la historia. Recientemente, las inquietudes en un mundo donde es imposible hacer a un lado la tecnología, especialmente en espacios en el que la dinámica socioeconómica expande su dominio, se han ido enfocando en diferentes maneras para abordar los retos en la manera de enseñar las humanidades digitales. Sara González2 También es necesario tomar el enfoque cultural de Aleida Alexandra Argueta Castañeda (2021) en el que parte de diferentes conceptos de naciones intelectuales y autonomía relativa. 78 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Gutiérrez y Javier Merchán-Sánchez-Jara (2022), por ejemplo, coinciden en señalar la existencia de una mimesis de un movimiento colonizador a través de la tecnología. Por esta razón, aunque es importante implementar las herramientas tecnológicas en el estudio de diferentes objetos, como los de la literatura, también es necesario realizar estudios de caso previos para el diseño de proyectos por etapas, de acuerdo con las condiciones del ecosistema educativo en el que desean iniciarse tales trabajos. Por lo tanto, al ser parte de un hábitat pedagógico, no debe desvincularse de la crítica a pesar de las exigencias hechas mediante indicadores y metas que se desvinculan de la realidad de cada contexto educativo: “En virtud de estas cuestiones podemos afirmar que las nuevas pedagogías digitales no pueden ser únicamente concebidas como movimientos acríticos, impulsados por las sinergias que propicia la digitalización de la sociedad…” (4). No se trata, entonces, de proveer solamente medios y herramientas para cada ecosistema de este tipo. Debe ir de la mano con el compromiso de quienes integran una instituciones o grupos humanísticas para criticar la epistemología digital. Los entornos en espacios urbanos, sin duda, son cada día más electrónicos a un punto donde es difícil permanecer desconectado de sus diferentes redes neuronales, transformando la cognición de quienes integran en el presente, sin mencionar el futuro, cada ecosistema educativo. Uno de los elementos importantes en la implementación de las tecnologías de información y comunicación, así como las herramientas digitales, requiere la valorización de las competencias digitales en diferentes niveles: estudiante, docente e institución. En trabajos como los de Pérez Aguirre y Gutiérrez Hibler (2024) medir la competencia digital es importante como un paso previo en la aplicación de estrategias o herramientas enfocadas en la DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 79 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” tecnología, dentro de carreras de humanidades, concretamente en una licenciatura como la de letras hispánicas. Las habilidades y destrezas, como parte de esta competencia, tendrán un indicador importante: la resolución de problemas. Sin embargo, toda competencia digital deberá incluir también en su diagnóstico la inteligencia social para realizar trabajos en equipo, así como la solución de escenarios no contemplados por la comunidad universitaria. En un ecosistema educativo es importante, incluso con las complicaciones de los calendarios, realizar estudios en torno al manejo de información, la alfabetización digital, políticas de comunicación, creación de contenidos digitales, los riesgos de seguridad tanto en proyectos como fuera de ellos y la resolución de problemas. Se trata de involucrar a una comunidad en diferentes niveles y por distintos grados. Para ello, es necesaria siempre una valorización, la cual puede ser de diagnóstico, evaluativa y de ajuste, tomando en cuenta los pasos de la administración: planeación, organización, coordinación y evaluación. Sin embargo, el trabajo anterior solamente evalúa el caso estudiantil. Por ello, Rebeca Lázaro Niso (2024) indica una de las necesidades para la adaptación de un programa o espacio educativo en la era de la información: la formación del docente. Sobre esto, la autora afirma lo siguiente: Dado que el ritmo de crecimiento en este entorno multimodal es vertiginoso, resulta más útil, tanto para el docente como para el discente, ser autónomo a la hora de descubrir y seleccionar las herramientas digitales que adquirir gran cantidad de nociones teóricas destinadas a quedar obsoletas en un pequeño margen de tiempo. (77) 80 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 De esta manera, de acuerdo con Lázaro Niso, todo aprendizaje lleva consigo la importancia de atender otras necesidades, sobre todo las visuales, las de tipo lector, así como aquellas que integran y analizan datos en el mundo digital. Un paso importante en el análisis de datos, previo a la aplicación de herramientas de este tipo, radica en la conceptualización de los mismos. El diseño de categorías y unidades de análisis no está exento de teoría en torno al objeto de estudio. A partir de la inclusión de nuevas competencias, el proceso de enseñanza y aprendizaje tendrá otras dinámicas, y por ello la autora de este capítulo resalta la relación entre el docente y el discente. Por esta razón, el conocimiento significativo es vital a partir del entorno de la figura del discente. No obstante, así como se debe llevar una valorización de este aspecto en el proceso de enseñanza-aprendizaje, es necesario valorizar las competencias de sus docentes, sin olvidar, por supuesto, es de las instituciones donde se crea el ecosistema educativo. Esto repercute también en las diferentes metodologías de investigación. Mendoza Gamiño (2016) apunta cómo son muchas las áreas de oportunidad para la transformación de las áreas de conocimiento, sobre todo en cuáles podría aplicarse nuevas tecnologías. En contraste con el momento de su publicación, todavía hay espacios donde la aplicación de la tecnología sigue vigente y no parece efímera o una moda insostenible. Por ejemplo, la necesidad de crear, preservar y regular repositorios digitales sigue siendo una de las inquietudes y bases para la investigación actual. Otra área importante se encuentra en la codificación de textos, como puede atestiguarse en Calvo Tello (2023) y Rodríguez Hernández (2024), para el caso del marcado TEI. Áreas como las señaladas por Mendoza Gamiño (2016) siguen vigentes: colecciones de tipo DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 81 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” digital, codificación de texto, análisis de textos electrónicos (y su lectura), mapas geoespaciales, Big Data, visualización, entre otros. Aquí es donde me parece importante retomar el trabajo de Ricard Huerta y Cristóbal Suárez Guerrero (2020) debido al ejercicio monográfico que llevaron a cabo para enumerar diferentes maneras de revisar las intersecciones entre las humanidades digitales y la labor de enseñanza. En él se describen 1) la crítica a la tecnología aplicada a estas áreas del conocimiento humano, 2) mediación de la memoria, 3) la tecnología como un híbrido de la realidad y la ficción, 4) los videojuegos como recurso de aprendizaje, 5) la necesidad de la alfabetización transmedia y 6) la construcción de la identidad de estudiantes por medio de video ensayo. Al final apuntan: “El verdadero encuentro con la realidad digital supone asumir que los cambios son estructurales, pero también significa aceptar que muchas realidades hibridarán y lo harán desde sus estructuras más profundas” (p. 6). Es por esta razón que resaltan algo importante: la intersección entre lo digital y lo humanístico, es decir, que no se trata de un cruce simple, sino que obedece a las realidades de diferentes sistemas complejos. La complejidad debe resolverse con complejidad, aunque para un sistema parezca algo sencillo y cotidiano, pues al pasarse a otro ecosistema educativo esto puede traer consecuencias dentro de las estructuras profundas, las cuales subrayan Huerta y Suárez Guerrero en su trabajo. Al plantear un ejercicio monográfico, es decir, de diferentes trabajos, ayuda a conocer otros proyectos y entender cuáles fueron sus retos. Por lo tanto, esto se relaciona con una de las unidades de análisis de las competencias digitales: la resolución de problemas. Cada situación traerá consigo la tensión de un contexto en sus diferentes elementos que lo conforman en la triada estudiante-docente-institución. La 82 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 descripción de un proyecto de humanidades digitales, con ayuda de diferentes herramientas pedagógicas, como el diario de observación, pueden aportar escenarios que den un sentido a su aplicación o no en otros entornos, incluso a la innovación sin tener que partir completamente de cero. En el caso específico de la literatura, las humanidades digitales tienen ya una serie de aplicaciones señaladas arriba. No obstante, las observaciones de Carmen Pérez García (2021) en “Humanidades digitales y educación literaria: oportunidades y retos” requiere especial atención debido a que parten de un horizonte donde ocurren mutaciones dentro del proceso enseñanza-aprendizaje en un mundo hiperconectado. Además de retomar la discusión en torno a una definición de humanidades digitales o a la adaptación inevitable en este mundo capitalista neoliberal, la información es un punto de partida en las discusiones de esta década y posiblemente las próximas: La cantidad de información que recibimos a diario es sorprendente, pero, más que la cantidad, debemos ser conscientes de que el tipo de información es cualitativamente distinto. Esta nueva información no solo puede ser leída y criticada, sino que también puede crearse, modificarse o presentarse en otros formatos más allá del texto escrito. Además, esta revolución ha favorecido la aparición de nuevas relaciones, nuevos discursos, nuevos tipos de grupos y nuevas formas de colaboración. (9) Carmen Pérez García toma como punto de partida un fenómeno informativo y después se dirige a las consecuencias sociales y culturales del mismo. Sin embargo, esto no es gratuito. El gran reto de este nuevo cuarto de siglo es la herencia de la cantidad de información, pues anteriormente la solución radicaba en la creación de interfaces como una manera de ordenar visualmente DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 83 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” todo aquello que no podríamos leer en una vida acelerada como la nuestra. La creación de nuevos formatos o la adaptación de estos en otros entornos será vital para conformar un ambiente educativo crítico, pues incluso en la informática existen debates sobre cuál es el mejor lenguaje de programación, según el hábitat donde se produce el conocimiento. Los espacios de afinidad serán importantes para la creación de proyectos y, en consecuencia, para la enseñanza de las humanidades digitales, por ejemplo, en literatura. En este contexto de retos, aprendizaje, evaluaciones y cercos socioeconómicos es donde aparece el interés de la carrera de Licenciado en Letras Hispánicas de la UANL para la incorporación transversal de las humanidades digitales en su plan de estudio, más allá de una figura aislada, sino como una propuesta rumbo al futuro de las humanidades en el país. El siguiente apartado consiste en una relatoría que toma en cuenta los dos presentes (periodismo cultural y didáctica de las humanidades digitales) en torno a la fase 2 de una proyecto iniciado hace dos años en una clase optativa titulada “Proyectos de investigación en entornos digitales”, la cual en su primera fase dio como resultado la digitalización de una colección de Sábado, con fines exclusivamente de investigación para una propuesta futura de análisis de datos, creación de repositorios universitarios como materia de laboratorio humanístico e implementación de interfaces para la conformación de grupos de investigación. De la digitalización a la creación de nuevos objetos digitales para investigación En el año 2023 se dio inicio a un proyecto transversal a largo plazo en la carrera de Licenciado en Letras Hispánicas de la Facultad de 84 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Filosofía y Letras de la UANL. Dentro del plan de estudio 420, existe una materia optativa llamada “Proyectos de investigación en entornos digitales”. La generación que participó en esta materia tuvo como objetivo la digitalización de una colección privada de un docente de la Facultad, la cual fue denominada “Colección K”. En el curso, el grupo contó con un panel experto mediante un ciclo de conferencias dedicado a las humanidades digitales donde participaron profesionistas del área como Ana Guerrero Galván, Agustín Rodríguez Hernández, Miguel Muñiz Apresa y Eloy Caloca Lafont. La importancia de este ciclo radicó en mostrar sus trabajos de investigación e inquietudes docentes en sus diferentes instituciones (Tecnológico de Monterrey, Universidad Autónoma Metropolitana-Unidad Iztapalapa y Universidad Nacional Autónoma de México). Esto sirvió como diferentes puentes, no sólo en materia de redes de investigación, sino como apertura para capacitaciones que sirvieran de cauce para compartirlo más adelante dentro de la facultad. Por ejemplo, la institución tuvo una invitación, en el primer semestre de 2024, por parte de la Dra. Paloma Vargas Montes para participar en “DH Essentials Workshops”, talleres facilitados por US Latino Digital Humanities Center at Houston University, con la dirección de Brian Rosenblum, Co-director del Institute for Digital Research in the Humanities at University of Kansas. Esto no fue sólo hacia afuera, pues es importante contextualizar los acercamientos y aprendizajes en el ecosistema educativo de la FFYL de la UANL, donde la Dra. María Eugenia Flores Treviño realizó la invitación para participar en un proyecto de otros colegios de la Facultad en materia de digitalización y aprendizaje de la lengua materna. Una de las bases, para los retos de las humanidades digitales entre DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 85 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” generaciones e instituciones, es la implementación de la cultura de la paz. Las mesas de diálogo, conferencias, proyectos en paralelo y publicaciones son medios necesarios para entender las intersecciones de diferentes ecosistemas educativos. Los proyectos sin diálogo, en un ecosistema complejo, no perduran con el tiempo. En ese panorama, dimos inicio un año más tarde, con la segunda generación de la materia “Proyecto de investigación en entornos digitales”, a la fase dos de este proyecto. El grupo llevó una capacitación similar a la de la generación anterior, pero en esta ocasión aprendió la diferencia entre un objeto material y uno digital, y cómo, aunque podían coincidir en el mismo referente, no eran los mismo objetos. Por ejemplo, partieron de la colección K que fue digitalizada. En un primer acercamiento, la representación visual sería así: Imagen 1. Representación visual del paso material al digital. Elaboración propia. En la parte izquierda de la imagen puede observarse una representación visual de la colección física en ocho tomos. Del lado derecho está una captura del canal de Microsoft Teams que se usó como repositorio del proyecto con fines de investigación. A simple 86 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 vista no parece nada del otro mundo para la segunda generación, sin embargo, la primera pudo asimilar esto, pues cargó los documentos en físico y comprendió las ventajas de un objeto digital con OCR para cuestiones prácticas en el manejo de una interfaz. Por esta razón, se llevó a cabo un paso más en la creación de nuevo objetos digitales con base en la primera versión en PDF con OCR: crear objetos en formato txt con el objetivo de llevar a cabo minería de textos. Imagen 2. Dos tipos de objetos digitales. Captura canales de Microsoft Teams Como puede observarse, la segunda generación del proyecto Sábado llevó a cabo la tarea de crear nuevos objetos digitales, es decir, del formato de archivo documento portátil (pdf) se pasó a archivo de texto sin formato (txt). La razón por la cual en la imagen puede observarse que no hay coincidencia exacta en los nombres de los archivos de diferente formato se debe a una cuestión práctica de cambio y limpieza de los archivos. Uno de los retos principales del proyecto fue conservar sin dañar la DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 87 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” versión material de la colección K. Por esta razón, debido a que se trataban de volúmenes encuadernados, el riesgo de hacer daño al material era alto y se optó por digitalizar para el ojo humano y no para los diferentes recursos abiertos de reconocimiento óptico de caracteres (OCR). De esta manera, el proceso de paso de un formato a otro fue realizado de manera semi manual. Para esto se utilizó uno de los mejores programas para OCR de acceso abierto: la herramienta Google Keep. Ésta tiene la facultad de tomar una captura de pantalla, opción ágil por el acomodo y el diseño gráfico de los periódicos (sobre todo el cambio que ocurre en Sábado a mediados de los ochenta), con el fin de guardar el texto de la imagen. Este proceso permitió a la segunda generación realizar una limpieza para la creación de los nuevos objetos digitales. La razón por la cual los archivos txt fueron nombrados con una letra y número radica en ventajas de visualización, pues el Voyant Tools presenta ciertas limitantes al momento de observar las tendencias en pantalla. El curso se planteó con base en un cronograma para las cuestiones teóricas, la planeación de las diferentes actividades, que incluyeron el aprendizaje de marcado TEI, procesos de digitalización para ampliar la edición digital de Sábado, captura y limpieza de caracteres, entre otras actividades. Semanas previas a la entrega del proyecto integrador de aprendizaje (trabajo final de la materia) se dio inicio al entrenamiento para conocer y practicar con Voyant Tools. En total, la generación (por parejas) pudo crear sesenta y seis objetos digitales nuevos en formato txt. Esto permitió que de manera separada pudieran aprovechar el trabajo en equipo para la creación de un repositorio que les permitiera explorar un corpus grande desde herramientas tecnológicas. Los resultados 88 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 preliminares, para la creación de un mapa de todo el suplemento cultural, son los siguientes: Imagen 3. Cirrus (burbuja de términos frecuentes) de los 66 números transformados a formato txt Imagen 4. Tendencias de los términos más frecuentes en los 66 números en formato txt DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 89 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” Imagen 5. Mandala de los 66 números y su proximidad a los términos más frecuentes La aplicación de Voyant Tools en este proyecto no tuvo una intención cuantitativa, sino que se tomó la decisión de convertir este programa digital en una herramienta de interfaces para la minería de textos (datos). En la imagen 3 puede observarse el Cirrus, también conocido como una manera de visualizar mediante una burbuja de palabras los términos más frecuentes del corpus con el que se alimenta al programa. Para efectos didácticos en el estudio del periodismo cultural, la materia “Proyectos de investigación en entornos digitales” (noveno semestre) realizó cruces con una materia llamada “Hermenéutica” (séptimo semestre). En la enseñanza de las 90 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 humanidades digitales, los proyectos contienen metas y permiten la flexibilidad para que las y los estudiantes puedan vincular los conocimientos previos de otras materias e incluso incluir algunos de ofertas externas, según sea el caso. En esta parte del proyecto, fue importante plantear un círculo hermenéutico con base en las enseñanzas de la otra materia y las lecturas de este curso, entre ellas la de Lectura distante, de Franco Moretti. Con base en esto, el grupo planteó lo siguiente como dinámica de trabajo e interpretación: Imagen 6. Círculo hermenéutico para el proceso de investigación en Humanidades digitales La lectura distante estaría en la visualización de los datos y en su valoración con base en las diferentes herramientas del corpus. En un punto intermedio, entre lo distante y lo cercano, el grupo de estudiantes usa las herramientas para encontrar los contextos de dichas frecuencias, con el fin de recolectar un corpus focalizado, por ejemplo, toman un término como vector a lo largo DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 91 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” de los sesenta y seis números y enfocan la construcción de un corpus con base en los diferentes contextos y textos específicos donde aparecen de manera concreta. Una vez conformado el corpus focalizado se decide desde qué teoría y los métodos tradicionales que se usarán para el análisis, sin perder de vista el objeto de estudio en cuanto a su lugar de enunciación, en este caso, el periodismo cultural. Una vez realizada la lectura cercana es importante volver a la lectura distante para fundamentar o replantear cuantitativamente lo que se observa en las diferentes visualizaciones. Por ejemplo, la utilidad del Voyant Tools puede observarse en la imagen 4 (tendencias) con el fin de evaluar si la frecuencia relativa en cada contexto de los números en pantalla permite un análisis diacrónico de un lector implícito desde lo editorial. Tómese el caso del término México: pueden tomarse los textos, dependiendo la conceptualización de datos desde la teoría, más ricos en su frecuencia absoluta o realizar un comparativo entre los textos que más mencionan el término México y lo que menos. De manera similar, si la frecuencia absoluta es alta entre un grupo de números y otro, también pueden focalizarse los esfuerzos para organizar más de un equipo y analizar el tratamiento de México como país desde las ópticas de los años analizados. Sin embargo, algo que se explicó en el curso es que el programa Voyant Tools no sirve solamente para analizar los términos de mayor frecuencia, sino que es posible localizar otros con una riqueza importante aunque no monopolicen la tendencia. Es ahí que, desde una lectura cercana previa, las y los estudiantes se preguntaron qué tanto aparecían algunas traductoras o entrevistadoras dentro de los archivos creados con base en la colección del suplemento. Esto puede observarse en las siguientes imágenes: 92 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Imagen 6. Frecuencia relativa y apariciones de Mercedes Benet en diferentes números de Sábado Imagen 7. Tendencias en la aparición de Margarita Pinto en sus diferentes participaciones Por supuesto, una representación visual de este tipo solamente cuantifica las participaciones de una traductora, entrevistadora o escritora en Sábado. Sin embargo, en una lectura cercana es posible DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 93 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” mediante el programa ir a los contextos específicos de cada pico de la tendencia con el fin de localizar dicho término y de esta manera iniciar la conformación de un corpus focalizado. En ese sentido, las y los estudiantes de la segunda generación de este proyecto pudieron plantear trabajos finales de investigación como 1) las ideologías y su relación con las revoluciones latinoamericanas (caso México, Nicaragua y Cuba), 2) la entrevista cultural desde las aportaciones de Margarita Pinto, 3) la relación entre la muerte y el amor en el arte mexicano vista desde el periodismo cultural, 4) la crítica mexicana del cine como relato cultural y político, y 5) la traducción periodística para el caso de al divulgación científica (Mercedes Benet). El uso de herramientas digitales, a través de un proyecto semestral con metas específicas, permitió a estudiantes de la licenciatura de letras hispánicas de la Facultad y Filosofía de la UANL relacionar aspectos del periodismo cultural con lo aprendido en otros cursos de su carrera, por ejemplo, la materia “análisis del discurso”. Como bien señalan María Andrea Giovine Yáñez y Álvaro Ruiz Rodilla (2025), en la fuente citada arriba, Sábado fue un espacio de polifonía, pero esto no descarta que su línea editorial no tuviese diferentes tendencias, abriendo de esta manera la posibilidad de cruces con el estudio de otros suplementos para su mapeo visual y contraste editorial. Las herramientas digitales pueden sustentar lo dicho por Villa (2000) acerca de los patrones de selección o restricción dependiendo el contexto del país o de quien está a cargo del suplemento. No obstante, en la enseñanza de las humanidades digitales por medio de proyectos, fue necesario retomar lo planteado por Carmen Pérez García (2021) en torno a los diferentes formatos que existen en la actualidad y que parten de diferentes textos. Para el caso de este proyecto, la generación que trabajó con Voyant Tools comprendió esto, pero al mismo tiempo, 94 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 en su lectura cercana, fueron conscientes de que las lectoras y lectores de Sábado no contaban con los mismos formatos de su investigación, por lo cual debían consultar otras obras en torno a la producción cultural de los años ochenta en México. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 95 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” Imagen 8. Cirrus de los números 135, 157 y 208 Las representaciones visuales también servían como una manera de crear curiosidad en los números convertidos en nuevos objetos digitales. Por ejemplo, en la imagen 8 pueden observarse los términos más frecuentes en cada número en formato txt. Esto no totaliza la realidad de cada uno. Sin embargo, sí permite ver qué tipo de textos contaban con más espacio, dependiendo de un aniversario, coyuntura u oportunidad editorial en fenómenos que actualmente pueden ser difíciles de comprender, como el caso del número 135, donde sale publicado por primera vez Las batallas en el desierto, de José Emilio Pacheco. Conclusiones El estudio del periodismo cultural representa todavía un reto. El principal radica en la cantidad de información que actualmente existe en Internet o en repositorios todavía sin posibilidades de apertura para una investigación a gran escala. Por un lado, en el primer caso, las herramientas digitales permiten ordenar una cantidad enorme 96 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 de datos para darles un seguimiento específico desde el ojo de quien investigue; no obstante, los problemas que presentan a futuro radican en quién decide lo que es memoria y cómo debe ser leída. Esto sucederá, por ejemplo, con el caso de los servicios de streaming, donde la posibilidad de una biblioteca personal desaparece con el paso del tiempo debido a la modernidad líquida en este fenómeno. Para el caso del periodismo cultural su materialidad es complicada, pues se trata en la mayoría de los casos, sobre todo el practicado como suplemento, de un papel sumamente delicado que puede desaparecer sin las condiciones óptimas de preservación. Por el otro lado, con respecto al segundo punto, todos los proyectos interesados en digitalización de la memoria requieren recursos, y sin el apoyo institucional formalizado a través de firma de convenios es imposible mantenerlos a flote. Por esta razón, la didáctica de las humanidades digitales no debe limitarse solamente a la enseñanza de contenidos o a una dinámica de incubadora de proyectos sin las bases institucionales para su fortalecimiento. Además, para el caso del estudio del periodismo cultural, el diagnóstico de los conocimientos del grupo debe llevarse a cabo siempre, no sólo en la cuestión de la tecnología, sino en el objeto de estudio: lo didáctico no debe olvidar nunca que nos enfrentamos a sistemas complejos y se requiere de la complejidad para poder solucionar los escenarios pasados, presentes y futuros. En ese sentido, los proyectos de humanidades digitales, como una apuesta en la didáctica de la literatura, deben plantearse a mediano o largo plazo, de manera interdisciplinaria y con delegación de responsabilidades, pues el trabajo en solitario para este tipo de conocimiento es inviable en todos los sentidos; incluso lo que parece hacerse en solitario en realidad obedece a las bases DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 97 �Jonathan Gutiérrez Hibler / “Didáctica de las humanidades digitales” institucionales o sociales del ecosistema educativo. Por supuesto, todo proyecto de este tipo debe plantearse como algo abierto y sujeto a evaluaciones, correcciones o nuevas exploraciones que revisen los logros con el fin de encontrar áreas de mejora en la comprensión de los diferentes fenómenos humanos llenos de saberes. Referencias bibliográficas Argueta Castañeda, A. A. (2021). 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Constancia de la fugacidad Contribuciones a la historia del periodismo cultural en México, siglo XX. Universidad Nacional Autónoma de México. González-Gutiérrez, S., & Merchán-Sánchez-Jara, J. (2022). Humanidades digitales y ecosistema educativo: hacia una 98 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-134 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 nueva estructura epistémica desde las didácticas digitales. Anuario ThinkEPI, 16. Gutiérrez Hibler, J. (2025). Para una lectura distante de Sábado, suplemento cultural. Humanitas. Revista De Teoría, Crítica Y Estudios Literarios, 4(8), 90–125. https://doi.org/10.29105/ revistahumanitas4.8-117. Huerta, R., & Suárez-Guerrero, C. (2020). Maneres d’entendre el digital des de la mirada creuada entre humanitats digitals i pedagogies culturals. REIRE Revista d’Innovació I Recerca En Educació, 13(1), 1–7. https://doi.org/10.1344/ reire2020.13.129270. Lázaro Pulido, M., & De-Juanas Oliva, Ángel. (2024). 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La selección del corpus se llevó a cabo mediante la herramienta Voyant Tools para identificar las participaciones de Mercedes Benet, dentro de la colección K, desarrollada por un equipo de investigación liderado por Jonathan Gutiérrez Hibler (2025). El presente texto tiene como objetivo analizar los recursos de traducción y distinguir lo literal de lo analógico. Palabras clave: Humanidades digitales, traducción, Proyecto Sábado, Mercedes Benet. Abstract. This article analyzes the articles translated by Mercedes Benet for the cultural supplement Sábado; specifically, it examines the themes addressed in them and her journalistic translation methodology. The corpus was selected using Voyant Tools to identify Mercedes Benet’s contributions within the K collection, developed by a research team led by 101 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” Jonathan Gutiérrez Hibler (2025). This text aims to analyze the translation resources and distinguish between literal and analogical representation. Keywords: Digital Humanities, translation, Sábado Project, Mercedes Benet. 102 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Sábado fue un suplemento cultural que surgió en 1977, cuyo contenido se centraba en temas culturales, literarios y artísticos con el fin de promover la difusión de la cultura en México. Los artículos publicados incluían entrevistas, cuentos, extractos de novelas, artículos de divulgación científica, ensayos literarios y ensayos sobre asuntos sociales y políticos, entre otros géneros literarios y periodísticos culturales. Dentro de la diversidad de artículos del suplemento cultural Sábado, se encuentran traducciones del inglés, polaco, francés, ruso, entre otras. Parte de estos artículos fueron traducidos por Mercedes Benet, los cuales abarcan temas de ciencia, medicina y tecnología, dejando un trabajo importante a lo largo de sus años de colaboración. En ese sentido, traducir es un proceso complejo; requiere, en primer lugar, de un alto conocimiento en ambas lenguas; por otra parte, el texto traducido debe apegarse al estilo del periódico o suplemento cultural donde será publicado, y esto presenta un problema de aproximación y adaptación del hipotexto. En el caso del presente trabajo, los artículos traducidos por Mercedes Benet reflejan un vasto conocimiento de una segunda lengua, especialmente al considerar que, durante la época en la cual Sábado estuvo en circulación (19772002), los traductores no contaban con las herramientas tecnológicas actuales que hoy facilitan este trabajo. Antecedentes Como se mencionó anteriormente, Sábado abarcaba una gran variedad de artículos, los cuales pasaban por distintos filtros para autorizar su publicación. Gasaca (2001) expone el proceso de la siguiente manera: DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 103 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” • • • • • • Los textos recibidos se les denominaba como textos originales. En el siguiente momento de la edición, eran evaluados por el director, Fernando Benítez (1977-1986), posteriormente Huberto Batis (1986-2002), quiénes los clasificaban y organizaban de acuerdo con el número o las secciones recurrentes del suplemento. El secretario de redacción preparaba un bosquejo (a manera de retícula) para simular las páginas del suplemento. Por último, sobre este bosquejo, el director anotaba las páginas, títulos y secciones para el nuevo número de Sábado, basándose en la extensión, importancia y vigencia del texto con lo que estaba aconteciendo en el mundo de la cultura nacional o mundial. A veces la recepción de un autor o autora repercutía en esto, como en el caso del número 135. El siguiente paso consistía en la redacción de estilo y la autorización del autor para la publicación de su texto una vez corregido. Impresión y difusión del número en turno. La edición de Sábado constó de un minucioso procedimiento para mantener su estilo a lo largo de varios números. Los colaboradores del suplemento cultural enfrentaban desafíos propios de la época. Algunos ejemplos mencionados por Miranda (2001) son los siguientes: 1) una mala impresión al ser enviados por fax, 2) falta de claridad en los textos, 3) correcciones no legibles, 4) tamaño de fuente muy pequeña, 5) mala redacción, entre otros. Si esto pasaba con los originales, el procedimiento de selección y clasificación de los artículos traducidos debía de ser aún más meticuloso debido a las cosmovisiones en juego. 104 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 La traducción en el periodismo involucra un conocimiento y competencia amplios de la primera y segunda lengua, así como del uso del lenguaje en los distintos géneros periodísticos. Ghignoli y Montabes Ortiz (2014) enumeran los siguientes géneros: • • • • Géneros informativos: su función básica consiste en el relato de los hechos, incluyen, por ejemplo, la noticia, entrevista, reportaje. Géneros opinativos: dan a conocer ideas y opiniones de un autor o autora sobre un tema en particular, sobre todo de coyuntura. Géneros interpretativos: presenta opiniones y visiones específicas de los temas. Géneros de entretenimiento: buscan entretener, divertir, difundir y distraer. El lenguaje implementado en cada uno de estos géneros varía en grado de formalidad, así como de una lengua a otra. Lo ideal, por lo tanto, es que este trabajo se lleve a cabo por un traductor y no por un periodista sin la formación de éste; la razón principal radica en que en una noticia es importante modificar lo menos posible el contenido original. “En la mayoría de las traducciones de noticias encontramos fragmentos añadidos o eliminados con respecto al texto original, adaptando a éste a un nuevo público y por tanto a una realidad distinta” (Ghignoli y Montabes Ortiz, 2014, p.391). Sábado mantenía un estilo que lo caracterizaba como tal, pues la traducción de sus artículos debía cuidar tanto el contenido original como una adaptación adecuada para su público, a la par de la armonía con los textos alrededor suyo, según el diseño del número. Sin embargo, Gasaca (2001) menciona que el estilo editorial del suplemento Sábado fue establecido por Huberto Batis, pero no existía una norma general o un documento escrito que orientara a los correctores y DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 105 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” colaboradores; más bien estas normas se transmitían de boca en boca, por lo que podía resultar una tarea más compleja para el traductor. Hernández Guerrero (2012) explica que la traducción periodística puede resultar en textos muy alejados de los originales; además, también debe estar al servicio de los objetivos de la organización. La traducción periodística constituye un ámbito profesional de la traducción que se caracteriza por la confluencia de dos factores: unas prácticas profesionales concretas, las mismas que rigen el periodismo, y un tipo de discurso específico -el periodístico-, que determinan la labor de traducción. (Hernández Guerrero, 2012, p.70) En este sentido, el traductor está condicionado por el periódico para el que trabaja, así como por su metodología de traducción. Dicho espacio debe mantener cierto toque que lo caracterice de los demás, y en este caso el lenguaje escrito sostiene una relación con todos los artículos, incluyendo los traducidos. Hernández Guerrero (2012) asimismo exhibe el proceso de transedición de los textos periodísticos, el cual involucra la edición del sentido y corrección del texto. El traductor debe ocuparse de qué modificar, añadir, organizar, quitar, hacer coincidir la información con las convenciones textuales del periódico. Este proceso no afecta por igual a todos los géneros periodísticos. Con relación a la traducción de artículos médicos y científicos, es importante considerar que la mayoría de estos textos se publican en lengua extranjera, generando así una gran responsabilidad para el traductor, que debe ser cuidadoso con el contenido para evitar una percepción errónea de la información. 106 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Se deduce la gran responsabilidad que concierne al profesional que ejerce su función llevando de un idioma a otro los textos de documentos, cuyo contenido puede significar la promoción, conservación y desarrollo de la salud y, en muchos casos, la salvación, recuperación y prolongación de una vida. (López Espinosa, 1995) La fidelidad del contenido está relacionada con la metodología del traductor y su conocimiento de la lengua. Sin embargo, si el texto científico se traduce a un periódico es poco probable que se mantenga un contenido exacto al original debido a que, como se mencionó anteriormente, el traductor está condicionado al estilo establecido por el periódico y, además, tiene que hacer el texto comprensible para el público que adquiere dicho periódico. La divulgación de la ciencia es un recurso para enriquecer el conocimiento acerca de lo que pasa alrededor del mundo. Al ser Sábado un suplemento cultural, contaba también con la tarea de divulgar la ciencia de una manera comprensible para su público y popularizarla con el fin de invitar al lector a la reflexión crítica acerca de su impacto. Hacia una poética de la traducción en Mercedes Benet En esta investigación, se busca explorar y describir el tipo de traducción que realizó Mercedes Benet en el suplemento cultural Sábado, particularmente en textos de divulgación científica. Asimismo, se propone analizar el lenguaje empleado en dichas traducciones para evaluar adaptación al público de Sábado de la época y al estilo editorial característico del suplemento. Finalmente, la presente investigación se orienta a determinar el estilo propio de Benet, el tipo de lenguaje utilizado, con la intención de reconocer la DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 107 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” relevancia de su labor dentro de la mediación cultural y lingüística en el ámbito periodístico, abriendo paso necesario a una importante discusión en la academia y fuera de ella: la labor y aportaciones de las traductoras en los suplementos culturales, particularmente las que llegaron a participar en este suplemento cultural. Con respecto a la determinación del estilo de Benet al momento de traducir, es importante resaltar que, como lo sostiene Jakobson (1959), la traducción interlingüística, es decir, de una lengua a otra, “es una interpretación de los signos verbales mediante cualquier otra lengua” (233); una traducción requiere un ajuste de signos lingüísticos, y conlleva a una sustitución de mensajes enteros adaptados al receptor. Con el fin de alcanzar los objetivos planteados, se proponen las siguientes preguntas de investigación: ¿Qué tipo de metodología de traducción utiliza Mercedes Benet para abordar temas científicos? ¿Cuál es el tipo de lenguaje utilizado en las traducciones de Mercedes Benet, pertenecientes a los números de Sábado? Mercedes Benet hace uso del proceso de transedición en sus traducciones científicas, y adapta los textos originales para ajustarse tanto al estilo editorial del suplemento Sábado como al nivel de comprensión del lector general. Lo anterior lleva a enfocarse en la función comunicativa del lenguaje con una sintaxis clara y vocabulario técnico preciso, que acerca su contenido y experiencia a lectores expertos y no expertos en temas de divulgación científica. Marco teórico En primera instancia, es preciso reconocer que el trabajo de traducción se considera una unidad psicolingüística donde se 108 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 abarcan, en su mayoría, los estudios de lexicología y semántica. Según Gómez (2000), el desarrollo de un análisis contrastivo permite que el campo léxico puede ser estudiado a través de procesos cognitivos, es decir, a través de unidades léxicas que permitan la relación de la palabra con otra unidad de una palabra; un ejemplo que nos brinda Gómez, para comprender la teoría, es el de feelings-sentimiento. La autora nos presenta el uso sobre la metodología en el campo léxico cuando es necesario traducir por unidad léxicas; “los campos léxicos ofrecen una descripción lingüística y un modo de proceder inductivo” (Gómez, 2000:15). De esta forma, el ritmo de trabajo es delimitado a través de los significados más pequeños de la palabra, en otras palabras, desde una unidad léxica que se agrupa posteriormente al nivel del habla. La teoría confirma que la mente agrupa elementos léxicos individuales que ayudan a derivar un orden jerárquico, superior; de cierta manera, se trata de un de menos a más, Un ejemplo aplicado en los trabajos de Benet, para la posibilidad de identificar uno de los temas más traducidos (ciencia), en el número de sábado de 187, habla sobre la depresión nerviosa; el balance de la traducción podría agrupar unidades de palabras siguiendo esta teoría cognitiva de la siguiente manera: Depresión nerviosa, enfermedad, salud mental, salud, medicina, ciencia. De esta forma, la traducción puede surgir a través de un orden natural, mientras se identifica con rigor la palabra con exactitud, aunque dentro del parámetro no hay palabras que no tengan una traducción equivalente; la unidad léxica individual ayuda a obtener un significado más alcanzado. Sin embargo, acerca del lenguaje, en DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 109 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” la mayoría de números de Sábado el corpus de la colección K se muestra una pequeña categorización en el siguiente recuadro, acorde a los temas traducidos por Mercedes Benet. Salud Enfermedades mentales. Salud Enfermedades cardiovasculares, tratamientos de anticuerpos, desarrollo infantil. Ciencia Tecnología avanzada. Ciencia Astronomía. Literatura Narrativa, ficción. Geografía Sostenibilidad, medio ambiente, energía. Política Discurso, entrevista. Tabla 1. Elaboración propia Este recuadro fue elaborado con base a los temas más recurrentes identificados en los artículos traducidos por Mercedes Benet en los números 180 a 343, con el fin de trazar las unidades léxicas en las que se desplazó la traductora para llevar a cabo su trabajo de traducción. Dentro de la psicolingüística de la traducción, existen distintos métodos para acudir a la valoración de conceptos específicos. No obstante, en la mayor parte de los números se recurre a temas que abordan la medicina, la tecnología avanzada o geografía; definiéndolo por una ciencia exacta, el lenguaje tiene que ser preciso y claro, y aquí la unidad léxica ayuda a conseguir el significado deseado; de cierta manera, se precisa en no desmembrar el significado, sino en ser directo al menos en temas relacionados con las ciencias exactas. En cambio, temas abordados como la Literatura y Política, hacen más uno de la traducción empírica y cognitiva; 110 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 dentro de los parámetros de traducción existen métodos como el reconocimiento del mensaje del autor. Según Corredor (1995), afirma que, a diferencia del traductor científico, el literario abarca un sistema que le permita condicionar el proceso de reescritura del texto. Es decir que, si el autor aporta una carga afectiva en el sentido del texto y el efecto que se quiere llegar a producir, la tarea del traductor se encuentra en una línea de parámetros no precisamente lingüísticos. El modelo a tratar, que es hablado por Deslile, consiste en que el traductor tiene que estar consciente de que está siendo un lector-traductor del texto literario; en ese momento se convierte en lector y enunciador del sentido que está proponiendo en su interpretación. De esta forma la relación entre autor y lector disminuye, convirtiendo al traductor en lector-destinatario. (Corredor, 1995:182). Esto se debe a que el traductor se enfrenta a un sistema de signos ajenos a la LM (lengua materna) y tiene que ser derivada a la LE (lengua extranjera); dichos signos tienen que pasar por una doble análisis; desde el punto de vista del significado y del enunciado, de ser posible en las interpretaciones que ofrece Benet, ella hace uso de este proceso para luego caer en manos del análisis intuitivo, que como cultura mexicana tiene que añadir la del idioma deseado. A esto se le conoce como una valoración cultural sociolingüística, la cual a través de las variaciones lingüísticas y los fenómenos como el registro de voces hacen uso de estos cambios y adecuan el significado que no pertenece tanto a la gramática sino a un campo empírico de la comunicación. Ahora bien, acerca del impacto de las traducciones de la mexicana Mercedes Benet en la sociedad mexicana, está la diferenciación de la variación lingüística, el análisis del discurso, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 111 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” pues recordemos que la LM del suplemento es una ejercida por la cultura de América Latina; de cierta forma la hipótesis planteada al inicio de este apartado, nos dirige a la influencia de la frontera que existe en los Estados Unidos. En la comunidad de América Latina, la influencia de traductores como Benet, indica que existe una interpretación de cierta manera dialectal debido a que la variación de los sentidos gramáticos han sido construidos por la gramática de las academias de la lengua, a manera de español estándar, que si bien se podría comprender la española, pero el sentido nace del espacio informativo de la lengua en cuestión, aunque en la mayoría de las traducciones no haga un uso referente a la gramática de México; su sistema literario está dirigido al propio país, y ése es el impacto, la proveniencia. Metodología Después de transcribir y limpiar el volumen 4 de la colección K del periódico Sábado, se plantearon distintos temas para su estudio. Se optó por estudiar las traducciones de Mercedes Benet, con el fin de analizar el uso del lenguaje científico en una segunda lengua. A través de una lectura cercana, se identificaron los temas de las traducciones de Benet, con el objetivo de hablar de su uso de lenguaje, tipo y metodología de traducción. Se transformaron los números de los volúmenes 1 al 8 del periódico Sábado a formato TXT para cargarlos y clasificarlos en la herramienta digital Voyant Tools, donde fue posible identificar la temática de los artículos traducidos por Mercedes Benet, así como la búsqueda, por medio del autor original, de la lengua en la que fueron escritos; distinguidos por un orden grupal de palabras, los intereses de búsqueda se vieron asociados a palabras como traducción, 112 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 México, Benet, artículos, donde el programa mostrada una línea que incorporaba los conceptos que nos ayudarían a encontrar los artículos. Imagen 1. Frecuencia de “Mercedes Benet” en los diferentes números de la colección K Imagen 2. Contexto de cada frecuencia de “Mercedes Benet” en la colección K DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 113 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” Se tomaron como corpus un total de 35 números, en los cuales los artículos traducidos son más extensos, y se identificó que la mayoría de ellos fueran de temas científicos, médicos, propuestas, entrevistas, teorías de salud, cura de enfermedades, enfermedades mentales, crecimiento y desarrollo del cuerpo infantil. A continuación, se muestra la tabla de clasificación: Categorización Nombre del archivo Título Tema Colaboradores S186 Los riesgos de guerra nuclear por error humano Ciencia-salud Víctor Miguel Lozano Mercedes Benet (traducción y colaboración). S186 No somos nosotros los juzgados sino la libertad de expresión y de pensamiento Censura Miroslaw Choyecki Mercedes Benet (traducción) S187 La depresión nerviosa Cienciasalud-salud mental Víctor Miguel Lozano Mercedes Benet (traducción y colaboración) S188 Japón prepara la gran ofensiva científica Política Víctor Miguel Lozano Mercedes Benet (traducción y colaboración) S190 Ficción e historia en la literatura latinoamericana Literatura Antoine Berman Mercedes Benet (traducción) S190 Fuentes renovables de energía Ciencia Víctor Miguel Lozano Mercedes Benet (traducción y colaboración) S196 La máquina del tiempo Ciencia John Gribbin Mercedes Benet (traducción) S199 Robots cada vez más inteligentes Ciencia Pamela Weintraub Mercedes Benet (traducción) S203 Aborto de un niño gemelo anormal Ciencia-salud Mercedes Benet (traducción) 114 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 S205 Un arquitecto mexicano crea arte basado en las matemáticas Entrevista Mercedes Benet (entrevistadora) S207 ¿Meteoritos provenientes de Marte? Ciencia-astronomía Marcia Bartuadiak Mercedes Benet (traducción) S208 La medicina y la bomba Ciencia Lewis Thomas Mercedes Benet (traducción) S222 Nicolás Tesla: El genio olvidado Ciencia-tecnología Mercedes Benet (traducción) S223 A través del velo de Venus Ciencia Michael Gold Mercedes Benet (traducción) S227 Ayudando a crecer a los niños Ciencia-salud Natalie Anger Mercedes Benet (traducción) S228 La era solar Ciencia-astronomía Lester R. Brown Mercedes Benet (traducción) S229 Los misteriosos pulsares Ciencia Mercedes Benet (traducción) S230 El kat Ciencia Mercedes Benet (traducción) S231 Titan Ciencia Mercedes Benet (traducción) S233 La ciudad científica de Japón Ciencia Roger W. Gale Mercedes Benet (traducción) S234 El explorador NMR Ciencia Lois Wingerson Mercedes Benet (traducción) S235 Influencias de una supernova cercana a la tierra Ciencia Mercedes Benet (traducción) S237 El factor grasa en las células Ciencia-salud Mercedes Benet (traducción) S238 La píldora francesa Ciencia-salud Mercedes Benet (traducción) DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 115 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” S280 El inicio de la vida/II Ciencia Kevin Mckean Mercedes Benet (traducción) S282 Prueba para determinar las lesiones en el corazón Medicina Mercedes Benet (traducción) S283 Defensa del monstruo de Lochness Ciencia Mercedes Benet (traducción) S293 Los anticuerpos monoclonales/I Ciencia-salud John Langone Mercedes Benet (traducción) S298 La glándula pineal/II Ciencia-salud Joel L.R. Ehrenkranz Mercedes Benet (traducción) S307 El bosque encantado/I Geografía Nigel Smith Mercedes Benet (traducción) S308 El bosque encantado/II Geografía Nigel Smith Mercedes Benet (traducción) S310 Cáncer: cuando el cromosoma se fractura/II Medicina Michael Gold Mercedes Benet (traducción) S337 La ciencia del entendimiento/II Ciencia K.C. Cole Mercedes Benet (traducción) S340 Los números/II Ciencia K.C. Cole Mercedes Benet (traducción) S343 El gran eclipse anular de sol/II Ciencia-astronomía Fred Espenak K.C. Cole Mercedes Benet (traducción) Tabla 2. De elaboración propia con base en minería de datos del Voyant Tools Esta tabla se elaboró con el fin de mostrar el corpus tomado de los números de Sábado, con base en la ayuda del programa de minería de textos Voyant Tools; se trata de textos que contienen traducciones de Mercedes Benet relacionadas a los campos de ciencia, medicina y salud. 116 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Una vez tomados estos números como corpus, se analizó el lenguaje implementado en su traducción y edición al periódico Sábado. A continuación, se muestra un caso, de los tantos que hay en este corpus, a manera de análisis comparativo de textos originales con su versión traducida por Mercedes Benet. Imagen 3. Texto original tomado del sitio oficial de Pamela Weintraub Imagen 4. Texto traducido por Mercedes Benet en el número 1999 de Sábado DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 117 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” Texto original Traducción de Mercedes Benet Robots cada vez más inte- Título Raising the robot’s I.Q. Introducción Oraciones claras y directas; terminología de divulgación científica. Ajustes léxicos, mayormente comprensibles para el público general. Cuerpo Texto directo, extenso y comprensible para público de revistas de investigación científica. Reformulación al español sin simplificación, pero con oraciones más largas. Terminología científica Palabras clave técnicas. Palabras técnicas sin explicación adicional. Conclusión Mantiene el tema central; sin palabras técnicas. Conservación del mensaje original. ligentes. Tabla 3. Elementos clave en la traducción del artículo La presente comparación muestra que la traducción de Mercedes Benet es mayormente fiel al texto original, en el sentido de una traducción de tipo literal, manteniendo la descripción del escenario lunar y las actividades de los robots. Sin embargo el mensaje central presenta algunas distorsiones, por ejemplo, en la introducción se aprecia como “Flexing mechanical muscles” se traduce como “afectando los lentes de las cámaras de televisión y flexionando músculos mecánicos”, lo cual introduce una idea ajena al original. No obstante, no se trata de algo grave que modifique el mensaje del artículo. Como lo plantea Jakobson (1959), “una traducción semejante requiere dos mensajes equivalentes en dos códigos diferentes”, (234) pues está repleta de complicaciones; 118 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 no siempre es posible encontrar signos equivalentes al lenguaje del receptor. Por otra parte, la traducción es fluida y se adapta al español con naturalidad y al conocimiento científico de la época. Aspecto que pueden traducirse de manera literal, como Coeficiente intelectual (CI) a partir de IQ permite una armonía con el enfoque del suplemento cultural: crear curiosidad respecto a estos temas de ciencia, sin perder el ritmo del texto o sonar a términos que podrían crear un extrañamiento en quien los lee. El título es importante si comparamos la apuesta de Mercedes Benet “Robots cada vez más inteligentes” con respecto al título original, puede observarse la ausencia del gerundio por medio de la elipsis. La traducción literal sería “Aumentando el Coeficiente Intelectual del Robot” (Google translate, por ejemplo, propone ‘Aumentar” en su lugar). Es importante cómo Benet pasa del singular al plural en esta elección, omitiendo el gerundio y el término técnico para dar énfasis en el sustantivo: Robots. La sustancia es más importante para Benet en comparación con el verboide en una traducción literal (hipotética, por supuesto). En cuanto al análisis de cambios morfológicos y sintácticos, encontramos lo siguiente: • Uso de la voz pasiva: el inglés utiliza con frecuencia la voz pasiva, mientras que el español opta por la voz activa. Sin embargo, al tratarse de un texto técnico, podemos observar que Mercedes Benet mantiene la voz pasiva. • Ejemplo (inglés): “The image is recognized through comparison with information stored in the memory.” (78) • Traducción (español): “la imagen es reconocida por medio de la comparación con la información almacenada en la memoria.” (8). DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 119 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” • • • • • • • • • • • • • • • Adaptación de sustantivos compuestos, índices y grados de expresión de lenguas analíticas: Inglés: “television-camera eyes”(77). Español: “los lentes de las cámaras de televisión” (8), Cambios en el género y número: el español se ajusta al género y número de los sustantivos. Inglés: “intelligent robots”( 77). Español: “robots inteligentes” (8) Adaptación de verbos modales: Mercedes Benet mantiene el sentido de los verbos modales al traducirlos al español. Inglés: “smart robots could be exploring remote parts of the solar system” (77). Español: “los robots inteligentes podrían explorar lugares remotos del sistema solar” (8). Flexibilidad en un mismo término: Inglés: “force-sensors” (79) Español: Lo traduce como “sensores de fuerza” y también como “sensores que miden y controlan la fuerza ejercida por la mano o el brazo de un robot” (p.8). Registro formal: ambos textos mantienen un tono formal, pero la traducción al español a veces es más detallada: Inglés: “NASA” (77). Español: “La Administración Nacional de Aeronáutica y del Espacio (NASA)” (8). Conclusiones La obra de Mercedes Benet como traductora todavía es un campo por estudiar desde los estudios literarios. En el caso del texto analizado, del gran corpus pendiente en futuros estudios, la traductora 120 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 apuesta por la transedición, es decir, adapta el texto original a los requerimientos del suplemento cultural mediante elipsis, cambios en el uso del verboide, desglose de siglas, flexibilidad en el uso de un mismo término en la lengua original (LE). Mercedes mantiene la traducción literal hasta que los términos de una lengua pueden confundir o alejarse del léxico común de sus lectores, por ejemplo, en el caso de “in a near vacuum” por “en el casi vacío”, y esto puede observarse en los casos resaltados en el último apartado de este trabajo. Su método consiste en realizar ajustes en palabras que necesiten mayor explicación por parte del español, pero sobre todo una cercanía con el contenido del artículo: mientras en el original lo importante es cómo aumentar la inteligencia de los robots, en el caso de la traducción la sustancia sobresale, es decir, los robots en sí son el eje central de la recepción. Este es un primer paso rumbo a la respuesta de la segunda pregunta de investigación: comparar el estilo de cada traducción con su respectivo contexto. Por otro lado, el uso de herramientas digitales permite el diseño de corpus focalizados mediante vectores capaces de ordenar una cantidad vasta de datos. En este caso, en el campo de la investigación herramientas como Voyant Tools, el uso de lenguaje de programación de alto nivel (ejemplo, Python) o incluso la inclusión de inteligencias artificiales ayudan a crear interfaces capaces de brindar un panorama ordenado de lo que está disperso. El tipo de lectura que practicaron quienes leyeron Sábado obedecía a otros medios de producción, a dinámicas que no se parecen a las nuestras; es decir, no podemos investigar recreando tal cual los días y semanas en espera de un ejemplar de este suplemento de Unomásuno. Existe una distancia temporal sumana a la distancia de la abrumadora producción de datos en nuestra actualidad. En este sentido, las humanidades digitales no DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 121 �Paulina Michelle Mejía Maluy / “La traducción periodística” sustituyen la labor de las investigadoras, sino que nos ayuda a encontrar a otras mujeres que fueron parte de la creación de subjetividades en un momento de la historia. La lectura distante necesita de la lectura cercana, una lectura crítica de las mujeres en busca de su conciencia a través del rescate de lo que hicieron en el pasado: su memoria. Referencias bibliográficas Corredor, A, (1995). El proceso de recreación del original en la traducción literaria. Traducción Lite. Universidad de Girona. El proceso de recreación del original en la traducción literaria. El proceso de recreación del original en la traducción literariaDialnethttps://dialnet.unirioja.es › servlet › articulo Miranda Gasca, A. C. (2001). El suplemento cultural sábado de unomásuno (Informe académico de difusión, Universidad Nacional Autónoma de México). Ghignoli, A., & Montabes Ortiz, A. (2014). La traducción y los géneros periodísticos. Mutatis Mutandis. Revista Latinoamericana de Traducción, 7(2), 386-400. https://www. redalyc.org/articulo.oa?id=499267769010 Gómez, M, (2000). La traducción como proceso cogntiivo: un modelo léxico-conceptual a partir del estudio traductólogico de A conferacy of Dunces de J. Kennedy Toole y su traducción española. Departamento de filologías inglesa y alemana. Facultad de Filosofía y Letras. https://core.ac.uk/download/ pdf/60852927.pdf Hernández Guerrero, M. J. (2012). 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DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-145 123 �Dosier Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 El cine mexicano en Sábado: un relato sociocultural y político Mexican cinema in Sábado: a socio-cultural and political discourse Alondra Jazmín Martínez Valdez Universidad Autónoma de Nuevo León San Nicolás de los Garza, México alomartinez861@gmail.com Salma Lilian Ledesma Díaz Universidad Autónoma de Nuevo León San Nicolás de los Garza, México salma.lilian.16@gmail.com Resumen. El objetivo general de este artículo es exponer la crítica del cine mexicano en el suplemento cultural Sábado como un relato sociocultural y político. Para lograrlo, utilizamos el análisis del discurso para reconocer cómo el periodismo cultural y la crítica establecen una memoria social al ampliar y reafirmar la cultura mediante la divulgación del medio cinematográfico. Palabras clave: Humanidades digitales, crítica cinematográfica, Proyecto Sábado. Abstract. The general objective of this article is to present Mexican film criticism in the cultural supplement Sábado as a sociocultural and political 124 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 narrative. To achieve this, we use discourse analysis to understand how cultural journalism and criticism establish a social memory by expanding and reaffirming culture through the dissemination of film. Keywords: : Digital Humanities, film criticism, Sábado Projet. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 125 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” Introducción La cultura mexicana tiene rasgos destacables; conocemos a escritores, pintores, directores, cada una de estas personas especializadas en su forma expresiva, siendo reconocidas tanto dentro del país como por fuera. Sin embargo, las expresiones artísticas suelen ser objeto de críticas por parte de aquellos que se encargan de analizar, evaluar, interpretar y promulgar la expresión artística expuesta. Estos críticos del arte no siempre cuentan con una perspectiva totalmente objetiva: promulgan su opinión ante la sociedad con un tipo de discurso cuestionable para los espectadores inexpertos o aquellos que solo gozan del disfrute y entretenimiento de presenciar una obra de arte. En México hubo una época conocida como el Cine de Oro mexicano, donde las pantallas de los televisores o cines se llenaban para gozar de historias llevadas al lenguaje audiovisual, con actores que hasta el día de hoy son reconocidos por las nuevas generaciones y se les ha dado un foco más dramático recurriendo al cine biográfico. Después de esta época, México ha sufrido bajas dentro de su círculo de actores y directores reconocidos, por lo que poco a poco se fue manchando el oro, reflejándose en las críticas que seguían al medio cinematográfico y continuaba en su posición de contar una historia nacional y darle visibilidad. Como consecuencia, el discurso utilizado para referirse a este cine cambió la visión de aquellos mexicanos que esperaban ver una nueva historia en la pantalla grande, y, en su lugar, comenzó una crisis del cine nacional. A raíz de esto, expondremos las críticas que atravesó el cine mexicano en el suplemento cultural Sábado durante los años de 1980, 1982 y 1983, 126 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 así como la relación de estas con el periodismo cultural y el discurso político. Metodología de investigación Este proyecto corresponde a la segunda fase de un proyecto mayor, el cual es la digitalización de los números de Sábado, contenidos en la colección K. Comenzamos esta labor digitalizando diversos números que están resguardados en la Capilla Alfonsina de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Una vez digitalizados — con OCR—, procedimos a la captura del texto en formato TXT. Esto debido a que, posteriormente, todos los números transcritos fueron almacenados en una carpeta para realizar un mapeo en la plataforma Voyant Tools, como repositorio provisional se utilizó la plataforma Teams. Al realizar el mapeo, iniciamos una búsqueda semántica relacionada al cine mexicano, lo que nos dirigió a ciertos números de la revista que coincidían. Hicimos una lectura distante para corroborar que tales números no solo mencionaran las palabras buscadas, sino que realmente se hablara sobre nuestro tema de interés. Una vez que limpiamos nuestra lista, procedimos a efectuar una lectura cercana, en la que ya prestamos atención a los detalles y a los temas de cada uno de los números. Esto nos permitió tener un marco de temas posibles para nuestra investigación, decidiéndonos al final por la crítica, ya que fue un tema recurrente en todos los artículos que leímos. A continuación, se mostrará una serie de imágenes para identificar la metodología en la recopilación de datos sobre el corpus que se está trabajando. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 127 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” Durante el periodo de agosto-diciembre 2024, en la unidad de aprendizaje de Proyectos de investigación en entornos digitales, el grupo se organizó en parejas para la transcripción de una serie de números digitales del Suplemento Cultural unomásuno Sábado; el primer paso, entonces, se trato de leer los OCR y transcribirlo en TXT por medio del Bloc de notas del servidor, esto con la finalidad de limpiar impurezas ortográficas, guardándolos finalmente como S = sábado, seguido del número del suplemento en cuestión. Una vez limpios, copiados y en formato TXT, se guardan todos los documentos en una carpeta exclusiva y alineados del número menor a mayor —de esta forma, nos aseguramos que estén por orden cronológico—. Así es como ya podemos seleccionarlos para cargarlos en Voyant Tools. 128 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Dentro de la plataforma de Voyant Tools, lo primero que tenemos que hacer es limpiar el formato de cualquier proposición, esto se logra abriendo otra pestaña de en el ordenador y dirigido a GitHub, esta plataforma nos arroja una lista de palabras que no deseamos que sean detectadas por Voyant Tools, por lo que solo copiamos la lista y regresamos a Voyant. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 129 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” A partir de este paso, el proceso para la selección es dependiendo de la necesidades de cada pareja lo que este busca, Voyant Tools ofrece jugar con las conexiones entre palabras, las repeticiones dentro del corpus seleccionado y aquí es donde puedes agregar palabras para ver lo que arroja. 130 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 En nuestro caso, nos interesaba inclinarnos a la cinematografía mexicana, por lo que nuestras palabras claves fueron: cine, cine mexicano, cine nacional, cine internacional, cineastas, cineteca, etc. Finalmente nos guiamos mucho en las repeticiones del título cine mexicano y de ahí en nombre de nuestra investigación. Estos fueron los resultados: Enfocándonos en la tendencia relativa del corpus general, nos dio como resultado 5 números que se ajustaban a la necesidad de nuestra investigación; una vez seleccionado el corpus más reducido, guardamos en otra carpeta para su análisis: Arrojando los siguientes resultados: DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 131 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” De acuerdo a estos resultados, fijamos el punto de partida de nuestra investigación. Por cuestiones de asegurar la limpieza de los artículos en formato TXT, se extrajeron nuevamente por separado cada uno de los artículos publicados en Sábado con el nombre 1- la fecha más antigua y la letra A- representando Artículo y con una pequeña excepción en el A4, ya que este número contenía una información adicional por lo cual siendo el mismo número pero diferente artículo se optó por la letra b. De forma que quedaron así: 132 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Tabla de información Autor Año de publicación Nombre del archivo Nombre del artículo Gustavo García Marzo 1980 1A Entre el dolor y la nada Emilio García Riera Agosto 1980 2A El puño de hierro Gustavo García Marzo 1982 3A “¡Ay, crítico, no te rajes!” Carlos Monsiváis Abril 1982 4A “¿Por quién doblan las campanas?” Magali Tercero Abril 1982 4Ab “La pérdida de la cineteca” Gustavo García Abril 1983 5A “La hojita parroquial” Finalmente, metimos estos datos a la plataforma Voyant Tools y esto nos arrojó: DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 133 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” Una vez bien asegurados todos los artículos, se continuó con la investigación. A partir de este punto, pusimos la mira en el periodismo cultural, por lo que leímos varias fuentes acerca de este tema, del periodismo cultural, de crítica cinematográfica, de periodismo cinematográfico, y de cultura mexicana y cine en Sábado, que fue lo que utilizamos para nuestros antecedentes. Sobre el periodismo cultural Antes que nada, es importante reconocer el concepto del periodismo cultural, el cual, de acuerdo con el periodista Francisco Rodríguez Pastoriza (2010), “se trata de destacar una forma de cultura porque en gran medida la difunde y la fomenta”, pues el concepto tiene relevancia dentro de la investigación; este método de divulgación cultural se encarga directamente de ser un promotor en todos aquellos ámbitos en los que el arte está encargado de ello. Debido a la relación tan estrecha entre la sociedad y cultura, comienza un nuevo concepto para englobar esta necesidad de cubrir los intereses de la población, de acuerdo con su contexto, conocido como la cultura de masas, la cual: 134 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 … es la que mejor corresponde con la divulgación de la cultura a través de los medios de comunicación: un mensaje efímero emitido por una elite de comunicadores a un receptor masificado, disperso y anónimo a través de medios de comunicación centralizados, que dan prioridad a la novedad por encima del clasismo y legitiman como cultura productos de dudosas características culturales. (Rodríguez Pastoriza, 2010: 13) Cabe aclarar que dentro del periodismo cultural se puede rozar con el crítico. Rodríguez (2010) menciona características para lograr diferenciarlo; por ejemplo, en el cultural, se informan las novedades relacionadas con las diferentes actividades culturales que se desenvuelven en una sociedad determinada, mientras que al crítico se le exigen claves de interpretación sobre las expresiones culturales ejercidas bajo su crítica. Ahora bien, establecidos estos conceptos, el resultado es la aplicación en el objeto de estudio: el cine mexicano representado en Sábado; en este caso, se trata de una manifestación cultural con mayor cobertura mediática y mayor enfoque crítico. El cine es un medio que constantemente tiene producciones nacionales e internacionales y la cobertura que se tiene antes, durante y después del estreno de una película abarca un proceso largo y costoso, todo para presentar una obra al público y esperar que sea del agrado de este. Para Rodríguez (2010), el periodismo cinematográfico se ocupa de manera destacada de estos eventos, por eso mismo los que promulgan estos estrenos tienen una gran responsabilidad, pues ponen en riesgo la recepción que el público pueda percibir, de acuerdo con su discurso. Este discurso, como bien lo indica Barei (1999), cumple con una función política, hasta cierto punto, porque se destaca una cobertura de evento y esta elección determina su DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 135 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” popularidad entre la sociedad, usando la persuasión para ser vistas, en este caso, tratándose del cine. El problema preocupante del periodismo cultural latinoamericano, además de que si los medios cubren o no cubren la agenda institucional, es la forma en que la narrativa que la institución construye de la cultura se reproduce acríticamente y con total indulgencia en muchas piezas de periodismo cultural (Reyes, 2000); esta situación le otorga el poder de legitimar aspectos culturales de la sociedad al Estado. El periodismo cultural juega estratégicamente dentro de la sociedad y cultura mexicana, cuestionando la verdadera identidad de forma objetiva y realzando las problemáticas que se tenían dentro del cine y de la sociedad — por ejemplo, los problemas económicos originados por malas decisiones gubernamentales —, necesitamos prestar atención a las menciones socioculturales que se hacen dentro de las críticas; este es el medio por excelencia que los autores previamente expuestos utilizaron para visibilizar un México corrupto, decadente —en términos culturales— y deficiente. Por lo tanto, es imperante ubicar a la crítica del cine mexicano en sus dimensiones histórica y sociocultural a partir de un estudio sincrónico o incluso, en otro caso, pudiendo ser un estudio diacrónico como lo es la tesis de Reyes Lamas, que se concentra en todo el período que abarcó la revista. La producción cinematográfica en el México posrevolucionario Como ya se mencionó previamente, en nuestro país se vivió la gran Época de Oro del Cine Mexicano, en la que artistas aún hoy 136 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 sonados mostraron sus mejores actuaciones en pantalla grande, acompañando a los mexicanos en su día a día, como una forma de entretenimiento masiva. Hacia 1910, la mayor parte de la producción, distribución y exhibición cinematográfica estaba en manos de empresarios nacionales. Esto se debió principalmente a la renuencia de Pathé Frères a construir estudios en México. Esta negativa fue la que pavimentó el lento camino para la edificación de la industria cinematográfica mexicana, que tendría su apogeo entre mediados de los años treinta y finales de los cincuenta, etapa conocida como la Época de Oro del Cine Mexicano. (Silva J., 2010) El comienzo del mundo cinematográfico en México se vio empapado de política y más política. Las películas proyectadas cuando no eran sobre presidentes eran sobre las reformas que se proponían o como medios de propaganda y difusión de la política en turno. Como menciona King (1994, p.77), “en 1938 la industria del cine era la más grande después de la industria petrolera; la comedia ranchera situó a México como el mayor exportador de películas entre los países latinoamericanos”, pues presidentes como Cárdenas supieron aprovechar el medio de difusión tan extenso que el cine ofrecía. Ya bien lo comenta Silva: El desarrollo de las artes que tuvo lugar en la década de 1930 también alcanzó al cine, el número de producciones fue en aumento y poco a poco la cinematografía mexicana se afianzó primero en el gusto nacional y luego en el regional. (2010) Una vez que la pantalla y sus medios hicieron lo suyo, y las producciones extranjeras (dígase Estados Unidos de América) se encontraban anestesiadas por los problemas internacionales que DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 137 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” surgían, el cine mexicano, en su máximo apogeo, cambió de ser un simple medio político a ser un medio de entretenimiento, adaptando un sistema basado en las producciones vecinas, para lograr que la fórmula también tuviera éxito en nuestra tierra: […] las producciones mexicanas de la Época de Oro tienen como sustento referencial el cine de Hollywood. Esto es apreciable en el sentido del ritmo, en el montaje, en el uso de escenarios majestuosos, en la combinación estructurada de personajes principales y secundarios, en la suma de frases desgarradas o hilarantes, en la dosis de chantaje sentimental y en los desenlaces del ‘final feliz’. (Silva J., 2010) Luego de la Revolución mexicana, el país, a manos del partido hegemónico del momento, avanzó de manera económica, sobre todo a causa de la Segunda Guerra Mundial, mediante la actividad industrial, propiciando así la era estabilizadora que tanto se añora, el ya conocidísimo milagro mexicano. Durante los gobiernos de los presidentes Adolfo López Mateos (1958-1964) y Gustavo Díaz Ordaz (1964-1970) se cumplió uno de los principales objetivos que en materia económica habían planteado los gobiernos posrevolucionarios: avanzar de manera sostenida en el desarrollo económico del país con estabilidad macroeconómica. (Ortiz, 2000, p.9) La relación entre la Época de Oro y el milagro mexicano es estrecha; al obtener un crecimiento económico y un PIB mayor a años anteriores, México se embarcó en un mar económico nuevo. Capital y medios extranjeros llegaron y no precisamente para quedarse poco tiempo. 138 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 México se endeudó para poder atraer los medios adecuados para el capital extranjero. Llegaron esos recursos que fueron destinados al proteccionismo de empresas privadas y mixtas dejando la deuda sólo al Estado mexicano, quien pagó los medios para el capital extranjero sin dejar una remuneración equivalente a la inversión. (Silva A., 2018, p.72) Es bien sabido que la economía está relacionada con las demás instituciones, por lo que, naturalmente, afecta a la cultura. Si ya en la época dorada del cine mexicano existía una fórmula hollywoodense para asegurar el éxito en taquillas y el surgimiento de un nuevo imaginario social ante los ojos extranjeros, con la llegada de más capital extranjero y la privatización de industrias, el cine y la cultura también se privatizaron. El gobierno aprovechó el éxito para compartir ideologías políticas y estereotipos que poco a poco consolidaron lo que ahora se considera “mexicano”. Durante el mandato de Luis Echeverría (1970-1976) se intentó combatir esos estereotipos (incluidos el “macho” mexicano rural, el hacendado, el borracho y la mujer rural sumisa) y la privatización de la industria. Se buscaba mejorar la imagen del gobierno, mostrando modernidad, calidad y progreso, mediante el control de los medios de comunicación (Celaya, 2014), todo bajo la administración del Estado. Con su hermano al mando del Banco Nacional Cinematográfico, el presidente destinó millones de pesos a la industria masiva del entretenimiento para lograr su cometido: un cine crítico y de corte social, en el que se dejarán atrás los melodramas y los albures, para pasar a una industria nuevamente nacional, pero de calidad: DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 139 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” Las producciones que se generaron en este periodo tienen la característica de ser críticas e incisivas y preocupadas por temas sociales, retratando la realidad social en la que vivía la clase media, abandonando un poco los clichés y conjugando la calidad en la cinta con el éxito en taquilla. (San Román, 2016, p.104) Se crearon instituciones que apoyaban a directores y actores mexicanos, se inauguró la Cineteca Nacional en 1975 y el Centro de Capacitación Cinematográfica; el precio de este ambicioso plan fue la huida de los inversores extranjeros, pues, como comenta Celaya (2010), el Estado ”ahora controlaba la producción, distribución y exhibición del cine en todo el país, expulsando a los productores y distribuidores privados que antes tenían secuestrada la industria”. Pero el sueño no duró mucho. A pesar de los cambios que se estaban gestando, el mandato de Echeverría llegó a su fin y con ellos su proyecto cinematográfico. Así como él y su hermano habían llevado a cabo todos los planes para su visión idílica, el siguiente presidente, acompañado también por su hermana, tenían otra visión, una con menos crítica y más éxito económico que fuese fácil de conseguir. San Román ya lo menciona al respecto: Todo este apoyo queda opacado en el siguiente sexenio de José López Portillo (1976-1982) a consecuencia de una política equivocada derivada de la errática conducción de (RTC) por parte de Margarita López Portillo, ocasionando que la producción en mayor parte pase a manos privadas. (2016, p.110) Por consiguiente, para generar ganancias sustanciosas en taquilla, se buscó darle gusto al público reciclando las fórmulas del pasado, volviendo a los melodramas y a los contenidos sexualizados que aún en día nos saltan en pantalla. Celaya (2014) comenta que el 140 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 cine crítico que se consiguió en el periodo de Echeverría se volvió un recuerdo desagradable e incómodo no solo para el gobierno en turno, sino para el espectador ahora bombardeado de dramas y ficciones. Cuando Echeverría pretendió la revolución del cine melodramático y estereotípico para pasar a uno crítico y social, un grupo conformado por personajes como Carlos Monsiváis, Salvador Elizondo y Julio Pliego ya iba más allá, pues tenía la intención de llevar la crítica al campo literario, de criticar al cine, de criticar la crítica y criticar la crítica del cine. Es precisamente en los comienzos de los años 60 cuando la crítica cinematográfica se fortalece y se forma el grupo Nuevo Cine que alentaría una nueva generación de cineastas mexicanos, quienes inclusive publicarían un manifiesto referente a la necesidad de renovar la anquilosada industria cinematográfica nacional. (San Román, 2016, p.95) Continuando con San Román, menciona que “este grupo representó el primer intento de oposición en relación a la cinematografía nacional” (2016, p.95); aun con sus únicos siete números publicados, se hablaba (y, sobre todo, criticaba) de las trabas sindicales, de la censura y las limitaciones, de las barreras legislativas, entre otras cuestiones, incluso se publicó un manifiesto sobre el cine. Sin embargo, Nuevo Cine no fue la única revista que se aventuró en la crítica cinematográfica. Revistas como Nexos, Vuelta y Plural, revista de Octavio Paz, surgieron como periodismo cultural en las que temas diversos como historia, política, literatura y artes se conectaban de manera íntegra para expresar opiniones, testimonios, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 141 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” diálogos, ideas, obras y existencia, ya que estos espacios comenzaron a otorgar voz a intelectuales fuera del círculo interior del gobierno en turno. En definitiva revistas como las ya mencionadas fueron un antecedente importantísimo para la llegada del suplemento cultural Sábado, debido a que este espacio fue destinado a intelectuales que buscaban crítica seria, con autores periféricos y no solo ubicados en el centro del país, característica esencial del suplemento para la diversidad de sus voces. Argueta (2021, p.71), menciona que Sábado “trataba de llevar a cabo un periodismo audazmente crítico, siempre al pendiente de los temas actuales, además de ser un suplemento sin favoritismos ni inclinaciones por conveniencia, puesto que su fin no era precisamente el dinero”. El cine en Sábado: un discurso político y un reflejo sociocultural Sin mayor preámbulo, después del contexto político y sociocultural expuesto, continuamos con el análisis del corpus que recabamos de distintos números de Sábado, ubicados, como ya se mencionó previamente, en los años 1980, 1982 y 1983. El cine no puede concebirse únicamente de un arte audiovisual o mero entretenimiento en producciones masivas, sino que cabe recalcar la práctica discursiva como medio cultural en el que se guardan memorias, ideologías y relaciones de poder. Dentro del suplemento Sábado vemos como era utilizado ese espacio para realizar no solo una recomendación cinematográfica, sino para alzar la voz hacia la indiferencia de lo que el cine imperaba en México del siglo XX. 142 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 Por esto mismo es importante retomar el concepto sobre periodismo cultural, ya que si bien Sábado siempre trató de ser imparcial, objetivo y crítico, no está demás señalar aquellos que sí dan indicio de que se trata de una reseña con un objetivo hacia el lector mexicano. Comenzando por los artículos con mayor antigüedad: #122 Entre el dolor y la nada: Un artículo de Gustavo García con fecha de marzo de 1980. Reyes Llamas (2004), en su tesis sobre La cultura mexicana en el suplemento cultural Sábado del unomásuno (1977-1988), brinda información precisa sobre los temas de los artículos recopilados en la revista, menciona específicamente el género sobre el cine y lo complementa con datos presidenciales históricos ocurridos en ese período, por lo que es un antecedente de gran importancia que mucho tiene que ver con el presente proyecto: De 1977 a 1988 fue muy criticado, según Gustavo García, hubo pocas producciones de calidad por lo que esta área fue poco fructífera. Lo más destacado fue lo realizado por las escuelas de cine. De los varios balances de los diferentes géneros que se realizaron en esa época, se tomaron fragmentos, que, de acuerdo con el suplemento, ilustran la situación que vivía la filmografía nacional. (p. 79) El crítico más sonado dentro de la revista se trata de Gustavo García (1954), pues él hace comentarios tanto críticos como analíticos de las obras estrenadas en ese rango de tiempo, enfatizando la decadencia del cine nacional y la crisis de identidad cultural que esto provocaba, pues tal crisis se veía reflejada en las proyecciones. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 143 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” García nos recomienda una película extranjera (polaca) llamada Sin anestesia (1978) de Andrzej Wajda, con tintes un tanto políticos sobre autoritarismo femenino (siendo engañado por su mujer y traicionado por su personal femenino de confianza), lo cual orilla el exilio del personaje principal marginado y destruido por el régimen. Si bien, no es una recomendación o crítica directa hacia el cine nacional, es importante situarnos en la sociedad del México de 1980, con el posicionamiento del movimiento feminista en lugares de poder político y social, abarcando cada vez más espacios y en una constante exposición, Gustavo nos plantea un imaginario extremista de cuando las mujeres llegan a tener altos mandos dentro de la sociedad. Dentro de su discurso podemos encontrar “Los roles se invierten y el hombre se vuelve un pelele de la vaginocracia, de la conspiración de las mujeres y el Estado”, a palabras del mismo autor del artículo, el director no tiene miedo a que se le hagan acusaciones de macho o de misógino llevando al extremo —“la transformación de la mujer en monstruo dominante, cruel y posesivo”— dichos discursos. Esto solo fundamenta que las frases utilizadas dentro del artículo 122 no son meras expresiones retóricas aisladas, sino estrategias discursivas que incitan al miedo hacia un grupo social que poco a poco ganaba poder dentro de la sociedad. #144 El puño de hierro: Un artículo de Emilio García Riera con fecha de agosto de 1980 Dentro de este artículo nos situamos en el opuesto extremo, una vez que vimos como Gustavo García (1954-2013) nos daba cátedra del cine polaco con Emilio García, tenemos una rememoración no solo de una película nacional sino de varias de ellas; En un gran hallazgo: 144 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 El puño de hierro, relata la importancia del rescate y exhibición de la película mexicana muda El puño de hierro (1926), dirigida por Gabriel García Moreno. La cinta fue proyectada en la Filmoteca de la UNAM en 1896, revelando su valor histórico, técnica y narrativa, haciendo una breve comparación a la película El automóvil gris (1919) producida y dirigida por Enrique Rosas. Moreno, no solo nos narra el manejo de los encuadres, la naturalidad actoral o los recursos innovadores que son utilizados dentro de la película, sino que nos da una reflexión importante sobre la centralización de las obras nacionales cuestionando, indirectamente, la memoria del cine nacional focalizada en la Cineteca nacional del país; asimismo, la importancia que da, dentro de su discurso, a la Filmoteca como institución encargada de guardar y preservar la memoria cinematográfica nacional, nuevamente arrojando la cuestión de la centralización de identidad mexicana basada en la representación cinematográfica. El puño de hierro es uno de los 5 o 6 largometrajes mexicanos mudos rescatados por una institución, la Filmoteca UNAM, que no cuenta ni de lejos con los medios y las instalaciones de la Cineteca Nacional, sin embargo, no se sabe que la Cineteca haya logrado ni un solo rescate semejante. (Garcia 1980, p.18) A partir de este número dentro del suplemento Sábado, podemos encontrar aquellos tintes ideológicos por parte de sus autores. Por un lado, Gustavo con una amplia visión del cine internacional y con intenciones de que este mismo sea aceptado por los mexicanos o por lo menos sea del interés; y, por otra parte, Emilio que busca remover fibras nacionalistas usando su voz y discurso para rememorar antiguas producciones y darles el foco que DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 145 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” se merecen dentro de la cultura mexicana y que posteriormente sean parte de la filmografía histórica nacional. Un lado menos amable, esta comparativa nos demuestra que, a pesar de la independencia económica y social de la que tanto se habla dentro de Sábado, sí existen ciertas excepciones donde el autor no se deslinda de su ideología y, por lo tanto, retomando los conceptos de Rodriguez (2010) periodismo cultural y crítico cultural, se ven reflejados durante la narración de los artículos publicados por Sábado. #228 Allá en el churro grande: ¡Ay, crítico, no te rajes! Un artículo de Gustavo García con fecha de marzo de 1982 Dentro de los artículos creados de Gustavo García, este es el que cierra una era dentro de la crítica cinematográfica de la época, ya que precisamente en esta se reflexiona sobre la crítica cinematográfica en México y su relación con el cine, señalando que aunque se pretende el análisis, la crítica se encontraba entrelazada al medio, como parte del mismo sistema de producción. Asimismo, destaca el contraste entre la Edad de Oro (40 ‘s) y la poca crítica y, por lo tanto, la calidad de las producciones, rescatando a Álvaro Custodio y Francisco Pina. Además, es él quien nos acerca a una antecesora de producción crítica en formato revista como lo fue Nuevo Cine (19601961); la importancia de Emilio García Riera con El cine mexicano (1963), libro que documentó la historia del cine mexicano: “En 1963, Emilio García Riera publicó El cine mexicano, el primer intento serio de organizar reflexivamente los entonces pocos, dispersos y desconfiables datos sobre el cine nacional…” (p.11); y, finalmente, Jorge Ayala Blanco con La aventura del cine mexicano (1968). 146 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 El artículo centra su atención en la valoración de Mitología de un cine en crisis (1981) de Alberto Ruy Sánchez, el cual analiza la relación entre el cine, la política y el poder durante el sexenio de Echeverría: “Con todo, la lectura del cine mexicano como instrumento del poder, tal y como la ofrece Ruy Sánchez, impone una reconsideración de la historia…” (p. 11). Más adelante se demostrará cómo es que es que, probablemente, esta crítica sí hizo un cambio dentro de la sociedad, induciendo a una resignificación de lo que es la crítica dentro de la cinematografía, orillando a los autores a ser más objetivos y a hablar abiertamente de la corrupción y censura dentro de grandes productoras por parte del gobierno en turno, dejando en claro que al cine le urgía una independencia gubernamental para poder prosperar. #230 Las ruinas de la cineteca: el paisaje obligado Un artículo de Carlos Monsiváis, con fecha del 03 abril de 1982 Ya desde el título de este artículo podemos observar cómo la pérdida de la cineteca (causada por un incendio, fruto de negligencias) es un cuadro que no solo expone el desastre de 1982, sino el desastre de varios sexenios interesados en la redituabilidad que genera un medio de entretenimiento masivo: “las ruinas de la Cineteca son también el paisaje obligatorio de dos temas centrales: la pobreza de nuestra infraestructura cultural y el destino del cine mexicano” (Monsiváis, 1982, p.4). Al ser periodista, Monsiváis nos ataca con preguntas, ironía, sarcasmo y datos envueltos en una cronología llena de intereses elitistas con capital extranjero e instituciones privatizadas. Nos presenta varias oposiciones: la censura por parte del gobierno y el deseo de los cineastas por llegar al cine de autor; la privatización iniciada en la DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 147 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” Época de Oro y la intención de la nacionalización con Echeverría; además de los obstáculos del cine independiente de calidad, por parte de cineastas marginados, y la facilidad del cine melodramático y sexualizado, como él mismo menciona, ”el Estado dilapidó fortunas favoreciendo las creencias de su clientela básica, la familia, con su vestuario moralizador, su terror al esfuerzo cultural, su división del mundo entre el melodrama y la irrealidad” (1982, p.4). Todo esto nos acerca a la ideología y al ambiente social que se tenía en ese entonces (y, quizá, aún ahora); la población se convierte en una sociedad de masas perfecta, enfrascada en historias de ficción que no critican ni señalan al régimen y sus errores. La decadencia social se refleja en las ruinas de la cineteca, la población que cuenta con la educación suficiente para ser consciente del problema va y busca películas extranjeras, pero la sociedad de masas, inconsciente de su situación, vive el cine como un medio de entretenimiento alienado, incluso cayendo en una servidumbre voluntaria, pues la misma población repite los personajes estereotípicos en su cotidianeidad, justifica el contenido de la pantalla grande y reniega del cine crítico y social que tanto se intentó alcanzar durante el sexenio de Echeverría: “volvamos a nuestra técnica infalible: inventemos al pueblo, y el pueblo querrá parecerse a la imagen recreada. Si la Gente quiere seguir como antes, es su problema y es nuestra obligación” (Monsiváis, 1982, p.5). #230 Encuesta La pérdida de la cineteca Un artículo de Magali Tercero, con fecha del 03 abril de 1982 Más que un artículo, este es un compendio de opiniones expresadas por el medio intelectual y literario de la época acerca del incendio 148 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 que acabó con vidas humanas y material cinematográfico histórico mexicano. Críticos, poetas, ensayistas, traductores y periodistas, mexicanos y extranjeros, se sumaron a la voz de la crítica y se negaron al silencio y a la complicidad del gobierno. A pesar de ser voces diversas (por ejemplo, tenemos a Luis Cardoza, poeta uruguayo), todas terminan en un consenso y en casi un manifiesto unánime lleno de indignación y tristeza. El discurso se centra en la pérdida como un símbolo de la fragilidad cultural en el país, pues la negligencia y la precariedad (se alegaba bajo presupuesto) transformaron el hogar de jóvenes y amantes del cine en ruinas. Las voces se convierten en un mensaje homogéneo que destaca la pérdida de la memoria y el patrimonio mexicano que, irónicamente, jamás se olvidará. La mayoría se centra en un lenguaje emotivo que recurre justamente a la catástrofe y a la tragedia, pero que se escapa de la propia rabia y tristeza para criticar la nula intervención política y económica para la preservación de una institución necesaria y única. #284 La hojita parroquial Empeños de edición perdidos Un artículo de Gustavo García, con fecha del 16 abril de 1983 Cerramos con quien empezamos, Gustavo García nos regala una reflexión un tanto pesimista —pero realista— en cuestiones del cine mexicano y latinoamericano en una sociedad donde comienza el imperio del cine norteamericano, nos plantea nuevamente dos publicaciones que él llama “editoriales fantasmas”. Por un lado, tenemos a la revista argentina Cine Libre (1982), la cual nació de las cenizas de la economía y política del país de origen, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 149 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” la cual tenía como objetivo abrir el diálogo sobre producciones latinoamericanas y español; de manera sencilla, pero valiosa, informaba y fomentaba el debate cultural de manera crítica, sin embargo, el nulo interés tanto de los corresponsables como de la misma revista al no incluir otros países terminó siendo cancelada en sus publicaciones. Por otro lado, tenemos la iniciativa de CUEC, CC y Centro de estudios de la comunicación de la UNAM, con el propósito de reunir una variedad de material de gran valor para la historia del cine mexicano, como lo son biofilmografias, índices de directores, filmografías completas, guiones de cine mudo y fichas de cartelera, sin embargo, la poca difusión y falta de apoyo económico terminó por hundirla. Cabe mencionar que estos proyectos de acuerdo con un boletín informativo de marzo de 2019 continúan vigentes: El Consejo Universitario de la UNAM aprobó transformar el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) en Escuela Nacional de Artes Cinematográficas, para formar cineastas en la más amplia gama de las artes y, en consecuencia, impactar con una profunda visión universitaria y social los cambios culturales que propicien bienestar y desarrollo en México y el mundo. (Del Carmen, 2019) Finalmente, la denuncia hacia el poco interés cultural por estos suplementos, le da una nula esperanza a nuestro autor de que el cine mexicano continúe de forma creciente, por lo menos hasta ese momento, demostrando la poca importancia cultural y la fragilidad del material. Conclusiones El canon mexicano, y lo que conocemos como el imaginario social al pensar en “lo mexicano”, se vio claramente afectado por la 150 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, enero-junio, 2026 censura o el control de las producciones que veían o no la luz. La centralización y la aprobación de grandes productoras vinculadas con el gobierno capitalino y las empresas extranjeras influyeron en la manera de concebir y consumir el cine, dejando de lado el intento de construir una identidad cinematográfica real y auténtica debido a los intereses políticos y económicos de las grandes élites. Las instituciones gubernamentales juegan un papel decisivo en la configuración de una industria pluralizada, independiente y nacional; sin embargo, mientras se siga apostando por una sociedad de masas en vez de una población consciente y con capacidad analítica, las cosas seguirán (y siguen) funcionando de la misma manera: contenido fácil para ingresos rápidos. El rol de los suplementos y revistas como Sábado es fundamental para comprender la situación política y socioeconómica del país en relación con temas como el arte, la literatura, o en esta ocasión, el cine. Sábado cumple con una función política porque se alejó de la censura que tanto impusieron los regímenes para criticar y alzar la voz en contra de la misma, en contra del actuar y el no actuar de las instituciones y de la sociedad. Sábado fue más que un suplemento cultural, fue un espacio de crítica, de duelo, de esperanza y, sobre todo, de resistencia intelectual ante un país indiferente, que se deslindó de la cultura mientras se apoyaba en la misma para intentar sanar su crisis financiera y para encontrar una identidad que fomentara el nacionalismo perdido. El resultado fue un grito que buscó despertar al pueblo del letargo, para salvarlo de las letras vacías y de la crítica sin crítica. Sin duda, entre sus páginas, cada artículo, cada obra, cada opinión es un acto que contribuye a la legitimación cultural mexicana, que a día de hoy funciona como testimonio y como un reflejo de lo que fuimos y somos. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-143 151 �Alondra Jazmín Martínez Valdez y Salma Lilian Ledesma Díaz / “El cine mexicano en Sábado” Referencias Archivo General de la Nación. (2019, 15 de agosto). #AGNResguarda documentos de la Época de Oro del Cine Mexicano. Gobierno de México. https://www.gob.mx/agn/articulos/ agnresguarda-documentos-de-la-epoca-de-oro-del-cinemexicano Argueta, A. (2021). El suplemento sábado del unomásuno: Breve panorama de la hegemonía cultural en México durante el siglo XX a través del periodismo cultural. Humanitas. Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios. Vol. 1 Núm. 1, pp. 55-73. https://revhumanitas.uanl.mx/index.php/r/ article/view/5/2 Barei, S. (1999). Periodismo cultural: crítica y escritura. Ámbitos, Revista Internacional de comunicación. No. 2, pp. 49-60. https://revistascientificas.us.es/index.php/Ambitos/ issue/view/795 Benítez, F. (1977–1988). Sábado: La revista de Unomásuno. Celaya, E. (2014). El Estado irrumpe en el cine mexicano. Revista BiCentenario. El ayer y hoy de México. Núm. 61. https:// revistabicentenario.com.mx/index.php/archivos/elestado-irrumpe-en-el-cine-mexicano/ Del Carmen, M. (27 de marzo de 2019). Boletín UNAM-DGCS-211. 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Este artículo aborda el tópico de la “parálisis poética” en “Sindbad el varado”, de Gilberto Owen (1904-1952); para ello, se realiza un análisis de la condición de inmovilidad que padece una serie de personajes y su relación con la tradición literaria y el contexto del grupo Contemporáneos. Este estudio permite afirmar que “Sindbad el varado” recrea el drama de la asfixia creativa que padeció este grupo debido al rigor crítico y a la “imposibilidad” de superar o igualar a los autores clásicos. Se concluye que Owen plantea una solución a esa crisis mediante el recurso de la intertextualidad. Palabras clave: parálisis poética; tradición literaria; intertextualidad; Contemporáneos. Abstract. This article addresses the topic of “poetic paralysis” in “Sindbad el varado”, by Gilberto Owen (1904-1952). To do this, an analysis is carried out of the condition of immobility suffered by a series of characters and its relationship with the literary tradition and the context of the Contemporáneos group. This study allows us to affirm that “Sindbad el Varado” recreates the drama of the creative asphyxiation that this group suffered due to critical rigor and the “impossibility” of surpassing or 155 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” equaling the classic authors. It is concluded that Owen proposes a solution to this crisis through the use of intertextuality. Keywords: Poetic Contemporáneos. 156 paralysis, literary tradition, intertextuality, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 Introducción El libro Perseo vencido, en particular la sección “Sindbad el Varado”, de Gilberto Owen (1904-1952), ha sido por mucho tiempo objeto de una interpretación dominante: la que lo liga con su vida, ello a partir de un ensayo de Tomás Segovia en el que expuso: “la transmutación poética de la materia biográfica es precisamente, me parece, lo más profundo que hay en la obra de Gilberto Owen” (1988: 127). Sin duda, esta línea de pensamiento influyó en los trabajos realizados por autores como Carlos Montemayor (1981), Vicente Quirarte (1990),1 Guillermo Sheridan (1996), por mencionar los más relevantes. Esta presunta simbiosis orientó la pesquisa del pasado vital del poeta sinaloense, lo que produjo la corrección de su natalicio (Beltrán Cabrera, 1996: 72-76), así como la recuperación de anécdotas familiares y el seguimiento de su trayectoria tanto literaria como diplomática (Quirarte, 2007). En su momento, Evodio Escalante (2005) reconoció “una enorme cantidad de desvaríos interpretativos” —como el estudio de la alquimia y el tarot de García Terrés (1980)— que perdieron de vista “lo que tendría que ser lo primario: la experiencia de vida, las vallejianas médulas del dolor, la intensidad emocional, intelectual e imaginativa de una existencia obligada a articularse en verso, más allá o más acá del dato verificable en la biografía”; y con ello, Escalante realizó una lectura que pretendió apartarse del pasado vital del poeta sin lograrlo. Ante esta vía interpretativa, amén de su agotamiento, planteo realizar una vuelta al texto y efectuar una aproximación a la literalidad 1 Quirarte también señaló que Perseo vencido es la crónica de un desamor, y tal certeza se la brindó Tomás Segovia, ya que en uno de sus ensayos, según menciona, confirmó varias de sus intuiciones (1985: 59). DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 157 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” de “Sindbad el varado”, especialmente a la intertextualidad, pues considero que ahí yace tanto el planteamiento de un problema como una propuesta de solución. En un ejercicio crítico, Cynthia Ramírez (2009) notó los referentes clásicos más evidentes en la obra oweniana: Perseo, Simbad el Marino, Zeus, Fausto y Pigmalión; sin embargo, no exploró su sentido, y en particular, los distintos personajes que se despliegan en el poemario.2 Un punto en común es la parálisis, el cual es el elemento articulador del libro. Por esta razón, para interpretarlo e indagar qué significado tiene esa condición es necesario establecer los diálogos que traza con otros textos de la tradición literaria, esto es, la intertextualidad consciente o inconsciente, “o que se citan, ya sea parcial o totalmente, ya sea literalmente […], ya sea renovados y metamorfoseados creativamente por el autor” (Beristáin, 2001: 269). De este modo, en este artículo se hace, en el primer apartado, una revisión de los personajes “paralizados” y después, en el segundo apartado, se ofrece una lectura de esa intertextualidad junto con el contexto del autor, en donde se hace una exploración de la crítica en torno a la concepción de la poesía. Los sucesivos rostros de la inmovilidad La intertextualidad inconsciente en “Sindbad el varado” se torna si no infinita, sí bastante extensa; la que nos interesa, empero, es la explícita, la voluntaria, esa que se propone renovar o metamorfosear otras obras, pues revelaría una intencionalidad que se debe interpretar, sobre todo porque Gilberto Owen dejó pistas en diversos metatextos (como cartas, críticas o prólogos) que pergeñó 2 En cambio, en un estudio posterior Cynthia Ramírez (2012) sí destacó la influencia de André Gide y de la Biblia en la obra de Owen. 158 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 previa o posteriormente a la escritura de lo que se considera como su poema mayor. El libro Perseo vencido está compuesto por cuatro secciones: “Madrigal por Medusa”, que es un solo poema de cuatro estrofas; “Sindbad el varado (Bitácora de febrero)”, la cual está conformada por 28 poemas, uno para cada día del mes; “Tres versiones superfluas (Para el día veintinueve de los años bisiestos)”, constituida por tres poemas, y “El libro de Ruth”, que consta de cinco poemas.3 Ahora bien, estas cuatro secciones están articuladas por la inmovilidad de los personajes que ahí aparecen, ya sea porque están petrificados, muertos o en estado onírico. En este universo oweniano, el primer personaje paralítico es Perseo quien, contrario al mito, es derrotado por Medusa (1979: 68). Owen reformula así el mito de que Medusa era mortal (Hesíodo, 2015: 23) y que había sido decapitada; en esta recreación, el héroe ha sido vencido y petrificado. En esta batalla, Perseo sufre la pérdida de sus sentidos: la vista (“ojos astillados”), el tacto (“embelesado el pulso”), el gusto (“tu voz se hiele en tu garganta”) y el oído (“no rompa mi muerte con su grito”). La derrota es total, pues ha perdido todo lo que ganó, “menos el gesto huraño”. La intertextualidad intencional es evidente, pues remite en primer término al poeta Ovidio, quien señaló que Medusa “era la figura más bella y el partido codiciado por muchos” (2011: 125), pero también hace alusión al fracaso del personaje de The love song of J. Alfred Prufrock, de T. S. Eliot, quien fue incapaz de realizar una declaración amorosa. Owen dice: “amor dormido,/ dolor bisiesto emparedado en años”, ya que 3 Para el propósito de este artículo este poema es prescindible; además, el poeta declaró que se trata de un poema de amor. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 159 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” Perseo, enamorado de Medusa (nótese que es un madrigal), sucumbe a sus encantos, mientras que el personaje eliotiano se suicida: “Nos hemos quedado en los cámaras del mar/ al lado de muchachas marinas coronadas de algas rojas y cafés/ hasta que nos despiertan voces humanas y/ nos ahogamos” (2015: 62); otro paralelismo con esto último es que también Perseo yace en el lecho marino: “Cante el pez sitibundo, preso en redes/ de algas en tus cabellos serpentinos”. Como es notorio, se trata de una apropiación tanto de Ovidio como de Eliot para subrayar la razón del estado inerte de su personaje. La sección titulada “Sindbad el varado” trata de la aventura inmóvil de un marino singular, víctima de un naufragio. De nuevo, Owen retoma la leyenda de Simbad el Marino, de Las mil y una noches (2020), para ponerla de revés; contrario a ese personaje itinerante, inquieto, el del poeta está paralizado en una isla estéril. En el “Día uno, El naufragio”, el poeta recrea la atmósfera de la inmovilidad a través de un tren de metáforas; en primer lugar, alude a la muerte (1979: 69): Esta mañana te sorprendo con el rostro tan desnudo que temblamos; sin más que un aire de haber sido y sólo estar, ahora, un aire que te cuelga de los ojos y los dientes La persona gramatical “tú”, a la que se dirige el yo lírico, es la tierra que lo acogió en la noche; a su vez, la prosopopeya insinúa a la calavera del bufón Yorick, a quien le habla el príncipe Hamlet: “Aquí pendían aquellos labios que yo he besado no sé cuántas veces. […] ¿Qué haces ahí con la boca abierta?” (Shakespeare, 1979:454). Enseguida, el autor despliega otra imagen de la parálisis: la quietud de la isla “desierta y árida” se asemeja al vuelo de un colibrí suspendido 160 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 en el aire: “correveidile colibrí, estático/ dentro del halo de su movimiento”. El náufrago Sindbad es trasmutado por el personaje de Jesucristo fijado en la cruz y sus cinco heridas (69): Esta mañana me consume en su rescoldo la conciencia de mis llagas; […] aquí me hirió su mano, aquí su sueño, en Emel su sonrisa, en luz su poesía, su desamor me agobia en tu mirada. Las cinco llagas que recibió Jesús fueron los cuatro clavos que le pusieron (en las manos y los pies) durante la crucifixión junto con la producida por lanza que le clavaron en el costado para asegurarse de que había muerto, según refieren los evangelistas; en el poema “Día cinco, Virgin Islands” usa de nuevo una alusión bíblica sobre el pasaje de la pasión de Cristo: “María y Marta, opuestos sinsabores/ que me equilibraron en vilo/ entre dos islas imantadas” (72). La imagen de Jesús no es gratuita, ya que Owen se consideraba a sí mismo como la “conciencia teológica” de los Contemporáneos (1979: 290), y a menudo hay una evocación bíblica muy diáfana en su poesía. Prueba de ello es el poema “Día dos, El mar viejo”, en el que hace, en primera instancia, una referencia al diluvio universal (Génesis, 7); sin embargo, una vez más pone de revés el mito: para Owen el diluvio terminó, pero ahora el cielo es un mar “Varado en alta sierra”: el personaje varado es el mar. En este juego intertextual, el poeta sinaloense también recurre al poema “Después del diluvio”, de Arthur Rimbaud, para recrear el verso inicial: “En cuanto la idea del Diluvio remitió…” (2019: 109); y todavía más, para complejizar esta apuesta por el palimpsesto, acude al poema “El cementerio marino”, de Paul Valéry DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 161 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” (cuyo sujeto lírico, también hundido, señala: “sobre losas de muertos va mi sombra/ que a su lábil moverse me acostumbra” [1999: 12]), para expresar que Sindbad (con la máscara de un Noé invertido) se halla varado en el sitio de la muerte: “mas yo estoy en la noche de tu fondo/ desvelado en la cuenta de mis muertos” (70). El mar de Owen, ha dicho Quirarte a propósito de los versos del poema “Día primero…”: “Y luché contra el mar toda la noche, / desde Homero hasta Joseph Conrad”, es, además de un mar material y simbólico, “un mar literario por el que han navegado voces anteriores a la suya” (1985: 97). Y en efecto, el poeta hizo suya la tradición para transformarla, pero sobre todo para hallar una salida a la parálisis a que sus personajes representan. En ese camino, el poeta acude al legendario Ulises (La Odisea), así como a la narrativa marinera de Joseph Conrad, cuyas novelas como Lord Jim o El negro del Narciso relatan naufragios. El siguiente personaje que se enuncia es el propio Sindbad/ Owen. En “Día tres, Al espejo”, la crítica ha encontrado referencias biográficas, sobre todo sobre su padre (ese “gambusino rubio”). No obstante, lo que me interesa destacar aquí es el hecho de que el sujeto lírico se contempla a sí mismo, no al espejo: él es el espejo al verse desde fuera, desdoblado; en una alucinante imagen se ve en sus propias pupilas “sin convite a tu fiesta de fantasmas”. Es decir, Sindbad / Owen se desdobla y ve lo que sucede en la memoria: un haz de recuerdos que lo remontan a la vida del poeta y su mar nativo: “Dentro de ti, la casa, sus palmeras, su playa […] y al fondo el amarillo amargo mar de Mazatlán” (71). Este desdoblamiento se da porque quien ve es un fantasma anclado en la eternidad de la muerte: “Yo, en alta mar de cielo/ estrenando mi cárcel de jamases y siempres” (71), puesto que ambos adverbios sustantivados, aunque 162 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 antagónicos, apuntan hacia una temporalidad absoluta. En el “Día cuatro, Almanaque”, ahora el personaje inmóvil es el mismo Dios (p. 71): Todos los días 4 son domingos porque los Owen nacen ese día, cuando Él, pues descansa, no vigila y huyen de sed en sed por su delirio. En una carta a Elías Nandino, señalaba que “los ówenes” aprovechaban los días domingo para nacer (1979: 291). Detrás de esa enunciación hay un manifiesto sentido herético al parodiar el santoral católico. De acuerdo con el Génesis, “El séptimo día terminó Dios lo que había hecho, y descansó. Entonces bendijo el séptimo día y lo declaró día sagrado, porque en ese día descansó de todo su trabajo de creación” (2: 2-3). Pero el Dios de Owen no vigila porque, inerme en su reposo, o tiene una pesadilla o está ebrio o es víctima de la locura, pues delirante deja escapar a los Owen. La parálisis de Dios produce ángeles caídos; en lugar de ángeles, nacen demonios. La idea de William Blake, retomada del Paraíso perdido, de John Milton, aparece de trasfondo: el diablo y el artista son semejantes en su rebeldía y fuerza creativa: “El mal es activo al brotar de la energía” (2018: 89). En este viaje inmóvil, la bitácora apunta a los pensamientos o recuerdos de Sindbad, es decir, a su conciencia. Si leemos con atención, en Perseo vencido hay numerosas alusiones al hecho de que el sujeto lírico pareciera estar en el trance de la muerte: “No ser y estar en todas las fronteras/ a punto de olvidarlo o recordarlo todo totalmente” (“Primera, Discurso del paralítico”, 1979: 90) y desde ahí DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 163 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” es donde apunta una serie poemas tendientes a recrear la “memoria morosa en las heridas” (“Día siete, El compás roto”, [78]), el registro de su naufragio. De este modo, del “Día ocho, Llagado de su mano” al “Día doce, Llagado de su poesía”, desarrolla la idea planteada en el primer día (“la conciencia de mis llagas” [69]). Asimismo, Owen escribe cuatro poemas, para los días del dieciocho al veintiuno que titula “Rescoldos”: de pensar, de sentir, de cantar y de gozar; un rescoldo es el resto o residuo que queda de un afecto, sentimiento o pasión, lo cual es significativo, ya que una vez más Owen orienta la lectura hacia un sujeto que está en agonía, como una brasa que queda entre la ceniza, según la otra acepción de “rescoldo”. Otra máscara de Sindbad es Ulises; no obstante, este personaje también es peculiar, pues Owen transfigura la epopeya homérica: este se vuelve en un héroe trágico: “Y mi sed verdadera/ sin esperanza de llegar a Ítaca” (“Día veintiuno, Rescoldos de gozar” [83]). Se trata de un náufrago que se ha extraviado y ha perdido para siempre la ruta de retorno. Después, en el “Día veinticinco, Yo no vi nada”, Owen sugiere una vez más la muerte de Sindbad al comparar los “puertos como párpados cerrados”, y al señalar: De llamar a mi puerta y de oír que me niegan y ver por la ventana que sí estaba yo adentro, pues no hubo, no hubo quien cerrara mis párpados a la hora de mi paso (86). El tema del desdoblamiento se repite: el sujeto lírico es un testigo ciego, lo cual también se reitera en otros poemas. Este Sindbad, además, se convierte en Jonás al estar en la nave de una iglesia abandonada “que pudo ser el vientre/ de la ballena para el viaje último” (en Jonás 1:7 se narra que un gran pez se tragó al profeta 164 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 por tres días y tres noches luego de ser arrojado desde un navío para calmar el mar embravecido) y también se transfigura en Prometeo encadenado: “pues yo llamaba al buitre de tu luz/ a que me devorara los sentidos” (por la falta de haber robado el fuego a los dioses del Olimpo, “sufro el castigo de estar aherrojado mediante cadenas a cielo abierto” [Esquilo, 2015: 333]). Tanto Jonás como Prometeo son también personajes paralizados. A ellos se suma un personaje bíblico con similar condición. En el “Día veintisiete, Jacob y el mar”, Owen recurre al relato bíblico de la noche que Jacob luchó contra un ángel en la playa hasta el alba; como el ángel no pudo prevalecer, le tocó el muslo y lo dejó descoyuntado (Génesis 32: 22-30): “Mañana habrá en la playa otro marino cojo”. Tenemos así a otro personaje inmóvil, paralítico. Asimismo, este ángel oweniano sería una lectura del poema “Jacob”, de Alfonso Reyes escrito en París en 1925, y este a su vez partiría del poema “Mort d’un cygne”, de Jean Cocteau; dice Reyes: “Bajo las contorsiones del gigante, /aúllo a veces —oh enemigo blanco—/ y dentro de mí mismo estoy cantando” (Patout, 1989: 521-522); de su combate con el ángel, obtiene un canto, y mientras que el Jacob bíblico también obtiene un triunfo, la bendición divina, la batalla que sostuvo el personaje oweniano fue inútil, pues no obtuvo su propósito: “cuando eres poesía y mi rosa se inclina a oler tu cifra y te me esfumas” (87). No obtiene ninguna ganancia. Por último, en el “Día veintiocho, Final”, alude a la muerte del sujeto lírico: “ese ángel de la guarda que se duerme borracho mientras allí a la vuelta matan a su pupilo”, junto con el desenlace: “Tal vez mañana el sol en mis ojos sin nadie” (87) dan cuenta de esa condición inerte. Ahora bien, esta amplia galería de personajes inmóviles o paralizados que se halla en el poemario representa, por un lado, el reconocimiento tácito de pertenecer a una tradición literaria DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 165 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” con la que Owen dialoga a través de la intertextualidad; por otro lado, es una manifiesta expresión de señalar el peso de esa misma tradición, la asfixia creativa. Como se verá en el siguiente apartado, el poeta sinaloense construye una serie de efugios —algunos desde el humor— para salir de esa situación. Para ello, es necesario situar las condiciones de producción del autor para, a través de la metatextualidad, rastrear las inquietudes intelectuales de sus contemporáneos. Efugios owenianos a la “parálisis” poética En el contexto de las letras mexicanas, en los años veinte se declaró una crisis en la poesía, pues en 1925 Jiménez Rueda hablaba de un “reblandecimiento o afeminamiento” de la nueva literatura, en referencia la producida por el grupo Contemporáneos; mientras que la de los estridentistas, liderados por Maples Arce, se consideraba una literatura “viril” (Velázquez, 2010: 13). Se trató, como trasfondo, de una postura nacionalista: la reconstrucción posrevolucionaria de la identidad cultural, que compartió el Estridentismo, y la intención de inscribirse en la literatura universal, sin cortapisas ideológicas, por parte del “grupo sin grupo”. En esa tesitura, este último entró en un debate intelectual relativo a la “pureza” de la poesía a partir de la tesis de Paul Valéry —quien retoma la idea de Edgar Allan Poe relativa a su Filosofía de la composición (1846)—, y de ahí se derivó también una crisis: una crisis creativa. En la elaboración del poema “El Cuervo”, Allan Poe aseveró que “ningún detalle de su composición puede asignarse a un azar o una intuición, sino que la obra se desenvolvió paso a paso hasta quedar completa, con la precisión y el rigor lógico de un problema matemático” (67). Como puede verse, para 166 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 Poe una obra artística era fruto de la planeación, de un proceso racional y consciente, contrario a la libertad propugnada por el romanticismo y asumida totalmente, después, por el surrealismo y otras vanguardias, época en la que Valéry da a conocer su tesis de la poesía pura. En 1920 Valéry, como he dicho, señaló que a mitad del siglo XIX había una “voluntad de aislar definitivamente la poesía de cualquier otra esencia ajena. Semejante preparación en estado puro había sido predicha y recomendada con la mayor precisión por Edgar Poe” (1990: 12). El abate Bremond interpretó la definición de Valéry de forma equivocada al asociar la poesía pura con una “corriente inefable y misteriosa que tiene que ser intuida” y no con “el hipotético residuo ‘simple’ que resultaría de un proceso racional de descomposición analítica, una vez eliminados los elementos no poéticos” (Stanton, 1994: 29-30). También Stanton señala otras tres acepciones de poesía pura: la de Juan Ramón Jiménez, “un intento de equilibrar emoción, sensación e intelecto en lo que se llamaría ‘lirismo de la inteligencia’ o ‘sensualismo intelectual’; la de las vanguardias, que pudiera resumirse en “la estilización extrema en un proceso de abstracción formal e intelectual”, y la José Ortega y Gasset, quien acuñó “el término de arte deshumanizado” (30-31). Ahora bien, la definición que nos interesa aquí es la de Valéry, quien proponía “un proceso intelectual de abstracción y rigor que pretende reducir la poesía a su esencia intemporal” (Stanton, 1994: 30), es decir, la eliminación de las impurezas mediante el rigor de la razón. Este ejercicio fue asumido por algunos integrantes de Contemporáneos: Jorge Cuesta y Xavier Villaurrutia, principalmente. Para Cabrera y Ramírez (2011), “parece difícil concebir que por esa misma razón [la teoría purista] dejaran de escribir, agotado el modelo valeriano”. Sin embargo, creo que la opinión de Stanton resulta muy DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 167 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” acertada al considerar que el exceso de la doctrina purista conllevó a la “poesía de asfixia”: descubrieron así las “secuelas del nihilismo metafísico: el silencio, la esterilidad, la nada. Incapaces de ampliar sus universos poéticos o explorar otras vetas con la misma intensidad, enmudecieron” (1994: 41-42). Quien vio esta situación con una claridad meridiana fue José Gorostiza, pues en su ensayo “La poesía actual de México. Torres Bodet: Cripta”, que publicó en 1937, describe el drama de la parálisis debido al rigor del criticismo: “una forma poética paralítica, que no se desplaza, que no crece, sino que está allí, inmóvil, distribuida en el espacio del poema de acuerdo con una idea puramente plástica de la composición” (303). Esta “pureza”, en opinión de José Gorostiza, consistía en discriminar la emoción del poema, en una especie de “horror a la vida” y en un “testismo” que hacía “aparecer a toda nuestra generación y no solamente al ‘grupo sin grupo’ como una ‘generación sin drama’” (302). También Alfonso Reyes —una figura tutelar de los Contemporáneos— advirtió, casi como liminar al estallido de las vanguardias, sobre una crisis de “lucha por la libertad artística”. En el ensayo “Jacob o idea de la poesía” expuso una disyuntiva en la poesía mexicana: la tradición apegada a las formas poéticas y, por otro, a los que experimentaban la “escritura mediumnímica o sonambúlica” (Reyes, 1933). En medio de esa querella, entre lo formal y lo informal, Reyes proponía “espuela y freno”, es decir, una libertad a partir del rigor de la forma. Para el polígrafo mexicano, la poesía era un “efecto de palabras”, más que un “estado de alma”, y deslizaba una crítica, justamente, contra la idea de “pureza”: “Lo que al poeta importa es evitar que el espíritu ceda a su declinación natural, a su pureza cósmica, la cual pronto lo llevaría a las vaguedades más nauseabundas y al vacío más insípido”. Como puede constatarse, 168 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 en el ambiente intelectual mexicano eran comunes las ideas sobre la materia poética relativas a la pureza, la forma y el lenguaje. Y es en este universo que Gilberto Owen elabora una contrapropuesta: y lo hace, precisamente, con los elementos de la poesía. En el poema “Día veintisiete, Jacob y el mar”, Owen recrea esa batalla entre el poeta y el lenguaje, como ya he dicho en el acápite anterior. Pero sobre todo, el libro Perseo vencido, y en particular “Sindbad el varado”, es el que recrea el drama de la parálisis en el que estuvieron sumergidos los Contemporáneos debido al excesivo rigor de la autocrítica. Jaime Torres Bodet, como Jorge Cuesta o Xavier Villaurrutia, identificó los puntos de unión entre ellos: “Más que una tendencia común, los agrupa una involuntaria solidaridad: el mismo odio a la fórmula, la misma curiosidad de perderse que hace la belleza de la figura de Simbad” (citado por Stanton, 2014: 19). El personaje de Simbad, como Ulises o Eneas, era un ícono de la aventura intelectual del grupo, razón por la que Owen lo habría elegido para alegorizar el escollo de sus contemporáneos; en una misiva a Reyes, le relataba: La vida de Simbad que empecé a escribir, danza también, hace tres años, se me ha complicado en marcha ahora que la he reanudado; en el viaje quinto me he encontrado con mi generación, en el episodio del viejo de la selva; le he visto sobre los hombros míos, sobre los de mis compañeros, asfixiándoles; y quiero embriagar a elogios a mis clásicos, y darles luego una buena pedrada en la cabeza. Voy a respirar deliciosamente libre de él (78). El estilo discursivo y lúdico de esta confidencia literaria tiene varias capas de significación: en primer término, juega con la idea de Valéry (la poesía como danza; la prosa como marcha) para DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 169 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” señalar la dificultad de su escritura; enseguida, y lo más relevante, hace mención del quid de su planteamiento: el viejo de la selva, que en Las mil y unas noches se trepa en los hombros de Simbad, cruza las piernas y lo tortura así día y noche, se convierte en símbolo de la asfixia poética de toda la generación. En el quinto pasaje del relato árabe, Simbad embriaga al anciano con el fermento de unos frutos y, acto seguido, lo mata “con una piedra enorme” (2020: 238); en la versión oweniana destaca la pretensión de “embriagar” a los clásicos, lo cual hace a través de lo que yo denomino como la poética del palimpsesto, para enseguida deshacerse de ellos; por eso menciona que va a respirar “deliciosamente”, pues sólo así podrá librarse de la asfixia de la dura carga que representaban los autores canónicos, insuperables, para él y los suyos. Esa asfixia, que en otros momentos se traduce como una parálisis, es la que funciona como el hilo conductor de todo el libro. En la misiva que le escribe a su amigo Luis Alberto Sánchez le cuenta el plan del libro, y en ella podemos leer, en primer lugar, la intención de otorgarle una unidad semántica al poemario: Dime si te parece bien el nuevo plan del libro, cuyo título, en ese caso, sería Perseo vencido; si no quieres añadirle la Ruth y el Madrigal, puede ser, como decía antes, Sindbad el varado. El Perseo me suena más, porque el origen de todo, el Madrigal, lo escribí viendo una de las innumerables estatuas, pensando que Medusa después de todo no había sido decapitada, y que seguía petrificando, a los que creemos vencerla, a través de la historia del arte. Y de la poesía (1979: 279). En segundo lugar, explica “el origen de todo, el Madrigal…”. ¿Y cuál es ese principio, esa idea germinal del libro? La petrificación 170 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 del héroe Perseo. En tercer lugar, es indispensable reparar en las últimas líneas: Medusa continúa paralizando a los artistas y a los poetas a través del tiempo; ahí se encontraría, precisamente, la clave para interpretar su propuesta: para Owen, Medusa se convierte en símbolo del peso de la tradición y Perseo en el artista que la desafía sin posibilidad del triunfo. Sin embargo, un primer efugio ante la parálisis es el gesto huraño de Perseo: pues cuando dice “Déjame así, de estatua de mí mismo,/ la cabeza que no corté, en la mano,/ la espada sin honor, perdido todo/ lo que gané, menos el gesto huraño”, lo que subraya es la actitud de haber luchado hasta el final a sabiendas de que estaba destinado a perder. El segundo efugio del sujeto lírico, esta vez con la máscara de Sindbad, lo constituye el poema “Día catorce, Primera fuga” (78): Por senderos de hienas se sale de la tumba si se supo ser hiena, si se supo vivir de los despojos de la esposa llorada más por los funerales que por muerta, poeta viudo de la poesía, lotófago insaciable de olvidados poemas. En este poema Owen recrea el pasaje del cuarto viaje relatado por Scherezada: casado en una isla con la hija del rey después de haber sido rescatado de una tierra de caníbales, Simbad es enterrado vivo en una cueva —como era costumbre— luego de su esposa enfermara y falleciera; sin embargo, logra escapar gracias a una brecha abierta por las fieras que entraban a la gruta para engullir los cadáveres (2020: 227). La salida oweniana de la asfixia poética, entonces, es esta: el poeta debe alimentarse de los restos de la poesía para sobrevivir; además, recurre también al canto IX de La Odisea, cuando Ulises llega a una isla, pero al ir explorar sus hombres comen DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 171 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” flor de loto y pierden la memoria (1993: 229). En este sentido, el mensaje de Owen sería este: hay que fagocitar la tradición y después deshacerse de ella a través del olvido. De este modo, el autor actúa en dos vías: enuncia la práctica y, al mismo tiempo, la efectúa. El tercer efugio propuesto por Owen es, no sin una dosis de humor, el alcohol. En “Día quince, Segunda fuga (Un coup de dés)” (1979: 78), establece: Alcohol, albur ganado, canto de cisne del azar. Sólo su paz redime del Anciano del Mar y de su erudita tortura. Alcohol, ancla segura y abolición de la aventura. En la clave oweniana, el alcohol es lo que le pone fin al azar, el que triunfa sobre la propuesta de Mallarmé (“un coup de dés/ jamais n’abolira le hasard”). El tiro de dados preconizaba la abstracción al límite en sus “subdivisiones prismáticas de la Idea”, es decir, en sus versos, los que se hallan aislados en un océano de silencio (1982: 157); de ahí entonces que el Anciano del Mar (aquel embriagado por Sindbad) represente “la erudita tortura”: la carga de la tradición y, sobre todo, la línea de la poesía pura trazada por Allan Poe. Por eso, Owen recurre al símbolo del alcohol para finalizar la aventura intelectual de los puristas, como Mallarmé o Valéry, la cual había ocasionado un ahogamiento en los creadores de su generación. En las “Tres versiones superfluas”, los personajes inmóviles son Segismundo (de La vida es sueño, de Calderón de la Barca), Lot (del Génesis bíblico) y Narciso y Filemón (de Metamorfosis, de Ovidio), además de Sindbad. Con claridad, Owen propone un juego: las versiones estarían de más; sin embargo, al denominarlas así se entiende que estas son variaciones del mismo tema. Son, a pesar 172 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 del adjetivo “superfluo”, el verdadero germen de su extenso poema “Sindbad el varado”, y más aún, de Perseo vencido. Para Schneider, no obstante, Perseo vencido “tiene más la traza de una antología de los últimos poemas que entonces llevaba escritos Owen y no de un libro autónomo” y “salta a la vista el anacronismo de ‘Tres versiones superfluas’ dentro de la línea general de Perseo Vencido y más aún con la declaración del propio Owen de que ‘Discurso del paralítico’ lo escribió en 1936” (2008: 5). Me parece que esta lectura es errónea, pues el poema “Primera. Discurso del paralítico” expone con bastante claridad la idea de la inmovilidad y la propuesta de salir de ella: ante la vaciedad de la poesía pura y la supresión de los sentidos (“donde la rosa no es ya sino el nombre/ sin rosa de la rosa”), grita Elías “su ley desacordada”: “Cuando la luz emana de nosotros todo dentro de todos los otros queda en sombras y cuando nos envuelve ¡qué negra luz nos anochece adentro!”. (1979: 94) Elías es tanto el personaje bíblico “envuelto en llamas” como su amigo Elías Nandino, a quien en una misiva le preguntó: “¿Leíste tu ley en uno de mis esperpentos?” (1979: 290). Esta ley es la de la correspondencia, es decir, la que logra un equilibrio entre la forma y el fondo, entre la razón y la emoción; por eso, en la misma carta le dice: “En mi inteligencia y en mi sensibilidad eres solamente poeta” (290). También en una nota crítica a Biombo, de Torres Bodet, señaló: “Misión de poeta es mirar y sentir por los que quieren […] y ordenar luego en obra intelectual esas emociones” (215). Pero es en “Poesía —¿pura?— plena” donde asentó la conciliación de los contrarios: “El agua clara, decimos nosotros, y el vaso de cristal, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 173 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” pero tampoco vacío” (228); nótese, además, el símil compartido con Muerte sin fin, de José Gorostiza. Finalmente, en el “Texto preliminar a ‘Tres versiones superfluas’” que Owen dispuso en el cuaderno Amistad, señalaba que la literalidad podía ser superada; a través de Axel, menciona que Valéry había afirmado que la frase: “La baronesa entró y tomó asiento” era la más difícil de escribir, pero que un amigo (Owen) había escrito “tres versiones aproximadas”, y explicaba su intención: “Y en las dos anteriores no trata de evocar el cuento del viejo de la selva, sino de imitar los dos versos de Rimbaud para quejarse de la dura carga que nos son nuestros clásicos” (Owen, 2004). Los versos en cuestión son: “Science avec patience,/ Le supplice est sûr”, y el Eclesiastés (1: 18) también nos recuerda que quien añade ciencia, añade dolor; la crítica, en este sentido, la encamina hacia el terreno de la composición poética que Allan Poe definía como de “rigor lógico”. Como es notorio, el espíritu lúdico de Owen desvía la atención del símbolo del Anciano del Mar, pero no para opacarlo, sino para resaltar la poética del palimpsesto a través del recurso de “elogiar a pedradas” a los clásicos: “Y la hiel en mis piernas, que estrangulan/ a Sindbad con recuerdos y ciencia e impaciencia” (1979: 99). No obstante, Sindbad ha logrado salir triunfante, y la inmovilidad y la asfixia son desechas. Conclusiones En “Sindbad el varado” Gilberto Owen despliega una serie de personajes con un rasgo en común: la parálisis. Esto sucede con los relatos canónicos de la tradición literaria: por ejemplo, de la Odisea recrea el mito de Perseo y la Gorgona para indicar que el héroe jamás le cortó la cabeza, sino que fue derrotado y vuelto estatua; y contrario al marino de Las mil y unas noches, la suerte de este Sindbad 174 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 es malhadada y está condenado a vivir en una isla desierta y árida. Con el elemento de la inmovilidad o la asfixia, el poeta elabora una contrapropuesta en torno a una discusión intelectual de la época: por una parte, la “asfixia” creativa debido al peso del canon literario y, por otra parte, la entelequia de la poesía pura —sobre todo a partir de un malentendido Valéry—. Al poner de revés o subvertir las historias tejidas en la tradición, Owen no sólo representa el drama de la inmovilidad mediante los personajes que la padecen, sino que también muestra un camino para superar tal escollo: la recreación de las obras, ya sea a través de la intertextualidad. En este marco, Owen retomó con conciencia a los autores de su predilección, sus “clásicos”, para proponer una serie de efugios al problema que José Gorostiza denominó asfixia o parálisis poética común al grupo Contemporáneos (sobre todo Xavier Villaurrutia y Jorge Cuesta), la cual se debió en gran medida a la ansiedad de las influencias (Bloom, 1991), que les impedía la producción artística. Owen elabora así una poética del palimpsesto: reescribir, o más bien recrear, a sus precursores para deshacerse de ellos. Referencias Allan Poe, E. (1908). Filosofía de la composición. Revista Moderna de México. Anónimo (2020). Las mil y una noches (versión íntegra). 3 t. Mirlo. Beltrán Cabrera, F. J. (1996). Gilberto Owen, datos para una biografía. Castálida, (7). ____________ y C. A. Ramírez Peñaloza (2011). La poesía pura y la vida (o el ejercicio oweniano de la poesía pura). Espéculo. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 175 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” Revista de estudios literarios. Universidad Complutense de Madrid. http://www.ucm.es/info/especulo/numero47/ poepura.html Beristáin, H. (2001). Diccionario de retórica y poética. Porrúa. Blake, W. (2018). El matrimonio del cielo y el infierno. Cátedra. Bloom, H. (1991). La angustia de las influencias. Monte Ávila. Eliot, T. S. (2015). La canción de amor de J. Alfred Prufrock. UANL. Escalante, E. (4 de septiembre de 2005). La experiencia poética de Gilberto Owen. La Jornada Semanal, 548. MODELO INTERNET (jornada.com.mx) Esquilo (2015). Tragedias. Gredos. García Terrés, J. (1980). Poesía y alquimia. Los tres mundos de Gilberto Owen. Era. Gorostiza, J. (2007). La poesía actual de México. Torres Bodet: Cripta. En Poesía y prosa. Siglo XXI editores. Hesíodo (2015). Teogonía. Gredos. Homero (1993). La Odisea. Gredos. Mallarmé, S. (1982). Un coup de dés. Jugada de dados. Trad. Federico Gorbea. Plaza & Janés. Montemayor, C. (1981). Tres contemporáneos (Jorge Cuesta, José Gorostiza, Gilberto Owen). UNAM. Ovidio (2011). Metamorfosis. Alianza. Owen, G. (1979). Obras. FCE. 176 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Humanitas, vol. 5, núm. 10, 2026 ____________ (2004). Gilberto Owen. Papeles dispersos. Organización y comentarios de Vicente Quirarte. En https://letraslibres. com/revista-mexico/papeles-dispersos/ Patout, P. (1989). Sobre “Jacob”, poema de Alfonso Reyes, escrito en París (1925). NRFH, XXXVII (2), pp. 521-533. Quirarte, V. (1990). El azogue y la granada: Gilberto Owen en su discurso amoroso. UNAM. ____________ (2007). Invitación a Gilberto Owen. Pértiga. Ramírez Peñaloza, C. A. (2009). 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DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 177 �Santos Javier Velázquez Hernández (Universidad Autónoma de Sinaloa) / “La intertextualidad como efugio” Shakespeare, W. (1979). Obras. Argos Vergara. Sheridan, G. (1996). Gilberto Owen y el Torbellino Rubio. Vuelta, (239). Valéry, P. (1990). Teoría poética y estética. Visor. ____________ (1999). El cementerio marino. Millenium. Velázquez, J. (2010). La llave de su reino. Ensayos sobre Gilberto Owen. Conaculta/UAS. 178 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-96 �Notas Humanitas, vol. 4, núm. 8, 2025 La figura de la madre en los cuentos de terror hispanoamericanos The maternal figure in Latin American horror fiction Aimé Denise Rosales Rodríguez Universidad Autónoma de Nuevo León San Nicolás de los Garza, México aimeadrr@gmail.com Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez Universidad Autónoma de Nuevo León San Nicolás de los Garza, México jocelynsalazar652@gmail.com Resumen. La presente investigación analiza la representación de la figura materna en los cuentos de terror latinoamericanos escritos desde el siglo XIX hasta el XXI. A partir de un corpus inicial de cien cuentos de autores y autoras del seleccionados y procesados mediante la herramienta digital Voyant Tools y el enfoque de lectura distante propuesto por Franco Moretti para identificar patrones temáticos y de frecuencia léxica en torno al término “madre” en los cuentos. Este proceso permitió seleccionar catorce cuentos donde la figura materna adquiere un papel significativo, los cuales fueron posteriormente examinados mediante una lectura cercana con el fin de profundizar en su construcción simbólica y narrativa, así como su evolución en el género de terror desde la perspectiva género. Palabras clave: literatura de terror, maternidad, lectura distante, feminismo, cuento latinoamericano. 179 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” Abstract. This research analyzes the representation of the maternal figure in Latin American horror stories written from the 19th to the 21st centuries. It begins with an initial corpus of one hundred stories by selected authors, processed by the digital tool Voyant Tools and the distant reading concept, proposed by Franco Moretti, to identify thematic and lexical frequency patterns surrounding the term “mother” in the stories. This process allowed the selection of fourteen stories in which the maternal figure plays a significant role. Then, these fourteen stories were examined through close reading to delve deeper into their symbolic and narrative construction, as well as their evolution within the horror genre from a gender perspective. Keywords: horror literature, motherhood, distant reading, feminism, Latin American short story. 180 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 Introducción El género de terror ha estado presente en la literatura desde el siglo XVIII, tenemos autores como Edgar Allan Poe y P.H. Lovecraft que son mundialmente conocidos en este género, sin embargo, el interés en esta investigación es conocer cómo se ha escrito la literatura de terror, específicamente cuentos, en Latinoamérica, el corpus se compone por 100 cuentos, los cuales datan desde el siglo XIX hasta el siglo XXI. El objetivo de esta investigación es analizar la figura de la madre en estos cuentos para conocer el rol que juega está en la narración de terror en Latinoamérica, la presente investigación se realizó con ayuda de una base de datos llamada Voyant Tools, a la cual le proporcionamos un corpus de 100 cuentos de terror de escritores y escritoras latinoamericanos desde el siglo XIX hasta el siglo XXI, los datos fueron analizados por esta base de datos mediante un análisis temático para identificar solamente aquellos cuentos que tenían como tema principal la figura de la madre, teniendo al final 14 cuentos como corpus para esta investigación. Tenemos una tendencia en estos cuentos donde nos percatamos de que las narradoras latinoamericanas contemporáneas denuncian el ideal cultural de la maternidad en sus cuentos, dándoles a las madres una personalidad distinta, extraña y desapegada. Analizar la figura de la madre en la literatura es relevante, ya que está ligado con temas sociales que están destacando en la actualidad, la manera en que la figura materna opera en los cuentos puede manifestarse de distintas maneras, por ejemplo: el trauma de la hija, el miedo de la madre porque su hija pase por lo mismo que ella, la sobreprotección, la violencia de género, el feminismo, entre otros. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 181 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” Distintos autores analizan este tema, como es el caso de Mónica Ramón Ríos (2021) quien analiza, en su artículo “Morir por dar a luz: notas sobre maternidad en la literatura y la brecha”, cómo el tema de la maternidad se hizo visible en la literatura escrita por mujeres y se hizo notar desde el feminismo, comenta que esta temática la vio como una paradoja del ser, como una transformación de la mujer después de haber dado a luz a un hijo. Por otro lado, tenemos a Silvia E. Álvarez-Arana y Mayte de las Heras Martínez (2021), quienes en su artículo “La Resignificación del mito de la maternidad en “Se habla de Gabriel; de Rosario Castellanos” nos hablan del concepto de la maternidad, a partir de un escrito de Rosario Castellanos, analizan cómo es que este concepto de maternidad se forma desde una cultura patriarcal y cómo las autoras comienzan a deconstruir el instinto maternal para llegar a tener una maternidad libre, sin modelos que se hicieron desde la desigualdad. Por último, la tesis de Yina Alejandra Guerrero Buenhombre (2021), titulada “Entre cultura y naturaleza: una mirada a la figura de la madre en cinco cuentos de escritoras latinoamericanas del siglo XXI”, hace un análisis de cómo la temática de la maternidad en la narrativa latinoamericana actual ha sido constante y analiza la figura de la madre desde la sociedad y la cultura, esto lo liga con la crítica feminista y hace ver al cuerpo como un elemento poético en la narrativa de las autoras. La madre en la literatura de terror Latinoamericana desde una lectura distante Franco Moretti (2015) argumenta que la lectura distante nace a partir de nuestra incapacidad de leer todo lo que se ha escrito, así mismo, 182 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 encuentra una explicación a la permanencia de ciertos textos en el canon (y en el mercado) a partir de los indicios que presentan las obras que analizó. “Un recurso concebido para colonizar un nicho del mercado, obligando a los demás escritores a aceptarlo o desaparecer” (96). Los indicios trazan la línea a seguir que los lectores, consciente o inconscientemente, buscan en sus lecturas, algo que también ha impactado en la forma en que percibimos los géneros, así como en el contenido y la estructura que deberían de tener. Para Moretti, la lectura de las obras olvidadas también debe ser repensada, no basta con encontrarlas y traerlas a la luz de los lectores. Es necesario darles un lugar y dedicarles, en la medida de lo posible y según el contexto, su propia lectura sin prejuicios. “Al enfrentarme al olvidado 99,5% de la literatura, y perplejo por su tamaño, no podía simplemente “comenzar a leer”: tenía que leer a luz de algo, de modo que elegí el 0,5% de la literatura canonizada” (Moretti, 2015: 106). Esta investigación ofrece una oportunidad para ampliar nuestra visión de la literatura Hispanoamericana. Cabe recordar que los cuentos recuperados en este trabajo son solo una muestra de los textos escritos en Hispanoamérica del género de terror y que, así como menciona Moretti, es un intento por recuperar y leer aquellas obras que han sido olvidadas, en este caso, nuestra literatura hispanoamericana. Continuando con la lectura distante, Ricardo Martínez-Gamboa (2016) señala que, a pesar de que la teoría literaria prefiere emplear el análisis crítico a partir de una lectura atenta y cercana, las limitaciones de este método son inminentes al tratar un corpus extenso: Sin embargo, […] estos procesos de “close reading” muchas veces son incapaces de tomar en cuenta los grandes números, lo que hoy DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 183 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” se denomina el “big data”, fundamentalmente porque el manejo de un gran volumen de datos permite observar regularidades y patrones que son muy difíciles de detectar en el microanálisis. (41) La lectura distante permite, a través de herramientas digitales y nuevos métodos de investigación, recuperar, almacenar y analizar un mayor número de textos en comparación con la lectura cercana, siendo las siguientes algunas de sus posibilidades de análisis: […] estimaciones cuantitativas temáticas de los textos literarios, estimaciones cuantitativas de contenido de los textos literarios, clasificación de textos literarios según sus propiedades semánticoléxicas, determinación de patrones literarios por género y generación, establecimiento de similitudes entre textos literarios diversos y establecimiento de redes de autores contemporáneos. (41-42) La aplicación de estas herramientas digitales y computacionales permite generar nuevos y mayores resultados durante el proceso de investigación, así como nuevos enfoques de investigación y análisis de los textos literarios. Ahora bien, en la presente investigación, la lectura distante es utilizada a partir de la digitalización, procesamiento y análisis de un corpus delimitado, como lo es el caso de la literatura de terror escrita en Latinoamérica desde principios del siglo XIX hasta la actualidad. Recientemente, esta temática se ha estudiado con mayor frecuencia con la intención de rastrear su tradición y desarrollo en nuestro continente. Antes de abordar la literatura de terror, es necesario discutir su definición. Según Fernando Darío González Grueso (2017), en su artículo “El horror en la literatura”, analiza los acercamientos teóricos de otros autores respecto al género literario del horror, 184 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 desde la historia, el psicoanálisis, la psicología y la teoría literaria, esto con el objetivo de delimitar el género, rescata el concepto del horror de Noel Carroll y señala lo siguiente: Carroll afirma que el horror es un género que se entrecruza con numerosas formas de expresión artística y de los medios de comunicación, y que el horror debe ser algo amenazante e impuro y que proponga una fusión de emociones de miedo y disgusto, o lo que viene a ser lo mismo, que su horror en el arte necesita de la referencia a una entidad, un monstruo, que puede ser tanto físico, como incompleto, o sin forma. (2017: 36) Estas características y efectos en el espectador/lector son indispensables para denominar a una obra o expresión artística como horror. Algunos de estos conceptos resultan vitales para clasificar el corpus de nuestra investigación, siendo el horror un hecho físico o psicológico, e incluso a partir de elementos reales/ naturales o sobrenaturales. El miedo, un elemento estrechamente ligado al género del horror, es definido “en sentido estricto y como afección al individuo, como un páthos, o «emoción-choque, frecuentemente precedida de sorpresa, provocada por la toma de conciencia de un peligro presente y agobiante que, según creemos, amenaza nuestra conservación»” (González Grueso citando a Delumeau, 2017: 31). Es decir, el miedo es una experiencia humana resultante de un suceso peligroso, desconocido o sorpresivo que puede afectar la integridad de quien lo experimenta. Continuando con el concepto de miedo, González Grueso (2017) señala que: Tal y como aventuraba H. P. Lovecraft (…) el miedo a lo desconocido, y deberíamos añadir, el miedo en general, se ha DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 185 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” visto representado en la literatura folclórica mundial desde sus inicios. La literatura tradicional oral se ha servido de esa emoción en multitud de ocasiones, tanto en la literatura sobrenatural, como en los rituales religiosos, o incluso en sus híbridos, y pensemos en las danzas de la muerte, o en los autos de fe. (34) El miedo como recurso artístico o literario permite a los autores explorar la complejidad de la condición humana, los temores sociales, la búsqueda del significado de la vida, entre otros temas relacionados. En la actualidad, la literatura de terror ha ampliado su repertorio temático, explorado nuevas realidades y rescatado otras que fueron invisibilizadas u olvidadas por la sociedad de su época, tal es el caso de las problemáticas sociales atravesadas por el género, la raza, la sexualidad, entre otras, que han presentado nuevas perspectivas de este género. Ahora las escritoras latinoamericanas, como un acto de denuncia y reivindicación, han decidido retratar el terror que acompaña a cada una de las distintas realidades que enfrentan las mujeres. Recordemos que la mujer como sujeto social, cultural y político ha recibido una serie de roles y adjetivos que han determinado su papel tanto en la vida privada como pública. Estas limitaciones son rastreables en el imaginario construido por la literatura desde sus inicios. En lo que respecta a Hispanoamérica como parte de un proyecto político y social a partir de las independencias, G. Raquel Pina (2006) destaca lo siguiente: Un rasgo común de todos los romances nacionales es la idealización de la mujer y la asignación de un papel determinado en las nuevas sociedades: ama de casa, esposa fiel y madre amante. Construida sobre la base del orden “natural” de la familia, estos romances se vuelven una alegoría de la unidad nacional y, al mismo tiempo, articulan un modelo patriarcal para la nación. (297) 186 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 Los discursos nacionalistas y edificadores de las realidades hispanoamericanas como Carmen, Amalia, María y Cecilia Valdez son un ejemplo de la relación creada entre las mujeres (lo femenino) y la nación como parte de un proyecto fundador necesario para construir unidad e identidad en los pueblos. La representación de la mujer en estos textos es relegada al espacio doméstico a partir de roles como: hija, madre y esposa, es decir, no son sujetos generadores de su propio discurso, sino como figuras idealizadas a partir del otro. Claudia Quiñonez Gámez (2022) afirma que “la representación de la maternidad a lo largo de la historia de la literatura ha estado basada en la relación madre/ hijo, siguiendo los estereotipos de género impuestos por la sociedad patriarcal” (2022, p. 109). Es decir, la maternidad no solo es definida y representada según la relación entre ambos sujetos, sino que carga con una serie de expectativas idealizadas, de lo contrario será juzgada y castigada por la sociedad. Actualmente, la maternidad en la literatura es abordada desde distintas perspectivas, no solo a partir de idealizaciones o juicios morales, sino también a partir de la pluralidad de experiencias que resignifican y exploran las realidades interseccionales como destaca María Auxiliadora Álvarez (2020): Esta nueva forma de nombrar representa una subversión de los cánones literarios desde varias perspectivas interrelacionadas en el tiempo: la visión de la mujer-madre en el texto masculino desde el punto de vista masculino; la visión de la mujer-madre en el texto femenino desde el punto de vista también masculino; y finalmente, la visión de la mujer-madre en el texto femenino desde el punto de vista femenino. (157-158) DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 187 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” La mujer (y la maternidad) pasa de ser objeto de idealización de externos a ser sujeto enunciador de su propio discurso, esto acompañado de sus preocupaciones, denuncias y vivencias. Álvarez (2020) explica cómo la literatura de fin de siglo regresa a utilizar ciertos elementos diferenciadores a su favor: La poética materna hispanoamericana de fin de siglo re-utiliza a su favor la división de géneros en los esquemas patriarcales revelando que la experiencia encarnada de la Otredad duplica el valor de la diferencia. Diferencia que en este aspecto trabaja a favor de la mujer y no en su contra, puesto que en el circuito particular (y experiencial) de este tipo de poética, el sujeto femenino no desea ser sustraído de sus potencias y potencialidades. (Álvarez, 2020: 158) Del mismo modo, la apropiación del espacio literario/ artístico y sus formas permite alimentar la literatura escrita por mujeres de recursos y ópticas “ajenas” que anteriormente las invisibilizaban. Proceso de digitalización de los cuentos de terror Latinoamericanos El inicio de la metodología fue escoger, en grupo, un tema de nuestro interés, el cual fue la literatura de terror en Latinoamérica, y decidimos solo enfocarnos en el género del cuento. Posteriormente, hicimos un proceso de digitalización de los cuentos, transformándolos en archivos TXT para poder cargarlos al programa que nos ayudó a la recopilación y análisis de datos. Para tener un buen acomodo de la información, optamos por realizar una tabla en excel, teniendo como primera columna el título del cuento, como segunda columna el 188 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 nombre del autor, en la tercera columna se encuentra la nacionalidad de los autores y el año de publicación del cuento se encuentra en la cuarta columna. Fig. 1. Captura de pantalla del corpus de cuentos de terror latinoamericanos Al transcribir los cuentos, debíamos analizar si en ellos había un tipo de miedo psicológico o físico y si era natural o sobrenatural, aspectos que podemos encontrar en la sexta y séptima columna de la tabla de excel. Para designar los archivos, empleamos el abecedario. Como se puede observar, todos los archivos empiezan con la letra “T”, la cual significa terror. Posteriormente, la segunda letra, A, B, C, D, etcétera, representa la década en la que fueron escritos. En otras palabras, los cuentos están ordenados de manera cronológica. Finalmente, las letras minúsculas representan el número de cuentos por década, siendo “a” el número 1, “b” el número 2 y así DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 189 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” sucesivamente, estos datos los colocamos en la octava columna de la tabla. La metodología utilizada para el análisis de datos de este corpus se hizo con ayuda de Voyant Tools, una herramienta de recopilación y análisis de datos, donde se cargaron los 100 archivos TXT de cada uno de los cuentos para después saber las palabras más frecuentes que aparecen en todos los cuentos, dándonos las siguientes estadísticas: Fig. 2. Captura de pantalla de Voyant Tools al momento de subir los cien archivos TXT de los cuentos que conforman el corpus Fig. 3. Captura de pantalla ampliada y enfocada en los términos que más se repiten en los cien cuentos del corpus 190 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 Al obtener estos resultados, nuestro interés se centró en la palabra “madre”, por lo que decidimos buscar en el apartado de tendencias esta palabra para ver cuál era la frecuencia y en qué cuentos podíamos encontrar la palabra madre, dándonos como resultado la siguiente gráfica: Fig. 4. Captura de pantalla de Voyant Tools que muestra la frecuencia de la palabra madre en una gráfica El número total de cuentos que encontramos con una mayor frecuencia de la mención de la palabra “madre” fue de 14 cuentos, cuyas frecuencias oscilan entre 2 y 31 menciones de la palabra. En la siguiente tabla se encuentran los títulos de los cuentos y año de publicación, autor, nombre del archivo y frecuencias: Para profundizar en el tema de la figura de la madre, decidimos cargar en voyant tools, solamente los cuentos de la tabla anterior para obtener análisis más específico de estos cuentos y los nexos que tiene la palabra madre en este corpus reducido a 14 cuentos, dándonos las siguientes estadísticas: DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 191 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” Título Autor Nombre de archivo Frecuencias El chiflón del diablo (1905) Baldomero Lillo TCe 9 THANATOPÍA (1925) Rubén Dario TEc 6 El espejo (1959) Amparo Dávila THm 19 Orfandad (1979) Inés Arredondo TJd 2 La mujer que compra niños Gabriela Rábago (1990) Palafox TLe 9 Duplicación (1990) Gabriela Rábago Palafox TLg 31 Hongos (2013) Guadalupe Netel TNd 13 Mis padres y mis hijos (2015) Samanta Schweblin TNg 9 La casa de Adela (2016) Mariana Enriquez TNl 13 Nuestra madre (2017) Pedro J. Acuña TNp 23 Ojo de gallina (2017) Pedro J. Acuña TNr 6 Caninos (2020) Mónica Ojeda TOb 11 Slasher (2020) Mónica Ojeda TOc 24 Biografía (2021) María Fernanda Ampuero TOf 23 192 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 Fig. 5. Captura de pantalla de Voyant Tools al subir los 14 archivos que muestran un número significante de frecuencias de la palabra “madre” Fig. 6. Captura de pantalla enfocada en los términos más frecuentes en el corpus de catorce cuentos El objetivo que buscamos alcanzar consiste en encontrar y describir la manera en la que la figura de la madre opera en este corpus de cuentos. La selección de este corpus se basó en las concordancias con la palabra madre y pudimos observar cómo estas están relacionadas con palabras como: casa, noche, puerta, hija, padre. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 193 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” Análisis de la figura de la madre en 14 cuentos Siguiendo la definición operativa del marco teórico sobre lo que es literatura de terror, según González Grueso (2017), estos cuentos deben ser, para los lectores, textos que les causen un sentimiento de agobio y miedo a lo desconocido. Ahora bien, en cuanto al tema de la representación de la madre en los cuentos, tenemos las siguientes características que tomamos en cuenta para hacer el análisis de los catorce cuentos de nuestro corpus: Quiñonez Gámez (2022) asegura que la maternidad en la literatura está representada a través de la relación madre e hijo/hija que la sociedad ha impuesto desde un punto de vista patriarcal. La lectura distante de los cien cuentos nos arrojó solo catorce que nos sirvieron para hacer el análisis de la figura de la madre en la literatura de terror latinoamericana, sin embargo, con una lectura cercana, de cada uno de los catorce cuentos, se nos presentaron los siguientes aspectos: nos dimos cuenta de que de cierto año en adelante la figura de la madre es distinta a los de los otros años, específicamente hablando los cuentos del siglo XX aún tienen la figura de la madre ideal, es decir, son madres presentes, amorosas, preocupadas por sus hijos y la relación entre ellos es buena, por otro lado, en los cuentos que fueron escritos en el siglo XXI la figura de la madre se reconfigura, dejando de lado ese ideal, lo critica. Las mujeres se consideran madres por naturaleza, desde pequeñas se nos enseña ese rol, desde que nos regalan muñecos para que sean nuestros bebés y se nos enseña a cómo cuidarlos, hasta que nuestras propias madres nos enseñan ese rol. Este hecho, en primera instancia, biológico, hace que la maternidad, en Occidente, se asocie a la mujer como gran responsable de ese 194 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 nuevo ser. De este modo, ella será el receptáculo de múltiples asociaciones con su deber ser: una entrega total a su hijo, lealtad y protección a su esposo, el disfrute de las actividades concernientes a las labores del hogar y al cuidado de su hijo, sacrificio de proyectos personales. (Guerrero Buenhombre, 2021: 16) Si bien estas ideologías poco a poco han dejado de existir, la literatura sirve como memoria del pasado y gracias a ella podemos observar las ideologías de otras épocas, y esto lo podemos ver en los primeros seis cuentos de la tabla, la representación de la figura de la madre desde el ideal que se tiene sobre ese rol. En el cuento “El chiflón del diablo” (1905), de Baldomero Lillo, la madre es un ejemplo de madre ideal que se preocupa por su hijo que trabaja en unas minas que se dicen que están malditas, desafortunadamente su hijo muere sin ella saber que él formaba parte del grupo que iba a las minas peligrosas, en el cuento se describe como una madre amorosa y que se preocupa por su hijo, con una buena relación entre madre e hijo. “Cabeza de cobre llegó esa noche a su habitación más tarde que de costumbre. Estaba grave, meditando y contestaba con monosílabos las cariñosas preguntas que le hacía su madre sobre su trabajo del día” (Lillo, 1905) es esta cita se puede observar la relación que tenían madre e hijo, si bien el hijo estaba distraído por la noticia de que al día siguiente iría al chiflón del diablo en el cuento se hace referencia a que su relación era buena. Al final del cuento, la madre se suicida tirándose al vacío porque su hijo murió y no podía vivir sin él. En el cuento titulado “Thanatopía” (1925), de Rubén Darío también podemos ver la imagen de la madre ideal, en este cuento se narra la vida de un joven cuya madre murió hace tiempo, sin DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 195 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” embargo, tiene recuerdos muy dulces de ella, su padre se volvió a casar y ahora el joven tiene una madrastra, el elemento terrorífico de este cuento es que la madrastra es una vampira que aterroriza al joven protagonista. “¡Una madrastra! Y de pronto se me vino a la memoria mi dulce y blanca madrecita, que de niño me amo tanto, me mimó tanto, abandonada casi por mi padre…” (Darío, 1925). En este cuento también existe una ideología muy presente en la literatura: la figura de la madrastra como un monstruo, como un ser que da miedo y es maligno. El tercer cuento es “El espejo” (1959), de Amparo Dávila, en este cuento se nos presenta la historia de un hombre cuya madre ha sido hospitalizada consecuencia de la edad avanzada de la mujer, esta comienza a tener brotes psicóticos que los atribuye al espejo de su hospital “En tres semanas mi madre había sufrido un cambio notable. Era una desconocida, comprobé entonces aquella alteración nerviosa de la que me habían informado” (Dávila, 1959), en este cuento observamos la preocupación del hijo por la madre, él no quiere dejarla por mucho tiempo sola en el hospital, constantemente quiere el bien de su madre, y su madre, fuera de esa histeria que vive en las noches, es una madre “ejemplar”, que se comunica con su hijo a pesar de la edad. Al final del cuento, el vínculo de ambos ayuda a la madre a aceptar el miedo por el espejo que tiene la mujer. El siguiente cuento se titula “Orfandad” (1979), escrito por Inés Arredondo, nos cuenta la historia de una niña que estuvo envuelta en un accidente de tráfico donde sus padres murieron y ella fue la única sobreviviente, sin embargo, le tuvieron que cortar las piernas y los brazos, aquí la figura de la madre no existe, pero las familias de los padres sí, cuando la van a visitar, la familia de la 196 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 madre es la única que tiene compasión de ella, haciéndola sentir querida por ellos, pero la familia del padre la mira con asco. Gabriela Rabago Palafox escribió el cuento titulado “La mujer que compra niños” (1990) es este cuento se nos narra la historia de una bruja que secuestra niños para venderlos a mujeres que no pueden tener hijos, aquí observamos como una madre a pesar de todo el dinero que le ofreció la bruja no quiso vender a sus hijos, es aquí que podemos ver el ideal de la madre que le da amor a sus hijos y que por nada se separaría de ellos, a pesar de la situación económica que tenían. Otro cuento de la misma autora se titula “Duplicación” (1990), donde conocemos a Madre Alta y Madre Baja, es aquí donde podemos ver una diferencia entre ellas dos. “Madre Alta me hace feliz” (Rábago Palafox, 1990) es lo que menciona la niña protagonista del cuento; sin embargo, piensa lo contrario de Madre Baja, a la que le tiene cierto miedo y desapego. El cuento finaliza con Madre Alta muerta y la niña desconsolada porque no volverá a ver a la madre que la amaba y era cariñosa con ella. “Hongos” (2013), de Guadalupe Nettel es el cuento del corpus que no tiene la figura de la madre presente, a pesar de que en la lectura distante y con ayuda de Voyant Tools se hiciera parte del corpus que tenía un número significativo de frecuencias de la mención de la palabra “madre”, en la lectura cercana nos dimos cuenta de que no se puede hacer un análisis pertinente de este cuento relacionado con la temática de este artículo. Si bien sí se menciona la palabra madre, dentro del cuento no hay una relevancia significativa de la figura maternal. Nos parece importante mencionar que “Analizar el tema de la maternidad es revisar a la humanidad, siempre explicada a partir DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 197 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” de teorías y nociones que le restan carácter subjetivo e individual a la experiencia de ser madre” (Álvarez Arana & de las Heras Martínez, 2021, p. 35) es por eso que gracias a las teorías feministas y de género las mujeres comenzaron a ir en contra de ese ideal, dejando ver el otro lado de la maternidad. Este aspecto lo podemos ver en los cuentos más recientes de este corpus conformado por los catorce cuentos y se encontraron los siguientes aspectos: En el cuento “Mis padres y mis hijos” (2015), de Samanta Schweblin encontramos la primera ruptura con la imagen de la madre ideal: una madre expuesta y vulnerable. En “Mis padres y mis hijos” (2015), el cuento narra la visita de Javier a la casa de sus padres acompañado de sus hijos, su ex esposa y la actual pareja de ella. Sus padres, posiblemente enfermos de Alzheimer o algún padecimiento mental, se convierten nuevamente en niños, juegan desnudos en el patio de la casa, preocupando a la exmujer de Javier, que no desea exponer a los niños a ese tipo de situaciones: “Detrás de Marga mi padre riega a mi madre con la manguera. Cuando le riega las tetas, mi madre se sostiene las tetas. Cuando le riega el culo, mi madre se sostiene el culo” (Schweblin, 2015). La madre de Javier, debido a su padecimiento, ha perdido la seriedad y rol de madre al ser ahora ella quien debe recibir atención y cuidados de parte de su hijo. El segundo cuento “La casa de Adela” (2016), de Mariana Enríquez no explora las realidades de la maternidad, ni siquiera es el tema principal de la historia, sin embargo, la única figura materna que aparece continúa con esta representación de una madre “más humana” que explota en un momento de angustia y crisis: “Nos pidieron la descripción del interior de la casa. Se la dimos. La repetimos. Mi madre me dio un cachetazo cuando hablé de los estantes y de la luz. «¡La casa está llena de escombros, mentirosa!», 198 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 me gritó. La madre de Adela lloraba y pedía por favor dónde está mi hija” (Enríquez, 2016). La violencia y la desesperación rompen con la calma y comprensión eterna que comúnmente creemos que acompaña la maternidad. En el siguiente cuento de Mónica Ojeda, “Caninos” (2020), observamos a una madre distante de su hija, pero conforme avanza la historia, presenciamos otro tipo de maternidad que ahora puede ser causa o cómplice del terror. A diferencia de las otras madres revisadas en este análisis, la madre de Hija, una joven que vive el duelo de haber perdido a su padre y que, conforme avanza el cuento, revela el trauma y la negligencia provocados por sus padres: El padre con bozal, a cuatro patas. La madre con espuelas. Para no verlo morder el hueso que la madre lanzaba, que la madre pisaba. Para no ver a Mami paseando a Papi por los pasillos, poniéndole restos de comida en el suelo, castigándolo por mearse junto al sofá o por cagarse debajo de la mesa. (Ojeda, 2020) Hija presenciaba el alcoholismo y los juegos sexuales de sus padres durante su niñez, con el tiempo, la percepción que tenía de ellos se fue retorciendo, especialmente la de su padre al seguir (inconscientemente) la dinámica que su madre tenía con él: «No puedo creer que te la quedaras», dijo Mami restregándose los falsos dientes de Papi contra las mejillas. «¡Debimos enterrarlo con esto!», soltó llevándose el maquillaje. «¡Ay! ¿Qué es de un perro sin sus dientes?». La figura de la madre desaparece casi en su totalidad en el cuento, no refleja ninguno de los valores o cuidados asociados DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 199 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” con la maternidad, al contrario, ejerce una violencia y un evidente desapego de sus hijas frente al lector. Otro ejemplo de la representación de una madre que no encaja con lo socialmente esperado de la maternidad está en el cuento “Slasher” (2020), también de Mónica Ojeda. Al igual que en el cuento anterior, la figura de la madre no se presenta como el origen de la historia y el terror que la envuelve: Paula no sabía cómo sonaba una madre sufriendo de insomnio crónico y de depresión. Tampoco sabía lo que era levantarse en medio de la oscuridad y que las rótulas saltarán fuera del cuerpo como ranas óseas. «Mami está enferma de la mente», escribió Bárbara en un papel a los ocho años. «Es como tener varicela, solo que en el cerebro». De las dos era ella quien se arrastraba bajo la sábana para ocultarse del horror sonoro de la madre que no dormía, que se desesperaba, que se arrancaba los cabellos y que, con el fin de ahorrarles la visión, las encerraba en el cuarto de las camas gemelas. (Ojeda, 2020) La madre que se observa en este fragmento es la responsable del terror que sufren sus hijas; sin embargo, al mismo tiempo observamos el lado “oscuro” de la maternidad al señalar las debilidades y la vulnerabilidad que muchas mujeres sufren y que repercuten en la crianza de sus hijos. En “Nuestra madre” (2017), de Pedro J. Acuña el origen del terror y el foco principal de la historia es la madre, sin embargo, a diferencia de los otros cuentos, el terror es provocado por elementos grotescos y psicológicos (o reales según la interpretación) que rodean los recuerdos de dos hermanos sobre su niñez y su madre. Empezó a oler a pescado. Se me taparon los oídos y no podía gritar. A nuestra madre le crecieron de la nuca unos tentáculos. 200 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 Tenía como ocho bocas en cada uno. Se abrían y se cerraban bien lento, querían que las viéramos (...) Uno de esos tentáculos te subió la falda. Te digo que todos nos movíamos como si estuviéramos abajo del agua, pero los tentáculos no; esos se retorcían, me recordaron unas víboras. Traté de alcanzarte, no pude mover mi brazo, era un robot y tenía que seguir dándole la vuelta a la mesa. Pasé atrás de ti y vi cómo se te metían entre las piernas. Cerraste los ojos y gemiste. Empezaste a llorar. Yo, hipnotizado o algo, estaba pasando cerca de nuestra madre, por donde le salían los tentáculos. Atrás de ella había más animales: camarones vivos. (Acuña, 2017) Aquí, la figura de la madre no solo se aleja de lo socialmente establecido en relación con la maternidad, sino que ahora recibe elementos grotescos y fantásticos. La madre se transforma en una criatura que amenaza la integridad de sus hijos, pero no trasciende en la medida en que ellos son incapaces de distinguir entre la realidad y la aparente imaginación propia de la niñez. Para Francisca Noguerol Jiménez (2020), las representaciones que ahora se desarrollan sobre la maternidad son gracias a que los autores: [...] conscientes de la capacidad de (lo grotesco) para expresar aspectos transgresores y emociones primarias del ser humano, remueven nuestras conciencias revelando la parte más oscura de la psique materna, silenciada secularmente y mal vista desde el punto de vista social, aunque no por ello menos real. (345) Recurrir a elementos como el terror permite explorar nuevas experiencias y lecturas de las realidades que atraviesan a la maternidad. Todo esto a partir del acto consciente de romper con la imagen idealizada de las madres y visibilizar aspectos condenados por la sociedad. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 201 �Aimé Denise Rosales Rodríguez y Jocelyn Alejandra Salazar Rodríguez / “La figura de la madre” En el último cuento “Biografía” (2021), de María Fernanda Ampuero, vemos una representación de la figura de la madre que participa en un papel menor y puede asociarse con elementos sobrenaturales mayormente comunes en las historias de terror: Todo les resultaba graciosísimo, sobre todo el gesto de la madre muerta con la mandíbula desencajada y los ojos abiertísimos. Mamá, qué graciosa, qué caras haces, mamá. Le dieron besos y abrazos. Cuando los paramédicos estaban por sacarla de la casa, decidieron encerrarse con llave. ¿Por qué se la quieren llevar esos payasos si ella está de lo más feliz? ¿Verdad mamaíta que estás más feliz que nunca? Mientras llegaba la policía a tirar la puerta abajo, la vistieron con un vestido de florecitas, bailaron con la madre muerta, le pusieron una flor de plástico en el pelo, le movieron los brazos para que danzara con coquetería, le dieron vino y cigarrillo. Es la última vez, mamaíta, le dijeron. Perdona por lo de las pastillas, no lo volveremos a hacer. Pero mira qué estupenda estás, si ya no las necesitas. Baila mamaíta, baila. Entonces la madre muerta les agarró los brazos con tal fuerza que les dejó unas marcas moradas por varias semanas. (Ampuero, 2021) En este cuento, la figura de la madre depende de la percepción de otro sujeto, en este caso el hijo. Como ya mencionamos en el marco teórico, muchas veces la madre es definida y valorada a partir de la relación que tiene con sus hijos y el juicio que estos emiten sobre ella. En este caso surge en la historia al ser recordada por su hijo. Conclusiones: La lectura distante fue de gran ayuda para que, de un corpus extenso de 100 cuentos de terror latinoamericanos, pudiéramos rescatar algunos cuentos de nuestro tema de interés. Los catorce cuentos de nuestro corpus sobre el tema de la figura de la madre en la literatura 202 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas5.10-146 �Humanitas, vol. 4, núm. 8, enero-junio, 2025 nos dieron un panorama de cómo este tema ha ido evolucionando con los siglos. Gracias a la lectura cercana nos pudimos dar cuenta que no todos los cuentos que nos arrojó la lectura distante nos sirvieron para el análisis de este tema, por lo que podemos decir que el proceso de análisis de datos por medio de inteligencias artificiales aún es un campo que requiere de la lectura cercana para poder obtener resultados óptimos para la investigación literaria. Por último, es importante decir que el corpus de cuentos latinoamericanos de terror es mucho más grande, por lo que el corpus de cuentos que se analiza desde la figura de la madre en este artículo también lo es, de manera que se podrían encontrar distintos hallazgos en futuras investigaciones, pero por lo pronto, lo que se encontró fue que el rol de la madre en la literatura, específicamente de terror en Latinoamérica, ha tenido un cambio, mostrando la otra cara de la maternidad en los cuentos del siglo XIX, esto gracias a la crítica feminista y los estudios de género. Bibliografía Agudelo Meneses, L y Ramírez, A. (2020). Análisis literario de la figura materna en cuatro obras de la literatura colombiana contemporánea. Propuesta de sensibilización sobre el rol materno desde la Licenciatura en Literatura y Lengua Castellana del Tecnológico de Antioquia I.U. (Colombia). Tecnológico de Antioquia, Institución Universitaria. Álvarez Arana, S. E., & De Las Heras Martínez, M. 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Title A name given to the resource Humanitas : Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios Description An account of the resource Heredera del Anuario Humanitas, publicación emblemática del Centro de Estudios Humanísticos de la UANL creada en 1960, Humanitas. Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios responde ahora a la necesidad de la diversificación de enfoques y acercamiento a la literatura en y desde el ámbito latinoamericano. Creator An entity primarily responsible for making the resource Centro de Estudios Humanísticos, UANL Contributor An entity responsible for making contributions to the resource 2021 Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Humanitas: Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios Año de publicación El año cuando se publico 2026 Volumen Volumen de la revista 5 Número Número de la revista 10 Mes de publicación Mes cuando se publicó Enero-Junio Día Día del mes de la publicación 23 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Semestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Humanitas: Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios, 2026, Vol 5, Num 10, Enero-Junio Creator An entity primarily responsible for making the resource De Ita Rubio, Beatriz Liliana, Titular del Centro de Estudios Humanisticos Subject The topic of the resource Estudios literarios Letras Escritura Arte Literario Description An account of the resource Heredera del Anuario Humanitas, publicación emblemática del Centro de Estudios Humanísticos de la UANL creada en 1960, Humanitas. Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios responde ahora a la necesidad de la diversificación de enfoques y acercamiento a la literatura en y desde el ámbito latinoamericano. Publisher An entity responsible for making the resource available Centro de Estudios Humanisticos, UANL Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Barrera Enderle, Victor, Director de la revista Muñoz Mendoza, Juan José, Editor tecnico Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2026-01-23 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource txt/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021590 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource https://revhumanitas.uanl.mx/index.php/r/issue/view/8/6 Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant San Nicolás de los Garza, Nuevo León Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores Cine mexicano Literatura Maternidad Suplemento Cultural "Sabado https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/457/22112/Humanitas_Revista_de_Teoria_Critica_y_Estudios_Literarios_2026_Vol_6_Num_11_Julio-Diciembre.pdf 6cea54ad7db4634b0f114a6fd2a09074 PDF Text Text �D.R. 2026 © Humanitas. Revista de Teoría Crítica y Estudios Literarios, Vol. 6, No. 11, julio-diciembre 2026, es una publicación semestral editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León, a través del Centro de Estudios Humanísticos, Biblioteca Universitaria Raúl Rangel Frías, Piso 1, Avenida Alfonso Reyes #4000 Norte, Colonia Regina, Monterrey, Nuevo León, México. C.P. 64290. Tel.+52 (81)83-29- 4000 Ext. 6533. https:// revhumanitas.uanl.mx Editor Responsable: Roberto Kaput González Santos. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo 04-2022-020212344100102, ISSN 2683-3247, ambos ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Responsable de la última actualización de este número: Centro de Estudios Humanísticos de la UANL, Dr. Roberto Kaput González Santos, Biblioteca Universitaria Raúl Rangel Frías, Piso 1, Avenida Alfonso Reyes #4000 Norte, Colonia Regina, Monterrey, Nuevo León, México. C.P. 64290. Fecha de última modificación de 15 de julio de 2026. Rector / Santos Guzmán López Secretario de Extensión y Cultura / José Javier Villarreal Director de Historia y Humanidades / César Morado Macías Titular del Centro de Estudios Humanísticos / Beatriz Liliana De Ita Rubio Director de la Revista / Roberto Kaput González Santos Autores Edith Ibarra Miguel Ángel Vásquez Meléndez Tomás Speziale Óscar Ortega Arango Jesús Alberto Leyva Ortiz Mónica Cázares Castillo Natalie Marlene Martínez Colorado Ramón Ramírez Ibarra �Ander Urteaga Silva Manuel Santiago Herrera Martínez Editor Técnico / Juan José Muñoz Mendoza Corrección de Estilo / Roberto Kaput González Santos Maquetación / Concepción Martínez Morales Se permite la reproducción total o parcial sin fines comerciales, citando la fuente. Las opiniones vertidas en este documento son responsabilidad de sus autores y no reflejan, necesariamente, la opinión de Centro de Estudios Humanísticos de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Este es un producto del Centro de Estudios Humanísticos de la Universidad Autónoma de Nuevo Léon. www.ceh.uanl.mx Hecho en México �Artículos Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Mujeres, espacios domésticos y maternidad simbólica en la dramaturgia mexicana: dos momentos de reconfiguración social, la restauración republicana y el periodo posrevolucionario Women, Domestic Spaces and Symbolic Motherhood in Mexican Dramaturgy: Two Moments of Social Reconfiguration, Republican Restoration and the Post-Revolutionary Period Edith Ibarra Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura Ciudad de México, México eibarra.citru@inba.edu.mx Miguel Ángel Vásquez Meléndez Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura Ciudad de México, México mvasquez.citru@inba.edu.mx Resumen: Este ensayo analiza de manera comparativa dos textos dramáticos en los que se busca destacar ciertos paralelismos, como son el deseo de las clases dominantes por establecer alianzas entre las partes comprometidas dentro de movimientos armados, así como la presencia de un hijo que pudiera encarnar el futuro de estas clases, y la casa, espacio doméstico, como sinécdoque. En un primer tiempo, se estudia La catarata del Niágara de Vicente Riva Palacio y Juan Antonio Mateos, y después 1 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios se analiza El tercer personaje, de Concepción Sada. El propósito es encontrar ciertas coincidencias en dos momentos de la historia en México: el conflicto entre conservadores y liberales, y el acomodo de las clases dominantes en el periodo posrevolucionario; en ambos casos, las clases desplazadas intentan imponer un modelo de reorganización del país para conservar sus privilegios. Palabras clave: dramaturgia mexicana, República Restaurada, posrevolución mexicana, Concepción Sada, Vicente Riva Palacio y Juan Antonio Mateos, ficciones políticas. Abstract: This essay analyzes two dramatic texts, seeking to highlight certain parallels, such as the desire of the ruling classes to establish alliances among the parties involved in armed movements, as well as the presence of a son who could embody the future of these classes; and the house, as a domestic space, as a synecdoche. First, Vicente Riva Palacio and Juan Antonio Mateos’s La catarata del Niágara is studied, followed by an analysis of Concepción Sada’s El tercer personaje. The purpose is to identify certain coincidences in two moments in Mexican history: the conflict between conservatives and liberals, and the accommodation of the ruling classes in the post-revolutionary period. In both cases, the displaced classes attempt to impose a model for the reorganization of the country to preserve their privileges. Keywords: Mexican Dramaturgy, Restored Republic, Post-revolutionary Mexico, Concepción Sada, Vicente Riva Palacio and Juan Antonio Mateos, Political Fictions. 2 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Introducción Entre las coyunturas de la historiografía teatral mexicana se encuentra el periodo entre 1862-1869, caracterizado por el auge de la dramaturgia patriótica impulsada por los escritores liberales. Otro es el de 1917-1946, marcado por un grupo de escritoras y escritores que intenta posicionar a la dramaturgia escrita en el país. Dos textralidades, es decir “textualidad accionada o acción textualizada” (Alcántara 10), que buscan imponer un modelo escénico en el que se reflejen los valores, problemas y anhelos de una Patria en construcción, delimitada desde una cúspide intelectual. La construcción de la nacionalidad mexicana, a través de la literatura, se remonta a los primeros años de la época independiente, cuando los periodistas republicanos comenzaron a formular el supuesto de la riqueza natural del territorio junto con las cualidades artísticas de sus pobladores. A partir de entonces se inició la exaltación de las letras criollas y de sus autores en periódicos y compendios, un proceso en auge luego de la restauración republicana, evidente en las páginas del periódico literario El Renacimiento en 1869, donde se informó de la publicación de obras teatrales, poesías y novelas debidas al talento de creadores de distintas regiones del país. En tales obras se distingue el trazo de un perfil de los mexicanos anhelado por la intelectualidad liberal: mujeres abnegadas, dispuestas a servir a la patria, lo mismo que hombres valerosos, patriotas fieles con espíritu de sacrificio, como es el caso de La catarata del Niágara de Vicente Riva Palacio y Juan Antonio Mateos, estrenada en 1862. Dentro de este modelo ideal de la mexicanidad se encuentra un viejo combatiente independentista que logra “limpiar” la honra mancillada de una joven seducida por un soldado norteamericano. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 3 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios En este drama aparecen de igual manera los ambiciosos, egoístas, antipatriotas, dispuestos a entregar el territorio y perder la soberanía: son la fracción que mira con nostalgia un pasado de dominación extranjera. Por otro lado, las condiciones materiales que produce la Tercera Modernidad podrían explicar la razón del surgimiento de una dramaturgia en la que la mujer representada altera los márgenes normativos de su representación; es decir, textos como Señorita Julia, Casa de muñecas, que acontecen a finales del siglo XIX, muestran otros modos de existencia para las mujeres. Esto supuso mirar en escena a mujeres rompiendo el esquema de su cotidianidad para tomar a su cargo nuevas tareas, nuevas responsabilidades, nuevas formas de relacionarse con el mundo, diseñado y administrado por los hombres. Tal es el caso de las mujeres representadas en El tercer personaje de Concepción Sada, estrenada por la Compañía de María Teresa Montoya en 1936, en la que una mujer médica compra a un marido, un ex hacendado del Porfiriato, para cumplir con la función de madresposa, categoría de análisis que refiere Marcela Lagarde: Todas las mujeres por el solo hecho de serlo son madres y esposas. Desde el nacimiento y aun antes, las mujeres forman parte de una historia que las conforma como madres y esposas. La maternidad y la conyugalidad son las esferas vitales que organizan y conforman los modos de vida femeninos, independientemente de la edad, de la clase social, de la definición nacional, religiosa o política de las mujeres. (280) Si bien Adriana Pradel, personaje principal, busca casarse, lo hace a partir de sus propias necesidades y de sus propias reglas. Para ella ha dejado de ser obvia la manera en la que el sistema patriarcal 4 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 le enseñó a comportarse y a lo largo del texto presenciaremos el modo en el que lo pone en duda, en un México posrevolucionario en el que la nueva clase dominante busca congraciarse con la clase desplazada por el movimiento armado. De ahí que el análisis comparativo de las obras citadas permita destacar ciertos paralelismos que a continuación se sugieren: 1. En los textos propuestos se puede notar el deseo de las clases dominantes por establecer alianzas entre las partes comprometidas dentro de movimientos armados; es decir, por un lado, en La catarata del Niágara, un sector de la burguesía del siglo XIX necesita aliarse con los invasores extranjeros, tanto norteamericanos como franceses, para sobrevivir; por otro, en El tercer personaje, Adriana, nueva rica, salva de la ruina económica al ex hacendado del Porfiriato al que le fueron embargados los bienes, en un gesto que permite la reunión de ambas clases dominantes en una Patria convulsa. 2. En ambas obras se hace evidente la presencia de un hijo que pudiera encarnar el futuro de estas clases; a saber, en La catarata del Niágara el fruto del matrimonio entre la mujer mexicana y el oficial invasor simbolizaría a un México con las cualidades de la sociedad norteamericana y de la burguesía nacional con aspiraciones cosmopolitas. En el caso de El tercer personaje, el hijo representa la posible recuperación del modelo latifundista, sostenido por el capital de la nueva burguesía. De acuerdo con la anécdota de ambos textos, el hijo no se materializa, pues, por una parte, el soldado norteamericano asesina a la madre arrojándola a la catarata, con ellos se desvanece simbólicamente la posibilidad de conformar un país sometido a los intereses expansionistas, y al morir el padre a manos del veterano insurgente, renace el deseo de instaurar un régimen soberano; por otra, Adriana nunca le confiesa a Alfredo que quiere un descendiente, si bien ese era su plan DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 5 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios inicial, en el momento de consumarse el matrimonio el ex hacendado le recrimina la humillación por la que ha pasado durante la celebración del mismo, y la acusa de vanidosa y cruel, por lo que Adriana no puede hacerle saber el fin de ese matrimonio: concebir un hijo, símbolo de la continuidad de los privilegios de los antiguos hacendados y sus herederos. 3. Tanto en La catarata del Niágara como en El tercer personaje, parte de la acción dramática se desarrolla en el espacio doméstico que habitan los personajes principales: la casa tiene la función de la sinécdoque, es la parte por el todo, la nación convulsa, en el primer caso, debido a las amenazas intervencionistas, norteamericana y luego francesa, y en el segundo, es el punto de encuentro de la burguesía, el espacio de la consulta privada y el lugar en el que se guardan las apariencias. De acuerdo con estos tres puntos, se presentará el análisis de ambos textos para hacer evidentes estos cruces. La catarata del Niágara, la alianza ante el territorio amenazado Este drama fue representado cuando el ejército francés avanzaba hacia la capital de la república, de ahí que los autores aludan a la invasión norteamericana de 1847 para alertar a los espectadores acerca de las consecuencias del intervencionismo. Según el argumento, Rosa y Magdalena, madre e hija, viven en una mansión. La segunda espera la llegada de su prometido, Andrés, apostado en el frente de batalla en defensa del país ante la invasión norteamericana. Con ellas se encuentra un amigo de la familia, Serafín, admirador de la sociedad estadounidense y, en consecuencia, partidario del intervencionismo y de la adopción 6 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 de modelos foráneos en la conformación del país. El soldado vuelve mal herido del combate y se refugia en el hogar de las mujeres, pero debe salir intempestivamente debido al arribo de Gustavo, un oficial norteamericano a quien se ha asignado la ocupación de la casa, mientras las tropas invasoras permanezcan en la ciudad: MARTÍN: Señora, en este momento, llega un jefe americano. (Aparte.) (¡Dios nos tenga de su mano!) a pedir alojamiento. SERAFÍN: ¿Un yanqui? ¡Bravo! MAGDALENA: ¡Qué susto! ROSA: ¡Ya se acerca! MARTÍN: ¡Tal ultraje! ROSA: Martín, a mudar de traje, quiero evitar un disgusto. MARTÍN: Tal humillación, señora ... ROSA: Obedece. (Riva Palacio y Mateos 401-402) En un principio, Magdalena es parte de la población que confía en el ejército nacional, patente por su relación amorosa con el combatiente Andrés; de ahí que aguarde la llegada victoriosa de su prometido, hasta el momento en que aparece el oficial1 norteamericano de quien se enamora de manera instantánea, olvidando el compromiso con el militar mexicano. MAGDALENA: Confieso que aquel halago fue la ilusión pasajera, y que al alma en su carrera no causó menor estrago. 1 En el texto no se especifica el grado, solo se menciona “jefe”. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 7 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios Amaba a Andrés, lo confieso, y en mi delirio creía, que a no amarle moriría de mi pasión al exceso. Yo pensé que en mi camino pasaran esos amores como viento entre las flores, como el albor vespertino. El alma no se desvela por pasados devaneos, que ni agitan los deseos ni el corazón los anhela. De Gustavo en el cariño encuentro dulce reposo, que es el amor del esposo tan puro como el armiño. Y no quiero en la memoria recuerdo vago y perdido; echó su manto el olvido sobre esa luz transitoria. Porque yo adoro a Gustavo, y encuentro en mi fe querida mi pasión correspondida y él de mi pasión esclavo. Esclavo de mis antojos ser muy feliz se imagina, pues que mi amor adivina en el brillo de mis ojos. (Riva Palacio y Mateos 409) Como se puede notar en este diálogo, Magdalena se enamora rápidamente del oficial invasor y olvida de la misma manera el amor ferviente que sentía por Andrés, el soldado patriota. Es de notar que las dos mujeres establecen una alianza con el invasor por distintas vías; por un lado, la madre admite dócilmente alojar al invasor, y por otro, la hija se vincula de manera afectiva con el hombre que altera 8 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 la vida de la nación. De esta forma y por distintas vías establecen una alianza contraria a la facción liberal. En concordancia con ellas, Serafín declara abiertamente su conservadurismo, como se aprecia en los siguientes versos: SERAFÍN: Ser patriota no es de gusto ni buen tono. La política ¡qué horror! El que tiene que perder, ¿para qué se ha de meter?, estarse en casa es mejor. No es la patria para mí, no quiero tener influjo: tener patria es mucho lujo, yo prefiero el pastchulí [sic]. Dicen con gran parsimonia: “Mis arterias tienen fuego”. Y yo les respondo luego: “Las mías solo colonia”. La política se usa entre abogados ramplones, médicos ignorantes, en fin, solo en la gentuza. (Riva Palacio y Mateos 389) Así, Serafín representa al sector de la población que ante la inestabilidad política y el peligro de perder su estatus es partidario del regreso al pasado, con el territorio nacional sometido por una potencia extranjera. Una postura contraria al anhelo patriótico de construir un país soberano, sintetizada en la frase “¿Qué más da que la bandera / tenga águila o tenga estrellas?” (Riva Palacio y Mateos 395). De modo contrario, el sirviente de la casa, un excombatiente de la lucha independentista, que se distingue por su carácter radical republicano, recrimina a Serafín por su postura antipatriótica: DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 9 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios Martín: ¿Nada es la patria?, ¿nada la bandera? Es un necio el que muere, usted lo ha dicho, defender el país una quimera, luchar por el honor torpe capricho. Vosotros, sí, los que en mentido alarde despreciando valor y patriotismo, la frente al invasor dobláis cobarde. ¡Entre el inmundo cieno de egoísmo! (Riva Palacio y Mateos 397) A partir de lo expresado por Martín, se deduce que la alianza con el invasor evidencia la satisfacción de los intereses individuales sobre los colectivos, mientras el heroísmo de los milicianos insurgentes y republicanos adquiere mayor trascendencia al encauzarse hacia la búsqueda del bien común. La construcción de un país soberano, un anhelo en peligro Vicente Riva Palacio y Juan A. Mateos recurren a la metáfora de los lazos filiales para trazar un conflicto, la definición del modelo político nacional, en La catarata del Niágara. En primer término, el padre de Magdalena, un oficial participante en la gesta independentista, muere y ella queda bajo el resguardo de Martín, excombatiente de la misma causa. De ahí que el origen de la niña remita a los inicios de la república independiente, es decir, el país se debe al heroísmo de los insurgentes, reconocidos en la parafernalia nacionalista como los “padres de la patria”. Así lo relata Martín: Al morir mi general sobre el campo, allí me dijo: “Va a venir al mundo un hijo, ya huérfano por su mal. 10 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Siento en mis hijos la muerte, ya no le podré mirar tú vives para cuidar de su existencia y su suerte”. Murió, niña, entre mis brazos y en mi triste desconsuelo, corrí a buscarte en mi anhelo con el alma hecha pedazos. (Riva Palacio y Mateos 391-392) De acuerdo con este diálogo, Magdalena creció en la orfandad, una condición asociada con el sacrificio del mártir independentista que la procreó, y ha permanecido al cuidado de un combatiente de menor rango, Martín, cuyo cuerpo lisiado remite al debilitamiento de los ideales de unión, libertad e independencia, indispensables para la preservación de la soberanía. En 1847 y en 1862 eran evidentes las divergencias internas que favorecían los atentados contra la integridad del territorio nacional y la imposición de un gobierno extranjero (Florescano 138146). Por lo tanto, la niña-patria soberana, encarnada en Magdalena, creció “tan bella y tan pura” –advierte Martín- hasta que “vino a turbar” su tranquilidad “la cruda guerra” (Riva Palacio y Mateos 392) en sus dos vertientes: tanto los enfrentamientos internos entre las facciones partidistas como las confrontaciones con los ejércitos de las potencias expansionistas. Años más tarde, la joven madura. Ante la opción de definir su futuro, admite la trascendencia de su relación con Andrés, el soldado republicano, su protector “natural”: valeroso defensor de su soberanía y pareja ideal para reencauzar el anhelo de erigir un país soberano. ¿No sabes tú que mi vida a la suya eslabona, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 11 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios y que mi llanto pregona lo profundo de esta herida? Sabes que mi porvenir pendiente está de ese hombre: su nombre va ser mi nombre ¡si el muere voy a morir! (Riva Palacio y Mateos 391) Sin embargo, la incertidumbre por la suerte del militar, debido a la amenaza de una invasión, genera en Magdalena apasionados arranques de angustia que comparte con Martín. Es importante señalar que los personajes no están construidos desde una profundidad psicológica; más bien funcionan como alegorías que representan las posturas de los mexicanos ante la invasión norteamericana. De ahí que desde el inicio del drama, la madre de Magdalena sugiera la posibilidad de una fractura en la relación de su hija con el soldado patriota. Rosa: Me importuna, Magdalena ver ese pesar doliente. Oscureciendo tu frente antes tan pura y serena. Dale tregua a tu quebranto. Magdalena: imposible madre mía, es que la desgracia impía arranca a mis ojos llanto. Rosa: Siempre a tu edad, el olvido es del amor recompensa. (Riva Palacio y Mateos 388) Como presagio de la alianza con el invasor, la madre de Magdalena la insta a silenciar su amor por el patriota. Consumada la invasión, Gustavo se aloja en la casa de Rosa, seduce a Magdalena y se casan. En apego a las costumbres y al fin socialmente impuesto 12 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 a la unión tradicional, se deja entrever la procreación de un hijo. Sin embargo, el militar norteamericano se marcha hacia Niágara una vez firmados los acuerdos de paz, y vuelve a contraer matrimonio interesado en recibir una cuantiosa dote. Sin sospechar el engaño, Magdalena va en búsqueda de su esposo, en compañía de Martín, y en su compañía afronta las dificultades de la búsqueda: Martín: No hay, hija, que desmayar, en encontrarle confío. Magdalena: Yo también, amigo mío, más ya comienzo a dudar. Ha preferido al ultraje de mi abandono profundo, caminar por todo el mundo. Martín: Cerca está el fin del viaje. Magdalena: Y al encontrarle doquiera, aunque mi pecho es sensible, se alzará mi voz terrible ¡Ay! cuando menos lo espera. No lo veré con encono, le pediré angustiada, cuenta de mi fe burlada, de mi llanto y mi abandono. (Riva Palacio y Mateos 438-439) Siguiendo con la idea de la encarnación de Magdalena como la Patria, ahora se encuentra ultrajada por un oficial norteamericano. Ella lo busca en un intento por recuperar su estatus perdido y volver a tener el lugar que detentaba. Siguiendo con la anécdota, Gustavo se entera de la llegada de Magdalena y de Martín. Tras encontrarlos se encaminan hacia la catarata del Niágara, donde pretende arrojarla para no contravenir con su nuevo matrimonio; un evento indicativo de la mezquindad DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 13 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios de los extranjeros, caracterizados por el interés de satisfacer sus intereses individuales. De pronto, mientras Martín descansa, reaparece Andrés, el prometido original, el soldado republicano, dispuesto a enfrentar nuevamente al oficial norteamericano: Ya contenerme es en vano, mi suerte está decidida. Aunque en la lucha sucumba, he de batirme con él, porque este rencor cruel solo le apaga la tumba. (Riva Palacio y Mateos 445) Después de esto, Martín prosigue su camino y alcanza a ver como Gustavo arroja a Magdalena a la catarata: Es ella que se derrumba, él la impulsó, yo he visto: a creerlo me resisto, ¡él improvisó su tumba! (Riva Palacio y Mateos 450) Testigo del asesinato de Magdalena, símbolo de la patria, el veterano insurgente apuñala al oficial norteamericano y marca el reinicio del ciclo de conformación de una república libre de la presencia extranjera. Martín y Andrés, sobrevivientes del drama, indican la preservación de los principios independentistas y liberales cuando peligra el anhelo de la construcción de un país soberano ante la intervención francesa en 1862, cuando se estrenó el drama. La casa: territorio nacional Rosa, en tanto propietaria del inmueble que habita, además de su rango social reconocido, es considerada para alojar a un oficial 14 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 norteamericano en su mansión, en la que viven ella, que es viuda, y su hija; Martín, el soldado, y Andrés, el patriota. Ella dócilmente acepta hospedar al invasor quien se presenta ante ella como una caballero de modales exquisitos, contradiciendo su carácter violento que atenta contra la paz de la nación: Gustavo: Beso los pies. Rosa: Adelante. ¿Que se ofrece? Gustavo: He recibido la dirección, y he venido a la casa: terminante era la orden, señora, aunque me cause pena, de mi carácter ajena tal molestia y a tal hora. Se me señala esta casa para ser mi alojamiento. Rosa: Pues disponed al momento. es la orden… (Riva Palacio y Mateos 402) Al ocupar la casa, símbolo de la invasión del territorio nacional, el oficial muestra cierta caballerosidad que le permitirá ganarse la confianza de la propietaria. Ante esta disposición, Andrés, el patriota herido en combate, decide abandonar la misma casa que había representado un refugio en su vida, pero que ahora habitada por el enemigo lo hacen imposible. Convencido de los perjuicios provocados por los intereses expansionistas, sale del lugar tras advertir: ¡Imposible!, un mismo techo no nos cubrirá a los dos: me voy sin decirle adiós, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 15 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios aunque se rompa mi pecho. De mi patria al enemigo nunca tenderé la mano ni de su victoria ufano ha de gloriarse conmigo. Se cierne sobre esta casa una maldición del cielo, una tormenta de duelo sobre sus hogares pasa. No lo he soñado, ¡ay de mí!, ¡amistad al invasor! Esta casa me da horror ... ¡Huyamos pronto de aquí! (Riva Palacio y Mateos 405) Pese a estar malherido, Andrés sale de la residencia para reincorporarse a su contingente y regresa tiempo después para sorprenderse ante el enlace matrimonial de su prometida-patria con el soldado-invasor. Ante la ocupación, no solo el soldado patriota abandona el espacio invadido; también lo hace Serafín, símbolo del conservadurismo, quien no encuentra razón para estar ahí por lo que decide salir del país: Magdalena: ¿De viaje? Serafín: Con mucho gusto dejando los patrios lares, me voy a cruzar los mares: tengo dinero y es justo. Los tiempos están perdidos y mamá mucho se aflige. Magdalena: ¿Y hacia dónde se dirige? Serafín: A los Estados Unidos. No hay necesidad, no quiero… aunque mi franqueza notes, 16 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 éste es país de hotentotes: yo nací para extranjero. Busco civilización, no bella naturaleza: aquí juegan la cabeza cual si fuera diversión. (Riva Palacio y Mateos 410-411) No sorprende esta mirada racista y clasista de quien encarna los valores de conservadurismo del siglo XIX mexicano que sostenía que lo anglosajón, en este caso, representaba lo civilizatorio, la transformación de la Naturaleza en cultura, la salida del estado primigenio. Para Serafín, Estados Unidos cumple con sus aspiraciones de un país modernizado por el paso del capital. Semejante declaración provoca el enojo de Martín, el veterano insurgente que le responde: Puede usted marchar de aquí: la patria no necesita del auxilio de un cobarde; hay sangre noble que arde y en otros pechos se agita. Hijos bastardos, la gloria es para quien la comprende: para vosotros no enciende nunca su antorcha la historia. (Riva Palacio y Mateos 419) Esta división existe hasta nuestros días; basta con abrir los periódicos para saber qué tipo de prensa apoya la intervención extranjera en nuestro país y quiénes siguen pensando en una patria que necesita ser defendida. En la casa, como en el territorio nacional, confluyen diversos personajes cuyos caracteres hacen evidente las distintas posturas DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 17 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios que surgen ante la amenaza expansionista de un país invasor, en este caso los Estados Unidos: Rosa muestra la opción de una alianza con los invasores; Magdalena comprometida con el soldado patriota, luego burlada por el oficial norteamericano, muestra las desventajas de la invasión pues las mujeres, en tanto botín de guerra, serán las jóvenes mancilladas; Serafín encarna la oposición al ideario liberal; al contrario de este, Andrés simboliza al patriota valeroso defensor de la soberanía y Martín, el luchador independentista. Cinco posturas en tiempos de invasión, cinco maneras de reaccionar ante la ocupación del ejército norteamericano. Es necesario subrayar el papel de Martín en el texto, pues no solo es el reflejo de la tradición combativa del pueblo mexicano, sino que encarna la experiencia de la soberanía en peligro. Él es el héroe vencedor de esta trama: sale de la casa-territorio nacional para derrotar al enemigo en su propio país, en Niágara. Este acto adquiere mayor relevancia ante la situación de emergencia por la inminente invasión francesa y la imposición de un régimen ajeno a los proyectos nacionalistas liberales. En suma, la casa alude al territorio nacional y sus ocupantes los distintos proyectos que conformaban a la nación. El tercer personaje, la alianza entre pares Desde el primer acto de este texto dramático, nos encontramos con representaciones anómalas de lo femenino, pues Adriana Pradel, personaje principal, convoca a su amiga Magda para confesarle que ha puesto un anuncio en el periódico para comprar un marido: en este, ella ofrece dinero a cambio de matrimonio. Adriana representa a la nueva clase en el poder, una burguesía que se adapta al régimen posrevolucionario y que puede, porque tiene 18 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 los medios, romper con ciertos esquemas morales del Porfiriato. Ella, siendo una treintañera sin familia, busca en un esposo comprado la posibilidad de tener un hijo dentro del marco de la unión conyugal. Lo que sorprende en el texto es que la mencionada ruptura se dé dentro del ámbito del contrato marital, es decir, que sea ella la figura dominante, la que toma el lugar del hombre para elegir y poner las condiciones del matrimonio. Como se puede notar, esta disposición produce un desacomodo en las formas habituales de ser mujer, pero gracias a esta ruptura es que Adriana puede articular una mediación con la clase desplazada por la Revolución mexicana, es decir, los hacendados, a través de un hijo que imagina con uno de ellos. En esta mediación, ella se sitúa en un lugar casi heroico, pues su objetivo tiene el fin de servir, de “encontrar la finalidad que justifique su vida” (Sada 11). Siguiendo con la anécdota, ella pone un anuncio en varios periódicos en el que ofrece dinero a cambio de matrimonio; ante cincuenta respuestas, ella elige a tres candidatos para entrevistar: un antropólogo inglés, Mr. Sheprers, un panadero español, Juanico Quesadas, y Alfredo Noriega, hijo de un hacendado que ha perdido su riqueza y sus propiedades por causa de la Revolución. Sin que sea consciente de su elección, cada uno de ellos encarna un periodo de la historia de México: así, el inglés representa no solo al impacto que la antropología foránea tuvo en la local, sino también al auge de las excavaciones realizadas durante el periodo posrevolucionario, con el propósito de establecer el origen del país a partir de los hallazgos en los sitios arqueológicos. El panadero español, un hombre que representa un colonialismo español debilitado, necesitado de capital para invertirlo en su negocio, a diferencia de sus antecesores que DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 19 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios lo obtuvieron del saqueo continental. Y finalmente, el hijo de un ex hacendado, digno representante del latifundismo de la época porfirista, que busca recuperar su fortuna confiscada durante el movimiento revolucionario. Cabe apuntar que Adriana Pradel forma parte de una clase emergente, no solo por la estabilidad económica que ostenta, sino porque además es profesionista médica con consulta privada, lo que amplía su margen de representación en tanto mujer de su época. Al elegir al ex hacendado, en un gesto entre pares, lo rescata financieramente para que pueda recuperar sus propiedades y su lugar en la sociedad. De esta forma, en los siguientes diálogos entre Adriana y Alfredo, se revela cómo la clase dominante que fue desplazada busca recuperar sus privilegios, a partir de recobrar su capital, con la expectativa de incrementarlo, y cómo recibe apoyo de la nueva clase dominante: ALFREDO. — Entonces solo diré lo indispensable para que sepa usted por qué circunstancia me veo obligado a aceptar su ayuda […] Quiero que sepa […] quien soy. […] usted que “compra” debe saber la clase de mercancía que recibe a cambio de su dinero. ADRIANA. — Habíamos convenido en suprimir los sarcasmos… ALFREDO. — Lo diré de otro modo. Estoy en el escaparate por el que pasaron y pasarán otros varios. Quiero que vea lo meritorio o defectuoso de mí… permítame que haga mi propia propaganda, que alabe el producto. (Sada 25) Quizá este afán por apersonarse es lo que permite que Adriana lo reconozca como un par caído en desgracia, como un igual que necesita su apoyo. No se puede dejar de señalar la serie 20 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 de alianzas que ha hecho la nobleza con la burguesía en un afán por mezclar un pasado nobiliario con un presente adinerado. De este modo, es notoria la serie de alianzas que las clases dominantes establecen para su sobrevivencia, como es el caso de esta, entre el ex hacendado del Porfiriato y una mujer de la época posrevolucionaria con la capacidad económica para rescatarlo: ALFREDO. — Fue mi padre un rico hacendado, la revolución nos obligó a expatriarnos, a dejar nuestras tierras, nuestro hogar, nuestra fortuna. Inmensos sembrados de trigo y caña fueron destruidos, los ranchos asolados, las casas confiscadas. (Sada 26) Si toda clase social se levanta sobre una base económica, para Alfredo es imperante señalar esa base en la que descansaba su lugar en la sociedad; propiedades agrícolas y ganaderas, con una considerable fuerza de trabajo que sobrevivía en condiciones de esclavitud como era costumbre en las haciendas porfirianas. Nos refugiamos en España, allí murió mi padre; poco tiempo después, en Estados Unidos, mi madre enfermó; estábamos sin recursos… y ella se fué [sic] también. Quedé al frente de la familia; no en la ruina, pero muy cerca de ella, tanto que luego nos atrapó. Fuí [sic] entonces mesero, lavaplatos, cargador. Pasé junto al hambre, a todos los vicios, a las peores miserias. (Sada 26) Mendieta afirma que a causa de Revolución y de la aparición de la Reforma Agraria “Muchos aristócratas se vieron arruinados, […] emigraron a Europa y a los Estados Unidos donde siguieron viviendo de las rentas de sus propiedades” (525). Tal parece ser el caso de la familia Noriega que se refugia en estos países; no sorprende notar que la clase dominante a lo largo de la historia mexicana tienda DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 21 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios a exiliarse en España, como si este espacio les devolviera la paz del origen y/o a los Estados Unidos donde podrían construir un futuro anhelado, que no solo lo imaginan los hombres que emigran de sus pueblos azotados por la pobreza extrema. Es importante señalar que la mayoría de los mexicanos de la clase acomodada aspira a tener una vida dentro de los modelos económicos, sociales y culturales como el español y el norteamericano; sin embargo, la serie de trabajos por los que pasa Alfredo no entran en esta aspiración a una mejor vida y sí forman parte del repertorio de trabajos mal pagados por los que pasa cualquier compatriota que busca ganarse la vida en el país del norte: Regresamos al país de caridad. Desde entonces mi vida fue un vagar de oficina en oficina; puedo jurar que mis pantalones quedaron gastados de estar sentado, horas interminables, en las antesalas de los ministerios. Conseguí que me devolviesen algunas propiedades. Intenté vender una sin lograrlo. Perdí dinero, nadie quiso prestar sobre haciendas en ruinas y gravadas con enormes contribuciones sin pagar. Todo se cerraba a mi derredor, me estrellaba en una inmensa muralla infranqueable; la miseria me estrujaba más cada día… leí su anuncio, decidí por medio del matrimonio salvar la situación. […] ALFREDO. — Necesito $25,000; 5,000 para contribuciones, $10,000 para regalos “voluntarios” que forzosamente debo hacer, y el resto para volver a empezar (Sada 26) Conviene subrayar que en Alfredo no hay un acto de conciencia sobre su responsabilidad de la situación en la que se encuentra. No se reconoce como la clase que oprimía y que 22 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 desconocía los derechos fundamentales de los trabajadores de sus haciendas; lo único que registra es su propia desgracia, es decir, perder los medios de producción así como la fuerza que podía ejercer en el ambiente legal y político. Sin estos privilegios, su vida parecía desmoronarse hasta que encontró un anuncio en el periódico en el que se ofrecía dinero a cambio de matrimonio. Por primera vez en su vida, las circunstancias los sobrepasan porque es evidente que ha perdido su lugar de amo para convertirse en esclavo, encadenado a una deuda que le tomará tiempo pagar. Siguiendo con la anécdota, Adriana le asegura que puede contar con tal cantidad, y Alfredo, como acota Concepción Sada, “bajo una mezcla de emociones contradictorias, no sabe si agradecer o rechazar” (26), ya que el mandato social de los varones es el de ser proveedores y no receptores de la riqueza de la pareja. Valga señalar que la cantidad mencionada representaba el valor de una casa de la clase acomodada de esa época. Como se nota en los siguientes diálogos, llega el momento de formalizar el contrato, a partir de una serie de condiciones, obligaciones, características de una transacción comercial: ALFREDO. — Resultó un artículo bastante caro. (Dice con amargura) Debo ahora hacer una aclaración. Los acepto a título de préstamo, en el término de un año, contando desde la fecha de nuestro matrimonio, los pagaré a usted… de una manera o de otra… ADRIANA. —¿Qué quiere usted decir?... ALFREDO. —¿Debo repetir en voz alta lo que usted ha adivinado? (Adriana se dirige al escritorio para ocultar su DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 23 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios turbación. Toma un talonario y extiende un cheque. Él no se atreve a mirarla.) ADRIANA. — Aquí tiene usted. ALFREDO. — (Ve el cheque detenidamente, luego con lentitud lo dobla y lo guarda. Escribe un pagaré que entrega a Adriana) Aquí está el certificado de mi deuda, mi dirección, mi firma. ¿Necesita alguna otra garantía? ADRIANA. — No… no hace falta. (lee el pagaré) ¡Pero aquí ha puesto usted otra cantidad!... ALFREDO. — Los gastos de la boda corren por mi cuenta. ¿No se estila así? (Pausa) ¿Cuándo desea usted que vuelva para fijar la fecha en que debe realizarse este… este negocio? (Sada 26-27) La protagonista de El tercer personaje refleja los logros de las mujeres profesionistas, empeñadas en romper las limitaciones de la investidura femenina socialmente impuesta, pues cuenta con una profesión y un capital suficiente para librarse del estereotipo de la mujer sujeta al hombre proveedor. Al mismo tiempo, conserva aspiraciones propias de la tradición patriarcal, como la de casarse y convertirse en madre, aunque para conseguirlo se valga de su fortuna y signe un contrato mercantil, contrario a la idea romántica del matrimonio. Esta ambivalencia también se hace presente en dos modelos de lo femenino que aparecen en el texto, encarnados en sus amigas; por un lado, Magda, encargada de un negocio familiar, signo de la presencia de las mujeres en los negocios, quien considera que el bienestar de una mujer no descansa en la vida matrimonial y en el cuidado de los hijos, lo que marca cambios en los roles preestablecidos. Por otro, Rosario, cuya vida depende de su relación matrimonial, se aferra a los 24 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 supuestos beneficios de la sujeción económica, a las “ventajas” de la vida pública de las casadas y se resigna a los rasgos “naturales” de los hombres, es decir, a su tendencia al adulterio, aunque esto la lleve a espiar a su esposo todos los días. Dentro de estas posturas opuestas se encuentra Adriana: con una posibilidad de estar en el mundo de otra manera y con el deseo de preservar los roles asignados a su género. La regeneración de la clase dominante De acuerdo con el texto, después de la muerte de la madre de Adriana, ella se consagró al cuidado de su tío. Al fallecer este, siente un vacío en su vida que piensa llenar con un hijo, otro ser a quien cuidar, pero sin que medie una relación afectiva con un hombre, pues considera que ya no está en edad de pasar por el ritual social del noviazgo, pero sí requiere de un matrimonio a modo, pues no está dispuesta a contener las habladurías que se desatarían si optara por tener un hijo sin padre: MAGDA. — Y bien.: has decidido enamorarte de una manera “muy especial”. ADRIANA. — No. He decidido solamente buscar un hombre para mí. MAGDA. — ¡Adriana!… ¿Estás loca?... ¿Cómo, si no te enamoras? ADRIANA. — Es que... no quiero amor del que supones. No quiero al hombre por sí mismo. ¡oh! ... ¡es tan difícil de explicarlo...! ¡Quiero... quiero un hijo! MAGDA. — ¡Un hijo! DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 25 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios ADRIANA. — Sí, trata de comprenderme. Un hijo mío... mío... enteramente mío; de mi carne, de mi sangre...para depositar mi alma en su vida; para desenvolver su espíritu con mis propias manos. ¡Lo deseo... lo necesito!... (Sada 13-14) Es interesante notar como esta posibilidad, de experimentar la maternidad sin la conyugalidad, aparece en un texto dramático de 1936, en que advertimos cómo las reglas que establecen la constitución de una familia se ven trastocadas por el deseo de Adriana, pues, en palabras de su amiga Magda, va a tener un hijo sin enamorarse. Este hijo, imaginado por Adriana, es una pieza única que será creada por ella, una especie de escultura que sus manos revelarían. Aún más, al decidirse por Alfredo, su pieza será intervenida con valores que ella considera invaluables para la creación de este hijo, como se lo hace saber a la citada amiga: ADRIANA. — Ese hombre, Alfredo Noriega, es el hombre que necesito… Fuerte, sano, equilibrado, altivo, orgullosos, decidido a la vez. Yo… soy un poco inteligente, me has hecho el honor de declararlo así; de los dos surgirá un ser ideal: fuerza, cerebro; inteligencia y energía. Él y yo frente a frente. Los dos para construir el porvenir… los dos personajes de una farsa única. (Sada 28) En esta clasificación binaria que describe Adriana se hace evidente que la mayor parte de las cualidades las posee el hombre y que ella solo admite la capacidad que su amiga le reconoce. De este modo, a pesar de que ella, en un principio vislumbraba un hijo con su alma, su sangre, su carne, el producto que puede materializar estará constituido mayormente con los valores o atributos paternos. 26 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Alfredo Fuerte Sano Equilibrado Altivo Orgulloso Decidido Adriana Un poco inteligente Llama la atención que estos valores denoten la salud física y mental del futuro padre, quizá porque Alfredo, en tanto representante el Porfiriato, encarna el proyecto de erradicar los vicios morales y físicos que supuestamente condenaban al atraso a la población nacional. Con este pasado superado, se agrega la capacidad financiera de la madre que permitiría la tan deseada aparición de un nuevo hijo de la nación, que más que mantener la distancia entre la clase dominante desplazada por el movimiento armado, procuraría la convivencia con la nueva elite. Cómo hacer posible al hijo MAGDA. — Díme [sic], y.… ¿el bebé ideal?... (Sada 35) A dos meses de la boda, Magda regresa a visitar a Adriana y se entera de que al final del festejo, Adriana se enfrenta con un Alfredo avergonzado que reniega nuevamente por haber accedido a la propuesta de ella: ALFREDO. — ¿Ha quedado también conforme con el efecto de la comedia?... ¿He representado mi papel según sus deseos?... ¿Fui el esposo enamorado que llega al fin al logro de su ilusión más grata? DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 27 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios ADRIANA. — ¡Oh! ¿esas preguntas?... ALFREDO. — Son necesarias, son indispensables; quiero saber si cumplí con mi deber ... o si estoy estafando su dinero... (Sada 36) Ante el desplazamiento de Alfredo, de su papel de proveedor, se convierte en alguien pasivo, carente de acción pues es el que recibe y no el que genera riqueza. Esta circunstancia lo devalúa ante sí mismo porque parte de la identidad masculina descansa en sus posibilidades económicas y no en ser objetualizados como sucede en esta relación; de ahí que de manera sarcástica intente verificar si él, en tanto producto, ha cumplido con las expectativas de Adriana: ALFREDO. — Ya está usted satisfecha, lo que de mí compró lo ha obtenido: el derecho a dejar desde hoy el título de “solterona”, para pasar a figurar entre las “señoras”. Ahora sí, puede usted lazar con orgullo “¡Ved, ved, me he casado... también yo tengo un marido!”... ¡Vanalidad [sic]!... ¡Vanalidad [sic] estúpida!... (Adriana indignada quiere detenerlo, él prosigue con mal contenido rencor) Capricho trivial de una mujer ociosa, soberbia, con dinero fácil, con afán dominador... (Sada 36) La acusación de Alfredo reduce a Adriana a una mujer que solo buscaba ser reconocida entre la sociedad como una mujer que se ha apropiado de un hombre. Como señala Lagarde, “con la adquisición de la esposa el hombre se allega un territorio y un espacio de vida privado para ejercer su dominio, eje de su virilidad, de su condición masculina patriarcal” (336). Sin la posibilidad de ejercer este dominio, para Alfredo la vida se hace insostenible, incomprensible, pues por un lado ya existe un espacio que le fue 28 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 arrebatado por la Revolución, el lugar del señor hacendado, y a este se agrega uno más; su lugar como esposo, en el que no puede figurar como dicta la norma ante su incapacidad financiera. Incapaz de sostener esos lugares, Alfredo desata la violencia en contra de Adriana, al grado en que esta enmudece y es incapaz de pedir lo que esperaba de esta relación: un hijo, y queda como una simple mujer vana y arrogante ante su nuevo esposo: ADRIANA. — ¡No... no se trata de eso! ... ¿No lo comprende usted? … Se trata... yo pretendía tener... (Pero al ir a decirlo un pudor instintivo la hace retroceder, cubrirse la boca con mano temblorosa y balbucir) ¡Oh!... usted no lo comprendería…no lo comprendería...! (Sada 36) La vergüenza de Adriana en el momento de hacer presente su deseo impide que “el bebé ideal” se produzca. Ninguno de los dos cuenta con los elementos necesarios para que ese niño exista. Por el momento, hay una imposibilidad que impide que esas clases se fundan para regenerarse, para que el Porfiriato sea capaz de reconstruirse a partir de su clase dominante dañada, y sea maternada, cuidada por una clase ociosa, “con dinero fácil, con afán dominador” en palabras del ex hacendado. El espacio doméstico en El tercer personaje Históricamente, el espacio doméstico ha sido designado como el lugar que deben habitar las mujeres; en este, desde esta visión misógina, no hay actividades productivas, es decir, labores que produzcan riqueza, sino tareas de cuidado de la progenie. En este sentido, resulta paradójico que la casa de Adriana sea el escenario en DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 29 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios el que diversas formas de la llamada condición femenina se sucedan: a saber, por un lado, es el espacio de la consulta médica de Adriana, su espacio laboral en el que conviven otras mujeres que trabajan, como Zoila, su asistente. No es en vano que la primera escena del primer acto se haga referencia a ello, que antes de presentarse como una mujer que busca un hijo, sea una mujer que ha estudiado medicina, que da consulta y que cuida de sus pacientes. Por otro, es una zona segura en el que comparte su intimidad con sus amigas, donde sus secretos son revelados, como el de elegir un hombre para tener un hijo que anhela; área en el que la vulnerabilidad de las mujeres de esta nueva clase aparece, con sus decepciones ante un mundo romantizado en el que el matrimonio no es lo que esperaban: MAGDA. —Yo soñaba con un escritor, con un poeta... ¡ja,...[sic] ja...ja! y vine a casar con un maderero. […] ROSARIO. — Estoy convertida en detective. Siempre alerta sin comer ni dormir. Paso horas y horas en persecución de mi marido. Sé... que me engaña. (Sada 15-16) De esta forma, la casa es un espacio de cuidados para los enfermos que llegan a consulta así como para la escucha. No es el espacio de la conyugalidad, pues Andrés, después de la boda, se va al norte a trabajar en sus ranchos, y cuando llega a regresar duermen en cuartos separados y hacen vida social para guardar las apariencias: ADRIANA. — Desde entonces, él va, vienes de sus ranchos, está aquí algunos días; entonces cuida escrupulosamente de guardar 30 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 las apariencias ante los criados. A veces es gentil, me toma del brazo para hacerme subir al coche. Insiste en que vayamos al teatro, a donde hay gente, donde podamos exhibirnos y me trata ante todos con estudiada galantería... en el fondo permanece extraño, hostil como un enemigo. (Sada 39) Sin vida conyugal real, con una división sexual del trabajo no tradicional, pues Adriana trabaja como profesional de la salud en su casa, además de ser la dueña de los recursos económicos, la configuración de este espacio anuncia una nueva relación mujer-espacio doméstico, así como un cambio en la construcción imaginaria de este. A manera de conclusión Como lo anunciábamos en la introducción, notamos ciertos paralelismos en ambos textos: primero, el establecimiento de alianzas entre las clases dominantes comprometidas en la reorganización del país, en periodos de crisis política. Es decir, en La catarata del Niágara un sector de la burguesía conservadora acepta aliarse con los invasores norteamericanos y franceses, respectivamente, para preservar sus privilegios. Mientras en El tercer personaje, una fracción de la oligarquía porfiriana procura recuperar su status económico a través de un “matrimonio” con la nueva burguesía posrevolucionaria. Segundo, en lo que respecta al hijo, como proyecto de país deseado, en ambos textos se concibe dentro del marco regulatorio de las relaciones de pareja; en otras palabras, en La catarata del Niágara la esposa mexicana hace el viaje hasta las cataratas por el marido norteamericano, pues deben vivir juntos para procrear dentro de una familia nuclear. En concordancia, en El tercer personaje, Adriana simula un matrimonio con un ex hacendado arruinado para DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 31 �Edith Ibarra y Miguel Ángel Vásquez Meléndez (CITRU/INBAL) / Mujeres, espacios tener un hijo. Es importante resaltar que en ambos textos, el hijo no se materializa: por un lado, el oficial norteamericano asesina a la madre gestante, arrojándola a la catarata, y con ellos se desvanece, metafóricamente, la posibilidad de conformar un país sometido a los intereses expansionistas y, por otro, Adriana es incapaz de confesar a Andrés que el objetivo del simulacro matrimonial es tener un hijo. Quizá lo que estos dramaturgos nos proponen es la imposibilidad histórica de esta nueva regeneración social; es decir, que no hay espacio para un México con cualidades del modelo norteamericano y las propias de la burguesía mexicana con aspiraciones cosmopolitas, y que si bien el modelo latifundista se puede recuperar, sostenido por el capital de la nueva burguesía mexicana, hay una hostilidad entre ambas partes que impiden una fusión real. Tercero, si bien se encuentra un espacio doméstico en el que se desarrolla la acción dramática, en el caso de La catarata del Niágara la casa representa a la nación convulsa, debido a las amenazas intervencionistas, norteamericana y luego francesa, y en El tercer personaje, el cambio de paradigma sobre el espacio que habitan las mujeres. Obras citadas Alcántara, José Ramón. Textralidad: Textualidad y teatralidad en México. UIA, 2010. Florescano, Enrique. Imágenes de la patria a través de los siglos. Taurus, 2015. Lagarde y de los Ríos, Marcela. Los cautiverios de las mujeres: madresposas, monjas, putas, presas y locas. UNAM, 2015. 32 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Mendieta y Núñez, Lucio. Las clases sociales. Porrúa, 1980. Riva Palacio, Vicente, y Juan Antonio Mateos. Liras hermanas (obra dramática). UNAM/Instituto Mexiquense de Cultura/ CNCA/Instituto Mora, 1997. Sada, Concepción. El tercer personaje. Sociedad General de Autores de México, [s. f.]. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-150 33 �Artículos Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 The Mystery of Death in Elias Canetti’s Notes and Aphorisms El misterio de la muerte en los apuntes y aforismos de Elias Canetti Tomás Speziale Universidad Nacional Autónoma de México Ciudad de México, México tomasspeziale@gmail.com Resumen: En este artículo proponemos una revisión exhaustiva y sistemática de los apuntes y aforismos de Elias Canetti, basada en la hipótesis de que la muerte aparece en ellos como lo que denominamos un “misterio” o “dato radical”. Esta lectura se distancia deliberadamente de las interpretaciones hegemónicas que han prevalecido en las últimas décadas, que tienden a tratar la muerte como un instrumento de la política o como un elemento que opera dentro de su propio campo, en lugar de como el misterio irreducible e irresoluble que necesariamente la rodea. En contra de estos enfoques, argumentamos que la naturaleza radical de la muerte en los Apuntes de Canetti —que se resiste explícitamente a las interpretaciones biológicas, sociológicas, psicoanalíticas e incluso filosóficas— obliga a la política a confrontar una serie de cuestiones éticas. Estas se refieren a la pérdida absoluta que implica la muerte, la exigencia de la salvación del otro y la primacía ética de la muerte del otro. Palabras clave: Canetti, muerte, ética, apuntes, política. Abstract: In this article, we propose a thorough and systematic revision of Elias Canetti’s Notes grounded in the hypothesis that death appears there 34 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 as what we call a “mystery” or “radical fact”. This reading deliberately distances itself from the hegemonic interpretations that have prevailed over recent decades, which tend to treat death as an instrument of politics or as one element operating within its own field, rather than as the irreducible and unsolvable mystery that necessarily surrounds it. Against these approaches, we argue that the radical nature of death in Canetti’s Notes—which explicitly resists biological, sociological, psychoanalytical, and even philosophical interpretations—forces politics to confront a series of ethical questions. These concern the absolute loss implied by death, the demand for the salvation of the other, and the ethical primacy of the other’s death. Keywords: Canetti, Death, Ethics, Notes, Politics. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 35 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death Introduction Death is one of the major themes of Canetti’s work, a concern that runs through almost all of his texts. Indeed, from his three plays (1982), each of which placed death at the center of the stage, through the centrality of survival and the question of the invisible masses of the dead and the unborn in Crowds and Power (1987), to the frequent mentions of his relationship with death in his autobiography (2006, 2011) and his reflections in his Notes (2008), the grim reaper never ceases to haunt Canetti’s writing. How can we understand the heterogeneity of meanings in which it emerges, where it is linked, in an apparently dispersed series of writing genres, to diverse anthropological, historical, philosophical, and psychoanalytical realities and concepts? What can we say about Canetti’s general conception of death? In this article, we would like to outline a possible answer to these last questions: in Canetti’s Notes, death appears as mystery, a radical fact.1 The radical fact of death, associated with the “mystery” and opposed to the “problem”, will allow us to separate our interpretation from the hegemonic reading of his texts, which, as we shall see, has governed the state of the art since the last decades of the twentieth century. For a number of commentators have, in fact, seen in death a mere instrument of politics—or of power, which is, for these works, a synonym of politics. Thus, death appears in them as one more element of political life, as one more problem 1 We will analyze here only the notes, since we have taken care to dwell on his fictional work (the novel, Auto de fe, and the aforementioned plays), essayistic (The Consciousness of Words), autobiographical, and theoretical (Crowds and Power) elsewhere (“Anonymising Identifying Information”). 36 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 with which politics has to deal, or which it has to channel as one of its tools. In contrast, our recovery of death as a radical fact, and not as a problem or an instrument, allows us to think of it as something that politics is always facing, not as an obstacle that stands before it, but as the mystery that necessarily envelops it, and which throws it into a set of ethical questions with which it has to coexist, without a definitive answer. A series of perennial interrogations linked, as we shall see, to the mystery of death, to the absolute loss of the other, and to the ethical demand for his salvation. To achieve our objective, we will begin by reviewing various interpretations that see in Canetti a thinker critical of power, who opposes death by denouncing it as the fundamental instrument by which politics undermines the metamorphic capacity of subjects. Secondly, we will argue from our reading of Canetti the specificity of the idea of death as a radical fact, to then find it, finally, from three questions that make it manifest: one regarding its mysterious dimension, another pointing to the absolute of loss—to the terrible dead’s waste without return—and, with it, to the question for the ethical primacy of the death of the other. The State of the Art. Death as an Instrument of Power It could be said that the field of readings on Canetti’s work is mainly governed by the interpretations that have been labelled (“Anonymising Identifying Information”) “Deleuzian-vitalist”. This body of work emphasizes the idea of metamorphosis as an expansion of the possibilities of the human being (Brighenti 2010, 2023; Campillo 2006; Cerruti 2024; Marramao 2008; Martínez 2006; Vázquez Tamayo 2020; Ishaghpour 1990). If power for Canetti is constituted, in large part, by the triumph over the death of the other, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 37 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death by the possibility that the other dies in my place or, in any case, that he accepts the order I give him —an order that always in the last instance is a threat of death (Masa y poder)— then metamorphosis would reside unequivocally on the side of life. If power, we say, is thus linked to a certain giving-death, or to a power-giving-death surviving the other, then metamorphosis would be the capacity by which, transforming himself into others and remembering the deceased, man welcomes otherness within himself, becoming something other than himself by rejecting death. The disadvantage of these views is not only that by homologizing power and politics they renounce the latter, but also that they tend to reposition the quest for the universal for which Canetti advocates solely on the level of an individual literary wager in opposition to death and, with it, in opposition to a series of ethical-political problems linked to death, to which we shall return. Another type of approach, which could be called “eschatological”, is found in the work of Figuier (2006), who, while also underlining a certain continuity between survival, death of the other, and power—“The moment of survival is the moment of power” (Canetti, Masa y poder 223)2—also says that there are two forms of innocent survival. The first is linked with the “surviving at a temporal distance” (245), a Canettian notion present in the section “The Forms of Survival” of Crowds and Power, of which we will speak in detail, since it is central to our own argument. This is, according to Figuier, an innocent modality of survival insofar as one cannot have put to death those who lived long before oneself. And 2 From here, all translations of texts from Spanish into English will be our authorship. 38 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 it would be innocent even though Canetti does admit that there is, with respect to it, a power relation between the living and the dead. The second form of innocent survival would be one that brings his reading closer to the Deleuzian-vitalist interpretation: immortality through the work of art, since, in writing, the writer’s will is not to kill, but, on the contrary, to expand life. However, we call this interpretation “eschatological” since its specific emphasis lies neither in surviving at a temporal distance nor in that metamorphosis and “life in expansion”, but almost on the opposite, in a third way of trying to escape power. In a dying with the dead: Figuier interprets the funeral or lamentation packs analyzed by Canetti (1987) by highlighting the idea that, before the deceased flees to the world of the dead, the living seek to retain him. “And they would like”, says Figuier, “animated by guilt, to die with him” (6). This reading cancels the radicality of Canetti’s position, whose own mark, as we will see, is the tearing in the face of death understood as an absolute loss of the other and of the self and, therefore, as a datum whose radicality is unacceptable and unbearable. Another type of interpretation of the place of death in Canetti’s political analyses is the one that could be called “post-foundationalist” (Mouffe, 1999; Agard, 2017), as it tends to emphasize the process by which Canetti shows in Crowds and Power that, although no political regime can finally expel all possibility of the appearance of death within it, some nevertheless manage to conjure it, by transforming, as Chantal Mouffe (1999) says, antagonistic relations into agonistic relations. According to the latter, Canetti would have shown, in the section “The essence of the parliamentary system” of the chapter Crowd and History, that English parliamentary democracy succeeds in reducing to a minimum the presence of death in human relations, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 39 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death insofar as parliament would stage for him a combat in which one renounces killing in order to adopt the opinion of the majority. And then, from this point of view, the “elimination of death from the political scene is for Canetti an achievement, even if it is precarious” (Agard 283). Therefore, around 1960, England would have been the country that contributed most to the political codification of violence. This analysis tends to see in the political world, as described in Crowds and Power, two heterogeneous levels, the instituting and the instituted, the political and politics. Politics would thus appear, Agard tells us, as a channeling of the infinite power of human metamorphosis, a power that singles us out from other species—since humanity, although it is part of the vital flow of the world, of the continuum of the natural world, at the same time necessarily breaks with it, always introduces a break with respect to that continuity because it does not have a finished essence, an identity with itself. The power of metamorphosis is ambivalent for him, since it can both help men to escape death and to kill others. Metamorphic politics would thus consist in channeling death as a negativity that lies outside of it, that is, as an exteriority from which we should remain distant. As we will argue in detail, this position that sees death as a “problem” ignores its mysterious character, whereby politics can never abandon the tragedy of the unsolvable questions it must face, beyond any appeal to the given forms of death —as murder, extermination, war, threat, and so on. Thus, unlike the three positions we have just reviewed, we are about to postulate that for Canetti, death is a radical fact, irreducible to the evasive adventure of metamorphosis, to the eschatological celebration of its unacceptable absolute negativity, and to the institutional channeling of its instituting power. 40 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 The Mystery of Death It is undeniable that Canetti problematizes death. In his reflections on the link between power and survival, in his alarming diagnosis of the nuclear scenario as a universal extension of the imminent possibility of death, in his analysis of the paranoia of various characters such as Schreber and Hitler, in his dense descriptions of the cultural modalities of lamentation or mourning, in his profound attention to the question of war;3 we could almost say, at all times, there is in his texts a concern for thinking about death as a problem, for thinking about the concrete ways in which, in our societies, death is experienced and death is given. Notwithstanding this, in Canetti’s texts, death is first and foremost a mystery. Death is not only that question before which we stand, that object that is constantly in front of us, susceptible to our historical, cultural, ethnological, linguistic, sociological, or political analysis. It is, rather, a mystery in which political communities and the subjects that live in them are already always immersed, an envelope of absolute darkness within which we exist. All knowledge about ourselves and about the world contains within it this inextinguishable mystery4. 3 All these are main themes that Canetti works on throughout Crowds and Power. 4 “No matter how clear and thorough the rest of our self-understanding is, the incomprehensibility of death will remain folded within itself, silently gnawing at each of our certainties. All knowledge, whether about the world or about ourselves, contains within it an inextinguishable mystery. No matter how wonderfully we may have constructed our schemes of thought, it is a fact that each of us will fade into final obscurity along with our own thinking” (Carse 11-12). DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 41 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death If the problem by definition is illuminated, approached from the outside, the mystery, on the contrary, blurs the distinction between the outside and the inside, between what is before me and what is in me, and that is why with it I am immersed, submerged in an infinite opacity (Marcel, 1969; Jankélévitch, 2002; 2017)5. For the demographer, the biologist, the anthropologist, the sociologist, or the political scientist, death is often a problem. For Canetti, it is both a problem and a mystery: I want death to be grave and serious, I want death to be terrible, and even more terrible where there is nothing to fear but nothingness. [Death] still seems to me as useless and perverse as ever, the fundamental evil of all that exists, the unresolved and incomprehensible. (El libro contra la muerte 39, 70). The seriousness of death is in Canetti absolute, unresolvable, radically incomprehensible, and unacceptable. It is commonplace to situate his various texts on the horizon of a certain culturology of death: the Canetti whether sociologist, anthropologist or historian of death, would be the one who studies the cultural manifestations of death and dying, who embarks on long studies of ancient peoples to review in detail the different responses of humanity to the grim reaper, who critically denounces the social and technical modalities of murder. If the reading of his work is reduced to this gesture, the degradation of death from mystery to problem is fatal, for it greatly 5 Canetti quotes in a note, by the way, Gabriel Marcel, a French philosopher who elaborated in his Metaphysical Diaries (1969) this distinction between problem and mystery. “To love a person means to say: you will not die... Since I cannot love without desiring the immortality of the one I love... I cannot accept death” (El libro contra la muerte 220). 42 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 impoverishes one of the most singular features of his reflection. We believe, on the contrary, that culture certainly appears in his texts as a response to death —not only in the sense of specific “cultures of death”, but, as Jacques Derrida says in Aporias (1993), as Ernest Becker claims in The Denial of Death (1973), and also at a certain point as Sigmund Freud states in Civilization and its Discontents (1992), in the general sense that every culture is a way of responding to death (and this is but another way of speaking of mystery)—, but his reflection can never be reduced to a “cultural study”. Canetti, during the Second World War, points out: Culture is manufactured by the vanities of all its promoters. It is a dangerous filter that distracts us from death. The most genuine manifestation of culture is an Egyptian tomb, where everything there is futile: utensils, ornaments, food, paintings, sculptures, prayers, and yet the dead man is not alive. (El libro contra la muerte 33) The various “cultures”, those that certainly demarcate the borders between the different ways of facing death, are grouped and exceeded by this radical datum: the tremendous fact that the dead is dead anyway, whatever the utensil, the sculpture, the painting, the prayer, the biographical or collective history. All the dead are dead, we could say, radically dead. And on this point, death knows no borders. Death, which is the impassable edge of all life, death, which is that phenomenon whose forms change as it moves from culture to culture, is at the same time, and would be for Canetti if we are right, that which by definition has no frontier, that whose radical negation threatens the human throughout the earth and at every historical moment, in any culture and beyond any symbolic mediation: “all DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 43 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death death breaks the cohesion of the intricate network that is the world” (El libro contra la muerte 177). Indeed, if the anthropological incursions of Crowds and Power seem to contradict us—for reasons of length, we cannot dwell on them here—the notes and interviews do not fail to mark rather a disciplinary counterpoint with those perspectives that annul the mystery of death as such: “It is almost inconceivable to me [Canetti says in a 1983 interview on which we will insist later] that people who experience the death of their closest relatives are reluctant to see death as such” (Arrebatos verbales 850). It is an expression, we will be told. But there are many times he speaks of “death as such” or of “death in general”. To show that this is not a mere idiom, let us dwell on his explicit contrast with the different disciplinary ways of facing death. Canetti repeatedly questions the idea of natural death: for no death is natural (El libro contra la muerte 105). Nor is the belief in the naturalness of death eternal: for some ancient peoples, every death was a crime (Arrebatos verbales 793). That is why, in his notes, he goes, again and again, against the various cancellations of his radicality: First, against medicine, which claims to explain and justify the naturalness and inevitability of death (El libro contra la muerte 131). For Canetti, biology can in no way define the boundary between life and death, nor what it means to be human. As Jankélévitch (2017) says, death is simultaneously an empirical phenomenon, which we experience on a daily basis, and at the same time the meta-empirical par excellence, since a clot in a vein—which is not death—is enough for the transit between the here and the hereafter to be realized in an instant. Death, in Canetti, always exceeds the physical. With this and, secondly, he points against psychoanalysis and the notion of death drive, which “is a descendant of ancient 44 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 and obscure philosophical doctrines, but is more dangerous than these because it is clothed with biological terms, which have the prestige of modernity” (155)6. Third, against the idea of justice associated with the punishment or punishment of murderers, which would distance him, as he tells us, from men like Simon Wiesenthal, and also from historiography and the search for reparation by way of memory, because for Canetti it is not enough “to lead one of those butchers, the most terrible of the most terrible, to his punishment” but, ultimately, what human beings need is “to understand what death has done to them and [must] put an end once and for all to this ‘fact of nature’” (El libro contra la muerte 138). Nor, fourthly, is Canetti convinced by the “sociological jargon” that dumbs down death, determining it historically, by redirecting it to its supposed social causality: “Since I have experienced how death is conceived in sociological jargon, I no longer likes to think about it. It is not the same since then. Death has become dumbed down” (145). Fifth, the critique of medicine, psychoanalysis, and sociology does not lead him to identify himself as a philosopher, much less as a dialectical philosopher —we will insist on this later. The Hegelian dialectic cannot, according to him, come up in any real way against the fundamental and irreversible fact which is the basis of everything: “There is nothing to be done, nothing at all, 6 On his rejection of the death drive, which he considered his fundamental theoretical difference with Freudian psychoanalysis, interviews with Joachim Schickel and Rupprecht Slavko Baur can also be consulted (Arrebatos verbales 791, 806), as well as some passages from his autobiography (La antorcha 148; El juego de ojos 303). DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 45 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death with dialectics as Hegel understands it. After all, this has to do with a fundamental and irreversible fact that is the basis of everything: death” (147). Sixth, with the philosophies of language, “which leave death aside as if it were something ‘metaphysical’, [which] does not alter in any way the fact that it is the oldest factum, older and more decisive than any language” (155). This relationship between death and language points, once again, to the radicality of that which “cannot be narrated” (150). There is something ambivalent in this last idea: on the one hand it is the end of narration, death as the most ancient, an anteriority to language that cannot be told, narrated; but, at the same time, to narrate death is always to narrate its social forms, its political modalities, its biographical figurations, and at this point the unacceptability of death as an experience of the irruption of nonmeaning reappears. In Canetti, every significant narrative seems like a house of cards that this final fact demolishes. Seventh, and finally, if the idea of a factum more ancient and decisive than any language led him to discard the “analytical” approach of the philosophy of language, this does not mean that Canetti takes sides with the “continental” side of philosophy: I read what the various philosophers have written about death and I am ashamed […] The philosophers who would like to give us death as something we must bear, as if from the beginning it had been in us [...] They cannot bear to see it only at the end, they prefer to prolong it backwards, to the beginning, making it the most intimate companion of all life, and thus, under this attenuated and familiar form, it is tolerable for them [...] They prevent the only combat for which it would be worth fighting. (154) 46 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Inadmissible, in fact, and at the limits of meaning, death is for Canetti what breaks the cohesion of the world; it is the incomprehensible fact that humans have always faced and to which no valid solution has yet been found. Neither biological, nor cultural, nor political, nor social. Death is often characterized in his notes as that which, being unreal, is the most specific or the most concrete, as the false and the always unworthy, as the most ancient and timeless fact, as the arcane that his contemporaneity does not understand at all. And its abyssal dimension, the idea of an uncrossable frontier between life and death, leads Canetti to seek to separate himself, as we have just seen, from the Hegelian dialectic. In the 1983 interview with Uwe Schweikert, the latter questions him on whether his mortuary inquiries were aimed at denouncing the epochal negation of death, that is, the absolute separation of death and life by those who simply deny or omit it, the “eclipse of death” in the culture of a contemporary world that indefinitely lengthens life by obliterating death (Ariès, 1975; Becker, 1973; Redeker, 2018). Canetti answers with a categorical “no”; he claims, in fact, his “struggle against death” is sustained in postulating the radical nature of that frontier, in pointing out death as an injustice that has nothing to do with life and that can teach us nothing about it, in rejecting the idea of natural death. Something similar to the conversation with Joachim Schickel in 1972, where, when asked about the possibility of a dialectical reading of his work, Canetti answers: -[Canetti]: I have a particular reason that explains my distrust of dialectical language [...] I distrust pairs of oppositions [...] In many dialectical writings they become something very simple and accepted in the most incredible way, without a previous analysis: day and night, good and evil, life and death. -[Schickel]: But this is a vulgar dialectic. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 47 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death -[Canetti]: Undoubtedly. But the separation between life and death is decisive for me. And it seems to me extremely important that no one should be able to see life as death or to suppose that there is a superior synthesis between the two. (Arrebatos verbales 793) Life and death are not susceptible to dialectics. The second is in Canetti, the absolute negation of life. His intransigence knows no synthesis because it tears the human being out of existence and takes him nowhere, destroying an existence that is lost forever, that can never ever return. Canetti’s torn consciousness of death is therefore the result of the rejection of a dialectic that, in his opinion, hides the very serious component that lies in every mourning, in every visit to the cemetery, in every war, or simply in every apparently “natural” cardiac arrest: life, every life, is lost forever. The disciplinary questions just reviewed were, from this last point of view, a critique of the problematic blindness —in the double sense, because blindness is problematic, but also because it reduces the mystery to a problem— that sociology, biology, psychoanalysis, anthropology, historiography or philosophy have regarding the scandal, the unacceptability of the loss that shatters, tears apart, annihilates or makes our loved ones disappear forever. Canetti will say: everyone, all humanity, even our enemies, for death is always unworthy. The mystery of death thus leads us, then, to the dark depths of the eternally lost. Absolute Loss In the epilogue of the book Política y Tragedia, Eduardo Rinesi contrasts dialectics with tragedy, adding that each contains the other, though in different ways. Far from what might be believed, dialectics implies tragedy; it is tragedy plus a “but”: at the end of 48 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 tragedies, several lives are lost or ruined, “But humanity has learned a lesson. For dialectics, the tragedies of history leave a lesson to men, and therein lies its transcendent meaning” (255). Rinesi thus shows us that tragedy is a moment of dialectics, but only a moment, since the negative is assimilated in the dialectical movement that synthesizes it into a new and surpassing positivity. Conversely, for tragic thought dialectics is a part of history, but only a part, because tragedy illuminates that which “remains unrecoverable, non-integrable” (255). Thus, the tragic experience leaves nothing in its wake: no synthesis, no lesson, no progress will give life back to those who have gone. Following this way of understanding tragedy, we could call “tragic humanism” to Canetti’s bet, where “humanism” would be on account of a universalism on which previous works have already stopped (“Anonymising Identifying Information”), while “tragic” would point to the remarkable sensitivity for what leaves to never return. A sensibility that appears repeatedly in the notes, not only in the form of mourning, guilt, and responsibility for the death of the other. First of all, it appears as an absence of meaning, because for those who leave, there is no real return or symbolic compensation possible: the expense of dying is total and without counterpart: “I still await the meaning-filled death of a person I know, and I know that this death does not exist, that it is always meaningless” (El libro contra la muerte 80). If we said above that language fails to name and bring back the dead, now it is the field of meaning in general that has no solution in the face of the mystery of death. Inexpressible and unexpressed in language, the death of the other and, with it, death as such, defy all meaning: neither rituals, nor beliefs, nor the evolution DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 49 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death of history, nor future generations, nor any revolution will be able to redeem this disappearance that awaits us all, this unconditional and non-stop erasure of our presence on the map. If anything remains or will remain of us, it will always be, for Canetti, too little: We will never know if there is an intention behind that which we call death; but, if there is, it can only be the following: to lower and degrade the living to a mere futile object, to a trace that is not even a millionth part of what the living could have been (El libro contra la muerte 86-87). Absolute negativity: this is what death seems to be for Canetti. Nothing will remain, since there is no real compensation possible. “You never know what will be the most valuable of what is left of you; perhaps someone will take to his lips a pair of your old shoes, old and worn out, when all your papers have long since burned” (88). The paper, this reiterated Canettian metaphor of the human being, at least a metaphor of what is left of each one after the final departure, is now shown, in these coordinates, as too little, too burnable, as a sort of bottle thrown into a sea without destination, with the frequent suspicion that it will be of no use: What will become of everything accumulated in you, so much, so much, an intense store of memories and habits, of postponed questions, of shivering answers, of doubts, emotions, tenderness, hardness, all there, all there, what will become of it all when life is extinguished in you? The disproportion of this accumulation, and all for nothing? (191) All for nothing: taking these notes very seriously, those who read Canetti might suspect that there is something of the 50 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 “forms of survival” that are crucial to the argument of Crowds and Power, that there is something of his permanent questioning about survival, we say, that is central, but central not because the dead returns, but precisely because he knows that it is not possible to survive. In other words, it is exactly because he is tormented by the disproportionate nature of life in relation to death, which in a single instant takes away everything and forever, forever and for nothing, that Canetti devotes several decades to studying the cultural, social, anthropological, and political ways of confronting this departure. Indeed, those configurations of survival are imaginary modalities of living men and women, and by no means effective returns from beyond the grave, resurrections from the cemeteries, or rebirths from the tombs. As James Carse says in Death and Existence, “if one survives, one does not die [...] anything that dies is completely extinguished and does not continue in any form” (18). For this impossibility of the return of those who have gone forever, which is also and above all the impossibility —social and political— of restoring the meaning of their existence, also displaces any reduction of the question of the mysterium tremendum of death to the search for the restitution of the past. Frequently, when an attempt is made to develop a political reading of a given author, the following applies to Canetti, but not only —it is about asking for his philosophy of history or his position in the face of history. Very well: with Canetti, the terrible factum of death is not immediately directed to the historical reparation for those who have gone, nor to the constitution of a future sense that can counterbalance what has happened. Because its size is such that it is a “combat lost beforehand” (Masa y poder 62). DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 51 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death In his beautiful essay entitled Mientras no cambien los dioses, nada ha cambiado, Sánchez Ferlosio critically exposes the discursive and political effects of the Challenger tragedy, when on Tuesday, January 28, 1986, its seven crew members died suddenly after the disintegration of the famous American shuttle. An ABC correspondent in New York—Sánchez Ferlosio tells us—called for the continuation of space progress after the accident: “Underneath the tears is the American determination to continue the space program [...] because [space] is also the future, and to leave it now would be a betrayal of those who have died to conquer it” (21). Sánchez Ferlosio, suggesting that, strictly speaking, one never really dies “for something”; suggesting, let us say, that all death is a kind of absolute waste, that no Cause nor any future will be able to compensate for the life of one who departed for all eternity, replies: respect for the dead is not respect for their deaths and their causes, but respect for the lives they lost; to make their deaths serve for something is to deny the lives they have lost the right to have served for nothing, the privilege of being an end in themselves. (21) As if what had to be safeguarded when seeking to do justice to a dead person was the uselessness of his life, the very meaninglessness of his existence that vanished without a trace, or leaving it, but perhaps every trace is a temptation, precisely to reestablish the concatenation of a meaning that erases the singularity of that nihilation. Sánchez Ferlosio thus questions the sacralization of death as a form of capitalization, pointing to the paradox that it is not the Cause that drove the sacrifice of our dead, but rather, conversely, it is the deceased who retroactively legitimize, for the 52 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 living, the Causes for which they supposedly died. This inversion is tricky, above all, because the accident in its gratuitousness is always subtracted, like life itself, from that cause-effect relationship that one tries to establish with the Cause, with History, with Progress or with the Future. And in this line, Ferlosio dwells on nothing less than the Falkland Islands War, a deadly war about which Canetti also had something to say. That mythical investment was deployed —the Spanish essayist comments again— by Jeremy Moore, one of the victorious British generals in the war, in replying to an argument typical of the logic by which blood creates law, and not only law creates blood: “Now the Falklands [Moore sentenced] are ours because we have paid for them with the lives of young British men, and any attempt to question this right is, without more, an offense to the dead” (Mientras no cambien 21). On the contrary, the true opprobrium of the dead is, for Ferlosio and for Canetti, the mere fact of having died, of never being able to return, and thus not having the possibility of refuting the discursive operation that takes away from the end of his life the status of having been an unreserved expense. From this point of view, the Malvinas was an atrocious war, first of all, because innocent people died, because they died for nothing, and because they died forever. In his posthumous autobiography about the English years, an irate Canetti exclaims with Margaret Thatcher: The “small” Malvinas war, which was accepted by the majority, is like a last memory of power, it costs lives, even if they are counted [...] It is difficult to calculate how many memories about this miniwar have proliferated along the ocean. Automatic dreams of the past in people who have never fought: useless for military service, women, peaceful men, everyone, people of all kinds, not only DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 53 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death those who had combat experience [...] I could never get over the shame of this mini-war: the coliseum in England, the oceanic naval games. (Fiesta bajo las bombas 42-43) Death, Evil, and Ethics Canetti’s general anti-war sentiment is based, in effect, on the costliness of the loss that he judges, universally and by definition, inadmissible. Including, as we shall see again, that of the enemy. Even with the suspicion of the impolitic detour in which our author may at times incur with the denial of all war (“Anonymising Identifying Information”), our reading should also perceive that the undergrowth of war derives from an ontology of evil, the source of which is death. And so, all “negative anthropology”, indeed, all “negative political anthropology”, where in fact the morality of men and women is frighteningly led —for Canetti and almost always— to the darkness of reciprocal murder, internal to the human race and not strictly derivable from nature, all this negative anthropology, we were saying, is not self-contained. It depends, rather, on the very existence of death, the source of all evil: “Death and evil are for me the same thing” (Arrebatos verbales 808). In other words, man is evil because he dies, or more precisely, because death is evil and inescapable, and not the other way around: it is not that he dies because he is evil. The great question of his time, a social and political question —that which never ceases to be contained in every analysis of the phenomena that were contemporary to Canetti: world wars, genocides, nuclear threat, and so on— is that men kill each other, fight, wage war, and exterminate each other. And fascism was for him the ultimate and paranoid consummation of that logic of power. But this immense political problematic ultimately derives 54 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 from a general acceptance of the “original situation” (829) that confronts us with our impotence in the face of death as such. Thus, death, which is “the most concrete” (851), constitutes the source of evil, and as long as men die, they will never be good. Subjective evil falls within an ontology of evil that, as we have seen, does not allow “dialectization” between good and evil or between life and death. So that at times it would seem that even Canetti’s gloomy diagnoses of twentieth-century societies do not even depend on the act of killing, but that murder is rather the result of the ontological status of this terrible fact: “The effect of death is the most terrible, the one that has done the most harm to men” (860). The negativity that one might constantly trace in the social and political analyses of Crowds and Power, according to this logic, leads back to the ultimate problem: the terrible dagger of death in human existence in general. For example, “Someday it will become evident that with all death, men become worse” (El libro contra la muerte 37).. Or: “How could there be no murderers as long as man agrees to die, as long as he is not ashamed to do so, as long as he incorporates death into his institutions as his surest, best, and most significant foundation?” (66). Or, finally: It is nothing shameful or egocentric, it is something just, good and well-founded that, just now, nothing fills one more than the idea of immortality. Do we not see how there are people who are sent in wagons to death? Do they not laugh, joke and boast to falsely give value to each other? And then there are those who fly overhead in flocks of twenty, thirty, a hundred planes loaded with bombs [...] We can no longer say “God”; he is marked forever, he has on his forehead the Cainite stigma of wars, we can only think of one thing, the only savior: immortality! If it were ours, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 55 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death if it were already in force, how different everything would be! Immortality! Who would want to go on killing? Who could think of killing if there was nothing left to kill? (45) That is why the Canettian syntagm to name something like an ethic would be “Thou shalt not die (the first commandment)” (El libro contra la muerte 28), an impossible dream of immortality that, formulated as a commandment, would be incumbent upon everyone. For the torn conscience —once the death that condemns the departed, as we have seen, to inconsequence has taken place— is that of the living, who thus faces —we were about to say “without mediations”, but the truth is that war, technology, fascism, murder, and even the most “natural” death are all mediations between the subject and this original situation— guilt and responsibility for the one who has been lost forever. And for whose rescue the surviving individual could do nothing. This is the fundamental core of the ethics deployed in Canetti’s texts, and also of his own life trajectory, from the death of his father in 1912 to his last days and notes of 1994. The guilt is total, because we will never be able to revive those who have departed: “Since we no longer have them, we feel a unique and immeasurable guilt towards the dead: the guilt of not being able to bring them back. This guilt reaches its maximum intensity on the days when we feel most alive and happy” (El libro contra la muerte 93). For not having been able to prevent his death, we are guilty. All of us. All of us, and for all of us. In each particular death, for Canetti, a universal component of responsibility for those who leave. For the human race in general. It is a combat lost beforehand: as Canetti states throughout Crowds and Power, the confrontation 56 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 between the living and the dead, between all the living and all the dead, is already decided. Defeat expresses the unbreakable frontier that Canetti finds so mortifying: I find despicable the priests of all religions who cannot bring back the dead. They do nothing but consolidate a frontier that no one can cross. They administer what is lost in such a way that it remains lost. They promise a pilgrimage to an unknown place to conceal their impotence. They are happy that the dead do not return. They keep them on the other side. (El libro contra la muerte 94) Rejection of religion as a field of acceptance of death, of a death that Canetti cannot accept because of the stigma of being on this side of here, with the guilt that those who reside in the hereafter will never return. Perennial guilt of the survivor before the unbreakable boundary that separates life and death, preventing any dialectical synthesis, any real recovery of the deceased: “This unshakable sensation of enduring, not diminished by any death [...] How many dead is one capable of enduring when one has definitively refused to accept the abjection of survival?” (179, 200). In Hegel, Death and Sacrifice, George Bataille takes up Alexandre Kojève’s renowned interpretation of The Phenomenology of Spirit, stressing that in it the negativity of death, which “is the most dreadful thing”, acquires a fundamental place in the unfolding of consciousness and of the real: “The spirit [says Hegel] only conquers its truth when it is capable of finding itself in the absolute tearing apart” (21). But Hegel did not know to what extent he was right, for if indeed death is the source of meaning, of objectivity and of history —let us remember: knowledge is placed on a par with death precisely where the master triumphs by DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 57 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death enduring the anguish of looking it in the face, and it is thus, torn, confronting the negative, that an economy of life, a conservation, is established; it is, thus, that history begins—; if death is therefore the source of meaning, it constitutes at the same time the ultimate threat to the field of meaning. Or, as Derrida says, commenting on Bataille’s essay: The blind task of Hegelianism, around which the representation of meaning can be organized, is that point at which destruction, suppression, death, sacrifice, constitute such an irreversible expenditure, such a radical negativity —it must be said without reservation— that they can no longer even be determined in terms of negativity in a process or in a system: the point at which there is no longer either process or system. (355) We believe, as we have been suggesting, that Canetti in his notes displays a particular sensibility for death as an expense without return, for a certain impossibility—which was already implicit in the key notion of “survival at a temporal distance” in Masa y poder (245) —of making the dead return, of giving their death a meaning that counteracts, in a certain way, the density of their departure. The critique of dialectics is directed, as we anticipated, in this direction: There is nothing to do, nothing at all, with dialectics as Hegel understands it. After all, this has to do with a fundamental and irreversible fact that is the basis of everything: death. A philosophy that is oriented in a real and not only apparent way by death cannot only be dialectical. 58 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Death does not contain life, it does not become life. It is clear, definite, infertile and does not allow itself to be persuaded by anything. The lower life does not point to death, does not know it, does not lead to it. (El libro contra la muerte 147) And if from this fundamental error of being “apparently” oriented by death, of not knowing to what extent it is a fundamental and irreversible fact, political theories are derived, then the latter should return, rethink that which is the basis of everything: I am more and more convinced that the political theories of the 19th century -I mean all its political theories- are wrong and false. And this does not mean, by any means, that they should be improved or supplemented: they are false at their roots. It is evident in the theories of the greatest significance for the future, namely, those derived from Hegel (146-147). The Death of the Other Canetti undoubtedly shows, in the notes, a primacy of the death of the other, to which the guilty survivor has always felt indebted, long before his own death. A series of his reflections thus points to the priority of the death of others over one’s own: I swear that even my life is indifferent to me. I swear to be willing to disappear on the spot and without leaving a trace, so that no one will know about it, if in return a war does not break out, I am willing to make this deal. I am ready for such a deal. To what instance shall I turn? Is there no god for it? (66) There is a tension in Canetti between the centrality of the death of the other and the death of the self (“Anonymising Identifying Information”), for in truth all Canetti’s writing is DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 59 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death mobilized by the ethical question of the salvation of others: “And although it must come to me soon [Canetti confesses], what outrages me most is that others suffer death” (218). Closeness, thus, with Emmanuel Levinas (1993, 2005) in his critique of Martin Heidegger, where death as such always appears, first, as the death of the other—and not as one’s own (Derrida, 2006). This is, indeed, the interpretation of Byung-Chul Han: “Canetti will emphasize without further ado Levinas’ thesis that primary death is the death of the other, that death means being for the other [...] The death spoken of here is not my death, but the death of others” (250). Canetti actively and innocently seeks not to be associated with any philosophical tradition, but in Han’s favor, it must be said that, in a note written two years before his death, Canetti confesses to having been surprised when reading Levinas, identifying almost completely with his phrase: In the book that was just brought to me from Paris I find this sentence that could be mine: “The fear of the death of the other is undoubtedly the basis of the responsibility for him”. I know nothing about Levinas, I know nothing more than his appearance. To this day, his coming from Heidegger has haunted me. Then, in the last dialogue of the book I find the sentence I have just quoted. (El libro contra la muerte 306-307) The discussion on the primacy of one’s own death or the death of others, in which Canetti now seems to lean towards the latter, is at the most intimate fibers of the theoretical-political question about the relationship that every community establishes with death. Because the end of the other, where it always comes first, makes the enigma of death as such the possibility of questioning 60 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 this impossible bond: what binds me to the other who is gone or will be gone forever, and whom I will never see again? Like Judith Butler (2010), who in Frames of War finds in the anterior future of mourning the foundation of the humanity of the other, is not the radical fact of death always at stake here as the one that constitutes beforehand the very temporal framework of any community, in a time that, by definition, never arrives? Implicitly and explicitly, Canetti has separated himself, in all his notes and writings, from his vision of Heidegger and all that Kriegsideologie that prioritized —and to a certain extent magnified— the acceptance of death itself (Losurdo, 2003). Consent of death that he knew very well, not only for having been a contemporary of the great wars of the last century, but also for being a great connoisseur of the German language in which he always wrote. Canetti’s preoccupation with death always seems to start from the subject’s heartbreak at the death of others, and even, with it, at the death of everyone and everyone else, at the friend’s or the enemy’s. Resistance against death conveys the impression that it is only about death itself. That would be too little. It would be nothing. How to make it evident, beyond any doubt, that it is about death in general and perhaps less about the very short duration of life than about the effect of death, which is toxic? (231) Honest and true nobility of an unreserved ethics: Canetti would give his life, even to the detriment of his dreams of immortality, to save that of any other: “I would rather give up my own life entirely than give up, even if only hypothetically, that of any other” (El libro contra la muerte 61). One of the powers of Canetti’s reflection on death is precisely this link between the singular and DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 61 �Tomás Speziale (Universidad Nacional Autónoma de México) / The Mystery of Death the universal, for the radical fact of death implies that every other is radically other; every death embodies the problem of death as such, or, to put it in his terms, of death in general. Conclusions Throughout this article, we have focused on the ways in which, in Canetti’s notes and aphorisms, death appears as what we call “radical fact”. Thus, we first presented a limited series of previous interpretations which, emphasizing the idea of metamorphosis as the vital emancipatory capacity of the subject, celebrating the eschatological “dying with the dead”, or underlying the politicalinstitutional channeling of the negativity of death, canceled from our point of view the mysterious dimension of death in Canetti and, with it, a series of fundamental questions of his thought. Thus, in critical opposition to these latter positions, we studied various passages of Canetti’s Notes, to see how in them the radicality of death appeared successively linked to a certain notion of mystery (which, in opposition to the “problem”, explicitly counterposes its approach to other kinds of disciplinary approaches) and, with it, to a series of questions revolving around the absolute loss of the other, the responsibility for his death and for his salvation, and, ultimately, the ethical primacy of his death over the death of the self. In short, by virtue of what has been exposed, it could be argued that, throughout Canetti’s work, death reveals itself as a political issue, not so much because it is an instrument of politics, but because it is linked to that set of interrogations that, insofar as they emerge from its radical negativity, from the non-return waste of the subjects that belong to a given political community, challenge 62 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 the closure of meaning —historical, political, cultural— and thus determine the ethical need to place the question of the death of the other at the very heart of life in common. Works Cited Agard, Olivier. “L’anthropologie politique d’Elias Canetti”. Teoria Politica. Nuova Serie Annali, vol. 7, 2017, pp. 271–286. Ariès, Philippe. Essais sur l’histoire de la mort en Occident: du Moyen Âge à nos jours. Seuil, 1975. Arnason, Johann, y David Roberts. 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DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-149 67 �Artículos Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Violencia sobre los cuerpos. El suicidio Violence against bodies. Suicide Óscar Ortega Arango Universidad Autónoma de Yucatán Mérida, México orarango@correo.uady.mx Resumen: El presente texto tiene como intención observar las formas y campos semántico/simbólicos que involucran la violencia autoinfligida del suicidio en tres registros como son el pictórico, el literario e histórico, en asociación a los suicidios realizados desde cascadas. El ejemplo central de dicha elaboración se encontrará en algunos aspectos relacionados con los suicidios llevados a cabo en el llamado Salto del Tequendama, ubicado en el municipio de Soacha en Colombia. A partir de ello se evidencia una participación colectiva que, expresada en el acto suicida, deja ver que la violencia autoinfligida pone en acción simbólica a todos los actores involucrados (incluyendo el suicida) en coadyuvantes de violencia sobre el cuerpo. Palabras clave: violencia, suicidio, cataratas, Colombia, Gustavo Bolívar. Abstract: The purpose of this text is to examine the forms and semantic/ symbolic fields involved in self-inflicted violence of suicide across three registers: pictorial, literary, and historical, in relation to suicides committed from waterfalls. The central example for this analysis will focus on certain aspects related to suicides carried out at the so-called Salto del Tequendama, located in the municipality of Soacha in Colombia. From this, a collective participation becomes evident, which, expressed in the suicidal act, shows that self-inflicted violence symbolically involves all the actors engaged (including the person committing suicide) as contributors to violence upon the body. Keywords: violence, suicide, waterfalls, Colombia, Gustavo Bolívar. 68 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Definiendo la violencia La Organización Mundial de la Salud asegura que la violencia “es un fenómeno sumamente difuso y complejo cuya definición no puede tener exactitud científica, ya que es una cuestión de apreciación” (OMS 4). Con ello se señala, de entrada, la gran dificultad de realizar una definición de violencia debido a su profunda dependencia en asociación a la cultura y la sociedad (con sus cargas éticas y/o morales respectivas) de la cual se haga referencia. Esto debido a que, no debe olvidarse, las diversas culturas del mundo rigen sus conductas con base en su propia percepción de lo bueno/permitido malo/no permitido. Un ejemplo moderno de lo anterior resulta ser el ritual de la pena de muerte en algunos códigos penales alrededor del mundo. Dicha sentencia, más allá de generar horror en las “mentes civilizadas del siglo XXI”, propone generar una especie de liberación/catarsis de las sociedades en cuestión. El condenado a muerte es quien recibe un odio producto de la extrema polarización de los sentimientos, mientras que su muerte (supuestamente) purifica a la comunidad. Con esto se evidencia que el par justicia/violencia depende de la perspectiva desde la cual se observe. Esto último no es exclusivo de las situaciones asociadas a la llamada justicia, sino también, aquellas que se relacionan con el tratamiento del cuerpo, en general, y en particular con el cuerpo enfermo. Un ejemplo de lo anterior puede verse en los tratamientos contra el crecimiento/multiplicación de células cancerígenas, que se realiza por medio de quimioterapias o radioterapias en el paciente. La menos usada hoy por hoy, la quimioterapia, es un tratamiento que utiliza fármacos para destruir células cancerosas por medio de la DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 69 �Óscar Ortega Arango (UADY) / Violencia sobre los cuerpos introducción al cuerpo de dichos químicos por vía intravenosa, oral o intraperitoneal (directo a la cavidad abdominal). Sus efectos son múltiples y pueden asociarse a caída del cabello (alopecia), náuseas, vómitos, fatiga, anemia, infecciones en general, mucositis (llagas en la boca) y, a largo plazo, cardiopatías o daño en los nervios. Por su parte, la radioterapia (la más usada actualmente) es un tratamiento basado en el disparo de dosis de radiación controladas a determinadas zonas con el fin de destruir células cancerosas. Los efectos secundarios pueden ser agudos y tardíos relacionándose con fatiga, alteración de la piel, pérdida de cabello, alteraciones digestivas, inflamación, disminución/pérdida de la fertilidad, entre otras. Como se observa, el cuerpo se interviene/violenta con radiación o con sustancias químicas con el fin de eliminar un tipo de células (las cancerosas) pero destruye/afecta una serie de desarrollos/comportamientos del cuerpo sano. Esto deja ver que el contexto de una cultura y su ubicación situacional son factores importantes para determinar lo que es un simple procedimiento de curación/sanación o un cruento acto de violencia. Lo importante, en suma, es que no se puede pensar la historia sin reconocer la presencia de la violencia en las sociedades humanas. Ahora, es muy posible que su gran fuerza e impacto queden invisibilizados ante la mirada de los individuos, pues ignorar lo que le acontece al otro no provoca un juicio sobre quien lo observa. Este aspecto permite a Slavoj Žižek señalar que las personas están acostumbradas a percibir la violencia meramente como actos de horror y crimen, tales como disturbios civiles y conflictos internacionales a los que se asocian guerras y agresiones físicas. Sin embargo, el autor esloveno apunta que la violencia debe observarse más allá de lo obvio, la violencia subjetiva es lo 70 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 más visible que se puede encontrar a pequeña escala de lo que realmente es la violencia (10). Por otra parte, Judith Butler, en Vida precaria. El poder del duelo y la violencia, afirma que la violencia está ligada a la vulnerabilidad que poseen los humanos y su relación con los otros: La violencia es seguramente una pequeña muestra del peor orden posible, un modo terrorífico de exponer el carácter originalmente vulnerable del hombre con respecto a otros seres humanos, un modo por el que nos entregamos sin control a la voluntad de otro, un modo por el que la vida misma puede ser eliminada por la acción deliberada de otro. En la medida en que caemos en la violencia actuamos sobre otro, poniendo al otro en peligro, causándole daño, amenazando con eliminarlo. De algún modo, todos vivimos con esta particular vulnerabilidad, una vulnerabilidad ante el otro que es parte de la vida corporal, una vulnerabilidad ante esos súbitos accesos venidos de otra parte que no podemos prevenir. Sin embargo, esta vulnerabilidad se exacerba bajo ciertas condiciones sociales y políticas, especialmente cuando la violencia es una forma de vida y los medios de autodefensa son limitados. (2006: 55) A partir de los anteriores planteamientos es importante mencionar la clasificación que ofreció la Organización Mundial de la Salud en su Informe mundial sobre la violencia y la salud. En él se pueden identificar tres grandes bloques de violencia: la interpersonal, la colectiva y la autoinfligida. La violencia interpersonal se divide en dos subcategorías en las que se encuentran la violencia intrafamiliar y la violencia comunitaria. La violencia intrafamiliar o de pareja comprende el atentado en contra de la integridad física y psicológica hacia miembros de la familia o compañeros sentimentales dentro y fuera de casa. La violencia comunitaria, en DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 71 �Óscar Ortega Arango (UADY) / Violencia sobre los cuerpos cambio, se trata de las agresiones que se pueden sufrir fuera del hogar por personas extrañas o ajenas al ámbito del hogar, como son los conflictos callejeros, las agresiones sexuales y violaciones por parte de extraños y la violencia en instituciones. Por su parte, la violencia colectiva “es el uso instrumental de la violencia por personas que se identifican a sí mismas como miembros de un grupo frente a otro grupo o conjunto de individuos, con objeto de lograr objetivos políticos, económicos o sociales” (OMS 6). A este tipo de violencia se atribuyen los genocidios, represiones y crimen organizado. Finalmente, la violencia autoinfligida es: “La violencia dirigida contra uno mismo [que] comprende los comportamientos suicidas y las autolesiones, como la automutilación. El comportamiento suicida va desde el mero pensamiento de quitarse la vida al planeamiento, la búsqueda de medios para llevarlo a cabo, el intento de matarse y la consumación del acto” (6). Como bien dice la OMS, este tipo de violencia puede subdividirse en comportamientos suicidas mortales y no mortales. Siendo los primeros aquellos en los que las personas realizan el acto de quitarse la vida deliberadamente, mientras que en los segundos solo se realizan autolesiones o automutilaciones. Ambos, según la OMS, son actos que atentan físicamente en contra del cuerpo. Cabe añadir que, debido a las implicaciones psicológicas de la violencia autoinfligida, también debe mirarse que las violencias del lenguaje, cuando son dirigidas hacia sí mismos (auto insultarse), pueden ser observadas en un nivel de desprecio hacia la propia persona, dependiendo del contexto en el que se aprecie dicha situación. Por lo que los datos semánticos que se evidencien acerca de la autopercepción serán útiles para entender las violencias que se generan de manera autoinfligida. 72 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Desde el anterior marco, el presente texto tiene como intención observar las formas y campos semántico/simbólicos que involucran la violencia autoinfligida del suicidio en tres registros como son el pictórico, el literario e histórico en asociación a los suicidios realizados desde cascadas, en particular (y para el presente texto) nos centraremos en el llamado Salto del Tequendama, ubicado en el municipio en Colombia. Esta flexibilidad de análisis se permite debido a que la violencia trasciende el campo físico y de las ideas, para dirigirse hacia un plano básicamente simbólico. Esto es de primera importancia pues, como menciona Pierre Bourdieu, la violencia simbólica se asocia a un proceso de dominación invisible e imperceptible para sus propias víctimas, tanto así que la violencia parece no estar presente en esta relación dominantevíctima pues el nivel al que se apela para subyugar al otro deambula en los discursos. Esto le permite afirmar que este tipo de sometimiento “se ejerce esencialmente a través de los caminos puramente simbólicos de la comunicación y del conocimiento o, más exactamente, del desconocimiento, del reconocimiento o, en último término, del sentimiento” (5). Esta conversión de la violencia en un sentimiento logra filtrarse al receptor hasta la normalización de los actos violentos que borran el proceso mismo de dominación y, con ello, no permiten sospechar de tales actos como evidencia de ella: tanto la víctima (que deja de reconocerse como tal) como los visualizadores del suicidio dejamos de verlo como un acto de violencia y le imponemos silencios y respuestas metafísicas a él. Para observar el desarrollo y los matices de tal situación, es importante iniciar recordando una crónica que nos permite iniciar el recorrido dirección al mencionado Salto del Tequendama. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 73 �Óscar Ortega Arango (UADY) / Violencia sobre los cuerpos El suicidio: violencias con ramos de amor Los suicidas del Sisga El 12 de junio de 1965, el jardinero Antonio María Martínez Bonza, de 25 años, y su joven novia, Tulia Vargas, empleada doméstica de 20 años, deciden quitarse la vida arrojándose de lo alto del puente sobre la represa del Sisga, a unos 75 kilómetros al noreste de la capital de Colombia, Bogotá. Debido a que solo una semana después los cuerpos flotaron y la policía logró identificarlos, se conoció que el joven hombre ocupaba una habitación en el popular barrio de Las Ferias, en donde dejó algunas cartas de despedida que, según la crónica del periódico El tiempo del 26 de ese mes, eran: “cartas cuya calamidad caligráfica las deja difícilmente legibles, [ y en 74 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 ellas] se aprecia una obsesión morbosa y extrañamente mística. En el enrevesado manuscrito, Martínez da a entender que desde meses antes “Dios le reveló el destino que debía seguir, y estima la fecha escogida para su propia muerte y la de su novia, como la más feliz” (4c). Además, se encuentra la foto de los enamorados, tomada unos meses antes, en la que posan fuertemente unidos, con un ramo de flores en sus manos, elegantemente vestidos. El impacto de la historia, unido a la publicación de la imagen, conmociona a toda la sociedad, incluyendo al campo de las artes visuales. Así, la joven pintora Beatriz González (1932-2026) decide crear una pintura a partir de esta fotografía, y con ella se hace acreedora del Segundo Premio especial de pintura en el XVII Salón Nacional de Artistas de Colombia, con su famosa obra Los suicidas del Sisga (1965). Los suicidas del Sisga (1965) de Beatriz González DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 75 �Óscar Ortega Arango (UADY) / Violencia sobre los cuerpos El cuadro tiene tal impacto que la propia artista lo pinta en dos ocasiones más, formando un tríptico de los suicidas del Sisga: una en un museo de Cali (Colombia), otro en una colección privada y otro el Museo Nacional de Colombia en Bogotá. Tres pinturas de Beatriz González sobre los suicidas del Sisga El suicidiario del Monte Venir (2006) de Gustavo Bolívar 76 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Aunque esta relación entre pintura y suicidio permite una dirección autónoma, queremos dirigir la mirada hacia algo que se encuentra en la historia de la mencionada pareja, la cual no pareciera más que un aspecto colateral en el suicidio: la represa del Sisga. Con una altura total de 156 metros, la represa es un embalse que surte de agua a la cercana ciudad Bogotá, sobre la cual se construyó un puente que es un lugar de concurrencia turística, y, desafortunadamente, de algunos suicidios desde su inauguración en los años cincuenta del siglo XX. Esta conexión, la del suicidio arrojándose al vacío en medio de una masa de agua, la encontramos en una obra literaria contemporánea: El suicidiario del Monte Venir (2006) de Gustavo Bolívar. Desde la portada podemos observar a la pareja de enamorados, quienes, tras saltar al vacío, se pierden en su viaje de amor y muerte, en una repetición que simula una cinta cinematográfica. La historia de la novela, que aquí no repetiremos, se inicia con un narrador testigo que nos habla de un lugar donde muerte y erotismo se encuentran: Sé de un lugar con nubes eternas, donde los muertos nos quedamos a vivir en espera del milagro del amor. Es un monte muy alto y empinado desde el cual nos hemos lanzado al vacío miles de hombre y mujeres que alguna vez nos confabulamos con la muerte para poner fin a los días aciagos de nuestras malogradas existencias. Sé que, en lo alto de esa montaña encallada por el dios del olvido en un valle triste y escondido, se levanta una casona antigua y blanca, atiborrada de secretos […] Ahora habitan la casona sus biznietas, cuatro hermanas de insuperable belleza, sensualidad e insensatez que, por no haber asistido al colegio ni a la iglesia, aún mantienen su inteligencia intacta y la moral neutra. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 77 �Óscar Ortega Arango (UADY) / Violencia sobre los cuerpos Con esas hembras de apariencia exótica y belleza superlativa que derrochan lujuria al respirar y culpa al caminar, nos tenemos que entender los suicidas, para bien o para mal, la víspera de nuestro salto a lo desconocido. (11) Aunque la voz narrativa se posiciona desde un perfil masculinista y patriarcal, llama la atención la conexión con la idea del amor de pareja desde la misma portada, su relación con el cuadro de Beatriz González y la historia de los suicidas del Sisga. Así, la primera violencia ejercida sobre el cuerpo del suicida, en esta tradición cultural, podríamos asociarla simbólicamente a un desplazamiento de arriba hacia abajo, desde una altura considerable, con antecedentes claros de relación amor/trascendencia. Este último aspecto es confirmado con el mapa que nos ofrece el autor apenas abrimos el libro. Mapa de Moravia en El suicidiario del Monte Venir 78 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Para los conocedores de la geografía de Macondo, saltará a la vista su parecido con Gratamira, ubicada en medio de los Caminos Mentirosos (Cenégales), las cordilleras andinas a la derecha e izquierda y el mar del norte como salida casi necesaria. Sin embargo, en este se adiciona la presencia de la Casa de Miramar (Vista al agua, podríamos decir), que se encuentra al borde lineal de una caída desde la cual se arrojan los suicidas. Casa de Miramar y lugar del salto Viaje a la paz: entre el ruido atronador y el olor putrefacto Esta geografía simbólica resulta de lo más insinuante cuando observamos que, en gran medida, dicha representación se repite en las praxis reales de los suicidas. Es decir, desde un espacio superior desde donde supuestamente se observa el agua, “Miramar”, y DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 79 �Óscar Ortega Arango (UADY) / Violencia sobre los cuerpos luego de una relación sentida como místico/amorosa, se arroja al vacío en un valle de montañas tristes. Esta geografía de la violencia autoinfligida no termina con la secuencia accional/discursiva que da termino a la vida del suicida, sino que se extiende en nuevas formas de violencia sobre el cuerpo del mismo. Para observar esto tendremos que dirigirnos a un lugar que, imaginado en la ficción de Gustavo Bolívar, aparece como real en medio de los Andes: nos referimos al Salto del Tequendama. Salto del Tequendama Con una altura de 170 metros desde la parte superior hasta la base de la caída, el Salto del Tequendama es una de las cataratas más impresionantes de Sudamérica. Debe su imponencia al sistema andino del cual forma parte. El río en que se precipita tiene por nombre Río Bogotá, y el salto se encuentra a solo 35 kilómetros de la mencionada ciudad en el municipio de Soacha. La tradición Muisca, el mayor pueblo originario de la región, señala que la catarata se formó por la acción de Bochica (el dios mensajero), pues las 80 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 constantes inundaciones provocadas por el dios Chibchacum en el valle superior traían gran cantidad de desgracias sobre la población. Así, menciona Fray Pedro Simón en 1882 en sus Noticias Historiales de las Conquistas de Tierra Firme en las Indias Occidentales, que Bochica, quien aparece y desparece en forma de arcoíris, “arrojó la vara de oro al Tequendama y abrió las peñas por donde ahora pasa el río. Como era vara delgada no hizo tanta abertura y así todavía rebalsa” (380). Lo importante es que muy pronto se mencionan unos posibles primeros suicidas dentro de la población Muisca. En efecto, un cacique de Tunja o Zaque (lugares relativamente cercanos a la zona) de nombre Hunzahúa, se enamoró de su propia hermana, Noncetá. Expulsados por su madre Farativa y tras peregrinar por diferentes zonas de la región, llegan al salto donde se ven separados. Este suceso es particularmente interesante y es narrado por Julio Roberto Galindo en su libro Boyacá en su leyenda indígena: Cerca del abismo que hoy forma el Tequendama más estrechamente se abrazaron los hermanos en un impulso de terror y espanto y cuando creyeron que aparecería Bochica, surgió de la niebla el arcoíris, Cuchavira, el dios de la maternidad y los castigos, quien los convirtió en dos inmensas piedras que encajonan las aguas de Tequendama. (34) Luego de este momento, es solo con la aparición de las expediciones de principios del siglo XIX, y en el marco de los nuevos intentos ilustrados, que el interés por las cascadas renace. Ahora, lo interesante de esta cuestión es que muy rápidamente aparece una asociación entre la cascada y el pensamiento romántico. En efecto, en la descripción de su lámina VI de las Vistas de las cordillera y monumentos de los pueblos indígenas de América, Alexander Von Humboldt menciona: DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 81 �Óscar Ortega Arango (UADY) / Violencia sobre los cuerpos “La soledad del lugar, la riqueza de la vegetación y el ruido aterrador que ahí se escucha, hacen del pie de la cascada del Tequendama uno de los sitios más salvajes de las cordilleras” (40). Este aspecto, ruido ensordecedor de la cascada al precipitarse y la paz reflexiva ante la naturaleza del pensamiento romántico, hace, como lo menciona Verónica Uribe en su artículo “Pintar el ruido con silencio: descripciones sonoras y representaciones visuales decimonónicas del Salto del Tequendama” (2019), que “las representaciones de las cascadas naturales enmudecen el ruido y convierten un accidente geográfico famoso por su estruendo en una experiencia visual del silencio” (14). Surge entonces la pregunta: ¿qué significa ese silencio?, ¿de qué habla?, ¿cómo se llega a él? La respuesta, asociada a la mentalidad romántica, la ofrece el poeta y estudioso José María Vergara en su texto “El agua”, del libro Artículos literarios (1885): Una catarata, salto o cascada, es un suicidio. El agua desesperada por alguna causa que no está en mi librito, en lugar de darse un pistoletazo se bota de cabeza y se mata. ¿Es este un hecho punible? No sé qué haya moralista que lo haya criticado. Este suicidio se ve de una manera evidente en el grande y abominable Salto de Tequendama, que tanto admiran lo que no comprenden las cosas. Allí se ve el río claro que se precipita, y abajo se ve un río negro que sigue rodando: es su cadáver. El Bogotá, abajo del Salto, es un cadáver renegrido como tizón del infierno. (112) Un salto de lo intrascendente a lo continuo, del ruido al flujo, de lo atronador del momento a la suavidad de la continuidad: todas sensaciones que el suicida supone que encontrará tras el salto. Lo cierto es que los registros de suicidas son incompletos, y lo único que se puede fechar es la aparición del famoso Hotel El Salto. 82 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Construido en 1923 por el arquitecto Carlos Arturo Tapia, en el marco de las expresiones neoclásicas de las clases altas, asociado a la fama de las cataratas y su belleza natural, rápidamente se convierte en uno de los lugares preferidos por las aristocracias locales para alojarse. Hotel del Salto Sin embargo, el hotel rápidamente sufre dos inconvenientes. El primero es que el olor nauseabundo va apoderándose poco a poco de todo el sector. Esto se debió a la creciente industrialización de la próxima ciudad de Bogotá, que vertía toda su contaminación al río homónimo, así como los desechos de las aguas negras, hasta convertirlo en uno de los lugares más insalubres de toda la zona. A esto se le sumó una creciente inseguridad del sector y la falta de mantenimiento a las vías de acceso desde la cercana población de Soacha, haciendo que se convirtiera en un lugar poco visitado por el turista común. La consecuencia es que el hotel fue abandonado en 1940. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 83 �Óscar Ortega Arango (UADY) / Violencia sobre los cuerpos Cerca del fin: los mensajes suicidas como mercancía El segundo inconveniente es más importante para nuestra revisión en torno a la violencia sobre el cuerpo de los suicidas, y es que, desde el momento en que el Hotel el Salto abre sus puertas, el lugar comienza a incrementar el número de personas que buscan suicidarse. El triángulo formado por la transcendencia romántica del espacio, el deseo de cambio de situación emocional y los despechos amorosos, parecen ser los principales detonantes. Así se suceden muchos de estos suicidios. María Prieto antes de arrojarse al Salto Solo por comentar uno de ellos, tenemos el caso de María Prieto, quien se suicidó en el Salto, pero, antes de ello, se tomó una foto, esperó que se revelara e imprimiera, y escribió en dicha copia: “Por la ingratitud me confundo en la profundidad del misterioso Salto de Tequendama, María Prieto, 4 de noviembre de 1935”. Con este aspecto se llega a la última violencia que sufren estas personas: su suicidio se convirtió en mercancía. 84 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Grupo posando desde la “Piedra de los suicidas” Con la creciente violencia y desequilibrio social de los años 40 en Bogotá, se presentaron muchas rupturas amorosas o escapes (algunos incluso simulan lanzarse desde el Salto, pero se ocultan en otras zonas o países) que sirvieron de motivación/ explicación epistemológica para el suicidio. Ello atrajo una nueva población turística a la zona: el turismo de suicidas. Fue tal la presencia de personas que intentaron ver a los suicidas que, a pesar de los nauseabundos olores, la policía tuvo que nombrar un grupo de agentes para que controlaran a los turistas e impidieran que la personas se quitaran la vida. Algunos incluso se tomaban fotos del recuerdo desde la llamada “Piedra de los suicidas”. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 85 �Óscar Ortega Arango (UADY) / Violencia sobre los cuerpos Turistas desde la “Piedra de los suicidas”. Virgen de los Suicidas en la otra orilla. El suicidio se convierte en una atracción turística, al suicida se le violenta, una vez más, con la exigencia de entregar el mensaje final. Esto último se convierte en una verdadera industria periodística. Cronistas de la época visitaban el sitio a la caza de suicidas que pudieran obsequiarle la posibilidad de escribir una buena historia (gracias a la carta suicida o la entrevista final), lo bastante interesante para que algún periódico la comprara. El caso 86 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 más emblemático es el de Adolfo Neuta y Carlina Garibello. Él era cronista para el periódico El tiempo; ella, inicialmente, se dedicaba a la venta de morcillas y fritangas para los turistas en las inmediaciones del Salto. En el negocio de Carlina se hicieron amigos: Adolfo le refería el pago por las cartas de suicidas que lograba obtener, para publicarlas en su periódico. Carlina vio que esto podría ser un buen ingreso extra y se fue al periódico de la competencia, El espectador. Ofreció sus servicios. A partir de allí se inició una guerra entre ellos dos por identificar rápidamente al suicida llegado al Salto, hablar con él/ella, hacerse de la carta o mensaje casi póstumo. La situación, por supuesto, rápidamente entró en crisis. En 1963 se enfrascaron en una pelea por la carta que un suicida acababa de dejar en el piso y, accidentalmente, en medio de la furia violenta por la tenencia del mensaje, rodaron hasta el fondo del Salto. Si lo anterior pareciera la máxima violencia sobre los suicidas, es importante recordar que, durante mucho tiempo y debido a la dificultad de acceso a la parte inferior del Salto, muchas de las familias no intentaban rescatar los cuerpos. Arrojarse del Salto del Tequendama era, en realidad, desaparecer. A este respecto menciona Felipe González Toledo en su crónica de 1941: “Gracias a esta forma de suicidio, las familias de los desdichados se ahorraban los costos del entierro, pues la caída garantizaba una desaparición total” (139). Así, ejerciendo una última violencia, el suicida lograba una unión con la prometida niebla eterna de su base, que liberaba a sus familiares de cualquier responsabilidad sobre él y su acto. Como vemos, es evidente una participación colectiva que, expresada en el suicidio, deja ver que la violencia autoinfligida pone en acción simbólica a todos los actores involucrados, incluyendo el suicida, como coadyuvantes de violencia sobre el cuerpo. Difiere DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 87 �Óscar Ortega Arango (UADY) / Violencia sobre los cuerpos de otros sitios de saltos suicidas, como el famoso Golden Gate de San Francisco, en la constitución/mezcla de dicho lugar como espacio turístico abierto. Como tal, incorpora en su dinámica factores de violencias comunitarias, evidenciados en el reclamo ante el incumplimiento del contrato suicida, la falta del ritual preliminar o la inexistencia del mensaje póstumo. Esta dinámica, centrada en una persona que, al momento de su intento de suicidio, presenta “al menos un trastorno mental” (Vera-Romero 363), hace que el caso de los suicidios llevados a cabo desde cascadas en zonas turísticas deba ser visto de una manera diferente, pues concentra, como lo vemos, procesos de violencia sobre el cuerpo que van más allá de la triste y penosa realidad del suicidio. Obras citadas Bolívar, Gustavo. El suicidiario del Monte Venir. Oveja Negra, 2006. Bourdieu, Pierre. La dominación masculina. Anagrama, 2000. Butler, Judith. Vida precaria. El poder del duelo y la violencia. Paidós, 2006. Galindo, Julio Roberto. Boyacá en su leyenda indígena. Dirección del Departamento de Turismo, Gobierno del Departamento de Boyacá, 1965. González Toledo, Felipe. 20 crónicas policíacas: las memorias de un gran reportero sobre medio siglo de crímenes en Bogotá. Planeta, 1994. Humboldt, Alexander von. Vistas de las cordilleras y monumentos de los pueblos indígenas de América. Siglo XXI, 1995. Organización Mundial de la Salud. Informe mundial sobre la violencia y la salud. OMS, 2002, iris.who.int/handle/10665/43431. 88 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 El Tiempo. «El día de su santo, escogido por Martínez para la tragedia.» El Tiempo, 26 jun. 1965, p. 4c. Simón, Fray Pedro. Noticias historiales de las Conquistas de Tierra Firme en las Indias Occidentales. Imprenta de Medardo Rivas, 1882. Obra original de 1626. Uribe Hanabergh, Verónica. “Pintar el ruido con silencio: descripciones sonoras y representaciones visuales decimonónicas del Salto del Tequendama.” Anales del Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, 2019, pp. 9-60. Vera-Romero, Óscar, y Cristian Díaz-Vélez. “Suicidio en adolescentes de Sudamérica: un problema creciente.” Salud Pública, vol. 54, núm. 4, Instituto Nacional de Salud Pública, 2012, pp. 363-364. Vergara, José María. Artículos literarios. Juan M. Fonnegra, 1885. Žižek, Slavoj. Sobre la violencia. Seis reflexiones marginales. Paidós, 2009. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-152 89 �Artículos Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 El vicio social de la moda en personajes literarios femeninos The Social Vice of Fashion in Female Literary Characters Jesús Alberto Leyva Ortiz Benemérita y Centenaria Escuela Normal del Estado de San Luis Potosí San Luis Potosí, México jleyva@beceneslp.edu.mx Mónica Cázares Castillo Benemérita y Centenaria Escuela Normal del Estado de San Luis Potosí San Luis Potosí, México mcazares@beceneslp.edu.mx Resumen: Este trabajo introduce al lector en la vida cotidiana del pasado y muestra percepciones y aspectos del imaginario del mundo femenino. A través de la novela latinoamericana de finales del siglo XIX —tanto mexicana como sudamericana—, se aporta al estudio de la historia cultural, en particular de aquellas obras que nos acercan a las costumbres y las prácticas de una época; mediante ellas es posible obtener información que da cuenta de la realidad abstracta de una sociedad, es decir, de aquella dimensión que representa sus pensamientos, creencias, opiniones, preocupaciones, valores y actitudes. Las novelas realistas con detalles costumbristas de las que se ocupa este texto —fieles muestras literarias de las últimas décadas decimonónicas— se caracterizan por observar la realidad con minuciosidad y captar de ella momentos precisos: retratos de tradiciones y modos de vida como el habla, la vestimenta y las costumbres en general. De su legado literario es posible también acercarse a la vida privada de familias 90 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 y personajes que emulan referentes reales, y obtener así una noción del acontecer cotidiano en el ámbito íntimo. Para aproximarse a esa intimidad cotidiana y a la realidad abstracta que la sustenta, este trabajo emplea la metodología de las representaciones. El mundo de las representaciones se materializa en objetos, expresiones, artefactos, acciones y acontecimientos que contienen un significado denominado formas simbólicas. “Todo puede servir como soporte simbólico de significados culturales: no solo la cadena fónica o la escritura, sino también los modos de comportamiento, prácticas sociales, usos y costumbres, vestido, alimentación” (Giménez 68). El escritor literario va más allá de las palabras que describen cosas o sujetos: emplea similitudes y analogías de la realidad abstracta para que las palabras adquieran una dimensión simbólica que articule un lenguaje, un conocimiento y, en suma, la realidad humana. Palabras clave: moda, mujeres, realidad, novelas, cuerpo. Abstract: This work introduces the reader to the everyday life of the past and reveals perceptions and aspects of the imaginary of the feminine world. Through the Latin American novel of the late nineteenth century —both Mexican and South American—, it contributes to the study of cultural history, particularly those works that bring us closer to the customs and practices of an era; through them, it is possible to obtain information that reflects the abstract reality of a society, that is, the dimension that represents its thoughts, beliefs, opinions, concerns, values, and attitudes. The realist novels with costumbrista detail examined in this text —faithful literary expressions of the final decades of the nineteenth century— are characterized by their meticulous observation of reality and their capacity to capture precise moments from it: portraits of traditions and ways of life such as speech, dress, and customs in general. From their literary legacy, it is also possible to gain insight into the private lives of families and characters that emulate real-world referents, thus offering a glimpse into everyday life in its most intimate sphere. To approach that everyday intimacy and the abstract reality that underlies it, this work employs the methodology of representations. The world of representations is materialized in objects, expressions, artifacts, actions, and events that contain a meaning known as symbolic forms. “Everything can serve as a symbolic support for cultural meanings: not only the phonetic chain or writing, but also modes of behavior, social practices, customs, dress, and food” (Giménez 68). The literary writer goes beyond words that merely describe things or subjects: he or she employs similarities and analogies drawn from abstract reality so that words acquire a symbolic dimension that articulates a language, a body of knowledge, and, ultimately, human reality. Keywords: fashion, women, reality, novels, body. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 91 �Jesús Alberto Leyva y Mónica Cázares (BECENE) / El vicio social de la moda Cinco novelas decimonónicas y la teoría de las representaciones Este documento pretende, a través de las representaciones, identificar una constante preocupación entre la sociedad decimonónica del último tercio del siglo XIX: la fragilidad del cuerpo femenino ante la presión social por alcanzar los estilos de vida que demandaban el consumo de la moda y que identificaban como un vicio social cuyas consecuencias atraían los riesgos morales que arruinarían sus vidas. El ejercicio interpretativo para evidenciar estas representaciones, se hizo a partir de tres novelas mexicanas: La Calandria (1891) de Rafael Delgado, Los fuereños (1883) de José Tomás de Cuéllar, Luisa o San Luis Potosí desde 1858 hasta 1860 (1865) de Francisco de Paula Palomo; y dos novelas sudamericanas: Memorias póstumas de Brás Cubas (1881) del brasileño Joaquim Maria Machado de Assis y Blanca Sol (1889) de la peruana Mercedes Cabello de Carbonera. La selección responde a que en esas obras existen personajes femeninos que —motivadas por escalar socialmente, movidas por el deseo de pertenecer a una clase social acomodada, atraídas por la moda, la elegancia y el nivel adquisitivo que satisfaga su vanidad— se ven envueltas en una serie de malas decisiones que afectan sus propias vidas. Sufren desamor, desprestigio, deshonra, despilfarro; y, a causa de ello, taras sociales como pobreza, prostitución, enfermedad y suicidio. La idea de abordar el estudio de sus personajes femeninos, se plantea con la finalidad de identificar el vicio social de vestir a la moda, relacionado con el cuerpo y los medios de los que se valen 92 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 para conseguirlo, atentando incluso contra su propio bienestar y el de sus cercanos. Esta manera de actuar se presenta como un fenómeno coincidente en las narrativas que comprenden toda la segunda mitad del siglo XIX; además, no es privativo de un país en específico, sino que se extiende por el continente latinoamericano y es expresado en las historias contadas. El interés por cuerpo como paradigma teórico, en la literatura, responde a la relevancia que éste ha tenido como precepto cultural que contiene connotaciones: por un lado, físicas, que lo relaciona con un espacio y con otros individuos, pues es el objeto con el que se experimenta la vida misma; por otro, lo envuelve un manto de simbolismo ligado a las ideas, discursos, pensamientos, sentimientos, pasiones y deseos. El cuerpo en efecto, materializa los deseos, manifiesta la pasión y el amor, es el medio de comunicación no verbal con el mundo, es un modo de expresión que conecta con los sentidos y se expresa con la otredad (Vivero 23-43). Los personajes femeninos: sus cuerpos, un prototipo de deseos Cándida Vivero (2010) sostiene que el cuerpo se erige como un concepto teórico-metodológico que explica las estructuras, el lenguaje y los temas presentes en los textos escritos principalmente por mujeres. Para lograr dicho objetivo, se debe tomar en cuenta “las dimensiones sociales y los factores que determinan el uso del lenguaje, y los ideales culturales que dan forma a los comportamientos lingüísticos” (29); es decir, que el espacio cultural del autor determina la forma en que se aborda el tema del cuerpo desde distintos enfoques. Según la autora, aun cuando sea la voz de DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 93 �Jesús Alberto Leyva y Mónica Cázares (BECENE) / El vicio social de la moda una escritora la que se expresa, siempre se evidenciará detrás de ella la tradición masculina, simultáneamente con la femenina: La diferencia de la escritura femenina solo puede ser entendida en términos de la relación cultural compleja que está enraizada en la historia. La estructura dominante, por lo tanto, determina en muchas ocasiones las estructuras silenciadas; sin embargo, aún por medio de las primeras, las segundas pueden manifestar de manera directa su experiencia tanto política como social y económica. Para Showalter, la teoría literaria feminista debe entonces enfocar su interés en el estudio de esa relación entre la identidad literaria femenina y el campo cultural en donde se insertan las autoras. (Vivero 30) De tal forma, se debe entender entonces un contexto cultural donde se sabe que la época decimonónica se caracterizó por una influencia patriarcal, donde la figura relevante en los ámbitos públicos y privados, era la masculina. Sin embargo, la percepción de que en un texto literario siempre existirá la voz masculina detrás de la femenina, es una aseveración que debiera tomarse con cuidado; puesto que, si bien se entiende como una sociedad predominantemente patriarcal, es también, en la segunda mitad del siglo XIX donde las mujeres comienzan a participar más en el ámbito público, es decir, comienzan a deslindarse de alguna forma, del yugo patriarcal. La investigadora Ana Lidia García lo explica de este modo: Sin embargo, a este intento de dominación sobre la mujer se oponen todas las fuerzas que desencadena la modernidad porfiriana; prueba de ello son los inicios del feminismo mexicano y la apertura educativa, profesional y laboral para muchas mujeres, pero también la sobreexplotación de muchas otras. A todos estos 94 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 problemas hay que añadir las diferencias de clase y de región que existen en el México decimonónico. (217) Sobre lo anterior, se pueden citar algunos datos que argumentan la progresiva participación femenina en México: en 1886 se graduó la primera mujer dentista; a partir de este suceso, varias mujeres más se inscribieron en diversas facultades (Juvenal, “Charla de los Domingos”, 24 ene. 1886). Asimismo, las mujeres incursionaron en manifestaciones políticas a partir de la gran controversia que generaron las negociaciones de la reestructuración de la deuda inglesa que intentó hacer el presidente Manuel González en 1884 (Juvenal, “Charla de los Domingos”, 11 ene. 1885). A su vez, ocurrieron movimientos sindicales donde surgieron las primeras organizaciones femeninas entre costureras y tabacaleras. Los ejemplos anteriores son una pequeña muestra de un fenómeno cultural que se irá replicando en toda Latinoamérica. La mujer buscaba un espacio donde ser reconocida, no igualarse al hombre, pero sí pertenecer activamente en la comunidad y ser valorada en una sociedad que buscaba la modernidad y el desarrollo. En el ámbito literario, Mercedes Cabello de Carbonera ejemplifica esta progresiva participación femenina en el espacio público. Para este texto, representa la única muestra de una autora en contraste con los demás autores; sin embargo, su caso da cuenta de la incursión de la mujer en ámbitos fuera del privado, en convertirse en una mujer escritora y novelista, lo que la llevó a ser duramente criticada, sancionada, vejada, por la forma en que señala los vicios sociales que practicaron las mujeres de la época en Blanca Sol. Condenada por “pintar el mal con lodo y no con nieblas”, Cabello expresa su voz sin estar detrás de ella alguna voz DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 95 �Jesús Alberto Leyva y Mónica Cázares (BECENE) / El vicio social de la moda masculina, ni veladamente, ya que desde el prólogo, señala cómo la sociedad se encuentra sumida en vicios que son más admitidos, “y con frecuencia objeto de admiración y de estima” que sancionados. Sobre esos llamados vicios, la autora Mercedes Cabello da relevancia al lujo, la adulación y la vanidad. Declara que este tipo de novelas, la novela social, tiene más importancia que las pasionales, ya que manifiesta una preocupación por la sociedad y la intención es moralizarla. Para la investigadora Ana Luisa García, en América Latina existe una versión de la moral en la segunda mitad del siglo XIX que argumenta así: Para el análisis de la segunda mitad del siglo XIX Arron y Verena Radkau proponen el interesante concepto de marianismo (derivado de la Virgen María), versión latinoamericana de la moral victoriana que establece un culto a la domesticidad de la mujer y a la superioridad espiritual de la “naturaleza femenina”. A través del nuevo culto a la mujer se trata de justificar la separación del trabajo asalariado del doméstico y la subordinación de ésta. Es decir, tras el proceso de la Revolución Industrial, la ideología burguesa establece una clara diferenciación entre los mundos privado y público, entre el hogar y el lugar de trabajo, por lo que a la esfera doméstica se la convierte en un dominio femenino idealizado. (217) El aporte de Mercedes Cabello de Carbonera viene a bien en el argumento de la coincidencia de las cinco novelas aquí presentadas, puesto que, separada de los autores masculinos, ofrece una historia similar a los demás, pues su protagonista está totalmente vinculada con el vicio del vestir a la moda, servirse de los hombres, quienes conscientemente acceden a cumplir sus deseos de bienes caros como alhajas, vestuarios, proveyéndola de lo que necesita y más. 96 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Los personajes femeninos, protagonistas del vicio social de la moda La novela de Cabello de Carbonera refiere a su personaje con el nombre de Blanca Sol, una mujer que sin tener una vida acaudalada, desde niña su madre le enseñó a vivir ostentosamente, sin importar las consecuencias para el capital empeñado. Le mostró artimañas para que hombres acaudalados le pudieran costear una vida lujosa. Sin ser promiscua, Blanca supo llevar al extremo su coquetería para conseguir de los hombres, lo que más deseaba. “El objetivo de sus ambiciones de mujer a la moda [era] lucir, deslumbrar, ostentar, la única aspiración de su alma”. Pero no solo la mujer era la que manipulaba estas situaciones, los hombres se sabían utilizados, o bien, sabían que era necesario pagar con vestidos “todo lo que ella da en amor”. Un personaje varón de esta novela reflexionará: “nosotros rendimos homenaje más que a las virtudes, al lujo de las mujeres, y luego queremos que no sacrifiquen la virtud para alcanzar el lujo” (48). Blanca vivía una continua ambivalencia de valores, unas veces compasiva y fiel, otras pérfidas y coqueta; con una moral elástica. Mercedes Cabello hace énfasis en esta doble moral que vivía la sociedad de su época. Blanca, con el fin de alcanzar los estilos de vida basados en la ostentación y el derroche, se casó con un hombre que, con base en el esfuerzo del padre de éste, tenía una considerable fortuna; suficiente razón para que Blanca viviera con él, pues era alguien que la llenaría de lujo, y así podría adornar su cuerpo y acrecentaría su belleza. Sin embargo, una vida de constante derroche tendría límites para las arcas que heredó su esposo. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 97 �Jesús Alberto Leyva y Mónica Cázares (BECENE) / El vicio social de la moda Cuando llega, al fin, la ruina total del esposo, Blanca Sol siente una profunda desesperación, entre otras cosas, porque ya sin sirvientas ni nodrizas, ella debería servir, cuidar y amamantar a sus hijos. Sin tener ya de qué valerse económicamente —pues había perdido no solo los bienes materiales sino también a su esposo, quien había terminado en la locura—, Blanca Sol empeñaba su honor y su reputación: su coquetería había alimentado los malos juicios de la opinión pública. Al final doña Sol decidiría salir de la ruina y vivir a costa de su mayor tesoro, su propio cuerpo. En Los fuereños, novela por entregas de José Tomás de Cuéllar, publicada en El Diario del Hogar entre mayo y junio de 1883, la familia Ramírez —compuesta por el padre, don Trinidad, la madre, Candelaria, y sus tres hijos, Gumersindo, Clara y Guadalupe— viaja a la capital de México en plena modernización. El estilo de vida de la gran ciudad los seduce y los desborda: Gumersindo y su hermana Clara quedan atrapados por los vicios urbanos; él se relaciona con prostitutas y ella se deja deslumbrar por la moda como vía de acceso a la alta sociedad. Así se expresa la autora Claudia Canales de los dos hermanos, en la presentación de la obra en la versión publicada por la UNAM: Bastaron 3 o 4 días para que los jóvenes Ramírez perdieran el capital moral que habían acumulado durante su crianza en el campo [...] Así, mientras Gumersindo sucumbe a la carne perfumada y blanca (sobre todo blanca) de las prostitutas caras, Clara se transmuta en una mujer irreconocible con solo calzarse unos tacones franceses de cabritilla abrozada. (9) Clara es el personaje femenino cuyo cuerpo quedará comprometido por la seducción del lujo y la moda. Ella se muestra 98 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 deseosa de una vida elegante y de formar parte de los círculos más altos de la sociedad mexicana. Esos sentimientos sobre la joven los explicita el narrador omnisciente, en un fragmento de la obra: Cuando supo de los misterios del tocador y de la moda y desde que empezó a usar tacones altos y vestido angosto se imaginaba tener derecho a ingresar en el número de las mujeres elegantes de México, de quienes se había formado una idea casi novelesca, y era tal y tan viva esta tendencia que, desde que en el pueblo pudo formar parte de las pocas jóvenes que se vestían bien, comenzó a ser desdeñosa con su novio, que era uno de los charritos más apuestos de los alrededores (48). Durante la incursión de Clara en la capital mexicana, al verse vestida a la moda como las otras mujeres capitalinas, llena de candidez, creería pertenecer ya a ese ámbito social; además, los tratos con el joven Manuelito, quien sería un personaje que formaría parte de la élite capitalina, le permitiría entender que estaría muy cerca de alcanzar un estatus privilegiado en dicha sociedad, cuando lo único que pretendía el joven varón era seducir a la incauta pueblerina, lo que el autor Tomás de Cuéllar hace entender que consiguió, aprovechándose de la inocencia de la fuereña. Al final de la historia, la familia Ramírez regresará a su pueblo. Con ellos la joven Clara, entre lloros, también lo hará, pues ha perdido algo más que la oportunidad de convertirse en una dama de alta sociedad en la capital, ha perdido su candidez y la inocencia. Quien no era nada inocente, como Clara, era Marcela, aquella mujer que Brás Cubas amó fervorosamente. En la novela Memorias póstumas de Brás Cubas, Machado de Assis la describe como una mujer “que no poseía ninguna inocencia rústica y apenas entendía la moral DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 99 �Jesús Alberto Leyva y Mónica Cázares (BECENE) / El vicio social de la moda de las normas” (63). Entre las principales aficiones de Marcela se encontraban el dinero y los jóvenes. Brás le demostró su ardiente amor al colmarla de lujosos y regalos que le pedía a cambio, “verla vestida de determinada manera, con tales y cuales adornos, este vestido y no aquél” (67); quería disfrutar de ese cuerpo que tanto deseaba; Marcela correspondió a su pasión “durante quince meses y once mil reales” (73). La historia da un giro al final de corte naturalista, el infortunio aparece en ella y diezma la condición de salud como causa de un castigo divino. Marcela pagaría su pérfida vanidad e interés en lo material con una horrorosa enfermedad, cuyo mal destruiría su hermosura: le vino la viruela, lo que además le dio un aspecto de vejez precoz, destruyendo hasta las últimas de sus gracias físicas. Perdidos los atributos físicos no había modo de lucir al parejo de los estándares de la sociedad, exigente y presuntuosa, ya no resultaría atractivo vestir elegante ni se obtendría notoriedad ni distinción. La preeminencia que la sociedad daba a la vestimenta tenía que ver con la forma en que la persona era tratada, ésta era una herramienta para escalar categorías sociales y para tener un buen matrimonio; ese cuerpo había que lucirlo, exhibirlo en su mayor esplendidez para conseguir un buen partido para el casamiento, que costeara un elevado estilo de vida. A propósito de esta búsqueda afanosa de las mujeres para conseguir un buen prospecto matrimonial, le sucedería a Carmen, mejor conocida como la Calandria, que sabiéndose atractiva y de buen porte se atrevió a desdeñar un pretendiente modesto tan solo por creer alcanzar a otro perteneciente a la alta sociedad. Calandria, en edad casadera, se entera que es hija ilegítima de un militar, hombre 100 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 adinerado de nombre Eduardo Ortiz, quien en su matrimonio también tiene una hija de su misma edad, y por azares del destino muy parecidas físicamente, eso la alienta a sentirse merecedora de un mejor estilo de vida. La Calandria siempre añoraba tener la posición de su hermana para lucir igual que ella, elegante y distinguida; así en la historia que cuenta Rafael Delgado rechaza a un pretendiente de la clase trabajadora de nombre Gabriel, hijo de doña Pancha, hombre de oficio carpintero y honrado. En cambio, fija su atención y entusiasmo en un hombre de clase alta de nombre Alberto Rosas. En el siguiente fragmento de la obra, la protagonista reflexionará sobre su condición económica y la posibilidad de ascender en el estatus social: Carmen contestó que sí, orgullosa de verse preferida por aquel joven tan elegante [que la invitaba a bailar]. —Esto es lo más natural —pensaba; no hay desigualdad entre nosotros; soy tan decente como él. Cuántas veces no habrá bailado con mi hermana Lola en las tertulias ruidosas del Círculo Mercantil. ¿Qué tengo yo de menos? ¡La ropa! ¡La ropa nada más! ¡No es justicia que solo por eso, es decir, por el dinero, ella aparezca superior a mí! (XXX) Calandria en su afán de subir de estatus social, cree en las promesas de amor del supuesto pretendiente rico. Al final, se da cuenta del engaño de Alberto Rosas, pues sus pretensiones solo fueron aprovecharse de ella y disfrutar de su cuerpo; así que, cuando obtiene lo que quería, la abandona como si fuera un objeto inservible; entonces Carmen, al verse sola y sin ningún amor, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 101 �Jesús Alberto Leyva y Mónica Cázares (BECENE) / El vicio social de la moda termina sobreviviendo como costurera y viviendo miserablemente. En su desesperación, se quita la vida. La incapacidad en Carmen de conocer y aceptar los límites impuestos por su nacimiento, heredados por la vía materna, es decir, su aspiración de movilidad social, es una de las razones que, desde la perspectiva del autor, provocan el desenlace trágico y fatal de la novela (Sandoval 19-20). Otra novela que da cuenta de la importancia que se le daba al atuendo, a embellecer el cuerpo y a tener un estilo de vida lleno de lujo y derroche, es Luisa o San Luis Potosí. En ésta se describe un suntuoso baile que se lleva a cabo en la ciudad de México, en la casa de uno de los hombres más opulentos de la sociedad. Un diálogo entre damas que asistían al baile, permite conocer cuáles eran sus intereses y preferencias: —Querida, dijo Enriqueta a Hortensia, temí que no vinieras, porque te suponía apesadumbrada por la muerte de tu pequeño Anastasio; pero me alegro mucho de verte. —¡Afligirme por la muerte de mi hijo! De ninguna manera. Antes me alegro que Dios se acordara de él y de mí, llevándole al cielo. —No puedes figurarte las congojas que dan los chicos, las privaciones que causan; luego, cuando saben todos que alguna mujer tienen hijos, la creen vieja y no hacen caso de ella. Me moriría de rabia si un hijo me privara de mis diversiones y sobre todo de bailar, porque el baile es la única felicidad que hay en el mundo. —Eso mismo digo, contestó Amalia, y si no me he resuelto a casar, es por temor que me infunden los hijos, aunque hay muchas muchachas que se casan y no los tienen. 102 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 —Yo, contestó Hortensia, no soy estéril pues ya he tenido un hijo que por fortuna se ha muerto; si vuelvo a tener otro he de llorar sin consuelo. —Pues yo no quiero lidiar con muchachos, dijo Enriqueta, no me he decidido a casar hasta que encuentre marido a mi gusto, el cual debe ser como un Adonis; ha de tener quince años para lucirle, y a causar envidia con él a mis amigas y a las que no lo sean; ha de ser mansito y sufrido para que me deje ir a misa temprano y él se quede acostado; para que cuando haga mis visitas no me pregunte a donde voy, y para que cuando yo esté dormida tome al niño en brazos y le duerma paseándole. Debe también ser rico para que me traiga a moda y varíe de carruaje cada dos meses; para que me permita jugar en San Agustín de las Cuevas, y pasear en San Ángel; y finalmente para que sostenga tertulia en mi casa cada ocho días. (242-243) Parecerían extremas e inverosímiles las aseveraciones de estas damas distinguidas de la alta sociedad; sin embargo, podríamos matizarlas con algunos textos moralistas publicados en la época, que a propósito de estas prácticas aluden a las buenas costumbres y externa esta preocupación por los valores sociales que tendían al consumo de la moda, fenómeno que fomenta el derroche, el endeudamiento, las malas costumbres y los sentimientos frívolos en las mujeres. Algunos de estos textos hacen referencia al cómo las mujeres bellas, pero además banales, les interesaba poseer las prendas que las hicieran aún más bellas; no así las mujeres feas, quienes eran las ideales para el matrimonio, ya que entre sus aspiraciones no era cargar el cuerpo con suntuosidad, ni pedrerías ni costosos adornos. Otras ventajas de las mujeres feas, dicen los textos, era no tener que celar, ni tampoco tendrían que invertir mucho dinero en su atuendo. Por el contrario, la mujer bella: DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 103 �Jesús Alberto Leyva y Mónica Cázares (BECENE) / El vicio social de la moda Está en continuo toilette; quiebra veinte espejos a la semana, suscribe al marido a todos los periódicos de modas; no pega un botón, […] aprende todas las lenguas sin saber las reglas de ninguna, desconoce la existencia de la aguja, pero va a lo teatros y baile, en donde malgasta la fortuna, y apenas es feliz cuando la modista le trae el vestido de baile y el marido el abono de los espectáculos de noche. (Quezada) El lujo del día es excesivo, la moda todo lo absorbe, la vanidad de las mujeres es la ruina del matrimonio, hoy no se piensan más que en vestirse, no se parece a las de mi tiempo que se hacían un traje que les duraba toda la vida, por eso no se casan, porque no hay quien quiera cargar con esos gastos enormes de modista, zapatero, joyero; […] hoy la moda es una monstruosidad, todo cuesta un sentido; la variedad de los trajes es una vorágine. (El Monitor Republicano, 26 ago. 1877) Más allá de los textos Estas obras y sus historias dan cuenta de la preocupación social en la época de finales del siglo XIX ante el consumo que ejercen las damas de élite, se sanciona como un vicio, como si los intereses de la mujer estuvieran vinculadas solo en su físico y no les importara el patrimonio familiar. Al leer estas líneas publicadas en El Monitor Republicano que demandan a la mujer tener control sobre la frivolidad del consumo de la moda, podemos interpretar que, en efecto, fue una constante de la sociedad decimonónica los escenarios donde la mujer exige un gran gasto a la economía familiar. Por su parte, la novela nos permite identificar los valores y las preocupaciones morales que permeaban en la época. Dan cuenta de la vida privada, cómo se vivía en el interior de un hogar los sobresaltos económicos que ocasionaron la presión social por 104 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 el buen gusto, los estilos de vida ostentosos, que replicaban las sociedades latinoamericanas de los países europeos, en específico, de Francia; sobre todo, y muy en especial, en el consumo de la moda, que mantuvo a las mujeres en una continua guerra de vanidades, ya sea por distinguirse más, resaltar de entre varias o ser la mejor. En las publicaciones periódicas, las crónicas de sociales alentaban este estilo de vida caracterizado por el afán de atender a la moda y su consumo, al ocasionar explícitamente con su adulante crónica sobre atuendos y escenarios de fiesta, la confrontación entre las damas, porque implícitamente estas narraciones generaban una competencia entre ellas. Al mismo tiempo, al destacar ellas en la publicación, también se distinguían los capitales de los esposos que de forma indirecta se veían reflejados en la vestimenta de la esposa halagada. Blanca Sol es una dama de élite que invitaba a los cronistas de moda para que escribieran sobre sus eventos sociales, era una forma de acrecentar su fama de dama distinguida, hermosa, poderosa y a la moda. Si se realiza el ejercicio de comparar la narración de estos eventos en el contexto limeño de la novela con alguna crónica social de la ciudad de México de la misma época, se puede corroborar no únicamente el realismo de la obra, sino la identificación de la realidad que se vivía sobre este llamado vicio social. Con el fin de ejemplificar lo anterior, este documento hace referencia al caso de un baile de fantasía —lo que era un baile de disfraces— que ofreció el ministro inglés Sir Spencer Saint John a la élite política de la ciudad de México en 1886 (Cázares 121-130). Este baile en específico se convirtió en un gran suceso, ya que la crónica social de los principales diarios, incluso diarios de otros estados de la República, lo describieron como “un antes y después” del baile en la DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 105 �Jesús Alberto Leyva y Mónica Cázares (BECENE) / El vicio social de la moda embajada inglesa, como un acontecimiento insólito. Algunos de los principales cronistas como Juvenal o Titania, narraron el baile en varias ediciones dominicales. Las crónicas describen el gran derroche de lujo y ostentación del baile; las damas que más sobresalieron fueron aquellas que encargaron sus disfraces a Francia con el diseñador más prestigiado de la época, Charles Frederick Worth. En esas narraciones, se hace evidente la polémica que generaba la crónica social al describir más a una mujer que a otra, ya que las mismas crónicas deben hacer aclaraciones o justificaciones en las publicaciones posteriores. Por lo tanto, los textos publicados en los diarios como las referidas crónicas de sociales, refuerzan estos discursos de preocupación por los valores superfluos, pero a la vez, la incitación al consumo; generan una confrontación de valores morales en el que la moda se coloca en altísima estima. Este discurso que permea en la época, consumo versus valores; exhibicionismo versus moral, lo representan en la narrativa realista literaria, en la crónica costumbrista y en los escritos periodísticos; también podríamos ubicarlo en otro tipo de fuentes, como los anuncios publicitarios. En éstos aparecen imágenes femeninas promoviendo productos para que crecieran los senos o adelgazar la figura, porque, “de nada servía un lindo rostro con un cuerpo engrosado o con senos pequeños” aludía la alocución persuasiva publicitaria. En este trabajo se identifica la representación simbólica en los personajes femeninos contenidos en las cinco novelas referidas mediante el vestido como el vehículo que transforma el cuerpo, lo exhibe, lo hace atractivo para seducir. El vestido es el que tiene el poder, es el que vale, porque el cuerpo sin él no es nada, puede ser el cuerpo de cualquiera, sin ningún estatus ni jerarquía; es el vestido 106 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 de moda el que amenaza, que transgrede el orden social; el cuerpo, por su parte, se ve expuesto y condicionado a los efectos que ambos en su conjunto provocan. Blanca Sol, a pesar de ser coqueta, nunca entregó su cuerpo, solo lo hizo cuando necesitó subir de estatus, el día que se casó. Pero después, ya con todo el lujo que tuvo a través de su indumentaria, tenía el poder de provocar y burlarse de todos aquellos que morían de amor por ella, que se veían seducidos por la encantadora mujer que vestía con suntuosidad. Ella tenía el control. Cuando el exceso por la demanda de consumir más vestuario que estuviera a la moda la llevó a la ruina, comenzó a sobrevivir de la venta de sus lujosos vestidos y, cuando ya no hubo uno para vender, no tuvo más remedio que entregar lo que detrás de la ostentación se encontraba, su cuerpo. El caso de Carmen o Calandria es muy similar al de Blanca Sol: pensó que solo necesitaría de vestir elegantemente a la moda para alcanzar el reconocimiento de un hombre de élite; ya que en sus genes existía el abolengo, herencia del padre rico que no la reconoció. A diferencia de Blanca, que solo logró llamar la atención de un hombre cuya única pretensión era convertirla en su amante con la deshonra social que conllevaba. Calandria, al verse sin pareja, tuvo que sobrevivir con el oficio de costurera y, como esa ocupación laboral en la época era muy mal pagada, la miseria se instaura pronto en su vida; por ello, decidió envenenarse y acabar con ese cuerpo que tanto deseaba verse envuelto en el lujo de la moda. Al igual que Calandria, Clara tenía un origen digno. Sus padres eran personas adineradas que vivían en un pueblo. Creía que el hecho de estar informada sobre las tendencias de la moda y consumirlas al llegar a la Ciudad de México estaría a la altura de las grandes damas capitalinas, podría escalar de estatus social casándose DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 107 �Jesús Alberto Leyva y Mónica Cázares (BECENE) / El vicio social de la moda con un hombre adinerado. Se preparó para recibir la visita de este pretendiente, acicaló cada uno de sus prendas con esmero, se decoró el rostro, en especial, se calzó con esos botines de cabritilla que la hacían verse más alta, más distinguida. De tal forma quiso deslindarse de sus orígenes indígenas al usar los artificios de la moda. Al igual que Calandria, lo único que alcanzó fue ver manchada su honra y regresar junto con su familia a su pueblo, entre inconsolables sollozos, con un cuerpo mancillado. El caso de Marcela, la bella prostituta de la novela de Machado de Assis, es totalmente inverso a los otros casos; ella sí vivía de su cuerpo, lo utilizaba para conseguir un estilo de vida que la llenara de lujo. Sin embargo, la vida le dio un revés: la horrible enfermedad de la viruela desfiguraba su rostro y le provocaba en su piel una apariencia avejentada. La enseñanza de esta novela refleja que la mujeres inmersas en la vida material desembocaban en la decadencia moral. Sus cuerpos tarde o temprano pagaban las consecuencias de su codicia. Conclusiones La literatura, a través de los personajes femeninos, es capaz de revelar las aspiraciones sociales de mujeres como Clara, Calandria, Marcela y Blanca Sol, satisfacer sus deseos, consumir la moda de su época. Manifiesta cómo se les representa ancladas en un “vicio social” que las deslumbra. Estos personajes comparten sus pretensiones en un contexto que las vuelve artífices de su propio destino y, al mismo tiempo, víctimas de falsos valores heredados de una sociedad que promueve el consumo de la suntuosidad y la vestimenta de moda, misma que solo se consigue teniendo altos recursos económicos. De tal modo 108 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 que, los hombres pudientes serán sus objetivos matrimoniales, medios para una vida de lujo y glamour. Las prácticas de consumo reflejadas en estas mujeres de novela, replicadas en las fuentes históricas —ostentación, frivolidad, egoísmo—, constituyen las representaciones simbólicas de una época, inmersa en un discurso ambivalente entre la moral y el vicio social que significaba el derroche por el fenómeno de la moda. En esta confrontación entre moral y vicio, el cuerpo fue el que se vio beneficiado o victimizado, ya que fue adornado, adorado, sublimado; pero también padeció los efectos de la desesperación por no alcanzar los estilos de vida que demandaba la época y, a la postre, terminó siendo vejado, enfermo, prostituido y envenenado. La moda, en tanto objeto cultural, genera un vínculo con la sociedad decimonónica que no es unidireccional: es el sujeto —individual o colectivo— quien le otorga valor y la reconfigura como representación de una realidad abstracta. Ese valor, por tanto, varía según los valores, las prácticas, las ideas y el contexto social de cada individuo o grupo. La teoría de las representaciones resulta así funcional para conferir sentido a las conductas y comprender una realidad desde su propio sistema de referencias; no implica solo ver un reflejo de la realidad, sino descifrar el conjunto de significantes que estructuran el contexto social e ideológico de una sociedad. Obras citadas Cabello de Carbonera, Mercedes. Blanca Sol, novela social. Imprenta y Librería del Universo de Carlos Prince, 1889. Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes, www.cervantesvirtual.com/ obra-visor/blanca-sol--0/html/ff1c3698-82b1-11df-acc7002185ce6064_2.html. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 109 �Jesús Alberto Leyva y Mónica Cázares (BECENE) / El vicio social de la moda Cázares Castillo, Mónica. Prácticas de intercambio y sociabilidad en las ciudades de México y San Luis Potosí a través de la moda femenina, 1870-1890. Tesis de Maestría en Historia, El Colegio de San Luis, 2017. Cuéllar, José Tomás de. Los fuereños. 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DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-142 111 �Artículos Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Hibridación de géneros y metatextualidad: una propuesta innovadora de El fondo del cielo en el panorama literario Genre hybridization and metatextuality: an innovative proposal of El fondo del cielo in the literary landscape Natalie Marlene Martínez Colorado Universidad Autónoma de Nuevo León San Nicolás de los Garza, México nmartinezsdm@gmail.com Resumen: El presente artículo explora la novela El fondo del cielo (2009), de Rodrigo Fresán, destacando su innovadora fusión de ciencia-ficción, lo fantástico y lo neofantástico. El objetivo es examinar de qué manera Fresán utiliza la hibridación de géneros y la metatextualidad para crear una narrativa que, aunque se inscribe en la ciencia-ficción, explora temas más complejos y genera un efecto de inquietud y desasosiego en el lector. Fresán aborda conceptos como el tiempo, la memoria y el fin del mundo desde una perspectiva filosófica y metafísica. Palabras clave: ciencia-ficción, fantástico, neofantástico, hibridación, metatextualidad, tiempo, memoria, fin del mundo. Abstract: The present article explores Rodrigo Fresán’s novel El fondo del cielo (2009), highlighting its innovative fusion of science fiction, the fantastic, and the neofantastic. The objective is to examine how Fresán uses the hybridization of genres and metatextuality to create a narrative that, while rooted in science fiction, explores more complex themes 112 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 and generates an effect of unease and disquiet in the reader. Fresán addresses concepts such as time, memory, and the end of the world from a philosophical and metaphysical perspective. Keywords: science fiction, fantasy, neofantastic, metatextuality, time, memory, end of the world. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 hybridization, 113 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad Sobre las convenciones tradicionales del género ciencia-ficción En la literatura hispanoamericana contemporánea, la ciencia-ficción, lo fantástico y lo neofantástico han emergido como géneros literarios que exploran las complejidades de la realidad y la imaginación de manera única. Sin embargo, a pesar de su creciente relevancia,1 persiste la incógnita acerca de cómo estos géneros han evolucionado en el siglo XXI, influidos por cambios culturales, literarios e incluso sociales en la región. En ese sentido, El fondo del cielo (2009), de Rodrigo Fresán, se erige como una obra clave, ya que propone la actualización de un modelo hegemónico representado por la gran novela del boom hispanoamericano, mientras incorpora elementos de la ciencia-ficción, lo fantástico y neofantástico desde una perspectiva híbrida. Asimismo, la obra se enriquece con una amplia red de referencias metatextuales, desde la literatura decimonónica hasta la contemporánea. A través de esta estrategia, Fresán no sólo redefine los géneros literarios que aborda, sino que también cuestiona la relevancia de las prácticas culturales actuales y las tradiciones literarias establecidas. Dicho lo anterior, Rodrigo Fresán aprovecha la ambigüedad de los géneros literarios para crear una obra que no se ajusta estrictamente a las convenciones clásicas de la ciencia-ficción, especialmente desde el planteamiento y lectura de los personajes. Si 1 Ejemplos de obras recientes que tratan la combinación de dos géneros son: Fever Dream (2014), de Samanta Schweblin; La uruguaya (2016), de Pedro Mairal; y La invención del tren fantasma (2009), de Andrés Neuman. 114 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 bien incorpora elementos característicos del género, como los viajes en el espacio-tiempo, lo hace de un modo que diluye los límites entre la especulación científica y una narrativa más introspectiva. En el primer capítulo, Isaac Goldman se sorprende al recibir una caja con piedras grises y una tarjeta de su primo Ezra Leventhal. La tarjeta sugiere que Ezra ha estado en un lugar imposible de alcanzar por medios convencionales, lo que despierta la idea de que podría estar viajando a través del tiempo y el espacio, involucrándose en distintos momentos históricos: Y yo me decía que no, que no podía ser, que Ezra no podía estar en todas partes, involucrado en todo momento histórico. Pero entonces, un par de semanas después, alguien llamaba a la puerta y era un correo especial que me traía una caja con mi dirección escrita en la inconfundible letra de Ezra y, ahí dentro, varias piedras grises y una tarjeta donde se leía “Adivina de dónde son estas rocas, Isaac. Sí, adivinaste”.(99) Sin embargo, Fresán no presenta estos elementos con una explicación científica tradicional ni como parte de un mundo gobernado por reglas estrictas, sino que los introduce con un aire de misterio y extrañamiento que evoca más a la literatura fantástica o incluso a la narrativa posmoderna. Así, la figura de Ezra se vuelve ambivalente: ¿es un viajero del tiempo en el sentido clásico de la ciencia-ficción, o un constructo narrativo que desafía la linealidad temporal desde una perspectiva simbólica y literaria? El relato, por tanto, subvierte y reinterpreta las convenciones del género, generando una lectura en la que los límites entre la realidad, la memoria y la ficción se desdibujan. Los viajes temporales se convierten en una herramienta para explorar la naturaleza del relato y la percepción del tiempo en la literatura. En ese sentido, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 115 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad la memoria adquiere un papel central. Isaac la describe como una máquina del tiempo, lo cual permite una reinterpretación del viaje temporal desde una dimensión más íntima y filosófica: “La memoria como esa inexplicable máquina del tiempo y el pasado como cuarta dimensión y planeta alternativo con vida un poco más inteligente que aquella que lo habita en el presente” (22). El planteamiento se refuerza más adelante cuando el narrador afirma: “La memoria es una máquina del tiempo en reversa tan potente como lo es –siempre hacia delante, o en múltiples direcciones alternativas– esa otra máquina del tiempo que es la imaginación” (57). Ambas herramientas —memoria e imaginación— permiten a los personajes trascender el tiempo, aunque lo hacen en direcciones distintas: una hacia el pasado, la otra hacia el futuro o realidades alternativas. Fresán las emplea no sólo como recursos narrativos, sino como dispositivos metafísicos que amplían el alcance reflexivo de la obra. Por otra parte, la obra introduce el tema del amor desde una perspectiva que contrasta con la ciencia-ficción clásica. Isaac reflexiona sobre la rareza de esta emoción dentro del género: Puedo maravillarme por mi jamás sospechada habilidad para, al menos, intentar comprender y describir el funcionamiento del amor siendo el amor una de las emociones menos frecuentes en la ciencia-ficción clásica, porque el amor ocupa demasiado lugar dentro de los trajes espaciales y en las bodegas de los cohetes. (85) La metáfora crítica señala cómo la ciencia-ficción tradicional ha marginado las emociones complejas, priorizando lo tecnológico sobre lo humano. Fresán, por el contrario, convierte al amor en eje de su narrativa, utilizándolo para problematizar normas sociales y 116 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 emocionales. Mediante escenas simbólicas —como la imagen de una nevada o muñecos de nieve— el autor introduce una poética del amor que desafía las estructuras del género y expande sus posibilidades filosóficas. En esa línea, Isaac propone que un relato de ciencia-ficción puede aspirar a ser algo más que lo que el género prescribe: “Un relato de ciencia-ficción que quiere ser otra cosa –que habla otro idioma que no es el idioma del género– pero que no puede dejar de ser lo que es” (56). La tensión entre la identidad genérica y la aspiración a trascenderla da lugar a una ambigüedad productiva, en la que la narrativa se ancla en la ciencia-ficción, pero explora simultáneamente temas filosóficos, metafísicos y estéticos. El propio Isaac reflexiona sobre la evolución del género, contrastándola con los misterios policiales. Mientras que la ciencia-ficción clásica tenía la responsabilidad de explicar, aunque fuese inverosímil, el universo narrativo, Fresán propone una ruptura: “La ciencia-ficción, por fin, se desprendía de las obligaciones de los misterios policiales. Porque, aunque las explicaciones fueran inverosímiles, en la ciencia-ficción siempre se tenía la responsabilidad de darlas, de justificar lo que había sucedido con lo que iba a suceder algún día. Aquí no. Aquí terminaba todo tal como lo habíamos conocido hasta entonces. Aquí empezaba el final” (88). El cambio marca un punto de inflexión; la trama ya no está obligada a justificar o explicar, sino que se orienta hacia una exploración más libre del tiempo, la narrativa y la identidad. En dicha ambigüedad genérica resuena la reflexión de Judith Merril (1966) sobre las múltiples acepciones de las siglas S-F (science, speculation, fiction, fantasy o facts), lo cual permite que El fondo del cielo dialogue con múltiples géneros y discursos. Fresán DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 117 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad no solo se sirve del andamiaje temático de la ciencia-ficción clásica —los viajes espaciales, la referencia a autores como Isaac Asimov o Philip K. Dick—, sino que lo subvierte para incorporar lo fantástico, lo emocional y lo introspectivo. Así, la novela no busca ajustarse al canon, sino abrirlo. En lugar de construir un universo cerrado y coherente, propone un relato fragmentado, simbólico y profundamente humano. Fresán demuestra que la ciencia-ficción puede hablar del amor, la memoria y la imaginación, sin dejar de ser ciencia-ficción, pero expandiendo sus fronteras hacia territorios más amplios y reflexivos. La ciencia-ficción reconfigurada por la metatextualidad Partiendo de la perspectiva de Fernando Moreno (2010), la cienciaficción trasciende la mera acumulación de tropos como robots y naves espaciales, radicando su singularidad en el enfoque distintivo del autor y en las particulares normas que rigen su universo narrativo (56). En esta línea, Rodrigo Fresán se distingue por un uso abundante de la metatextualidad, un recurso que le permite establecer un diálogo implícito y profundo con las obras fundacionales del género y con otras voces significativas de la literatura universal. Tal como define Gérard Genette (1989), la metatextualidad se manifiesta como un comentario que vincula un texto con otro, incluso sin recurrir a la cita directa o a la mención explícita (13). De esta manera, Fresán, a través de estas resonancias textuales no evidentes, construye un entramado de referencias que enriquecen su propia propuesta de ciencia-ficción, al tiempo que rinde un sutil homenaje a sus predecesores literarios. A través de estos recursos metatextuales, Fresán articula su propia visión sobre la redefinición de la ciencia-ficción, estableciendo 118 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 así sus particulares cláusulas ficcionales. Un ejemplo paradigmático de este diálogo literario se encuentra en la metatextualidad empleada por el autor al evocar la figura del monstruo de Frankenstein: Y enseguida descubren que no pueden desactivarse entre ellos y que ambos se han convertido en una suerte de monstruo de Frankenstein para el otro. Así, el hombre cree en Dios para poder hacer lo que le plazca en su nombre y Dios cree en el hombre para poder echarle la culpa de todos sus errores. (47) Mediante la presente alusión, Fresán explora la clásica relación entre creador y criatura, así como las imprevistas y, a menudo, nefastas consecuencias de sus actos. Las palabras del monstruo, clamando por el odio y el rechazo de su creador, Víctor Frankenstein, resuenan con la angustia de una existencia no deseada y la amenaza de una venganza ineludible. La concepción se alinea con la novela de Mary Shelley, donde la criatura se convierte en una entidad autónoma que desafía y destruye a su progenitor. Entonces, Fresán establece un vínculo entre ambas obras, sugiriendo una dinámica donde creador y creación se entrelazan en un destino fatal. La hibridación textual, entendida por Alejandro HerreroOlaizola como la fusión de géneros (Garrido 4), emerge como una herramienta clave para enriquecer la interpretación de las obras literarias. Frankenstein (1818), al combinar elementos del gótico y la ciencia-ficción, ilustra esta mezcla, y Fresán, al referirse a ella, participa en un diálogo con ambas tradiciones. La evocación del monstruo no solamente remite a la trama de Shelley, sino que también invoca temas centrales de lo siniestro y lo sobrenatural propios del gótico, entrelazándolos con la especulación científica de la ciencia-ficción. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 119 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad Otro ejemplo es la alusión a las “Navidades pasadas”, que inevitablemente nos remite al inmortal Cuento de Navidad (1843), de Charles Dickens. La transformación de Ebenezer Scrooge a través de las visitas de los fantasmas del pasado, presente y futuro se contrapone, en la obra de Fresán, a una sensación fantasmal y fugaz de recuerdos literarios, como esporas viajando desde una lejana galaxia: “¿Por qué lo sentí como una fantasmal visión de Navidades pasadas, como las esporas fugitivas que se han colado por una grieta en las paredes con manchas de humedad de una galaxia tan lejana?” (33). La imagen, aunque evocadora de la ciencia-ficción, sirve para conectar el presente de la narración con el peso de la tradición literaria. Fresán resignifica estos fantasmas del pasado en un contexto de ciencia-ficción, creando un puente entre el realismo social y elementos fantásticos, y entre el pasado literario y los tropos del género. Por otra parte, en la obra de Fresán, el personaje Ella, conocida como mujer misteriosa se convierte en un símbolo, un monolito para Ezra e Isaac, evocando la icónica obra 2001: Una odisea del espacio (1968), de Arthur C. Clarke: “Yo soy apenas un humilde astronauta descendiente del mono soñado con volver a evolucionar, Ezra es una computadora desordenada y confundida intentando comprender los misterios del universo. Ella es nuestro monolito” (93). El monolito, en la novela de Clarke, es un catalizador de la evolución humana, y en la obra de Fresán, simboliza un objeto de reflexión y avance para sus personajes. Asimismo, la descripción de Ezra como una computadora desordenada y confundida hace eco del personaje de HAL 9000, la inteligencia artificial de la nave en la novela de Clarke, aunque con una perspectiva diferente: el caos existencial frente a la tragedia de la perfección fallida. Fresán utiliza el presente símbolo para fusionar la 120 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 ciencia-ficción con el discurso filosófico sobre el conocimiento y la evolución. La referencia al humilde astronauta descendiente del mono también remite a la temática evolutiva central en la obra de Clarke. Ahora bien, la descripción de Grynarya en El fondo del cielo como “espejismo y oasis al mismo tiempo y nosotros avanzamos o retrocedemos, quién sabe, cantando esa canción de aquella película sobre el fino arte de marchar sobre un camino de ladrillos color amarillo” (160), transportan al lector al universo de El Mago de Oz (1900), de L. Frank Baum. Lo que en Baum representa un viaje mágico y lleno de esperanza, en Fresán se transforma en una metáfora de una búsqueda desoladora. La identificación de los personajes con el hombre de hojalata sin corazón, el león cobarde y el espantapájaros sin cerebro subraya una visión más sombría de la condición humana. Incluso la figura del Mago de Oz es reinterpretada, pasando de ser un mago omnipotente en la imaginación de los personajes a una fuerza destructora y aterradora, en contraste con la realidad del personaje de Baum como un hombre detrás de una cortina: “El Mago de Oz viene por nosotros y El Mago de Oz es todopoderoso, inmenso, inconmensurable. Oz es grande. Oz es más grande que Alá y –a diferencia del Mago de Oz– es alguien con poderes de verdad. Oz es El Deshacedor” (161). Dicha referencia ejemplifica la hibridación textual al mezclar la fantasía infantil con una perspectiva más oscura y compleja. Finalmente, la mención de una película basada en la idea del viaje en el tiempo evoca la novela La máquina del tiempo (1895), de H.G. Wells: Noches atrás, volví a ver aquella mediocre película basada en uno de los clásicos del género: la historia de un viajero proyectándose DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 121 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad hacia un lejano futuro sin que ello signifique moverse demasiado de su laboratorio. Ya saben: el lugar era siempre el mismo, el tiempo era el que cambiaba. (100) La descripción del viajero proyectándose hacia el futuro sin moverse de su laboratorio resuena con la propia experiencia del protagonista de Wells. Fresán utiliza la referencia para explorar la maleabilidad del tiempo y la memoria, creando un diálogo intertextual que va más allá de la simple alusión, utilizando los mecanismos de la ciencia-ficción para profundizar en temas psicológicos y metafísicos. En definitiva, la metatextualidad de El fondo del cielo no solo rinde homenaje a obras seminales de la literatura y el cine, sino que también las reinterpreta y las pone en diálogo para construir una reflexión profunda sobre la naturaleza de la ciencia-ficción, la condición humana y el poder de la narración. Interpretaciones del fin del mundo La novela presenta una visión del fin del mundo, lo cual refleja la naturaleza multifacética de su obra. Fresán menciona diferentes fines del mundo y no ocurren como normalmente aparecen en obras de ciencia-ficción, como choques entre planetas, ataques alienígenas y demás, en el libro este acontecimiento apocalíptico ha ocurrido innumerables veces: Interrumpo aquí para aclarar que no todos los fines del mundo acerca de los que he oído son tan espectaculares o histriónicos. Hay otros fines del mundo –¿o debería decir finales, aunque toda finalidad lleve implícita la voluntad y destino de alcanzar y de tener un fin? – que son casi secretos: accidentes, torpezas, tropiezos en los escalones de la Historia. (209) 122 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 El público lector, al llegar en el tercer capítulo de la obra, donde se narran estos eventos apocalípticos, también llamados fines del mundo, puede sorprenderse y reflexionar sobre ello. Relacionando al fragmento con la interpretación del fin del mundo, se puede decir que el autor propone una visión más amplia y compleja de lo que significa el fin. En lugar de verlo únicamente como un evento cataclísmico, se sugiere que el fin del mundo puede ser algo más cotidiano y menos perceptible, algo que ocurre de manera silenciosa y gradual en lugar de abruptamente. Dicha idea se alinea con una interpretación más filosófica del fin del mundo, donde el fin no es un solo evento apocalíptico, sino una serie de pequeños eventos que, acumulados, también marcan el fin de algo. Por consiguiente, el siguiente fragmento ofrece otra interpretación simbólica del fin del mundo a través de una narrativa que mezcla lo divino con lo humano, lo místico con lo trágico. Solomon Goldman, padre de Isaac, representa la búsqueda desesperada y obsesiva del ser humano por restablecer un orden divino, un intento por reparar lo irreparable: En otro de ellos, un rabino enloquecido, internado en un hospital psiquiátrico de Manhattan, descubre, después de tantos años de investigaciones, el modo exacto de reunir todos los fragmentos sueltos y rotos del recipiente que alguna vez contuvo la presencia divina de Dios y comienza a elevarse, a flotar hacia los cielos y… No sé muy bien qué es lo que ocurre después. Pierdo su imagen. Solo sé que su historia no termina bien, que dicen que se suicidó, que cae desde las alturas, o que lo arrojaron desde una ventana, quién sabe. (210) Solomon, al ser incapaz de soportar la carga de su misión, se convierte en un personaje extremo porque es una representación del DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 123 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad fracaso humano frente a lo sublime, puesto que busca lo absoluto y lo divino, enfrentándose a una tarea que claramente está fuera del alcance humano. Esto lo coloca en un terreno narrativo límite donde la ciencia-ficción y lo metafísico se encuentran. Por otro lado, la “reunión de todos los fragmentos sueltos y rotos del recipiente que alguna vez contuvo la presencia divina de Dios” es una referencia clara al concepto cabalístico del Shevirat Hakelim o la “ruptura de los recipientes”, una metáfora de la fractura del cosmos en el momento de la creación (Macías 33). En un nivel más amplio, el relato puede verse como una metáfora del fin del mundo, no como una catástrofe externa, sino como un colapso interno, una implosión de la psique y el alma al confrontar lo inalcanzable. El mundo no termina en un evento apocalíptico, sino en la fractura final de un ser que intentó unir lo fragmentado, pero que en el proceso se pierde a sí mismo. En la novela se hace énfasis al 11 de septiembre de 2001, la caída de las Torres Gemelas en Nueva York, un evento que Ella clasifica como otro fin del mundo: …a Isaac Goldman mirándome. Y él y yo somos las únicas dos personas que no miran a las alturas, a las torres en llamas y a la gente que se arroja al vacío y que cae a nuestro alrededor, en esta esquina de una ciudad llamada Manhattan, el 11 de septiembre del año 2001. Otro fin del mundo. Éste es, en realidad, el principio de un final más que un final en sí mismo. Es lo que pone en marcha a la pesada y lenta maquinaria de este Apocalipsis. (224) La escena describe a Isaac Goldman y a Ella como las únicas dos personas que no dirigen su mirada hacia las alturas, donde las torres están en llamas y la gente cae al vacío. En lugar de un final 124 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 absoluto, se sugiere que el evento es el principio de un final, el inicio de una secuencia que desencadena un Apocalipsis más amplio y gradual. El fin del mundo, en este caso, se interpreta no como un cataclismo instantáneo, sino como un proceso que se pone en marcha a partir de un evento traumático, con un significado profundo en términos de la fragilidad de la civilización y la humanidad. La mirada que no se dirige hacia las alturas podría simbolizar la incapacidad o la negativa a enfrentar la devastación completa de manera directa, sugiriendo una forma de alienación o desconexión del horror inmediato. El apocalipsis no se refiere únicamente a la destrucción física, sino a una transformación más profunda en la conciencia colectiva, una ruptura con la realidad tal como se conocía antes. Desde la perspectiva teórica, según lo planteado por Yuli Kagarlitski (1974), el fin del mundo deja de ser un concepto único, anclado en eventos catastróficos externos, como destrucciones físicas, invasiones alienígenas, o desastres cósmicos, pues el apocalipsis en la ciencia-ficción moderna puede representar no solo la destrucción, sino también transformaciones profundas de carácter social, psicológico, o existencial (307). En lugar de limitarse a los típicos choques de planetas o invasiones alienígenas, la obra explora finales más cotidianos y sutiles, mostrando cómo la cienciaficción puede abarcar interpretaciones filosóficas o existenciales, demostrando la ambigüedad y flexibilidad del género propuesta por Judith Merril y Fernando Moreno. Explorando lo natural y lo no-natural en la ficción La novela presenta una estructura narrativa donde los límites entre lo natural y lo sobrenatural se desdibujan constantemente, construyendo un universo que desafía las convenciones de la DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 125 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad realidad y la fantasía. Al aplicar la teoría de Ana Barrenechea (1972) sobre lo fantástico2, se identifican dos categorías principales en la obra: el orden natural y el orden no-natural. En el orden natural, la narración se desarrolla dentro de los parámetros de lo posible y verosímil en nuestro mundo. Aquí, las historias de amor y los conflictos personales de los personajes se presentan como experiencias humanas reconocibles. Sin embargo, Fresán emplea un tono nostálgico y melancólico, buscando conectar con la memoria y la percepción del tiempo del lector. Un ejemplo clave de esto se encuentra en la descripción del amor juvenil, donde Isaac reflexiona: Recuerda. Tú y yo en la nieve y ella contemplándonos desde la ventana. Es una imagen decididamente romántica: la bella prisionera en la torre más alta del castillo y los dedicados caballeros que no se atreven a rescatarla. No saben cómo hacerlo. Son tan jóvenes e inexpertos. Y la novedad del amor compartido –los hermanos de sangre y de secta son ahora, también, hermanos de amor– les hace sentirse invulnerables, sí, pero no saben qué hacer con toda esa fuerza. Hay momentos en que piensan que van a estallar. Combustión espontánea. Fulminados por la pasión que generan sus cuerpos y sus mentes. (120) Se resalta la intensidad y la confusión del primer amor, donde la pasión desborda a los jóvenes inexpertos, a pesar de su sensación de invencibilidad. Por otro lado, el orden no-natural abarca aquellos elementos que transgreden las leyes de la física y la lógica. En el relato, 2 Al discrepar con Todorov, Barrenechea amplía la definición de lo fantástico proponiendo una división tripartita que incluye tres categorías: la primera categoría dice que lo narrado entra en el orden de lo natural; la segunda menciona que lo narrado entra en el orden no-natural; y la tercera presenta la mezcla de ambos elementos. 126 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 esto se manifiesta a través de la inclusión de elementos de cienciaficción, como la presencia de seres extraterrestres, que irrumpen en la realidad cotidiana y añaden una dimensión de misterio y lo fantástico. Un pasaje que ilustra esto es la identificación del soldado con un ser de otro planeta: “Aquí estoy, en alguna parte de ninguna parte, hablando solo, como si fuera ese último extraterrestre que se esfuma en las páginas de mi novela favorita” (153). La imagen de un ser perdido en un espacio indefinido evoca una sensación de alienación y cuestiona las estructuras lógicas del mundo. A pesar de la distinción entre estos órdenes, Fresán logra una integración fluida entre ellos, difuminando las fronteras hasta que lo natural y lo no-natural se vuelven casi indistinguibles en el contexto de la narración. Dicha coexistencia se sustenta en el pacto de ficción que el lector establece al aceptar la realidad textual (Moreno 236), incluso cuando se incorporan eventos históricos reales con un giro fantástico. Un ejemplo de esta fusión se observa en la descripción de Isaac durante los atentados del 11 de septiembre, donde la realidad se percibe a través de una lente fantástica: Me han metido dentro de un cilindro de metal. La asistente me dejó aquí dentro y se ha marchado al otro lado de un panel transparente [...] Después, con cierto esfuerzo, me arrastro como una serpiente y salgo del cilindro de metal como si dejara atrás la funda de una piel y salgo de esa oficina. El edificio parece estar completamente vacío. Subo al ascensor y –el tipo de cosas que uno piensa cuando no quiere pensar en lo que está pasando– bajo hacia la calle preguntándome por qué se llama ascensor y no descensor. (130-132). La experiencia de un evento real y traumático se filtra a través de una imaginería que evoca elementos de la ciencia-ficción DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 127 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad y lo onírico, resaltando la desorientación y el extrañamiento ante lo inconcebible. En definitiva, la habilidad de Fresán radica en esta constante interacción entre lo cotidiano y lo extraordinario, desafiando al lector a navegar por múltiples capas de realidad y a cuestionar la naturaleza misma de la existencia y cómo lo real y lo irreal impactan nuestra percepción del mundo. La obra utiliza elementos fantásticos que se nutren de lo natural para subvertirlo, creando un espacio donde las reglas convencionales se desdibujan y se invita a una reflexión profunda sobre la realidad y la ficción. Entre lo real y lo fantástico: inquietud y ruptura Rodrigo Fresán explora en su obra la inquietud y el desasosiego inherentes al neofantástico, un género que, apartándose de las convenciones de la literatura fantástica tradicional, se aventura en territorios experimentales y contemporáneos. Según Jaime Alazraki (1983), el neofantástico se distingue por su habilidad para cuestionar la realidad y jugar con la percepción del lector, creando un ambiente de incertidumbre y extrañeza (248). Fresán construye un universo donde los límites entre lo real y lo fantástico se difuminan, sembrando una constante desorientación en el lector. La inquietud se intensifica mediante la exploración de la identidad y el tiempo, generando una atmósfera de perpetua transformación y reinterpretación de personajes y eventos. El desasosiego, por su parte, emerge del encuentro directo con lo desconocido e inasible, en un entorno donde los límites entre lo real y lo imaginario se desdibujan y los personajes confrontan situaciones que desafían su comprensión del mundo. La quiebra de lo real conduce a una profunda sensación de malestar, confrontando tanto a personajes como a lectores con la posibilidad de que la 128 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 realidad misma sea una ilusión o una construcción inestable. Por ello, el desasosiego se ve amplificado por la alienación y la confusión al intentar navegar una narrativa que constantemente desafía expectativas y normas. De esta forma, el relato manifiesta lo fantástico a través de sucesos y personajes que transgreden las leyes de la lógica y la naturaleza. En la esfera del neofantástico, Fresán manipula la percepción de la realidad insertando elementos extraños y surrealistas en contextos aparentemente ordinarios. La trama, ambientada en un entorno familiar y urbano, se ve alterada por acontecimientos y personajes que desafían las leyes naturales. Los protagonistas experimentan sucesos imposibles en el mundo real, como viajes en el tiempo y encuentros con entidades extraterrestres, generando una extrañeza característica del género fantástico al confrontar al lector con lo inexplicable y sobrenatural. En consecuencia, Fresán rompe con una narrativa lineal y coherente, fragmentando tiempo y espacio, y desplegando la historia en múltiples planos temporales y realidades alternas, lo que provoca un efecto de dislocación en el lector. La ruptura no solo altera la percepción de los personajes dentro de la historia, sino que también juega con la del lector, quien debe reconstruir el sentido a partir de fragmentos dispersos. La inclusión de personajes míticos y sobrenaturales, como los seres del planeta Urkh 24, introduce un elemento de asombro y sirve como catalizador para la exploración de temas como la crítica cultural y la invasión: Nuestras naves –como las naves flotantes en sus películas– posando siempre junto a monumentos históricos y santuarios turísticos. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 129 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad Teníamos tantas ganas de hacer realidad todas vuestras fantasías... Habíamos hecho tantos planes: adquirir un aspecto amenazante o absurdo. O todos al mismo tiempo. Tentáculos, cráneos enormes funcionando como cajas de megacerebros, mujeres hermosas envueltas en calientes trajes tejidos con metales vaporosos... Como si se tratara de un baile de disfraces. Y hasta pensamos en destruir algo valiéndonos de armas ridículas. Después, enseguida, nos mostraríamos tal cual somos y revelaríamos nuestras verdaderas intenciones. Invadirlos, sí. Conquistarlos, también. Someterlos, de acuerdo. Pero, también, hacerlos partícipes de nuestra perfección que, con vuestra ayuda, ya no sería aburrida. (194) La perspectiva del narrador extraterrestre, quien desea mostrarse a la humanidad, ilustra esta ruptura de la realidad aceptada, donde eventos fantásticos son narrados como hechos para el lector, aunque desconocidos para los personajes humanos. La focalización externa3 y no humana exige al lector una ampliación del pacto de ficción, aceptando una perspectiva ajena que cuestiona la comprensión humana de lo absoluto. La llegada de los extraterrestres pasa inadvertida para los personajes, pero el lector es partícipe de esta realidad alterna. En términos teóricos, la narración neofantástica crea una nueva realidad a partir de un hecho inverosímil que se transforma en verosímil al ser aceptado e integrado por el lector. En una entrevista elaborada por el periodista Antonio Martínez Ron, Rodrigo Fresán, influenciado por la tradición fantástica argentina de autores como Jorge Luis Borges y Julio Cortázar, menciona que “la idea de lo fantástico siempre está presente y no nos hace sentir ningún pudor en ese sentido’’ (2009). 3 Luz Aurora Pimentel (2002) describe una perspectiva narrativa donde el narrador relata los hechos desde una posición distante, sin acceder a la conciencia o pensamientos de los personajes (100). 130 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 En El fondo del cielo, la presencia de extraterrestres, personajes inverosímiles en la lógica del mundo real, genera una nueva realidad dentro de la novela, donde estos seres fantásticos son aceptados por el lector como parte de la verosimilitud de la historia, aunque no sean percibidos por los personajes humanos. La dinámica es central en el neofantástico, donde lo imposible se vuelve plausible mediante la integración de elementos fantásticos en la narrativa, provocando inquietud y desasosiego al desdibujar los límites entre lo real y lo imaginario. Otro ejemplo de la ruptura de la realidad se presenta en la reflexión de Ezra sobre el tiempo y la memoria: Recuerda. Ahí es cuando todo empieza. Desde entonces hemos vivido en un eterno final. Recuerda. Es una noche como ninguna otra. Es una noche como la que puedes ver en ciertos cuadros. Ella. Y tú y yo. Los dos ponemos a construir muñecos de nieve. (121) Dicho inicio, que es a la vez un final, sugiere una alteración en la percepción del tiempo, un estado de angustia donde la realidad parece desmoronarse. La referencia a “una noche como ninguna otra’’ y la imagen de construir muñecos de nieve en ese contexto crean una atmósfera de inquietud donde lo inverosímil se torna verosímil a través de la experiencia emocional de los personajes. De manera similar, Isaac experimenta una extraña nevada dentro de una torre en un día soleado, un evento que simboliza una disonancia emocional y una profunda introspección: Entonces sucede algo extraño. Y no es que lo que ha sucedido hasta ahora no sea extraño; pero lo que sucede ahora es todavía más extraño. Entonces, ahí dentro, en la torre, sin importar el día DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 131 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad soleado que crece ahí afuera, comienza a nevar. Y miro a Ezra y Ezra es el Ezra que alguna vez fue y no me hace falta mirarme – siento una vibración en todo mi rostro, como si alguien corrigiera líneas, retocara detalles– para darme cuenta de que yo también soy ahora el que fui. (123) Al observar a Ezra y sentir una ‘vibración’ en su rostro, Isaac percibe su propia transformación, manteniendo a la vez la conexión con su pasado: “para darme cuenta de que yo también soy ahora el que fui’’. Este suceso, que desafía la lógica del entorno, representa la ruptura entre lo real y lo fantástico, generando desasosiego y explorando identidades fragmentadas. En conclusión, Rodrigo Fresán fusiona las características del fantástico y el neofantástico, entrelazando lo cotidiano con lo inexplicable para generar una atmósfera de inquietud y desasosiego. Mediante la interacción entre un orden natural y uno no natural, la obra desdibuja las fronteras entre lo real y lo imaginario. A diferencia del fantástico, que introduce lo extraño generando ambigüedad, el neofantástico integra lo insólito de forma orgánica en la realidad narrativa, transformando lo inverosímil en verosímil. En síntesis, Fresán crea un universo literario donde la realidad se percibe como inestable y permeable a lo imposible, invitando a la reflexión sobre la fragilidad de la identidad, la memoria y la naturaleza misma de la realidad. Conclusiones El fondo del cielo (2009), de Rodrigo Fresán, se presenta como una propuesta literaria que desafía activamente las convenciones establecidas por los géneros tradicionales. Particularmente, este texto redefine los límites de la ciencia-ficción al entrelazarla con 132 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 elementos propios de lo fantástico y lo neofantástico, creando así una fusión innovadora. Fresán emplea la hibridación de géneros y la metatextualidad como herramientas fundamentales para construir una narrativa compleja. A través de estas técnicas, se establece un diálogo profundo con textos y autores provenientes de diversas tradiciones literarias y cinematográficas, enriqueciendo así el tejido de su propia creación. La novela se sumerge en la exploración de temas trascendentales como el tiempo, la memoria, el amor y el fin del mundo, pero lo hace desde una perspectiva que se aleja significativamente de los enfoques clásicos de la ciencia-ficción. En su lugar, incorpora una dimensión más íntima, filosófica y metafísica, invitando a una reflexión más profunda sobre la condición humana. Asimismo, la composición se distingue por su atmósfera de ambigüedad e inquietud, donde las fronteras entre lo real y lo fantástico, lo natural y lo sobrenatural, se vuelven difusas. Esta característica genera en el lector una sensación constante de extrañeza y desasosiego, desafiando su percepción de la realidad. Obras citadas Alazraki, Jaime. En busca del unicornio: los cuentos de Julio Cortázar. Elementos para una poética de lo neofantástico. Gredos, 1983. Barrenechea, Ana María. “Ensayo de una tipología de la literatura fantástica”. Revista Iberoamericana, vol. 38, núm. 80, 1972, pp. 391-403. Fresán, Rodrigo. El fondo del cielo. Mondadori, 2009. Garrido Gallardo, Miguel Ángel. Diccionario Español de Términos Literarios Internacionales. Consejo Superior de Investigaciones DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 133 �Natalie Marlene Martínez (UANL) / Hibridación de géneros y metatextualidad Científicas, 2015, www.proyectos.cchs.csic.es/detli/sites/ default/files/Híbrido.pdf. Genette, Gérard. Palimpsestos: la literatura en segundo grado. Taurus, 1989. Kagarlitski, Yuli. ¿Qué es la ciencia-ficción? Labor, 1974. Macías, Mario. “Shevirat Ha-Kelim: el misticismo judío y la matriz catalana para el diálogo y el conflicto”. Journal of Catalan Intellectual History, 2021, journalofcatalanintellectualhistory. org/index.php/jocih/article/view/24/49. Merril, Judith. “Straight Thinker”. The Magazine of Fantasy and Science Fiction, vol. 30, núm. 2, feb. 1966, pp. 68-77. Moreno, Fernando. Teoría de la literatura de ciencia-ficción: poética y retórica de lo prospectivo. Portal Editions, 2010. 134 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-133 �Artículos Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Arquitectura y reflexión: lugares, cuerpos y máquinas en clave prospectiva Architecture and Reflection: Places, Bodies, and Machines in a Prospective Framework Ramón Ramírez Ibarra Universidad Autónoma de Nuevo León San Nicolás de los Garza, México rramib44@gmail.com Resumen: En el ámbito reflexivo de la arquitectura en los últimos veinte años se ha presentado un notable incremento en la producción de publicaciones y la discusión sobre el lugar como un concepto capaz de potenciar una nueva visión, tanto en términos de diseño como de apreciación de la obra arquitectónica. Ante la creciente conciencia de la fragilidad medioambiental y la necesidad de repensar los entornos urbanos, la noción de lugar involucra un corpus multidisciplinario que va de filósofos y sociólogos hasta historiadores, antropólogos y geógrafos que desarrollan su análisis desde la comprensión del habitar humano. Pensar la arquitectura en términos de lugar permite observar el paso de una autonomía objetivista a la contingencia del hecho productivo; facultando el encuadre de su imaginario, regido actualmente por nuevos impulsos tecnológicos y una cultura digital. Así, en este ensayo propongo la reflexión de tres elementos de construcción significativa del campo arquitectónico a través de las categorías de orden, proyección y prospectiva implícitas en las nociones de espacio, valoración del proyecto y práctica del saber arquitectural como prospección multidisciplinar para el habitar humano del siglo XXI. Palabras clave: lugar, arquitectura, modernidad, posmodernidad, cuerpos, máquinas. 135 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión Abstract: In the reflective field of architecture, over the last twenty years there has been a notable increase in the production of publications and the discussion about place as a concept capable of promoting a new vision, both in terms of design and appreciation of architectural work. Emerging from the growing awareness of environmental instability and its need to rethink urban environments, place involves a multidisciplinary corpus that ranges from philosophers and sociologists to historians, anthropologists and geographers who develop their analysis from the understanding of human habitation. Thinking about architecture in terms of place allows us to observe the transition from an objective autonomy to the contingency of the productive fact; enabling the framing of its imaginary, currently governed by new technological impulses and a digital culture. Thus, in this essay I propose the reflection of three elements of significant construction of the architectural field through the categories of order, projection and prospective implicit in the notions of space, assessment of the project and practice of architectural knowledge as a multidisciplinary prospection for human habitation in the 21st century. Keywords: place, architecture, modernity, posmodernity, bodies, machines. 136 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Una pobreza del todo nueva ha caído sobre el hombre al mismo tiempo que un enorme desarrollo de la técnica. Y el reverso de esa pobreza es la sofocante riqueza de ideas que se dio entre la gente... O más bien que se les vino encima. Walter Benjamin Punto de partida: del espacio al lugar La noción de lugar se remonta a la Antigüedad griega, cuando Demócrito (460-360 a. C.) la refería a la separación entre continente y contenido. Para el presocrático y atomista de la antigüedad, el espacio no coincidía en extensión con la materia y, por lo tanto, era una especie de contenedor de cosas y objetos (2008). Por lo tanto, se definía en su función continente, que entre otras cuestiones coincidía con su teoría del vacío, ya que el ser estaría en la materia, y habría un no-ser que sería el vacío. Al mismo tiempo, el universo se entendía como una realidad homogénea, con leyes universales y en un espacio infinito, por lo cual la extensión espacial no coincide con la materia y, por ende, ese contenedor es independiente de los cuerpos que en él residan. Este concepto de espacio adquiriría una dimensión nueva con Aristóteles (384-322 a. C.), quien buscó unificar el lugar como categoría filosófica autónoma (Física IV). El espacio-lugar del estagirita coincidía con la materia contenida, por ello, el vacío no existiría sin cuerpos que lo definan, y un lugar sería todo aquello que abarca la propia cosa espacialmente. Así, esta sería una especie de envolvente, una delimitación en términos de superficie, que al DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 137 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión remitirse a un objeto no es una de sus partes o sus elementos, sino lo que abarca. Espacio es lo espaciado, lo introducido como límite tramado y localizable pero diferenciado en su capacidad de influir en los cuerpos que lo ocupan. Para nuestros fines, lo más importante de este concepto, fuera de las ya tradicionales objeciones de Lucrecio y su evidente alejamiento de lo que en el helenismo será la geometría euclidiana, se encuentra en el entendimiento del espacio como lugar, es decir, como una estructura diversa y dinámica, diferenciada en su interior, capaz de elegir e influir sobre lo contenido. A diferencia de la salida a las paradojas de Zenón (1985) por medio del vacuum (vacío) de los atomistas, para Aristóteles (2015) la solución es indicio de una reflexión implícita en la relación que une al espacio con el tiempo. Hay tres pensadores muy importantes en la caracterización de la filosofía del lugar, los cuales que sus raíces en esta noción aristotélica, a pesar de haber surgido en un momento en el que la tradición escolástica recibió los primeros embates del empirismo: Spinoza (2009), con su idea del lugar-límite en función de la proporción, pensamiento aún ligado al ideal antropocéntrico del Renacimiento (XV-XVI), los órdenes de coexistencia de Leibniz (2022) y las ideas–esquema de Descartes (1966), representantes de una postura racionalista en torno al espacio. En todos ellos se expresaban ya tres problemas básicos de la vía moderna de la filosofía del lugar, abiertos desde el posicionamiento aristotélico: la duda acerca del límite, un relativismo en vista de la noción de devenir y la apelación al orden legado por el pensamiento geométrico antiguo. Si bien examinar las tres ideas de cada autor en sus respectivos sistemas excedería los objetivos de este trabajo, pues hay muestras recientes muy importantes en cada uno como el trabajo de Cápona 138 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 González (2020) sobre la conexión entre Spinoza y Lefebvre, o la interesante polémica epistemológica entre los artículos de Raffo Quintana (2017) y Camilo Silva (2019) acerca de Leibniz y el concepto de lugar, es posible identificar que estas posturas en torno a la reflexión espacio-lugar, terminarían concretándose en la modernidad en dos importantes pensadores: Kant (1724-1804) y Hegel (1770-1831). Para Kant (2009), la noción de espacio toca el punto clave del entendimiento moderno en el sentido de que cuestiona la existencia de dicha categoría a través de una entidad factual, es decir, el espacio y, de la misma manera, el tiempo, retomando la idea de Aristóteles, son categorías unificadas, pero, extendiendo la idea de espacio-lugar, habla del papel activo de la mente, de una coordinación subjetiva de las sensaciones, las cuales no provienen del objeto-materia, sino de su sentido formal en términos de juicios sintéticos a priori. En Kant el lugar caracterizaría aquellas formas espacio temporales percibidas por medio de intuiciones (categoriales), las cuales exceden la realidad material de la forma (en este tema, por ejemplo, los conceptos de territorio, ciudad, asentamiento) permitiendo la inserción activa de las subjetividades que preexisten a dichas formas (orden, leyes, estructuras, habitabilidad). La diferencia con la ciencia moderna aquí es notable, ya que es posible advertir cómo las categorías de espacio tiempo son trascendentales, en el sentido de que son compartidas por todos de la misma manera en un plano subjetivo: El espacio no es algo objetivo y real; ni sustancia ni accidente ni relación; sino algo objetivo ideal, y proviene de la naturaleza de la mente según ley estable, cual esquema para coordinar para sí absolutamente todo lo externamente sensible. Quienes defienden DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 139 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión la realidad del espacio y lo conciben cual receptáculo absoluto e inmenso de cosas posibles —sentencia que, siguiendo a los ingleses, place muchísimo a los geómetras— o sostienen que es la relación misma entre las cosas existentes, que, quitadas las cosas se desvanece enteramente y solo es pensable respecto de las actuales —como siguiendo a Leibniz muchísimos maestros lo establecen. (Kant 41-42) Por esta razón, en Kant espacio y tiempo no son dimensiones objetivas de la realidad sino formas a priori, esquemas mentales que preexisten, condicionan y estructuran nuestra percepción del mundo externo. Desde esta perspectiva, Hegel (1984) recupera también la fusión espacio-lugar, pero a través de una lógica de relaciones. Mientras que Kant resalta la subjetividad de las formas, Hegel, en su visión dialéctica, propone una visión del tiempo coordinada por el movimiento y transición hacia el espacio, es decir un movimiento de lo abstracto a lo concreto. Una búsqueda básica de la pureza del tiempo desde la unidad matemática–geométrica, en la cual el punto, por ejemplo, será un elemento fundamental, dando pie a un razonamiento en torno a la abstracción del espacio por medio de planos y líneas. La diferencia más notable con la reflexión kantiana es que Hegel, si bien desarrolla su planteamiento en torno al espaciotiempo, al primero le asigna una función objetiva a partir de su pura exterioridad, es decir, en su papel de representación, como sucede con la definición de una línea como punto en movimiento (8). El punto es un instante en el espacio que al ser inscrito ya no es tiempo, sino que deviene espacio. Los deícticos del lenguaje, por ejemplo aquí-ahí, pasan a designar las funciones que cumple el espacio– tiempo; como consecuencia, un lugar en Hegel será espacio en cuanto sea tiempo. Su importancia consiste en identificar la relación 140 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 entre ambos conceptos como interdependientes, e involucrar esta relación desde una noción racional absoluta (abstracción), pues la pura cantidad o la cantidad de espacio acusa ahora diferencias; pero estas diferencias no pertenecen al espacio como tal, sino al entender o a la mismidad del sujeto: “el espacio es esencia de sí implícitamente, íntimamente, en su idea” (6). Por lo tanto, todo espacio será tal para un sujeto cognoscente, adoptando un punto de vista moderno en sincronía con Descartes y Kant, pero a diferencia de éstos, la subjetividad desempeña el papel de unidad simple y formal, que es un estado o momento transitorio en vía de transformación constante (devenir), hacia una concreción positiva, dialéctica, un resultado. No es difícil reconocer como las conclusiones de Hegel abren la puerta a la sistematización enciclopédica y al positivismo a partir de la noción de progreso y la reducción de los saberes, pues si bien reconoce el papel de la abstracción, esta será valiosa en la medida en que someta su propia historicidad a la exigencia práctica del presente y su producto, un objeto. El orden de lo divino para la arquitectura Tanto Platón (427-347 a. C.) como Aristóteles (384-322 a. C.) distinguían la asociación entre belleza y placer, haciendo énfasis entre lo construido y lo natural, pero la belleza no fue considerada la esencia del arte en ninguno de los dos, ya que Platón, en “Filebo” (2012), considera al objeto, la pintura o el arte visual como parte de una apreciación relativa. Para este la belleza no existe en este mundo en su sentido esencial, solo se encuentra verdaderamente en un mundo ideal o suprasensible de las ideas. Aristóteles (2005), por su parte, emprendió también la reflexión sobre la belleza desde aspectos que consideraban DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 141 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión proporción, simetría y límites de lo que la propia expresión del objeto invocaba. El estagirita, si bien se planteaba desde el problema de las proporciones, la relación entre el sistema de medidas con su utilidad, y, por ende, con la belleza, esta se impone mediante una deducción lógica, imponiendo lo general a lo particular, subrayando la superioridad de la naturaleza sobre el arte (Venturi). Es decir, de acuerdo con su postura hilemórfica, la natura se encuentra en mayor cercanía de las causas, derivando que, por ejemplo, en el cuerpo humano su valoración de lo bello provenga de la correcta proporción de sus miembros. El espacio era un todo vinculado orgánicamente, de tal manera que la relación entre las partes y su realidad proyectada de manera armónica e integral puede apreciarse en la organización de la ciudad griega como infería Martienssen hace algunas décadas (1967). La ciudad como expresión humanizada de la naturaleza surgió en la arquitectura griega como una creación orgánica, un todo que sintetiza lo ideal y absoluto. Da forma a la abstracción por medio de una plástica, siguiendo esa unidad: de la ciudad y su ágora, al templo con su complejo sistema de columnas, hasta la casa y su peristilo. Unidad visual tendiente a la creación modular, proyección praxeológica. En su Política, precisamente, Aristóteles (2015) se pronuncia por la enseñanza del dibujo como una manera de juzgar la belleza del cuerpo humano y no un perfeccionamiento del conocimiento del acto de dibujar, subrayando la valoración moral de la creación, la cual, en la ciencia, representaba el hacer del pensar, razonamiento que volvía a las artes objeto de una relación jerárquica intelectiva entre creación e imitación, situación que luego posicionaría a las llamadas artes imitativas en inferioridad cognoscitiva por su conexión con los oficios durante la Edad Media. 142 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Con Vitruvio (1955) encontramos una referencia documental de esta arqueología específica, sus libros son la propedéutica que sentó las bases de una comprensión disciplinaria para la arquitectura, donde la piedra y la geometría son ordenadas bajo un sistema de medidas y proporciones que trataban de reflejar armónicamente la naturaleza. El orden clásico es una expresión de la figura y su proporción desde un esquema análogo, que pretende inducir una tectónica más allá de la idea de un repertorio formal como en el historicismo moderno, proponiéndose la dotación de un determinado carácter para la edificación (Oyarzun & Aravena 2022). La asociación entre orden y figuración es clave para entender por qué desde Vitruvio a su posterior rescate en el Renacimiento, sea una visión intelectual o práctica de la arquitectura como sucede con las teorías de Alberti (1992) o Palladio (2015), el impacto asociado a la visión de lo edificado como una extensión progresiva de elementos articulados orgánicamente, provoca una continuidad entre la escala humana, el material pétreo y su impacto para el observador. En los términos que ha enunciado Umberto Eco (1987), si la obra es una construcción de sentido cuyo ordenamiento se concreta en un lector modelo, la obra clásica es un soporte que busca concretarse en el disfrute del espacio entendido como una continuidad abstracta entre percepción, ritmo y sentido de la forma partiendo de una elongación naturalista. La arquitectura clásica es un objeto ideal, erigido con la finalidad de imitar un orden natural de los dioses a los hombres y de éstos a las ciudades. Por ende, la continuidad entre el exterior y lo interior pretende una expresión fluida desde la contemplación, el tránsito y el acceso al templo, lugar de la divinidad, como sucedió en DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 143 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión el Partenón de Atenea de la época clásica (510-323 a. C). La morada de los dioses es la sede del alma humana, ergo el cuerpo del usuario de la arquitectura participa en un ciclo simbólico entre lo terrenal y lo cósmico. La construcción en el objeto arquitectónico hace posible la imitación (mímesis), pero su búsqueda de la esencia, que sería el vínculo de lo natural, descansaba en una forma abstracta eterna: la geometría, es decir, principios de valor ligados a la justa medida de las cosas. Heidegger (1997), aludiendo a los dos sentidos de la palabra construcción en latín —colere (cultivar, cuidar) y aedificare (erigir edificios)—, señalaba que la segunda efectuaba un ocultamiento del hecho arquitectónico como estructuración visible del acto de habitar bajo un sentido esencial de la actividad humana. De ahí que, en la expresión clásica de la teoría arquitectónica, a pesar de su esfuerzo por responder al reto biunívoco entre lo construido y lo visible, con un tercer elemento, el habitable, se presenta una superación de la acepción de la construcción como un mero levantamiento o erección de un objeto, lo edificado. La geometría era un saber comparable y perceptible activamente mediante el reconocimiento de un lugar. La arquitectura, desde estas épocas remotas, se entendía ya como un todo que es más que sus partes, superando en cierta forma el reduccionismo del punto de vista teórico del mecanismo compositivo, como le llamaba Durand (2012), cuando el academicismo de inicios del siglo XIX impone gradualmente la representación a través del plano y la retícula sobre la obra construida, efecto del nuevo sistema de enseñanza en el aula regido por elementos utilitarios. Recordemos que, hasta ese momento, la educación arquitectónica se efectuaba en la práctica y su relación con la obra se entendía 144 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 como una actualización temporal, es decir, la responsabilidad del arquitecto no se consumaba en la proyección de un plano, sino en un espacio específico como una especie de materia viva a la cual se vinculaba desde ideas y talleres (Pérez-Gómez 2017). Así, cobra especial importancia la serie de acontecimientos en los cuales la cultura antigua cede gradualmente su particular forma de entender el ciclo antropológico de la creación arquitectónica. La máquina: de la antigüedad a la teoría moderna de la arquitectura La arquitectura griega sentó las bases de la técnica en su sentido de develamiento o aclaración del acto de producir, como medio es una tecné (τέχνη) para hacer o crear (ποίησις). En la Ética Nicomáquea, Aristóteles (2013) asocia la técnica a una episteme (ἐπιστήμη), pero no indica como su característica la aplicación o la manipulación de medios. La técnica en los antiguos es ante todo una forma de llegar a la verdad. Como mencionaba Heidegger: Frente a esta determinación del ámbito esencial de la técnica, se puede objetar que vale, ciertamente, para el pensar griego y que conviene, en el mejor de los casos a la técnica manual, pero que no puede aplicarse a la moderna técnica de máquinas (122). Desde el antiguo y célebre tratado romano de Vitruvio (1955), la máquina en la arquitectura ocupa un espacio limítrofe de la experiencia, destacando, inclusive, la construcción de éstas en el décimo capítulo de su obra. En aquella escritura aún resuena la forma arcaica que impregnó la relación humana con la tecnología desde el Paleolítico. En esa relación, una piedra, una palanca o una DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 145 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión polea son herramientas, que si bien eran extensiones de la anatomía humana, ofrecían una separación nítida entre uno y otro lado, pues baste recordar el concepto de medida en la antigüedad griega, que hacía una referencia a un tipo de intuición entre lo interno y externo, donde el cuerpo humano es el medio para una conexión entre significado y proporción (Harvey 2015). La connotación vitruviana de las máquinas (del latín machina) reflejaba esta noción clásica de la experiencia humana a través de lo corpóreo, pues según su lectura era posible considerar como una máquina desde la relojería hasta los andamios o un edificio. Por ende, el significado moderno de esta palabra es más reciente y comienza a denotarse apenas a finales del siglo XV y comienzos del XVI, en los tratados de arquitectura de León Battista Alberti (1992) o Georgius Agricola (2014), entendidos como mecanismos a base de poleas o engranes; aunque su sentido antiguo permaneció incluso hasta el siglo XVIII, por ejemplo, en la Enciclopedia de D’Alembert o los inicios de la Revolución Industrial. En este sentido, para la teoría arquitectónica es bastante sólida la afirmación de Stalder y Gleich (2018) de que el concepto de máquina se incorpora a plenitud de forma tardía hasta mediados del siglo XIX. Antes, la noción antigua de máquina designaba tanto objetos inertes como mecanizados por un sistema de poleas o engranajes. El manto de lo sagrado cubría su significado, por ende, filósofos como Heidegger (1997) señalaron que construir y habitar presuponían los medios necesarios para el cuidado del hombre o su resguardo, siendo las máquinas un complemento a una necesidad humana intrínseca, es decir motivada por el encuentro con la verdad del habitar. Eran medios materiales para el cumplimiento de una necesidad externa. A contracorriente de esta idea, la máquina emergente de la modernidad 146 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 arquitectónica es más bien un dispositivo utilitario dentro de una lógica de medios y fines, un objeto que promueve la racionalidad desde la forma misma del objeto. Surgida de los tratados que en resonancia del utilitarismo dieran a la ingeniería civil su propósito práctico, orientado a la producción, la arquitectura abandona ese significado de cruzamiento entre lo cósmico-terrestre; se orienta a la demostración, en un sentido específico, de la tectónica. La piedra se abandona en su unidad plástica y escultórica, cuya belleza tiene un origen natural, para ser sometida a las fuerzas del espacio material que provee una máquina estructural como totalidad en lo interno y su uso. En el siglo XIX arquitectónico, el racionalismo se funde con el ciclo técnico de la economía bajo el industrialismo. Construir es el signo privilegiado que viene de la emergencia de nuevos materiales y principios de estructuración. Todo es sujetable a este propósito, y el concepto de espacio que más se adapta para esta noción será sin duda el proveniente de la separación decidida entre naturaleza y naturaleza humana, es decir, una episteme en la cual la racionalidad se determina por las capacidades de intervención tanto en las formas de conocimiento como en el medio natural. Dado que la arquitectura experimentó el mismo proceso epistémico de vinculación a una sociedad industrial que diversas disciplinas enfrentaron respecto a la constitución de su objeto, pronto nos encontramos con reacciones específicas en el ámbito teórico, por un lado la conservación en términos formales tratada con ideas restaurativas, como en William Morris (1834-1896) y Viollet Le-Duc (2008); o contemplativas, como en John Ruskin (2014), que generaron una plástica de motivos orgánicos o historicistas, visibles en movimientos como el art nouveau o el simbolismo. Movimientos artísticos que, si bien apelaban a DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 147 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión elementos orgánicos, florales u ornamentales, compartieron los postulados instrumentales de estructuración técnica centrados en la obra como objeto de estilo o proyección. Las primeras décadas del siglo veinte atestiguan la aparición de esta separación entre lo natural y lo humano también en la arquitectura desde tres factores, la vindicación del industrialismo por el trabajo, la centralización urbana y la internalización del formalismo proveniente de los ismos de vanguardia. En esta experiencia de interpretación moderna, la arquitectura se va transformando en una máquina de habitar en el sentido de Le Corbusier (1972), formando parte de un todo tecnológico que finaliza en la ciudad articulada y reticulada. Promesa del cumplimiento de un ethos colectivo y abstracto, porque el orden emergente de la planeación sería el sujeto liberal disciplinado. La forma es el medio a través del cual se articula un programa funcional, cuya organización por niveles responde a la visión de progreso que la Ilustración consolidó: el dominio racional de la naturaleza como fundamento del orden social. Hasta la línea curva y el trazo orgánico tienen un papel asignado en la utopía moderna del ensamblaje por medio de secuencias, sean productos en líneas industriales, viviendas modulares o condominios. En esta versión moderna de la arquitectura, el propio cuerpo del hombre tiene un rol teleológico determinado por el trabajo, se puede ser un liberal partidario del mercado con una estética formada en los cinco puntos lecorbuserianos o un socialista entusiasta de la producción colectiva y el brutalismo soviético. Empero, en ambas visiones de lo moderno resulta indispensable el esfuerzo activo del cuerpo en la consecución tanto del sustento económico como del propio disfrute estético del espacio vivido. El cuerpo en la arquitectura es el móvil disciplinario del capital: el ascensor facilita el 148 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 acceso a edificios de acero, concreto y cristal, pero la imagen colectiva de la arquitectura moderna, sea americana o europea, supone la participación del sujeto en lo público y lo privado, distinguiendo con nitidez el paso entre interior y exterior. La arquitectura es un objeto que se habilita y su andamiaje es dependiente de una situación específica: para dominar la naturaleza por medio de la máquina de habitar es necesario participar en la construcción de ese hecho como una partícula en un contenedor. Recuperando el racionalismo abstracto, uno de los teóricos y propagandistas clave de la arquitectura moderna, Bruno Zevi (19182000), reivindicaba enfáticamente una propedéutica de la observación limítrofe (interior/exterior) proveniente de las vanguardias artísticas formales: en todo hecho corpóreo, aparte de la forma externa, existe el organismo interno; aparte de la piel existen los músculos y el esqueleto, la constitución interna. Y he aquí que sus pinturas representan simultáneamente, no solo los diversos aspectos externos de un objeto, digamos una caja, sino también la caja abierta, la caja en planta, la caja rasgada (24). Por ende, pronunciándose por la movilidad del observador en el espacio interno del objeto arquitectónico, imaginado como una caja, vinculaba una realidad integral y esencial de la arquitectura (espacio) con el tiempo, aludiendo la trascendencia de lo material (mecánico) en contacto con una intuición lírica (subjetiva). La arquitectura en Zevi es una expresión biomecánica caracterizada por delimitar vacíos, módulos donde el juicio arquitectónico representa un juicio acerca del espacio interno de los edificios (31). Los planos concretan la experiencia vivenciando las instrucciones y los límites percibidos por el usuario y programados por el arquitecto. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 149 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión Esa expresión mecánica de la edificación regida por una organización interna con una serie de límites en los cuales hay una situación adentro/afuera, constantemente enmarcada entre ciudades, edificios y cuerpos, apela al sujeto perceptivo. Mientras en la relación ciudad y arquitectura propuesta en otros movimientos racionalistas como los CIAM se perseguía una proyección deductiva del juicio arquitectónico, Zevi (1981) hablaba de una inducción referida al papel del observador concreto de la arquitectura en su faceta corpórea desde el espacio interno, la sensorialidad desde un espacio articulado y programático. Estructuras, muros o colores forman parte de una táctica sensorial individualizada. Lo privado marca claramente el punto de contacto de esta proyección. El plan del arquitecto moderno sería la motivación emocional en el disfrute de una máquina de habitar que va de lo interno psicológico a la externalidad colectiva. Por lo tanto, aquí se abre una discusión acerca de una de las nociones más reductivas de la enseñanza de la arquitectura actual: la creencia de que el objeto arquitectónico es una expresión contemplativa sometida inexorablemente a la técnica y las fuerzas del mercado. De la máquina corpórea a las máquinas de simulación Si bien la reflexión arquitectónica actual ha dado cuenta del agotamiento del proyecto racionalista en su forma mecanicista — mediante la inclusión de referentes cognitivos y ambientales cada vez más centrados en la experiencia sensorial y significativa de las personas—, es preciso destacar un fenómeno que aún parece situarse en los márgenes de la disciplina: la gradual transformación de la expresión arquitectónica. Esta transición abandona la metáfora maquinal —aquella forma que cifra su síntesis conceptual en la 150 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 fórmula función-economía de la modernidad, con la fusión entre ciencia, técnica y artefacto como dispositivos estructurales al servicio de una función— y se orienta hacia una expresión blanda u organicista en el diseño, cuya meta no es ya la creación de máquinas sólidas y directivas, sino la seducción hacia un nuevo objeto destinado a la emoción y al estímulo sensorial puro: las máquinas de simulación. Rem Koolhaas (1944) ha caracterizado esta mutación del fenómeno arquitectónico moderno en sus transiciones irónicas: En la construcción anterior, la materialidad se basaba en un estado final que solo podía modificarse a costa de una destrucción parcial. En el mismo momento en que nuestra cultura ha abandonado la repetición y la regularidad como algo represivo, los materiales de construcción se han vuelto cada vez más modulares, unitarios y estandarizados; la materia viene pre digitalizada a medida que el módulo se va haciendo cada vez más pequeño, su condición llega a ser la de un cripto píxel. (15) El pragmatismo de la nueva crítica arquitectónica anglosajona de Koolhaas a Joan Ockman (2000) o William Saunders (2007) enfatiza la complejidad de la arquitectura en correlación con la ciudad, donde si bien hay un genuino interés por pasar de la simple actividad física de la construcción a un entramado mental y ecológico donde los constructos teóricos dejen de ser entidades fijas deterministas, también hay un creciente retraimiento de la actividad reflexiva que desestima la investigación teórica de la arquitectura por una revaloración inductiva que toma como punto de partida al proyecto y el plan. El mundo abandona el movimiento de interacción campo– ciudad por un solo lado de la relación, la ciudad es la totalidad. La automatización del campo implica un destino. Los movimientos DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 151 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión de trabajo se ven trastocados por un escenario de creciente tensión, donde las fronteras abiertas se disipan en virtud del simulacro digital que revive las valijas de la hegemonía en forma de nación o etnias con tal de obtener una legitimidad política para ser expuestas como una expresión democrática. Empero, la solución económica y libertaria no serán los trabajadores manuales, reconocidos en la producción de los sistemas básicos hasta el día de hoy, vistos como un flujo necesario proveedor de bajos salarios y condiciones necesarias para la externalización corporativa, sino una vía de riesgos aún mayores introducidos y defendidos como industria 4.0 a una escala planetaria. Amplios espacios de producción cuyo objetivo de diseño ha mutado de las personas confinadas en espacios monótonos regidos por un programa vertical ─capitalismo disciplinario─ a un procesamiento automatizado sin individuos dentro de escenografías tecnológicas. Esta mutación gradual informática de la asociación moderna entre arquitectura e industria resulta bastante lejana a los intereses del racionalismo arquitectónico y sus primeros manifiestos constructivos legibles en fábricas como las de Behrens (1909) o Gropius (1911). El trabajo aún se asumía dentro de una lógica de ocupación por medio de cuerpos en presencia del espacio productivo. La utopía del diseño moderno es muy clara incluso en el socialismo militante de Hannes Meyer (1889-1954): Construir es un proceso biológico. Construir no es un proceso estético. La nueva vivienda, en su forma elemental, se convierte no solo en una máquina para habitar, sino también en un aparato biológico que satisface las necesidades del cuerpo y de la mente. Para la nueva construcción, los tiempos modernos ponen a disposición nuevos materiales de construcción. (96) 152 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 El programa arquitectónico y su expresión de referencias claras entre lo interno y externo, donde las máquinas son aún referentes utilitarios para una intervención tectónica regulada por recursos estructurales, pierde cada día su potencia creativa. En este contexto, la naturaleza especulativa del capital ha estimulado la generación de arquitecturas masivas desprovistas de identidad, estímulo o significado a pesar de los intentos de revaloración del usuario en la línea de Zevi a Venturi, Brown e Izenour (2015), pocas salidas se presentan más allá del deseo de materialización objetiva del conocimiento arquitectónico en términos de planeación y proyecto. Figura.1. Comparativa de las fábricas Fagus (1911), Turbinas AEG (1909) y la fábrica Tesla (2010). Fuente: Elaboración personal Dicho fenómeno es heredero de la llamada racionalidad instrumental emergente del siglo XIX, analizada por la teoría crítica frankfurtiana; esta ahondó en una versión decantada del industrialismo que ha sido analizada por Habermas (2002) como signo de una correspondencia sistémica no configurable, es decir, la irresuelta alineación entre mercado y arquitectura por medio DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 153 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión del binomio ciudad y tecnología. Y es que mientras arquitectura y ciudad se proyectan en un espacio de presencia por la modernidad, el capitalismo muta como todo sistema complejo y adaptativo a un organismo de base informacional cuyo centro no es la alineación entre sociedad y adaptación tecnológica, como pensaron economistas neo o ultraliberales, sino un proceso irregular desintegrativo de mercados, derechos de propiedad y relaciones trabajo–salario, conocido como poscapitalismo (Mason 2019). Uno de los fenómenos asociados a este proceso del poscapitalismo centrado en la tecnología es la incorporación de un nuevo tipo de máquinas en la arquitectura, no basadas en la materialización constructiva sino en la fabricación de entornos simulados destinados al embellecimiento o la promoción de ideales estéticos meramente visuales. En este fenómeno hay una ficcionalización arquitectónica cuya base es el desarrollo técnico de la producción imagológica y, por otro, un tipo de imaginario arquitectónico asociado muy limitado al ejercicio gráfico y la estimulación del consumo. Byung-Chul Han (2016), en su reflexión sobre el sentido de la belleza en la cultura digital, se interroga por este imaginario en específico, partiendo de lo que llama razón higiénica, una representación estética motivada por la transparencia y la información, en la cual lo pulido y lo terso se convierten en nuevos vectores de separación de aquello que la estética de la modernidad disoció entre lo bello y lo sublime. En la arquitectura, por ejemplo, vemos específicamente esta sustitución perceptiva en la apreciación de lo arquitectónico a través de las ideas positivadas por renders y publicidad inmobiliaria como productos económicos frente a la negatividad de lo sublime, encarnada como una forma de alteridad, 154 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 lo improductivo del pasado patrimonial. La cultura antigua hacía evidente la creación arquitectónica como un medio para encontrar una forma de realizar una expresión cósmica o existencial necesaria. De ahí que en la recuperación tratadística de la cultura clásica por el Quattrocento, uno de sus primeros referentes, León Battista Alberti (1992), dedicara amplias reflexiones también a la valoración de las ruinas del pasado como una forma pedagógica indispensable para el conocimiento de la disciplina en su décimo libro Operitium instauratio. Desde esta vía de recuperación de la memoria como parte de la producción arquitectural, Juhani Pallasmaa (1936) hace explícita la ausencia moderna de esta conexión entre lo imaginario unido por los impulsos de creación y transgresión, frente a emergentes ontológicos de la arquitectura: La autenticidad y la fuerza poética de un encuentro arquitectónico se basa en el lenguaje tectónico de la construcción y en la capacidad de comprensión del acto constructivo por nuestros sentidos. A la vez que un edificio nos habla del mundo a través de su metáfora corporeizada, nos cuenta también la historia de su construcción y de su origen, y entabla un diálogo con toda la historia de la arquitectura (159). En esta perspectiva, elementos como suelo, techos, paredes, puertas, ventanas, escaleras, mesas, baños y la vivienda misma son apelativos de acción y no entidades formales del diseño, obtienen su sentido del acto corporal de realización que sería cruzar un límite, un umbral, mirar con atención desde un punto específico que contacta presente y pasado de lo edificado. La positividad absoluta de lo bello arquitectónico moderno —resuelta en la DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 155 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión contemplación reflexiva que Kant (1724-1804) instauró al separar lo sublime como alteridad negativa y erigir la razón como refugio interior— no opera de manera universal, sino que responde a formas particulares de subjetividad que es necesario contextualizar históricamente. La cultura clásica no distinguía esta separación, ya que para Platón (2012) lo bello es el resultado de unir tanto lo divino como lo prodigioso bajo una conmoción, resultante de una apreciación ideal, sí, pero corporeizada. La belleza clásica busca una integración entre naturaleza y razón por medio de un arrebato o momento corpóreo en su relación con la naturaleza en forma divina. Lo bello se objetiva en la verdad captada en su cercanía a los dioses, mientras que la modernidad termina por transformar lo sublime en una alteridad por su papel conservativo frente a la fuerza omnipotente de la razón tecnológica. La reflexividad como forma de interrogar la naturaleza cede su potencia y entra en un ciclo de significado restaurativo o introspectivo. Por ello, Han (2016) define la subjetividad estética de lo moderno desde Kant como una gradual autoerotización, es decir, como una tendencia del sujeto al agrado sobre sí mismo (narcisismo) dado que lo bello como sentimiento no se enfoca en el objeto sublimado y corporeizado, sino en una expresión volcada hacia el interior de su racionalidad. ¿Cómo se constituye esta experiencia subjetivada en el fondo actual del imaginario arquitectónico? Desde la antigüedad al modernismo, la arquitectura ha buscado en la naturaleza tanto modelos formales o normas límite procedentes de la geometría o la proporción como fuentes de inspiración narrativa que representarían su dimensión mítica. Sin embargo, el lugar ilustra un aspecto que poco ha preocupado a la 156 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 disciplina en términos prácticos, la existencia de la naturaleza más allá de sus fines interventivos en el objeto como la manipulación del suelo o el aseguramiento del aire o la luz interior en los edificios (Ruy 2017). La naturaleza enfrenta ahora el reto de ser pensada en relación con la arquitectura desde una conciencia cada vez más aguda del lugar y sus implicaciones para el habitar. El objeto arquitectónico cede su centralidad al imaginario, y en los ambientes más proclives a abrazar la tecnología digital emerge un nuevo artefacto de belleza positivada; con él se anuncia el abandono de la ontología racionalista —legible en la historicidad del movimiento moderno— ante la crisis de la verdad y su deriva hacia el relativismo ético. Por ello, la simulación toma el relevo de la realidad arquitectónica que aspiraba a enfatizar los límites del objeto por una orientación en lo relacional. Pero, desde la simulación digital como ha señalado Han (2021), emerge el reto de la omnipresencia de la información y sus variantes de anulación de lo humano ¿Cómo puede responder la arquitectura a este reto emergente del simulacro y la contingencia? El habitar frente al reto de lo posthumano Richard Neutra (1958), desde la plena confianza en el proyecto moderno, proponía superar la paradoja entre lo estético y lo utilitario en arquitectura mediante un retorno a la naturaleza humana: su realismo biológico postulaba que el diseño debía partir de las condiciones innatas del organismo para restituir el vínculo entre cuerpo, espacio y bienestar. Sus pilares eran la autonomía, la técnica y la conciencia del arquitecto en el camino a un nuevo renacimiento, es decir, un humanismo en sentido estricto. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 157 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión El humanismo en su faceta teórica es un concepto que representa tanto capacidades morales y racionales como biológicas del hombre en términos teleológicos, orientados por un progreso constante basado en un modelo de civilización. En esta historia conceptual la razón crítica y autorreflexiva es parte indispensable del sujeto, su conciencia es positivada mientras su alteridad, lo irracional o sensualizado (sublimado) es representado por lo inhumano e inferior. Esta separación espacial intrínseca del humanismo, partiendo de límites específicos, posee una expresión territorial en todos los campos, sean geográficos, políticos o artísticos imponiéndose, en términos preconstituidos, como maquinaria dentro de una jerarquía apelativa a la autoridad y la acción en todo el espacio social (Hardt & Negri 2012). En arquitectura, esta lógica se traduce espacialmente en la convención centro-periferia: una estructura destinada a evidenciar la existencia de polos de producción hegemónica —Europa o ciudades globales— como fuentes activas de ideas y técnicas que se imponen como universales, frente a un tercer mundo reducido a receptor pasivo de las fuerzas globales de innovación extractiva. En esa línea hegemónica la arquitectura sería un mero objeto replicante de soluciones trazadas desde los centros globales y financieros a través de marcas e ideales de planeación, tal como la FIFA impone a los países aspirantes a ser sedes de los mundiales de futbol sus convenciones económicas, estéticas y estilísticas en forma monológica frente al entorno político, social y ambiental de los lugares. La línea reflexiva fenomenológica, al menos en el sentido proveniente del idealismo alemán a Husserl (2008), no parece aportar ya una solución visible desde la pura internalización subjetiva frente a la objetividad de lo perceptible, agotada en la limitación 158 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 del racionalismo universalista que este autor defendiera con pasión como un atributo esencial del humanismo europeo. Un nuevo reto de la intersubjetividad proviene del entendimiento social y político de la arquitectura y su práctica, este reto se articula como desafío en dos frentes: el de la experiencia social y política del arquitecto, por un lado, la constitución de una episteme en un sentido relacional y dinámico que potencie la importancia de la teoría más allá del reduccionismo lógico entre sujeto y objeto, por otro. En primera instancia, la reflexión fenomenológica aún tiene mucho que aportar si esa lectura se enmarca no desde el aspecto individual y abstracto de la subjetividad pura. Tal esfuerzo puede partir de una dosis adecuada de anti humanismo, permítanme aclarar esta expresión, enfatizando lo que la filósofa ítalo australiana Rosi Braidotti (2015) entiende como desconexión del agente humano desde una posición hegemónica, caracterizada por una antropología universalista, visible en el ideal del hombre vitruviano, desde la cual se instaura una convención normativa de lo humano, que sin ser negativa en su totalidad, termina privilegiando lamentablemente procesos instrumentales de exclusión y discriminación. En este ejercicio, el pensamiento posestructuralista —tanto la biopolítica foucaultiana y sus límites históricamente constituidos por el campo epistémico (Foucault, 1991), como el agenciamiento deleuziano en tanto capacidad de acción en marcos heterogéneos y diversos (Deleuze y Guattari, 2020)— plantea el reto de transformar la arquitectura a partir del reconocimiento de una antinomia constitutiva: la tensión entre humanismo y antihumanismo que cristaliza en lo posthumano como factor de emergencia. En este factor, quedan caracterizados tres grandes retos reflexivos crecientes que no debemos olvidar porque son el campo de una lucha por DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 159 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión demás actual (Braidotti 52): una filosofía moral de corte reactivo que busca la restauración del humanismo subjetivista, la tendencia analítica positivista análoga a los estudios empíricos estrictamente científico-tecnológicos y un posthumanismo crítico. Para fines del presente argumento, en arquitectura, estas posiciones serían representadas políticamente en figuras muy precisas: en la primera el pensamiento restaurativo y patrimonial que tiene su base en el universalismo abstracto, donde el centro se expone partiendo de identidades fijas, lugares esenciales y vínculos morales irrenunciables en torno a lo edificado. Para la segunda, desde el enfoque analítico y empirista bastante desarrollado en torno a una agenda política liberal, resalta el propósito de conexión entre sujeto humano y artefacto tecnológico positivado, de manera que se defiende una especie de panhumanidad, en la cual hay una invisibilización de la ciencia y la técnica como producción ideológica. Esta posición se encuentra representada en las mal llamadas arquitecturas inteligentes y los espacios coordinados en torno a sistemas artificiales. Esta postura no guarda ningún tipo de reacción frente a la especulación inmobiliaria y es un antagónico directo del subjetivismo restaurativo de la primera posición. Por último, el enfoque crítico del posthumanismo que trato de presentar como argumento reflexivo, partiendo del reconocimiento del fenómeno micro político en la arquitectura. En esta variante hay un conocimiento local de lo universal que se encuentra mediado por formas parciales de responsabilidad encarnadas, arraigadas e integradas colectivamente. En esta perspectiva, experiencia y acción se vuelven parte de complicidades nómadas en cada contexto o acciones específicas surgidas del lugar como infiere con mucho acierto Josep María Montaner (2014). El reto de lo posthumano en 160 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 la arquitectura, por ende, parte del reconocimiento de su expresión más básica: el habitar como relación individual y colectiva del lugar con sus habitantes. La crítica posthumana de la filósofa Braidotti (2015), por ejemplo, es profundamente consciente de su conexión con el habitar más allá de la posición heredada por el positivismo o el romanticismo en términos de liberalismo o revolución, caracterizada por conservaciones y rupturas radicales, abogando por una firme exposición en términos de localización y presencia. Traduciendo estas implicaciones al ámbito arquitectónico, podemos visibilizar a la cultura en particular como un puente hacia lo material de la técnica, pues la percepción empírica del objeto no se agota solo en el presente como inflaciona imaginariamente la utopía tecnológica administrativa. En la antropología de Radkowski (2002), el habitar humano y la presencia, articulados culturalmente, apuntan a una concienciación del tiempo. Esta conciencia se expresa mediante experiencias de ubicación, ordenamiento e interpretación activa que oscilan entre lo desconocido y la domesticidad. Dicha oscilación trasciende la mera distinción disciplinar entre interioridad y exterioridad del objeto arquitectónico —con su dinámica centroperiferia— para abrirse a un campo de transición en el que lo perdurable y lo transitorio coexisten como dimensiones simultáneas del significado. En sincronía con un concepto de transición significativa, la antropóloga Angela Giglia conecta el habitar con la espacialidad metropolitana, traduciendo al lugar como plurales “geográficamente delimitados, materialmente reconocibles y provistos de significados compartidos” (19). Compartir es precisamente una de las cuestiones medulares de la arquitectura, disciplina en la que la justificación DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 161 �Ramón Ramírez (UANL) / Arquitectura y reflexión de su práctica ha oscilado entre concebirla como instrumento de transformación colectiva —tal como sostenía Meyer (1972)— y reducirla a un sustituto tecnocrático de la acción política, postura que Le Corbusier sintetizó en la célebre disyuntiva “Arquitectura o revolución” (2006). Más allá de este panorama previo a la irrupción urbana radical de la posguerra, se desarrolla ahora un escenario en otra dirección a estas vías disociadas: metrópolis y multitud, como ha inferido Antonio Negri (2020), son el nuevo escenario de la expresión arquitectónica ante racionalismos y funcionalismos que se volvieron blandos y una reforma posmoderna que privilegia el mercantilismo. Los impulsos y flujos entre multitud y soledad, entre trabajo regulado y éxodo marginal, configuran el rostro y el reto de la realidad urbana actual: una realidad que se enfrenta a una imaginería de la transparencia —cristal y publicidad— que se concreta crecientemente en una psicoesfera regida por la compensación emocional tecnológica.. Ideales de lo pulido y terso explotan la condición imaginaria de entornos aislados bajo regulaciones de temperatura interior, muros de contención y sistemas de aislamiento sensitivo con programas de embellecimiento, donde se crea una recarga significativa del racionalismo maquinal a través de un nuevo mito minimalista. Las arquitecturas se vuelven réplicas de las líneas suaves del smartphone, donde Apple consuma el deseo de superficies ingrávidas y brillantes al tacto, mientras un Tesla dicta la apariencia análoga de una movilidad individualizada y electrónica pulimentada. La fantasía de interioridad sumergida que imaginó Don DeLillo en su novela Cosmópolis y plasmó en el cine David Cronenberg son la metáfora arquitectónica de una realidad sellada atómicamente en un espacio donde el diseño transforma un imperativo moral en una estética de 162 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-127 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 lo reconocible, es decir, la transformación de ideales ascéticos de lo moderno como voluntad y autocontrol subjetivo devenidos en una ideología vacía y una atmósfera de austeridad fingida a través de nuevas celebraciones arquitectónicas minimales como las obras de John Pawson o Peter Zumthor (Aureli, 2016). Empero, no hay que olvidar que cuando una metáfora se vuelve narrativa de aceptación unánime, adviene como expresión hegemónica del gusto. Hasta los narcotraficantes, otrora símbolos del mito rural, representado arquitectónicamente por su clasicismo descontextuado, han mutado a valoraciones autoperceptivas del buen gusto higiénico promovido por la tecnología. Ideales aspiracionales de un confort individualista que además se vuelve introspectivo y negado a enfrentar la necesidad de reconocer que en el habitar hay toda una realidad ambiental y social necesitada de un vínculo común, pues más que nunca la arquitectura se desarrolla en la emergente necesidad de autoconciencia de los territorios políticos, culturales, económicos, ambientales y hasta corporales que la entrecruzan. Obras citadas Agricola, Georgius. De Re Metallica. Martino Fine Books, 2014. Aristóteles. Arte poética / Arte retórica. Porrúa, 2005. ---. Ética Nicomáquea / Política. Porrúa, 2013. ---. Física. CreateSpace Independent Publishing Platform, 2015. ---. Política. Alianza, 2015. Aureli, Pier Vittorio. Menos es suficiente. Gustavo Gili, 2016. 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Este artículo explora el modo en que estos roles son abrazados y mantenidos, así como las narrativas que impulsan esta transmisión en la obra Fiebre en las gradas, de Nick Hornby, la cual describe la afición de su protagonista por el Arsenal Football Club y la forma en que el futbol ha permeado sus vínculos personales. Palabras clave: futbol, performatividad, cultura, consumo, afición. Abstract: Football is a scenario of cultural practices whose meaning lies solely in the phenomenon of sport, and these practices are crossed by a series of cultural, political, economic and social dimensions that 168 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 determine the configuration of discourses that the fans take as their own through performative roles. This article explores the way in which these roles are embraced and maintained, as well as the narratives that drive this transmission in Nick Hornby’s Fever Pitch, which describes its protagonist’s penchant for the Arsenal Football Club and the way in which football has permeated his personal ties. Keywords:football, performativity, culture, consumption, fans. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 169 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad La relación entre el futbol y la literatura históricamente ha tenido su cancha en la crónica, mediante la cual las acciones de los jugadores, que en tiempo real toman apenas unos segundos, se enmarcan en la mente social a la par que estos se convierten en mitologías populares. El escritor mexicano Juan Villoro (2019) describe que “la sustancia del presente es difusa, transitoria; muchas veces se nos escapa lo que está pasando, pero al evocarlo por escrito podemos lograr una captación del sentido poderosa”. De esta manera, la narrativa del deporte trae al presente el pasado y le atribuye nuevos significados. Del mismo modo, al volverse social el deporte es adquirido por las audiencias, lo reclaman como suyo, generan narrativas y adoptan roles que tienen validez dentro de ese espacio. En este sentido, la obra Fiebre en las gradas, del escritor inglés Nick Hornby, tiene grandes semejanzas con la crónica que caracteriza la escritura del deporte, pues en ella un narrador autobiográfico relata su íntima relación con el futbol, que más que un juego pasa a ser un modo de convivencia entre los hinchas del Arsenal Football Club. La novela, que entrelaza su género con la crónica deportiva y la memoria, fue publicada originalmente en inglés en el año de 1992 por Victor Gollancz Ltd. En esta obra el autor prolonga su relación con el futbol y la extiende hacia los diferentes aspectos de su vida privada, por lo que el balompié llega a convertirse en la atmósfera que impregna los hechos que relata Hornby. La estructura del libro es similar a una autobiografía, aunque al tratarse de un ejercicio más literario que testimonial se le ha relacionado con la novela y la autoficción, como señala el académico polaco Michał Mazurkiewicz (2022). Estos aspectos literarios son claramente visibles desde el momento en que la vida de este protagonista sin nombre se narra, moldeado por la vida del propio 170 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Nick Hornby, a partir de episodios relacionados con el Arsenal FC, involucrando aspectos como sus amigos de la infancia, su vínculo con su padre, quien lo introdujo al futbol, los boy scouts, la separación de sus padres, sus novias, etc. El detalle que une a toda esta vida es la pasión por el futbol y la experiencia de la afición como forma de vida. Desde su lanzamiento, el libro ha trascendido la recepción esperada por las audiencias y los críticos, y representa uno de los éxitos más grandes de su autor. El año de su lanzamiento ganó el premio William Hill Sports Book of the Year e inspiró una película del mismo nombre, estrenada en 1997, con el actor británico Colin Firth en el rol protagónico. Desde entonces ha vendido más de un millón de copias en el Reino Unido, al punto en que la editorial Penguin lo reconoció como uno de los clásicos modernos de la editorial en 2012. No obstante, el análisis de esta obra no solo corresponde a su popularidad y su vigencia, sino que mediante una interpretación de los elementos que la componen se visualiza un carácter casi universal en la cultura del deporte, al mismo tiempo que todos los países lo proclaman como propio de su identidad, hasta el punto en que los equipos se vuelven representantes de sus naciones. En parte la literatura futbolística ha quedado relegada a este género dado el prejuicio académico que tiene la literaturización del deporte. Sin embargo, en Hispanoamérica obras como El futbol a sol y sombra (1995), de Eduardo Galeano; Dios es redondo (2006), de Juan Villoro; la saga infantil de Sara y las goleadoras, de Laura Gallego García y Laia López; y la novela 13 (2021), de Andrea Menéndez Faya, entre otras, demuestran un interés por capturar esta experiencia mediante la escritura, muchas veces empleando una voz íntima que habla del futbol como una forma de relacionarse con el mundo, o bien, como un espacio donde convergen las relaciones sociales. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 171 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad Asimismo, es imposible omitir que la pertenencia del deporte en una cultura de masas ha afectado la recepción de este tema dentro de los círculos intelectuales. Desde esta perspectiva, se demerita el deporte por los mecanismos de donde procede, el modo en que los medios han propagado una cultura en torno a él y su aceptación entre la gente; sin embargo, son estos mismos factores los que deberían generar un interés académico en esta literatura. Tal como la obra de Hornby, la narración del futbol se convierte en una crónica de las identidades y cómo estas llegan a configurarse. Dentro de este esquema, se entiende al deporte como una “sociedad” que establece sus propias reglas, roles y modos de convivencia, es decir, que quienes forman parte de esta red deben adaptarse a una actuación que los clasifica como hinchas u opositores, al mismo tiempo que esta cultura valida los discursos que transitan fuera de ella. Para explicar esta conceptualización, el análisis retoma la teoría de Pierre Bourdieu (2015), en particular su noción del habitus, ya que explica cómo gente de entornos sociales similares, como el trabajo o la educación, comparte perspectivas parecidas del mundo, la cultura, la belleza, o en este caso, el deporte. De igual manera, el concepto sirve para indicar cómo todo aquello que es diferente, la otredad, puede recaer en una sola figura, sobre la cual la afición puede ceñirse por completo. Por otro lado, figuras como Umberto Eco y José Ortega y Gasset se han expresado al respecto; sin embargo, dentro de los autores que más sirven para los propósitos de este análisis está el sociólogo Pierre Bourdieu (2015) en su planteamiento el habitus y visión del deporte, así como la antropóloga Claudia Briones (2007), quien habla de la performatividad de las identidades sociales, mientras que Fernando Carrión Mena (2006) habla del futbol como 172 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 un proceso en el que se construyen identidades y se trata de uno de los mayores expertos en el rol social que cumple el deporte y la configuración de sus hinchas. Asimismo, otros autores como Luis Alejandro Díaz Zuluaga (2014), Roberto Deniz Machín (2003) y Santiago Flores ÁlvarezOssorio (2015) también mencionan las dinámicas sociales del futbol y su relación particular con la literatura. Estas perspectivas sirven para ubicar la posición de la novela dentro de un conjunto de textos internacionales que, a pesar de compartir un mismo tema, parecen proceder de tradiciones y memorias culturales diferentes, aunque el modo de expresarlas sea similar (véase la mitificación de los jugadores o la importancia del futbol para generar espacios de encuentro social). Para una puntualización previa del concepto de performatividad aquí analizado, se toma como base la perspectiva de la antropóloga argentina Claudia Briones (2007). De acuerdo con la investigadora, la performatividad es un modo de actuar y desenvolverse en el mundo desde una condición contextual, un rol o una dinámica que debe cumplirse para formar parte del grupo, y en el proceso, el individuo deberá aceptar como suyos una base de lineamientos que delimitan la extensión y modo de dicho desenvolvimiento, por lo general, a partir de una serie de prácticas ajenas de significación que se vuelven propias. Para la autora, esta articulación de la identidad dentro de los sujetos se da bajo circunstancias impuestas. En resumidas cuentas, el propósito de este trabajo es analizar la manera en que los sujetos de la novela Fiebre en las gradas se adaptan a la sociedad del futbol y aprehenden sus conceptos para generar nuevas identidades performativas, que existen dentro de los DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 173 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad parámetros de esta convivencia. Para realizar este objetivo se recurre al enfoque cualitativo que, de acuerdo con Roberto Hernández Sampieri, Carlos Fernández Collado y Pilar Baptista Lucio (2010), implica una valoración constante de la información que surge en el proceso de análisis e investigación, a la vez que los datos que se disponen son susceptibles a una diversidad de interpretaciones, pues describen realidad que escapan de la materialidad. De esta manera, las tres fases del trabajo abarcan, respectivamente, la función del futbol como espacio discursivo y el concepto que este análisis introduce —el de la “sociedad del futbol”— para explicar el entorno donde se desenvuelve la fanaticada; posteriormente se plantea el impacto de las barras en la constitución de los hinchas del deporte, y, finalmente, la noción del futbol como cultura de masas, sin omitir la presencia de estos aspectos en la obra de Nick Hornby y la interpretación que hace el protagonista del mundo futbolístico. El futbol como sociedad y espacio discursivo Fiebre en las gradas es un libro que describe la relación entre el futbol y las relaciones humanas desde la perspectiva de su narrador intradiegético, pero también puntualiza cómo se dan estas relaciones en el contexto del futbol. Se genera una “sociedad del futbol” en tanto las personas comparten identidades y discursos que guardan similitudes a pesar de la multitud de sus contextos. En la obra, los hinchas suelen tener ocupaciones distintas, el propio narrador es un profesor; sin embargo, no solo comparten un mismo espacio al momento de hablar del futbol o de asistir a los estadios, sino que quedan liberados de los filtros lingüísticos y psicológicos por los que pasan los aficionados en sus contextos normales. 174 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 En el primer capítulo, “Debut en casa”, el narrador se sorprende de que la afición sea más interesante que el juego en sí, pues es esta quien difunde la narrativa del juego, que es el verdadero espectáculo del deporte. La cancha es un cruce mutuo entre la dinámica de “nosotros” contra “los otros”, es decir, hay un proceso de identificación e interpretación de la realidad al generar conceptos con base en grupos y llevarlos a los equipos en disputa. De todos modos, no fue la nutrida multitud lo que más me impresionó, ni tampoco fue que los adultos gozasen de absoluta libertad para gritar insultos como “¡SOPLAPOLLAS!” a voz en cuello y sin llamar demasiado la atención de los demás. Lo que más me impresionó fue sin duda que muchos de los hombres que estaban a mi alrededor detestaban, odiaban de veras estar allí. (7) Desde la postura del libro, la convivencia en el deporte se maneja por medio de una serie de interacciones en que las personas realizan un acto performativo, es decir, una actuación consecuente a un rol asignado a la vez que estas actuaciones son validadas por los interlocutores, como apunta Briones (2007). De esta manera, los fanáticos parece ser quienes más desprecian el futbol, pero esto se debe a que este desprecio es la forma en que ellos más lo disfrutan y su modo predeterminado de convivencia. El futbol vivido desde la afición es una exaltación de las emociones que no suelen reflejarse en el diario vivir, por lo que los insultos se vuelven expresiones frecuentes e incluso esperadas al ver a los jugadores. Es parte de la narrativa del deporte, ya que esta exaltación hace que el juego trascienda el hecho y se convierta en una experiencia compartida. A su vez, al acuñar el término aquí introducido de “sociedad del futbol” se implica una noción del balompié como un entorno paralelo al de la comunidad, su DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 175 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad propia dimensión generadora y difusora de discursos, que pueden entenderse desde la identidad de sus aficionados, sobre todo al señalar a los equipos de futbol como entes representativos de un bando o sector poblacional específico. En este sentido, tan solo el Atlante en México tiene como apodo “el equipo del pueblo”, mientras que el Cruz Azul es “la máquina cementera” porque nació de los trabajadores de una compañía fabricante de cemento, misma razón por la que los jugadores del Necaxa son “los electricistas”. Del mismo modo, el equipo inglés de la obra también apela a su origen obrero con el sobrenombre “The Gunners”, pues sus primeros jugadores trabajaban en la fábrica de armas Royal Arsenal de Woolwich. Más allá del dinero invertido en el fenómeno global que es el futbol, los equipos no han dejado de buscar a los sujetos que les han dado sentido, por lo que no solo buscan identificarse con la clase social de sus hinchas, sino que estos a su vez se identifican en sus héroes de la cancha. Asimismo, esta forma de convivencia tiene sus propias reglas, las cuales todos los aficionados siguen, como nota el protagonista luego de una pequeña victoria del Arsenal: “¿Cómo podían celebrar los jugadores un gol, después del modo en que se habían humillado (y me habían humillado a mí), tan solo siete días antes?” (15). La respuesta está en el carácter performativo de la afición, que el narrador parece no entender en otros momentos de la obra: “Durante mi primera temporada como hincha del Arsenal, me habían traicionado mi madre, mi padre, los jugadores y los hinchas del equipo” (15). Lo cierto es que en la novela esta sociedad del futbol es universalmente compartida y las reacciones de los aficionados son colectivas, pero es tan efímera como las enardecidas emociones de los hinchas. 176 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Las victorias son triunfos absolutos sin importar qué tan pequeñas sean o en qué condiciones se den, como se queja el protagonista, y todas las derrotas son humillantes y por lo general desencadenan un pesimismo que poco después se convierte en esperanza. La identificación personal de los hinchas con el juego es vital para que se den estas reacciones, pues mientras dure la experiencia del futbol el aficionado vuelca todo su ser en quienes lo representan en la cancha, que de acuerdo con Xavier Brito Alvarado y Santiago Vayas Castro (2022) se convierte en un campo de batalla donde se liberan las tensiones de los fanáticos, mientras que estos reaccionan como si pelearan al lado de sus ídolos futbolísticos y los comandaran hacia una hipotética victoria. Durante el juego, el hincha se siente uno más en las filas del equipo, pero como espectador reconoce su propia impotencia ante el resultado del partido, lo que aumenta el peso de la derrota. En este sentido, Fernando Carrión Mena (2006) describe al futbol como un hecho total, es decir, que atraviesa cada uno de los componentes de las relaciones humanas en todas sus dimensiones, como la economía, la cultura o la política. En la obra, el contexto de los aficionados y su nivel educativo no determinan su lugar, porque no se manejan bajo la jerarquía social tradicional, sino por aquella que exige el deporte en tanto se abre paso a la interacción social con el futbol como tema principal. Por su parte, Santiago Flores Álvarez-Ossorio (2015) argumenta que el futbol es una gloria ficticia a la que las personas dedican su tiempo de ocio ante la necesidad de fe. En los jugadores se refleja una esperanza imposible fuera de los márgenes del deporte, pero simbólicamente estos conglomeran una serie de valores y aspiraciones de triunfo que pueden vincularse a las prácticas fuera DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 177 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad del ocio, en pocas palabras, se vuelven verdaderos héroes populares. El libro de Nick Hornby tampoco evita esta noción nostálgica de los jugadores históricos, por lo que además de jugadores contemporáneos para el narrador, como Ian Wright o Nigel Williams, descritos con menor esperanza, se mencionan los goles y juegos legendarios de figuras como Tom Finney, Kevin Keegan, Gordon Banks, e incluso a Gus Caesar, a quien defiende de su caída, así como a los irlandeses David O’Leary y Theo Foley, entre otros, a quienes describe con metáforas que extienden su fuerza, lo que los convierte en héroes más allá de los límites humanos: Jugadores fenomenales, como Waddle y Gascoigne, Hoddle y Marsh, Currie y Bowles, George y Hudson, futbolistas cuyas virtudes son tal vez delicadas, difíciles de encarrilar, pero mucho más valiosas que las de un par de caballos trotones dispuestos a correr sin parar. (17). En los jugadores convergen narrativas generadas y fomentadas por distintos grupos afines al equipo, como las barras bravas en Latinoamérica (grupos organizados de hinchas, como Libres y Lokos para Tigres, La Sangre Azul en el caso del Cruz Azul, La Adicción para Rayados o La Masakr3 que sigue a los equipos de Tijuana). El personaje principal de Fiebre en las gradas reconoce al hincha que fomenta estas ideas como un ser contradictorio, pero también lo defiende como un ser comprometido en busca de significado, el cual se halla en la victoria que justifica las penas del camino. Bajo las narrativas de los jugadores, como señala ÁlvarezOssorio (2015), los delanteros son protagonistas indiscutidos, la ofensiva en quienes depende la victoria activa enmarcada por un 178 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 gol gritado a todo pulmón, mientras que los jugadores defensivos son héroes secundarios, el soporte que hace más grandes a los guerreros de la cancha. Por otro lado, figuras internacionales aunque periféricas en el protagonismo en la cancha, como Pierluigi Collina u Oliver Kahn, destacan y se vuelven memorables por evocar la narrativa del juego justo, la disciplina perfeccionista y la dedicación absoluta al juego. Este seguimiento a los jugadores es más diverso, pero sus historias y discursos forman parte del todo que se refleja en la identidad del equipo. Desde esta narrativa destacan las palabras de Roberto Deniz (2003), en cuyo análisis alude al carácter mítico de los discursos del futbol. Para el periodista venezolano, el futbol tiene la capacidad de evocar las sensaciones más recónditas en su afición a través de una expresividad considerable en todos sus aspectos, de esta manera, “la puesta en escena de un juego puede resultar o resumir los sentimientos más hondos del ser humano como la esperanza, la lucha, el miedo de enfrentar un destino incierto, la victoria y el dolor por la derrota” (51-52). Este compromiso del hincha con el equipo se ve puesto a prueba durante la obra de Nick Hornby, especialmente una vez que al optimismo de las victorias le sigue la decepción de las derrotas y la apatía del equipo en sí: “En la experiencia de ser del Arsenal desempeña un papel importante el hecho de ser detestado por el resto del mundo” (191). No obstante, la pasión del protagonista hacia el Arsenal contempla que todavía quede mucho camino para la luz al final del túnel, y a pesar de sus críticas al equipo, estas vienen de la noción de que podría ser mejor. Por otro lado, Carrión Mena (2006) traslada la cuestión identitaria a un enfoque sociocultural. La institución en sí de un equipo nacional es el fortalecimiento de un símbolo patrio que se DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 179 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad defiende en el extranjero con cada partido. Cada victoria tiene un impacto en la moral colectiva de un país y lo mismo sucede con cada derrota. También en Fiebre en las gradas el futbol es un espacio simbólico. Un ejemplo de esta noción es cómo el descubrimiento del juego en los primeros capítulos es también el inicio de un vínculo estrecho del protagonista con su padre, y cuando en la madurez esta relación empieza a pasar por complicaciones, como el divorcio y la introducción de una figura ajena que reemplaza a la madre como es la madrastra en la obra, el narrador discute sobre el propósito del juego y la serie de derrotas que empieza a sufrir el Arsenal. De cualquier modo, el futbol se convierte para el personaje principal en una firma de despejarse de su realidad, pero también el deporte refleja la vida personal del aficionado. Desde esta perspectiva, los roles que se establecen respecto al fenómeno futbolístico atraviesan múltiples jerarquías basadas en la interacción social. Las formas en que los hinchas de un equipo se tratan entre sí y vituperan a los otros son prácticas culturales con repercusiones sociales. El fanatismo hacia un equipo se vuelve un modo de valorar al otro, se refuerza su alteridad. El investigador describe, de modo muy general, la configuración de las identidades en la sociedad del futbol: El futbol es un sistema de relaciones y representaciones que produce una integración simbólica de la población alrededor de los múltiples componentes que contiene, produce o atrae; sea a partir de la práctica deportiva como de las esferas que le rodean directa o indirectamente. La integración simbólica se construye a través de las prácticas y mensajes que genera el futbol en el contexto de una pluralidad de ámbitos cambiantes. (117). El fanatismo surge de un sentido de pertenencia a través de múltiples narrativas, las del jugador (como se ha mencionado) 180 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 o las que se basan, metonímicamente, en las instituciones que promocionan el deporte, como sucede al trasladarse la identidad universitaria a sus equipos y selecciones particulares, entre otros tipos de relaciones que estudia Carrión Mena (2006). Asimismo, esta identificación es colectiva, pues sus elementos son plurales y simultáneos, al mismo tiempo que están representados dentro de un espacio público, lo que genera una relativa homogeneización. Así como en la obra de Hornby los hinchas del Arsenal pueden tener vidas diferentes, aunque todos son de la clase trabajadora, pero mirando un partido de futbol pueden actuar al unísono en enormes estallidos fluctuantes de emoción. Ser hincha en el contexto futbolístico El aspecto que une todos los capítulos que conforman la vida del protagonista es el futbol, pero más que el deporte es la afición al Arsenal FC. El origen del equipo, cuya franquicia busca recalcar, liga a sus hinchas a identificarse con él, pero también genera expectativas sobre estos aficionados, lo que a su vez crea estereotipos de una afición. En el futbol, tomando como base la obra de Nick Hornby, la gente adopta el espectáculo y lo reclama como suyo; sin embargo, a esta relación entre los hinchas y el juego la atraviesan dimensiones históricas, económicas y culturales que sobrepasan a los mismos sujetos implicados, sean los aficionados o los jugadores. Para explicar este punto es necesario discutir la relación del concepto de habitus con el desarrollo de la afición, pues para Pierre Bourdieu (2015) este término no solo determina la raíz del conflicto en las clases sociales, sino que reconoce la presencia de mecanismos perpetuados en los procesos de identificación por los cuales los sujetos pasan a formar parte de un colectivo. Desde su formulación, DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 181 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad el habitus sirve para estudiar la relación de los sujetos con su entorno y el modo en que este vínculo determina la aceptación de un esquema de conducta y pensamiento. Así, en la afición se implica que la pasión de los hinchas corresponde a un contexto compartido. Es por el habitus que gente de entornos sociales similares, como el trabajo o la educación, comparte perspectivas parecidas del mundo, la cultura y la belleza. En el deporte, como señala Bourdieu, el concepto de fair play es una regla de acuerdo común, vinculada a las asociaciones juveniles, en gran parte aristocráticas, que se apropiaron del deporte y lo reglamentaron y le dieron forma hasta que volvieron a ser populares. Este fue el momento en que, además de lograr que el deporte se volviera un espectáculo para las masas, también nacieron los hinchas. En palabras de Pierre Bourdieu: “el deporte, nacido de verdaderos juegos populares, es decir, juegos producidos por el pueblo, que retornan al pueblo, como la ‘música popular’, en forma de espectáculos producidos para el pueblo” (174). De este modo, la identificación de los aficionados del Arsenal FC y su carácter obrero pasa de lado todas las estructuras económicas que devienen en la composición de un equipo de alto valor financiero (2.6 mil millones de dólares según Forbes en 2024), con presencia internacional y productos fabricados en masa para su uso y colección por miles de aficionados no solo en Inglaterra, sino en todo el mundo. En la obra, el protagonista lidia constantemente con la aparente banalidad de su dedicación al futbol, por lo que en sus monólogos este personaje revela una universalidad en la convivencia del futbol: “El futbol tiene fama de ser el deporte del pueblo llano, y por eso mismo está expuesto a toda clase de personas que no son, por así decir, del pueblo llano” (72). Es decir, los hinchas de 182 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 un equipo no corresponden necesariamente a un mismo sector social, si bien se identifican en el origen obrero del equipo, pues los aficionados pueden provenir de contextos distintos o tener diferentes motivaciones para portar los colores de su equipo. Sin embargo, a pesar de que la pasión por el futbol tenga una gran relevancia personal, el actuar de los hinchas en el juego no suele representar cómo se desenvuelven en otros ámbitos de su vida cotidiana: A unos les gusta porque en el fondo son unos socialistas sentimentales, platónicos; a otros, porque fueron a un colegio privado y lo lamentan; a otros, porque su oficio —escritor, locutor de radio, ejecutivo de una agencia publicitaria— los ha llevado muy lejos del lugar al que están convencidos de pertenecer, o bien del que proceden, y así el futbol les parece una vía rápida e indolora de volver allí (72). No obstante, al hablar de futbol hay un habitus que se rompe al ser una pasión compartida, como si todos los hablantes, a pesar de las condiciones particulares de su discurso y desenvolvimiento social, se hallaran dentro de un mismo contexto al hablar de futbol. De este modo, las personas que se vuelven hinchas no deberían tener este interés bajo el concepto del habitus, pero lo que sucede en Fiebre en las gradas es que estos sujetos, al convertirse en hinchas dentro de la sociedad del futbol y el discurso deportivo, se identifican con un mismo contexto, el que les presenta la narrativa de su equipo. Por otro lado, a pesar de la enorme cantidad de mujeres fanáticas del deporte, el futbol conserva un matiz discursivo que lo acerca a la masculinidad tradicional. Los equipos femeniles tienden a ser contemplados como agrupaciones afiliadas a los varoniles, que son los más populares y reciben mayor financiamiento y apoyo, del mismo modo que esta masculinidad entra dentro de las expectativas DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 183 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad de cómo se comporta la afición. Los insultos, las amenazas y la posibilidad constante de un acto de violencia son algunos de los elementos que componen el rol del aficionado, de hecho, adquieren sentido y validez cuando se hace dentro del contexto de esta sociedad del futbol. De alguna forma, la masculinidad ha adquirido un sentido más específico, menos abstracto que la feminidad. Muchas personas parece que contemplan la feminidad como una cualidad; en cambio, según gran número de hombres y mujeres por igual, la masculinidad es un conjunto común de suposiciones y de valores que los hombres pueden aceptar o rechazar. ¿Te gusta el futbol? Entonces también te tiene que gustar la música soul, la cerveza, soltarle un sopapo a otro, sobarle las tetas a las mujeres, el dinero. (56). Así, el rol que se espera del hincha es una serie de gustos, acciones y conductas asociadas a la masculinidad hegemónica. Principalmente, son valoraciones que no tendrían lugar en otros espacios sociales compartidos salvo en el futbol. Desde otra perspectiva, la antes mencionada cualidad totalizadora de las identidades colectivas puede verse en el futbol por medio de las barras, como las define Ortiz Brizuela (2013), aficionados patrocinados por clubes deportivos y empresas, de tal modo que las prácticas sociales de los fanáticos quedan condicionadas por ejes controlados desde la propia industria, lo cual remite tanto a la visión bourdiana del deporte como un fenómeno tomado y devuelto a las clases populares como a la definición ya mencionada de cultura popular, fortaleciendo la idea del espectáculo deportivo como un aparato atravesado por condiciones y discursos sociales. 184 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 La representación a la que lleva la performatividad es otro tema de interés, pues requiere de un aprendizaje que el ser cultural adopta como propio. En este aparato de representación social se vinculan entre sí una serie de conceptos, actitudes, perspectivas, imágenes y modos valorativos de entender el mundo que son compartidas por un grupo autodefinido como tal y reconocido por los otros, mayormente como adversarios. Así, las representaciones sociales se comparten, y para una unión entre las partes se requiere de un significante en el cual los individuos puedan identificarse a sí mismos (Plaza Martín & Larrauri Olguín). Para el narrador de la obra, el contrincante no es más que el obstáculo que enfrentará el Arsenal para llegar a una cifra que permita su ascenso, pero reconoce que para el hincha las derrotas tienen un valor personal, como si a través del equipo se humillara a sí mismo, y en muchos casos refleja su frustración en una furia conflictiva: Es una extraña paradoja: así como la tristeza del hincha (y es una tristeza de verdad) es privada —todos tenemos una relación individual con nuestro equipo, y creo que en secreto pensamos que ningún otro hincha entiende a fondo por qué hemos sido golpeados con más dureza que cualquier otro—, estamos sin embargo obligados a dolemos en público, rodeados por personas cuyas heridas se expresan de manera distinta que las nuestras. Muchos hinchas dan rienda suelta a su cólera, ya sea contra su equipo o contra los hinchas del adversario: es una manifestación de furia auténticamente malsonante, que a mí me fastidia y me apena. (82) Finalmente, la performatividad del balompié está en los roles que los individuos, en calidad de actantes, deben cumplir como parte de la sociedad del futbol y las actitudes que internalizan y expresan en los espacios particulares del deporte, que pueden estar dentro y DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 185 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad fuera de los estadios. El mismo protagonista señala la importancia de los bares, las conversaciones casuales, la radio y la televisión como espacios que propician el debate futbolístico. De este modo, en este circuito las identidades son las narrativas que dan lugar al performance que realizan los sujetos, convertidos en hinchas, y justifican los discursos de sus equipos: el Arsenal, siendo el décimo equipo con mayor valor económico en el mundo, mantiene su identidad obrera, porque son obreros quienes lo siguen y portan sus colores en todos sus partidos. La sociedad del futbol como cultura de masas Por su carácter popular, el futbol, tanto en México como en el mundo, ha representado la expresión más común de una cultura de entretenimiento de masas. El concepto de la “cultura de masas” ha sido abordado desde distintas corrientes de pensamiento, como la Escuela de Frankfurt, el estructuralismo comunicativo o la semiología de Charles Sanders Peirce, como afirma la investigadora española Blanca Muñoz (2004), las cuales coinciden en un mismo punto, que es la importancia del consumo. Esta cultura de masas corresponde a la expresión semiótica de una sociedad que ha centrado su actividad en el consumo constante, y sus imágenes corresponden a la dirección de los mass media. Tal relación, a su vez, genera una paradoja que la misma autora menciona: “la latencia de lo primitivo y de los mitológico bajo estructuras tecnológicas y colectivas sofisticadas” (12). Es decir, expresa valores irracionales, pero requiere de instrumentos racionales para comprenderse. Desde su narrador, Hornby admite que el hincha promedio que participa en las barras es de clase trabajadora y su educación es precaria, pero para existir depende de 186 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 un complejo sistema de relaciones capitalistas, como la exclusividad contractual para transmitir eventos deportivos, estrategias de marketing establecidas a partir de minuciosos análisis de datos e innovaciones tecnológicas que permitan ver el partido en tiempo real bajo programas de pago. Detrás del carácter popular del deporte y su ideología, hay una fuerte maquinaria mercantil que busca perpetuar esta popularidad. Asimismo, el planteamiento que se desarrolla aquí genera una pregunta secundaria, ¿de qué manera el futbol genera cultura? Bourdieu (2015) señala que desde la escuela se genera una disposición particular hacia el mundo social y el lenguaje, ahí las personas se distancian de la realidad y generan una propia. Para el sociólogo francés, esta situación explicaba el desarrollo del fair play como concepto que surgió dentro de las academias burguesas, pero también da una idea sobre cómo desde la educación se conciben modos de convivencia particulares que se reflejarán en la vida adulta. En la obra de Hornby, la escuela ya es un sitio donde el futbol aparece como norma de convivencia, es un tema de conversación recurrente, compartido por alumnos y maestros: Los beneficios que tenía en el colegio el ser aficionado al futbol eran sencillamente incalculables (aunque el profesor de educación física fuera un galés que intentó en una memorable ocasión prohibirnos dar patadas a un balón redondo incluso en casa): puede que la mitad de mis compañeros, y posiblemente una cuarta parte del personal docente, fueran entusiastas aficionados al futbol. (10) Por otro lado, este carácter distante del deporte con el mundo fuera de él permitió que el juego se racionalizara, adquiriera reglas específicas y pudiera institucionalizarse, e incluso con mayor DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 187 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad intención, volverse un producto comercial. En este aspecto, vale la pena resaltar nuevamente el papel que han tenido los medios masivos, tomando como consideración lo que hace el sistema de consumo con los jugadores. Para Francisco Salazar Sotelo (1991), la cultura es el resultado de una dinámica que responde a las necesidades de un colectivo, por lo que está vinculada a la organización política y al modelo económico imperante. De esta manera, una cultura de consumo es el producto de un sistema económico basado en el consumo, por lo que elementos populares y comerciales como el futbol, así como toda la cultura generada en torno a los ídolos de la cancha (o del Arsenal), proceden de la estrategia mercantil. Regresando a jugadores como Tom Finney, Theo Foley o Gordon Banks, estos se presentan como parte de la memoria popular, pero su valor se mide en el dinero. Toda su figura es un producto de mercado. No obstante, esta noción no deja que pierdan su carácter popular incluso ante el conocimiento de esta dinámica, ya que incluso si surgen del pueblo y regresan a él, el pueblo sigue apropiándose de su imagen. Los siguen utilizando. No solo los consumen, sino que los han interpretado como héroes populares y, como tales, sus hazañas pasan de generación en generación. El protagonista de Fiebre en las gradas nunca vio los partidos de Bobby Charlton, Denis Law o George Best, pero a través de la memoria de sus padres y la pasión inculcada por el futbol no desafía sus hazañas en la década de 1960, las cuales son recordados como la Santísima Trinidad del futbol británico. De modo similar, como señala Pablo Alabarces (2014) en Héroes, machos y patriotas: el futbol entre la violencia y los medios, los acontecimientos de la cancha se transforman en triunfos o derrotas 188 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 de la historia local. A pesar de que el autor se refiere al relato de los pueblos latinoamericanos, la misma percepción histórica se maneja en Fiebre en las gradas cuando, por ejemplo, el protagonista habla del annus mirabilis de los Gunners en 1971: “la mejor temporada de Arsenal en lo que va de siglo” (28). Por la forma en que estos partidos son recordados, su resultado ya no es solo una interpretación del desempeño del equipo o de la capacidad de los jugadores, sino un hecho fáctico por sí mismo e invaluable para los fanáticos: Charlie George marcó el único gol de la tarde y el Arsenal se puso en cabeza de la clasificación por vez primera en toda la temporada. El regalo que recibí aquella tarde no tenía precio: era como la paz en el mundo o el fin de la pobreza en el Tercer Mundo, algo que nadie podría comprar ni siquiera con un millón de libras; a menos que mi padre hubiese untado al árbitro de aquel partido en campo del Leeds por un millón de libras, que es la única explicación que me cuadra si pretendo entender algunas de las decisiones que tomó aquella tarde. (29). La exageración es parte del consumo de los aficionados. Autores como Juan Villoro (2024) han reconocido el valor narrativo del deporte, en gran medida gracias a la inventiva de cronistas, comentaristas y los propios aficionados, quienes reproducen el viaje del balón no solo como un hecho informativo, sino como una historia que busca reproducir las emociones de la cancha. Dentro de sus labores performativas, el hincha debe además contribuir a la mitología de su consumo. Asimismo, el valor económico de los jugadores se esconde en la reapropiación popular del fenómeno futbolístico, pero para que estos regresen al pueblo debe justificarse su heroísmo en una narrativa superior a la del hecho real. De esta manera, para los aficionados, los jugadores son representaciones de DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 189 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad un ideal narrativo en la cancha, mientras que para las empresas que patrocinan el deporte se han convertido en verdaderas marcas. Tan solo en 2023 el Arsenal FC, un equipo orgulloso de su origen obrero, fichó al londinense Declan Rice por más de 120 millones de euros, el más caro en la historia de la Premier League (Mayone). Así, la cultura de consumo consigue, por medio del deporte, presentarse como un elemento legítimo de la identidad social, a la vez que el espacio por el que pasan estas relaciones es la sociedad performativa del futbol que define este trabajo. Finalmente, queda por resolver cómo se sostiene la relación entre esta cultura de masas que se ha creado en torno al deporte y el pensamiento intelectual que continúa debatiéndose su relación con este fenómeno. Es un encuentro entre lo racional y lo irracional que atraviesa distintas dimensiones, como la relación entre la sociedad del futbol y la realidad del entorno, o bien, los propios vínculos que unen al protagonista sin nombre de Hornby con la fanaticada. El personaje de Fiebre en las gradas es diferente al del resto de aficionados del Arsenal FC, pues desde su perspectiva como intelectual posee los medios tanto para defender como para criticar el conjunto de dinámicas sociales que es la sociedad del futbol. Autores como Alabarces (2014) mencionan la analogía intelectual del futbol como opio del pueblo, en reemplazo de la religión que postulaba Marx. Para el sociólogo argentino, el deporte y el juego son áreas de desarrollo y recreación popular libres del control institucional e intelectual, por lo que ante la falta de dominio estos agentes culturales reaccionan en rechazo. Lo cierto, es que este conjunto de dinámicas son un hecho real con un impacto observable tanto en los fenómenos sociales contemporáneos como en sus representaciones artísticas y literarias. 190 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Conclusiones Fiebre en las gradas es una obra hecha a representación de las distintas relaciones que conforman el fenómeno futbolístico. El relato de Nick Hornby, aunque ubicado en Reino Unido y con la descripción de un equipo extranjero, no es muy distinto al estado del deporte en Latinoamérica. Los prejuicios hacia los hinchas, la manera en que estos generan narraciones superiores a los eventos de la cancha y la cultura de consumo en torno al deporte son fenómenos que han sido descritos por autores más locales, fuera de las páginas del escritor inglés. Esta comparación permite leer su obra no solo como la historia de un vínculo personal con el Arsenal FC, sino del aficionado con su equipo favorito, así como las acciones y roles que desempeña para demostrar su pasión. El concepto de la sociedad del futbol, aquí desarrollado, posiciona al deporte como una dimensión enunciativa a la altura de la política y la religión. Se trata de un actuar performativo, ya que dentro del contexto futbolístico se adoptan comportamientos y reacciones particulares, mismos que de ser reproducidos en cualquier otro ambiente no serían aceptados. El carácter de la obra hace que se hable de esta sociedad con relación al balompié, pero en realidad se trata de una característica común de todo deporte protegido por una fanaticada que, por distintos motivos personales, comparte una identidad común bajo los colores del equipo. Para los hinchas la camiseta, como se han referido a su afición, es una cuestión de identidad casi inalterable. La experiencia del aficionado, como se demuestra en la obra de Hornby a través de los pensamientos de su protagonista sin nombre, implica relaciones de amor-odio y momentos de pesimismo; sin embargo, a pesar de DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 191 �Ander Urteaga (UANL) / El futbol como performatividad la derrota, el hincha no desistirá de su apego, porque el equipo es parte de su persona. Desde conceptos como el habitus de Bourdieu, se aprecia que el futbol es un fenómeno transformador de identidades y percepciones sociales. Asimismo, hay una fuerte connotación masculina en los comportamientos que reproducen los hinchas, movidos por las barras y las instituciones detrás de ellas, pero en estas prácticas los fanáticos encuentran un efecto liberador y llegan a identificarse como parte del grupo. Esta dinámica ha originado un rechazo del futbol dentro de los círculos académicos, quienes demeritan el carácter popular y a la vez mercantil del deporte. No obstante, el narrador de Fiebre en las gradas tiene la particularidad de que reconoce este esquema y es capaz de mantener una postura crítica sobre las acciones de los hinchas, pero mantiene su conexión con el Arsenal. Por otro lado, otro aspecto destacable es el modo en que los aficionados reciben a sus jugadores. El relato de sus hazañas supera con creces el hecho deportivo, pues extiende el impacto del juego y lo reproduce no según la realidad, sino la interpretación de esta. Esta narrativa es esencial para el desarrollo de la sociedad del futbol, ya que tiene como función social perpetuar la leyenda del jugador, pero, además, ayuda a que los aficionados se sientan identificados con los logros y derrotas de sus equipos y favorece la construcción de una cultura del deporte. Esta cultura, a su vez, tiene ramificaciones económicas en tanto los equipos, sus miembros y la imagen popular que desvelan sus colores (como el origen obrero de los Gunners) siguen formando parte de un sistema económico basado en el consumo. En este sentido, la historia del deporte marca el origen del futbol en las prácticas populares, las cuales fueron institucionalizadas y posteriormente volvieron al pueblo por medio del modelo consumista 192 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-132 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 que persiste hoy en día. De este modo, al convertir a los jugadores en piezas de la memoria colectiva el modelo se justifica, pues es retomado y apropiado por las masas. Sin embargo, esta circunstancia no hace que la identidad de los fanáticos sea falsa, pues como se resalta en la obra de Hornby desde la mirada autobiográfica de su protagonista, el futbol se ha convertido en un medio de convivencia, y los lazos que surgen de esta experiencia continúan sobreviviendo. Obras citadas Alabarces, Pablo. Héroes, machos y patriotas: el fútbol entre la violencia y los medios. Aguilar, 2014. Bourdieu, Pierre. “How Can One Be a Sports Fan?”. Empiria. Revista de Metodología de Ciencias Sociales, núm. 30, 2015, pp. 170-180. Briones, Claudia. “Teorías performativas de la identidad y performatividad de las teorías”. Tabula Rasa, núm. 6, 2007, pp. 55-83, www.scielo.org.co/pdf/tara/n6/n6a04.pdf. Brito Alvarado, Xavier, y Santiago Vayas Castro. “Geopolítica del fútbol: sobre la globalización del balón”. 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Libro derivado de los relatos de dos niños con este padecimiento durante las sesiones de arte terapia en el área de oncología de un hospital en la Ciudad de Monterrey, Nuevo León, México. A través del realismo mágico se pretende mostrar cómo la fusión de estos elementos otorga a la niñez la utopía y la identidad para afrontar cualquier adversidad. Por medio de la semiótica del espacio y del tiempo se revisarán los tipos de recuerdos y aspectos de los lugares para vencer sus miedos y pasar por diversas pruebas para fortalecer su espíritu de lucha. Por medio de la metodología cualitativa de tipo exploratoria y descriptiva se revisará cómo el espacio y el tiempo confinan una identidad en el infante y le infunden valores para afrontar, desde la fantasía, los peligros. El aporte de este estudio es la creación del libro terapia donde se incluyen actividades de comprensión de lectura y cuentos para darle al niño energías y confrontar los riesgos. Palabras clave: semiosis, literatura, realismo mágico, cáncer, espacio, tiempo e identidad. 195 �Manuel Santiago Herrera (UANL) / La semiosis en la literatura infantil Abstract: This work addresses cancer in children’s literature through the semiotics of space and time. This disease is considered the second leading cause of death in Mexico. The literature produced on this topic does not mention the name of the disease and is intended to motivate children to face it bravely. The work Raro: Un encuentro con Furia (Strange: An Encounter with Fury), written by Elizabeth García Guerra, will be analyzed. This book is derived from the stories of two children with this condition during art therapy sessions in the oncology ward of a hospital in Monterrey, Nuevo León, Mexico. Through magical realism, the aim is to show how the fusion of these elements grants children a sense of utopia and identity to confront any adversity. Through the semiotics of space and time, the types of memories and aspects of places will be examined to help them overcome their fears and pass through various trials to strengthen their fighting spirit. Through an exploratory and descriptive qualitative methodology, this study will examine how space and time shape an infant’s identity and instill values that enable them to confront dangers through fantasy. The contribution of this study is the creation of a therapy book that includes reading comprehension activities and stories designed to energize the child and help them face risks. Keywords: semiosis, literature, magical realism, cancer, space, time and identity. 196 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 Introducción La literatura infantil nos adentra al mundo fantástico de la niñez, un lugar lleno de deseos y temores donde por medio de la magia se trata de dar explicación y una aparente solución a situaciones difíciles de comprender. Esta literatura se caracteriza por la creatividad tanto en el lenguaje como en los diversos recursos narrativos para mostrar el sentir y pensar de los niños y niñas. El cuento es el género literario que se emplea con más naturalidad para acercar a los infantes a este tipo de literatura porque recuenta y al hacerlo recuerda las acciones vitales. Los cuentos infantiles son conocidos también como “cuentos de hadas” por la presencia de estos seres fantásticos que tejen las acciones de los personajes. Bajo la apariencia de rostros nobles y vestimenta clara, inspiran ternura y simbolizan valores en la infancia. Esto les permite configurar su entorno, proyectar sus emociones y asociar sus inquietudes con estas personalidades. Bamberger (1975) define cinco fases de lectura que van definidas por edades. Para este trabajo, solo nos centraremos en la etapa del realismo mágico. Tabla 1. Edad del realismo mágico Denominación Edad del realismo mágico Edad 5 a 8 años Características e intereses La edad de los cuentos de hadas. Es un periodo donde el niño se deja llevar por la fantasía. Esto se debe a que está aprendiendo nuevas materias en la escuela como la geografía y la ciencia, lo que lo hace imaginar nuevos escenarios. Sigue sintiendo agrado por el ritmo y las rimas, el amor a la poesía. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 197 �Manuel Santiago Herrera (UANL) / La semiosis en la literatura infantil La obra que se analizará en este trabajo está ubicada para niños de ocho años. Así que nos centraremos en el realismo mágico para abordar sus características y cómo influye en la literatura infantil sobre el cáncer. El realismo mágico es un movimiento literario surgido aproximadamente en la década de los sesenta. Conjunta dos términos en apariencia contradictorios: realidad y magia. Se entendería a primera instancia como una existencia llena de fantasía donde prevalece la armonía. Sin embargo, de acuerdo con Bautista Ramírez (2014), este tipo de literatura surge a raíz de la fuerte presión política que anida en Latinoamérica y estalla de diferentes formas. Bautista señala diversos temas como: la utopía, la ideología, la denuncia, las ideas revolucionarias, el sentimiento de independencia, las raíces, la identidad, el exilio y la dictadura. De los puntos antes mencionados, sobresale la identidad; según la definición sugerida por Hall (2003) las identidades se constituyen dentro de la representación y nunca fuera de ella. No puede considerarse como un objeto acabado, sino que se va construyendo a partir de múltiples discursos, prácticas y posiciones diferentes, a menudo cruzados y antagónicos. (17) En esa búsqueda por la identidad el individuo vive una utopía, una idealización de sus proyecciones y aspiraciones. Este realismo mágico se integra de dos vocablos que al fusionarse dan paso a otra denominación. Según Bautista Ramírez, esta tendencia literaria muestra variantes en su consolidación. Esta idea se complementa con las palabras de Gómez Redondo, quien afirma con respecto al proceso de creación: 198 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 El creador literario se ve obligado a reproducir en su obra el esquema de relaciones (conceptuales, filosóficas, religiosas, etc.) existentes en su interior y el tiempo en el que habita [...] la literatura de ficción, más que cualquier otra, permitirá reconstruir la imagen completa y total de una sociedad en un momento determinado. Y ello porque la ficción resulta el ámbito imprescindible que el ser humano debe conquistar para poder existir. (149) Se observa el proceso de creación de la palabra como la articulación de la realidad a través de su vehículo de recreación: la ficción; e, igualmente, se nota cómo, por medio del proceso de estructuración del discurso ficcional, se produce el vínculo con el lector y la realidad que a este concierne. Tanto en la postura de Bautista Ramírez como en la de Gómez Redondo, se aprecia la búsqueda de la identidad por parte del escritor en los procesos de escritura; esto conlleva a gestar una generación de autores (as) que, según este último, son “capa[ces] de crear una nueva realidad, sustentada en una nueva estructura de pensamiento, que es la base de una nueva imagen de la ficción, ámbito por el que penetra el recepto en la obra literaria”. (131) Dentro de las variadas definiciones de utopía, retomaremos la descrita por Ortiz Moyano, quien la explica como: El lugar que no existe, pero que pudiera existir, se convierte en una categoría del pensamiento dentro de la literatura. Históricamente, la utopía está relacionada con la posibilidad de coexistencia feliz entre los seres humanos. Pensar la ciudad como un lugar de convivencia armónica entre sus habitantes, aparte de convertirse en una idealización, es negar la existencia de la violencia como sustancia de la cultura y cerrar los ojos frente a realidades socioculturales y económicas. (7) DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 199 �Manuel Santiago Herrera (UANL) / La semiosis en la literatura infantil La utopía es ese otro espacio donde convergen la realidad y la magia. De aquí la importancia de examinarla dentro de esta obra: se entrecruzan los tiempos para escudriñar la identidad y darle sentido a la existencia. Por su parte, Bautista Ramírez (2014) aclara que la utopía tiene múltiples funciones; dentro de este estudio, seleccionaremos solo la siguiente: “Función crítica: de hecho, la utopía está construida a partir de elementos del presente, ya sea para evitarlos (desigualdades, injusticias…) o para potenciarlos (adelantos técnicos, libertades…)” (7). Esta función crítica en el relato se aprecia al tratar de buscar una equidad e igualdad entre los niños y niñas por conservar la salud e integrarse a la sociedad. Reconocerse entre ellos y erradicar las diferencias. Finalmente, Bautista Ramírez (2014) refiere los rasgos prototípicos del realismo mágico, entre los cuales destaca: • • • • • • las barreras entre la vida y la muerte son tenues un espacio particular temáticas realistas con elementos irrealistas búsqueda de la identidad y la sensibilidad personajes excéntricos el tiempo cíclico o aparece distorsionado. (69) Estas características, vistas también en la literatura infantil, constituyen la mirada de estos pequeños lectores, quienes tratan de comprender su mundo y encontrase a sí mismo. Mantuano (2023) refiere que el realismo mágico se empleó como un recurso pedagógico para estimular la creatividad, la imaginación y la reflexión cultural en las escuelas. Esta fusión de la realidad y la fantasía ocasiona en el niño que visualice su entorno como algo natural. Sandro Abate 200 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 (1997) remarca que los temas más recurrentes del realismo mágico se encuentran en la importancia del destino; la vida, la muerte; las enfermedades y sus curaciones inauditas; la paternidad desconocida y la venganza. Estos temas en la infancia se asocian con evasiones a otros espacios y convivencia con diversos personajes para tratar de afrontar el dolor. Taylor (1989) señala en este punto que: Para mostrar la construcción sociohistórica del dolor, Bourke recurre al análisis del lenguaje figurativo: el uso de diversas metáforas para nombrar la experiencia dolorosa da cuenta de modos distintos de concebir el dolor como algo ajeno al cuerpo, que existe con independencia de él y que lo rompe, desgarra, quema o quiebra. (65) Así que por medio de los recursos retóricos y las estrategias narrativas, la literatura infantil se acerca para mostrar un rostro oculto y poco abordado: el cáncer. Marco teórico En la Escuela de Tartu, Lotman (1996) plantea la importancia de la semiótica de la cultura como una interdisciplina que abraza a otros textos. Define a la cultura como un texto complejo por los diversos entretejidos que la conforman; de ahí el compromiso de ser capaces de traducir ese entorno cultural. Para Lotman, la memoria del hombre es “considerada como un texto complejo, ya que al entrar en contacto con el texto produce cambios creadores dentro de la cadena informacional. Lo paradójico es que al texto debe precederle otro texto, la cultura” (Semiosfera I 90). De acuerdo con lo anterior, define al texto como un “espacio DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 201 �Manuel Santiago Herrera (UANL) / La semiosis en la literatura infantil semiótico en que interactúan, se interfieren y se autoorganizan jerárquicamente los lenguajes” (“Acerca” 9). Ese espacio semiótico, Lotman lo define como semiosfera. Señala que el texto es un espacio donde surgen nuevas comunicaciones e interpretaciones. Dentro de los rasgos sobresalientes de la semiosfera, se encuentra el de la frontera, vista como los puntos internos y externos pertenecientes a este espacio. De acuerdo con Lotman, los textos permanecen en la memoria de la cultura mediante tres mecanismos: (a) aumenta de manera significativa el volumen de conocimiento, es decir, la cultura va tomando de la realidad que la rodea los elementos que necesita para sobrevivir, (b) reorganiza de manera constante los contenidos culturales, y (c) utiliza el “olvido” para mantener los textos dentro de una cultura; es decir, permite que unos textos tomen el lugar de otros. (Semiosfera III 174). Lotman, al hacer una analogía entre el paralelismo estructural de las caracterizaciones semióticas y las personales, define el texto de cualquier nivel como una persona semiótica, y considera asimismo como texto a la persona en cualquier nivel sociocultural. Esta definición refleja la interacción que tienen, para Lotman, el hombre y todos los sistemas semióticos (o textos) “como manifestaciones de una cultura y dentro de esa misma cultura, de manera que interactúan no solo como depósito de información, sino también como textos con capacidad de crear nuevos textos o mensajes” (Semiosfera III 197). Uno de los aportes de la semiótica de la cultura es generar nuevos sentidos. Lotman propone la participación de los traductores o filtros bilingües que expliquen la finalidad de los textos a los demás. De acuerdo con lo anterior, define al texto como: 202 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 A la luz de lo dicho, el texto se presenta ante nosotros no como la realización de un mensaje en un solo lenguaje cualquiera, sino como un complejo dispositivo que guarda variados códigos, capaz de transformar los mensajes recibidos y de generar nuevos mensajes, un generador informacional. (Semiosfera III 125). En esta producción de sentidos, el texto pasa por una serie de diversos procesos socio-comunicativos, entre los cuales Lotman (2000) refiere: 1. El trato entre el remitente y el destinatario. El texto cumple la función de un mensaje dirigido del portador de la información al auditorio. 2. El trato entre el auditorio y la tradición cultural. El texto cumple la función de memoria cultural colectiva. 3. El trato del lector consigo mismo. El texto interviene en el papel de mediador que ayuda a la reestructuración de la personalidad del lector. 4. El trato del lector con el texto. Deviene un interlocutor de iguales derechos que posee un alto grado de autonomía. Tanto para el autor (el remitente) como para el lector (el destinatario), puede actuar como una formación intelectual independiente que desempeña un papel activo e independiente en el diálogo. 5. El trato entre el texto y el contexto cultural. Los textos, como formaciones más estables y delimitadas, tienden a pasar de un contexto a otro. Al trasladarse a otro contexto cultural, se comportan como un informante trasladado a una nueva situación comunicativa: actualizan aspectos antes ocultos de su sistema codificante. Tal ‘recodificación de sí mismo’ en correspondencia DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 203 �Manuel Santiago Herrera (UANL) / La semiosis en la literatura infantil con la situación pone al descubierto la analogía entre la conducta sígnica de la persona y el texto. (54) Lotman plantea la semiótica de la cultura como la disciplina que estudia la interacción de los diferentes sistemas semióticos dentro de una cultura (259). En esta interacción es relevante la semiosfera, porque “es definida como el espacio semiótico cerrado necesario para la existencia y el funcionamiento de los distintos lenguajes” (“Acerca” 22). Esta semiosfera presenta una serie de rasgos característicos, siendo el más sobresaliente la frontera, por su carácter espacial. Para Lotman, la frontera es el conjunto de puntos pertenecientes a un espacio a la vez interno y externo. Como frontera semiótica, la semiosfera es la suma de traductores o filtros bilingües, por medio de los cuales un texto se traduce a otro lenguaje. La frontera general de la semiosfera se intersecta con las fronteras de los espacios culturales particulares. En este aspecto, son vitales los espacios culturales. Por ello, Lotman puntualiza que la cultura es “el conjunto de información no genética como memoria de la humanidad o de los colectivos más restringidos nacionales o sociales, dichos colectivos históricosociales [que] crean o reinterpretan los textos de acuerdo con su modelo de mundo” (“Problema” 41-42). Lotman expresa que “la memoria no es para la cultura un depósito pasivo, sino que constituye una parte de su mecanismo formador de textos” (Semiosfera I 161). Es decir, “genera sentidos y define a la identidad como una unidad. Así que propone que las leyes de la memoria sufren una selección y una compleja codificación para, en determinadas condiciones, de nuevo manifestarse” (Semiosfera I 109). 204 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 De acuerdo con Bal (1987), dentro de la narratología, el espacio es el lugar en el cual los personajes se desenvuelven. La autora externa que “el lugar se relaciona con la forma física, medible matemáticamente, de las dimensiones espaciales. Por supuesto solo en la ficción; esos lugares no existen verdaderamente tal como lo hacen en la realidad” (101). Los espacios dentro del texto Raro: Un encuentro con Furia son esenciales debido a que se construyen los lugares físicos y mitológicos. En este sentido, la semiótica del espacio proporciona los elementos para abordarla y descifrar los sentidos en el relato. Esta semiótica del espacio, estudiada por Finol, asevera que: el espacio en los estudios semióticos representa una estructura que juega un rol importante en la organización social, a través de él se da sentido a una organización social, pero también a una serie de valores culturales que soportan ese orden social. El espacio se convierte en instrumento simbólico, capaz de articular los contenidos de la cultura misma en una sintaxis particular. (38) En este trabajo, se plantean las diversas vertientes sobre el lugar, propuestas por la semiótica del espacio, y su visualización en el cuento a analizar: la semiótica del espacio, el espacio sociogeográfico y el espacio vivido. El apartado del espacio sociodemográfico se basa en la propuesta de Losada, quien menciona que este lugar es: el intermedio entre el objetual y el cosmológico. Mientras el primero abarcaría todos aquellos fenómenos que los seres humanos pueden manipular en su totalidad (como, por ejemplo, un palo de madera o una cuchara); el último comprende todos los fenómenos de rango de magnitud más grande (como, por ejemplo, el sol, el universo y similares). (272) DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 205 �Manuel Santiago Herrera (UANL) / La semiosis en la literatura infantil En el relato de García Guerra, los personajes entran y salen de estos espacios sociodemográficos para mantener un orden. De acuerdo con Losada, el espacio “también implica el comportamiento y un significado para quienes habitan en él” (272); esto es visible cuando Furia cruza el umbral cosmológico para estar en el lugar objetual, conocer a Raro y juntos unirse para vencer sus temores. Continuando con la postura de Losada, también reflexiona sobre el espacio vivido y lo establece como “la influencia del espacio no solo interviene sobre el comportamiento y los significados, sino que también los individuos/grupos realizan interpretaciones sobre y acerca de él desde temprana edad; mostrándose así el aspecto discursivo-simbólico del espacio” (274). Estos espacios, en los actantes, son centrales, porque construyen la identidad de los personajes. Esto le permite al niño conformar su identidad cultural, el saberse pertenecer a un grupo o comunidad y que conlleva a una serie de valores y acciones que debe desempeñar. Morales (1998) aborda el concepto de “habitante” como aquel que mora en diversos espacios simbólicos y reales. Este autor los llama “burbujas espaciales” tanto en el ámbito privado como público. Define “burbuja privada” como “Es el tipo de burbuja cerrada dentro de la cual pueden interactuar solamente ciertas personas, según determinados requisitos” (89). En esta clase de burbuja entra el hospital como un lugar reservado para personas que requieren recuperar la salud e integrarse a la sociedad. De acuerdo con Oppliger et al (2016), el hospital constituye un entorno desconocido que conlleva cambios biopsicosociales y en el que una persona debe enfrentarse a técnicas dolorosas llevadas a cabo por personas ajenas a ella. Todo ello puede producir miedo, angustia, estrés e incluso sentimientos de abandono. La literatura en la infancia 206 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 se fomenta en los hospitales como una forma de motivar y atenuar el dolor. Losada, al argumentar sobre las relaciones de los grupos con el espacio, desde el enfoque proxémico de Edwar Hall (1966), explica: Para Hall […] las normas proxémicas consolidan al grupo al mismo tiempo que lo aíslan de los demás. Es decir que se refuerza la identidad intragrupal y se dificulta la comunicación intergrupal merced al empleo que el hombre hace de su espacio, tanto el que mantiene entre sí y sus congéneres, como el que construye en torno suyo (273). Estas relaciones de espacio los niños la viven en lo físico y en lo fantástico para inventarse un mundo donde encuentren respuestas a sus inquietudes. Metodología Se diseñó bajo un enfoque cualitativo de tipo exploratorio y descriptiva. Exploratorio debido a que no hay investigaciones alusivas a este objeto de estudio, así que lo presentado en este trabajo es un primer acercamiento. Y descriptiva porque se revisarán la semiótica del espacio y del tiempo contenidas en la narración para visualizar cómo a través de la ficción los personajes enfrentan la enfermedad y de qué recursos literarios se vale para fortalecer este entretejido semiótico. Se analizará el libro Raro: Un encuentro con Furia de Elizabeth García Guerra. La autora es voluntaria en el área de oncología infantil en un hospital de la Ciudad de Monterrey, Nuevo León, México. Por medio del arte terapia con dos niños internados, obtuvo DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 207 �Manuel Santiago Herrera (UANL) / La semiosis en la literatura infantil sus testimonios y escribió este texto: narra la vida de Raro, niño con cáncer, que lucha por entender su estancia en el “lugar de blanco” (hospital) y de Furia, un dragón que migra en busca de ayuda para salvar a su reino. Resultado y análisis Toporov (1983) externa que, en el pensamiento mitológico, el espacio es concreto, discontinuo, cargado de valores y de actitudes emocionales. El espacio mitológico está construido “a modo de mosaico” y se manifiesta, por ejemplo, “en la distinción de posiciones, lugares y direcciones cualitativamente diferentes: sagrados y profanos, favorables y desfavorables, propios y ajenos, etc” (15). Toporov (1983) propone las fronteras-pasajes como una línea divisoria entre los lugares y los que sirven de acceso, entrada o comunicación. Un espacio central en el relato es la puerta. De acuerdo con Eliade (1972), la puerta es una frontera que separa el espacio interior, protegido, propio, sagrado, del espacio exterior, peligroso, ajeno y profano. Toporov describe a la encrucijada como “el paso de un reino a otro” (13). En esta bifurcación se percibe cómo el protagonista traspasa el umbral del mundo mitológico, lleva consigo un encargo y regresa con su gente. Esta encrucijada se asemeja a los lugares fronterizos postulados por Lotman, llama a las puertas y tumbas “lugares fronterizos y mágicamente activos del espacio cultural: regiones del choque de las fuerzas terrenales [...] y las infernales” (Semiósfera I 20). Estas fronteras-pasajes son la puerta, la esquina, la plaza y el límite del pueblo o la ciudad. Sirven dentro del espacio para transitar de un lugar a otro y vincular lo mágico con lo real. En el relato se aprecian así: 208 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 “La puerta es una frontera que separa el espacio interior, protegido, propio, sagrado, etc., del espacio exterior, peligroso, ajeno y profano” (Eliade 339). En el cuento se observa cuando: “escuchaba que abrían la puerta, sabía que era él, y me emocionaba. Me enseñó a jugar algunos juegos de mesa” (García Guerra 71). La puerta es un umbral donde conviven los personajes y les permiten unir sus fuerzas para sobrellevar con valentía sus penas. En el caso de la esquina, “es un punto de inflexión en el camino, el lugar en que éste se interrumpe, y por tanto marca la división entre dos subespacios” (17). En el relato Furia observa con detenimiento, desde una arista, la manera de cómo ingresar al hospital (García Guerra). Las esquinas funcionan como punto intermedio para ingresar y salir de los espacios de acuerdo con las necesidades de los personajes. Por su parte, la plaza “es el sitio en que confluyen los caminos y uno de los parajes por excelencia en que chocan lo propio y lo ajeno (en virtud de los forasteros que aquí arriban)” (17). En la historia, Furia emigra de su reino y llega a una plaza: “Comencé a buscar un lugar seguro. Los habitantes de este Reino dormían, así que nadie podía verme” (García Guerra 81). La plaza es un lugar abierto donde el personaje trata de buscar ayuda y alojamiento. Asimismo, son travesías donde se refieren los diversos tropiezos y estados de ánimo para llegar a un espacio seguro. Por último, está la ciudad, “es una imagen del cosmos, se encuentra en el centro del universo, y por lo tanto se opone a la periferia que la rodea” (Eliade 17). En Raro: un encuentro con Furia” sobresale: “Le señalé con mi dedo un Reino al final de un camino, y le hice entender con señas, que ese era mi hogar, el lugar donde DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 209 �Manuel Santiago Herrera (UANL) / La semiosis en la literatura infantil podía ser libre y donde nadie se asustaba al verme” (García Guerra 73). Tanto la ciudad como el reino hacen alusión a la identificación de los personajes como parte de una comunidad en busca de un apoyo. El tiempo en el enfoque semiótico-cultural de la historia resalta la reconstrucción de los motivos subjetivos de los participantes para determinadas acciones (que de uno u otro modo determinan el curso de los acontecimientos). Dentro de “esta visión semióticacultural de la historia, los vínculos de causa y efecto aluden al nivel de los acontecimientos (accional)” (Uspenski 162). De acuerdo con Uspenski (2003), se muestran tres tipos de presentes. El primero es el presente del pasado (el recuerdo). Un ejemplo en la historia es: De ahora en adelante… vas a vivir el momento. Dejarás de estar triste pensando en volver a casa y, al contrario, harás todo lo que esté de tu parte para regresar, pero aprovecharás cada momento en este lugar, de tal manera que cuando sea el día de regresar a casa, el tiempo habrá pasado muy rápido y no te habrás dado cuenta (García Guerra 92). El recuerdo fortalece la memoria y le infunde ánimos al personaje a luchar ante su situación. De un estado contemplativo pasa al valorativo. En este punto, la evocación le proyecta una energía para afrontar sus miedos y vencer las dificultades ocasionadas por la enfermedad. La segunda clase es el presente del presente (la contemplación del recuerdo). En la obra se visualiza de la siguiente manera: - Sabes, Furia, a mí no me gustaba este lugar, odiaba tener que estar aquí. No sé cuándo me iré a casa ni cuándo volveré al colegio 210 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 –dijo pensativo-, pero desde que empezamos a transformar este lugar estoy contento, y solo espero el momento de venir aquí y dibujar contigo. Te has convertido en mi mejor amigo, y aunque no hablas, sé que me entiendes. Estoy muy feliz de haberte encontrado… tú haces que mis días aquí sean diferentes (García Guerra 138). En esta muestra se aprecia cómo el personaje reflexiona, adquiere una entereza que le permita resistir y apoyar a otros compañeros en su misma situación. Mientras llega el momento de salir, busca la manera de sacar sus inquietudes por medio del arte. El tercero es el presente del futuro (la espera del recuerdo). En el libro se observa de la siguiente forma: - No pierdas la esperanza, Raro, todo esto es temporal, y un día estaremos cruzando juntos la puerta de salida de este lugar, y seremos más fuertes por todas las pruebas que hemos enfrentado aquí (García Guerra 275). Alude al regreso al hogar y a su incorporación de la sociedad para seguir con la vida familiar y sus respectivas actividades. Susan Sontag (2005) en su ensayo sobre La enfermedad y sus metáforas refería que: La enfermedad es el lado nocturno de la vida, una ciudadanía más cara. A todos, al nacer, nos otorgan una doble ciudadanía, la del reino de los sanos y la del reino de los enfermos. Y aunque preferimos usar el pasaporte bueno, tarde o temprano cada uno de nosotros se ve obligado a identificarse, al menos por un tiempo, como ciudadano de aquel otro lugar. (11) En este sentido, la semiótica del espacio le brinda a la niñez una oportunidad de recrear su entorno para llevar con imaginación el dolor y la desesperanza y tener la fuerza para luchar por vivir. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 211 �Manuel Santiago Herrera (UANL) / La semiosis en la literatura infantil El tiempo, desde el enfoque semiótico cultural de la historia, le brinda a la niñez una identidad llena de ilusión y heroicidad para afrontar los males de la enfermedad. Conclusiones La semiótica del espacio traspasa los límites entre lo real y lo imaginario con la intención de fusionarlos en uno solo para que los niños vean en la ficción una esperanza de luchar contra las adversidades, sentirse parte de un proceso y que les permita manejar sus emociones con cautela para regresar con valentía a su lugar de origen. Por su parte, el tiempo influye en la semiótica cultural de la historia para que los infantes puedan edificar una identidad capaz de afrontar sus retos. Por medio del presente del pasado, el presente del presente y el presente del futuro se busca que el infante se sumerja en el recuerdo para repasar su línea de tiempo, revalorar los nuevos escenarios y oportunidades que se le brindan para sobrellevar con una nueva energía las afecciones. Un aporte del trabajo es cómo el espacio y el tiempo en la narración dieron paso al libro terapia, debido a que se emplearon diversos recursos literarios para fortalecer la mirada de los pequeños lectores. La importancia del texto como un espacio brindado a los infantes para ambientar sus situaciones y hallar un equilibrio entre lo que viven y cómo localizar algún medio para solventarla. Raro: Un encuentro con Furia termina con una carta titulada “Carta de Raro para ti”. En ella la voz poética busca la empatía con los niños que padecen esta enfermedad y los motiva a salir avante: “Los lugares de blanco están ahí para que luches y le pongas color… para que niños como yo, y niños de corazón que necesitan estar ahí 212 DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 �Humanitas, vol. 6, núm. 11, 2026 por alguna enfermedad, pasen su tiempo imaginando y creando” (García Guerra 329). Al final del libro, viene un cuaderno de actividades para comprobar el análisis y la interpretación del texto. Asimismo, la inclusión de dibujar para que plasmen sus sentimientos. De ahí se propone el término de libro terapia, porque no solo es narrar una historia, sino proporcionar diversos recursos para que los infantes se expresen e interioricen sus inquietudes. Un ejemplo es: Actividades. Aquí puedes tomar hojas de papel en blanco, lápiz y colores, para realizar las siguientes actividades: Raro tenía muchos amigos… Si fueras su amigo, ¿cómo serías? Dibújate como una caricatura (García Guerra 333). En esta actividad se puede apreciar cómo a través del diálogo se intenta buscar la cercanía con el niño lector para que forme parte de la aventura literaria y atenúe sus miedos. Un aporte más son los intertextos. La inclusión de los cuentos en el relato mostró cómo el espacio vivido y las fronteras en la semiótica del espacio brindan al infante un acto de heroicidad para resistir la enfermedad. Un ejemplo es el cuento “La víbora de la selva”, donde el niño es mordido por este reptil y debe evitar que el veneno le haga efecto en su cuerpo (aquí es la similitud con la quimioterapia: cuando le es inyectada y poco a poco le llegan los efectos). O el cuento de “El barco pirata”, donde los personajes navegan por el mar y se enfrentan a animales peligrosos para llegar a una isla, ingresar a una cueva y pedir sus deseos. Aquí cada personaje solicita en secreto el poder regresar sanos a sus hogares. DOI: https://doi.org/10.29105/revistahumanitas6.11-153 213 �Manuel Santiago Herrera (UANL) / La semiosis en la literatura infantil Un último aporte son los valores que le promueven al niño (a través del espacio y del tiempo), como la osadía, la fortaleza y la fe para superar sus temores y vencer el mal. A través del realismo mágico, la literatura infantil sobre el cáncer construye espacios reales y fantásticos que circunscriben al niño a un lugar y un tiempo determinados, con el fin de prepararlo para sanar física y emocionalmente e integrarse a la sociedad. Obras citadas Abate, Sandro. “A medio siglo del realismo mágico: balance y perspectivas”. Anales de Literatura Hispanoamericana, n.º 26, 1997, pp. 145-159. Universidad Complutense de Madrid, https://revistas.ucm.es/index.php/ALHI/article/ viewFile/ALHI9797120145A/23097. Bal, Mieke. Teoría de la narrativa. Una introducción a la narratología. Cátedra, 1987. Bamberger, Richard. La promoción de la lectura. 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For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Humanitas : Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios Description An account of the resource Heredera del Anuario Humanitas, publicación emblemática del Centro de Estudios Humanísticos de la UANL creada en 1960, Humanitas. Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios responde ahora a la necesidad de la diversificación de enfoques y acercamiento a la literatura en y desde el ámbito latinoamericano. Creator An entity primarily responsible for making the resource Centro de Estudios Humanísticos, UANL Contributor An entity responsible for making contributions to the resource 2021 Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Humanitas: Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios Año de publicación El año cuando se publico 2026 Volumen Volumen de la revista 6 Número Número de la revista 11 Mes de publicación Mes cuando se publicó Julio-Diciembre Día Día del mes de la publicación 22 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Semestral Relación OPAC https://revhumanitas.uanl.mx/index.php/r/issue/view/8/6 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Humanitas: Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios, 2026, Vol 6, Núm 11, Julio-Diciembre Creator An entity primarily responsible for making the resource De Ita Rubio, Beatriz Liliana, Titular del Centro de Estudios Humanisticos Subject The topic of the resource Estudios literarios Letras Escritura Arte Literario Description An account of the resource Heredera del Anuario Humanitas, publicación emblemática del Centro de Estudios Humanísticos de la UANL creada en 1960, Humanitas. Revista de Teoría, Crítica y Estudios Literarios responde ahora a la necesidad de la diversificación de enfoques y acercamiento a la literatura en y desde el ámbito latinoamericano. Publisher An entity responsible for making the resource available Centro de Estudios Humanisticos, UANL Contributor An entity responsible for making contributions to the resource González Santos, Roberto Kaput, Director de la revista Muñoz Mendoza, Juan José, Editor tecnico Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2026-07-22 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource txt/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021625 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa/eng Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant San Nicolás de los Garza, Nuevo León Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores El Futbol El suicidio Género Mujeres https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/403/19917/Paradigma_Creativo_2020_No_1_Diciembre.ocr.pdf 5243141b628ebd10368475a79f11b1a0 PDF Text Text �ÍNDICE 04 Prácticas de enseñanza-aprendizaje desde las artes y la visualidad 24 La evaluación en la teleformación y herramientas para la creación de exámenes 36 Adriana Hernández Loredo Sandra Gpe. Altamirano Galván Realización de un instrumento en base a la etnografía performativa como parte de la investigación del Design Thinking en las agencias de diseño de Monterrey José Eduardo Mallén Lomas 52 Entre Sokurov, Tarkovski y Reygadas: una poética de la imagen 66 El proceso creativo como metodología de trabajo del diseñador gráfico 78 Liderazgo Creativo en Empresas de Diseño Gráfico Santiago Javier Villarreal Villarreal Rosa Elizabeth Cisneros Ríos, Karina Gabriela Ramírez Paredes, María Eugenia Flores Treviño. Verónica Lizett Delgado Cantú �Rogelio Garza Rivera Rector Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Academica Lizbeth Estrello Ortiz Alejandra Silva Santiago Mariela Hernandez Lazaro Thelma Sofia Cortes Lopez Alejandra Saucedo Gallegos Devani Leylanni Marines Florido Diseño Editorial Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Coordinación Editorial Paradigma Creativo, Año 1, No. 1, Diciembre 2020. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600 , Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos. Monterrey, Nuevo León, México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo en trámite. Registro de marca en trámite. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la visión de la publicación. �Prácticas de enseñanza aprendizaje desde las artes y la visualidad. Enfoques del aprendizaje y desarrollo creativo-imaginativo en la enseñanza de las artes. Adriana Hernández Loredo ORCID: 0000-0003-4662-7872, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, adriana.hernandezlr@uanl.edu.mx 4 Resumen Palabras clave: Enseñanza de las artes, creatividad, imaginación, área socioemocional y contenidos de las artes visuales A través de este artículo la autora plantea una propuesta acerca de la enseñanza de las artes, considerando que ésta representa un escenario, en el que es vital implementar distintas estrategias y enfoques didácticopedagógicos, como el aprendizaje autónomo, el trabajo colaborativo, el aprendizaje activo y el aprendizaje emocional y social. En el análisis se destaca que la dimensión de las emociones es un aspecto estrechamente relacionado a la formación artística y que el fomento de la creatividad y la imaginación juega un papel central para la creación; así mismo se establece una relación entre la combinación y la asociación en este proceso. También se aborda la importancia de generar una variedad de actividades que fomenten la experiencia formativa del estudiante, relacionadas con distintos ámbitos. Además, se examina al concepto de comunidad en la institución educativa, lo que promueve transformar el espacio escolar en una comunidad de aprendizaje basada en la inclusión, la igualdad y el diálogo. �Abstract Through this article the author raises a proposal about teaching arts, considering that it represents a scenario in which is essential the implementation of diverse strategies and didactic-pedagogical focuses, such as autonomic learning, collaborative work, active learning and social and emotional learning. The analysis stands out that is an aspect closely related to artistic formation and that the encouragement of creativity and imagination plays a central role for creation. Moreover, a relationship between combination and association it is established within this process. It is also approached the importance of generate a variety of activities capable of encourage the formative experience of the student, associated to different fields. In addition, it is examined the concept of community in teaching institutions, what promotes the possibility of convert teaching space to a learning community based upon inclusion, equality and dialogue. Key words: Teaching arts, creativity, imagination, socioemotional area, y academic contents of the visuals arts Introducción En el campo educativo uno de los aspectos que ha tenido vital importancia es lo relacionado con el cómo se promueve la enseñanza-aprendizaje, y cómo se dan los procesos en este aspecto. En esta ocasión nos referiremos concretamente a lo que compete a la enseñanza de las Artes Visuales, un campo que ofrece interesantes reflexiones respecto a la percepción del entorno y la apropiación de éste, desde una mirada estética y de un quehacer artístico. El arte nos contagia con emociones […] dice Tolstói: la capacidad artística reposa sobre la capacidad de las personas de contagiar sus propias emociones a otras personas y de ser contagiadas por las emociones de otros […]. Las emociones intensas, las emociones débiles, las emociones trascendentales o insustanciales, las emociones buenas o malas, se convierten, cuando contaminan al lector, espectador u oyente, en materia de arte (Vygotsky, 1986, p. 294). Cierto es que las emociones son esenciales en la manifestación artística y en la enseñanza de las artes; sin embargo, dicha manifestación es un fenómeno con cierta complejidad que tiene que ver también con procesos intelectuales. Es por eso que se requiere profundizar en los procesos cognitivos para ofrecer una orientación más acorde a las necesidades de enseñanza-aprendizaje, como la creatividad, la imaginación, la 5 �combinación como capacidad mental y la asociación para generar ideas e imágenes, y de igual manera entender cómo se procesa la información que viene de la experiencia y del conocimiento, a través de los hemisferios cerebrales y considerar el papel que juegan los tipos de pensamiento: convergente y divergente, teniendo en cuenta que en un momento dado las capacidades de ambos hemisferios y de ambos tipos de pensamiento, se integran para dar soluciones y manifestar propuestas artísticas, que incluso también en el proceso de la materialización asisten a un proceso intelectual, sensitivo y creativo. Para dar inicio al planteamiento, abordaremos distintos enfoques de aprendizaje que se consideran herramientas didáctico-pedagógicas en la enseñanza de las artes, que más que enseñanza se traduce en promover aprendizajes que permitan acrecentar la experiencia y el conocimiento para la producción y las propuestas artísticas a través de distintos lenguajes y registros. 6 El primer enfoque a tratar es el aprendizaje autónomo, el cual permite desarrollar capacidades y habilidades en relación al propio ritmo de aprendizaje. Este tipo de aprendizaje señala aprender por sí mismo, pero a la vez implica responsabilizarse de la organización de sus actividades y una autovaloración de avances y desaciertos. Los estadios o pasajes de este tipo de aprendizaje van desde aprender a pensar, aprender a aprender, aprender a hacer, y aprender a desaprender. En este último aspecto es valioso destacar que también se trata de desaprender hábitos y actitudes, que no permiten ir más allá de las manifestaciones convencionales y que en alguna medida se convierten en un obstáculo para desarrollar propuestas y proyectos que transformen los paradigmas establecidos. Otra de las propuestas en la enseñanza es el aprendizaje activo. En este tipo de enfoque, el alumno toma un papel protagónico, como el que se concibe en los modelos constructivistas, de enseñanza. El profesor plantea actividades de aprendizaje que impliquen un rol de acción en el del alumno. Este tipo de aprendizaje es idóneo para que, por su parte, el alumno indague para dar respuesta a los planteamientos que ha hecho el profesor, para que profundice en el conocimiento y acreciente su experiencia; lo que implica también responsabilidad y compromiso respecto a la construcción de su conocimiento. En cualquiera de los enfoques de aprendizaje, el rol del docente será de proponer las actividades y prácticas, así como los contenidos relacionados con el programa de estudio, para generar que el alumno se involucre con su aprendizaje y su formación. Se trata de �enfocar la actividad en el estudiante. Los saberes que posea el docente y sus herramientas didácticas, tecnológicas, pedagógicas y humanísticas, marcarán la pauta para crear estrategias, actividades y ambientes propicios para el aprendizaje, donde el diálogo sea el mediador, para construir nuevas realidades. En relación a trabajo colaborativo, es una de las técnicas que ya desde hace varias décadas se ha incorporado al mundo académico. Los estudiantes aprenden a través de la interacción con los compañeros, intercambian opiniones en socialización. Esto permite construir el conocimiento en la interacción, desde distintas perspectivas, con base en la percepción y los aportes de cada participante, con la finalidad de lograr la integración en relación a un objetivo propuesto, una meta establecida o la resolución de un proyecto. En cuanto a los aspectos constitutivos del trabajo colaborativo “…entre los que más se destacan están la autoridad, la negociación y los procesos de diálogo que se dan al interior del grupo, la reciprocidad, la responsabilidad y las relaciones sociales… el trabajo grupal apunta a compartir la autoridad, a aceptar la responsabilidad y el punto de vista del otro, y a construir consenso con los demás ” (TecnoLógicas, 2018, p 115). Considerar la otredad es esencial porque de esta manera estamos ante la oportunidad de ampliar nuestro propio criterio, fundamentándolo en el diálogo para crear un discurso compartido. El papel del maestro al manejar esta estrategia didáctica, giraría en torno a plantear actividades de aprendizaje a través de las cuales se genere la interacción para la colaboración con fines de promover el proceso de enseñanza-aprendizaje. A través de dichas actividades, se da una conexión con los contenidos programáticos ya sea para conocer contenidos propuestos y/o descubrir otros. El trabajo colaborativo posee una serie de características que lo diferencian del trabajo en grupo y de otras modalidades de organización grupal. Algunas de ellas son las siguientes: • Basado en una fuerte relación de interdependencia entre los diferentes miembros del grupo para el alcance de la meta final. • La formación de grupos de trabajo colaborativo es heterogénea en habilidades y características de los miembros; en el trabajo tradicional de grupos, éstas son más homogéneas. • Todos los miembros tienen su parte de responsabilidad para la ejecución de las acciones en el grupo. • La responsabilidad de cada miembro del grupo es compartida. 7 �• Se persigue el logro de objetivos a través de la realización (individual y conjunta) de tareas. • Existe una interdependencia positiva entre los sujetos. El trabajo colaborativo exige de los participantes habilidades comunicativas, relaciones simétricas y recíprocas, así como un deseo de compartir la resolución de las tareas (TecnoLógicas, 2018, p. 115). En esta estrategia sobresale la interdependencia, con la característica de ser positiva, de ahí que se le nombre interdependencia positiva, en el sentido de que demanda un compromiso y el compartir responsabilidades para lograr la meta. Es una dependencia en interacción con los demás miembros, porque se trata de una tarea conjunta. La independencia también forma parte de la fundamentación de trabajo colaborativo, y esto se refleja en el sentido de que también se promueve el logro de objetivos desde una perspectiva individual, centrada en la tarea común. El intercambiar puntos de vista a través de la interacción, que es uno de los aspectos centrales en este enfoque de trabajo colaborativo, se manifiestan interconexiones para dinamizar propuestas y soluciones, y se fomentan las capacidades cognitivas de los involucrados. Con esto vemos que la actividad se conecta con un tipo de aprendizaje social, derivado de la interacción y que tiene que ver con la inteligencia social(1). Al respecto del valor de la interacción social veamos lo siguiente: 8 El investigador Oscar Ybarra y sus colegas (2008) de la Universidad de Michigan decidieron que lo describirían gracias a dos experimentos. Primero supervisaron a 3610 personas de edades comprendidas entre los 24 y los 96 años para establecer sus patrones de interacción social. Le entregaron a cada uno de ellos un test de funcionamiento mental que está muy extendido y, tras supervisar sus variables, buscaron la conexión entre la frecuencia de los contactos sociales y su funcionamiento mental. Resultó que cuanto más contacto social tenían, mayor era su funcionamiento cognitivo. La inteligencia es social, y, en gran medida surge en grupo. Youtube, Facebook y MSN Messenger son sólo tres ejemplos comunes de los espacios sociales en línea a los que los jóvenes dedican buena parte de su tiempo. Incluso es preciso utilizar internet para participar en juegos colaborativos con otros jugadores del otro lado del mundo…El mundo jamás había sido un lugar tan globalmente interconectado. (B. Lucas y G, Claxton, 2014, p. 107). 1 Para ver otras características de la inteligencia social, ver el libro Nuevas inteligencias, nuevos aprendizajes. Este libro tam- bién trata acerca de inteligencia compuesta, expandible, práctica, intuitiva, distributiva, social, estratégica y ética. �Evidentemente el valor de trabajo colaborativo y de la interacción, no es sólo porque sea otra manera de organizar las dinámicas de trabajo para el aprendizaje, sino que desde la perspectiva de aprender socialmente podemos afirmar que es un enfoque más ad hoc con la naturaleza social del ser humano. Hemos de considerar también el aprendizaje emocional y social, porque implica tomar consciencia de uno mismo, autorregularse, tomar decisiones responsables, desarrollar habilidades sociales, tomar consciencia de las relaciones sociales y la autogestión. Hoy en día se ha incluido en los planes de estudio el área socioemocional, porque se ha considerado que no sólo se han de promover conocimientos, sino también actitudes y valores. En el terreno de lo actitudinal es necesario considerar que las emociones forman parte de la formación, además de la socialización en un sentido armónico. Para lograr esto es necesario poner en práctica la inteligencia emocional y los contenidos del área socioemocional. Si se llega a la integración de estos aspectos se dan las posibilidades de encauzar acciones, aspiraciones e ideales hacia propuestas en bien de la sociedad con mayor discernimiento. En especial, en lo que se refiere a la falta de un manejo adecuado de las emociones que derivan en situaciones como: el incremento de la violencia, tanto a nivel personal como social; la indiferencia de las personas ante situaciones alarmantes de desigualdad, injusticia y la incapacidad para hacer frente a un entorno incierto y cambiante; el incremento en el porcentaje de padecimientos psicológicos, tales como ansiedad y depresión, así como en los índices de suicidios. Todos ellos, elementos sintomáticos que ponen de manifiesto la necesidad de formar no sólo personas que tengan los conocimientos y las habilidades que se quieren para insertarse en el mercado laboral, sino personas con la capacidad de reconocer sus propias emociones, de expresarlas sin agraviar a los otros, y con la capacidad de reconocer y aceptar también las emociones de los demás. Para ello, es importante incorporar diversas estrategias, en los diferentes espacios educativos, que permitan formar personas emocionalmente maduras y mentalmente sanas, así como generar una convivencia más pacífica, que derive en una sociedad más armónica y menos violenta (Didac, Nueva época, 2018, p. 04). En el ámbito educativo es importante seguir metodologías que permitan incorporar en las dinámicas de trabajo un enfoque socioafectivo que beneficie los procesos áulicos de enseñanza en los que se ven inmersos maestros y alumnos. Es necesario integrar conceptos, habilidades y actitudes en la interacción social, que permitan el manejo de emociones; y generar la autorregulación de las mismas. La empatía es uno de los 9 �valores esenciales en este tema, y a través de la ética del cuidar, podemos reflexionar acerca del cuidado de nosotros mismos y de los demás, y en este renglón podemos fomentar el cuidado con las emociones para generar ambientes de convivencia armónica. Para tal tarea, se requiere realizar un programa de capacitación del docente para que se apropie de las competencias necesarias para orientar las dinámicas de sus clases incluyendo de manera transversal el enfoque socioemocional, o bien que se implemente como materia que permita reflexionar acerca de la importancia de la expresión y regulación de emociones, para la convivencia social y el desarrollo individual. 10 Al respecto de la enseñanza y del tratamiento de las emociones, cabe mencionar Martes con mi viejo profesor, de Mitch Albom, libro que relata la historia de Morrie, el maestro universitario, que promovía el aprendizaje a partir de la realidad, destacando además la importancia de vivir la emoción, reconocerla y liberarla; liberar la emoción, es para Morrie, desligarse de la emoción, a partir de un proceso. En la portada del libro aparece la leyenda: Es un testimonio sobre la vida, la amistad y el amor. En la primera parte a la que el autor nombra El plan de estudios se lee: “La asignatura era el Sentido de la Vida. La impartía a partir de su propia experiencia” (Albom, 2013, p.17). Otras secciones son: el programa de la asignatura, el alumno, el audiovisual, la orientación y el aula. Luego aparece el seguimiento de las charlas de los martes, cuyo contenido es presentado principalmente a través del diálogo. Hablemos del mundo, es la primera charla, y así van apareciendo las secciones de cada charla, entre otras está hablar de las emociones y hablemos de la cultura. Continuando con lo concerniente a la educación emocional, para reforzar la formación socioemocional, tenemos que el ámbito educativo y artístico, es un escenario donde las emociones confluyen en los actores sociales que convergen en un espacio académico, determinado. Y en el entendido de que se trata de un espacio de interacción y de intercambio de puntos de vista, la formación socioemocional, debe orientarse a todos los involucrados en el proceso de enseñanza, principalmente maestros y alumnos. En el número 72 de la revista Didac se comienza con una experiencia docente que repara en las exigencias y, en muchas ocasiones, las frustraciones propias del ser maestro. En la sección de Fábrica de innovaciones, el artículo “La amenaza del burnout en docentes universitarios” nos invita a reflexionar, a partir de una experiencia concreta, sobre la necesidad de una formación emocional de los docentes, no sólo para comprender y canalizar las emociones de los alumnos, sino para dar cabida y reconocer las propias �emociones... Por su parte, en el artículo “La educación emocional en el contexto universitario”, la autora nos invita a reflexionar sobre la necesidad de tener un manejo adecuado de las propias emociones, para después poder apoyar a los alumnos en su propio crecimiento emocional. Además, se resaltan algunas de las aportaciones de la psicología positiva y se ofrecen algunas alternativas para fortalecer las competencias emocionales. En la sección de La educación a microscopio, el autor nos comparte una experiencia realizada en la Universidad de Playa Ancha (Chile) en la que se incorporan competencias emocionales en la formación inicial docente. En lo que respecta a la sección de Docentes a escena, el autor se refiere específicamente a la empatía como uno de los rasgos fundamentales de la educación socioemocional y rescata la propuesta hecha por Edith Stein, pionera en el manejo de este concepto (Didad, Nueva Época, 2018, p. 5). Burnout, es un término que hace referencia al estrés laboral que se caracteriza por un estado de agotamiento emocional. Este aspecto entre otros, es el que hay que evitar, en la tarea docente, y proveer de las herramientas a través de un programa de capacitación, que permitan diseñar estrategias de trabajo grupal para un buen manejo de emociones, y transmitir esto en su práctica docente en el aula. Por su parte la enseñanza en las artes implica un sentido de libertad, de juego, de imaginación y de creatividad, entre otras herramientas y capacidades. Y poder incidir de una manera más certera en los procesos de aprendizaje es necesario contemplar el cómo aplica lo anterior. El juego(2) es un tema que ha estado en relación con distintos campos y por supuesto con el educativo y el artístico. En este terreno es preciso hablar de un enfoque lúdico, relacionado con los procesos de aprendizaje o con la solución de situaciones. A partir del siguiente planteamiento tratemos de construir una analogía aplicable al campo educativo y de las artes visuales. “… las soluciones más innovadoras a los problemas laborales surgen de un enfoque lúdico: evitando mirar al frente y en lugar de ello intentando buscar ideas alternativas. John Cleese recordaba que parte de los hallazgos cómicos de Monty Phython estaban inspirados en consultas aleatorias en los diccionarios. También opina que las personas responsables de las contribuciones creativas necesitan un oasis de tranquilidad, un periodo concreto al día… Si en ese momento se propone un tema a la mente y se juega con toda una serie de ideas alrededor de ese tema, incluso ideas aparentemente descabelladas, existen muchas posibilidades de obtener una gratificación del subconsciente” (Terr, 2000, p. 204). 2 En El juego: Por qué los adultos necesitan jugar, de Lenore Terr, se abordan razones biológicas por las que elegimos ciertos juegos y formas de jugar. 11 �A través de actividades lúdicas el alumno se va adentrando a los planteamientos y al manejo de contenidos y propuestas, a la búsqueda de soluciones en sí. Al explorar sin prisas de obtener un resultado específico, se genera un reacomodo de la información o de los elementos que se exploran en los procesos creativos o de trabajo. Además, es una manera más natural de acercarse al objeto de conocimiento, y se van estableciendo redes mentales que tienen mucho que ver con la dinámica misma de la actividad y la búsqueda de soluciones de una manera vivencial, flexible y significativa. La creatividad es una capacidad de la que es preciso hablar en el terreno de la enseñanza “…designa a la habilidad o el poder para crear cosas, pero tiene el significado adicional de que dicha habilidad se caracteriza por su originalidad y expresividad, dirigiéndose además a la realización práctica. Se considera sinónimo de imaginación, aunque este término no comprende el sentido práctico” (Schoening, 2004, p. 14). 12 La imaginación podríamos explicarla como la capacidad para generar imágenes mentales, ideas, etc., que en un momento dado pueden convertirse en creaciones innovadoras, y es ahí donde entra la creatividad, en tanto se siga un proceso que permita materializar esas ideas. Veamos la caracterización de las dimensiones cognoscitivas y emocionales y de alguna manera valorar como se entrecruzan dichas dimensiones en los procesos creativos. Para caracterizar estas dos dimensiones se hará referencia a la información que plantea Marisa Corte Ríos, en su libro Inteligencia creadora. Dimensión cognoscitiva Dimensión emocional 1.- Fluidez. Es seguir un proceso de pensamiento construyendo colecciones de ideas y generando una gran cantidad de respuestas relevantes. 1.- Curiosidad. Consiste en jugar con las ideas cuestionándose y siguiendo la intuición para llegar a una solución. 2.- Flexibilidad. Consiste en aproximarse a los eventos en diferentes maneras alternativas, cambiando de categorías y percibiendo el problema de distintas perspectivas. 2.- Complejidad. Es sentir el reto de ordenar elementos que parecen inconexos encontrando las partes faltantes. 3.- Originalidad. se trata de producir ideas nuevas y astutas que conectan lo que anteriormente parecía no tener relación. 3.- Correr riesgos. Es el deseo de expresar ideas aun frente al fracaso o la crítica. Es confianza para seguir elaborando las propias ideas. 4.- Elaboración. Es enriquecer las ideas con detalles interesantes que las hagan expandirse y ser más complejas. 4.- Imaginación y fantasía. Se trata de la habilidad para crear imágenes mentales y de ponerse en el lugar de los demás, con una fuerte intuición de lo que puede suceder. Fuente: Corte, M. (2010) Inteligencia creadora, Trillas: México D.F. �Las dos dimensiones tienen que ver con la integración que hace el individuo de la información que explora y con las respuestas que da en torno a un tema o proceso creativo o de producción. Y aún cuando no podemos establecer cuál es la dimensión que se pone en juego primero en determinado proceso, sí podemos señalar que la dimensión emocional toma lugar específico en los procesos creativos, pero también la cognitiva forma parte de los procesos mentales naturales del ser humano. Quizás algunos consideren que las respuestas creativas dadas a situaciones que se presentan, se dan como un evento aislado, y lo cierto es que tiene relación con un conocimiento previo, y es el resultado de un proceso. Para efectos de estudio es necesario revisar las etapas del proceso creativo, como la etapa de preparación, la de incubación y la de iluminación. Al respecto Marisa Corte nos ofrece lo siguiente, a la vez que nombra dichas etapas. … la creatividad no es un evento único que se logra de manera aislada e instantánea. Requiere que tengamos un determinado cúmulo de información y habilidades relacionadas con la situación que se enfrenta, así como la motivación para jugar con los elementos de una manera diferente. Es la pasión de la curiosidad la que mueve el motor… Asimismo, exige ciertas habilidades emocionales como la tolerancia a la frustración y la perseverancia cuando la mente analítica y lógica se cansa o se bloquea al superarse su capacidad por la situación a resolver. Es la mente creativa la que debe de entrar en acción, por lo que hay que permitir pacientemente el paso a las siguientes etapas antes de poder obtener un resultado nuevo y positivo (Corte, 2010, p.15-16). Cuando la mente creativa entra en acción, estamos en la llamada etapa de preparación. Pero es importante seguir el proceso de las siguientes etapas, para generar la alternativa de solución o de respuesta a la búsqueda emprendida en la primera etapa. La segunda etapa que nombra la autora citada, es la de incubación, a la que considera “una etapa pasiva donde no hay que hacer nada, ya que toda la información, se va al “gran almacén”, y la mente trabaja inconsciente e intuitivamente con ideas, imágenes, sentimientos y asociaciones impredecibles” (Corte, 2010, p.16). Es el momento de empezar a generar conexiones para emprender una especie de búsqueda que se traduce en una generación de imágenes que tienen su origen en experiencia y conocimientos previos; y lo importante en esta etapa es que se viva ese proceso sin ejercer presión interna ni externa, entendiéndose esto último en el sentido de que ni el propio sujeto acelere dicho proceso, ni quien tenga la función de facilitar el aprendizaje en este campo. 13 �La etapa de iluminación, se sucede cuando se obtiene la respuesta o la solución, y que representa el insight. Esta sería la etapa que tiene relación con el hallazgo, o la solución. Y lo que vendría luego, sería el dar una revisión para dar cierre considerando que lo obtenido da respuesta a la situación planteada. Es de vital importancia que este enfoque de encontrar soluciones desde la creatividad sea fomentado en la educación desde las primeras etapas, y por supuesto en el ámbito de las artes visuales, dado que este campo está estrechamente relacionado con esta capacidad, y lo sería tanto para la producción, como para el descubrimiento de nuevos proyectos en el arte. Por otra parte, tenemos los factores neurológicos, en lo que se refiere a los dos hemisferios cerebrales. El hemisferio izquierdo trabaja con los datos de manera lógica y lineal, el hemisferio derecho trabaja con las emociones, la imaginación y la intuición, se considera que este hemisferio es el que se relaciona con la creatividad. Veamos el siguiente cuadro, que contiene información de ambos hemisferios, y cuya información está basada en el libro de Inteligencia creativa. 14 Hemisferio derecho Controla la parte izquierda del cuerpo. Tiene conexión con la creatividad. Encuentra relación en elementos que parecen no tener similitud. Hemisferio izquierdo Controla la parte derecha del cuerpo. Es el más estimulado en la educación tradicional. Capacidades No verbal Sintética Concreta Analógica No temporal No racional Espacial Intuitiva Holística Capacidades Verbal Analítica Simbólica Abstracta Temporal Racional Si bien a nivel educativo y artístico(3), es importante fomentar el desarrollo de ambos hemisferios, hablando concretamente del campo de la enseñanza de las artes, es necesario dar mayor peso al hemisferio derecho, porque es el que está relacionado con las emociones, la imaginación y la creatividad, y manejar una actitud de apertura que permita la espontaneidad y crear ambientes de aprendizaje que generen innovación y originalidad. …éste es el lenguaje de los creadores (artísticos, científicos), en cuanto sobrepasa la pura lógica, para entrar en el terreno de lo original, lo 3 Para el desarrollo de inteligencia creadora puede consultarse el método MAI (método artísticocreativo integrado), y las áreas básicas de trabajo, en el caso de que se trate de talleres de niños. Pueden verse referencias en Inteligencia creadora, pp. 77-79. �diferente e imprevisto. Cómo llegamos a desarrollar este enorme potencial latente en cada ser humano… mediante métodos de relajación, meditación, concentración en una imagen acústica, visual o cinestésica… con la actitud simultánea de dejar fluir todo factor distractor, interno o externo (Brites y Müller, 1999, p. 30). Cabe hacer referencia al pensamiento respecto a la clasificación convergente y divergente, aportación del psicólogo Paul Guilford que data de 1967. El primer tipo es nombrado también pensamiento vertical, al cual se considera lineal y de secuencia lógica y analítica. El pensamiento divergente es referido como pensamiento lateral en el que la imaginación y la creatividad son capacidades clave en la resolución de problemas, o situaciones. Marisa Corte Ríos, lo caracteriza así: “Este tipo de pensamiento es… flexible, explorador, impredecible y lleva diferentes maneras de interpretar y resolver un mismo problema. Estimula la capacidad para correr riesgos y se basa en gran parte en la imaginación y la fantasía para generar una gran cantidad de ideas” (Corte, 2010, p. 25). Ambos tipos de pensamiento son necesarios en la resolución de problemas o situaciones, dado que el divergente permite generar alternativas de solución e ideas de manera libre, flexible, imaginativa y creativa; y el convergente, ordena esa ideas y posibles soluciones, a manera de organización. 15 En el ámbito de enseñanza de las artes y de la educación en general, es de gran valor, crear situaciones de aprendizaje y metodologías de enseñanza que privilegien la exploración del pensamiento divergente, para promover la libertad de expresión, la imaginación, la creatividad, con el fin de poner en juego la generación de ideas y propuestas de solución. Por su parte es necesario considerar las capacidades que se manifiestan a partir del pensamiento convergente, como contribución para la solución de problemas, en un enfoque de integración a la puesta en práctica de las capacidades relacionadas con el pensamiento divergente, de tal manera que ambos tipos de pensamiento sean parte del proceso creativo, el divergente como una búsqueda creativa en libertad, y el convergente como el que estructura y organiza los hallazgos. Dada esta panorámica es de gran utilidad, proponer dinámicas de trabajo que generen ambientes sustentados en metodologías que contemplen los procesos creativos y los tipos de pensamientos que favorecen la creatividad y la imaginación. Para generar ambientes que favorecen la creatividad, podemos tomar en consideración la propuesta que se ofrece en el libro de Inteligencia creadora: �arte y creatividad en la educación (Corte, 2010, p. 29): • Promover la igualdad y el respeto mutuo. • Aceptar las diferencias de opinión. • Buscar varios y nuevos enfoques para los problemas. • Favorecer la imaginación y la fantasía. • Desarrollar habilidades de investigación usando el pensamiento divergente y el convergente. • Crear una comunidad de aprendizaje basada en la confianza y aceptación. En dicho panorama, cómo fomentar la creatividad, es una de las preguntas centrales. Podemos acudir a distintas estrategias, por ejemplo una alternativa es cambiar de contexto. 16 Cuando una persona intenta resolver un importante problema…según Cleese, necesita crear una pequeña distancia con respecto al problema. Esta distancia se establece cambiando momentáneamente el humor o énfasis. Como ejemplo de este tipo de cambio brusco, Cleese hablaba del comportamiento de Alfred Hitchcock con sus coguionistas. Cuando el comité de escritura se enfrentaba a un bloqueo y su actitud se volvía tensa, el director interrumpía la conversación y contaba una historia que no tenía nada que ver con el tema que les afectaba. Al principio, los guionistas se enfadaban con esta tendencia del jefe a salirse de contexto. Más tarde se dieron cuenta que el maestro del suspenso se comportaba así a propósito. Relájense, dijo un día al grupo cuando su enfado era obvio. Ya llegará. Y… tras un pequeño descanso, surgían nuevas ideas para la historia (Terr, 2000, p. 204). En la educación y la enseñanza en sí, se debe implicar la construcción de conocimientos y soluciones a problemas, poniendo en juego estas capacidades que hemos destacado: creatividad, imaginación, expresión, y considerar también la observación.Leonardo da Vinci, al diseñar sus modelos aeronáuticos, partió de los datos obtenidos mediante la observación de las aves y, en su esquema de helicóptero, aplicó en principio del tornillo, suponiendo correctamente que ese artificio elevaría el aparato. Sabemos que Leonardo, destacó en el arte: pintura, la arquitectura, la escultura y en otras áreas del conocimiento como la anatomía, la óptica, la hidrodinámica y la ingeniería; y en el campo de la invención (Schoening, 2004, p. 30). �Recordemos esa obra maestra de la Gioconda o Mona Lisa (señora Lisa), donde además capta una sonrisa enigmática en el personaje, y una mirada que pareciera que sigue al espectador; y el muy bien logrado claroscuro, entre otras técnicas. Su gran maestría y detallada observación, lo llevaron a grandes obras en el arte y grandes hallazgos en la ciencia. Además de lo ya planteado al respecto del desarrollo de la creatividad, de la imaginación y otras capacidades que tienen estrecha relación con la enseñanza de las artes y con el campo educativo, abordemos la técnica de la combinación. En ésta tiene lugar la actividad de jugar con varios elementos, alternativas o soluciones de manera libre y sin establecer juicios previos, para generar una mezcla con esos elementos, o bien pueden ser materiales o ideas, en donde tiene lugar la creatividad y cuyo resultado de ese proceso es una respuesta a la búsqueda emprendida, ya sea la resolución de un problema o situación o de una propuesta artística. Puede ponerse en práctica como técnica o bien puede manifestarse de manera espontánea sin habérselo propuesto, o sin haberlo hecho consciente. Si tratáramos de explicar cómo se da ese proceso de combinación podríamos decir que van surgiendo ideas e imágenes en nuestro pensamiento y en nuestra imaginación y que se va dando un proceso de selección y por ende de combinación a través de la mezcla de esas imágenes que se van generando durante el proceso creativo-imaginativo, que finalmente da como resultado una resolución. Veamos la siguiente dinámica para ilustrar lo anterior: Empiece elaborando un pensamiento. Cierre los ojos y piense en un gato. Éste aparecerá como un cuadro en su mente. Es posible que se trate de un gato que usted conoce, o bien de su propia idea acerca del gato, el concepto que por semejante tiene de lo que es un minimo. De cualquier modo, su pensamiento tendrá forma y color; puede asociar también un olor y, tal vez, el maullido del animal… Recuerda igualmente la sensación que su pelambre produce al tacto, así con otros detalles… Ha integrado una imagen con ayuda de los elementos proporcionados por la experiencia… Elabore ahora una idea: piense en algo inexistente, tanto que aún expresarlo resulte difícil. Pero el hecho más común es el que describimos a continuación. Decida representar mentalmente un monstruo, una máquina caprichosa o un vegetal desconocido… ha logrado una idea que no tiene equivalente en el mundo físico. Es invención pura. Sin embargo, advierta una limitación: sus ideas, por más fantásticas que resulten tienen un vínculo con la experiencia…Así cualquiera que sea 17 �el producto imaginativo, al dar rienda suelta a la fantasía descubrirá que su idea está sujeta a su propia experiencia: ha tomado elementos conocidos, mismos que puede identificar aisladamente, para generar una idea original … “La mente en consecuencia, crea el futuro proponiéndolo; si bien es requisito que el creativo convierta su propia propuesta en acción. Podemos concluir por tanto, que si una idea nueva es el resultado de la combinación de ideas o elementos familiares, esta combinación dará mejores frutos en la medida en que las asociaciones de ideas o elementos no estén limitadas (Schoening, 2004, p. 29). Con esta ejemplificación vemos que se generan imágenes a partir de un punto, donde entran en activación la imaginación (en tanto sucesión de imágenes y/o símbolos), la combinación, la asociación y la creatividad, y lo que sigue a esto es materializar la idea o la propuesta, misma que tendrá resonancia, en medida de que sea original, innovadora, entre otras categorizaciones. Considerando que la imaginación es un proceso crucial para la generación de ideas y de imágenes, hemos visto que está ligada a experiencia o conocimientos previos. “Albert Einstein afirmaba que la imaginación es más importante que el conocimiento, pero no debemos olvidar que el conocimiento es un alimento primordial para la imaginación: es realmente tu combustible” (Schoening, 2004, p.62). 18 Ahora bien, de dónde viene la creatividad. Se ha subrayado que la experiencia, lo que resulta familiar y además el conocimiento previo son el antecedente para la innovación, la propuesta o la invención. Cierto la creatividad y la imaginación no vienen de la nada. Vigostsky(4) nos da una certera explicación al respecto (Vigostsky, 1986). …la actividad creadora de la imaginación se encuentra en relación directa y la diversidad de la experiencia acumulada… Cuanto más rica sea la experiencia humana, tanto mayor será el material del que dispone esa imaginación… Si examinamos la historia de las grandes invenciones, de los mayores descubrimientos, podremos comprobar que casi siempre surgieron en base a enormes experiencias previamente acumuladas. Precisamente toda fantasía parte de esta experiencia acumulada; mientras más rica sea esta experiencia, a igualdad de las restantes circunstancias, más abundante deberá ser la fantasía. 4 Vigostsky, en La imaginación y el arte en la infancia, expone de manera muy explícita acerca del origen de la creatividad. Establece además que el niño tiene más creatividad que el adulto, y el adulto tiene más conocimiento que creatividad. �Después del momento de acumulación de experiencia, empieza -dice Ribot (2008, p. 5)- el período de maduración o decantación (incubación). En el caso de Newton duró 17 años y, en el momento en que estableció definitivamente sus cálculos y descubrimientos, estaba invadido de una emoción tan fuerte que hubo de dejar a otro el cuidado de concluir sus cálculos. El matemático Hamilton expresó que su método de los cuaterniones surgió totalmente listo en su mente cuando se encontraba en el puente de Dublín: En aquel instante obtuve el fruto de 15 años de esfuerzos. Darwin recopiló datos a lo largo de sus viajes, observó largamente animales y plantas y más tarde, la lectura de un libro de Malthus caído casualmente en sus manos le impactó ajustando definitivamente su doctrina. Ejemplos semejantes literarias y artísticas. pueden encontrarse también en creaciones En el ejemplo anterior se destaca que la experiencia, la maduración o decantación de la idea y la emoción, forman parte del proceso creativo. Para Vigostsky, la creatividad viene de un conocimiento previo. Por eso es importante que el estudiante de las artes visuales, nutra su experiencia previa, con otras experiencias adquiridas a través de distintos medios, como el desarrollo de la sensibilidad, abordaje de los aspectos teóricos planteados por estudiosos de este ámbito, de prácticas artísticas relacionadas con distintos contextos, a través de conferencias y de conexión con los distintos ámbitos sociales y culturales, entre otros ambientes. Y que además se empiecen a trazar rutas diversificadas en la enseñanza, a nivel de mapeo de interacción, para promover que el estudiante esté en conexión con distintos ámbitos y que interactúe para que se den desde la práctica esas competencias de flexibilidad, creatividad y diversidad sociocultural, en la resolución de situaciones o gestión de proyectos artísticos. Por otra parte, que se pongan en acción las otras competencias como la responsabilidad social y ciudadana, investigación, crítica y autocrítica, ética, entre otras. Con las aportaciones de los distintos autores referidos en este trabajo, vemos que se destaca que la experiencia y el conocimiento previo son antecedente para la imaginación y la creatividad, de tal manera que un aspecto central es ampliar esa experiencia y el conocimiento, pero a través de distintas fuentes, dado que todo se retroalimenta con vivencias y con distintos procesos cognitivos que tenga su origen en distintos tipos de conocimiento, como: empírico, científico, intuitivo, sensible, intelectual, etcétera. Y aun cuando el campo de las artes tiene mucho que ver con el conocimiento sensible, también requiere en términos profesionales, retroalimentarse de la investigación. Veamos lo siguiente: 19 �Si usted ha leído autores como… Irving Wallace (El premio, La palabra, El hombre), León Uris (Éxodo, Mila 18, Trinidad), Alejo Carpentier (El siglo de las luces, El recurso del método), Jorge Luis Borges (Ficciones, Historia universal de la infamia) y otros de la misma talla, observará que su trabajo imaginativo está respaldado, además por una laboriosa tarea de investigación que da profundidad y verisimilitud a sus obras (Schoening, 2004, p. 62). El artista lector e investigador, podrá nutrir sus procesos imaginativos y creativos a través de un bagaje, que le permita acceder a la creación de otros contextos, otros panoramas, otras propuestas. Y bien el mismo proceso creativo, se convierte en un proceso de investigación, que incluso puede tener mucho valor no sólo en el campo de las artes, también en otros campos, como el científico, y en otras áreas del conocimiento como la antropología, la sociología, etnografía y la psicología, etcétera. Recordemos que la interdisciplinariedad es una de las grandes posibilidades para fundamentar y explicar fenómenos de estudio de las artes visuales, a través de esa combinación de enfoques de las distintas áreas del conocimiento o disciplinas involucradas. Distintos teóricos han dado sus aportaciones al respecto de la educación y de la formación en el arte, cada cual con su enfoque. Entre ellos, podemos mencionar a Pestalozzi, Froebel, Jhon Dewey, Viktor Lowenfeld, entre otros. Dichas aportaciones han contribuido a que se considere la formación artística, el juego y la expresión, en las primeras etapas escolares, cada cual con su enfoque específico. 20 Además de este acontecer histórico (que amerita un desarrollo temático para otros trabajos en los que se requiera referir aportes en el campo de la pedagogía(5), que data del siglo XIX y XX, destacamos por otra parte, que a inicios del siglo XXI se establece lo siguiente: La UNESCO señala formalmente que todos los seres humanos tienen la necesidad y la capacidad de crear. Cada uno debe buscar la forma de expresarse creativa y artísticamente para poder participar en la vida de su comunidad. Agrega que el fomentar la expresión artístico-creativa desde temprana edad es una de las mejores garantías para crecer en un ambiente sano de autoestima y respeto mutuo. Se reconoce que la creatividad y el arte, no brotan de la nada, sino que deben alimentarse con libertad y prosperar al amparo de una protección educativa y jurídica sin represión ni censura. La UNESCO promueve el fomento de entornos sociales y jurídicos propicios para el pensamiento crítico y la 5 Para profundizar acerca de este tema, se sugiere el libro Los grandes pedagogos, de FCE. Contiene estudios realizados bajo la dirección de Jean Cháteau. También ha publicado Las fuentes de lo imaginario. �actividad artístico-creativa en todas sus formas (Corte, 2010, p.44). Lo anterior señala, la importancia que se ha concedido a la creatividad y al arte. Este campo ofrece la posibilidad constante de crear nuevos lenguajes que expresen las distintas maneras de contemplar y de interaccionar en el mundo. Laureda expone que “Mediante el lenguaje nos representamos la realidad a nuestra medida… Al tiempo que hacemos el lenguaje, este nos va creando”. (Elizondo, et al, 2008). Cierto el lenguaje es un medio para crear y en la medida que estamos inmersos en procesos de creación, nos retroalimentamos a través de dichos procesos. Marisa Corte Ríos (2010, p.10), afirma que, “las investigaciones en las áreas de la neurología, psicología y pedagogía han demostrado que el ser humano está maravillosamente diseñado para ser un gran creador y solucionador de problemas, por lo que en muchos países ya es una realidad contar con el manejo del área creativa de manera estructurada y formal en los programas de estudio. El verdadero valor del siglo XXI será ofrecer a la sociedad individuos mejor educados en términos cualitativos para que puedan responder mejor a sus necesidades y a las de su comunidad y su cultura. Es ahí donde el taller de arte y creatividad entra en acción para lograr este valor agregado en el medio educativo: lograr el equilibrio ofreciendo oportunidades para explotar creativamente, experimentar e innovar”. Como se expuso a lo largo de este trabajo la creatividad y la imaginación son esenciales en la innovación. Luis de Lezama (2017), se plantean la siguiente interrogante: ¿Cómo será la escuela que pueda desafiar y modificar los nuevos tiempos?... Será, sin duda, una institución que lo haga con los datos del contexto, que pueda funcionar como una red de conocimientos e interacciones entre personas para construir en forma conjunta y creciente una visión compartida. Una institución que se anime a experimentar e investigar nuevos enfoques, que aprenda de su experiencia pasada sin detenerse en ella. Que tenga una reacción proactiva frente a los problemas, aprenda de otros y logre transferir conocimientos. Que sea creativa, promueva espacios de aprendizaje y reflexión institucional entre sus miembros. … Su ámbito de trabajo se convertirá así en un entorno de aprendizaje, lo que exige que la práctica se torne una actividad innovadora en la que hay lugar a la planificación flexible… y una mayor autonomía para actuar… una institución que tenga conocimientos en acción (Aguerrondo y Xifra, s/f, p. 9). 21 �Conclusión En lo que sigue, tenemos una propuesta de los contenidos que hay que considerar como puntos centrales en la enseñanza, en las artes visuales, sin dejar de lado la implementación de un Taller de arte, como parte de programa curricular: • Apreciación de obras en el entorno, en museos, galerías y otros. • Arte figurativo, geométrico y abstracto, en el trayecto de la historia del arte. • Composición de la imagen: elementos del lenguaje visual (elementos básicos, dimensionales y tridimensionales, forma, color, textura, perspectiva, simetría, asimetría, etcétera). • Expresión de imágenes artísticas. • El cuerpo humano en las artes visuales, en el acontecer histórico artístico y cultural. • Retrato y autorretrato. • Producción artístico-visual. • Obras colectivas: Características, materiales y propuestas artísticas. • Arte de vanguardia: obras, artistas representativos, y propuestas. • Arte contemporáneo: Características relevantes. 22 Por otra parte, es de sustancial desarrollo académico en la enseñanza de las artes, hacer del espacio escolar una comunidad de aprendizaje basado en la inclusión, la igualdad y el diálogo, en la que se dé una variedad de actividades que fomenten la experiencia formativa del estudiante: talleres, conferencias, exposiciones, etcétera. Es preciso este tipo de enfoques que da paso a la variedad de perspectivas, lo que enriquece la visión de los involucrados y del proyecto educativo en sí. “Tiene sentido que lleguemos a acuerdos y los plasmemos en proyectos educativos, de manera que… una institución educativa sea no sólo un conjunto de aulas, docentes y alumnos, unidos por la exigencia legal de aplicar un currículo escolar, sino un espacio para aprender en libertad” (Sánchez, T. p. 152). Las actividades que imperen deberán promover una conexión con los contenidos programáticos y descubrir otros, que retroalimenten las prácticas y los procesos formativos artístico-educativos. �Referencias Aguerrondo, I. y Xifra, S. (s/f) Educación, 200. Papers editores.: Argentina Albom, M. (2013). Martes con mi viejo profesor. Océano exprés MAEVA.: México D.F. Bayley R. (2008). Diálogos, Fórum Universal de las culturas. Fondo Editorial de Nuevo León.: Monterrey Nuevo León Brites, G. y Múller, M. (1999). Juegos desde la imaginación. Bonum.: Argentina. Corte, M. (2010). Inteligencia creadora: Arte y creatividad en la Adriana Hernández Loredo educación. México D.F.: Trillas. Didac Nueva Época / No.72 / Julio-Diciembre 2018 / Universidad Iberoamericana. Recuperado de: http:// revistas.ibero.mx/didac/uploads/volumenes/27/ Doctora en Artes y Humanidades. Se desempeña como docente y pdf/Didac72_web.pdf como Consultora de Desarrollo Académico en la Facultad de Artes Elizondo, G. Loureda, O. Dahlet, P. Kumaravadivelu, B. Visuales de la UANL. Es licenciada en Pedagogía por la Facultad de Colombi, M. Langman, J. y Bayley R. (2008). Filosofía y Letras de la UANL, y en Lengua y literatura española por Diálogos, Fórum Universal de las culturas. Fondo la ENSE. Sus estudios de maestría los realizó en el área de Educa- Editorial de Nuevo León.: Monterrey Nuevo León. ción por el arte. Recibió la premiación por el programa Excelencia Lucas. B. y Claxton G. (2014). Nuevas inteligencias, nuevos docente, por parte de la SEP, y en el 2009 recibió un reconocimien- aprendizajes. Narcea, S.A. de ediciones Madrid.: to del ITESM por la colaboración con el grupo estudiantil de Arte y España. cultura: ADAI. Ha participado como ponente en distintos congresos Sánchez, T. (2005). Un lugar para soñar. Reflexiones para una escuela posible. Homo Sapiens Ediciones.: Argentina Schoening, A. (2004). La fábrica de ideas, como desarrollar el potencial creativo. Trillas.: México D.F. TecnoLógicas (2018) ISSN-p 123-7799 ISSN-e 2256-5337 Vol. 21, No. 41, pp.115-134 enero-abril de 2018). Terr, L. (2000). El juego: por qué los adultos necesitan jugar. Paidós Ibérica, S.A.: Barcelona, España. Vigotsky, L. (1986). La imaginación y el arte en la Infancia. Akal.: Madrid. Vigotsky, Lev. (2006). Psicología del arte. Paidós.: Barcelona, España. Zavalza, M. (2000). Diseño y desarrollo curricular. Narcea, S.A.: Madrid, España. a nivel nacional e internacional. 23 �La evaluación en la teleformación y herramientas para la creación de exámenes. Sandra Gpe. Altamirano Galván ORCID: 0000-0001-7498-8355, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. sandra.altamiranoglv@uanl.edu.mx 24 Resumen Palabras clave: educación a distancia, tecnología educativa, métodos de evaluación, evaluación educativa, examen. La evaluación en línea es un tema de gran relevancia en la actualidad, pues la educación siempre ha tenido como elementos principales, la enseñanza, el aprendizaje y la evaluación del aprendizaje. No solamente es importante que el estudiante se encuentre presente en el curso virtual, sino que además demuestre las competencias adquiridas, y su desempeño pueda ser evaluado a partir de diversas actividades o exámenes. Bajo el contexto mencionado, un grupo de estudiantes de nivel superior en una institución pública en la ciudad de Monterrey, N.L. México, realizaron una serie de actividades que les permitieron investigar, debatir y concluir de manera colaborativa sobre el tema de la evaluación. Como primera actividad realizaron exámenes usando herramientas en línea y posteriormente debatieron durante dos semanas un conjunto de preguntas de investigación referentes a la evaluación de los aprendizajes en línea a través de un foro de discusión. Los resultados obtenidos con base en el análisis de los aportes que los estudiantes hicieron en el foro de discusión y con base en la encuesta sobre la �experiencia de aprendizaje que se aplicó al concluir el debate, demostraron que la evaluación es un punto crucial en la educación virtual que debe ser contemplado desde que se realiza el diseño instruccional y debe generar un seguimiento en el desempeño del estudiante durante todo el proceso de enseñanza-aprendizaje que permitiría garantizar su identidad. Por otro lado se demostró que las herramientas para la creación de exámenes en línea son de gran utilidad y pueden ser un recurso que en conjunto con la práctica, permitan una evaluación global del alumno. Así también se demostró que los estudiantes se encontraron satisfechos con su experiencia de aprendizaje durante el desarrollo de las diversas actividades en torno al tema. Abstract Online assessment is a topic of great relevance today, as education has always had teaching, learning and learning assessment as its main elements. Not only is it important for the student to be present in the virtual course, but also to demonstrate the skills acquired, and their performance can be evaluated from various activities or exams. Under the mentioned context, a group of students from a public institution in the city of Monterrey, N.L. Mexico, carried out a series of activities that allowed them to research, debate and conclude collaboratively on the subject of evaluation. As a first activity, they took exams using online tools and later debated for two weeks a set of research questions related to the evaluation of online learning through a discussion forum. The results obtained based on the analysis of the contributions that the students made in the discussion forum and based on the survey on the learning experience that was applied at the end of the debate, showed that evaluation is a crucial point in education Virtual that must be contemplated from the moment the instructional design is carried out and it must generate a follow-up in the student’s performance throughout the teaching-learning process that would guarantee their identity. On the other hand, it was shown that the tools for creating online exams are very useful and can be a resource that, together with practice, allow a global evaluation of the student. Thus, it was also shown that the students were satisfied with their learning experience during the development of the various activities around the topic. 25 Key words: distance education, educational technology, evaluation methods, educational evaluation, exam. �Introducción La educación ha tenido que adaptarse rápidamente a las nuevas modalidades, establecer nuevas estrategias, metodologías y modos de evaluar. 26 La existencia de las nuevas tecnologías de la información y la comunicación ha transformado a las sociedades y ha generado una evolución radical en el ámbito educativo, provocando que la educación ya no solamente se desarrolle en el escenario tradicional presencial, sino que ahora existan también nuevos escenarios apegados al mundo virtual. Es así como surge la teleformación conocida como la formación online, a través de la cual se genera un aprendizaje mediado por la tecnología. Con estas transformaciones, la educación ha tenido que adaptarse rápidamente a las nuevas modalidades, establecer nuevas estrategias, metodologías y modos de evaluar. Pues el dominio de lo tradicional no es suficiente, debido a que la modalidad virtual exige nuevas competencias para los protagonistas del proceso. La evaluación en la modalidad virtual es un tema que se ha apoderado de muchas investigaciones educativas, debido a la gran importancia que tiene y a las problemáticas que se van generando a medida que se incursiona más en la práctica. Es así que los profesionales en la educación virtual se preguntan ¿Cómo evaluar al estudiante?, ¿Cómo saber si el alumno ha obtenido realmente un aprendizaje significativo en el curso?, ¿Qué elementos deben considerarse en la evaluación?, ¿Cómo deben crearse los exámenes en línea? ¿Con qué herramientas contamos para la creación de exámenes? e incluso ¿Cómo garantizar la identidad de quién responde un examen en línea? Todos estos cuestionamientos son relevantes en la teleformación, pues permiten mejorar los procesos educativos virtuales y con ello, lograr en el estudiante el objetivo principal, que es el aprendizaje, pero además lograr una evaluación del desempeño del estudiante y con ello comprobar el conocimiento obtenido. Fundamento Teórico La teleformación que también es conocida como formación on-line, cursos on-line, formación virtual, formación a distancia, campus virtual, no es más que el aprendizaje virtual a través de medios tecnológicos ( Rubio, 2003, p. 5). Rosenberg (2001), citado por Rubio (2003, p.2) define la teleformación como el uso de las tecnologías basadas en Internet para proporcionar un amplio despliegue de soluciones a fin de mejorar la adquisición de conocimientos �y habilidades. La evaluación según Bo, Sáez y Belloch (1999, p.1), es un proceso de recabar información relevante, en este caso, sobre el rendimiento alcanzado; para tomar decisiones con garantías sobre los objetivos que se fijen en el programa. Así también, debemos tomar en cuenta que la intencionalidad de la evaluación (Bo, 1999, p.1) es asumir una perspectiva global de la evaluación del rendimiento de forma integrada con el conjunto del programa de formación, esto es, adoptando un planteamiento explícito de las dimensiones formativas y sumativas de la evaluación. Las evaluaciones a distancia, según Cabero y Gisbert (2002), parten de consideraciones previas en cuanto a que son coherentes con el paradigma de aprendizaje, consideran la posibilidad de ofrecer respuesta inmediata, contemplan el objetivo, el tiempo y otras variables para describir la autoevaluación y la evaluación colaborativa; y utilizan diferentes estrategias de evaluación. Los tipos de evaluación del aprendizaje en la enseñanza a distancia según Quesada (2006) son la autoevaluación, que es la que hace uno mismo acerca de su propio desempeño; la heteroevaluación, que es cuando el profesor, tutor o compañeros evalúan el aprendizaje alcanzado por el alumno; la evaluación basada en el grupo, que parte del desempeño que tuvieron los miembros del mismo; la evaluación basada en criterios, que se fundamenta en niveles que se deben cumplir; la evaluación sistemática, que se realiza en un tiempo previsto para ello, con una planeación y definición previas; y la evaluación cuantitativa y cualitativa, en la primera se cuida la objetividad y el rigor, en la segunda se usan métodos más informales para abundar en la información. Las rúbricas según Torres y Perera (2010, p.142) en Marín,Cabero y Barroso (2012, p. 355) son un instrumento de evaluación basado en una escala cuantitativa y/o cualitativa asociada a unos criterios preestablecidos que miden las acciones del alumno sobre los aspectos de la tarea o actividad que serán evaluados. Son guías de puntuación usadas en la evaluación del desempeño de los estudiantes que describen las características específicas de un producto, proyecto o tarea en varios niveles de rendimiento, con el fin de clarificar lo que se espera del trabajo del alumno, de valorar su ejecución y de facilitar la proporción de feedback (Andrade, 2005; Mertler, 2001 en Fernández, 2010). Existen dos tipos de rúbrica según Gatica (2012); la rúbrica global, comprehensiva u holística que hace una valoración integrada del desempeño del estudiante, sin determinar los componentes del proceso o tema evaluado, se trata de una valoración general con descriptores correspondientes a niveles de logro sobre calidad, comprensión o dominio globales; y rúbrica analítica, que se utiliza para evaluar las partes del desempeño del estudiante, desglosando sus 27 �componentes para obtener una calificación total. Puede utilizarse para determinar el estado del desempeño, identificar fortalezas, debilidades, y para permitir que los estudiantes conozcan lo que Quesada (2006) señala 10 instrumentos de evaluación del aprendizaje en la enseñanza a distancia “en línea” tales como; prueba objetiva, preguntas intercaladas, prueba adaptativa, prueba de ensayo, proyecto, lista de verificación, escalas, rúbrica, portafolio, mapa conceptual. Así también, Curbelo (2010) menciona algunas herramientas basadas en las plataformas empleadas para la educación a distancia que permiten la evaluación, de las que destaca; Moodle, Asignaciones, Charla, Elección, Foro, Glosario, Lección, Examen, Recursos, Scorm, Encuesta. 28 Los principios de la evaluación en la enseñanza a distancia “en línea” según Quesada (2006) son, la confiabilidad, que los instrumentos para la evaluación reflejen el nivel del logro del estudiante y las actividades de aprendizaje se conviertan en medios de evaluación; la validez, que los instrumentos reflejen si el alumno “sabe” o “sabe hacer” lo que se espera; la objetividad, que la evaluación del estudiante se base en lo que se conoce de él, es decir, sus trabajos, comentarios y ejecuciones, así también se evite la subjetividad y los favoritismos, prejuicios, corrupción o cualquier elemento ajeno al atributo que se evalúa; y por último la autenticidad, que la prueba manifieste que los procesos intelectuales son congruentes a aquellos que el alumno usará en las situaciones reales de aplicación del conocimiento en cuestión. Los fundamentos de diseño de exámenes en red según Curbelo (2010) son: El propósito del examen, ya sea practicar, medir conocimientos y/o comprobar lectura; tener una base de preguntas, con un número considerable de reactivos de tal forma que si permite tener una variedad de exámenes, disminuye la posibilidad de copia; nivel de dificultad, se aconseja que se vaya incrementando conforme avancen las preguntas, de lo contrario puede desmotivar a los estudiantes si se empieza con preguntas complejas; el tiempo que le tomará al estudiante contestar el examen, el profesor debe comunicar con claridad la fecha y la hora en que se aplicará el examen, así también la duración aproximada y dar las instrucciones que orienten al estudiante en cómo ir contestando las preguntas; el lugar, se puede preparar una sala con computadoras con lo necesario para presentar el tipo de examen, sin distracciones y con soporte técnico; y por último, las instrucciones, pues generalmente presentar un examen causa estrés, por lo tanto es imprescindible que el profesor brinde instrucciones claras, como requerimientos técnicos (tipo de navegador, si se permiten o no abrir ventanas emergentes, etc.). �Hipótesis En la actualidad se cuestiona mucho a la evaluación en línea en educación en teleformación, por el tema de que no hay garantía de la identidad de la persona evaluada. Es decir, que un estudiante se puede hacer pasar por otro en la presentación de un examen. Así también se cuestiona el hecho de que las herramientas para elaborar los exámenes en línea podrían no ser adecuadas para medir realmente el aprendizaje del estudiante. Para estudiar esta hipótesis se propusieron las siguientes preguntas de investigación. Preguntas de Investigación A partir de la evaluación diagnóstica, formativa y sumativa: ¿Cuál sería una propuesta para resolver el problema de garantizar la identidad de quien presenta un examen en la teleformación? Analizando las herramientas existentes para elaborar exámenes en línea: ¿Permiten medir realmente el aprendizaje del estudiante? ¿Cuáles son sus fortalezas y cuáles son sus debilidades? 29 Metodología El presente estudio utilizó una metodología mixta, de investigación-acción, en la cual participaron 6 estudiantes. Se realizó una revisión teórica y documental de temas relacionados con la educación y la evaluación, por lo que los estudiantes analizaron dichos temas. Posteriormente se realizó una actividad sobre las herramientas para la creación de exámenes, en donde cada uno de los participantes elaboró un examen sobre un tema asignado de los revisados anteriormente, esto en la plataforma GoConqr, antes llamada ExamTime. A partir de esto se participó en un foro de discusión, el cual fue moderado para responder a cada una de las preguntas de investigación, posteriormente se realizó un análisis de los aportes sobre el foro y se realizó un resumen. Al finalizar el foro, se llevó a cabo un sondeo de opinión conformado por 13 preguntas conformadas por una escala del 1 para el valor mínimo y el 10 para el valor máximo, donde el objetivo fue evaluar la percepción de �la calidad de los recursos de aprendizaje, la dinámica de moderación y la calidad del aprendizaje de los estudiantes en torno al foro de debate. Resultados Durante la elaboración de los exámenes se creó una dinámica grupal en la cual cada estudiante respondió a la evaluación en línea. Dicha evaluación generaba resultados al finalizar, dando un porcentaje de aciertos, así también se podían consultar las preguntas que habían sido resueltas correctamente y las que fueron incorrectas. Esto permitía una retroalimentación para cada alumno, pues de inmediato podía conocer su desempeño y ser consciente del nivel de conocimiento que tenía sobre el tema. Algunos estudiantes respondieron el examen varias veces obteniendo mejores resultados a medida que avanzaban, otros solamente lo respondieron una vez. El resultado de este ejercicio, fue el conocimiento de la herramienta, tanto para quien diseñó el examen como para quien lo respondió, pues cada estudiante tuvo la oportunidad de desempeñar dos roles, uno como diseñador del examen y otro como alumno que resolvía el examen, y con ello, lograron ampliar aún más su conocimiento. 30 Durante el foro se discutieron las preguntas de investigación. En la primera pregunta: A partir de la evaluación diagnóstica, formativa y sumativa ¿Cuál sería una propuesta para resolver el problema de garantizar la identidad de quien presenta un examen en la teleformación?, se obtuvieron diversas propuestas, una de ellas fue que la identidad podía garantizarse mediante el lector de barras de la credencial de estudiante así también que durante el examen se podría considerar, realizar la captura de una muestra biométrica de su huella digital en breves intervalos de tiempo, sin interferir en la tarea del examen. Otra propuesta fue que se podía abrir una aplicación de videollamada, en teleformación face to face, o bien, que el estudiante tomara video haciendo el examen y lo enviara. Otra idea similar a ésta fue la de generar una evaluación global, integrando el sonido y el video en una videoconferencia para responder en una de las sesiones a la evaluación y al mismo tiempo estudiar la cara del estudiante para demostrar que el sujeto tiene argumentos y coherencia, llevando todo esto a una posible argumentación filmada y escrita, junto a preguntas con reactivos de alto grado de análisis, comparación, metacognición y resolución de problemas en el menor tiempo posible. Otra idea fue tener centros especializados para ir a contestar las evaluaciones con un tiempo regulado. �Una propuesta diferente para abordar la garantía de identidad fue la de quien apostó por la evaluación formativa; pues la información continua que arroja este tipo de evaluación serviría para reforzar, ajustar y dirigir el proceso de aprender para la obtención de mejores logros y es así como el resultado no se limitaría a lo obtenido en un examen. Y una última propuesta hizo referencia a la elaboración de los Criterios de Evaluación en el escenario virtual, ya que serían el marco circunscrito para averiguar la posición del estudiante con respecto a las metas establecidas, diagnosticar sus fortalezas y debilidades, así como tener la posibilidad de tomar decisiones para el mejoramiento del proceso formativo. Con ello, tenemos que es importante conocer la intención de la evaluación y cómo se está utilizando para que realmente se logre formar al estudiante y no causar en él inseguridades o desmotivación. Por otro lado, el crear mecanismos de comunicación con el estudiante, permiten al docente acercarse a él, ayudando de este modo a conocer su identidad y durante todo el proceso, reconocerlo, permitiendo una mayor confianza de que es el mismo estudiante el que ha realizado sus actividades y evaluaciones a lo largo del curso. En las siguientes preguntas del foro: Analizando las herramientas existentes para elaborar exámenes en línea, ¿Permiten medir realmente el aprendizaje del estudiante? ¿Cuáles son sus fortalezas y cuáles son sus debilidades?, se obtuvieron diversas respuestas; una de ellas fue que sí permiten medir el aprendizaje del alumno, ya que este tipo de pruebas se utiliza para medir resultados de aprendizaje que pueden ser simples como el conocimiento; o complejos, que se enfocan en la comprensión, aplicación e interpretación. Con respecto a las fortalezas y debilidades, en general se mencionó que algunas debilidades de las herramientas para elaborar exámenes en línea son que el profesor requiere conocimientos para su correcto uso, así también debe tener en cuenta, además de los resultados del examen, el nivel de interactividad con los alumnos o la autoevaluación del aprendiz. Y por otro lado, dichas herramientas son incapaces de medir ciertos aspectos como la creatividad y en ocasiones se pueden prestar a la adivinanza. En cuanto a las fortalezas se menciona que el alumno aprende a responsabilizarse de su propio proceso de aprendizaje, pasa de ser un sujeto pasivo a un sujeto activo, se enfrenta a las nuevas herramientas tecnológicas como medio de interactividad en el entorno educativo y además permite traspasar obstáculos geográficos. Por otro lado, se mencionó que es importante no limitarse a los exámenes como único medio de evaluación; sino que se pueden utilizar otras herra Es importante no limitarse a los exámenes como único medio de evaluación. 31 �Las herramientas existentes no ofrecen garantía de reflejar fielmente el nivel de construcción de aprendizajes. 32 mientas tecnológicas como complemento, por ejemplo los foros de discusión, el correo electrónico, las encuestas, los chats y las videoconferencias. Incluso en la evaluación del aprendizaje el profesor no es el único que califica, se puede ayudar de instrumentos de autoevaluación y también pueden intervenir los compañeros. La evaluación debe ir más allá de los resultados obtenidos en un examen; debe tener en cuenta el proceso de aprendizaje, la capacidad de trabajar de forma colaborativa y el grado de participación. Y por último, se menciona que las herramientas existentes no ofrecen garantía de reflejar fielmente el nivel de construcción de aprendizajes, puesto que las herramientas para elaborar exámenes no representan en sí mismas certeza para medir los aprendizajes, es la estrategia, la metodología, los estándares y los criterios bien definidos, en una intención de puesta en práctica de los saberes adquiridos, lo que posibilitará que, tanto alumno como docente, confirmen la apropiación, o no, de los aprendizajes. El examen debe cumplir con objetivos y contenidos claros, así también el docente debe contar tanto con las competencias tradicionales como con las competencias tecnológicas para lograr los objetivos planteados con la aplicación del examen, que es medir el aprendizaje real del alumno. En cuanto al sondeo de opinión de este tema, se conformó de un total de 13 preguntas en donde se usó una escala del 1 para el valor mínimo y el 10 para el valor máximo. Dicho sondeo tenía dos propósitos; uno fue evaluar la percepción de la calidad de los recursos de aprendizajes - presentación sobre el tema y un mapa de recursos de apoyo al aprendizaje- y el otro fue evaluar la calidad del aprendizaje entorno al foro de debate. Los resultados fueron los siguientes; en cuanto a los recursos aportados para el aprendizaje correspondiente como la presentación y el mapa de recursos, se obtuvo un 10. En la pregunta que hacía referencia a que si el foro de discusión llenó las expectativas en el sentido en que le ayudó al encuestado a profundizar el conocimiento del tema, se obtuvo un 9.3. En cuanto a la pregunta sobre si la moderación y tutoría del foro llenó las expectativas en el sentido que suscitó la interacción del grupo, motivó la generación de ideas y el aprendizaje colaborativo, se obtuvo un 9.7. Así también en cuanto a que si el resumen recogió los puntos claves del debate ayudando a profundizar los conocimientos del tema, se obtuvo un 9.7. El mismo puntaje de 9.7 se obtuvo en la pregunta que mencionaba que según la percepción del encuestado, el foro de discusión permitió la generación colectiva del conocimiento del tema abordado. Mientras que en la pregunta que hacía referencia a que si el dinamismo del foro, le animó al encuestado a hacer aportaciones, el puntaje que se obtuvo fue también de 9.7. �Existía una pregunta de escala negativa en la que se preguntaba que si en la moderación del tema, el encuestado sintió que fue difícil obtener ayuda cuando tenía una pregunta, el resultado para este cuestionamiento fue 1, es decir el valor mínimo. Así también existía otra pregunta de escala negativa que mencionaba que si luego del aporte del encuestado al foro, sintió que la retroalimentación por parte del moderador fue tardía, se le da el valor mínimo que es 1. En la pregunta que mencionaba que si en la forma de moderar el foro, el encuestado sintió que recibió retroalimentación oportuna, se obtuvo un 7. Mientras que en la pregunta que mencionaba que aunque el encuestado cumplió con el aporte solicitado en la actividad del foro, sintió que pudo realizar más aportes y brindar más retroalimentación a las aportaciones de sus compañeros y así elevar el nivel de aprendizaje colaborativo se obtuvo un 6.3. En cuanto a la pregunta que mencionaba que los aportes del encuestado al foro fueron oportunos de acuerdo a fechas de inicio y cierre de actividad, dando así un margen de tiempo adecuado al resto de compañeros y moderador para brindarle retroalimentación, se obtuvo un 9. Y con respecto a la última pregunta en la que se solicitan observaciones sobre los ítems se menciona que se realizó muy buen trabajo. Con respecto a lo que más le agradó al encuestado, una gran mayoría respondió que el apoyo y acompañamiento del tutor, así también el diseño instruccional, las actividades, los recursos y los aportes de los compañeros. En cuanto a lo que más le desagradó al encuestado en una gran mayoría no hubo comentarios, solo algunos respondieron que su ritmo de aprendizaje, que fue un tanto lento con las herramientas tecnológicas. Y con respecto a las observaciones de los ítems, en su mayoría no hubo comentarios al respecto, solo algunos respondieron que fue un excelente aprendizaje y diseño instruccional. 33 �Conclusión Las siguientes conclusiones dan respuesta a las preguntas de investigación, que iniciaron con la creación de los exámenes en línea, y como dinámica grupal dicha actividad aportó gran conocimiento para el uso y aplicación de las herramientas, así también permitió que cada uno fuera consciente de su desempeño durante el curso. Esto dio paso al tema del foro que fue la evaluación en la teleformación y las herramientas para la creación de exámenes y en el cual cada aportación enriqueció la experiencia de los participantes. De este tema podríamos concluir que la evaluación en la modalidad virtual debe tomar en cuenta diversos aspectos de la formación, no solamente es cuestión de que el estudiante resuelva un examen, pues se dejarían de lado aspectos importantes del aprendizaje, sino más bien que durante el proceso del curso pueda demostrar con diversas actividades, que posee el conocimiento y las competencias necesarias para desarrollarse en la práctica. 34 Con el planteamiento anterior no se intenta desacreditar la función de los exámenes en línea, pues también tienen una importancia relevante y son herramientas que permiten medir de manera objetiva el conocimiento; lo que se propone es más bien, complementar ambos recursos para lograr una evaluación global del aprendizaje del estudiante; utilizando también otros tipos de evaluación como la autoevaluación, la heteroevaluación y la coevaluación. De esta manera se contaría con mayores elementos de la evolución del alumno durante el curso y con ello también se podría ayudar a garantizar su identidad en el proceso de evaluación. En lo que respecta al sondeo de opinión del tema, se puede concluir que en general se obtuvieron buenos resultados en cuanto a los recursos, así también en cuanto a la moderación del foro vemos en su mayoría resultados favorables, esto quiere decir que los estudiantes se mostraron satisfechos con el tema, con el desarrollo del mismo, con la moderación y con su participación. En general, se concluye que un buen diseño instruccional, con un buen tutor que lo aplique adecuadamente genera ambientes de aprendizaje armónicos y agradables; permitiendo una gran experiencia en el alumno y con ello un gran aprendizaje en él, lo que lleva a la satisfacción general de todos los participantes. �Referencias Bo, R., Sáez,A., y Belloch, C. (1999). Sistemas de evaluación de contenidos en Teleformacion: el proyecto cfv. Revista Electrónica de Investigación y Evaluación Educativa. Vol. 5, No. 2. ISSN 1134-4032. Disponible en: http:// www.uv.es/RELIEVE/v5n2/RELIEVEv5n2_2.htm Cabero, J. y Gisbert, M. (dirs) (2002). Materiales formativos multimedia en la red. Guía práctica para su diseño. Sevilla: SAV de la Universidad de Sevilla. Curbelo, A. (2010) Herramientas para el Diseño de Exámenes en Línea. Disponible en: http://www.slideshare.net/ acurbelo/herramientas-para-el-diseo-de Fernandez, A. (2010) La evaluación orientada al aprendizaje Sandra Guadalupe Altamirano Galván en un modelo de formación por competencias en la educación universitaria. Revista de la Red Estatal de Doctora en Educación con acentuación en Comunicación y Tec- Docencia Universitaria (RED-U) Vol. 8. No.1. ISSN: nología Educativa, cuenta con una Maestría en Ciencias de la 1887-4592. Disponible en: http://red-u.net/redu/ Comunicación con acentuación en Nuevas Tecnologías y una Li- documentos/vol8_n1_completo.pdf cenciatura en Artes Visuales con acentuación en Artes Gráficas, Gatica, F. (2012) ¿Cómo elaborar una rúbrica? Revista egresada de la UANL. Profesora Investigadora de Tiempo Com- ELSEVIER. Disponible en: http://www.riem.facmed. pleto en la Facultad de Artes Visuales UANL. Se ha desarrollado unam.mx/sites/all/archivos/V2Num01/10_pem_ en diversas áreas del diseño, tales como identidad corporativa, GATICA.PDF editorial, desarrollo de campañas publicitarias, fotografía; reali- Marín, V., Cabero, J. y Barroso, J. (2012) La rúbrica de zando proyectos para empresas como British American Tobacco, evaluación en el proceso de formación del docente Cervecería Cuauhtémoc Moctezuma, entre otros. Es miembro de universitario. Revista Educar 2012. Vol.48/2. (pp. la comisión de pares académicos como Evaluadora de los Comi- 347-364). Disponible en: https://www.raco.cat/ tés Interinstitucionales para la Evaluación de la Educación Supe- index.php/Educar/article/view/259376/346593 rior CIEES, también formó parte del consejo Técnico EGEL-DISEG, Quesada, R. (2006). Evaluación del aprendizaje en la CENEVAL, ha participado como jurado en diversos certámenes de educación a distancia “en línea”. Disponible en: diseño a nivel local y nacional. Tiene experiencia administrativa http://www.um.es/ead/red/M6/quesada.pdf como Coordinadora del Departamento de Planeación y Proyectos Rubio, M. (2003). Enfoques y modelos de evaluación del Estratégicos, también fungió como Coordinadora de la Licencia- e-learning. Revista Electrónica de Investigación tura en Diseño Gráfico y Coordinadora del Departamento de Vin- y Evaluación Educativa, v. 9, n. 2. Disponible en: culación Interna. Actualmente imparte clases de Diseño Editorial http://www.uv.es/RELIEVE/v9n2/RELIEVEv9n2_1. y Diseño de Identidad en la Licenciatura, así también de Adminis- htm tración de Proyectos y Diseño Sustentable en el Posgrado. Además dirige el Departamento Editorial en la Facultad de Artes Visuales de la UANL y también es Creadora del Canal de Investigación: Hola! Todo es Diseño, en la plataforma Youtube. Actualmente pertenece al Sistema Nacional de Investigadores como Candidata en el área de Ciencias de la Conducta y Humanidades. 35 �Realización de un instrumento con base en la etnografía performativa como parte de la investigación del Design Thinking en las agencias de diseño de Monterrey. José Eduardo Mallén Lomas ORCID: 0000-0001-9250-0886, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. jose.mallenlms@uanl.edu.mx 36 Resumen Palabras clave: Diseño, Etnografía, Dramatización, Instrumento de Medición. El Design Thinking (DT) es un proceso que busca la resolución de los problemas planteados y que, ha sido adoptado por las disciplinas del diseño para resolver problemas de diseño. Este proceso poco a poco ha logrado atraer el interés de diferentes áreas principalmente las dedicadas a los negocios, la innovación y el emprendimiento. Sin embargo, considerado superado por ciertas corrientes del diseño, muchos aún no logran entender la metodología que, sigue cautivando. La intención de este artículo como parte de un estudio doctoral busca presentar el instrumento que se utilizó para poder realizar una observación basada en la etnografía performativa utilizando un instrumento para analizar un performace, para ser adaptado y observar el “drama creativo” que vive el diseñador en una agencia y así poder tener una visión general tanto de la aplicación del Design Thinking como de todo el entorno que gira para que un diseñador solucione un problema presentado por un cliente. �Abstract Design Thinking (DT) is a process that seeks to solve the problems posed and that has been adopted by the design disciplines to solve design problems. This process has gradually attracted the interest of different areas, mainly those dedicated to business, innovation and entrepreneurship. However, considered overcome by certain currents of design, many still fail to understand the methodology that continues to captivate. The intention of this article seeks to present the instrument that was used to carry out an observation based on performative ethnography using an instrument to analyze a performance, to be adapted and to observe the “creative drama” that the designer lives in an agency and thus be able to have an overview of both the Design Thinking application and the entire environment that revolves for a designer to solve a problem presented by a client. Key words: Design, Ethnography, Dramatization, Measuring instrument Introducción El Design Thinking (DT) es un proceso que a pesar de ser popularizado en las disciplinas de diseño y que existen muchos estudios referentes sobre el tema, poco se ha estudiado en la aplicación o en cómo se ha desarrollado el proceso en los diferentes entornos o situaciones que se ha puesto a prueba, otro punto de gran importancia es la confusión que existe con respecto a lo que es el DT, por una parte se malinterpreta como una metodología de diseño exclusivo por las disciplinas de diseño y por otra parte se piensa en estos mismos entornos que la utilización de la metodología ya está superada. Es de vital importancia distinguir que el Design Thinking no es una metodología de diseño exclusivo, pero tampoco se excluye su utilización en un proceso de diseño, de esta manera tenemos que entender o definir al DT como: el proceso que busca solucionar un problema. Esta definición es vital en dos maneras, por una parte, se puede utilizar en cualquier entorno fuera de las disciplinas de diseño (y de ahí el gran interés de conocer y entender el DT fuera del diseño) y por otra parte esta metodología se puede utilizar como parte de un proceso de creación de diseño, ya que al final las disciplinas de diseño buscan solucionar un problema (estos pueden ser problemas arquitectónicos, gráficos o cualquier otro). Como parte del estudio doctoral, la investigación llevaba como objetivo tratar de entender la aplicación del DT en las agencias de diseño de 37 �La etnografía perfomativa permite una forma de intercambio cultural. Monterrey (ADM) una de las problemáticas que se enfrentó fue la cuestión de crear un instrumento para realizar el análisis en esas agencias ya que estos “microcosmos” son muy peculiares y resulta muy interesante entender todo el entorno en que se vive el proceso de problema-solución que llevan las agencias. Por lo tanto, este escrito tiene el objetivo de presentar el instrumento que se creó para el estudio de la aplicación del DT en las agencias de diseño de Monterrey y así poder presentar una propuesta de instrumento de investigación que sea más apta al proceso de creación. Desarrollo Se plantea el uso de la investigación cualitativa dentro de la observación no participante debido a que toma en cuenta los elementos personales, semióticos y sentimentales del diseñador o del creativo. Sin embargo, este método de indagación no es la única base ni sustento para una investigación donde se toman en cuenta características personales, semióticas o de interpretación y el sentido estético o artístico en el que se ve permeado el diseñador. 38 La propuesta se dirige al uso del etnodrama, o la etnografía performativa, para hacer un análisis más profundo de los resultados de diseño que realiza el creativo. Primero es importante saber qué se entiende por el concepto etnografía performativa: La representación y la incitación de la cultura, Bryan Keith Alexander (2013) la define como la representación “dramatizada de notas derivadas de la etnografía con un enfoque a estudiar y dramatizar la cultura para disminuir la brecha entre un sentido percibido y materializado del self y del otro. Esto se logra a través de la unión y la práctica de dos formaciones disciplinarias distintas y, sin embargo, interrelacionadas”(p. 94). Alexander (2013) señala que los estudios performativos se realizan en un sentido más para procesar lo extraído de su vínculo con los estudios de comunicación, se interesan en el proceso del compromiso dialógico con la comunicación estética propia y de los demás a través de los medios de la actuación. La etnografía, en su sentido más utilitario se conoce cómo la tarea de describir una cultura particular, al contrario de la etnografía performativa permite una forma de intercambio cultural, una comunicación intercultural performativa, una performativa crítica encarnada. La etnografía performativa también es un método de poner a funcionar la imaginación crítica sociológica y sociopolítica para comprender la política y las prácticas que moldean la experiencia humana. �Gracias a este aporte, y tomando como base tanto la observación no participante como la etnografía performativa, es que el estudio del DT en las ADM puede ser más profundo y entendible. Lo anterior debido al factor estético y subjetivo que implementan los creativos. Estos métodos, además, ayudan a entender que el proceso creativo que se desarrolla en estos lugares no solo se da en un nivel lógico o básico, sino que está influenciado por las decisiones y los gustos personales de los que implementan el DT. Es ahí donde se puede encontrar el verdadero aporte que desde la cultura regiomontana se ha hecho a esta metodología ya considerada universal. Un ejemplo de ello lo podemos ver en la asignación de proyecto, es decir, puedes tener el mismo proyecto, el mismo cliente e incluso el mismo objetivo, pero un diseñador gracias a su experiencia personal tendrá un resultado completamente distinto a otro ya que la carga y la experiencia personal también son determinantes para concretar y definir una propuesta de diseño. Hay que aclarar que no se usó la técnica de la etnografía performativa al pie de la letra o en términos más simples. No es la intención de la investigación hacer una observación de campo y luego hacer una dramatización o un performance como tal. La intención de la investigación es precisamente determinar que el proceso de diseño que se realiza en una agencia es un drama por sí mismo. El drama, por otra parte, es una forma de presentación de distintas escenas mediante su representación con actores y diálogos. Es decir, el proceso creativo ya es una dramatización y el análisis de ese drama tiene por propósito entender el proceso de DT no sólo a manera descriptiva, sino también apoyándose del mismo análisis que la etnografía aporta para entender cualquier performance o etnodrama (donde cada actor tiene una acción). Alexander (2013) menciona el término “actuación cultural”, que se refiere a las expectativas y las prácticas colectivas de los miembros de comunidades particulares. Es decir, es el método con que se define la comunidad y se mantiene la membresía, negociando la identidad y, a veces, subvirtiendo las reglas de la membresía y la práctica social. La rutina de la actuación en la cultura se convierte en el foco de observación en la investigación etnográfica y, por lo tanto, se convierte en el modelo fuente de la cultura reperformadora en la etnografía performativa, que constituye el foco primario del análisis. Diana Taylor (2015) también comenta que la etnografía no solo estudia los performances (rituales y dramas sociales a los que los cronistas habitualmente se refieren) sino que es una forma de performance. Algunos cronistas subrayan que realizan etnografías al registrar los dramas sociales, rituales, acciones y otras formas de comportamientos reiterativos. La rutina de la actuación en la cultura se convierte en el foco de observación en la investigación etnográfica 39 �El etnólogo (cual director de teatro) media entre dos grupos culturales, presentándole un grupo al otro en una forma unidireccional. El grupo meta, objeto de sus análisis (los nativos), normalmente no ve o analiza al grupo que es beneficiario o consume el reporte del etnógrafo (la audiencia), y escasamente, si es que sucede, llega a responder a las observaciones escritas que, en algunos casos, puede ser que nunca llegue a ver. La audiencia en vivo, presente en el encuentro etnográfico, no es la audiencia a la que estas observaciones se destinan (Taylor, 2015). Gracias al análisis de la etnografía performativa se comprende mejor la identidad cultural, no mediante el estudio de los artefactos, sino mediante la observación de las actuaciones culturales emergentes. Estas actuaciones culturales emergentes significan los constructos sociales y culturales que ya están aceptados (Alexander, 2013). Aplicando todo este tramado al proceso creativo del DT en las ADM se pretende determinar o mirar el “drama creativo” que se vive en las agencias y observar las actuaciones culturales ya establecidas para determinar tanto sus constructos sociales, como sus aplicaciones personales al DT. 40 Alexander (2013) comenta que la etnografía performativa es una actividad situada que ubica a los participantes, los investigadores y los observadores en el mundo, un mundo donde las consecuencias y las complicaciones de ser y conocer a los otros pueden negociarse en formas mutuamente beneficiosas. Consiste en una serie de prácticas materiales interpretativas que hacen que la cultura sea visible. Así, ponen de manifiesto no sólo las condiciones culturales de vivir, sino también las preocupaciones conjuntas del humanismo que pueden distribuirse en formas iguales (p. 105). Por una parte, está el cliente, que funge como una especie de productor que pide una tarea o trabajo. Por otra parte, está el mercado-usuario que se convierte, en términos performativos, en la audiencia a la que va dirigido el performance. También se detecta el elemento del guión que no es otra cosa que el proceso mismo de diseño que se está desarrollando por los actores convertidos ahora en diseñadores o creativos en una agencia. Enfocando la investigación principalmente en los actores, Alexander (2013) dice que todos aquellos involucrados en la etnografía performativa siempre deben definirse con claridad en relación con las poblaciones a las que actúan, sus intenciones al actuar, los efectos deseados de su actuación y los métodos utilizados para obtener e informar el conocimiento que han realizado. Los creativos en las agencias son los actores principales en un performance entendido éste como un texto, diálogo y acción significativa, pues dejan que sus sentimientos, opiniones, gustos estéticos e incluso sus �tendencias políticas, participen en el diseño final que presentan tanto al cliente como al mercado-usuario. Alexander (2013) habla de las grandes posibilidades que tiene la etnografía performativa y la importancia de una consideración minuciosa y de una atención detallada a los aspectos dramáticos concernientes al quién, qué, cuándo, dónde y por qué, dirigidos a las acciones de los otros. Es así como, tomando sus consideraciones en los marcos conceptuales de los teóricos especializados en estudios performativos, etnografía y antropología, se permite esbozar y ampliar algunas de las cuestiones más predominantes que reflejan estas disciplinas al converger en la etnografía performativa. Esta estructura, que a continuación se presenta, ayuda también a generar un instrumento de investigación y de análisis al “drama creativo” en las ADM y dar una interpretación más certera en el DT. El autor presenta dos grandes campos. Por una parte, están (A) “Las cuestiones predominantes en la convergencia de la actuación y la etnografía”, estas ponen en relieve la forma en que las prácticas culturales específicas conforman la identidad y la inquietud en la etnografía. Es decir, cómo la identidad modela la práctica de la actuación cultural (Alexander, 2013). Esto ayuda a identificar los actos culturales que en las ADM se tienen determinados o están establecidos; además contribuye a verificar qué partes del DT se emplean de manera general. Las cuestiones relativas al por qué llevan a cabo determinadas prácticas culturales, y por qué éstas son estudiadas a través de la actuación cultural que desempeñan los creativos en las agencias, deben analizarse para ayudar a comprender no sólo el hecho creativo, sino todo el sistema que se desarrolla en el microcosmo de las ADM. En un segundo gran bloque llamado (B) “Interpretación y evaluación de la etnografía performativa” se muestran diferentes subdivisiones que profundizan en la evaluación de las fortalezas y las limitaciones de la percepción y el sentimiento humano, los cuales han de articular la visión y el entendimiento de una experiencia cultural particular. Las tres subdivisiones son: contenido, forma e impacto. Para cuestiones de la investigación estas tres áreas se toman para analizar el entorno del DT y su aplicación en el proceso de diseño de los creativos. Es decir, la intención es tomar como base las preguntas que hace Alexander y ubicarlas y aplicarlas al estudio del DT para entender la actuación cultural que se vive en las ADM. Es así como, gracias a la evaluación realizada por Alexander que ajusta perfectamente al propósito de esta investigación, se ha podido desarrollar un instrumento para analizar y evaluar el proceso creativo de las ADM y saber tanto su aplicación cómo su aporte. A continuación, se anexa una imagen 41 �en donde se muestra el esquema que aporta el autor. En el bloque sombreado se puede observar la propuesta de evaluación aplicada al DT. 42 Figura 1. El Drama del diseñador en las ADM. Fuente: Creación Propia. Observación no participativa Para el desarrollo de la observación no participativa, se buscaron tres agencias a las cuales se les pidió autorización para grabar el desarrollo de sus diferentes procesos creativos o los lapsos de trabajo en los que tuvieran momentos de creación o interacción creativa. Todo esto con el fin de ver sus reacciones y observar cómo desarrollaban los proyectos, para poder analizar más adelante las diferentes formas, actitudes, soluciones o comentarios. Un elemento importante fue la intención de hacer una observación sin que los participantes se sintieran afectados por un externo. El propósito era poder así obtener las actitudes, e incluso las maneras de desarrollarse, durante una reunión o junta creativa en la que se determinara una solución a un problema de un cliente. �Cuando se habla de desarrollo creativo en una agencia de diseño, también se está haciendo referencia a la reunión entre los diferentes equipos de trabajo para poder tomar en cuenta las problemáticas o los objetivos que un cliente ha determinado. Una parte del llamado “proceso creativo” de una agencia se entiende como una reunión en la que se delimitan o delinean las actividades de los diferentes miembros del equipo. En algunos casos, hay quienes ya llevan un avance de investigación, de prototipo o de testeo, en otros casos apenas se comienza a realizar el proceso de diseño de manera general. En el caso de las agencias seleccionadas, se buscó una reunión en donde ya llevaran un proceso avanzado en la solución del proyecto asignado por el cliente. No se buscó una reunión de brief, en donde apenas se expusiera el proyecto, pero tampoco una donde se estuviera llegando a la solución. La reunión elegida fue de seguimiento o de trabajo por parte de los desarrolladores de la agencia. Instrumento para la investigación a las agencias de diseño de Monterrey La investigación a las agencias de diseño de Monterrey es la parte medular de todo el estudio doctoral. Esta parte arroja datos y conclusiones acerca de cómo se han apropiado el proceso del Design Thinking, así como de los cambios que le han hecho, no sólo en el aspecto cultural, sino también en la solución de los problemas que los clientes les presentan. El instrumento que se utilizó toma como referente lo que Alexander propone para poder hacer un análisis de los performances que se llevan a cabo. Esto debido a que se considera el proceso creativo de un diseñador como un performance, como una herramienta que ofrece indicadores que permiten monitorear su desempeño de modo que se vio como una manera adecuada para desarrollar el instrumento haciendo algunos cambios y tomando en cuenta el DT como elemento base (Alexander, 2013). Alexander (2013) parte de dos grandes bloques para analizar. En el segundo de estos bloques separa y distingue diferentes partes de un performance: A. Cuestiones predominantes en la convergencia de la actuación y la etnografía. La etnografía performativa pone de relieve la inquietud, en los estudios performativos, acerca de cómo prácticas culturales específicas conforman la identidad, y la inquietud, en la etnografía, acerca de cómo la identidad modela la práctica de la actuación cultural. Las cuestiones 43 �relativas a por qué se llevan a cabo determinadas prácticas culturales y por qué estas que son estudiadas a través de la actuación deben analizarse concienzudamente. 44 B. Interpretación y evaluación de la etnografía performativa efectiva. a. Contenido i. Contribución sustantiva. El concepto de contribución es una cuestión de intención. Se basa en una serie de preguntas que buscan llegar al centro del esfuerzo crítico que implica la participación performativa. En algunas formas muy literales, la entidad elaborada de la actuación debe tener un propósito y objetivos específicos. ii. Reflexividad. La elaboración performativa y la presentación de la etnografía tienen múltiples niveles de responsabilidad reflexiva. Primero, cuando el actor está representando al otro cultural, existe lo que se denomina reflexividad basada en el actor. La actuación debería forzar a la audiencia a aprender y a involucrarse con cosas que antes no se conocían o de las cuales no se hablaba acerca de la cultura y la comunicación a partir de la experiencia de su propia participación. iii. Expresa una realidad. El momento de la actuación presenta un contexto que allana el camino para que el actor-etnógrafo “presente el comportamiento social humano como algo más complejo, en lugar de menos complejo, para evitar que las explicaciones se tornen simplistas o reduccionistas”. En este sentido se podría sugerir que la etnografía performativa debe “ser un reflejo del momento histórico actual y de sus descontentos, estar intrincada con éste y formular la crítica pertinente”. b. Forma i. Mérito estético. En la etnografía performativa, la redacción debe ser elaborada como una artesanía. Esto implica una artesanía tanto en términos poéticos, a través de lenguaje estético que invoque los lazos entre las emociones sentidas, el pensamiento crítico y el entendimiento, así como también en el sentido de que el lenguaje debe ser claro, efectivo, evocador y más que sutilmente representativo de las poblaciones a las que refleja. Cuando se emplean materiales empíricos reunidos a partir de entrevistas etnográficas, el lenguaje que utilizan los informantes revela la lógica de su deseo. Su voz procesada y desarticulada debe ser configurada y ubicada en contexto, señalando tanto la realidad de la ubicación de lo manifestado como las condiciones regeneradas de su uso en la actuación, tendiendo puentes en el espacio, el tiempo y la encarnación canalizada de la experiencia cultural. �c. Impacto. Discurso participativo podría sugerir que se les pida a los actores y a los miembros de la audiencia que articulen un cambio en su forma de pensar y ver el mundo. (pp.125-128) Para poder llevar a cabo este esquema, Alexander plantea una serie de preguntas en las cuales el investigador trata de poder descifrar la actuación que se está realizando. Esta es una de las razones por las cuales su uso se vio conveniente. El diseñador o creador en una agencia de diseño está condicionado por ciertos factores que hacen que su vivencia no sea solamente una respuesta mecánica, su propio proceso (cuestión lineal) es influenciado también por sus sentimientos y por el comportamiento performativo o la respuesta que se está buscando en la solución del problema. Judith Butler define performatividad como la presencia material de discursos abstractos encarnados en nuestro cuerpo, estos logran mediante actuaciones sociales normar nuestra conducta (1987). A partir de las preguntas planteadas en cada apartado, se buscó dirigir la investigación al entorno tanto de las agencias como del DT. El propósito era llegar a una serie de preguntas que ayudaran a entender el proceso de creación, las reuniones creativas o las reuniones de trabajo en las agencias. A continuación, se presenta una tabla en donde se puede observar la aplicación de las preguntas planteadas por Alexander que fueron llevadas a la investigación del Design Thinking y a las agencias en Monterrey. Estas se abreviaron en elementos básicos para facilitar el proceso de análisis de las grabaciones. PREGUNTAS ETNOGRÁFICAS PERFORMATIVAS PREGUNTAS APLICADAS AL DESIGN THINKING 45 PUNTOS ESPECÍFICOS Inquietudes en los estudios performativos acerca de cómo las prácticas culturales específicas conforman la identidad, y la inquietud, en la etnografía; acerca de cómo la identidad modela la práctica de la actuación cultural. Elementos, actitudes, formas de expresarse, identidades en el proceso del DT. Diversión, enojo, egocentrismo, “pose”, distracción, servicio, trabajo, esfuerzo, descontento, proactividad etc. ¿Contribuye esta pieza al entendimiento de la vida social? ¿El proceso realizado muestra un entendimiento o un proceso de DT por parte de los creativos que llevan a cabo el proceso creativo? Se expone la problemática a resolver. �PREGUNTAS ETNOGRÁFICAS PERFORMATIVAS 46 PREGUNTAS APLICADAS AL DESIGN THINKING PUNTOS ESPECÍFICOS ¿El escritor/actor demuestra un entendimiento y una perspectiva del mundo humano fuertemente cimentados? ¿Los creativos demuestran el conocimiento básico de los pasos del DT en su proceso creativo? Los creativos muestran consciencia del DT. ¿Qué busca lograr la actuación? ¿Hacen uso explícito de los pasos o del método del DT en su proceso creativo? Utilizan la expresión Design Thinking. ¿Qué pretende aportarle, en términos de conocimiento y de experiencia, a la audiencia? ¿De qué manera aportan los creativos a los pasos del DT su experiencia personal o sus conocimientos? Hablan de su experiencia personal. ¿Cuáles son los argumentos teóricos y morales que se encuentran en el texto? ¿Los creativos, en el proceso de creación, demuestran argumentos morales o teóricos que deriven o hagan referencia al DT? Hablan de argumentos o fundamentación teóricos. En el caso de la etnografía performativa centrada en la audiencia, ¿qué aspectos de la cultura buscan los actores exponer ante la audiencia? Tradiciones, vestimenta, comidas, expresiones sociales particulares, entre otros. ¿Los creativos exponen en su proceso creativo tradiciones, culturas personales, expresiones sociales o particulares que repercuten en el proceso del DT? Hacen una reflexión personal de lo que están haciendo. ¿Qué evaluación crítica de la práctica cultural pretenden compartir los actores con las audiencias o quieren que la audiencia asuma? ¿Los creativos hacen una reflexión crítica de los pasos realizados en su proceso creativo? ¿Qué movimiento político, respuesta emocional o temperamento participativo busca incitar la actuación? ¿Hay algún indicio de temperamento, respuesta emocional o actitud provocativa que afecte al proceso creativo? ¿Cómo hicieron el autor/los actores para llegar a escribir/representar ese texto? ¿Cómo hicieron, de manera general, los creativos para tener antecedentes del problema a resolver? ¿Cómo se reunió la información? ¿De qué manera se reunió la información que nutre al proceso creativo? Muestran temperamento o actitud provocativa. Cómo reunieron la información. �PREGUNTAS ETNOGRÁFICAS PERFORMATIVAS PREGUNTAS APLICADAS AL DESIGN THINKING PUNTOS ESPECÍFICOS ¿Cómo ha sido la subjetividad del autor/los actores, la productora y el producto de este texto? ¿Hay algún indicio de temperamento, respuesta emocional o actitud provocativa que afecte al proceso creativo? Hay elementos subjetivos o gustos personales. ¿Existe una autoconsciencia y una auto exposición adecuadas para que la audiencia efectúe juicios acerca del punto de vista? ¿Cómo saben los creativos que su proceso de diseño será exitoso para el mercado-usuario al que van dirigido? Hablan del éxito de la solución. ¿El autor/los actores se consideran a sí mismos responsables de conocer a las personas que han estudiado y de relatar sus vivencias? ¿Los creativos se consideran responsables de conocer el DT y lo que afecta al mercado o usuario al que van dirigido la solución de su problema? Cómo conocen lo que el mercado quiere. ¿Presenta este texto un sentido corporeizado, encarnado de la experiencia vivida? ¿El proceso de diseño, de manera general, que se desarrolla en la agencia es un reflejo del DT? Dinámica particular de trabajo (descripción de la forma de trabajar). ¿Parece ser “cierto”? lo que implica un relato verosímil de un sentido cultural, social, individual o comunal de lo “real”. ¿El proceso creativo refleja, además de usar elementos del DT, la cultura, los elementos sociales o individuales de la misma agencia? El entorno de trabajo. ¿Esta obra tiene éxito desde el punto de vista estético? ¿El proceso creativo que realizan logra el éxito o la resolución del problema planteado? Llegan a una solución directa del problema. ¿El uso de la práctica analítica creativa permite al texto abrirse y suscitar respuestas interpretativas? ¿Qué elementos creativos en el mismo proceso de diseño aportan un valor al DT? Valores que aportan al proceso de DT. ¿El texto es artístico, satisfactorio y complejo sin ser aburrido? ¿El resultado es artístico, satisfactorio al mercado y logra satisfacer las expectativas del cliente? Logran un resultado estético y funcional. ¿Cómo afecta la etnografía performativa a los actores (desde el punto de vista emocional, intelectual y político)? ¿Cómo afecta el DT a los creativos en su proceso de diseño? 47 �48 PREGUNTAS ETNOGRÁFICAS PERFORMATIVAS PREGUNTAS APLICADAS AL DESIGN THINKING ¿Cómo afecta la etnografía performativa a la audiencia (desde el punto de vista emocional, intelectual y político)? ¿Los creativos tienen la manera de saber cómo afectará su respuesta de diseño al mercado-usuario? Efectos secundarios del trabajo. ¿Qué nuevas preguntas se suscitan en el marco de la actuación y a través de etnografía performativa? ¿En la observación del proceso de diseño de los creativos se generan nuevas interrogantes? Hay nuevas preguntas en el proceso. ¿La actuación impulsa al actor y a la audiencia a intentar buscar nuevas formas de ver el mundo, las culturas particulares y las prácticas de investigación particulares? ¿El proceso de diseño afectó o generó un nuevo conocimiento, rutina, o práctica de investigación particular, que enriquezca el proceso del DT? Hubo un nuevo conocimiento en la reunión. ¿La actuación impulsa al actor y a la audiencia a emprender alguna acción determinada traspasando los límites de la experiencia performativa inmediata? ¿El proceso de diseño que realizaron los creativos detonó sentimientos, formas o incluso generó una cierta transformación? Hubo un cierre de la reunión ¿Qué diferencias hay entre lo que saben y el DT? ¿En el proceso de diseño que diferencias se dieron con el DT? Se detectaron todos los pasos del DT. ¿Qué harán de manera diferente? ¿Qué técnicas o formas hicieron diferentes en el proceso de diseño al DT? Qué hicieron diferente al DT. PUNTOS ESPECÍFICOS ¿Cómo pueden traducir literalmente la experiencia performativa en conocimiento y traducir el conocimiento en acción? Tabla 1. Instrumento para el análisis de las agencias de diseño de Monterrey. Fuente: Creación Propia En la tabla anterior se puede observar que, a pesar de hacer la reflexión de la aplicación del DT como un performance, existe la necesidad de especificar o destacar el elemento de la pregunta para ayudar a agilizar el proceso de análisis de las grabaciones que se realizaron. �Habiendo hecho las adecuaciones necesarias se pasó a hacer el análisis correspondiente para poder así generar observaciones, hechos o destacar ciertos rasgos que llamaron la atención para poder determinar la conclusión de la investigación. Conclusión La importancia del instrumento presentado radica en una nueva forma de observar y, por lo tanto, analizar la creatividad, el proceso creativo o en este caso cómo los diseñadores en una agencia utilizan el DT (o la búsqueda de una solución de un problema de diseño). Ya no es sólo la cuestión de observar o utilizar un proceso etnográfico, sino que la creación y el proceso creativo no se debe mirar como una fórmula, sino que intervienen muchos factores que generan un “drama” en la actuación social de los creativos. La creación conlleva ese drama que hace al creativo o al diseñador estar siempre en un constante esfuerzo por tratar de crear o diseñar en un entorno que le exige lo mejor de sí. El diseñador tiene que ser visto como un actor social que no sólo tiene una influencia dramática en sus procesos, sino que también tiene que responder a esa actuación y por lo tanto al analizarlo hace que la observación dependa del entorno al que está viviendo. Hacer una observación al proceso de diseño no es sólo mirar sino hay que generar un instrumento que logre comprender y entender el entorno que vive el diseñador, es decir, tiene por un lado al cliente que le pide una solución, debe que tomar en cuenta lo que un jefe o un sistema de agencia le condicione y además contemplar las experiencias, gustos, vivencias e incluso frustraciones del mismo diseñador y a pesar de todo ese condicionamiento generar un producto que no sólo sea funcional o estético, sino que además al momento de presentarlo al mercado-usuario sea valorado. Es por eso vital tomar en cuenta lo que ofrece la etnografía performativa, pues no se puede negar que el diseñador vive un performance, una actuación social en su proceso creativo y a pesar de que en muchos casos su proceso creativo no termina con la vida laboral, sino que lo lleva hacia su vida personal y por lo tanto, hace que su estudio sea visto como un ente de análisis más profundo y no una simple visión general de su vida. El instrumento de Alexander adaptado al desarrollo del Design Thinking aporta una nueva manera de observar esa actuación social. La utilización de diferentes técnicas, así como la adaptación de la multidisciplina a un 49 �instrumento de investigación aporta una nueva manera de investigar la creación que puede derivar a observar. El instrumento al momento de aplicarlo (como parte de los hallazgos del estudio doctoral) logra entender el entorno de la creación y ofrece una pauta o un nuevo camino para poder mirar y observar el proceso del diseñador. 50 �Referencias Alexander, B. K. (2013). Etnografía performativa, La representación y la Incitación de la Cultura en Estrategias de Investigación Cualitativa (pp. 94–153). Ed. Gedisa. Butler, J. (1997) Excitable speech. A politics of the Performative. Ed. Routledge. Denzin N., Lincoln Y. (2013) Estrategias de Investigación Cualitativa (Vol. III) Ed. Gedisa. Diamond, E. (2006) Performance and Cultural Politics. Ed. Routledge. José Eduardo Mallén Lomas Feyerabend, Paul (2010) Tratado contra el método. Tecnos. Hernández, R., Fernández, C., Lucio, P. (2014). Metodología de la investigación. McGraw-Hill Education. Johansson-Sköldberg, U. Woodilla, J. Çetinkaya, M. (2013). Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad de Mon- Design Thinking: Past, Present and Possible Futures. terrey, en el 2008 obtiene un Master en Diseño y Dirección de Arte Creativity and Innovation Management. (Vol. 22 No. en la Escuela de Diseño Elisava por la Universidad Pompeu Fabra 2), pp. 121–146. en Barcelona, en el 2014 obtiene su Maestría en Diseño Gráfico en Kirshenblatt-Gimblett, B. (2011). Objetos de etnografía. la Facultad de Artes Visuales y actualmente estudia su Doctorado En Taylor, D., Fuentes, M.A., Estudios avanzados en Filosofía con Acentuación en Estudios de la Cultura investigan- de Performance D.F. México: Fonde de Cultura do la forma de aplicar el proceso de Design Thinking en las Agen- Económica, pp. 241-304. cias de Diseño en Monterrey. Ha colaborado con las empresas de Taylor, D. (2015). El Archivo y el Repertorio. Ediciones Universidad Alberto Hurtado. Vilchis, L.C. (2002) Metodología del Diseño, Fundamentos teóricos. Ed. Centro Juan Acha A.C. Pull & Bear en Irlanda, Mango en Barcelona, así como la realización de proyectos para las marcas Jaguar, Tecate, Morama, entre otras y actualmente está dedicado a la docencia y a la investigación. Ha participado desde la docencia para la creación de proyectos de Innovación Social solucionado los problemas de comunicación gráfica que tienen las personas con discapacidad desarrollando con los alumnos en la clase de Innovación de la Licenciatura en Diseño Gráfico de la Facultad de Artes Visuales. 51 �Entre Sokurov, Tarkovski y Reygadas: una poética de la imagen. Santiago Javier Villarreal Villarreal ORCID: 0000-0003-3225-4390, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. svillarrealv@uanl.edu.mx 52 Resumen Palabras clave: Cine, Poesía, Imagen, Filosofía. En este artículo se argumentó el peso de la poética de Andrei Tarkovski en la cinematografía contemporánea. Se estudió a dos cineastas: a un ruso y a un mexicano. Los personajes de la filmografía de Tarkovski acarrean interrogantes que involucran al ser donde sea que se encuentre y siendo de la nacionalidad que le haya sido otorgada por destino; así como andan por la nieve y portan mucha ropa, de igual forma podrían andar en el desierto y limpiarse el sudor cada que el sol lo exija. Abstract Key words: Cinema, Poetry, Image, Philosophy. This article talks about the importance of the poetic voice of Andrey Tarkovsky in contemporary cinema. Two filmmakers were studied: a Russian and a Mexican. The characters of the filmography of Tarkovsky have questions that involve human beings all around the world, with no matter of their nationality or the contexts in where they live. They can be walking in the snow and carrying too much clothes, but they could also be in the desert and clean their sweat every time the sun demands it. �Introducción Para sostener que el discurso narrativo de Tarkovski funge como documento de influencia en su país, se tejerán vínculos, asociaciones, semejanzas entre su cine y el de un cineasta ruso que actualmente continúa edificando un registro cinematográfico propio, Alexander Sokurov: autor de las cintas Madre e hijo (1996), Taurus (2000), Padre e hijo (2003), Alexandra (2007), Fausto (2011), entre otras. Sokurov, como Tarkovski, expone el alma humana desde un discurso muy particular, apoyado en esteticismos que enriquecen su poética. También se hablará de una ruptura particular del lenguaje cinematográfico a través de la obra de Carlos Reygadas. Como lo hizo Tarkovski con El espejo (1975), Reygadas propone formas narrativas que apuntan a un ritmo y montaje distintos. En su cine hay similitudes apremiantes que lo vinculan con el cine de Tarkovski. El cineasta capitalino autor de Japón (2002), Batalla en el cielo (2005), Luz silenciosa (2007), Post Tenebras Lux (2012) y Nuestro tiempo (2018), establece en su discurso variantes que lo acercan al cine de Tarkovski; una de estas pertenece a la técnica cinematográfica: la precisión del tempo con que inicia y termina una toma advierte en ambos cineastas un ritmo narrativo que les permite a los filmes de sus autorías sostenerse en su verosimilitud; otra variante, más dirigida hacia el contenido poético, recae en la proyección de un universo subjetivo que provoca en el espectador —consciente o inconscientemente— la necesidad de observar su propia subjetividad. No se pretende aseverar nada que demande ser contundente en sus afirmaciones, sino todo lo contrario: apuntar hacia una vereda que permita cuestionar, criticar, y debatir lo que aquí ha sido redactado. El cine de Tarkovski proyecta al ser humano en su estado más vulnerable y desasosegante, así como también muestra el vuelco de esperanza —que no habrá de desaparecer— enraizado en la humanidad. A fin de siete largometrajes, mucho aún se puede escribir sobre la imagen poética de Andrei Tarkovski. Mucho aún puede ser discutido. 53 �54 Figura 1. Fragmento de la película Nostalgia. La Influencia de Andrei Tarkovski en el Cine Poético Contemporáneo. Dos Casos. Alexander Sokurov Cuando se estudia a cineastas de culto, se vuelve imprescindible hacer alusión al discurso particular que enraíza la obra evocada. Quizá, en gran medida, lo que asemeja la poética de Tarkovski con la de Alexander Sokurov, y a la par con la filmografía de Reygadas, es precisamente eso: la singularidad con la que cada obra cinematográfica se erige. A través de una insistente búsqueda personal como motivo del crear obra, se teje un diálogo entre Tarkovski y cineastas como Abbas Kiarostami, Manoel de Oliveira, o Robert Bresson —junto con otros que por el momento se omiten—; dicho diálogo se teje como ruptura de una narrativa canonizada en el lenguaje audiovisual cinematográfico. En el cine, como en cualquier otra manifestación artística, el lenguaje poético está ligado al discurso subjetivo; la voz emerge y se establece como una concepción alterna de la realidad. En cada filme de este �repertorio, el cineasta expresa una personal interpretación de la existencia del ser con propios matices, ritmos y sonidos, brindando la posibilidad de percibir una concepción en el lenguaje y contenido de la vida: todo se reduce a la subjetividad del fondo y la forma. Sokurov no es la excepción de lo redactado en este párrafo. En la filmografía de Alexander Sokurov hay un excesivo respeto hacia su particular manera de contar historias. Por otro lado, Tarkovski le es fiel a una línea enfática en su narrativa, alejándose así de un posible repertorio de registros. Aún y que en el andar productivo de Sokurov haya filmes documentales como de ficción, se podría argumentar lo mismo: su narrativa, con elementos que la distinguen de otras, se afianza como inusual y única. Otro cineasta que indudablemente es parte de la élite cinematográfica y que a la par trabaja en documentales y en películas de ficción, es Win Wenders. A diferencia del cineasta alemán, Sokurov afirma su registro fílmico cada que produce una obra; Wenders por el contrario, tiene otros intereses así como diferentes registros. En cada cinta de Sokurov —sea de cualquiera de ambos géneros—, está sellada su huella particular: colores construidos como el intenso amarillo que despierta calidez en Padre e hijo (2003) y en Madre e hijo (1997), imágenes distorsionadas como sucede en Taurus (2001) y en Fausto (2011), hemisferios que producen la sensación de ser eternos como se da en El arca rusa (2002) y en Francofonía (2015). “Sokurov is a master of hybrid cinema, invested in both fiction and documentary filmmaking, often blending the two; his films are rife with archival footage, old photographs, and a mix of analog (film and video) and digital textures. ” (Szaniawski, 2012, p. abstract)1 Una de las diferencias entre Sokurov y Wenders, y que termina por vincular la filmografía de Sokurov con la de Tarkovski, es que sin mucho esfuerzo se reconoce cuando se está frente a una película del autor de Alexandra (2007); sea un documental, un filme de ficción, aborde un argumento sobre un museo como el Hermitage o el Louvre, o plantee una historia sobre la figura política de Lenin o del mismo Hitler, el discurso narrativo en cuanto a forma y ritmo poco se modifican, aún y sosteniendo que el Hermitage está siendo visto por un ojo que no parpadea, a través de un plano secuencia de inicio a fin. Con Wenders no sucede lo mismo, es difícil percibir que el autor de El amigo americano (1977) es el mismo que tiempo después haría La sal 55 �de la tierra (2014). Esto no advierte que uno sea mejor que otro, sino que los registros, desde una vocación por explorar las alternativas del lenguaje cinematográfico varían. “Sokurov privileges a structurally disruptive, anti—narrative format, deploying hallucinatory, narrative scenarios, forming an integrated arc of history, in the time of one day, one week or, even, over a period of months. He compresses time throgh a spatial compacting of all visual and aural events, and expresses their sensory adhesion to the immediate surface of the screen. ” (Levine, 2009, p. 269)2 Una forma de delimitar el discurso de cada cineasta de culto es a través del tiempo, pero no ese tiempo que se entiende en términos de una narración cronológica, sino —como lo advierte Tarkovski—, por medio de un tiempo esculpido que queda grabado brindando un sentido a cierta obra en particular. Sokurov construye el espacio cinematográfico usando elementos técnicos que le dan un toque único a su poética. 56 Con el cine de autor sucede lo mismo que con la gastronomía: el cocinero, usando a su criterio los ingredientes y la frescura de los mismos, da al platillo un sabor que lo distingue del mismo platillo que ha sido elaborado por alguien más; un machacado a la mexicana —por usar un ejemplo local—, no sabe igual en los pueblos de los suburbios de Nuevo León, que en los adentros de la ciudad de Monterrey; el chile recién pizcado, la frescura del tomate, el tiempo de secado en la carne cruda, o los mismos huevos que se utilizarían para el almuerzo mencionado, son variantes que definirían un sabor en particular. El tiempo en el cine de autor funciona un poco así. Al alargar o distorsionar las imágenes, incorporar colores que rebasan los límites “establecidos” del color en el cine, Sokurov esculpe su tiempo subjetivo exponiendo un espacio Sokurov es un maestro del cine híbrido, que se involucra tanto en el cine de ficción como en documentales. Constantemente 1 combina estos dos; sus filmes están compuestos por material de archivo, viejas fotografías, y una mezcla cinematográfica de videos análogos y digitales. Santiago Villarreal (2020). Sokurov propone una estructura cinematográfica disruptiva, un formato anti–narrativo, presentando escenarios alucinantes, 2 que se conjugan en una integrada secuencia de historia, ya sea en el tiempo de un día, una semana, o incluso, en un periodo de meses. Él comprime el tiempo juntando los eventos visuales y auditivos, y expresa una sensación que se adhiere inmediatamente a la imagen. Santiago Villarreal (2020). �contextual plagado de esteticismos visuales. Si se parte desde la filmografía de Serguéi Eisenstein, siguiendo por la obra de Tarkovski, y resaltando lo hasta hoy filmado por Sokurov, podría afirmarse que el cine ruso, resumiéndose en estos tres directores, es altamente estético, pero con variantes que diferencian un discurso de otro: variantes que terminan sazonando de forma distinta la poética en cada uno de ellos. 57 Figura 2. Fragmento de la película Madre e hijo. Algo que no se ha dicho y que pareciera materia de análisis en la filmografía de Sokurov, es que usando como vía las historias expuestas, el autor problematiza la realidad. No es una realidad implícita e hipotética como sucede en el cine de Tarkovski —quien profundiza en cuestionamientos universales que involucran los motivos del ser y la relación de éste con su contexto—, sino que Sokurov advierte desde su muy particular estética un planteamiento sobre una realidad que ya ha sido documentada en el tiempo de la historia mundial. Cabe resaltar que esto no debe entenderse como una generalización: no toda la obra de Sokurov pudiera leerse así, por poner un ejemplo, la ficción planteada en Madre e Hijo no alude a cierto suceso de la historia. Si se piensa en películas de su autoría que abordan como eje cen- �tral fragmentos de alguna biografía, o hemisferios desde las entrañas de un museo, surge la posibilidad de reflexionar a partir de un filme que expone un momento de la historia, pero que también lo reinterpreta; ese momento deja de ser lo que fue para convertirse en una reinterpretación del mismo momento previamente suscitado. Sokurov hace sus propias interpretaciones del Hermitage, o de los últimos días de vida de Lenin, usando como soporte inconfundibles esteticismos que definen su poética cinematográfica. “It must be repeated that the complexity of this cinema dos not entail inscrutability. At best it covers, in its rich and intricate textures, both audiovisual and temporal, whole sets of immediate affects and clear concepts, rendered apparently inscrutable when taken out of their context. But more often than not, under layers of puzzling acting, bizarre narrative lines, distorted images, blurry filters, anamorphic lenses and unique cinematic grammar, Sokurov’s cinema emerges as comprehensible, carrying with it the ethos and power of great art in all its poignancy and simplicity. ” 58 (Szaniawski, 2012, pp. 6-7)3 Si se toma un fragmento de alguna película de Tarkovski, como de algún filme de Sokurov o del mismo Reygadas para intentar racionalizarlo, algo deberá brotar como conclusión, pero debe afirmarse que dicha conclusión estaría mutilada: carecería de cuerpo para darle estructura y forma al fragmento interpretado. Los esteticismos empleados en la obra de Sokurov advierten la presencia de un ente propio, ajeno al contexto de quien la observa; es por estos esteticismos que la obra pareciera incomprensible, confusa y en algunos momentos hasta desarticulada. La ruptura narrativa del cine de Sokurov con lo establecido por el canon cinematográfico propone una forma de contemplar y asimilar la realidad presentada. No se debe caer en discusiones que busquen asimilar lo proyectado por el cineasta con la coti- 3 Debe recalcarse que este cine no necesariamente es complejo debido a su carga de misterio. En su punto más alto, abor- da, con sus ricas e intrincadas texturas, tanto audiovisual como temporal, escenas emotivas y conceptos claros, expuestos aparentemente de forma enigmática cuando se remueven de su contexto. Pero más seguido que de costumbre, debajo de actuaciones ambiguas, líneas narrativas alternas, imágenes distorsionadas, filtros borrosos, lentes expansivos y un lenguaje cinematográfico único, el cine de Sokurov se emerge como comprensivo, cargando consigo el poder y la forma del gran arte en toda su emotividad y simpleza. Santiago Villarreal (2020). �dianeidad humana, sino más bien permitir que la obra se presente como una concepción de la realidad, enraizada, construida, y definida desde su propia naturaleza. La filmografía de Sokurov le es fiel a lo escrito por Heidegger (s.f., pág. 3) sobre la responsabilidad de un poeta: “Los poetas son aquellos mortales que, cantando con gravedad al dios del vino, sienten el rastro de los dioses huidos, siguen tal rastro y de esta manera señalan a sus hermanos mortales el camino hacia el cambio”, ya que usando como vehículo la mirada establece una vereda alterna por recorrer. Carlos Reygadas El cine de Carlos Reygadas ha pisado fuerte dentro de la industria cinematográfica de autor desde que vio la luz su primer largometraje Japón (2002). Es difícil situar un concepto como eje central de la obra —hasta hoy realizada— del nacido en la Ciudad de México. El contraste, quizá, funge como motor de esta filmografía. Las diferentes clases sociales, expuestas sin el afán de ser enjuiciadas a través de una moral jerárquica, se muestran como universos perpendiculares en el ensamblado de Batalla en el cielo y Post Tenebras Lux. Se podría argumentar que la muerte es un tema recurrente en Reygadas, aunque para que ésta exista, debe haber milagro en la vida como sucede en Luz silenciosa. La mezcla de lo opuesto, con Japón como ejemplo, enriquece el discurso narrativo planteado: la escena inicial proyecta avenidas de tránsito vehicular de una ciudad: carros, anuncios panorámicos, pasos a desnivel. La película, terminando esta escena, no volverá a proyectar la urbe: tomará peso y forma en los adentros de un pueblo. En la obra poética de Reygadas hay un afín por el silencio, pero no es aquel que enmudece a la imagen, sino el que la erige de fuerza, se trata de un silencio que permite al espectador sentir parentesco con lo proyectado. En la cotidianeidad de la vida hay silencios, mismos que posibilitan el detenimiento, la pausa, la reflexión. El cine que busca como principal objetivo entretener a las masas carece de silencios, esto resulta absurdo para quien pretende explorar el alma humana. Se precisa de quietud para contemplar. Heidegger (n.d., p. 3) advierte que “el poeta señala a sus hermanos mortales el camino hacia el cambio”. En la poética, como se da en la filmografía de Tarkovski, debe haber una anunciación, un llamado. Por medio de propias inquietudes Reygadas muestra al hombre en su esencia, lo expone para desvestirlo, hurga en el interior del ser y proclama esperanza donde el dolor parece ser insoportable. Sobre la obra de Reygadas, advierte el fotógrafo Roberto Salbitani (2016, p. 194): 59 �Un cine que concentra, más en el cuerpo que en la mente del espectador, un raudal de energías que despiertan sensaciones muy fuertes pero también atmósferas sutiles, impalpables, en el polo opuesto respecto de aquellas más escandalosamente crudas, carnales. Pero no menos verdaderas. No hay abrazo en Reygadas que no sea revelador de la condición de desesperación, de extrema desnudez del alma. Ya se ha escrito del apuro de Tarkovski por mostrar sus reflexiones sobre la pérdida del objeto amado, el destierro de casa, la fe en la humanidad, o la añoranza de lo que el pasado dejó. La forma en como emplea el lenguaje cinematográfico audiovisual hace de su filmografía una obra sin precedentes: única y original. Estas inquietudes, reflexiones, cuestionamientos con que se alza su discurso, en adhesión al propio lenguaje narrativo alteran la psique humana. 60 Las cintas de Tarkovski trastocan al ser humano, éste deja de ser el mismo una vez que las contempla, penetra en su interior algo que hace clic, que lo vincula de manera directa con lo expuesto desde la subjetividad del cineasta. Algo similar sucede con Reygadas. Las cinco películas de Carlos Reygadas transcurren en un tiempo cronológico no mayor a unos meses. El tiempo, delimitado por el cineasta, da sentido a la obra. En las ya mencionadas películas del capitalino hay imágenes perturbadoras y a la vez sublimes que penetran en el espectador. En todas, el acto sexual aparece explícito, advirtiendo un antes y un después en el andar de los personajes. En Japón sucede como una reivindicación del sentido de la vida, en Batalla en el cielo el choque entre patrón y empleado da luz al deseo fugaz, en Luz silenciosa un amado tercer sujeto hace eco de una lealtad de pareja que se quiebra, en Post Tenebras Lux el orgasmo renace a través de un cuerpo que no es el del ser amado, en Nuestro tiempo el amor y la libertad se confunden y se alteran. Reygadas brinda espacio y tiempo a la fusión sexual de cuerpos que están a la intemperie, cerca de caer en el abismo de la trágica desesperación. Sin entrar aún en el tempo fílmico de edición, el tiempo en la filmografía de Reygadas se constituye de dos maneras: la primera, como sucede en la película Andrei Rublev (1966) de Tarkovski, establece una secuencia introductoria que no advierte la presencia de algún personaje principal. Salvo en �Batalla en el cielo, sus películas inician como contexto paisajístico, familiar, social, de los protagonistas. Esta primera manera de aludir a un tiempo prescinde por momentos de la presencia física de por quienes gira la trama. Un segundo tiempo proyecta imágenes que revelan una especie de catarsis a consecuencia de una íntima problemática en los personajes principales, como las ya mencionadas al inicio de este párrafo. A los autores de cine de poesía no les interesa representar la realidad tal como pudiera entenderse a simple vista sino, más bien, tal como la ve el autor, quien se apropia de los ritmos de la realidad y los reproduce creando sus percepciones de ella. Cuando el signo se hace muy evidente es porque está contaminado de contenido. Al mostrar el tiempo no narrativo, cuya secuencia no es la de la causalidad lógica, este se hace relevante por el ritmo del montaje, que es el ritmo de la mirada, no el ritmo del argumento (Marimón, 2016, pp. 134-135). No son las historias lo que asemeja este discurso al discurso de Tarkovski, sino el contenido y la forma en la que ese contenido adquiere verosimilitud en el contexto que le es dado. Ambos cineastas —como se puede establecer en la poética de Sokurov—, tienen como similitud el riesgo, la ruptura con el ritmo narrativo acostumbrado a presentarse en el séptimo arte. Deja de tomar tanta relevancia el qué se proyecta, y pasa a ser fundamental el cómo. El ritmo de la mirada, como lo define Marimón Miyares en su tesis doctoral, tiene concordancia con el particular discurso de cada cineasta. El montaje, siendo un elemento más que se suma a la totalidad de la obra cinematográfica, en cualquier estilo narrativo de crear cine, deviene en argumento: es una pieza preponderante en la forma de aludir a cierto lenguaje visual. En el cine de Reygadas el montaje no necesariamente advierte una línea cronológica del argumento, pero sí sugiere una poética. En Post Tenebras Lux hay escenas que pudieron haberse acomodado en momentos distintos de la edición, y la cinta, como mirada subjetiva del cineasta, no hubiera perdido fuerza, pues el ritmo del tempo en la estructura de su propio lenguaje cinematográfico provoca que el hilo conductor de la trama se aprecie de manera distinta, menos próximo al planteamiento, nudo y desenlace tradicionales. En relación a Luz silenciosa, tercer largometraje del capitalino, sostiene el poeta mexicano Alberto Blanco: 61 �Hay en esta película una aceptación sincera y deslumbrada del enorme poder y las posibilidades de la poesía en el cine. Una elocuente profesión de fe en la fuerza transformadora de la imaginación y en las incontables formas de crear y recrear una obra. (Marimón, 2016, p. 305). Un día después de la presentación de su libro Luz, en una charla que tuvo lugar en la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León, Carlos Reygadas advirtió la importancia del tempo en la estructura fílmica. El tiempo, para Tarkovski, es la esencia del cine, no obstante, su libro sobre propias reflexiones cinematográficas lleva el título de Esculpir el tiempo. La forma de proyectar un acontecimiento en determinado tiempo 62 Figura 3. Fragmento de la película Luz Silenciosa. establece, o una constante, o un quiebre en la tendencia del cine. El quiebre, entendido también como una ruptura, constituye un discurso personal que expande el concepto de poética en el lenguaje cinematográfico. En Nuestro tiempo hay una escena que explica mejor lo recién apuntado: un avión �que aterriza. Uno de los personajes principales va de regreso a la Ciudad de México —esto se sabe hasta que la escena termina—; por lo general, para proyectarlo así, se mostraría al personaje dentro del avión, o recogiendo su pasaje en la terminal aérea, o alistando su maleta en tierras extranjeras. Reygadas lo propone de una manera distinta, de forma más íntima, única: con un delicado plano secuencia desde las alturas se aprecia un cielo de noche, nubes y la urbe capitalina, el plano secuencia gradualmente va disminuyendo a la par que es escuchada la lectura de una carta, hacia el final de la secuencia, la lectura cesa, el sonido de un avión que se dispone a aterrizar se acentúa y la pista de aterrizaje se vislumbra. Las incontables formas de crear y recrear una obra a las que se refirió Alberto Blanco en su apreciación de Luz silenciosa puntualizan el cine de Reygadas. Un motivo de asociación entre esta obra y la obra de Tarkovski radica en la originalidad. Existe un reconocimiento de la poética del otro como una forma de ensamblar su estructura cinematográfica: Tarkovski no imita a Bresson, así como Reygadas tampoco imita a Tarkovski. Reygadas, como buen discípulo de Tarkovski, construye el tiempo y sus sensaciones múltiples al usar profusamente en esta escena inicial (Post Tenebras Lux) elementos naturales como luces de atardecer, colores del cielo, hermosos animales, charcos reflejando, y los efectos de un lente que parece multiplicar la realidad en una dimensión extra. (Marimón, 2016, p. 139). En esa originalidad que a la vez los vincula y desvincula se hace visible lo imposible de observar a simple vista, algo que rebasa la mirada del espectador se proyecta como intuición subjetiva, y se adhiere —o da forma— a los discursos poéticos de Carlos Reygadas y Andrei Tarkovski. Conclusión Andrei Tarkovski y Alexander Sokurov comulgan entre sí y a la vez sostienen diferentes discursos. Existe en Sokurov —como en el cine de Carlos Reygadas— un registro cinematográfico alterno. Sosteniendo una ruptura con la narrativa canonizada, el autor de Taurus advierte una poética distinta en el hemisferio del cine de autor. Las cintas de Sokurov, como bien se apuntó al inicio de este artículo, como sucede con la filmografía de Tarkovski, son 63 �inconfundibles; de forma muy particular, con esteticismos que alteran la imagen, sin dejar de respetar su enfática línea discursiva, Sokurov esculpe un tiempo propio y traza una estructura audiovisual única. En la filmografía de Carlos Reygadas también se da una propuesta en el lenguaje poético de la imagen. Por la singularidad de sus escenarios, aunado a la limpieza del ritmo en cuanto a forma narrativa, y la concordancia que existe entre estos, su mirada se posiciona con firmeza. La similitud con la poética de Tarkovski se da en la relación del ritmo en el tempo y el fondo; entre más fuerte sea el amarre que surja entre cómo se cuenta una historia y su contenido, mayor es la aproximación que tiene la obra con la esencia del ser. 64 �Referencias Heidegger, M. (s.f.). ¿Y para qué poetas? Recuperado el septiembre de 2018, de https://mercaba.org/ SANLUIS/Filosofia/autores/Contempor%C3%A1nea/ Heidegger/Y%20para%20qu%C3%A9%20poetas.pdf Levine, A. (2009). Phantasmatic cinema: Delinkage and Disarticulation in Michelangelo Antonioni, Bela Tarr, Jean-Luc Godard and Alexander Sokurov. Minneapolis: University of Minnesota. Marimón, J. (2016). El cine poético en Carlos Reygadas. College Station: Texas A&M University Santiago Javier Villarreal Villarreal Reygadas, C. (2016). Luz. Ciudad de México: AnDante, UANL Ediciones. Szaniawski, J. (2012). The image and the interstice: Alexander Sokurov’s Poetics of Paradox. New Haven: Yale Maestro en Artes con orientación en Artes Visuales por la Facultad University. de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Su tesis aborda el estudio de la poética cinematográfica de Andrei Tarkovski. Ha escrito y dirigido cuatro cortometrajes de ficción y un mediometraje documental. Un día de trabajo, su segundo cortometraje, se expuso en la muestra del Festival Internacional de Cine de Monterrey de su edición 2014, así como en la Feria Internacional de Libro de Monterrey de ese mismo año. Ese cortometraje fue parte del cineclub de La Casa de la Cultura de Nuevo León, dentro del ciclo: El cine y los niños, sus héroes y sus vivencias. En 2015 produjo un programa piloto de televisión llamado Cine al aire, presentando la vida y obra del cineasta ruso Andrei Tarkovski. En 2016 produce la entrevista Flor de sí, sobre la vida y creación literaria de Elena Poniatowska. Su cuarto cortometraje, Una memoria en construcción, tuvo su estreno en la semana cultural de la ciudad de Zacatecas en 2017. En la revista CATHEDRA de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Autónoma de Nuevo León ha publicado los artículos Un perro andaluz por las tinieblas (2017) y La obra fílmica de Andrei Tarkovski (2019). Su ensayo La vida de Andrei Tarkovski: la censura y el exilio, una creación ante la adversidad, se publicó en la revista de cine Casa Negra, en la Ciudad de México (2019). En la revista ALĒRE, de la Universidad del Estado de Mato Grosso, publicó su artículo Andrei Tarkovski: precursor del cine poético (2019). En septiembre de 2020 se hizo acreedor del estimulo FINANCIARTE 2020 (segunda emisión), de CONARTE, bajo la premisa de producir un cortometraje documental en Higueras, Nuevo León, mismo que está en proceso de elaboración. Actualmente es docente de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León. 65 �El proceso creativo como metodología de trabajo del diseñador gráfico.1 Rosa Elizabeth Cisneros Ríos ORCID: 0000-0002-6357-2183, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Filosofía y Letras. elizabeth.cisneros.rios@gmail.com Karina Gabriela Ramírez Paredes ORCID: 0000-0001-6226-7091, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. karinarmzparedes@gmail.com María Eugenia Flores Treviño ORCID: 0000-0001-7664-6674, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Filosofía y Letras. maria.florestr@uanl.edu.mx 66 Resumen El proceso creativo acompaña al diseñador gráfico en su día a día, como una herramienta que permite la orientación de la inspiración, habilidades y toma de decisiones, de manera imperceptible al momento de comunicar visualmente algo o resolver una situación laboral. Requiere un dinamismo que complementa un plan de acción el que, al combinar con otros procesos, técnicas o métodos de diseño, optimiza recursos, mejora la calidad, reduce riesgos e incluso puede estandarizar el quehacer de los equipos de trabajo, para mejorar nuestro entorno e incluso facilitarnos la vida. Palabras clave: diseñador gráfico, industria creativa, metodología de trabajo, proceso creativo 1 En el presente artículo, a partir de la revisión de las aportaciones de diversos autores, se busca reflexionar sobre la importancia de potencializar el capital intelectual por medio del proceso creativo, empleándolo como una metodología de trabajo y al mismo tiempo para enriquecer la práctica profesional del diseño dentro de los espacios sociales, donde el diseñador gráfico se inserta para brindar sus servicios. El presente artículo forma parte de un capítulo de la tesis doctoral en proceso, titulada “Proceso creativo como metodología de trabajo y herramienta de creación del diseñador gráfico “, en la Universidad Autónoma de Nuevo León, México. �Abstract The creative process accompanies the graphic designer in his day to day, as a tool that allows the orientation of inspiration, skills and decision making, in an imperceptible way at the moment of visually communicating something or solving a work situation. It requires a dynamism that complements an action plan which, when combined with other processes, techniques or design methods, optimizes resources, improves quality, reduces risks and can even standardize the work of teams, to improve our environment and even make our lives easier. This article, based on the review of the contributions of various authors, seeks to reflect on the importance of enhancing intellectual capital through the creative process, using it as a working methodology and at the same time to enrich the professional practice of design within social spaces, where the graphic designer is inserted to provide their services. Key words: creative industries, creative process, graphic designer, work methodology Introducción 67 El diseño gráfico, como profesión o disciplina establecida dentro del campo de las humanidades que tiene como principal característica la interdisciplinariedad, es un quehacer que permite crear propuestas con significado debido a su condición subjetiva y de apreciación, la cual va evolucionando día a día. Sobre esta base, el presente artículo muestra un análisis o estado del arte, acerca de la situación actual del proceso creativo, como una metodología de trabajo del diseñador gráfico con base en posturas de diversos autores, teóricos e investigadores especializados en ambos conceptos; como aporte, este ejercicio reflexivo busca determinar la importancia de potencializar el capital creativo -que se encuentra en todas las personas- y puede ser especialmente valiosas en el ámbito profesional del diseño gráfico. El proceso creativo fue definido desde la antigua Grecia por filósofos como Aristóteles y Platón, quienes crearon la expresión “poiesis” para referirse al proceso de creación a partir de materiales preexistentes; Platón en su obra El banquete comenta que la poiesis es la causa que convierte cualquier cosa que consideremos de no-ser a ser (Filosofía en español, s/a). Por otra parte, Anna López (2014), comenta que no hay registro exacto para describir cuál fue el verdadero origen del diseño gráfico, ya que desde �tiempos remotos se han buscado métodos para dar forma visual a las ideas o para ordenar y dar visibilidad a la información, estas necesidades eran cubiertas por los escribas, pintores y artistas y aunque la disciplina ya llevaba años desarrollándose fue hasta 1922 cuando William Addison Dwiggins acuñó el término de diseñador gráfico para describir la actividad que él mismo desempeñaba, la cual era estructurar y dar forma visual a las comunicaciones impresas. El término ha ido evolucionando de manera orgánica a través de la historia, se ha logrado conformar debido a los mismos acontecimientos como la revolución industrial, la vanguardia artística, la Bauhaus y la reforma pedagógica hasta su intervención en la sociedad hoy en día (Campi, 2020). En primer lugar, se aborda el diseño gráfico concebido como disciplina a partir de Walton, Gillies y Heppell (1985), Wucius Wong (1995), Jorge Frascara (2004) y Alice Twemlow (2007). Posteriormente se analiza el concepto de industria creativa y proceso creativo desde la postura de Davis y Scott (1975), Torrance (1976), Estrada (2006). 68 La intención del artículo es mostrar una reflexión que permita fortalecer y crear mejores perfiles profesionales y concientizar a la sociedad de la importancia del trabajo que realiza el diseñador gráfico para brindar mejores propuestas y soluciones, así como enriquecer la práctica del diseño y equipos de trabajo dentro de la industria creativa. Diseño y diseñador gráfico Diseño es un término con múltiples asociaciones, es común relacionarlo con el concepto de idea, innovación, proyecto, visualización; por lo que se vuelve complejo y presenta dualidades, en ocasiones da como resultado un producto, un proceso o un concepto, por lo que se trata de una amplia disciplina. A continuación, nos enfocaremos en el diseño gráfico, se trata de un concepto que se encuentra en constante evolución, según se enuncia a partir de diferentes perspectivas, tanto de teóricos, investigadores como los mismos diseñadores. Los diseñadores gráficos y teóricos, Walton, Gillies y Heppell (1985), definen el diseño gráfico como una transformación de ideas y conceptos que cuenta con un orden y una estructura visual; diez años más tarde el artista y teórico Wucius Wong (1995), lo precisa como un proceso de creación visual con un propósito, debido a que satisface exigencias prácticas, transporta un mensaje prefijado y da la mejor expresión visual de la esencia de algo, es posible diferenciarse de otras profesiones o disciplinas. �Por su parte, Alice Twemlow (2007), establece que el diseño gráfico sirve para vender cosas e ideas, producir dinero, reforzar objetivos políticos, criticar, aclarar cosas e incluso salvar vidas, por medio de matices y sutilezas, enriquece la vida diaria compleja de las personas inmiscuyéndose en todos los aspectos. Asimismo, para abordar el diseño gráfico como una disciplina teórica-práctica, Tapia (2014), indica que se origina a partir de un concepto y del pensamiento, ajustándose a las condiciones y situaciones con el propósito de regular la relación entre el hombre con la cultura, creencias e instituciones de forma práctica, eficiente y significativa. Por lo que es posible referirnos al diseñador gráfico, como un ser capaz de identificar y solucionar problemas, además de coordinar equipos que en la mayoría de las ocasiones son multidisciplinarios dedicados a mejorar el bienestar de las personas, por lo que debe resolver cada situación con responsabilidad. El autor la segmenta en: profesional, ética, social y cultural (Frascara, 2004). Según Frascara (2004), la responsabilidad profesional se refiere al crear mensajes que puedan ser detectables, atractivos, discriminables y convincentes para el cliente y el público; responsabilidad ética, al incorporar los valores humanos en el mensaje; responsabilidad social, al producir mensajes que contribuyan positivamente a la sociedad; y por último, la responsabilidad cultural, mediante la creación de objetos visuales que ayuden al desarrollo cultural. Industria Creativa A partir de la definición del diseño y diseñador gráfico, abordaremos su entorno laboral; Tadeo (2007) comparte un panorama general de los espacios sociales donde el diseñador gráfico se inserta para brindar sus servicios a la sociedad. Entre ellos se encuentran las empresas públicas, privadas, los estudios de diseño, agencias de publicidad, empresas de consultoría; y al mismo tiempo el diseñador gráfico se puede desempeñar como consultor externo, independiente de la profesión (freelance), así como integrar equipos interdisciplinarios para desarrollar proyectos. Todas ellas se encuentran dentro de la industria creativa, el cual es un término que fue popularizado en los años 90’ por el Department of Culture, Media and Sport (1998), para referirse a aquellas actividades que tienen su origen en la creatividad, habilidades, talentos individuales, así como un potencial para la creación de riqueza y puestos de trabajo por medio de la generación y el aprovechamiento de la propiedad intelectual. Diseñador Gráfico: Un ser capaz de identificar y solucionar problemas, además de coordinar equipos. 69 �Industria Creativa: Actividades que tienen su origen en la creatividad, habilidades, talentos individuales. Asimismo, las Naciones Unidas (2008), definieron la industria creativa como un ciclo de creación, producción y distribución de bienes y servicios que emplean como entrada la creatividad y el capital intelectual, comprendiendo productos tangibles y servicios intangibles que pueden ser intelectuales o artísticos con contenido creativo, valor económico, objetivos de mercado y al mismo tiempo, constituyen un nuevo sector dinámico en el comercio mundial. Es por ello que el gobierno británico a partir de 1997 empezó a emplear este término con mayor frecuencia para trazar un mapa de las actividades creativas que generan beneficios económicos (Ferruzca y Rodríguez, 2011). De acuerdo con Castañeda y Garduño (2018), la industria creativa ha adquirido mayor atención recientemente, debido a la labor que realizan las profesiones que la conforman, implican una participación mayor en la economía mundial y genera un dinamismo social y político del entorno; además de propiciar la “economía creativa” o bien “economía naranja” (Márquez y Buitrago, 2013, párr. 2). Proceso creativo 70 Con la finalidad de introducirnos a la conceptualización del proceso creativo y metodología de trabajo, reconocemos que un proceso es definido de manera general como un conjunto de fases u operaciones lógicas para obtener un resultado determinado (Real Academia Española, 2020), y una metodología es considerada un conjunto de procedimientos para alcanzar un objetivo (Real Academia Española, 2020), por tanto, podemos determinar que ambos tienen en común resolver u obtener algo. A partir de lo anterior, en el caso de los problemas de diseño, María Neve (2005), menciona que son de tipo no rutinario, ya que requieren de una solución innovadora, creativa, no vista, no deben ser resueltos por una secuencia específica de pasos lógicos que conduzcan automáticamente a su solución tomando como punto de partida la postura de Neve, se coincide con la idea de que los problemas a los que se enfrenta un diseñador gráfico se encuentran fuera de una rutina y requieren de soluciones en las que se permite pensar fuera de lo establecido, para ello, autores como Gilda Waisburg (2006), Luis Rodríguez (2006) y Jorge Fregoso (2007) proponen técnicas (como lluvia de ideas, analogías, lista de atributos y relaciones forzadas de palabras al azar) para desarrollar el pensamiento creativo, fortalecer el hemisferio derecho del cerebro y además permiten una fácil integración con el entorno. �Por otro lado, para esclarecer el término de metodología de trabajo, Martín (2017) menciona que es un conjunto de herramientas de alto impacto para definir la pauta y procedimientos, al mismo tiempo que ayuda a optimizar los recursos de la empresa, mejorar la calidad del trabajo, reducir los riesgos de los proyectos, establecer prioridades, etcétera, en definitiva, estandariza el know how (saber hacer) de la empresa. Al mismo tiempo, no hay que pasar desapercibido el concepto de metodología a partir de su etimología y definiciones básicas, se entiende que una metodología aunque es un concepto que hace referencia al plan de investigación en el área de las ciencias, es posible aplicarla en el área de humanidades, ya que es un vocablo generado a partir de tres palabras de origen griego:metà (“más allá”), odòs (“camino”) y logos (“estudio”) y también puede significar ciencia que estudia métodos (R. Academia Española, 2020). El proceso creativo, al igual que el concepto de diseño gráfico, debido a su condición subjetiva y de apreciación, aprueba diferentes propuestas de significado, hay autores como David y Scott (1975) que distinguen el proceso creativo como una manera de concebir la creatividad, hasta posturas como la de Estrada (2006), Teresa Marín (2016) y Zambrano (2014) en las que se considera un proceso interactivo y no lineal, que se realiza mediante un conjunto de fases o etapas para finalizar en el diseño de un producto, servicio u objeto. Davis y Scott (1975) consideran la creatividad como un proceso mediante el cual, a partir de un problema que se presenta, se origina o se inventa una idea, concepto, noción o esquema donde están presentes líneas nuevas no convencionales. Por otro lado, Torrance (1976) lo define como el proceso de percibir problemas o lagunas de información, formular ideas e hipótesis, verificarlas, modificarlas y comunicar los resultados. Estrada (2006) considera que es imposible establecer un instructivo o manual, listo para todos, ya que cada persona se traza su propio camino y sigue su propio ritmo, sin embargo, propone un proceso creativo que implica una estructuración de la realidad, una destrucción de la misma y una reestructuración en términos nuevos, que se lleva a cabo en seis etapas, las cuales considera imperceptibles a la realidad por cómo es que nuestro cerebro trabaja. Según Estrada (2006): La primera etapa es el cuestionamiento, consiste en percibir algo como un problema; la segunda etapa es el acopio de datos, por medio de observaciones, viajes, lecturas, experimentos y conversaciones con personas conocedoras del tema; la tercera etapa es la incubación, aquí hay que esperar a que una idea tome curso para convertirse en algo 71 �PROCESO CREATIVO 1° Etapa Cuestionamiento 72 2° Etapa Acopio de datos grande; seguida de la iluminación (etapa 4), en donde se concibe una intuición de una posibilidad o solución; la quinta etapa es la elaboración, donde se verifica la hipótesis o la realización de la obra (cercano a la realidad) y por último, la comunicación, que es la publicación, culminación de la idea por medio de una solución, complementada con la retroalimentación. En cambio, Teresa Marín (2016), considera el proceso creativo como un sistema cognitivo autoorganizado y dinámico que al mismo tiempo constituye una de las principales facetas de la naturaleza múltiple de la creatividad y se activa ante la aparición de un problema, buscando una solución por medio de un plan de acción; también plantea que es un conjunto de acciones, en donde a partir de asociaciones de cosas ya existentes se permite modificar lo conocido o generar nuevas ideas. Cuando estas acciones se llevan a cabo y aparece nueva información, las estructuras ya existentes deben permitir que se genere un nuevo orden entre los elementos. Por ello, también indica que se puede entender por “creatividad como la capacidad de generar nuevos órdenes o asociaciones entre los elementos” (Marín, 2016, p.35). Aparte de esto, Zambrano (2014), considera el proceso creativo como un desarrollo de nuevas ideas, el cual se complementa poniendo en práctica la toma de decisiones, en conjunto con una serie de análisis para definir la idea más adecuada. Reconocer el proceso creativo El diseñador y téorico Ambrose Harris (2010) afirma que el diseño es un proceso en el cual una petición se convierte en un producto o solución de diseño; aunado a esto, Cantú Hinojosa (2014), presenta el proceso de diseño como un conjunto de acciones en donde se combinan el pensamiento lógico, 3° Etapa Incubación 4° Etapa Iluminación 5° Etapa Elaboración 6° Etapa Comunicación �crítico, creativo, con la imaginación, emociones y decisiones para obtener como resultado un diseño y desde esta perspectiva ve al diseñador como un sistema auto-organizativo que controla el proceso. Para finalizar con esta reflexión se puede deducir que el diseño gráfico nos permite una comunicación visual y facilita nuestro día a día de manera imprescindible, gracias a la labor que desempeña el diseñador gráfico es posible incluso estimular la creatividad de la sociedad por medio de las soluciones o productos finales con los que resuelven una problemática. Partiendo de un paradigma naturalista, es decir, de la búsqueda constante de patrones con base en una realidad construida en donde prevalece la subjetividad, en el transcurso de diferentes investigaciones sobre el proceso creativo, diversos autores, teóricos e incluso los propios diseñadores gráficos, han establecido diferentes fases que caracterizan el proceso. González (2008), plantea que analizar las etapas o fases del proceso creativo, no ofrece la información suficiente para alcanzar a comprender una aproximación de que es lo qué sucede, qué experimenta y cuál es la experiencia que vive una persona mientras lleva a cabo un acto creativo. Martina Flor (2019), comenta que solemos ver los procesos creativos como algo caótico, que genera incertidumbre, por ello, sugiere organizar los procesos de trabajo del diseñador de manera que sea fácil de llevar y compartir (en caso de ser necesario) para obtener experiencias exitosas y ahorrar tiempo. Mientras que Cantú (2014), considera que sirven de ayuda para orientar y canalizar la inspiración y el trabajo y no sólo quedarse como una serie de pasos inflexibles, sino que pueden regresar o “saltar” a otras fases para favorecer la búsqueda y el surgimiento de ideas. La mayoría de los autores que se centran en el estudio de la creatividad y el proceso creativo nos permiten considerar que todos somos seres creativos, tal como lo menciona Agüera (2011), con mayor o menor esfuerzo, entrenamiento previo y con distinto grado de fortuna, solo se necesita tener claros los pasos del proceso y seguirlos con una actitud positiva; sin olvidar que la creatividad requiere de tiempo y esfuerzo (Gruber 1984). Conclusión Llegar a la conclusión sobre que es diseño gráfico, no es fácil, ya que se se trata de una disciplina que interactúa con muchas otras y que al mismo tiempo se puede desempeñar de forma autónoma. Hasta el momento y a partir de las definiciones compartidas en este escrito, es posible permitirnos determinar que el diseño gráfico es todo aquello que comunica un mensaje visual. La creatividad requiere de tiempo y esfuerzo. 73 �El diseño gráfico nos permite transmitir, expresar, plasmar ideas o mensajes y solucionar problemáticas o situación de forma visual, por lo que el diseñador gráfico es un especialista en estructurar ese mensaje por medio de sus habilidades y conocimientos adquiridos aplicando procesos de diseño que van acompañados de su proceso creativo. Por lo cual, el proceso creativo es considerado una herramienta de apoyo para la generación, estructuración y evaluación de ideas, que se emplea de modo que en ocasiones por el ritmo de trabajo es imperceptible saber que lo estás llevando a cabo, pero enriquece y permite obtener mejores resultados. Al mismo tiempo, el proceso creativo tiene potencial como metodología de trabajo, ya que ejecutarlo causa ese impacto en la optimización de recursos, mejorar la calidad, atender y reducir riesgos, así como establecer prioridades. 74 Aunque el término indique el proceso creativo como una ejecución de pasos, o nos sugiere un orden en particular tiene la cualidad de ser flexible y adaptarse a nuestras nuevas necesidades por lo que puede ser lineal o fluctuante, sin olvidar que implica intuición y constancia para generar un encadenamiento cognitivo con base en la experiencia. El presente artículo busca reflexionar sobre el proceso creativo y cómo es que puede fortalecer el perfil del diseñador gráfico dentro de las áreas creativas, por lo que el siguiente paso para continuar con esta investigación es analizar cómo impacta el proceso creativo en la vida real, personal y laboral de los diseñadores gráficos, analizar su intervención dentro de los procesos de diseño y determinar su evolución como metodología de trabajo para contribuir en el estudio del diseño gráfico. �Referencias Agüera, L. G. (2011). Anatomía de la creatividad. FUNDITEscola Superior de Disseny ESDi. Ambrose, H. (2010). Metodología del diseño/Design Thinking. Parramón, Arquitectura y Diseño. Campi, I. (2020). ¿Qué es diseño?. Barcelona, España; Ed. Gustavo Gilli. Cantú, H. I. (2014) Los métodos de diseño y sus limitaciones en Márquez, I. y Buitrago, F. (2013) La economía naranja. 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Estudió posgrado en Gestión Facultad de Filosofía y Letras de la misma institución, en e Innovación del Diseño en la Facultad de Arquitectura y ac- donde obtuvo la mención Summa cum laude por la tesis tualmente es alumna del Doctorado en Filosofía con acen- “La (re)construcción del perfil idóneo del diseñador gráfi- tuación en Estudios de la Cultura por la Facultad de Filosofía co a través de la investigación”. Actualmente es Profeso- y Letras de la misma institución, dedicada al proyecto de ra en la Facultad de Artes Visuales de la UANL, coordina el investigación en torno a la creatividad en el área de Teoría Laboratorio de intervención en el diseño, cuyo propósito es del diseño, Procesos y métodos del Diseño. promover el capital creativo que sirva a la solución de problemas a partir de la investigación en diseño. Su Línea de Investigación es: Discurso, identidad y formación en el diseño gráfico. Actualmente forma parte del Sistema Nacional de Investigadores como Candidata, en el área de humanidades y ciencias de la conducta. �María Eugenia Flores Treviño Doctora en Humanidades y Artes (UAZ). Investiga: Pragmática, Análisis del discurso y Competencia comunicativa del español. Profesora Titular B, Subdirectora de Posgrado (2015-2018-20202021) y Coordinadora de Investigación de la Facultad de Filosofía y Letras (2019-2021), UANL, México. Premio a la Mejor Tesis en el Área de Humanidades (UANL, 2002). Obtuvo el Reconocimiento al Perfil Deseable por el Programa de Desarrollo Profesional Docente para la Educación de tipo Superior (2004 -2023). Pertenece al Sistema Nacional de Investigadores del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología, Nivel I. En Dirección individualizada: tiene 7 tesis doctorales, 3 de licenciatura y 21 de maestría. Tiene 8 libros publicados (como autora, co-autora, coordinadora y co-editora) sobre persuasión, función poética del lenguaje, enseñanza del Español como LM/LE, y Análisis del discurso. Coordinadora invitada para editar número especial en Alere (UNEMAT), Textos en Proceso (US/SU/UBA) y Oxímora. Revista de ética y política (UAB). Pertenece a los proyectos internacionales de Investigación PRESEEA (U. de Alcalá), AMERESCO (U. de Valencia) y al proyecto binacional “Descortesía y evaluación en comportamientos verbales sexistas dentro de las culturas rioplatense y mexicana” con la U. de Río Cuarto, Argentina. 77 �Liderazgo Creativo en Empresas de Diseño Gráfico. Verónica Lizett Delgado Cantú ORCID: 0000-0002-5553-7716, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. veronica.delgadoc@uanl.mx 78 Resumen El diseño se está convirtiendo en un factor estratégico del desarrollo empresarial, lo cual ha propiciado un mayor crecimiento en la industria creativa. El incremento en este tipo de negocios contribuyó al planteamiento del objetivo general de este artículo, que es ayudar a apreciar las tendencias en el tipo de liderazgo que ejercen actualmente las empresas de diseño y así proporcionar un punto de partida para futuras investigaciones. Palabras clave: conductas de liderazgo, diseño gráfico, liderazgo creativo. El trabajo explora las conductas del líder en el campo de la industria creativa en Monterrey y pretende ayudar a los directores creativos a tomar mejores decisiones cuando se trabaja en equipo, respondiendo de una manera más eficiente ante los retos que se presentan actualmente en el área de la creatividad. Finalmente, el estudio concluye que, aunque la conducta orientada a las tareas sea la dominante, es un hecho que el líder también debe ser entusiasta frente a la creatividad y la innovación. �Abstract Design is becoming a strategic factor in business development, which has led to further growth in the creative industry. The increase in this type of business contributed to the general objective of this article, which is to help appreciate the trends in the type of leadership currently exercised by design companies and thus provide a starting point for future research. The work explores the leader behaviors in the creative industry field in México, and aims to help creative directors make better decisions when working as a team, responding more efficiently to the challenges that currently arise in the area of the creativity. Finally, the study concludes that, although task-oriented behavior is dominant, it is a fact that the leader must also be enthusiastic about creativity and innovation. Key words: creative industries, creative process, graphic designer, work methodology Introducción Dentro de la economía mundial, el diseño juega el papel de herramienta estratégica de desarrollo para las empresas y organizaciones que desean aumentar su productividad, tanto en los mercados locales y regionales, así como en campos internacionales. De acuerdo a Borja de Mozota (2002), “en un ambiente de internacionalización, la política de innovación en las pequeñas y medianas empresas (PYMES) es un tema fundamental para su supervivencia” (p.88). De acuerdo a Berzins (2012), el proceso de administración estratégica es más complicado en las empresas de servicios creativos que en las tradicionales, ya que se deben tener en consideración factores adicionales y funciones paralelas, al implementar las clásicas actividades de la administración: planeación, organización, dirección y control. De tal manera, que es más difícil hacer prosperar un negocio de la industria creativa, cuando es dirigido por individuos formados precisamente en áreas creativas como el diseño, por lo que, en muchas ocasiones, contar con un líder organizado y que sepa cómo hacer buen uso de los recursos materiales, pero sobre todo humanos, puede llegar a constituir un gran activo que redundará en una organización fructífera y exitosa, trayendo consigo grandes 79 �... el líder además de encargarse de los aspectos administrativos, también debe saber cómo actuar para mantener motivado al personal que conforma sus equipos de trabajo, para que su creatividad aumente día con día, ayudando a generar soluciones originales y funcionales para sus clientes beneficios. En este tipo de empresas, el líder además de encargarse de los aspectos administrativos, también debe saber cómo actuar para mantener motivado al personal que conforma sus equipos de trabajo, para que su creatividad aumente día con día, ayudando a generar soluciones originales y funcionales para sus clientes. Liderazgo creativo Yukl & Van Fleet (citado en Amabile, Schatzel, Moneta, & Kramer, 2004) mencionan que los comportamientos del líder son propensos a tener un impacto más fuerte y más inmediato sobre las percepciones de los subordinados. Esta investigación adopta la taxonomía de conductas del líder de Yukl (2012), debido a que es una de las medidas más comprensibles y rigurosas que se han realizado sobre este tema (Amabile et al., 2004). La clasificación antes mencionada propone cuatro categorías de comportamiento: conducta orientada a las tareas, conducta orientada a las relaciones personales, conducta orientada a los cambios y conducta orientada a los eventos externos. Éstas a su vez se subdividen en 15 subcategorías adicionales. 80 A continuación, se presentan los resultados del análisis descriptivo obtenido después de la aplicación de un instrumento diseñado específicamente para la investigación. Análisis del tipo de liderazgo ejercido en las empresas de diseño Las empresas que colaboraron en el presente trabajo fueron 53 y todas se dedican a brindar servicios de diseño gráfico principalmente. Este grupo de negocios cumple con la característica de pertenecer a la industria creativa mexicana, encontrándose en la actividad económica de servicios profesionales, en el área de diseño especializado, específicamente la rama de diseño gráfico. A partir de los datos obtenidos de la muestra, se realizó la Figura 8, misma que muestra los promedios de cada indicador, así como el promedio general por constructo, relacionados a las variables que representan las diferentes conductas de liderazgo propuestas en la taxonomía de Yukl (2012). �Entre más cercanos se encuentren los indicadores del número siete (ver Figura 1), significa que el líder se comporta de esa forma con mayor intensidad, mientras que, si están cercanos al número uno, significa que hay ausencia de esa conducta. Esta figura, aunque parece simple y a primera vista no muestra una variabilidad significativa, ayuda a apreciar las tendencias en el tipo de liderazgo que ejercen actualmente las empresas de diseño y así proporcionar un punto de partida. 81 �Como podemos ver en la figura anterior, los líderes de las empresas de diseño ejercen de manera muy equilibrada (5.5, 5.2, 5.2 y 4.9 respectivamente) los cuatro tipos de conducta descritos por Yukl (2012), sin embargo, hay un cierto dominio de la conducta orientada a las tareas. Este comportamiento del líder tiene el objetivo de lograr proyectos eficientes y confiables, conducta muy común entre líderes administrativos enfocados en la producción. Esto coincide con que el 57% de los líderes de los equipos creativos no tienen especialidad en diseño. 82 Los puntajes más altos de esta categoría de comportamiento pertenecen al indicador “planeación”, el cual refleja que el líder programa actividades con anterioridad, brinda un plan de acción a seguir cuando se desarrolla el proyecto y asigna tareas a cada uno de los integrantes del equipo. La conducta orientada a los eventos externos es la que menos ejercen los líderes de equipos creativos (4.9). Se trata del comportamiento relacionado a proveer información relevante sobre tendencias y eventos externos, así como la consecución de recursos necesarios para trabajar y promover el prestigio de la unidad de trabajo (Yukl, 2012). Las percepciones sobre las conductas del líder orientadas a las relaciones personales y a los cambios obtuvieron un promedio semejante de 5.2. Las primeras tienen por objetivo incrementar la calidad de las relaciones entre el capital humano, mientras que las orientadas a los cambios pretenden aumentar la innovación y la adaptación a los cambios externos. Los resultados muestran que quien está al frente de los proyectos parece estar más preocupado por la eficiencia y la calidad, que por fomentar los lazos emocionales entre los miembros del grupo o apoyar la innovación. Un indicador de 5.2 no está mal, pero por tratarse de empresas de la industria creativa, se esperaría que la tendencia fuera que los líderes mostraran un comportamiento más innovador y no tan orientado a la tarea. �A pesar de que las percepciones sobre las conductas orientadas a las relaciones personales también se encuentran equilibrados, el indicador más bajo es el que se liga a la capacitación o entrenamiento proporcionado por el líder, en otras palabras, los diseñadores sienten que su líder no les ayuda a desarrollar sus habilidades de diseño. Para la variable relacionada a los cambios, todos los indicadores están muy equilibrados con promedios entre 4.8 y 5.3, lo cual indica que se pretende lograr el objetivo de este comportamiento, que es incrementar el nivel de innovación, el aprendizaje colectivo y la adaptación al cambio. Solamente hay un indicador que sobresale con un promedio de 5.8, que es el relacionado con el entusiasmo del líder por la innovación. Conclusión Este análisis descriptivo, que ciertamente es muy superficial, permite tener una primera aproximación al comportamiento de las variables relacionadas al liderazgo. En resumen, los líderes de las empresas de diseño ejercen de manera muy equilibrada las conductas orientadas a las tareas, a las relaciones, al cambio y al exterior. Aunque se puede notar un cierto dominio de la conducta orientada a las tareas. Este comportamiento del líder tiene el objetivo de lograr proyectos eficientes y confiables, conducta muy común entre líderes administrativos enfocados en la producción. Sin embargo, aunque de manera general, la conducta orientada a las tareas sea la dominante, es un hecho que los participantes perciben que el líder es entusiasta frente a la creatividad y la innovación, aunque no lo suficiente para este tipo de industria. 83 �Referencias Amabile, T., Schatzel, E., Moneta, G., & Kramer, S. (2004). Leadre behaviors and the work enviroment for creativity: Perceived leader support. The Leadership Quarterly , 15, 5-33. Berzins, G. (2012). Strategic Management in Creative Industry Organizations: Specifics in Strategic Decision Making. Organizacijų Vadyba: Sisteminiai Tyrimai , 62, 7-23. Borja de Mozota, B. (2002). Design and competitive edge: A model for design management excellence in Euro- Verónica Lizett Delgado Cantú pean SMEs. Academic Review , 2, 88-103. López, A. (2014). Curso Diseño gráfico. Fundamentos y Técnicas. [Libro electrónico]. Ediciones Anaya Multime- 84 dia. https://books.google.es/books?hl=es&lr=&id=K Doctora en Filosofía con especialidad en Administración. Actual- DmVBQAAQBAJ&oi=fnd&pg=PA1&dq=origen+del+dis mente es Directora de la Facultad de Artes Visuales UANL, donde e%C3%B1o+grafico&ots=bpdaB8p3JJ&sig=gWNyuhS es profesora de tiempo completo desde agosto 2003 a la fecha. Es Q7zKghJ9Bsz0mqc5JpIw#v=onepage&q=origen%20 Licenciada en Mercadotecnia por el Instituto Tecnológico y de Es- del%20dise%C3%B1o%20grafico&f=false tudios Superiores de Monterrey. Sus estudios de maestría los rea- Yukl, G. (2012). Effective Leadership Behavior: What We Know lizó en el área de Diseño Gráfico por la Universidad de Monterrey. and What Questions Need More Attention. Academy En 2017 presentó el Examen de doctorado aprobado con mención of Management Perspectives , 26 (4), 66-85. Summa Cum Laude. En el 2018 recibió el reconocimiento a perfil deseable PRODEP. ��� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Paradigma Creativo Description An account of the resource Paradigma Creativo. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2020. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Paradigma Creativo Año de publicación El año cuando se publico 2020 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Diciembre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Anual Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 1 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Paradigma Creativo, 2020, Año 1, No 1, Diciembre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Paradigma Creativo. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2020. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Estrello Ortiz, Lizbeth, Diseño Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/12/2020 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020110 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Artes Creatividad Dramatización Enseñanza Etnografía Evaluación educativa Imaginación Tecnologías a distancia https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/403/19918/Paradigma_Creativo_2021_No_2_Noviembre.ocr.pdf 65689b2f5d4bcbf8ede5da9b90944e58 PDF Text Text No. 2 NOVIEMBRE 2021 �ÍNDICE 04 Diseño de material didáctico para mejorar el aprendizaje de patología clínica veterinaria en estudiantes de licenciatura en medicina veterinaria en UPAEP 48 Elementos visuales básicos del individuo en su entorno. Un análisis sobre la diferencia entre señalización y señalética Dra. Sandra Gpe. Altamirano Galván MVZ Mónica Vigil Nader Dra. Dora Ivonne Álvarez 16 El impacto del aislamiento y la mediación tecnológica en la educación pianística musical durante la pandemia 26 Experiencias de enseñanza-aprendizaje en la unidad de aprendizaje. Laboratorio de materiales de la licenciatura en Diseño Gráfico M.E. Martha Paola Garay Mendoza M.C.C. María Bertha Rojas Galindo 56 Las pesadillas del simulacro: Los seres artificiales como figuras monstruosas 66 Hablemos de Blog Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca M.P.E Rosa Isabel Ramírez Saldívar �Dr. Santos Guzmán López Rector Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Academica Karina Nohemí González Barraza Jessica Lizeth Soria Lozano Gamaliel Isaí Fermín Arriaga Alan Zermeño Ramírez Jorge Antonio Lima Escudero Jackeline Rivera Almendariz Ana Karen Lozano Peña Edith Padilla Sau Alma Daniela Piña Ramírez Fátima Loera Mejorado Melissa Del Carmen Trujillo García Sarahi Guadalupe Rosales Castillo Diseño Editorial Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Departamento de Investigación Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Coordinación Editorial Paradigma Creativo, Año 2, No. 2, Noviembre 2021. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la coordinación editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600 , Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos. Monterrey, Nuevo León, México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-29-4000. Coordinación Editorial: Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván. Reserva de Derechos al uso Exclusivo de la Universidad Autónoma de Nuevo León. �Diseño de material didáctico para mejorar el aprendizaje de patología clínica veterinaria en estudiantes de licenciatura en medicina veterinaria en UPAEP. Dra. Dora Ivonne Alvarez Tamayo ORCID: 0000-0001-6972-9762, Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla. doraivonne.alvarez@upaep.mx MVZ. Mónica Vigil Nader ORCID: 0000-0003-3464-1570, Universidad Popular Autónoma del Estado de Puebla. mvz.monicavn@gmail.com 4 Resumen Palabras clave: diseño de información, gamificación, material didáctico, patología clínica veterinaria. Este proyecto de investigación tiene como propósito el desarrollo de un material didáctico sobre patología clínica veterinaria que siga parámetros de diseño de información. La investigación aplicada se sustenta en el constructivismo sociocultural y gamificación para favorecer el aprendizaje a través de una aplicación digital. La metodología utilizada es cualitativa. En el año 2018 se realizaron entrevistas a profundidad en diferentes estratos de estudiantes de medicina veterinaria de la UPAEP, en Puebla, México, que han cursado patología clínica veterinaria en diferentes niveles: licenciatura, cursos de educación continua y posgrados; los datos fueron analizados considerando las categorías de aprendizaje, actitud, experiencia y tecnología. También se realizó una entrevista no estructurada al docente titular de la materia. Con base en los hallazgos obtenidos, se tomó la decisión de realizar un material didáctico digital para reforzar el proceso didáctico. Actualmente se está trabajando en el prototipo que incorporando conceptos como diseño centrado en el usuario, diseño de información, jugabilidad. �Abstract The purpose of this research project is to develop a teaching material on clinical veterinary pathology that follows information design parameters. Applied research is based on sociocultural constructivism and gamification to promote learning through a digital application. The methodology used is qualitative. In 2018, in-depth interviews were conducted in different strata of veterinary medicine students from UPAEP, in Puebla, Mexico, who have studied veterinary clinical pathology at different levels: undergraduate, continuing education courses and postgraduate courses; the data were analyzed considering the categories of learning, attitude, experience and technology. An unstructured interview was also conducted with the head teacher of the subject. Based on the findings obtained, the decision was made to make a digital teaching material to reinforce the teaching process. Currently working on the prototype that incorporates concepts such as user-centered design, information design, gameplay. Key words: information design, gamification, didactic material, veterinary clinical pathology. Introducción El aprendizaje es un tema que afecta a la sociedad que, desde el punto de vista socio-constructivista de Vigotsky (citado en González, 2011), no puede ser separado de su contexto. Durante años se ha demostrado la capacidad biológica del ser humano de aumentar sus estructuras mentales superiores, tanto los conocimientos como la sociedad se encuentran en continua evolución. Particularmente en la tecnología aplicada a la comprensión de la veterinaria, hay importantes avances como la animación Cat Explorer, realizada más recientemente por la empresa Leap Motion (Leap Motion, 2018), que busca ilustrar el interior anatómico de un felino, que sienta precedentes para el aprovechamiento de los medios audiovisuales como material didáctico. El diseño de material didáctico ha encontrado un aliado en el diseño de información ya que provee de recursos para generar estructuras eficaces (Coates & Ellison, 2014). Este proyecto se enfoca al desarrollo de apoyos didácticos para la preparación profesional de estudiantes de licenciatura en Medicina Veterinaria y Zootecnia –MVZ- en una universidad privada del estado de Puebla. La necesidad de fortalecer el aprendizaje de la materia de Patología Clínica Veterinaria –PCV- fue identificada mediante la observación, la información documental y un sondeo aplicada en 2017 a 23 estudiantes del programa académico que cursaban esta materia medular en la formación profesional para diagnóstico oportuno. Los respondientes 5 �pusieron en evidencia que el material didáctico al que tienen acceso requiere actualizaciones, así como un mayor aprovechamiento de las Tecnologías de la Información y comunicación (TICs). Ante este escenario, surge la pregunta: ¿De qué manera puede el diseño gráfico ayudar al aprendizaje de contenidos de patología clínica en estudiantes de MVZ para su aplicación diagnóstica? El objetivo es diseñar un material didáctico para los médicos veterinarios en formación en la UPAEP para reforzar el proceso de aprendizaje de la materia de Patología Clínica Veterinaria mediante el diseño de información y la gamificación. El diseño de material didáctico incorporando las tecnologías de la información y la comunicación en el ámbito educativo y el diseño de información, en este caso, tiene la intención de exponer al estudiante al conocimiento enriqueciendo la experiencia didáctica. Marco teórico 6 La realización de este proyecto se sustenta en los siguientes temas principales: La PCV como tema central, el constructivismo sociocultural y la gamificación como fundamentos para plantear las estrategias de aprendizaje así como la teoría de la interacción y comunicación de Holmberg y el diseño de información desde la perspectiva de Petterson como soporte para las decisiones de diseño de interacción. Patología Clínica Veterinaria La PCV “es una rama de la Medicina Veterinaria implicada en el diagnóstico y seguimiento del progreso de una enfermedad en animales vivos. Esto se lleva a cabo con el empleo de métodos de laboratorio que están bajo un control de calidad” (SLAPCV, 2018). La relevancia de PCV en la sociedad no se reduce a la clínica privada de mascotas, sino que también tiene injerencia en epidemias, zoonosis, desarrollo de vacunas y medidas preventivas sanitarias tanto para la salud como para el consumo de alimentos de origen animal (ACVP, 2018). El conocimiento de la PCV permite utilizar un código técnico internacional entre profesionales de la salud animal para referirse a escalas de gravedad, fechas, progresos, soluciones y reporte de casos clínicos. Los temas de estudio a considerar según el manual de prácticas de la UNAM (Núñez & Bouda, 2007), utilizado en UPAEP, son la toma y envío de muestras, la hematología, o estudio de la sangre y sus patologías (RAE, 2018), los procesos de hemostasia y la coagulación. �Aprendizaje desde la perspectiva sociocultural constructivista El aprendizaje es considerado una “modificación relativamente permanente de la conducta refleja, operante o cognitiva del sujeto debido a la exposición a situaciones estimulantes o a la actividad práctica [...], que no puede ser atribuida a pautas de comportamiento innatas, a situaciones transitorias del organismo o al desarrollo madurativo” (Gallardo & Camacho, 2008) que según el constructivismo sociocultural, debe acompañarse de un material didáctico adecuado a la época. Las premisas fundamentales del sociocultural de Vigotsky (González, 2011) ofrecen al proyecto elementos que se relacionan de forma eficaz con el conectivismo (Gutiérrez, 2012) el cual define a las plataformas virtuales como reservorios del conocimiento y puentes nuevos de comunicación entre los profesionales. Desde esta perspectiva, la interacción y comunicación se produce en entornos que, de acuerdo con Börje Holmberg (2007) deben ayudar a generar una zona de aprendizaje adecuada y motivadora que permita abarcar la zona de desarrollo próximo definida por Vigotsky (citado en González, 2011) como “la distancia entre el nivel real de desarrollo, determinado por la capacidad de resolver independientemente un problema […], bajo la guía del adulto o en colaboración con otro compañero más capaz”. Diseño de información El diseño de información provee parámetros que permiten establecer condiciones de diseño que permitan al usuario lectura, navegabilidad y fluidez tales como: retícula, jerarquía, composición, legibilidad y elementos tipográficos (Coates & Ellison, 2014); además establece un sistema de comunicación para el análisis de la interacción usuario-material didáctico con fundamento en Pettersson en 1983 y publicado electrónicamente en 2013 por el International Institute for Information Design (Pettersson, 2013). Desde este enfoque, el modelo de comunicación (Figura 1) comienza por un receptor enviando un mensaje influido por la realidad, la acción y elementos que rodean al receptor, como su percepción, sobre la que influye su etapa de desarrollo, su cultura, su ánimo y sus procesos cognitivos. Existen también elementos como la memoria, la experiencia y el aprendizaje que participan en un proceso didáctico significativo. Asimismo, se presenta la posibilidad de que parte del mensaje y la acción que genere en el receptor sea inútil. 7 �Figura 1. Modelo de comunicación de Coates & Ellison, (2014) y Peterson, (2013). Gamificación y experiencia del usuario 8 Para presentar el mensaje del modelo de comunicación, se utilizan los elementos de experiencia de usuario (Garrett, 2011): las necesidades del usuario y los objetivos del material (reforzar el aprendizaje de PCV), los requerimientos de contenido (programa de estudios) y su funcionalidad, la arquitectura de información (generación de diagramas aluviales) y el diseño de interacción (las posibilidades de acciones del usuario), la navegabilidad del diseño (flujo de lectura), el diseño de interfase (elementos con los cuales interactúa digitalmente) y el diseño de información (estructuralmente hablando), para presentarlo con un diseño sensorial en la plataforma digital (dispositivo móvil). A partir de la arquitectura de información, se emplea una perspectiva de gamificación, que es “el empleo de mecánicas de juego en entornos y aplicaciones no lúdicas, con el fin de potenciar la motivación, la concentración, el esfuerzo, la fidelización y otros valores positivos comunes a todos los juegos” (Oliva, 2016:35). La gamificación se está abriendo paso en el contexto educativo universitario y requiere de un diseño de información que permita incorporar eficientemente sus elementos: metas, objetivos, reglas, narrativa, libertad de elección y equivocación, recompensas, retroalimentación, estatus visible, cooperación y competencia, restricción de tiempo, progreso y sorpresa (OIETM, 2016). Con una simulación �como estrategia de gamificación (González, 2015) el estudiante puede interactuar en un área segura, generar aprendizaje significativo y aplicarlo para conseguir un objetivo académico o su desarrollo profesional. Metodología Este estudio es de carácter exploratorio, deductivo de tipo aplicado contextualizado en la situación específica del aprendizaje de la PCV. El tratamiento de los datos fue cualitativo y, transversal y para la recolección de datos se procediño a la realización de entrevistas a alumnos y ex alumnos de la licenciatura en medicina veterinaria contemplando las siguientes categorías de análisis: aprendizaje, tecnología, materia y actitud. Se realizaron también entrevistas no estructuradas a docentes de la asignatura y el análisis de los materiales disponibles para el estudio de PVC en el programa académico. Sujetos de estudio El tipo de muestreo fue no probabilístico por conveniencia. La población consta de 8 generaciones de alumnos (desde el 2006) que tomaron la materia dentro de su plan de estudio. En la población considera también para su estudio 4 generaciones de estudiantes que pudieron tomar el curso extracurricular de patología clínica ofrecido por UPAEP, sin el requisito de haber terminado la licenciatura. Se consideraron también 3 generaciones de estudiantes que han podido tomar el módulo de patología clínica en el diplomado en medicina y cirugía en perros y gatos ofrecido por UPAEP desde 2003. Actualmente, los alumnos de la especialidad en medicina y cirugía de perros y gatos también pueden cursar la materia, llevando hasta el momento 2 generaciones de estudiantes en UPAEP. Por lo cual se dividen a los sujetos en 5 grupos de estudio (Figura 2): Figura 2. Caracterización de los sujetos de estudio. 9 �De acuerdo con esta población se seleccionaron perfiles que pudieran ofrecer datos a profundidad de acuerdo con su circunstancia y nivel de estudio. En total se realizaron 9 entrevistas a estudiantes, una entrevista a profesores y se analizaron tres materiales didácticos disponibles para clase. Instrumento Al ser una investigación de naturaleza cualitativa, el instrumento diseñado para su aplicación a estudiantes fue una entrevista semiestructurada contando con 34 preguntas organizadas en las categorías mencionadas anteriormente. Los resultados no son generalizables, sin embargo permitieron profundizar en las necesidades de los usuarios. Para su aplicación, se creó una atmósfera relajada que facilitó la descripción amplia de las vivencias de los estudiantes interrogados. En el caso del docente titular, la entrevista se diseñó no estructurada para obtener una perspectiva amplia del proceso específico de enseñanza-aprendizaje de PVC y de las necesidades detectadas en los estudiantes. Finalmente, se procedió a la revisión de los principales materiales didácticos disponibles ofrecidos por docentes en curso sometiéndolos a evaluación haciendo uso de criterios de diseño de información. 10 Hallazgos Las entrevistas aplicadas a estudiantes mostraron que existen diferentes factores que afectan el proceso de aprendizaje de los MVZ en UPAEP, divididos en aquellos abordables a través del diseño y aquellos que resultan de disposiciones generales de la carrera, como el tiempo de las clases y la calidad de los docentes. Según las categorías de las entrevistas, las soluciones del diseño aplicables, propias de este proyecto, son: Tecnología. Los estudiantes consideran que un material didáctico digital, podría resultar efectivo como simulador menor para la creación de conocimientos significativos y motivadores. Materia. Los estudiantes necesitan información accesible y de disponibilidad atemporal para suplir huecos que pudieran darse si las clases fueran muy apresuradas. Aprendizaje. Declaran disposición favorable hacia un material didáctico amigable y digital que ya se encuentran en contacto permanente con las tecnologías de la información. �Actitud. Un material didáctico con toques lúdicos ayudaría mucho a la actitud frente a la materia y su interacción. En la entrevista con el docente titular de la asignatura PVC, pone de manifiesto que el cuerpo docente encargado de impartir estas materias identifica como principales dificultades de aprendizaje experimentadas por los alumnos: la cantidad de conceptos, la terminología y la utilización de protocolos. Por su parte, en el análisis de casos, se reportan diapositivas realizadas por profesores tanto de la licenciatura como del curso externo de la universidad en los que es notoria la falta de diseño editorial, organización de la información, amigabilidad y aplicación de fundamentos básicos de diseño. Prototipo Con base en los resultados obtenidos, se decidió realizar una aplicación didáctica digital para tablet y smartphones. Para generar describir las dinámicas y la arquitectura de información se utilizan diagramas aluviales con procedimientos y resultados (Figura 3). Los puntos o nodos del esquema muestran los pasos fundamentales que el estudiante debe seguir simulando a un profesional clínico cuando reporta muestras a un laboratorio. Los nodos están elaborados bajo la opinión de expertos, bibliografía autorizada por los docentes de PCV de UPAEP y por la elaborada por la UNAM. Figura 3. Visualización de datos de la dinámica 1 para un tema específico. 11 �Una vez construida la arquitectura de información con los diagramas, se contempla en el diseño de interacción las elecciones clínicas y situaciones que de ellas deriven. El diseño de interfase contempla acciones estandarizadas con el material requerido por el clínico como: tubos, torniquete, punción, elección de vasos sanguíneos, manejo de la jeringa y manejo de las muestras (Figura 4). Para complementar, en la parte inferior de la pantalla se observa el progreso que permite al MVZ notar las consecuencias de sus resultados. 12 Figura 4. Bocetaje de interfaz gráfica de dinámica 1. La navegabilidad del diseño se plantea de forma horizontal en el caso de las tablets, en el caso de los smartphones se plantean diálogos breves y un diseño de interfase abreviado (Figura 5), manteniendo los elementos de interfase de la plataforma original. Aunque aún no se encuentra definido el concept art final, en los bocetos se maneja un ambiente muy limpio y simple, simulando el ambiente de la clínica privada sobre una retícula adaptable en ambas plataformas. Las fuentes tipográficas, por su presentación digital, se prefieren sans-serif. La elección de los elementos estéticos puede ser modificada posteriormente con base en encuestas de percepción realizadas a médicos veterinarios o con fines didácticos. �Figura 5. Bocetaje de interfaz gráfica de dinámica 1 en smartphone. Conclusión Los hallazgos en las entrevistas mostraron la necesidad de una revisión a los paradigmas educativos y su aplicación en la enseñanza veterinaria, para abrir el camino a la interdisciplinariedad con áreas como el diseño; y la posibilidad de desarrollar material didáctico en el área de Medicina Veterinaria Zootecnia que abone al Diseño Universal para el Aprendizaje, enfoque didáctico que pretende aplicar los principios del DU al diseño del currículo de los diferentes niveles educativos (Alba, Sánchez & Zubillaga, 2014), pensando en los alumnos que no aprenden a través de medios tradicionales o que presentan dificultades de aprendizaje y buscan la manera de superarse, motivarse y alcanzar sus metas tanto profesionales como personales. 13 �Referencias Alba P., Sánchez S., y Zubillaga, A. (2014). Diseño Universal metodológica en el contexto educativo universitario. introducción en el currículo. 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Licenciada en de perros y gatos (UPAEP) y un curso de Patología Clínica Diseño Gráfico (UPAEP), licenciada en Enseñanza de Len- Veterinaria (UPAEP) y la licenciatura en Diseño Gráfico y guas con opción en Inglés (BUAP), Maestra en Procesos de Digital (UPAEP). Es empresaria combinando su formación Diseño (UPAEP), Especialista en DHP (UMAD), en Semió- para la creación de material didáctico dirigido a colegas tica (SES-BUAP) y Doctora en Dirección y Mercadotecnia veterinarios. Como freelance, mantiene la marca registra- (UPAEP) obteniendo mención honorífica por investigación, da Animauz® desde el 2014 y se dedica a varios a proyectos suma cum laude y el premio Abelardo Sánchez Gutiérrez. como la generación de manuales, ilustraciones y esquemas Posdoctorado en Ciencias Sociales en la Universidad Na- de medicina veterinaria con fines educativos. Ha partici- cional de Córdoba, Argentina, y estancia académica en pado como ponente en eventos académicos, así como en OSU (2012). Miembro del Sistema Nacional de Investiga- programas de radiodifusión. dores. Miembro del Executive Board de la Semiotic Society of America. (2016-2019) Miembro-fundadora de ELF Consortium Network LATAM-Finland, Miembro de la Comisión de Investigación de ENCUADRE. Cuenta con publicaciones científicas y participaciones como ponente y tallerista a nivel nacional e internacional. 15 �El impacto del aislamiento y la mediación tecnológica en la educación pianística musical durante la pandemia. M.E. Martha Paola Garay Mendoza ORCID: 0000-0001-5237-8601, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Música, martha.garaymnd@uanl.edu.mx 16 Resumen Palabras clave: pandemia, educación, musical, COVID 2, pianistas. El fenómeno del virus SARS-CoV-2(COVID -19) ha formulado un sinfín de alteraciones tanto sociales, económicas y educativas, sin menospreciar ninguna de ellas, todas a su vez importantes para un desarrollo global positivo. Al recordar escuchar las noticias del virus en China, en la Ciudad de Wuhan, veíamos muy lejos el hecho de que pisara la frontera mexicana y a lo largo de Latinoamérica y parte de Estados Unidos. Actualmente cada vez más se enlistan los contagios y las muertes hacen su proyecto de vida a una estela más de personas de cualquier edad y etnia, afectando directamente a los enfermos y su familia. La docencia camina rumbo a un perfil donde los cambios sean factibles dentro de un mundo tecnológico y virtual, unificado por el poder político y global, en donde no nos queda más que resolver la problemática del distanciamiento social dentro de nuestras aulas virtuales. �Abstract The phenomenon of the SARS-CoV-2 virus (COVID -19) has formulated a myriad of social, economic and educational alterations; without belittling any of them; all in turn important for positive global development. Remembering hearing the news of the virus in China in Wuhan City; we saw very far the fact that he stepped on the Mexican border and throughout Latin America and part of the United States. Currently, more and more infections are listed and deaths make their life project to another wake of people of any age and ethnicity, directly affecting the sick and their families. Teaching is heading towards a profile where changes are feasible within a technological and virtual world, unified by political and global power, where we have no choice but to solve the problem of social distancing within our virtual classrooms. Key words: pandemic, education, musical, COVID 2, pianists. Introducción Si bien la Universidad Autónoma de Nuevo León ha estado al margen de todas las indicaciones para evadir, combatir e, incluso, investigarlo en el aspecto formativo educativo de parte de nuestras instancias de salud como lo es el Hospital Universitario de la U.A.N.L., la cual derivo 8 proyectos de investigación a través de las convocatorias lanzadas por el CONACYT en Julio de 2021, en las cuales se eligieron las metodologías de diagnóstico basados en RT-PCR en tiempo real, lo cual hace sentir orgullo como docente universitario. Por otra parte, el sentir de las áreas de humanidades y de tomar las riendas de la Educación musical, hablando en especial del área académica en la Facultad de Música, se han visto afectadas sustancialmente las actividades educativas, a pesar de las innovaciones para trabajar en línea, esto ha demostrado poca eficiencia, por ejemplo: dar por visto todos los temas que involucran técnica e interpretación, que se daban antes sobre todo en clases practicas (de forma presencial), ha sido en lo particular lo más difícil de sobrellevar, ya que la mayoría de las materias o por lo menos las más relevantes se llevaban de manera práctica. El contexto actual en relación con la formación de profesores de música en diversos países es diferente y este lo marca su contexto social, económico y cultural. No es el mismo bagaje musical proveniente de un alumno educado musicalmente en Alemania a uno educado en Latinoamérica, de aquí parte lo que menciono anteriormente, si damos por hecho que estos aspectos 17 �interfieren para una educación buena, por otro lado, el hecho de no contar con recursos de infraestructura suficiente para poder lograr una buena educación musical, sin dejar baches o dudas en los alumnos. ¿Pero que sucede actualmente si toda la parte real se viene abajo? Se instaura que las clases se convierten en una especie de virtualidad estandarizada, en la que se dan por obvio muchas situaciones pedagógicas de técnica básica, que son súper importantes a la hora de una primera clase de piano. Objetivos principales: • Documentar los eventos más desafortunados en cuanto a la deserción académica durante la pandemia. • Analizar las áreas de oportunidad para mejorar los aprendizajes de los alumnos. Objetivos secundarios: • Buscar y encontrar acciones enfocadas a la didáctica e implementarla en la educación a distancia. 18 • Fomentar la buena comunicación asertiva entre docentes y estudiantes para motivar su estadía dentro de la universidad y evitar la deserción escolar. Desarrollo Las problemáticas y propuestas para la educación musical dentro del currículum escolar en los contextos actuales es actualmente un gran dilema debido a la pandemia. Carlos Poblete Lagos, quien es profesor de música, intérprete musical, y Doctor en Educación por la Pontificia Universidad Católica de Chile, y que actualmente es investigador postdoctoral en el Institut für Musikpädagogik de la Universidad de Múnich, Alemania, comenta en la revista Atemus, volumen 5 Número 9 Julio 2020, que en Alemania ha estado viendo con sus colegas en Estados Unidos, Canadá e Inglaterra, es que los problemas y las soluciones son muy parecidas, a pesar de todo lo que podamos pensar en términos de diferencias entre primer y tercer mundo. Los problemas respecto de la validación o legitimación de la educación musical es un problema que se está discutiendo en este instante en Estados Unidos, fruto de un estudio que hace dos meses se inició (y que, al momento, si ha concluido) y permitió que se generaran foros y realizaran encuentros virtuales entre investigadores, docentes y otros profesionales de la �música. Allá es más fuerte la organización de investigadores y profesores en torno a asociaciones, entonces hay un espacio potente para discutir estos temas. Uno podría pensar ¿qué va pasar con la música?, ¿qué pasará con la música en el currículum? Parece un asunto que nos toca sólo a nosotros en Chile, pero en verdad le está pegando a la sociedad educativa musical a nivel internacional. Esto es sumamente triste ya que a todos está afectando en la vida laboral, se le puede nombrar “vida total”, ya que la labor de un Músico profesional se basa en los hechos por los cuales ejerce su actividad práctica y en la cual existe un público. En la labor docente por ejemplo existen alumnos qué hay que enseñar el arte de interpretar, mostrar el sentir de lo que está ejecutando, eso solo se puede lograr satisfactoriamente cuando se está presente con el alumno en el mundo real, no en el virtual. Las materias siguientemente descritas forman parte de la mayoría de las mallas curriculares de Alumnos de Licenciatura y Nivel Técnico con la acentuación en piano: • Instrumento (Piano) 1/8 semestre (Lic), 1/6 semestres (Téc). • Música de cámara • Solfeo • Ensambles • Coro El recorrido de las experiencias vividas nos muestra lo más crítico de lo que nos aporta este confinamiento. La realidad de las clases de piano por ejemplo es basta; solo falta mencionar que la mayoría de alumnos, no cuenta con un instrumento, en este caso el piano acústico, lo cual es necesario en este caso para poder llevar a cabo una clase en línea, o mínimo contar con un piano eléctrico el cual asemeja a un piano acústico. Cuando comenzó el confinamiento, se vino el mundo abajo, ya que de mi cátedra solo; 1 alumno contaba con piano acústico, esto es esencial en la carrera, ya que la mayoría de la técnica basada en impulsos y movimientos de los dedos sobre las teclas del piano, ocupan primordialmente que sea una tecla real de madera con el peso suficientemente bueno para crear fuerza en los dedos, además de lograr una relajación muscular adecuada entre brazos, hombros y espalda, otros alumnos tienen 19 �un teclado de menos de 6 octavas a lo cual es muy básico y no cubre los registros básicos adecuados para poder avanzar en el programa de literatura pianística general, dentro de los niveles básico, intermedio y avanzado. En total de alumnos de Técnico medio y Licenciatura desde el inicio de la pandemia hasta hoy en total tengo (18) alumnos. Por otra parte, también hubo detalles de alumnos que no contaban con internet o equipo computacional para poder conectarse a la hora de la clase. Un celular, aunque contiene las herramientas necesarias para conectarse, no permite grabar las sesiones de Teams si acaso el alumno desea volver a revisar alguna indicación que no haya entendido. 20 El internet se satura cada vez más, si no se cuentan con los megas establecidos para ofrecer velocidad al momento en la que toda una familia eta conectada durante 8 hora diarias, además es complicado en una clase práctica cuando no se puede estar realmente con el alumno; los videos se congelan, en ocasiones se escucha mal, etc. Además se suma que es imposible resolver las dudas de una manera práctica rápida y eficiente, se tiene que estar tocando frente al alumno, por ejemplo, si vas a ejecutar con ambas manos tienes que tener un tripee que sostenga la cámara desde arriba para que el alumno pueda ver bien los movimientos de ambas manos, se tiene que recurrir a tocar con manos separadas, y sostener con la otra mano el celular. La universidad no se percata de este tipo de detalles, gastos que maestros con un sueldo normal tiene deben cubrir. Por otra parte, los recibos han aumentado, una familia conectada consume más kilowatts de lo que anteriormente se consumían, un gasto extra que tanto alumnos como docentes deben cubrir. El equipo necesario para poder tener una clase buena ocuparía gastar entre $10,000 y $15,000 pesos en equipo, para poder ofrecer una clase de calidad virtual. Otro de los problemas más comunes que se rescatan a simple vista es que todos los miembros de la casa trabajan o estudian (padres e hijos), los espacios se reducen, como mencioné antes, se pausa el internet, incluso hay pleitos entre hermanos por la falta de internet o de equipos por lo cual tienen que turnarse. Un alumno el semestre pasado contrajo depresión debido a este detalle en su casa, la madre y el padre trabajaban en casa, las dos hermanas inscritas en la Universidad, esto provocó problemas entre todos, a lo cual el alumno rompió en llanto, lo que provoco dejar de asistir todo el semestre a clases y la materia quedo en tercera oportunidad. �Hablando de la materia de música de cámara surge una problemática que enfatiza lo propio del distanciamiento social; hacer música de cámara significa ensamblar en grupo, lo cual difícilmente se puede llevar a cabo en línea. Se han buscado maneras de crear los espacios virtuales dentro de plataformas utilizando aplicaciones en las cuales se pueden sincronizar ensambles, lo cual es muy primitivo; nunca será lo mismo que tocar en vivo, no se pueden hacer dinámicas de tiempo, solo se puede tocar a una velocidad, en ocasiones sí, pero con ciertas restricciones. Un rubato es una indicación para alargar y acelerar los tiempos, en este caso es imposible, ya que de esto depende la sensación dinámica de un estado emocional del intérprete. Se logra que el alumno grabe la pista y mandarla al otro alumno, aun así, no queda lo mejor posible en comparación a un ensamble que practico en presencial y con el sentimiento aunado de los dos intérpretes. Carlos Poblete Logo comenta que un colega amigo, el cual trabaja en una universidad inglesa, le mencionó que para este año –esto fue una conversación de hace un mes– en la universidad se había proyectado una baja entre un 70 y 80 % de estudiantes extranjeros en sus programas de posgrado. Eso es un golpe al patrimonio económico enorme, no solo en esa universidad pues las universidades en el extranjero también se nutren de eso; estudiantes que provienen de Asia o de Medio Oriente, los cuales viajan para inscribirse en programas de pre y posgrado. De igual manera, la Universidad Autónoma de Nuevo León ha tenido bajas en cuotas escolares debido a la deserción educativa provocada por las clases en línea. En Chile, con las condiciones de implementación de la docencia musical en el contexto pandémico, los profesores de música en este instante están siendo compelidos a tener que preparar una gran cantidad de clases. Muchos de ellos aprendiendo a usar sistemas que nunca han usado, lo que le quita horas a la familia, al descanso, a la producción personal y a la vez debilita incluso los aprendizajes que se puedan conseguir con los estudiantes. En Monterrey sucede algo parecido, una colega duerme 4 horas (se levanta en horas de madrugada) debido a la falta de tiempo para revisar tareas de clases teóricas, ya que no le da tiempo por la tarde. En el área administrativa cada vez se delega más actividad sal pensar que, al estar en casa, se tiene más tiempo y se olvida el tiempo libre (para comer y descansar). Es difícil ver el entorno familiar como entorno laboral, los alumnos comentan que es más difícil concentrarse en casa; hay más distractores que en la escuela, si a esto se le agrega el poder de apagar cámara cuando los alumnos están en clase, se pierde la atención visual. 21 �La siguiente encuesta menciona los principales aspectos en los cuales los alumnos se vieron afectados debido a la pandemia, entre ellos los más comunes. El estudio de sondeo (alcance de la muestra) se llevó a cabo de modo cualitativo en el porcentaje de alumnos de las materias del área de piano (45), con materias de tronco común, entre teóricas y prácticas. Música de Cámara, solfeo, coro, literatura musical, instrumento, teóricas (historia del arte). Piano 1/8 semestre. Licenciatura con acentuación en piano. Cabe resaltar que el alumnado bajó debido a la pandemia, ya que un porcentaje considerable de alumnos de nuevo ingreso se ha visto disminuido por lo mismo, algunos alumnos antiguos no se inscribieron para el ciclo escolar de Agosto/diciembre 2020. Formulación del problema 22 A través del año y 9 meses desde que inició la pandemia se ha visto afectado el proceso educativo de los pianistas en formación técnica y de interpretación a partir de la imposibilidad de interactuar personalmente con su docente. Aunado a esta afectación, han surgido otros aspectos que deben ser evaluados para poder tomar decisiones a corto y largo plazo, mientras las clases en presencial sigan siendo pausadas. La Dra. Beania Salcedo Moncada (Facultad de Música de la UANL) pianista y concertista egresada del Conservatorio Nacional de Música con postgrado en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid con maestría y doctorado en Educación en el IUSAM y Postdoctorado en Política Educativa, considera que la pandemia ha afectado mucho en la educación musical, principalmente en el piano porque los alumnos en su mayoría no cuentan con un instrumento adecuado en casa. El rendimiento de los estudiantes ha afectado porque los elementos sonoros no se pueden trabajar y muchos alumnos cuentan solamente con un teclado básico que no cubre la totalidad de las teclas del piano, además de no tener peso en las teclas y pedales. No se llega a conseguir una obra madura musicalmente, principalmente porque no hay como trabajarla si se carece de lo principal; el instrumento. Para dar una clase de piano en línea se necesita tener un piano acústico y un buen equipo digital para abarcar el cuerpo entero y que el sonido sea adecuado. �Conclusión Como sociedad educativa surge la responsabilidad de manejar la relación académica, psicológica y social en base a estrategias que puedan satisfacer la vida normal de todo ser humano. La pandemia, el encierro y el virus trajo un sinfín de cambios en todos los rubros, cabe plantearse como docentes si lo que se desea en las clases en línea es llenar espacios vacíos, donde las tareas son un sinfín de preocupaciones para los alumnos y finalmente para los mismos docentes. La mayoría de las respuestas sobre las afectaciones principales de esta señalan claramente un retroceso en las emociones y en la salud mental, prioridad básica para el ser humano y para desarrollarse en todos los ámbitos cotidianos. Cabe preguntarse, ¿favorece el exceso de tareas y actividades para un buen aprendizaje? ¿les queda tiempo a los alumnos para llevar una vida normal dentro de su casa?, cuando bien se entiende que la vida totalmente en la casa nunca será normal. La sociedad educativa debe replantearse esta situación que sin lugar a dudas está afectando mucho al alumnado en general y a nivel internacional, incluso con afectaciones de no satisfacer la necesidad alimentaria en los tiempos indicados, afectación a la vista por estar tanto tiempo frente a la pantalla. Los resultados de esta encuesta muestran que muchos alumnos padecieron ansiedad y depresión y lo más grave, algunos aun lo están padeciendo; solamente un 21.4% han buscado ayuda, el 78.6% no piden ayuda psicológica, porque es en línea y les da vergüenza que los escuchen en casa, por falta de dinero, o por vergüenza de ser señalados como débiles. Ahora retomemos esta pregunta, será la solución a los problemas psicológicos de los alumnos enviarlos a tutorías cada semana cuando aunado a eso también tienen la presión de entregar exceso de trabajos de las innumerables materias que llevan por semestre, no sería más fácil como docentes tomar la solución de bajar el estrés académico de los alumnos reduciéndolas tareas y propiciar en las clases más participación de debates sobre temas o trabajo en equipo en clase y programar sesiones más ligeras. Finlandia tiene uno de los mejores sistemas educativos del mundo. Su modalidad es pública, tanto en colegios como universidades, y se basa en la igualdad ya que respeta las necesidades y diferencias de cada persona, ahí no existen los exámenes y desde 2016 están implementando un modelo educativo que busca indagar los problemas de la vida real en el entorno educativo. Los estudiantes de Finlandia suelen posicionarse en los primeros lugares de la prueba PISA, las cuales miden las competencias en ciencias, matemáticas, y lectura. Otro dato importante es que en Finlandia, las familias en un 80% van a las bibliotecas el fin de semana, ¿a nuestros alumnos les quedará tiempo de leer un libro después de todas las actividades? Las 23 �jornadas de las clases son más cortas, no encargan muchas tareas, se le da más valor e importancia a la recreación y el descanso, los profesores diseñan y organizan el currículo con líneas generales y también de marco común, estas se planifican para alcanzar los logros cómo mejor consideren. Los profesores no imparten tantas horas de clase como en otros países, sino que el tiempo que pasan en el aula es más reducido y destinan las horas restantes a preparar sus lecciones, investigar, organizarse y trabajar de forma colaborativa con otros docentes. Si bien sabemos Finlandia es un país de primer mundo y nos llevan mucho avance en cuestiones tecnológicas, no debemos quedarnos atrás por el simple hecho de ser un país de tercer mundo, podríamos copiar algunas cosas para mejorar nuestra pedagogía y lograr un buen nivel de bienestar emocional físico y mental para que así nuestros alumnos puedan alcanzar los objetivos principales y secundarios de cada tema visto en clase. 24 �Referencias Dirección de Investigación. (16 de Julio de 2020). Influencia de la investigación en el bienestar de la sociedad ante la pandemia COVID-19. 28 de septiembre de 2021, de La Secretaría de Investigación Científica y Desarrollo Tecnológico, a través de la Dirección de Investigación Sitio web: https://www.uanl.mx/ eventos/influencia-de-la-investigacion-en-elbienestar-de-la-sociedad-ante-la-pandemiacovid-19/ Palicio Ana. (7 de diciembre de 2016). Las 10 claves del éxito Martha Paola Garay Mendoza de la educación en Finlandia. 28 de septiembre de 2021, de Ser Padres Sitio web: https://www. serpadres.es/3-6-anos/educacion-desarrollo/ articulo/las-10-claves-del-exito-de-la- Pianista, concertista y profesora de tiempo en la Facultad de Músi- educacion-en-finlandia-431476447453 ca de la U.A.N.L. Con Maestría en Educación en EDEC de Monterrey, Redacción. (14 de julio de 2020). Investigadores de la UANL y miembro del Comité organizador del Concurso Jóvenes Virtuo- responden a llamado contra el COVID-19. 28 de sos de la Facultad de Música llevado a cabo cada año; en algunas septiembre de 2021, de Hora Cero Sitio web: https:// otras ocasiones en el Festival internacional y Masterclass de Piano www.horaceronl.com/reportaje/investigadores- a cargo de la directora general Antonina Dragan. 25 de-la-uanl-responden-a-llamado-contra-elcovid-19/ Revista Átemus. (Julio 2020). La educación musical en Imparte las cátedras de Piano a nivel Técnico y Licenciatura: Música de Cámara, Acompañamiento Artístico y Coordinadora del Área tiempos de pandemia ¿Diversidad o diferencia de Pianistas Acompañantes. También pertenece al Cuerpo Acadé- cultural? 28 septiembre 2021, de Volumen 5 número mico de Educación para la Música. Acreedora del perfil deseable 9. Julio 2020 Revista Átemus 3 ENTREVISTA Sitio de PRODEP Programa para el Desarrollo Profesional Docente, des- web: https://revistas.uchile.cl/index.php/atemus/ de 2018. article/download/58205/61892/ Salcedo, B. (2021) Entrevista semi-estructurada. Facultad de Música, UANL. El 31 de enero de 2019 publicó su primer libro “Estrategias de enseñanza pianística musical para el desarrollo de habilidades cognitivas”, con la Editorial T&R. El 28 de diciembre de 2020 publicó su segundo libro “El lado oscuro de una Pianista con la Editorial T&R. �Experiencias de enseñanzaaprendizaje adquiridas en la unidad de aprendizaje Laboratorio de materiales de la licenciatura en Diseño Gráfico. M.C.C. María Bertha Rojas Galindo ORCID: 0000-0002-9943-9632, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. maria.rojasgln@uanl.edu.mx 26 Resumen Palabras clave: diseño Gráfico, competencias, experiencia pedagógica, métodos de enseñanza, práctica educativa, proceso de enseñanzaaprendizaje. La enseñanza en un modelo académico por competencias y centrado en el estudiante, requiere de estrategias y metodologías de enseñanza para que el aprendizaje sea significativo, promoviendo el desarrollo integral de saberes, habilidades y actitudes en los alumnos. En el presente escrito se exponen algunas actividades y evidencias de aprendizaje llevadas a cabo en la unidad de aprendizaje de Laboratorio de materiales, con la finalidad de compartir las experiencias obtenidas en el proceso de enseñanza con alumnos de primer semestre de la licenciatura de diseño gráfico. La práctica educativa incluye identificar los conocimientos previos de los alumnos, respetar los objetivos del plan educativo, la planeación estratégica de las actividades de enseñanza y el diseño de las evidencias de aprendizaje definidos en un programa analítico, modelar las actividades, así como también la evaluación de los productos de aprendizaje para una reflexión que permita la mejora continua del programa y sobre todo de la labor docente. �Abstract Teaching in an academic model based on competencies and centered on the student, requires teaching strategies and methodologies so that learning is meaningful, promoting the integral development of knowledge, skills and attitudes in students. In this writing, some activities and learning evidences carried out in the Materials Laboratory learning unit are exposed, in order to share the experiences obtained in the teaching process with students of the first semester of the graphic design degree. The educational practice includes identifying the students’ previous knowledge, respecting the objectives of the educational plan, the strategic planning of the teaching activities and the design of the learning evidences defined in an analytical program, modeling the activities, as well as the evaluation of the learning products for a reflection that allows the continuous improvement of the program and especially of the teaching work. Key words: graphic design, competences, pedagogical experience, teaching methods, educational practice, teaching-learning process. Introducción 27 El proceso de planeación es una herramienta fundamental de la práctica docente, pues requiere que el profesor establezca metas con base en los aprendizajes esperados de los programas de estudio, para lo cual ha de diseñar actividades y tomar decisiones acerca de cómo evaluará el logro de dichos aprendizajes (SEP, 2017). Tobón (2008) define las unidades de aprendizaje como un “conjunto de indicaciones sistemáticas que se les brinda a los estudiantes por escrito con el fin de orientarlos en la realización de las actividades específicas de aprendizaje, teniendo como referencia un determinado elemento de competencias por formar”. Apegado al Modelo Académico de la UANL, el trabajo docente “debe privilegiar el aprendizaje de los estudiantes sobre la enseñanza”; “el profesor mediante la promoción de ambientes de aprendizaje... debe enseñar a los estudiantes a aprender y a pensar”; “la tarea del profesor es intervenir para que las prácticas sean mejores...”. (UANL, 2020). Como es sabido, para impartir una clase se requiere más que estar al frente de un grupo de estudiantes y seguir un programa, hay un trabajo previo �para preparar los temas y los recursos didácticos que facilitarán el aprendizaje, dominar los contenidos y crear un ambiente en el aula para formar una comunidad con deseos de enseñar y de aprender. El presente trabajo tiene como finalidad compartir las experiencias de docencia en la unidad de aprendizaje Laboratorio de Materiales, a través de la práctica de actividades referidas en cinco tipos de evidencias de aprendizaje, describiendo las competencias específicas de cada una, analizando los pro y contra al momento de elaborarlas por parte de los alumnos. La intención es documentar las evidencias de aprendizaje más significativas de LAMA, y de la que una servidora fue titular de la materia por más de cinco años, ya que dejará de existir debido al Rediseño Curricular del Plan Educativo de la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Considero importante escribir sobre el trabajo académico como testimonio del quehacer del docente, para compartirlo con otros docentes dentro o fuera de la institución y antes de iniciar, describo lo que esta unidad ha sido en mi labor docente: 28 De acuerdo con la Real Academia Española, la palabra laboratorio, significa 1. m. Lugar dotado de los medios necesarios para realizar investigaciones, experimentos y trabajos de carácter científico o técnico. 2. m. Realidad en la cual se experimenta o se elabora algo. Y la palabra material: conjunto de máquinas, herramientas u objetos de cualquier clase, necesario para el desempeño de un servicio o el ejercicio de una profesión. Precisamente es lo que LAMA ha sido, una unidad de aprendizaje con la oportunidad de experimentar con diferentes herramientas y materiales para elaborar productos de diseño gráfico cumpliendo con los requisitos de funcionalidad y estética. Este documento se divide en dos áreas: contexto de la UA, iniciando con la presentación de la unidad de aprendizaje, continúa con las competencias generales y específicas que esta unidad aporta al perfil de egreso; se describen los enfoques pedagógicos y las metodologías de enseñanza utilizadas en la impartición de la materia; en la segunda parte se describe las actividades más significativas como evidencia de aprendizaje, considerando el enfoque teórico, uso de material didáctico, resultados y evaluación de la UA. Posteriormente las conclusiones, una serie de anotaciones percibidas en el ejercicio docente. �I. Contexto de la unidad de aprendizaje 1. Presentación de Laboratorio de Materiales Laboratorio de materiales es una unidad de aprendizaje que se imparte en primer semestre de la licenciatura en Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales, UANL, en modalidad escolarizada y es de tipo obligatoria. Pertenece al Área Curricular de Formación Básica con 80 horas totales al semestre y tiene un valor de 4 créditos. La primera fecha de elaboración del programa analítico fue en julio del 2009, ha tenido 4 actualizaciones, siendo la última en julio del 2020. Con LAMA (forma abreviada) el profesionista del diseño gráfico debe ser capaz de identificar, aplicar y usar los diversos materiales y herramientas del diseño, para comprender su potencialidad y alcance en proyectos gráficos y de esta forma lograr una toma de decisiones adecuadas en el proceso de producción de cualquier producto del diseño análogo y/o digital. El propósito de esta unidad de aprendizaje es que el alumno sea capaz de explorar y manipular el uso de diferentes materiales como papel, cartulinas, cartón, acrílicos, vinilos, etc., entendiendo la naturaleza de los mismos, su proyección para con el diseño, así como el uso apropiado de las herramientas relacionadas con ellos, generando productos bi y tridimensionales que le ayuden a desarrollar propuestas creativas que se adapten a las necesidades de un proyecto gráfico. Representación gráfica de LAMA: Está estructurada en 3 fases: 1) La materia prima del diseño. Aprende las características de los materiales y herramientas usados en diseño gráfico. 2) Diseño bidimensional. Conoce y distingue los cuatro grupos de elementos del diseño bidimensional y los aplica elaborando productos bidimensionales. 3) Diseño tridimensional. Reconoce e identifica las perspectivas básicas y los elementos constructivos del diseño tridimensional. Construye productos tridimensionales. 29 �El programa analítico contiene, por supuesto, fuentes de apoyo y consulta, así como también la evaluación integral de los procesos y productos. Además en el apartado de anexos se encuentran guías instruccionales, rúbricas y listas de cotejo, lo que permite al alumno evaluar su progreso académico y así lograr acreditar la materia. 2. Competencias que aporta LAMA En los ejes rectores del Modelo Académico de la UANL (2020), que es donde “se delinean las formas de trabajo que deben ser incorporadas a la tarea educativa cotidiana para facilitar la comprensión…” se presentan los ejes estructuradores que establecen una educación centrada en el aprendizaje y una educación basada en competencias. Bajo estos enfoques se han orientado y planeado las actividades en LAMA, procurando que el alumno logre un aprendizaje significativo, no sólo por ser una asignatura de primer semestre que le ayude a lo largo de su carrera, sino con la visión en el campo laboral; que desarrolle competencias cognitivas, motoras y afectivas que se vean reflejadas en el ejercicio de su profesión. 30 Esta unidad contribuye al perfil del egreso, de acuerdo con en el mismo Modelo Académico de la UANL (2020) en el desarrollo de las competencias generales: Capacidad para un aprendizaje autónomo y continuo. Habilidades para el desarrollo de diversas expresiones del pensamiento: lógico, crítico, creativo y propositivo. Capacidad de un trabajo inter, multi y transdisciplinario. Habilidad para reconocer las amenazas al entorno social y ecológico desde los ámbitos profesional y humano. Capacidad de promover un desarrollo sustentable a través de la comprensión holística de la realidad y la planeación e implementación innovadora y creativa de soluciones. Capacidad para la resolución de problemas y la adecuada toma de decisiones. Respecto a las competencias específicas, el estudiante será capaz de “representar gráficamente las ideas para proponer soluciones originales e innovadoras a los diferentes problemas de diseño a través de procesos análogos y digitales”. En el Plan de Estudios de la S.E.P (2011) se define competencia como la capacidad de responder a diferentes situaciones, e implica un saber hacer (habilidades) con saber (conocimientos), así como la valoración de las consecuencias de ese hacer (valores y actitudes). �COMPETENCIAS COGNITIVAS HABILIDADES ACTITUDES DESARROLLA DESCRIPCIÓN ESPECÍFICA Memoria Recuerda áreas de razonamiento lógico-matemático como la geometría. Atención Focaliza temas de diseño, arte, industria, educación. Percepción Aprende a observar y analizar el entorno a través del sentido de la vista y el tacto sobre todo. Creatividad Imagina, investiga, construye y produce objetos bi y tridimensionales. Pensamiento abstracto Conceptualiza y aporta ideas a partir de un proceso de investigación y análisis respecto a los fundamentos del diseño con una proyección en el entorno. Destreza motriz fina Elabora y construye productos de diseño bi y tridimensional con trazo, corte, pliegues, pegado y ensamblado de precisión y con acabados de calidad. Verbales Interactúa socialmente con sus compañeros expresando y comunicando ideas, dudas, comentarios, aportaciones; gestiona la adquisición de materiales y uso de equipo; es persuasivo en la retórica de su diseño. Saber-ser Demuestra valores de responsabilidad, solidaridad, puntualidad, honestidad, Saber-actuar Es proactivo, autodidacta, curioso, compartido, con motivación, emprendedor. 3. Enfoques pedagógicos Enseñar requiere además de saber los contenidos, modelar los contenidos, es decir, siendo Laboratorio de Materiales considerado como taller, obviamente que se requiere también realizar la práctica. Sin embargo, es necesario tomar un enfoque pedagógico que guíe la enseñanza para que los alumnos logren los aprendizajes. Entre la diversidad de teorías de aprendizaje la que considero adecuada por los objetivos que persigue la materia son el constructivismo y el aprendizaje significativo. 31 �Carlos Tünnermann Bernheim cita de Frida Diaz-Barriga y Gerardo Hernández Rojas, los principios educativos asociados al constructivismo en el aprendizaje, de los cuales sólo apunto los siguientes: • El aprendizaje implica un proceso constructivo interno, autoestructurante y en este sentido, es subjetivo y personal. • El punto de partida de todo aprendizaje son los conocimientos y experiencias previos que tiene el aprendiz. • El aprendizaje se facilita con apoyos que conduzcan a la construcción de puentes cognitivos en lo nuevo y lo familiar, con materiales de aprendizaje potencialmente significativos. 32 La teoría del aprendizaje significativo de Ausubel (2016), establece que el conocimiento se adquiere cuando los contenidos son relacionados de modo no arbitrario y sustancial con lo que el alumno ya sabe. Ausubel (1983) señala que para entender la labor educativa, es necesario tener en consideración tres elementos del proceso educativo: los profesores y su manera de enseñar; la estructura de los conocimientos que conforman el currículo y el modo en el que éste se produce; y el entramado social en el que se desarrolla el proceso educativo. Ambas teorías son aplicadas en los distintos ejercicios que conforman la estructura en tres fases de LAMA, las cuales se pretende que den evidencia de la construcción del conocimiento del estudiante, recordando aprendizajes previos y adquiriendo otros para relacionarlos y volverlos significativos y que permitan el desarrollo educativo no sólo de forma lineal sino transversal, que les sea de utilidad en otros ámbitos sociales, culturales, pero sobretodo profesionales. Para que sea significativo el aprendizaje, se requiere conocer los estilos de aprendizaje de los alumnos, por el área de conocimiento (Artes Visuales) podríamos deducir que los alumnos son pragmáticos, pero es necesario confirmar a través de una evaluación diagnóstica. 4. Estrategias de enseñanza En Laboratorio de materiales se busca que el alumno adquiera dominio en el lenguaje conceptual de los contenidos; desarrolle habilidades y destrezas en la elaboración de actividades; demuestre aptitudes y actitudes de comunicación, solución de ideas, de trabajo colaborativo e interdisciplinario, esto es el �Aprendizaje Basado en Competencias. Como estrategia de enseñanza se han utilizado diferentes recursos como mapas mentales, lluvias de ideas, infografias, pero las que prevalecen son los metodología de proyecto a realizar en el taller. Los estudiantes tienen a su disposición los documentos en formato pdf para elaborar cada uno de los proyectos, la metodología que se sigue es realizar un prototipo a escala para que puedan visualizar el resultado, practicar las veces necesarias hasta lograr la competencia y una vez dominada, elaborar el producto en el material indicado para entregarlo como evidencia de aprendizaje. Es importante señalar, que aunque el proyecto está definido y delimitado, los alumnos experimentan primero, en su conformación, es decir, para ellos son productos nuevos usando instrumentos, en muchos casos también como primera vez; y segundo, en el uso de materiales, pues no hay un papel o cartulina determinante, además de que observan a sus compañeros y aprenden de los resultados de los demás, no sólo del propio; y por último, con el acabado que le den a su producto, echando a volar su imaginación para ilustrarlo y usar la técnica de representación de su preferencia y acorde al material utilizado. II. Las evidencias de aprendizaje 5. Lecturas de referencia como fundamento teórico Como ya se mencionó LAMA es una asignatura práctica, de taller, sin embargo, las actividades cuentan con su fundamento teórico, lo que permite el análisis y la reflexión. La fundamentación teórica se hace imprescindible para justificar y darle sentido de funcionalidad a los productos a elaborar por los estudiantes en LAMA. Fundamentos del diseño bi y tri dimensional de Wuicius Wong (2011 ) es la teoría que acompaña a lo largo del periodo escolar a cada una de las actividades de forma general. Los conceptos que nos presenta el autor son adquiridos como lenguaje específico del área, concretamente los elementos del diseño bidimensional: conceptuales, visuales, de organización y prácticos son aplicados y comprendidos por el estudiante, de tal forma que puede identificarlos y llamarlos por su nombre en la realización de su actividad. Así como también los elementos de perspectiva y construcción para los diseños tridimensionales. Cada producto elaborado tiene su referencia bibliográfica, permite la comprensión de la pertinencia como evidencia de aprendizaje. Dentro de los programas analíticos, seleccionar y determinar las actividades de enseñan- 33 �za-aprendizaje se definen acorde a los objetivos académicos para obtener los resultados deseados a fin de que abonen al perfil del estudiante. 6. Descripción de las evidencias de aprendizaje Ausubel (2016) menciona “no siempre es fácil demostrar que ha ocurrido aprendizaje significativo. La comprensión genuina implica la posesión de significados claros, precisos, diferenciados y transferibles”, afirma “que la resolución independiente de problemas es a menudo la única manera factible de probar si los estudiantes en realidad comprendieron significativamente las ideas que son capaces de expresar verbalmente”. 34 Para comprender la teoría se hace necesario aplicar los conocimientos en ejercicios para que el aprendizaje sea significativo. Seleccionar las actividades de enseñanza-aprendizaje no es tarea sencilla para el docente, pues hay tomar en cuenta algunas consideraciones, como los aprendizajes previos. En este caso, los alumnos son de primer semestre que provienen de la educación media-superior, es decir, de bachillerato, algunos pocos con enseñanza técnica, estos últimos son de mucha ayuda para sus compañeros pues al observarlos trabajar logran comprender mejor las actividades. Así pues, las actividades seleccionadas son acordes a la teoría y al propósito de la materia que es la experimentación de materiales en la elaboración de diversos productos; se dice que la práctica hace al maestro, en este sentido la cantidad de ejercicios son considerables para que el alumno adquiera las destrezas requeridas para la maquetación o prototipo del producto, sin embargo, describiré las necesarias vinculado al aprendizaje esperado. 1) Muestrario de papeles En Laboratorio de materiales se trabaja básicamente con soportes de papel, cartulina y cartón, por ello es de suma importancia que los alumnos reconozcan el valor de la materia prima con la que se elaboran estos insumos y del cuidado que debemos tener con el medio ambiente. Antes que todo estudiamos lo relativo al papel: la terminología, su composición y fabricación, la clasificación y tipos de papel, así como los criterios a seguir en la elección del papel, tal como lo dice en la introducción del capítulo 12. El papel, en el libro de Manual de Producción Gráfica. Recetas de Johansson K. (2008): “La elección del papel es una decisión importante en el proceso de producción gráfica”. Además reflexionamos a través de la pregunta que plantea Christian Chávez López, (2012) en su tesis de maestría, Diseño Gráfico Sustentable: estrategias para el uso de materiales y procesos en el diseño, “¿cómo es que �estamos involucrados los Diseñadores Gráficos en la problemática ambiental?”, ofreciendo una serie de estrategias en el reciclado de materiales para concientizarnos acerca del impacto que la industria del papel tiene en el medio ambiente. Con el muestrario de papeles se busca que el alumno conozca e identifique las características y cualidades de la gran variedad de papeles que tiene a su alcance como en cuadernos, revistas, folletos, libros, volantes, empaques, envolturas, etc., los clasifique y reconozca su uso comercial, publicitario o social. En la actividad, ellos recolectan una variedad de papeles, cartulinas y cartones, acompañado del nombre, gramaje, dimensiones en extendido color y uso. La apreciación que tienen de la gran cantidad de papeles que existen en el mercado les sorprende y les agrada, admiran la textura táctil y visual de muchos de esos soportes. Esto evidencia que serán capaces de seleccionar el papel idóneo para los siguientes ejercicios. 35 Muestrario elaborado por Ingrid Lucio López. 2) Flexágono El flexágono es la primera de las actividades con diseño bidimensional, su resultado es sorprendente para los alumnos y divertido a la vez, como docente me fascina ver las reacciones de estupefacción al observar cómo cambian los elementos en cada giro, les cuesta por unos momentos entender y comprender lo que sucede con las figuras al flexionar, atónitos expresan “¡¿cómo hizo eso?!”, “es magia!!!” y la que más me ha gustado “mis ojos, mi cerebro…no pueden con tanta luz”, si, así es el conocimiento, se aplica el aprendizaje por descubrimiento. Con base en el libro de Jackson, Paul. (2013), Técnicas de corte y plegado para diseñadores, los alumnos pueden seguir el procedimiento para �realizar el flexágono, que aunque puede parecer sencillo, exige exactitud en la medición, precisión en el trazo de los ángulos de 60°, cortar y plegar sobre las líneas y sobre todo, ensamblar. Si alguno de los pasos no se realiza debidamente afectará el resultado. Como en todo proceso gráfico, el último paso es el acabado, en esta etapa se da libertad al alumno de expresar su creatividad aplicando los elementos visuales de composición e ilustrando los diferentes planos utilizando las figuras geométricas básicas. Con este ejercicio, los alumnos pueden adquirir el concepto de plano, pues aunque el flexágono que realizan tiene 6 lados, ellos pueden redescubrir las figuras geométricas implícitas en el hexágono, como el triángulo, es decir, seis planos triangulares; tres planos con forma de rombos, al unir 2 triángulos; o bien, 2 planos en forma de trapecios, esto es 3 triángulos, o sea la mitad del hexágono. Tienen un entendimiento de la relación que existe en el espacio, la posición y dirección de las figuras en esos planos, con ello tomarán decisiones al trabajar en cada plano y a visualizar el resultado al flexionar. 36 Los contratiempos que se presentan es el de enseñar de nueva cuenta el uso de los instrumentos del juego de geometría como las escuadras, que distingan de cada una sus ángulos; el transportador para medir los grados de los ángulos; el compás para trazar los círculos o arcos de la circunferencia, y digo de nueva cuenta, porque desde 4° de primaria se imparte estos conocimientos, posteriormente en materias de trigonometría en secundaria y bachillerato. En este ejercicio evidencian no sólo la adquisición de los conceptos básicos del diseño sino también sus habilidades motoras y actitudinales al demostrar concentración para trazar con precisión y plasmar su creatividad en diversos planos. �37 Muestrario elaborado por Ingrid Lucio López. 3) Libro origami Siguiendo con el libro de Jackson (2013) seleccioné esta actividad con la intención de que el alumno ejercite más el plegado, distinga entre papel y cartulina y conozca una manera creativa de presentar un encuadernado. La descripción de los pasos, aunque el autor dice “dicha versión de dos piezas es mucho más simple”, a los alumnos les cuesta comprender un poco los gráficos y los textos y más aún la elaboración de la cubierta. Desean que se les indique las medidas exactas de cada corte y de cada doblez, se resisten a calcular y sacar las proporciones a partir de un formato cualquiera. En clase se elabora el prototipo a escala, para quien logra realizarlo, garantiza que lo logrará en formato real, la mayoría de las �veces sucede así. El libro origami resulta ingenioso, nada costoso y no hay desperdicio al elaborarlo, tampoco lleva gasto en adhesivos o engomados, además de incentivar a los alumnos para plasmar en su portada el diseño con algún propósito escolar o personal. 38 Libro origami elaborado por Pamela Lizbeth Medina Fragoza. 4) Stencil La actividad del stencil es la que más disfrutan y a la que le encuentran más funcionalidad ya que lo aplican a una prenda textil, la mayoría utiliza una playera pero también lo han hecho sobre morrales, gorras, las bolsas traseras del pantalón, etc. El material que les pido utilizar es una mica pvc que pueden reciclar de una radiografía o de una pasta plástica para encuadernar, lo mismo que la prenda textil, lo único que deben adquirir es pintura textil. Parece ser una actividad muy sencilla: sólo seleccionar una imagen, �trazar sobre la mica o poner la imagen impresa en papel debajo o encima del plástico y recortar las áreas por las que pasará la pintura a la tela o superficie. Sin embargo la actividad se vuelve compleja cuando el alumno decide realizar su propio diseño, pues la abstracción de la figura-fondo no es fácil. Trazar la figura no completa del todo y que el ojo haga el cerramiento para encontrar la forma es la principal dificultad para que los alumnos entiendan cómo realizar un stencil, pues no se trata de contornear la figura sino de obtener una imagen en negativo para volverla positiva en el proceso de estarcido, pero una vez superado este paso, les resulta atractivo y productivo, motiva el emprendimiento y despierta el interés por conocer más acerca de esta técnica. 39 Stencil elaborado por Andrea Desiree Flores Garay. 5) Empaques Esta actividad pertenece al tema de diseño tridimensional, y aunque hay otras actividades previas, que son planos seriados y estructura de pared, cito la de empaques por que los alumnos expresan su preferencia y le encuentran más sentido productivo dentro del diseño gráfico. A través de la elaboración de 2 empaques, los estudiantes aprenden aspectos conceptuales: ejes primarios.- ancho, alto y profundidad; las perspectivas básicas.- frontal, lateral y plana o aérea; elementos de construcción.- filo, vértice, cara. También acerca de los aspectos técnicos: caras, arista, tapa, solapa, pliegues. Aspectos prácticos: tipos de empaque, su función y principales consideraciones sobre el producto a empaquetar. �Elaboran un empaque básico, que es el cubo y otro más llamado de torsión facetada, donde los ángulos rectos de las caras se modifican a ángulos de 60º u otro según el producto. Este producto parece ser tan cotidiano, se puede decir que todos los días estamos en contacto con una caja: la del cereal, de medicinas, de almacenaje, en fin, una gran variedad, pero al momento de asignar la actividad, lo primero que hacen los alumnos es observar una que tengan a su alcance y analizar el material con el que está conformado. Para hacerlo atractivo, el grupo debe elegir una producto y temática para el diseño gráfico. El resultado es una gran cantidad de empaques para un mismo producto pero el diseño lo hace único. La experimentación también se da al manipular las caras, con ventanas u otro aditamento. A través de esta actividad comprenden la importancia que tiene el empaque para la conservación del producto y su embalaje, así como su función en la mercadotecnia y el impacto en el usuario. 40 Empaques elaborados por Ana Monserrat Rosas Herrera. �41 Empaques elaborados por Ana Laura López Galindo. 7. Material didáctico Considerando su naturaleza de la materia como taller, las actividades deben ser modelados por el facilitador, cumpliendo así con los roles del docente: modelo “ejemplificar lo que debe aprenderse, pues el estudiante aprende no solo de los libros o de lo que el profesor dice, sino con la práctica, conocimientos, habilidades, actitudes y destrezas que el profesor muestra”, y también como desarrollador de recursos “crear y coordinar ambientes de aprendizaje innovadores en las diferentes modalidades, sustentados en el dominio de competencias digitales...” (UANL, 2020). Por ende, elaborar material didáctico como recursos auxiliar para la comprensión de los contenidos. De acuerdo con Ogalde Careaga citado por Morales (2012), los materiales di- �dácticos “...son todos aquellos medios y recursos que facilitan el proceso de enseñanza-aprendizaje, dentro de un contexto educativo global y sistemático, y estimula la función de los sentidos para acceder más fácilmente a la información, adquisición de habilidades y destrezas, y a la formación de actitudes y valores”. Considerando experiencias previas y en contexto con el área de conocimiento que es el diseño gráfico, asumimos que el estilo de aprendizaje de los estudiantes es visual, por lo que se elaboraron maquetas y presentaciones visuales como material didáctico, para apoyar la asignatura. Con clases en la modalidad virtual, el uso del video y la fotografía, así como de recursos digitales didácticos como el mentimeter y nearpod, para que los estudiantes que no tuvieron la oportunidad de estar presentes tengan acceso, o bien, de repasar la información las veces necesarias para su entendimiento. 8. Resultado de las evidencias de aprendizaje 42 Como todo proceso formativo, lograr los resultados deseados requiere de tiempo, al inicio a los estudiantes les cuesta trabajo dominar las herramientas y materiales para elaborar productos de calidad. Sin embargo, cada evidencia refleja el avance progresivo en cuanto a destreza y manipulación de los materiales y son particulares para cada alumno. Los resultados se pueden valorar según el aspecto físico de cada evidencia en términos cualitativos: estética, armonía, contraste, función; y el aspecto de la experiencia de aprendizaje, se considera los siguientes: • Una evidencia o producto puede elaborarse con diferentes materiales (ya sea papel o cartulina u otro soporte). • La calidad del material influye en la percepción de los demás para su elección y en el costo de producción. • Elaborar el prototipo (hecho a mano o en computadora) facilita la com- prensión de la idea, permite ajustes y convence por sí mismo, para su reproducción en serie. • La técnica de representación depende del material en que se elabora el producto, así como su reproducción en medios impresos. • El diseño gráfico posibilita la singularidad e innovación de productos similares. �• Un producto de diseño bi o tridimensional, con acabados en su producción (plegados, con cortes y ensambles precisos, de registros perfectos) serán determinantes en la preferencia y gusto del espectador. 9. Evaluación de la unidad de aprendizaje Por ser un programa por competencias, la evaluación de los aprendizajes se hace a través de productos que evidencian su aprendizaje, Ausubel (2016) lo categoriza como muestras de trabajo: “…en las ramas de la formación vocacional, profesional, artística y física, es posible estimar el grado en que se están alcanzando en realidad los objetivos de la enseñanza a través de la evaluación directa de una ejecución o producto de trabajo que refleje de manera evidente la capacidad que se esté enseñando… Constituyen criterios más directos y válidos de competencia que los exámenes”. Siguiendo con Ausubel (2016), él señala que “la evaluación es importante al principio, durante y al concluir cualquier secuencia de la enseñanza” y cita Elman (1972) respecto a la educación basada en la ejecución y en la competencia: “en los programas que se basan en la ejecución, las metas de desempeño se especifican y ordenan con riguroso detalle antes de la enseñanza”. Con este fundamento, las actividades de enseñanza incluye un programa analítico con su guía instruccional y rúbricas, material de apoyo como lecturas en pdf y videos tutoriales. Las evidencias de aprendizaje muestran si el alumno hizo uso efectivo de dicho material, pero además está el tema de la retroalimentación o feedback, lo que le permite al estudiante reconsiderar y reconstruir su producto previo a la entrega formal para su evaluación parcial o final. También es importante la evaluación hacia la materia y al docente que la imparte. La institución (FAV) lleva a cabo la Evaluación al Desempeño Magisterial semestralmente, y aunque considero pertinente los ítems que evalúan, no lo siento enfocado a la materia, así es que de forma particular he llevado mi propia autoevaluación con el objetivo de obtener retroalimentación de los alumnos para mejorar el programa y el método de enseñanza. Al final del semestre les pido que incluyan en su portafolio de evidencias un escrito a manera de reflexión, teniendo como guía las siguientes preguntas: ¿Qué aprendizajes adquirí? ¿Cuáles fueron las actividades que me gustaron? ¿Cuáles fueron las dificultades que tuve? ¿Cómo fue la relación entre mis compañeros y el facilitador? ¿Qué sugerencias tengo para mejorar la unidad de aprendizaje? 43 �Aprovechando las cualidades de las plataformas digitales, presento las respuestas a través del Mentimeter, realizado en diciembre del 2020, la encuesta se realizó con una presentación interactiva a 5 grupos, comparto una muestra de un grupo: 44 �En las respuestas se leen algunos comentarios positivos otros no tanto, sin embargo, y a pesar de las dificultades que tuvieron como el dominio de los instrumentos de dibujo y tratar de hacer los productos casi a la perfección, la calificación obtenida es muy satisfactoria. Conclusión Durante varios semestres y años de impartir la materia Laboratorio de materiales y en vísperas de que se extinga el Plan de Estudio 401, se puede decir que ha dejado aprendizajes en los alumnos como en quien escribe y aunque se cuenta con programa analítico que orienta las actividades, sin duda quien marca la pauta es el grupo de estudiantes. Como conclusiones realizo algunas consideraciones que marcaron la actividad docente en aula presencial y virtual: • Los estudiantes consideran las evidencias de LAMA como “manualidades”, cambiar esta idea por el de “prototipar” fue algo constante y reiterado. Si bien es cierto, que las actividades se realizan a mano, la connotación es diferente. La falta de dominio en el manejo de los instrumentos y materiales fue un dolor de cabeza para muchos de ellos y era evidente, repercutiendo en sus calificaciones. • Las condiciones de trabajo en el aula fueron complicadas debido al gran número de estudiantes por grupo en espacios reducidos, pues sólo se contaban con 4 mesas de trabajo, que aunque grandes, no era suficiente el área de la mesa para extender las cartulinas de cada uno y poder trazar y cortar. 45 �Muchos optaban por trabajar en el suelo, para no perder tiempo en la espera de su turno. Con las clases virtuales esto empeoró para muchos, pues ahora utilizan la mesa del comedor de su casa, también esperando el momento ideal para trabajar. • Adquirir las herramientas y materiales fue un aspecto difícil de tratar. Sien- do de primer semestre y con los gastos de examen de ingreso, colegiaturas escolares, curso propedéutico y sin contar los gastos de graduación del nivel anterior, resulta una inversión costosa, a pesar de que los instrumentos de dibujo se comparte entre varias materias, y que se trabaja con material reciclado, cuando se trata de elaborar los originales, la falta de recursos económicos es el principal argumento para no entregar. • La gestión es otro aspecto importante a aprender y desafortunadamente 46 no se enseña en el aula, pues es algo que se debe hacer en el ambiente requerido. Es decir, los estudiantes deben acudir a comprar el material con los proveedores indicados, no en una papelería cualquiera, realizar el pedido de material (papeles, cartulinas, cartones u otros) como es debido. Tener la capacidad de discernir entre otros materiales en caso de no haber en existencia. Negociar la entrega de insumos e involucrarse en el medio gráfico como comprador, proveedor o gestor. Lo más común es que los padres de familia realicen las compras impidiendo un aprendizaje significativo para sus hijos. • La asesoría individual es un factor agotador para un grupo de 30 a 35 estu- diantes por grupo en un lapso de 2 horas de clases. Obviamente lo mejor es la asesoría por equipos, sin embargo, tampoco resultaba efectivo, para ello identificaba en una prueba de diagnóstico el perfil de los estudiantes y aquellos provenientes de escuela con formación técnica, resultaban ser los que apoyaban como líderes del equipo para que los demás alcanzaran los objetivos de la actividad, promueve valores de solidaridad y cooperación, hay confianza entre ellos para despejar las dudas y aprenden a conocerse entre sí. • Por último, aunque los productos fueron los mismos para todos, el acabado final lo hizo ser particular. Experimentar con diferentes papeles y técnicas, además de la creatividad que expresaron en cada una de las evidencias lo convirtió en algo singular, les ayudaba en la generación de ideas, buscando innovar su diseño. • De manera personal, he elaborado cada una de las evidencias para enten- der las posibles dificultades a las que se enfrentarían los estudiantes y poder asesorarlos de la mejor manera, con esto he mantenido las destrezas y habilidades en la construcción de prototipos, actividad que disfruto mucho. �Referencias Ausubel, D., Novak, J., & Hanesian, H. (2016). Psicología Educativa. Un punto de vista congnoscitivo. México: Trillas. Chávez López, C. (2012). Diseño Gráfico Sustentable: estrategias para el uso de materiales y procesos en el diseño. Universidad Nacional Autónoma de México. Obtenido de https://ru.dgb.unam.mx/ handle/DGB_UNAM/TES01000686561 Jackson, P. (2012). Estructuras de packing. Diseño de cajas y formas tridimensionales. Barcelona: Promopress. María Bertha Rojas Galindo Jackson, P. (2013). Técnicas de corte y plegado para diseñadores. Diseño de material promocional. Barcelona: Promopress. Johansson, K., Lundbert, P., & Ryberg, R. (2008). Manual de Producción Gráfica. Recetas. México: Gustavo Gili. Morales Muñoz, P. A. (2012). Elaboración de material Licenciada en Artes Visuales con acentuación en Artes Gráficas en la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León y egresada de la Maestría en Ciencias de la didáctico. México: Red Tercer Milenio. Obtenido Comunicación con acentuación en Nuevas Tecnologías en la de http://www.aliat.org.mx/BibliotecasDigitales/ Facultad de Ciencias la Comunicación de la misma institución. derecho_y_ciencias_sociales/Elaboracion_ Como diseñadora gráfica se ha desempeñado en el ámbito de material_didactico.pdf medios impresos. SEP. (2017). Aprendizajes clave para la educación integral. Es docente de tiempo completo en la Facultad de Artes Vi- México: Secretaria de Eduación Pública. suales, ha impartido clases en las unidades de aprendizaje Tobón Tobón, S. (2008). Formación basada en competencias. Colombia: Ecoe Ediciones. Tünnermann Bernheim, C. (enero-marzo de 2011). El de Diseño y composición, Estructuración gráfica, Laboratorio de color, Técnicas de representación gráfica, Laboratorio de materiales, entre otras. constructivismo y el aprendizaje de los estudiantes Cuenta con Perfil Prodep 2019-2022. Consultado de. Universidades(48), 21-32. Obtenido Actualmente, es responsable del Departamento de Formación de https://www.redalyc.org/pdf/373/37319199005. Integral del Estudiante en la misma dependencia, atendiendo pdf Programas de Becas, Intercambio Académico, Talentos Univer- UANL. (2020). Modelo Académico de Técnico Superior sitarios, Programa de Tutorías, Orientación y apoyo psicopeda- Universitario, Profesional Asociado y Licenciatura de gógico, Servicio social y Prácticas profesionales en el nivel de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Monterrey, licenciatura. N.L.: UANL. Wong, W. (2011). Fundamentos del diseño bi y tri dimensional. México: Gustavo Gili. 47 �Elementos visuales básicos para la ubicación del individuo en su entorno: Un análisis sobre la diferencia entre señalización y señalética. Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván ORCID: 0000-0001-7498-8355 Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. sandra.altamiranoglv@uanl.edu.mx 48 Resumen Palabras clave: señalización, señalética, entorno, individuo, sociedad, comunicación. El presente trabajo es un análisis sobre los elementos visuales presentes en la vida diaria de los individuos en el contexto social en el que se desenvuelven y en los espacios particulares con los cuales tienen que interactuar. El hombre siempre ha necesitado expresarse a través de la imagen y es así como desde la antigüedad se ha comunicado. Le ha sido necesario contar con elementos que le sirvan como guías para ubicarse y desplazarse de manera más rápida y sencilla. Dichos elementos visuales se encuentran clasificados dentro de la señalización o la señalética, siendo ahí donde inicia la diferencia entre ambos conceptos y su importancia en la sociedad. �Abstract This paper is an analysis on the visual elements in the daily life of the individuals in the social context in which they develop and in the particular spaces with which they have to interact. Man has always needed to express himself through the image and that is how he has been communicated since ancient times, but also in certain spaces it has been necessary to have elements that serve as guides to locate and move faster and easier. These visual elements are classified within the signalling or signage, here begins our differentiation between both concepts and their importance in society. Key words: signalling, signage, environment, individual, society and communication. Introducción Desde la antigüedad el hombre ha tenido la necesidad de comunicarse con los demás, interactuar a partir de la expresión de su sentir y la manifestación de sus actividades. Debido a esto, y a partir del desarrollo de su inteligencia y creatividad, comenzó a conocer su entorno y a expresarlo a partir de jeroglíficos y pictogramas que representaban elementos conocidos para él y que podían transmitir información a otros individuos. Es así como surge el proceso de señalizar, haciendo referencia a los objetos y a todas las cosas que existían alrededor de los humanos, estableciendo como propias dichas señales para desenvolverse en su entorno a partir de una guía visual y así reconocer ciertos elementos, desplazarse de un lugar a otro o informar acerca de algo. Es por ello que se puede afirmar que la señalización no es nada nuevo, sino que se utiliza desde el inicio de la humanidad, pero a través del tiempo ha tenido grandes evoluciones y se ha convertido en parte esencial de nuestro entorno, estableciéndose también la señalética como rama disciplinaria en este ámbito y siendo objeto de estudio para todos los comunicadores visuales y elemento fundamental para toda la sociedad. Es importante cuestionarnos ¿qué sucedería si no existiera señalización, letreros, gráficos o flechas que nos indicaran el camino a seguir para dirigirnos a un lugar específico o si no existieran señalamientos de tránsito en las vías públicas? Se generaría un caos completo día a día, nos sentiríamos perdidos, confundidos y además se perdería tiempo, lo cual podría provocar situaciones de estrés e histeria social. Por esto, es importante conocer y 49 �analizar los aspectos primordiales que forman parte de la señalización, para entender mejor su funcionamiento y aplicación en nuestra sociedad como elemento de comunicación esencial. Los signos Los seres humanos necesitamos organizar la información para desempeñar ciertas actividades y desarrollarnos en un ambiente determinado, las señales nos proporcionan información y nos hablan en un momento preciso, lo cual nos ayuda a mantenernos en movimiento. Es importante distinguir diversos aspectos involucrados en este ámbito de estudio al que nos referimos. En primera instancia tenemos la señalización que es definida como “un sistema de signos gráficos convencionales o estímulos de carácter auditivo, cromático, sensorial o icónico cuyo objetivo es regular la movilidad social en el espacio tanto interior como exterior” (Sánchez, 2005, p. 58). 50 Este sistema de signos tiene diversas funciones tales como, facilitar la comunicación, ayudar a dirigir los movimientos de los individuos, informar, identificar, orientar, prevenir y persuadir, sistematizar los conjuntos de señales ya establecidos y ayudar a controlar la contaminación visual, que en ocasiones provoca confusión e impide la comunicación eficaz. La señalización está conformada por diversos elementos gráficos y conceptos que le dan consistencia y carácter. Algunos de estos elementos gráficos son los siguientes: “El signo que es un estímulo capaz de provocar una conducta en el organismo, de modo esencial en el sistema sensorial, el cual tiene funciones de abstracción, ordenamiento y recordatorio, para diferenciar cada significado” (Sánchez, 2005, 68). El signo representa una idea, un objeto o una entidad. Por ejemplo, el semáforo cuando tiene encendida la luz roja que significa que debemos detenernos o un círculo rojo con una línea diagonal que significa prohibido, eso nos representa una idea. Otro elemento propio de la señalización es el símbolo que podemos establecer como imagen, la cual “solo puede referirse a un sentido, no a una cosa sensible. Se caracteriza por la imposibilidad para el pensamiento directo de captar su significado de una manera exterior al proceso simbólico mismo” (Imrei, 2002, p. 102). Como ejemplo tenemos la paloma blanca que es un símbolo de la paz, y esto representa toda una idea abstracta, invisible a los sentidos, puesto que la paloma no nos dice en sí que tiene paz, o que �desea la paz, sin embargo eso es lo que significa para la sociedad, lo mismo que los símbolos patrios para una nación entera. El pictograma es otro elemento utilizado en la señalización y se refiere a gráficos que representan objetos reales de una manera abstracta, pero que mantienen una relación directa con dichos objetos y debido a esto son identificados por los individuos que los asocian a imágenes mentales aprendidas con anterioridad y que tienen un significado particular. Un ejemplo puede ser un pictograma de la figura de una mujer en una puerta, lo cual indica que ese lugar es un baño de mujeres. Y otro elemento fundamental es la señal, que tiene suma importancia para los individuos en una sociedad, debido a que ayuda a entender de mejor manera ciertos aspectos del entorno en el cual se desenvuelven y regula algunas acciones o actitudes en determinadas situaciones a las que se enfrentan. La señal indica y orienta a las personas respecto a alguna ubicación o dirección específica. Sus funciones principales son orientar, indicar, prohibir e informar. Existen las señales que apoyan la circulación de vehículos y personas, éstas son clasificadas por Malmberg (1977) como: señales de prohibición (prohibido estacionarse), de advertencia (pendiente peligrosa), de mandato (Velocidad máxima 30km/h) y de indicación (a la derecha). A partir de este último elemento mencionado de la señalización, surge la señalética como “una disciplina de la comunicación ambiental y de la información que tiene por objeto orientar las decisiones y las acciones de los individuos en lugares donde se prestan servicios” (Costa, 2003, p. 94). La señalética La señalética debe ser un aspecto fundamental dentro de cualquier entorno y una parte visual de gran importancia en un lugar público, pues esto permitirá que las personas se ubiquen rápidamente, logrando su desplazamiento de manera práctica y sencilla. Al diseñar señalética se tiene en cuenta al público que la va a utilizar, puesto que es un servicio para orientarle e informarle, creado a partir de abstraer y organizar esa información de manera que su composición sea entendible y comprensible. La señalética es una respuesta a la necesidad de la sociedad de estar informada y orientada, a partir de su interacción con el entorno y su desplazamiento social en diversos lugares, tanto públicos como privados. 51 �En los diferentes contextos sociales existe un constante flujo de grupos de individuos que tienen diversas procedencias y ciertas características socioculturales, los cuales se desplazan de un punto geográfico a otro en un tiempo determinado y por muchas razones, por lo tanto, la señalética se convierte en un elemento indispensable para guiar a todos los individuos por el camino adecuado que los lleve a su destino. Como ejemplo tenemos la señalética en los aeropuertos, en donde hay un flujo de grandes cantidades de personas, de distintas nacionalidades e idiomas y por lo tanto, las señales diseñadas deben ser claras, precisas, entendibles y eficaces para la correcta movilidad dentro del espacio y que los individuos puedan desplazarse sin confusiones y con toda tranquilidad. Por lo tanto, la señalética implica un trabajo mayor que la señalización, puesto que requiere de un estudio del contexto en el cual se va a implementar, tanto del espacio como de los individuos que interactúan en él. Implica un sistema de señales que tienen una relación gráfica entre sí con una identidad propia que debe mantenerse constante y apegada al conjunto para su óptimo funcionamiento. 52 La señalética tiene características que la diferencian de la señalización, y que determinan sus funciones y su lenguaje visual, así como su técnica. No pretende tener una función de persuasión, sino como un servicio que ayuda a orientar para que cada persona vaya guiando su camino según sus intereses y necesidades específicas. La señalética es discreta y sus mensajes se ofrecen de manera optativa al interés de los usuarios, además tienen la característica de que después de cumplir su objetivo de orientación, el usuario los borra de manera instantánea de su mente, es decir, no se quedan permanentemente en su memoria visual, pues simplemente los usa para llegar a un destino específico, buscando a su paso más elementos de señalética que lo guíen, dejando atrás los anteriores. Joan Costa (1987, p. 195) hace un interesante cuadro comparativo sobre las diferencias entre la señalización y la señalética, y se presenta a continuación: �Señalización Señalética La señalización tiene por objeto La señalética tiene por objeto la regulación de flujos humanos y identificar, regular y facilitar el motorizados en el espacio exterior. acceso a los servicios requeridos por los individuos en determinado espacio. Es un sistema determinante de Es un sistema más optativo conductas. de acciones. Las necesidades determinan el sistema. El sistema es universal y está creado El sistema debe crearse y adaptarse en cada caso. como tal. Las señales preexisten problemas itinerarios. a los Las señales y las informaciones escritas son consecuencia de los problemas precisos. El código de lectura se conoce a El código de lectura es conocido de priori. modo parcial. Las señales son materialmente Las señales las debe homologar el normalizadas y homólogas y se diseñador del programa y producirlas encuentran disponibles en la de manera especial. industria. Es indiferente a las características Se supedita a las características del del entorno. entorno. Aporta factores de uniformidad al Aporta factores entorno. diferenciación. No influye en la imagen del entorno. La señalización misma. concluye en de identidad y Refuerza la imagen pública o la imagen de marca de las organizaciones. sí Se prolonga en los programas de identidad corporativa. 53 �La señalización tiene una misma imagen y se presenta así en los diversos espacios; la señal de ALTO, por ejemplo, se presenta con la misma tipografía, mismos colores y misma forma en cualquier sitio en el que se utiliza, a excepción del idioma. La señalética, en cambio, puede tener una personalidad propia y exclusiva del lugar en el que se está colocando, ser parte de la identidad de una empresa u organización y tener una imagen característica a partir del diseño de la composición de los elementos que la componen, tales como color, tipografía, forma, material, soporte, entre otros. La señalética debe tener una estrategia de comunicación planteada desde la perspectiva del usuario con la finalidad de que los mensajes sean transmitidos correctamente, siendo también importante su plan de colocación en el espacio para lograr informar de manera correcta y congruente. 54 La señalética y la señalización tienen una relación en cuanto a que ambas tienen la función de indicar aspectos determinados a los individuos en su constante interacción con los espacios públicos, privados, interiores y exteriores. Sin embargo, cada una de estas disciplinas tiene su función especial, siendo la señalética una rama que surge de la señalización como una parte específica de la misma y con características particulares dentro de un entorno. Entonces es posible decir que “la señalética es una evolución de la práctica de señalización aplicada a problemas particulares de información espacial” (Sánchez, 2005, p. 176). Conclusión La señalización es un conjunto de signos de trascendencia e interpretación universal, capaz de representar una idea, lugar u objeto determinado con la finalidad de influir o regular el comportamiento de los individuos en una sociedad. La señalética surge de la señalización y es un servicio brindado a la sociedad, puesto que su crecimiento y desarrollo la hacen ser cada vez más dinámica y compleja para su entendimiento, por lo tanto los individuos necesitamos de un sistema de señales en nuestros espacios que nos permitan desplazarnos de una manera simple y comprensible. Tanto la señalización como la señalética deben presentar la información de manera inequívoca e instantánea y son parte fundamental de nuestras vidas para guiarnos y mostrarnos los caminos de una manera más sencilla y rápida, por esto su contribución para con la sociedad es de gran importancia. �Referencias Costa, J. (1987) Señalética: de la señalización al diseño de pictogramas. Barcelona: Ceac. Costa, J. (2003) Diseñar para los ojos. Bolivia: Universidad de Medellín. Imrei, A. (2002) Oniromancia. Budapest: Ed. Akadémiai Kiadó. Malmberg, B. (1977) Teoría de los signos: introducción a la problemática de los signos y los símbolos. México: Siglo XXI. Sánchez, M. (2005) Señalética: conceptos y fundamentos. Buenos Aires: Alfagrama, Ediciones. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Doctora en Educación con acentuación en Comunicación y Tecnología Educativa, cuenta con una Maestría en Ciencias de la Comunicación con acentuación en Nuevas Tecnologías y una Licenciatura en Artes Visuales con acentuación en Artes Gráficas, egresada de la UANL. Profesora Investigadora de Tiempo Completo en la Facultad de Artes Visuales UANL. Se ha desarrollado en diversas áreas del diseño, tales como identidad corporativa, editorial, desarrollo de campañas publicitarias, fotografía; realizando proyectos para empresas como British American Tobacco, Cervecería Cuauhtémoc Moctezuma, entre otros. Es miembro de la comisión de pares académicos como Evaluadora de los Comités Interinstitucionales para la Evaluación de la Educación Superior CIEES, también formó parte del consejo Técnico EGEL-DISEG, CENEVAL, ha participado como jurado en diversos certámenes de diseño a nivel local y nacional. Tiene experiencia administrativa como Coordinadora del Departamento de Planeación y Proyectos Estratégicos, también fungió como Coordinadora de la Licenciatura en Diseño Gráfico y Coordinadora del Departamento de Vinculación Interna. Actualmente imparte clases de Diseño Editorial y Diseño de Identidad en la Licenciatura, así también de Administración de Proyectos y Diseño Sustentable en el Posgrado. Además dirige el Departamento Editorial en la Facultad de Artes Visuales de la UANL y también es Creadora del Canal de Investigación: Hola! Todo es Diseño, en la plataforma Youtube. Actualmente pertenece al Sistema Nacional de Investigadores como Candidata en el área de Ciencias de la Conducta y Humanidades. 55 �Las pesadillas del simulacro: Los seres artificiales como figuras monstruosas (1ª parte). Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca ORCID: 0000-0001-9250-0886, Universidad Autónoma de Nuevo León, jesus.olivaabr@uanl.edu.mx 56 Resumen Palabras clave: androide, seres artificiales, ciborg, robot, simulacro. En este texto, que se expone en dos partes, se aborda la presencia de los diversos seres artificiales que han poblado la imaginación humana; animados por el mito, la magia y la ciencia, estas criaturas acompañan al ser humano en su perpetua pesquisa por descubrir los mecanismos secretos de la existencia. En esta primera parte, se pasa revista a autómatas, robots, androides y ciborgs, seres que se convierten en depositarios de los deseos e inquietudes de la especie humana y, que figuran también como protagonistas de obras literarias, cinematográficas, series televisivas, historietas y videojuegos. �Abstract In this text, which is presented in two parts, the presence of the various artificial beings that have populated the human imagination is addressed; animated by myth, magic and science, these creatures follow along the human being in his perpetual quest to discover the secret mechanisms of existence. In this first part, automata, robots, androids, and cyborgs are reviewed, beings that are depositories of the desires and concerns of the human species as well as they appear as protagonists of literary, cinematographic works, television series, comics, and video games. Key words: android, artificial beings, cyborg, robot, simulacrum. Introducción Los seres artificiales han existido en la imaginación y en la vida de los seres humanos desde tiempos remotos; testimonio de ello lo brindan los mitos y leyendas de criaturas de diferente concepción, y que nutrirían, posteriormente, obras literarias, cinematográficas, series de televisión, historietas, manga y videojuegos, formas expresivas y comunicativas en las que un ser, o seres, traídos a la existencia por la inventiva y la ambición humanas, desempeñan roles centrales, sea como protagonistas o antagonistas. I. La fantástica fauna de seres artificiales Muchas son las razones que, a lo largo de la historia, pudieran aducirse como motivos para el surgimiento de seres artificiales: tal vez la fascinación del hombre por su propia actividad lo conduciría a imitar su propia existencia, a desdoblarse en criaturas que fungieran como un espejo cuyo reflejo le permitiera comprender su propio ser; quizá, la perpetua interrogante sobre los secretos de la vida sería la motivación para que el ser humano concibiera criaturas animadas cuyo funcionamiento revelase, aunque de manera parcial o imperfecta, qué fuerzas ponen en movimiento a la naturaleza; puede ser que al origen de estos especímenes de factura humana subyace un sentimiento metafísico de abandono, el mismo que hace al hombre sospechar que su creador, ausente e invisible, lo haya abandonado a su suerte y, movido por este temor, se aventurara a repetir la máxima cristiana en la creación de seres a su imagen y semejanza. A los argumentos sobre el origen y la concepción de los seres artificiales se suman diversas interpretaciones en torno a su estatus y significación en la 57 �cultura contemporánea. Desde la óptica de la psicología, suponen la concreción del impulso narcisista del ser humano, el cual, maravillado por su propia imagen, busca reproducirla en seres idénticos a sí mismo, criaturas que satisfacen la necesidad de proyectar el deseo en los objetos y, de esta manera, humanizarlos; una visión antropológica les concebiría como el logro definitivo del afán de dominación de la naturaleza mediante la técnica y el saber humanos, artefactos antropomorfos creados de los mismos materiales con que los hombres construyen sus utensilios y herramientas, y animados por las fuerzas naturales que el empeño humano ha logrado dominar; según un enfoque sociológico y político, los seres artificiales representarían la tendencia a la deshumanización que permea a la sociedad contemporánea, así como la personificación de estrategias de represión, control y dominación por parte de aparatos institucionales tecnocráticos; incluso, desde una perspectiva económica, las criaturas artificiales constituirían una metáfora de la culminación de un capitalismo voraz, que a su paso convierte a los individuos en máquinas eficientes y anónimas. 58 Sea cual sea la motivación que induce al hombre a crear seres artificiales semejantes a sí mismo, o por más difícil que sea la tentativa de esclarecer el sentido y la finalidad de éstos, lo cierto es que dichos entes de constitución artificial poseen cualidades, rasgos y atributos que les son característicos, y que, a lo largo de la historia de la humanidad, han evolucionado alimentándose al mismo tiempo de la imaginación y la fantasía, de la ciencia y la tecnología, así como de las ideas y las cosmovisiones de cada época. Ejemplos de seres artificiales pueden rastrearse tanto en el ámbito de la ficción y del mito como en el de la realidad cotidiana, y precisamente una revisión, aunque somera, de la presencia de los seres artificiales en la historia humana pudiera contribuir a esbozar una categorización, así sea aproximativa, de éstos. Uno de los primeros seres artificiales aparece en el mito de Pigmalión, rey y escultor que, tal como refiere el poeta Ovidio, decide plasmar en una escultura de marfil su ideal de belleza femenina, “un cuerpo de mujer, semejante al cual la naturaleza no pudo crear nada, y acabó por enamorarse de su obra” (141). La obra de Pigmalión, conocida posteriormente como Galatea, era una figura inmóvil, que no podía responder a los afectos del rey escultor, quien, en su desesperación dirige una plegaria a los dioses, de entre los cuales es Venus quien le responde y, conmovida por el deseo del enamorado, dota de vida a la estatua: Al ponerse en el lecho, le dio un beso, pareciéndole que estaba tibia. De nuevo acerca su boca y con su mano le toca el pecho; a este contacto, el marfil se reblandece y, abandonando la rigidez, se hunde bajo los dedos �y cede… de nuevo el amante toca y vuelve a tocar el objeto de sus deseos: era un cuerpo vivo; las venas palpitan al contacto de su dedo pulgar… por fin aprisiona una boca verdadera; la joven doncella ha sentido la sensación de los besos que él le ha dado y se ruboriza (142). Galatea es uno de los puntos de partida de una larga tradición de seres manufacturados que son animados por potencias mágicas o divinas y que, además, son la proyección de los deseos de sus creadores. Conviene agregar que la amada de Pigmalión es un ser atípico, pues, aunque es resultado del artificio y la técnica, no se le puede caracterizar ni como autómata, androide (o, en este caso, ginoide), robot o cíborg, puesto que, al adquirir la vida, don brindado por la diosa de la belleza, del amor, del deseo y la reproducción, Galatea pasa de ser una mera representación femenina a ser una mujer verdadera con la que Pigmalión incluso concibe a una hija, Pafos; pudiera afirmarse que la importancia de este mito radica en que revela el simulacro como constitutivo de los seres artificiales. En su origen mítico o legendario, las criaturas artificiales desempeñaron una o varias funciones específicas; en el ejemplo de Galatea, ella viene a colmar el vacío sentimental de Pigmalión, quien estaba decepcionado del género femenino. Otros seres artificiales, sin embargo, no han sido necesariamente objeto del apasionamiento humano, sino que se han desempeñado como ayudantes o protectores de hombres y dioses, o como expresión del poderío de monarcas y de la pericia de inventores. Ejemplos de ello serían los autómatas, máquinas con apariencia humana que reproducen movimientos determinados por el funcionamiento de un mecanismo semejante al de los relojes; en la Grecia antigua existieron estatuas animadas por un sistema hidráulico, lo mismo que marionetas mecánicas que fungían como actores de representaciones teatrales del conflicto de Troya. De regreso al mito, uno de los autómatas más famosos fue Talos, gigante de bronce creado por Hefesto y cuya misión era resguardar la isla de Creta de toda amenaza invasora. La peculiaridad de Talos consistía en que el combustible de su mecanismo era la misma sangre de los dioses. En la Edad Media se le adjudica al teólogo Alberto Magno la creación de un autómata de acero que realizaba tareas domésticas como ayudante o sirviente; tal criatura fue destruida por Tomás de Aquino, discípulo del erudito medieval, pues la consideraba una aberración y un desafío a Dios, el único capaz de crear y conceder la vida. Durante el Renacimiento, junto con otras muchas invenciones y proyectos, Leonardo da Vinci diseña un autómata ataviado con una armadura, que, sin embargo, no fue completado; en este periodo, se especula que René Descartes igualmente había construido un autómata, consistente en una muñeca a la que hacía pasar por su hija. 59 �Aunque es difícil ratificar la veracidad de esta anécdota, existe en la historia de Descartes y su hija autómata un marcado paralelismo con el mito de Pigmalión y Galatea, dado que en ambos sucesos el ser artificial opera como un simulacro de un ente vivo. El autómata es, sin lugar a dudas, el antepasado rudimentario de robots, androides y cíborgs; de ser un muñeco mecánico con un semblante semejante al humano y que repetía ciertos movimientos de manera monótona, fue perfeccionándose conforme progresaban la ciencia y la tecnología. En los albores de la Revolución Industrial, los avances en la ingeniería dieron origen a prodigios mecánicos como “El flautista” o “El tamborilero”, ambos construidos por Jacques de Vaucanson. No obstante, los más famosos autómatas serían los construidos por Pierre Jaquet-Droz; “La pianista”, “El dibujante” y “El escritor”, dado su minucioso diseño y su complejo funcionamiento, son considerados obras maestras del simulacro mecánico. Además de estos, uno de los autómatas más controvertidos fue “El turco”, creado por el inventor húngaro Wolfang Von Kempelen, y se trataba de un maniquí diseñado con forma humana, ataviado con ropajes árabes y que, según leyendas, era invencible en el ajedrez. Recorrió toda Europa, hasta pasar a manos de Johan Maelzel, que lo exhibió en Estados Unidos. 60 Con todos estos adelantados en materia de seres mecánicos, la inexpresiva figura del autómata “deja de ser visto como un testimonio genial de la invención mecánica. Es ahora una pesadilla, una amenaza para la vida humana” (Huyssen 131). Instalándose en el imaginario cultural del hombre ilustrado de los siglos XVIII y XIX, el autómata se convierte en tema literario a través del cual se expresarían la desconfianza y la sospecha de la mecanización de la vida y de la sustitución del hombre por una raza de seres mecánicos. De hecho, “El hombre de la arena” de Hoffmann es uno de los relatos que mejor ejemplifica la mixtura entre fascinación y extrañeza que producen los autómatas; Nataniel, el protagonista de la historia, se enamora de la bella Olimpia, la hija del inventor Spalanzani. Cuando éste la presenta en sociedad, el personaje sucumbe a la pasión, hablando sin tapujos a Olimpia sobre el amor que le tiene, insuflado su enamoramiento por los gemidos a intervalos de ésta, que interpreta como amor correspondido. Segismundo, amigo de Nataniel, siente recelo ante Olimpia y confiesa que le ha parecido: Extrañamente rígida y como carente de alma. Su cuerpo es proporcionado, también su rostro, es cierto. Podría decirse que es linda si su mirada no fuera tan yerta; casi parece no tener vista. Su andar es extraordinariamente regular; cada movimiento parece el resultado de un mecanismo de relojería. Su manera de tocar el piano, de cantar, tienen ese ritmo in- �sulso y exacto de una máquina, y lo mismo ocurre con su modo de bailar. En resumen, Olimpia nos ha parecido espantosa; no nos ha interesado en absoluto; sentíamos que si bien actuaba como un ser vivo, la cosa era muy distinta (Hoffmann 40-41). Aunque estas palabras son recibidas con escepticismo por el enamorado, no tarda en darse cuenta que Olimpia “era una muñeca sin vida” (44), cuando en el altercado entre Coppelius-Coppola –el presunto hombre de la arena en las pesadillas de Nataniel— y Spalanzani, descubre que su amada es una muñeca mecánica, un autómata que sustituía, aunque sólo en apariencia, a una mujer real. Además de los autómatas, existen otros tipos de seres artificiales cuyo funcionamiento no se debe a la operación de complejos mecanismos puestos en marcha por fuerzas humanas; semejantes a Galatea y a Talos, estas criaturas reciben la vida por intervención de los dioses o por artificios sobrenaturales. Uno de los más celebres es el Golem, criatura legendaria hecha de arcilla y animada por el poder concedido por Dios a un rabino. Semejante al homúnculo de la alquimia, el Golem vendría a ser un protector y ayudante de los creyentes que, sin embargo, se desvía de su misión original y causa estragos entre la comunidad. La influencia del Golem se extiende más allá del folclor judío hasta aparecer en la literatura, el cine, la televisión y los videojuegos. Precisamente, el argumento de la novela El Golem, de Gustav Meyrink, parte de una versión de la leyenda: Se dice que el origen de la historia se remonta al siglo XVII. Un rabino de esa época habría creado un hombre artificial según fórmulas de la Cábala, que hoy se han perdido, para que le sirviera de criado, hiciera tañer las campanas de la sinagoga y realizara los trabajos pesados. Pero no se trataba de un hombre de verdad, y sólo lo animaba una vida animal, a medias consciente. Subsistía sólo durante el día, mantenido por la influencia de un pergamino mágico, deslizado detrás de sus dientes, que atraía las fuerzas siderales del universo (Meyrink 48). Existen, además, dos filmes de principios del siglo XX que son adaptaciones de la leyenda judía y de la novela de Meyrink, además, en la serie animada Los Simpsons, hay un capítulo en el que Bart adquiere un golem que lo acompaña en sus travesuras, y en un videojuego MMORPG (Masive Multiplayer Online Roling Playing Game) titulado Ragnarok, háyase un personaje elegible, el alquimista, que tiene a un golem como compañero de aventuras. 61 �En esta misma tradición de seres artificiales animados por fuerzas sobrenaturales, se encuentra Alraune (1911), título de la novela del escritor alemán Hanns Heinz Ewers y nombre también de la protagonista, quien, según la tradición, es una mujer creada por de la sangre de criminales ejecutados vertida sobre una mandrágora. Cabe señalar que existe otra versión de la leyenda, que cuenta que Alraune es producto de la fecundación de la mandrágora a la que se le vierte el semen de un criminal en sus últimos momentos de vida; el resultado de esta fórmula es una mujer perversa y lujuriosa, mientras que, según la primera versión, resulta en una asesina. Obviamente Alraune, al igual que otras criaturas femeninas artificiales, puede ser entendida como la radicalización simbólica de estereotipos masculinos en torno a la mujer, no obstante, lo que interesa aquí es el hecho de que la orientación siniestra de Alraune se debe al origen pecaminoso de su nacimiento. Aunque la novela y las numerosas adaptaciones cinematográficas sobre Alraune se alejan de la anécdota original, permanece constante la figura de una mujer maligna y sin sentimientos de amor o afecto, que nace no por un acto sexual sino por un procedimiento semejante a la inseminación artificial, esto es, antinatural. 62 La permanencia del Golem y de Alraune en el imaginario popular no debe entenderse como si, aún en nuestros días, persistiera la superstición; antes bien, estas figuras, al igual que los autómatas, se encuentran vigentes porque son símbolos de inquietudes permanentes en el ser humano, en tanto individuo así como especie. Los descendientes directos de esta raza de muñecos mecánicos y de las criaturas artificiales animadas por la magia o la divinidad son seres surgidos completamente de avances tecnológicos que adquieren la vida por obra y gracia de la ciencia. El primer representante de esta nueva estirpe de seres artificiales es la “criatura” creada por Víctor Frankenstein, personaje sobre el que se profundizará más adelante; a este ente, traído a la existencia por procedimientos científicos –que no son revelados al lector— le suceden otras criaturas que, aunque no de apariencia horrible, su sola existencia causa miedo y extrañeza al ser humano. Los nuevos representantes de la vida artificial –robots, androides y cíborgs— heredan y perfeccionan de sus antecesores la potencialidad del simulacro, esto es, la capacidad de mimetizarse con sus creadores, de sustituir lo vivo por copias cada vez más sofisticadas; ante este posible escenario, Piscitelli formula acertadas interrogantes: ¿Qué criaturas emergerán de estas cajas de Pandora? ¿Cuáles serán sus códigos de comportamiento? ¿Estarán sometidas a las leyes robóticas de Asimov o Robocop, o por el contrario habrán maximizado los valores de su propia existencia al punto de negar los nuestros? ¿Qué lugar ten- �drán entre esos valores los de la competencia a muerte que han caracterizado nuestra propia evolución? (43). La “criatura” de Frankenstein es un caso atípico, pues, aunque físicamente es un ser deforme, posee la capacidad de la autoconsciencia, atributo exclusivo, supuestamente, del hombre; por su parte, la ginoide Hadaly, protagonista de la novela La Eva futura, de Auguste Villiers de l’Isle-Adam, supone la consumación tecnológica de la fantasía masculina respecto a la mujer ideal, de manera parecida a la robot María, del filme Metrópolis (1927), del realizador Fritz Lang, ambas mujeres máquina reemplazan a la mujer concreta por una copia a la medida de los deseos de sus creadores. Sin embargo, estas criaturas, que parecieran ser individuos únicos y condenados a la obsolescencia, se convierten posteriormente en colectividad, en seres producidos en masa, como en el caso de los robots sirvientes, en la obra teatral de Čapek, Karel. R.U.R. Robots Universales Rossum, o como los “organismos cibernéticos” de The Terminator, máquinas con apariencia humana programadas para exterminar a la raza que le antecede. La culminación de este proceso sistemático de sustitución lo representan los replicantes de Blade Runner, seres biomecánicos virtualmente indistinguibles de los hombres y mujeres. Este sucinto repaso a la historia y evolución de los seres artificiales conduce a algunas consideraciones un tanto más precisas respecto a éstos; primeramente, una categorización, aunque provisional, permite distinguir a las criaturas artificiales en animados por el ingenio humano, como los autómatas mecánicos, y dotados de vida por poderes divinos o sobrenaturales, como en el caso de Galatea, Talos, el Golem y Alraune. Puede, asimismo, diferenciarse entre seres artificiales clásicos y modernos, éstos últimos, robots, androides y cíborgs, no son concebidos por artificios mágicos o divinos, ni poseen facultades sobrenaturales pero, en cambio, son producidos mediante complejos procesos basados en la tecnociencia (Sibilia 72-73), y están provistos de capacidades superiores a las humanas. 63 �Conclusión Finalmente, en los ejemplos anteriormente referidos los seres artificiales, éstos fungen como simulacros destinados a desplazar y sustituir a los seres humanos, adquiriendo así una condición de monstruos, pues constituyen una amenaza tanto simbólica como existencial para sus autores. En la segunda parte de este texto se examinarán las figuras de la “criatura”, de Frankenstein, la ginoide Hadaly, la robot María, el “Exterminador” T-800 y la replicante Rachel, enfatizando que su condición monstruosa no reside en su apariencia física ni en sus actos o intenciones, sino en su capacidad de simulacro. 64 �Referencias BRONCANO, Fernando. La melancolía del ciborg. Barcelona: Herder, 2005. Impreso. CAMERON, James (dir.). The Terminator. Estados Unidos: Herndale Films, 1984. DVD. CLARK, Andy. Natural-Born Cyborgs: Minds, Technologies, and the Future of Human Intelligence. Oxford University Press, New York, 2003. Impreso. HOFFMANN, E.T.A. El hombre de la arena. México: Factoría, 1992. Impreso. HUYSSEN, Andreas. Después de la gran división: modernismo, cultura de masas, posmodernismo. Buenos Aires: Adriana Hidalgo Editora, 2006. Impreso. Jesús Eduardo Oliva Abarca KEARNEY, Richard. Strangers, Gods, and Monsters: Ideas of Otherness. London: Routledge, 2002. Impreso. Profesor-investigador en la Facultad de Artes Visuales, de la UANL. LANG, Fritz (dir.). Metropolis. Alemania: UFA, 1927. DVD. Es profesor investigador en la Universidad Autónoma de Nuevo MEYRINK, Gustav. El Golem. Trad. Alberto Laurent. Barcelona: León. Su línea de investigación es la de Industrias Culturales y Edicomunicación, 1998. Impreso. Creativas, y su especialidad es en sociología del arte y de la litera- MITCHELL, William J. Me++. The Cyborg Self and the tura. Ha concluido exitosamente proyectos de investigación finan- Networked City. Massachusetts: The MIT Press, 2003. ciados, de los que se han derivado artículos científicos publicados Impreso. en diferentes revistas nacionales e internacionales. Actualmente Ovidio. Las metamorfosis. México: Porrúa, 1999. Impreso. se desempeña como Subdirector del Centro de Investigación y PERKOWITZ, Sidney. Digital People. From Bionic Humans to Posgrado de la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Androids. Washington: Joseph Henry Press, 2004. Impreso. PISCITELLI, Alejandro. Ciberculturas 2.0. En la era de las máquinas inteligentes. Buenos Aires: Paidós, 2002. Impreso. SIBILIA, Paula (2006): EI hombre postorgánico: Cuerpo, subjetividad y tecnologías digitales. Buenos Aires: Fondo de Cultura Económica,2006. Impreso. SCOTT, Ridley (dir.). Blade Runner. Estados Unidos: Blade Runner Partnership, 1982. DVD. SHELLEY, Mary. Frankenstein. México: Tomo, 2005. Impreso. VILLIERS DE L’ISLE-ADAM, Auguste de. La Eva futura. Trad. Mauricio Bacarisse. Madrid: La Fontana Literaria, 1972. Impreso. YEHYA, Naief. El cuerpo transformado. Cyborgs y nuestra descendencia tecnológica en la realidad y en la ciencia ficción. México: Paidós, 2001. Impreso. 65 �Hablemos de Blog. M.P.E. Rosa Isabel Ramírez Saldívar ORCID: 0000-0002-5582-2218, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. rosa.ramirezsl@uanl.edu.mx Resumen 66 ¿Son las emociones importantes para que el aprendizaje sea más efectivo? Desde la antigua Grecia y hasta la actualidad, se ha llegado a encontrar que, en efecto, las emociones forman parte importante en la educación. Es claro que a nivel elemental es de alta importancia, pero ¿y a nivel licenciatura es algo que aún debe considerarse? ¿Los catedráticos, aparte de su especialidad, deben encargarse de un área que en teoría ya debería encontrarse responsabilizada por el estudiante? Palabras clave: problemas emocionales, desempeño del estudiante, relación estudiante profesor, tutoría, estrategias de aprendizaje. A veces solemos excusarnos que al no correspondernos no debemos involucrarnos, además, presionados por un tiempo limitado, la prioridad son los estudios especializados. ¡Y no olvidemos las herramientas! En su mayoría desconocidas, se espera dar uso a las más tecnológicas pudiendo así facilitar una tarea no solicitada. Pero… ¿qué pasaría si se pudieran encontrar herramientas al acceso de todos y que, su mayor complicación de especialidad, sea ceder un poco de tu tiempo? �Abstract Are emotions important in learning to be more effective? From ancient Greece to the present day, it has been found that, indeed, emotions are an important part of education. It is clear that at the elementary level it has a high importance, but what about the bachelor’s degree is it something that still needs to be considered? Should professors, apart from their specialty, should they be in charge of an area that in theory should already be the responsibility of the student? Sometimes we usually excuse ourselves that by not reciprocating we should not get involved, besides, under pressure for a limited time, the priority is specialized studies. And let’s not forget the tools! Mostly unknown, it is expected to use the most technological ones, thus being able to facilitate an unsolicited task. But ... What if you could find tools accessible to everyone and that, their biggest specialty complication, is to give up a little of your time? Key words: emotional problems, student develpment, student teacher relationship, tutoring, learning strategies. Introducción 67 Como Gutiérrez (2017) inicia su justificación en su obra con una frase célebre de Platón: “La disposición emocional del alumnado determina su habilidad para aprender”; así me cuestioné aquella tarde: Si ellos no cargaran con tantos problemas ¿podrían mejorar académicamente? El siguiente ensayo se centra en la problemática de las emociones en los estudiantes a nivel universitario dentro de la Facultad de Artes Visuales. ¿Son importantes? ¿Es importante lidiar con esa área? ¿Es el docente quien debe hacerse cargo? ¿El docente tiene la capacidad de hacerse cargo? ¿El docente inherentemente es un tutor? A través de analizar diferentes artículos como el de Gutiérrez o Dzib-Goodin cuyo cual habla sobre la educación y las emociones, o incluso retomando la voz de Bruner y su búsqueda del aprendizaje por autodescubrimiento, se intentará justificar el cómo se replantea una solución simple a un área sensible y que requiere no sólo tacto, sino valor. Porque como bien se dice: Cuando sabes la verdad sólo tienes una de dos opciones: enfrentarla o ignorarla. Como antecedente, el perfil del alumnado sobre el cual se desarrolla la investigación, se centra dentro de la Facultad de Artes Visuales con alumnos �de la carrera de Diseño Gráfico quienes poseen un pensamiento principalmente artístico, creativo, emocional, sensible y figurativo; además, cabe resaltar que en su mayoría son jóvenes ingresando en la adultez, donde la maduración del cerebro hace cambios importantes. Las fechas de registro de uso del cuaderno datan aproximadamente de los años 2018, 2019 y parte del 2020 dentro de cursos presenciales; por cuestión de la pandemia debido al Covid-19, la herramienta intento mudar a digital, pero por diversas situaciones, aún no ha tenido éxito. Sin más preámbulo y solicitándole su debida paciencia hasta el final del escrito, comencemos. ¿Quién es Blog? 68 Bueno, Blog literalmente es un blog cuyo cual nace con una firme idea: tener a mis estudiantes en aula. Hubo, durante un periodo difícil, momentos en los que me daba cuenta que, aunque tenía estudiantes presentes, sus cabezas se encontraban en otro lugar, así que me pregunté el cómo podría lograr que ellos identificaran aquello que más los agobiaba y aprender a soltarlo aunque fuera durante un breve momento. Para esos momentos medité mucho sobre, si yo fuera uno de ellos ¿con qué me podría sentir cómoda? Pero, al mismo tiempo, no olvidé mi postura como docente y el objetivo para cumplir. Al final, se me ocurrió una manera sencilla. Caminé un par de metros, llegué a la librería y salí con un blog al cual llamé: — Blog, chicos, y él nos ayudará a dejar todo lo que no necesitamos fuera de esta aula. En retrospectiva, quizás no lo dije tal cual las palabras, pero iba muy parecido y con el mismo fin. Les expliqué, que aquel cuaderno era anónimo y que todas las clases antes de iniciar, lo pasaría para que, aquel que necesitara sacar algo que lo agobiaba en su cabeza, pudiera hacerlo y que, una vez los problemas plasmados en ese mundo, lo sacaría de aula, se quedarían allá mientras nosotros nos encontraríamos en otro universo donde ellos se darían el permiso de ser lo que necesitaban ser: estudiantes y sólo eso. NA: Cabe mencionar que sí sacaba a Blog del aula. Al inicio lo colocaba al piso (mi idea principal era colgarlo a la puerta, pero no se podía). Sin embargo, un día, por andar apresurada, lo perdí (se me olvidó). Pasé semanas deambulando como alma en pena entre los de limpieza, alumnos (que me ayudaron a anunciarlo en las redes), etc. ¡Hasta que por fin apareció! No �volví a sacarlo. La idea funcionó mejor guardándolo e imaginábamos que lo sacábamos. Pero para poder esclarecer un poco más al lector sobre la función de Blog, les explico: Blog era un cuaderno donde de forma anónima el alumno podía expresar (dibujo, letras, etc.) aquello que más le agobiaba. Nadie se fijaba si lo hacía con lápiz o alguna pluma especial, también les explicaba que no iba a estar tratando de averiguarlo pues, su función era para que ellos identificaran su problema (porque a veces siquiera ellos lo sabían), y, por otro lado, aprender a soltar un poco. Cabe mencionar que tuve una grata sorpresa cuando, leyendo entre las páginas (porque era inevitable no hacerlo y en breve explico la razón), entre tantas problemáticas, también había mensajes de apoyo y empatía por aquellos que pasaban por momentos difíciles. Me sentí… tan orgullosa de ellos como comunidad. Ahora ¿por qué era inevitable analizarlo? No era pura curiosidad, en realidad ello me ayudaba a entender un poco más lo que mis chicos tenían en su mente, poder acercarme de alguna manera y ¿quizás encontrar algunas opciones que pudieran apoyarlos? Por ejemplo: Hubo un periodo donde expresaban en varios mensajes problemáticas de dinero, así que me propuse darles consejos, desde vender lonches o galletas, hasta generar algo con su propia creatividad (de ese momento luego surgieron varios emprendedores). En otros casos más difíciles donde ellos no podían dar resuelto a lo que les pasaba, explicaba cómo existían situaciones donde no dependía de uno que pudieran resolverse, pero que, sin embargo, podíamos decidir la actitud con la que tomábamos la situación. Por eso me ponía a leer a Blog. Jamás me dediqué a ver quién ponía qué y dónde, sólo trataba de identificar los grupos para poder enfocar el esfuerzo adecuado si se necesitaba cierta herramienta. Cabe destacar que también, frente a mis ojos, se materializó algo que ya intuía pero que ahora no podía ignorar más: Tenían mucha soledad, demasiada. Vi chicos tristes, sin esperanza (en ciertos momentos), en busca de un lugarcito para ellos. Me pregunté, en esos momentos, desde cuándo como sociedad habíamos permitido olvidarnos de cuidarlos. NA: Y cuando hablo de cuidarlos, no me refiero a comprarles cosas o comida, sino de tratarlos como personas que sienten y que también necesitan afecto y aceptación. Y como dato extraordinario, es verdad, no son todos quienes se encuentran en esa situación, pero tras años de comenzar esa investigación, cada día se vuelve más preocupante, no sólo el número que aumenta, sino el grado de afectación que tienen. Dzib-Goodin (2018), menciona que el tema de la salud mental en las escuelas se suele hablar 69 �en oficinas, salones cerrados o en privado debido a que los estudiantes se avergüenzan de sus propias emociones; sin embargo, una solución, es el entender que dichas son respuestas adaptativas al medio y a las cuales se es importante dar seguimiento y trabajar. Pero eso quedará como plática para otro capítulo. 70 Claro que cabe resaltar que no todo ha sido aciertos, los cuales se han ido mencionando, además de que Blog se volvió parte del grupo (había quienes lo esperaban con su debida emoción e incluso aprendieron un poco más del cómo reconocer sus emociones o trabajarlas). Sino que por otro lado, hubo quienes lo tomaron como notas para colocar su arte y enterarse de las situaciones ajenas, no de la manera debida. Aquí se tuvo que, en diferentes ocasiones, recordar cuál es el propósito de también se tuvo que monitorear que hubiera respeto y moderar que no pasaran por sobre los mensajes de otros (como por ejemplo, borrándolos o cambiándolos). Llegadas a estas líneas se preguntaran: ¿Por qué es importante hablar de él? Cada día la comunicación entre las brechas generacionales crece por ambos lados, aunado al incremento indiscriminado de un inadecuado aprendizaje informal (muy influenciado por la popularización de contenido deficiente en los medios), que nos deja enfrentándonos contra una gran barrera donde nos concierne liar en la búsqueda de herramientas enfocadas estratégicamente. No estoy diciendo que Blog sea la mejor solución ni �tampoco la más novedosa, que, de hecho, de nueva no tiene nada; es un diario donde se cuenta un algo, ha sucedido desde tiempo atrás. A lo que voy con este diálogo, es a la invitación de una reflexión sobre el efecto que puede generar un cambio de estrategias adecuado sin la necesidad de usar tecnología de la más avanzada o ser estrategas especializados o cuanta cosa más queramos colocar para evitarnos más trabajo. Como nos recuerda Posada (1993) en su artículo sobre Jerome Bruner y la Educación de Adulto: “Las ayudas son instrumentos para contribuir a alcanzar un objetivo educacional; son esos objetivos y no la existencia de aparatos lo que determina el equilibrio...” (Bruner, 1972). Creo que, recapitulando, uno de los éxitos del cuaderno fue centrarse sólo en un único objetivo claro y preciso, y nada más. A veces, como todo corre y como docentes estamos cansados por ser multitareas (que aquí da para hablar de otro tema importante para que esta sinergia funcione), queremos que una herramienta solucione todo, pero quizás… ¿dedicarse a una cosa pero bien hecha no sería más conveniente? Puede que tardemos más, pero habrá valido la pena. 71 �Conclusión Como conclusión, Blog se ha encontrado entre mis herramientas favoritas de trabajo presencial cuando los estudiantes no tienen la suficiente confianza para acercarse con los tutores, pero al mismo tiempo, quieren ayuda. También, y es mi parte favorita, los ayuda a identificar el problema de manera más clara y se les apoya para encontrar soluciones. Así que, pienso que el optar por herramientas tan básicas, a veces puede ser lo más útil, no se necesita de mucho para poder mejorar significativamente. A veces no se requiere de la mejor tecnología ni tampoco de ser expertos para poder hacer un cambio significativo en el aprendizaje de los estudiantes cuando sus emociones comienzan a afectarles académicamente. Sólo se requiere del querer de quien está ensañando y disponer de tiempo para recordarles que no están solos, que vamos juntos caminando. ¿O será que nosotros también los vamos a abandonar? 72 �Referencias Dzib-Goodin, A. (2018, marzo, 25). La importancia de la salud mental en la educación. Revista Educ@rnos. Recuperado de https://revistaeducarnos.com/ la-importancia-de-la-salud-mental-en-laeducacion/ Gutiérrez, M. A. (2017). La inteligencia emocional en la escuela Valoración de la inteligencia emocional de los profesores y alumnos. Facultad Ciencias de la educación, Universidad de Sevilla. España. Recuperado de https://idus.us.es/ bitstream/handle/11441/63007/TFG%20 ANGELES%20GUTIERREZ%20CA%C3%91IZAL. Rosa Isabel Ramírez Saldívar pdf?sequence=1&isAllowed=y Posada, J. J. (1993). Jerome Bruner y la educación de adultos. Enamorada de las letras y graduada como licenciada en Diseño Proyecto principal de educación en América Latina Gráfico Digital, encontró una fascinación en cómo, a través del y el Caribe, volumen (32), 49-54. arte, la palabra se puede expresar en diferentes formas para su entendimiento. Graduada de una maestría en Psicología Educativa especializándose en un enfoque particular sobre los modelos Cognitivo y Constructivista, terminará inclinándose a un firme interés sobre la educación al entender que, muchas de las problemáticas actuales, se deben por un descuido de comunicación. Actualmente es docente en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. 73 �74 �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Paradigma Creativo Description An account of the resource Paradigma Creativo. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2020. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Paradigma Creativo Año de publicación El año cuando se publico 2021 Número Número de la revista 2 Mes de publicación Mes cuando se publicó Noviembre Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Anual Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 2 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Paradigma Creativo, 2021, Año 2, No 2, Noviembre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Paradigma Creativo. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2020. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial González Barraza, Karina Nohemí, Diseño Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 02/11/2021 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020111 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Covid Diseño Gramificación Pandemia Patología clínica veterinaria Pianistas Proceso de enseñanza-aprendizaje https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20000/Croma_2019_No_1_Noviembre.pdf 2828e9e5dbed7ca15a62901055530448 PDF Text Text No: 1 Noviembre A Octubre 2019 �ÍNDICE 4 Detrás de cámaras con Bere Jaramillo 7 Cumpliendo un sueño con Ángelica Rubio 10 Tridente Brand Firm con Rodolfo Ramírez Morales 12 Marketing Digital Beca por el “Impulso 20 CONARTE: Artístico y la Creación 2019” A Octubre 2019 22 El Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca en Mederos 24 Comex Trends 2019 Créditos Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Académica Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Sancho González Coordinadores y Editores de la Revista Croma Sara Gabriela Barcenas Solis Karina Alejandra González Céspedes Flor Isela Islas Rodríguez Naomi Nicole Castro Garcia Paola Alejandra Martínez Escalante Melissa Ondarza Escalante Alba Alejandra Pecero Reyes Arantxa Olíblish Rivadeneyra Gonzaga Yaire Atzhiri Ivana Rodríguez Espinosa Jesús Alberto Suarez Bernal Luis Cecilio Treviño Farah Citlali Eunice Zeledón Aguilar Estancia de producción A Octubre 2019 �A L U M N O D E S T A C A D O Nos hablaste de ti y vemos que desde antes ya tenías un gusto por la fotografía, ¿a qué crees que se debía este gusto? Fue mucho por la nostalgia, creo que para mí siempre fue muy importante cuidar mucho las fotografías pues cuando era pequeña mi papá falleció y cuando crecí cuidé mucho esas fotos, su valor era demasiado grande. Cuando descubrí todo lo que implicaba la fotografía me enamoré mucho más de esta. LO QUE HE DEDUCIDO ES “QUE NO ME GUSTA HACER SIEMPRE LO MISMO, SI SE PUDIERA DECIR ESE ES MI ESTILO. QUE CADA SESIÓN SEA UN GRAN RETO ” CON BERE JARAMILLO 4 Noviembre 2019 por Jesús Suárez C reer en ti es una parte esencial en todo aspecto, ejemplo de ello es Berenice Jaramillo, egresada de la Facultad de Artes Visuales, quien nos platica sobre su experiencia en la fotografía y los retos de empezar a darse a conocer como profesional de esta área. Platicaremos de algunos de sus trabajos y el proceso que conllevan, además de conocer cómo se ha mantenido en el mundo del freelance a lo largo de los años. Yo soy Berenice Jaramillo, estudié en la Facultad de Artes Visuales, en la generación 2004-2008. Desde pequeña me gustó la fotografía, pero donde realmente aprendí a fondo de ella fue en la preparatoria. Podría decir que me enamoré de la fotografía y después de esta experiencia tomé la decisión de querer dedicarme a ello. Ya estando dentro de la carrera también descubrí mucho el gusto por el cine y se combinaron el cine, la fotografía y la postproducción, pero yo no era muy buena fotógrafa y por eso me fui adentrando a la postproducción. Cuando me gradúo y me dedico a eso, me doy cuenta de que no me apasionaba, entonces regreso a la fotografía, que fue volver a los primeros pasos de creérmela y que me crean como fotógrafa. ¿Cómo hiciste para perder el miedo a que los demás vean tu trabajo? Sí es un proceso, la verdad yo sí batallé un rato en creérmela como fotógrafa porque de algún modo buscas la aceptación de la gente, pero al final del día lo que más valor tiene es ver tu trabajo y decir: esto me gusta, sé que no es lo mejor pero estoy contenta con lo que estoy haciendo, ahora sí empiezas a creértela y eso te empuja para aprender más técnicas de todo lo que implica la fotografía. Cada artista tiene su método de trabajo, ¿nos podrías decir cómo es el tuyo?, ¿Tus ideas para los proyectos suelen ser muy trabajadas o son la inspiración del momento? Depende a dónde van dirigidos o con qué intención. A mí siempre me gusta saber qué es lo que quiere el cliente, qué mensaje quiere transmitir, qué colores le gustan, tratar de sacarles la mayor información posible, aunque ellos no tengan idea de qué quieren, siempre van a saber qué no quieren y eso te va a ayudar a saber por dónde no irte y ya en base a eso te puede inspirar cualquier cosa, ellos mismos, una película, etc. ¿Sigues algún proceso para conocer las bases del proyecto? Bueno, cada proyecto es diferente, pero para poner un orden es fundamental la entrevista presencial con el cliente y después una lluvia de ideas o moodboard para soltar las ideas de formas, paleta de colores, encuadres, etc. 5 Noviembre 2019 �D O C E N T E SOBRE SER FREELANCER ¿Cuál fue el detonante para que Una pregunta muy frecuente cuando se comienza a hacer freelancer es el equipo de trabajo, ¿tienes algún consejo para saber con cuál comenzar? Para comenzar, les diría que se compren la cámara que puedan.Vayan descubriendo qué tipo de fotografía les gusta hacer y cuando lo descubran compren el equipo adecuado a la necesida. Nosotros usamos cámara réflex y con el tiempo invertimos mayormente en lentes que creemos que son la mejor inversión. tomaras la decisión de que tu camino sería como freelancer aunque esto costara un poco más de trabajo? Desde el principio, cuando me gradué, me involucré en cortometrajes durante un año. Poco tiempo después, trabajé durante cuatro meses para una empresa en la cual editaba y grababa los videos, pero me di cuenta de que eso no era lo que yo quería, tanto en la carga de trabajo, como en los horarios de oficina. A partir de entonces tomé la decisión de ser freelance, llevo más de 10 años así y créanme, se puede vivir de esto, aunque mucha gente les diga lo contrario. “ ME SIENTO UNA PERSONA EXITOSA, ME SIENTO BIEN PORQUE VIVO DE ESTO Y ME GUSTA LO QUE HAGO PARALELO Sabemos que el trabajar en equipo siempre es muy difícil, ¿como es la química que tienes con tu pareja, Nau, a la hora de trabajar un proyecto? Siempre ha sido de gran ayuda, desde que éramos novios siempre nos hemos apoyado, él se encarga de la parte de efectos especiales y yo de editar. Desde hace 2 años empezamos a hacer una unión mucho más marcada con la especialidad de cada uno. Nuestro proyecto en puerta es formalizar la empresa, pues por lo regular nos relacionan solo con nuestros nombres por separado y no en conjunto, entonces la intención es establecernos como un solo negocio que llevará el nombre de “Paralelo” y estamos a solo unos pequeños detalles para que pueda ya salir a la luz. ¿Algo que identificará a PARALELO? Estudio creativo que ofrece diferentes técnicas; que sepan que no estamos casados con un estilo de fotografía o video, nos interesan marcas tanto pequeñas como grandes. ” Fotos por Bere Jaramillo Aparte del talento y de las capacidades para realizar tu trabajo, ¿crees que exista otra característica para satisfacer al cliente? La atención, la gente lo valora mucho. Recuerdo que mis primeros clientes me seguían contactando en parte por el trato con ellos, la entrega a tiempo, la importancia que les das, sin duda es un punto a favor. Con la experiencia que tienes siendo freelance, ¿podrías dar un consejo a quienes tienen una idea, pero se desaniman o están indecisos? Tienen que ser perseverantes. Obviamente no llega de un día para otro; si te apasiona lo que haces, valdrán la pena los años que le hayas invertido. Me siento una persona exitosa, me siento bien porque vivo de esto y me gusta lo que hago. CUMPLIENDO UN SUEÑO por Gema Espinoza Palomares De la mano de Angélica Rubio y su negocio ‘la libreteria’, adentrémonos a conocer un poco de su perspectiva respecto a lo que implica el cumplimiento de ‘un sueño’. De aquella idea, que un día, llega a nuestra mente y queremos volverla una realidad. ¿Cómo fue su comienzo en ‘la libreteria’? Primero me fui de maestría, y cuando regresé del intercambio fue cuando decidí salirme de mi zona de confort, y aventarme de 100% a mis 3 proyectos; a empezar ‘la libretería’, a dedicarme 100% a los clientes de mi estudio de diseño y a seguir con ‘pin factory’. El mismo trabajo fue el que me orilló a ello, ya no tenía tiempo, así que tenía que trabajar para alguien o bien, dedicarme a mis emprendimientos, ahí fue cuando decidí emprender al 100%. “ TÚ ERES EL PROPIO CREADOR DE TUS SUEÑOS, MIENTRAS MÁS LO DESEAS, MÁS ES LA MOTIVACIÓN POR CUMPLIRLO. LLEGA A TU META Y SIEMPRE DA TU 100% ” Para ver más de su tranajo: www.paralelostudio.mx @berejaramillo.foto Fotos por Bere Jaramillo 6 Noviembre 2019 7 Noviembre 2019 �¿Qué la inspiró a formar ‘la libreteria’? Yo siempre he sido muy amante de tener sketchbook, y estando precisamente de intercambio, mi socia y yo entramos a unos cursos de encuadernación. Siempre buscaba el sketchbook a un precio justo, con los materiales que quisiera, pero además que lo pudiera customizar. Así que, como no había eso en Monterrey o en México, entramos a cursos, ya que en España se da la mata de encuadernación; entramos a muchos cursos, y fue cuando compartí con ella la idea de hacer un producto mínimo viable cuando regresáramos, un producto para testear si le gusta o no al mercado. Llegamos, hicimos todo: marca, página de Facebook, compramos dominio, hicimos todo como si la empresa existiera, y empezamos a hacer dummys, y no los vendíamos, los regalábamos a quien quisiera probar las libretas. Después que vimos que sí les gustaba y nos daban feedback; nos decían: ‘ay pues pónganle esto’, ‘quítenle esto’, lo que hicimos después fue empezar a vender. Por lo tanto, primero testeamos el producto y viendo que sí había una respuesta, decidimos por ya empezar a hacerlo. ¿Qué fue lo que les motivó para hacer este proyecto? Encontrar un producto que no existiera y ofrecerlo en el mercado, ya que antes ni en Monterrey ni otro lugar de la República Mexicana, había quien los produjera. En cambio, ahorita ya hay muchas opciones. ¿ Cuánto tiempo le dedica a la realización del producto que ofrece? (libreta) Depende bastante del proyecto, por ejemplo, tenemos unas libretas con la técnica de impresión digital, la impresión es muy rápida. Una libreta, con todo su proceso: la impresión, armado de la libreta, cosido, doblado, el prensado y cortado, porque se tiene que refilar, se lleva como 4 minutos más o menos. Pero si la técnica no es de impresión digital, y es serigrafía, el tiempo de producción se extiende, porque hay que mandar a hacer placas, mandar a serigrafiar, o si es un alto o bajo relieve 8 Noviembre 2019 Un consejo con experiencia... Ángelica Rubio y su socia. Juntas fundadoras de ´la libreteria’. u offset, pasa exactamente lo mismo, depende mucho de la técnica. ¿Qué técnicas de diseño se utilizan para la realización de las libretas? Las técnicas de diseño gráfico que se utilizan en las libretas son más artesanales; hablando en términos de diseño gráfico propio de las libretas, lo que hacemos es ver un proceso de diseño, el entendimiento de lo que el cliente necesita, después de que el cliente nos dice cómo quiere o qué es lo que busca en la libreta, lo diseñamos. En ‘la libreteria’ muchas de las veces, nosotros tenemos que proponer el diseño y otras veces el cliente es quién nos envía su diseño. Independientemente de que el cliente nos mande su diseño, nosotros a veces le damos recomendaciones, algunos son otros estudios de diseño que mandan a hacer libretas con nosotros, y otros son empresas a las que nosotros brindamos recomendaciones, y a base de esas recomendaciones ya ellos nos dicen qué sí y qué no quieren. ¿Cuántos y cuáles son los tipos de papeles que se utilizan? Papel bond blanco, es un papel con un sello de FCC (responsabilidad social por el medio ambiente). Para mí, sirvió un montón el hecho de trabajar para alguien, si pueden empezar a trabajar antes de salir de la carrera, háganlo, es súper, súper bueno. Si están estudiando todavía, evidentemente, mi consejo sería que toda la parte teórica que puedan aprender ahorita en la facultad, apréndanlo; todos los libros que puedan leer de su carrera, apréndanlos, porque luego el tiempo se te va a hacer como agua entre los dedos, nada, y no vas a tener tiempo para eso. Trabajen para alguien, trabajen para distintas personas, aprendan a ser mandados para después tú saber mandar, aprendan a ser bien receptivos a feedback, eso es vital en la parte del diseño, a ser súper ‘open mind’ a las críticas que te den, nunca dejen de aprender, tomen la cantidad de certificados que sean posibles, y atrévanse, da miedo sí, pero una vez me dijeron esto y creo que fue lo que me hizo darme cuenta, que puedo perder; “Dicen que atrás del miedo, está el éxito”, pues nos da mucho miedo perder esa certidumbre que te da al tener un sueldo, pero cuando te das cuenta que eres capaz de producir no tú sueldo, si no el sueldo de más personas, está bien padre, entonces hay mucha responsabilidad, sean responsables, cumplan con sus tiempos, cumplan con sus pagos, si ganas $3.00 no gastes $6.00, eso es muy importante en un emprendedor, si ganas $3.00, gasta $.50, nunca puedes rebasar, y si vas a rebasarte no lo hagas con tu dinero, háganlo con el de alguien más, es decir, con un inversionista o con el dinero del banco, con un préstamo, pero nunca con tu capital. Entonces atreverse, perder el miedo, y de ahí todo se va acomodando. Mandamos a imprimir 3 diferentes tipos de papel: con rayas, de cuadros y con puntos, para las diferentes necesidades de los clientes, pero por lo general es Bond Blanco, Bond Ahuesado y el Bond impreso en los 3 diferentes modelos que son raya, cuadro y puntos. Los papeles de las libretas tienen diferentes los covers, son un papel que se llama ibayme que es ecológico, y otros papeles que son papeles regulares y con el tratamiento que le damos lo convertimos en algo mucho más padre. ¿Cuál es su experiencia en este proyecto? Pues la mejor experiencia de todas en estos 5 años ha sido de aprendizaje y de dolor, porque crecer duele un montón; tomar decisiones arriesgadas que a lo mejor ponen todo tu capital en juego porque no sabes cómo va a resultar. En realidad estamos como en expectativa y a ciegas, pero la experiencia ha sido de aprendizaje 100% y bastante enriquecedora, se traduce en un montón de felicidad, porque de a poco ves como el proyecto va siendo más fuerte. En temas de diseño ha sido bien enriquecedora porque el hecho de tener como el estudio de diseño al mismo tiempo está boxeando a ‘la libretería’ lo que ha proyectado en mi carrera profesional es como tener conciencia del valor de cómo se diseñan los márgenes, las columnas, por los tipos de impresión, y por la forma en cómo se produce una libreta. En términos de emprendimiento, fuera de que yo también soy diseñadora gráfica, ha sido súper satisfactorio con mi propio capital sin tener que pedir recurso económico de nadie y empezar auténtica y sencillamente desde cero. Y la otra que es más personal tiene que ver con que me encanta la parte de toda la papelería, entonces digamos que tiene mucho de mi espíritu del tema de diseño pero les voy hacer completamente honesta, toda la parte de calidad y de muy buena ejecución no es por parte mía, es también por parte de mi socia y yo pongo esta parte mía, como esta parte de business core, de estrategias y de diseño gráfico, pero ella pone todo su saber, su conocimiento en el desarrollo del producto que hacemos, entonces si soy justa, y puesto el éxito de la libretería no depende del 100% de mí, depende del equipo de trabajo y de las personas que nos ayudan a materializar el producto, entonces una experiencia personal y profesional súper enriquecedora. 9 Noviembre 2019 �N TT R R EE V V II SS TT A A EE N TRIDENTE BRAND FIRM “ NO PIERDAS EL TIEMPO, APROVÉCHALO Y NO LO DESPERDICIES EN COSAS QUE NO VALEN LA PENA, OBSERVA, EXPERIMENTA COSAS NUEVAS Y SIGUE TUS CORAZONADAS SIEMPRE CON CUIDADO ” ACONSEJA RODOLFO RAMÍREZ Te traemos lo que implica emprender tu propio negocio de la mano de uno de los expertos en el tema. 10 Noviembre 2019 H ay personas que deciden iniciar su negocio, sin embargo cuando esto sucede, se presenta el miedo a la pérdida de la inversión inicial, o a fracasar. Es claro que emprender no es para todos, entrar en el mundo de los negocios por tu propia cuenta no se trata sólo de tener una buena idea, sí, es una de las bases, pero se necesita capitalizarla. Por este motivo decidimos acudir a un diseñador experto en ésta área, Rodolfo Ramírez Morales, egresado de la Facultad de Artes Visuales, Director de Tridente Brand Firm, agencia en San Pedro, que inició como un proyecto escolar para pasar a ser un estudio de diseño que busca favorecer los gustos de los clientes. “Como negocio somos como un camaleón que se va adaptando al ecosistema de los negocios y las tendencias de comunicación”, expresó Rodolfo. Esto los hizo crear estrategias, implicando los temas de la comunicación para llegar a ser la agencia que son en la actualidad, establecieron sus pilares de servicio como el ‘branding’, la estrategia y la multimedia. Esto los llevó a trabajar para empresas importantes, como lo son algunos de los más famosos festivales de música que s que el miedo lo controlara. El público meta de Tridente se divide en dos segmentos, uno de ellos son los “followers” quienes, como lo dice la palabra, siguen su trabajo porque les gusta y la otra parte son los clientes, que van desde empresas hasta personas que necesitan una identidad gráfica. Debido a su amplia oferta de servicios, eligen estos estratégicamente junto con los elementos gráficos adecuados para cada uno de sus clientes y así cubrir sus necesidades. En esta empresa lo que los compete es que cuentan con especialistas para cada uno de sus servicios y estos están capacitados en los medios sociales, esto crea una oferta de calidad para los clientes, además de que realizan experiencias de consumo buscando trasladarlas al consumidor final y cuentan con la herramienta de la innovación tecnológica. Nuestro experto nos comentó que una de sus principales motivaciones para llevar a la realidad este proyecto fue la ambición por superarse y tener un mejor estilo de vida para compensar lo que había pasado durante su época de estudios. Una de las actitudes que lo llevó al lugar donde se encuentra ahora fue su atrevimiento para hacer las cosas y no dejar que el miedo lo controlara. Las cosas que más aprecia de haber elegido este camino dice, “con base en dedicarse a hacer lo que realmente te gusta, son los momentos en los que las personas se interesan por tu trabajo, cuando llegan a agradecerte por compartir tus experiencias o cuando te reditúan tu trabajo”. Actualmente un aumento salarial y un ascenso ya no es suficiente motivación para los jóvenes, la alternativa del emprendimiento ofrece una perspectiva diferente, que lo convierte en una opción más atractiva y es más común encontrar que los estudiantes quieran emprender un negocio, pero no siempre cuentan con el apoyo necesario, por esta razón gracias a su experiencia, Rodolfo Ramírez nos dice algunos consejos que te podrían ayudar si buscas seguir este camino. Es primordial que busques dedicarte a lo que te gusta, lo que realmente te apasiona, teniendo siempre las bases para fundamentar tus conocimientos para poder salir al mundo laboral. Cuando haces algo que en verdad te gusta no se ve como un trabajo, una forma de aprovechar esto es con las herramientas que tenemos a la mano como las revistas, libros o apps para ver los trabajos de los demás, observando las tendencias para llenarte de información y crear tus propias inspiraciones. 11 Noviembre 2019 �12 Octubre 2019 13 Octubre 2019 �M A R K E T I N G EL MARKETING 360 EL SOBREVIVIENTE DEL CAMBIO TECNOLÓGICO por Melissa Ondarza y Atzhiri Rodriguez T ras el avance de los medios digitales, las empresas han tenido que adaptarse a estos nuevos reglamentos que en un principio no les afectaban, pero ahora pueden llegar a cambiar el significado de las cosas. “ ANTES LA PUBLICIDAD SE BASABA EN CARTELES O COMERCIALES, PERO AHORA, GRACIAS A LAS REDES SOCIALES, SU MERCANCÍA PUEDE LLEGAR HASTA LUGARES FUERA DE SUS FRONTERAS, ” Lo que uno pagaba para que su anuncio estuviera en un cartel publicitario ahora es lo mismo que pagar para ponerlo en internet y llegue por sí solo a millones de personas. Era cuestión de suerte que tu anuncio fuera visto por muchos, pero ahora las empresas saben la cantidad de espectadores que día con día ven sus anuncios, cosa que antes era imposible saber. Las marcas tenían su propio logotipo establecido, pero hasta hoy saben que deben acoplarse y cambiarlo, pero conservando su significado. Los medios digitales les abren las puertas a muchos emprendedores ocasionando que haya más competencia , por lo que las empresas existentes, que antes estaban en la cima, deben adaptarse para no quedarse atrás. Tanto los precios como el material han cambiado en esta nueva era digital. 14 Noviembre 2019 Las empresas ya no tienen que preocuparse por invertir dinero en imprenta o en un comercial, ya que ahora la cantidad que pagaban para eso puede esparcir su publicidad. El pagar por un comercial o un cartel solo te permitía darte a conocer en cierta área. Gracias al marketing digital, ya las empresas no temen en invertir dinero porque, sin importar dónde esté su publicidad, puede llegar hasta lugares que ni ellos esperaban. La creatividad también es un punto a favor. El ser formal lo ha vuelto aburrido, hoy en día uno tiene que ser creativo para tener más atención y que el mundo sepa quién eres; es una forma más eficiente de dejarle tu marca al mundo y sea más fácil recordarte. El marketing, hoy más que nunca, es regulado por la tendencia social y tecnológica más que por la clásica mezcla de las 4P (Producto, Precio, Promoción y Plaza). Hoy existen un par de variables más que tenemos que considerar a la hora de modelar un negocio, ya sea de producto o servicio. Algunos referentes contemplan la EXPERIENCIA como el nuevo factor X del éxito a la hora de desarrollar una estrategia de marketing. Otro factor contemporáneo es la diversificación del segmento o nicho de mercado, tal como lo menciona Seth Godin (Tribes), la segmentación tradicional de género, edad y ubicación ha sido reemplazada por las TRIBUS (Brand Tribe). Un mundo interconectado y global ha desembocado en subgrupos aglomerados por intereses mutuos y coincidencias, es así como la estrategia más sensata de marketing empleará una segmentación por nichos de interés y consumo diversos e incluso transversales de un grupo a otro. Con el tiempo las redes sociales fueron posicionándose y otras desvaneciéndose, Facebook y Twitter fueron las más persistentes y evolutivas al grado que, como la regla de oferta y demanda exige, llegó el toque lucrativo de estas. Ahí comenzó el atractivo mundo de pautar para negocios en estas redes sociales. En un principio bastaba un buen diseño para anunciarse y esto nos abría las puertas para un nuevo modelo de negocio que no tardó en ser cautivado por los freelancers y agencias publicitarias convertidas más tarde en agencias de marketing digital. Pero al pasar de los años, comenzamos a ver políticas y ajustes de estas redes que han ido evocando mayor producción y creatividad a un nivel estratégico a un sin fin de ofertas desde freelancers, Community Managers, Agencias de Marketing digital, Influencers, etc. Las redes que actualmente mucha gente usa para el Marketing son Facebook e Instagram aunque depende mucho tu empresa o negocio para ver cuál de las dos te funcionaría más. Para poder darte a conocer, lo principal es analizar el mercado en donde se dará a publicitar aquel producto de manera local o a nivel nacional. La publicidad en las redes tiene dos segmentos: uno es la parte orgánica, que son todas las publicaciones y mensajes que no llevan presupuesto publicitario; la otra son las publicaciones pagadas o publicaciones pautadas con Facebook Ads y Google Ads. 15 Noviembre 2019 �LAS REDES SOCIALES COMO NEGOCIO Facebook Ads es el área comercial y publicitaria de Facebook. Está principalmente gestionada a través de herramientas como Administrador de Anuncios o Facebook Business Manager. Es la oportunidad de sistematizar un canal de prospección de clientes, posicionar tu marca o generar ventas directas a través de una serie de campañas publicitarias mediante la audiencia de esta red social. Facebook distribuye los anuncios entre su audiencia según una serie de variables y algoritmos basados en segmentación de big data desde áreas geográficas, género, comportamientos, gusto e intereses, en una semejanza análoga a lo que sería repartir volantes casa por casa en sentido figurado, esto en diferentes zonas de la red social. Dentro de las limitantes que Facebook Ads establece, está la reducción de publicidad con mucho texto en la imagen, la publicidad que pueda resultar engañosa como la típica de “antes y después”, las promesas de enriquecimiento, fortuna al azar, así como publicidad que atente contra la integridad como discriminatorias o aquellas que evoquen temor y miedo, principalmente en temas de salud y estética. En la actualidad la interacción es una fuente 16 Noviembre 2019 de éxito para una campaña, ya que permite elevar el rendimiento de alcance y conversión de prospectos de manera orgánica (sin costo) y, en un futuro, te da la posibilidad de activar campañas de remarketing. Google Ads posiciona tu negocio en la web. Pero, ¿cómo funciona? Google Ads usa palabras clave de búsqueda, de esta manera, cuando un usuario introduzca en el buscador la palabra que haz elegido les aparecerá la publicidad. Está basada en campañas de PPC (pago por clic) donde tienes que pagar por cada clic que reciben tus anuncios por parte de los clientes, es decir, te cobrará cada vez que alguien haga clic en el anuncio. Carla Morales (Asesora en redes sociales) ha trabajado en campañas de festivales y conciertos de la empresa Prime Entertainment. Ella participa en dar a conocer todo lo que comunica en las redes sociales, pá ginas web, entre otras más. Aunque por su cuenta da cursos y talleres sobre las redes sociales. Su principal canal es Facebook en cuanto a su trabajo personal debido a que de ahí conoce a muchos de sus clientes por parte de recomendación. En cuanto a la hora de realizar una campaña para una empresa ella menciona: “Primero analizo el mercado. Todo depende de la cuenta que uno tiene. Cuando se es una marca que nadie conoce, lo esencial es hacer un estudio de mercado en donde se dará a publicitar aquel producto local o nivel nacional. Realmente es conocer todo el entorno del negocio para así saber la estrategia digital que usarás”. Google Ads y Facebook Ads también forman parte de la estrategia de mercado que utiliza. Siendo plataformas para realizar publicaciones pagadas con el beneficio de llegar más lejos dándose a conocer. La estrategia fundamental de cualquier negocio es tener presupuesto designado para dar a conocer tu marca en redes sociales. “AMBAS PLATAFORMAS FUNCIONAN MUCHO PARA LA INVERSIÓN, ES DECIR, PARA LA PAUTA PUBLICITARIA. YO TRABAJO CON DOS SEGMENTOS, UNO ES LA PARTE ORGÁNICA QUE ES ASÍ COMO LE LLAMAMOS A TODAS LAS PUBLICACIONES Y MENSAJES QUE NO LLEVAN PRESUPUESTO PUBLICITARIO. LAS PUBLICACIONES PAGADAS O PUBLICACIONES PAUTADAS SON CUANDO SALEN A LA LUZ ESTAS APLICACIONES DE GOOGLE ADS Y FACEBOOK ADS. ME ENFOCO MÁS EN ESTAS PLATAFORMAS”. Para las empresas representa un ahorro económico gigantesco. Antes se gastaba demasiado en anuncios panorámicos o en otros medios, que no dejan de estar vigentes. Pero ahora con lo digital conviene más, ya que lo que invertías para un anuncio panorámico ahora te puede ayudar a llegar a diez mil personas a nivel nacional o incluso más lejos. El marketing se ha vuelto medible. “SI NO ESTÁS EN EL MUNDO DIGITAL, LITERALMENTE NO EXISTES PARA EL RESTO DEL MUNDO. SI UNO NO VE TU PUBLICIDAD EM REDES SOCIALES LA PERSONA PENSARÁ QUE ES FALSO Y NO TE COMPRARÁ. HA SIDO UN GRAN ESFUERZO DE LAS EMPRESAS POR PERTENECER A LAS REDES SOCIALES PARA ASÍ DARSE A CONOCER”. 17 Noviembre 2019 �MARÍA FERNANDA JIMÉNEZ DIANA DIAZ por Gabriela Barcenas y Citlali Zeledón M aría Fernanda Jiménez (ilustradora mexicana) cuenta con su marca “Amarillo pastel”, dedicada a hacer ilustraciones, comisiones, etc. Ella nos platica su experiencia sobre las redes sociales; su forma para llegar al público. “LAS REDES SOCIALES SON UNA GRAN HERRAMIENTA QUE TODOS DEBERÍAMOS APRENDER A USAR AL 100% Y PARA EL BIEN, HAY MUCHAS OPORTUNIDADES AHÍ, BASTA CON EMPEZAR A HACERLO (COMPARTIR TU TRABAJO) PARA DARTE A CONOCER. ” D Siendo influencer, contando con aproximadamente 28.4k de seguidores, nos cuenta que ha sido una gran experiencia, donde ella a lo largo del tiempo ha participado en eventos y conocido gente cuyos intereses o ámbitos son los mismos o, al ser diferentes, la inspiran. Aunque también tiene sus contras, como el no saber si el contenido que quieres subir será adecuado o si a tu público le agradará. Con la llegada de las redes sociales, es mas fácil llegar a más público y la cantidad de gente que ve tu trabajo. “Instagram, en realidad es la única en la que comparto todo “oficialmente”, me gusta porque puede servir de inspiración, para conocer a gente que está en lo mismo que tú y no sólo “ EL TRABAJO TAMBIÉN HAY QUE DISFRUTARLO, NO SOLO HAY QUE PENSARLO PARA VENTAS para vender tu trabajo, también puedes saber qué O PARA COMPLACER A UNA AUDIENCIA, ESO están haciendo tus artistas favoritos”. Pero el éxito MUCHAS VECES NOS FRUSTRA Y HACE QUE en redes sociales ¿Es suerte o esfuerzo? PREFIRAMOS NO HACER NADA.” María nos comenta puede ser subjetivo, esto debido a que para ella fue una gran cantidad de Sin embargo, ella nos aconseja no vivir del like esfuerzo, constancia y paciencia. ni de la expectativa de la gente que te ve, por el contrario, tratar de mostrarte real siempre, eso es “ MIENTRAS MÁS PUBLICAS E INTERACTÚAS, lo que hace auténtico tu trabajo y a ti. MÁS RESPUESTA TIENES, PERO HE APRENDIDO QUE TAMPOCO PUEDES VIVIR AMARRADO A LAS REDES. ” 18 Noviembre 2019 iana Díaz (ilustradora y youtuber mexicana) personas puedan robar tu trabajo, contrario a nos habla del cambio de lo tradicional que otras redes sociales. era el marketing a la actualidad. “Hoy en día, gracias a las redes sociales, podemos trabajar “POR EJEMPLO, FACEBOOK ES TODO UN desde la comodidad de nuestro hogar y no MUNDO DE ROBO DE ARTE E ILUSTRACIÓN, LO necesariamente tenemos que estar pegados a una CUAL AFECTA MUCHO A LOS ARTISTAS, YA QUE computadora para poder trabajar. Ha sido una gran NO RECIBEN CRÉDITOS NI LINKS DIRECTOS estrategia que las empresas se adentren a la era A SUS PÁGINAS Y, POR ALGUNA RAZÓN, EN digital, debido a que es lo que actualmente mueve INSTAGRAM SI DAN CRÉDITOS A LOS ARTISTAS O mucho tanto a la juventud como a los adultos, AL MENOS ES MÁS FÁCIL QUE LOS DEN. ” además de que es una forma de dar visibilidad a tu marca internacionalmente”, menciona Diana. “Yo siempre digo que existe un público para cada cosa. No todo le va a gustar a todos. Cada estilo “PARA MÍ FUE ALGO INGENIOSO Y SIRVIÓ PARA tiene su público y su función, nunca debemos decir QUE SE DIERAN CUENTA DE LA IMPORTANCIA DE que algo es “malo” o “bueno”, todo es de cómo ve LAS ARTES Y EL DISEÑO DE TODO TIPO, CÓMO la gente cada cosa personalmente y los gustos de TIENEN UNA GRAN INFLUENCIA EN LA GENTE Y cada uno. Se debe respetar mucho todo eso. ” LA FORMA EN COMO VEN LAS MARCAS”. Para Diana es importante mantener una conexión con sus seguidores: “Uno muy importante En cuanto a las redes sociales más utilizadas para fue empatizar con las personas. Siempre tratar darse a conocer se encuentran Facebook, YouTube de llegar a ellos de alguna manera, tratar de e Instagram. Diana nos cuenta que utiliza mucho crear conexiones. La gente siempre busca una más Instagram debido a que te permite conectar experiencia, algo que los haga sentir cosas al de manera más directa con el público, además momento de interactuar contigo. En el marketing de que encuentras una gran variedad de gustos, siempre busco dar más que un producto, trato de es agradable, visual, y es menos probable que las brindar una experiencia. ” 19 Noviembre 2019 �L E N G U A J E S Fotos por Yasodari Sánchez Lorena Estrada (representando al Colectivo Estética Unisex) y Yasodari Sánchez participaron en la convocatoria de forma autónoma, con sus proyectos “La ciudad del trabajo” y “La Independencia en sintonía con ideas”, correspondientemente. Ambos proyectos podrían conectarse porque reflejan su deseo de que la sociedad se permita evaluar ‘en un espejo’ cómo es que forma parte de algo, y que esto mismo puede distinguirse para crecer como individuo y sociedad. Al darse a conocer los acreedores a beca, ambos proyectos salieron victoriosos, “La ciudad del trabajo” en el área de fotografía y “La Independencia en sintonía con ideas” en el área de las artes visuales. El proyecto “La Ciudad del trabajo” de Lorena dió comienzo en Agosto del presente año; se adentra a visibilizar lo mencionado a través del tema del empleo dentro del contexto del Capitalismo Neoliberal, en su búsqueda a que se origine una introspección en la variedad existente de modalidad de trabajo, es decir, que observemos cómo el concepto de ‘empleo’ se ha ido transformando al paso del tiempo, e identificar en lo que se ha avanzado y falta por avanzar, así Fotos por Lorena Estrada CONARTE: BECA POR EL “IMPULSO ARTÍSTICO Y LA CREACIÓN 2019” Fotos por Melissa Ondarza por Alba Pecero D entro de la Facultad de Artes Visuales destacan los nombres de las artistas, y también profesoras, Lorena Estrada Quiroga y Yasodari Sánchez Zavala, quiénes atendieron al llamado de la primera edición de la convocatoria “Impulso artístico y la creación 2019” por parte del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León; programa de reconocimiento 20 Noviembre 2019 bianual /anual creado para el fortalecimiento de la trayectoria de artistas y creadores nuevoleoneses. En dicho evento se eligieron 10 proyectos, los cuales fueron merecedores de una beca económica de $200,000.00 pesos. Al final se recibieron 83 postulaciones, de las cuáles se seleccionaron proyectos que pudieran lograr una intromisión de valor significativo con la sociedad y su alrededor. como de la deficiencia que todavía persiste dentro de ello. Para demostrar lo anterior, se está buscando seleccionar fotografías captadas en puntos clave dentro de México, que muestren la realidad de los empleados dentro de un espacio, así como la diferencia de una modalidad de trabajo a otra; por ejemplo, de un empleo asalariado a uno ‘freelancer’. Esencialmente, es un proyecto de investigación-creación; por lo tanto, se tomará en primera instancia la investigación y gestión, para que de esa forma se pase a la edición del material recolectado, pero también porque el proyecto es de largo aliento y se estima una duración en años antes de que finalmente concluya. Mientras tanto, Yasodari se embarca en su proyecto “La Independencia en sintonía con ideas”, el cual comenzó en 2014, buscando evidenciar el patrimonio, la identidad y la memoria de prácticas que han ido generando el presente tejido social, esto para manifiesto en la importancia de las comunidades o grupos que en ocasiones se les tiene en una idea clasista, ya sea por el desconocimiento o ignorancia de estos. Al mismo tiempo, destaca la acción de generar cruces en distintas áreas del conocimiento en conjunto con las comunidades, tomando como ejemplo a la Col. Independencia, donde habitan ella y su familia, exponiendo que, así como esta comunidad, existen muchas otras, o lugares de los que se tendría que hablar y dentro de ello nosotros mismos deberíamos desarrollar acciones, ya sea como ciudadanos, artistas o profesionales. Parte del proceso que sigue el proyecto es generar un documental y a la par de su desarrollo se han agregado otras acciones que son de práctica artística con presencia audiovisual, tanto que se llegó a la preparación de un libro y a la idea de arrancar una intervención pública. En ambos proyectos podemos identificar el propósito de generar resultados eventuales antes de lograr el resultado final. Entonces, a pesar de que la beca esté considerada para un año dentro de sus respectivos proyectos, esto no determina su finalización, puesto que se pretende indagar profundamente en los temas que trata cada uno. De esta manera, se vela por el cumplimiento del compromiso que se decretó cuando decidieron hacer un cambio con y para la sociedad. 21 Noviembre 2019 �A R T E S EL INSTITUTO DE ARTES GRÁFICAS DE OAXACA EN MEDEROS por Arantxa Rivadeneyra U na de las colecciones gráficas más importantes de Latinoamérica tuvo lugar los pasados tres meses en el nuevo Centro de Investigación, Innovación y Desarrollo de las Artes (CEIIDA) ubicado en nuestro campus universitario. Como celebración de su 30 aniversario, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca exhibirá 189 piezas como una muestra de la riqueza que hay dentro del acervo artístico creado por Francisco Toledo. Esta exposición expuso un lado distinto del artista oaxaqueño quien, además de ser tal vez el pintor mexicano más reconocido de nuestros tiempos, era un coleccionista de arte apasionado. Esta exhibición llevó por nombre “IAGO, Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, tres décadas en la gráfica” la cual se concentraba en la revisión y reflexión de la gráfica como medio artístico. “Una de las grandes aportaciones de esta técnica dentro de las artes visuales es que difunde lo que sucede cotidianamente en la historia. Al final se vuelve un documento histórico”, expresó Berenice Torres, museógrafa de la exposición. La colección del acervo creado por Toledo durante 30 años, resguardado por el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) y el IAGO, ha sido punto de convergencia para el resguardo de obras destacadas a nivel nacional e internacional. David Alfaro Siqueiros, Pablo Picasso, Francisco De Goya, Joan Miro, Wilfredo Lam, el mismo Toledo, entre otros. La segunda parte llamada “Artistas de la gráfica contemporánea” estáuvo conformada por 139 obras, por primera vez exhibidas fuera de Oaxaca, de la autoría de los artistas Gabriel Orozco, Abraham Cruzvillegas, Berenice Torres, Dr. Lakra y demás autores coetáneos. “ LAS PERSONAS QUE ASISTIERON PUDIERON ADMIRAR PIEZAS QUE PARA VERLAS JUNTAS TENDRÍAN QUE SALIR DE MÉXICO Y VISITAR VARIOS MUSEOS. ELLOS SOLO TUVIERON QUE IR AL CEIIDA PARA VERLAS TODAS JUNTAS Y DARSE UNA IDEA DE SU ALCANCE Para la realización de este proyecto se contó con el apoyo de Sara López Ellitsgaard, hija de Toledo, quien es la Directora del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, IAGO. Así como la colaboración de Inari Reséndiz, Gerardo Martínez, coordinador del cervo Toledo-INBA y La primera parte de la exhibición Joushimar Mora coordinador reunía obras de artistas como de Exposiciones del Instituto de Leopoldo Méndez, José Artes Gráficas de Oaxaca. Guadalupe Posada, Julio Ruelas, Manuel Felguérez, José Luis Cuevas, José Clemente Orozco, ” “Escena Erótica” por Dr. Lakra 22 Noviembre 2019 Fotos por Paola Martínez 23 Noviembre 2019 �E V E N T O COMEX TRENDS 2019 por Flor Islas L as tendencias 2019 que se dieron a conocer dentro del evento COMEX de este año fueron las siguientes: Hiperlocal: Pretende honrar el pasado para crear un legado a través de colores neutros cálidos que evocan tonos de elementos de la naturaleza. Accionismo: Se rige bajo un pensamiento revolucionario que invita a generar cambios y reafirmar el empoderamiento de la mujer; está llena de colores enérgicos que sin duda voltearás a ver, como los primarios, blanco, negro y tonos rosas. Endémico: Su intención es reflejar tanto el poder como la fragilidad de la naturaleza, su crecimiento y el paso del tiempo que observamos a través de paisajes autóctonos; está conformada por verdes de todas las tonalidades, grises y un rosa sombreado. Reflejo: Inspirada en el comportamiento del ser humano, su interacción con el entorno y la transformación de sus emociones, esta paleta está conformada por colores intensos, naranjas saturados que se equilibran con verdes, azules y tonos neutros. El día 28 de Agosto de 2019 se llevaron a cabo los Macro talleres de #ComexTrends 2019 en nuestra Facultad de Artes Visuales. Este evento inició con algunas conferencias impartidas por la arquitecta 24 Noviembre 2019 Elizabeth Gómez, el diseñador industrial Emiliano Godoy y los diseñadores Rodrigo Noriega y Ariel Rojo. El equipo de Comex dio el pronóstico más inspirador y acertado sobre colores, materiales y superficies, analizamos las influencias culturales, ambientales y tecnológicas que determinarán los colores y tendencias del próximo año. El discurso vibrante y el debate apasionado revelaron un tema claro y unánime para el 2019: expresión. El impulso básico por expresar nuestras creencias y nuestra pasión surge de tantas formas específicas como hay seres humanos en el planeta. No seríamos nada sin la expresión. Finalmente, de entre la amplia variedad de tonos rosas que sobresalen en su gran colección, el color elegido fue Emilia [083-04] como el Color del Año, el cual representa a la humanidad como esencia del 2019. Al final de esta gran conferencia se llevaron a cabo los talleres que dio este gran equipo. Taller 1: Objetos Impartido por el reconocido diseñador Emiliano Godoy. Taller 2: Objetos Impartido por el reconocido diseñador Ariel Rojo. Taller 3: Innovación Impartido por el reconocido diseñador Rodrigo Noriega. Taller 4: Espacios Impartido por la reconocida diseñadora Elizabeth Gómez Coello. Fotos por Paola Martínez 25 Noviembre 2019 �A � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2019 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Noviembre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, 2019, No 1, Noviembre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/11/2019 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020112 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Beca Conarte Comex Trends Emprendedor Fotografía Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca libreteria Marketing digital Redes sociales https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20001/Croma_2020_No_2_Junio.pdf 41bfa0776c2bd3a8107028a94d9b5bc7 PDF Text Text Junio 2020 / Número 2 Arte. Diseño. Audiovisual La creatividad en tiempos de pandemia ��4 ALUMNO DESTACADO Isaac Marcos Foto y Arte en Cuarentena 6 DOCENTE Nuestros profesores desde su perspectiva 8 COVID-19 Netoplasma 10 COVID-19 Soluciones de Diseño en la Cuarentena 12 COVID-19 Ángel Rincón 14 COVID-19 El muralismo de Chanate 16 COVID-19 Home-Office: Roberto Ipiña, Fernanda Salgado, Rebeca Lizárraga Créditos Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Académica Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Sancho González Coordinadores y Editores de la Revista Croma Alejandro Carlín Galavíz Marlene Guajardo Rodríguez Christian Eugenio Guerra Daniel Canizales Carlos Rodríguez Fernanda Villarreal Sepúlveda Estancia de producción EN PORTADA @angelinabambina - Freepik Intervención: Leonardo Rojas Abreu 18 COVID-19 Prácticas Profesionales: Fernanda Álvarez, Fernando Rojas 20 ALUMNOS Intercambio 22 ARTES El arte del performance: Celeste Flores 24 COVID-19 ABURTOV: Colorista en MARVEL Comics 26 ENFOQUE Efectos Especiales FAV: 28 TALENTO Ana Hinojosa �A L U M N O D E S T A C A D O ISAAC MARCOS FOTO Y ARTE EN CUARENTENA por Christian Eugenio Guerra Platicamos con Isaac Marcos, estudiante de FAV y fotógrafo independiente, sobre su forma de trabajar y cómo lo ha sobrellevado en estos momentos de crisis por la pandemia, también nos da algunos tips para manejarnos mejor en estas situaciones de acuerdo a las experiencias que ha tenido. Cuéntanos un poco sobre ti y a lo que te dedicas. Hola, actualmente estoy estudiando la carrera de Lenguaje y Producción Audiovisual en la Facultad de Artes Visuales, voy en octavo y me encuentro trabajando como fotógrafo y artista digital freelancer, combinando la realidad con la magia del 3D para llegar a composiciones muy chiditas. ¿Cómo comenzaste a desarrollarte por tu cuenta en el mundo de la fotografía profesionalmente? Todo fue por el vídeo, un semestre antes de entrar a la Facultad empecé con muchas ganas de aprender a hacer videos y hasta cierto punto algo de cine, mis papás me ayudaron con mi primer cámara y comencé a aprender sin darme abasto por medio de Youtube, hasta que un día de la nada comencé a hacer fotos y prendió una chispa que no se ha apagado. ¿Qué ventajas y desventajas consideras tiene el trabajar de una manera independiente? La ventaja principal es que el trabajo que haces con cualquier cliente va a tener tu toque como artista, en lo que sea que hagas va a estar plasmado tu estilo ahí, que a fin de cuentas es lo que forma tu nombre en el medio, contrario a estar en una empresa, pues muchas veces tenemos que limitarnos por ciertos lineamientos que ésta nos dicta. La desventaja que le veo es por el lado económico, normalmente si estás como freelancer no vas a tener un sueldo fijo y aunque como artista uno no tiene la meta de hacer todo esto solo por dinero… no quita el hecho de que es un factor importantísimo para subsistir. ¿Qué procesos de trabajo y herramientas para laborar utilizas regularmente? Las principales son mi cámara (Sony a7ii) y los programas en donde se hace toda la magia (Photoshop y Blender), ya en casos muy específicos llego a usar algunos otros programas para hacer el trabajo dependiendo de qué idea tenga o cuál sea la petición del cliente. 4 JUNIO 2020 �Debido a la situación de salud actual y la cuarentena, ¿qué tanto te ha afectado en tu trabajo y cómo ha cambiado tu forma de laborar? Pues como todo… sí se vio muy afectado, por lo menos hasta nuevo aviso en lo que todo esto se calma, por el lado del 3D pues no necesito dejar mi casa para seguir trabajando por lo que aún han estado llegando nuevos trabajos, me ha enseñado mucho a trabajar con lo que se tiene aquí a la mano y explotar un poquito más la creatividad. ¿Qué soluciones estás empleando para poder laborar en estos días de cuarentena? Intentar lograr lo más posible sin la necesidad de salir de casa, usando todo lo que mi capacidad e internet me pueden ofrecer. Como estudiante o profesional, ¿qué experiencias te está dejando la situación de salud actual? La experiencia de estar constantemente buscando una solución para los diversos problemas que se presentaron, esto te vuelve mucho más ágil y eficiente a la hora de crear. ¿Consideras que en el ámbito educacional y laboral estamos preparados para situaciones de este tipo? En México aún nos falta un poquito más de experiencia para poder sobrellevar mejor estas situaciones, sin embargo sí se ha hecho lo posible y un buen trabajo para hacer que pese menos estar en una situación así. “ SON ESTOS LOS TIEMPOS DIFÍCILES DONDE UNO EXPLOTA MÁS LA CREATIVIDAD PARA PODER SUBSISTIR EN EL MUNDO DEL ARTE ” ¿Qué consejos le puedes dar a la gente que estudia o trabaja actualmente en esta crisis en ámbitos relacionados al diseño y el arte? Lo mencionado anteriormente, son estos los tiempos difíciles donde uno explota más la creatividad para poder subsistir en el mundo del arte, buscar diferentes alternativas que nos puedan ayudar a salir adelante (ya sea emocional o económicamente), haciendo foto de stock, vendiendo comisiones, creando contenido en sus redes para agarrar clientes, vendiendo servicios de retoque a distancia, etc. No olvidemos que somos artistas y los artistas no solo buscan, crean. ¿Qué propones para estar preparados como sociedad y como profesionales para este tipo de situaciones en el futuro? Primero que nada el buscar la manera de generar un ingreso pasivo ya que esto te ayudará no solo en ese tipo de situaciones sino en toda tu vida, aprovechar los momentos que se nos dan para aprender a hacer diferentes cosas y no quedarnos en un solo campo artístico, así serás más susceptible a ser contratado aún en tiempos difíciles y yo creo que lo más importante es no perder la cabeza, estas son situaciones que no podemos controlar, lo importante es mantenerse firmes ante lo que venga y nunca dejar de crear. 5 JUNIO 2020 �D O C E N T E NUESTROS PROFESORES DESDE SU PERSPECTIVA Más que maestros, diseñadores; más que diseñadores, compañeros; y más que eso, nuestro ejemplo; la vida de nuestros profesores desde su perspectiva. por Marlene Guajardo L a situación por la que el mundo está pasando en la actualidad nos ha llevado a estudiantes, maestros y diseñadores a realizar una adaptación como todas las personas lo han tenido que hacer, para así sobrellevar esta realidad, en nuestra Facultad queremos reconocer a nuestros maestros que han logrado y sobrellevado los retos que el Diseño Gráfico nos impone; así mismo entrevistamos a uno de nuestros maestros para conocer un poco sobre ¿cómo ha sido su carrera? y ¿cómo ha sido para él enfrentar la situación del covid-19?. Aquí podrás conocer un poco más sobre el Maestro Manuel Sancho. ¿Cuál fue la carrera que estudió? Diseño Gráfico. ¿A qué se dedica actualmente? Soy jefe de diseño editorial en el área de soft news del periódico El Horizonte y docente de la FAV. ¿Cuánto tiempo lleva trabajando en su área? Formalmente 12 años, desde 2008. ¿Cuál ha sido su mayor desafío en el área laboral? En general podría decir que un desafío grande que he vivido y sé que muchos otros diseñadores también, es el poder desarrollarte y crecer en alguna empresa en el área creativa. A veces es complicado porque la demanda es poca y la oferta de diseñadores es mucha, por lo que están escasas las vacantes en estas áreas. Algo que creo que me 6 JUNIO 2020 ha ayudado mucho a superar ese reto ha sido ser siempre propositivo, tener buena actitud ante el trabajo y sobre todo involucrarme en otras áreas y procesos, no solamente a los correspondientes al diseño, de esta forma te vas haciendo de habilidades y conocimientos generales no solo de tu área sino de todas las que hay a tu alrededor y podrás desempeñar casi cualquier puesto en tu equipo o hasta en tu empresa. ¿Algún Proyecto que usted pueda destacar de entre todos en los que ha participado? Uno que puedo mencionar es la primera vez que diseñé todo el concepto y layout de una revista, fue el rediseño de la revista LOOK en el año 2014 lo cual se hizo con motivo del segundo aniversario de la revista. ¿Cuáles fueron sus primeros retos ante la cuarentena para el área a la que se dedica? Creo que fueron menos que los de muchas otras personas, la verdad siempre he pensado que el diseñador es “home officer” por naturaleza, claro que hubo algunas cosas que resolver, al trabajar en equipo lo primordial es la comunicación, ponerse de acuerdo cuál será el mejor canal para mantenerse en contacto y por otro lado el acceso a la información y materiales, fue muy importante también poder entrar a servidores y nubes para compartir todo y que lo técnico no fuera un impedimento para realizar el trabajo. ¿Cómo ha sido el reto para usted en esta cuarentena?, ¿considera que hubo cambios en su rutina de forma radical? Sí, definitivamente ha cambiado mucho y sobre todo me ha hecho reflexionar sobre la manera en la que trabajamos actualmente y mis perspectivas sobre la profesión del diseño. Por un lado, esta situación nos ha demostrado que, efectivamente ante una crisis, siempre vienen oportunidades. Las empresas han descubierto que todo el trabajo que se hacía en una oficina, en un horario establecido, sin problemas se puede realizar desde cualquier otro lugar donde se tenga una computadora con acceso a internet. Claro, estamos hablando de labores que no requieren de un trabajo manual, pero en muchísimos de los puestos administrativos, creativos y educativos, por mencionar algunos, nos dimos cuenta que podemos llevarlo a cabo desde nuestra casa y rendir igual o mejor que si estuviéramos en la oficina. En el tema personal también cambió por completo mi rutina, como la de muchos otros padres de familia, ahora dedicarse las 24 horas del día �a trabajar / ser papá ha sido todo un reto, pues normalmente la mayoría contamos con ayuda de alguien más, guarderías, familiares, etc., y con la contingencia ahora tienes que encontrar la manera de malabarear entre el trabajo y el rol de las actividades de padre o de la casa, ¡ha sido un show! Y algo muy importante que creo que cambió fue el cómo percibo el trabajo del creativo. Hace tiempo, especialmente recién graduado, comenzaba mi vida laboral y me daba cuenta que en muchas empresas la carrera de Diseño Gráfico no era tan bien pagada, pasé algunos años trabajando y logrando méritos, creciendo en las empresas para las que laboraba y me di cuenta que era difícil, pero podías ir logrando cosas importantes con esfuerzo y perseverancia. Ante esta contingencia mi manera de pensar es que no hay mejor área para trabajar que la creativa, y esto lo digo desde el punto de vista de oportunidades laborales. Es un área que puede generar su propio empleo sin mucho esfuerzo ni inversión, por ejemplo, como diseñadores gráficos, estamos dotados con las herramientas para darle servicio a un emprendedor o a empresas de todos los tamaños en necesidades que tienen diariamente y por las cuales invierten millones de pesos al año, claro, debemos estar listos para hacer nuestra labor de venta como profesionales, pero tenemos todo para hacerlo y la naturaleza de nuestro trabajo nos lo permite. Muchas otras áreas, por poner algunos ejemplos, un reclutador de personal, un médico, un ingeniero mecánico y muchas más, solo pueden hacer una pequeña parte o tal vez nada de su trabajo desde casa, son profesiones que por lo general tienen un lugar de trabajo, requieren materiales o herramientas más costosas y que no es tan común contratar de manera freelance o externa. Es por esto que mi manera de ver la carrera de diseño cambió por completo y me di cuenta que tenemos una gran ventaja que debemos todos comenzar a aprovechar. 7 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 NETOPLASMA por Alejandro Carlín Te presentamos esta interesante entrevista a Netoplasma, egresado de la Facultad de Artes Visuales, que nos da una perspectiva de su carrera y su desarrollo profesional. ¿Cómo nació tu gusto por el diseño gráfico? Mi gusto por todo lo que hago parte del dibujo, como la mayoría de los niños, me encantaba dibujar y no paré de hacerlo, fui descubriendo otras cosas que me llamaban la atención como el arte, el graffiti, las caricaturas y finalmente cuando me tocó elegir una carrera que estudiar vi el diseño gráfico como lo más cercano a lo que me gustaba por materias como historia del arte, dibujo, teoría del color, etcétera. Estudiando descubrí que, en realidad, diseño era muchas otras cosas además de solo dibujar y me fui enamorando de la carrera y el amplio abanico de oportunidades que ofrecía, una de esas oportunidades era la ilustración, donde pude mezclar mis nuevos conocimientos sobre composición, tipografía, resolución de problemas y programas de diseño con mi gusto por el dibujo y el arte urbano. 8 JUNIO 2020 ¿Cuánto tiempo llevas laborando y cómo fue que llegó esta oferta de trabajo? Llevo poco más de diez años como diseñador, pero siempre he complementado esa labor con la ilustración y el arte urbano. Desde mitad de carrera trabajé como practicante con Paco Reyes que era profesor en FAV, luego estuve en Cadena & Asociados varios años, donde me enamoré del branding, los proyectos holísticos y el trabajo en equipo, para posteriormente experimentar el trabajo de diseñador en el mundo de la publicidad en Menos Uno Cero Uno, ahora Brands & People. En esos trabajos aprendí mucho sobre tipos de proyectos, clientes, cotizar, cómo funcionan las agencias y equipos de trabajo sin dejar de lado mis proyectos personales como Netoplasma, que me han llevado a trabajar con marcas que admiro, dar cursos, exponer, dar conferencias y hasta en algún momento tener una marca de ropa. �Luego creí estar listo para trabajar como Freelance, lo cuál es bastante difícil así que duré solo un año hasta que formé un estudio con un socio que se llamó Hungry, llegando a ser seis personas en el equipo y tres años después decido salir de ese estudio para poder tener el timón a la hora de decidir el método de trabajo, clientes, rumbo del estudio, etc., y finalmente formé junto a mi esposa, que también es diseñadora, mi actual estudio de diseño, ilustración y murales que se llama Huracán Design. ¿Cómo ha sido o cómo ha evolucionado la manera de trabajar desde que empezaste a la actualidad? En cuanto a lo técnico creo que la práctica, el conocimiento de los programas y el uso de shortcuts me han hecho muy rápido a la hora de trabajar, aunque sigo aprendiendo cosas nuevas todo el tiempo y tratando de usar otras herramientas que antes no existían como el iPad. En el proceso creativo, toda la experiencia de trabajar en grandes agencias y marcas con los aciertos y errores que implica, me han hecho más eficaz a la hora de resolver conceptos, bocetos, tener referencias claras y buen ojo, haciendo a veces hasta copy o dirección de arte. Como mencioné anteriormente, siempre hay cosas que aprender, las herramientas digitales, los negocios, los clientes y los procesos pueden cambiar, y es nuestro deber como profesionales estar lo más actualizado posible. En estos tiempos de contingencia, ¿Hubo algún cambio por cuestión del covid-19? Sí, teníamos el estudio en la colonia Roma a una cuadra de Garza Sada, me gustaba mucho ir con mi esposa al trabajo en bici o caminando, pero tuvimos que dejar de rentar ese espacio porque al estar en casa con nuestros hijos no le íbamos a dar uso en muchos meses, además tomamos la difícil decisión de dejar ir a un practicante de la Facultad de Arquitectura que nos apoyaba con contenido de video y fotos para los murales que hacíamos y que por el virus, hemos dejado de hacer. Tenemos solamente un diseñador en el equipo y está trabajando desde casa, con menos horas de trabajo y revisiones diarias por videollamada. Los proyectos de los clientes afortunadamente no se han detenido, creo que lo que hacemos adquiere mucho más valor en estos tiempos porque los presupuestos de marcas se van a lo digital o a tratar de diferenciarse de alguna forma. ¿Crees que habrá algún cambio en el futuro en temas como el home office o en general con el diseño gráfico? Creo que el cambio va a ser en general, las empresas se van a dar cuenta de lo innecesario que es rentar espacios, los empleados verán lo costoso en tiempo y dinero que es transportarse a esos espacios, y lugares como coworks van a tomar mucha fuerza para las pocas actividades presenciales que queden. Empresas como Twitter ya avisaron a sus empleados que pueden trabajar siempre desde casa si lo desean, personas como los nómadas digitales y los freelancers van a crecer mucho y para estudios de diseño como nosotros se abre un abanico nuevo de oportunidades como trabajar a distancia con los mejores diseñadores o ilustradores independientemente de donde vivan, teniendo proyectos de todo tipo sin depender de un falso estatus que dan las oficinas bonitas o la localización de las mismas. ¿Qué tips podrías brindarles a tus colegas que están pasando por esta situación? Usen la tecnología a su favor, aplicaciones como Notion, Asana o Todoist, ayudan muchísimo a planear las actividades, diarias, semanales y mensuales. Que se pongan objetivos y no sean reactivos a lo que vaya surgiendo. Tengan un espacio de su casa destinado solamente a trabajar, esto muchas veces es difícil, pero es clave, no trabajen en el comedor o la cama. Cada espacio debe tener su propósito. Tratemos de ser positivos, encontremos las oportunidades que esconde la crisis, propongan cosas nuevas a sus clientes, ya que para ellos todo esto también es nuevo y muchas veces no tienen idea de cómo resolver o dónde poner sus presupuestos. Por último valoren su tiempo, hagan lo posible por salir de esto más preparados, con mejores hábitos y replanteando lo que es verdaderamente importante para ustedes. 9 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 SOLUCIONES DE DISEÑO EN LA CUARENTENA por Alejandro Carlín Con la llegada del Covid-19 a México, la cuarentena le dio un giro a los proyectos que teníamos, para algunos se tuvieron que cancelar por completo, para otros, solo posponerlos para cuando todo termine. E l pasado 27 de abril de 2020, para conmemorar el día del diseñador, el Festival de Diseño Gráfico DH ofreció conferencias internacionales organizadas por el estudio Tipos Libres en Querétaro, iniciando con una conferencia en la plataforma Zoom, misma que fue transmitida en vivo por Facebook, en la cual nos hablaron sobre diseño, platicaron sus experiencias y nos compartieron las soluciones que surgieron para sus proyectos durante el confinamiento por el Covid-19. La conferencia virtual inició con algunas bromas y risas, saludándose entre ellos como viejos amigos con tiempo de verse, para dar paso a presentarse cada uno contando los estudios/agencias de diseño de las cuales forman parte y complementando con los puestos que han tenido y el tiempo que han estado viviendo de diseño. Después de responder algunas preguntas tales como ¿es mejor estar en una agencia o crear una?, ¿hay machismo dentro del diseño? entre otras llegaron a la pregunta de ¿Qué tanto les ha disminuído el trabajo debido al confinamiento? ¿Qué están haciendo para “sobrevivir” a ello? A lo que Paulo Villagrán nos comparte que al empezar a ver que los proyectos se evaporaban y al acumularse el estrés empezó a hacer ejercicios creativos con los clientes que ya tenía, para proponer talleres en línea, encontrar caminos nuevos y aprender cosas nuevas. Ser freelance y vivir de diseño en la actualidad es algo complicado. Gabriel Meave menciona que es bueno ser todólogo, y en tiempos de crisis es una muy buena opción, el ser ilustrador, hacer identidad, hacer tipografías, tener mayor flexibilidad te hace tener más clientes. El pago de regalías es el mejor ingreso si creas contenido que lo pueda generar a largo plazo. El éxito de un diseñador se basa en el éxito de nuestros clientes, mencionó Meave. 10 JUNIO 2020 �Para ello, Rosemary Martínez, dice que siempre hay que tener una actitud de servicio con los clientes, el saber cómo usar la creatividad para ayudarlos en tiempos así. Como diseñadores tenemos la responsabilidad creativa para elevar la economía. Construir relaciones con los clientes para cuando estemos en la necesidad, ellos respondan con ayuda., comentó Rosemary. Para Roberto Puig, el aprender a hacer relaciones auténticas y duraderas con los clientes es vital para que a largo plazo te “echen la mano” y en momentos de crisis te salven. A Ana Cisneros, después del shock de perder grandes contratos, vino a su mente el conversar con los clientes, y preguntarse ¿qué puedo hacer yo? ¿Qué no se ha hecho? ¿A qué puntos ponerles mayor atención? ¿Dónde tenemos mayor oportunidad de crecimiento? Las empresas se están reinventando, como diseñadores nos toca hacer lo mismo para tener éxito con nuevas perspectivas a nuestros proyectos, asegura Cisneros. Juan Carlos Fernández opinó sobre la crisis y cómo la producción de muchas empresas disminuyó, por lo tanto, el dinero también. Agregó que nosotros como diseñadores tenemos que saber cómo ofrecerle un valor a nuestro trabajo sin perder la confianza con los clientes. Para cerrar el tema Eduardo Espinoza nos menciona que debemos aprender a afrontar situaciones complejas, para encontrar la manera de hacer proyectos, lo más valioso no es el diseño, sino la relación que haces con el cliente. “ LAS EMPRESAS SE ESTÁN REINVENTANDO, COMO DISEÑADORES NOS TOCA HACER LO MISMO PARA TENER ÉXITO CON NUEVAS PERSPECTIVAS A NUESTROS PROYECTOS ” 11 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 ÁNGEL RINCÓN por Alejandro Carlín Un productor audiovisual que tiene como pasión la fotografia, Ángel nos platicó cómo inició su interés por la fotografía: “Desde que tengo memoria siempre me ha gustado ver fotografías antiguas, me impresiona mucho saber que una persona guardó un instante de su visión para la eternidad, me inquieta mucho saber por qué el fotógrafo decidió mostrarnos ese momento, ese ángulo, ese lugar o esas personas. Para mí la fotografía es mágica porque a través de ella puedes contar la realidad de lo que vives o si lo prefieres puedes inventar y mostrar mundos paralelos de tu visión, todo depende de lo que quieres contar.” A dentrándonos más en la plática queríamos saber específicamente en qué se centraba su trabajo, esto fue lo que nos respondió: Actualmente tengo mi propia marca que se llama “Pajarito Pajarito”, dedicada específicamente al ramo social, mi labor principal en Pajarito es la fotografía, también hago un poco de marketing y edición de video. Ya estando ahí nos dio curiosidad en qué fue lo que lo llevó a querer enfocarse a eso especificamente, a lo que nos contó: “Caí en el ámbito social de rebote, al egresar de la Facultad, una muy buena amiga me invitó a trabajar como editor de video de bodas en una marca que para ese entonces fue de los primeros en innovar en el ámbito social, y fue ahí dónde me enamoré del género. Trabajé varios años como productor y post-productor de video en “Reelove” y pasado el tiempo, para distraerme un poco del video, empecé a hacer sesiones fotográficas de parejas para mis amigos y uno que otro conocido, casi sin darme cuenta así fue como inicié mi propia marca “Pajarito Pajarito”. Quisimos saber también que es lo que le gustaría transmitir con su trabajo y lo que nos dijo fue que siempre está tratando de potenciar los sentimientos de los clientes, aunque parezca que la fotografia social es fácil, él nos dice 12 JUNIO 2020 que tienes que acoplarte al sentir de los distintos clientes y siempre proyectar a tu manera lo mejor de su mundo. Realizó sus estudios profesionales en la Facultad de Artes Visuales en la generacion 2004-2008. Ha tomado varios cursos, entre los cuales destacan un curso de especialización en fotografía de boda en Tijuana con Kary y Tae de “Be Here”, un taller de fotografía documental y social en la UNAM con el fotógrafo español Fran Russo y actualmente mediante la vía digital está tomando varios cursos de fotografía de retrato, producto y marketing digital para redes sociales, y como ponente ha tenido la oportunidad de ofrecer varios talleres de producción de video social a lo largo de la República Mexicana. Algo que queríamos saber es ¿en qué se basa al momento de realizar una sesión? A lo que nos respondió: “cada sesión es un reto para mí, me pone muy nervioso cumplir las expectativas de mis clientes, trato de ser consciente de que estoy retratando gente que lo único que quiere es preservar ese instante para siempre, y justo esa es mi tarea. Siempre trato de conocer a mi cliente al punto de hacer amigos, las mejores sesiones que he tenido son con clientes con los que sigo mensajeando después de haber entregado el trabajo.” No todo es color de rosa cuando eres tu propio jefe, hay �que trabajar el triple para conseguir lo que quieres. Como inspiración y como modelo a seguir en la fotografía, en la actualidad hay muchos referentes en lo social, algunos de sus preferidos son Fer Juaristi, Daniel Aguilar, Citlali Rico y Edu López; en el área de video están Reelove, Fran Montoro y entre sus fotógrafos retratistas favoritos están Annie Lebovitz y Richard Avedon. “El mejor ejercicio para vencer la pena es forzarte a utilizar lentes fijos con una longitud focal corta, 28mm, 35mm, 50mm y olvidarte de los teleobjetivos y de los zoom, esto hará que te muevas para hacer los planos que quieres hacer y poco a poco ir perdiendo el miedo a la gente”. Él se ha atrevido a experimentar en la fotografía aplicando técnicas fuera de lo común, “esto es una de las bondades de la fotografía social, de vez en cuando llegarán a ti clientes que te permiten proponer cosas fuera de lo común”. Es ahí donde puedes echar a volar tu imaginación y utilizar recursos y técnicas que no utilizas habitualmente”. Él cree que el reto principal del fotógrafo es desmitificar la fotografía social. Todos y se incluyó, han pensado que la fotografía social es la menos “valiosa” o “interesante” de todas. Tiene en mente nuevos proyectos, nos dice que es muy sano hacer cosas distintas a tu trabajo, de la mano a Pajarito Pajarito también ha realizado producciones para empresas, escuelas y proyectos personales, hace fotografía y video para salirse de lo que hace siempre. “Tienes que creer en ti, creer en lo que tus maestros te han enseñado y sobre todo en lo que has aprendido de la vida. Mantente atento a las oportunidades que el destino te pone enfrente y sobre todo, procura estar dispuesto a experimentar y vivir cosas nuevas.” El trabajo más importante que ha realizado para él son todos, “siempre hay que trabajar pensando que no hay proyecto chico, hay que aplicar en cada foto todo nuestro conocimiento y nuestras vivencias para que el cliente quede lo más satisfecho posible”, concluyó Rincón. “ ...LAS MEJORES SESIONES QUE HE TENIDO SON CON CLIENTES CON LOS QUE SIGO MENSAJEANDO DESPUÉS DE HABER ENTREGADO EL TRABAJO. ” 13 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 EL MURALISMO DE CHANATE “El diseño me dio las herramientas, posteriormente yo busqué mi lenguaje” por Carlos Rodríguez A lejandro Guerrero Arriaga, mejor conocido como “Chanate”, egresado de la Facultad de Artes Visuales de la Licenciatura en Diseño Gráfico, nos muestra un poco de su evolución en su camino como diseñador y cómo ha pasado estos días por la cuarentena. “Originalmente, como muchos estudiantes de corta edad, no estaba seguro de lo que quería hacer con mi vida, es normal sentir dudas y miedos, pero estaba seguro de que el camino podría encontrarlo en la Facultad de Artes. Fue poco después de avanzado el año de estudiar diseño cuando comprendí que había hecho la elección correcta pues, aunque yo buscaba dedicar mi vida a la producción artística, entendí que aprender a comunicar visualmente un mensaje, sería mi principal arma en el medio.” ¿Con quién has colaborado y cuánto tiempo llevas en este ambiente? Actualmente colaboro con diferentes organizaciones sociales a nivel nacional y mundial entre las cuales se encuentran la ONU, el Colectivo Tomate y World Art Destinations. A lo largo de más de 4 años he trabajado de forma independiente promocionando constantemente mi obra, esto me llevó poco a poco a generar estas vinculaciones cada vez más formales y constantes. Así como todo artista, el camino se genera cuando produces de forma ininterrumpida y buscando cada vez más profesionalizar tu obra. ¿Cómo ha evolucionado tu manera de trabajar desde que empezaste hasta la actualidad? Creo firmemente que el artista debe aprender a ser profesional, y este profesionalismo debe buscarse constantemente, pues las oportunidades laborales, cuando te dedicas al arte, pocas veces llegan por sí solas y muchas veces debemos aprender a generarlas. He vivido de cerca la evolución del arte urbano en los últimos años, afortunadamente y gracias a que más profesionales se han decidido dedicar a la gestión del arte, existen muchas más ofertas laborales que hace 4 o 5 años. ¿Has trabajado desde Home Office?, cuéntanos un poco de tu experiencia. Es importante fundamentar el trabajo artístico, la investigación, la redacción y la promoción, son procesos que se llevan a cabo mejor a través del home office, y son procesos sumamente importantes para darle credibilidad y valor a la obra de todo artista. Por eso mismo es importante que todo profesional del arte busque balancear su tiempo entre producción y home office. 14 JUNIO 2020 �“ ESTA SITUACIÓN HA PUESTO EN EVIDENCIA QUE EL ARTISTA URBANO O EL DISEÑADOR DEBE SER CAPAZ DE MUCHAS OTRAS HABILIDADES MUY DISTANCIADAS A SOLO PINTAR O DISEÑAR ” ¿Crees que vaya a haber un cambio en el futuro con el home office en tu trabajo o en todo el entorno del diseño gráfico? Definitivamente, creo que se ha abierto aún más el diálogo sobre si es realmente necesario ir a un espacio de trabajo asignado para desempeñar tus labores. Es cierto que muchas etapas de un proyecto deben realizarse a través de acciones en el espacio público pero muchas etapas también pueden realizarse dentro de nuestros talleres u hogares, cosa que no se había planteado al nivel que ahora está siendo considerado. ¿Cuál es la metodología que tienes como Home Office? Busco mantener una rutina sana, siempre he creído que lo que consumimos repercute directamente en lo que producimos. Mi metodología se basa principalmente en dejar fluir las ideas, no creo mucho en los procesos estandarizados, también fijo horas de trabajo y dejo tiempo para seguir alimentando el proceso creativo. Y bien, nunca trabajo más de lo que mi cuerpo resiste, normalmente cuando pinto, tolero jornadas de 10 o 12 horas, pero porque es estar de pie y activo, con espacios de descanso. Y cuando hacemos home office perdemos la noción del tiempo muchas veces, y no es sano pasar tantas horas sentado. ¿Qué tips podrías brindarles a tus colegas que están pasando por esta situación? Esta situación ha puesto en evidencia que el artista urbano o el diseñador debe ser capaz de muchas otras habilidades muy distanciadas a solo pintar o diseñar. Si bien recuerdo haberlo escuchado durante la carrera, ahora lo comprendo con más claridad, el producto visual debe saber ser responsable antes que cualquier otra cosa. Conforme a tu ambiente laboral, ¿Hubo algún problema u osbtáculos por el Covid-19? El problema me agarró en otro país. Yo estaba viajando a Sao Paulo, Brasil cuando me llegó un mail notificándome que uno de los festivales de los que había recibido una invitación, serían cancelados por tema del Covid-19. Originalmente iría a Brasil a realizar 3 proyectos, afortunadamente pude realizar uno de ellos, el más importante. Desde entonces todos los festivales y proyectos han sido cancelados o pospuestos de forma indefinida. 15 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 HOME OFFICE Las diferentes generaciones de Diseñadores de nuestra Facultad nos han sorprendido con muchos alumnos talentosos, en esta ocasión hemos entrevistado a tres de ellos, Roberto Ipiña, Fernanda Salgado y Rebeca Lizárraga, que nos cuentan sus experiencias en la modalidad del Home Office. por Marlene Guajardo ROBERTO IPIÑA R oberto Ipiña es Diseñador Gráfico e Ilustrador, apasionado y con mucha experiencia en Branding y Motion Graphics, en esta pequeña entrevista que le realizamos nos comparte un poco de su desarrollo laboral y cuál es su clave para ser un diseñador tan exitoso a tan corta edad. Cuéntanos, Roberto, ¿Cuál ha sido el proyecto que más te enorgullece? A finales del año pasado en el estudio donde trabajo me encargué, junto con mi directora creativa, de realizar diseños de señalética, banners y publicidad para Metalsa, un proyecto del que me enorgullezco porque estos diseños fueron llevados hasta Japón, lo cual hizo el proceso de diseño más complejo porque todos los detalles a la hora de transcribir textos tenían que estar muy bien cuidados ya que podía perderse el mensaje que se pretendía transmitir. Y al final, cuando nos compartieron imágenes de todo montado en el evento, me sentí muy bien, ya que ver mi trabajo llegando hasta el otro lado del mundo me hizo darme cuenta de que todo había valido la pena. ¿Tienes algún ídolo del diseño?¿Qué te inspira? Sí, Jorge Alderete y Paula Scher, los considero dos de mis grandes ídolos porque han destacado mucho en su trabajo, cada uno con su estilo diferente, me han inspirado a seguir sus pasos y fueron parte del motivo de elegir la carrera de Diseño Gráfico. Trato de buscar la inspiración en el día a día, no perderle detalle a lo que pasa a mi alrededor y estar al tanto de lo que hacen otros diseñadores, me sirve mucho de inspiración ver proyectos terminados y el cómo llegaron a la solución final. ¿Qué te motiva a seguir creando? Que me falta mucho camino por recorrer, que cada proyecto/ diseño nuevo, siempre es un aprendizaje, también el hecho de ver proyectos de otros diseñadores y que gracias a ello cada vez intento hacerlo mejor y sobre todo el hambre que tengo por lograr mis propósitos. 16 JUNIO 2020 Con tanta experiencia que tienes, ¿Qué consejos les darías tú a las generaciones futuras sobre el campo laboral del diseño gráfico? Que no tengan miedo, el camino al principio es difícil, pero una vez dentro, vale totalmente la pena todo el esfuerzo y corazón que le pones, que se equivocarán, sí, pero se debe aprender de los errores para no volverlos a cometer, porque una parte importante del aprendizaje es equivocarse. Y por último, que aprovechen las oportunidades que se les presenten porque la experiencia es muy importante y si se puede ir sumando cuanto antes mejor. �FERNANDA SALGADO Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico, ingresó a la Facultad de Artes Visuales en el 2014. Actualmente trabaja en Grupo Imasu, en las marcas Mia Paluzzi (tienda de ropa) y Misanta (calzado), en ambas hace un poco de todo, desde la parte gráfica, el contenido para las redes sociales, la página web, hasta la fotografía, lookbooks, atención a clientes por las redes, y seguimiento de las órdenes de los mismos por la tienda en línea, Salgado menciona entre risas que “es algo así como casi todos los departamentos juntos de la película Pasante de moda”. Tiene aproximadamente cinco años y medio, empezó a trabajar a mitad de la carrera con un grupo de consultores e-learning. Reto con la contingencia Comenta que como la marca de ropa principalmente se vende al 90% en tiendas físicas, tenían muy obsoleta la página web, al cerrar las tiendas se invirtió totalmente el modo de venta, por lo que “en menos de una semana tuve que rehacer la página totalmente de cero, fue muy caótico pero el resultado de la nueva página me gusto mucho”, menciona Fernanda. Tips para las generaciones Primero “buscar ver esta situación con otro enfoque, darle más valor a lo que antes se podía tomar como un hecho, desde la cercanía física con los seres queridos, hasta las actividades exteriores que hacíamos habitualmente, además de que personalmente creo que la Tierra ya necesitaba un respiro de nosotros. En cuanto a recomendación para la situación creo que cada quien siente que es lo mejor por hacer como hobby para su tranquilidad emocional”, concluye Salgado. REBECA LIZÁRRAGA Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico, actualmente se encuentra en el Departamento de Diseño y Comunicación de la empresa donde labora desde hace 3 años y medio. Uno de sus mayores desafíos fue comunicar conceptos tecnológicos y abstractos por medio de story telling y motion graphics. El adaptar el reporte anual convencional a una plataforma interactiva incorporando UX/UI, ha sido uno de sus trabajos más destacados. Reto con la contingencia Con la contingencia Lizárraga menciona “al principio no tenía mi segundo monitor y se me dificultaba mucho trabajar, también mi disco duro se me había quedado en la oficina, después todo eso fue resuelto, pero ahora los horarios varían muchísimo, he llegado a trabajar por las noches y el fin de semana, mientras que entre semana no hay mucho qué hacer”, son los cambios que destaca Rebeca con respecto al home office. Tips para las generaciones “El siempre estar creando y aprendiendo, ayuda muchísimo; crear algo, planear cosas artísticas y aprender cosas nuevas. Siempre uso mi planner en el que distribuyo tareas. Esta práctica ha continuado conmigo durante la cuarentena, permitiendo mayor visibilidad en el avance de pendientes y de tareas personales. Hacer más ejercicio de lo habitual para compensar el sedentarismo y calmar la ansiedad, me gustaría mantener mi vida fit en el futuro”, concluye Lizárraga. 17 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 PRÁCTICAS PROFESIONALES Ante la contingencia generada por la pandemia de Covid-19, la vida nos cambió, y esto no fue la excepción para nuestros compañeros que se encontraban haciendo sus prácticas profesionales, por lo que te presentamos estas entrevistas en las que podrás conocer sus experiencias frente a esta situación. por Christian Eugenio Guerra FERNANDA ÁLVAREZ EL NORTE ¿Dónde realizaste tus prácticas profesionales? En Lince Media para el periódico El Norte ¿Por qué te decidiste en ese lugar? Porque un amigo me metió presión para buscar una plaza ahí, yo ya tenía planes de hacer estancias, pero al final sí me dieron la plaza y pues aquí ando ¿Cuánto tiempo realizaste tus prácticas? Aproximadamente 3 meses ¿Qué ocurrió con tu plaza cuando empezó la pandemia? Todo era muy incierto. El día que empezó la cuarentena mi jefe me dijo que no volveríamos hasta nuevo aviso y que si había algún cambio él nos avisaba. En la página de Facebook del periódico ya no publicaron el noticiero que yo editaba todas las semanas entonces mi plaza quedó detenida. ¿Qué seguimiento te ofreció la Facultad? La neta sí ha estado bien complejo. El departamento de RH y el de PP de la FAV han estado coordinándose para ver qué opciones tenemos. Hasta ahorita nos han dado oportunidad de seguir en Lince o cambiarnos de programa. Ha sido todo muy lento porque ya casi acaba el semestre y pues los procesos de la UANL también están cambiando. ¿Cuáles son tus planes laborales en estos tiempos de contingencia? Pues una vez acabado el semestre mi plan es buscar un trabajo un poco más formal, ahorita no he estado activamente buscando. 18 JUNIO 2020 ¿Qué recomendaciones les darías a futuras generaciones si se llegaran a encontrar en una situación similar a la tuya? Pues creo que algo importante que hay que entender es que hay cosas que simplemente no están en nuestro control. Al inicio me preocupaba que mi jefe pensara que no me importaba mi puesto, pero eventualmente me dijo que no pasaba nada, que ni siquiera ellos estaban preparados para saber qué hacer, así que mi consejo sería mantenerse en contacto con los jefes de departamento, para cualquier actualización de la situación. �LEONARDO ROJAS “CZERWONSKI” EL HORIZONTE por Christian Eugenio Guerra Me llamo Leonardo, tengo 21 años y mi seudónimo como diseñador y profesionista es Czerwonski, en referencia a mi apellido. Actualmente estudio diseño gráfico y estoy cursando sexto semestre. Entre mis áreas de expertise están el diseño editorial, la fotografía análoga, la edición de vídeo y el diseño relacionado al social media. ¿Qué propones para estar preparados como sociedad y como profesionales para este tipo de situaciones en el futuro? Nunca se sabe que es lo que deparará el futuro, por lo que diseñar esquemas que permitan la subsistencia de diversas industrias durante una crisis, es y será clave para el nuevo estilo de vida de un mundo globalizado post-cuarentena. ¿Qué procesos de trabajo y herramientas para laborar utilizas regularmente? Para los procesos digitales, suelo usar la suite de Adobe y diversos servicios de almacenamiento en línea. En el caso de la fotografía, uso una Minolta Maxxum 7000i, junto con un lente 50mm. Para mi proceso de trabajo, el lado creativo es extremadamente importante, parte de un trabajo completo es obtener referencias de diferentes medios. Debido a la situación de salud actual y la cuarentena, ¿Qué soluciones estás empleando para poder laborar en estos días de cuarentena? Utilizar un espacio de tiempo en el día para realizar trabajos, acomodándolo acorde a mis necesidades. De la misma manera que había un horario establecido para cada actividad en tiempos de actividades presenciales, he preferido conservar dicho horario para basarme en mi día a día. En la empresa donde realizas tus prácticas, ¿qué tanto te han apoyado en lo personal y en lo laboral en esta crisis de salud? Durante mi estancia en El Horizonte, fui parte del equipo de social media, encargándome de la realización de contenidos digitales, entre los que destacaban adaptación de reportajes a los formatos de las diferentes plataformas y el aspecto visual de ciertas secciones. ¿Consideras que en el ámbito educacional y laboral estamos preparados para situaciones de este tipo? A pesar de que el daño a las industrias pertenecientes a la economía naranja y al mercado de los campos creativos no es tan notorio como el que se ha gestado en áreas relacionadas a diversas otras actividades, la verdad es que gran parte de las instituciones de educación pública en México no están totalmente preparadas para este tipo de situaciones, en especial por períodos amplios. 19 JUNIO 2020 �A L U M N O S INTERCAMBIO por Marlene Guajardo E l intercambio académico es algo con lo que muchos soñamos y se requiere esfuerzo y disciplina, actualmente en nuestra Universidad se ha visto más activo este proceso y nuestra Facultad no se queda atrás, chicos de otros estados y países se han preparado durante semestres para ser aceptados en nuestra Facultad. En esta ocasión, contactamos a las alumnas que este semestre hicieron su proceso y nos cuentan un poco de cómo ha sido su experiencia. ¿Cuál carrera estudias? Paola: Diseño Gráfico Jailene Montalvo: Lenguaje y Producción Audiovisual ¿Universidad de origen? Paola: Universidad de Guadalajara en el Centro Universitario de la Costa, P.V. Jailene Montalvo: Universidad Veracruzana, y en ella estudia Ciencias de la Comunicación. ¿Cuál es el semestre que estás cursando actualmente? Paola: Sexto semestre Jailene Montalvo: Octavo semestre ¿Has vivido alguna experiencia laboral? Paola: Como freelance pero me encantaría trabajar en agencia Jailene Montalvo:Hasta el momento no, solo he participado en proyectos con amigos y personales, en cuestiones de fotografía, video y periodismo. ¿Consideras haber expandido tu aprendizaje con el intercambio? Paola: ¡MUCHO! amplió demasiado mis conocimientos sobre el diseño en un panorama diferente. Jailene Montalvo: Sí, demasiado, en muchos factores, por ejemplo, el ambiente, es totalmente diferente, llevan un ritmo de vida muy acelerado, muy dinámico, eso me llevó a adaptarme y seguir ese estilo de vida. En la FAV, tienen un sistema educativo totalmente diferente al mío, y quedé encantada con él, en el tiempo que estuve, los medios o recursos que nos ofrecían para poder llevar a cabo nuestras actividades me ayudaron muchísimo. ¿De qué forma dirías que fue el proceso de intercambio? Paola: Tedioso, pero 100% vale la pena Jailene Montalvo: Algo estresante, mucho papeleo y tiempo. Se debe trabajar en esto desde que inicias en tu carrera, ya que debes ser una persona constante y perseverante, responsable y aplicada, ya que el mudarte a otra ciudad te exige que seas una persona de compromiso al cien, el tiempo de espera es frustrante, pero al final satisfactorio. 20 JUNIO 2020 ¿Cómo calificas a la Facultad de Artes Visuales? Paola: 10/10 desde que llegué fueron muy amables y el campus es muy bonito. Jailene Montalvo: En cuanto al ambiente que me rodeó durante mi estancia, puedo decir que fue muy bueno, a pesar de que no conviví mucho con mis compañeros, aquellos que se acercaron fueron muy amables, me asignaron maestros excelentes, en cuanto a las instalaciones, equipo, etc., se encuentran bien equipados, ya que como mencioné antes, todos los recursos que solicité me ayudaron mucho. ¿Cómo fue tu experiencia en FAV, personalmente? Paola: Gratificante, intensa y divertida. Jailene Montalvo: Muy satisfactoria, el tiempo que estuve asistiendo a clases me fue muy grato, mis maestros siempre fueron muy atentos y considerados, el lugar, la vista me gustó muchísimo. Crecí mucho en cuanto a mi persona, poder estar en un entorno totalmente distinto hace cambiar mucho tu perspectiva. ��A R T E S EL ARTE DEL PERFORMANCE por Daniel Canizales Entrevistamos a la Maestra Celeste Flores, y nos contó algunas cosas interesantes sobre los performance en general, su experiencia en ello; así también nos dio consejos para quienes quieran realizar arte con su cuerpo. Además nos cuenta sobre un proyecto de videollamadas para realizar performance a causa del Covid-19. H ablamos sobre que es un performance y en qué consiste, y nos platicó que es una técnica artística como la pintura, el grabado, la fotografía, etc., pero se utiliza el cuerpo como herramienta para decir algo, además es efímero, o sea que dura poco tiempo porque es único e irrepetible, solo sucede una vez; se puede realizar con audiencia o en solitario, hasta en registro fotográfico o de video que marca tiempo, espacio y movimiento. Platicamos de donde surgió la idea de los performance y nos dijo que este arte está siempre acompañado de los movimientos disruptivos de la historia, es una de las pocas vanguardias que se generalizó en todas partes del mundo, al mismo tiempo, se habla que en los años 50 y 60 se empezó a ver un movimiento de performance y esta réplica se dio desde antes del movimiento estridentista en México y empezó con los movimientos disruptivos, estos son; la anti institución, lo anti académico, el anti museo, el anti gobierno, etc. Lo podemos ver hoy en día, con el performance de “Y LA CULPA NO ERA MIA, NI DONDE ESTABA, NI COMO VESTÍA” porque este performance está acompañado de una fuerte carga política disruptiva y generalmente este tipo de arte va dirigido a una etapa de la vida social, y como vemos, éste ha trascendido en todo el mundo y está acompañado de un baile que da a entender de una forma pacífica sobre cómo las mujeres se sienten inconformes con los acontecimientos no solo del país sino del mundo entero. 22 JUNIO 2020 �Nos dio curiosidad de cómo inició en este arte y le preguntamos cuál fue el primer performance que vivió y nos contó que cuando estaba en la secundaria iba caminando por el centro y que a lado de ella se paró un hombre que le pareció enorme, que vestía short de mezclilla muy corto, unas botas industriales amarillas muy altas, una playera de tirantes muy pequeña, totalmente rapado y llevaba como mochila una muñeca con tela en la panza, y los brazos, piernas y cabeza eran de látex. El siguió caminando y al hacerlo empezó a arrojar una serie de cosas por la calle, esto, nos dice Celeste Flores, que le dio mucho miedo. Años después cuando entró a la Facultad y estando ya por 3er semestre se dio cuenta que aquel hombre al que vio cuando era niña era Juan José González, que para ella fue uno de los primeros performancistas que existieron en la Facultad y que realizó muchos movimientos disruptivos. Preguntamos si existen variedad de performance, a lo que ella nos respondió que al igual que la fotografía y la pintura, este tipo de arte también tiene su técnica de realizarse como: el performance documentado, el performance que tiene que ver con la trasgresión, entre otros. VIDEOPERFORMANCE EN LÍNEA PARA VER DURANTE LA CUARENTENA La organización mexicana de perfoREDmx, conformada por los artistas Pancho López y Celeste Flores, con el apoyo de Isis Pérez, Lucy Magaña y Laura Lubozac, crearon una campaña con el fin de que en este confinamiento causado por el Covid-19, se puedan brindar al público propuestas interesantes qué ver. El programa del ciclo de videoperformance está compuesto por 40 artistas que fueron invitados a realizar frente a las cámaras desde su casa un video de entre 1 y 5 minutos, donde expresan su trabajo en estos tiempos de cuarentena, reflexionando sobre todo el tiempo, el espacio, las distancias y las distintas formas que conlleva producir un performance en casa. Y una vez concluida la cuarentena, perfoREDmx presentará en foros la recopilación de los trabajos. 23 JUNIO 2020 �C O V I D - 1 9 ¿Como ilustrador-colorista, cuáles son tus procesos creativos para llegar a las soluciones finales? Soy muy básico. Veo cuál es la escena, qué “feeling” o “mood” tiene, qué personajes y qué colores traen, qué permite el dibujante, y con base en eso aplico teoría del color, composición y algunos elementos de diseño extras. ¿Se requiere de un equipo especial para el trabajo que realizas? ¿Software, Hardware? Sí, ocupas una buena computadora, una tableta digitalizadora, no sé si el Ipad Pro sirva bien para colorear, sé que sirve para ilustrar y dibujar. El software que utilizo yo es Photoshop. por Christian Eugenio Guerra COLORISTA EN MARVEL COMICS Entrevistamos a Jesús Aburto, alias ABURTOV, él es ilustrador, diseñador gráfico y actualmente se desempeña como colorista exclusivo de Marvel Comics, aquí nos cuenta más acerca de su experiencia en esta área. por Daniel Canizales ¿Cuál fue la carrera que estudiaste y como nació tu gusto de querer estudiar eso? Estudié Diseño Gráfico después de haber desertado de Medicina, a la cual entré porque no estaba seguro de poder tener trabajo formal dibujando, y porque me gustaba química, biología y física en la prepa, aunque siempre me la pasaba dibujando. Cuando me salí, entré a diseño gráfico porque era lo más cercano a lo que ya estaba convencido que quería hacer: dibujar. ¿Cuánto tiempo llevas laborando y cómo fue que llegó esa oferta de trabajo? Llevo desde el 2006 trabajando con Marvel Comics, un poco más de una manera indirecta. Después de salir de Medicina, empecé a conocer más gente que también le gustaba lo mismo que yo. Entre esas personas había algunos que ya habían encontrado la oportunidad de trabajar en los cómics extranjeros, incluyendo Marvel, empecé a ayudarles hasta que me incorporé a ellos totalmente. ¿Cuál es tu experiencia al trabajar para Marvel? Pues es algo que nunca me imaginé. Ni siquiera existía la labor de colorista como hoy en día, era una cuestión mas técnica. Es algo que disfruto mucho porque aparte de meter mano en las historias de personajes que marcaron mi juventud, también he tenido la fortuna de trabajar con artistas que admiraba, tales como Rob Liefield, Jim Lee y Todd McFarlane. 24 MARZO2020 2020 JUNIO ¿Cómo ha sido o cómo ha evolucionado la manera de trabajar desde que empezaste hasta la actualidad? Por un lado está la evolución de las cuestiones tecnológicas - desde hardware, software y capacidades de las redes-. Yo empecé a hacer mis trabajos con una 486, antes de que aparecieran los procesadores “Pentium”, el internet era telefónico y lo usaba solo en las noches para enviar los archivos, claro, era lentísimo. Alcancé a entregar trabajos en ZIP drives. Empecé también con el Photoshop 4, alguna vez entré a una agencia de diseño en donde manejaban el Photoshop 3, era horrible, y con mouse, cuando en mi casa yo tenía ya una Wacom ArtZ2, tenía pocos niveles de presión, pero era en ese momento lo máximo. Ahora estoy desde mi casa trabajando, en una laptop “gamer” con una Cintiq conectada. Ésta me permite hacer mi trabajo directamente sobre la pantalla. Las capacidades del internet son ya bien conocidas. En la casa pueden estar viendo Netflix en 2 TV distintas, alguien más puede estar con Spotify en el celular, y yo trabajando viendo tutoriales de Youtube o haciendo stream en mi página de Youtube mientras trabajo. En cuestiones académicas y técnicas, también he evolucionado, al estar buscando galerías de artistas, más cursos y tutoriales para mejorar de manera integral, no nada más mi trabajo. Debido a la situación de salud actual y la cuarentena, ¿qué tanto te ha afectado en tu trabajo? y ¿cómo ha cambiado tu forma de laborar? No mucho. Lo único diferente y algo estresante son las actividades y tareas que les piden a mis hijos por la situación de las clases online. Aparte, sí hubo un distanciamiento entre las fechas de entrega de mis proyectos. ¿Qué soluciones estás empleando para poder laborar en estos días de cuarentena? Ver las cosas por el lado bueno. Reducir gastos. Al tener un poco de tiempo libre, empecé a clavarme en como usar mejor las redes sociales, atender algunos proyectos personales, como mi comic “La Letra M” que es un super héroe mexicano, en donde aplico mucho de lo que le he aprendido a Marvel. ¿Como profesional, qué experiencias te está dejando esta situación de salud actual? Hubo un buen amigo que falleció en CDMX, Juan Vlasco. También artista de Marvel. Aunque siempre he sido muy fijado en el tema de aprovechamiento del tiempo. Su deceso hizo que se me acentuara más, y retomara algunos objetivos que tenía algo laxos. �¿Crees que vaya a generarse un cambio en el futuro con el home office en tu trabajo o en el entorno del diseño gráfico? Consideras que en el ámbito educacional y laboral estamos preparados para situaciones de este tipo? ¿Qué propones para estar preparados como sociedad y como profesionales para este tipo de situaciones en el futuro? Tengo años haciendo home office, así que no me afecta a mí tanto el cambio, pero sí veo que muchas empresas que podían funcionar así y no tomaban la decisión por tradicionalismo o falta de iniciativa, lo hicieron y les está dando resultado. Espero que muchas empresas sigan con ese modelo de home office y así muchos problemas de tráfico y generación de contaminación puedan bajar. La sociedad está lista para un cambio drástico en el cual se aproveche la tecnología , pero por mentalidades conservadoras no se dan. En cuanto a lo académico, en la vida tal cual, no hay escuelas institucionalizadas. El único ser vivo sobre la Tierra con “escuelas” es el humano. Está bien, pero creo que ya pasó su “boom”, o evolucionan de alguna forma, o desaparecerán porque ahora todo está lleno de información. Lo único que detiene al individuo de llegar a aprender algo, es su propia voluntad y falta de enfoque a sus metas. Una vez que termine la contingencia, ¿Crees que el Home Office permanecerá o todo seguirá igual que antes? Espero que muchos permanezcan en home office. Pero algunos regresarán queriendo forzar a que sea igual que antes, yo creo que ya no lo será. Con experiencia como la que tú tienes, ¿Qué tips podrías brindarles a tus colegas que están pasando por esta situación? Los artistas que conozco, que son muy buenos, siguen teniendo trabajo. La única salvación es ser muy bueno en lo que haces. Siempre habrá alguien ocupando el servicio o producto que puedes dar, y por lo general, buscará la mejor opción. Ya de ahí verá el precio. Ese el el tip 1… el tip 2 es, ya que eres bueno, no te malbarates. Te haces daño tú y a los demás, por eso este país no avanza, porque entre los mismos del gremio se sabotean depreciando sus labores. A eso súmale la corrupción, y te da una esferita del infierno. Algún consejo que puedas darle a los estudiantes que les gustaría desempeñarse profesionalmente en el área que tú te desarrollas. Enfocarse a desarrollarse en lo que les gusta. Mostrar sus avances por medio de las redes. Aprender inglés y tener buena ortografía. Tener ambición, pero no ser impertinente. Pasando la cuarentena, ¿Qué es lo primero que harás o qué extrañas más hacer? (Por ejemplo: Ir al cine, visitar familiares, etc.) Ir a la playa. ¿Dónde podemos ver tu trabajo? Estoy en varias partes: facebook.com/J.Aburtov instagram.com/aburtov youtube.com/aburtov Twitch.com/aburtov Y mi comic de La Letra M! Pueden leer gratis las historias en facebook.com/LaLetraM ¡Gracias! 25 MARZO JUNIO2020 2020 �E N F O Q U E EFECTOS ESPECIALES por Daniel Canizales Entrevistamos a dos de los grandes Licenciados en Animación y Arte Digital, provenientes de aquí mismo, de Monterrey, que han tenido una trayectoria muy buena, trabajando en proyectos de animación y efectos especiales, como lo fueron las películas de Jumanji y Justice League. F ueron una serie de preguntas en donde nos transmitieron su conocimiento y sus experiencias al trabajar en el mundo de los efectos especiales, donde todo realmente fue muy interesante. ¿Qué carrera fue la que estudiaron? Ambos estudiamos Licenciatura en Animación y Arte Digital, en el Tec de Monterrey. ¿Qué los llevó a trabajar en VFX? Andrés - Quise trabajar en VFX desde que tenía 11 años y veía los “detrás de camaras” de ‘El señor de los anillos’ y ‘Harry Potter’. ¿Cómo y por qué entraron al mundo de los efectos especiales? Andrés - Después de graduarme, trabajé como freelance y en cortometrajes sin paga. Intentando por 4 años, más o menos, hasta que me ofrecieron un contrato de 2 meses en Irlanda. Gracias a esa experiencia, me ofrecieron trabajo en MPC Montreal después. Ilse - Después de trabajar por 4 años en Producción de Videojuegos en México, nos mudamos a Montreal, y MPC me dio la oportunidad de brincar al área de VFX. ILSE MARTÍNEZ 26 JUNIO 2020 ¿Antes de trabajar en grandes compañías, cómo iniciaron y consiguieron experiencia? Ilse - Inicié mi experiencia como administradora de proyectos ayudando en cuantos proyectos pudiera en mi carrera, siempre ofreciendo mi capacidad de organización y planeación a equipos de trabajo que su enfoque era más creativo y necesitaban apoyo para llevar sus proyectos a cabo. �¿Cómo fue para ambos trabajar en el equipo de producción para efectos especiales en Jumanji: Welcome to the Jungle y Justice League? Andrés - Jumanji fue un gran proyecto, el VFX supervisor es uno de los mejores con los que he trabajado. Siempre pedía la opinión de los artistas y comprendía las dificultades de todas las tareas. Justice League fue un reto. Nos llamaron para terminar el tercer acto de la película y tuvimos alrededor de 8 semanas para hacerlo. No hubo tiempo para planear y todos fuimos de 0 a 100. Ilse - Jumanji es uno de los proyectos que más he disfrutado, el equipo de dirección, producción y supervisión eran muy talentosos. Justice League fue un proyecto muy difícil, muchos cambios creativos cuando ya estábamos en las últimas del proyecto (creo que todos saben sobre el retiro del bigote de Henry Cavill). En mi posición como Administradora de Proyectos lo importante siempre es llegar a la meta. ¿Qué tan tardado es trabajar en una película de tales magnitudes? Andrés - Normalmente se trabaja por secuencias, a veces muchas, a veces pocas. Pero en total un proyecto puede tomar de 4-6 meses, hasta un par de años. Ilse - Las películas de gran presupuesto como las de Marvel, toman un poco más de un año en VFX, repartido entre varias compañías de VFX. Las series de televisión toman menos tiempo, ya que su presupuesto es más reducido, entonces se pueden tomar menos libertades creativas. ¿Cuál sería su película ideal para trabajar? Algo como “quisiera hacer VFX en Star Wars”? Andrés - Para mi sería trabajar en un proyecto como ‘Infinity War’ o ‘Endgame’. Una película con el presupuesto y la pasión del equipo para volver el resultado final algo increíble. Ilse - Muero por trabajar en películas de terror, algo de Stephen King o su hijo Joe Hill. También me encantaría trabajar con talento mexicano, en algo de Guillermo del Toro o Alfonso Cuarón. ¿Cuál es la película/serie que consideran referencia de VFX? Andrés - El principal en la industria, creo sería Star Wars. ¿Dónde nos recomendarían tomar cursos para aprender efectos especiales? Andrés - Digital Tutors o Gnomon son los cursos en línea mejor desarrollados, en mi opinión. ¿Creen que los efectos especiales prometan mucho futuro? Ilse - La calidad de cine y televisión solo mejora año con año, esto crea muchas oportunidades para que la industria de VFX siga creciendo. ¿Cuál efecto les ha costado más realizar y por qué (algunas de las películas en las que han trabajado)? Andrés - La secuencia más complicada ha sido la de los créditos iniciales de ‘Ghost in the Shell’. Tener que adaptar una secuencia de un anime sci-fi fue mucho trabajo, muchos cambios y mucho refinamiento. Ilse - El elemento más difícil de realizar en los proyectos que he estado, por mucho, fue el Lazo de Mujer Maravilla. Batallamos mucho para que se viera realista y se moviera como la directora de la película quería. Tuvimos muchísimas interacciones con muchas propuestas, y después de 3 o 4 meses lo logramos. La escena más difícil y la que usamos para establecer el look es donde Diana está en la Plaza de la ciudad, peleando con su lazo. ¿En cuál película/serie les gustó más trabajar, tanto como jefes, compañeros, experiencias, etc? Ilse - Para mi fue Mujer Maravilla. Fue mi primer experiencia en VFX y me dio unos estándares muy altos. Fue un proyecto liderado en su mayoría por mujeres, lo cual era muy inspirador para mí. Fue un proyecto difícil, pero muy bien organizado, lo cual hace que disfrutes el trabajo arduo. ¿Cuál es la parte que más les gusta de VFX? Andrés - Cuando puedes ver cómo el público lo está disfrutando. Todo vale la pena al final. Ilse - Creo que mi momento más feliz después de un proyecto, lo viví cuando salió Mujer Maravilla; tuve la oportunidad de ir a una proyección avanzada para fans y ver a tantas niñas enamorarse de un proyecto en el que yo participé fue una sensación que no sé si algún día vuelva a vivir. Eso es lo que más me gusta de VFX, ver la reacción del público. ANDRÉS AMAYA 27 JUNIO 2020 �T A L E N T O F A V ANA HINOJOSA Egresada de Diseño Gráfico de la Facultad de Artes Visuales, nos platica un poco acerca de cómo fue su elección de estudiar diseño, así como la evolución y desenvolvimiento que ha tenido en él. por Carlos Rodríguez E studió Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales, y el gusto surge a raíz de que en la preparatoria tomaba clases de pintura y fue algo que le apasionaba, pero al mismo tiempo le encantaba la publicidad. En la carrera encontró esas dos vertientes de las cuales comenta que sigue aprendiendo muchísimo. ¿Cuál es la rama del diseño en la que laboras actualmente? Actualmente trabajo en mi proyecto “Coyote Marketing” que nació en Monterrey y ahora estoy residiendo en Tijuana. Teniendo clientes en Monterrey, CDMX, San Diego y Tijuana. Coyote es una agencia de diseño, marketing y publicidad y nos enfocamos a la creación de marca en PYMES, desde el naming, procesos en IMPI, elaboración de páginas Web/ E-commerce , fotografía de producto, desarrollo de contenido y manejo de redes sociales. 28 JUNIO 2020 ¿Cómo empezó el gusto por las artes visuales y tu enfoque en esto por encima del diseño? Las artes visuales siempre fueron parte de mi vida, en mi familia la mayoría pintaban pero nadie hizo carrera en eso. Siempre había desarrollado mi gusto por el dibujo y saliendo de preparatoria decidí aplicar para Artes Visuales y al terminar la Facultad, entré a trabajar a una agencia de publicidad donde duré unos años, llegando a ser Directora de Arte, hasta que hubo un día que decidí darle oportunidad a las artes plásticas e inicie mi proyecto “Ahache”, aunque nunca dejé de “freelancear” ni de pintar, tuve que llegar a la conclusión de que tenía que separar el arte del diseño. Desde que lo hice, los dos proyectos han florecido estructuradamente. Aprendí que son disciplinas paralelas y que los objetivos son diferentes aunque usen las mismas habilidades o tengan criterios parecidos. “ APRENDÍ QUE SON DISCIPLINAS PARALELAS Y QUE LOS OBJETIVOS SON DIFERENTES (EL ARTE Y EL DISEÑO) AUNQUE USEN LAS MISMAS HABILIDADES O TENGAN CRITERIOS PARECIDOS. ” �¿Cómo ha evolucionado tu manera de trabajar desde que empezaste a la actualidad? ¡Muchísimo! Jamás dejas de aprender y de evolucionar, pero te vas metodizando. Crear una estructura interna en todos los procesos, me ha ayudado enormemente. Por ser arte no necesariamente tiene que ser informal, tienes que hacer que tu proyecto sea rentable y autosuficiente y generar el capital necesario para que siga vivo. Al inicio, no sabía muy bien qué estaba haciendo, y es normal ese sentimiento de incertidumbre, pero, conforme vas accionando, vas aprendiendo: Todo proyecto o toda empresa es como un ser vivo que va creciendo, moviéndose y desarrollándose pero también puede morir si no se le alimenta correctamente. “ THE CREDIT BELONGS TO THE MAN WHO IS ACTUALLY IN THE ARENA; WHOSE FACE IS MARRED WITH DUST AND SWEAT; WHO STRIVES VALIANTLY, WHO ERRS AND MAY FALL AGAIN AND AGAIN, BECAUSE THERE IS NO EFFORT WITHOUT ERROR OR SHORTCOMING. ” Nos podrías platicar, ¿cómo surgió y cómo se desarrolla el programa que tienes de enseñar a los adultos mayores? Surge de una oportunidad de enseñar pintura en un lugar en Monterrey, enfocado a crear un espacio donde nuestros adultos mayores se sigan desarrollando de manera física, emocional, social y cognitiva. “ MI EXPERIENCIA DE PINTURA ME AYUDABA A MÍ PERSONALMENTE PERO NUNCA HABÍA VISTO LOS BENEFICIOS QUE TIENE EN LA GENTE MAYOR Y AHÍ EMPECÉ A ESTUDIAR Y LEER MÁS AL RESPECTO. ” Más allá de “Arteterapia” como tal, hablamos de cómo la pintura se vuelve un canal de comunicación donde fluye e influye de manera positiva a nivel físico, mental y emocional. Las personas mayores tienden a deprimirse y recuerdo que terminando una clase, una alumna se acercó y me dijo “Estaba en mi cuarto y empecé a sentirme mal, muy triste y luego cerré mis ojos y empecé a escucharla a usted hablando de cómo no importa la edad, el arte siempre nos sigue enseñando THEODORE ROOSEVELT cosas, y que yo era buena en esto de la pintura y me volví a sentir tranquila”. El arte no es una clase donde sacas 100 o cero, donde eres bueno o malo en algo, más bien el arte te sana el alma y te confronta. ¿Debido a la contingencia, ha cambiado tu manera de trabajar? La rutina no, pero sí las juntas con mis clientes, esto también nos ha forzado a descubrir plataformas para lograr una comunicación eficaz. Pero en mi caso particular, la contingencia me ayudó mucho, porque las empresas que no veían necesaria la parte digital se dieron cuenta que es fundamental y han decidido migrar sus proyectos a esta plataforma. ¿Habrá un cambio en el futuro con respecto al home office en el diseño? Creo que las empresas que no lo contemplaban verán una oportunidad para reducir costos y los trabajadores tendrán la oportunidad de trabajar sin sacrificar tantas horas en el tráfico. ¿Qué tips podrías brindar con respecto a esta modalidad de trabajo? Ten una agenda y sé disciplinado. Tienes que levantarte y es como si fueras a ir a trabajar, te arreglas, desayunas y seguir tu semana de acuerdo a la planeación de tu agenda. Planea tus actividades un día antes, por ejemplo yo antes de dormir planeo mis tareas para el día siguiente y descanso mejor, al día siguiente solo leo y empiezo a trabajar los pendientes. 29 JUNIO 2020 �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2020 Número Número de la revista 2 Mes de publicación Mes cuando se publicó Junio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2020, No 2, Junio Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/06/2020 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020113 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Arte urbano Branding COVID 19 Cuarentena Diseño gráfico Edectos especiales Home office Intercambio académico Muralismo Pandemia Reinventarse https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20002/Croma_2020_No_3_Octubre.pdf 86a5435ebec88f3ceea9de9a7444c97c PDF Text Text Arte. Diseño. Audiovisual Octubre 2020 Número 3 �Enfoque Artes Eventos 20 24 Los colores y sus significados Cómo nos inspiramos para crear arte E-Fest Wacom 12 22 28 Diego Castañeda Laboratorio Cultural Ciudadano Certamen de cortometraje UANL Lettering 18 Docentes 16 Alumnos FAV Emprendedores Í N D I C E 04 06 08 Alex Miranda Javier Molina Sindy Ethel Créditos Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Estancia de producción Andrea Guadalupe Olivares Pérez Oscar de Jesús Sánchez Rodríguez Andrea Reynosa Pedraza José Manuel Ochoa Osorio Sofía Santos Arizpe Uriel Almazán Martínez Octante 14 Inspiración Portada Sindy Ethel 2 Octubre 2020 Octubre 2020 3 �A L U M N O D E S T A C A D O ALEX MIRANDA Como freelance te puedes enfrentar a muchos tipos de situaciones, ¿cuál es tu opinión con respecto a cuando un cliente te pide copiar el estilo de otro ilustrador? Como buen “estudihambre”, he accedido a estas peticiones, generalmente es gente fanática de cierto programa y quiere regalar algo. Cuando he trabajado con alguna marca o proyecto, he sido muy afortunado en que me den libertad creativa con mi estilo. Hablando un poquito de él... Alex Miranda tiene 20 años de edad, es nacido en Monterrey, Nuevo León. Actualmente es estudiante de la Facultad de Artes Visuales de la carrera de Diseño Gráfico, godínez de medio tiempo, ilustrador y animador freelancer. A POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA lex Miranda, ilustrador y animador mexicano y por medio tiempo “godín”. Nos cuenta sobre su marca “Alex M” la cual es dedicada a hacer ilustraciones y animaciones, entre otras cosas. Él nos platica sobre su experiencia como freelancer. Alex M comenzó desde hace tres años a construir su marca y perfil. Todo dio inicio en la cuenta de Instagram, la cual usaba para subir sus dibujos día a día hasta convertirse en uno de sus hobbies favoritos. ¿Tú querías estudiar diseño o solo entraste porque impartían ilustración?, ¿Cómo fue que descubriste esta rama del diseño? Como muchos otros, yo supe que iba a entrar de lleno al diseño desde muy joven, realmente no había otra opción profesional para mí, era esto o vivir debajo de un puente, lo cual es completa y totalmente respetable. Descubrí la ilustración desde que usé Instagram por primera vez. Fue a partir de esa red social que comencé a seguir cuentas de ilustradores y supe que esto que tanto disfrutaba podía ser un trabajo y además uno muy divertido. Como muchos, me imagino que te pasas consumiendo contenido visual para sacar tus propias ideas ¿Quiénes son tus mayores influencias? Mis inspiraciones vienen de varios lugares muy diferentes, desde El Cursi, Andonella, Rebecca Sugar, Pequeño Capitán, holasoyyuyú y Sonia Lazo, hasta fotografía editorial, de moda, el drag o incluso las ilustraciones de las lecturas de la SEP, “iconic”. ILUSTRACIÓN: ALEX M ¿Cómo describirías tu estilo de ilustración? Mi estilo es muy cambiante, sin embargo, trato de mantener una línea que me permita experimentar sin eliminar del todo mi esencia. En pocas palabras, mi trabajo es un reflejo de todo lo que me inspira, todo lo que me produce dicha, risa, amor o incluso dolor. En su mayoría retratos, mis ilustraciones intentan retratar ILUSTRACIÓN: ALEX M personas, a veces imaginarias, que reflejan estética o figurativamente sentimientos que tengo en mi día a día. Vas a encontrar montones de rojo, rosa y morado, personajes femeninos poderosos, cultura pop y algunas ilustraciones originales que representan momentos de mi vida. ¿Qué crees que es más importante dentro de la ilustración: el estilo o el mensaje? Creo que es importante tener algo que decir, el estilo viene después. Personalmente me considero muy flexible en cuanto a esto último, pues el que manejo con Alex M, es el que disfruto más y que me permite expresar ciertas ideas, sin embargo, he pasado por mil y un estilos y técnicas que quizá sirvan para expresar otra cosa. Poco a poco fui desarrollando bien lo que me gustaría retratar en mis ilustraciones y el estilo se fue adaptando a eso. En tu opinión ¿saber dibujar “bien” es un requisito obligatorio para poder ser ilustrador? Creo que es necesario tener una base técnica y conocimientos para ser ilustrador. Puede que tu estilo de ilustración tenga apariencia de “mal dibujado” pero es fácil intuir cuando algo está hecho de esta manera y se trata de una toma de decisión consciente o cuando se debe a falta de criterio, cómo alguna vez dijo alguien que conozco: “tienes que saberte las reglas para después romperlas”. ¿Cómo manejas tú el proceso con el cliente? He aprendido a través de muchísimos errores, y a pesar de que mi flujo de trabajo aún puede mejorar, creo que está en un buen punto de equilibrio. Generalmente los clientes llegan con una idea de lo que necesitan. En cuanto al pago, como dijo alguien que conozco: “get the check in advance”, o sea, primero el pago. El proceso es muy tranquilo, empiezo con bocetos, actualizaciones por correo en imágenes de prevista, siempre con marca de agua y no en calidad final, SIEMPRE. Instagram, Behance, Facebook son algunas de las plataformas que los ilustradores usan para dar a conocer su trabajo. ¿Crees que es importante compartir tu trabajo en las redes sociales? ¿Cuál ha sido tu experiencia en este aspecto? Creo que sí es importante, en lo personal, compartir mi trabajo en internet me ha abierto muchísimas puertas, desde conectar con gente creativa, hasta trabajar con personas que admiro. “Hoy en día para mí, ser ilustrador, además de ser un hobby, es una fuente de ingreso. Realmente soy muy afortunado.” ¿Algún consejo que le quieras dar a las personas que quizás están empezando con esto de la ilustración y están batallando en encontrar su propia voz? Esta pregunta me dio un “mental breakdown” porque es algo que llegué a preguntarle a mucha gente en el pasado. Suena muy cursi y de libro motivacional de Yordi Rosado, pero realmente es la práctica, neta. Estar constantemente dibujando y practicando, consumiendo contenido que te inspira, música, series, películas. Incluso conocer personas, situaciones de la vida cotidiana, todo te ayuda a construir tu perspectiva como ilustrador, sólo tienes que darle tiempo y estar en “friega” dibujando, experimenta y solita va a llegar. ILUSTRACIÓN: ALEX M Para ver más de su trabajo Instagram: @artofalex Behance: artofalexm ILUSTRACIÓN: ALEX M 4 OCTUBRE 2020 OCTUBRE 2020 5 �POR: ALUMNOS DE CLASE DE FOTOGRAFÍA D O C E N T E Si algún día llegas a romper la regla, que tu esencia siempre sea única para al practicarlo tener un justificante del por qué. E POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA l Maestro Javier Molina (Jefe del Área de Comunicación de la imagen institucional de la Facultad de Artes Visuales y Fotógrafo) nos contó sobre la fotografía junto con su experiencia y algunos consejos para quienes están interesados en esta disciplina e incursionar en este mundo. Hablamos sobre sus gustos en la fotografía, sus intereses y su metodología en ella y platicó que esta es una de las áreas que más le gustan. Por ejemplo, como la foto de retrato o hablando de algo más “comercial” la foto de moda. Nos dio curiosidad del cómo surge su interés en esa área y nos contó que en su pasado siempre hojeaba revistas de moda y de ahí le empezaron a llamar la atención las imágenes que se mostraban, por ejemplo las fotografías de mujeres en el desierto solas o imágenes fuera de lo que comúnmente ves, desde ese momento intrigado empezó a ver los créditos que siempre aparecen en la esquina inferior de cada imagen con el nombre de los fotógrafos, siendo constante empezó a buscarlos y conocerlos y desde ese momento inició con su inspiración. Platicamos sobre cuál es la metodología que sigue para la toma de una fotografía y nos contó que primeramente comienza con la observación y después con la imaginación. Nos comenta que esta metodología para la captura de un momento exacto viene desde su niñez cuando salía de viaje y sus padres no lo dejaban dormir para poder apreciar los 6 Octubre 2020 paisajes, o cuando era estudiante y usaba el transporte público y veía en su trayecto gran cantidad de espacios, esto lo motivaba a imaginar cómo sería tomar una fotografía de un paisaje, un edificio, una persona etc. La observación es el primer paso para llegar a un buen cuadro, a partir de ellos dejamos que nuestra ocurrencia e imaginación haga lo demás jugando con el momento, los objetos, las luces, de esta manera es cómo es posible tomar una buena captura, nos comentó el Maestro Javier Molina. La inspiración que él ha tenido ha ido evolucionando con el tiempo, de las fotografías en blanco y negro, la ciudad, nuestro transporte, a darse cuenta que más que un estilo de fotografía se trata de la reflexión que se hace sobre una imagen. La honestidad en el trabajo es lo más importante. POR: JAVIER MOLINA EN INSTAGRAM El ojo educado Recuerden que, al ver la imagen del fotógrafo, llama la atención el proceso, de ahí se agarra lo esencial, este proceso es llamado TROPICALIZAR lo cual es adaptar una idea a tu contexto. Un ejemplo claro es una serie de fotos que hice llamada “El homenaje al cabrito” en el cual metí al cabrito, la flora y fauna, los frutos de la región, algo que tenga su significado culturalmente, y todo eso fue inspirado en una pintura que vi de Rembrandt llamada el “Buey desollado”, entonces a diferencia de los elementos de su pintura yo ponía elementos de nuestro territorio, ahí hablamos de no ser la copia sino algo mejor, es la reflexión de lo que dice ser tu estilo. Un dato muy interesante que le preguntamos fue el ¿Cómo eliges a quien tomarle fotografías? Su respuesta fue: Todo depende de lo que se esté buscando en el momento, pero tengo un gusto por las personas andróginas ya que tienen un misterio que intriga, también el rostro de las personas con una apariencia ambigua, si es una persona muy ruda tratarlo de hacer más femenino, o al contrario, al igual las personas muy altas ya que para fotografiar es más estético hablando de lo relacionado con moda todo depende mucho del concepto que esté buscando. Una de las recomendaciones que nos dio es el siempre aprender la técnica, y si algún día llegas a romper la regla, que tu esencia siempre sea única para al practicarlo tener un justificante del por qué, en esto no hay que ser metódico ya que se puede ser un desastre, pero al final todo sale. Siempre hay que observar y poner atención en las cosas, porque forzamos el ojo a poder ver otra perspectiva de lo que comúnmente la gente no ve, ya que tu modo de ver las cosas es más agudo porque la misma formación te obliga a observar y es donde tu percibes la realidad de otra forma y es ahí donde está la genialidad, la magia de la fotografía. Viaja fuera del estado; y si puedes del país, lee, ve al cine, disfruta, agudiza los sentidos, empápate de información y entiende nuevas culturas distintas a las tuyas, eso te llevará a algo, alguna crítica o alguna reflexión y todo esto enriquece al ojo educado… Octubre 2020 7 �L E T T E R I N G EL LETTERING COMO ARTE VISUAL ¿Cómo te iniciaste en el mundo del lettering? Me animé a ir a Colorado, EE. UU. para hacer mis prácticas profesionales como diseñadora web en Crispin Porter, una agencia de publicidad donde me tocó hacer un poquito de todo: cosas digitales, impresos, revistas, portadas, etc. Aquí te ponen un mentor y me asignaron una mentora en impresión. Al inicio estaba algo triste pero ella era muy apasionada por el diseño editorial y las tipografías, y me enseñó cómo combinarlas, cómo elegirlas, cómo hacer bonitos layouts con ellas. Después de cuatro meses de prácticas profesionales, no fui contratada; pero eso no me detuvo. Comencé a practicar llenando libretas de muchas letras, tomaba talleres de caligrafía en cada oportunidad que tenía. Luego comencé a subir mis trabajos a Behance, Instagram y otras redes sociales de todas las prácticas que hacía y gracias a eso comenzaron a ubicarme como alguien que hacía lettering. Gracias a eso, logré obtener un proyecto en la Ciudad de México donde me pidieron trabajos para un bazar; hice dos y al tercer poster le pusieron mucha publicidad que circuló por toda la CDMX. Gracias a eso comencé a ser más conocida y eso me animó a querer aprender más formalmente acerca de caligrafía, pues mis conocimientos eran muy básicos y todo lo que aplicaba eran cosas que aprendí con esos talleres. Eso hizo que me animara a ir a Nueva York y tuve un golpe de suerte para poder hacer la maestría y al mismo tiempo estar trabajando en una agencia que se dedicaba a ilustración y lettering; donde podía aplicar lo que aprendía. ¿Qué es para ti el lettering? Dibujar letras. Si tú tienes que hacer sets de letras; es decir de la “A” a la “Z” más los símbolos los debes de mover de lugar para que funcionen en cualquier combinación y cualquier persona pueda usarlo. A diferencia de la caligrafía que ya son técnicas que ya están bien definidas donde hay reglas que definen cómo son las inclinaciones de la mano para que salga de cierta forma. En otras palabras: el lettering se deslinda de la rigidez de la caligrafía y si sabes las bases de tipografía es mejor porque las formas de las letras que hagas se van a ver bien. Alguna vez te has preguntado “¿Qué es el lettering?” Si bien es cierto que esta tendencia se ha ido fortaleciendo con el paso del tiempo, esta forma de expresión ya existía desde antes de este nuevo milenio. En esta edición de CROMA nos acompaña Sindy Ethel quien ha tenido una trayectoria ascendente en el lettering y como orgullo universitario, es ex alumna de nuestra facultad. Ven y acompáñanos para conocer un poco más sobre su trayectoria. Si una tipografía se tarda mucho tiempo en hacer ¿Cuánto tiempo tardas en hacer un lettering? Depende del proyecto principalmente: si recibes feedback, si lo vas a probar en distintos soportes, del deadline, del presupuesto, entre otras cosas pueden hacer que estés haciendo letterings de una hora hasta una semana. Realmente no existe una regla que rija este trabajo. ¿Tú crees que el lettering es un fenómeno reciente o ya existía desde hace tiempo atrás? Diría que como algo moderno, sí. Es un fenómeno reciente. Pero como algo que ya existe de tiempo atrás, el lettering existe desde el momento en el que existió la escritura y desde el momento en el que comenzamos a dibujar letras estamos haciendo lettering. 8 OCTUBRE 2020 FOTO: SINDY ETHEL POR: URIEL ALMAZÁN OCTUBRE 2020 9 �L E T T E R I N G ¿Cómo te iniciaste en el mundo del lettering? Me animé a ir a Colorado, EE. UU. para hacer mis prácticas profesionales como diseñadora web en Crispin Porter, una agencia de publicidad donde me tocó hacer un poquito de todo: cosas digitales, impresos, revistas, portadas, etc. Aquí te ponen un mentor y me asignaron una mentora en impresión. Al inicio estaba algo triste pero ella era muy apasionada por el diseño editorial y las tipografías, y me enseñó cómo combinarlas, cómo elegirlas, cómo hacer bonitos layouts con ellas. Después de cuatro meses de prácticas profesionales, no fui contratada; pero eso no me detuvo. Comencé a practicar llenando libretas de muchas letras, tomaba talleres de caligrafía en cada oportunidad que tenía. Luego comencé a subir mis trabajos a Behance, Instagram y otras redes sociales de todas las prácticas que hacía y gracias a eso comenzaron a ubicarme como alguien que hacía lettering. Gracias a eso, logré obtener un proyecto en la Ciudad de México donde me pidieron trabajos para un bazar; hice dos y al tercer poster le pusieron mucha publicidad que circuló por toda la CDMX. Gracias a eso comencé a ser más conocida y eso me animó a querer aprender más formalmente acerca de caligrafía, pues mis conocimientos eran muy básicos y todo lo que aplicaba eran cosas que aprendí con esos talleres. Eso hizo que me animara a ir a Nueva York y tuve un golpe de suerte para poder hacer la maestría y al mismo tiempo estar trabajando en una agencia que se dedicaba a ilustración y lettering; donde podía aplicar lo que aprendía. En otras palabras: el lettering se deslinda de la rigidez de la caligrafía y si sabes las bases de tipografía es mejor porque las formas de las letras que hagas se van a ver bien. ¿Qué es para ti el lettering? Dibujar letras. Si tú tienes que hacer sets de letras; es decir de la “A” a la “Z” más los símbolos los debes de mover de lugar para que funcionen en cualquier combinación y cualquier persona pueda usarlo. A diferencia de la caligrafía que ya son técnicas que ya están bien definidas donde hay reglas que definen cómo son las inclinaciones de la mano para que salga de cierta forma. ¿En qué te inspiras cuando haces lettering? Depende del proyecto, porque más que artista soy diseñadora. Según lo que venga en el brief vas armando tu moodboard para sacar tus ideas y ver qué tantas cosas podrías hacer. Ya cuando es un proyecto personal, tomo cosas que están en mi día a día, como por ejemplo: de lo que está a mi alrededor, de las cosas en la ciudad, de mi background mexicano. ¿Tienes algún proyecto que haya “marcado” tu carrera profesional? Hay dos en especial. El primero es un proyecto que hice en el 2012 porque me gustaba que fue un póster que hice para la escuela de Saltillo, Digital Invaders, porque fue el primer proyecto de letras donde me animé a hacerlo de cero; sin ningún conocimiento del tema y donde me atreví a romper todas las reglas de la tipografía y a como Dios me dio a entender. De repente ese proyecto ya estaba en todos lados como referencias e incluso me plagiaron dos veces ese proyecto. El último fue de Adobe que hice en San Francisco donde me pidieron que recreara una pieza que había hecho. Y me gustó bastante porque estaba compartiendo algo mío y lo estaba compartiendo a nivel mundial. Aunque estaba nerviosa, fue todo un reto para mí porque fue estar hablando inglés mientras trabajaba por una hora y al final quedó un resultado muy padre y lo mejor de todo es que disfruté el proceso. Si una tipografía se tarda mucho tiempo en hacer ¿Cuánto tiempo tardas en hacer un lettering? Depende del proyecto principalmente: si recibes feedback, si lo vas a probar en distintos soportes, del deadline, del presupuesto, entre otras cosas pueden hacer que estés haciendo letterings de una hora hasta una semana. Realmente no existe una regla que rija este trabajo. ¿Tú crees que el lettering es un fenómeno reciente o ya existía desde hace tiempo atrás? Diría que como algo moderno, sí. Es un fenómeno reciente. Pero como algo que ya existe de tiempo atrás, el lettering existe desde el momento en el que existió la escritura y desde el momento en el que comenzamos a dibujar letras estamos haciendo lettering. ¿Hasta qué punto es importante el estilo para hacer el lettering? Depende de qué quieras tú. Puedes irte por el camino de ser artista y tener algo que te represente mucho a ti o que seas del camino del diseño es el estilo que tú haces. En lo personal soy más diseñadora, yo me adapto al brief, pero hay quienes son más artistas. Ambos caminos son válidos, ninguno tiene menos valor o importancia que el otro. ¿Cuándo decidiste especializarte en lettering? No estoy muy segura si tuve ese momento ya que me gustaba demasiado el tema y quise aprender más y yo creo que por eso se fue perfeccionando. Fue más como un “me gusta hacer esto y dejaré de hacer esto hasta que me aburra”. Como me gusta mucho la ilustración y el lettering, logré encontrar lo que me apasiona hacer. 10 OCTUBRE 2020 ILUSTRACIÓN: SINDY ETHEL ILUSTRACIÓN: SINDY ETHEL ILUSTRACIÓN: SINDY ETHEL ¿Hay alguien a quien tú admires o de quien saques mucha inspiración? Tuve un maestro llamado Ken Barber en Nueva York, es el mejor maestro y la mejor persona; sabe muchísimo. También está Jessica Hisch que se dedica a hacer puro lettering y podría decir que también Herb Lubalin quién ya falleció pero su trabajo en los 60 de logotipos y lettering fue bastante inteligente para la época en la que se hicieron. OCTUBRE 2020 11 �L E T T E R I N G DIEGO CASTAÑEDA “El lettering es brindarles personalidad a las letras” O LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA 12 OCTUBRE 2020 LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA “Siempre tenía mi escritorio lleno de hojas y éstas estaban llenas de puros dibujos. Jamás dejé de dibujar” POR: URIEL ALMAZÁN tro gran artista que podemos encontrar en el mundo del lettering es Diego Castañeda quien es un ex alumno de la Facultad de Artes Visuales. Desde niño se sintió atraído por la escritura; sin embargo, no todo el tiempo supo que se dedicaría a esta disciplina del dibujo. Para él, el lettering es brindarles personalidad a las letras pues las palabras ya te brindan un mensaje con un sentimiento; el otorgarles estos sentimientos hace que el mensaje se enfatice aún más. Desde niño estuvo influenciado en el mundo del arte, gracias a que su padre formó parte de la primera generación del diseño gráfico en el CEDIM, todos los trabajos que vio de él lo influenciaron lo suficiente como para saber desde esa corta edad que quería ser como su papá. A través de su trayectoria escolar, nunca dejó de dibujar. Siempre hacía los clásicos dibujos de los maestros, de Goku o cualquier cosa que se le atravesara por su cabeza. Intentó ser todo lo que un diseñador gráfico puede ser al llegar a la facultad comenzando con la ilustración, pues ya traía un poco de experiencia gracias a todos los dibujos que hizo en el pasado. Sin embargo, en el 2010 salió una página en Facebook llamada “Typeware” donde subían las clásicas frases de “Deja tú lo guapo, soy diseñador” y al ver las paletas de colores tan llamativas y las tipografías tan variadas, comenzó a llamarle la atención. Esto le hizo desear lograr la misma calidad de comunicación que las publicaciones de esa página. Al terminar sus estudios, él optó por viajar a la CDMX para poder especializarse en el lettering, aprovechando el tiempo libre que tuvo por el despido de la agencia en la que trabajaba en el 2014. “Siempre tenía mi escritorio lleno de hojas y estas estaban llenas de puros dibujos. Jamás dejé de dibujar” nos comentó, ya que desde niño hasta ese entonces no había tomado un descanso de dibujar letras. En ese viaje, logró conocer todas las bases que le hacían falta para poder trabajar el lettering como se debía de hacer. Algo que él siempre recomienda en sus talleres en Octante es que tomes bases teóricas para poder entender cómo funcionan las cosas, pues aunque la práctica hace al maestro si ésta no está sustentada por el conocimiento, se vuelve un ciclo sin fin. Y nadie se salva de caer en esos círculos viciosos. Hay que aprender a ser autocríticos para poder saber dónde te equivocaste y así corregir los trabajos que hagas. LLETTERING: DIEGO CASTAÑEDA Así mismo, él recomienda que todos hagan sus portafolios en las redes sociales de su preferencia, pero que el objetivo sea darse a conocer ya que si hacen un trabajo y no lo publican, nadie sabrá de él. Incluso tú mismo te olvidarás de tu propio trabajo y ahí se quedará. Educa tu ojo y atrévete; suelta tu mano y llena tus hojas cuando estés practicando y equivócate cuantas veces sea necesario para que puedas darte cuenta en el resto de los intentos de que estás mejorando. LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA “Aunque la práctica hace al maestro, si no está sustentada por el conocimiento, se vuelve un ciclo sin fin.” LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA OCTUBRE 2020 13 �L E T T E R I N G INSPIRACIÓN POR: URIEL ALMAZÁN Y qué mejor manera de satisfacer estas necesidades artísticas que buscando inspiración para estos temas. Hoy en día es fácil encontrar muchos trabajos gracias a las redes sociales con las cuáles puedes rápidamente hacer llegar tu trabajo a más de miles de personas. Un ejemplo de estas redes sociales es Instagram, que se popularizó velozmente por la calidad que mantiene en las imágenes y cuya interfaz es más limpia que la de otras redes sociales. Aquí puedes encontrar los famosos “Hashtags”, que son palabras claves –o etiquetas– que puedes ponerle a tu foto para que cuando un usuario escriba sus intereses el buscador pueda hacer un “match” y pueda mostrarte tu trabajo. Y una curiosidad es que en Instagram puedes seguir los hashtags para que en tu inicio sigas viendo contenido completamente personalizado. Una de estas etiquetas que pueden encontrar es el de “#lettering” donde todos los usuarios publican sus trabajos relacionados con este tema. Y uno puede encontrar desde cómo personalizar tus propias agendas creando títulos únicos hasta un estilo grunge donde no existe un orden ni un sentido estético de las hojas con la letra. También existen cuentas dedicadas a extraer trabajos de otros colaboradores para poder brindar al grupo artístico más obras de arte y seguir alimentando la inspiración, por ejemplo la cuenta “lettering_daily” crea publicaciones continuamente de trabajos de otros artistas y logra generar una galería de variedad de este arte donde no solo ves distintos estilos de trabajo sino ves distintos métodos para poder realizar tan espectaculares trabajos. Una tercera manera de encontrar inspiración en esta red social es escribiendo la palabra clave “lettering” en el buscador. De aquí, el algoritmo de esta herramienta te arrojará los resultados más próximos a lo que intentas encontrar. En un mundo donde la tecnología ya está al alcance de todos y tiene un hambre enorme por seguir creciendo, es inevitable ver este tipo de trabajos en donde sea gracias al alcance de un solo clic. Sigue buscando y nunca dejes que tu hambre por seguir creando se desaparezca. Como nos dijo Sindy, no busquemos likes y hagamos solo por hacer, sino plantearnos objetivos y metas. 14 OCTUBRE 2020 POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM OCTUBRE 2020 15 �E M P R E N D I M I E N T O Octante Una tienda enfocada en gente creativa, artículos de papelería de alta calidad y marcas Premium. Flor Imperial Hecho por Diego Castañeda Visita y contacta octante: _ INSTAGRAM @OCTANTEMX _ TIENDA EN LÍNEA www.octante.mx _ WHATSAPP 81 2980 7165 _ OFICINA 81 8356 3560 _ SUCURSALES Monterrey Valle Calz. San Pedro Col. Miravalle Centro Comercial Pueblo Serena Carretera Nacional Col. Valle Alto POR: KELLY SIKKEMA EN UNSPLASH POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA U POR: KREATED MEDIA EN UNSPLASH n poquito de su historia… Dio sus inicios en el 2010 vendiendo exclusivamente la marca “Moleskine” la cual es una marca italiana que engloba libretas de notas, bolsos, agendas, instrumentos y accesorios de escritura y lectura. Montero, Fundador y Director de operaciones inició con su primer local en Río Orinoco en Centrito Valle donde vendían a clientes y amigos de su despacho “Visualización Arquitectónica”. Después de su primer local abrieron una pequeña isla en el Centro Comercial Galerías Valle Oriente Monterrey en la cual estuvieron año y medio y gracias a su éxito se pasaron a su local actual en la Colonia Miravalle. En el 2016 abrieron su segunda tienda en la Col. AltaVista en la zona del Tecnológico de Monterrey, la cual terminó siendo cerrada y en el 2019 gracias a su éxito abrieron una tienda más grande en el Centro Comercial Pueblo Serena al sur de la Ciudad de Monterrey. Handlettering is still alive”. Introduciéndonos un poco más, Octante es un mundo de material artístico en donde increíblemente existe el mejor sacapuntas del mundo, ¿Sabías que existía? Porque nosotros no, y para ser el mejor sacapuntas ocupa su complemento así que al igual encuentras las mejores marcas de lápices, de todo tipo de madera, y la mejor calidad que existe. Un dato curioso que nos dijeron es que ahí mismo existen los mejores plumones para hacer lettering como lo es la marca TOMBOW y la marca POSCA. Esta tienda tiene muchísimos productos novedosos, de la mejor calidad y a un muy buen precio. Miguel tiene un lema el cual es “No vendería algo que no usaría” lo cual nos da a entender que siempre tendrá el mejor material en su tienda. Una cosa que los diferencia al resto de las demás tiendas de material artístico es algo asombroso como el “Octante INK BAR” en el cual manejan diferentes tipos de tintas de varias partes del mundo con las cuales tienes la facilidad de pedir el color que necesites, es una forma más ecológica de verlo ya que ahí mismo puedes ir a rellenar tus tinteros lo cual es mucho más barato y mejor para el medio ambiente. Algo muy interesante de esta tienda es que durante los últimos años han manejado varios talleres y cursos, como lo son de acuarela, lettering, ilustración y caligrafía. Debido al COVID-19 se tuvieron que suspender los cursos por el momento, pero cuando se lleguen a abrir de nuevo, no desaproveches la oportunidad de aprender cosas nuevas. Isla en Valle Oriente Fotografía tomada de @octantemx en Instagram 16 octubre 2020 octubre 2020 17 �E N F O Q U E Los colores & el cine Porque un mundo sin color no sería lo mism0. POR: OSCAR DE JESÚS SÁNCHEZ RODRÍGUEZ Ejemplo de una paleta de colores referente a la pelicula “Scott Pilgrim vs. the world” Rojo Seguimos con el color rojo que al igual que el Azul también es uno de los colores más populares entre la sociedad, en el cine el rojo tiene la función de transmitir sensaciones intensas e incontrolables tales como puede ser el amor y la sexualidad, la violencia, autoridad, el peligro, la rabia e ira. Naranja Hay que recordar que la selección de colores en una película no es por casualidad, más bien es producto de un cuidadoso análisis de escenografía. S in duda alguna los colores siempre han formado parte importante en nuestra sociedad tal como lo son la ropa, objetos de uso común, la publicidad y en el cine no es la excepción. Todos percibimos los colores de diferentes maneras y nos transmiten una sensación, a esto lo conocemos como: la psicología de color. Este nombre proviene de “La Teoría de los Colores” propuesta por el alemán Johann Wolfgang Von Goethe en 1810 donde él hablaba, o más bien, proponía diferentes usos y significados para cada color. En el cine los colores tienen varias funciones como establecer un conflicto, definir las personalidades de un personaje al igual que el desarrollo de este, señalar elementos importantes y para transmitir un sentimiento o emoción en cada escena. 18 OCTUBRE 2020 Proseguimos con el color naranja que es el más cálido de todos, el cual trasmite sensaciones positivas tales como la alegría, la amistad, la interacción humana y lo exótico, también está vinculada a la nostalgia, los recuerdos y la juventud. Amarillo En quinto lugar, tenemos el color amarillo en su lado positivo trasmite la originalidad, seguridad, el optimismo y la vitalidad de las personas, pero por otro lado no tan positivo representa la enfermedad y las emociones negativas de las personas tales como locura, envidia, celos, enfados, entre otros más. Azul Para poder armar todo lo anteriormente mencionado se tienen que definir los tonos que se utilizarán en la película y aquí es cuando se crea la paleta de colores, que serán las series de tonalidades que se usarán en toda la película y darle un contexto desde la preproducción. Pues es muy bien sabido que utilizar un color morado para una escena romántica no será lo mismo si usamos un tono rosa. Una vez explicada la importancia de los colores en el cine, mencionaremos sus significados. Sabiendo esto, ir al cine ya no será como antes, tendrás una visión muy diferente de las películas, podrás disfrutarlas aún mejor al saber por qué un color específico está en el entorno y/o lo que utiliza cierto personaje, recordemos que las palabras no son las únicas maneras de trasmitir un mensaje. Empezamos con el Azul que es uno de los colores más populares y de los favoritos de las personas, y sin duda en el cine es un color que puede trasmitir diferentes emociones dependiendo del contexto estos pueden ser: tranquilidad y reflexión, pero por el contrario puede representar la tristeza y la soledad, en otros casos también se puede asociar a lo pasivo, a la tranquilidad y a la satisfacción. Rosa Verde Morado Continuamos con el color verde que es asociado con la naturaleza con lo cual tiene los significados de la fertilidad y de la inmadurez también se utiliza para representar aspectos de un personaje tal como su voluntad, si es alguien pasivo o defensivo, cauteloso, posesivo, persistente, su autoestima y su liderazgo. Por otro lado, puede representar cosas malas por ejemplo una amenaza, corrupción o al igual que el rojo el peligro. Otro de los colores es el rosa que lo han estado representando siempre como el color femenino, está más enfocado a los personajes femeninos y atribuirle cosas tales como la belleza, empatía, su alegría, dulzura o inocencia, entre otras más. Y ya para terminar con los colores seguimos con el violeta o morado, este color no es muy común encontrarlo en todo lo que nos rodea, por este motivo en el cine lo usan para representar ambientes de fantasía, ilusión, de lo místico y lo erótico, en personajes es utilizado para transmitir irresponsabilidad, intuición, la sensibilidad, la inmadurez y lo afectivo al igual que la realización de sus deseos. OCTUBRE 2020 19 �A R T E La inspiración para crear arte ¿ POR: JOSÈ MANUEL OCHOA OSORIO Cualquier cosa o evento que haga ver la realidad como algo fuera de lo común propicia la inspiración misma. 20 octubre 2020 Cómo fue que Leonardo se inspiró para crear la Mona Lisa? ¿Qué inspiró a Miguel Ángel crear al David y a Cervantes el Quijote? ¿Qué es lo que inspira a los artesanos a crear sus obras? El campo del trabajo artístico es muy amplio y variado, pero ¿qué es ese algo que tienen en común los artistas que los motiva a crear arte? Entre las primeras personas que trataron de explicar la inspiración se encuentra Platón, en su diálogo “Ion” establece que la creación poética no depende del saber adquirido por el poeta, sino de una fuerza divina que lo posee. Así, más allá de lo que es la inspiración en sí misma, existe la pregunta acerca de qué y cómo se inspiran los artistas para crear sus obras. La respuesta puede ser muy fácil o difícil según se vea, todo inspira y a la vez nada lo hace, el proceso tiene que ver con el artista mismo, su forma peculiar de observar el mundo, sus emociones y su realidad. El artista visualiza su entorno y a través de su obra busca transmitir sentimientos y emociones de lo que lo rodea. Se puede considerar entonces que uno de los motivos que más inspiran es la naturaleza misma, ya que es un marco perfecto para producir sentimientos y emociones agradables. Al estar en contacto con la naturaleza, las personas nos relajamos y nos sentimos más tranquilos, de esta forma, en un ambiente feliz, las ideas pueden fluir mejor. Pero el artista se inspira en cualquier cosa, no se limita a nada, cualquier cosa o evento que haga ver la realidad como algo fuera de lo común propicia la inspiración misma. El ver un amanecer, el nacimiento de un niño, la muerte de un ser querido, todas estas situaciones son motivo para producir emociones en el artista para que al crear su arte busque una forma de comunicar sus sentimientos que le produjeron esa situación. Entonces para crear arte, hay que salir a buscar la inspiración, yendo a museos, ver obras de otros artistas, ver películas, oír música, leer libros, todo aquello que propicie la imaginación es benéfico para que esta llegue. Un buen consejo es llevar a la mano en donde anotar las ideas que van surgiendo, la memoria La inspiración es un sutil río de claridad que salta desde un conocimiento inmenso y eterno; sobrepasa a la razón con mayor perfección que la razón sobrepasa al conocimiento de los sentidos” Sri Aurobindo. puede ser engañosa, y al leer las notas se pueden mejorar las ideas y la creatividad va surgiendo en ese momento. La inspiración ha aparecido. Puede existir el bloqueo creativo, para esto es mejor relajarse y no pensar en ello porque para que haya una buena inspiración se debe tener un descanso y relajación adecuados. Hay que considerar que las personas con altos niveles de estrés rara vez tiene momentos de inspiración, el estrés mismo es agotador. Un momento de inspiración es un momento mágico donde las personas liberan su creatividad y recordando considerar la frase “que la inspiración te encuentre trabajando”, se crea una inercia de seguir creando más obras, de mejorar en lo que se está trabajando. POR: RAKICEVIC NENAD EN PEXELS inspirar Del lat. inspirāre ‘soplar’. _ tr. Infundir o hacer nacer en el ánimo o la mente afectos, ideas, designios, etc. tr. Sugerir ideas o temas para la composición de una obra literaria o artística. tr. Dicho de Dios: Iluminar el entendimiento de alguien y mover su voluntad. prnl. Sentirse motivado por alguien o algo para el desarrollo de la propia creación. rae.es octubre 2020 21 �A R T E Nuevo León tendrá un Laboratorio Cultural La infraestructura del Laboratorio Ciudadano promueve la colaboración y la realización de proyectos. POR: CONARTE 22 octubre 2020 Queremos atraer a este espacio a los genios para que diseñen el Nuevo León que necesitamos todos” POR: ANDREA REYNOSA E l Antiguo Palacio Federal actualizará sus vocaciones culturales a través de un nuevo proyecto sobre un Laboratorio Cultural Ciudadano (LABNL), un plan diseñado por el gobierno estatal a través del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León (­CONARTE), el cual se dio a conocer a través de su presidente Ricardo Marcos. Él, junto con el Secretario de Infraestructura, ­Humberto Torres, anunciaron la presentación e inicio de la obra a ­ ­mediados de este año. Según los informes, el proyecto incluirá el cierre de la Calle 5 de Mayo, entre Zuazua y Zaragoza para hacerla peatonal. La restauración de la misión artística del Antiguo Palacio Federal se inició con el objetivo de establecer un Laboratorio Cultural Ciudadano, el cual tiene como propósito potencializar la creatividad e innovación de los jóvenes para poder generar proyectos creativos. El proyecto invierte 107.9 millones de pesos; de los cuales 83.2 millones se destinan a obras inmobiliarias y otros 24.7 a equipamiento. El gobernador Jaime Rodríguez Calderón, resaltó la importancia de crear las condiciones para el desarrollo de la cultura y las artes a través de la experimentación con las nuevas tecnologías. - “Una promesa fue regresarle a la comunidad cultural un espacio que permita que creemos las nuevas historias y el nuevo arte. Estamos otorgando las condiciones que necesitan las nuevas generaciones para trascender al futuro [...] Queremos atraer a este espacio a los genios para que diseñen el Nuevo León que necesitamos todos” “Un laboratorio ciudadano es un espacio de generación de ideas, abierto a proyectos de personas e instituciones que buscan la solución de problemas en conjunto. “ Marcos García, director artístico de MediaLab-Prado, ­Madrid, destacó que el objetivo del Laboratorio Cultural Ciudadano era convertirse en una plataforma generadora de ideas que esté al servicio de la población. “La infraestructura del Laboratorio Ciudadano promueve la colaboración y la realización de proyectos. No es tanto un centro cultural que programa contenidos, sino que sirve como una plataforma para que personas con ideas se reúnan con colaboradores y puedan llevarse a cabo”. El LABNL contará con espacios para la creación de diversos contenidos y aprendizaje como: aulas taller, talleres de producción, un estudio audiovisual, estudios sonoros, escénicos, de arte, tecnología, producción digital e ideas, así como incluir un espacio dividido para seis laboratorios donde abordan diferentes temáticas relacionadas a la producción. De igual manera, contará con rincones escénicos, almacenes, oficinas y cafeterías (por nombrar algunos) dirigida principalmente a los jóvenes entre 16 y 35 años. Por ello es que es considerado que este tipo de espacios deben estar abiertos al público, así como las instituciones educativas y culturales para el desarrollo de proyectos en conjunto. Las obras para el Laboratorio Cultural Ciudadano empezaron el pasado 14 de julio del 2020 y se tiene planeado que el Laboratorio inicie sus operaciones a principios de diciembre de este mismo año. POR: CONARTE octubre 2020 23 �E V E N T O S Uno de los festivales más grandes de diseño, arte y fotografía de Latinoamérica, que da oportunidad a estudiantes de compartir un momento con los artistas más reconocidos de la industria, se adaptó de manera virtual con más de 30 webinars y 50,000 espectadores de todo el mundo. POR: SOFÍA SANTOS ARIZPE W acom Academy es una iniciativa educativa de la marca Wacom dirigida a estudiantes para que descubran nuevas técnicas y herramientas que los ayuden a impulsar su creatividad y potencial artístico. El evento da oportunidad para que los aspirantes interactúen con personas profesionales en el campo a través de conferencias, eventos, talleres y concursos presentados por los mejores artistas en el mundo de la animación y diseño. Abarcando temas como diseño, animación 2D y 3D, escultura digital, diseño de cómics y personajes, efectos visuales y edición de fotografía. 24 octubre 2020 Cada año, desde 2017, han realizado un tour por distintas universidades de América Latina, donde artistas reconocidos como: Aaron Blaise (Rey León, La Bella y la Bestia, Pocahontas), Dan Katcher (Game of Thrones) y Mike Thompson (Marvel: Black Panther), presentan clases a los estudiantes y hablan de su experiencia y procesos con herramientas de Wacom. Este año tuvieron que planear una dinámica distinta para que el evento se presentara a los estudiantes. Formando así el e-Fest 2020 Wacom Academy, un evento en línea, completamente gratuito con más de 60 horas de contenido, dando oportunidad a que estudiantes interesados de otros países también tuvieran acceso a las pláticas con diferentes artistas. Agenda e-Fest 2020 Horarios de artistas invitados el 4 de septiembre. academy.wacom.com E-FEST 2020 WACOM ACADEMY (De izquierda a derecha) Ilustraciones para WacomAtrévete hechas por @bydigu, @leodelsabio, @dandan_gula, @inhuumi, @cuartitochill en Instagram E-FEST 2020 WACOM ACADEMY Para su cuarta edición, se organizó un evento virtual de 4 días donde 30 artistas reconocidos mundialmente, platicaron sobre temas específicos a su carrera o también trabajaron en vivo creando piezas o ilustraciones para explicar su proceso al momento de trabajar con los programas y herramientas. Las conferencias duraron aproximadamente una hora y media, contando con momentos para que los estudiantes presentes en la sesión pudieran hacer preguntas o mostrar trabajos de su portafolio para recibir retroalimentación de los artistas. La edición reunió a más de 50,000 asistentes, de 20 países, registrados en las conferencias y 120 portafolios de alumnos de diferentes universidades para ser revisados por los profesionales y generar reconocimiento de la comunidad Cumpliendo así el objetivo de Wacom Academy, que busca llegar a artistas aspirantes que quieran aprender nuevas técnicas y generar un espacio donde puedan acercarse al mundo laboral de esta increíble práctica a través de pláticas con los artistas más importantes que comparten con ellos la misma pasión por el arte y la animación. ARTISTAS INVITADOS En esta edición se presentaron artistas destacados de diferentes partes del mundo como Argentina, Chile, Colombia, Perú, Estados Unidos, Guatemala, Inglaterra y México. Reunieron a artistas reconocidos de Disney, Pixar, Marvel y DC como: Grant Alexander, de Pixar por diseño de personajes; Armand Serrano, que ha trabajado con efectos visuales en Disney; Hugo Blendl, que participó en la animación de Rick and Morty; Mike Sandoval, artista digital que participó en proyectos para Corona Capital y Foo Fighters; y Daniel Bel, escultor digital en Sideshow Collectibles. octubre 2020 25 �E V E N T O S WEBINARS El evento presentó las conferencias a través de Zoom, desde la mañana hasta la media tarde, donde los artistas contaron con una hora y media aproximadamente para compartir una charla o presentación con los estudiantes. Te presentamos un resumen de algunos webinars de esta edición: LILA CRUZ La conferencia empezó con la artista, presentándose y demostrando su trabajo de ilustración editorial para portadas de libros. Su plática fue muy útil para los estudiantes ya que hizo una demostración con la tablet de Wacom en el proceso de sus ilustraciones, aportando tips y técnicas mientras compartía su pantalla para que pudieran ver lo que estaba haciendo. También habló de la importancia de estar familiarizados con materiales reales como acuarela, para poder trabajar más fácil con las tabletas gráficas y los pinceles. Hubo un momento donde revisó trabajos de los estudiantes y les ayudó a mejorar sus piezas demostrando las técnicas y referencias para que pudieran lograrlo. ¡ MIRA TODAS LAS CONFERENCIAS ! Puedes visitar la página de Wacom Academy, academy.wacom.com para disfrutar de los webinars de todos los invitados, accesibles para todo público. Artistas Invitados Banner de academy.wacom.com GRANT ALEXANDER Grant empezó presentando su trabajo en Pixar, en el cual estuvo por 12 años, formando parte de producciones como Cars 2, Onward, Soul y Coco. Esta plática informó a los estudiantes de los procesos que se llegan a tener en Pixar, y cómo trabajó los backgrounds de Coco. También platicó sobre el diseño de personajes, haciendo una demostración de su proceso, mientras respondía preguntas sobre su carrera y experiencias en todo su trayecto artístico. GRETEL LUSKY La artista empezó con una pequeña introducción de su trabajo y carrera. Para la conferencia presentó su proceso desde cero para crear una ilustración. Explicó paso por paso todo lo que hace desde los ajustes del archivo en Photoshop hasta detalles de la paleta de color que utilizaría. Mientras trabajaba en la ilustración, respondió preguntas sobre el proceso de sus bocetos, las herramientas que más usa en la aplicación, entre otras. HUGO BLENDL Su plática empezó con un agradecimiento a WACOM por la oportunidad de trabajar con la comunidad artística y sus viajes con la marca para dar charlas y clases de animación 2D y 3D, para mejorar la industria de esta rama en Latinoamérica. Habló sobre su carrera en Netflix y proyectos con Universal. Sobre su proceso, técnicas y tips para mejorar. La plática fue muy divertida ya que mientras iba contando un poco de su historia, estaba animando pequeñas ilustraciones que acompañaban lo que decía. Además de la plática, preparó unos ejercicios para presentarles a los estudiantes y les explicaba herramientas del programa mientras animaba. Webinars Captura de pantalla de las sesiones de Lila, Grant, Gretel y Hugo. Reproducidas en la página de Wacom Academy. #WACOMATRÉVETE Además de las conferencias y demostraciones de nuevos productos de Wacom, se organizaron concursos con algunos artistas y el concurso principal “#WacomAtrévete”. La convocatoria empezó a finales de agosto cerrando el 11 de septiembre para anunciar a los ganadores una semana después. Sin embargo, debido a la gran respuesta de los aspirantes, recibiendo 2000 piezas por calificar, la fecha de la premiación se cambió para el 23 de septiembre donde los ganadores se nombraron en la cuenta oficial de WACOM en instagram. 26 octubre 2020 Dentro de los jueces para decidir a los ganadores, estaban los mismos artistas invitados al evento: Gretel Lusky, Mike Sandoval, Mikeila Borgia, Nicolás Chacín, Mr. Phillip y Linda Platas. Calificando a los artistas por la ejecución de la idea, presentación, la historia, sin dejar a un lado el nivel de originalidad y técnica. El concurso estaba dirigido a artistas amateurs exclusivamente, ya que su objetivo principal era descubrir el talento emergente e impulsar a nuevos artistas a mostrar su trabajo con la comunidad sin importar qué tipo de arte usan para expresarse, ya fuera, digital, análogo, fotografía o animación. Ganadores de WacomAtrévete Captura de pantalla de @wacom en instagram. octubre 2020 27 �E V E N T O S “Se proyecta” el certamen de cortometrajes de la UANL POR: OSCAR DE JESÚS SÁNCHEZ RODRÍGUEZ U n certamen que dio inicio el pasado 20 de febrero, cuyo objetivo es invitar y motivar a sus alumnos a poder demostrar su ta- lento artistico en la creación de cortometrajes. Esta tuvo dos tipos de categorías: La primera llamada “Categoría Especial” dedicada a estudiantes de la Facultad de Artes Visuales, Facultad de Artes Escénicas y la Facultad de Ciencias de la Comunicación. La segunda llamada “Categoría Generales” donde podrían participar el resto de los estudiantes de facultad y preparatoria. El total de cortometrajes registrados para esta convocatoria 2020 fue un total de 33, donde 17 de ellos pertenecían a la “Categoría Especial” y 16 para la “Categoría Generales”, sin duda alguna quedó claro que ni la pandemia puede detener la creatividad y el amor de cada uno de los participantes por plasmar sus ideas en un cortometraje. Los premios para los cortometrajes ganadores fueron para el primer lugar la cantidad de $25,000, para el segundo lugar el monto de $15,000 y por último el tercer lugar $10,000, además de que estos cortometrajes ganadores serán proyectados gracias al Ficmonterrey. 28 OCTUBRE-2020 Hay que felicitar y agradecer a cada uno de los estudiantes que participaron por su gran esfuerzo de lograr que un evento como lo es el Certamen de Cortometrajes de la UANL fuera un éxito, a pesar de la situación que estamos pasando,motivando a muchos estudiantes a que participen en el próximo certamen y sobre todo a seguir con sus sueños de producir grandes historias. Oscar Sanchez Los ganadores para los participantes de la “Categoría Especial” fueron los siguientes: En primer lugar, tenemos al estudiante Emanuel Sena Galeana de la Facultad de Artes Visuales que nos presentó “Los niños perdidos” un cortometraje repleto de drama. En segundo lugar, se lo llevó “Desde mi pantalla” con un cortometraje con un tono de romance dirigido por Luisa Valentina Frassier Canache estudiante de la Facultad de Artes Visuales. En tercer lugar, también de la Facultad de Artes Visuales lo obtuvo Marlon Fabricio Romero Algaba con su cortometraje lleno de drama, delincuencia juvenil llamado “Castigada”. Agradeciendo a cada uno de los estudiantes que pusieron en alto el nombre de nuestra facultad en el certamen de cortometrajes, esperando a que llegan mas logros para casa uno de ellos y que sigan animando a todos nuestros compañeros a seguir creando varias historias, Fuente de imagen “Sitio web UANL” Los ganadores para los participantes de la “Categoría General” fueron los siguientes: En el primer puesto se lo lleva la estudiante Sara Gabriela Arredondo Mendoza de la Facultad de Arquitectura con su cortometraje “Azúcar” manejando un género de ficción. En el segundo puesto lo tiene el documental titulado “Cuarentena” dirigido por el estudiante Iaf Ueman Alcántara Sánchez de la Escuela Industrial y Preparatoria técnica “Pablo Livas”. En tercer puesto lo obtuvo “Yakei: Los vigilantes de la noche” un cortometraje de horror surrealista, dirigido por el estudiante Joshua Samuel Rincón Ramos de FACPYA Cada uno de estos estudiantes nos hacen saber que todos llevamos un artista adentro y que no lo unico que nos detiene es el no intentarlo, y esperemos ver mas participaci´n de otras facultades para conocer diferentes estilos y visiones de contar una historia. Fuente de imagen “Sitio web UANL” Y además de tener a los ganadores en sus respectivas categorías, también hubo menciones honoríficas para algunos cortometrajes, los cuáles fueron: De la “Categoría Especial” fue un documental de ficción titulado “Coliseo” dirigido por la estudiante Gabriela Ramírez Zúñiga de la Facultad de las Ciencias de la Comunicación. Otro cortometraje con mencion fue “Ave” un drama familiar dirigido por el estudiante Alejandro Medina Vega de la Facultad de Artes Visuales también de la “Categoría Especial” Y por último un cortometraje perteneciente a la “Categoría General” fue para el drama “Piojo” del estudiante Tadeo Osvaldo Hernández Silva de FIME OCTUBRE 2020 29 �S E C C I Ó N 30 septiembre 2018 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2020 Número Número de la revista 3 Mes de publicación Mes cuando se publicó Octubre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2020, No 3, Octubre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/10/2020 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020114 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Artes Colores Cortometraje Docentes Emprendedores imspiración Laboratorio cultural ciudadano Letterning https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20003/Croma_2020_No_4_Diciembre.pdf 2b6234f9fff037f24125baf68e7fb786 PDF Text Text Arte. Diseño. Audiovisual Diciembre 2020 Número 4 El ARTE urbano, una EXPRESIÓN SOCIAL septiembre 2018 1 �Í N D I C E pág. 04 pág. 18 Alumno Destacado pág. 06 Emprende pág. 20 Docentes pág. 08 Enfoque pág. 22 Nota de portada pág. 16 Artes pág. 26 Emprendedores Artes 2 ENERO 2021 �edores pág. 28 Eventos pág. 30 Eventos Créditos M.C. Rogelio Garza Rivera Rector QFB Emilia Vásquez Farías Secretaria Académica Dr. Celso José Garza Acuña Secretario de Extensión y Cultura Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González M.A. Abigail Eugenia Guzmán Flores Subdirectora de Posgrado Estancia de producción Oscar de Jesús Sánchez Rodríguez, Andrea Guadalupe Olivares Pérez, José Manuel Ochoa Osorio, Andrea Reynosa Pedraza, Uriel Almazán Martínez y Sofía Santos Arizpe Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz Portada Carlos Robledo y Hazael Holz eNERO 2021 3 �A L U M N O D E S T A C A D O JESSICA PÉREZ POR: URIEL ALMAZÁN ¿Alguna vez te has preguntado qué es estar en el programa Talentos de la UANL? Pues quédate aquí porque nuestra compañera de Diseño Gráfico, Jessica Pérez nos contará un poco de cómo ha sido su experiencia en este esquema que maneja nuestra Universidad. P ropiamente, Jessica es una alumna que, como muchos, desde un inicio no tenía idea de qué quería estudiar como carrera; y quizás esto te parezca un dato curioso pero ella tenía pensado estudiar mecatrónica antes de decidirse por diseño. Esto gracias a la influencia de su padre al ver que se metía de lleno a arreglar las computadoras en las tardes. Y no fue sino hasta la preparatoria donde decidió unirse a un curso de dibujo, pues desde niña esta actividad siempre ha sido su favorita y como pasatiempo. Durante este curso, el maestro que estuvo al frente estudió diseño. Entonces en las clases él contaba mucho las cosas que hacía y eso despertó su interés. Luego en casa revisó el plan de estudios que tenía la escuela y se sintió atraída por este, pues habían muchas cosas que no conocía y sonaban demasiado interesantes. Y poco a poco se fue generando este interés por la carrera hasta desarrollarse como un amor a lo que hace tanto en diseño como en manualidades. Al llegar a FAV, la oportunidad de ser alumna talento le llegó de sorpresa pues cuando recién comenzaba el semestre logró ser parte de los primeros 10 lugares en el examen de ingreso. Le ofrecieron formar parte del programa y sin saber mucho de lo que le depararía, aceptó. Para su sorpresa el formar parte de este programa le abrió muchas puertas que aprovechó para todo. 4 ENERO 2021 �POR: JESSICA PÉREZ Tú eres tú, tú decides qué vas a hacer porque es algo que tú vas a experimentar y no tu tío, tu mamá o tu abuela”. -Jessica Pérez POR: JESSICA PÉREZ Le ayudó a descubrir su manera de trabajo basado en la organización, esto a causa de que este programa le demandaba muchas horas de servicio (80 en total al año) debía de distribuir su tiempo muy bien en toda la semana para que pudiera hacer todo lo que tenía (y quería) hacer: las áreas, cumplir con las horas de talentos, ver a sus amigos y sobre todo darse tiempo para descansar y recuperar energías. Gracias a este programa, logró conocer a muchos maestros, quienes le han dejado su contacto para poder contar con ella con algún proyecto que les llegara a surgir, logró conocer a muchas personas tanto en el programa como fuera de la Facultad. Así mismo, el formar parte de este programa le ayudó a descubrir (y reforzar) su método de trabajo; que es a base de post-its. Al hacer una lluvia de ideas, se queda con las mejores cinco que puedan concretar una buena base y de ahí comienza a crear y hace crecer su concepto hasta lograr las cosas que nos muestra en sus trabajos. Por otro lado, una ventaja que le ofreció este programa fue el poder irse de intercambio a España donde se fue a una escuela de Bellas Artes y logró viajar por toda Europa, donde nos contó que en este continente la gente respeta mucho los espacios visuales para evitar un ruido visual en la calle, o que si en un lugar el color predominante de los diseños es azul, todos los demás diseños de las competencias los puedes ver con la misma gama de color dominante. Y en especial que allá se busca destacar por formas y mensaje, no por colores. Por último, Jessica alienta a los alumnos que deseen irse de intercambio a que se atrevan a no tener miedo a tomar sus propias decisiones. A afrontar nuestros miedos y salir de nuestra zona de confort. Y que tengan paciencia ya que este proceso de intercambio es muy lento y largo, muy tedioso y cansado; aparte de estar lleno de papeles. Pero es algo que vale muchísimo la pena como una experiencia de vida para contar. POR: JESSICA PÉREZ eNERO 2021 5 �D O C E N T E S Ana Fabiola Medina Ramírez POR: JOSÉ MANUEL OCHOA OSORIO Maestra, ¿quién es Ana Fabiola Medina Ramírez? Soy psicóloga, la licenciatura es con Acentuación en Psicología Clínica Infantil, continué haciendo la maestría precisamente porque yo quería seguir buscando un espacio en el arte y me di cuenta en un momento que necesitaba profesionalizarme. Entonces entré a la maestría en la Facultad de Artes Visuales, pero ahí me reencuentro con la psicología, me interesa mucho la investigación. Mi tema de investigación fueron procesos formativos en la infancia, los procesos creativos de la niñez. Hice un doctorado en filosofía con acentuación de estudios de la cultura, donde continúo mi investigación en procesos formativos de la niñez. Toda mi vida he sido dibujante. Toda mi vida he sido una niña que dibuja todo. Ese es mi recuerdo más antiguo: estar dibujando, estar coloreando. Mi interés por el arte se mezcla mucho con la psicología, siempre mirando a la infancia. El doctorado y la maestría me dieron oportunidad de hacer talleres, de acercarme mucho a la niñez. Primero para tener los documentos que yo requería de mi investigación, pero después llevarlos a los docentes. Y ahí es donde entra este diálogo y este reto de mostrar mi propuesta al que está trabajando con niñas y niños todos los días. Cómo la reciben, cómo la llevan a sus aulas y cómo la traen de regreso. Eso me ha enriquecido muchísimo. La vida no es algo lineal. Te presenta experiencias que hacen que des el giro. El encuentro con personas también, en mi caso, le debo muchísimo de toda esta inspiración al doctor Ramón Cabrera Salort quien fue mi tutor en la maestría y al doctor José Javier Villarreal, que fue quien me introduce a la literatura y fue mi tutor en el doctorado. A ambos les debo muchísimo de mi formación y siempre que tengo la oportunidad lo comento Te expresas a través de diversas formas de artes. ¿Cómo eliges una forma u otra forma de arte?. Ese siempre ha sido un gran misterio. Aunque he revisado libros, que te muestra cuál es el proceso creador, de donde surge este ímpetu, esa necesidad por crecer, por crear, por expresar. Pero nunca explican por qué elegimos que esto sea pintura, que esto sea dibujo, que esto sea escultura, que esto sea un poema. Siempre dices ¿por qué necesita salir con este cuerpo, en esta codificación? entonces yo simplemente me dejo llevar. También son épocas. En un momento me acerqué mucho a la escritura, tomé talleres, como por ejemplo con Margarito 6 ENERO 2021 POR: FABIOLA MEDINA RAMÍREZ Cuéllar, y me jacto por haber tenido excelentes personas cerca que te nutren mucho, personas creativas, que creo que eso es lo más importante para ser un creador, estar en medio de un círculo de creadores. ¿Por qué los murales? ¿Qué expresas ahí? Mira, cuando empecé de voluntaria, primero empecé en la clínica 25. Ahí hay un espacio muy pequeño donde van los niños, los pacientes pediátricos, era un espacio muy saturado. Anteriormente había tenido otra invitación a pintar murales en el en el Hospital Universitario, también en el área de pediatría, ahí tienen un patiecito de juegos para los niños internados y quise ponerles un cuento, imágenes, no nada más una pintura que alegrara el espacio como un salón de fiestas infantiles, sino con esta vocación de la educación en el arte darles elementos para que se detuvieran a contemplar. Eso es algo que debemos enseñar, uno de los primeros pasos para introducir en la apreciación del arte es enseñar a detenerse y contemplar la pieza. Cuando me invitan a ser voluntaria en el Hospital Materno Infantil, empecé haciendo talleres, después empecé a tener la libertad para pintar, había muchos muros blancos, y convencí del proyecto de empezar a pintar murales. Mostré muchos bocetos hasta que me dijeron: bueno, está bien. Yo ya estaba con el pincel en la mano, fueron muchos meses del proceso hasta que por fin estaba aprobado. Ya llevo 80, y salen más y más, �parece que no hay tanta pared, pero hay muchísima y todavía me quedan pendientes. Y fue esa misma idea que hubiera un diálogo. Primero educar la mirada del de los niños y niñas. Entonces ¿cómo hago esto? Ofreciéndoles distintas formas de líneas, curvas, rectas y zigzags, darles también distintas figuras. Y son figuras que son de la experiencia y parte de la experiencia de ellos, como los animalitos, que es lo que más les agrada. Entonces ven una silueta de una jirafa, saben que es una jirafa, pero de repente lo nuevo, la experiencia nueva. Porque si fueran nada más imágenes que son conocidas, o sea que pertenecen a su experiencia, no hubiera diálogo. Hay una parte de la experiencia infantil ahí y otra gran parte de lo que la imagen te da, por ejemplo, en un degradado que te lleva de un azul a un rosa, un elefante pintado en morado, cuando tú pintas o coloreas los elefantes en café o en gris, una jirafa construida con puros pajaritos. Entonces formas nuevas de representar. Ese es también parte del diálogo, y parte de este juego que quiero hacer, porque en los murales también hay juegos para ellos. También he tenido la oportunidad que en muchos de los murales hay intervenciones de los propios pacientes, que también es un diálogo con el niño, con la niña, quien se da cuenta que el trazo es de otro niño como ellos, porque quiere decir que es un testimonio de que estuvo una niña o un niño pintando. Y ¿cuándo pintas? cuando estás feliz, cuando te estás restableciendo, cuando estás mejor, entonces esa es una señal, también una huella de que se pasan momentos de felicidad. POR: FABIOLA MEDINA RAMÍREZ ¿En qué te inspiras para crear el arte? Mis inspiraciones. Muchos los libros, por ejemplo, mis imágenes que me provocan los libros, que me remiten mucho a mi niñez, porque yo lo que hacía con mis hermanas era eso, recortar, dibujar. Eso me remite mucho a mi niñez. El retrato me inspira en la persona que estoy pintando, cuando no es encargo, y cuando ese encargo, bueno, el gusto que me da hacerlo. ¿Cómo organizas tu tiempo? Prioridades, dándole tiempo a la otra prioridad, que es la de crear. A veces con 15 minutos tienes o con media hora para dedicar a tus actividades. Hay cosas que traigo en la cabeza y que digo ahorita no es el momento porque tampoco 15 minutos va a ser suficiente y a veces necesito toda una tarde o todo un fin de semana para concentrarme. De todas tus obras ¿qué consideras que tienen en común y qué las hace únicas y diferentes? Yo creo que la honestidad, yo siento que juego mucho como niña, si literal, como niña. Y si lo expreso mucho, sobre todo en los libros, en el papel. Sí soy cursi y sí soy romántica, y lo expreso. Tengo situaciones, por ejemplo, de situaciones como mujer, soy empática con muchas situaciones que por las que se está luchando actualmente, en el espacio feminista, si las comparto, sí aparecen, pero van a aparecer con mi matiz. De los murales que tienes en el Hospital Materno Infantil, ¿cómo están ellos conectados? Todos tienen los mismos tonos, los colores, porque yo manejo una psicología del color. Es un espacio hospitalario donde la salud mental es importante para el restablecimiento. Entonces uso tonos azules, verdes, si acaso morados, pero no hay colores estridentes. El rojo está muy poco porque aparte el rojo evoca la sangre, alerta mucho; el amarillo está presente también y los naranjas, los cálidos están, porque si no se vería todo muy frío, pero están en menos cantidad. Los colores son un elemento que transita, que está a través de todas las imágenes. Los temas siguen siendo de animales, la mayoría. Jirafas, elefantes, las peceras, ya tengo mi globo pecera, esa imposibilidad de un globo pecera con el pececito adentro y que está como que flotando. Juego mucho con los árboles, pero esos árboles que se transforman. La transformación está en muchos de los de los murales. La Dra. Ana Fabiola Medina Ramírez es catedrática y directora de la carrera de Artes Visuales en la FAV de la UANL. Algunos de sus murales se encuentran en el Hospital Materno Infantil en Guadalupe, NL. Parte de su obra puede ser vista en sus redes sociales https://www.facebook.com/AnaFabiolaPoetaVisual. eNERO 2021 7 �M U R A L I S M O Carlos Robledo POR: JOSÉ MANUEL OCHOA OSORIO 8 eNERO 2021 �eNERO 2021 9 �POR: CARLOS ROBLEDO M U R A L I S M O I nició pintando murales en el programa Monterrey Joven, actualmente es el Coordinador de murales en el Instituto Municipal para el Desarrollo Cultural de San Nicolás. Desarrolla su obra principalmente en muros, street Paint, chalk, mandonnari y pintura de caballete. Ha realizado y expuesto su obra en Italia y Alemania, la cual se caracteriza por el retrato y la figura humana. ¿Cómo fue tu acercamiento al mundo del arte? ¿Cómo fue que empezaste a pintar? Yo creo que eso viene desde el kínder. Cuando yo entraba a concursos de dibujo y de hacer cuentos. Poco a poco iba ganando algunos premios y te ganabas una libreta para que tú siguieras practicando. Después hubo dos tíos que, en diferente tiempo, yo veía trabajar. Uno es Ricardo Moreno y otro es Daniel Reséndiz Murillo, ellos veían que yo más o menos sabía dibujar y me enseñan a perfeccionar un poquito la técnica, uno en caricatura y otro un poquito más en retrato. Luego en la secundaria yo continuaba haciendo retratos. Después le continué yo viendo a gente pintando murales y todo eso y me gustó. ¿Cuál fue tu motivación para que le interesara el arte? Mis tíos fueron ejemplo a seguir. Tal vez el golpe que más recuerdo con lo que hago actualmente, que son los murales, fue en una ocasión que vi pintando a un chavo que se llama Morgan 10 ENERO 2021 y él estaba pintando un mural por la colonia Industrias del Vidrio, estaba participando en un concurso que se llamaba “Haciendo Esquina” en San Nicolás y me gustó mucho lo que estaba pintando, yo dije, bueno, a lo mejor me gustaría hacer esto algunas veces, pero solamente fue así como que tal vez lo haga, pero de ahí me quedó la espinita y seguí practicando y practicando actualmente es a lo que me dedico. Los artistas que influyeron mucho fueron Adrián Procel y Orlando Maldonado, era impresionante la técnica que tenían. ¿ Cómo fue tu primera obra en el arte urbano? La primera obra en mural fue una práctica en la Facultad de Artes Visuales, creo que fue en segundo semestre. No fue directamente sobre una pared, sino fue en un lienzo grande y fue con cuatro compañeros. Después hicimos un mural, también por la Facultad de Artes Visuales, era buscar en los alrededores de la colonia cercana para realizar un mural. Lo realizamos entre Ricardo Esquivel, Alejandro Uzeta y un servidor. Me gustó muchísimo la experiencia. ¿Cuáles son las dificultades contra las que te has enfrentado al pintar sobre muros? Puede ser que se seca muy rápido la pintura y estás expuesto a las inclemencias del tiempo. Más que nada el solazo y la proporción. Pero ya después, pasando el tiempo, vas solucionándolo. �Con la EXPERIENCIA vas hallándole más rápido la SOLUCIÓN a las cosas" ¿Existe algún mejor momento para empezar a hacer el arte o realmente a cualquier hora se puede comenzar sabiendo cuáles son las condiciones? Bueno, antes no había tanto problema. Ahorita, por ejemplo, si le saco la vuelta al sol, tratamos de pintar cuando no nos da tan de lleno el sol. Porque si afecta mucho pudiendo ocasionar hasta cáncer de piel o solo deshidratación. ¿Cómo y cuándo se dio cuenta del potencial suyo para esto que hace hoy en día? Yo creo que fue en ese concurso de “Monterrey Joven” donde sacamos el segundo lugar. Si bien ahorita no nos gusta tanto cómo fue el resultado, si no hubiéramos iniciado con eso, no hubiéramos continuado, entonces yo creo que ahí fue donde dijimos bueno, lo hicimos bien, pero se puede hacer mucho mejor. eNERO 2021 11 �POR: CARLOS ROBLEDO M S U ER CA CL II Ó S M N O ¿Qué diferencia existe entre el arte urbano y los murales? El arte urbano engloba un poquito más todas las expresiones que se dan en la calle o en el muro, puede ser stencil, graffiti o stickers. En el mural en sí es nada más la pintura, generalmente es en acrílico. ¿Por qué arte urbano y no otra expresión artística? Me gustó bastante. El hecho de que Adrián Procel me inspirara a hacer esto. Me gustó tanto el trabajo sobre muro y que mucha gente lo puede hacer, o replicar o continuar, porque hay demasiados estilos y técnicas de diferentes artistas. Hoy puedes enfrentar tu verdad a un muro, para un artista que ya tiene varios murales no es algo así como que extraordinario, pero para alguien que va iniciando muchas veces es su primer proyecto y si este en sí le sale bien o si le queda una buena impresión va a continuar. Hay mucha gente que ya no le sigue, pero me ha tocado muchos artistas muy buenos que continúan, entonces a mí me gusta más que nada eso de estar en el arte urbano, porque puedes abrir el espacio para que más artistas continúen. ¿Haces algo más, aparte de pintar? Yo trabajo actualmente como coordinador de murales en el Instituto Municipal para el Desarrollo Cultural de San Nicolás. Hago también obra sobre caballete y lienzo. También lo que es el mandonnari o street art que es con gis pastel. También me gusta hacer deporte ya sea bicicleta o futbol, pero prácticamente es que me la paso pintando o dibujando casi todo el tiempo. 12 ENERO 2021 ¿Cómo nace tu inspiración? ¿Cómo es el proceso de inspiración tuyo? ¿Desde dónde creas? Puede ser desde muchas maneras. Generalmente tienes, aunque sea una libretita o un sketchbook que siempre traes por si se te ocurre alguna idea, haces el boceto rápido o el bosquejo y después tratas de llevarlo a cabo en algún mural. Y también me gustan mucho los libros, ya sea de historia de la naturaleza o de retrato, me gusta mucho ver y tal vez de ahí te inspira verla para después hacer alguna cosa. Trato de no ver muchas obras de arte de otros artistas en la cuestión de arte urbano no tomar cosas que hicieron otros. Sí, generalmente ya está todo hecho, pero hacerlo a tu manera. Para ti, ¿cómo es el conservar tu esencia para decir yo soy de arte urbano? Yo creo que es más que nada hacer esa cadenita, por ejemplo, si tú tienes una habilidad, un don y tú lo puedes repartir y luego esos que lo tomaron lo pueden repartir a otros más y así se va haciendo esto algo más grande. Entonces yo creo que esa es la esencia que me gustaría que siempre se conservara ¿Cuáles han sido las dificultades más grandes que te has encontrado en el camino de ser artista? Las otras cosas que te comentaba antes del sol o de la pintura se seca muy rápido, esos son cuestiones fáciles de resolver, o te vas ahí acoplando. Pero la cuestión a lo que me he enfrentado más fuerte es la camaradería. �septiembre eNERO 2018 2021 13 �M U R A L I S M O Hay ocasiones que ciertos artistas le temen, en lugar de favorecer a que entre más gente como que cambian el ego y tratan de boicotear a los mismos artistas, o de criticarlos o de criticar un estilo. Y en el caso de un servidor, o de donde trabajamos es tratar de que todos los estilos sean válidos, todos los artistas son buenos. A mí me gusta siempre conservar eso, que es la camaradería y tal vez una de las principales problemáticas que me ha tocado en el arte urbano es eso, el que se pierden un poquito, de repente se gana en algún concurso o así y se le sube y se olvida la raíz o la esencia de lo que es el arte urbano. De las obras que has hecho ¿consideras que éstas tienen un común denominador? Yo creo que es el retrato y la figura humana. Me gusta mucho y casi toda la obra que hago es el retrato y la figura. Pues lo ve mucha gente, desde niños hasta personas adultas, entonces de repente me gusta que sea algo más digerible, que lo pueda ver cualquier persona. Hay demasiados estilos diferentes y todos son correctos. La ESENCIA yo creo que es que cada artista tenga su sello y su estilo." redes sociales _ INSTAGRAM @carrobledo _ FACEBOOK POR: CARLOS ROBLEDO Y MONKEY Lic.Carlos Robledo 14 eNERO 2021 �"Ya estoy mejor" Obra por Carlos Robledo, acrílico sobre madera. De todas las obras de las que usted ha realizado, ¿Hay alguna a la cual le haya agarrado un amor muy grande, que le haya generado mucho cariño? De las obras, está una de un cabrito que se llama “Ya estoy mejor”, concursó en el periódico El Norte, del Grupo Reforma, en la muestra de arte Sierra Madre. Esa es una obra que me gustó mucho, se quedó en el concurso y me gustó tanto que la volví a hacer. También está una que se llama “Fortuna”, es un retrato de mi esposa, mide unos 60 por unos 60 y es un retrato que no me quiero desprender de él. Y en cuanto a obra en mural, hay uno que hice de Natalie Portman junto con Monkey que es de Montreal. Ese mural se ha estado repintando, cambiando el fondo, siempre con Monkey, Está ubicado en Manuel L. Barragán y Juan Pablo II en San Nicolás, ese mural me gusta mucho, es mi favorito. ¿Cuánto ha sido el tiempo máximo que le ha dedicado a una obra, ya sea por amor al arte, por trabajo, por lo que sea? En cuanto a murales tratamos de ser rápidos, por lo mismo del sol. Entonces nos hemos tardado, unos diez días en un mural grandísimo, pero es trabajar en ciertas horas, o cortarle a las 4 horas. Con sus obras, ¿Busca expresar algo, algún sentimiento, algún mensaje o algo que sus obras dijeran por usted? En la mayoría son retratos de personas que significan algo o que me inspiraron, ya sea en la música o en el cine, o familiares o amigos, que tenga empatía con ellos. Rara vez agarro murales por comisión, es muy raro si lo hago, pero es solamente con la amistad. Pero sí hay ocasiones en que se tiene que hacer bajo cierta temática o bajo cierto lineamiento, digamos, si vas a Houston, y te dicen que es un evento a beneficio, pero la temática es gente que sea de Texas o que, va a ser de puro cine o de puros músicos. Entonces ya hay una temática y te tienes que encajar ahí. Pero generalmente me gusta mucho hacer retratos de gente que admiro o que convivo con ellos o que quiero dejarles algo. Para Carlos, el arte urbano siempre va a existir como ha existido desde la prehistoria que pintaban en las cavernas. Incluso en Pompeya se hacía graffiti para propagandas políticas, pintura sobre muros. Siempre va a haber nuevas maneras, se usa el esténcil, los pegotes, y hay nuevas tecnologías como el video mapping. El arte urbano tiene un futuro muy largo. ¿Pero cuál? Solo el tiempo y la evolución de este arte lo dirá. eNERO 2021 15 �E M P R E N D I M I E N T O Rubí MUÑOZ ¿Te has imaginado tener tus gustos o cualidades en tu calzado? POR: ANDREA OLIVARES R ubi Muñoz con 21 años, originaria de Mazatlán, Sinaloa. Actualmente estudiante de cuarto semestre de la Facultad de Artes Visuales específicamente de la carrera de Artes Visuales, nos cuenta como fue desarrollándose en el mundo de la pintura, particularmente en la personalización de tenis. ¿Cómo descubriste que la pintura era para ti?, o en su defecto ¿cómo supiste que esto era lo que querías estudiar? Desde pequeña he vendido dibujos, pero a la pintura no me empecé a meter como hasta la secundaria, porque me daba miedo usar los colores, pues sé dibujar, pero no sabía acomodar o hacer uso de los colores en el dibujo; mis papás de pequeña me compraban crayones y libros para colorear, y practicaba pero en la secundaria me compre unas acuarelas y comencé a sacarles provecho y me di cuenta que no se me hacía nada difícil usarlas y desde ahí empecé a vender pinturas pero me compraban más los dibujos. En la preparatoria entré a varios concursos de dibujos y pinturas o participaba en las exhibiciones de la escuela, esto ayudó que mis compañeros comenzaran a ubicar mi trabajo. ¿Por qué venir a estudiar a Monterrey y no a Guadalajara? La verdad yo no quería quedarme en mi estado, lo amo pero quería ponerme un reto más grande y pues en Mazatlán ya conocía todo o casi todo y por esto decidí irme a otro estado, mi mamá me apoyó en esta decisión e investigué el plan de estudios en estos dos estados, Guadalajara tenía el plan de estudios más orgánico y en Monterrey era más teórico o sea que no nada más iba a ir a esculpir, pintar, dibujar, o sea si lo voy a hacer pero también vas a saber el porqué, y eso fue lo que me llamó la atención, ya que lo práctico lo puedo aprender sola y lo teórico si lo tenía que aprender de algún lado porque era más difícil que yo lo buscará. 16 ENERO 2021 FOTO: RUBÍ MUÑOZ Recuerdo que veía a mis hermanos estudiando algo donde se sentían identificados, cuando entré a la Facultad estaba muy feliz ya que estaba estudiando algo que me gustaba y cuando entre al CPA por primera vez, me quería morir, el ambiente de artes es muy bonito, los semestres pasaron muy rápido por lo bien que me sentía en la Facultad. Ojalá pueda conocer a más personas, eso es algo que me impulsa mucho a seguir adelante” ¿Cómo te sientes en la carrera actualmente? Siento que ahorita es el momento más crítico de la carrera porque me gusta estar con gente, tocar el material, poder hojear los libros y me estreso mucho porque no veo a mis amigos, si tengo dudas no es como que les puedo preguntar en ese mismo momento, ya sea a los maestros o a mis amigos. ¿Cómo iniciaste en la personalización de tenis? Los primeros tenis que subí fue en Mayo del 2018 y fueron de Caroline y la puerta secreta, tengo dos años haciéndolos pero fue por una amiga que inició todo, ya que me dijo que ella sabía que yo pintaba y que cuánto le cobraba por hacer lo mismo pero en unos tenis, al estar en ensayo-error básicamente se los regalé, estaban muy baratos porque no quería prometer mucho, no sabía cómo iban a quedar los tenis o que reacción iba a tener el material en ellos. �pares de tenis que le hago a Jesús Luna de la banda el recodo y se compartieron muchísimo, gracias a esto me hicieron una entrevista de una página en línea de Sinaloa. Cuando me pidieron el primer par, yo vivía en Texas por este motivo nunca se me hizo raro que me pidieran tenis de otro estado, nunca me había puesto a pensar que de verdad que los estaba mandando a otros estados y es muy bonito. POR: RUBÍ MUÑOZ Después del quinto par deje de contarlos y actualmente no se cuantos he hecho, pero la segunda persona fue una maestra y me pidió dos pares, gracias a esto fui subiendo, veían mi trabajo y me los pedían, he pintado tenis a gente que no imaginaba y a personas de otros estados, se siente muy bonito. ¿Cómo es el proceso para poder hacer una personalización de tenis?, ¿el cliente te dice su idea y tú la plasmas? El proceso comienza cuando me contactan por redes sociales, muchas personas me dicen traigo esta idea y la desarrollamos juntos o no me dicen nada solo de que lo quieren y me dan total libertad creativa para hacer las personalizaciones, otras tantas me dicen que quieren algo en específico y aquí trato de hacer que el cliente quiera cambiarle algunas cosas, en ocasiones me dicen que sí, pero en muchas otras me dicen que no, después de eso yo empiezo a hacer bocetos rápidos, le mando las fotos a los clientes y ellos me van diciendo si les gusta o no y cosas en las que moverles. En cuanto a los tenis, muchas veces me los dan nuevos a veces me depositan el dinero, los compro, los pinto y por último los entrego. El tiempo de entrega varía, si me encuentro en vacaciones los puedo pintar en un fin de semana, pero cuando estoy en clases el tiempo de entrega es una semana, más que nada para no estresarme y que eso se vea reflejado en mi trabajo. ¿Has pensado en abrir una tienda física? Si, me gustaría, pero no me gustaría pintar muchos pares de algo en especifico, siento que es más fácil que alguien se enamore de algo que pidió y no de algo que ya estaba hecho, se perdería la magia de la personalización; lo que si me gustaría es tener como un local para exhibirlos, no tanto para venderlos sino para mostrarle a la gente lo artístico. Me gusta mucho conocer a personas porque ellas me pueden enseñar cosas que nunca haya visto en la Facultad y me parece muy padre que esas personas te alimenten, así como tu lo puedes hacer con ellas ya sea en lo estudiantil o en la vida. Visita su instagram para ver más de su trabajo. @rubi_zelda_munoz y en @therutlan_island_shoes POR: RUBÍ MUÑOZ Cuando entraste a la Facultad, ¿te imaginaste que algún día ibas a estar personalizando cosas para personas que no son de tu vínculo social? Pues es que simplemente se dio y me gusta mucho hacerlos, mi parte favorita es ver la expresión de las personas al abrir la caja y verlos, sin embargo, como todavía estoy en la Facultad, me gustaría ir perfeccionando todo porque se que todavía me falta mucho por aprender, pero como ya me encuentro dentro del medio, claro que me gustaría que se pudieran compartir mucho más y que llegara a más personas, de hecho, ya van dos eNERO 2021 17 �E M P RS EE NC DC II M Ó INE N T O FOTOGRAFÍAS POR MARCO REYNOSA "Nunca te imaginas que quieres ser fotógrafo cuando eres niño" Así empezó nuestra entrevista con el ex alumno FAV y ahora reconocido fotógrafo Marco Reynosa. Nos cuenta sobre su historia, su carrera, sus inspiraciones y la creación de su empresa… Encuentra su trabajo en instagram _ ESTUDIO @marcomaschuy _ PERSONAL @marcoreynosa POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA M arco Reynosa es un fotógrafo muy reconocido en Monterrey, Nuevo León. Es egresado de FAV y nos comentó que empezó estudiando Diseño Gráfico, se graduó como tal pero empezó su carrera siendo Ilustrador, ya que otra de sus pasiones es el dibujo de la figura humana. Su primer acercamiento al mundo artístico y a la fotografía fue al tomar un curso en nuestra Facultad de Artes Visuales y ahí fue donde conoce y se interesa en esta área. “Mi primer trabajo fue en una agencia de publicidad como director de arte, gracias a ello, todo esto del mundo de la fotografía empezó cuando estaba realizando un proyecto, siempre tomaba fotos según el proyecto, buscaba el “objeto”, le tomaba foto y lo editaba para presentarlo, ahí fue donde se complementó todo, vieron que sabía de fotografía, entonces pasó que ya no solo diseñaba, sino que también les vendía mis fotos.” ¿Cómo se fue despegando del Diseño? A los clientes de la agencia les gustaban tanto mis fotos que ellos mismos me buscaban. “La primera foto que vendí mía, fue gracias a un proyecto donde iban a lanzar en prensa de un celular, realicé un boceto de como tenía que quedar la foto, tomé la foto al celular con un gorro y bufanda de navidad, la agencia contrató a un fotógrafo profesional, pero al cliente no le agradó y pide que se publique la mía. Esa fue la primera foto que vendí, de ahí me buscó otras tres veces más el mismo cliente, aparte de cobrar mi sueldo base cobraba la fotografía. A la empresa no le agradó tanto. Ya con el tiempo me fui independizando ya que vi que ganaba más por ese lado. 18 ENERO 2021 ¿Cómo nació Marco más Chuy? La agencia comenzó hace muchos años. Todo empezó en la misma empresa donde conocí a mi socio Chuy, ambos nos quisimos independizar y juntarnos para empezar nuestro propio negocio, todo esto fue mucho después de trabajar en otra agencia.Trabajamos de manera muy sencilla ya que todos tenemos un papel en ella, Chuy es el encargado de conseguir el cliente, nuestro equipo de trabajo hace los análisis del proyecto a realizar para poder armar un escenario adecuado para la fotografía y yo me encargo de producir la fotografía. ¿Cómo es trabajar con clientes reales que exigen más calidad, innovación y creatividad en un proyecto? Recuerden, la seguridad lo es todo ya que el estar seguro de tu calidad de trabajo te da facilidad de llegar a cada vez más clientes y clientes que te piden una calidad tipo “NY” o Europa y uno como fotógrafo tiene que ingeniarse para poder cumplir con las expectativas del cliente o incluso sobrepasarlos. ¿Qué es lo más difícil de tratar con un cliente? Cobrar, siempre tienes que tener un bonche de dinero para poder producir la fotografía, porque el cliente siempre te va a pagar uno o dos meses después. Es recomendable estar preparado porque primero será una inversión propia. ¿Cómo es tu técnica? Desde siempre yo tomaba la foto y hacia el arte, siempre busco hacer las cosas diferentes, según lo que requiera la foto, para mí la fotografía te va diciendo qué tipo de trabajo o edición requiere para ser más que un buen trabajo. �¿Al elegir modelos qué tomas en cuenta? Es muy importante que el modelo cumpla con ciertos requisitos, no todos los rasgos y complexiones pueden ser para cualquier foto, porque en la mente tienes lo que quieres hacer y vas escogiendo consiente o inconscientemente para obtener el resultado que quieres. ¿Esa parte de poder elegir tu modelo cómo se fue dando? Sé que para un estudiante es difícil poder tener exactamente al modelo que quieres porque no tienes un trabajo previo que mostrarle, pero ya cuando tienes un reconocimiento es más fácil, ya que es como una oferta venta. ¿Qué considera que tiene una buena foto? Para mí es la iluminación y composición, esto es la base. Pienso que una foto que no está bien iluminada jamás va a ser una buena fotografía, y la edición debería ser lo menos importante, aunque la fotografía comercial depende demasiado de eso y ahí es porque se requiere. ¿Qué ha sido lo más difícil al empezar a tomar fotografía profesionalmente? Creo que adaptarse a las ideas de un cliente necio, no comulgar con sus ideas y que te piden algo que no está padre, es como ese dicho “prostituir la profesión” pues te pagan para hacerlo. ¿Cuál cree que sería una de sus virtudes? Creo que es el saber dibujar ya que es más sencillo para poder proyectar una idea, en mi caso me funcionó para hacer lo que quiero, también el ser paciente y saber a no romper la armonía ya que lo que hacemos es arte y creo que un trabajo con buena armonía es muy importante para tener buenos resultados. ¿Hay oportunidad de realizar prácticas con usted o en Marco más Chuy? Hemos tenido la idea de realizar algo por el estilo, practicantes tuvimos alguna vez y no estamos cerrados a tener, pero como realizamos algo muy especializado puede ser difícil. Yo podía tener muchas ideas, pero nunca las exponía” ¿Cuál sería algún consejo para los chicos que quieren vivir de la fotografía? Creo que en mi caso fue todo muy orgánico, se fue dando poco a poco, y mi consejo sería “No esperar a querer lo que los demás tienen y defender tu trabajo lo más que puedas.” Nunca se desesperen al momento de cobrar porque poco a poco se van dando las cosas y veras el momento en que vas a poder decir con quién sí y con quién no trabajar. "Trabajo duro, dedicación y pasión son las claves del éxito" así concluyó Marco Reynosa para nuestra revista CROMA. eNERO 2021 19 �E N F O Q U E En memoria de David Carrizosa POR: OSCAR DE JESÚS SÁNCHEZ RODRÍGUEZ H ace unos meses recibimos la lamentable noticia de la muerte de David Carrizosa un amigo, un compañero, un maestro, un hijo, y sobre todo un cineasta que con su trayectoria inspiro a varios jóvenes a seguir con sus sueños de convertirse en grandes artistas. David Carrizosa también conocido como Davek fue un cineasta nacido en Nuevo León, estudió Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León y posteriormente una maestría en Arte con especialización en teoría, práctica y creación audiovisual en la Academia de Cine de Miroslav Ondricek en Republica Checa, también era una persona que adoraba la naturaleza. Su primer largometraje llamado “El hombre de las gerberas” del 2013 fue presentado en el 17° Festival de Cine Imagen de Madrid, España, además de que recibió el premio a Mejor Largometraje de Nuevo León en el 9 ° Festival Internacional de Cine de Monterrey. Posteriormente con su cortometraje titulado “Hyena” del 2014 logro ser proyectado en varios festivales tal como el 7° Festival Internacional de Cine Artfools en Grecia también en el 3° Festival de Kraljevski Filski en Serbia y por último en el 5°Festival de Cine de Opuzen en Croacia. Otros de su filmografía se encuentra Matamoros 317, En tierra de machos, el joto es rey, El silencio de las sirenas, El calostro de Juan, Leona y El ocaso del príncipe. El cineasta David también fue un gran fotógrafo que se enfocaba en la lucha libre y además su gran amor y pasión por el cine lo llevó a convertirse en maestro para compartir cada uno de sus conocimientos. 20 ENERO 2021 David Carrizosa será recordado por todos sus logros, por su gran trayectoria con la que hizo hablar de Nuevo León en diferentes países, también como un gran amigo, un excelente maestro y sobre todo un grandioso hijo, muchas gracias por todo, Descanse en paz. �“El corto Leona narra la historia de una joven madre, abandonada por su pareja y sumida en la miseria, sin trabajo que lucha desesperadamente por mantener a sus pequeños hijos. Su vulnerabilidad la hace presa de los bajos instintos de su rentero. Desesperada por su situación económica decide vender al mejor postor uno de sus órganos, poniendo en riesgo su vida”. -Sinopsis Oficial de CONARTE Frame recuperado del cortometraje “Leona” Frame recuperado del cortometraje “En tierra de machos el joto es rey” “El silencio de la sirena relata la historia de Paula, una joven que lleva una vida sencilla, pero que una decisión equivocada le cambia brutalmente su destino. Paula tiene su novio, y está enamorada; pero una noche decide irse de farra, se emborracha y las cosas se salen de control y termina teniendo sexo con un desconocido”. -Sinopsis Oficial de CONARTE “El filme En tierra de machos, el joto es rey cuenta la historia de Neto, un joven luchador atormentado por su historia familiar que amenaza con repetirse y lo atormenta. Su padre, era un famoso luchador exótico. Neto sufre y se encuentra confundido sobre su propia orientación sexual. Hasta que un final inesperado le da vuelta a la historia”. -Sinopsis Oficial de CONARTE Frame recuperado del cortometraje “El silencio de la sirena” eNERO 2021 21 �S E AC RC TI EÓ N Conociendo a DRAS TRES POR: OSCAR DE JESÚS SÁNCHEZ RODRÍGUEZ Conoce a Dras Tres, un muralista egresado de la Facultad de Artes Visuales, donde nos contara de como empezó su interés en el muralismo y sobre sus magníficos trabajos, además nos expresa sobre sus futuros trabajos que planea realizar. 22 ENERO 2021 ¿Como nació el nombre Dras Tres? Por la necesidad de tener un alter ego o seudónimo para artistas urbanos, tenía un apodo pero no me gustaba y busqué algo original durante 14 años, escogí cuatro letras de mi nombre: D, R, A , S y las organice hasta llegar a “DRAS” que me encantó y se quedó como mi apodo y con el tiempo; mas o menos 4 años, le agregué TRES para que fuera como un apellido y al combinarlos tuviera un mejor impacto. El “Tres” tiene diferentes significados: el día y mes en que nací 03/03, también representa el pasado, presente y futuro y los tres ciclos de un ser vivo: la vida, la muerte y la resurrección, de esa manera fue como nació el nombre de DRAS TRES. �¿Cómo fue el inicio de Dras Tres? Comencé con algo distinto a lo de hoy, inicie haciendo graffiti tradicional desde los 14 años como letras, rayando paredes, stickers, también murales pero en ese tiempo no era el mismo concepto que manejo en estos días, gracias al graffiti encontré el gusto por estudiar en la Facultad de Artes Visuales donde conocí e inicie con el muralismo basado en personajes, el concepto del tiempo, plasmar animales futuristas o en un contexto de lo que podría pasar en un futuro con la ayuda de la tecnología. La creatividad y discurso en un mundo surreal. ¿Cuáles fueron tus primeros trabajos y/o proyectos? Que yo recuerde los primeros trabajos que realicé de “graffiti” fueron las mantas para las personas que tenían novio/novia y querían dedicarles mensajes. Cuando estaba en la secundaria recuerdo a mucho amigos y amigas que me “contrataban” para crear mantas hechas con graffiti con mensajes de amor o ilustraciones personalizadas. Eso me sirvió mucho de práctica en aquel entonces y me ayudó para seguir comprando material para pintar murales y continuar explorando el arte urbano. Cuando agarré más experiencia mis primeros trabajos fueron hacer murales para marcas, agarré más confianza en mis trabajos, más gente y marcas me empezaron a buscar para pintar locales, uno de los primeros que recuerdo fue hacer un mural para el evento de música electrónica llamado Wish en su edición de Monterrey. ¿Actualmente estás en un proyecto o trabajo? Justo acabo de dejar mi trabajo de “planta” para dedicarme a varios proyectos como free lance en dirección de arte para marcas, haciendo branding e ilust ración, también traigo en puerta un trabajo en unas ilustraciones para una marca nueva de carros en Monterrey. ¿Cuáles son tus siguientes proyectos? Estoy en pláticas para realizar un proyecto de muralismo con un estudio de tatuajes de la ciudad, también uno de mis objetivos este año es aprender a tatuar, es algo que desde adolescente quería hacer y en algún momento lo practiqué, pero lo deje por enfocarme en otras cosas, este año lo quiero volver a retomar. Y pues continuar con mis proyectos personales como Dras Tres creando obra para en un futuro tener una exposición individual ¿Cuáles son las técnicas que utilizas para trabajar? Depende mucho de cada cliente o proyecto. Pero siempre he trabajado la ilustración digital, la pintura y cualquier técnica mixta. Me gusta explorar diferentes técnicas y no solo clavarme en una, creo que eso es lo que hace muy completo mi trabajo, que puedo realizar desde algo muy artístico como puede ser una obra en un canvas, un mural con técnica mixta hasta algo digital como lo es la ilustración. También le gustaría desarrollar otras técnicas como el tatuar, la pintura en óleo, acrílico incluso en otras; como la acuarela. eNERO 2021 23 �A R T E ¿Cuál de estas técnicas te gusta más y por qué? Creo que en todas me siento muy agusto, cada una me permite explorar distintos retos y eso me gusta. Me agrada mucho llevar algo a lo digital y ver el resultado y viceversa. Me siento agusto “saltando” de una técnica a otra, eso me hace estar inexperto en cada una y seguir exigiéndome más para seguir mejorando. Pero la que realmente me encanta es la pintura en aerosol. Lo que más me gusta al final de todo esto es ver realizadas mis propuestas y poder verlas materializadas. ¿Aparte de estas técnicas has trabajo con otras? Sí, el óleo. Me agrada, pero no es mi favorita. Creo que no le he dado la oportunidad para ver qué resultados puedo tener, también me gustaría explorar sobre esa técnica en algún momento. ¿Cuál es proceso cuando comienzas un proyecto y/o trabajo? Primero que nada, saber sobre qué va el proyecto. Después como casi todas las metodologías de trabajo saber cuál es el brief y después pasar a la parte creativa: hacer un research sobre el proyecto, ver muchas referencias, estar mucho en contacto con el cliente o la persona que te contrata para el proyecto, saber sus necesidades y después desarrollar las propuestas creativas. Si es un mural, un proyecto de identidad, ilustración o cualquier cosa, siempre tener en cuenta pensar primero la idea y luego ya realizar la ejecución de esa idea. Lo más importante es saber adaptarme a cada uno de mis proyectos. ¿Cuántas exposiciones has hecho? ¿Cuál jamás olvidarás? Realicé una hace 2 años en conjunto con otro amigo artista de la ciudad. He participado en varias exposiciones colectivas durante mi trayectoria y justo este año tenía pensado hacer una exposición individual, pero pues... Covid-19. Una que jamás olvidaré fue una en barrio antiguo que realizó un gran amigo que se apellida Castañeda, recuerdo que en esa exposición fue para rendirle homenaje a Bob Marley donde asistieron muchas personas entre ellas el vocalista de El Gran Silencio, C-Man y fue muy agradable que se tomó una fotografía con mi pieza estaba muy contento con mi ella incluso me lo presentaron y me felicitó, fue un logro muy pequeño pero que me hizo la noche aquel día. Fue cuando todavía era un estudiante de la Facultad y esto me ayudo a creer que mi trabajo tiene un valor. Desde tu punto de vista, ¿Que es el arte para ti? Para mí el arte es una forma de vida, es hacer algo, pero llevarlo más allá, es hacer algo de una manera que nadie lo haya hecho o de manera distinta... No es algo que puedas clasificar, no es un objeto, no es una corriente ni una obra, es una mentalidad. El arte no solo son las expresiones artísticas o todo lo que conlleva a la pintura o el dibujo. Puedes cocinar, hacer patinaje, bailar, cantar, crear bebidas, piñatas, lo que sea y aun así puede ser arte. El arte y la creatividad pueden ser aplicados a cualquier actividad, pero para mí el arte siempre será una mentalidad que te hace llevar eso que haces más allá de lo convencional. Eso es el arte para mí. ¿Qué prefieres más el arte manual o digital? Ambas me gustan mucho, cualquiera de las dos es muy importantes y se complementan entre sí, si me dieran a escoger entre una de las dos no sabría cual elegir, ambas me sirven mucho para mi trabajo. Para vivir necesito de las dos para mis procesos empezar con lo análogo y terminar en lo digital, en mural, etc. A lo mejor si fuera un artista plástico escogería el análogo. ¿Qué piensas del arte urbano? Qué es una expresión artística que ha servido para revolucionar pensamientos e ideologías y cada vez se le da más el valor necesario para que siga creciendo como una corriente artística. El arte urbano es una terapia, me ayuda desde que empecé a pintar con el graffiti para expresar lo que quería y sentía. ¿Cuál fue tu principal motivación para enfocarte en plasmar tu arte en murales? La necesidad de crear cosas nuevas. El explorar distintos formatos y el no conformarme con lo que puedo lograr en una hoja de sketchbook o un canvas. No me gusta limitarme a dejar las cosas solo en el papel, siempre me gustaba llevarlo más allá de la hoja. Siempre quería superar cada trabajo o proyecto siempre una nueva oportunidad la veía como retos, además otra motivación era querer ser como otros artistas que me habían inspirado. Querer siempre superarse, el dar más “Tengo pensado realizar mi primera obra individual en 3 años, ya que para esa fecha tendré 33 años y es un numero con mucho significado para mí, pero si logra quitarse la pandemia antes planeo hacer una exposición previa”. -Dras Tres 24 ENERO 2021 �¿Como te ha afectado la pandemia en tu trabajo y/o proyectos? Pues en cuestiones laborales me ha dejado mucha ansiedad. El estar encerrado todo el día se vuelve muy monótono y eso cansa, he aprovechado el tiempo enfocándome en esos proyectos personales y sobre todo en disfrutar el tiempo con mi familia. ¿Te gustaría impartir clases o talleres? Sí me gustaría impartir clases en algún momento, ya que me di cuenta de que los maestros son muy importantes, no porque antes te haya tocado un maestro malo no todos son iguales, el rol de los maestros te va a dejar una experiencia y te va a marcar para que a futuro puedas realizarte como profesional, si algún día me invitaran a dar clases en FAV estaría muy agradecido y contento. Talleres ya he dado algunos en congresos de diseño e incluso en otras universidades, y en algún futuro me gustaría volver a retomar el dar talleres. Siempre es bueno compartir el conocimiento. ¿Le ves un futuro positivo al arte urbano? Totalmente. Digo, como en todo movimiento siempre habrá gente o instituciones que le quieren sacar provecho o beneficiarse, pero es cuestión de cada artista persuadir qué proyectos les convienen y qué proyectos no. Sí le veo un futuro positivo, pero puede pasarle muchas cosas, mucha gente o instituciones que tratan de aprovecharse de este movimiento, que lucran ya que no le pagan lo que le corresponde al artista, que no valoran su esfuerzo, esto está pasando actualmente y puede suceder más seguido si ven que al arte urbano le va mejor espero equivocarme y que sea todo lo contrario. ¿Cómo ves a Dras Tres en los siguientes 10 años? Me veo creando. No sé sobre cuál técnica o formato, quiero seguir creando arte o cosas creativas como murales, diseño, ilustración, publicidad, tatuajes, que en 10 años pueda seguir diciendo sigo pintando y tatuando, poder hacer proyectos con más marcas e instituciones, proyectos que marque y motiven a los espectadores, incluso no quedarme en cosas 2D intentar algo nuevo como lo audiovisual. No sé qué nos depare el futuro, pero de eso si estoy seguro de que voy a seguir creando. Sea lo que sea que hagan, nunca lo dejen de hacer y en algún momento eso les dejara frutos, al final de cuenta es hacer lo que a uno le gusta y apasiona y comprender que a veces habrá situaciones difíciles, pero nunca dejarlo de hacer. -Dras Tres eNERO 2021 25 �A R T E José Luis Maldonado De la Facultad de Artes Visuales a nuestro querido ex alumno José Luis Maldonado. POR: ANDREA REYNOSA H ace unos cuantos meses se recibió una lamentable noticia sobre el fallecimiento de nuestro querido ex alumno José Maldonado un gran artista que desde joven nos ilustro con sus obras de arte. En agradecimiento y reconocimiento por su dedicación a fomentar el arte y su conocimiento. Único, auténtico, creativo y soñador… quien a lo largo de más una década estableció un diálogo a partir de la prevalencia del lenguaje, las ideas y las experiencias estéticas frente a la naturaleza, Así era José Luis Maldonado quien nació el 19 de octubre de 1974 en Santa Bárbara, Chihuahua, mudándose desde muy joven a la ciudad de Monterrey Nuevo León, es aquí donde el decide estudiar la Licenciatura en Artes Visuales en la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León, y es al egresar cuando inicia su producción artística, explorando el espacio y su significación. POR: JOSÉ LUIS MALDONADO 26 eNERO 2021 Desde la primera vez que ves una pieza de José Luis inmediatamente piensas que es un artista con un talento único. Maldonado expuso en varios lugares uno de ellos fue en el XII Bienal FEMSA en el 2015 como artista invitado en su proyecto “Árbol” en el cual para este proyecto José se trasladó a la ciudad de Montemorelos NL para extraer un árbol entero para presentárnoslo suspendido a manera de una pieza de Museo de Historia Natural. El cual la acción de sacar e instalar colgado un árbol, implica una reflexión del vínculo de sucesos que dan sustento a la vida reflexionando sobre la naturaleza de un árbol. �En muchas de sus obras de José Luis se observa una serie de procesos sobre los diferentes estados de la materia. Recomponía y sujetaba mapas, recortaba libros de comics y realizaba un estilo del dadaísmo, esculturas en periódico, arboles al aire sacando su raíz del suelo. Gracias a todo ello, Obtuvo varios reconocimientos a lo largo de su carrera como la Beca PECDA CONARTE – CONACULTA del 2016, la Beca PECDA CONARTE – CONACULTA del 2012-2013 de la Selección MARCO para representar a México en la X bienal de cuenca ecuador. Hace unos pocos meses recibió la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte, un estímulo otorgado a nivel federal, entre muchos otros más. José Luis emanaba una energía y una creatividad única, la cual siempre nos ha demostrado el potencial que hay en nuestro país en lo que sobre sale en el área del arte. Lo cual nos ha hecho sentir orgullosos a todos los estudiantes de la Facultad de Artes Visuales a seguir sus pasos y dejar el nombre de nuestra Facultad en lo alto, gracias por todo, gracias por tus obras, gracias por tu enseñanza y la creatividad en cada una de tus obras, y gracias por habernos contagiado con ese gran carisma y ganas de sobresalir que solo tu podías darnos. Siempre serás recordado por todos tus logros, tu actitud, y por tu gran trayectoria en este medio. Descanse en paz. POR: JOSÉ LUIS MALDONADO POR: JOSÉ LUIS MALDONADO eNERO 2021 27 �E V E N T O S ¿Han escuchado hablar de Encuadre, Asociación Mexicana de Escuelas de Diseño Gráfico, A. C.? Aquí te contamos que es. Identidad visual de ENCUADRE 2020 28 eNERO 2021 Conferencias de Encuadre ENCUADRE 2020 �POR: ANDREA REYNOSA E ncuadre es una poderosa herramienta de gestión colectiva de los problemas que afectan a las escuelas de diseño gráfico y disciplinas afines, como diseño de la comunicación gráfica, diseño de la información, artes visuales, etcétera, a nivel superior en México y sin otro propósito que el de elevar la calidad de la enseñanza y la investigación en esta disciplina. Su propósito es promover el mejoramiento de los estándares académicos y buscar los talentos sobresalientes de asociados en diseño gráfico y disciplinas afines. Encuadre se puede utilizar como recurso para que las escuelas asociadas brinden un espacio de reflexión, discusión e intercambio en los campos de la docencia, la investigación, la difusión y expansión cultural y la búsqueda de la excelencia académica. Los profesores son los principales para poder lograr lo anterior. Ya que, a lo largo de sus 25 años de historia, Encuadre ha propuesto y desarrollado diversas acciones para fomentar la formación de profesionales del ámbito académico del diseño gráfico destacando, entre otras, la celebración de encuentros, coloquios y congresos nacionales. Todo esto es para acercar a académicos y estudiantes de diseño gráfico al concepto de multidisciplinariedad, que es resultado del desarrollo de la sociedad actual debido al progreso tecnológico y la industria. Ya que el diseñador gráfico actual se encuentra ante un escenario en el cual se interconecta con diferentes disciplinas como la ingeniería, la arquitectura, la medicina, mediante la realidad virtual, realidad aumentada, modelado 3D, diseño de aplicaciones, entre otras herramientas que contribuyen a crear la dinámica de multidisciplinariedad para generar soluciones a las nuevas problemáticas visuales del mundo global, estos cambios se han generado de una manera muy rápida. eNERO 2021 29 �E V E N T O S El evento más grande del Norte de México en torno a los libros, La Feria Internacional del Libro Monterrey organizada por el Instituto Tecnológico de Monterrey postergará por primera vez su celebración de su 30ª edición hasta el 2021 a causa de la pandemia. POR: ANDREA REYNOSA L redes sociales _ INSTAGRAM @Ferialibromty _ FACEBOOK @FeriaDelLibroMty _ TWITTER @FeriaLibroMty _ YOUTUBE @FeriaLibroMty 30 eNERO 2021 a Feria Internacional de Monterrey jamás había detenido sus actividades desde la primera edición la cual fue en 1989. En 1992 fue cuando se trasladó a nuestro famoso centro de convenciones Cintermex la cual contó con la participación de 600 casas editoriales y reuniendo más de 200 mil visitantes en estos últimos años. Gracias a ello anunciaron el lanzamiento de su nuevo programa “Lecturas, voces e ideas” con la cual se continuo la promoción y la celebración de la lectura, la creatividad y el conocimiento con diversas actividades que estuvieron presentes al público a través de las plataformas digitales el pasado mes de octubre. Este nuevo proyecto obtuvo todo el apoyo de las casas editoriales, instituciones educativas y organismos infantiles del sector público y privado, donde en la plataforma web de la feria del libro quedo agendada a partir del mes de octubre y a finales del año con un programa el cual ofreció mas de 150 actividades como la presentación de libros, conferencias, charlas con autores, lecturas de obras, presentación de libros y revistas, diálogos entre expertos, talleres, actividades creativas, proyec- ción de cortometrajes y muestras de cine experimental, espectáculos musicales y artísticos, de una manera única y diferente digitalmente, con el fin de enriquecer el desarrollo y la lectura de las personas, además de brindar una experiencia memorable de una manera gratuita y disponible a través de sus plataformas. Esta es una de las experiencias más interesantes y únicas de este año, puesto que en este programa destacan autores como Pedro J. Fernández con su novela sobre la historia de México “Querido Don Benito”, Enrique Ortiz con “México a tres bandas”. El músico y compositor Nacho Llantada compartió su obra “Si te vas a enamorar, enamórate bien”, Mario Guerra abordo temas de los miedos, La futbolista profesional Paola “La Wera” nos trajo su libro “Tiempo de ser tu” el cual nos da un ejemplo sobre la fortaleza y la dedicación. Entre muchas personas más, que no acabaríamos. El programa de este evento lo encuentras en: www.feriadellibromonterrey.mx donde podrás conocer los eventos programados al igual que una sección de “Oferta de libros” donde ahí mismo están los libros con la sinopsis de cada uno, de los diferentes autores que participaron en esta edición. �eNERO 2021 31 Eventos transmitidos en Facebook Pláticas de Nacho Llantada, Cine experimental y Pedro J. Fernánddez. �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2020 Número Número de la revista 4 Mes de publicación Mes cuando se publicó Diciembre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2020, No 4, Diciembre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/12/2020 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020115 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Ana Fabiola Medina Carlos Robledo David Carrizosa Jessica Pérez Jose Luis Maldonado Marco Reynosa Rubí Muñoz https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20004/Croma_2021_No_5_Marzo.pdf 1a344b7ca61b2efbbbf266881c273f93 PDF Text Text �Í N D I C E Talento fav 04 MONTSE MARTÍNEZ 06 SHEILA MADAI VERÓNICA DELGADO 10 AMPARO VÁZQUEZ 19 ROSS MARISIN docentes 08 12 ALMA BANDA 14 JEIMY MARTÍNEZ 20 CAROLINA ORTIZ 21 MICHELLE LARTIGUE creatividad 18 FERNANDA ALMANZA emprendimiento 26 BLACK BUFFALO FILMS Arte enfoque 28 30 32 MUJERES EN EL CINE M.C. Rogelio Garza Rivera Rector Departamento de Investigación Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca QFB Emilia Vásquez Farías Secretaria Académica Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Dr. Celso José Garza Acuña Secretario de Extensión y Cultura CANTO DE SIRENAS Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú M.A. Abigail Eugenia Guzmán Flores Subdirectora de Posgrado Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz 2 Marzo 2021 22 AILÉH NAVARRO Créditos Especial MONSERRAT CARRIÓN 22 GABRIELA PEÑA Estancia de producción Eliana Rocio Castañon Salas Thelma Sofia Cortés López Jeny Naftali Rodríguez Gutiérrez Amairani Sugey Fraga Guzmán Lizbeth Estrello Ortiz Nátali Ashanti Guerra Jiménez Alejandra Silva Santiago Giselle Abigail Reyes Martínez Marzo 2021 3 �T A L E N T O F A V De estudiante a Licenciada Por: Sugey Guzmán Te presentamos a Montse Martínez, ilustradora recién egresada de Diseño gráfico de nuestra Facultad de Artes Visuales y ganadora del concurso #TodaUnaJefa a nivel nacional. Fotos por Montse Martínez. 4 Marzo 2021 S Por: Montse Martínez. Diseño ganador del concurso #TODAUNAJEFA. orprendida nos cuenta que no se esperaba ganar el concurso, pues el boceto de su diseño lo realizó en tan sólo una hora y por insistencia de su hermana menor. Cuenta que al ver el concepto y mercado de la marca, rápidamente pensó que si el producto era para mujeres, estas mismas querrían tener una red de apoyo y qué mejor que otras mujeres para hacerlo. El diseño tiene a mujeres reales de las cuales Montse tomó inspiración, en diferentes cuerpos y estilos. Tiene formas bastante simplificadas, por lo cual hizo que se saliera de su zona de confort. Aunque por un lado trabaja ilustraciones más planas con formas simplificadas y colores pastel, ella prefiere un estilo más parecido al body horror en donde crea personajes más detallados y los representa ya sea en ilustraciones o maquillajes. Un dato curioso sobre Montserrat es que no solo es egresada de nuestra facultad, sino que también recién terminó la carrera de Música en FAMUS. Nos cuenta que, desde una temprana edad empezó su educación y pasión por el arte, aunque a veces era difícil, esto hizo más emocionante el camino, pues toda esta educación en ocasiones le ha ayudado a crear fuentes de inspiración y en otras tantas en su proceso creativo, el cual consiste en tomar palabras al azar y construir conceptos, es así como ella crea sus grotescos personajes. Como ya mencionamos ella desde pequeña estuvo en clases de arte, de música y de otras disciplinas relacionadas y aún cuando su madre es médico, es ella quien la impulsaba en estas clases y en todo momento la ha apoyado a seguir con sus sueños y metas. Montse cree que es importante aconsejar a quienes aún son alumnos, nos dice que no siempre es bueno pensar y repensar el concepto ya que podría llegar a perder su esencia, también nos invita a creer en nosotros mismos y en las ideas que generemos, pues ella misma ha comprobado que a veces los diseños simples o con la primera idea que viene a su mente es la que al cliente más le gusta. Hoy esta ilustradora ha dejado un poco de lado su estilo y ha comenzado a trabajar de practicante para marcas pequeñas, pero considera que siempre hay momento para trabajar sus propias ideas, y aún cuando no tiene propuestas en puerta nunca se cierra a nuevos proyectos personales o externos. Definitivamente Montse es un talento FAV pues hacer dos carreras y completarlas exitosamente no cualquiera, esperamos ver pronto más de sus éxitos como ilustradora y artista. Marzo 2021 5 �T A L E N T O F A V LA FOTOGRAFÍA MUSICAL: UNA ENTREVISTA CON SHEILA MADAI Por: Sheila Madai | Priscilla Orfanos | Arena Monterrey Por: Sheila Madai | The Vaccines | Auditorio Rio 70 POR: ELIANA CASTAÑON S heila Madai Escarcega es egresada de FAV, en la Licenciatura en Lenguaje y Producción Audiovisual. Fotógrafa musical, fashion stylist, journalist con diversas publicaciones de su trabajo en: Noise Magazine, Look at Me, Weekend TV, Black Buffalo Films, El Norte, entre muchas otras. Nos platicó sobre su experiencia e inicios en la fotografía, su filosofía creativa y el proceso que conlleva. Para empezar, cuéntame cómo surgió dedicarte a lo que haces, ¿siempre supiste que, querias hacer fotografía o te agarró por sorpresa?, o ¿Algún momento de epifanía en el que dijiste “esto es lo que quiero”? Creo que sí, fue un momento de epifanía, porque quería buscar encontrarme con la música, participar en ella de cierto modo, por ejemplo, yo siempre fui de escuchar música de los 70´s y 90´s, pero la única forma en la que yo tenía contacto era de la manera audiovisual y por fotografías, entonces me empapé mucho de eso, y dije: yo también quiero hacerlo quiero encontrar una escena de música como las que yo veía que me gustaban y tomarle fotos. Es ahí cómo empezó todo porque quería ser parte de; con el tiempo fui tomando fotos de eventos musicales e incluyendo también la parte de la performance del músico, y de las bandas. ¿Cómo definirías tu estilo o como lo caracterizas? Si te soy sincera no sé cómo pudiera definirlo porque creo que no me gusta definir, es algo muy humano estar evolucionando a cada rato, porque no sé, a lo mejor voy a otro país y veo otras cosas que me van a llenar y tal vez todo eso, me va inspirar a plasmarlo en mi trabajo, pero bueno si tuviera que decidirme por una característica, es que siempre busco que sea espontáneo y análogo, porque te digo eso fue lo que yo fui aprendiendo inconscientemente de todo lo que veía de mis fotógrafas favoritas, retratando a cierto músico o banda y todo se veía muy normal, que la neta me choca decir esta palabra o esta frase, pero sí es esta parte de encontrar ¨momentos únicos¨. De lo análogo pues con eso crecí, yo empecé como fotógrafa con una cámara análoga, aprendí con esa estética y no directamente con lo digital. 6 Marzo 2021 ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? Tengo varios fotógrafos que me han inspirado alrededor de mi vida y que todavía siguen muy presentes, pero tomo mucho por referencia a Roberta Bayley, es una fotógrafa de la música punk de los setenta, realmente aún estoy intentando definir porqué me gusta tanto, pero creo que en parte es la espontaneidad que retrata. Pero la fotógrafa que me hizo entrar a todo esto, es Linda Eastman, que cuando vi sus fotos dije, ¨that`s me,¨ quiero hacer exactamente lo mismo que ella, porque similar a Roberta Bayley es mucho de capturar lo que está pasando en el momento. ¿Cuándo trabajas en digital, cuál es tu proceso de edición? Me gusta que las fotos sean diferentes. Hablando de música, cada músico o banda tiene su esencia entonces no me gusta seguir las mismas técnicas en todas, pero algo que sí procuro hacer siempre, es buscar la forma en la que se vean como si fueran tomadas desde una cámara análoga, llevo mucho tiempo estudiando cómo se ve una fotografía análoga a color y trato de imitar o encontrar esas mismas tonalidades que da el film, creo que esa sería una característica principal de mi edición, es encontrar la fórmula que se vea análogo, aunque esté tomada con digital. Cuando enciendes la cámara ¿Qué es lo que esperas capturar con tus fotografías? Soy muy perfeccionista entonces lo primero que espero es que me salga bien la foto, pero algo que admiro mucho y creo que inconscientemente lo observo, es la geometría, me gusta mucho encontrar geometría en las imágenes, buscar que una persona tenga ciertas formas geométricas o que por ejemplo un stage de cierta banda tenga este tipo de ambiente geométrico. O también busco reflejar un ambiente que recuerde, ese sentimiento o sensación que a mí me hizo sentir en ese momento. Además de la fotografía ¿estás o estuviste involucrada con la música de alguna otra manera? Sí, de hecho, hace un par de meses anuncié que voy a sacar mi EP de música, eso es una de las formas de música que siempre he querido trabajar y finalmente, lo estoy haciendo, de ese lado de compositor. ¿Qué equipo sueles utilizar? ¿Qué es lo que llevas que no puede faltar en la mayoría de tus proyectos? Trabajo con digital porque es un poquito más sencillo, con análogo, debes de saber exactamente cuál ISO va a funcionar con cierta apertura y con tal velocidad, pero siempre procuro trabajar con análogo cuando sé que el ambiente estará también bajo mi control, pero la mayoría del tiempo uso digital por practicidad, y pues en mi equipo invariablemente siempre me llevo mi Polaroid, porque me gusta mucho, yo creo que es mi forma de cámara favorita, entonces nunca me puede faltar. La mayoría de las imágenes de música que seguimos viendo hoy en día son firmadas por hombres. Para ti, ¿qué papel juegan las mujeres en el mundo de la fotografía musical? Yo creo que el ojo que tenemos las mujeres es un ojo muy diferente al de los hombres, está en nuestra naturaleza, fijarnos en los detalles y en la creatividad sobre todovv, también somos mucho de fijarnos en la estética, obviamente también hay hombres que lo tienen, pero creo que nosotras lo tenemos más. Además, personalmente yo creo que es muy bonita la comunidad de mujeres fotógrafas, porque veo que le ponen mucho amor a lo que hacen, lo interpreto como sacar algo del corazón, más porque la música es algo importante para nosotras y por eso estamos ahí.v Marzo 2021 7 �D O C E N T E Cuatro trayectorias, una misma pasión: la docencia 8 Marzo 2021 Verónica Delgado La actual directora de la Facultad de Artes Visuales nos cuenta un poco sobre su trayectoria profesional. Le resulta algo complicado estar en las clases en línea porque son muy diferentes a estar presencialmente en un salón, pero ella nos dice que se siente igual de bonito en una pantalla. En cuanto a su puesto como directora ha estado muy contenta, pero aun así ha sido todo un reto para ella. Nos contó que: cuando estaba como docente en la facultad se dio cuenta de que había muchas necesidades y muchas cosas que faltaban, pero como docente no podía tomar decisiones, así que decide entrar a la parte administrativa. Estando ahí se da cuenta de que es un trabajo con muchísimos retos, además de ser muy absorbente y extenuante, también se da cuenta de que hay cosas y momentos muy bonitos. POR: VERONICA DELGADO El ser docente es algo gratificante para muchas personas, pues tienen la oportunidad de enseñar y compartir sus conocimientos a los alumnos. Es un trabajo en donde se puede aprender mutuamente y en donde ser un guía para el alumno es fundamental, es decir, ayudarlo a tener las herramientas para el futuro. Dedicamos esta sección a 4 docentes de la Facultad de Artes Visuales con el propósito de conocer sus trayectorias profesionales. Nos contaron sus inicios, retos, proyectos y su gran pasión por la docencia. Cada una de sus trayectorias son únicas y hasta cierto punto puedes identificarte con sus experiencias tanto en lo personal como en el área laboral. Directora de la Facultad de Artes Visuales Es aquí donde se dio cuenta de que su verdadera vocación es ser maestra. Empezó a trabajar como consultora independiente de marketing, daba asesoría a pequeñas empresas muy enfocadas en la parte de imagen y publicidad. A ella le gusta mucho investigar sobre los profesionistas del marketing y del diseño, ahí se da cuenta de lo que está sucediendo en las tendencias de hoy en día. Nos comenta que el mercadólogo es como el diseñador en cierta manera, ya que hay varias ramas del marketing a las que uno se puede dedicar, por ejemplo, mucha gente se va por la parte de investigación del mercado ya que hay que elaborar encuestas para obtener información del mercado e interpretarla para luego sacar un programa de marketing adecuado. Tuvo oportunidad de participar en muchos proyectos, uno en el que le gustó mucho trabajar, fue para una empresa española que era una franquicia de nutrición, le pareció muy interesante porque era hacer el plan de marketing y la promoción, así como el diseño. La Dra. Verónica nos comenta que el papel que tienen las mujeres en la mercadotecnia es menor comparado con los hombres y que esto se debe a la discriminación que existen en las empresas. Cuando era estudiante de mercadotecnia recuerda que había muchas mujeres estudiando la carrera, pero a la hora de graduarse y de conseguir un trabajo les resultaba difícil porque las empresas tenían el prejuicio de que una mujer iba a dejar de trabajar solo por estar casada y tener hijos, es por esto, que terminaban contratando a un hombre y no a una mujer. Ella nos dice: “el género o el estado civil no tendría por qué venir en el currículum, o sea, eso no es algo que se debería de tomar en cuenta”. Pero ella cree que el papel de la mujer tanto en el marketing como en el diseño ha crecido mucho a lo largo del tiempo, pues ya no se ve tanta discriminación como antes y que la mujer ha demostrado que puede ocupar puestos directivos en las empresas. Aunque suene cursi, la docencia es su vida entera y lo mejor fue que se dio cuenta que quería ser docente cuando entró a la Facultad de Artes Visuales, aquí despertó su amor por ello y le genera paz. Dra.Veronica Delgado Conferencia en los cursos propedeuticos de la Facultad de Artes Visuales. POR: THELMA CORTES L a Dra. Verónica Delgado empezó estudiando la Licenciatura de Administración de Empresas, pero cuando toma la materia de mercadotecnia se da cuenta de que le interesaba mucho esta área, tanto que tomó la decisión de cambiar de carrera para finalmente estudiar la Licenciatura en Mercadotecnia. Aunque le gusta la administración, el marketing es su vida. Empezó trabajando en el área de finanzas y mientras tanto estaba esperando la oportunidad de estudiar alguna maestría. Con el paso del tiempo la invitaron a dar clases para el área de diseño gráfico en la Facultad de Artes Visuales y al enterarse de que la clase sería de mercadotecnia, pero para diseñadores, le pareció muy interesante. Yo veo que soy de las pocas personas que puedo decir que mi TRABAJO ES LO QUE ME PERMITE ESTAR BIEN PSICOLÓGICAMENTE. Mucha gente que va a trabajar dice que comienzan a estresarse, a mí me pasa lo contrario, yo me relajo en mi trabajo, EMPIEZO A DAR CLASE Y ME OLVIDO DEL MUNDO” Las acreditaciones en cuestión de la calidad y las mejoras de infraestructura de la escuela, son de los proyectos que han sido todo un reto para ella, pero lo disfruta cada día porque se van viendo los frutos de todo el trabajo y se siente muy orgullosa ya que es un trabajo pesado. Aunque muchos directores no dan clases, ella no lo ha dejado porque le gusta mucho. Actualmente con la pandemia extraña mucho los eventos que se realizaban en la facultad y extraña estar con sus alumnos de manera presencial. Han habido muchos avances, cambios, que poco a poco se irán revelando o bien cuando sea el regreso de los estudiantes a la facultad. Marzo 2021 9 �D O C E N T E Amparo Vázquez Para muchos de nosotros nos ha costado el encontrar nuestro lenguaje para poder compartir las miradas que queremos mostrar y realmente no es algo sencillo, buscarlo nos lleva hacia muchas cosas. “En mi caso, encontrar mi lenguaje me ha tomado muchas cosas, decepciones, rechazos, fracasos, mucha remembranza, mucho reconocimiento a posterior como: “ah, mira, es que era tu estilo”, pero creo que siempre he sido alguien que no se ha dejado constreñir por las normas y soy muy terca, muy perseverante, muy segura de lo que hago, y de pronto no soy tan segura desde el principio, pero una vez que lo decido nada me mueve. También he pasado por muchísimos retos. El primero y más fuerte ha sido la barrera de género, honestamente. El segundo ha sido la barrera de ser regiomontana y no ser de la Ciudad de México que es donde está la producción más fuerte aquí en México, de no ser una mujer estadounidense o donde se produzca mucho más natural que aquí, el tercero el no venir del privilegio y creo que ha sido de lo más fuerte que he tenido que pasar y sobre todo de las barreras más fuertes que he tenido que quitar”, nos comparte la maestra. Por último, le preguntamos cuál es su propósito como profesora de la materia de Dirección de Arte en la Facultad de Artes Visuales: La transparencia de una mujer en el mundo audiovisual. L POR: AMPARO MARÍA POR: NOMBRE DE FOTÓGRAFO Maestra de Lenguaje y producción audiovisual. 10 Marzo 2021 a maestra Amparo Vázquez es docente de la materia “Dirección de arte” en la Facultad de Artes Visuales de la UANL también se dedica a la dirección, guionismo y al diseño de producción. Nunca llegó a pensar que se dedicaría a lo audiovisual, ya que lo veía como algo muy lejano, además de creer que no era para ella. Desde pequeña sabía que tenía esa atracción hacia este campo, pues se la pasaba viendo películas y programas en la televisión. El contar historias también era uno de sus mayores pasatiempos, incluso llego a hacer opera y teatro por mucho tiempo, esto hizo que se empezara a cuestionar acerca de lo que estaba detrás de todas estas obras y sobre el cómo se realizaban, de esta forma fue como empezó a conocer y a enamorarse de lo audiovisual. A ella siempre le encantó crear nuevos mundos y deseosa de poder llevar las imágenes de su cabeza a la realidad, comenzó a envolverse en el mundo del diseño de producción en lo audiovisual. Creando las historias y escribiendo fue cuando también comenzó a dirigir. “Me encantaba la idea de crear mundos, diseñar las imágenes exactamente como yo las quería aunque en ese momento no tenía idea de lo que era el diseño pero siempre tenía claro la visión que yo quería, el mundo que yo quería crear y el resultando a donde yo quería llegar y de pronto no podía expresarlo solamente a través de la palabra porque mucha gente me decía: “¿por qué no te dedicas a escribir?”, “¿por qué no te dedicas a hacer oratoria?”, “¿por qué no te dedicas al teatro?”, y mucho tiempo pensé que cada uno de estos era mi lenguaje, hasta que una vez que me di cuenta que lo que quería hacer era lo audiovisual”, nos cuenta la maestra Amparo. POR: JAVIER MOLINA POR: NÁTALI GUERRA La maestra Amparo partipó como Stylist en producciones junto con con otros maestros maestros de FAV. Sabemos que el mundo audiovisual para una mujer es un ambiente pesado y poco valorado. Ella nos comparte su pensamiento acerca de las mujeres cineastas: “Gracias a que las mujeres hemos tenido un mayor peso esto ha sido posible, creo que el peso de las mujeres siempre ha sido bastante, desde las actrices que ha sido el peso menos valorado hasta el más valorado que son las directoras. Por ejemplo, creo que las productoras siempre han sido una figura que están ahí, pero viven a la sombra de un hombre “la productora que le produce a un director”. Las mujeres cinefotógrafas no siempre han sido valoradas. Siempre hemos estado ahí y qué bueno que se nos esté reconociendo en este momento, pero siempre hemos estado ahí.” Hemos visto muchas películas en estos últimos años, la cuestión es, ¿qué le hace falta hoy en día al cine?, ella nos compartió su opinión acerca de este tema: “Al cine actual le falta ser autentico y ser único sin el afán o afición de ser diferente. Que venga desde el alma, desde las entrañas, desde las historias individuales. Menos de las mismas historias de siempre, más humanidad, más variedad.” Mi próposito en la docencia es EMPODERAR, PARA HACERSE NOTAR, PARA SOBRESALIR Y PARA SER SUFICIENTEMENTE HUMILDES Y RECONOCER LO QUE HAY QUE MEJORAR. Esa es mi intención y mi mayor deseo. En lo que a mí respecta COMUNICAR, GUIAR, CONTRIBUIR AL APRENDIZAJE, pero todo eso se resume en empoderar a mis alumnes que tenemos la fortuna de coincidir en el aula” Marzo 2021 11 �D O C E N T E Alma Banda Una docente apasionada por la producción audiovisual y el diseño gráfico. POR: LIZBETH ESTRELLO C on una trayectoria tanto en producción audiovisual como en diseño gráfico, la maestra Alma Banda nos cuenta un poco sobre cómo llegó a interesarle el diseño web y de cómo se desenvuelve en esta área. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales, en la especialidad de Camarografía, que sería lo equivalente a los lenguajes audiovisuales. Después de un tiempo laborando en la producción audiovisual, se da cuenta de que la producción de video se estaba volviendo en un proceso cíclico y es aquí donde decide refugiarse en el diseño. Aunque tenía conocimientos en diseño, no fue hasta que trabajó en el CEDIM que reforzó todo ese aprendizaje ya adquirido, incluso llegó a aprender más sobre esta área. Su curiosidad por el diseño fue aumentando, así que comenzó a aprender por su cuenta, además de certificarse en los software de Adobe, fue explorando varias áreas del diseño, como la identidad y la ilustración. En la que más se enfocó fue en el diseño web; no sólo quería diseñar páginas web, también quería saber cómo programar una, al no querer depender de un ingeniero o de un programador decide aprender ella misma y también de personas que sabían del tema. Cuando tenía dudas se acercaba a estas mismas personas para que le explicaran, fue así hasta que logró independizarse por completo. Sus inicios en el diseño web fueron como los de cualquier estudiante de diseño, pues se concentraba mucho en aprender los códigos de programación, y también tenía tropiezos al momento de programar, ya que al ver el código completado y de tener la certeza de que iba a funcionar, al final no ejecutaba lo que ella quería. A veces era frustrante para ella porque no funcionaba en el primer intento y porque dedicaba horas en la programación. 12 Marzo 2021 Maestra de Diseño Gráfico Cuando te gusta algo tienes que agregarle horas de vuelo, o sea, PRACTICAR Y PRACTICAR PARA AL FINAL ESTAR SATISFECHO CON LO QUE LOGRASTE” El proceso creativo que le ayuda a diseñar páginas web es empezar por hacer bocetos y trazar retículas conforme se imagina cómo podría ser el diagrama para una página, trata de hacer 3 o 4 diferentes. Después las pasa a ilustrador donde revisa cada una de las propuestas y elige una para mostrársela al cliente, estas no tienen diseño ya que puede que el cliente quiera cambiar algo de la estructura. Una vez aprobada por el cliente lo que hace es ponerle diseño y volverle a mostrar al cliente el trabajo para que autorice el diseño, cuando se aprueba y no hay ningún cambio por hacer es cuando empieza la etapa de programación. Un consejo que nos da, es no empezar a programar cuando aún está en la etapa de aprobación del diseño porque pueden solicitar cambios en el diseño y sería doble trabajo volver a programar la página. La maestra Alma Banda nos comenta que lo más difícil del diseño web es no saber cómo subir una página web a internet o cómo hacer una base de datos. Aunque son conceptos que normalmente no enseñan en la escuela y que pueden sonar muy complicados y lejanos, son cosas que también puede hacer un diseñador, solo hay que relacionarnos con los conceptos. Nos menciona que “Si nos quitamos la etiqueta de que algo es complejo desde la primera instancia, la verdad es que nos vamos a facilitar mucho las cosas”. Para respetar la confidencialidad que tiene la maestra con sus clientes no mencionaremos los nombres de sus proyectos, pero hay uno que le gustó mucho diseñar y se trata de un diseño de interfaz, una aplicación móvil para un banco. Fue un proyecto en el que tardó un año y medio en bocetar, diseñar y de enseñarle al cliente propuesta tras propuesta. Cada mínimo detalle de la aplicación fue planeado para poder llevarla a la ejecución con programación. Se hicieron pruebas para verificar que todo funcionara, luego los ingenieros estuvieron 6 o 7 meses más trabajando en las actualizaciones. Para ella fue todo un aprendizaje pues nunca había tenido un proyecto como este. En la actualidad tiene dos proyectos de tiendas web, una es de productos para la salud y la otra es para artículos promocionales, son proyectos que le emocionan mucho porque ambos son de amigos diseñadores y mientras ellos se encargan del diseño, ella se encarga de programar. Por último, nos compartió que le gusta ser docente porque le da retos todos los días, siempre trata de actualizarse, de investigar, de ver tutoriales, incluso de preparar su propio material pues no se puede quedar con lo que encuentra en internet. Ella busca que sus estudiantes tengan las herramientas necesarias para que las apliquen en el ámbito laboral. Lo que más disfruta es que no hay posibilidad de que se aburra porque siempre está aprendiendo y todos los días se sorprende. Todo mi proceso de trabajo me enseña y mi proceso de dar clases también” Marzo 2021 13 �D O C E N T E Jeimy Martínez La producción y experimentación del sonido como arte. Sin título. (Resonancia del trabajo de mujeres en un restaurant) Moviliario de restaurant intervenido (mesa y dos sillas), bocinas de tres pulgadas, material aislante, amplificador. Audios 7’05’’ / 6’69’’. *Se invita a participar, tomar asiento y acercar la escucha a la mesa. FOTO POR: ARCHIVO ARS Actualmente está desarrollando entrevistas y diversas grabaciones a mujeres que laboran en distintos sitios. Inició con mujeres que laboran en la preparación de alimentos debido a la relación que tiene con esto, pues su madre, Sylvia Galavíz Treviño, sacó adelante a su familia teniendo un pequeño restaurant en el Barrio Antiguo de Monterrey. Con este proyecto ella quiere reconocer todo el esfuerzo de su madre y el de las mujeres que con sus conocimientos y oportunidades mantienen económicamente a sus familias. Además de las entrevistas, ha grabado el ambiente en donde estas mujeres se desempeñan para luego hace ediciones y finalizar con una intervención de sonido sobre o a través de objetos. La primera pieza que surgió de su primer acercamiento fue una mesa y dos sillas, al poner tu oído sobre la mesa escuchas el ambiente en un lado, si te sientas del otro lado, escuchas la voz de algunas mujeres conversando de sus experiencias laborales entre otras cosas. Ser artista es complicado no sólo en Nuevo León, la maestra Jeimy Martínez nos comentó que esto se debe a que los públicos son pequeños y a que no se cuenta con mucha difusión y apoyo al arte, pero que gracias a los medios de difusión actuales es más fácil establecer contactos y desplegar el trabajo. Para las mujeres es todavía más difícil, pues hay cierta discriminación en los círculos artísticos, además de los asuntos de acoso sexual. Esto se vuelve doblemente difícil para las mujeres que inician en el ámbito profesional. Para ella el papel de las mujeres en todas las artes es importantísimo, incluso menciona que “los discursos hegemónicos patriarcales han silenciado a las mujeres en toda la historia y actualmente se empiezan a rescatar esas voces, obras, descubrimientos, y creaciones de las mujeres que fueron aplastados por la mirada masculina”. También nos comparte que la mujer no necesita ser musa para tener visibilidad, que las mujeres pueden crear sus propias posibilidades creativas, no solo en el campo de la creación, también en la curaduría, museografía, la crítica de arte, la educación y la investigación. Hoy en día las mujeres están recuperando estos espacios y creando proyectos para mostrar sus propias inquietudes, quehaceres y asuntos. Lo que más disfruta de ser docente es el aprendizaje mutuo, escuchar las inquietudes de sus estudiantes, asi como compartir y emocionarse por sus proyectos. Desde que empezó a dar clases ha aprendido mucho y sus métodos se han ido transformando, pero también ha crecido como persona. Cada generación, cada clase y cada estudiante la ha marcado de una u otra manera, incluso ha forjado amistades con ellos, pues la carrera de artes es pequeña y todos se conocen muy bien. Ha cometido errores, pero también ha tenido algunos aciertos y espera poder continuar con la educación por las artes ya que lo considera como un proyecto de vida. Golpe y Voz Composición sonora en colaboración con la colectiva feninista. Son Combativas. 2019 POR: LIZBETH ESTRELLO C on estudios en Artes Visuales por parte de la UANL y actualmente terminando su tesis de maestría en esta misma institución con el proyecto “Creaciones sonoras irruptivas: el sonido como elemento crítico en el espacio social”, la maestra Jeimy Martínez nos compartió su trayectoria profesional, así como su gusto por la docencia. Además de ser docente en la Facultad de Artes Visuales cuenta con proyectos artísticos en progreso y pertenece a dos colectivas de mujeres. Una de ellas es “Magadaleonas Teatro de las Oprimidas”, y la otra es “Son Combativas Batucada Feminista”. Su producción artística es variada, ha creado dibujo, instalaciones interactivas, esculturas sonoras y acciones in situ. El uso del sonido se ha convertido en su eje central para crear obras, sin embargo, no es el único elemento que emplea, pues lo visual sigue estando presente. Esto la ha llevado a explorar aspectos del sonido desde su acústica, su percepción, su representación en unidades de tiempo, textuales y a la experimentación con materiales y objetos. Incluso ha llegado a generar obra que implica su cuerpo. También logra la participación de otras personas en composiciones sonoras, acciones, grabaciones y experimentos con cintas magnéticas o esculturas que utilizan elementos digitales. Se ha acercado a cuestiones de la física del sonido, hasta lo simbólico de la escucha. En cuestión a las colectivas ya mencionadas, ha hecho un trabajo colaborativo con mujeres que, como ella, comparten la necesidad de hablar de cuestiones de género que tienen mucha urgencia en la actualidad, como la lucha por el cumplimiento de los derechos de todas las mujeres y el fin de la violencia. Esto a través de proyectos teatrales, de performance y de música. Su interés por el arte sonoro viene de descubrir que el arte es una área muy amplia, pues no solo a través de la vista sino también a través del oído nos pueden hacer sentir y pensar. Por algunos años su inspiración para crear sus piezas fue entender la física del sonido, pero después empezó a importarle el significado de lo que escuchamos cotidianamente, como el sonido del cantar de un pájaro que puede indicar que la naturaleza que nos rodea sigue viva. 14 Marzo 2021 Maestra de Artes Dentro de sus producciones ella destaca su obra “Ejercicio I para pozo de agua”, ya que es una intervención en sitio cuyo proceso se desarrolló en dos lugares. En Monterrey NL. y Boca del cielo, Chiapas. Se realizó una serie de grabaciones de audio a niñas y niños jugando y se combinaron con algunos sonidos de agua, estos audios se colocaron en varias norias donde se colocó equipo de amplificación. El propósito de esto era usar la noria como un “amplificador” del sonido por su concavidad. La instalación se quedo por algún tiempo y se esperó a tener cierta interacción. Este proyecto pertenece a una serie de piezas de intervención en espacios públicos y la relación con diversos contextos y el uso de las concavidades de las construcciones arquitectónicas, como puentes, norias, espacios vacíos etc. Ejercicio I para pozo de agua Intervención in situ Noria, audio 2:34min. Video-registro 4:33min. Considero que el arte POSIBILITA nuevas formas de EXISTENCIA en un mundo tan locuaz como el nuestro, que tanto requiere de un SENTIDO SENSIBLE” Sin título (Órgano) 10 dibujos en tinta blanca de aceite sobre papel 20 x 12cm Cajas con luz Marzo 2021 15 �C R E A T I V I D A D POR: LIZBETH ESTRELLO 16 Marzo 2021 ILUSTRACIÓN DE ALEJANDRA SILVA D entro del área de la producción visual es común utilizar la creatividad para desarrollar proyectos, pero ¿qué es la creatividad?, ¿guién es creativo?, ¿dónde está la creatividad en el cerebro?, ¿cuándo somos más creativos?. Sin duda son muchas las interrogantes que surgen en torno a la creatividad, pero te ayudaremos a contestar cada una de estas preguntas. Empecemos definiendo que la creatividad es una capacidad natural y básica del ser humano, esta nos ayuda a encontrar soluciones inteligentes y originales a nuestros problemas y desafíos diarios. También se puede definir como la capacidad de generar algo nuevo y valioso a través de la transformación de lo ya existente. Esta gran habilidad es muy importante, ya que a lo largo de la historia nos ha ayudado a sobrevivir y a evolucionar como especie, incluso nos ayuda a generar constantes mejoras a nuestra vida, a nuestro entorno y a la sociedad. Se puede utilizar en cualquier aspecto de nuestras vidas pues no es exclusiva del ambiente artístico. Todos nacemos con la capacidad de ser creativos, pero conforme vamos creciendo la sociedad, la familia y la escuela nos van imponiendo ideas, patrones y modelos, es decir, nos van diciendo qué hacer y qué no hacer; lo que está bien y lo que está mal. Cómo pensar, cómo actuar y cómo vivir. Esto hace que nuestra capacidad creativa disminuya, sin embargo la creatividad es como cualquier otra habilidad, necesita de la repetición como instrumento de enseñanza para poder desarrollarse y para poder perfeccionar esta capacidad con el tiempo. La creatividad en el cerebro es muy difícil de definir y de medir, pero gracias a la neurociencia se han hecho varios estudios para encontrar las áreas del cerebro que más utilizamos a la hora de ser creativos. La neuróloga Mónica Kurtis indica que para poder medir la creatividad en el cerebro se deben hacer uso de la Resonancia Magnética Funcional (FRMI por sus siglas en inglés) y de la Tomografía por Emisión de Positrones (PET por sus siglas en inglés), estas dos técnicas nos permiten obtener imágenes de la actividad del cerebro. El FRMI mide el flujo sanguíneo en el cerebro, donde más flujo hay significa que se está usando más esa área del cerebro. La técnica PET mide la glucosa del cerebro y cuanta más glucosa haya significa que hay más actividad. Mediante estas dos técnicas se ha determinado que la zona que más se ilumina al momento de ser creativos es la zona prefrontal medial del cerebro. Esta zona nos permite llegar a una meta, planificar objetivos, conseguir resultados, organizar la información jerárquicamente, mejorar la atención, la concentración, la memoria de trabajo y la flexibilidad (la cual se encarga de ver las cosas desde diferentes ángulos para no tener una respuesta automática). También conecta con la corteza visual, sensitiva y auditiva, la memoria (donde están todos los datos que conocemos) y las emociones. El cerebro no funciona por bloques, es decir, aunque la zona prefrontal del cerebro sea la que más se ilumina, no significa que las otras áreas del cerebro dejen de funcionar. Un claro ejemplo de esto es la íntima conexión de la zona prefrontal con la zona prefrontal lateral, la cual se encarga de filtrar ideas y de decidir si son buenas o no. A pesar de que esta zona nos ayuda a darle valor a la creatividad porque pone la idea en contexto, es aquí donde las reglas y los marcos sociales influyen en la zona y terminan cortando nuestra creatividad. ¿Alguna vez has encontrado la solución a un problema cuando no estabas pensando en ello?. Los momentos de inspiración no surgen cuando estamos concentrados en resolver algún problema, suelen aparecer cuando nuestro cerebro se encuentra reposando, haciendo actividades que no requieren de mucha atención, como lavar los platos, ducharse o simplemente pasear. Podemos decir que somos más creativos cuando nos distraemos y dejamos divagar la mente un poco, esto facilita el surgimiento de más y nuevas soluciones. La inspiración no se puede provocar, pero se puede estimular realizando tareas simples antes de hacer otras más complejas. Para esta edición de CROMA nos dimos a la tarea de hablar con mujeres que se destacan en su área por ser creativas, con el fin de inspirarte y motivarte a tener más confianza en tus ideas y para querer seguir siendo creativo. Esperamos que a través de sus trayectorias como profesionales también te animen a explorar tu lado creativo, a seguir creando y sobre todo a dejar de lado el miedo de hacer lo que más te gusta. Marzo 2021 17 �C R E A T I V I D A D Redes y contacto: Influencer en Moda y Edición Ilustradora y creadora del cómic “Sin y Laf” POR: JENY RODRÍGUEZ 18 Marzo 2021 @rossmarisin _ TWITTER rossmarisin Redes sociales: _ YOUTUBE Daily Vintage Itsferyalm _ TIENDA PRESETS Magic and pearls _ INSTAGRAM @itsferyalm POR: JENY RODRÍGUEZ R oss Marisin estudió la Licenciatura de Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Actualmente es Ilustradora y diseñadora freelance, se dedica a esto desde que egresó de la facultad en el 2008, lleva 13 años en este ámbito. Ella ha participado en diversos proyectos importantes. Cartoon Network Latinoamérica la contactó para el proyecto Girl Power; la llamaron para elegir a dos personajes de sus series favoritas de Cartoon para después hacer una ilustración tipo fan art de estos personajes, ella eligió a Garnert de Steven Universe y a Marceline de Hora de Aventura, sus personajes favoritos. Continuó en otro proyecto con Coca Cola, trabajó con un colaborador y tenían que dibujar los comentarios positivos para este nuevo año 2021, estos comentarios eran desde la página de Facebook de la empresa. Estas frases se las pasaban y tenían que ilustrarlas rápido por lo que fue ahí donde aprendió a dibujar en su iPad de una manera más rápida. Ross ha colaborado con clientes importantes tales como: Macmillan, Cartoon Network, Conafe, Elalebrije, El Palacio de Hierro, entre muchos más. Para lograr tener el prestigio que la caracteriza, tuvo que trabajar muy duro. Cuando aún era estudiante publicaba sus ilustraciones en Facebook y estas llegaban a personas que no ilustraban, su idea era entretener y hacer que la gente se identificara con lo que ella vivía día a día. Su cómic “Sin y Laf ” le ayudó a tener clientes, pues mucha gente lo compartía y muchos de sus fans eran editores o trabajaban en agencias de publicidad. La recomendación de Ross es: “Publica tu trabajo, de ese modo la gente te conocerá. También tenemos que apoyarnos entre compañeros, ya que de vez en cuando te puede llegar trabajo por parte de ellos”. Menciona que le gustaría crear un nuevo cómic ya que cuenta con diversos personajes que podrían funcionar muy bien. Conocer tu propio estilo es muy complicado, para Ross el haber realizado trabajos complicados le hizo darse cuenta del trabajo que le gustaba hacer. Desde ese momento comenzó a enfocarse en su forma de trabajar y a pulir todo su estilo para darle un buen servicio a los clientes que la buscan y para que la recomendaran o la volvieran a buscar. “Cuando uno va iniciando quiere aceptar todos los trabajos posibles, pero conforme _ PAGINA WEB rossmarisin.com POR: ROSS MARISIN a conocer más de los programas de edición como Photoshop y Lightroom. Cuando dominó los programas empezó a crear sus propios filtros. La gente se los pedía y ella se los proporcionaba gratuitamente, hasta que se dio cuenta de que podía venderlos. Como ella había estudiado en la Facultad de Ingeniería Mecánica y Eléctrica en tecnología de software comenzó a crear su página web para poder vender sus filtros, al principio no creía que esta idea tendría éxito pero se sorprendió al ver que el resultado fue todo lo contrario que incluso le pedían más. Su meta a corto plazo es trabajar más en sus dos canales de Youtube, también comenta que le gustaría mejorar más en tomar fotografías y seguir practicando. A largo plazo le interesa colaborar con marcas prestigiosas como Chanel, haciendo spots publicitarios y preparándose con cursos o talleres que la ayuden a cumplir su meta. Lo que más le gusta de su trabajo es ver el resultado final, ya que el proceso es muy tedioso y abrumador, pero se siente bien consigo misma al ver todas las horas de trabajo y sufrimiento invertido que la llevó a lograr el resultado esperado. POR: FERNANDA F ernanda estudió la carrera de Lenguaje y Producción Audiovisual en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Actualmente es influencer, su contenido es para aquellas personas que les interesen los temas de moda y belleza, cuenta con un canal de Youtube que habla sobre el tema y otro secundario en el que se dedica a hablar temas de edición de fotos y videos; también cuenta con una página web en la cual se dedica a la venta de filtros que ella misma crea llamada Magic Pearls. Ella tiene el desafío de competir como mujer latina, contra mujeres que cumplen con los estereotipos que la misma sociedad formó, es decir, delgadas, blancas y con muchísimos recursos. Nos comenta que el peso de una persona tiene muchísimo impacto pues es algo con lo que también tiene que lidiar. “Tengo el poder de generar un mensaje para todas esas niñas que no se sienten seguras consigo mismas, respecto a que son súper valiosas y que no importa su peso ni sus medidas ni cómo te veas. Creo que es importante porque a mí me ha truncado o cerrado muchas puertas tanto con marcas como con seguidores y es importante normalizar la apariencia física”. La inspiración la toma de personas que ella admira, una de ellas es Desi Perkins, todo el tiempo se inspira en sus videos, sus fotos y es por ella que decidió dedicarse a la moda y al maquillaje para Youtube. En la fotografía se inspiró en Jessica Kobeissi y es por ella que eligió especializarse en fotografía editorial. Fernanda creó su canal de edición debido a que subió un tutorial editando una fotografía de ella misma y se impresionó al ver que tuvo muchas visitas, desde ahí decidió subir más y más contenido del mismo. Para subir un nuevo video ella misma se pregunta lo que le gustaría ver en su canal, además de eso toma inspiración de las nuevas tendencias, los colores del año, lo que las personas usan, en todo lo que está de moda; incluso toma en cuenta lo que van diciendo las personas en los comentarios de sus videos de lo que les gustaría ver. Se mantiene fiel a su estilo para que todo tenga congruencia en su contenido y no se pierda esa inspiración ni el sentido que la caracteriza. “Siempre hago lo que me gusta y si dejas de hacer lo que a ti te gusta no está padre, entonces además de trabajo yo lo veo como un hobbie”. La idea de vender filtros nace el día en que comenzó con su primer video de edición. Ella buscaba la manera de editar sus fotos de una manera correcta y es en la escuela donde comenzó _ INSTAGRAM uno avanza sabe de lo que es o no capaz de hacer, gracias a esa experiencia ya sé qué tipo de proyectos aceptar y qué proyectos pasarlos a alguien más”. Ross se inspira en ella misma para crear a sus personajes de redes sociales, es la prueba de que cualquier cosa que hagas en tu día a día lo puedes tomar como inspiración; también toma en cuenta su propia personalidad para reflejar la actitud que tomarán sus ilustraciones y lo convierte todo humorísticamente. Lo que más disfruta Ross es dibujar, menciona que lo mejor es que le pagan por hacer algo que le gusta, le agrada que los clientes dejen que haga las ilustraciones con el humor que ella tiene ya que los clientes le confían su trabajo y le dan la libertad de expresar lo que le piden a su manera, obvio respetando los parámetros. Marzo 2021 19 �C R E A T I V I D A D Redes y contacta: Fotógrafa ve la moda como la oportunidad de crear universos fantásticos. POR: ALEJANDRA SILVA. 20 Marzo 2021 Le resulta gratificante poder ver los resultados de alguien con quien fue flexible y exigente para luego ver como se empieza a desarrollar y hacer cosas grandes, es una experiencia muy satisfactoria para ella al igual que ver como todos trabajan en equipo y están abiertos a aprender y desarrollarse. A todos aquellos que están estudiando diseño gráfico, Carolina les aconseja lo siguiente: No dejar que tu ego como diseñador LIDERÉ tu trabajo. La diferencia entre el ARTE y el DISEÑO es que el diseño sí es un servicio de soluciones, entonces te enfocas en las necesidades del cliente” ANAGRAMA C arolina estudió la Licenciatura de Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Originaria de Saltillo, Coahuila. Forma parte del equipo de partners en Anagrama, estudio creativo con presencia en Monterrey, Cd. de México, Estados Unidos y Japón, donde desarrollan experiencias de marca de forma multidisciplinaria. Actualmente lidera el Área de Proyectos Digitales, ejerciendo como Project Manager y Directora Creativa. Desde siempre le atrajo la creatividad y el arte a pesar de ser una persona más metódica lo que en un principio lo consideraba una desventaja contra las personas con facilidad de crear artísticamente, con el tiempo se dio cuenta de que la creatividad era algo que podía desarrollarse y con un método lógico en donde se realiza una investigación a profundidad a la marca y clientes le ayudaba a crear cosas con mejores bases, lo que la llevo al cargo del área de diseño y desarrollo web. Ser encargada y mujer en un área de diseño donde predominan los hombres le dificultó que en un inicio fuera considerada como una líder. A pesar de eso ignoró la brecha del género e hizo que su talento y su trabajo la hicieran destacar por su valor como diseñadora. Sobre su proceso creativo nos comenta que al diseñar empieza con un estudio del contexto del cliente, analiza la competencia y busca tendencias de lo que están haciendo bien y es con ese conocimiento que se crea algo original en base a las áreas de oportunidades que encuentran. Sus proyectos favoritos son en los que conecta con el cliente, comparten objetivos similares, pero con diferente perspectiva ya que considera que esos son proyectos donde se puede aprender mucho mutuamente y se crean buenas relaciones. “Todos los clientes son difíciles, pero la curva de aprendizaje te enseña a ser empático, debes encontrar los tiempos, leer al cliente, ver cómo está recibiendo la información y asegurarte de que estés transmitiendo bien tus ideas pues lo más difícil es estar en el mismo canal”. Sobre sus obstáculos como diseñadora y líder comenta que, “La relación con personas, ser un líder empático y entender que todos tenemos días buenos y malos, pero a la vez ser exigente para que todo salga, es de las cosas que más desgastan, pero más disfruto”. _ INSTAGRAM @michellelartigue POR: ELIANA CASTAÑON. M ichelle Lartigue estudió la Licenciatura en Artes en la Universidad de Monterrey. Empezó a hacer fotografía como un hobby a los 17 años, pues aún no veía la fotografía como un trabajo formal. En el 2016 inicia su carrera como fotógrafa de moda, cuando una marca la contacta para hacer fotografías para el contenido de sus redes sociales. En ese momento, es cuando se da a la idea de que sí se puede vivir de hacer fotografía de moda. “Lo que me interesaba de la fotografía en general es esto de crear una fantasía, escaparme un poquito de la realidad, y es entonces cuando encuentro a la fotografía de moda, me doy cuenta de esto de seguir creando universos fantásticos, a fin de cuentas una marca te está vendiendo un cierto estilo de vida, que se tiene que transmitir a través del modelo, crear todo un personaje con las prendas y con más elementos, y creo que eso fue lo que me atrapó, también me di cuenta de que me siento muy bien trabajando en equipo, con más creativos y esto en la fotografía de moda es clave”. Queda claro que en la fotografía de moda las marcas quieren trasmitir a través de sus prendas e imagen un estilo de vida. En este tipo de fotografías se necesitan de muchas herramientas y participación de varios creativos para un mismo objetivo. Por este motivo el proceso creativo de Michelle es basado en primera estancia en el moodboard que le mandan las marcas, por lo cual muy pocas veces se involucra en toda la dirección creativa y también las marcas que la contactan ya conocen su trabajo y estética que maneja, por esta razón solo interviene en procesos más técnicos como en la iluminación, en los colores de los cicloramas o si necesitan sugerencias en modelos. Pero a la hora de realizar el shooting, sí sugiere opciones para obtener el resultado que el cliente espera. “Aprendí que uno como fotógrafo tiene la palabra final y a veces se tiene que decir esto no está funcionado con el moodboard y buscar soluciones o improvisar”. También recalca esta parte de trabajar con más creativos, pues hacen que el resultado de las fotografías finales salga mucho mejor, pero hay que tomar en cuenta que estas personas tengan la misma visión o que tengan el mismo estilo y que concuerden en la misma idea final. La industria va creciendo y la fotografía de moda es un género que va evolucionando, que se están abriendo más oportunidades, específicamente con las pequeñas empresas o con pequeños creativos que van empezando, por lo cual Michelle recomienda que este es el mejor momento para empezar a ser fotógrafo de modas porque se están abriendo oportunidades en todas partes. POR: MICHELLE LARTIGUE El diseño gráfico como proceso lógico. Marzo 2021 21 �C R E A T I V I D A D Visita y contacta: _ INSTAGRAM @Kiwicreativas_packaging ¿Alguna vez pensaste que un empaque podría ser como un traje hecho a la medida? _ E-MAIL gaby@kiwicreativas.com _ SUCURSAL Niza 3205 Valle Primavera, Mty N.L POR: THELMA CORTES E lla es Gabriela Peña dueña de Kiwi Creativas, egresada de Diseño Gráfico Digital de la Universidad Regiomontana, también tiene la Licenciatura en Música por la Facultad de música de la UANL, actualmente está casada y tiene una hija de 4 meses. Todo empezó un 19 de febrero del 2008 cuando tomó la decisión de crear este negocio de fabricación y diseño de empaques. Cuando era estudiante de diseño gráfico tenía dos ramas que le interesaban, el packaging y el diseño editorial, una vez graduada empezó a trabajar en el periódico EL NORTE, pero no era exactamente lo que ella quería ya que veía a sus compañeras de trabajo hablar por teléfono a casa de sus padres para ver cómo estaban sus hijos, ella toma como ejemplo a su madre quien siempre trabajo en casa y quien empezó el negocio hace 30 años, solo que de forma rudimentaria, aquí es cuando Gabriela decide seguir con el negocio, pero de manera profesional. Kiwi Creativas ofrece un servicio integral de elaboración de empaques desde cero y para cualquier giro, su fuerte son los empaques para la repostería fina, panadería y restaurante, también ha hecho empaques para piezas de tráiler. El servicio es totalmente personalizado como un traje hecho a la medida, pues el cliente dice lo que quiere, ven cuál es su presupuesto y lo que espera de este. Gabriela nos comenta que el secreto de su éxito es que sea ella quien trabaje directo con el cliente, pues le gusta trabajar con libreta y lápiz a la mano y bocetar mientras dialoga con sus clientes. Su trabajo ha llegado a Cancún, McAllen y España, tras ampliar el inventario el año pasado la empezaron a buscar desde Argentina y Colombia, su proyecto del 2021 es hacer más envíos a otros países. El proyecto que más le gustó elaborar fue para un negocio de confitería, la solicitante traía sus propias ideas para el empaque y quería que la gente se enamorara del producto. Gabriela puso todo su corazón en el proyecto y el resultado fue maravilloso, le encantó a la solicitante y tuvo muy buena aceptación de la gente ya que el producto era para la época de navidad, este proyecto fue un parteaguas, ya que le metió acabados que nunca había hecho. 22 Marzo 2021 Sus clientes en general son exigentes porque venden productos de calidad y buscan el empaque perfecto, cosa que es su especialidad. Tuvo un cliente difícil, unos reconocidos event planner que salieron en la serie de “La casa de las flores”, nerviosa tuvo que ir a la Ciudad de México para hablar con ellos sobre lo que querían y llevarles muestras, lo que ellos buscaban eran empaques para su cafetería en Santa Fe, ella tenía el compromiso de hacer un buen trabajo, al final les encantó y esto fue para ella un paso más para ser reconocida en este giro. El miedo siempre va a existir, así que no pasa nada, lo peor que puede pasar es que no funcione, pero que pasa si ese pequeño salto si funciona. Ella tuvo miedo y recibió muchos comentarios respecto a dejar un buen trabajo, pero ella prefirió tener su propio negocio, ella nunca tiro la toalla y ahora este año Kiwi Creativas cumple 11 años, vive al 100% de eso. Todas las experiencias tanto buenas como malas han sido de aprendizaje y este es su consejo: No tiremos la toalla, CREAMOS en nosotras y HAGAMOS lo que nos APASIONA” Un guionista no sólo se encarga de hacer un guion cinematográfico, también crea ideas que forman la trama de una película, un programa de televisión, u obra de teatro, entre otros. Redes sociales: _ INSTAGRAM @ayns097 _ FACEBOOK Ailéh Navarro POR: ABIGAIL REYES A iléh Navarro estudió la Licenciatura de Lenguaje y Producción Audiovisual en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. A sus 23 años ella nos cuenta que su primer acercamiento al mundo del guionismo fue en su etapa de la secundaria cuando un amigo de ella le enseñó las cosas que escribía, así fue como ella poco a poco empezó a interesarse en escribir historias Ailéh nos comenta que la inspiración para sus escritos los encuentra en la música y hasta en sucesos personales. “Yo me baso en canciones que me gustan y estas mismas las intercambió con un amigo, para que no solo una persona las eligiera, también para ponernos el reto de “haber que haces con esto” y así estuvimos más o menos un mes y medio, y en ese transcurso salieron 8 historias, muy cortas, pero así me quite los prejuicios que tenía a la hora de escribir.” Una limitante que tenía nuestra guionista al momento de intentar narrar o crear una historia en base a los problemas o situaciones que le solían suceder en su vida, era que estos aún no tenían una solución para poder escribirlos, por lo cual hacía que Ailéh tuviera bloqueos creativos. Durante su etapa de la facultad Ailéh decidió mostrar en su salón de clases un guion que ella había escrito para la materia de Cinefoto, su idea les agrado a todos, por lo cual “A través del bosque” se produjo y así con mucho esfuerzo decidieron inscribirlo al Festival Internacional de cine de Monterrey en la categoría de KinoStart. “Siempre les dije a mis compañeros, desde que propuse el guion y dirección que yo quería que el cortometraje participara…y si no ganábamos quería que nos quedáramos con la sensación de que participamos y fuimos seleccionados entre tanta gente y el ver nuestro esfuerzo reflejado en la pantalla grande es una de las mejores sensaciones”. A través del bosque narra la historia de un hombre, cansado de la vida citadina, decide huir al bosque para librarse de todo su ser. Lo que no sabe, es la sorpresa que le espera ahí dentro. Al haber estado concursando en el FIC de Monterrey Ailéh nos dice que obtuvo muchos aprendizajes sobre su participación. “Te deja mucha confianza con lo que haces, al menos esos pequeños reconocimientos te impulsan a querer y seguir creciendo”. A todas aquellas personas que están interesadas en seguir en este camino del guionismo les aconsejo: “Tanto con guion u otros proyectos es hacerlo, JAMÁS QUEDARSE CON LAS GANAS DE HACER ALGÚN PROYECTO CON EL QUE TENÍAS UNA ESPINITA, nunca poner los limitantes de tengo mucho trabajo, mucha tarea, incluso si no se te ocurre nada, tu date, tienes miles de oportunidades”. Marzo 2021 23 �C R E A T I V I D A D Carolina ortiz ANAGRAMA Mujeres construyendo con creatividad y esfuerzo su estilo personal. ailéh navarro Michelle Lartigue Ross marisin fernanda Almanza Gabriela peña 24 Marzo 2021 Marzo 2021 25 �E M P R E N D I M I E N T O Redes sociales: @ blackbuffalofilms Black Buffalo Films es una casa productora conformada por la dirección de Lariss De La Vega y el diseño de producción y dirección creativa de Kathya Velázquez. POR: SUGEY GUZMAN E n sus inicios esta casa productora se centró en la producción de videos musicales, logrando entrar en revistas como Billboard y Rolling Stones, para luego incursionar con marcas internacionales como H&M y Chevrolet; así como para marcas como Heineken México. Esto es sólo un poco de lo que han realizado, pero ellas nos cuentan más sobre su trayectoria como dúo creativo. ¿Cómo nace este proyecto y conjugan sus talentos? Todo inició hace unos años, cuando nos volvimos pareja y nos dimos cuenta de que compartíamos el mismo amor por el arte y el cine. Cada fin de semana nos gustaba realizar experimentos de fotografía y video; un día realizamos un cortometraje en nuestra casa, en el cual queríamos crear una estética muy específica y nos dimos a la tarea de enfocarnos en narrativa, fotografía y dirección de arte. “Hubo una conexión que tuvimos para crear y fusionar ambas partes de nuestra creatividad”. Ese día obtuvimos un resultado que nos gustó mucho, y desde ahí nos propusimos desarrollar esta fusión creativa y crear nuestra casa productora Black Buffalo. 26 Marzo 2021 POR: BLACK BUFFALO FILMS Lariss de la Vega y Kathya Velázquez Fundadoras de la casa productora Black Buffalo Films. ¿Por qué iniciaron produciendo videos musicales? Siempre nos ha llamado la atención poder crear historias audiovisuales a través de la música, es algo que creemos jamás poder dejar, ya que es una pasión para nosotras. En una ocasión conocimos a Jorge Villarreal que con otros 4 chicos conformaban ¨DRIMS¨, nos platicaron acerca de su concepto como banda y juntos decidimos darle vida a un visual para su canción, es ahí donde comenzamos a plasmar la estética que buscábamos proyectar a través de la música. Creemos que TODO ARTISTA TIENE SU PROPIO ESTILO y jamás podremos ser repetidos, siempre procuramos plasmar nuestras voces en cada uno de nuestros proyectos” - Black Buffalo ¿Qué las llevó a ampliarse hacia spots y campañas publicitarias? Jamás nos pasó por la mente introducirnos al mundo de la publicidad. Todo sucedió cuando Toy Selectah, uno de nuestros más grandes impulsores en la industria, le envía nuestro trabajo a una productora ejecutiva de publicidad de CDMX (Claudia del Bosque), quien nos adentró al mundo de la publicidad presentando nuestro trabajo como una dupla de dirección y llevándonos en este viaje lleno de aventuras realizando spots para H&M y Chevrolet siendo representadas por la compañía LANDIA. ¿Qué recomiendan a mujeres jóvenes que quisieran empezar en la producción audiovisual? Queremos recomendar a las personas que quieren iniciar en el mundo de la producción audiovisual que experimenten lo más que puedan, dejen fluir su creatividad sin miedo a nada, siempre buscando tu satisfacción personal como creadoras. Hace unos años atrás los hombres tenían más oportunidades en esta industria, sin embargo, esto no sigue siendo así, pues hemos avanzado bastante es este tema, el punto es salir y crear tus propias oportunidades seas hombre o mujer, el arte es universal y no tiene por qué existir distinción de géneros, es decir todos somo iguales y tenemos las mismas capacidades de expresión, no importa si provienen de un hombre o una mujer. ¿Cuál consideran que fue la producción con la que se dieron cuenta que estaban teniendo éxito? La producción con la que vimos más éxito fue “Hablando Lento” de Odisseo, desde el momento que realizamos el guion y al verlo plasmado en la pantalla nos sentimos realizadas y orgullosas de cómo nuestras ideas en conjunto estaban reflejadas en este audiovisual, y justo fue este proyecto el que nos llevó a trabajar para H&M. POR: BLACK BUFFALO FILMS _ INSTAGRAM ¿Tienen algún proyecto del que se sienten más orgullosas? Creemos que cada proyecto tiene su propia esencia, a todos les tenemos mucho cariño y estamos orgullosas de cada uno. Pero en especial nos gusta mucho trabajar con Niña Dioz ya que su concepto como artista se presta mucho para hablar y expresar temas que, para nosotras, no deberían ser un tabú en esta época tales como la homosexualidad, la discriminación y como la religión sigue afectando actualmente en la sociedad. POR: BLACK BUFFALO FILMS Marzo 2021 27 �E N F O Q U E MUJERES EN EL CINE Las miradas femeninas y sus categorías en el séptimo arte POR: NÁTALI GUERRA E l tema de las relaciones entre las mujeres y el cine, es un tema del que se habla mucho, pero sobre el que se ha trabajado muy poco. Antes, las mujeres aparecían en pantalla para cubrir el deseo sexual de los hombres. Hoy en día las miradas femeninas ya no son ignoradas como en aquellos tiempos, ahora sí existen. ¿Cuántas veces no hemos escuchado o mirado una vivencia que pertenece a una mujer contada por un hombre? Un nuevo estudio de la Asociación de Mujeres Cineastas (CIMA) en el que analiza los 152 largometrajes presentados a las nominaciones de los 33º Premios Goya, pudimos conocer el mínimo porcentaje de mujeres que participan en estos proyectos. (29 %) En los departamentos de producciones con una mayor representación femenina en cargos de responsabilidad fue de lejos el de Diseño de Vestuario 92%, seguido del de Maquillaje y Peluquería 73%, en Producción el 31%, en Dirección y Guion solo representan el 20%, y en el Departamento de Fotografía el 9%. El departamento como menos mujeres es el de Efectos Especiales con apenas 7 mujeres por cada 93 hombres. La igualdad de los pagos de mujeres y hombres también varía. El pago de una mujer en producciones puede ser hasta de 50% menos que el de un hombre. Esto pronto acabará. Cada vez conocemos a más productoras que están alzando la voz y que van contagiando de esas ganas de crear un cambio a otras generaciones 92% 73% 20% 31% De las 2.279 personas que desarrollaron diferentes cargos de responsabilidad en esas películas eran mujeres. 28 Marzo 2021 Marzo 2021 29 �A R T E Monserrat Carrión El desafío de emprender en el mundo del arte. “Lo que intento hacer realmente es poner al alcance de cualquier persona una pieza de un artista. Ser inclusivo, apoyar el arte y pagarle al artista su trabajo creativo” Los artistas les mandan un catálogo con las piezas que quieren vender y es a través de las exhibiciones virtuales en su página de Facebook donde se pueden apreciar, si alguien se interesa por alguna obra puede ponerse en contacto con ella para comprarla. Además de las exposiciones y los sorteos Carrión ofrece talleres de autorretrato, ciclos de poesía virtual y exhibiciones fotográficas. EXPOSICIONES Monserrat nos comenta que para ella Carrión es un autorreconocimiento hacia un camino del aprendizaje y poder compartir con los demás. Y es que a través del arte podemos reflejar y predecir los procesos personales y sociales. Toda persona es capaz de ser creativa y esto es una necesidad, un impulso innato de los seres humanos. contacto y redes: _ FACEBOOK @CARRYONMX _ CONTACTO 81 1904 3623 POR: ALEJANDRA SILVA 30 Marzo 2021 OBRA DE LILA JAMIESON M OBRA DE VIVIANA SOFÍA creo? No va a pegar en ningún lugar, debo de confiar en lo que estoy haciendo, en las herramientas que tengo y en el talento de los demás, así como yo confío en el mío para que las cosas pueden funcionar“ Monserrat siendo una apasionada que le encanta aprender y conversar, logra admirar y decir: “¡Eso es maravilloso! ¿Por qué no compartirlo?” “Es una pasión, es amor y es a través de ellos mismos y de sus experiencias que lo disfruto más. Es ese poder estar receptiva a lo que los demás me están mostrando y evidentemente a lo que yo estoy mostrando porque es un espejo” Los artistas van llegando y es aquí donde se hace la pregunta ¿Cómo le hago para brincar a otra plataforma donde pueda autorreconocerme, autosustentarme y poderle pagarle al otro también a la misma medida y en la misma calidad? Son las redes sociales en donde se permite contactar e ir más allá para poder construir esta comunidad. OBRA DE ALFONZO DELGADILLO onserrat Carrión es una gestora social y cultural en instituciones públicas, privadas y asociaciones civiles desde hace más de 8 años, con experiencia en proyectos artísticos, diecinueve exhibiciones colectivas y tres individuales en diferentes disciplinas como pintura, dibujo, fotografía y arte conceptual dentro y fuera de la República Mexicana. Se desata la exhibición de dibujo, “Expose yourself ”, Galería Concord; 937 Blood St (Ossington) Toronto, Canadá en 2009. Seleccionada en 2007 y 2008 en la reseña de la Plástica Nuevo Leonesa. En el mes de marzo, a partir de la pandemia que comienza la Galería Carrión, no siendo una galería, sino más bien un gesto para ayudar a quienes se encontraban en necesidad debido a lo ocurrido, por medio de un sorteo. A trevés de esta acción le siguen sus amigos y conocidos de las artes, tales como pintores, escritores, fotógrafos, etc. Y es en colaboración con el pintor Eleazar Montexano como se da el primer sorteo con la venta de 100 boletos. “El emprendimiendo tiene que ver con tu capacidad de poder entender que tú eres una persona importante y que puedes transformar mil cosas. Realmente la magia del arte para mí es esa que puede transformar los ambientes y puede transformar realmente la percepción de todo, incluso de ti misma, puede sensibilizar, ser terapéutico, ser un diálogo interno donde si es claro y te gusta a ti misma ¿por qué no ofrecérselo al otro?“ Carrión funciona a través de una participación activa tanto de artistas como de su parte. Trabajar en equipo es una de las cosas más importantes y la confianza que se tiene y le tienes a las otras personas para poder construir. “Si yo quiero vivir de esto evidentemente quiero que al otro le vaya bien ¿Cómo hago para sostener un proyecto que yo no me OBRA DE RAFAEL ORTEGA Marzo 2021 31 �E S P E C I A L Canto de sirenas POR: ANA FABIOLA MEDINA RAMÍREZ “ …Detén tu nave y ven a escuchar nuestras voces. Después de deleitarse con ellas quienes las escucharon se van alegres conociendo muchas cosas que ignoraban, … sabemos cuanto sucede sobre la tierra fecunda” Canto XII, La Odisea Este escrito pretende unirse al tempo del canto de las mujeres creadoras de Nuevo León. Ser un reconocimiento al pulso de aquellas que contribuyen al tejido cultural del estado desde todos sus parajes. No se trata de una revisión histórica. Tampoco he querido arriesgarme a destacar nombres, ni a privilegiar lenguajes artísticos, por incluirlas a todas, aún cuando en mis palabras puedan algunas reconocerse. Mi escrito mira a través de la figura mítica de las sirenas con toda la intensión de proyectar, en un cielo dominado por seres etéreos, una imagen que palpita en su dualidad. Las sirenas en la mitología griega, son criaturas marinas mitad mujer y mitad ave. Según ciertas versiones, son hijas de Aqueloo, dios-río, y de Calíope, la de la bella voz, musa de la poesía y la elocuencia. En el griego antiguo: Σειρήν - Seirēn; pl.: Σειρῆνες - Seirēnes, significa: «las que atan y desatan/encadenan»; Relacionado también con la palabra púnica Sir, «canto» o del vocablo semítico seiren “hembra que fascina con su canto”. El mito cuenta que las sirenas un día osaron competir con las musas para juzgar quién tenía la más armoniosa y bella voz. Estas últimas, ofendidas por el atrevimiento de sus adversarias las transformaron en monstruos. Conservando su rostro humano, las cubrieron con grandes plumas. Ahora son la inquietud del mar1 . La primera mención de las sirenas es en la Odisea, cuando Odiseo se enfrenta a la fascinación de su canto, atado al mástil de su embarcación. El poder de la misteriosa melodía, consistía en que susurraba al oído aquello que cada oyente, fervorosamente, deseaba escuchar. 32 Marzo 2021 Moradoras del aire, seductoras y terribles, fueron temidas por los navegantes del mediterráneo cuyas naves eran arrastradas por el viento hacia los arrecifes donde se posaban. En la Edad Media, la iconografía de las sirenas sufre transformaciones en el sentido simbólico y formal para adaptarse a la ideología y a los patrones estéticos de la época. Su representación adquiere el aspecto que llega a nuestros días: hermosas mujeres con cola de pez y pasan a ser habitantes de las profundidades del mar, conservando el poder prodigioso de su voz asociado a tentaciones y encantos. Las sirenas del aire se tocan con Psyché, la bella joven de alas de mariposa. Psyché es la figuración del alma, una alusión a la muerte de la oruga dentro del capullo, pues nada de su apariencia pervive en la mariposa. Las sirenas se tocan con Psyché, soplo y alma, pero no con la que rasga la crisálida para despojarse del cuerpo, sino con aquella que es aliento jadeante y cuyo cuerpo excitado mueve la imaginación hacia su deseo. Las sirenas del aire cantan y es el aire el portador de su canto. Recoge, eleva y esparce la vibración de esas voces. De ese soplo de los labios, principio de vida, de los afectos y deseos, de la inteligencia y la voluntad. Soplo que es la encarnación del alma. El alma, escribe Didi-Huberman, es una forma nacida del aire, del corazón que pulsa y respira. Es Psyché encarnada en imagen surgiendo de la crisálida para extender su aura. Nuestras mujeres creadoras, son sirenas aviformes. Moradoras del viento. Volando a nivel de la respiración y el latido, pasean por la ciudad, se asoman por sus ventanas, por sus puertas, por los orificios de las balas. Miran en la profundidad de los ojos de sus habitantes. Escudriñan en la memoria de las casas, de las fábricas. Observan todo para develar sus vacíos. Cantan y su canto es polifónico. El viento que circula por las calles se vuelve entonces, beso, caricia, revuelo de cabellos, de rizos, de faldas, de velos. Ráfaga que arrastra las hojas y los panfletos. Diáspora llena de ese canto-imagen de la intensión del alma. Psyché que enciende su lámpara para alumbrar la imago de su deseo. El canto de nuestras sirenas creadoras es polifónico, elocuente. Didi-Huberman recoge esta cita de Holliger “Cada cantante entona según el tempo que da su pulso”2. La obra que cristaliza su canto en el aliento poético, creación de los afectos y la pulsión que agitan la respiración, es así, huella de aire encendido. Poetas del aire, llevan sus alas en las sienes, las manos o los tobillos. Sirenas que blanden sus pinceles: Enamorada del paisaje norestense, en el hálito de sus matices y formas, ésta deja la huella de su sentir; otra, inspira en la libertad de la abstracción, una crónica cromática de identidad y memoria; otra más, sostiene el aliento para dar forma a la reminiscencia en sus manzanas. Una, con sintonía sonidera, recorre los barrios de la Independencia. Territorio sonoro que celebra el jolgorio, el movimiento caliente, el amor extraviado o el barrio furioso. Otra, recupera rostros y la memoria dispersa de la antigua fábrica de acero, rasgando los velos que imponen el silencio. Bordeando el río se desplazan sirenas cuyo ritmo de voz se une al de sus manos, de sus plumas, para hacer volar las páginas de sus libros. Mientras otra las desprende para jugar con las palabras transmutando su lenguaje a otros ensueños. Una más, parte de la escritura en un cuaderno y de ahí deriva y registra su canto en múltiples objetos y superficies, tomando quizás la forma fragmentada de un libro. Marzo 2021 33 �E S P E C I A L Al pie de las montañas, la mirada de una es un hilo unido a otros, para confeccionar el manto de la visión, el vestido con que se cubre el aire. Sirenas que exudan la experiencia del cuerpo femenino por cada poro, por cada herida. Canto que en su hálito teje y desteje lienzos, materializa en cuerpos de manta, el espíritu femenino personificándolo en la maravillosa naturalidad de vientres que han dado a luz y de pechos que han amamantado. Sirena que logra recobrar el aura en este gesto del rollizo de la cintura y de la curvatura de la espalda. Entonces, en ese pliegue, la tela transfigurada en piel ocupa el espacio suspendido de significante y signo. Hacia otro lado de la ciudad, se escucha la intensidad de una exhalación que vacía los pulmones. Sirena que con-sentimiento del tiempo, condensa en su performance, lo efímero del cuerpo como imagen aérea en camino de su desmaterialización3. Por el Barrio Antiguo, la sirena que mueve los hilos de las marionetas hace un canto de los rostros del barrio que se asoman al umbral de sus puertas para sonreír a su lente; y de las niñas que palpitan en el corazón de la mujer madura. Por el mismo rumbo, otra sirena hace danzar entre nubes al hombre mayor, antes abandonado al temblor involuntario de sus músculos. En la Plaza de la Luz, se escucha un canto sonoro, vernáculo, que se pavonea con el colorido de su atuendo. No hay lugar en los alrededores que no haya sido escenario de sus vuelos, del hechizo de sus voces. Aún el más leve suspiro se desplaza lejos como el murmullo de la sirena que recorre en enjambres el mundo entero. Esta polifonía entrelaza lenguajes distintos. Miradas estéticas muy diversas que doblegan la materia con sus vibraciones sonoras, hasta hacerla repetir el eco de su canto. El acontecimiento 34 Marzo 2021 artístico, expuesto por igual en el muro del museo que en el del barrio, en el escenario o en la plaza, en el poema, el ensayo o la crónica, exhiben el imaginario de un territorio recorrido, mirado y sentido. La ciudad es así, una caja de resonancia, batir de alas, latir de corazones. Sirenas aladas de zapatos gastados y manos ocupadas, que saben dejar por momentos su quehacer poético para tejer con crochet y regalar un gorro, un café o una lectura al migrante, charlar con un anciano o guiar el pincel de un niño. Sirenas que por el aire se elevan al encuentro de sus hermanas. Nubes de mariposas que llevan en brazos a sus hijas y acompañan e impulsan el vuelo de sus discípulas para hacerlas ascender. En un gesto de sororidad, vocablo que se deriva del latín soror “hermana”, que significa amistad o afecto entre mujeres, y que no casualmente se pronuncia con un susurro, como secreto dicho al oído, suave y contundente, en este gesto, se les ve danzando juntas, tomadas de las manos, liberando pañuelos verdes, lanzando risas púrpuras, silbidos, gritos, exhalaciones. Realizando pintas y tatuando en su andar sonoro por las avenidas de la ciudad, los rostros de las desaparecidas. Sirenas co-creadoras de la imagen, se evocan mutuamente. Y ese evocar sucede en los dos sentidos del término, como llamado del espíritu y como memoria. Así, la escritura de las poetas borda el volado de los vestidos de la escultora; los bocetos de la dibujante, sus figuras pálidas y desnudas, se cosen a las crinolinas de la instalación. En otras representaciones, del capullo concebido por unas manos, surge la bailarina que con toda libertad consuma el performance; la lente de la fotógrafa, registra los rostros de voces potentes que sacuden los telones y cimbran los escenarios, y las reúne en una celebración inédita. En otro espacio, la misma tinta corre de la palabra al dibujo para dar forma a un mismo libro, bajo la mirada complacida de sus autoras; dos más, muy jóvenes, de pie y frente a frente, bordan un corazón una a la otra, en la túnica que las viste. La visión de quien las contempla se pierde en el mariposeo de sus manos, en ese salir y entrar de las agujas que parece que se hunden en sus pechos. Es este un vuelo cómplice en el que una y otra mudan los matices de sus voces y trastocan sus cuerpos. Vuelo rítmico, armónico, que dibuja figuras del viento, todas ellas portadoras de un sonido: ráfaga, torbellino, tornado, silbido. Un juego de transfiguraciones, hipnótico como el de los estorninos. Apropiaciones y metamorfosis del lenguaje. Un circular de la imagen que la vivifica. Hans Christian Andersen, en su versión de La Sirenita que no se cuenta a los niños, escribe que, al cumplir su ciclo de vida, el cuerpo de las sirenas se vuelve espuma para disolverse en el mar. Más en este vivir nuestro, ninguna sirena se desvanece, nadie falta: en esa evocación que llama al espíritu, se rescata de la espuma el canto de esos cuerpo-aire reclamados por las olas. Así, en este canto que se vuelve brisa, se eleva desde la banqueta, el lucero que coloreó con pedacitos de mosaicos el andar de los paseantes. Y aún con el nudo que ahoga la garganta, en la sonoridad de ese árbol a mitad de la lluvia4, las voces de las sirenas que pronuncian sus versos, se tornan presencia de esa ausencia luminosa, de esa luz dentro del agua del sueño, que vuelve a mover el aire con su deseo. CIVITA, V. (1973) MITOLOGÍA. DIVINIDADES MARINAS. NÚM. 3 ED. ABRIL. SAO PAULO. DIDI-HUBERMAN, G. (2018) GESTOS DE AIRE Y DE PIEDRA. SOBRE LA MATERIA DE LAS IMÁGENES. MÉXICO: CANTAMARES. 3 BACHELARD, G. (2006) EL AIRE Y LOS SUEÑOS. MÉXICO: FCE. 4 VILLARREAL, M. M. (2008) HERIDA LUMINOSA. MÉXICO: CONACULTA 1 2 Marzo 2021 35 �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2021 Número Número de la revista 5 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2021, No 5, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/03/2021 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020116 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Amparo Vázquez Comic Empaque Guión cinematrográfico influenceer Moda Mujeres creativas Sheila Madai Sonido Veronica Delgado https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20005/Croma_2021_No_6_Mayo.pdf 31faa77d353d135b80f1441dce608a0a PDF Text Text Arte. Diseño. Audiovisual Mayo 2021 Número 6 �Í N D I C E Créditos M.C. Rogelio Garza Rivera Rector QFB Emilia Vásquez Farías Secretaria Académica Dr. Celso José Garza Acuña Secretario de Extensión y Cultura Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú M.A. Abigail Eugenia Guzmán Flores Subdirectora de Posgrado Talento FAV 04 Arte nostálgico 08 Ilustración narrativa Docentes 10 Entre el aula y la galería Emprendedores 20 Eliana Bernal Enfoque 22 Estudio fotográfico en casa 24 Edgar Leal Artes 26 Pintura como un estado de meditación 28 Hula Hoop, algo completamente nuevo Eventos 30 41° Aniversario Facultad de Artes Visuales 34 FIC MONTERREY 2021 Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz Departamento de Investigación Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Estancia de producción Eliana Rocio Castañon Salas Thelma Sofia Cortés López Jeny Naftali Rodríguez Gutiérrez Amairani Sugey Fraga Guzmán Lizbeth Estrello Ortiz Nátali Ashanti Guerra Jiménez Alejandra Silva Santiago Giselle Abigail Reyes Martínez Portada y contraportada Mariana Socorro Aguirre Espinoza Ilustración 14 La ilustración en la industria musical 2 Mayo 2021 Mayo 2021 3 �T A L E N T O F A V ARTE NOSTALGICO Cindy Chaps nos contará en esta entrevista cómo inició su marca Creamy Pop además de cómo comenzó su pasión por la ilustración con ese toque nostálgico y kawaii que la caracteriza. mente me sentí vista. En el 2013 o 2014 ya no quería involucrar mi nombre así que pensé en otro más bonito, algo nostálgico y muy pastel porque los colores pastel han sido parte de la ilustración, pensé en Creamy y me gusto, pero si en Tumblr ponías esa palabra salían otras cosas, entonces pensé en Pop y terminó como Creamy Pop. Empecé haciendo fanarts, pero actualmente hago contenido original de mi marca. Foto: Cindy Chaps | Creamy Pop | Dreamer POR: THELMA CORTÉS G raduada de Diseño Gráfico por la Facultad de Artes Visuales de la UANL, Cindy Chaps es una mujer muy creativa que le gusta mucho explorar áreas creativas. Se considera una persona multidisciplinaria, pues actualmente se dedica a la ilustración con Creamy Pop y en su momento estuvo ejerciendo en el área de diseño gráfico, el branding y la identidad. Le gusta mucho la comunicación, es amante del arte y de los videojuegos. ¿Cómo comenzó tu pasión por la ilustración? Comenzó desde que era muy niña, mis papás me dieron muchas herramientas o mi propio espacio para desarrollarme, yo me acuerdo que en mi cuarto era un mundo súper desordenado, pero era un mundo de exploración, o sea, me encantaba dibujar mis propios cómics, incluso hubo un momento en el que me encantaba la moda y diseñaba, tenía libretas completas de diseños de moda, también escribía mis propios libros y me gustaba pintar en acuarela o acrílico, pero lo que más me llegó fue la ilustración digital. Cuando llevé la clase de ilustración me fascinó porque era muy distinto, a mí me gusta mucho lo geométrico, entonces aquí podías perfeccionar tus bocetos. El que me ayudó bastante fue mi ahora esposo Mario, porque él ya estudiaba diseño cuando nos conocimos fue mi mejor escuela, él me enseñó a ilustrar antes de que yo tuviera esa clase en FAV así que ya traía escuela previa para usar el Adobe Illustrator. ¿Cómo nació Creamy Pop? Estuvo extraño, primero fue Cindy Chapa y me hice una página en Tumblr hace muchos años, me gustaba ilustrar cosas nostálgicas de los noventa porque me recordaban mi infancia, mi mayor inspiración son las cosas que existían en los noventas, las caricaturas y los juguetes que tuve en mi infancia, ilustraba barbies, hacia Cabbage Patch, etc., y lo subía a mi Tumblr, después me emocionaba ver que al día siguiente tenía 100 notas (Las notas recopilan todos los reblogueos, «Me gusta» y respuestas que recibe una publicación), estuvo padre porque por primera vez real- 4 Mayo 2021 ¿Cómo fueron tus inicios en la producción y venta?h Primero empecé con stickers, luego fueron playeras, pero antes las hacía sublimadas y sí eran algo caras y no era nada rentable. Tenía mi torre de playeras e iba a las ferias a vender, después cambié a la serigrafia que en mi opinión es muchísimo mejor, más económico y de calidad, también hice pins de botón todo 100% original de Creamy Pop; pero siento que es momento de dar otro paso y hacer otra cosa diferente, no estancarse y seguir evolucionando entonces el siguiente paso es sacar prendas diferentes, más diseñadas, desde cero porque siempre me he inclinado más a la moda. ¿Qué retos ha enfrentado Creamy Pop? Bastantes, como lo mencione anteriormente yo antes hacía muchos fanarts, entonces un problema al que me enfrente fue al plagio. Hice una Cynthia de los Rugrats y llegó a muchos países desde China, Singapur, Chile, y hacían cosas a la venta con esa Cynthia desde calcetines, mochilas todo lo que pudieras imaginar y no solo fue eso, también otros fanarts que eran míos. No podía exigir o defenderme porque los personajes no me pertenecen, fue cansado y daba coraje recibir mensajes de personas que veían mis ilustraciones en otros lados, y dije: yo no quiero que otras personas tomen esas ilustraciones y yo no pueda hacer nada, por eso deje de hacer fanarts y empecé a hacer contenido 100% original, todos los personajes hasta la fecha yo los he creado. Pero hay que pensar que nunca va a hacer un camino limpio, siempre habrá piedras en el camino y hay que saber retirarlas. Es difícil, pero hay que aprender a disfrutar el viaje. ¿Cómo es tu proceso creativo? Primero veía referencias, entraba a Pinterest, pero me di cuenta de que en lugar de ayudarme me bloqueaba y era difícil despegarte de esa idea y querer hacerlo tuyo. Ahora mejor no veo nada, cierro los ojos y escucho música, empiezo a imaginar, luego hago bocetos, le voy dando forma y color, siempre lo preparo pensando que van a ser diseños impresos para separar colores y tener el archivo listo. Normalmente me baso en ani- Foto: Cindy Chaps | Creamy Pop | Pretty Triceratops Foto: Cindy Chaps | Creamy Pop | All Mine Mayo 2021 5 �T A L E N T O F A V malitos, de hecho, la última colección que saque fue como muy western y justamente fue porque andaba jugando un juego que era de vaqueros. Me gusta todo lo western desde que era pequeña y me parece interesante este crossover de este gusto por lo western y lo Kawaii. ¿Tienes alguna otra pasión? Los Videojuegos, soy muy gamer, me encantan desde que tengo memoria, ahorita tengo la fortuna de poder explotarlo en Twitch y de tener un ingreso, también entré al mundo de los tatuajes porque en Creamy siempre me pedían comisiones de mis diseños para tatuárselos, cuando me enseñaban sus tatuajes ya hechos no me gustaba como quedaba mi ilustración, entonces decidí aprender a tatuar mis diseños, digo no se si vaya a ser buena en esto, pero quiero intentarlo porque nunca me ha gustado quedarme con las ganas de nada. Empezando la pandemia compré la máquina, tintas, me puse a ver cursos, ya he tatuado a pocas personas, pero quiero un mentor para reforzar más esta técnica. ¿Cuál ha sido tu mayor logro con Creamy Pop? Mi mayor logro ha sido generar ventas en casi todos los continentes, ya he enviado a Europa, Asia, casi toda América, nada más me falta África, pero ya he enviado muchos paquetes internacionales y me da mucha satisfacción porque ya hay un pedacito de mí en estos países, desde Japón, Singapur, Rusia, Canadá, Estados Unidos, Argentina, Brasil, España etc. Foto: Cindy Chaps | Creamy Pop | Bunny Para terminar esta entrevista Cindy nos da un consejo para las personas que están comenzando a experimentar en el mundo de la ilustración: Mi mejor consejo es que hagan las cosas porque realmente les gusta, con AMOR, con PASIÓN y no dejen de hacerlo, que no les dé el bajón por los comentarios de que no se puede vivir de eso, CLARO QUE SE PUEDE VIVIR, hay muchos ejemplos vivos que yo puedo asegurar que si se puede y sobre todo no compararse con otros porque es muy común. Repostea tu arte las veces que sean necesarias para que llegue a la gente indicada. Otra cosa que nunca me voy a cansar de decir es colaboren, colaboren, hay que relacionarse con otros artistas, con influencers que son de ayuda, si yo no hubiera colaborado en mis inicios con otros ilustradores así chiquitos como yo, no hubiera sacado piezas padres, ni hubiera llegado lejos. Traten de conectarse con más personas y no tirar hate, ese es mi principal consejo COLABORAR” Cindy también tiene una cuenta de diseño que es Creamy Pop Studio en donde si una marca coincide con la esencia de Creamy Pop harán proyectos maravillosos de acuerdos a las necesidades del solicitante; ha trabajado con artistas independientes, marcas como Marzia Kjellberg, Chrissa Sparkles, Punky Pins, Latin Witch, Paraiso Kawaii, entre otras, te adjuntamos sus redes sociales para que veas sus ilustraciones y también su página donde puedes comprar. redes Sociales: _ INSTAGRAM @cindychaps @creamy_pop @creamypopstudio _ WEB www.creamypop.com _ TWITCH cindychaps 6 Mayo 2021 Mayo 2021 7 �T A L E N T O F A V ROBERTO PEÓN Roberto Peón estudiante de diseño gráfico nos contará cómo es posible crear historias a través del diseño O ILUSTRACION ROBERTO PEÓN 8 Mayo 2021 POR: ALEJANDRA SILVA riginario de San Nicolás de los Garza, Nuevo León, es un estudiante de 6to semestre en la Facultad de Artes Visuales en la carrera de Diseño Gráfico dedicado especialmente a la ilustración digital y narrativa gráfica. Su estilo toma elementos del cómic americano, hiperrealismo, la caricatura y las perspectivas isométricas, pero aún así le gusta experimentar con otros estilos. Su mayor fuente de inspiración dentro de la ilustración es Raúl Treviño, nacido en Monterrey, escritor e ilustrador de novelas gráficas y es en parte por él que eligió la carrera. Además de dicha persona, otra gran fuente de inspiración al momento de trabajar proviene de la música en general, ya que disfruta imaginar historias a través de ella. Desde niño siempre fue muy afín a las artes gráficas, le encantaba dibujar, esculpir con plastilina, ver animaciones en la televisión y fue cuando se hizo mayor, que decidió que la carrera de diseño era su mejor opción ya que le permitiría explotar eso que tanto le atraía desde pequeño. En el transcurso de la carrera descubrió que además de diseñar le gustaba crear experiencias e historias a través del diseño y encontrar empatía con las personas: “Hacer algo que conecte con las personas y pase de solamente gustarte a ti a gustarle a los demás, tanto por lo visual, por cómo se manejan las experiencias y la empatía”. De la carrera lo que más disfruta son sus compañeros, ya que considera que aprende mucho de ellos al igual que de sus maestros que son sus principales guías y fuentes de inspiración: “Son de los compañeros a quienes tienes a tu mismo nivel y llegas a aprender de muchas personas. El estudiar diseño puede ser no igual, pero si similar en muchas partes o hasta puedes lograr entenderlo por tu propia cuenta si te abocas a ello, pero es más bien el hecho de estar en FAV y la experiencia para conectar con las demás personas de tu generación lo que a fin de cuentas te enriquece”. En el 2019 ganó el concurso “Exprésate” en la categoría de ilustración digital, ese mismo año participó en la inauguración de “PLASMA” como expositor. Trabajo en la imagen de “Despega 2020” y en el desarrollo de identidad e imagen de la Dirección de Deportes, UANL. Recientemente estuvo trabajando con el maestro Meléndez de la Facultad de Artes Visuales en su muestra de cine “Linares Fantástico” en donde realizó la imagen de esta última edición hecha en casa. Roberto considera que una de las mayores experiencias que ha tenido es el hecho de poder colaborar en proyectos de distintos niveles tanto en lo personal como para otras personas o para un evento, ya que disfruta aprender a moldear su proceso y su estilo dependiendo de hacia quién va a dirigirse. El entender que no todo se trata de tu ESTILO también es EMPATIZAR CON LAS PERSONAS y encontrar qué es lo que quieren o que disfrutan ver” Roberto Peón Actualmente se encuentra trabajando en colaboración con sus compañeros en una historia con el diseño de personajes y guión, además de estar desarrollando otra por su cuenta. Por último Roberto nos motiva y aconseja a los estudiantes de la facultad lo siguiente: “Al final de cuentas a todos nos llega una oportunidad y si de verdad les gusta esto sean pacientes y estén más ahí por el amor a lo que hacen que por lo que quieren lograr. Los frutos vendrán más adelante, y lo digo como una persona que aún no le llegan esos frutos, pero entiendo que si estoy aquí es porque amo estar aquí y porque sé que algún día llegarán, por el momento es disfrutar el camino y ser paciente en que ya vendrá”. ILUSTRACION ROBERTO PEÓN NARRATIVA ILUSTRACION ROBERTO PEÓN ILUSTRACIÓN Mayo 2021 9 �Entre el aula y la galería D O C E N T E Te presentamos al maestro Carlos Alberto Rodríguez Torres, mejor conocido como Charly, un docente lleno de experiencias y anécdotas para contar, desde sus exposiciones más importantes hasta los proyectos más satisfactorios de su trayectoria POR: JENY RODRÍGUEZ ILUSTRACIÓN: CARLOS RODRÍGUEZ ¿Cuál fue su formación académica? Soy egresado de la Facultad de Artes Visuales, estudié la Licenciatura en Artes Visuales con acentuación en Diseño Gráfico, de un plan de estudios de los 90´s, en el cual teníamos materias de tronco común y tomábamos una especialidad, entonces teníamos esa posibilidad de hacer fotografía, artes plásticas, diseño, edición de video; después estudié una Maestría en Diseño con orientación creativa, esta también la cursé en la FAV, aparte estuve en otros cursos dirigidos a líneas de producción, entre otras cosas. 10 Mayo 2021 ¿A qué se dedica actualmente? Soy docente de la Facultad de Artes Visuales, desde el 2010, comencé con la materia de ilustración digital, es de un plan anterior donde se llamaba así, ya que existía también la ilustración análoga y según mi portafolio de trabajo me asignaron esa parte, así que la imparto desde esa fecha hasta hoy en día, también colaboro como administrativo en la FAV y hago proyectos freelance acomodándolo a mi tiempo libre, trato de hacer producción visual, esténcil, ilustración digital, modelado, haciendo diferentes tipos de aplicación de producción. ¿Cómo llegó a interesarle la Ilustración? Yo creo que siempre, yo me acuerdo que de niño me dejaba llevar por los libros con imágenes, recuerdo que con mi primo veía una enciclopedia de ese tiempo y solo veíamos las partes con fotos o dibujos, también coleccionábamos barajas de ese tiempo y siempre tuve la curiosidad de apreciar la ima- CARLOS RODRÍGUEZ - Docente gen, con mis libros de texto pasaba igual, soy de una generación que le tocó la segunda fase de Ilustradores de la Secretaría de Educación Pública, incluso me ha tocado conocerlos o llevar cursos con ellos. Me tocó ver cómics como todo niño mexicano como la Familia Burrón, Memín Pinguín, Capulinita, ya más joven veíamos novelas gráficas como Águila Solitaria, Kalimán; pero yo creo que por eso me interesó esa rama del diseño, ya de adulto me doy cuenta que siempre tuve la fascinación por la imagen en general. ¿Cómo fueron sus inicios en la Ilustración? ¿Fue fácil o difícil? Antes de entrar a la ilustración yo siempre dibujaba, no conocía ese término, para mí eran dibujos, bueno hay que tomar varios aspectos para que se pueda considerar como tal, pero siempre en la secundaria, preparatoria dibujaba cosas en el pizarrón, a mis compañeros, de hecho, en la facultad estaba entre poner atención y estar dibujando, de esta manera comencé a involucrarme. En lo profesional, antes era muy diferente a lo actual desde cómo publicar las obras, ya que, en la actualidad Mayo 2021 11 �D O C E N T E ¿Cuáles han sido sus proyectos más importantes? Así como los retos o satisfacciones con los que se ha enfrentado. Uno de ellos es el libro que ya mencioné, en otro hice un Jabba de Hut de Star Wars para una exposición que organiza un compañero de la Universidad, fue un proyecto importante, ya que mi trabajo de modelado se basa más en hacer máscaras, entonces hice una pieza diferente a lo que acostumbro a hacer y tuvo mucho impacto estuvo en la televisión, lo publicaron, estuvo la prensa, lo mencionó la Universidad, ya que muchos de la misma participan en la exposición, yo me ponía junto a la pieza como civil no como autor, para escuchar todos los comentarios y ver la reacción de la gente al ver la obra, esto es algo que siempre hago en mis exposiciones. Otro proyecto es una Revista llamada Presencia Universitaria, es de la preparatoria 8, en la cual yo realicé todas las ilustraciones, tanto de la portada como en interiores, participé en una edición de la Revista Lagarto, la portada fue mía y en el interior una galería de mi trabajo. Los retos que he tenido son más en cuestiones de producción artística, visual, modelado de esculturas, todos estos son retos que se convierten en satisfacciones para mí, porque yo sabía que podía ilustrar, dibujar, me introduje al modelado y también al tallado en madera y resulta que las piezas a mi estilo han quedado bien, me involucro con el grabado como técnica gráfica; creo que ser multidisciplinario en la producción visual y que según mi criterio y el de las personas que ven mi trabajo, me queda bien, entonces también es una satisfacción. De todas sus obras ¿qué considera que tienen en común y qué las hace únicas y diferentes? De mis piezas creo que algo que les da ese diferenciador es que tiene que ver con la temática que es muy mexicana, la cultura, tradiciones, costumbres, artesanías, el colorido lo saturo mucho y utilizo mucho el juego cromático, lo considero fundamental, ya que ayuda a transmitir más fácil los sentimientos o estados de ánimo, es importante hacer que todos los elementos se aprecien bien a la hora de jugar con ello, entonces es lo que hago y me fluyen esas ideas y hay gente que ve mi trabajo y me dice que es muy mexicano en todos los elementos recurrentes que utilizo dentro de la Ilustración. ILUSTRACIÓN: CARLOS RODRÍGUEZ ¿Cuál es su proceso creativo para Ilustrar? Depende mucho del tipo de proyecto que tengas, puede que necesites hacer un tipo de análisis para ver a quién va dirigido seguido de una serie de cuestiones, al final caigo en lo mismo de investigar, analizar, ver referencias de cosas similares y luego observo todos los elementos que se integrarán a la composición y ya comienzo a hacer la propuesta, después conceptualizo y comienzo con el boceto a mano posteriormente lo paso a digital, sigo teniendo esa vieja escuela que los maestros de ese tiempo nos mostraron. Para lograr un buen proceso tienes que comunicar bien la necesidad que hay en la Ilustración. Además de la ilustración ¿Qué otras áreas creativas le interesan? Me interesan las artes gráficas como el grabado, el modelado, con pasta para modelar, barro, que va dentro de mi producción, el esténcil me gusta mucho, he tomado cursos del mismo y creado buenas obras, me interesa también todo lo que respecta a la difusión cultural, como eventos culturales y artísticos, este es mi camino, lo que hago y las áreas en las que más fuerte me siento y lo que me interesa más. ¿Qué proyecto es el que más le ha gustado diseñar? Hay un libro que se llama Metodologías Cualitativas Aplicadas a la Investigación en las Ciencias Sociales, fue un proyecto que me invitó la Doctora Alma Elena Gutiérrez Leyton, es la Coordinadora de la Editorial T&R, a ella le gusta mucho mi trabajo y siempre me invita a colaborar con proyectos y consume mis productos, realicé la portada de dicho libro, ya había tenido varias portadas de revistas, pero esté era algo más grande, ya que diseñé la invitación a lo que es el libro, puedo decir que este proyecto es el que más me ha gustado trabajar, aparte de la satisfacción, lo presentaron en una feria del libro y que mucha gente que no conozco lo tiene, digo esto ya que los productos que yo manejo como tazas, playeras y todo eso yo sé quién lo tiene porque me lo piden y yo se los entrego. 12 Mayo 2021 Portada del libro Metodologías Cualitativas Aplicadas a la Investigación en las Ciencias Sociales POR: CARLOS RODRÍGUEZ ¿Para usted, qué es lo más difícil de ilustrar? Yo creo que lo más difícil es comunicar y lograr una buena composición, ya que ese es el primer aspecto que hay que considerar y hacerlo bien a través de una imagen independientemente de la técnica que utilices. POR: CARLOS RODRÍGUEZ las redes sociales son plataformas interesantes que ayudan a que conozcan tu trabajo y ya te buscan, pero antes investigábamos quién era el encargado de arte de la revista o llamar y buscar oportunidades de este tipo. También se me dió con mi grupo de amigos de ese tiempo y que aún tengo actualmente, buscar la manera de adaptar las ilustraciones de nuestra producción, si no había un espacio nosotros crearlo. Ya después la gente conoce tu trabajo y comienzan a pedir que trabajes con ellos. ¿Ha desarrollado proyectos en cuestión a estas otras áreas de su interés? He expuesto grabado en exposiciones de artes colectivas, nunca en alguna individual, también participé en 3 exposiciones de esténcil, la ilustración digital que he convertido en producto, estuve en un colectivo en el cual participamos en 9 exposiciones, se llamaba Muerterrey, lo formamos en el 2006 y esta ha sido la manera en la que he canalizado mi producción aparte de otras exposiciones, pero está fue en la que estuve más activo y que formaba parte del núcleo que lo empezó a formar. ¿Qué es lo que más le gusta de ser docente? Ser docente me ha dejado muchas satisfacciones, creo que dentro de ellas como todo maestro, compartir con los alumnos conforme a la materia que se imparte y ver como lo van magnificando, produciendo, lo van creando, generando y creciendo tanto como personas y como profesionista y eso me gusta bastante, ser un formador que después como satisfacción está ver cómo crece la gente con la que compartes todo esto en el aula; otra es formar parte de la universidad donde yo estudié, maestros con los que estuve y después tenerlos como compañeros, eso es una satisfacción, ser docente también me ha dejado el aprendizaje de involucrarme más con la producción artística, ya estoy con el especialista compartiendo todos los días, me involucro con cursos que hay y de ahí surgen nuevas ideas para participar en otras cuestiones, también me impulsa a crecer para ser un ejemplo y sirva de motivación para mis alumnos. ¿Qué consejo puede dar a quienes quieren seguir su ejemplo? Siempre apreciar dónde se puede aprovechar la ilustración, en qué plataforma, qué medios, ahorita ya se ha diversificado mucho hay muchas posibilidades de aplicarla y tienen que aprovecharlo; siempre tienen que saber canalizar su creatividad, yo por ejemplo lo hago por diferentes medios y no solo en el diseño, también siempre tienen que ser constantes y creer en en si mismo, tienen que tener humildad, ser sencillos, ser observadores, conocer lo más que se pueda de todos los aspectos de la vida, de todo el entorno, social, cultural, eso cuenta mucho para la producción. Mayo 2021 13 �I L U S S E T C R C A I Ó C N I Ó N LA ILUSTRACIÓN EN LA INDUSTRIA MUSICAL R Hablamos con Ribs sobre sus inicios, su lapso creativo y la relación del diseño con la música POR: ELIANA CASTAÑON Ilustraciones de Ribs (Raúl Amador) redes Sociales: _ FACEBOOK @Ribs _ INSTAGRAM @helloribs _ TWITCH HelloRibs aúl Amador mejor conocido como Ribs, es un ilustrador egresado de la Facultad de Artes Visuales de la UANL en la carrera de Diseño Gráfico. Su trabajo se enfoca en la ilustración, el branding y en el desarrollo creativo de ideas, habiendo participado en la creación de diversas portadas para singles de música de varias bandas. Para comenzar me gustaría que nos hablaras de tus inicios en la ilustración ¿cómo fueron? Pues a mí me gustaba dibujar desde muy chico, como que siempre estuve interesado en esa área, pero todo inició cuando yo estaba en la prepa porque seguía a varios artistas y me gustaba mucho esta idealización de cómo vivían del arte, ya sea pintando murales o de esta parte diseñando para marca de ropa etc., y ahí fue cuando decidí estudiar diseño para cumplir mi objetivo de dedicarme a la ilustración. ¿Cuáles son tus referentes? ¿Tienes a algún artista o ilustrador que admires? Sí, varios artistas mexicanos como Raul Urias, Sergio Navajas, e internacionales como James Jean, que de cierto modo me inspiran a lograr algo como ellos. 14 Mayo 2021 Cartel promocional para la banda Nosotros los olvidados Mayo 2021 15 �I L U S T R A C I Ó N Portada de álbum y singles para Rollo California Dentro de tu lapso creativo ¿cuál es tu proceso de trabajo? ¿qué técnicas utilizas? Cuando son proyectos para algún cliente suelo tener una metodología, más que nada para que el cliente, en este caso se sienta tranquilo, que vea que se está trabajando en el proyecto seriamente. Esta metodología consta de varias etapas, primero me enfoco en el bocetaje en papel, esto me sirve para sacar ideas, luego pasamos a donde el cliente elige una propuesta, ahí seleccionamos colores y estilo para poder empezar con el proceso en digital, hasta que entre los dos llegamos a un resultado final. En proyectos personales por lo regular me gusta mucho experimentar, agarro algún material que no suelo usar normalmente, también busco referencias de estilo y empiezo a jugar con todo eso para crear algo fuera de mi zona. 16 Mayo 2021 ¿Cómo has llegado a ese estilo en sus ilustraciones? No me gusta estancarme en un sólo estilo, pero podría decir que, sí tengo varias técnicas que me gusta mucho usar, por ejemplo, el ruido para darle textura, también suelo usar mucho el recurso psicodélico con los patrones y líneas que se ven, como esta textura como si fueran líquido, y hablando de elementos gráficos suelo usar mucho la astronomía o de igual manera toda esta simbología que se usa en el mundo del ocultismo. También depende mucho de la idea que traiga en ese momento, intento imaginarme las cosas y tratar de imprimir la imagen que tengo en mi cabeza, prefiero explorar mi mente y crear las imágenes que se me ocurren sin limitarme en la anatomía o tipo de trazos y colores, más bien, conceptualizo la idea. Portada de álbum y singles para Primavera Club En tu trabajo has diseñado las portadas para singles de música, ¿Cómo sucede esta relación del significado entre esa imagen y la música? Usualmente cuando es para alguna banda o algún álbum primero pido que me pasen la música para darme una idea del estilo que traen, para adaptar la imagen un poquito al sonido a partir de escuchar su música y también de hacerles preguntas para ir creando un brief de diseño. Después de darme una idea de saber qué camino tomar, reúno referencias que se me vienen a la cabeza y empiezo a armar un moodboard, obviamente lo voy revisando con la banda para ver si están de acuerdo o si les gusta, a partir de ahí pues empiezo con la metodología que anteriormente había mencionado, pero en conclusión en proyectos así, para mí si influye mucho la música para empezar a ilustrar. Bajo tu experiencia, ¿Cómo ves el diseño gráfico en la industria musical? Es importante sobre todo porque ya se está industrializando bastante, ya que en la actualidad los músicos suelen sacar más sencillos que álbumes y está ganando esta cultura de producir más rápido y claro que el diseño pues es muy importante en la industria musical porque ayuda a definir la imagen que acompaña al artista, no solo con su música, sino también darle un estilo que puedas identificar visualmente. Mayo 2021 17 �I L U S T R A C I Ó N 1) 1) Sin título Prismacolor - 21 x 29.5cm 2) Vergüenza Acrílico - 23 x 23cm 3) Ardido Acrílico - 23 x 23cm 2) 3) Desde tu perspectiva ¿cómo ves el mundo de la ilustración actual? Muy interesante, porque ahora hay muchas más puertas que antes para cualquier rama de la ilustración, en la que te quieras enfocar, creo que es un buen momento para decidir ser un ilustrador, además porque las herramientas ya permiten hacer muchas cosas, no tienes que limitarte sólo a ilustrar, puedes pasarte al modelado 3D, a la animación, o videojuegos, etc., ya que todo requiere ilustración en cierto modo y se transforma en un conjunto de habilidades que no se limitan solo a dibujar y colorear, sino aprovechar estas herramientas para crear varios proyectos en distintas áreas. Por último, ¿qué consejo le darías a las personas que se quieren dedicar a la Ilustración? Yo creo que los clásicos, si te gusta no tengas miedo a lo que pueda pasar, no tengas este miedo de no conseguir trabajo, porqué si realmente te gusta y te esfuerzas obviamente vas a conseguirlo. También estar consiente de que se tiene que practicar, investigar, leer y aprender anatomía para tener perspectiva, en sí aprender un poquito de todo, pero sobre todo dibujar conscientemente porque muchas veces sólo lo hacemos por inercia sin estar concentrados en lo que estamos haciendo y yo recomendaría mucho, porque es algo que yo he aprendido y que me costó trabajo entender, es el estar bien concentrado y saber cuál es la próxima línea que vas a trazar porque a fin de cuentas es lo que te va a ayudar a mejorar, también el experimentar porque es la parte divertida, cuando te enfrentas a la hoja en blanco y tienes que resolver problemas visuales. 18 Mayo 2021 Ilustración para Faraón - Single Oumen ¿En qué estás trabajando actualmente? En una portada para una banda que apenas acaba de sacar su primer EP, también en proyectos personales en pintura haciendo varias experimentaciones, para recaudar material y ver si después se da hacer una exposición. Mayo 2021 19 �E M P R E N D I M I E N T O Encuentra sus productos en: _ INSTAGRAM @wondergirl_club _ En la concept store moshi moshi monterrey Ubicada en Barrio Antiguo. También hace envíos a toda la República Mexicana Fotos por: WONDER GIRL CLUB Estudiante de diseño gráfico, técnica de uñas y emprendedora POR: LIZBETH ESTRELLO. C on tan sólo 20 años, Eliana Bernal vio la oportunidad de crear su propia marca, la cual nace por su pasión por el nail art. Antes de hablar sobre su emprendimiento, quisiéramos contarte un poco sobre la creadora de Wonder Girl Club, una marca que se enfoca en la venta de uñas press on. Eliana es estudiante de Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales, su gusto por esta área empezó a los 12 años cuando una amiga de la familia, quien era fotógrafa, iba a entrar a la carrera de diseño gráfico. Cabe resaltar que en ese tiempo ella quería ser fotógrafa, por lo tanto le interesó la misma carrera, con el tiempo fue investigando más acerca de esta área y nos comenta que fue la única profesión que le llamaba la atención. Actualmente las áreas que más le interesan son: el diseño de identidad y el diseño de empaque. Su interés por el nail art lo ha tenido toda la vida, nos contó que tendía a morder sus uñas y que esto le generó una inseguridad en sus manos, pues sus uñas eran muy pequeñas, así que comenzó a pintarlas y a ver videos de cómo hacer diseños. Poco a poco empezó a adentrarse en este mundo del nail art, de hecho, fue hace 2 años que tomó la decisión de inscribirse a un curso para mejorar sus habilidades. 20 Mayo 2021 Meses antes del inicio de la cuarentena ella se encontraba trabajando en un salón de uñas, el cual tuvo que cerrar por la pandemia, al no tener un lugar en donde pudiera laborar decide aprovechar esta oportunidad para iniciar su proyecto. Wonder Girl Club inició en cuarentena tras no encontrar una oportunidad laboral. Ella nunca imaginó que tendría su propia marca y nos dice que se siente muy feliz y sorprendida de lo que ha logrado con ella. Eliana siempre toma en cuenta lo que piden sus clientas, les pregunta lo que están buscando y en ocasiones son ellas quienes mandan una foto de lo que quieren. Cuando le dan libertad creativa siempre busca inspiración, incluso trata de estar al día con las nuevas tendencias que van surgiendo, una vez terminada su búsqueda comienza a hacer un moodboard o un boceto para usar como guía y le ayude a plasmar sus ideas en las uñas. Su búsqueda de inspiración siempre lo hace en plataformas como Instagram y Pinterest, ella sigue diversas cuentas de nail artist, dentro de sus favoritas están @latinwitch, una nail artist mexicana originaria de CDMX y @nail_unistella, una nail artist coreana que ha trabajado con varias artistas de grupos k-pop. Ella quiere seguir con su marca una vez que se gradúe, así como laborar como freelancer en el diseño. Sus planes para Wonder Girl Club son hacer una minicolección para celebrar el aniversario de la marca, el cual será en junio de este año. Además, planea tomar un curso con una nail artist famosa para poder seguir creciendo su marca, otro de sus planes a futuro sería tener su propio nail bar. Boceto en papel para colección de uñas. Acabado final de uñas. Mayo 2021 21 �E N F O Q U E ESTUDIO FOTOGRAFICO Iluminación: 1.- Luces de colores: Puedes apoyarte de papel celofán de colores y colocarlo frente a la fuente de luz para conseguir una luz roja o de algún otro color. 2.- Sombras: Lo importante de este elemento es la manera en que juegues, pues podrían servirte como estética o como parte de tu narrativa. Toma algún objeto, puede ser un colador o un vaso de cristal con agua y ponlo delante de la fuente de luz para que las sombras se reflejen sobre tu set. EN CASA ¿Muchas ganas de tomar fotografías, pero con poco presupuesto? Sigue leyendo que te daremos algunos consejos. S POR: SUGEY GUZMÁN abemos que la pandemia nos obligó a estar encerrados y a ingeniárnosla para crear espacios en nuestra casa que normalmente no tendríamos, sin embargo, para nosotros los fotógrafos que vamos iniciando y que contamos con poco presupuesto, pero con muchas ganas de trabajar, es común necesitar un estudio fotográfico casero, por lo que te daremos algunos tips que te ayudarán a conseguirlo. Primero que nada, deberás conseguir un espacio amplio de preferencia a lado de una ventana por donde entre la luz, una cámara réflex o tu celular y mucho ingenio. Creación de tu set: Te presentaremos algunas alternativas para tener tu fondo. 1.- Tela: Una tela o sábana te ayudarán mucho para conseguir un fondo con el que se pueda interactuar al igual que le dará un poco de dinámismo a tus fotografías. Y con unos cuantos metros más cubrirán el piso, con eso conseguirás un efecto de fotografías de estudio completas. 2.- Papel Cartulina: El papel cartulina te ayudará a tener un fondo completamente liso sin embargo funcionará más para planos cortos. 3.- Periódico: El revestir el espacio entero con periódico podría dar un resultado muy divertido. 4.- Tu pared: Esta siempre será la alternativa más fácil y de bajo costo, que con algo de imaginación podrás FUENTE: @KASEY . JO . GERST conseguir diferentes photoshoots. 5.- Elementos: No hay nada mejor que incorporar elementos a nuestro set pues lo hará lucir diferente, y un ejemplo son macetas y plantas altas con las que tu modelo pueda interactuar. FUENTE: @GASCAPHOTO Friendly reminder Recuerda que la diversión va bien acompañada de esta actividad. El tener una actitud positiva te ayudará a que tus fotografías tengan el mejor resultado de todos. FUENTE: TIM RISE FUENTE:TIM Nada es tan difícil RISE como lo pensamos es más sencillo de lo que parece. Siempre disfruta todo procedimiento. Deja fluir tu lado más creativo y comienza a sentirlo 22 Mayo 201 FUENTE: @MARYSOLORZANO ¿Qué te parecieron nuestros tips? Esperamos que te ayuden a tener sesiones nuevas y diferentes para que de ahora en adelante el espacio no sea un impedimento para crear fabulosas fotografías. Como ya te mencionamos el ingenio y creatividad para trabajar con estos consejos depende de ti. Mayo 2021 23 �E N F O Q U E EDGAR Galerista y gestor cultural abre su nueva galería para dar a conocer el arte local POR: ELIANA CASTAÑON E LEAL dgar Leal propietario de una nueva galería situada en Barrio Antiguo, posee una nutrida trayectoria profesional en el mundo del arte, también se desempeñó por un tiempo como profesor de la Facultad de Artes Visuales de la UANL y en algunas otras universidades, ahora arranca y nos presenta este nuevo proyecto llamado “Edgar Leal Galería”. Leal menciona que el proyecto de abrir una galería de arte le surge desde una preocupación muy profunda, respecto a la producción, distribución y consumo de arte local en Monterrey, ya que es una ciudad con millones de habitantes, con mucha industria pero con muy pocos Artistas y pensadores sobresalientes. Por esta razón se vio en la necesidad de abrir un espacio en el cual se recibiera o exhibiera la obra de artistas que no tienen la oportunidad de ser galardonados con los apoyos de las instituciones culturales en México. También como curador se requiere un conocimiento profundo, para ayudar al artista a realizar una exposición, ya que debe de decir algo y para decir algo debe desarrollar una narrativa, y tener una especie de diálogo, para apoyar en el desarrollo de un gesto expresivo. Del mismo modo ayuda saber profundamente sobre la historia y estilos artísticos, pues el arte es un lenguaje que se desarrolla a sí mismo y metafóricamente, es como si cada pieza de arte que existe, agregara un poquito al universo lingüístico. Por otro lado, nos cuenta lo necesario para poder gestionar una galería. Pues primordialmente requieres capital y un espacio, ya sea que lo rentes o seas propietario de uno, y cumplir una serie de reglas, demográficas y de montaje, pues un espacio cultural no puede ser solo una casa, por ejemplo, tienes que saber cómo colocar las luces, a qué altura poner las piezas, con que separación. Para ir ajustando la línea narrativa dentro de la exposición para el disfrute de la obra. El consejo que les da principalmente a los jóvenes que quisieran abrir una galería de arte es: “Visiten una galería para que aprendan desde las reglas de montaje, hata el funcionar de una galería, ya que no es una cosa sencilla, y sobre todo entre más experiencia obtengan más dominio tendrán sobre el tema, también interactúen con el galerista y los expositores, en conclusión en el espacio, busquen aprender, ya que el compromiso que exige el ejercicio de las artes es inaudible”. Para concluir mencionó que próximamente en la galería también estarán disponibles varios cursos y talleres, en varias áreas que serán anunciadas en su página de facebook. redes Sociales: _ FACEBOOK Edgar Leal Edgar Leal Fundador de Edgar Leal Galería. Edgar Leal y colegas Visita a Edgar Leal Galería. 24 Mayo 2021 Edgar Leal y alumnos Primera sesión de dibujo vivo y resultados. Con este objetivo en claro, menciona que su galería está abierta a varios artistas y que como curador y crítico el oficio le exige conocer a más artistas de su localidad. En su proceso de búsqueda, una vez ubicado al artista comienza a penetrar y buscar un lazo, que no necesariamente es de amistad, sino de oficio y menciona que en sí su labor es ir entrando a la obra que se está desarrollando. “En sí los lineamientos que busco dentro de mi labor de curador y crítico consiste en el caminar a la par de los artistas. Y esto es una responsabilidad increíble pues presentar una obra de arte es como presentarse desnudo y sabemos que esto no es fácil, pues el arte es algo que pertenece a un contexto determinado, a un tiempo, lugar, pero al mismo tiempo es atípico y global, es decir, una pieza de arte se entiende aquí y en cualquier lugar del mundo”. Mayo 2021 25 �A R T E Pintura como un estado de meditación Lorena también nos comparte una de sus experiencias como artista: “A veces como artistas exploramos construir un mensaje representando la naturaleza del cuerpo humano tal cual es y exhibirlo, esto para algunas personas aún les es incómodo que cuando entran al estudio y ven la obra de una mujer con su pecho expuesto hagan algún comentario “chistoso” o de plano ignorarlo, esto podría ser un pudor general al cuerpo tanto de hombre como de mujer al desnudo, pero específicamente discriminación a la mujer seriá en redes sociales como Instagram o TikTok ya que en ambas me han eliminado publicaciones de fotografías de mis cuadros o dibujos donde sólo si subo el pecho de la mujer al desnudo lo cancelan pero el pecho de un hombre no”. Conoce el arte de LoGa “Cuarentena” Por: Nátali Guerra L orena Janeth García Enriquez mejor conocida como “LoGa” es una artista regiomontana de 28 años la cual comenzó en el mundo del arte desde muy pequeña, “creo que el arte siempre ha sido mi mundo”. Empezó dibujando sus caricaturas favoritas y montañas que veía. Formalmente asistió a clases a sus 10 años. Lorena es egresada de la Facultad de Arquitectura de la UANL, estudió Diseño Industrial. Eligió esta carrera al saber que en ella se hacían millones de dibujos y ahí decidió que ese era su camino después de que sus padres no la dejaran estudiar Artes Visuales. Comenzó vendiendo cuadros pequeños a sus ex-compañeros de trabajo y amigos, después dió clases de pintura desde la cochera de su casa. En ese momento sus papás se dieron cuenta que lo de la “artisteada” iba en serio y desde ese entonces comenzaron a apoyarla y dándole ideas para la creación de su estudio. “Actualmente siento que no hay algo característico de mis obras ya que me encuentro en una constante búsqueda de experimentación de materiales y estilos para poder llegar a eso que las caracterice” nos menciona LoGa sobre su arte. Lo que la inspira es la exploración del inconsciente humano, siente una gran atracción hacia la investigación sobre el comportamiento de los humanos, relacionados en temas como la psicología, la filosofía y la historia del por qué actua- “Estigma de oficio” mos como lo hacemos y cómo realizamos Óleo en bastidor Por: LoGa acciones inconscientemente. 26 Mayo 2021 Acuarela Por: LoGa. redes Sociales: Lorena nos comparte que ella compara la pintura como un estado de meditación, debido a la concentración que está le brinda y cada que está en el estudio ella pierde la noción del tiempo, solo existe el presente de la obra en ese momento. La obra más difícil que ha hecho Lorena se llama “Futuro”, esta es un retrato y mide 30x30cm, la cual le tomó alrededor de 3 meses terminar debido a que quería llegar a una representación realista de la persona y lo hizo utilizando la técnica de veladuras, un método al que ella no estaba acostumbrada. Este método consiste en ir aplicando capas de pintura muy delgadas de poco en poco. _ INSTAGRAM @loga.art Pienso que la distribución de arte en México está bien pero en zonas fuera del centro del país o zonas de turismo, FALTA MÁS DIFUSIÓN de las artes y más en estados más industrializados como lo es Monterrey donde se vive muy acelerado” Lorena García “Inconsciente, seres, análisis de las transacciones, etc.” Óleo Por: LoGa El camino de cada artista para encontrarse a sí mismo es distinto. Para Lorena fue difícil debido a que en el mundo del arte nadie te dice qué hacer ni cómo lo tienes que hacer, nos menciona que existen las bases de lo que es la técnica artística pero cuando estás en el camino de artista te ves obligado a representar de tu propia manera lo que pasa a tu alrededor y a veces tienes que llegar a desaprender lo aprendido para crear tu propio concepto. “Futuro” Por: LoGa Mayo 2021 27 �A R T E Hula Hoop, algo completamente nuevo La danza está ligada a una idea muy particular del cuerpo. Al pensar en sus manifestaciones acuden, inevitablemente, a movimientos que pueden resultar raros, degradados, exóticos y/o irreconocibles Por: Abigail Reyes L a danza pretende cambiar la mirada sobre las infinitas posibilidades que ofrece el trabajo conjunto con cuerpos diversos y otra manera de pensar, hacer y sentir la danza. Hacer un aporte a la danza del nuevo milenio, elevar el sentido de lo humano, recrear nuevos vuelos y desde el arte, dar forma a la propia vida. La danza o el baile es un arte donde se utiliza el movimiento del cuerpo usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con fines de entretenimiento, artístico o religioso. Es el movimiento en el espacio que se realiza con una parte o todo el cuerpo del ejecutante, con cierto compás o ritmo como expresión de sentimientos individuales, o de símbolos de la cultura y la sociedad. En este sentido, la danza también es una forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus movimientos y gestos. En esta ocasión, conocimos a Yuritzy Saucedo, mejor conocida como Yuyi hoop. Ella practica la danza de hula hoop. Esta se trata de bailar y jugar con un aro de hula hula haciendo trucos, bailables, etc. Este mismo aro lo puedes pasar por tu pecho, lo puedes mover de lado a lado, hacer visuales, girarlo en todas partes de tu cuerpo, aventarlo, hacer que pase de un lado a otro con algunos movimientos y divertirse mucho. Yuyi nos comenta que además de ser un buen ejercicio, tiene múltiples beneficios físicos y mentales. Por ejemplo, fomenta las relaciones sociales, alivia el estrés y la ansiedad, ayuda a tener mejor memoria, fortalece nuestro cuerpo, desarrolla la confianza en uno mismo, etc. Hablando un poco más con Yuyi nos dice que dentro del hula hoop hay muchas disciplinas como hula yoga, hula meditación, hula zumba, hula fitness, hula contact, hula poi hoop y un montón más. En sí, la danza con el aro puede parecer muy difícil pero no lo es. Solamente es cuestión de que te sueltes, de que pierdas el miedo y practiques de la mano de la paciencia y constancia. POR: YURITZY SAUCEDO 28 Mayo 2021 En mi experiencia lo mejor que les puedo compartir es que nunca digan que no pueden hacer las cosas (…) No te compares con nadie, no te presiones por ser mejor que nadie, cada quien florece de diferentes maneras y eso es lo más hermoso que podemos apreciar en la vida” Yuritzy Saucedo redes Sociales: _ INSTAGRAM @ yuyihoop POR: YURITZY SAUCEDO Mayo 2021 29 �E V E N T O S 41° Aniversario FACULTAD DE ARTES VISUALES Con más de 4 décadas posicionada como un referente a nivel regional y nacional POR: ALEJANDRA SILVA. L a Facultad de Artes Visuales como la vemos hoy en día es el resultado de una bella evolución que comenzó en el año de 1943 cuando Ignacio Martínez Rendón compartió su creatividad y talento con algunos alumnos ofreciéndoles cursos de dibujo y pintura clásica. En abril de 1980 el Honorable Consejo Universitario aprueba el primer plan de estudios de la recientemente creada Escuela de Artes Visuales; establece los grados académicos de Técnico en Artes Visuales y Técnico Superior dando origen a lo que hoy es nuestra querida facultad. En 1982 se reubica la Escuela de Artes Visuales para instalarse en la Unidad Mederos de la Universidad Autónoma de Nuevo León, donde actualmente se localiza. El primer director de la Escuela el Arq. Armando Flores, asume el compromiso de modernizar la carrera ya que existía en el contexto local la realidad de un mercado de la cultura de la imagen que demandaba el trabajo de creativos y estaba por otro lado el artista plástico que por entonces era también diseñador gráfico, publicista, creador de periódicos etc. Ante esta circunstancia, la aparición de una licenciatura en artes en el panorama de la educación universitaria ofrecía la oportunidad de especializar las inquietudes artísticas y hacer frente a las demandas de áreas valiosamente remuneradas y que responden a un mercado en crecimiento. 30 Mayo 2021 Con una población de 150 estudiantes y una planta de 20 maestros, en 1983 la escuela se transforma en Facultad de Artes Visuales. Desde el principio se establecen cinco campos de acción profesional: la producción, la difusión, la crítica, la docencia y la investigación en las artes visuales. En 1988 se hace una revisión curricular que reduce el programa de estudios a tres especializaciones: Artes Plásticas, Camarográficas y Gráficas. La carrera se propone incorporar adecuaciones y modificaciones que a su vez no alteren el sentido original de la formación artística; durante los años ochenta y a lo largo de los noventa, la Facultad de Artes Visuales tiene una amplia difusión e interés social, ya que la masificación de las nuevas tecnologías de multimedia, atraen a una inquieta y creativa población estudiantil. Durante los años de 1998-2000 el programa de estudios es revisado nuevamente y se llega a la conclusión de que las tres especialidades representan campos y prácticas profesionales diferentes, aunque históricamente comparten un origen común. De este modo, en el año de 2001 se establecen las carreras de Licenciado en Artes Visuales, Licenciado en Diseño Gráfico y Licenciado en Lenguajes Audiovisuales. Los objetivos de la división de las carreras son la especialización del conocimiento, la vinculación de los programas de estudios con las actividades profesionales de nuestro contexto y la oportunidad de flexibilizar una parte de la currícula para ofrecer a los estudiantes tanto la posibilidad de que se desarrollen según sus intereses, como la de permitir el mayor número posible de vasos comunicantes entre las tres licenciaturas. Al día de hoy se cuenta con 3 licenciaturas reconocidas y acreditadas por su calidad académica, estudios de posgrado a nivel maestría, aproximadamente 2500 estudiantes atendidos por más de 100 catedráticos y un gran equipo administrativo. En estos 41 años la Facultad ha tenido 6 directores y 3 directoras, es así que con 4 décadas, pero con más de 70 años de historia la han posicionado como un referente a nivel regional y nacional en el área de Artes Visuales, Diseño Gráfico y Lenguaje y Producción Audiovisual. A pesar de toda la contingencia sanitaria vivida a nivel mundial en el último año, no se dejó pasar esta fecha tan importante y es así que el 26 de abril en el marco de los festejos de aniversario se inaugura la “Galería de Directivos FAV”, espacio dedicado a honrar el trabajo de los que han entregado su tiempo y amor para forjar las bases de lo que hoy nos hace ser lo que somos y que han dejado una huella imborrable en la historia de nuestra escuela. Somos una Facultad fuerte, unida, que se transforma cada día, haciendo uso de la tecnología y convirtiendo cada reto que se presenta en una oportunidad de crecimiento, con la finalidad de trascender en nuestro entorno” Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora Francisco Quezada, artista y maestro jubilado de nuestra Facultad, nos honra con su enorme talento al brindarnos estas maravillosas piezas de nuestros exdirectores y exdirectoras. Le agradecemos al Arq. Armando Vicente Flores Salazar, al Lic. Salvador Alburto Morales, al Arq. Roberto Guerrero Lozano, al Arq. Mario Armendariz, a la Arq. Abigail Eugenia Guzmán Flores, a la M.C. Hilda Margarita Gutiérrez Ríos, al Dr. Mario Alberto Méndez Ramírez y al M.A. Juan Francisco García Hernández por entregar parte de su vida al fortalecimiento de la educación de las artes ya que cada uno dio lo mejor de sí para engrandecer a la facultad y siempre serán recordados. El maestro Francisco Quezada Ponce encargado de este proyecto inicio sus estudios en el año 1984 en la Facultad de Artes Visuales. Comenzó como docente alrededor de 1988 saliendo de la licenciatura en Diseño Gráfico, el Lic. Salvador Alburto quien era el director en ese entonces lo contactó para invitarlo a formar parte del equipo de docentes de la facultad. Se capacitó como docente a nivel técnico durante 3 años y posteriormente a impartir clases a nivel licenciatura, 30 años después decidió jubilarse en el 2018 y momentos previos a esto fue que visualizo este proyecto: “Este proyecto nace a raíz del amor y el cariño que le tengo a la facultad desde que entré como estudiante y posteriormente como maestro. A 2 o 3 años de jubilarme una tarde se me ocurrió dejarle algo a la escuela, un poquito de lo mucho que me han dado, que signifique y que tenga un valor histórico.” La idea de una galería fue propuesta por escrito primeramente en 2016 al M.A. Juan Francisco García Hernández quien en ese entonces era el director de la facultad. Una vez aprobado, el maestro Quezada se tomó la tarea de contactar y entablar una conversación con los directores y directoras para platicar con cada uno de ellos, plantearles el proyecto y pedir su participación, así como su apoyo para tener acceso a fotografías. Mayo 2021 31 �E V E N T O S La fase más difícil fue hacer el archivo de fotografías debido a las diligencias tanto de los ex-directivos como del maestro que en ese entonces aún se encontraba laborando como docente de la facultad. Fue un proceso tardado, pero una vez que eran recolectadas, tenían que ser seleccionadas para poder obtener las que estuvieran en las condiciones necesarias para ser dibujadas, puesto que tenían que cumplir ciertos requisitos como lo son una buena iluminación, composición y elementos que le ayudaran para efectos de definición de forma, contraste y volumen. Todo esto para obtener un buen registro de sus rasgos y poder captar todas sus facciones. A partir del 2018 se entregó de lleno a este proyecto y posteriormente debido al cambio de director se volvería a plantear la propuesta a la directora Verónica Lizett Delgado Cantú quien en el 2019 le daría luz verde para darle continuidad y poder sacarlo adelante: “Para mí fue una experiencia maravillosa el conocer a este grupo de maestros, disfruté mucho el proceso, fue muy lento, pero me hizo muy feliz” Los retratos son una obra a lápiz de grafito sobre papel fabriano en medidas de 40 x 50 cm ubicados en el Edificio B de la Facultad donde se exhibieron de manera virtual el 26 de abril. Es así como a partir de la inauguración de esta galería damos inicio a las festividades del 41 Aniversario de la Facultad donde posteriormente se realizaron los talleres de “Fotografía de Producción” impartido por Leyda Betanzo quien cuenta con estudios en Fotografía de Moda, Dirección de Arte y Styling y actualmente es docente en fotografía y post-producción. “Lettering” por Diego Castañeda con temas que prestan atención principalmente a los detalles que conforman una buena composición, armonía y personalidad a las letras. Y finalmente “Gráfica Experimental” por Berenice Torres en donde muestra la importancia del dibujo en los distintos procesos para realizar un grabado o una obra gráfica. De igual forma celebramos este aniversario con algunas actividades, como el estreno del podcast Nuestra FAV, preparado para estos días, a través del canal de Youtube de la Sociedad de Alumnos - Facultad de Artes Visuales donde se tocaron temas como el intercambio, la evolución de la facultad a través de estos 41 años, entre otros. También se realizó el “Ciclo de Charlas de Ex-alumnos” por Mario Barragán y Mildreth González. Y la presentación de la nueva imagen del tucán de FAV realizada en colaboración y con la valiosa ayuda del M.A. Julio Méndez en idea creativa. Es así como se dio fin a una semana de festejos y agradecemos a los maestros, alumnos y personal administrativo por un año más de desarrollo exitoso y de aportar arte y cultura a la comunidad. 32 Mayo 2021 inauguración de galería Retratos Arq. Armando V. Flores Salazar Jun-1980/Jun-1986 Lic. Salvador Aburto Morales Jun-1986/Jun-1992 Arq. Roberto Guerrero Lozano Jun-1992/Jun-1995 Arq. Mario A. Armendariz Velázquez Jun-1995/Jun-1998 Arq. Abigail Eugenia Guzmán Flores Jun-1998/Jun-2004 M.C. Hilda Margarita Gutiérrez Ríos Jun-2004/Jun-2010 Dr. Mario Alberto Méndez Ramírez Jun-2010/Jun-2016 M.A. Juan Francisco García Hernández Jun-2016/Jun-2019 directivos FAV Mayo 2021 33 �E V E N T O S El Festival Internacional de Cine de Monterrey es un evento cultural que se ha consolidado como uno de los más importantes del país C omo cada año el Festival de Cine de Monterrey (FIC Monterrey) lanzó su convocatoria abierta para recepción de películas, con la que se hará una selección para mostrarlas en la programación oficial de esta edición del festival que se realizará del 19 al 26 de agosto en la ciudad. Los cineastas interesados podrán inscribir sus películas en alguna de las secciones que tienen disponibles en el FIC Monterrey. Estas son Internacional, de cualquier nacionalidad excepto México, con largometrajes o cortometrajes de ficción, documental y animación. La segunda sección es Mexicano, donde se considerarán sólo películas con financiamiento del país, los interesados podrán inscribir también largometrajes o cortometrajes de ficción, documental y animación. 34 Mayo 2021 En la tercera sección denominada Nuevo León, se podrán inscribir largometrajes o cortometrajes dirigidos, producidos, escritos y/o estelarizados por nuevoleoneses. Además, cuenta con la categoría KinoStart, con el objetivo de promover cortometrajes estudiantiles de toda la República Mexicana. Actualmente, el FIC Monterrey, se está planeando de manera híbrida, sin embargo, se considera cambiar la programación a una modalidad virtual, en caso de que las condiciones sanitarias por la pandemia de Covid-19 cambien en el transcurso del tiempo. Para más información no dudes en visitar: https://monterreyfilmfestival.com/ Ilustración Mariana Aguirre POR: ABIGAIL REYES �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2021 Número Número de la revista 6 Mes de publicación Mes cuando se publicó Mayo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2021, No 6, Mayo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/05/2021 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020117 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Arte nostálgico Edgar Leal Elia Bernal Entre aula y galeria FIC Monterrey Hula Hoop Ilustración narrativa https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20654/Croma_arte_diseno_audiovisual_2022_Ano_4_No_7_Enero_1.pdf 97d2300a4c7f24ab543272c5ce5e35d9 PDF Text Text ENERO 2022 1 �I N D I C E Créditos Dr. Santos Guzmán López Rector Arte, Diseño, Audiovisual QFB Emilia Vásquez Farías Secretaria Académica UANL Enero 2022, Número 7 Dr. Celso José Garza Acuña Secretario de Extensión y Cultura Talentos fav Colectivo Escuincles + Highlander Villarreal Docentes Visuales a la vista Pablo Alvarado 04 10 Diseño de Producción, Rebel Mork, Mehrenda & Mauri Alvarez “Candy Boy” 14 Emprendimiento Grace Elizondo “Gra-C” + Beto Ibarra Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú enfoque Mario Cobas + “Proceso creativo en el diseño de producción” por Bere Jaramillo 22 26 artes Colectivo Ejido Doce eventos Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz Colectivo Mxertos de Harte Subdirección de Posgrado e Investigación Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca 32 34 Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Estancia de producción Aldo Saúl Alfaro Peña Alejandra Requena Montelongo Andrea Carolina Buentello Rosales Arturo Ernesto Soto Galván Brenda Janeth Martínez Camarillo Diego Aref Reyes Herrera Eva Mariana Garza Banda Frida Yazmin García Ochoa Gerardo Daniel Pérez Cobos Grace Elizondo Pérez Jose Emmanuel Morales Jiménez Orlando de Jesús Segovia López Raquel Guerra Ruíz Roxxana Gabriel Esquivel Rivas Yoana Lizbeth Navarro Hernández Portada y contraportada Andrea Carolina Buentello Rosales Raquel Guerra Ruíz CROMA, año 4, No.7, Enero 2022, es una publicación trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2021-032219402300-203, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. ENERO 2022 3 �T A SL EE C N CT IOÓ N F A V ESCUINCLES CREANDO UNA PRODUCTORA Y EMANUEL SENA GALEANA, SEBASTIÁN RAMÍREZ RODRÍGUEZ Y AURORA FERNANDA CHÁVEZ TORRES DISTRIBUIDORA ESTUDIANTIL Escuincles es una casa productora y distribuidora enfocada en la creación de proyectos audiovisuales para cine de ficción, documental y publicidad. E scuincles es un proyecto que nació como colectivo, pero que hoy en día se definen como una productora y distribuidora de cortometrajes estudiantiles e independientes. Se encuentra conformado por múltiples estudiantes de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL), y lleva en pleno funcionamiento desde el primero de junio. A pesar de su reciente fundación, ya se encuentran distribuyendo el cortometraje “La luz que recuerdo” (2021) en los distintos festivales regionales y nacionales; tales como “Ficmonterrey”, “Shorts México”, “VicFilm” y entre muchos otros. Además, al mismo tiempo están produciendo el primer cortometraje de la productora como tal, al cual entraremos en detalle más adelante. 4 ENERO 2022 ¿Cuál es el objetivo de “Escuincles”? Diríamos que el objetivo principal que tenemos ahorita es crecer y ayudar a crecer. Aunque estemos viendo mucho por nosotros, pensando en el futuro de lo que vayamos a hacer con la distribuidora y productora, algo que fue muy puntual desde nuestros inicios fue el apoyar a los demás y darles este crecimiento que tuvimos. Aportando este pequeño conocimiento que obtuvimos nosotros a todas esas personas que gustarían que sus proyectos crezcan y que el público los conozca. ¿En qué se diferencia “Escuincles” a comparación de otras casas productoras? Principalmente que somos muy nuevos, estamos en el proceso de un primer proyecto y que de una u otra forma estamos teniendo el reto de crecer en una circunstancia extraña para todo el mundo. La pandemia nos ha mostrado una nueva realidad con el que se han presentado dificultades, que anteriormente no existían. Por otra parte, sentimos que lo que hace especial a Escuincles es la falta de una “cabeza”. Esto a comparación de otras casas productoras regionales o nacionales, las cuales tienen a un dueño o CEO, quienes justamente son lo que ponen la productora y suelen ser la única persona que produce o, incluso, dirigen. Nosotros como empezamos como un colectivo, no tenemos esa jerarquía al momento de producir, tenemos esta libertad de que cada uno pueda producir dentro de los distintos puestos de producción e intercambiar a otro diferente. Creemos que esto es lo que nos diferencia y, en consecuencia, las historias que contemos también. Por último, otro punto clave de lo que nos diferencia es que no estamos buscando irnos al área comercial o de publicidad. Nuestra intención es irnos por el ámbito artístico, produciendo cortometrajes y mandándolos a los distintos festivales, aunque estamos abiertos a cualquier posibilidad en el futuro POR: GERARDO DANIEL PÉREZ COBOS ¿Cómo surgió la idea de crear “Escuincles”? En sí, Escuincles nació derivándose de dos partes: la parte productora y la de distribuidora. La parte productora surgió colectivamente a base del grupo que trabajó en “Los Niños Perdidos” (2020), ya que al ver que el cortometraje funcionó y obtuvo un gran recibimiento en los festivales de cine; ganando con ello el premio otorgado por la Tuna, tomamos la decisión de seguir trabajando juntos para seguir haciendo lo que más nos gusta. Ya que cada uno tenía la oportunidad de mostrar ideas y hacer propuestas de las distintas cabezas de producción. Fue en ese momento en que Escuincles nació como colectivo, con esta idea de que hay que seguir produciendo juntos porque tenemos la oportunidad de producir a lo grande gracias a este premio. En cuestión de la parte de distribuidora, surge de esa necesidad de apoyar a otras personas y, principalmente, a los demás estudiantes a distribuir sus cortometrajes. Mostrar todas esas historias, impidiendo que se queden en el olvido y encontrando un camino claro Nosotros queremos dar esta ayuda, apoyando en la distribución de los cortometrajes y provocando que la gente no tenga miedo” IMÁGENES DEL CORTO: “LA LUZ QUE RECUERDO” IMÁGENES DEL CORTO: “LA LUZ QUE RECUERDO” ¿Por qué la decisión de distribuir y producir cortometrajes? En la parte del por qué distribuir, es meramente debido a otorgar ese apoyo a aquellas personas que no saben acerca de ese proceso y no saben cómo dar ese paso necesario para llegar a múltiples audiencias. Por ejemplo, hubo muchos cortometrajes estudiantiles que vimos en tercer semestre que han tenido la calidad para estar en festivales, pero que no lo dieron porque da miedo distribuir. Nosotros queremos dar esta ayuda, apoyando en la distribución de los cortometrajes y provocando que la gente no tenga miedo. Y como productora, al ver que “Los Niños Perdidos” estaba recibiendo mucho amor, se nos despertó un querer seguir produciendo juntos, un hambre por estar en más festivales y que nuestros proyectos se vean. ENERO 2022 5 �T A SL EE C N CT IOÓ N F A V Ya verán por qué decimos esto. Y esperemos que al igual que nosotros, a ustedes también les guste mucho este proyecto que está siendo armado con el mayor cariño y esfuerzo. redes Sociales: _ FACEBOOK /escuincles.mx _ INSTAGRAM @escuincles_mx ¿Cuál ha sido la recepción del público hacia “Escuincles”? Hemos visto una muy buena recepción por parte del público. Nos hemos percatado de que Escuincles se encuentra en la boca de personas del medio, los cuales ubican quienes somos, provocándose un eco dentro de la comunidad. Además, gracias a todo el contenido que subimos a las redes sociales sobre la participación de “La Luz que Recuerdo” en el festival de Ficmonterrey, pues nos han empezado a llegar más seguidores, notándose el gusto por el contenido que estamos generando. Por otra parte, muchos de los festivales cinematográficos más importantes dentro de la República nos siguen, otorgándonos más alcance en las distintas redes sociales. ¿Cómo se organizan y plantean las actividades por venir dentro del Escuincles? Dentro de la distribuidora se divide en tres áreas, las cuales son: la administrativa, la de festivales y la de publicidad. Empezando por el área administrativa, se encarga meramente de cómo funciona Escuincles en sí, lo que harán las otras dos áreas. Después, en cuestión del área de festivales, son los que se encargan de investigar a fondo de todos los festivales existentes, saber cuáles son de paga, de estudiantes, gratuitos y sus categorías. Y por último, del área de publicidad, son los que generan toda esta calendarización sobre cada una de las publicaciones de los festivales por venir. Estas tres áreas son sumamente importantes para que la parte de distribución siga funcionando. 6 ENERO 2022 ¿Cómo ven a “Escuincles” dentro de un corto, mediano y largo plazo? A un plazo cercano, es seguir creciendo, conocer todas nuestras posibilidades, desarrollándonos poco a poco dentro de un panorama de clientela y, con ello, apoyar en la distribución de cortometrajes. A un mediano plazo, generar proyectos dentro del ámbito de lo artístico y seguir produciéndolos. Teniendo un equipo técnico propio del cual no dependamos tanto de una casa productora externa para nosotros tener la posibilidad de producir. A un largo plazo, sería adentrarnos a los proyectos comerciarles, que estos se mantengan a flote, provocando que vivir de Escuincles sea algo posible. Además, que la parte distribuidora forme parte de la escena cinematográfica en Monterrey. ¿Hay algún proyecto en el que estén trabajando recientemente y del que deseen platicarnos? Pues sí, ahorita tenemos un proyecto por ahí titulado “Conejos” el cual está siendo dirigido por Sebastián Ramírez y escrito en conjunto con Camila Saavedra; quien además es diseñadora de producción, y Mariana Castillo; que a su vez es primer asistente de dirección. Es el primer proyecto oficialmente producido bajo el nombre de Escuincles. Se lleva trabajando en él desde octubre del año pasado y conforme ha ido transcurriendo el tiempo, hemos estado aprendiendo demasiado sobre producir un corto fuera de la faceta estudiantil. Hablando del proyecto en sí, es una historia personal, ubicada dentro del romance pero con toques fuera de lo común. ¿Algún consejo para cualquier estudiante que desee producir sus proyectos audiovisuales? Como primer consejo, sería tener paciencia. No hay nada que no se pueda solucionar de distintas formas, saber que en todo hay una posibilidad. Aprendiendo a escuchar y ver los diferentes puntos de vista para llegar a un punto medio. Este consejo es algo importante de adquirir, ya que estamos en una industria en el que no ves resultados tan inmediatos. El segundo consejo sería tener una comunicación efectiva y saber trabajar en equipo, algo que se aprende dentro y fuera de la carrera es lo vital, que es el diálogo, ya que puede volver todo más ameno, hacer que las cosas funcionen y no nos tropecemos en el camino. Pasando al tercer consejo, consideramos el estar abierto a aprender. Nunca dejamos de aprender, nosotros que estamos en proceso de salir de la Facultad, nos hemos percatado que realmente nos falta mucho que aprender, entonces hay que estar dispuesto a aprender de los demás y, al igualmente, enseñar a los demás. Ya por último, sería ser perseverantes. En esta industria es ir creciendo poco a poco, aprendiendo desde otras perspectivas y distintas áreas de producción. Es seguir dando constancia del quehacer cinematográfico y seguir con el trabajo hasta estar satisfecho con él. No hay nada que no se pueda solucionar de distintas formas, saber que en todo hay una posibilidad. Aprendiendo a escuchar y ver los diferentes puntos de vista para llegar a un punto medio. Este consejo es algo importante de adquirir, ya que estamos en una industria en el que no ves resultados tan inmediatos.” IMAGEN DE LA PREPRODUCCIÓN DE “CONEJOS. IMAGEN DE LA PREPRODUCCIÓN DE “CONEJOS. ENERO 2022 7 �T A SL EE C N CT IOÓ N F A V Platicamos con él para descubrir más acerca de su pasión por el cine y cómo todo lo que ha aprendido a lo largo de estos años se debe a su gran curiosidad y la constante búsqueda por lograr sus cometidos. Nos comenta que se adentra al mundo de los VFX desde muy temprana edad, ya que con tan solo ocho años de edad abrió por primera vez After Effects. Menciona que siempre tuvo la idea de crear sus propios vídeos y/o cortometrajes, pero al no tener con quien realizarlos descubrió que mediante el uso de los efectos visuales podía complementar aquello que no podía hacer solo, sin embargo él no sabía que lo que estaba haciendo era post- producción. HIGHLANDER VILLARREAL LA PASIÓN QUE NACE DESDE LA CURIOSIDAD POR: EMMANUEL MORALES H ighlander Villarreal, oriundo de la Ciudad de México, es alumno de octavo semestre de la Licenciatura de Lenguaje y Producción Audiovisual. Se destaca en la creación de efectos visuales, donde se inició como freelancer 8 ENERO 2022 para varias producciones audiovisuales, como el largometraje ruso “The peacemakers” (2021), por mencionar alguna; actualmente trabaja para la casa productora SLYHIGH (siendo cofundador de la misma), la cual se dedica a la creación de publicidad, comerciales, videoclips y cine. Su aprendizaje ha ido creciendo con el pasar de los años y justamente se ha desarrollado gracias a su gran curiosidad, él suele indagar de manera exhaustiva en el cómo puede sacar adelante cierta problemática que se le presente, por ejemplo, si tiene que hacer un vídeo en 3D o tiene que hacer cierto efecto especial, investiga la manera de realizarlo y luego lo intenta cientos de veces, a base de prueba y error hasta que lo logre. Hace cuatro años creó la productora SLYHIGH junto a Sly García, un amigo suyo, y lo que inició con trabajos pequeños y esporádicos cada tres o cinco meses que ellos mismos buscaban o que eran encargos de amigos y que realizaban entre ellos dos o a veces con un pequeño grupo de tres, cuatro o cinco personas ha ido creciendo gradualmente a lo que es hoy en día: una productora con proyectos un poco más grandes, trabajos constantes y con una plantilla establecida de al menos diez colaboradores. Dentro de sus trabajos más importantes, se destaca una campaña de publicidad para la marca Coca-Cola realizada para el Festival Metate, así como un segmento de Barbie de Mattel para los Kids Choice Awards México, en donde crearon vía VFX un escenario virtual. El crecimiento de su productora durante estos últimos años, se ha dado de manera muy gradual y han llegado a donde están gracias a la creación de su portafolio, así como una búsqueda constante por aplicar a varios proyectos en los que pudiesen colaborar; Highlander dice que es así como cada vez ha ido tomando más fuerza su casa productora. Antes de llegar a la creación de su productora, primero tuvo un largo camino por recorrer (que a día de hoy sigue recorriendo), tuvo que aprender a realizar múltiples cosas, practicar las cosas hasta que le salieran bien, explorar los programas de edición y sus diferentes áreas de oportunidad, pasar noches sin dormir, no tener tiempo ni para el mismo y ha sido capaz de mantenerse porque está haciendo lo que más le apasiona: contar historias. Por ejemplo, nos comenta que su proyecto favorito, no ha sido un trabajo para alguna marca o compañía, sino más bien uno en el que hizo lo que verdaderamente ama: el cine. Para finalizar la entrevista, High nos dejó un consejo para todas las personas que son amantes del cine “Estudien pero también háganlo por su cuenta, investiguen aquellos temas que les interesen, si no llegan a ver algo de su interés en la carrera que estudian, investíguenlo, además de que hagan, hagan y hagan, aunque sientan que no son buenos en algo o no les gusta lo que hacen, sigan haciéndolo, ya que eso es experiencia y llegará el día en el que sean buenos”. Define tus OBJETIVOS, tu plan de vida definirá qué es lo mejor que tienes qué hacer para lo que quieres lograr, todas las respuestas que necesitas las encontrarás cuando definas qué es LO ¿Cómo te adentraste al mundo de After Effects? “Llegué al programa porque estaba haciendo un corto sobre una invasión de hormigas y lo quería hacer 3D, pero claro no tenía los recursos ni sabía cómo hacerlo, así que me fui a Google para buscar cómo lo podía lograr, de hecho me descargué muchos programas de Softonic, pero ninguno me sirvió, así que seguí con mi búsqueda hasta que me encontré un tutorial de alguien que explicaba cómo hacerlo con After Efects, así que ahí me ves con ocho años buscando el After pensando que iba a ser gratis, cuando me dí cuenta de que no lo era, me acordé de un conocido de mi papá que le movía a las computadoras, así que le dije a mi padre que si le podía decir a su amigo si lo instalaba, supuestamente eso hizo, lo empecé a usar y todo, pero a los 30 días me llega un mensaje que decía –tu prueba gratis ha terminado-, ahí empezó mi viaje” QUE QUIERES HACER”. redes Sociales: _ FACEBOOK Highlander Villarreal _ INSTAGRAM @Highvillarreal ENERO 2022 9 �D S E O C C C E IN ÓT NE PABLO ALVARADO Con 10 años de experiencia en publicidad y fotografía, el maestro Pablo Alvarado nos cuenta un poco sobre la docencia, su trabajo en la publicidad y además nos comparte algunos consejos. E POR: CAROLINA BUENTELLO l profesor Pablo Alejandro Alvarado Rodríguez es egresado de la Facultad de Ciencias de la Comunicación con acentuación en publicidad, además de haber tomado un posgrado de dirección de arte y redactor publicitario en la Escuela Superior de Creativos Publicitarios de Buenos Aires, Argentina, y por último la maestría en Diseño Gráfico con orientación en dirección creativa en la Facultad de Artes Visuales, donde también es docente, al igual que lo es en la Facultad de donde egresó. Su enfoque principal dentro del trabajo, es el área de la publicidad comercial y lo que más le gusta es el colaborar e interactuar con las marcas, ya que es algo que le genera emoción y lo motiva a ser más creativo. Nos cuenta que toda la inspiración que tiene para sus proyectos vienen de la misma publicidad, porque te hace pensar en qué pasaría si lo hubieras hecho tú, o si las personas se sentirían igual de emocionadas al ver tu trabajo. “No puedo creer que hayan pensado en una solución como esa, ¿Por qué no se me ocurrió a mí?”, nos comenta, que muchas veces pasan esas preguntas por su mente al ver campañas o activaciones extraordinarias. produciendo ideas nuevas y que esté a la vanguardia de lo que les interesa a los alumnos. Lo cual, hace esto mismo la parte difícil, el seguir el ritmo de los nuevos estudiantes, que ya tienen un conocimiento más amplio gracias a la tecnología y las tendencias, por ende, es complicado “alcanzarlos” teniendo tanta información actualizada. De todos los trabajos que ha realizado, el que más experiencia le dejó fue una activación con la marca Powerade para el Abierto de Monterrey, ya que nunca había realizado una campaña de BTL (below the line). Gracias a esa activación pudo ver una idea suya ya materializada. El compartir espacio con su creación, dentro del Abierto de Monterrey acompañado de las figuras que vinieron en ese momento, lo marcó para siempre como algo que le gustaría recordar, y más al ser con Powerade, siendo considerada por él, una marca enorme. El maestro Pablo Alvarado nos dice que el dar clases le ayudó a especializarse mucho más en cuestiones teóricas, a causa de que en su escuela era muy difícil pensar qué es lo que harías a futuro o incluso al ser tanta teoría, olvidabas la realidad. “Es aquí cuando llegas al punto en el que puedes compartir con tus alumnos esas experiencias, cómo es que suceden las cosas fuera de la escuela, y cómo es que hay muchas cosas que debes re-aprender de lo que ha sucedido de un tiempo a otro y que no todo es práctica. Lo cual se vuelve valioso para los estudiantes” dice, y que cuando eligió ser docente estaba atravesando uno de sus mejores momentos dentro de su especialidad, y por un momento pensó que le estaba diciendo adiós a la publicidad, pero no fue así, gracias a que muchas de las marcas o clientes con los que trabajó siguieron en contacto con él, abriendo de nuevo las puertas a ese campo. Campaña Below the Line de Powerade para el Abierto de Monterrey, dirigido por el maestro Pablo Alvarado. “El único producto que debería importarnos comprar en esta vida, es nuestra plenitud” La parte más fácil de su trabajo es que disfruta mucho hacerlo, y encontró dentro de un espectro de actividades el lugar perfecto para poder seguir practicando de manera constante, ya sea enseñando materias que impliquen creatividad o temas relacionados. Eso es lo que hace que esté 10 ENERO 2022 ENERO ENERO2022 2022 11 �D S E O C C C E IN ÓT NE Campaña Sigue de Paseo de Paseo Tec Monterrey, dirigido por el maestro Pablo Alvarado. Campaña Yo logré de la Universidad TecMilenio de Monterrey, dirigido por el maestro Pablo Alvarado. “Sean empáticos con ustedes mismos, auto-obsérvense y vean qué está pasando, pregúntense si están haciendo las cosas bien y si están siendo buenas personas.” Pablo Alvarado basa mucho su manera de trabajo en la publicidad, nos comenta, “Llega el momento en el que debes transformar información en algo visual y gráfico, tomar los elementos y hacerlos algo tangible; con la única diferencia de que en la enseñanza es un poco distinto, dado a que los estudiantes tienen menos experiencia”. Así mismo él busca poder enseñar todo eso que ya sabe, hacia sus alumnos. Nos contó que su trabajo se ha visto en una balanza, por el tema de la pandemia, donde en un extremo está lo que ha disminuído y en el otro lo que aumenta. Sin embargo en el tema de la docencia se ha encontrado con mejores respuestas, ya que muchos de los estudiantes se sienten más cómodos o se adaptaron al cambio, aunque sigue habiendo quienes no se sienten del todo agusto con ello. “Todo es referente a la perspectiva en la que tomamos las cosas” agrega como conclusión. Por último, nos cuenta que gracias a todo lo que ha aprendido de la vida, actualmente se siente pleno con sus logros y no hay algo que “le quite el sueño”. La plenitud, nos comenta, es algo que no se puede llegar a publicitar y se debe ir comprendiendo. La felicidad y la plenitud han sido su estandarte de vida, y en lo que se ha estado concentrando en estos años, optando por una manera más aterrizada de ver las cosas; incluso su mayor sueño ahora sería que uno de sus alumnos ganara un premio importante por su trabajo, que una de las personas a las que él contribuyó a su formación llegara a lograr algo así. 12 ENERO 2022 ENERO 2022 13 �P S O E C R C T A I Ó DN A P O R T A D A DE LA PRODUCCIÓN AL ARTE Visuales a la vista ¿ POR: ERNESTO SOTO UNA DULCE EXPERIENCIA ? Se han topado alguna vez con el término diseño de producción En México contamos con grandes diseñadores de producción, como es el caso de Eugenio Caballero, con una destacada trayectoria en proyectos como “El laberinto del fauno”, o la más reciente, “Roma”, respectivamente de Guillermo del Toro y Alfonso Cuarón. Pero bien, ahora hablaremos de grandes artistas y diseñadores de arte que han pasado por la Facultad de Artes Visuales . El diseño de producción se vuelve una necesidad estética en el cine" E n el momento en el que el cine cobra vida, escuchamos por primera vez el término de dirección artística. Ya sea en un gran robo a un tren, o en un viaje a la luna, se necesitará una representación artística visual de ciertos elementos, y es allí donde nace la necesidad de esta área, la cual se encargaría de plasmar los más asombrosos sueños, haciéndose cargo de la creación de escenarios, vestuarios, utilería o maquillajes . El diseño de producción se vuelve una necesidad estética en el cine. No fue, sino hasta la llegada del cine a color, que esta área comenzó a recibir el reconocimiento que merecía, siendo William Cameron Menzies el primer galardonado al Óscar por su diseño de producción en el clásico norteamericano “Lo que el viento se llevó”. 14 ENERO 2022 Trabajo de Eugenio Cabellero como diseñador de producción en Roma, 2018. Conoce un poco sobre la gran experiencia de “Candy Boy” y el origen de este apodo. Redes sociales: POR CAROLINA BUENTELLO INSTAGRAM @soycandyboy M auricio Alvarez Ayala, mejor conocido como “Candy Boy” actualmente estudia el octavo semestre de la carrera de Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales. Tiene 20 años y entre todos sus gustos se encuentran el dibujar, escuchar música, bailar y los videojuegos, además de trabajar en proyectos de entretenimiento, videos musicales o en televisión. Su carrera ayudó mucho a agilizar el proceso de trabajar en la animación e ilustración, ya que le abrió un panorama de poder buscar a lo que se quería dedicar, y cuando al fin lo encontró, se dió cuenta que temas como la teoría y psicología del color, o de las formas le sirvieron. También nos contó que definitivamente quisiera dedicarse a la animación e ilustración para siempre aunque “nunca digas nunca”, agregó, “desde los 15 años, la primera vez que fuí a un concierto y vi las pantallas me dije ¡quisiera estar ahí, quiero hacer eso!, pero no como el cantante sino como el que realizó la imagen o animaciones del concierto” nos dijo. Aunque también quisiera aprender otras técnicas en ilustración o inclusive lettering, pero a un nivel de poder hacerlo en modelado 3D con distintas texturas o movimientos y para proyectos como video lyrics. Le preguntamos sobre ¿qué es lo más complicado que ha hecho como artista? y nos contestó que en cada proyecto sale algo más difícil. Al conseguir sus proyectos le van aumentando el grado de complejidad, pero dice que le gusta tomar retos y averiguar cómo es que resolverá ese trabajo, sin embargo lo ve como algo divertido ya que le gusta mucho aprender y ver tutoriales para mejorar sus conocimientos y después aplicarlos, por lo que a pesar de ser algo difícil siempre le encuentra lo divertido. “Siempre el proyecto más difícil, es el siguiente que harás”. ENERO 2022 15 �La mejor herramienta que tenemos es el CONOCIMIENTO Y HAY MUCHO CONOCIMIENTO GRATIS”. me da satisfacción el hecho de que estoy iniciando algo muy grande desde muy joven, siento muy bonito ver a mi familia y amigos felices por verme en proyectos grandes”. Algo que dice que le falta cumplir es ver su trabajo en grande, como en un panorámico y saber que miles de personas lo verán, aparte de todos los artistas con los que quisiera trabajar. “Me gusta mucho la música y la comedia, el stand up y las drag queens, me encantaría trabajar en esos campos además de la música”. Programas como “La más Draga” o comediantes como Richie O’ Farrill o el podcast de "La Cotorrisa", son personas con quienes quisiera trabajar en un futuro, aunque con el comediante Richie O’ Farrill ya tuvo un pequeño acercamiento, gracias a un trabajo personal de animación y stickers de Instagram de su podcast “Neurosis y Ánimo”, los cuales fueron todo un éxito y los siguen usando. Su proceso de diseño de arte, según nos dijo, inicia siempre con una lluvia de ideas que pueden surgir durante el día o incluso antes de dormir, que puede apuntarlas en su celular o hacer bocetos que sólo él entiende y dice que no parecen nada al producto final, después lo hace en un boceto de baja fidelidad para después digitalizarlo, y finalmente lo anima. Regularmente sus ilustraciones están pensadas para ser animadas en 3D, que es su parte favorita. Y cuando trabaja en conjunto a otros artistas inicia con las ideas que funcionen mejor y ya sobre eso, iniciar el proceso de trabajo. De entre todos los trabajos en los que ha participado, nos dió a destacar algunos que le emocionaron muchísimo, como el video “Nos Volvemos Locos” de Gloria Trevi y Guaynaa, la cual es su artista favorita, “verlos juntos y además yo ser parte de ese proyecto fue WOW, hasta Gloria Trevi me siguió en Instagram” dice Mauri, también colaboró en el video animado de “Feliz Navidad” de Thalia. Recientemente con RBD en su reencuentro virtual “Ser o Parecer” en donde tuvo lugar en el área de animación en conjunto de otro gran artista Nicolas Teviño “NicoTronick” quien ha sido un gran amigo y compañero, con el cual ha realizado muchos de sus trabajos, uno de ellos es en el programa “Nicolores” de NicoTronick en el canal 6 de Multimedios, como ayudante de animación y hasta llegó a tener su propio personaje, darle voz y animarlo para el programa a nivel nacional. De la mano de Nico y Ricky Zazueta, participó en el video “Hoy es tu pumpeaños” del personaje Pumpe del Show Piedra Papel o Tijera. “Todos tienen un cachito de mi corazón”- comentó. Tiktok “Nos volvemos locos” de Gloria Trevi y Guaynaa. 16 ENERO 2022 Candy Pop para el programa Nicolores. Pumpe del Show Piedra Papel o Tijera. Su mayor inspiración es la emoción de las personas, sobre todo cuando es trabajo para clientes y el saber que sus animaciones son parte de esa emoción, y dice “nunca termino de procesar lo que siento al ver mi trabajo en las plataformas, pero cuando vamos terminando e iniciando otros en secreto y privado, me emociona y Lo más difícil de mi trabajo es guardar el secreto hasta que se estrene, no poder contar nada a nadie, pero una vez que ya salen es una sensación muy bonita y VALE COMPLETAMENTE LA PENA”. Finalmente, su consejo para las personas es que prueben todas las ramas del arte, y en cuanto sepan qué es lo que les gusta y en que son buenos, den todo por aprender más, “vendía dulces o rifaba cosas, hacía lo necesario para juntar dinero y pagarme cursos, tuve dos cursos con Carlos Tristán de After Effects, cursos en línea de 3D, incluso videos tutoriales en Youtube, aprendan todo lo que puedan, así cuando tengas la oportunidad de entrar a un trabajo que te guste, ya sabrás que hacer y hacerlo sin problemas, el conocimiento que adquieran les va a durar mucho, aprovéchenlo y traten de expandirlo con las herramientas que puedan” agrega como conclusión. Gloria Trevi y Mamey. Mi apodo nació gracias a un amigo que me lo dijo por mensaje, como yo vendía dulces en la Facultad, se me hizo GRACIOSO ponerlo como apodo en mis “menús” y al ser PEGAJOSO con el tiempo los alumnos, profesores, directivos hasta en mi familia ya me conocían así, por lo que lo adopté como mi APODO OFICIAL, después de haber buscado uno desde la preparatoria, el que menos esperaba y el más ESPONTÁNEO fue el que me gustó más”. Intro del programa Nicolores. ENERO 2022 17 �P S O E C R C T A I Ó DN A UN ALMA REBELDE REBEL MÖRK Únete a la rebelión junto a Rebel y entérate sobre cómo nació su amor por el arte y sus inicios siendo drag queen, llevándola a triunfar en la cuarta edición de La más Draga. ¿ Redes sociales: @rebelmork POR:DIEGO AREF REYES HERRERA Cuándo nació esta pasión que tienes por el arte? Nació desde pequeño, siempre tuve una pasión por las artes ya que me gustaba mucho crear con las manos y elementos no convencionales. Mi pasión por las artes se veía sesgada por lo plástico ya que me era más fácil canalizar en objetos palpables. Mis abuelos siempre han sido muy cercanos a la solución de problemas de manera creativa, entonces creo que todo ese gusto venía insertado en los genes. ¿Cómo surgió Rebel Mörk? Nace a partir de mi gusto por la fotografía. Me encantaba hacer retratos desde que estaba en la secundaria pero fue hasta la Facultad donde decidí experimentar con el maquillaje en los rostros de mis modelos. Hasta que un día me encontraba en la necesidad de expresarme directamente con mis propias fotografías e inicié a hacerme retratos. Fue ahí donde jugaba con tendencias y maquillajes andróginos para explorar nuevos rumbos creativamente, sin imaginar que sería una catarsis emocional. ¿Cómo fueron tus inicios? Fue en una plataforma digital del la comunidad LGBT+ donde se impulsaba el talento local de artistas emergentes. Siempre fue muy apegado a lo cultural. También me hacía partícipe de toda oportunidad que la Facultad daba, ya sea en proyectos o exposiciones. ¿Con qué retos te topaste cuando decidiste dedicarte a esto? Enfrentarme a mí mismo, creo que la mayor barrera es mi cabeza. Sufro de ansiedad desde los 16 años y ha sido una jornada bastante pesada. Es una lucha constante contigo mismo pero lo importante es recordar que somos más fuertes que nuestro subconsciente. Otro reto es la discriminación, el lidiar con los estigmas que generaciones tras generaciones han cargado por mucho tiempo es algo difícil. 18 ENERO 2022 No se dejen guiar por sus miedos, creo que en este camino del arte es intentar y fracasar, TODOS VAN A ESTAR HABLANDO DE TI, OCUPAS TENER EL VALOR, atrévete a hacer lo que quieras hacer.” INSTAGRAM ¿Tienes alguna otra pasión que te ayude en tu vida de artista? La escritura, con ella logro exprimir mi cabeza al máximo, lo cual me pone demasiado exhausto ya que logro canalizar todo de mí en muchos aspectos pero si no sale todo... La escritura me ayuda mucho. ¿Qué consideras que es lo más gratificante del camino que elegiste? El reconocimiento que está tomando últimamente, la relevancia que tiene hoy en día, que se tome como una expresión artística como la danza callejera, que ahora ya no solo es en la noche que es de donde nace, sino también en el día. Y también las oportunidades que me ha otorgado a lo largo de los años que llevo trabajando en esto. ¿Cómo es tu proceso creativo? Canalizo mis emociones, soy una persona muy ansiosa, tengo miedos al pasado, al futuro y depresión; la canalizo y busco que los demás lo sientan para generar empatía y conciencia, busco hacerlo rápido, espontáneo y emocional. ¿Qué consejo le darías a alguien que quiere dedicarse a lo que haces? Que no se deje guiar por sus miedos, creo que en este camino del arte es intentar y fracasar, todos van a estar hablando de ti, ocupas tener el valor, atrévete a hacer lo que quieras hacer, tú tienes el control de tu vida, libérate de tus pensamientos y crea algo para ti. SOR JUANA por REBEL MÖRK ENERO 2022 19 �P S O E C R C T A I Ó DN A MEHRENDA UNA ARTISTA EN INTERNET Conoce un poco sobre Miranda Quezada mejor conocida como Mehrenda, su trabajo como artista, influencer y creadora de contenido en redes sociales. POR CAROLINA BUENTELLO M iranda Quezada es una estudiante de la Facultad de Artes Visuales, actualmente cursa el 8vo semestre de la carrera de Lenguaje y Producción Audiovisual y a su vez trabaja como creadora de contenido en redes sociales como Instagram y Tik tok enfocándose en el maquillaje y la moda, además de estar trabajando con el LABNL de Conarte, en un proyecto llamado “El cancionero para la memoria” el cual tiene el propósito de ser llevado a redes en el mes de enero. Eligió estudiar la carrera ya que desde muy chiquita le encantaba ver programas de televisión, películas, entre otros, pero no fue hasta la preparatoria, cuando decidió qué es lo que le gustaría estudiar. Su primera opción era cinematografía, sin embargo nos dice que no le encontró tanta variedad como la de lenguaje audiovisual, porque le ofrecía saber de cine, televisión, fotografía y videos. Fotografía por Daniela Torres @tiadonalddani Siempre lo más difícil de iniciar es dar el primer salto, ya sea por pena o por el qué dirán las personas que te rodean, pero una vez que das el salto, todo se vuelve más fácil" 20 ENERO 2022 Nos comenta que la razón principal de su inicio en redes sociales fue que sentía que por la pandemia no se estaba arreglando tanto, y al tener tiempo decidió explorar el mundo del maquillaje, empezó practicando y grabando su proceso para después subirlo a redes sociales, lo que ella no esperaba es que mucha gente comenzó a seguirla y a gustarle lo que hacía, fue ahí donde tomó la decisión de tomarlo como algo más serio. Si no se hubiera presentado la situación de la pandemia, también le hubiera gustado enfocarse en redes sociales, pero presentando su trabajo como fotógrafa, videógrafa o con sus ediciones fotográficas que a la gente le gustan mucho. Agrega que su carrera le ha servido de mucho en este nuevo espacio de creación de contenido en redes sociales, esto a diferencia de muchas personas que quieren iniciar en redes y no tienen un conocimiento amplio de fotografía o edición, así que el estudiar algo relacionado le ayudó a tener más noción sobre lo que podía subir, cómo subirlo y qué es lo que le atrae más a la gente, dejando de lado que algo que tuvo que aprender después fue el cómo funcionan los algoritmos y como debes manejarte, “crear contenido ya sabía hacerlo”- comentó.. Habló un poco sobre su proceso creativo o su proceso de diseño de arte, el cual dice que va conectado con todo lo que hace, ya que si tiene agendado grabar un video, lo que viene después es tomar fotografías la mayoría de las veces y que gracias a que tiene la libertad de elegir qué es lo que quiere hacer en el día va buscando ideas que la hagan sentir cómoda o que no ha hecho en un buen tiempo, lo que la hace salir de su zona de confort. Ella principalmente se inspira en imágenes que guarda en plataformas como Pinterest sobre distintos estilos, combinaciones de colores, formas, técnicas, texturas, entre otros, para después crear la idea principal y plasmarla en su cara. Usualmente, elige su outfit con base en el maquillaje que está creando, y sólo en ciertas ocasiones lo hace al revés, es decir si ya tiene un outfit en mente, hace un maquillaje que lo complemente. Finalmente vienen las fotografías, “busco que mis fotografías siempre tengan color, me gusta mucho que tengan color” nos dijo con mucho énfasis, y hace un recuento de todo su perfil sobre qué poses o encuadres ha usado últimamente, por ejemplo, si usó una fotografía de cuerpo completo, su siguiente fotografía tendría que ser una más cerca o un retrato, para tener un contenido variado; y para su trabajo fuera de redes, hace exactamente lo mismo, con la diferencia de que se adapta totalmente al cliente. Su experiencia al trabajar con distintas marcas la ha hecho darse cuenta de que su trabajo está siendo visto y recibido, dando como resultado el contacto de marcas grandes para colaboraciones o agregarla a sus listas de relaciones públicas, “es ahí cuando dices WOW”, nos dice feliz. Y que gracias a ese contacto, te permiten tener un mayor crecimiento, dando paso a que más marcas te conozcan y conozcan tu trabajo que hasta quieran trabajar y colaborar contigo. La opinión más importante es la que tengas tú de ti mismo, y ya las otras personas que digan lo que quieran, mientras sean constructivas o positivas todo está muy bien”. Un contratiempo que ha encontrado durante su trabajo ha sido que muchas veces se vuelve complicado hacer una idea realidad, “por ejemplo, se me puede ocurrir una idea súper padre pero no tengo el material adecuado y por la pandemia no es tan fácil salir a comprarlo” agrega. Lo cual ha sabido darle la vuelta y convertirlo en un beneficio haciendo que su creatividad crezca más, también mejoró sus habilidades en postproducción y edición fotográfica. “lo que más me gusta ahora, es todo el apoyo que recibo como creadora de contenido y en mi trabajo personal, me apoyan demasiado, y es muy bonito sentir eso aunque venga de gente con la que nunca has convivido en persona, además de que es muy libre, es como si yo fuera mi propio jefe, yo soy la que organiza las ideas, la imagen, los tiempos y me doy la libertad que quiero”- comentó. Finalizando, nos contó que su plan a futuro consiste en encontrarse bien económicamente por redes sociales y su contenido, también le encantaría participar en el detrás de cámaras de una producción, “es mi sueño al igual que el de todo artista”, también en sus planes está viajar a la Ciudad de México y probar suerte buscando oportunidades nuevas de trabajo, y siempre ha querido trabajar en una revista como directora creativa, llevando al mando el tema de cómo se vería dicha revista, el estilo de fotografías que tendrían, las pasarelas, el maquillaje, etc. Fotografía por Daniela Torres @tiadonalddani ENERO 2022 21 �E M P RS EE NC DC II M Ó INE N T O GRACE Gra-c es una marca de moda 100% mexicana creada por Grace Elizondo, una estudiante de la Licenciatura de Artes Visuales. ELIZONDO G POR: EVA MARIANA GARZA BANDA race Elizondo es una estudiante de 22 años que actualmente cursa la Licenciatura de Artes Visuales y anteriormente culminó sus estudios en la preparatoria técnica de Diseño y Proyección de Moda. Su primer acercamiento con las artes visuales fue cuando era muy pequeña gracias a su mamá, ya que es una artista visual que trabajaba realizando exposiciones y daba clase de pintura a niños, por lo que siempre se le fue inculcado el arte. Creó “Gra-c” a sus 18 años, a través de su pasión por el arte y la moda para incorporarse al mundo del emprendimiento con su marca propia, en la cual se dedica a intervenir prendas con diseños personalizados para su venta en Instagram y Facebook. Fue establecida con el objetivo de comenzar a generar ingresos para en un futuro establecerse de una manera más formal y poder distribuir sus productos con un alcance más amplio y llegar a más consumidores. Sus diseños destacan con la técnica de tie-dye, el cual se basa en un proceso en el que la tela se anuda y después se tiñe con distintos colores dependiendo el diseño que se quiera lograr, además, de incluir detalles únicos para diferenciarse de la competencia. REDES SOCIALES Instagram: @graceelizondo @gra_cmx Facebook: /gracedesign21/ Su marca se identifica completamente con el arte experimental porque le gusta hacer cosas distintas e innovar, además son aspectos diferenciadores que la definen como emprendedora; pero su pasión por este tipo de intervención originalmente comenzó cuando cursaba la preparatoria, ya que, sus compañeros y profesores siempre le recalcaban que destacaba por sus diseños por ser más extravagantes, gracias a que suele combinar materiales como plástico, luces led, texturas y colores, para tener resultados increíbles. Para la confección de las prendas que encontramos a la venta, Grace suele comprar prendas básicas (blancas y negras) en distribuidoras y después intervenirlas jugando con los dobleces de los textiles y con colores para generar diseños e integrarlos a su stock cuando esté satisfecha con los resultados, además, suele realizar bocetos cuando tiene alguna idea en mente, para después hacer el proceso creativo de una forma más organizada y precisa, pero incluso aquí no descarta la experimentación, ya que, el diferente uso de materiales le trae distintos resultados y tiene que ver con cómo se comportan los pigmentos con los textiles que utilice. Dentro de su tienda online podemos encontrar productos como, t-shirt, crewneck, hoodies, conjuntos unisex y aretes, aunque sus productos no acaban aquí, Grace maneja otra marca llamada “GP Shop” (@gra.c.e.p en Instagram), donde encontramos fundas, termos y tazas personalizados con resina al gusto del cliente. ¿Cómo funciona Gra-c? Es una marca completamente manejada por ella, ya que como se mencionó anteriormente, ella realiza sus diseños a mano, además de que cuando estaba en la preparatoria tomó un curso de modelaje y hoy en día es representada por “ONAVA the agency” que es una agencia de modelaje ubicada en Monterrey, por lo que ella es la modelo de su propia ropa, y su hermano es el fotógrafo de esta misma, además de tener su participación como modelo dentro del emprendimiento. En un futuro, Grace espera estar en pasarelas, donde los diseños y las confecciones que realice sean más formales y poder posicionar su marca en el mercado. Además, que conforme vaya creciendo como persona, su negocio evolucione junto con ella, para realizar nuevos diseños con una nueva perspectiva. Grace nos cuenta que emprender ha sido una experiencia que tiene altas y bajas, donde es de suma importancia el ser constante y no decaer, ya que como todos los negocios, pueden haber meses buenos y malos donde las ventas no son como uno desea, pero esto no influye en que debes detenerte con tu emprendimiento, al contrario, debes usarlo como una motivación de crecer y ser mejor. También nos dice que el trato con el cliente es algo muy importante, pero también te debes proteger a ti mismo como emprendedor, por ejemplo, en su caso al realizar prendas pintadas a mano, la forma de compra es bajo pedido, por lo que ella suele pedir un anticipo, para la compra de los materiales que va a utilizar, de esta manera se protege de que, si llega a haber alguna cancelación o algún imprevisto, ella no pierda recursos. Para un emprendimiento exitoso, el mejor consejo es no decaer y ser constante. Entiende a tus clientes y haz de tus experiencias una motivación para crecer. 22 ENERO 2022 ENERO 2022 23 �E M P RS EE NC DC II M Ó INE N T O Redes sociales: POR DIEGO AREF REYES HERRERA INSTAGRAM @betoibarra FACEBOOK @BetoibarraPhotographer WEB betoibarra.com ¿ Por qué elegiste la fotografía? Es algo que viene de familia, siempre estuve interesado en la fotografía desde que recuerdo, vengo de familia de productores audiovisuales, mercadólogos, marketing, siempre ha sido parte de mi día a día. ¿Cómo fueron tus primeros pasos en la profesión? Tengo dedicándome a la fotografía 10 años, si bien viene de familia nunca se me obligó a dedicarme a ello y mi primer contacto con ello fue cuando tenía 16 años, iba a los campos de fútbol americano, le tomaba fotos a los jugadores y las editaba para después venderselas a sus papás, fue como mi primer contacto con la fotografía como forma de trabajo, siempre vi la foto como un método de ingreso antes de verlo como un arte. 24 ENERO 2022 ¿Qué fotógrafos te han influenciado? Pedro Meyer, no sé si podría ponerlo en las palabras correctas, pero viendo su trabajo fue como me enamoré de la foto, eso fue lo que me abrió los ojos. ¿Cuándo no hay inspiración qué haces para recuperarla? Siempre he dicho que la falta de inspiración es para principiantes, para una persona que depende completamente de hacer arte, la falta de inspiración es un lujo que no te puedes dar, cuando no hay inspiración sigues procesos para sacar adelante el jale, la falta de inspiración no es una excusa para dejar de producir. ¿Qué es lo que más te gusta de fotografiar? Me gusta la fotografía como forma de expresión y me gusta que puedo vivir de esto, es lo que amo Fotografía por Beto Ibarra Entre el romance, las historias y la fotografía, tenemos a Beto Ibarra, un fotógrafo que toma preciados momentos de la vida de las personas para hacerlos permanentes en la historia, logrando con ello hacer tangibles las memorias de una vida hacer y es en parte lo que amo de hacerlo, que me permite muchas cosas, viajar, conocer, aprender. ¿Cuál es el secreto detrás de un buen retrato? La luz, pues la fotografía es luz y composición, primero composición y luego luz, yo primero compongo y luego expongo, un buen retrato tiene que transmitir, hay un dicho de Helmunt Newton que dice “Mi trabajo como fotógrafo de retratos es seducir, encantar y entretener” ese es el verdadero trabajo de un fotógrafo. ¿Tienes algún hobby que complemente tu profesión? La fotografía análoga, los procesos de revelado y ampliación. ¿Qué consejo le darías a los que recién empiezan con esta profesión? No le hagas caso a los profesores de la Facultad, en cuanto a que hacer sociales va a demeritar tu trabajo, pues generar dinero de este trabajo no es malo, no te creas hijo de Dalí, vive de lo que amas hacer. Fotografía por Beto Ibarra FOTOGRAFÍA POR BETO IBARRA IBARRA Fotografía por Beto Ibarra BETO ENERO 2022 25 �ES N E C F O C Q I ÓU NE MARIO COBAS Te presentamos a Mario un productor audiovisual y sonidista, que ha trabajado con grandes productoras como Amazon Prime Video. POR: ALDO SAÚL ALFARO PEÑA ¿Cuál fue tu primer acercamiento con el mundo audiovisual? Yo venía saliendo de estudiar medicina, no era realmente una carrera que me estuviera llamando la atención y en este proceso de entrar a estudiar algo diferente fue que entré a la Universidad de Guanajuato en la carrera de Animación y Arte Digital. Todo llega cuando tiene que llegar, y no me refiero que no hay que esforzarse, al contrario, uno debe luchar todos los días de su vida el doble de tiempo para poder conseguir lo que uno quiere.”. 26 ENERO 2022 En esa carrera vi cosas de diseño, ilustración, historia de arte y fui aprendiendo cosas muy amplias. Durante ese período una compañera me invitó a hacer un corto para el Festival de Cine de Guanajuato en la categoría de Identidad y Pertenencia. Dentro de la categoría se tenía 6 meses para hacer un documental que tratase sobre cosas características de la zona. Lo que el festival hace es darnos un coacheo con personas muy padres de la industria cinematográfica. Tuvimos a uno de los coloristas de La Reina del Sur (2011), Juan Carlos Rulfo, director del documental ¡De Panzaso! (2012), entre otros que nos estuvieron asesorando y apoyando. Yo entré haciendo sonido, pero después otra persona lo hizo y me fui a la edición donde ahí sí edité todo el documental. Me encargué de las entrevistas y después de la edición. Hice un poco de producción y co-dirigí el documental. Fue un proyecto muy padre, estuvimos alrededor de 19 festivales, entre ellos el festival de Cannes. Después de esto me fui a San Antonio a trabajar en un cortometraje que me sirvió para conocer a más gente de allá. Ese fue el momento en que descubrí que quería dedicarme a hacer cine, que realmente me llenaba de contar historias. Todo esto fue muy cercano a mi entrada a la Autónoma de Nuevo León porque justamente cuando el documental gana en Guanajuato yo iba a entrar a propedéuticos de Producción Audiovisual. Falté la primera semana para presentar el documental al festival, después hablé a la Uni y me dieron una prórroga para no ir la primera semana, pero me tenía que presentar a propedéuticos el lunes y el domingo se hacía la premiación; ese día ya no pude asistir. ¿Qué historias son las que te gusta contar?. Tengo un recuerdo muy presente de un maestro que me decía “cada vez que contamos una historia estamos tratando de sanar algo que está dentro de nosotros”, y la verdad es cierto. Yo fui paramédico durante mis estudios en Monterrey justamente para solventar mi carrera y es algo que me permitió conocer muchas historias y también ayudarlas. En la Cruz Roja siempre nos dijeron que no debes involucrarte con las historias de las personas porque psicológicamente no es sano para el paramédico, pero yo lo hacía. Siempre he estado muy cerca del documental, muy cerca de las historias que a la gente le sucede; un poco esta tragedia, esta injusticia. El último proyecto que hemos estado desarrollando junto a Roberto Goe y Valeria es sobre la historia de una nota roja que vi de un gran amigo mío, Carlos Jiménez, donde salió la muerte de un niño. "Salón Pezina" (2016) tiene ésta esencia de antaño, gente que quiere contar algo, adultos mayores que viven gran parte de su tiempo en una cantina y que son personas un poco olvidadas. "El Guardián" (2015) fue el primer documental que hice, Av. Aztlán (2017) que fue para el reto Doctubre MX habla sobre la revista y toda ésta avenida emblemática del norte de la ciudad de Monterrey que también tienen muchas historias que contar. ¿Cómo ha ayudado en tus proyectos conocer del mundo de la dirección, el sonido, el arte digital y la medicina? El ser paramédico me ayudó a poder ser más empático, a saber escuchar y poner atención, sin embargo también me ha ayudado en otros aspectos, por ejemplo, en éstos días trabajando en la serie que estoy ahora, había una escena de un niño en un hospital, entonces el equipo de arte me pidió ayuda para truquearlo y así la escena se viera creíble. En una película a un personaje le daban un balazo en la cara, entonces uno de los actores me pide asesoría para saber cómo el cuerpo reaccionaría e inclusive apoyé al equipo de arte para cuestiones del maquillaje. Por otro lado, cuando estudié animación y arte digital vi mucho de diseño, de edición, todo este tipo de cosas de Photoshop e Ilustrador. Yo abrí un pequeño negocio de rotulo, vinil, playeras con serigrafía, sublimación y de más y justamente en un proyecto pasado en el área de arte salió un chico positivo de COVID y tuvieron que aislar a todo el equipo y como no había nadie de arte gente del equipo de producción tomó roles de arte para decorar. Me tocó rotular un vehículo para que se volviera una patrulla, días antes los ayudé a poner viniles en un vidrio y empecé a explicar cómo hacerlo. Yo creo que todo lo que uno va viviendo, haga lo que haga, va nutriendo y hace que uno aprenda porque el cine es vivencial, entonces, cualquier cosa que uno haga nutre para poder hacer eso. El sonido me ha regalado muchísimas cosas; me ha regalado el poder tener una conciencia más a detalle del entorno, ser más consciente de los ruidos, pues las aves que hay en CDMX no son las mismas que hay en El Bajío, Guanajuato, de donde soy. Me ha permitido una conciencia más auditiva para poder entender estos procesos del cine y nutrir las historias. Por ejemplo en Zafra (2018), que se grabó en San Luis Potosí, habla de la quema de la zafra, entonces era escuchar víboras, conejos corriendo por el calor de la quema de la maleza y es encontrar otros ambientes, el fuego, los golpes del machete contra la caña. Era tratar de encontrar todas estas esencias de un pueblo que está sumido en una situación religiosa, por eso encontramos murmullos de iglesia. Creemos que el cine es 50, 50 “la fotografía es lo más importante” y los fotógrafos se lo creen. El sonido también importa, pero no sólo es eso, es el arte que vemos; cómo está adornada la locación, el vestuario, la actuación, incluso muchos departamentos que no contemplamos: los continuistas, el departamento de alimentación, drivers, la gente de limpieza que tienen todos los sets en orden. ENERO 2022 27 �ES N E C F O C Q I ÓU NE Por: Amazon Prime Video Proyectos en los que ha trabajado Mario Mario Cobas trabajando con el actor Chris Ramos en el set de El Juego de las Llaves. No es que uno sea más importante que otro; somos un equipo, un cúmulo de personas con un mismo objetivo. ¿Qué tipo de proyecto es en el que te sientes más cómodo? Creo que lo que hace que un proyecto sea cómodo es la gente con la que colaboras; afortunadamente trabajo con una casa productora con la que llevo un par de años y los proyectos los hacemos con la misma gente. Entonces para mí es muy cómodo estar haciendo estos proyectos con ellos. Somos gente muy cercana que hemos pasado buenas y malas. Vivimos en Cancún 3 meses para hacer el Juego de las Llaves (2019), pasamos navidad, año nuevo y mi cumpleaños juntos, ahora vivimos en Cancún otro mes para hacer otra película. Lo que me hace sentir cómodo es trabajar con la gente que quiero, que me apoya, que está el uno para el otro sin distinguir que eres de un departamento u otro. El cariño es realmente lo importante. Hacer ficción no me daría mucha comodidad porque no me siento tan capacitado para hacerlo, hacer documental 28 ENERO 2022 sí, siempre investigo y genero mucho material, el problema es editar y porque me cuesta mucho trabajo ir cortando partes de las historias que siento importantes, pero que no caben dentro de esta parte del documental. Me siento muy cómodo haciendo sonido ahora, siendo operador de boom, o microfonista; ya sea película, serie, cortometraje, documental, realmente en todas me siento muy cómodo, en cada proyecto aprendo cosas diferentes y se nutre no solo de técnica, sino de las historias que uno cuenta. ¿Cómo has sentido el salto de dirigir algo escolar como Salón Pezina (2016) a ahora trabajar en proyectos de Amazon Prime como El juego de las Llaves (2019)? Es un salto impresionante, la verdad no pensé llegar a éste punto y hacer lo que hago ahora. Cuando uno está en la escuela uno tiene llamado para hacer un corto de 3 días, 6 hrs, 8 hrs. Acá es trabajar de lleno, 12 hrs al día durante 6 días a la semana, por ejemplo. Cuando estábamos en la escuela era como jugar a hacer cine y de pronto te das cuenta que acá ese jugar ya no existe, realmente lo estás haciendo. Es un proyecto que terminará en una plataforma de Amazon, HBO, Netflix o tendrá salida a algún festival; empiezas a tomarlo con mayor seriedad. Hace unos días estaba pensando “estoy jugando a hacer cine” y no jugando en el mal sentido, sino que estoy haciendo algo que me gusta y me parece divertido venir todos los días a un llamado, y de pronto son 5 semanas de levantarte a las 5 am para llegar a tu llamado o tener llamados nocturnos de 12 hrs. Sí es pesado físicamente, pero lo disfruto mucho; disfruto hacer lo que tengo que hacer. Algunos días es estresante y me quiero volar la cabeza porque estamos grabando en una locación que es muy ruidosa, pero son los retos que implica el trabajo. Si pudieses darle un consejo a Mario que recién va adentrándose a la industria audiovisual ¿qué le dirías? Que no deserte; que hay que tener mucha pasión, muchas ganas y no dejarte caer por ninguna cosa. Ser tenaz, ser paciente. Hace 1 año estuve a punto de dejar esto porque venía la pandemia y entre otras cosas, pero afortunadamente ahora estamos bien, las cosas están saliendo como debían salir y estoy haciendo proyectos, hay trabajo, pero hace 1 año no lo pensaba. Roberto Fiesco fue la persona que me trajo a este mundo y gracias a él he podido lograr muchas cosas, alguna vez me lo dijo “el cine es para le gente que aguanta”. Ésta es una carrera de paciencia y aferrarse mucho. Yo decía que es muy fácil para ellos que toda su vida han trabajado de esto, pero ahora que lo estoy haciendo, sí, es de eso, de mucha tenacidad, de aguantar las buenas y aguantar las malas. Todo llega cuando tiene que llegar, y no me refiero que no hay que esforzarse, al contrario, uno debe luchar todos los días de su vida el doble de tiempo para poder conseguir lo que uno quiere. Eso le diría a mí, Mario, no desertes, sigue luchando, no pierdas la esperanza, en algún momento se va a conseguir y aun así me lo sigo diciendo porque no he llegado a donde quiero estar, pero voy en ese camino. ¿Algún proyecto futuro que te gustaría realizar? Sí, hacer mi corto de ficción; tener todo lo que necesito, la sabiduría y conocimiento para poder contar esa historia y se vuelva una muy bonita y pueda quedar satisfecho con ella. Todos los proyectos que vengan de hoy en adelante son trabajos que educan, que dejan. El sueño de seguir creciendo, seguir trabajando con la gente con la que colaboro, verlos crecer y como van siendo mejores junto con uno; realmente todo lo que venga es un gusto. ENERO 2022 29 �ES N E C F O C Q I ÓU NE BERE ENTREVISTA A JARAMILLO Berenice Jaramillo es egresada de la Facultad de Artes Visuales, actualmente trabaja como fotógrafa profesional en su propio estudio, Paralelo Studio, dónde realiza trabajos de fotografía comercial y artística. POR FRIDA GARCÍA ¿Desde cuándo trabajas con la fotografía y cómo describirías tu trabajo? Llevo más o menos como 6 años dedicándome más de lleno a la fotografía, hago mucha foto comercial para empresas y negocios, lo que se conoce como fotografía de producto y todo eso todo ese tipo de fotos, lo que me gusta también, es ofrecer foto retrato pero más como retrato creativo, en donde de repente bailarines, actores, actrices me contactan. Me gusta hacer las sesiones más personalizadas y con cierto estilo. Trato de hacer fotografía variada porque también soy una persona que luego me aburro de estar haciendo lo mismo, entonces me gusta que de repente venga una persona interesada en retratos y luego un negocio para fotos de sus productos, entonces por ahí andando variándole un poco en esos 2 ámbitos de la fotografía. POR: BERE JARAMILLO ¿En qué contenidos te basas para usarlos como inspiración? ¿Cómo describes el lado creativo del tipo de fotografía que manejas? Creo que que al final siempre dejas algo de ti y lo que te gusta en las fotos, por más que sea un cliente y te pida algo específico, uno siempre termina plasmando un poco de sí en lo que hace y ahí es donde por lo regular meto el querer hacer un poco más de dirección de arte, me gusta siempre proponer algo más a las ideas, agregarle esta parte más creativa, props, un poquito de diseño de color, texturas y demás. Entonces, creo que eso es como mi aportación, a veces se puede, a veces no, porque sobre todo en la foto comercial, es más cuadrado todo pero digamos que es como mi manera de plasmar lo que me gusta por el lado de dirección de arte. ¿Consideras que el diseño de producción es fundamental en tus fotografías? En mi caso, tuve la oportunidad de trabajar en un par de películas, bueno ya en 3 películas y series, en las cuales su producción es más estilo cine y ahí me di cuenta de la importancia de la dirección de arte, yo no había tenido como ese acercamiento en la fotografía, lo vine a conocer en el cine o las series y bueno, por qué no llevarlo a la foto, ahí descubrí la importancia de la dirección de arte y cómo éste es el que he querido plasmar siempre, pero definitivamente es importante para el estilo de foto que yo hago, yo sigo aprendiendo, tratando de conocer más de los procesos, pero sí creo que enriquece muchísimo a la fotografía la dirección de arte y al final pues también es parte de hacerlo muy diferenciador. Bueno, cuando yo estaba en la facu, me enamoré del cine, allí descubrí lo bonito que es el cine y realmente eso es como mi mayor fuente de inspiración, lo audiovisual en general, me encanta estar viendo imágenes de otros fotógrafos, que no tengan precisamente que ver con foto comercial y creo que la música, sobre todo los soundtrack de las películas, creo que también es común que me inspiren a estar creando cosas, voy tomando elementos que me gustaría plasmar en mis trabajos, como los ambientes; por ejemplo, del cine me gusta ver y analizar, la dirección de fotografía y la dirección de arte, más allá de la historia, me quedo con estas imágenes, entonces, del cine, yo creo que se puede sacar mucho y muy variado también, está padre. A veces la pregunta ideal es ¿qué no te gusta? Sabemos que cada sesión es diferente, pero en todas es necesario un proceso creativo para que se decida el estilo, ¿Cuál es tu proceso para decidir el diseño de producción de cada sesión? Recomendarías algún curso o libro a nuestros estudiantes fotógrafos que quieren empezar a desarrollar mejor el diseño de producción en sus trabajos. Por ejemplo, la mayoría de las veces llegan los clientes sin saber qué quieren, ni la menor idea de cómo expresarlo y tú tienes que tratar de sacarlo, entonces a mí me gusta mucho platicar primero con los clientes, así sea para un proyecto de foto comercial, a veces la pregunta ideal es, ¿qué no te gusta?, creo tiene mucho que ver con conectar con las personas, hay algunas que te dejan y hay otros que son más renuentes a contarte cosas, pero con un cliente que se abre también se empieza a empatizar y es más fácil hacer este proceso, luego para mí lo que sigue es buscar referencias, siempre trato de abarcar el estilo de iluminacion, el tipo de encuadres, las posturas que se van a usar, si va a llevar muchos productos, el tipo de productos, entre otros, con las referencias ayudas a visualizarle al cliente lo que se puede lograr. A mí lo que me ha servido para la dirección de arte en específico es ver behind the scenes, la verdad es súper padre ver cómo construyen todo, sobre todo de películas, es súper enriquecedor, también el analizar las fotografías, pensar cómo crees que se haya hecho el diseño de producción, viendo las sombras, los reflectores, es un ejercicio muy interesante. Ya que te lo validan, empieza la parte fea, que es la cotización y pues ahí ya empiezas a adaptarte, pero creo que para que te acepten una cotización, depende justo de esa conexión con el cliente. Como freelancer en Paralelo Studio, ¿cómo es el proceso en el caso de tu trabajo con clientes, ¿qué tanta influencia tienes con ellos en el diseño de producción y/o estilo en las fotografías? Ver fotos o ver películas y preguntarte cómo lo habrán hecho, es cómo hacerte consciente del trabajo que conlleva una producción en general y eso te va a hacer también más consciente de lo que conlleva tu dirección de arte, entonces creo que es lo que más me ha ayudado a mí. Sí recomiendo que de ser posible, te acerques a un director de arte y le digas ¿puedo ser tu ayudante o tu asistente?, porque eso es súper enriquecedor, a mí me tocó asistir a directores de arte en algunos comerciales y lo que aprendí en ese momento fue más valioso de lo que hubiera aprendido en cualquier libro o curso, porque ya es del mundo real, enfrentarse a la presión del tiempo, de un director y el pensar cómo resuelvo lo que me piden, te las ingenias en resolver las cosas en 2 segundos porque no queda de otra y es importante llevarlo a práctica. Yo creo que al final, todos los fotógrafos siempre terminamos influenciando un poquito a los clientes y al final también por eso te escogen, porque esperan cierta calidad, cierto tipo de luz, cierto tipo de retoque de fotos, lo esperan aunque no estén conscientes de esto, entonces es inevitable no dejar un poco de tiempo en las fotos, de tus gustos personales, del estilo de tu forma de ser, de retoque y de tu servicio al cliente también, entonces es la conexión que tú formas con los clientes y muchas veces los clientes te buscan por eso. POR: BERE JARAMILLO 30 ENERO 2022 ENERO 2022 31 �S E A C R C T IE ÓS N EJIDO Para esto han comenzado a realizar fotografía documental de ciertos espacios para así, tener un archivo regional de Linares. Otra manera de su recopilación de archivo, es realizando memoria oral (entrevistas) a personas que han habitado ciertos lugares, o que saben de términos constructivos e incluso a quienes tienen un negocio establecido, de esta manera van evidenciando cómo ellos mismos van construyendo su propio espacio. Dicho esto, han abarcado tanto el centro histórico de la ciudad como las periferias sin registro alguno. DOCE Por: Ejido Doce Ya para terminar, muchos de la comunidad saben sobre su proyecto ya que es necesario comentar sobre él y pedir autorización para el registro de fachadas de casas, tiendas, mercados etc. Y a los mismos habitantes les da la emoción el saber que jóvenes se interesen sobre recaudar la memoria del pueblo. Dupla de la reconstrucción memorial-patrimonial. POR: GRACE ELIZONDO E 32 ENERO 2022 Por: Ejido Doce No cabe duda que recaudar el archivo tiene sus dificultades dependiendo el sitio que les gustaría documentar, y con quién se acerquen a preguntar. El encargado de la Fototeca de Linares, las ha apoyado mucho, debido a que cuenta con archivo donado de los mismos habitantes. Sin embargo, en el caso de alguna casa deshabitada es más difícil encontrar; ¿Quién la construyo? ¿Cómo era por dentro? ¿Quiénes vivieron ahí?, a pesar de eso, siguen en proceso de llegar a documentar toda esa información. De esta manera el objetivo de su proyecto es ayudar a las personas a rememorar sus espacios. Pretenden llegar principalmente a las personas de su comunidad, ya que al final del día quienes habitan los espacios son los que pueden tener empatía en estos sitios y son ellos mismos los que lo transforman. De igual manera les gustaría que personas de otros estados o países vean el proyecto. El teatro Benítez - Por: Ejido Doce Daira E. Cruz Durán Fundadora de Ejido Doce Redes Sociales: _ INSTAGRAM ejidodoce Por: Ejido Doce Consejos para quienes deseen desarrollar un proyecto _ 1 “Si desean investigar sobre su comunidad, es bueno entrevistar a una persona mayor”. – Daira Cruz _ 2 Miriam I. Amaro De León Fundadora de Ejido Doce ranchos y de esta manera para tener un mejor futuro y continuar con sus estudios, emigran a la ciudad, de esta manera conlleva a un abandono de patrimonio. “Deberían apoyarse entre los proyectos, si tienen fines en común, es bueno apoyarse entre colegas”. – Daira Cruz _ 3 Por: Ejido Doce jido Doce es un proyecto de mujeres Linarenses de investigación-creación, conformado por dos Artistas Visuales de la UANL, con muchos intereses en común y muy unidas a su comunidad donde habitan; Linares Nuevo León. Daira E. Cruz Durán se dedica a desarrollar trabajos de investigación-creación con base en la historia y memoria de acontecimientos de la comunidad donde vive (Linares). Los medios a utilizar en sus producciones son muy diversos, entre esos son; textiles, fotografía documental, archivo, video y audio. Miriam I. Amaro De León, en un principio su producción se enfocaba en los procesos de despojo (segregación social del espacio) especialmente en el archivo de la Ciudad de Monterrey, por un contexto familiar. Su principal objetivo es el saber ¿cómo se recuerda un espacio que ya no está?; sus medios para trabajar son: la fotografía de arquitectura, archivo documental y el bordado como proceso íntimo. Debido a sus intereses de reconstruir la memoria de lugares donde han habitado, en el 2018 comenzaron a formalizar su proyecto Ejido Doce en donde “Ejido” es el lugar donde vivieron su infancia y “doce” es el año (2012) en que se conocieron, la investigación que realizan tiene un enfoque de la preservación patrimonial en donde el archivo recopilado (escritos, fotografías, entrevistas, video, audio, planos, entre otros) se transforma en una producción y de esta manera se le da difusión a la documentación encontrada. Este proyecto surge a partir de sus experiencias en un hábitat rural y la pérdida de sus costumbres, con la inquietud de ¿cómo salvar esos recuerdos?. Si las construcciones no se registran no serán encontradas y prácticamente no existirían. Buscaron ciertos sitios en google mapas, pero al ser un espacio pequeño, no aparecen. La razón del porque hay casas deshabitadas es porque hay familias donde los abuelos o papás, vienen de un contexto rural; de ejidos, de “Cree en lo que estés haciendo, cree en tu proyecto, sigue trabajando en él, si es necesario regresar al principio para encontrar la línea de él, hay que hacerlo, no entristecerse si no saben el camino a donde van”. – Miriam Amaro ENERO 2022 33 �E S V E C E N C T I Ó ON S REDES SOCIALES: FACEBOOK Muertxs de harte INSTAGRAM @muertxsdeharte Logo Muertxas de Harte Fotografía tomada por el colectivo Muertxs de harte HARTE PARA HARTISTAS Fotografías tomadas por Emmanuel Morales PRIMERA EXPOSICIÓN “MUERTXS DE HARTE” El Expendio dió lugar a la primer exhibición colectiva que llevó como temática la precariedad artística POR: EMMANUEL MORALES M uertxs de Harte es un colectivo reciente conformado por Luz Posadas, Valeria Miranda y Kiwi Zanahoria, el cuál nace por la unión y la necesidad de crear arte en compañía, dentro de un mundo donde la incertidumbre artística y la precariedad laboral abundan. Y a manera de bautizo, crearon su primer proyecto en conjunto: una exposición que lleva el mismo nombre del colectivo. El evento tuvo lugar el pasado sábado 25 de septiembre en ElExpendio, ubicado a unos cinco minutos de la estación Edison de la línea 1 del metro de Monterrey, en donde se presentó la obra de más de 20 artistas y tendrá permanencia de una semana, siendo el próximo sábado 2 de octubre su cierre. “La precariedad artística como una experiencia de incertidumbre económica y profesional, el uso de materiales baratos, reciclados, perecederos y de uso cotidiano como alternativa a los medios tradicionales” fue la temática del mismo. 34 ENERO 2022 Fotografía tomada por el colectivo Muertxs de harte Cartel de inauguración Las artistas que lo conforman nos mencionan que le dieron vida a este proyecto debido a la incertidumbre del ser artista en México, el cómo puede ser un privilegio exponer o incluso como ciertas formas y expresiones artísticas no encajan completamente con ciertas plataformas o en donde la mayoría de las convocatorias de arte cobran para aplicar, es así como del hartazgo y la frustración optaron por crear esta nueva plataforma para todas aquellas personas que se sientan igual que ellas. Fotografía tomada por el colectivo Muertxs de harte Algo que hizo realmente especial esta exposición, fue el hecho de que no es la típica exhibición con todas sus piezas enmarcadas, dentro de un espacio completamente ordenado y limpio, como si fuese algo “perfecto”, sino que optaron por una estética más desgarbada, siendo un contraste a la pulcritud que se suele ver en las galerías de arte. Con su proyecto, el colectivo nos invita a conocer y explorar las diferentes maneras del quehacer artístico y de cómo se expone; lograron hacer algo que va más allá de lo tradicional. Fotografía tomada por Emmanuel Morales ENERO 2022 35 �E S V E C E N C IT ÓO N S MIEMBRXS DEL COLECTIVO: KIWI ZANAHORIA: Fotografía tomada por Emmanuel Morales Se pudo encontrar una gran variedad de expresiones artísticas, que iban desde la fotografía, el collage, la pintura, escultura o el dibujo hasta el video-arte o incluso el arte-objeto; en donde varias de las obras estuvieron a la venta. Además de exhibir las piezas de los artistas seleccionados, durante el día de la inauguración también se abrió un espacio para que algunos artistas vendieran su trabajo en un mercadito de arte, donde hubo un poco de todo: stickers, fotografías enmarcadas y sueltas, postales, fanzines, ilustraciones, prints, prints en risografía, etc. Próximamente saldrá a la luz un fanzine elaborado por el colectivo que contará toda la experiencia de esta primer exposición, es una especie de documentación del evento, el cuál sería recurrente en sus futuros proyectos. Las organizadoras nos comentan que es muy probable que más adelante se hagan nuevas exposiciones manteniendo la esencia de lo que fue esta primer exhibición de “harte para hartistas”. @kiwi_zanahori Kiwi Zanahoria es una larva con alas, disfruta de sorber de la fruta podrida del mesón estrella. Vuela esperando encontrar basureros con todo tipo de materias vegetales putrefactas, nuevos sabores y colores. Empezó a morir de harte al caer en un balde de desechos tóxicos, otorgándole la necesidad de crear e incitar a que otras moscas lo hagan. VALERIA MIRANDA: Valeria Miranda es una mosca muerta que disfruta de pararse en los pescados de muestra del mercado. Pasó su etapa larva en el plato de carne y sobras para fieras del circo Atayde Hmnos. Murió de harte cuando se paró en una fotocopiadora y la aplastaron con el texto “modos de ver”, imprimiéndola para siempre. @valeeria.miranda LUZ POSADAS: Fue un evento muy especial, lleno de personas talentosas que tienen mucho que decir y que lograron hacerlo con lo poco que tienen a la mano, presenciar esta primer exposición colectiva fue de cierta forma ver cómo los artistas vuelven a emerger de la tierra para declarar lo que les pertenece: el arte y cómo hacerlo lejos de esta estigma de que debe ser un privilegio hacerlo. Luz Posadas es una mosca que le gusta cortarse los pelos ella sola creyendo que le van a quedar bien, también empezó a picar más moscas para hacerles dibujitos en su piel y sueña con morir de harte bien morida para siempre algún día. @luzposadas 36 ENERO 2022 ENERO 2022 37 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2022 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 4 Número Número de la revista 7 Mes de publicación Mes cuando se publicó Enero Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2022, Año 4, No 7, Enero Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/01/2022 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020723 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Diseño de producción Diseño gráfico Escuincles Mehrenda Muertxs de Harte Pablo Alvarado Publicidad https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20655/Croma_arte_diseno_audiovisual_2022_Ano_4_No_8_Junio.pdf 103c90bc65078dd0a487d83aa57153c3 PDF Text Text CROMA ARTE, DISEÑO, AUDIOVISUAL 2022, NÚMERO 8 LA CONEXIÓN DEL A R T I S TA C O N S U A R T E junio 2022 1 �Í N D I C E Yasodari Sánchez ARTÍCULO DEL MES P.12 Artistas del futuro DIMENSIÓN 26 P.4 Í La fotografía como memoria Con Alma Daniela P.8 2 junio 2022 P.20 Fundamentos esenciales del artista EMPRENDIMIENTO P.14 ENFOQUE TALENTO FAV N Víctor Moreno La virtud de la difusión cultural Sofía Segovia P.24 D Sueños musicales de la FAV P.22 I �ARTE Créditos Rector UANL Dr. Santos Guzmán López Secretaria Académica UANL QFB. Emilia Vázquez Farías Secretario de Extensión y Cultura UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Flor de Liz Castañeda EVENTOS P.30 E Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Subdirección de Investigación y Posgrado Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Secretaria Académica M.A. Eva Julia De La Cerda Cruz Coordinadores y Editores de la Revista Croma Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Redacción y Diseño: Dulce Marian Gaona Miranda Eloísa Estefanía García Berlanga Omar Adrián Guajardo López Fátima Loera Mejorado Nery Andrea Arechiga Pérez Stephanie Cuevas Rodríguez Claudia Lizbeth González Reyes Karen Esmeralda Salazar Rodríguez Laura Giovanna González Rodríguez Angélica Fonseca Ruiz Daniela Alejandra Zapata Loera Anakaren Lozano González Carla Mariela Mora Rodríguez C Corrección de Estilo Sergio Feluel Hernández Loaiza “Materia estética disponible” Miguel Calderón P.34 Portada Omar Guajardo e Isaac Almazán CROMA, año 4, No.8, Junio 2022, es una publicación trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos,Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2021032219402300-203, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. junio 2022 3 �TEANL TE RNETVOI SFTAAV ARTISTAS DIMENSIÓN 26 DEL FUTURO Un podcast de Halda Vázquez y Tonny Berumen el cual va dirigido a la comunidad creativa, artística y no tan artísticos. Donde podrán escucharlos hablar sobre: Diseño Gráfico, los procesos creativos, danzas, sus experiencias, entre otros. POR: FATIMA LOERA MEJORADO 4 septiembre 2018 �¿ Qué los llevó a entrar al mundo del podcast y cómo nació la idea de crear Dimensión 26? Halda: En realidad la idea del podcast nos surgió simplemente, nos guiamos por este camino porque como artistas lo que queremos es hacer más cosas, no centrarnos en una sola idea. Lo que queríamos era crear una pequeña agencia, ya que Tonny se encarga del medio audiovisual y yo del medio gráfico. Tratar de hacernos un poco más reconocidos ya sea para poder conseguir clientes o contactos que nos ayuden a hacer más proyectos, así que la idea del podcast surgió como idea de marca personal. Nos fue comiendo más el podcast y nos empezó a gustar más, nos fuimos por ese camino en el cual ahorita estamos muy contentos. Tonny: Dimensión 26 no es solo un podcast, es un proyecto que puede ser lo que sea. Halda: Estábamos tratando de darle conceptualización, lo único que teníamos en mente era, “queremos hacer algo juntos, queremos que esto sea algo muy grande que participen muchas personas y que ayuden a inspirar a más gente”. ¿Cómo es el proceso de elegir e investigar los temas que hablan? Tonny: Normalmente yo soy el que propone temas pero ahí vamos viendo. Deben ser cosas relevantes o por el contrario, que no haya mucho contenido de eso, por ejemplo vamos a hacer un video del arte digital y yo no encontré videos de eso, nos ponemos a ver videos de Youtube para ver que hay. También tenemos propuestas de amigos, hay temas que nos aburren o que se hablan mucho pero no lo dicen de otra forma. Halda: Algunos de los temas por ejemplo “¿Qué es el arte?” usualmente cuando escuchamos de eso nos llegan a aburrir con la historia o se centran solamente en un tipo de arte ya sea el arte plástico o pintura y nosotros queremos abarcar diversos temas o hacer como que más grande la información para que le llegue a muchas personas y se sientan identificadas, siempre tratamos de hacer las cosas diferentes y hacer lo que queremos escuchar, cuando queremos investigar temas no siempre dan la información que queremos escuchar. Nosotros siempre estamos investigando ya sea de páginas de internet, a través de videos, tratar de ver los temas relevantes que están surgiendo dentro del arte y la creatividad. Son cosas nuevas que probablemente hay poca información pero tratamos de dar un surf a todo el internet para ver que le podemos dar al público y decir nuestra opinión. Tonny: A veces son temas que nos gustan y le agregamos el nicho. junio 2022 5 �T A L E N T O F A V FOTOS: CORTESÍA DE DIMENSIÓN 26. ¿Han sido influenciados por otros artistas? Halda: Creo que gran parte de lo que somos o lo que nos gusta está influenciado ya sea en tendencias artísticas, tendencias de diseño, algunos autores no son creativos tal cual pero han hecho cosas grandiosas que nos han gustado mucho. Tonny usualmente comenta a sus artistas favoritos en cada episodio, creo que lo hace más interesante el tener de referencia artistas que nos gusten y podamos transmitir. Tonny: A parte creo que nos dirigimos más a artistas digitales porque es lo que más nos ha influenciado, de hecho es lo que más me gusta. Halda y yo tenemos de base casi las mismas referencias, hay cosas no tangibles que pueden ser referencias, es como un efecto cadena a lo que realmente somos ahorita. FOTOS: CORTESÍA DE DIMENSIÓN 26. Podcast #36 de Dimensión 26. Podcast #37 de Dimensión 26 con Mariely Soto. 6 septiembre 2020 ¿Cuál es la mayor meta para Dimensión 26? Halda: Lo que queremos hacer es dar cursos, ya sea enfocados en la producción del podcast o cualquier rama creativa que estemos relacionados. Hacer una exposición acerca de nuestro arte con un fluxus game en donde la gente se sienta más interesada en participar y que además sea parte del arte. Tonny: Una de nuestras premisas como proyecto es que el arte es divertido, es nuestro distintivo. Halda: También es hacer un festival estilo conferencia en donde las persona que estén interesadas puedan participar exponiendo su voz, su arte, que sea de todos y para todos. Lo que queremos remarcar es que el arte se comparte en donde cualquiera puede ser artista y todos pueden disfrutar de eso. ¿Qué aprendizajes o experiencias les ha dejado este proyecto? Halda: Lo que más se nos ha quedado es la mejor comunicación, hemos visto nuestro avance en cómo comunicamos el mensaje y ser multidisciplinarios, yo solamente empecé con diseño gráfico pero ahorita tengo que checar sonido, luz, cámara, entre otras cosas que ni siquiera hubiera pensado. Tonny: Por mi parte creo que en saber cómo hablar, siempre he convivido con gente, también hemos mejorado en contenido de calidad y en cómo expresarse, se nota la diferencia de nuestro primer episodio al último. Recientemente lanzaron “Artistas del futuro” ¿Qué los llevó a crear esta nueva sección? Tonny: Es para impulsar a los artistas, nunca hemos querido que se estanque el proyecto en el podcast por eso Dimensión 26 hace esta sección para empezar a mudar. No sé cómo vaya a ser en un futuro pero probablemente los podcast solo serán para invitados, puede que no, puede que sí. Halda: Lo que tratamos de hacer es crear una comunidad como dijimos hace rato “de todos y para todos” esa fue la primer intención cuando empezó a trazarse este camino de Dimensión 26. No solamente queremos que nosotros seamos la Dimensión 26 y que solo nosotros podemos hablar de arte y creatividad porque al final de cuentas no sabemos todo. Tonny sabe de producción, yo sé diseño gráfico, pero queremos llegar �a la gente que sea músico, que sepa de danza, teatro, arte contemporáneo, etc. y nosotros no podemos dar el ejemplo pero hay gente afuera que puede y queremos ofrecerles este espacio. Que los artistas del futuro sean reconocidos, ahorita vamos comenzando a nivel estatal pero tenemos contemplada a gente en otros estados de la república para que el arte se comparta y que el mundo sepa “ellos son artistas del futuro y tú puedes ser como ellos”. Crear esa boleta de nivel donde el arte se vaya desmontando de lo que solamente es pintura y que sepan que el arte puede estar en todos lados. Tonny: La mayoría de los podcasts son invitar a alguien solo para que hable de sí mismo, entonces preferimos darle presentación al invitado donde ahí es el protagonista. Aunque no conozcas a la persona, te gusta el contenido. Nos inspira inspirar, tal cual. ¿Piensan añadir alguna otra sección a su Dimensión 26? Halda: Vamos trazando un camino con Dimensión 26, queremos hacer muchas cosas, en nuestra cabeza estamos, “queremos hacer esto esto y esto” pero son cosas que se tienen que organizar y Artistas del futuro apenas va trazando esa línea, a como tenemos los artistas vamos a trabajar mucho durante 2 años para 10 artistas, es demasiado el contenido que tenemos que hacer pero sí lo hemos pensado. Tonny: Como habíamos dicho, el fluxus game, el noticiero como parodia de cosas que están pasando porque el formato que tenemos es atemporal, si los ves dentro de 10 años tiene que tener alguna relevancia no como Tik Tok que sale una vez y ya pasó la moda. Halda: Más que nada conceptos artísticos que estén saliendo y podamos darle cierto giro divertido para que no se vea como si solo estuvieran comiendo información, simplemente darle más sentido con comunicación y diversión. El fluxus game sería algo interactivo en donde la gente va a estar jugando y te des cuenta que es algo artístico. Los cursos son para que la gente se sienta más inspirada. El festival de arte donde todos son invitados. Tenemos esa lista donde ya están para conceptualizarlas, también queremos empezar en Twitch para que la gente tenga la libertad de preguntarnos, de reaccionar, de guiarnos por ese camino. Que se sientan más conectados con nosotros y nosotros con toda la audiencia porque a veces queremos preguntarle a la gente sobre los temas y no podemos porque el podcast INSTAGRAM queda grabado y queremos una respues- @dimension.26 ta. YOUTUBE REDES SOCIALES: Dimensión 26 SPOTIFY Dimensión 26 junio 2022 7 �FOTOS: CORTESÍA DE ALMA DANIELA T A L E N T O 8 junio 2022 F A V �L A FOTOGRAFÍA COMO MEMORIA CON ALMA DANIELA Ganadora del segundo lugar en el Certamen de las Artes Visuales UANL 2021 T POR: FATIMA LOERA MEJORADO e presentamos a Alma Daniela, estudiante de Lenguaje y Producción Audiovisual que ha colaborado en múltiples eventos con su fotografía. Es una mujer talentosa que destaca por sus trabajos fotográficos, los cuales comparte a través de Instagram. Dichos proyectos se caracterizan por el uso llamativo de colores, iluminación natural y que tiene de protagonistas a personas ya sea en el medio artístico, movimientos sociales, deporte o photoshoot. También gusta de capturar momentos para recordar y compartir con los demás. ¿Cómo ha sido el proceso de aprendizaje en las colaboraciones? A: Fue prueba y error, pero sobre todo mucha pelea conmigo misma por qué solemos tener esa voz que es como “no vas a poder”, “no te van a elegir a ti”, “no te va a salir”, como que me pongo a pelearme conmigo y esa voz. Ahora es “me van a elegir a mí” o “si ellos no me eligen, voy a hacer que me noten”, “tu inténtalo”. Ya si me dicen que no, bueno al menos lo intente y me quite la idea de que no iba a poder porque tenemos ese impostor dentro de nosotros mismos que si no nos vamos contra eso te vas a quedar ahí, yo intento decírselo a mis amigos o conocidos “tu diles lo que sea que hagas, ya si les interesa o no depende de ellos”. Ese ha sido el proceso intentarlo, quien me elija que bueno y el que no se lo pierde. ¿Cuáles son tus intereses en la fotografía? A: Hasta ahorita he hecho de todo un poco y creo que no tengo una meta fija de querer hacer esto o llegar a cierto punto. Creo que mi interés es quedarme aquí en mi “Safe place” y me gusta mucho por memoria, recuerdos, expresarme, hacer mis propias ideas, proyectos, creo que lo que me interesa de la foto es tenerla. Seguir creando y sea una forma en la que pueda ser yo, si se puede vivir de ella me parece perfecto. ¿Hay algún proyecto que estés deseando hacer? A: Híjole, que no quiero hacer pregúntale a mis papas o amigos yo quiero hacer todo, constantemente mi cabeza está llena de cosas y es como “le voy a hablar a esta persona y le voy a decir que hagamos esto” o “le voy a hablar a este grupo de bailarines y les diré que hagamos esto”, ni me conocen ni me topan en su vida, pero yo soy como de “no me importa, yo les voy a hablar y les voy a decir”. Después ya me acuerdo que tengo clases, tarea, trabajo, proyectos, etc., entonces como que muchas cosas se me olvidan, pero en el día a día como que voy creando al menos una idea o algún proyecto y lo voy anotando. Intento llevarlo a cabo, pero si me voy a lo súper extremo, bueno espero no sea súper largo plazo, puede ser mediano plazo, ojalá que sí. Me gustaría mucho trabajar con algún ballet como: El Ballet de Nueva York o también, aunque mucha gente lo ve como “no manches”, me gustaría trabajar con la NFL, ¿por qué? ¡Y porque no, chica!, No tengo ningún equipo en específico sino como el deporte, o sea, no es algo que te haya comentado, pero “profesionalmente” mis primeros trabajillos fueron en futbol americano súper local, en un equipo chiquito pero, como te dije con eso he ido midiendo mi avance, o sea, como que empecé en un equipo chiquito y ahora es el equipo representativo y ahora es de otro estado, ahora estoy en otro país, entonces al rato quiero llegar a la NFL Como para decir “si se puede”. junio 2022 9 �T A L E N T O F A V ¿Cómo te inspiras para hacer fotografía? A: Todo y todos me inspiran, es una muy mala respuesta probablemente pero, como que el pensar que todos tenemos algo bueno y no solamente en persona sino todos los lugares tienen algo bueno. Todas las personas tienen algo bueno, todos los climas tienen algo bueno, y que en parte en mi ansiedad probablemente el sentir que quiero que todo el mundo pueda sentir o conocer eso, o sea es como, habrá gente en 5 años que no vaya a poder ver esto que estoy viendo yo ahorita, entonces que ya no va a existir en ese momento o lo que sea. Entonces siento la necesidad de ser yo quien se los muestre, como no sé, “hay alguien que está trabajando ahorita y no va a poder ver este atardecer” entonces tengo que subir la foto y que la vean, muy probablemente tiene que ver con la ansiedad… pero eso me gusta y el crear el recuerdo, el que se quede ahí pues para los que vengan, para los que sigan etc. Porque también me da mucho miedo y no debería estar diciendo esto, pero, me da miedo mi memoria, que en algún momento me falle o ahí se me atraviesen los cables o algo y ya no recordaría cosas, sería bonito tener eso, aunque me imagine o me invente las historias de cada foto, pero, voy a tener de donde inventar sino pues que voy a hacer. 10 junio 2022 ¿Qué es lo que te gusta expresar con tus fotos? A: Pues igual creo que depende de cada foto y de cada estilo y de cada persona pero, en general como honestidad porque sin hacer problema ni nada pero muchas veces como que creemos que la persona, el objeto o el producto debe verse como nosotros o como lo que nosotros somos y a mi me gusta un poco más como el “yo soy muy llorona pero ella se ríe por todo entonces tiene que verse feliz”, o sea no importa que yo este triste tengo que empatizar con esa persona y conocerla al punto de poder mostrar lo que es ella y no envolvernos. No hacer como una mezcla aunque luego llega el punto de termino mostrando lo que soy yo como quiera, como que es una mezcla de ambas personas y cosas. Pero si me gusta la honestidad y con esto no quiero hacer como creer que la foto tiene que ser natural y sin retoque o edición tú puedes hacerlo, pero que sea honesto a la persona, al lugar, el tipo de producto que se está vendiendo, no quitarle la esencia a eso por lo que sea que tú quieras comunicar. ¿Hay alguna fotografía que te haya gustado hacer, pero no has tenido la oportunidad? A: Yo siento que si me he quedado con ganas de hacer muchas cosas por decir que participo en una convocatoria y no me se- �FOTOS: CORTESÍA DE ALMA DANIELA leccionan y entonces me quedo con la idea o formo un proyecto para algún presupuesto que tenga ahí alguna asociación y no quedo y no lo puedo hacer y se queda el proyecto completo, pero no me quedo INSTAGRAM con las ganas como tal porque lo intento @almadaniela hacer de otra forma. Bueno no tuve todo ese dinero lo hago con poco presupuesto o no conseguí a esa modelo entonces la modelo soy yo no importa, intento para que no se me quede perdidas esas ideas pero siempre, todos los días tengo algo que digo, “huy debí haber hecho esa foto”, “debí haber salido a hacer esto” etc. Creo que el punto es en lugar de decir, “ay no lo pude hacer”, últimamente si me detuve mucho pero yo sola como que me regañe de que “ponte las pilas”, lo que sea que quieras hacer, no tienes que hacer el súper gran proyecto puedes empezar desde el celular, con cámara análoga, tu perro, vecino, con lo que sea el punto es seguir haciendo porque eso nos ayuda a seguir carburando sobre todo como artistas. Siento que no me quedo con las ganas de nada porque hago otra cosa. REDES SOCIALES: ¿Con qué iluminación te gusta trabajar más y por qué? A: En general, probablemente el 99.999% de todo lo que hago es con luz natural, con luz de ventana así natural, si se y si he utilizado y si tengo flashes y lámparas, pero casi siempre estoy sola entonces me da como más miedo o hasta hueva la verdad el de que “ay tengo que sacar esto y luego armar todo” y luego como estoy pues enfocada en la imagen, después pienso “que no se vaya a caer esto o lo otro”. También como la transportación del equipo, intento casi todo sea con luz natural a menos que sea algo nocturno o en algún lugar tipo teatro pues me informo a ver qué tipo de iluminación tienen que me puedan apoyar para no llevar algo yo, prefiero lo natural por comodidad y también porque da ciertos tonos diferentes y se me hace bonito. junio 2022 11 �D O C E N T E S YASODARI SÁNCHEZ S u nombre es Yasodari Sánchez Zavala, egresada de la Facultad de Artes Visuales en 1997, Maestra en Artes Visuales, por la misma institución y tiene otra Maestría en Educación que hizo en el Centro de Estudios Universitarios. ¿De dónde surgió la idea para llevar a cabo este proyecto? ¿Cuáles fueron las estrategias de planeación y producción del documental? Y: La idea surgió porque hay como muchas cosas. Yo antes de comenzar a hacer esto, trabajaba en la reflexión del espacio público y los procesos migratorios. Entonces a partir de esa reflexión empecé a hacer una serie de documentales, una mini serie sobre migración en Monterrey. Tomando diferentes comunidades que son importantes de mencionar, que fueron los indígenas, los centroamericanos y tres grupos extranjeros: España Japón y Argentina; a partir de ahí tomé la Independencia como el origen de la migración y el proceso migratorio y comencé a hacer entrevistas, y una de esas entrevistas me llevó a Los Sonideros. Yo soy de la colonia Independencia, mis papás y mis abuelos también y yo decía ¿Por qué se genera tanta comunidad? Y en realidad era algo que yo siempre buscaba en los proyectos. A partir de ahí comencé a pensar en el oficio, que para que eso funcione tienen que vincularse muchas cosas y al final todos somos Sonideros. Generar otros dispositivos sociales, esos son las dinámicas para tener una salida de arte. En realidad lo que yo quiero recuperar es la memoria de los habitantes de la Independencia. Y: Yo siempre les digo a mis alumnos que de verdad lo hagan como un acto de urgencia, de necesidad, como cuando uno quiere comer o ir al baño. Todos mis proyectos los he empezado de manera autogestiva y tienes que estructurar a partir de esta reflexión que te digo, si sé que pasó esto, si tengo muchas respuestas, es decir, si llegaron los grupos desde ahí yo digo, “esta memoria tiene que ver con generar un podcast o esto tiene que ver con accionar a la comunidad pintando con su logo en mano”. Estos datos a veces se piensan como en datos duros desde una mirada folclórica o exótica. Si tengo mi agenda como de 20 cosas a veces salen más, pero las hago no como en ese orden si no que el orden va saliendo y va como muy natural o como muy orgánico. 12 junio 2022 ¿Hacia qué tipo de público va dirigido? Y: Nunca pienso mucho en el público, pero sí tengo claro la cuestión de circuito artístico, esta condición de socializar la obra, en ciertos espacios, en ciertas convocatorias. Sí me importa mucho cómo pensar estas dinámicas de arte, creo que eso �es lo que construye otro sentido a muchas otras cosas que están normalizadas. Creo que el arte sí hace que se esguincen varias formas en que hemos situado un ecosistema solamente desde lo político o lo mediático, creo que el arte resignifica esas partes. Siempre estoy pensando en que estas partes del arte puedan saltar a procesos comunitarios o desde la comunidad. ¿En qué año inició el proyecto? Y: Este proyecto de Los Sonideros inició en el 2013, fueron las primeras entrevistas en el 2012-2013, pero en ese momento tenía varios proyectos, entonces iba poquito a poquito. Pero yo creo las entrevistas formales fueron en el 2013 y 2014. Para mí eso es importante, porque es lo que significa el oficio y luego a partir de ahí en el 2015 me dieron un apoyo para el largometraje. Durante el proyecto, ¿cuál fue el momento que en lo personal le causó más impacto con base en la seriedad de la escena? Y: Mira yo soy súper intensa y no puedo vivir con esta intensidad, la Independencia es una colonia muy extensa y de las más antiguas, pero fue importante ese barrio porque es la memoria de mis padres. Creo que esa es la parte personal y es un barrio difícil, es una colonia difícil que tiene grados de violencia. Yo recuerdo de niña pandilleros, creo que es algo importante de hacer y que se re-aplique. Porque qué condiciones y que oportunidad tienen los niños para que pasen otras cosas y son niños que tienen muchas familias. Pero creo que ese espacio, la ausencia es una forma de pensar en el abandono, en el silencio, en la representación que tiene esta ciudad y qué ciudadanos están generando. Eso es lamentable, es la gente de la Indepe, son la gente que construye San Pedro. La condición de que hay violencia, droga, y es un pretexto para maquillar a alguien de otro nivel. ¿Tuvo dificultades de algún tipo durante la filmación?? Y: No, a lo mejor cuando empecé en la misma producción y no tenía dinero y no sabía a quién decirle. Algunos alumnos no saben mucho de sonido y era difícil. Es difícil porque llevaba el proyecto sola y era enseñarle a un alumno y luego a otro y simplemente no te entienden. Festival de los Barrios de la Indepe 111 Aniversario 2021 - Mural Sonidero ¿Qué proyecto está interesada en hacer próximamente? Y: Ahorita mismo tiene que ver con Los Sonideros y los compositores de la Indepe, voy a hacer un disco de compositores, pero un proyecto mío de cuarentona, yo siempre quise tener una banda y todos mis tíos han hecho música, están haciendo un grupo, se llama La Dinastía Sánchez, y por el mero gusto, a mí me gusta escribir mucho y hacer canciones. Y otro proyecto que el año pasado me dieron mención honorifica y estaba trabajando con mujeres indígenas, que seguramente tengo que seguir a la par y con los niños estoy en un taller de cine. Tengo muchas ideas y quiero hacer muchas cosas, y con esos niños estoy trabajando con fotos. ¿Qué es lo que más ha disfrutado del proyecto? Y: Yo disfruto en cada proyecto, los ponía a bailar y me inventé un juego como lotería y les regalaba tarjetas telefónicas de 20 pesos, a partir de ahí, yo también pensaba en ¿a quién le hablaban?. También hay un baile que se llama la puntita, y disfrutaba mucho eso y con los indígenas disfrutaba sus bailes y además el amor que le tienen a sus bordados. En otros momentos, llegaba con los centroamericanos y comían verduras fritas y los indígenas comían tamales y luego con los de la Indepe era tómate una cheve, todas esas interacciones las disfrutaba mucho. Festival de los Barrios de la Indepe 111 Aniversario 2021 - Mural Sonidero junio 2022 13 �P O R T A D A FUNDAMENTOS esenciales FOTOGRAFÍA: GUILLERMO LÓPEZ GAONA DEL ARTISTA Acompáñanos en este breve recorrido, en el cual discerniremos los elementos esenciales de un artista en la época contemporánea, así como las obras y su incursión en el presente contexto social. POR: OMAR GUAJARDO FOTOS: OMAR GUAJARDO Y GUILLERMO LÓPEZ 14 junio 2022 �E l camino del artista también es placentero, gratificante y excitante. Con el cuidado y tacto necesario, puede ser la búsqueda de luz en la oscura incertidumbre del vacío de la existencia. Un artista no es un artista hasta que alguien más lo reconoce como tal; una persona ajena a la historia de su recorrido, alguien que juzga la obra sin un criterio predeterminado y que reconoce y respeta la creación del autor. El deber del artista es promover en sí mismo el hábito de la creación porque es una necesidad inherente del ser humano, lo que lo llevará a acercarse más a la búsqueda y localización de su propio estilo y de su voz interior. Dentro de esa necesidad existen fundamentos que hacen que un artista sea reconocible. En este artículo se discernirán aquellos componentes que rodean el aura mítica de un artista. UNA BREVE INDAGACIÓN SOBRE LAS MEMBRANAS DE LA CREACIÓN Podemos comprender a la creatividad como la capacidad de aportar soluciones originales a los diferentes retos y/o problemas que se plantean a partir de la generación de ideas. Se caracteriza por abordar la realidad de forma original y flexible. Este proceso mental va estrictamente ligado con la imaginación, y por consecuencia, toda aquella persona que requiere hacer uso del pensamiento creativo debe de tener mucha información en su mente relacionada con el tema a tratar. El proceso creativo orientado a un fin, y con aras de materializarse en una obra, se caracteriza por los siguientes 5 elementos: 1. EL PROCESO CREATIVO CONLLEVA UNA ACCIÓN: Cuando se hace uso de la creatividad como fuente de innovación, no es suficiente concebir una idea, sino que tener la idea es solo el inicio. Para que la creatividad pueda materializarse y tener sentido, es necesario implementarla y que funcione. Una idea creativa que no es práctica no puede ser considerada como creatividad. Desafortunadamente, en el mundo acelerado en el que vivimos, una idea no la compra nadie, esa idea tiene que verse reflejada en un proyecto real para poder ser valorada. 2. LA FLEXIBILIDAD: Es la capacidad básica de adaptación, debido a que está referida al manejo de variadas categorías de respuestas frente a una situación concreta. En el proceso creativo, además de crear ideas válidas y prácticas, se deberá buscar que sean variadas para adaptarse mejor a las circunstancias que sean requeridas según sea el caso. 3. ORIGINALIDAD: Es la capacidad de crear respuestas, que además de ser consideradas válidas y flexibles, al mismo tiempo resulten novedosas e inesperadas y que por lo tanto, provoquen un cierto impacto y que sean el detonante de un factor de cambio. 4. FLUIDEZ: Este es un elemento cuantitativo, no cualitativo. Es aquella capacidad que tenemos las personas de generar en el proceso creativo muchas ideas de forma rápida, particularmente de la fluidez de pensamiento. Esta característica de la creatividad nos permite la producción abundante de ideas, un mayor número de soluciones a situaciones o problemas. FOTOGRAFÍA: GUILLERMO LÓPEZ GAONA 5. MOTIVACIÓN Y PASIÓN: La pasión por realizar nuestro proyecto determina el grado en el que nos involucramos al buscar la competitividad y al intentar que nuestro proyecto llegue al punto que deseamos. Esta no es una característica indispensable del proceso, pero sí es un valor añadido que hace más interesante nuestro viaje inventivo. junio 2022 15 �PPOORRTTAADDAA EN BUSCA DE LA INSPIRACIÓN Comúnmente se tiene esta idea de que la concepción de las mejores obras, los resultados más favorables y las acciones más significativas se llevan a cabo bajo los efectos de la “inspiración”. A decir verdad eso es sólo quedarse con la parte más romántica del proceso. La mayoría de las personas pasan por alto el hecho de que ese “momento divino” viene a raíz de una actividad que fomenta esa práctica. Por eso es necesario realizar actividades diarias para estar en constante movimiento y aprovechar de mejor manera esa bocanada de ideas y conceptos que ayudan a perfeccionar lo que haces. La inspiración, en su gran mayoría, es un estímulo, y éste es una señal interna o externa que es capaz de influir en un objeto y hacer que éste reaccione ante tal señal. Es por eso que la mayoría de los episodios de inspiración que podemos llegar a tener son producto de una sensación, un lugar tangible y/o imaginario en el cual estuvimos. Algún sentimiento que nos recordó los pasajes más emotivos de nuestra vida, o directamente a una persona que nos provee la energía y fluidez necesaria para poder afrontar nuestros retos más difíciles, acompañándonos con esa inspiración, que en muchas ocasiones, termina por ser la explotación de ideas que ya tenemos, pero vistas desde otro punto de vista. De hecho muchos episodios ilustres de la época moderna y la cultura contemporánea han sido resultado de la mitificación de este concepto. Músicos que han compuesto piezas excepcionales, artistas que han pintado sus mejores obras, escritores que han conseguido plasmar sus mejores ideas en papel, entre otros. Esto hace todavía más grande el mito de que “el artista sólo trabaja bajo inspiración”; lo cierto es que aquella persona que realmente es consciente de su potencial, sus limitaciones o que tiene la habilidad de la autocrítica, tiene la suficiente sabiduría para trabajar sin inspiración. Pues ser una persona que sólo trabaja esperando esos momentos de “iluminación” en esta época es algo que da mucha ventaja a otras personas. 16 junio 2022 LA INESPERADA VIRTUD DE LA DEDICACIÓN Dicen que no existe una recompensa que no sea equivalente al esfuerzo impregnado en tratar de conseguirla; aun cuando estas recompensas son aparentemente “fáciles de conseguir”, siempre existirá el factor humano, el cual involucra la superación personal. Por tal motivo, las personas que constantemente se encuentran en movimiento, en busca de nuevos retos, están en busca de obtener mejores resultados o en este caso mejores recompensas. La dedicación es todo aquel esfuerzo implementado con dirección a un objetivo en una unidad determinada de tiempo. Esta constancia se desarrolla, se obtiene; por tal motivo es considerada como una virtud, una cualidad y, en el mejor de los casos, en una característica. Podemos desarrollar esa virtud de la dedicación mediante diversas acciones que dependen enteramente de nosotros: OBTENIENDO RESPONSABILIDADES Es adquirir conciencia del potencial que podemos llegar a desplegar del lugar en el que nos encontramos, así como de la necesidad de tomar el control de nuestros propios actos prestigiándolos lo más posible. Es una buena oportunidad de medir las capacidades del artista y sus límites. �DANDO UN ESFUERZO EXTRA Ir más allá de lo que habitualmente tenemos planificado fortalecerá nuestra energía interna y nos brindará una gran sensación de plenitud y satisfacción personal. Al llevar a cabo esta práctica en un corto plazo nos daremos cuenta que esos pequeños detalles creativos nos proporcionan mejores resultados. SABIENDO DISTRIBUIR NUESTRO TIEMPO El tiempo que le dedicamos a cada una de las actividades que realizaremos puede ser la clave para evitar el estrés, así como la presión que termina perjudicando el proceso entero. Completar lo que empezamos, cerrar ciclos de la mejor manera y cultivar nuestra claridad e impecabilidad en cada una de nuestras esferas de acción nos llevan a disipar el caos y traer calma y claridad a nuestro mundo. TRABAJANDO EN LO QUE TE GUSTA Te permitirá multiplicar tu productividad, es decir, ser más eficiente en el trabajo y conseguir mejores resultados que los que no podrías obtener en un puesto de trabajo que realmente no te hace feliz. Cuando trabajas en lo que realmente te atrae y te hace feliz, tus sentimientos también serán más positivos y estables. LA DERROTA VIENE IMPRESA EN EL INTENTO Un verdadero artista es constantemente víctima del fracaso, eso es prácticamente ley de vida porque cada fracaso constituye lo que realmente serás. Éste forma su estilo y puede proveer una perspectiva a medida de cada intento fallido que él artista puede tener. Una característica de las personas que logran sobresalir es la resiliencia, eso que se define como la capacidad humana de sobreponerse a los golpes de la vida. La persona resiliente es aquella que acepta el fracaso como parte del juego, ve la vida como un escenario lleno de retos que hay que superar y tiene una actitud desafiante ante la adversidad. El gran dilema es que el fracaso es relativo, dentro de un estándar social o profesional cualquier decepción laboral puede precisarse como derrota, pero en muchos casos, cada caída es simplemente un paso en falso que se da sin necesidad de polarizarlo hasta convertirlo en lo que conocemos como fracaso. Incluso para un eficaz auto-sabotaje personal es inherente separar el fracaso del éxito, ya que, contrario a lo que suele mencionarse, ninguno de los dos nace a partir del otro. De la quietud nace la inspiración y del movimiento surge la creatividad. ” ISABEL ALLENDE La relatividad del fracaso es similar a la perfección ya que se rige bajo parámetros personales, por lo cual, cuando alguien intenta compartirte las “10 claves para levantarte del fracaso” lo hace desde su perspectiva, que si bien, puede ser un consenso bastante próximo a tu ideología. A final de cuentas no deja de ser un lineamiento personal, o como Aristóteles alguna vez mencionó: “El fracaso se dice de muchas maneras”. junio 2022 17 �P S O E C R C T A I Ó DN A REFLEXIÓN AUTOR ALGO QUE NO NOS SIRVE, PERO QUE TODOS NECESITAMOS, Y VICEVERSA Friedrich Nietzsche afirma “la vida sin arte sería un error”. Mientras que su contemporáneo Oscar Wilde, en el prólogo de su novela, El retrato de Dorian Gray escribió: “todo arte es inútil”. Este oxímoron se origina por dos pensamientos fundamentados por los puntos de vista y la experiencia de cada artista, así que ¿quién tiene la razón? La verdadera respuesta podemos formularla a raíz de conceptualizar ¿qué es útil? En el margen de la productividad, la filosofía y el arte son inútiles. Sin entender su capacidad de mostrarnos un modo distinto de expresar e interpretar lo real, el hombre piensa, trabaja y “juega”, entendiendo aquí el juego como una acción sin utilidad, una actividad divertida, pero también una necesidad antropológica que ha originado la creatividad. Se comete el error de adoptar lo útil como medida de todas las cosas, llegando a valorar lo humano en función de su utilidad y olvidando que cada persona es única e irrepetible. Consciente de su finitud y con un grado de libertad que le permite elegir hacer cosas inútiles por puro placer. El ser humano no se limita a lo material y necesario, sino que necesita cultivar su espíritu. Desde sus orígenes, en un impulso fundamental el hombre ha hecho arte, siendo a veces su arte lo único que ha sobrevivido. El artista necesita crear y además sus congéneres disfrutan y valoran el arte que otros han creado y es por ello que perdura en el tiempo. El arte define nuestra capacidad de apreciar la verdad y la 18 junio 2022 belleza por su carácter moral. Éste nunca pierde su valor precisamente porque no es útil, sino por que resulta ser placentero, a la vez que atrevido, desconcertante y misterioso. Éste es el paradigma de la inutilidad suprema, sublime y fascinante. Nuestra necesidad de crear cosas es la esencia del ser humano porque es inquieto por naturaleza. En ocasiones hacemos cosas sólo por la experiencia, por generarnos nuevas perspectivas o por aprender conceptos nuevos. La raíz del arte yace en eso, si es útil o no depende completamente de la persona que lo consume, y aún más del autor que lo genera. Sí para ti es indispensable contar ficciones, crear fotogramas, dibujar pensamientos o grabar historias, que no exista nadie que te diga que eso no es necesario. Si crear arte es útil para ti, eventualmente será necesario para los demás. CREAR ES UN PROCESO EGOÍSTA, PERO ES LA ACCIÓN MÁS GENEROSA POSIBLE En la gran mayoría de procesos de desarrollo de cualquier producto o servicio, existe una intervención de valores personales que cada elaborador le impregna. No necesariamente esos valores tiene que ser propios del autor o inventor de la obra, mientras más personas tengan acceso a la realización del proyecto, más factores intervendrán en la concepción final, en este caso todos cumplen un fin; un fin que puede tener intenciones realmente genuinas y de responder una duda o satisfacer una necesidad. Cualquiera que sea el caso, debemos comprender que uno de los principales componentes que incentivaron esa �TRANSMISIÓN EXPOSICIÓN ideología es que el artista debe pensar en sí mismo para crear, decisión de emprender aquello que deseabas es el egoísmo. Durante toda mi infancia, siempre me preguntaba ¿por qué en sus métodos, procesos, mensaje y estilo para obtener malos padres le prohíben a sus hijos ser egoístas? Era más una terial suficiente que se utilizará para generar lo que sea que se cuestión de identidad que de valor, si un niño no compartía deba generar. Muchas personas cometen un error al pensar que el artista aquello que poseía, entonces todos los otros niños no se relacionarían más con él y los otros padres culparían a los del niño tiene una responsabilidad social, que tiene que ser un líder de opinión, o que debe ser más influyente que nuestros egoísta, lo que les crearía mala reputación, y nadie gobernantes, cuando la realidad es que nunca ha sido quiere eso ¿o sí?.Pero la realidad es que el egoísmo así. El arte no es algo que deba cargar con el peso de no debería de verse como lo peor del comportamienmuchas minorías, y claro está que no puede satisfacer to humano. Muchas veces el egoísmo es la reiteraa la gran mayoría de las personas. No conozco alguna ción de lo mucho que anhelamos alguna recompensa ley o norma que se haya reformado a raíz de una obra, o es el recordatorio de todo el esfuerzo que ejercimos película, o pintura, pensar así sólo condenaría nuestro para conseguir algo. producto aún y cuando éste ni siquiera salga a la luz. El artista crea por necesidad, por inquietud, para Paradójicamente ese egoísmo que puede contextuaresponder una pregunta, pero sobre todo el artista INSTAGRAM lizar a la obra, es la acción más generosa del artista pordebe regirse por un motivo. Ese motivo tiene que ser REDACCIÓN que secretamente en el marco teórico de la proyección hasta cierto punto egoísta, pues ese egoísmo puede @_omarguajardo de la idea está implícito el deseo de transgresión. presentarse en distintas alternativas, no solamente Esa transgresión que hace que los emprendedores por fama, ni para que nuestro ego se enaltezca de FOTOGRAFÍAS se decidan a comenzar a crear, el poder transmitir un tal manera que seamos recordados por siempre. El @memolpzg mensaje, un pensamiento y generar algo con base en artista tiene una visión y esa manera de ver las coese proyecto. sas, es la que intentamos transmitir. La persona debe En las membranas de cada acción se encuentra adherido sentirse completamente realizada con su obra, debe ser su primer crítico y decretar si lo que hizo está listo para mostrarse. un fuerte deseo y ese deseo termina por ser una de las motivaTratamos de hacer que las personas consuman ese punto de ciones más grandes de los artistas. Por lo tanto, el egoísmo de vista, y eso está bien, no necesariamente es malo. Muchas otras cada obra termina fructificando ante la natural necesidad de personas además del artista hacen eso. Lo que mantiene esta comunicarnos como seres sociales. REDES SOCIALES: junio 2022 19 �E M P R E N D I M I E N T O LA VIRTUDde la VÍCTOR MORENO DIFUSIÓN CULTURAL En esta edición platicamos con Víctor Moreno, fundador y CEO de la marca MTY360, que cuenta con un medio de difusión artística que acumula más de 50.000 mil seguidores en sus diversas plataformas y con un portal de internet que recibe miles de visitas diarias. POR: OMAR GUAJARDO L os medios de difusión digitales son la lógica evolución del medio impreso, es decir que proceden de los formatos de divulgación de diversas noticias, como es el caso de: los periódicos, los folletos, libros o revistas. Víctor Moreno de MTY360 platicó con nosotros, con motivo de conocer su punto de vista sobre el aporte de los medios digitales al ámbito artístico. CONECTANDO CON EL PÚBLICO ¿Cuáles fueron los indicios y cómo surgió la idea de emprender en un medio digital propio? Yo antes colaboraba en “Hellow”, solía escribir un blog y ahí comencé a agarrarle sabor al medio. Después me fui a ABC y ahí tenía una columna todos los sábados y a partir de eso yo quería seguir escribiendo de cosas que me gustaran, no sólo de música. Hasta que un día platiqué con un amigo y surgió la idea de crear un magazine digital. Después platicamos con mi hermano y decidimos emprender el proyecto con una página digital. ¿Existieron dificultades u obstáculos al inicio del proyecto? La verdad es que no muchos, por ejemplo, en el ámbito de conciertos yo ya conocía a varios contactos, conocía a muchos productores de aquí de Monterrey y comencé a solicitar acreditaciones para los eventos. Pero, en la cuestión digital sí hubo obstáculos, debido a que alimentar la web fue difícil ya que sólo éramos tres personas colaborando he intentábamos siempre mantener actualizado el portal, y sí, los primeros tres meses sí fueron pesados. Después entraron un par de colaboradores más, logramos solventar la página y le seguimos para adelante, ya con ayuda de ellos. 20 junio 2022 La marca de MTY360 se ha mantenido como un medio digital, ¿fue planeada así desde un principio? Sí, al principio surgió la idea de intentar hacer las revistas semanales o mensuales en formato impreso, pero la verdad es que a mí no me llamó mucho la atención de tener un medio impreso, porque hoy en día la mayoría de las fuentes de información son digitales. El alcance que ha conseguido el portal y sus redes sociales ha ido creciendo exponencialmente con el paso del tiempo ¿alguna vez has sentido que la marca ha sobrepasado tus expectativas o pretensiones? Sí, sobre todo al principio cuando algún famoso o celebridad te da retweet o utiliza o comparte las fotografías que le tomaste en algún evento, al inicio si me sorprendía mucho, pero ya con el paso del tiempo veo normal cuando sucede algo así. Todo eso ayuda mucho en la exposición de las redes sociales. Por ejemplo una vez subí una publicación en twitter y Chumel Torres lo compartió, y eso generó muchas interacciones y seguidores nuevos en la página. También Billy Corgan de “The Smashing Pumpkins” una vez compartió durante varios días fotografías que le tomamos en el Riot Fest de Chicago y bueno, eso da mucha vitrina en redes sociales y exposición como medio digital. Aparte de la zona del área metropolitana, ¿en qué otros lugares y eventos ha hecho cobertura MTY360? Todos los años vamos al Austin City Limits, hemos ido a muchos festivales en Texas, al Riot Fest de Chicago, también al Kaboo de San Diego en sus primeras dos ediciones. Teníamos acreditaciones para el Mad Cool en Madrid, pero la pandemia canceló el evento. También en Inglaterra fuimos al Glastonbury, y en Méxi- �REDES SOCIALES: WEB www.mty360.net INSTAGRAM @mty360 TWITTER @mty_360 FACEBOOK @MTY360 Fuente: MTY360. Foster the people (Pa´l Norte 2021) co hemos ido al Corona Capital y al Vive Latino, entre otros, y claro contando a los festivales más cercanos al área metropolitana. ¿Cuál es el marco contextual y periodístico que MTY360 suele cubrir? Más que nada nos enfocamos en los conciertos, festivales, musicales, eventos; también funciones de prensa en el cine. En ocasiones subimos post de tecnología, redes sociales y también de deporte, sobre todo en el ámbito local, cosas relacionadas a la cultura popular. Por ejemplo, hemos cubierto aperturas de galerías, eventos artísticos y exposiciones en museos. ¿La idea de tener colaboraciones siempre se mantuvo vigente desde el inicio? Sí, yo ya había hablado con diferentes personas que conocía –de deportes sobre todo–, gente que en otros lugares tenían menos espacio o no les permitían muchas notas y acá (en MTY360) si alguno de ellos me pedía una oportunidad, yo les dejaba la hoja blanca para que desarrollaran sus artículos. ¿Qué elementos y/o aspectos consideras fundamentales para el desarrollo de las piezas de contenido de los colaboradores de MTY360? Personalmente, creo que lo más esencial es que aporten ideas nuevas, porque es muy fácil copiar la información. Es importante que el colaborador trate de aportar un punto de vista particular. Siempre intentamos que los contenidos tengan un toque personal de cada autor, nosotros no censuramos nada, solamente que el mensaje no sea emitido con malas palabras o groserías. Por ejemplo, la gente que empezó conmigo en el año 2015 aún se mantiene colaborando con nosotros, siguen sumando experiencia laboral quizá en otros medios, pero ligados al proyecto (MTY360). Lo que trato es que la gente que colabore realmente haga contenido que le guste, porque si le gusta lo que hace, lo seguirá haciendo. La perseverancia es quizá la aptitud que se vuelve fundamental para lograr trascender en algo, LA CONSTANCIA ES MUY IMPORTANTE PORQUE SE VUELVE VISIBLE”. VÍCTOR MORENO FUNDADOR DE MTY360 ¿En qué forma crees que MTY360 aporta al ámbito artístico? De diferentes formas, pienso que primordialmente en la difusión de la cultura popular, por ejemplo a los artistas locales, sitios turísticos que no necesariamente son los lugares típicos, el propio arte que los colaboradores en MTY360 suben a sus redes y con la exposición de los eventos que se llevan a cabo no solamente en la ciudad sino en diferentes puntos en los que la marca (MTY360) acude. Logo oficial de la marca MTY360 junio 2022 21 �E M P R E N D I M I E N T O SUEÑOS MUSICALES DE LA FAV Actualmente Kato Martínez combina su trabajo de marketing digital en MVS radio con sus proyectos musicales, y como la mayoría, ha tenido que buscar ingreso para desarrollar sus propios proyectos, en esta entrevista nos demuestra que no es imposible y nos cuenta su secreto para tener éxito. POR: NERY ARÉCHIGA C reo que hablo por una gran parte de nuestros lectores cuando digo que en algún momento hemos soñado con ser grandes artistas; justo como con los que crecimos admirando por todo lo que su trabajo provocó en nosotros; pero sin duda alguna, el arte es algo que contiene diversas ramas de expresión y una de esas es la música. Muchos de nosotros tenemos objetivos claros desde un principio y nos esforzamos durante todo el trayecto hasta lograrlo, pero otros dentro de este abanico de sabiduría nos dejamos llevar para poder encontrar ese granito que mueve todas nuestras ganas y despierte el interés y amor por el proceso artístico que más nos acomode. Y este fue el caso de Kato Martínez, un increíble talento egresado de la Facultad de Artes Visuales, con un enfoque a la producción musical muy especial, y en esta edición nos comparte su experiencia para inspirar y apoyar a cualquiera con la misma aspiración. ¿Por qué decidiste estudiar LLyPA? Kato: Investigando y tratando de encontrar algo que a Kato le emocionara, descubrió que había algo en esta carrera que capturaba su atención, “el hecho de agarrar una cámara y grabar cualquier idea me llamaba mucho la atención y me movía por dentro”; estoy contento de haber tomado esa decisión sin 22 junio 2022 indagar de más. Así es como Kato hizo un clic instantáneo con el plan de aprendizaje y siguió su corazón. Soy afortunado de haber dado en el blanco y no haberme traicionado a mi mismo en el sentido de haber tomado una carrera que es muy juzgada. ¿Los planes de la producción músical ya estaban desde un principio o se fue añadiendo a tus prioridades? ¿Cómo decidiste dedicarte a producir ? Kato: Yo desde muy pequeño fui víctima de las rutinas de mis padres y una muy bonita de ellos era escuchar música e ir al cine, así que creo que inconscientemente esa pasión estaba dentro de mi cabeza pero la que más predominaba era el grabar, hacer guiones, actuar y toda esa onda. Es hasta tercer semestre que conocí a un compañero del mismo campus en la Facultad de Música que se llama Diego Arizpe con el cual descubrí que compartimos muchos gustos y formas de pensamiento tanto musicales como de arte. Él me enseñó cómo veía el tema de la música y poco a poco se abrió ese caparoncito de la música hasta el día de hoy. Siempre me gustó escribir cosas y cuando decidí ponerme las pilas fue hace como tres años pero tengo muchas cosas guardadas para estar chambeando en la música. Me apasiona mucho cantar y hasta hace poco me la creí. �¿Cómo combinas tu trabajo y estudios con tus proyectos musicales? Kato: Tengo la fortuna de que están relacionadas inherentemente ambas, son arte. Pasé cuatro/cinco años de mi vida estudiando una carrera que no está directamente relacionada a la música pero ¿Cómo puedo sacarle provecho?. ¿Cómo puedo trabajar? Y es ahí cuando pongo en práctica mis conocimientos de producción audiovisual para complementar mis proyectos musicales y es muy gratificante. Me doy cuenta que los equipos de los proyectos de los artistas grandes, tienen un equipo basto con mucha gente atendiendo diferentes aspectos del negocio musical y viéndolo como artista emergente Indie, pues tengo la fortuna de que conozco cómo trabajar varias áreas que complementan el trabajo del músico aunque no haya estudiado para serlo. Sin duda cualquier profesión puede encontrar la manera de involucrarse con el arte que más le acomode . ¿Cómo ha sido tu experiencia de tus proyectos personales como productor musical hasta el día de hoy? Es una experiencia demasiado hermosa el hecho de pensar hasta dónde puede llegar algo que tú escribiste o pensaste. A mi me gustan mucho los compilados, entonces viéndolo así, soy una persona que le gusta planear cada detalle de lo qué hay dentro, ese es mi trabajo personal como artista. Una de las herramientas que nos da la carrera son los contactos, tuve la oportunidad de socializar sanamente con mis compañeros antes de la pandemia y cuando tomé la decisión de grabar mi primer material discográfico fue a raíz de eso, porque conocí a un compañero involucrado en todo ese ámbito. Tuve la fortuna de conocer a Alan Urbiales que es un gran productor de Monterrey y fue todo lo que necesitaba para animarme y poder dar este gran paso. Todos estos prospectos de grabar y todo es cuando descubro, que mi pasión número uno es hacer música y mi pasión de hacer cine se convirtió en mi pasión número dos pero siempre está ahí y me gusta mucho complementarlas. Es algo maravilloso toparse a muchas personas en el camino y darse cuenta que varias han recorrido lo mismo que yo, desde haber estado en la misma facultad, estudiando lo mismo. ¿Qué consejos puedes darle a los lectores con base en tu experiencia? Si tienes la chispa de hacer música háganlo con determinación, paciencia y perseverancia, “la peor cosa con la que te puedes enfrentar es contigo mismo”. Es increíble cuando te metes y encuentras qué hay colectividad, pero el verdadero reto es que voy a hacer yo para destacar del resto”. ¿Cuáles son tus planes para este 2022? CAVILO SE ESTRENA PRONTO, dentro de unos pocos meses aproximadamente para Abril estaré estrenando un EP de seis canciones y un intro. Cavilo significa pensar profundamente y creo que dió como anillo al dedo con lo que estaba tratando de decir con este material. Es amarillo me gusta jugar con los colores y eso es lo más próximo para este 2022 en cuanto a lanzamientos. Es algo maravilloso toparse con muchas personas en el camino y darse cuenta que varias han recorrido lo mismo que yo, DESDE HABER ESTADO EN LA MISMA FACULTAD ESTUDIANDO LO MISMO” junio 2022 23 �E N F O Q U E SOFÍA SEGOVIA L EN a literatura es una de las ramas del arte más antiguas y necesarias en la historia del ser humano. Es fundamental FOQU E en la idiosincrasia social y un aspecto infalible para la comunicación humana. La literatura impresa tiene sus raíces desde el siglo XV cuando, Johannes Gutenberg, revolucionó el mundo al inventar la prensa de imprenta y a lo largo de los años esas palabras tintadas en papel se han convertido en una oportunidad de conexión entre un emisor y un receptor. Es por eso que en esta edición reconocemos la labor de los artistas que se dedican a la literatura y la utilizan como método infalible de la expresión humana. Así que nos reunimos con Sofia Segovia, autora originaria de Monterrey, Nuevo León, ella es conferencista, escritora y best-seller de tres libros: “El murmullo de las abejas”, “Huracán” y “Peregrinos”, además de sus diversos proyectos como, “El pasado como memoria del futuro”. Hablamos con ella para conocer su punto de vista sobre diferentes cuestiones que conciernen al ámbito artístico y a la literatura contemporánea. Sofía Segovia “−Hay cosas que angustian y que nos mueven a contar esas historias a literatura es de unaalguna de las ramas del porque arte másese manera, antiguas necesarias ennunca la historia ser o tipoyde historias estándelsueltas humano. Es fundamental en la idiosincravienen conectadas en un plazo de tiempo o sia social y un aspecto infalible para la coson una La tendencia.” nicación humana. literatura impresa tiene sus L ces desde el siglo XV cuando, Johannes Guteng, revolucionó el mundo inventar infalibles la prensa que de te ¿Cuáles son esosalelementos constituyen a ti (Sofía Segovia) como artista? tiene que estar súper conectada con la realidad y con todo lo prenta y a lo largo de los años esas palabras tinYo pienso que es un todo, así como el ser humano, no se puede que está pasando, realmente conectada con las noticias y las as en papel se han convertido en una oportunidefinir de manera lineal, así como la vida, como la historia, es historias verdaderas. Yo pienso que de ahí saco muchísima si d de conexión entrepienso un yo emisor receptor. Es por supues- no inspiración, sí esa angustia. Hay cosas que angustian y que una esfera, que así yes.un A mí, por ejemplo, eso que en éstalasedición reconocemos la labor to que anécdotas, todas las historias que mede han contado y son nos mueven a contar esasinfalibles historias de que alguna ¿Cuáles esos elementos temanera, consti-porque que he leído, porque considero que mientras tenemos fama de ese tipo de historias nunca están sueltas o vienen conectadas en artistas que se dedican a la literatura y la utili- tuyen a ti (Sofía Segovia) como artista? vivir un porcentaje del día en el éter otro aspecto de mi vida un plazo de tiempo o son una tendencia. Es lo que me ha imcomo método infalible de la expresión humana. Yo pienso que es un todo, así como el ser humano, 24 junio 2022 no se puede definir de manera lineal, así como la vida, í que nos reunimos con Sofia Segovia, autora origiia de Monterrey, Nuevo León, ella es conferencista, como la historia, es una esfera, pienso yo que así es. �lante estudié la carrera de comunicación porque me gustaba mucho escribir, yo quería escribir como periodista, pero en la carrera me decía: “No le agregues flores a tus relatos”. Lo cual ahora que lo pienso es una cualidad muy interesante para cualquier novelista. pulsado a escribir desde el año 2000, porque siento la necesidad de estar conectada con lo duro, lo crudo de la realidad. ¿Qué soy? Soy una persona que tiene todas las dimensiones posibles y que las exploro, hay parte de lo que hago que es absolutamente intelectual y hay parte de lo que hago que viene absolutamente del corazón. Exploro todo eso y el resultado da historias que provienen de la exploración de las emociones y de la condición humana, sin dejar de lado ese aspecto que invita al lector a cuestionarse cierto tipo de cosas. ¿Recuerdas tus primeros contactos con el ámbito artístico? Soy de Monterrey y eso es importante mencionarlo, el Monterrey de 1965, porque el entorno en el que vivimos también nos conforma, nos constituye, nos cuenta nuestras historias, pero finalmente ¿qué era Monterrey en mi infancia? Era una ciudad que estaba encontrando su estabilidad económica, pero apenas estaba en búsqueda de su vocación artística. En ese tiempo casi no había conciertos o librerías de literatura para lectores, no había muchos museos, no se hacía mucho arte, entonces ¿Qué sucede? Yo leí toda mi vida, no hubo un libro como tal en el que yo pensara, “voy a ser escritora”. Lo que sí, de todas maneras, es que a pesar de que era una ciudad muy industrial, en mi familia se leía mucho, cada Navidad el Santa Claus nos traía colecciones de libros, algo que apreciaba mucho. En mi familia era muy normal la lectura, no tanto en el exterior o al menos no era algo muy común, no conocí a ningún autor, nada me acercó a eso. Más adelante estudié la carrera de comunicación porque me gustaba mucho escribir, yo quería escribir como periodista, pero en la carrera me decía, “no le agregues flores a tus relatos”. Lo cual ahora que lo pienso es una cualidad muy interesante para cualquier novelista. ¿Cuáles fueron tus primeros pasos en el ámbito profesional? Juntando todas estas lecturas e historias, en toda mi vida nunca me separé de la lectura, siempre supe que me encantaba la literatura, pero siempre creí que se hacía en otro lado, en Monterrey no, pero después iba a ser el año 2000 y el mundo se iba a acabar, así nos lo anunciaron (risas) y no que yo creyera, yo pienso que la vida es más grande que los unos y ceros. Pero resulta que sí me hizo una invitación, para detenerme un poco y escuchar mi interior, escuchar y quedarme en silencio de todo lo demás. Escucharme a mí y decir “si se acabara la vida, ¿qué tendrías al final de todo?, ¿algo que mostrar? ¿un legado que dejar?. Sí, muchas cosas había escrito, había escrito cosas para campañas políticas en diferentes proyectos y así, y mi familia, mis hijos, muchas cosas que me siento orgullosa, pero ¿qué era lo mío? Y comprendí que lo mío, lo mío, eran los cuentos que escribí de niña y de jovencita, de la carrera, comprendí que no tenían que ver con nadie más, no eran para cumplir con otra persona, era para cumplir conmigo. Entonces busqué un taller de creación literaria aquí en Monterrey, fui y la primer pregunta que me hicieron fue ¿de qué se trata tu novela? y yo pensé: ¿se puede soñar con eso? y eso lo convertí absolutamente en este sueño que siempre debió haber sido mío, pero que nunca me di cuenta (ni siquiera) que tenía derecho a él, para nada. Fue algo muy curioso, porque fue un momento detonador. La siguiente semana llegué con el primer avance de mi primera novela y de ahí comenzó todo. El mensaje que envías necesita un receptor y eso fue una maravilla para mí, tener receptor del mensaje de mi primera novela que fue “Noche de huracán” el que me inspiró, ahora sí a escribir “El murmullo de las abejas” la cual me abrió la puerta al mundo. Referente a que el mensaje tenga que tener un receptor ¿Qué opinión tienes sobre que tus obras tengan que ser calidad por el público? Es algo absolutamente maravilloso, yo comencé a abrir mi tiempo y decidí también ocuparme en hacer éstas reuniones maravillosas con lectores y comprender que, si, yo escribí la novela y le puse punto final y lo festejé aquí con mi familia, pero, finalmente el verdadero punto final se lo pone cada lector y es algo de lo que hablo mucho y festejo. Los lectores son absolutamente libres de recibir el mensaje y comprenderlo desde su perspectiva. Pero cuando leemos estamos absolutamente solos en ese junio 2022 25 hacía a ser anun la vid que me u darm y de todo ¿Un habí rente cosa Y com escri dí qu cum Ento Mon fue: soña sueñ nunc a él, mom el pr men tor y men cán" llo d �E N F O Q U E mundo ficticio planteado por la obra y estamos solamente con nosotros mismos, nuestros pensamientos, emociones y la empatía que podemos tener con cualquier de los personajes. Con toda libertad, tú libertad, y entonces a veces encuentras lectores que se van más por ciertas interpretaciones, por ejemplo, en “El murmullo de las abejas” hay quienes dicen que “es un libro de ecología” y hay otros que dicen “es un homenaje a la vejez” y todo es válido. Es algo en lo que creo absolutamente y festejo cuando veo las críticas de mis obras y aplaudo la libertad de cada lector. A ti como lectora ¿Con cuáles libros te has sentido muy identificada y que hayan sido muy importantes en tu vida? En lo personal me gusta mucho una novela que se llama “A Gentleman In Moscow” de Amor Towles, me agrada el ritmo que tiene sin prisas. Me gusta mucho también “La fiesta del chivo” de Mario Vargas Llosa. Te podría mencionar también “Platero y yo” de Juan Ramón Jiménez porque fue el primer libro en el cual descubrí que la tinta negra también hace imaginaciones en la mente, cuando era niña pensaba, “tengo a platero en mi mente”. Lo recuerdo con mucho cariño y de ahí hasta muchos otros libro más, yo suelo leer de todo y eso es algo que pienso que se refleja en mis propios libros porque a mí no me importa mucho el género, sino que realmente lo que me atrapa son las historias bien contadas. 26 junio 2022 En tus obras se tratan temas regionales y eso ha conectado exponencialmente con público de todo el mundo ¿A qué crees que se deba ese efecto? En “El murmullo de las abejas” pasa eso, todas mis historias tiene mucho de local pero en ésta novela está más presente. Yo escribí esta novela con la angustia de completar la historia de México, porque es tan centralista que ni en los libros de historia cuentan al noreste de México. Monterrey nunca está en ningún libro de historia y yo precisamente quería decir, “ya me contaste mucho la revolución desde tu punto de vista centralista ahora quiero romper con eso y quiero contarte la desde el punto de vista y el momento histórico norestense de Linares en Monterrey”. Todo eso es el murmullo (de las abejas). Pero cuando terminé de escribirla, la envíe a la editorial y ahora sin mencionar que yo era de Monterrey. Después, resulta que a mi editora le gustó mucho el libro, inicio el proceso y en pocos meses fui a firmar el contrato. En la junta me mencionaron que mi novela era muy local y que era difícil que fuera a trascender a diferentes lugares no sólo de México sino del mundo, a lo que yo les mencioné, “yo si veo mi novela funcionando en todos lados” y hoy me enorgullece haber tenido esa convicción. Toda la literatura de la historia de la humanidad es regional. ¿De dónde es “Cien años de soledad”? es regional. Qué maravillosa es la literatura porque es un viaje precisamente a regiones concretas del mundo, un viaje que los �lectores queremos emprender, ¿por qué alguien no querría emprender el viaje a Linares?, sí yo me la paso por todo el mundo ¿por qué no van a aceptar esta invitación que yo estoy haciendo?, lo regional a mí me parece que finalmente es lo que tenemos, no tenemos otra cosa, pero aún existen estas ideas de que la literatura mexicana solo tiene que contar cierto tipo de historias, de cierto tipo de lugares, de cierto tiempo de puntos de vista y es lo aceptado y medio se parece a cómo se cuenta la historia oficial de México, lo cual a mí me da mucha tristeza. Pero hay que defender lo regional pensando siempre que lo regional puede ser universal. En “Murmullo de las abejas” el personaje de Simonopio se caracteriza por tener valores como la lealtad, la inocencia, el amor incondicional y la libertad ¿Crees que son valores fundamentales que se necesitan en la sociedad de hoy en día? Si, es posible. Fíjate que encuentro que cada quien interpreta diferentes cosas, hay gente que se va por la cuestión de la naturaleza, que sí está muy presente también. Pero finalmente son valores universales o preguntas universales, problemas universales, ésta cuestión del hombre contra el gobierno también puede existir en la novela. Disfruté mucho escribiendo la novela, desde todas esas cosas que me gustan y luego ver cómo es recibida, poder decir,“mira, puede que hables otro idioma pero hasta entiendes el sentido del humor y eso es algo bien bonito, porque aquí hay un sentido de humor mexicano en esta novela”. Los humanos tenemos más cosas en común qué diferencias. El arte se ha presentado en muchas situaciones como el puente de conexión humana ¿Para ti que representa el arte en el entorno social? Estoy absolutamente de acuerdo, tan es así que tengo una asociación con otras autoras (3 y contando historias sin fronteras).La literatura es un puente, hablando se entiende la gente, leyendo se siente la gente. No hay más, hay que hacer el ejercicio de abrir un libro traducido y sentir lo que se siente ser mexicano, cuando eres de Estados Unidos o viceversa. Hay que atreverse un poco a sentir esa otredad. Por ejemplo, en Peregrinos (Libro de Sofía Segovia, 2018) existe un personaje que lo único que tiene a su disposición son granos de trigo y esos los usa para contarle cuentos a una niña. Él es polaco y la niña es alemana, no hablan el mismo idioma. Pero en esos dibujos, le cuentan sus cuentos que le contó su madre y resulta que terminan borrando todas las fronteras y creo que tenemos la prueba absoluta de que la literatura borra frontera. Se ha comentado que la literatura se encuentra escrita, pero el contexto y significado de muchas obras se modifica con el paso del tiempo ¿A qué crees que se deba eso? Qué maravilla son esos autores que escriben libros que no son necesariamente para un rango específico de edad, que tiene un público amplísimo, por ejemplo cuando la gente lee “Momo” o “El Principito” y piensa en la aventura de un niño que se vuelve un poco angustiante porque está sólo, pero luego lo vuelves a leer más adulto y te das cuenta que son relatos sumamente complejos y muy filosóficos, porque tiene que ver con qué entiendes más cosas al crecer y sobretodo comprendes mejor éste tipo de relatos. ¿Qué consejos les darías a todos aquellos que son Padres o Madres y que les ayude a incentivar el pensamiento creativo en sus hijos? Yo creo en la creatividad como forma de vida feliz y creo que eso es algo que nace desde nuestra forma de vida infantil. Simplemente, creo que ahora los Padres pueden estar mucho más dispuestos a encontrar los talentos de los hijos, los talentos bien particulares de sus niños. Incluso las escuelas también junio 2022 27 �E N F O Q U E los Padres deben de entender que hay que apreciar y respetar el momento en el que está el hijo en ese momento. Si el hijo piensa en “monstruos azules”, no cambiarles su pensamiento o decirles que los “monstruos son verdes” o “no existen los monstruos” Nunca dejen de tener ese puente con su imaginación y su creatividad y creo que ese puente puede ser la literatura. es que ue tenando ¿Tendrás algunos libros que hayas leído últimamente que recomiendes a la audiencia? Creo que sobre todo a mí me llama mucho la atención el espacio y los proyectos que están publicando autoras, obras hechas por mujeres, no me refiero a literatura femenina, no me gusta usar ese término, sino buenas obras creadas por mujeres, siento que hay una visión muy interesante que actualmente se está plasmando en los libros contemporáneos. Si recomendaría que centrarán la mirada en ese tipo de literatura. Afortunadamente México cada vez lee más y entre más leamos, más escritores van a surgir. entienNo hay un limexiicevertredad. Segoue tiesos los s polao idiouentos an bomos la ontera. ra has qué libros especímo, por incipivuelve uego lo son reporque crecer relatos. s . ¿Qué consejos les darías a todos aquellos que son Padres o Madres y que ayude incentivar el “−Si hay quelesestar alapendiente pensamiento creativo en sus hijos? del talento de cada hijo, implica estar abiertos a que la creatividad no viene Yo creo en la creatividad como forma de vida feliz y por que género. creo eso es algo que nace desde nuestra forma de vida [...] infantil. Si el hijo piensa »monstruos no estar Simplemente, creo que ahora los azules«, Padres pueden cambiarles su pensamiento o decirles que mucho más dispuestos a encontrar los talentos de los hijos, los talentos bien particulares de sus niños. los »monstruos son verdes« o »no existenIncluso las escuelas también exploran más esto, no tienes que los monstruos« ” ser realmente bueno en matemáticas, puedes ser bueno en literatura o en otras facetas y explorar eso. Si hay que estar pendiente talento hijo,bueno implica estar exploran más esto,del no tienes quede ser cada realmente en mateabiertos a que ser la creatividad no viene hay máticas, puedes bueno en literatura o enpor otrasgénero. facetas Si y explorar eso. Si hayelque estar del talento de cada hijo, que promover uso de pendiente la imaginación. Personalmente implica estar abiertos quees la que creatividad viene poryogénero. lo que concluyó deamí en minoinfancia nunca Si hay que promover el uso de la imaginación. Personalmente deje de ser lectora y creo que la lectura me ha seguido lo que concluyó de mí es que en mi infancia yo nunca deje de conectando hoyque enladía con lo yo imaginaba de hoy niña ser lectora y creo lectura meque ha seguido conectando yendarme no tengodeque de sorprenderdía concuenta lo que que yo imaginaba niñadejar y darme cuenta que no tengo dejar de sorprenderme por el de pensamiento ima-de me por que el pensamiento imaginativo mí misma ginativo de mí misma de cuando era niña. También creo que cuando era niña. También creo que los Padres deben de entender que hay que apreciar y respetar el momento 28 junio en el 2022 que está el hijo en ese momento. Si el hijo piensa en "monstruos azules", no cambiarles su pensamiento o En tu proceso creativo ¿Cuáles son esos elementos que te ayudan a que puedas crear obras de manera más solvente y eficaz? El proceso creativo precisamente lo que no busca es el mismo resultado siempre, yo creo que hay autores que si son así, que se encuentran una fórmula y funciona muy bien. Personalmente y lo que a mí me funciona no puede partir de ninguna fórmula, yo conozco otros autores y que son muy esquemáticos, muy organizados y hacen muchos procesos antes de crear una novela y entonces antes de que empiecen ya la tienen planeada al cien por ciento. Yo tengo un proceso creativo muy libertario, casi de libertinaje. Yo siento mi creatividad radica en la tripa (risas) ese es el instinto y no estoy tan equivocada, porque después descubrí que la tripa –el estómago– si está cubierta en una película de neuronas, lo cual quiere decir que si son muy primitivas, pero ahí en esa capa que tenemos en el estómago pueden radicar las mariposas por ejemplo. Esas que te indican el instinto de algo, el instinto de luchar o correr, yo siento que esas son los primeros avisos de algo, ese apretoncito que da el estómago, que te indica algo, en ocasiones el miedo o hasta a veces el amor, incluso antes que el corazón. Yo pienso que ahí radica la creatividad, este impulso, este instinto creativo. El impulso sale de la tripa y nos va a guiar a los recursos que nos ofrece nuestro cerebro. Entonces, yo escribo con la tripa y el corazón, ambos como punta de lanza, impulsados por el cerebro que me provee de información. Si les recomiendo mucho escucharse a ustedes mismos, escuchen su murmullo y no teman estar en completo silencio. �junio 2022 29 �A R T E FLOR DE LIZ CASTAÑEDA LA DANZA COMO MÁXIMA EXPRESIÓN CORPORAL CON Con motivo de brindarle un merecido homenaje y reconocimiento a esos artistas que se esfuerzan por comunicarse mediante su arte, platicamos con FLOR CASTAÑEDA, actual bailarina de la compañía del ballet de Monterrey, que cuenta con más de 20 años de carrera profesional en la cual ha logrado presentar su arte en muchas ciudades alrededor mundo. POR: OMAR GUAJARDO E l verdadero arte representa un proceso infalible que ocasiona mucho dolor, al igual que placer. Es decir, que para crear una obra, un artista se debe de enfrentar contra diversos obstáculos, ya sean tangibles e intangibles. Justamente, si existe una rama del arte que supone un esfuerzo tanto físico como emocional es la danza, ya que representa una de las máximas expresiones visuales del ser humano por medio de movimientos físicos que representan emociones y mensajes no verbales. Flor de Liz Castañeda es una bailarina profesional originaria de la Ciudad de México, con especialización en la interpretación de danza de concierto y aceptó nuestra invitación para charlar con nosotros sobre la danza como medio de expresión artística y su importancia en la contemporaneidad. LO MÁS ESENCIAL DE FLOR ¿Qué elementos o características crees que te componen a tí en el aspecto profesional? Mi mundo ha sido la danza y es donde he crecido. Creo que la danza es un arte que involucra el cuerpo, la ente y el corazón, entonces es una composición que hace al ser humano íntegro. Para mí, la clave ha sido siempre encontrar el gusto por lo que estoy haciendo, por cada cosa que estoy haciendo. En cada proceso tú vas teniendo altas y bajas, pero la clave es siempre tener un objetivo que te apasione, que tú quieras lograr por ti, que tus sentimientos estén involucrados y por lo tanto eso te va llevar a salir. La clave de todo ese proceso es aprovechar lo bueno, lo malo, lo difícil y lo fácil, todo es un conjunto. La clave es no perderte, tener el objetivo y ya de ahí vas ir sumando o restando, pero si, saber a dónde quieres llegar o transmitir a un público. 30 junio 2022 REDES SOCIALES: INSTAGRAM @flowerdelizcc En tu caso particular ¿eres una persona de estar constantemente trazandote metas? En general sí, sí soy una persona que siempre se traza objetivos o metas. Aunque también he aprendido que en el mundo del arte eso varía mucho, porque muchas veces, tu vas por un objetivo o un camino y dentro te encuentras algo que te va a dificultar el camino, pero esos obstáculos que se presentan te llevan a otras cosas mejores. �LA ARTISTA DETRÁS DEL ESCENARIO ¿Qué te impulsó a escoger la danza como la rama artística a la cual terminarías dedicándote? Desde pequeña estuve inmersa en ese mundo, tuve maravillosos maestros que siempre me inculcaron el ser no sólo una persona, sino también una bailarina integral. Yo soy graduada de la academia de la Danza Mexicana y mi carrera es como intérprete de danza de concierto. En ese plan de estudios se llevaban 8 años de ballet clásico, 6 años de contemporáneo y también 6 años de danza folclórica. Muchos estaban como en contra de ese plan de estudios porque argumentaban que no se creaba una bailarina completa. Para mí, fue lo mejor que pude haber cursado, porque me volvió bailarina integral y dentro de eso, también los maestros me enseñaron el camino hacia las demás artes que a lo mejor no son mi especialidad, pero si conocí, abrí mi mente, la mirada y el corazón hacia otro tipo de artistas. Salir a una exposición, escuchar un buen concierto, apreciar un película y eso, no solo te enriquece como artista, sino como persona. ¿Recuerdas ese primer momento o lugar en el que te sentiste muy atraída por la danza? Yo creo que el momento en el cual yo dije, “yo quiero estar aquí, yo quiero bailar, yo quiero dedicar mi vida a esto”, fue de las primeras funciones a las que empecé a ir al palacio de bellas artes en la ciudad de México. Yo soy originaria de allá, ahora vivo en Monterrey por la compañía en donde bailo (Ballet de Monterrey), y recuerdo haber pisado el palacio de bellas artes y quedarme maravillada con lo que vi. Con el apoyo de mis papás empezamos la búsqueda de escuelas y la investigación de un plan profesional para que esto fuera más en serio y a la fecha el haber bailado en tantos teatros y presentaciones, haber pisado el palacio de bellas artes me hacen recordar ese momento y digo, “sí, sí fue ese momento”. ¿Cuáles fueron los primeros proyectos o compañías en los que marcaste tus primeros pasos en la danza? Al principio, yo estudie en la academia de baile de Coyoacán, fue mi primera escuela. Luego de ahí, ingrese a la academia de la danza mexicana que fue de donde me gradué y mi primer compañía fue el ballet independiente en la ciudad de México, donde tuve la oportunidad de bailar un repertorio del maestro “Raúl Flores Canelo”. Aunado a eso, fui desarrollándome como bailarina clásica y contemporánea. He tenido también la oportunidad de bailar folklore mexicano -lo cual es un placer- y eso me ha llevado a viajar a muchas partes del mundo y ser muy bien recibida por el público. Flor de Liz Castañeda bailarina profesional La danza es un arte que involucra EL CUERPO, LA MENTE Y EL CORAZÓN, por lo cual es una composición que hace al ser humano integro.” - FLOR CASTAÑEDA BAILARINA PROFESIONAL Flor de Liz Castañeda actual miembro del ballet de Monterrey junio 2022 31 �A R T E bamos súper cansados pero con esa satisfacción y esa felicidad de haber terminado. Es como ese choque que te lleva a pensar, “estoy súper cansada, ya no puedo más, pero soy la persona más feliz del mundo de estar aquí” En tu trayectoria profesional ¿has estado en un estado de flujo en el cual ya ejecutas los movimientos más por inercia que por planeación? Sí, a estas alturas de mi carrera ya ha sucedido. Me acuerdo la primera vez que baile el lago de los cisnes te juro que en elpaso más sencillo no dejaba de pensar en todo lo que tenía que hacer; en seguir la fila, yo formo parte del cuerpo de baile, entonces, siempre son movimientos en los que más de diez o veinte bailarinas tienen que ir al mismo tiempo. Eso pasaba las primeras veces que bailé ese ballet, después de muchas presentaciones ya mi cuerpo, tuvo no solo la memoria muscular, sino toda esa experiencia para poder bailar más tranquila y cada vez estar disfrutando más y eso está padre porque ya no te tienes que preocupar tanto por la parte técnica, aunque una bailarina nunca deja la parte técnica de un lado. ¿Cómo fue el proceso en el cual El Ballet de Monterrey te contactó para invitarte a formar parte de la compañía? Cuando yo me gradué, una amiga me invitó a tomar un curso de verano aquí en Monterrey. Vinieron en ese entonces bailarines del “Miami City” a impartir el curso, y estaba también la bailarina Katia Carranza, que a mí la verdad me inspira muchísimo y dije, “¡es mi momento, vamos!”. Fuimos al curso y estuvimos ahí aproximadamente de 2 a 3 semanas. De ahí, el director que estaba en ese momento habló conmigo, me comentó que si me interesaba quedarme. En ese momento yo tenía otras dos opciones más, pero el ballet de Monterrey era mucho más atractivo en la cuestión de bailar más repertorios, producciones más grandes, entonces ahí dije, “bueno, el que no arriesga, no gana”. Entonces, una semana después regresé a la ciudad de México y le comenté a mis papas. Al principio pensé, “va a ser una cuestión de seis meses a un año” y después pasaron trece años y aquí seguimos súper contentos (ríe). EL PAPEL FUNDAMENTAL DE LA DANZA Crear arte es un proceso de mucho dolor, pero también de mucho placer, y si hay una rama del arte que realmente cumple esa máxima es la danza Si, es una mezcla bastante rara. A veces platicando entre bailarines decimos, “bueno, nosotros ¿qué seremos masoquistas o qué cosa?”. Recuerdo hace unos cuatro años que nos fuimos a una gira a España y nos tocó ir con dos ballets muy pesados que son: “Lago de los cisnes” y “Bayadera”. Entonces, estábamos realmente que no podíamos dar un paso, los pies nos quemaban, está32 junio 2022 ¿Cuál crees tú que es el papel que ejerce la danza contemporánea en la sociedad moderna? Juega ese papel de sensibilizar a la sociedad y a todas las personas que lo ven, que llegan a tener contacto con ello. Es esa parte, siempre normalmente el artista trata de llegar al público con movimiento, con música pero, ¿de qué forma? Sensibilizando, entonces, tú al sensibilizar a ese público, a esa sociedad, lograr tener empatía y si tú te das cuenta, si este mundo fuera un poquito más empático otra cosa seria. �junio 2022 33 �E S V E C E N C IT ÓO N S “MATERIA ESTÉTICA DISPONIBLE” MIGUEL CALDERÓN Miguel Calderón por: Mauricio Castillo 34 junio 2022 Foto de exposición “Caída Libre“ por Kurimanzutto galería del artista. �POR: STEPHANY CUEVAS M iguel Calderón nos trajo 53 obras en su primera revisión curatorial “Materia Estética Disponible” la cual se expuso en El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, donde se pudo disfrutar de la exposición asistiendo al museo o darse un rápido recorrido por las salas a través del sitio web de este mismo. Sin embargo, para quienes tuvieron la oportunidad de asistir, pudieron apreciar la obra titulada “Mutante” que contiene a 3 peces del “Lago de Chapultepec” los cuales presentan un color diferente al que normalmente tienen, o “Avalancha” una obra bastante humorística, con las cuales se pudo observar y analizar los mensajes detrás de cada obra. El artista nos mostró desde fotografías, dibujos, videos, películas, hasta esculturas con temas como: La naturaleza humana, lo social y personal. No siendo obras difíciles de interpretar, e incluso podría decirse que en más de 3 se apreciaba la “ironía”, algo característico del artista Miguel Calderón. La creatividad en esta exposición fue interesante, si hacer arte fuera tan “fácil” como algunas personas lo dicen, todo el mundo podría hacerlo, ¿no? Pero no a todas las personas se les ocurre colocar una alfombra con sus logros y ver cómo se le es pisoteada… Miguel Calderón, “Materia Estética Disponible”, Museo MARCO, Monterrey (2021) El artista nos mostró desde fotografías, dibujos, videos, películas, hasta esculturas con temas como: La naturaleza humana, lo social y personal. REDES: KURIMANZUTTO. COM Obra “Ridiculum Vitae”, alfombra con los logros del artista a lo largo de su carrera junio 2022 35 �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2022 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 4 Número Número de la revista 8 Mes de publicación Mes cuando se publicó Junio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2022, Año 4, No 8, Junio Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/06/2022 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020724 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Danza Difusión cultural Estética Expresión corporal Fotografía Fundamentos escenciales del artista Música Poscast Sofía Segovia Talento Fav https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/403/20713/Paradigma_Creativo_2022_No_3_Noviembre.ocr.pdf a4b0a7ec3eaf1508a98883b24ec35f3b PDF Text Text No. 3 NOVIEMBRE 2022 �ÍNDICE 04 Construcción de género desde la filmografía animada de Disney Eréndira Rebeca Villanueva Chavarría 44 Una realidad incómoda La infantilización de las masas: El eterno niño por encima de la maduración del Yo adulto. Rosa Isabel Ramírez Saldívar 20 Niveles de depresión de los estudiantes de educación superior como condicionantes de la deserción escolar Martha Paola Garay Mendoza 30 Las pesadillas del simulacro: Los seres artificiales como figuras monstruosas (parte 2) Jesús Eduardo Oliva Abarca 64 Negativos Futuro Moncada Forero Colectivo Estética Unisex �Dr. Santos Guzmán López Rector Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora Dr. José Javier Villareal Tostado Secretario de Extensión y Cultura Atena Beatriz Luna Díaz Abraham Heredia Balderas Anallely Gregorio Pérez Rubén Eduardo Mercado Garza Martha Gabriela González Velázquez Diseño Editorial M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Academica Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector del Centro de Investigación y Posgrado Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Coordinación Editorial Angela Xitlali González Moreno Corrección de Estilo Claudia Lizbeth González Reyes Portada Paradigma Creativo, Año 3, No. 3, Noviembre 2022. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la coordinación editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600 , Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos. Monterrey, Nuevo León, México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-29-4000. Coordinación Editorial: Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván. Reserva de Derechos al uso Exclusivo No. 04-2021-060323021500-203, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la visión de la publicación. �Construcción de género desde la filmografía animada de Disney Eréndira Rebeca Villanueva Chavarría ORCID: 0000-0002-3962-457X Universidad Autónoma de Nuevo León Facultad de Artes Visuales erendira.villanuevachv@uanl.edu.mx Resumen De acuerdo con Joel Brée y Giorgio Agamben (1995, 2006) los medios de comunicación son dispositivos de poder que configuran el pensamiento y por ende las formas imaginarias colectivas de ver al mundo. Estos dispositivos se han empleado para señalar en las sociedades patriarcales la subordinación de las mujeres e imponerles en el espacio privado para preservar supuestamente el orden social. 4 En este caso se analizan los estereotipos y algunos atisbos de cambios en la producción fílmica de “Brave” (Andrews & Chapman, 2012), como un acercamiento a la construcción del imaginario femenino que enfrenta una pugna entre lo que socialmente se ha establecido como el deber ser, al tiempo que se busca delimitar estas estructuras en pro de un actuar regido desde las necesidades individuales, aunque eso implique romper los paradigmas que se comercializa a los niños a través de los estudios Disney. Palabras clave: análisis del discurso, cine, género, imagen, construcción, identidad. Como primer elemento se aborda el concepto de ideología (Reboul & van Dijk, 2006), para posteriormente desarrollar la visión sexo-género desde la performatividad (Butler, 2007) con el fin de sustentar la idea de patrones impuestos por la sociedad, que se han escenificado sin enfrentar un cuestionamiento concreto sobre su perpetuación. Asimismo, se discurrirá sobre la violencia simbólica (Bordieu, 2000) exhibida en el filme. En conclusión, se ofrece un primer acercamiento a la construcción de lo femenino para discurrir en la existencia de un posible cambio en los esquemas establecidos y reforzados a través de la historia. �Abstract According to Joel Bree and Giorgio Agamben (1995, 2006) mass media are power apparatus that configure thinking, in consequence, collective imaginary forms utilized to see the world.This apparatus have been used to fix subordination of women in patriarchal societies and confine them to private space supposedly to maintain the social order. In this case, stereotypes and little changes to them, suggested in the film production “Brave” (Andrews & Chapman, 2012) are analyzed, as an approach to the creation of the feminine imaginary which face a struggle between what is socially stablished as the way things must be, while the search is to delimitate this structures in benefit of acting from individual necessities, even if that implies to brake the paradigms taught to children by Disney Studios. First, ideology is analyzed as concept (Reboul & Van Dijk, 2006), in order to develop a sex-gender vision from performativity (Butler, 2007) with the aim of backup the idea of imposed patterns by society, which have been dramatized without a question about its perpetuation. Likewise, the symbolic violence (Bordieu, 2000) showed in the film will be discussed. In conclusion, It will be offered a first approach to feminine construction in order to reason the existence of a possible change in the stablished structures that have been strengthen by history. Introducción El presente trabajo tiene como fin el estudio de la película Brave (Andrews & Chapman, 2012) de Walt Disney Pictures. Asumiendo como principal consideración que el cine, es una producción cultural, por ende, es una elaboración simbólica que evidencia el pensamiento en ejecución de una colectividad, desde la visión particular de un creador que funge como catalizador. Esta estancia creativa, que simboliza Walt Disney, se convierte en parte fundamental para que la sociedad exprese, de manera voluntaria o involuntaria, aquello que busca perpetuar, o bien, lo que le aqueja. Posteriormente, ambos, sociedad y creador, se observan en la obra y se percatan de lo que en conciencia se niega o se está imposibilitado para ver. A lo largo de este documento se discurre sobre la función que juega el cine, específicamente el filme Brave, respecto a la ruptura de los paradigmas sexo-género que aún buscan un espacio de legitimación a través de representaciones culturales. Es así como no se pretende hacer una aproximación Key words: discourse analysis, cinema, gender, image, construction, identity. 5 �netamente estético-semiótica, sino que se propone comprender su relación con el contexto de consumo. El cine, como producto de masas, se convierte en el objeto idóneo para investigar, ya que funge como catalizador de los preceptos de una época. Por esta razón, es pertinente indagar sobre la construcción de sexo-género en el cine infantil, ya que se está de acuerdo con Marta Lamas en que “la subordinación de género se construye desde la infancia y empieza por la importancia determinante que se otorga a la maternidad y al cuidado del hogar como el destino esencial de las mujeres” (p. 135). Mismos elementos que constantemente se ven exaltados en los filmes; asimismo se puede acotar que en ocasiones los padres no ubican como eje de estos productos culturales los imaginarios de género que se ofertan y acercan a sus hijos. Y que sin ser del todo conscientes, estableciéndose como parámetros a perpetuar. 6 Lo anterior es más evidente cuando se obsequian los juguetes de determinada historia, así como cuando se disfraza a los niños intentando vincularlos (consciente o inconscientemente) con las características del personaje elegido. Joël Brée lo estudia desde el acercamiento de los niños al consumo, y explica cómo “…la televisión no es para el niño la única fuente de adquisición de estereotipos sociales; los juguetes ocupan un lugar importante en este fenómeno” (p.150). Es decir, que ni la televisión o el cine son los únicos elementos para establecer los estereotipos. Sin embargo, son sumamente significativos ya ahí se genera el deseo por la mayor parte de los juguetes, que terminan siendo, prioritariamente, personajes de sus caricaturas que permiten adoctrinar a dichas generaciones. De esta forma es posible observar cómo a las niñas se les designan juegos que evocan la importancia del hogar, la maternidad y la estética personal; mientras a los niños se les convoca a actividades de exploración y violencia. Por lo anterior, no se puede pasar por alto que “la discriminación nace con la división sexual del trabajo, que se ha convertido en un rasgo económico-cultural” (Lamas , p. 136), que se atisba a partir de los espacios lúdicos de la infancia. Es así como además de la discriminación inherente en la identificación de los personajes y en sus prácticas, a partir de los juguetes, se debe tener presente que “la concepción de los papeles sexuales puede adquirirse a partir de los programas de televisión para los niños y los adolescentes” (Brée , p.148). Volviendo al filme seleccionado, en donde se narra la vida de Mérida, su madre trata de educarla para cumplir con su ideal de princesa perfecta, mientras su padre la alienta a construirse un papel más activo, incluso ¹ Se trata de un estudio de cine norteamericano que es propiedad de The Walt Disney Company. �Fuente: No sólo cine, 2012 masculino, al obsequiarle un arco . Cuando “crece” y es momento de casarla, los padres convocan a los clanes amigos para hacer alianza a través del matrimonio. Mérida termina defendiendo su mano a partir de sus habilidades de arquería, lo cual a ojos de su madre es una deshonra y genera un disgusto entre ambas. Mérida, haciendo uso de un encantamiento comprado en el bosque, hechiza a su madre convirtiéndola en oso, lo cual da pie a una serie de aventuras que servirán para que ambas se comprendan en un plano emocional. Se decide que lo estudiado sea un filme del estudio Disney y no de otro, ya que ha generado producciones infantiles desde 1937 que permean el pensamiento infantil sobre los parámetros que se deben cumplir para poder definirse dentro de un tipo de identidad de género, entre otros tópicos. Es decir, este objeto de estudio es pertinente, previendo que su comercialización no es solo como visión de entretenimiento, sino como una práctica cultural que produce y reproduce modelos atávicos sobre lo que es ser mujer. Con esto mismo, se encuentra de acuerdo el filósofo y autor, Michel Foucault, quien enuncia: […] que en toda sociedad la producción del discurso está a la vez controlada, seleccionada y redistribuida por cierto número de procedimientos, que tienen por función conjurar sus poderes y peligros, dominar el acontecimiento aleatorio y esquivar su pesada y temible materialidad (2005, p. 14). ² Entendido que las armas, en general, son elementos masculinos, al puro estilo de las dualidades de Cixous. 7 �De ahí el interés sobre el discurso fílmico que lanza Disney en el 2012, en el cual se asegura que hay una modificación en la propuesta de las protagonistas femeninas de sus historias y que al final sirven como modelos para los infantes. Por lo tanto, se está frente a un discurso que pretende ofrecer un imaginario concreto de aquello que se pretende perpetuar en pro de un bien mayor, que al final se sustenta en acciones política-económica. Pensar que el discurso fílmico es un producto exclusivamente recreativo sería menguar su acción social y dejar de lado la importancia que posee como elemento transformador al llegar aun público amplio que no espera ser adoctrinado a través de este medio. Ideología en caricatura Inicialmente, se pretende discurrir sobre el concepto de ideología, en el cual se congenia con Reboul , cuando enuncia que “la ideología es un discurso que se oculta siempre detrás de otra cosa” (p. 55). Por lo cual es importante revisar el contenido que ofrecen las películas infantiles, ya que al fin de cuentas se le ofertan a un público que está en formación. 8 De esta forma, no se debe olvidar que “el niño no está en condiciones, por sí mismos, de diferenciar los elementos incidentes de los elementos esenciales dentro de una secuencia; para él todo está exactamente en el mismo plano” (Brée , p.143). Todo lo que ve y escucha es igualmente importante, por lo tanto, puede retener información que consideraríamos poco importante para la construcción de la diégesis, Además, no se puede perder de vista que “la ideología tiene por finalidad esencial no la de hacer conocer, sino la de hacer actuar; suscitar prácticas colectivas y durables que sirvan a un poder” (p. 55). Es así como el niño presencia un discurso que le propone formas de actuar en su entorno cotidiano y que al mismo tiempo se enraizarán hasta el punto de olvidar que son preceptos ajenos que ha asimilado. Se verá alienado a un sistema que ejerce el poder a través de estas producciones culturales. En ocasiones, estudiar un filme (sobre todo infantil), genera desconcierto al pensar que no son un objeto de estudio formal. Sin embargo, no se debe olvidar que “hay en esto ideología precisamente porque el poder no puede contar de manera exclusiva con la fuerza para hacerse respetar” (p. 55), y así como las telenovelas son accesibles en un público de mayor edad, las caricaturas lo son para los infantes. Entonces, resulta evidente que “una �Fuente: Viajeros, 2012 ideología, en efecto, no es una convicción individual, sino una creencia colectiva al servicio de un poder” (p. 83), como Televisa lo ha demostrado en varias novelas. Por mencionar un ejemplo, se puede recurrir a Corazón indomable (Lartilleux, 2013), donde se explica la “importancia” de la inversión extranjera, desde la voz de los personajes. Desde lo expuesto, se constata que efectivamente las ideologías son socialmente “inventadas y reproducidas en la sociedad” (Van Dijk, 2006, p. 175), a partir de las necesidades circunstanciales del poder regente. Puesto que “las ideologías sirven para legitimar el poder y la desigualdad [además, de que] ocultan o confunden la verdad, la realidad o las “condiciones objetivas, materiales de la existencia, o los intereses de las formaciones sociales” (Van Dijk, 2006, p. 175) y la producción fílmica es una herramienta idónea para instaurar un pensamiento que logre unificar. El filme ondula simbólicamente entre lo femenino y masculino y como muestra, se puede mencionar el bosque. Un lugar en donde claramente Mérida se siente más cómoda y que es donde se refugia después de la disputa con su madre. A esto Cirlot, explica que el bosque […] redunda en los diversos planos de significado, que parecen todos ellos corresponder al principio materno y femenino. Como lugar donde florece abundante la vida vegetal, no dominada ni cultivada (p. 102). Es así como el bosque se comprende como la escenificación externa de Mérida, al considerar que no está “dominada” por las normativas que su madre le inculca. Será en este espacio donde la protagonista experimente con la magia y haga una travesía con su madre-oso para recrear su vínculo emo- 9 �cional. Es importante señalar que el oso, para Chevalier (p. 789), es un símbolo de carácter masculino, por lo tanto, las evoluciones de la madre serán cuando esté interiorizada en este animal. Asimismo, el oso aparecerá previamente en el relato, pues el padre de Mérida perderá una pierna a partir del ataque de un oso, lo cual puede ser que limite su representación de virilidad, como se discurrirá más adelante. Otro elemento simbólico que se filtra a lo largo de la narración y la película es el arco, que según Chevalier significa la tensión de la que brotan nuestros deseos ligados al inconsciente. El Amor –el Sol- Dios posee su carcaj, su arco y sus saetas. La flecha encierra siempre un sentido macho, ya que penetra. Flechando, el Amor, el Sol y Dios ejercen un papel de fecundación (p. 134). 10 Por lo cual, resulta interesante que la defensa del cuerpo femenino, es decir, de Mérida, se realice desde la arquería (figura 1). Las saetas de Mérida son más precisas que las lanzadas por los príncipes (figura 2), dejándolos en una posición que compromete su virilidad; aunque eso ya había sido puesto en tela de juicio desde que los presentan y ninguno ostenta la gallardía que Disney acostumbra a otorgarles a sus príncipes (figura 3). Un último detalle por abordar dentro del tema de la ideología es el emisor, ya que “la misma palabra puede referirse a realidades totalmente diferentes según la ideología de los que la emplean” (P. 59). No es solo la historia que se presenta, ya que no es tan simple como mostrar a una princesa que no gira en torno a la llegada de un príncipe, sino que también influye considerablemente el hecho de que Disney es una industria que ha producido largometrajes animados de carácter infantil desde 1937 y que ha edificado de manera constante una visión heteronormada de sus protagonistas. El contexto de Disney hace sospechoso el filme y al observarlo es posible percatarse de los juegos que ofrece esta productora. De inicio todos los príncipes en las historias anteriores se han construido desde la belleza física y el valor, mientras que los candidatos de Mérida no ostentan esas características (figura 4). Por el contrario, pareciera que su función es ser hilarantes, lo cual de manera velada justifica que al final la princesa no se vea atraída hacia ninguno de los candidatos que han llegado a contender por su mano. Estos detalles y esta elección precipitada de los príncipes parecen insignificantes ante 3 Blanca Nieves y los siete enanos es el primer largometraje animado en lengua inglesa. �Figura 2. Fuente: El pixar wiki, 2012 11 Figura 3. Fuente: El pixar wiki, 2012 Figura 4. Fuente: El pixar wiki, 2012 �una protagonista que se vale por sí misma, sin embargo, esto puede llegar considerar menos meritoria su capacidad de combate frente a los candidatos que son infantiles o torpes al momento de reclamar su mano. Ante todo, esto se debe tener presente que a través de los héroes que realizan proezas la televisión puede transmitir al niño pequeños valores como el gusto por el esfuerzo, el sentido de la igualdad, el patriotismo, la honradez…Pero también pueden trivializar actos como el uso abusivo del alcohol, la violencia o una forma marginal del consumo, a saber el robo… (Brée, p.147). Por lo cual aquí se estaría ante el conflicto de cómo el niño se mimetiza, incluso que valores o defectos resultarían más llamativos y por ende cuales se perpetuarían más en sus acciones. El cuerpo en construcción 12 Es menester, esclarecer el concepto de cuerpo que se toma desde la postura de Butler (2002) quien establece que “baste decir que las fronteras del cuerpo son la experiencia vivida de diferenciación, entendiendo que esa diferenciación nunca es imparcial respecto de la cuestión de la diferencia de género o la matriz heterosexual” (p.106). Con esto se entiende que, a pesar de la experiencia personal, el individuo tiende a tener información sobre su rol de género desde el exterior. Un exterior que se construye desde diferentes aristas contextuales en las cuales el cine puede figurar como una posibilidad palpable. De tal suerte que el cine de Disney, específicamente del filme de Brave, muestra una visión preestablecida sobre la evolución que las mujeres pueden experimentar y externar desde lo que está permitido por el exterior. Esto al mostrar una princesa, que prescinde de la figura del príncipe al no aceptar que sus padres le encuentren un marido entre los reinos cercanos con los cuales pretenden hacer alianzas. Resulta interesante que para Butler que la ley paternal produce versiones de integridad corporal; el nombre, que instala el género y el parentesco, funciona como una performativa que inviste y está investida políticamente. Al nombrarnos se nos inculca esa ley y se nos forma, corporalmente, de acuerdo con esa ley (2002, p.115). En primera instancia se pensaría que, al conceptualizarla como una princesa, se instaura dentro de la ley paternal y que incluso se pudiera presentar �Figura 5. Fuentes: Viajeros, 2012 de forma literal, que la pugna de la protagonista femenina es con su padre, pero no es así. A lo largo del filme se observa cómo el padre intenta ser un puente de dialogo entre Mérida, su hija, y la reina que insiste en la necesidad de un matrimonio que funja como alianza entre los territorios. Sin embargo, la ley paternal se presenta, puesto que la cuestión es quien figura como padre, es decir la voz cantante que en este caso no es literal el papá, sino su madre, quien tiene la figura de poder y por ende es quien tiene el dialogo con los Lores de los clanes que han sido convocados para reclamar la mano de la princesa. Por lo tanto, sí hay un personaje que no se asume a los parámetros del ser mujer bajo el cobijo masculino y no es (en primera instancia) Mérida, sino la reina Elinor quien posee un papel activo que marca las pautas de la historia. Se puede hasta llegar a pensar que ella es solo el espacio en el cual se materializan las ideas del padre que no se atreve a concretar. Lo interesante es que, si bien, el personaje de la madre es un ente lógico que intenta cumplir con los parámetros marcados y con su grupo cultural, a través del encantamiento que la hija le realiza, ella se vuelve más emocional y logra dialogar con su hija. Es así como de golpe se vuelve a las dualidades que Cixous presenta al inicio de La risa de la medusa (1995), y al papel femenino se encuadrar en el Pathos, pues las pasiones es el lugar que por antonomasia “le corresponde” a Elinor por su género, dejando de lado el Logos. Por lo anterior se está de acuerdo con Badinter (1992), de que no existe un modelo masculino universal para todos los hombres, pues tampoco existe para las mujeres. 13 �Aquí es pertinente recordar que, “la misoginia no es patrimonio exclusivo de los hombres, es parte estructural del dominio patriarcal, forma parte de una expresión cultural viva y militante de todos los sujetos en cada sociedad” (Cazés, 2005, p.15), lo cual se constata en la reina y su forma de conducirse con Mérida en donde no hay una empatía por género. Al contrario de todo esto se busca concretar aquello que impera en el discurso masculino, pero que éste no acepta de forma abierta, que si bien no se observa directamente en el padre de la joven y que sí está presente en otros líderes de los clanes que pretenden ejercer un derecho al casar a sus hijos con Mérida quien no está interesada en ninguno, mas debe decantarse por algún pretendiente. La importancia de un discurso feminista radica en que este movimiento social “permite ver que lo que hoy se entiende por democratización está ligado no sólo a la racionalización progresiva de las estructuras políticas, sino a una concepción más libertaria del sujeto político ciudadano” (Lamas, p. 149). La intención de generar imaginarios reales sobre las mujeres que escenifiquen la diversidad que el género no delimita. Es menester construir personajes que no se estructuren desde los estereotipos, sino que busquen representar elementos verosímiles. 14 Volviendo a Mérida, en el filme se muestra que “el cuerpo es un escenario para las relaciones de poder y –en su aceptación de delinear, señalar los límites o confines (…)” (Ortega, 2009, p. 133). Es perceptible cómo estas se convierten en un espacio para evidenciar el estatus de poder o bien, la pugna de este. Justo como en la escena en la cual preparan a la protagonista para presentarla frente a los Lores y sus pretendientes, en donde se ve a la reina Elinor tratando de controlar el cuerpo de su hija a través de las vestiduras, mientras que ésta exhibe su rebeldía dejando un mechón de cabello al descubierto (figura 5). O posteriormente, cuando termina por romper su vestido para poder lanzar la saeta con la cual reclama su derecho a decidir sobre sí (figura 6). Figura 6. Fuente: Viajeros, 2012 �Para Butler “(…) el ‘cuerpo’ se manifiesta como un medio pasivo sobre el cual se circunscriben los significados culturales o como el instrumento mediante el cual una voluntad apropiadora e interpretativa establece un significado cultural para sí misma” (2007, p. 58). Lo cual lleva a pensar que el cuerpo de la protagonista es el instrumento que el rey utiliza para construir a su primogénito varón con las habilidades necesarias para defenderse por sí mismo y explorar el mundo, elementos que el rey fomenta. Esto puede sostenerse cuando se ve a Mérida retando a sus pretendientes a través de sus habilidades en la arquería, ya que solo su madre se muestra molesta por sus acciones y es quien la reprende, mientras que su padre no se inmuta y permanece en su lugar. Sin embargo, no se puede pasar de largo que “la masculinidad se comporta como un invitado ausente, pero ampliamente requerido, porque los géneros no marchan en solitario por la historia” (Tolalpa, 2005). Lo que lleva a la formulación de la idea de que lo que el padre hace o no también repercute como parte del discurso de género que construye a la protagonista femenina. El cuerpo no se construye desde una individualidad absoluta, sino que termina siendo un espacio donde la ideología toma forma y responde a necesidades que no son forzosamente propias. La alienación se presenta sin que el ente alienado se percate de ello. Es decir, que cuando se discurre sobre la conducta, no siempre se conoce “(…) cómo se las encontró o desarrolló puede no saberse o estar oculto, elaborado, distorsionado por el mito y la tradición” (Schechner, 2003). De ahí puede resultar factible el hecho de que se enuncie una propuesta de nueva princesa, sin ser del todo consciente de la perpetuación de las conductas veladas en el filme. Bajo lo anterior, es viable pensar que Mérida es un sujeto cosificado, ya sea para convertirse en la princesa perfecta que su madre desea o en el primogénito varón que el padre alienta, en todo caso se presenta un sujeto que se cree autónomo. Esta interpretación ha sido revisada desde los estudios de género por Conway, Bourque y Scott cuando afirman que, “los sistemas de género, sin importar su periodo histórico, son sistemas binarios que oponen el hombre a la mujer, lo masculino a lo femenino, y eso, por lo general, no en un plan de igualdad sino en un orden jerárquico” (2000, p. 32). Algo que parece ser muy semejante a lo planteado anteriormente con Cixous. Violencia simbólica en el cuerpo Si bien ya se establecieron algunos elementos sobre la construcción del cuerpo, es pertinente añadir la visión de Bourdieu respecto a la violencia simbólica, cuando explica que: 15 �la fuerza simbólica es una forma de poder que se ejerce directamente sobre los cuerpos y como por arte de magia, al margen de cualquier coacción física; pero esta magia sólo opera apoyándose en unas disposiciones registradas, a la manera de unos resortes, en lo más profundo de los cuerpos (p. 54). Por lo cual se puede pensar que esta violencia se escenifica cuando se pretende limitar las acciones del personaje de Mérida, cuando se enjuicia las actividades que hace al salir más allá de las murallas del reino en donde se siente libre y es capaz de comportarse a partir de sus parámetros sin la necesidad de encasillarse en el esquema establecido por la madre. 16 De igual forma, se observa en el manejo del vestuario (como se explicó anteriormente), pareciera que las ropas limitan la personalidad de Mérida, mientras que la circunscriben al imaginario de la hija ideal. Así como el acomodo del cabello, que para Chevalier evocan la virilidad (p. 218) la cual se asocia a partir del mito de Sansón, por lo cual la larga y salvaje melena de la protagonista femenina estaría enlazada con propiedades masculinas. Por otro lado, este elemento puede ser también tomado como solo una referencia celta al linaje real de la protagonista, pues solo los pobres llevaban el cabello corto. A pesar de la inconformidad de Mérida para acatar los parámetros establecidos por su madre, es posible pensar que no se encuentra en gran desventaja, ya que, sin importar la opinión externa, el personaje intenta defenderse de manera constante. Ella no permite que pasen por encima de sus deseos y necesidades, al menos no de manera tajante. Esto es importante ya que según Bourdieu “…el fundamento de la violencia simbólica no reside en las conciencias engañadas que bastaría con iluminar, sino en unas inclinaciones modeladas por las estructuras de dominación que las producen, la ruptura de la relación de complicidad que las víctimas de la dominación simbólica conceden a los dominadores sólo puede esperarse de una transformación radical de las condiciones sociales de producción de las inclinaciones que llevan a los dominados a adoptar sobre los dominadores y sobre ellos mismos un punto de vista idéntico al de los dominadores” (p. 58). Es así como el personaje está en pugna constante y no ofrece esa “complicidad” con el victimario, ya que cuando mi madre la limita a observar la �prueba de arquería ella se rebela y termina haciendo la prueba a la par de los candidatos sin que le mortifique en realidad la respuesta que conseguirá de parte de su madre. Sino que es todo lo opuesto, pues el único momento en el cual la chica está dispuesta a ceder ante los deseos de su madre, quien decide cambiar de opinión en pro de los deseos de su hija. Cabe señalar que esta secuencia pertenece a la sección en la cual la madre está convertida en oso, por lo cual, también se podría plantear que hay un desprendimiento de los parámetros socioculturales al poseer una esencia primitiva enlazada al reino animal. Al final de cuentas, “el poder simbólico no puede ejercerse sin la contribución de los que lo soportan porque lo construyen como tal” (pág. 56); de ahí que las mujeres han sido domesticadas sutilmente para obedecer los mandatos culturales sin cuestionarse para formar su propia identidad. Quizá bajo esta perspectiva es difícil hacer un juicio de valor negativo sobre la reina, ella estaría imposibilitada a actuar a partir de otros parámetros que no le han mostrado. Es así como se llega de nuevo a la idea de la madre como eje del discurso y si alguien presenta violencia simbólica es ella. Esto se puede mostrar al representar las convicciones de un poder externo que limita sus acciones y que al mismo tiempo pretende perpetuar como si fuera una práctica positiva sobre su hija. Pareciera que el puente de conexión es Elionor, ella es quien en realidad debe despojarse de las estructuras patriarcales que la construyen como poder simbólico que solo sirve para perpetuar esquemas externos que terminar por limitarla e impedir que pueda generar una identidad propia con acciones que no respondan a cubrir las carencias de otro ente. En realidad, en personaje de la madre resulta ser un actante más interesante pues debe reconstruirse y no solo hacerse escuchar como la hija. Conclusiones Los juegos binarios no han dejado de hacerse perceptibles en la construcción de géneros. En todo caso siempre se está alienado en función de una ideología dominante. Es improbable que un ente pueda constituirse a sí mismo fuera de las normativas que la cultura estipula. Puede trasformar lo existente, pero en todo caso lo hará en pro de algo que está más allá de su comprensión inmediata y la importancia de la ideología, claramente es estar alienado sin ser consciente de ello. 17 �Pese a lo anterior, existe la necesidad de evolucionar los discursos binarios existentes, pues cada género posee en sí mismo una polifonía que no se explora en pro de catalogar de forma límpida el entorno como si el mundo pudiera dividirse entre blanco y negro. De esta propuesta de Disney es rescatable la capacidad que exhiben para presentar un discurso donde se evidencia la necesidad del cambio, aunque no queda subsanado del todo. Es una aportación el mostrar a la reina, una mujer madura, que debe cambiar sus parámetros en pro del bienestar de su hija y los nuevos tiempos a la par de la mujer joven, Mérida, quien presenta la necesidad de ser congruente con las necesidades individuales. Si bien el filme no agota el tema es una aproximación interesante a los discursos de género que se deben familiarizar ante los infantes como nuevas perspectivas a partir de las cuales van perfilando sus papeles dentro del entorno social. Es menester derrumbar los imaginarios arcaicos donde los géneros se establecen de forma binaria y alejada de la realidad polifacética que los conforma como individuos diferentes. 18 �Referencias Addison, N. (2003b). Iconoscepticism: The value of images in education. En N. Addison and L. Burgess (Ed.), Issues in art and design teaching, (pp. 122 - 133). Londres: RoutledgeFalmer. Addison, N. (2010). Critical Studies. En N. Addison & L. Burgess Learning to Teach Art and Design in the secondary School. (pp. 246 - 266). Londres y Nueva York: Routledge, Taylor and Francis Group. Arnheim, R. (1969) (2007 Greek Ed.). Visual Thinking. Tesalónica, Grecia: University studio press. Atkinson, D. & Dash P. (2005). Social and critical practices in art education. Gran Bretaña y Sterling, Estados Unidos: Trentham Books, Stoke on Trent. Eréndira Rebeca Villanueva Chavarría Atkinson, D. (2011). Art, Equality and Learning, Pedagogies against the State. Rotterdam/Boston/Taipei: Sense Publishers. Licenciada en Letras hispánicas por la Universidad Autónoma de Bourriaud, N. (2002). Relational Aesthetics. Francia: Les presses Nuevo León (2005); Maestra en Artes con acentuación en educación du reel. Bourriaud, N. (2007). Postproduction. Nueva York: Lucas & Sternberg, 007. Bourriaud, N. (2010). The Radicant. New York: Lucas & Sternberg, 017. Cramerotti, A. (2009). Aesthetic Journalism, How to inform without en el arte (2009) y Doctora en Filosofía con acentuación en Estudios de la Cultura (2015), donde además obtuvo la mención honorifica summa cumme laude con la tesis: El macroacto discursivo-psicomágico de Alejandro Jodorowsky: “El topo” como mandala filmográfica. Miembro del cuerpo académico en consolidación “Arte y Visualidad” de la misma universidad. informing. Bristol, Gran Bretaña, Chicago, Estados Unidos: Intellect. Desai, D. (2002). The ethnographic move in contemporary Art: Ha publicado en revistas nacionales como Cathedra (UANL) y en revistas internacionales como Guavira Letras (Universidad Federal What does it mean for Art education. Studies in art de Mato Grosso, Brasil). También es autora de varios capítulos de Education, A Journal of issues and research. 43(4), pp. libros publicados por la Asociación Latinoamericana de Estudios del 307-323. Discurso, Universidad Michoacana de San Nicolas de Hidalgo, la Uni- https://www.flaticon.com/free-icons/video-camera” title=”video camera icons”>Video camera icons created by Freepik - Flaticon https://www.flaticon.com/free-icons/movie” title=”movie icons”>Movie icons created by Freepik - Flaticon versidad Autónoma de Querétaro y la UANL. Actualmente trabaja en investigaciones de discurso y semiótica visual. 19 �Niveles de depresión de los estudiantes de educación superior como condicionantes de la deserción escolar. Martha Paola Garay Mendoza ORCID: 0000-0001-5237-8601, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Música, martha.garaymnd@uanl.edu.mx Resumen 20 Palabras clave: Deserción Universitaria, enfermedad mental, tutoría, depresión, estudiantes, psiquiatría. Las enfermedades mentales del siglo XXI consideradas como las del primer lugar y causadas; la mayoría de las veces debido al contexto socioeconómico, invaden el futuro de los jóvenes estudiantes, sumiéndolos en momentos de delirio y desesperación, son sin duda un tema fresco para tomar como base una investigación, que nos dé como resultado un parteaguas para descifrar bien el camino que deben tomar los catedráticos de las universidades, además de estar atentos a los focos rojos, para guiar en todo momento la estadía dentro de la universidad de los estudiantes y evitar así la deserción escolar. La creatividad de escritores, actores y músicos entre otros, “ha sido asociada a sintomatologías afectivas o emocionales”. La continua exposición a estas situaciones puede generar un riesgo mayor de consumo de sustancias; en otros casos las adicciones pueden estar influenciadas por factores como presión laboral y social, que generalmente provoca ansiedad, o bien “debido a que se involucran desde jóvenes al abuso de sustancias”. Sin embargo cada vez más son la mayoría de la población la que está siendo afectada por este tipo de trastornos llamados coloquial mente como “locura” independientemente del nivel socioeconómico y cultural, afectando las vida de las personas, y que sin una debida atención terminan desgraciadamente claudicando la vidas funcional que tenían y ganando un déficit de vida integral. �Abstract The mental illnesses of the 21st century considered as those of the first place and caused; most of the time due to context socioeconomic, invade the future of young students, plunging them into moments of delirium and despair, are undoubtedly a fresh topic to base an investigation, which gives us as the result was a watershed to correctly decipher the path that university professors should take, in addition to being attentive to the red lights, to guide at all times the stay inside the university of students and thus avoid school desertion. The creativity of writers, actors and musicians, among others, “has been associated with affective or emotional symptoms.” The continuous exposure to these situations can generate a greater risk of consumption of substances; in other cases addictions may be influenced by factors such as work and social pressure, which generally causes anxiety, or “because they are involved from a young age in the abuse of substances”. However, they are increasingly the majority of the population. The one who is being affected by this type of disorders colloquially called “madness” regardless of socioeconomic level and cultural, affecting the lives of people, and that without proper attention unfortunately end up giving up functional life they had and gaining a deficit of integral life. Introducción La depresión es un término no muy aceptado aun por la sociedad, ya que aún se genera una especie de rechazo y tabú, debido a que estamos acostumbrados a estar mal del estómago, o de una muela y acudir al doctor, pero no de igual forma decirle al mundo ; disculpen tengo cita con mi psiquiatra. La Psiquiatría se ha dedicado a examinar y a describir sus dos dominios principales: los trastornos mentales, y la conducta del individuo en caso de salud y enfermedad. Los pacientes tratados por los psiquiatras tienden a experimentar trastornos “idiopáticos” o “funcionales”, cuyas causas se desconocen y que a menudo se llegan a corregir mediante instrumentos y fármacos. En general, la psiquiatría clínica, de manera muy significante, es semejante a lo que ocurre con la medicina, no es una “ciencia dura” y no requiere serlo para tener eficacia clínica. El presente estudio de investigación pretende establecer los niveles de ansiedad registrados en relación al bajo desempeño y finalmente a su deserción en la vida académica universitaria de 45 estudiantes de Licenciatura de las Facultades de Música, Visuales y Comunicación de la U.A.N.L Keywords: college dropout, mental illness, tutoring, depression, students, psychiatry. 21 �En conclusión, se proponen dos estrategias para favorecer la retención de los universitarios: 1) formalizar la tutoría por medio de un seguimiento personalizado aplicando test de Niveles de depresión. 2) Fortalecer la estadía por medio de terapias con especialista de la mano con el Tutor, para detectar alguna enfermedad mental y tratarla de manera inmediata. Objetivos principales Formalizar la tutoría por medio de un seguimiento personalizado aplicando test de depresión. Objetivos secundarios Fortalecer la estadía por medio de terapias con especialista de la mano con el Tutor, para detectar alguna enfermedad mental y tratarla de manera inmediata. Desarrollo 22 22 22 Durante los últimos años, al trabajar como catedrática en la Facultad de Música de la UANL, en la acentuación en piano, he percibido que cada semestre, por lo menos cinco de cada 10 alumnos llegan a experimentar trastornos de salud mental. Dos de los más comunes son depresión y ansiedad, que, aunque el Manual de Psiquiatría lo describe de forma separada, son dos elementos inseparables, ya que cuando existe depresión, uno de sus síntomas es la ansiedad. Estos alumnos han requerido atención especializada con base en medicación con antidepresivos, ansiolíticos más terapia psicológica o psiquiátrica, a fin de poder sobrellevar la carga escolar, personal, laboral y económica de su vida. Los trastornos mentales tales como depresión, trastorno bipolar, psicosis, demencia o trastorno límite de la personalidad y abuso de sustancias, se han considerado estar asociados a factores biológicos, genéticos y sociodemográficos. Todo lo que pasa a nuestro alrededor afecta, las personas que no acepten esta teoría tendrían que tener un alto grado de resiliencia “llamada así como la habilidad de salir delante de cualquier adversidad” más aun especifico; El significado de resiliencia, según la definición de la Real Academia Española (RAE) es la capacidad humana de asumir con flexibilidad situaciones límite y sobreponerse a ellas, pero en psicología añadimos algo más al concepto de resiliencia: no sólo gracias a ella somos capaces de afrontar las crisis o situaciones potencialmente traumáticas, sino que también podemos salir fortalecidos de ellas. La deserción universitaria es una dificultad universal, definido en Colombia como la ausencia de actividad académica durante dos semestres consecutivos en un programa específico (Ministerio de Educación Nacional –MEN-, 2009. El abandono de un estudiante de su proceso formativo-académico se puede observar des- �de dos perspectivas, según Tinto (1989): la primera se refiere al momento en que abandona la universidad, clasificándose en precoz, cuando se presenta entre la admisión y el inicio de la vida universitaria; temprana, entre el inicio y la mitad de la carrera; y tardía, entre el inicio de la segunda mitad y la conclusión del programa. La segunda perspectiva se refiere al espacio donde se presenta, pudiéndose distinguir dos tipos de deserción: la institucional, cuando el estudiante abandona por completo la universidad; y la interna, cuando el estudiante cambia de carrera. La enfermedad de trastorno mental como la ansiedad, provocan efectos que inciden en otros procesos psicológicos de forma gradual y negativa; han inducido a una intensa investigación por parte de los especialistas. Los índices estadísticos emocionales de ansiedad interactúan y modulan de manera entrelazada otros procesos psicológicos como la vigilia, la atención, la percepción, el razonamiento y la memoria, que forman una parte central en el procesamiento cognitivo.(Hernández ,Ramírez, Macías, 2015) Las reacciones de ansiedad pueden ser adaptativas y por tanto ventajosas al favorecer al individuo mediante un estado de alerta y de tensión que aumenta la probabilidad de un mejor rendimiento en determinadas situaciones demandantes, o por el contrario sostener una relación disfuncional con el entorno. En ese sentido las reacciones ansiosas en el contexto escolar, dependiendo de su intensidad y de las condiciones a las que se enfrenta la persona, pueden favorecer o perjudicar el rendimiento académico. La influencia de la ansiedad en el ámbito escolar ha sido un tema de considerable interés y debate entre los especialistas, mismos que han observado que los estudiantes tienen ejecuciones académicas bajas en situaciones caracterizadas por altos grados de ansiedad y al mismo tiempo se ha documentado una influencia Ansiedad, calificaciones, y probabilidad de fracaso escolar 47 | Psychol. av. discip. | Bogotá, Colombia | Vol. 9 | N.° 1 | p. 4557 | Enero - Junio | 2015 | ISSN 1900-2386 | mediadora positiva que pueden ejercer niveles bajos de ansiedad sobre el desempeño académico (Cassady, & Johnson, 2002; Contreras, Espinosa, Haikal, Polania, & Rodríguez, 2005), dependiendo del área de conocimiento particular en que se evalúe dicho desempeño. También se ha registrado en diferentes niveles. Muchas actividades que se realizan en la universidad, son esenciales para superar los retos académicos, y generan una apreciable fuente de estrés y ansiedad. Al comprender el estrés académico es indispensable tener en cuenta las condiciones sociales, económicas, familiares, culturales e institucionales. En general, la vulnerabilidad de la sociedad al estrés se ve 23 23 �influenciada por su temperamento, la capacidad de resiliencia y el apoyo familiar comentan Suárez y Díaz (2014). Aunque la definición de deserción estudiantil continúa en discusión, existe consenso en precisarla como un abandono que puede ser explicado por diferentes categorías de variables: socioeconómicas, individuales, institucionales y académicas. Las definiciones de deserción planteadas por Tinto (1982) y Giovagnoli (2002). El estudio de Gutiérrez (2010) descubrió que la relación entre depresión y severidad del estrés es estadísticamente importante y que la prevalencia de la depresión podría llegar al 47,2 % de la población estudiada. Entonces, el estrés académico es un elemento que favorece el estrés crónico y el deterioro de la salud mental. 24 24 24 La educación superior ha vivido un proceso de aumento a lo largo de los años, produciéndose una diversificación en el eje social y aumento de matrícula, lo que conlleva la inclusión de otros sectores sociales, arrastrando un mayor número de estudiantes con problemas de salud mental. La transición de los jóvenes a un establecimiento educativo hacia la universidad, constituye un cambio muy importante, tanto en términos sociales y académicos. El sistema universitario requiere un perfil de mayor autonomía, además un justo equilibrio del tiempo personal, seguridad en la toma de decisiones y adaptación a la nueva cultura disciplinaria, lo cual afecta su estilo de vida comentan Trunce, Villarroel, Arntz, Muñoz, Werner (2020). La tutoría forma e integra conocimientos y experiencias de los diferentes ámbitos educativos, además de la experiencia escolar; en general; la vida diaria. Bajo esta perspectiva, el desarrollo de la práctica tutorial asume que la educación sea sinceramente integral y personalizada, que no quede reducida solamente a la instrucción o impartición de actividades académicas. La tutoría implica que se brinden servicios de psicología educativa mediante métodos indirectos. Los servicios de tutoría en este rubro, habitualmente reconocen y resaltan la importancia de utilizar procedimientos cooperativos y de colaboración para abordar los problemas de los estudiantes, comentan González, González, Soltero (2011). Síntomas de trastorno depresivo El trastorno depresivo mayor es un padecimiento recidivante caracterizado por una gama de síntomas físicos, emocionales y cognitivos, que varían de acuerdo con el tipo de seriedad y duración; sus síntomas son los siguientes: �a) Tristeza o baja en el estado de ánimo. b) Pérdida del interés en actividades habituales. c) Dificultad para concentrarse. d) Bajo nivel de energía o fatiga. e) Manifestación de ansiedad como agitación psicomotora. f) g) Alteraciones neurovegetativas como el insomnio,dificultades para conciliar el sueño o mantenerlo, o despertar antes de lo habitual, pérdida del apetito y peso. Pensamientos acerca de morir, ideación suicida o intento suicida. Existen diferentes escalas auto aplicables que ayudan al diagnóstico y a la entrevista clínica; éstas determinan la intensidad de los síntomas depresivos: BDI (inventario de depresión Beck), QIDS-SR (Inventario–Aplicable Rápido para la Sintomatología Depresiva de 16 reactivos) y el PHQ (Cuestionario de Salud del Paciente de 9 reactivos), y con escalas de aplicación clínica como la Escala de Depresión de Hamilton y la Escala de Montgomery Asberg 48. Los episodios depresivos pueden ser leves, moderados, o severos sin síntomas psicóticos (con intento suicida), o severos con síntomas psicóticos (con alucinaciones o ideas delirantes). Otras características clínicas del episodio depresivo son las siguientes: a) Episodio depresivo mayor crónico (duración 2 años). b) Característica catatónicas (inmovilidad motora- catalepsia actividad motora excesiva o agitación, negativos o extremos). c) Característica melancólica; se presenta en los cuadros más severos y se asocia a un aumento en el cortisol. d) Característica Atípica (reactividad a los estímulos) en respuesta a eventos positivos, aumento de apetito, hipersomnia. 25 25 �e) De inicio en el postparto, si aparece en las cuatro semanas después del parto. f) Con patrón estacional, si hay relación temporal entre el inicio del episodio depresivo mayor y una época en particular del año- otoño o invierno-, con remisión completa en una época particular del año habitualmente en la primavera. Origen de la causa probable de la depresión 26 26 26 La depresión es producto de la interacción de factores genéticos y ambientales; los genes ayudan a controlar la síntesis de los neurotransmisores y/o la conformación de sus receptores, las concesiones sinópticas, la transfusión intracelular, las señales neuronales y los cambios en sus características en respuesta a los estresores ambientales. El BNDF es el factor neurotrófico derivado del cerebro y es debido a su crecimiento de las células neuronales a lo largo de la vida y en relación también a su plasticidad. En las personas deprimidas crónicamente y sin tratamiento puede producirse que el tamaño del hipocampo se vea disminuido con el tiempo (Rot, Mathew y Charles, 2009). La depresión se caracteriza por anormalidades en la noradrenalina, serotonina y dopamina, (Nemeroff 2008). Los eventos estresantes, que se han relacionado con el inicio de la depresión, aumentan la actividad de los circuitos noradrenérgicos en el cerebro. En los pacientes deprimidos y en los suicidas hay una baja concentración del metabolito de la norepinefrina, el ácido 5-hidroxiindolacetico en líquido cefalorraquídeo y las plaquetas. Existe una relación entre las monoaminas con los síntomas de la depresión mayor, existe una participación general conjunta de la norapinefrina o noradrenalina, serotonina y dopamina en el estado de ánimo, emociones y funcionamiento cognitivo; de la norepinefrina y la serotonina; ansiedad e irritabilidad; en la norepinefrina y dopamina en respuesta a lo sexual el apetito y la agresividad. La glándula tiroides juega un papel crucial en los diagnósticos de la depresión, 10% de los pacientes presentan enfermedad tiroidea, una tercera parte muestra una respuesta aplanada de la tirotrofina (TSH) a tiroliberina (TRH) y algunos de ellos tienen alguna alteración autoinmune que afecta la tiroides (Sadock y Sadock, 2003). Ritmos circadianos; estos son ritmos biológicos intrínsecos de periodos de 24 horas y determinan el apetito y el sueño, la temperatura corporal, regulados por osciladores endógenos del núcleo supraquiasmático del hipotálamo. La �luz viaja de la retina al sistema nervioso central por los tractos retino hipotalámico y geniecillo hipotalámico, vía núcleo geniculado ventrolateral; la señal circadiana se envía a través de la intervención simpática periférica a la glándula pineal; el ritmo se precisa sobre 24 horas, adelantándose o retrasándose con relación a la exposición de luz, la luz de la mañana adelanta el ritmo y produce una fase avanzada de secreción de la Melatonina y la luz de la tarde la retrasa; cuando éstas son alteradas se ha relacionado con inicio a la recurrencia de la depresión (Ontiveros- Uribe y Chávez–León, 2008). El trastorno depresivo mayor está en la población mexicana en un 3.3 %, alguna vez en su vida, 1.5% en el último año y de 0.6% en el último mes. La edad promedio de inicio son los dos años. La prevalencia en el primer nivel de atención es de 10% y en pacientes hospitalizados es de 1.5%. En todo el mundo la relación es de mujeres deprimidas por la vida por un 4.5% y en cambio solo el 2% de los varones (Medina-Mora, es al, 2003). Estudio 45 de los estudiantes de la U.A.N.L. encuestados con el inventario de Beck arrojaron la siguiente información; 16 alumnos salieron con resultados normales de estado de ánimo lo cual no es la mayoría eso nos sitúa en una posición moderada, en depresión de leve a moderada 10 alumnos, en depresión moderada a severa 9 alumnos, y en depresión severa 10 alumnos, si sumamos los 9 de depresión moderada a severa; más los 10 de depresión severa, nos da un total de 19; sin lugar a duda debemos estar preparados como Maestros-Tutores para guiar y mejorar la estadía emocional de los alumnos en su trayectoria en la Universidad para poder lograr el perfil de egreso satisfactorio con los estándares oficiales de la visión de la U.A.N.L. 27 27 �Conclusión Se considera al trastorno depresivo mayor recurrente y tendiente a la cronicidad. El 50% de los pacientes tendrá un único episodio depresivo mayor en toda su vida. Sin embargo, los pacientes con enfermedades mentales y aquellos que han tenido un segundo episodio depresivo, tendrán varios episodios más en su vida. Por ejemplo el paciente que ha tenido dos episodios en su vida, tendrá un 70% de probabilidades de sufrir nuevos episodios. Si existe un tercer episodio tendrá un 90% de sufrir mucho más episodios. La asociación de la depresión con el suicidio es clara, el 70% de los suicidas tienen antecedentes de depresión no asistida, y el 15% de pacientes con depresión cometen suicidio. Aunque la cifra de intentos suicidas es mayor (Chávez- León y Ontiveros- Uribe, 2009, pp.108-113.). Seleccionar el tratamiento antidepresivo es crucial para establecer un tratamiento efectivo; la elección inicial habitualmente se basa en la sintomatología predominante, los efectos secundarios potenciales del fármaco y de la coexistencia de patologías médicas. 28 �Referencias Giovagnoli, P. (2002) Determinantes de la deserción y graduación universitaria: una aplicación utilizando modelos de duración, Documento de Trabajo 37, Universidad Nacional de la Plata. Gonzalez, E., González, A., & Soltero, M. (2020). Desarrollo integral de los alumnos. El caso de la FCA de la UACH. Disponibl en: http://www.fca.uach.mx/apcam/2014/04/08/ Ponencia%20126-UACH.pdf Gutiérrez JA, Montoya LP, Toro BE, Briñón MA, Rosas E, Salazar LE. Depresión en estudiantes universitarios y su asociación con el estrés académico. Rev CES Med. 2010; 24 (1): 7-17. Hernández, M., Ramírez, N., López, S., & Macías, D. (2015). Relación entre ansiedad, desempeño y riesgo de deserción en aspirantes a bachillerato. Psychologia.Avances de Martha Paola Garay Mendoza la disciplina, vol. 9, núm. 1, pp.45-57. Disponible en: https://www.redalyc.org/pdf/2972/297233780003.pdf Pianista, concertista y profesora de tiempo en la Facultad de Músi- Linares R. (2021). Los 12 hábitos de las personas resilientes. El ca de la U.A.N.L. Con Maestría en Educación en EDEC de Monterrey, prado psicólogos, p. 4. Disponible en: https://www. y miembro del Comité organizador del Concurso Jóvenes Virtuosos elpradopsicologos.es/blog/resiliencia-resilientes de la Facultad de Música llevado a cabo cada año; en algunas otras Suárez, N., & Luz, B. (2014). Estrés académico, deserción y estrategias de retención de estudiantes en la educación ocasiones en el Festival internacional y Masterclass de Piano a cargo de la directora general Antonina Dragan. superior.Rev. Salud pública. 17(2), pp.300-313. Disponible en: http://www.scielo.org.co/pdf/rsap/ Imparte las cátedras de Piano a nivel Técnico y Licenciatura: Música v17n2/v17n2a13.pdf de Cámara, Acompañamiento Artístico y Coordinadora del Área de Tinto V. Dropouts from Higher Education: A Theoretical Synthesis Pianistas Acompañantes. También pertenece al Cuerpo Académico of the Recent Literature. A Review of Educational de Educación para la Música. Acreedora del perfil deseable de PRO- Research.1975; 45, 89-125. DEP Programa para el Desarrollo Profesional Docente, desde 2018. Trunce, S., Villarroel, G., Arntz, J., Muñoz, S., & Werner, K (2020). Niveles de depresión, ansiedad, estrés y su relación con El 31 de enero de 2019 publicó su primer libro “Estrategias de ense- el rendimiento académico en estudiantes universitarios. ñanza pianística musical para el desarrollo de habilidades cogniti- Investigación Scielo, Vol.9, “p”.36. Disponible en: vas”, con la Editorial T&R. El 28 de diciembre de 2020 publicó su se- http://www.scielo.org.mx/scielo.php?script=sci_ gundo libro “El lado oscuro de una Pianista con la Editorial T&R. arttext&pid=S2007-50572020000400008 Vera.L, Niño J, Porras A, Navarro J, Caballero M, Delgado P, & Durán J. (2020). Salud mental y deserción en una población universitaria con bajo rendimiento académico. Católica del Norte, Fundación Universitaria; Pioneros en educación virtual., Núm. 60, pp 137-158.Disponible en: https://www.redalyc.org/journal/1942/194263234008 29 �Las pesadillas del simulacro: Los seres artificiales como figuras monstruosas (2ª parte). Jesús Eduardo Oliva Abarca ORCID: 0000-0001-9250-0886, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. jesus.olivaabr@uanl.edu.mx 30 Resumen Palabras clave: androide, seres artificiales, ciborg, robot, simulacro. En toda época, diversos seres artificiales han poblado la imaginación humana; animados por el mito, la magia y la ciencia, estas criaturas acompañan al ser humano en su perpetua pesquisa por descubrir los mecanismos secretos de la existencia. Este impulso de recrear la vida da origen a toda una fauna de seres de variada factura: autómatas, robots, androides y cíborgs se convierten en depositarios de los deseos e inquietudes de la especie humana y, como protagonistas de obras literarias, cinematográficas, series televisivas, historietas y videojuegos, representan a un mismo tiempo ensueños placenteros y terroríficas pesadillas. Este artículo se propone evidenciar la faceta monstruosa de los seres artificiales a través del análisis de cinco personajes emblemáticos de la literatura y el cine: la “criatura” de Frankenstein, la ginoide Hadaly, la robot María, el “Exterminador” T-800, y la replicante Rachel, figuras monstruosas en tanto amenazan con emular, y superar, al ser humano. �Abstract In every age, many artificial being have inhabitated the human imagination; animated by myth, magic and science itself, these creatures are companions of the human being, who seeks to uncover the secret mechanisms of the existence. This urge to recreate life gives rise to a whole fauna of beings of varied confection: automaton, robots, androids and cyborgs become depositories of the desires and concerns of human species. They are main characters in literature, cinema, televisión, comics and videogames, and portray at a time pleasant day dreams and frightening nightmares. The purpose of this paper is to demonstrate the monstrous side of artificial beings through the analysis of five iconic character in literature and cinema: Frankenstein’s “creature”, Hadaly, the “andreïde”, Maria, the robot, the “Terminator” T-800, and Rachel, the replicant in Blade Runner, are all monstrous figures threatening to emulate and surpass the human being. Key words: android, artificial beings, cyborg, robot, simulacrum. Introducción Los seres artificiales han existido en la imaginación y en la vida de los seres humanos desde tiempos remotos; testimonio de ello lo brindan los mitos y leyendas de criaturas de diferente concepción, y que nutrirían, posteriormente, obras literarias, cinematográficas, series de televisión, historietas, manga y videojuegos, formas expresivas y comunicativas en las que un ser, o seres, traídos a la existencia por la inventiva y la ambición humanas, desempeñan roles centrales, sea como protagonistas o antagonistas. 2. La amenaza del simulacro Posiblemente Frankenstein, o el moderno Prometeo es el primer relato sobre un monstruo –en todas las posibles acepciones— artificial moderno. La “criatura” concebida por Mary W. Shelley extiende su influencia más allá de la literatura, convirtiéndose en un ambiguo icono a través de incontables adaptaciones cinematográficas que van desde la clásica La maldición de Frankenstein (1957), pasando por películas paródicas como la magistral El joven Frankenstein (1974) dirigida por Mel Brooks, o en la televisión, con el inofensivo Herman Munster, de la teleserie Los Munster, hasta llegar a los videojuegos, concretamente en la saga de Castlevania, en la que aparece como uno de los villanos a derrotar por el héroe. La popularidad de la “cria- 31 �tura” –a la que erróneamente se le llama como su creador— radica en la mixtura de emociones que provoca; entre el terror y la compasión, la “criatura” es un ser peregrino, que se desplaza a través de diversas indeterminaciones en busca de su puesto en el mundo. La primera indeterminación de la “criatura” es la de su concepción: el ente creado por Frankenstein es un androide orgánico producido por una rudimentaria bioingeniería, un ser artificial con una figura remotamente semejante a la del hombre, resultado de la juntura imperfecta y desproporcionada de partes y órganos de cadáveres. Pese a las limitaciones a las que Víctor Frankenstein se enfrenta, su experimento se lleva a cabo con éxito, logrando traer a la vida a su criatura, para inmediatamente horrorizarse con el resultado: “cuando los músculos y las articulaciones dieron vida a su rostro, éste se convirtió en algo tan horrible que ni el mismo Dante hubiera sido capaz de imaginar” (Shelley 67). Desde su concepción, la criatura es un monstruo, marcado por un nacimiento contra natura y por su aspecto horrible, y repudiado por su padre-inventor, quien, al abandonarlo, lo condena a la marginación y a la soledad. 32 No obstante, la verdadera monstruosidad de la “criatura” radica no en su fealdad física, expresada a través de su desproporcionada anatomía, sino más bien en la desproporción entre su aspecto exterior y sus inclinaciones bondadosas, como se lo confiesa a su creador, Frankenstein, en su primer encuentro después de su inicial separación: “Créeme, Frankenstein, mi alma era amorosa; pero, ¿no ves que estoy irremisiblemente solo? Si hasta tú, mi creador, me aborreces” (118). La criatura continúa relatando a Frankenstein como aprendió el lenguaje humano conviviendo a escondidas con una familia, mostrando, de esta manera, que es un ser capaz de comprender el universo simbólico de los hombres que le temen y le aborrecen. Aún más, los actos violentos del monstruo son motivados por el desencanto moral que le produce su padre-inventor y, por consecuencia, la especie humana entera. Es un ser autoconsciente, que se interroga a sí mismo respecto a su propia condición y al lugar que ocupa en el entramado de la cultura, a sabiendas de que humanidad lo ha situado en los márgenes de la misma; no obstante, la criatura llega a una respuesta para salir de los recovecos a que ha sido confinado, y expone a Frankenstein la necesidad de compañía: “Ningún hombre quiere relacionarse conmigo. Pero si hubiera un ser tan horrible como yo, estoy seguro de que él no se negaría a ser mi compañero, porque su misma soledad le uniría a mí. Así pues, mi semejante deberá tener los mismos defectos que yo; tiene que ser de mi misma especie. Sólo tú puedes crearlo. ¡Hazlo!” (173). �Es necesario insistir en que la “criatura” es, incluso como ser artificial, uno atípico. Sujeto a variadas indeterminaciones, el ente creado por Frankenstein oscila entre inclusión y la exclusión; pese a ser repudiado por su origen antinatural y por su fealdad y desproporción físicas, las características morales e intelectuales que posee lo aproximan al ser humano; la “criatura” es uno de los simulacros más perfectos, supone una de las más peligrosas amenazas de reemplazo en tanto puede apropiarse de lo espiritualmente constitutivo de la humanidad misma: la capacidad de crear una forma de vida propia, una cultura. Las funestas cavilaciones de Víctor Frankenstein, al momento de iniciar la creación de la compañera de su monstruo-hijo, dan fe de este profundo terror: “Suponiendo que ella aceptase abandonar Europa y acompañarle hasta los desiertos del Nuevo Mundo, uno de los primeros resultados de esta decisión y de sus demoniacos anhelos sería el nacimiento de hijos, lo cual daría lugar a que se propagara sobre la tierra una raza que haría la vida del hombre sumamente peligrosa” (204). El horror que sobrecoge a Frankenstein reside en que en su criatura ha depositado, sin desearlo ni saberlo, la humana capacidad del discernimiento; el ente creado por Frankenstein es un monstruo moral, víctima y verdugo de la especie a la que se asemeja y que continuamente lo excluye de sus dominios: “As in humans, the actions of an artificial being with free will are closely tied to its view of itself, especially as the creature learns where it fits—or doesn’t—into the run of humanity” (Perkowitz 21). El efecto de extrañamiento que se experimenta ante la “criatura” es resultado de su indeterminación entre lo humano y lo inhumano, en su búsqueda infructuosa por encontrar su ser propio y en la consciencia dolorosa de que permanecerá a las orillas de la civilización humana, el monstruo revela el descontento causado por su condición de proscrito: Es cierto, ¡soy un miserable! He asesinado a criaturas indefensas; he estrangulado al inocente mientras reposaba; he arrancado la vida de quienes no me habían ofendido jamás; he conseguido que mi creador se convirtiera en un alma en pena después de haber sido un magnífico ejemplo de admiración y amor... Le he perseguido hasta acosarle, y ahora yace aquí, sin vida. Vos podéis odiarme, pero nunca llegará vuestro odio al nivel que llega el que yo siento por mí mismo. Miro estas manos asesinas, escucho el corazón que concibió tales planes, y espero con ansia el momento en que ni mis ojos ni mis oídos serán capaces de ver u oír (Shelley 273). El odio que la “criatura” expresa de sí mismo, y su anhelo por consumar su existencia, por desaparecer de la faz de la tierra, son signos de una melancólica existencia en pos del sentido que le es negado desde su concepción, y que lo conduce a la desilusión moral. El ente creado por Frankenstein es un 33 �simulacro monstruoso de lo humano, la expresión de los excesos y errores de una humanidad corrompida. De manera parecida al monstruo de Frankenstein, Hadaly, la ginoide que protagoniza la novela La Eva futura, de Auguste Villiers de l’Isle-Adam, es un simulacro bien logrado del género humano; más las diferencias entre ambos son claras: la “andreida” es físicamente atractiva, además de que sus motivaciones no son las de encontrar su puesto en el mundo humano, sino conseguir el amor de Lord Ewald. En este sentido, la historia de Hadaly posee marcados paralelismos con el mito de Galatea; Lord Ewald, amigo de Edison, se siente insatisfecho por la superficialidad espiritual de miss Alicia, la mujer cuyo aspecto resume el ideal de belleza del joven, pero cuyo comportamiento le parece vano y simplón: “Como todo ser mediocre, miss Alicia no es boba; es sandia. Su ideal sería aparecer como una mujer de ingenio, por las apariencias brillantes y las ventajas que ello da” (Villiers de l’Isle-Adam 72). Ante estas declaraciones, Edison plantea a Lord Ewald una insólita solución: reinventar, con ayuda de la ciencia, a miss Alicia en un ser moralmente superior. La intervención providencial de la ciencia y la tecnología en este cometido darán vida a Hadaly, la “andreida”, producto del hermanamiento de deseo y ciencia. 34 Cuando Edison presenta su invención a Lord Ewald, el joven queda maravillado por la semejanza entre la copia y la original, pues lo artificial imita con singular maestría a lo natural; pero Lord Ewald no desea a una muñeca sin vida, el simulacro de mujer por el que clama debe estar completo en todos los aspectos, debe poseer un alma que la anime; tal atributo le parece imposible que pueda ser creado por Edison, pero éste prontamente equipara el principio metafísico de la vida a una fuerza de la naturaleza manipulable por el ingenio humano, la electricidad, energía que hará de Hadaly una copia viviente de miss Alicia: “Reproduciré, estrictamente, a esa mujer con la ayuda sublime de la luz. Proyectando ésta sobre su materia radiante, encenderé frente a vuestra melancolía el alma imaginaria de la nueva criatura” (109); el científico exalta la artificialidad de la “andreida” como panacea contra la decepción de Lord Ewald ante la mujer concreta; la copia de miss Alicia será un ser creado a la medida de sus deseos, una mujer-máquina que encarna el ideal de la belleza incorruptible. Al igual que otros seres artificiales, Hadaly es concebida como un tabú, una creación que contraviene a las leyes de la naturaleza y a las divinas; tal es la sospecha de Lord Ewald al sugerir a Edison que la andreida supondría un desafío a Dios. No obstante, la ambición de Edison y el deseo de su joven amigo los lleva a omitir tal atentado y a continuar con el proyecto de crear a la mujer del futuro. Hadaly vendría a ser la mujer perfecta, porque, aunque �de apariencia femenina, es invención del hombre, que la presenta al mundo como reduplicación de lo masculino vestida de feminidad. Después de que Edison mostrara su invento a Lord Ewald, el “electrólogo” y el joven separan sus caminos; más adelante Lord Ewald se reencuentra con miss Alicia, quien se ajusta ahora a las fantasías del joven; extasiado ante el redescubrimiento de su amada, Lord Ewald reniega de la máquina-mujer de Edison, y reivindica a lo orgánico, lo vivo y natural declarando su amor a miss Alicia, quien a su vez revela: –“¿No me reconoces? Soy Hadaly” (315). El enamorado ha caído presa del falseamiento, la réplica artificial de la mujer amada la ha reemplazado con toda efectividad precisamente en el terreno para el que estaba destinada, el de las emociones humanas: “Las palabras dichas por Hadaly habían sido proferidas por la comedianta real sin emoción ni comprensión, como por quien representa un personaje, y he aquí que el personaje, en el fondo del escenario invisible, había aprendido y recordado el papel. La falsa Alicia parecía más natural que la verdadera” (318). Hadaly, el simulacro de mujer, supera a la Alicia viva, su modelo; la “androida” es una eficiente estrategia de disuasión para no añorar a la mujer concreta, aquella que se resiste a ser un pasivo depósito del deseo masculino, factor que lleva a Lord Ewald a percibir a la falsa Alicia como un ser más real que la Alicia de carne; pero lo que inquieta al joven es si podrá amar a la copia mecánica de una mujer concreta, si acaso el amor de la “androida” es genuino y auténtico; tal desconfianza conlleva a la pregunta de qué tanto puede el ser humano confiar en los sentimientos e intenciones de los seres artificiales (Perkowitz 33). Furioso por haber tenido que recurrir a una réplica artificialmente concebida, Lord Ewald rechaza a Hadaly, quien a su vez lo increpa con estas palabras: “Creador que duda de la criatura, me destruyes apenas evocada, antes de acabar tu obra. Luego, refugiándote en un orgullo a la vez traidor y legítimo, ni siquiera te dignas apiadarte de esta sombra con una sonrisa” (Villiers de l’Isle-Adam 335). En el reclamo de Hadaly al amante, revela la “androida” una decepción por su condición de ser artificial; de igual manera a la torturada consciencia de la “criatura” de Frankenstein, que se sabe sin posibilidad de encontrar su ser y su puesto en el mundo, pesa sobre Hadaly el ser percibida como una monstruosa desviación para el hombre al que ama. Hadaly es continuadora del mito de Galatea, visto desde una óptica en la que los dioses no intervienen ni a favor ni en contra de los hombres, y éstos tienen que afrontar las consecuencias de sus actos y decisiones. Pese a que el personaje de Hadaly no es tan célebre, sus atributos y características, así como las interrogantes que plantea, son heredadas a otras féminas artifi- 35 �ciales. No es casual que Thea von Harbou, esposa de Fritz Lang, se basara en la “androida” para concebir a María, protagonista doble de la novela que fuera posteriormente adaptada al cine con el nombre de Metrópolis (1927), una de las máximas obras del cine expresionista alemán, y cuyo argumento se desarrolla en una mega-urbe distópica del futuro, dividida en dos secciones: un barrio subterráneo en el que habitan y trabajan los obreros, y una región superior en la que viven los empleadores y los pensadores. 36 En el nivel en que se encuentra la clase dominadora, los individuos conviven tranquilos, disfrutando de los placeres de una vida ociosa, mientras que, los trabajadores, en el nivel inferior, laboran ininterrumpidamente para mantener en marcha la ciudad. Freder, hijo de Fredersen, presidente de la futurista urbe, es un privilegiado que se entrega día a día a toda clase de diversiones y deleites, pero un día conoce a María, una joven que cuida de los hijos de los obreros, quienes, por la perpetua ocupación de sus padres, se encuentran casi abandonados. María predica una filosofía pacífica y de conciliación, según la cual la clase dominante y la dominada deben llegar a acuerdos: “There can be no understanding between the hand and the brain unless the heart acts as mediator”. La joven ideóloga se convierte en el nuevo objeto de pasión de Freder, y la sigue hasta la región subterránea de la metropolí, sólo para descubrir las condiciones deplorables en que viven los trabajadores, y el trato inhumano que reciben por parte de sus empleadores. Tras esta revelación, el joven se une a la causa de María, apoyando la solución pacífica que plantea. No obstante, Fredersen, quien ya está al tanto de las acciones de María, teme que éstas desestabilicen la armonía de la ciudad, y solicita la ayuda del científico Rotwang para idear un plan que suprima las benévolas intenciones de María; éste le presenta su más reciente invención, un robot antropomórfico, y le propone a Fredersen que esta máquina suplante a la verdadera María y provoque disturbios, para así desacreditar a la joven y justificar que el presidente reprima violentamente a los obreros. No obstante, el robot de Rotwang no estará plenamente al servicio de Fredersen, de hecho, es un instrumento para que el científico pueda tomar venganza contra el presidente, antiguo rival de amores. En una suerte de alquimia tecnológica, Rotwang imbuye el alma de Hel, su fallecida esposa, amante de Frederson y madre de Freder, en el robot, que adquiere vida y toma la apariencia exacta de María, la cual es secuestrada y mantenida contra su voluntad en la mansión del científico. La máquina-mujer suplanta a la María original, e incita a los trabajadores al caos y la violencia. Tras lograr su cometido y dejar a los obreros furiosos, la María artificial seduce en un cabaret a los jóvenes de la clase élite con bailes eróticos, todo ello con el fin de distraerlos del desorden que se está �llevando a cabo en el nivel inferior de la urbe. Los trabajadores destruyen la “Máquina-corazón”, fuente de energía a la ciudad, y provocan una severa inundación en la región subterránea, que amenaza la vida de sus hijos. Conscientes del error, los trabajadores irrumpen en el nivel de la clase de élite y amagan a la María artificial, a quien queman; Freder observa horrorizado, creyendo que quien muere es la mujer que ama, sin embargo, su horror se transforma en sorpresa al quedar al descubierto la naturaleza mecánica de la robot. El joven, al ver entonces que la verdadera María es perseguida por Rotwang, lo encara hasta que éste último cae de un tejado y muere. Tras esta serie de eventos, María y Freder van al encuentro del presidente de la ciudad y del líder de los obreros, con la esperanza de lograr una reconciliación entre las clases enfrentadas. Es necesario señalar que en Metrópolis aparece con una fuerza mayor la dicotomía de lo natural y lo artificial, misma que en La Eva futura ya estaba presente. A lo largo del filme, la oposición entre una María verdadera y una falsa es reveladora de un conflicto doble: por una parte, la relación de dominio que el hombre establece con la naturaleza y que es continuada en la lucha de clases, representada por una dominante, que es la que controla la ciencia y la tecnología, y una dominada, que desempeña el papel de subordinado por su desconocimiento de las estrategias de control de lo natural; por otra parte, la pugna entre lo artificial y lo natural, expresada en la figura duplicada de una María benévola, objeto de un amor no únicamente sexual, y una María maligna, que emplea su sexualidad como un arma para desequilibrar el poderío masculino, pues, a final de cuentas, la máquina-mujer es, como señala Huyssen (138-139) “un artefacto tecnológico sobre el cual se ha proyectado una visión específicamente masculina de la sexualidad femenina destructiva”. Mientras que Hadaly era un simulacro superior a miss Alicia, la María artificial se muestra como un reemplazo indeseable en comparación con la María de carne y hueso; en esta inversión cualitativa radica la monstruosidad de la máquina-mujer, que comparte con sus congéneres artificiales la capacidad de quebrantar el orden preestablecido por el ser humano. 3. La insurrección de los seres artificiales La criatura de Frankenstein, la “androida” Hadaly, y la máquina-mujer María son, en tanto simulacros del ser humano, entes monstruosos que amenazan con suplantar a la especie que los concibió. No obstante, el peligro que representan es, en cierta medida, aislado, pues son seres solitarios, individuos únicos de una raza de seres artificiales cuya población es sumamente escasa. El verdadero riesgo es que a estos seres inéditos les suceda 37 �una prole más numerosa de seres artificiales que, conscientes de su afinidad entre ellos mismos, constituya una comunidad, y cuyos miembros sean capaces de abolir el sistema humano imperante para instaurar el nuevo orden de lo artificial: “si el hombre perdiera el privilegio de ser la criatura más inteligente del planeta, ¿seguiría siendo el amo del universo? ¿Aprendería a compartir el trono con las máquinas vivientes? ¿Las consideraría como sus semejantes o sería reemplazado y posiblemente eliminado?” (Yehya 20). Esta desastrosa posibilidad fue entrevista por Karel Čapek, en su obra R.U.R. (Robots Universales Rossum), que relata la sublevación de los robots, raza de seres sintéticos superiores al hombre, que termina por reemplazar, de manera violenta, a los seres humanos. La pesadilla de una rebelión de este tipo ha sido una constante desde que se ha concebido como posible el producir masivamente los artefactos de los que se sirve el género humano. El ser artificial, siendo también un artefacto, a la vez que un artificio de la imaginación humana, es proclive a la masificación (Mitchell 179-180), proceso por el cual se convierte en una colectividad. 38 Esta es la premisa de la que parten diversos filmes en la actualidad, como Inteligencia Artificial (2001), en la que se narran las aventuras de David, un niño robot que desea ser un niño de verdad, y que descubre que es sólo una copia, entre muchas más, de robots infantiles; otro ejemplo es Yo, robot (2004), película situada en un futuro en el que los robots se han convertido en una presencia cotidiana, desempeñando funciones de trabajo pesado y doméstico, pero una falla en su funcionamiento los convierte en un peligro para la humanidad. No obstante, es el filme de culto Blade Runner (1982) uno de los que mejor expresa la amenaza colectiva que suponen los seres artificiales; adaptación libre de la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?, del escritor de ciencia ficción Philip K. Dick, el argumento de Blade Runner arranca cuando Rick Deckard, un cazador de replicantes retirado, es llamado a buscar y eliminar a cuatro replicantes Nexus-6, seres biomecánicos de factura humana de última generación, indistinguibles de los humanos en su aspecto y comportamiento, pero con un periodo de vida limitado a cuatro años. Deckard, acompañado por Gaff, se dirige a la corporación Tyrell, responsable de la creación de los replicantes; su intención es comprobar que la prueba Voigt-Kampff funciona con los más recientes modelos. Dicha prueba consiste en una serie de preguntas que permiten comprobar si el sujeto al que se le aplica posee empatía, cualidad de la que, supuestamente, carecen los replicantes. En el mismo lugar, Deckard conoce a Rachel, una replicante experimental que tiene recuerdos artificiales implantados. Pos- �teriormente Deckard y Gaff irrumpen en el apartamento de Leon, uno de los androides biomecánicos mientras éste y Roy –quien pudiera considerarse como el antagonista— buscan la forma de llegar a Tyrell, presidente de la compañía que los creó. Tras la infructuosa pesquisa, Deckard recibe la visita de Rachel, a la que revela que es un replicante, señalando que sus recuerdos no le pertenecen: “They’re implants. Those aren’t your memories, they’re somebody else’s”. Para sorpresa de Deckard, Rachel se retira llorando. Continuando con su misión, el policía se dirige en busca de Zhora, una replicante que trabaja como prostituta, y, tras una persecución, logra “retirarla”. Luego de este episodio, a Deckard se le encomienda “retirar” a Rachel, y, mientras la sigue es atacado por Leon; durante el altercado, Rachel acude en auxilio de Deckard, y se dirigen al departamento de éste, donde, después de un momento de calma, ambos comienzan a enamorarse. Durante estos sucesos, Roy consigue confrontar a Tyrell, pidiéndole que extienda su plazo de vida, pero éste se niega; furioso, Roy asesina a su autor intelectual para posteriormente escapar. En una última confrontación con los replicantes perseguidos, Deckard es superado por Roy y, al intentar escapar, queda colgado de la viga de un edificio. Justo antes de caer, Roy sujeta a Deckard, salvándole la vida. El plazo del replicante está por concluir, y en sus últimos momentos, un deteriorado replicante le dirige unas últimas palabras a quien fuera su persecutor: “I’ve seen things you people wouldn’t believe. Attack ships on fire off the shoulder of Orion. I’ve watched c-beams glitter in the dark near the Tannhäuser Gate. All those ... moments will be lost in time, like tears...in rain. Time to die”. Al regresar a su departamento, Deckard se reencuentra con Rachel, y emprenden la huída. Antes de salir, encuentran un origami dejado por Gaff, en señal de que les ha dejado escapar. Al igual que los robots de Rossum, los replicantes son considerados seres inferiores a los humanos; producto de la bioingeniería, ambas criaturas parecieran cumplir con una de las fantasías modernas de la clonación: la posibilidad de crear seres sintéticos a los que se les puedan delegar las tareas incómodas del hombre. La figura del clon, también un ente artificial, vendría a ser la cúspide del simulacro, de los esfuerzos humanos por imitarse. Los replicantes son todavía más perfectos que otros seres artificiales, porque poseen una memoria –aunque implantada—, son portadores de un pasado simulado que consideran propio; a diferencia del robot, que se sabía distinto del hombre, el replicante no es consciente de ser el otro, pues en virtud de su “autonarrativa” se ha integrado en el espectro histórico de la humanidad: “the narrative self -the self identified by a story told both to ourselves and others, and told both by ourselves and others. […] The narrative self is a self built out of our own and others’ conceptions of our projects, 39 �capacities, possibilities, and potentials” (Clark 132); este ser artificial logra una plena autonomía experiencial, como lo evidencia Roy, a quien le duele morir porque implica el dejar de ser, de recordar. Desde esta óptica, el replicante dista mucho de ser un villano, antes bien, es un sujeto al que se le puede compadecer (Broncano 34); no obstante, no son ni las intenciones ni la apariencia de los replicantes las que producen extrañeza o miedo, sino más bien su capacidad para poner en tela de juicio al ser humano mismo. Las palabras que Rachel dirige a Deckard, a propósito del test Voigt-Kampff, son detonantes de una inquietud que retorna con singular agudeza: “You know that Voigt-Kampff test of yours? Did you ever take that test yourself?” La importancia de la figura de Rachel radica en su capacidad para cuestionar; al poner en duda la efectividad del test de empatía, la replicante vulnera la línea que separa al hombre del ser artificial, mostrando que la categórica división entre original y copia ya no es irrefutable. 40 El temor que en Blade Runner es planteado de manera melancólica, en el filme The Terminator (1984) adquiere un tono muy distinto. En las figuras abordadas previamente, Frankenstein, Hadaly y Rachel, la insubordinación es resultado del rechazo, la exclusión y la discriminación que experimentan estas criaturas por su condición de simulacro; pese a que no sólo parecen humanos, sino que actúan como tales, son percibidos como aberraciones, monstruos que imitan a una especie genuina y auténtica: “el hombre artificial no es un monstruo cualquiera, sino [...] un ser capaz de eliminar el espíritu de una sociedad, una amenaza peor que la muerte que representa la colonización del cuerpo, la conquista de la mente, la destrucción y la sustitución de nuestra especie por un simulacro mecanizado de nosotros mismos” (Yehya 78). La humanización de los seres artificiales pareciera únicamente alimentar la sospecha de la suplantación, como si la razón, el sentimiento y el deseo fueran recursos orientados a que estas criaturas reemplacen sin menor problema al ser humano. Cabe, sin embargo, la posibilidad de que el mimetismo artificial sea efectivamente una estrategia de depredación; tal es el caso del T-800, como describe Kyle Reese: “The Terminator’s an infiltration unit: part man, part machine. Underneath, it’s a hyperalloy combat chassis, microprocessor-controlled. Fully armored; very tough. But outside, it’s living human tissue: flesh, skin, hair, blood - grown for the cyborgs”. El T-800 está diseñado explícitamente para suplantar a su presa, al ser humano. Es una máquina con apariencia humana, pero desprovisto de las cualidades otorgadas a otros seres artificiales; no distingue edad, sexo, ni �color de piel, todo hombre, mujer, niño o anciano es su objetivo. El “Exterminador” tiene una clara ventaja respecto de la “criatura” de Frankenstein, la ginoide Hadaly, o los replicantes Roy y Rachel: no se autocuestiona. Su búsqueda está bastante clara, no le importa encontrar su ser ni su puesto en el mundo, no desea el amor de nadie, ni vivir una vida plena de experiencias. Aparte de su aspecto físico, no hay en él ninguna otra señal de humanidad; como icono del cine de ciencia ficción, debe su popularidad al hecho de ser una máquina perfecta, carente de emociones, y, lo peor, es una presencia amenazante permanente, que no se detendrá ante nada para eliminar a su víctima: “That Terminator is out there! It can’t be bargained with. It can’t be reasoned with. It doesn’t feel pity, or remorse, or fear. And it absolutely will not stop, ever, until you are dead”. El objetivo primario del T-800 es Sarah Connor, mujer que se convertirá en la madre del líder de la resistencia humana en un futuro regido por la súper computadora Skynet. El T-800 es enviado al pasado, al año de 1984, para asesinar a la futura madre de John Connor, pero éste envía a uno de sus hombres de confianza, Kyle Reese, a proteger a su madre. El modus operandi del T-800 es sencillo: localiza a todas las mujeres llamadas Sarah Connor y comienza a eliminarlas sistemáticamente; cuando por fin encuentra a su objetivo, el “Exterminador” es detenido, sólo provisionalmente, por Kyle Reese, quien consigue escapar junto con Sarah Connor. El soldado explica a una incrédula Sarah que en el futuro la especie humana será llevada al borde de la extinción, y que ella será la madre del hombre que lidera a los restos de la humanidad. Tras una serie de persecuciones, Sarah y Kyle se resguardan en un hotel; ahí Kyle le confiesa a Sarah que ha estado enamorado de ella y que fue por ese motivo que se ofreció para regresar en el tiempo a protegerla; Sarah, conmovida por la revelación, lo besa. Ese mismo día tienen relaciones sexuales, quedando Sarah embarazada. Llegada la noche, el “Exterminador” los localiza, pero consiguen huir al ser alertados por los ladridos insistentes de un perro, animal que es capaz de detectar a las máquinas humanas. El T-800 los sigue, pero los perseguidos logran detenerlo al hacer explotar el camión que conducía; todo el aspecto orgánico del “Exterminador” se quema, hasta quedar únicamente el esqueleto mecánico, visión que horroriza por igual a Sarah y a Kyle. Acorralados, se refugian en una fábrica; Kyle enfrenta al T-800, y consigue colocarle una bomba casera cuya explosión mata al soldado y deja al “Exterminador” sin piernas y sin un brazo. Aún en ese estado, el T-800 busca eliminar a Sarah, hasta que ésta activa una prensa que destruye por fin a la máquina. Luego de todos los percances, Sarah es llevada al hospital y, mientras la transportan en camilla, obser- 41 �va tristemente el cadáver de Kyle. Meses después, Sarah, ya embarazada, emprende un viaje; lleva consigo a un perro guardián y una grabadora en la que relata a su hijo no nacido todas sus experiencias. En una gasolinera, un niño le toma una fotografía, misma que atesorará Kyle Reese en el futuro; en el horizonte se divisa una fuerte tormenta, y Sarah continúa su camino. Conclusión 42 Los seres artificiales pertenecen a un linaje de criaturas que, desde siempre, provocan un ambiguo sentimiento en que se entremezclan la fascinación y la extrañeza. Aquellos cuya creación se debe a potencias divinas o mágicas, como Galatea, el Golem, o Alraune, son parientes muy próximos de otros seres fantásticos tales como los fantasmas, las quimeras, los vampiros y los hombres lobos; los que son producto de la ciencia y la tecnología se emparentan con los extraterrestres –antropomórficos o no— y los súper ordenadores de la sci-fi. Sea cuál sea su parentela, los seres artificiales constituyen, al mismo tiempo, una radical y sutil manifestación de la Otredad (Kearny 116-117): son los otros encubiertos, capaces de imitar a la perfección la apariencia, los actos y las intenciones humanas, y es sólo hasta que su engaño es revelado, cuando se descubren como pseudo-humanos, que son percibidos como una amenaza para la identidad del individuo y la especie humanas. Concebidos como meras réplicas del ser humano, los seres artificiales se perfeccionan como simulacros, esto es, como copias independientes del modelo que las origina. Y es precisamente al adquirir autonomía existencial que los seres artificiales se convierten en monstruos, criaturas que escapan de la comprensión y el arbitrio humano. �Referencias Brocano, Fernando. La melancolía del ciborg. Barcelona: Herder, 2005. Impreso. Cameron, James (dir.). The Terminator. Estados Unidos: Herndale Films, 1984. DVD. Clark, Andy. Natural-Born Cyborgs: Minds, Technologies, and the Future of Human Intelligence. Oxford University Press, New York, 2003. Impreso. Hoffman, E.T.A. El hombre de la arena. México: Factoría, 1992. Impreso. Huyssen, Andreas. Después de la gran división: modernismo, cultura de masas, posmodernismo. Buenos Aires: Jesús Eduardo Oliva Abarca Adriana Hidalgo Editora, 2006. Impreso. Kearney, Richard. Strangers, Gods, and Monsters: Ideas of Otherness. London: Routledge, 2002. Impreso. Lang, Fritz (dir.). Metropolis. Alemania: UFA, 1927. DVD. Profesor-investigador en la Facultad de Artes Visuales, de la UANL. Meyrink, Gustav. El Golem. Trad. Alberto Laurent. Barcelona: Es profesor investigador en la Universidad Autónoma de Nuevo León. Edicomunicación, 1998. Impreso. Mitchell, William J. Me++. The Cyborg Self and the Networked City. Massachusetts: The MIT Press, 2003. Impreso. Su línea de investigación es la de Industrias Culturales y Creativas, y su especialidad es en sociología del arte y de la literatura. Ha concluido exitosamente proyectos de investigación financiados, de los Ovidio. Las metamorfosis. México: Porrúa, 1999. Impreso. que se han derivado artículos científicos publicados en diferentes Perkowitz, Sidney. Digital People. From Bionic Humans to revistas nacionales e internacionales. Actualmente se desempeña Androids. Washington: Joseph Henry Press, 2004. como Subdirector del Centro de Investigación y Posgrado de la Fa- Impreso. cultad de Artes Visuales de la UANL. Piscitelli, Alejandro. Ciberculturas 2.0. En la era de las máquinas inteligentes. Buenos Aires: Paidós, 2002. Impreso. Sibilia, Paula (2006): EI hombre postorgánico: Cuerpo, subjetividad y tecnologías digitales. Buenos Aires: Fondo de Cultura Económica,2006. Impreso. Scott, Ridley (dir.). Blade Runner. Estados Unidos: Blade Runner Partnership, 1982. DVD. Shelley, Mary. Frankenstein. México: Tomo, 2005. Impreso. Villiliers de L’isle-Adam, Auguste de. La Eva futura. Trad. Mauricio Bacarisse. Madrid: La Fontana Literaria, 1972. Impreso. Yehya, Naief. El cuerpo transformado. Cyborgs y nuestra descendencia tecnológica en la realidad y en la ciencia ficción. México: Paidós, 2001. Impreso. 43 �Una realidad incómoda La infantilización de las masas: El eterno niño por encima de la maduración del Yo adulto. Rosa Isabel Ramírez Saldívar ORCID: 0000-0002-5582-2218, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. rosa.ramirezsl@uanl.edu.mx 44 Resumen ¿Cuándo permitimos que la demagogia se apodere de las aulas? En la actualidad, la ignorancia ya no se propone como lo preocupante, sino la obstinación de mantenerse en dicho estado. ¿Qué ha sucedido con la humildad de la sabiduría? Durante nuestro escrito, se pretende enunciar una serie de eventos que diluciden el contexto actual en el que como sociedad nos estamos cerniendo. La idea central, es analizar dichas esferas y reflexionar sobre su contribución en los efectos tanto a nivel individual como social, para de esa manera tratar de entender más adecuadamente las causas de la sintomatología que se extiende. Palabras clave: Educación, Psicología Social, Psicología Educativa, Sociología. Se reflexionará sobre la situación actual de la educación, la infantilización eterna que evade las responsabilidades del Yo adulto, la victimización de las masas, y la censura políticamente correcta. Se pretende invitar a una reflexión sobre el tipo de sociedad en la que no solo estamos viviendo, sino también, fomentando. �Abstract When do we allow demagogy to take the classrooms? Now a days, ignorance is not the mayor problem, instead the obstinacy of staying in this condition. What happened to the humility of wisdom? In this essay, we pretend to state a series of events that elucidate its current context in which as society we are positioning. The main idea, is to analyze these spheres and reflect its contribution and effects in an individual and social levels, in order to try to better understand the right causes of the symptomatology spread. It will reflect the current educational situation, the eternal infantilization that evades the responsibilities of the adult-self, mass victimization, and politically correct censorship. It is intended to invite a reflection on the type of society in which we are not only living, but also, promoting. Introducción Es muy interesante ver cómo, gran número de personas prefieren la mentira por sobre la verdad. ¿Quizás porque incomoda menos? Me ha tocado ver en muchas ocasiones cómo la molestia apremia cuando uno expresa algo que el otro usuario no quiere escuchar (sin importar el tacto que se use). ¿Quizás ellos sólo preguntan para que les leas la mente y les digas lo que esperan? En diferentes ocasiones mejor sólo me limito a pensar: —No sé qué te puedo decir, que tú quieras escuchar y que yo esté dispuesta en decir. ¿Por qué nos afecta tanto la verdad? Leyendo sobre la filosofía allá en Grecia antigua (Boeri, 2021), me hace reflexionar sobre la idea de la ignorancia. ¿Quizás porque cuando tú conoces ya no puedes huir de la verdad? Un caso es, cuando una persona no sabe que para cruzar el semáforo se requiere el indicativo de la luz verde, así que siempre se cruzaba a búsqueda de conveniencia a lo que él creía más adecuado, pero cuando se enteró que la señal en color rojo era detenerse y el color verde avanzar, además de todas las consecuencias que podía comprometer no atender la regla, ya no podía simplemente obviarla porque “no sabía”, ahora era su responsabilidad de acatar la información para evitar posibles accidentes; él ahora era consciente de la responsabilidad moral y cívica que le correspondía cumplir. Ahora, sí él incluso así, decide ignorar la regla a sabiendas de todo lo que Key words: Education, Social Psychology, Educational Psychology, Sociology. 45 �puede ocasionar y afectar otra vida y la suya, entonces él sigue siendo un ser ignorante pero ahora obstinado (Evelio, 2015), porque él en realidad no ha aprendido y cree que su actuar es más adecuado. Cuando sabes la verdad sólo te quedan dos opciones: Te haces responsable o sigues enfermo del alma, es decir, ignorante. Hacerse responsable cuesta, y cuesta mucho, sobre todo cuando se trata de uno mismo. ¿Saben? Generalmente no nos cuidamos a nosotros, somos los más desinteresados y dañinos para uno mismo. Eso me lleva a reflexionar sobre la paradoja del ¿cómo queremos apoyar, cuidar, relacionarnos con otros, si ni siquiera sabemos hacerlo con nuestra persona? ¿Con qué moral lo hacemos? Así que, cuando la gente recibe la verdad, es fácil incomodarse porque eso hace que le saquen de su zona de confort (y como buena especie cómoda, nos encanta ese lugar). Así que te terminan guindando de insensible. Y me pregunto: ¿No es más insensible aquel que te trata con mediocridad mintiéndote porque no te cree una persona capaz de progresar y evolucionarse? 46 Toda esta información, aunque te invita a cuestionarle como individual, también busca que el lector se posicione en lo macro. ¿Cómo somos nosotros en la sociedad? ¿Cumplimos nuestras responsabilidades? ¿Sabemos cuáles son? En el siguiente artículo, se intentará reflexionar sobre la calidad educativa que en la actualidad se propone para el estudiante. Se buscará entender la vinculación de los eventos desde diferentes perspectivas, y cómo ellos, cumplen una función para influir en que se desarrolle de tal manera. La idea central que propone el artículo, es invitar a cuestionar sobre lo que hemos y estamos haciendo como sociedad y como sistema educativo, se insta a cuestionar la información para que seamos capaces de generar un mejor criterio a la hora de actuar y construirnos. Para analizar de manera más adecuada el artículo, es importante estar familiarizados por lo menos un poco con lo que representan los siguientes términos: compromiso cívico, moralidad, ética, masificación y Responsabilidad Social Empresarial (RSE). De igual manera, no deben serles ajenos los conocimientos sobre: Psicología, Psicología Social, Psicología Educativa, Sociología, Modernismo y Posmodernismo. Por otro lado, el artículo se encontrará dividido en dos partes: La primer parte se encargará de analizar terminologías y tratar de entender el por qué se �están suscitando desde un nivel biológico, hasta el psicológico y psicosocial, comenzando por lo que significa la educación y los roles que involucran al estudiante y docente, para pasar a considerar términos como el Puer aeternus, La modernidad líquida y la Infantilización. En la segunda parte: Profundizaremos sobre la masificación, La cultura infantilizada, las consecuencias de la no maduración del Yo adulto y su ridiculización, el pensamiento del posmodernismo y sus microrelatos, además de los agravios legados a la cultura y la educación. Establecido lo anterior, pasaremos a analizar la primera parte. «Un aula se hizo para debatir, para pensar, para crecer; no para censurar, enjuiciar y destruir.» Desarrollo Y llega la pregunta: ¿Cuándo permitimos que la demagogia se apodere de las aulas? Un lugar que antes se ha considerado consagrado para el crecimiento saludable de una mente, en la actualidad desborda de ignorancia, arrogancia y cinismo, donde ufanos, quienes creen conocerlo todo, cuando su opinión no es valorada, vejan a quien no concuerda con tal pensamiento. Pero… ¿qué pasó?, habría que entender por principio: ¿Qué es la educación? Es claro que el término es variable acorde al autor que le reflexiona, la cultura que le enmarca y el tiempo en el que se sitúa; sin embargo, se intentará comprimir en la esencia más básica de lo que se propone su significado y significante. La RAE (s/f), en el Diccionario panhispánico del español jurídico, nos invita a reflexionar sobre el cómo la educación busca un desarrollo del ciudadano en la búsqueda de su crecimiento y fortalecimiento, además de construir una sociedad sana. León (2007), por otro lado, contribuye explicando que “El principio de la educación es la exploración del bien, lo pertinente, la humildad, la sabiduría.” y reflexiona que la educación es una herramienta que permite la maduración del hombre hacia una mente crítica. Derecho fundamental reconocido a todos los ciudadanos que incluye, como mínimo, el derecho de acceso a una enseñanza básica gratuita. […] Se resumen en lo siguiente: la educación debe orientarse hacia el pleno desarrollo de la personalidad humana y del sentido de su dignidad, fortalecer el respeto por los derechos humanos y las libertades fundamentales, así como capacitar a todas las personas para participar efectivamente en una sociedad libre, favorecer la comprensión, la tolerancia y la paz. (Real Academia Española, s/f) 47 �La educación transforma y potencia al hombre natural para hacer emerger un hombre distinto. Lo hace sabio, inteligente, conocedor, industrioso, prudente, independiente, seguro, indagador, amoroso, disciplinado, honesto, alegre, ético sabiendo la diferencia entre el bien y el mal, proclive al bien, a la ciencia y al conocimiento, así entenderá la justicia y la equidad y se acercará al bien y se alegrará de lo que es virtuoso, y físicamente fuerte para soportar las inclemencias del tiempo y las exigencia del trabajo. (León, 2007, párr. 42) Sin embargo, por otro lado, la educación no ha ido obrando de dicha manera (o por lo menos en México actual), sino que se ha situado en la valoración del individuo con los elementos básicos para el campo laboral, pero hasta ahí. 48 “Entristece intuir que la educación, en esta sociedad nuestra, no ha podido hacer mucho, nos hemos conformado con educar para las competencias básicas de leer y escribir, unas nociones igualmente elementales de cálculo y de ciencias, competencias laborales profesionales fundamentales y en general sólo se estimula la obtención de certificaciones, diplomas o títulos que insertan al individuo en el mercado de trabajo.” (León, 2007, párr. 43) Y esto basado bajo los tintes de una educación contemporánea, que, a ojos de la pedagogía crítica, la califica de “… perversa, débil, ignorante, consumista, instrumental, reproductora e inconsistente (León, 2007, párr. 32) Así que, podríamos encontrar que la precariedad en la educación sitúa una sociedad frágil y esclava de su propia ignorancia, sumisa ante el no poder construirse a sí misma para evolucionar en conocimiento de conciencia pleno y consumarse como especie. Así que llega la pregunta si se puede encontrar la manera correcta para la educación. León (2007, párr. 43) reflexiona que sí, sólo se requiere fomentar una cultura de confianza que permita ser, y por añadidura, se gestaría la condición adecuada que permitiría abordar al mundo del conocimiento. Ahora: ¿Quién es el estudiante y qué responsabilidades tiene? ¿Quién es el docente y qué responsabilidades cumple? ¿Cuál es su rol juntos? �El estudiante, es una persona que estudia y que cursa estudios en un establecimiento de enseñanza o de manera remota (Real Academia Española, s/f). A bien, cumple el rol de estudiar para construirse a sí mismo aprendiendo a resolver problemáticas de diferentes índoles, pues ello definirá sus habilidades para enfrentar la vida; así mismo, para ser un buen estudiante, se requiere la facultad de poseer: Habilidades académicas, actitud (positiva y propositiva) y disciplina (Adrián, 2021). En la actualidad, el estudiante puede tomar el conocimiento directamente de un especialista dentro de una institución formal cumpliendo con un programa y horario (estudiante oficial), o bien, de manera autónoma (estudiante libre) buscando los contenidos de interés de manera independiente y sin horarios reglamentados (Pérez & Gardey, 2008). Por otro lado, la página de Significados.com (2019), nos describe el término de docente, como una palabra que proviene del latín siendo el participio del presente de “docēre”, que significa: conveniente o apropiado, y agrega que: “docente es el que forma apropiadamente a alguien”. LA RAE (s/f) nos explica que el “docente” es alguien que “enseña”. El término docente es polisémico y se suele relacionar con algunos otros sinónimos: pedagogo, formador, educador, enseñante, maestro, didáctico, académico, normativo, tutor, facilitador, mentor, entre otros; sin embargo, generando una acepción, el término maestro, aunque al igual que el del docente que es una persona que enseña un conjunto de conocimientos, se encuentra más indicado para aquel que posee una habilidad extraordinaria en el conocimiento que imparte (Arellano, 2011). Así que podríamos decir, en el aspecto más puro sobre la educación y su función, que en un espacio de construcción donde se manifiesta la humildad y la sabiduría dentro de un entorno de confianza, el docente representa a una persona capacitada y diestra para enseñar conocimientos de uno o varios temas, y el rol que en él infiere, es la responsabilidad de la adecuada construcción del estudiante, para que así se encuentre capacitado ante la confrontación de retos futuros en la vida. De igual manera, el estudiante se compromete en responsabilidad y disciplina sobre su aprendizaje, respetando la figura y los conocimientos que representa el tutor. Esclarecidos un poco más los términos para evitar confusiones al nombrarles, podríamos avanzar para tratar de comprender qué ha pasado con la educación en la actualidad y los órganos que comprometen para fomentarla. Retrocedamos un poco durante los últimos casi dos años, cuyos cuales, marchitos por la pandemia del COVID-19, asola con el encierro modificando la educación de una manera significante. Es verdad que para muchos países esto ha resultado benéfico, sin embargo, para países como México, 49 �llega un quiebre no discutible que se sumerge en oscuridad. Anecdóticamente, podríamos mencionar a los tan orgullosos padres de estudiantes que, mofándose del sistema, presumían por las redes que sus hijos habían logrado cursar el año escolar sin haber siquiera entregado algún trabajo que evaluara su nivel. Comparto el pensamiento de la maestra Rosy Montoya tal cual lo publica en su video al criticar esta clase de sociedad (La Razón, 2021). ¡Vergüenza histórica! ¿Cómo podremos mirar atrás y hablar tan orgullosamente a las nuevas generaciones sobre los avances que llegamos a tener en nuestro recorrido mientras preparábamos un más eficiente terreno para ellos? Sin contar las múltiples humillaciones de jóvenes que aprovechaban la falta de conocimientos tecnológicos de algunos docentes de edad avanzada, para burlarse de ellos y avergonzarlos. Tal es el caso del profesor Humberto de la Cruz, perteneciente a la Institución Universitaria Pascual Bravo de Colombia, el cual nos heredaría después, a voz de uno de sus hijos, una frase que hará reflexionar a muchos: “La educación es el servicio más extraño, la gente la paga y no la quiere recibir”. 50 Así lo cita Diario Presente (2020). Es verdad, hay docentes que de docentes no tienen nada, pero también es verdad que hay alumnos que de aprendices tampoco lo tienen. Con tristeza he presenciado cómo, muchos de ellos, a voz secreta y resguardados por el anonimato, insultan y humillan la figura del docente inmersos dentro de una ahogada emoción llena de desprecio y represaría por el simple hecho de que el aprender los insta a tener que moverse, a tener que salir de la zona confortable donde se encuentran y necesitan esfuerzo cuyo cual no quieren ceder. Y lamentablemente aquí debo hacer un paréntesis, porque tampoco se puede responsabilizar a los jóvenes de toda esa conducta, sino que tanto los sistemas educativos que condonan meritos no merecidos, como también los padres con el tipo de educación y valores que ofrecen a sus hijos, son responsables de la herencia que está gestando. (Conozco algún par de historias donde padres han mandado regañar al docente que imparte clase, porque la calificación de su hijo no le parece adecuada ya que la de sus compañeros es más elevada y eso es injusto.) �Volviendo. La figura del docente está desvalorizada, humillada, y no sólo por los alumnos, sino también por la sociedad en general y el propio gobierno. Técnicamente, un padre de familia o el alumno, tiene más derechos, y aparentemente más conocimientos, que el docente para dictaminar su avance evaluativo. Recuerdo, con tristeza, como anécdotas de algunos colegas han mencionado las amonestaciones que se han llevado en su carrera por quejas donde, obligadamente, aunque el estudiante lo merece, no puede ser afectado en calificación porque de lo contrario, afectará su área psicológica. Por ejemplo, en la SEP (Secretaria de Educación Pública) fue obligatorio, con la situación de clases en casa, que los niños tuvieran derecho de estudios y garantizar de esa manera su continuidad, a lo que se les otorgó, a quienes incumplieran, como calificación mínima lo necesario para aprobar (Expansión, 2021). Y yo me pregunto: ¿Derecho humano? ¿No es un derecho humano el respetar esa mente y creerla capaz de superarse? ¿Acaso no tienen derecho a que se les trate con la verdad? ¿Acaso el individuo no tiene derecho a hacerse responsable también de sus responsabilidades? Y por otro lado: Por derecho humano, ¿ellos tienen derecho para aprobar sin el correspondiente esfuerzo? ¿Y dónde queda el derecho del ciudadano que convive con él y cuyo cual pagará las consecuencias de la ignorancia del otro cuando, unidos como sociedad y campo laboral, se necesiten mutuamente? ¿Quién paga los daños psicológicos de las enfrentas futuras ante la caída cultural, que por ende, dará pie a una creciente decadencia? Busco ser empática, pero no sólo con un lado, sino con todos los que conforman la sociedad. Si rechazamos entender el problema real, jamás vamos a encontrar soluciones. Pero: ¿cuál es el problema real? Sigamos indagando. Como primer síntoma, tenemos lo que menciona el presidente ejecutivo de la organización Mexicanos Primero, David Calderón, quien informa que la situación de la pandemia generó un retroceso estimado de tres ciclos escolares (Expansión, 2021). Es claro que esa realidad se divide en microesferas con diferentes discursos que puede enfrentar el estudiante como: cuestión económica, psicológica, salud, etc. Sin embargo, al final, es un factor que está sucediendo de manera crítica y debe atenderse, y dentro de esa porción, también se encuentran jóvenes que no desean esforzarse en su estudio. Como segundo síntoma, independientemente de la pandemia, tenemos una generación que ha bajado su coeficiente intelectual por primera vez en la historia desde que se lleva registro. Se han realizado diferentes investigaciones, sin embargo, entre las más completas, se encuentra la de Michel Desmuger, director de investigación en el Instituto Nacional de la Salud de Francia. 51 �Menciona que la circunstancia de los países pueden influir en el coeficiente intelectual del joven (salud, educación, etc.), sin embargo, el estudio también se realizó en países donde las circunstancias seguían manteniéndose estables. “En esos países los “nativos digitales” son los primeros niños que tienen un coeficiente intelectual más bajo que sus padres. Es una tendencia que se ha documentado en Noruega, Dinamarca, Finlandia, Países Bajos, Francia, etc.” expresa para la BBC News Mundo (2020) en una entrevista para Irene Hernández Velasco. También agrega en dicha entrevista, que aún no es posible determinar los diferentes factores que influyen en que la situación se dé, pero que independientemente de ello, el uso prolongado de pantallas (dispositivos digitales), tiene un papel importante. Varios estudios han demostrado que cuando aumenta el uso de la televisión o los videojuegos, el coeficiente intelectual y el desarrollo cognitivo disminuyen. 52 Los principales fundamentos de nuestra inteligencia se ven afectados: el lenguaje, la concentración, la memoria, la cultura […] En última instancia, estos impactos conducen a una caída significativa en el rendimiento académico. (Desmurget, 2020, párr. 16-18) Aclara, para Hernández Velasco, que las consecuencias del uso excesivo de dispositivos digitales generan esa deficiencia intelectual debido también a factores como la baja interacción familiar, desestimación de otras tareas, disminución del sueño, sobreestimulación de la atención, y también, el sedentarismo. “Se ha observado que el tiempo que se pasa ante una pantalla por motivos recreativos retrasa la maduración anatómica y funcional del cerebro dentro de diversas redes cognitivas relacionadas con el lenguaje y la atención” (Desmurget, 2020, párr. 24). Aquí haré un paréntesis para preguntar, a todo docente, si acaso no ha reflexionado sobre la abrumadora situación al encontrar el bajo rendimiento �de compresión lectora que tienen los estudiantes recientemente, sin contar el lenguaje precario y nivel de análisis crítico/reflexivo. En los últimos tres años, por mi parte, he ido analizando la situación mientras la observo crecer tan imponente como un tsunami que poco a poco va tomando notoriedad y nadie sabe las consecuencias devastadoras que dejará. Aquí, lo único que corresponde, es tratar de ayudar a quienes estén sobreviviendo. Continuando. Entre los cuentos y leyendas en su libro “La fábrica de cretinos digitales”, Desmurget (2020, p. 41), menciona algunas defensas sobre el aprendizaje para la generación de los nativos digitales, como lo son: Ya no se puede negar la realidad: «Nuestros estudiantes han cambiado radicalmente. Los alumnos de hoy ya no son aquellos individuos para cuya educación se creó nuestro sistema escolar. […] Los profesores actuales carecen de la formación que se necesita para trabajar con ellos […] Sin duda, «ha llegado el momento de pasar a otro tipo de pedagogía que tenga en cuenta la evolución de nuestra sociedad», porque «la educación de ayer no permitirá formar los talentos de mañana». Pero, tras una larga lista de argumentos, agrega que: En realidad, si dejamos a un lado las variaciones locales, nos daremos cuenta de que esta verborrea siempre gira en torno a tres grandes planteamientos: la omnipresencia de las pantallas ha dado lugar a una nueva generación de seres humanos, completamente diferente de las anteriores; los miembros de esta generación son expertos en el manejo y la comprensión de las herramientas digitales; si el sistema escolar quiere conservar algo de su eficacia (y de su credibilidad), tiene que adaptarse necesariamente a esta revolución. (p. 41) Sin embargo, añade, que no existen datos sólidos que amparen lo antes mencionado. Por inicio, se piensa que las generaciones pasadas no son capaces de competir contra las destrezas digitales de la generación nativodigital, sin embargo, y analizando un poco ello, es (son), justamente la generación (es) pasada (s) a ellos, quien (es) ha (n) generado toda esa tecnología, y menciona un reciente informe donde “la Comisión Europea situaba «la escasa competencia digital de los estudiantes» a la cabeza de la lista de factores que pueden suponer un obstáculo para la digitalización del sistema educativo” (p. 44), puesto que los jóvenes tienen dificultades en el uso de tareas rudimentarias como programas de ofimática, o bien, el uso de plataformas que no sean de su mundo cotidiano. 53 �Desmurget (2019, p. 45) expresa que esa información se ha corroborado en otra investigación de la Universidad de Stanford, en Estados Unidos, que de manera muy resumida, concluyen que los jóvenes de secundaria y universitarios pueden generar múltiples tareas al encontrarse en diversas plataformas como Facebook y Twitter al mismo tiempo que Instagram, pero que cuando se trata de evaluar la información que se macera en internet, son fácilmente manipulables. La investigación agrega que, como el común es pensar que “… como los jóvenes se mueven fácilmente por las redes sociales, también son competentes para procesar lo que encuentran en ellas.” (p. 45), aunque la investigación demuestra que no es así. Continuando. Los niveles básicos sufren y uno se preguntaría: ¿A nivel superior también sucede? Después de todo, para esas instancias hablamos de jóvenes que se encuentran madurando hacia la adultez; sin embargo, la realidad muestra que todos los rezagos ocasionados en niveles anteriores, colapsan con la responsabilidad del adulto justo en este punto, pues ya la edad identifica la apropiación de conductas y necesidades de cierta maduración mental como las habilidades académicas y disciplinarias. 54 Entonces, ¿se encuentra capacitado el estudiante de nivel superior para enfrentarse contra sí mismo? De acuerdo a Guerri (2021), para Erickson existen 8 estadíos psicosociales, de los cuales nos centraremos en la etapa de Identidad Yoica vs Difusión de Identidad que se presenta entre los 13 a los 18 años (con una variable entre los 20 a los 25 años de acuerdo a factores psicosociales). Aquí se busca identificar quién se es y el rol dentro de la sociedad. La autora explica que: La identidad yoica significa saber quiénes somos y cómo encajamos en el resto de la sociedad. Exige que tomemos todo lo que hemos aprendido acerca de la vida y de nosotros mismos y lo moldeemos en una autoimagen unificada, una que nuestra comunidad estime como significativa Y la sociedad también es parte de la intervención, pues “… debe proveer también unos ritos de paso definidos; o lo que es lo mismo, ciertas tareas y rituales que ayuden a distinguir al adulto del niño” (Guerri, 2021). Que si bien, pienso, algo con lo que podríamos traducirlo para los estudiantes, serían los retos entre las responsabilidades de los grados de estudio a los que se enfrentan. No es la misma exigencia profesional para el nivel de �secundaria, que el de preparatoria o la universidad. ¿Pero qué sucede cuando los factores no se cumplen? ¿Cuándo las figuras adultas no se proponen como modelos de roles adultos adecuados? ¿Cuándo no hay retos que enfrentar para superarse? Sin estos límites, nos embarcamos en una confusión de roles, lo que significa que no sabremos cuál es nuestro lugar en la sociedad y en el mundo. Erikson dice que cuando un adolescente pasa por una confusión de roles, está sufriendo una crisis de identidad. De hecho, una pregunta muy común de los adolescentes en nuestra sociedad es “¿Quién soy?”. (Guerrii, 2021). Existen dos problemáticas que se generan cuando el rol no se cumple de la manera adecuada: Por un lado, cuando se tienen demasiada identidad, se convierte en fanatismo y se vuelca en la intolerancia: Un fanático cree que su forma es la única que existe. Por descontado está que los adolescentes son conocidos por su idealismo y por su tendencia a ver las cosas en blanco o negro. Éstos envuelven a otros alrededor de ellos, promocionando sus estilos de vida y creencias sin importarles el derecho de los demás a estar en desacuerdo. (Guerri, 2021) Y por otro lado, se encuentra que la falta de identidad “… es bastante más problemática, y Erikson se refiere a esta tendencia maligna como repudio. Estas personas repudian su membrecía en el mundo adulto e incluso repudian su necesidad de una identidad” (Guerri, 2021). Así que el adolescente termina adaptándose a algún grupo que le proporcione esa identidad que se niega a la adaptación de la norma social. Y, ¿qué sucede cuando sí se cumplen los roles? Bueno, llega la “fidelidad”, que es aquella donde el individuo a aprendido a adaptarse a la sociedad encontrando así su rol. Se convierte en un individuo que aprende a aceptar la sociedad en la que vive y trabaja para contribuir en su mejora. Aunado a lo antes expresado sobre la generación nativodigital, encontramos que, hablando de tecnologías, no es complejo que alguien de edad superior, pueda indexarse a las tecnologías con éxito; sin embargo, y Desmurget (2020, p. 48) lo explica, si para la edad temprana las aptitudes básicas de la infancia y la adolescencia no se han activado lo suficiente, afectará el desarrollo de aprendizaje del joven desde la maduración de la reflexión, hasta la concentración, la jerarquización de datos o el simple hecho de interactuar con otro individuo. Y si agregamos que no se cumpla la etapa de 55 �desarrollo de manera satisfactoria, enuncia un colapso importante en la educación a nivel generación. Explicado lo anterior, nos proporciona una base sobre la cual se familiariza Axel Kaiser, al expresarse sobre la creciente fragilidad psicológica que atañe a toda una generación y cuya cual se hace más colectiva sobre todo en aras de la edad mental entre la preparatoria y la universidad, que es cuando buscan más pertenencia y aceptación social. Pero, ¿por qué sucede con más ímpetu en la actualidad? ¿La pandemia ha maximizado la situación? 56 Reflexionemos, uno necesita ser empático, he escuchado muchas veces ello, sobre todo en lo que ha sido la pandemia por COVID-19, el alumno pasa por momentos complicados, estoy de acuerdo, la empatía es algo natural que se da como docente. Creo, y no me alejaré mucho de la verdad, al afirmar que no conozco un colega mío que no se hubiera preocupado por algún alumno al desaparecer durante la pandemia o, al mencionar, que no tenía dinero para pagar matrícula, materiales o internet. Cada uno sorteó de la mejor manera posible opciones para lograr los objetivos y apoyarlos. Pero… también vi crecer otro lado donde los alumnos comenzaban con constancia a manifestar no encontrarse cómodos, con sensibilidad o cuestiones personales (que no querían justificar) y cuyas cuales aprovecharon para faltar a clases, no entregar evidencias o pedir oportunidades extraordinarias que, cuando uno como docente no cedía, terminaban estacionadas en departamentos arriba donde se terminaba hablado con el docente, y aparte por parte del alumno, en una retahíla de insultos en las redes sociales criticando la insensibilidad del docente. Y otra pregunta aquí: ¿Y el docente? ¿El docente no es también otro individuo que transcurre por la situación mundial donde se sitúa el resto (incluyendo los problemas tanto materiales como económicos y psicológicos)? ¿Él no tiene derecho de que sean empáticos con él? ¿De enfermarse y necesitar incapacidad? ¿De equivocarse? Y sobre todo, ¿no es acaso el docente quien, tras una serie de estudios diversos a través de su vida, ha logrado obtener tal puesto y cuyo cual le asigna la habilidad para determinar evaluaciones que otros sin ese conocimiento (como padres de familia, alumnos, etc.), intentan apoderarse? Conozco muchos colegas (y me apunto entre ellos), que enfermos o en crisis hemos acudido a aula, no por obligación, sino por el deber ser. Nos preocupa que los objetivos se atrasen, que no se cumplan. Nos preocupa dejar actividades incompletas y que los alumnos requieran apoyo y no estar ahí. Somos docentes porque nos gusta, nos nace y creemos aún en transformar una sociedad más sana, y no porque simplemente se nos ocurrió y listo. Es preocupante ver, pero más que nada frustrante, el cómo crece cada �vez más una inclinación por proteger a los alumnos, incluso, de su propia sombra. Puedo entender que en nivel preescolar esto suceda, pero direccionándolo a nivel licenciatura, no puedo. ¿Cómo entonces el alumno se va a encontrar capacitado para enfrentar los retos venideros? No todo va a salir como él siempre quiera, no van a esperar su ritmo y, tampoco todo el tiempo sus padres van a estarlo defendiendo de los retos del exterior. ¿Qué va a suceder cuando el joven deba demostrar sus capacidades de conocimiento y no las tenga? O peor aún, tenga los conocimientos pero no el carácter para demostrarlos. Aquí certeramente me recuerda a ese ritual que expresa Guerri que se requiere para superar la etapa de la adolescencia. En su artículo “La cultura del victimismo”, Kaiser (2018) reflexiona que “Desde un tiempo a esta parte ha comenzado a ponerse de moda la idea de que debemos proteger a todo el mundo de cualquier tipo de adversidad que enfrente” y que “El resultado de esta histeria protectora es infantes eternos, incapaces de desarrollar la resiliencia que la vida adulta requiere”. ¿Pero qué es un infante eterno? Antes de continuar dentro de la infantilización en la educación, hablemos del Puer aeternus. ¿Qué significa? ¿A qué se refiere? Puer aeternus significa “eterna juventud” y procede de una obra llamada las Metamorfosis, en cuyo cual, Ovidio menciona al dios niño Yaco; así mismo fue identificado con el dios Dionisio y el dios Eros (von Franz, 2006, p. 13). Franz, así como lo hizo su maestro Jung, dan uso del término para describir a un individuo adulto que aún no ha logrado la madurez mental que corresponde y cuyo cual sigue estrechamente ligado a la madre. Otros aspectos de los que puede estar acompañado en su extremo, es una megalomanía patológica de esperar ser el elegido para salvar el mundo pero aún no hace nada porque “todavía no es su momento”. Lo que más teme un individuo así es estar atado a lo que sea. Siente un miedo terrorífico de ser definido, fijado, de entrar completamente en el tiempo y el espacio y de ser el ser humano singular que cada uno es. Siempre alberga el miedo de verse atrapado en una situación de la que le sea imposible escabullirse. (von Franz, 2006, p. 15) Esto concuerda con lo que Bauman (2008) menciona sobre La modernidad líquida, donde el sólido figura como una figura perpetua, sin embargo el líquido fluye, cambia, salpica, jamás se es algo porque siempre se puede ser todo. ¿Quién quisiera ser algo fijo cuando se puede ser todo lo demás 57 �cuando se quiera? Ahora, uno pensaría que en la búsqueda de la licuefacción se propone una visión de liberada renovación, sin embargo, para los sólidos que han tenido que adaptarse a los procesos, lo que han encontrado es dejar su forma sólida para tener que seguir los nuevos lineamientos y verse obligados a adaptarse (pp 8-9). Por otro lado, Dan Kiley establecerá el término dentro de la psicología como: Síndrome de Peter Pan, el cual se designa hacia los adultos atrapados en la niñez y cuyas consecuencias derivaran en personas con una baja autoestima, carencia de realización de logros de vida, niveles altos de ansiedad y tristeza, incluso depresión (Gimeno, 2015). Ahora, ¿por qué nos interesa conocer sobre la maduración del cerebro hacia la adultez? Bien, aquí una pregunta ante lo que Kaiser (2018, párr. 2) reflexiona sobre la cultura infantilizada: “¿Estaremos desarrollando infantes eternos, incapaces de desarrollar la resiliencia que la vida adulta requiere?” 58 Ya lo ha mencionado con anterioridad Bauman (2022) en la Modernidad Líquida donde nada quiere quedar como es, no quieren pertenecer, lo que esto también afecta sus lazos de sólidos, creencias, relaciones, etc. Esta modernidad llega para romper lo establecido, pero a falta de solidificación, también pierde piso. No se puede estar ni completamente flotando, pero tampoco rígido. Los sólidos perdieron al tener que cambiar para adaptarse a lo opuesto, lo líquido también perdió la parte concreta de los sólidos: aquello tangible. En la actualidad, cada vez en mayor medida, no se tienen creencias, lazos firmemente construidos o fidelidad de pertenencia. Un ejemplo será la creencia de Dios. Permítanme explicar sin caer en la parte religiosa, para invitarles a una reflexión. Dios figura como algo más allá de todo lo que conocemos, de algo superior, un personaje que se muestra como el modelo a seguir que nos inspira para construirnos, pues en sí, la figura representa lo perfecto: la bondad, el amor, la responsabilidad y la consciencia. Podríamos poner como ejemplo a Dios como la figura de los padres en la familia. Cuando se deja de creer en él, se pierde el modelo a seguir, misma situación sucede cuando el núcleo familiar está roto por ausencia de los padres (aunque ellos se encuentren ahí físicamente, pero sin responsabilizarse de lo que compromete su rol), o bien, por falta de respeto o credibilidad a los mismos. Así que, cuando falta Dios (o alguno de los padres), es cuando más existe la probabilidad de esa pérdida de identidad que mencionaba Franz (2006), puesto que no hay un modelo con el cual guiarse. Es como correr en un cuarto oscuro sin una luz que nos guíe para no tropezar. Madurar es posible, �pero va a costar más para encontrarnos. Ahora, ¿qué sucede si aplicamos esto mismo a las aulas en clase? Ante la falta de admiración del estudiante, la figura del docente pasa a ser desprolija de ser imitada o respetada. Esto suscita una serie de conflictos, pues se pierde la autoridad que guía, su credibilidad es cuestionada y reducida al nivel del propio estudiante. Que como nota: No trato de figurar el rol del docente como figura omnisciente en el aula por encima de todos, sino que más bien busco aclarar que el rol del docente no es el mismo que el del alumno. Sí, los métodos de enseñanza evolucionan y la manera de gestionar el aula también, donde se hace partícipe la integración a través de un modelo Constructivista, pero, el docente jamás podrá estar a la par del alumno, porque su figura representa la misma situación que con los padres: ser una figura guía. Y para esto, se necesita tener una jerarquía por encima de, que propone suficiente admiración y respeto como para imitar. Paréntesis aquí. ¿Han escuchado o leído por ahí el tan proclamado “los padres son los mejores amigos de sus hijos”? Bueno, un padre no puede ser el amigo de su hijo, como un docente tampoco puede ser amigo del alumno, porque con los amigos tienes más confianza, pero los roles de la influencia de los padres o los docentes requieren marcar un límite donde esa confianza no debe ser rebasada, y sí, respetada. Si el alumno no respeta, no cree. Si no cree, no hace. Si no hace, se estanca. ¿Cuántas veces en el rol de la docencia no nos hemos topado con alumnos incrédulos que cuestionan desde las metodologías de la enseñanza hasta el conocimiento que se les ofrece? Pero, ¿es complemente su culpa no creer? Aquí, como en líneas anteriores se expresaron, podemos decir que en responsabilidad también se encuentra la propia sociedad y el gobierno. El significado de ser profesor ya viene mancillado desde años atrás, forjándose peldaño a peldaño una imagen decadente ante las estructuras de viejas enseñanzas, ¿y francamente? La publicidad en los medios sociales no ha hecho más que agravarla resaltando la negatividad en notas amarillistas. Entonces, ¿si alguien viene a ti y te cuenta que a tal persona no debes de creerle? ¿Le crees? Habrá quien diga que no, otros que sí, pero la duda habrá quedado sembrada. Y eso hace el amarillismo, la nota no es real como tal, pero cumple su función de romper credibilidad. Además, aunemos esa etapa de rebeldía donde los jóvenes se posicionan y en donde nada quieren creer, más el factor líquido, más la educación disruptiva de facilitarles todo y no incomodarlos, más el pensamiento posmodernista. Es claro que, cuando algo los altere, van a saltar. 59 �Conclusión La sociedad es más compleja de lo que se cree, no se puede ver un área y decir que todo lo que sucede se limita a ella. Si seguimos viendo el problema, pero no la raíz que genera todo, al final, será como el enfermo mal cuidado pues, la medicina que se le da no es la adecuada, sólo se le da un sedante temporalmente. ¿Y qué sucede cuando se adormece? Los síntomas pasan desapercibidos, pero siguen creciendo y habrá un momento en que la enfermedad se complique si no se atiende de manera adecuada. Por final, vamos a cuidar en no caer en la ilusión de conocimiento (Boeri, 2021, p. 112). La reflexión que aquí se vislumbra está en la búsqueda de tratar de entender, por eso se analizan las diferentes perspectivas y el cómo todo va transformando a todo. En la segunda parte, ampliaremos más la visión. Por su tiempo, muchas gracias. A dedicación: 60 Porque me importa la sociedad que se cierne y me entristece cómo el hombre se pierde en la ciencia ficción en lugar de encontrarse a sí mismo. Me preocupa la educación que reciben mis estudiantes, no quiero ser parte de los pilares de su propia destrucción. �Referencias Adrián, R. (Última edición: 28 de julio del 2021). Definición La Razón. (2021, 29 julio). Maestra se queja de que los de Estudiante. Recuperado de: https:// alumnos pasen de año sin entregar tareas: ‘Bravo conceptodefinicion.de/estudiante/ Consultado el por tu 6’ La Razón. https://www.razon.com.mx/ 22 de junio del 2022 estados/maestra-queja-alumnos-pasen-ano- Arellano, J. (2011, agosto 1). ¿Qué es un Docente? Recuperado de https://www.gestiopolis.com/ que-es-un-docente/ Bauman, Z. (2002). Modernidad Liquida (R. Mirta & A. Jaime, Trads.). Fondo de Cultura Economica. BBC News Mundo. (2020, octubre 28). Los “nativos digitales” son los primeros niños con un entregar-tareas-bravo-6-442680 León, A. (2007). Qué es la educación. Educere, 11(39), 595-604. 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Desde https://www.definicionabc.com/ www.psicoactiva.com/blog/la-teoria-del- general/estudiante.php desarrollo-psicosocial-erik-erikson/ Kaiser, A. (2018, marzo 20). La cultura del victimismo. Fundación para el Progreso. https://fppchile.org/ es/blog/la-cultura-del-victimismo/ 61 �Rosa Isabel Ramírez Saldívar Enamorada de las letras y graduada como licenciada en Diseño Gráfico Digital, encontró una fascinación en cómo, a través del arte, la palabra se puede expresar en diferentes formas para su entendimiento. Graduada de una maestría en Psicología Educativa especializándose en un enfoque particular sobre los modelos Cognitivo y Constructivista, terminará inclinándose a un firme interés 62 62 sobre la educación al entender que, muchas de las problemáticas actuales, se deben por un descuido de comunicación. Actualmente es docente en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. �PRODUCCIÓN ARTÍSTICA 63 63 �Negativos Futuro Moncada Forero Colectivo Estética Unisex ORCID: 0000-0002-5582-2218, Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. futuro.moncadafrr@uanl.edu.mx 64 Resumen Poéticas y políticas de la paz, generación de arte binacional: Colombia-México es un proyecto de investigación en las artes, que se propone: (i) explorar, intervenir y activar el archivo fotográfico y material hemerográfico de la revista mexicana de análisis político Proceso, así como acervos fotográficos y videográficos existentes en Internet; (ii) generar piezas, a través del diálogo con especialistas e investigadores en derechos humanos y resolución de conflictos, y (iii) realizar intervenciones en el espacio público de Bogotá y Monterrey, mediante la entrega, fijación o proyección de breves frases, con el propósito de reflexionar acerca de la noción de paz y sus múltiples horizontes de sentido. Negativos es un conjunto de piezas hechas mediante el recorte y la correlación de material hemerográfico. Se trata de imágenes recurrentes en la prensa: miembros de las fuerzas militares, políticos ante los medios, ciudadanos convertidos en colectivo, víctimas que demandan la presencia de sus seres queridos y eventos patrios y conmemrativos. La superposición (tergiversación) de estas imágenes y de los textos que las acompañan, redimensionan esas realidades y proponen nuevas capas de sentido. �Negativos hace uso de una de las particularidades del lenguaje presentes en el proyecto, denominada colisión de sentidos, la cual consiste en relacionar imágenes que provienen de diferentes contextos simbólicos, a través de composiciones que utilizan la asociación o la contradicción formal y conceptual. Dichas uniones permiten explorar los ilimitados ángulos de un tema. En este proyecto he combinado imágenes, videos, audios, y también he revestido —en el plano visual— la silueta de algunos elementos con otros, provocando efectos similares. 65 Accidente Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) �Unos cuantos disparos Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) 66 Revolucionario Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) �Dividido Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) 67 Hallazgo Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) �Asta bandera Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) 68 Sombra Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) �Uniformes Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) 69 Secreto Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) �Dinero Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) 70 Sonrisa Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) �Siluetas Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) 71 Rostro de mujer Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) �Rostro de hombre Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) 72 Invasión Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) �73 El General Medidas variables Material hemerográfico intervenido, 2021. Futuro Moncada Forero (Colectivo Estética Unisex) �Futuro Moncada Forero Futuro Moncada Forero. Artista, docente e investigador, ha desarrollado su trabajo en torno a los sentidos del texto, los procesos de la imagen y las derivas del archivo. Ha publicado: Fundidora S. A. (UANL, 2021); México y Estados Unidos se encuentran de noche (Centro de la Imagen, 2019); Yagé (Universidad Autónoma de 74 Nuevo León, 2016); Plumas hocicos lenguas (Universidad Autónoma de Coahuila, 2016); Papel Espejo (CONARTE, 2016); Los vasos comunicantes: Colombia y México -versión visual impresa- (Cutter, 2016) y Poesía es la política del inconsciente (Regia Cartonera, 2015). Es coautor de El imaginario simbólico femenino en las literaturas cubana y colombiana (Universidad Distrital y Universidad de las Villas, 2001) y Pensar una escuela para el siglo XXI (Universidad Distrital, 2003). Pertenece al Colectivo Estética Unisex, cuyo trabajo se inscribe en los campos de la imagen documental, el registro de procesos y la intervención de acervos fotográficos. ��� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Paradigma Creativo Description An account of the resource Paradigma Creativo. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2020. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Paradigma Creativo Año de publicación El año cuando se publico 2022 Número Número de la revista 3 Mes de publicación Mes cuando se publicó Noviembre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Anual Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 3 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Paradigma Creativo, 2022, Año 3, No 3, Noviembre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Paradigma Creativo. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2020. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Estrello Ortiz, Lizbeth, Diseño Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/11/2022 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020753 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Construcción de género Depresión Deserción escolar Disney Estética Infantilización de las masas https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20804/Croma_arte_diseno_audiovisual_2023_Ano_5_No_9_Marzo.pdf 9f8c0b8b90406a2b4357f746c370d216 PDF Text Text ARTE, DISEÑO, AUDIOVISUAL 2023, NÚMERO 9 EL ARTE DIGITAL UNA EXPERIENCIA ENVOLVENTE NOVIembre 2022 A �I N D I C E 04 TALENTOS FAV 24 Karen Vangoo Sofía Badillo 10 DOCENTES 30 Sergio Montes 14 PORTADA Exposición de arte digital 22 EMPRENDIMIENTO Frida Martínez 2 marzo 2023 34 �Arte, Diseño, Audiovisual Marzo 2023, Número 9 Créditos Dr. Santos Guzmán López Rector Dr. Juan Paura García Secretario General Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL ENFOQUE Mejor cortometraje de ficción: El sueño más largo Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Académica Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado ARTE El arte de la ciencia EVENTOS Compite arte con fútbol Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores y Editores de la Revista Croma Frida Mariela Martínez Álvarez Carla Mariela Mora Rodríguez Karen Esmeralda Salazar Rodríguez Edith Campos Reyna Daniela Alejandra Zapata Loera Gabriel Eduardo Castañon Zúniga Laura Giovanna González Rodríguez Estancia de producción El Viajero Portada CROMA, año 5, No.9, Marzo 2023, es una publicación trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2021-032219402300-203, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. NOVIembre 2022 A �T A L E N T O F A V EL ARTE DE LA CREACIÓN A TRAVÉS DE LA EDICIÓN KAREN RAMÍREZ POR: LAURA GIOVANNA GONZÁLEZ RODRÍGUEZ Conocida como Karen Vangoo, es una estudiante de Lenguaje y Producción Audiovisual. En sus proyectos plasma el roce entre la realidad y la ficción, convirtiéndolos en escenarios mágicos llenos de vida e historia. ¿Qué significa para ti la fotografía? Me gusta tomar fotos en cualquier momento que esté, con amigos o en algún lugar al que haya ido. Entonces, es simplemente como retratar lo que se está haciendo en ese momento. Por un lado, sacar algo bonito y ,por otro, al ver las fotos, pues te recuerda lo que estaba sucediendo en ese instante, con quiénes estabas o ese tipo de cosas. ¿Desde cuándo decidiste ser fotógrafa? En primer semestre de la carrera tenía la materia de fotografía básica y la verdad no pensaba basarme en eso, yo entré por video, pero me empezó a gustar mucho y lo empecé a practicar todos los días; subiendo fotos a Instagram como para obligarme tanto a captarlas como para aprender también a editarlas. Entonces no sé, fue como un hobby que me empezó a gustar muchísimo y así fue creciendo, poquito a poquito fue escalando y en muy poco tiempo logré conseguir resultados que quería desde hace muchos años al ver videos o imágenes en Instagram. 4 marzo 2023 Cuando vas a realizar un proyecto, ¿cuál es tu proceso de inspiración? Si se me ocurre algo, hacerlo en el momento sin planearlo, porque a mí nunca se me ocurre cómo planear las cosas, entre más lo planeo, más grande lo quiero hacer y nunca sale. Entonces mejor decir, quiero hacer alguna sesión, a ver qué sale, porque yo sé que, pues sé hacer cosas chidas, pero tienen que salir en el momento, más espontáneo. Y es lo mismo cuando pinto cosas, apenas en el momento, porque si lo piensas mucho, al menos en mi perspectiva, no, nunca sale. Con el paso del tiempo, ¿ha cambiado tu concepto respecto a trabajar en esta área? Pues sí, antes quería hacerlo todo conforme a las reglas, por así decirlo, o conforme a lo que mis maestros decían, pues a mí me gusta mucho la edición; entonces decían no, no edites o no hagas esto o el otro. Yo fui más como, okey, en su materia, entrego lo que usted pide, pero en lo personal yo hago lo mío, o sea lo �que a mí me gusta y ya, pues a fin de cuentas es mi trabajo, ¿no? Entonces yo hago lo que quiero. Cuando miras al futuro, ¿te ves aún dedicándote a esto o algo relacionado con ello? Sí, a mí me gustaría mucho hacer pósters de películas o series, porque va más relacionado con la edición de foto, yo creo que hay algo por ahí, o sea, algo por ese estilo. A lo largo de tu vida, ¿qué te ha aportado la fotografía? Yo siento que, a ver patrones, cosas como encuadres, cada vez que veo algo digo “ay, esto se ve chido” o “ay, eso está chueco”, o en lugares, por ejemplo, abandonados o cosas así, que dices “uy, dan miedo”, pero a la vez lo vuelves como en el ámbito de la fotografía y piensas “uy, eso se vería superchido si lo llevas a un ambiente apocalíptico”, cosas así; está chido ver cualquier cosa desde otro punto de vista. En cuanto a lo personal, ¿hay alguna área de tu vida en la que la fotografía te haya ayudado? En el ámbito de los encuadres. Por ejemplo, al realizar pinturas o alguna presentación, inclusive de PowerPoint, como que ya sabes los balances o cosas así, tal vez en ese tipo de cosas. Me ha ayudado a generar muchas ideas, que, si quería hacer, por ejemplo, un diseño en pintura o en mis cumpleaños siempre hacía yo camisetas con logos, y siempre tenía que pedirle a alguien más que me los hiciera y bueno, al menos en este año lo hice yo. Entonces estuvo muy chido porque no nada más era la idea que yo tenía, sino que también fue realizado por mí. Con tu conocimiento de fotografía, ¿cuál crees que sea la mejor forma o método para aprenderla? Practicándolo, todos los días, puedes ver tutoriales y nunca vas a poder realizarlo si no lo practicas, porque, pues así yo puedo ver videos de cocina y no cocino, puedo quemar la cocina, ¿sabes?, entonces yo lo que hacía era, veo un video de cierta cosa que quiero hacer y luego luego lo intento; y ahí es como vas diciendo “ah, okey, esto jala muy bien”. O también, bueno, yo hacía videos para Youtube con amigos donde eran fotógrafos vs fotógrafos, y era como que “oye, solo tienes tres minutos para tomarle fotos al modelo en esta área” y ahora el que sigue y el que sigue, así te ibas agilizando más y más. Tener esos contactos sirve mucho porque cada uno se va a su espacio y ya después les puedes preguntar sobre cómo toman las fotos o qué cámara usan y cosas así. Tal vez ellos tengan más experiencia que tú, o que ellos lo vean de otra manera, y eso sirve muchísimo, porque piensas “puedo hacer lo mismo, pero de esta otra manera por si las dudas” y ya, con eso la haces. Hay personas interesadas en este campo, pero creen que ya hay demasiada gente dedicándose a ello, ¿tú qué les dirías? Esto yo lo veo más que nada como un hobby, todo lo que me gusta lo veo como un hobby porque si lo convierto en trabajo, siento que me desanimo y ya no hago nada. Entonces yo creo que todos deberían de intentarlo, es algo que inclusive puedes hacer con tu celular. A mí en lo personal me gusta con la cámara, como que todo el hecho de tomar fotos en RAW y editarlos me gusta mucho. Entonces, que lo intenten, no pierdes nada con intentarlo, es algo muy bonito que puedes aprender y puedes hacer muchas conexiones. REDES SOCIALES: _ INSTAGRAM @ karen_vangoo _ YOUTUBE karenvangoo marzo 2023 5 �T A L E N T O F A V SOFÍA BADILLO LA ESENCIA EN EL ARTE Sofía Badillo cursa octavo semestre de la Licenciatura en Diseño Gráfico. Comenzó su amor al arte a través de su abuelo, y ahora es freelancer, trabajando con múltiples marcas y haciendo proyectos personales. POR: DANIELA ZAPATA LOERA ¿Por qué te convertiste en artista visual? ¿Tuviste alguna experiencia específica que hizo que tomaras esa decisión? Creo que desde que era niña he estado rodeada de muchas cosas artísticas, mi papá es arquitecto, entonces siempre estuve rodeada de diseño y creatividad; mi abuelito también pintaba y siempre me asombraba ver lo que hacía. Creo que desde el inicio me llamó la atención plasmar las cosas, ensuciarme las manos y estar experimentando con materiales; aunque conforme fuí creciendo creo que lo comencé a ver como una manera de poder expresar cuando no lo sabía hacer verbalmente. Por: Sofía Badillo 6 marzo 2023 REDES SOCIALES _ INSTAGRAM: @soychofyy @sssofiabadillo ¿Qué cualidad esperas que las personas vean reflejada en tus trabajos? Creo que siempre transmitir un sentimiento, que las personas vean mi trabajo y puedan sentir la emoción que plasmé en mi arte, o que puedan empatizar con lo que estoy tratando de ilustrar y no vean solamente algo estético y bonito. Que se pregunten el por qué de todos los elementos y colores. ¿Cómo defines tu éxito como artista? Pues no sé si todavía llego al éxito de ser artista, digo cada quien tiene diferentes metas, pero todavía no llego a mi propia versión de ser exitosa como arti- �sta. Estoy feliz del lugar en donde estoy, pero creo que todavía me hace falta experimentar más. Todo lo que he hecho hasta ahora es experimentación, y creo que es en gran parte por mi cualidad o defecto de decir que sí puedo hacerlo, aunque tal vez no sepa cómo, pero siempre voy a ver la manera de poderlo lograr, solo que tiene que salir en el momento, más espontáneo. Has trabajado con diferentes marcas, ¿el proceso es similar para todos o cada cliente tiene un proceso diferente? Cada marca es super distinta, así como cualquier persona. Algunos clientes son super libres y abiertos y te dicen “tú date, haz lo que tu quieras”, te dan rienda suelta para poder experimentar; y por otro lado, hay otras que se tienen que apegar a ciertos aspectos, el proceso es un poco más cuadrado porque ya tienen las especificaciones de lo que tienes que hacer y no hay tanto margen por probar. ¿Qué es lo que más disfrutas al hacer tu trabajo? Conectar con personas, cada que lo Por: Sofía Badillo pienso y lo pongo en perspectiva me sorprendo de lo mucho que el diseño y el arte me ha conectado con personas que no creía que podía conocer, y lo mejor es que son personas que también están en el ámbito creativo y está muy chido trabajar con gente tan talentosa. ¿Cómo es tu proceso creativo? Básicamente volverme loca, depende del proyecto, pero en general, siento que soy una persona muy visual. El primer paso es juntar muchas referencias de todo, desde comida, pasto, texturas, películas, etc. Después voy a bocetar, que me gusta más hacerlo de forma análoga porque lo siento un poco menos serio; lo platico con la persona con la que estoy trabajando y rebotamos ideas, para terminar ya desarrollando el proyecto. ¿Cómo sigues desarrollando tus habilidades artísticas? Yo he sido autodidacta, siento que mucho de lo que he aprendido ha sido por la práctica. Claro que hay cosas que aún no sé hacer, pero siempre busco seguir aprendiendo, quiero seguir experi- mentando y explorando; poder decir que si me gusta el trabajo de una persona, yo tratar de poder hacer algo así. Siento que es siempre estar buscando y metiéndome presión a mi misma. ¿Qué tendencias artísticas suelen inspirar tu trabajo? Siento que mucho de mi estilo siempre ha estado muy ligado al surrealismo, me encanta tanto en artistas visuales como en musicales; aunque también me gusta mucho el arte conceptual, creo que todo lo que hago es una fusión de estas dos. Los artistas visuales que más me gustan son René Magritte, Remedios Varo y Leonora Carrington. ¿Cómo ha cambiado tu estilo a lo largo del tiempo? Siento que hay una esencia de mi que se refleja siempre, pero el arte y el diseño continúa evolucionando. Al final de cuentas nuestro trabajo es una representación de lo que estamos sintiendo, nuestra personalidad. Por: Sofía Badillo marzo 2023 7 �Cuando inicié me daba mucha pena que la gente viera mi trabajo y mis primeros trabajos eran en colores sutiles y pasteles, no decían mucho; pero conforme fui teniendo más práctica y confianza todo comenzó a ser más llamativo, con más cosas y más elementos. Creo que por eso nadie encuentra su estilo totalmente, porque siempre evolucionamos; y es muy difícil ir conociendo lo que creo que me define, lo que me gusta y lo que no, todo es a prueba y error. ¿Cuáles son tus partes favoritas y menos favoritas de trabajar de manera profesional dentro del arte? El poder expresarme o justo tener un espacio para yo poder compartir lo que me gusta, y el poder conectar con personas de manera creativa es increíble. Cuando estás en la escena creativa es super chido, porque siempre estás aprendiendo de los demás. Creo que lo más me molesta es el hecho de que no lo valoran, sé que es algo que les molesta a todos los que somos del área creativa; que las personas siguen menospreciando indirectamente todo lo creativo, aunque estemos avanzando en ese aspecto. Siento que hay una esencia de mí que se refleja siempre, pero nuestro arte y diseño continúa evolucionando con nosotros... nuestro trabajo es una representación de lo que estamos sintiendo o nuestra personalidad.”. 8 marzo 2023 �marzo 2023 9 �D S E O C C C E IN ÓT NE SERGIO MONTES Siempre Innovando POR: GABRIEL CASTAÑÓN En los comienzos, su enfoque artístico iba por las artes plásticas, ya que su inquietud por expresarse lo llevó a dibujar, pintar y esculpir personajes de películas en pequeños trozos de gises. Después comenzó con la escritura en donde desarrolló algunos trabajos y con el paso del tiempo, la inquietud por seguir expresándose, producir imágenes y una huelga estudiantil en la cual se vio envuelto, lo llevó a su primer encuentro con una cámara fotográfica con la que comenzó a narrar por medio de imágenes las vivencias de los estudiantes. Diversos periódicos locales al no tener un corresponsal, recurrieron a pedirle los rollos fotográficos para ver lo que había capturado y poder publicarlo en sus notas referentes a dicho acontecimiento, esta acción le dio mucho gusto y lo motivó a seguir explorando en la fotografía. Dicha inquietud lo impulsó a emigrar, en el año de 1986, de Silao Gto., su ciudad natal, a Monterrey, N.L., donde por azares del destino se encontró con la Mtra. Hilda Gutiérrez, quien le compartió información sobre la Facultad de Artes Visuales, llamando su atención y motivándolo a entrar a dicha Facultad, donde amplió sus conocimientos y sus ganas por seguir expresándose por medio de contenidos audiovisuales, se fueron acrecentando. 10 marzo 2023 Buscar expresarme me llevó a conocer una cámara fotográfica y sin saberlo, esto definiría el rumbo de mi vida y a lo que me dedico hoy en día”. POR: SERGIO MONTES E l Maestro Sergio Montes Ortega, originario de Silao Guanajuato, es Licenciado En Artes Visuales con acentuación en Camarografía que con el nuevo plan de estudios se convirtió en la carrera de Lenguaje y Producción Audiovisual. Es jefe del Centro de Medios en la Facultad de Artes Visuales y como docente imparte la materia de Fotografía de Estudio. Sergio Montes dirigiendo a la actriz Montserrat Oliver. �Foto de producto tomado por el Maestro Sergio Montes para diferentes marcas importantes a nivel nacional. Los aprendizajes de hoy, pueden representar algo muy fuerte en el futuro, tenemos que aprovecharlos ”. Al egresar de la Facultad, su primer empleo como profesionista fue en una casa productora que laboraba para diferentes marcas importantes de la ciudad, en dicha empresa entró como camarógrafo. Todos los conocimientos que había adquirido, sumado a su pro-actividad y buen desempeño en su trabajo, lo llevaron a ascender en poco tiempo a productor en dicha empresa. Ahí mismo trabajó de la mano con su jefe, quien era fotógrafo y lo apoyaba mucho en la parte de manejo de iluminación, cámara de fotografía, creación de sets fotográficos y la manipulación de producto. Trabajó contenido para campañas de marcas reconocidas como 7-Eleven, Soriana, Cervecería y más. de esta empresa, ya que la UANL estaba buscando alguien que pudiera realizar el video institucional. Por una recomendación y más importante aún, por su manera creativa de narrar historias, el maestro Sergio logra realizar este video institucional con el cual cautivó a los espectadores. Logró ganarse la confianza de su jefe y le fue brindada la oportunidad de quedarse a cargo del estudio de fotografía, lo cual le brindó mucha experiencia, ya que al realizarse de manera análoga debía cuidar todos los aspectos para que las fotografías pudieran salir bien, sin gastar tantos rollos. En dicha agencia también se dedicaban a realizar los videos institucionales de las empresas y esto también le brindo al maestro Sergio una amplia experiencia en dicha rama, lo cual le sería muy útil al salir En el año de 1999 comienza su labor como docente en la Facultad de Artes Visuales impartiendo el Seminario de Fotografía de Estudio. En su momento fue un gran reto impartirlo, ya que tenía que ver de qué manera transmitir correctamente los conocimientos a los alumnos, logró exitosamente impartir dicho seminario, perfeccionó el plan de estudio y se convirtió en el precursor para que dicho seminario se volviera materia y hasta hoy en día la imparte a los alumnos de la carrera de diseño gráfico. Dicho proyecto fue el detonante para que el maestro entrara a laborar en la UANL a lo que antes era el Centro de Apoyo y Servicios Académicos conocido como ¨CASA¨, ahí se mantuvo durante 10 años como productor de contenidos de apoyo didáctico para las clases de los maestros de la Universidad. Dirigiendo y produciendo video institucional de la UANL. marzo 2023 11 �D O C E N T E Maestro Sergio Montes impartiendo la materia de fotografía de producto. Continuó abriéndose camino dentro de la Universidad y emigró a Colegio Civil en la Secretaría de Extensión y Cultura, se enfocó en el departamento de televisión, el cual se encarga de cubrir los eventos culturales realizados en el Aula Magna, ya sea conciertos, obras de teatro, musicales, actividades culturales y más; de dicho material se generaban programas de video para que las personas pudieran tener acceso a los eventos. En esta etapa laboral se centró en la producción de los contenidos para que la calidad del producto final fuera óptimo. A la par de dicho trabajo y su labor como docente, en el año 2010 es buscado nuevamente para realizar el video institucional de la UANL, cabe hacer mención que fue tanto el éxito de dicho video que se mantuvo realizándolo año tras año hasta el 2013. En dicho año sale de la Secretaría de Extensión y Cultura para irse a la Facultad de Artes Visuales y hacerse cargo del Centro de Medios, en donde se encuentra como encargado hasta el día de hoy. En 2011 tuvo la oportunidad de documentar a la Com- 12 marzo 2023 pañía Titular De Danza Folklórica de la UANL en el país de Turquía, propuso y generó un documental en el cual muestra las vivencias de los bailarines al presentarse en diferentes ciudades, la sorpresa que se llevaron al enterarse de que se trataba de un concurso del cual no sabían y la emoción de ganar dicho concurso frente a grandes exponentes de otros países. El Centro de Medios, es el área audiovisual de la Facultad de Artes Visuales, que está enfocada en realizar el registro de lo que pasa día con día en la Facultad, enfocados a los eventos administrativos, académicos y estudiantiles para que esto se vuelva un archivo con el cual poder dar promoción, difusión y también mantener un archivo histórico. En dicho departamento sigue fungiendo como productor de los contenidos que se generan, buscando que los videos sean creativos, llamativos y con la información precisa para que, en un lapso de tiempo corto, puedas saber qué fue lo que pasó en el evento o lo que se esté buscando mostrar, esto ya que el maestro comprende que �hoy en día, los tiempos han cambiado, tienen que adaptarse a las nuevas plataformas y que los espectadores no se quedan a ver materiales largos. Hoy en día además de sus labores en la FAV, colabora en la agencia llamada Piraña, en donde realiza diferentes actividades relacionadas con la industria audiovisual y es también presidente seccional del sindicato de la UANL. El maestro Sergio nos comentó que se mantiene vigente en su ámbito de diferentes maneras, aprendiendo de otras personas expertas del medio, siempre que existe una duda de algún tema, no tiene temor en preguntar, escucha a los alumnos de las nuevas generaciones, lo que ellos comparten sobre la industria, las nuevas ideas que traen, educándose constantemente en diferentes plataformas digitales que tiene que ver con fotografía, equipo y producción. Esto lo inspira a buscar, romper esquemas, ser diferente y encontrar la manera más creativa de expresar sus ideas audiovisuales, quiere dejar los clichés a un lado e innovar en cada momento que sea posible, esto lo ha llevado a ser exitoso en los diferentes proyectos y empresas de las cuales ha sido parte. Nos compartió también que sigue estando lleno de sueños y metas, dentro de las que se encuentra realizar su primer largometraje con la finalidad de compartir una historia, la cual se encuentra escribiendo y espera muy pronto poder llevarlo a cabo. Le aconseja a los nuevos artistas que sean constantes, busquen pulir cada proyecto, mantenerse estudiando y no dar por hecho que ya lo sabes todo para que de esta manera sigan vigentes por muchos años, que sean pacientes y no dejen de soñar. Contenido realizado en su viaje a Turquía para cubrir al grupo de danza que representó a la UANL. Busca en tu vida actualizarte constantemente, para poder estar siempre vigente.”. marzo 2023 13 �A R T Í C U L O D E L M E S Exposición de arte digital EXPERIENCIA ENVOLVENTE Te traemos lo que implica visitar y conocer las exposiciones de arte digital, llevarte a un mundo donde vives la experiencia envolvente POR: KAREN SALAZAR RODRÍGUEZ H oy en día la tecnología ha jugado un papel muy importante en el mundo del arte, nuevas prácticas artísticas han surgido a base de ella, usando cualquier tipo de herramientas digitales para su creación y presentación dentro de un espacio de exhibición. A principios de los 80´s, el concepto de arte digital tuvo un gran impacto, que detonó obras de algunos personajes como lo son, Harold Cohen y Kenneth Snelson. Pero a principios de los 50´s, varios artistas experimentaron con herramientas tecnológicas gracias al trabajo de pioneros como el artista y matemático Ben Laposky. Fue desde el momento en que empezamos a tener un acercamiento cotidiano con máquinas y dispositivos tecnológicos, que surgen las prácticas artísticas, dentro del arte contemporáneo y empiezan a sumarse varios artistas a este tipo de arte, en sus obras podemos ver diversas formas y no solamente una técnica, es decir, piezas completamente virtuales con la posibilidad de que las personas interactuen con ellas. pueden usar un sin fin de técnicas con diversas formas, teniendo la facilidad de crear piezas totalmente virtuales y que pueden insertarse en áreas como por ejemplo: arte con buscadores, arte con software, hipermedia/hipertexto, ciberperformance, arte dentro de redes sociales, programación, video, GIF, realidad virtual y visualización de datos. ¿QUÉ ES EL ARTE DIGITAL? Alguna vez nos ha tocado que no podemos visitar de forma presencial algún museo o galería, ya sea, porque está muy lejos o no tenemos la disponibilidad de ir, gracias a esta tecnología ya puede ser posible visitarlo sin estar presente, existen muchas galerías y museos virtuales donde las personas pueden interactuar y recorrer cada pasillo como si estuvieran ahí, algunos artistas han recurrido a las redes sociales para presentar sus obras de arte digital, ya sean fotografías, videos o compartiendo links de algunas galerías donde sus obras han sido expuestas. El arte digital se define como un tipo de arte que apoya a las nuevas generaciones a sumarse y a perder el miedo, los motiva a seguir creando arte, como ya se mencionó anteriormente, se 14 marzo 2023 Avedon, LaTurbo (2016) �EL USO DE LAS TECNOLOGÍAS en el arte ya es habitual en muchas de las exposiciones museísticas y artísticas. Podemos ver dentro de esto INSTALACIONES MULTIMEDIA ENVOLVENTES, que permiten al visitante descubrir a los artistas de manera más vivencial y ampliar de esta forma el conocimiento sobre su obra y su contexto. ‘Drawing on the water surface creado por the dance of koi and people — infinity’ EL ARTE DIGITAL COMO EXPERIENCIA ENVOLVENTE El arte digital usa diversas formas, estilos y técnicas, algunos elementos como la luz, el sonido y el color, son usados para la interconexión de los límites entre el espacio de tiempo real y el espacio de tiempo virtual, donde vemos más allá de una simple obra, podemos interactuar con ella las veces que queramos y de alguna forma nos sentimos conectados con ella. En este punto, los espectadores, con su presencia e interacción, completan la obra. Con la inmersión, nuestro estado de conciencia se transforma, al vernos rodeados de un entorno audiovisual y a la vez nos produce una percepción de presencia en un mundo no físico. Los museos y las galerías se han introducido por completo en el entorno digital, comenzando por páginas web informativas, para después ofrecernos visitas virtuales a las colecciones museísticas, lo impresionante que es visitar un museo desde casa o vivir la experiencia de realidad virtual es muy emocionante. Con esto se busca ofrecer una doble experiencia: nuevas sensaciones al visitante y ampliar el acceso virtual a las obras artísticas desde cualquier parte del planeta, facilitándonos las visitas y gracias a esto, las personas con solo tener un link o visitar un sitio web, pueden vivir esa experiencia envolvente que todos en algún momento buscamos. EL ARTE DIGITAL EN GALERÍAS La pandemia ha tenido muchas detonantes en el mundo del arte, uno de ellos es el surgimiento de más artistas, cada uno de ellos se han adentrado en el arte digital y las experiencias envolventes, debido a los cierres de museos anteriormente cuando la pandemia era más fuerte, fue así como muchos artistas se dieron a conocer, usando diferentes medios para presentar sus piezas, algunos usaron páginas web, redes sociales como Instagram y galerías virtuales. La pandemia no los detuvo para crear nuevas obras con este toque virtual, como se sabe el arte digital se basa en el uso de herramientas digitales para crear una obra, el uso de programas como Photoshop, Illustrator, entre otros es algo importante en el arte digital. Así como las experiencias pueden ser buenas y enriquecedoras, también puede suceder que las expectativas que nosotros teníamos de una obra y las sensaciones que creíamos que nos iban a producir, terminan siendo decepcionantes, porque no era lo que esperábamos ver o sentir, a través de una pantalla. Las galerías se han sumado al arte digital creando páginas web, donde las personas pueden visitar las diferentes obras, algunas con realidad virtual aumentada, que les brinda una experiencia única y envolvente. marzo 2023 15 �A R T Í C U L O D E L M E S Artistas en el mundo digital Te traemos algunos artistas que se están sumando al mundo del arte digital, que han experimentado en este espacio virtual y cómo es que a través de la observación se han inspirado para realizar estas obras tan interesantes que componen las exposiciones de arte MARTÍN DE PASQUALE. INSTAGRAM El artista Martín de Pascuale con 14.3 K de seguidores en Instagram comparte ilustraciones que hace con la herramienta de Adobe Photoshop, con sus juegos ópticos y efectos especiales, nos cambia la percepción de la realidad, tal y como la conocemos. Pasquale, vive actualmente en Buenos Aires y desde allí crea un mundo en el que se mezcla lo real con lo fantástico. Sus obras son increíbles y atrapan al público por las formas y elementos que usa en el cuerpo de cada persona que fotografía, les agrega un elemento que las hace interesantes. También podemos decir que las fotografías tienen ese aspecto cómico e irónico, algunas veces se centra en la mortalidad de su cuerpo, nuestro estado interno pero modificando el externo. @martindepasquale FELIPE RUI. Felipe Rui nos presenta arte en 3D, con imágenes un poco grotescas de caricaturas que alguna vez hemos visto, él cuenta que la cara del espejo es el alma, pero si estas caricaturas salieran del mundo de la fantasía a la vida real, nos daríamos cuenta del terror que nos causarían. Él trata de hacer el retrato de estos personajes un poco más oscuro y grotesco, haciendo que la criatura más aparentemente inocente nos sorprenda y nos cause terror. Personajes famosos desde Mickey Mouse o Bob Esponja que muchas veces nos han hecho soñar y reír, de pronto los vemos con una expresión de enojo, hundidos por el estrés y la ansiedad. 16 marzo 2023 INSTAGRAM @feliperui3d �VIDEOARTISTA MATT TAYLOR INSTAGRAM Él usa la plataforma de Instagram para presentarnos su portafolio personal, utilizando Vex, Python o la aplicación de software de animación 3D, Houdini. En sus diseños nos muestra algo totalmente emocionante y que te atrapa con los movimientos que hace cada figura, utiliza todo tipo de formas y colores, que es lo que resaltan sus diseños. Son interesantes y algo realmente nuevo, Matt Taylor proporciona links con tutoriales sobre como realiza estos trabajos, con el fin de que las personas se animen a crear. @emty01 JOHN MULLOOR. Jhon Mullor nos presenta una obra muy interesante, Life in the eye of the beholder que nos habla un poco de cómo los ojos son las ventanas que nos ayudan a descubrir el mundo exterior, pero también, son las ventanas del alma que permiten a los demás adentrarse en las profundidades de nuestro mundo interior. Nos da una visión a lo desconocido y lo increíble. El proyecto nos presenta una serie de 10 fotografías, donde resaltan los ojos azules más profundos, que se transforman en aguas heladas y en cielos brumosos, mientras que los ojos castaños o cafés albergan el escondite de una ardilla curiosa. _ PÁGINA WEB https://www.behance.net/ gallery/134996759/Eyeriz KEN KELLEHER PÁGINA WEB https://www.kenkelleher.com/ Hay muchos artistas sumándose a este mundo del arte, pero estos son solo algunos con un estilo muy interesante, innovador, que nos brinda una experiencia única y nos impulsa a conocer más sobre el tema, existen más artistas que han salido de su zona de confort y han realizado trabajos muy impactantes, donde no- Ken Kelleher utiliza elementos como la forma, la luz, la sombra, el tiempo y el espacio. Sus esculturas digitales son representaciones abstractas y gigantes y contrastan con el entorno de galerías, jardines y plazas públicas, creados especialmente para entornos interiores y exteriores en espacios públicos. Las piezas exteriores son renders fabricados en acero inoxidable, aluminio, bronce, ladrillo, hormigón o materiales más experimentales, cada uno a gran escala. sotros como espectadores podemos interactuar con las obras de manera virtual, es por eso que los invitamos a conocer más sobre el arte digital y de esta manera inspirarlos a hacer sus propias obras como solo ustedes saben hacerlo, con originalidad y pasión por el arte. marzo 2023 17 �A R T Í C U L O D E L M E S Museo virtual C POR: EDITH CAMPOS REYNA omo se sabe, con la llegada de la tecnología, el mundo está cambiando muy drásticamente, sin darnos cuenta se nos ha introducido muy rápido a este mundo tan fascinante e inmediato, y los museos no son la excepción, ¿cuántos no hemos deseado viajar a algún lugar para poder recorrer estos centros de arte tan impresionantes y que con ellos guardan una historia tan fascinante?; pues bien, con la llegada de la pandemia estos recintos tuvieron que buscar la manera de subsistir, unos ofreciendo cursos o libros online. ¿QUÉ ES UN MUSEO VIRTUAL? Un museo virtual es una colección de artefactos electrónicos y recursos de información sobre cualquier cosa que permita la digitalización y puede incluir fotografías, dibujos, texto, imágenes, gráficos, bases de datos, materiales, pinturas, etc.; es decir, un conjunto de objetos heredados e información almacenada en un servidor. Existen gracias al desarrollo de las nuevas tecnologías de la información y la comunicación que ayudan a establecer nuevos escenarios museísticos donde los límites del espacio real pueden ser superados a través de recursos técnicos y permiten incorporar evidencias culturales que los museos tradicionales impiden. Entre ellos destacan los museos virtuales (algunos son extensiones de museos existentes y otros se crean totalmente virtuales). El primer concepto de museo virtual lo tenemos EN LA COMPAÑÍA JAPONESA NTT, que en 1991 presenta una exposición titulada El museo dentro de la red telefónica. En un CD-ROM comienzan las visitas virtuales a museos, que compactaban unas cuantas imágenes en estas unidades de almacenamiento. Dependiendo de su contenido, los museos virtuales se agrupan en dos tipos: 1. Quienes exhiben obras no digitales y responden principalmente a los portales que las instituciones culturales tienen en Internet para difundir sus colecciones, así como información sobre exposiciones temporales, actividades educativas e información del museo como ubicación, horarios, precios a ofertar. Este tipo de “museo en línea” puede desde versiones digitales del propio folleto del museo hasta contar con la tecnología suficiente para ofrecer recorridos virtuales por sus salas. 18 marzo 2023 2. Los que exponen obras de arte digital (Net.art, ciberarte, WebArt, etc.) y nos remiten a entornos inmateriales ubicados en el no lugar llamado ciberespacio. Este tipo de museos se asocian a los conceptos de “arte en la red” y “arte res o net.art”. “Arte” es todo aquello que normalmente se concibe en otro medio y donde la red actúa únicamente como medio de difusión y/o exposición. En net.art utiliza la propia red y/o su contenido. �¿PRIMER MUSEO VIRTUAL? Para muchos museos, la pandemia representó el reto de reinventarse y explorar nuevas dinámicas. Para otros, como VOMA (Virtual Online Museum of Art), significó el terreno ideal para ser fundado como el primer museo virtual del mundo y gratis. Convirtiéndose en el primer museo 100% virtual. Gracias al artista británico Stuart Temple, quien creyó antes de la pandemia que el arte necesitaba ser más democrático y vio en Internet el espacio más inclusivo para lograrlo. Después de analizar las estrategias de los museos de todo el mundo, se dio cuenta de que estas actividades no serían suficientes. Entonces decidió montar el primer museo 100% virtual. Para hacer esto, se asoció con la arquitecta Emily Mann y el curador Lee Caveliere (quien se desempeñara como director del museo). Así nació VOMA, un museo que, según sus fundadores, crearon una institución digital capaz de mostrar el arte de una manera que el público nunca había tenido la oportunidad de descubrir, siendo un legado digital que durará años”. Los fundadores trabajaron con artistas, curadores, desarrolladores de juegos y arquitectos; y podemos decir que el primer museo virtual del mundo abrió sus puertas el 4 de septiembre de 2020. Pretende ser completamente gratuito e inclusivo para que cualquier persona con conexión a internet pueda visitar este museo sin salir de casa. En términos de experiencia de usuario, se parecerá mucho más a un videojuego que a un recorrido virtual tradicional. Todos tendrán un avatar y podrán pasearse por los pasillos y salas del museo de esta forma, que seguro dejará atónitos a todos con las infinitas posibilidades de Internet. Algunos museos cuentan con la tecnología necesaria para realizar visitas interactivas con vistas de 360 grados, proporcionando una experiencia de realidad virtual de alta calidad y muy satisfactoria para los usuarios. Como ejemplo de esto encontramos el Smithsonian National Museum of Natural History, en Washington, en cuya web se pueden visitar las exposiciones de historia natural y las de culturas occidentales antiguas, entre otras. Sin embargo, cabe mencionar que no todas las obras del museo están disponibles en formato virtual; y en muchos casos la experiencia sensorial de una visita presencial, donde el usuario puede acercarse físicamente a un objeto, no es comparable a una virtual, que puede provocar una respuesta emocional menor. Por otro lado, algunos museos no cuentan con la tecnología suficiente y pueden brindar imágenes de baja calidad de las obras, lo que reduce la participación del usuario y el disfrute de la experiencia. marzo 2023 19 �A R T Í C U L O D E L M E S LOS 10 MEJORES MUSEOS VIRTUALES DEL MUNDO Si te dejamos con la curiosidad y quieres experimentar esta nueva forma de ir a los museos, aquí te compartimos una lista de los mejores museos, claro que puedes encontrar más y puedes empezar buscando en tu localidad, tenemos que apoyar a estos sitios mágicos llenos de cultura. Louvre: Distintas obras y exposiciones del famoso museo parisino se encuentran expuestas en este formato virtual. Para quienes aún no han podido viajar a recorrerlo, es una buena manera de entrar en contacto. Palacio de Bellas Artes de México Palacio de Bellas Artes de México: Se pueden recorrer algunas de sus salas y hacer un tour sobre la arquitectura de este que es uno de los monumentos más famosos de la Ciudad de México. Museo Británico de Londres: Uno de los museos más famosos y visitados del mundo. Puedes descubrir sus obras y sus exposiciones descargando la app para visitas guiadas de realidad virtual. Louvre Museo de Orsay en París: Pone a disposición algunas exposiciones de forma virtual. Museo Hermitage: El museo de San Petersburgo, cuenta con más de tres millones de piezas y en su web se puede encontrar un recorrido 360° para conocer cada uno de los pasillos de sus seis edificios. Museo del Prado: Este museo, que cumplió 200 años en 2019, es uno de los más importantes y famosos en el mundo. El objetivo principal de su contenido virtual es que si estás a punto de viajar para conocerlo, puedas armar tu propio recorrido anticipadamente, logrando conocer todo lo que te interesa. Pero de todas maneras, puede funcionar como un mix entre lo virtual y la visita física, o directamente permitirte que lo conozcas desde tu computadora. 20 marzo 2023 Museo Británico de Londres �Museo de Arte Moderno de Nueva York: Las mejores muestras de arte moderno y contemporáneo pasan por el MOMA. Destination es la plataforma que el museo ofrece para que puedas hacer tu propio recorrido, lleno de curiosidades y de información que puede serte útil. Museos Vaticanos: Museo Vaticano Otros de los más famosos a nivel mundial, y que casi ninguna persona que visita Roma se anima a perderse, son los museos de la Ciudad del Vaticano. A través de su sitio web y de su sección de “colecciones”, se puede conocer cada pieza que se encuentra en ellos, junto a la información del autor, año de creación, lugar en el que fue creada y un poco de la historia de la misma. Museo de Arte de Sao Paulo Assis Chateaubriando: A través de la plataforma de Google Arts and Culture, se puede hacer una visita y conocer las obras del MASP, el primer museo de arte moderno de Brasil, que cuenta con obras provenientes de Asia, África, Europa y, por supuesto, de Latinoamérica. Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Corea del Sur: Museo de Arte de Sao Paulo Assis Chateaubriando No son demasiadas las personas que viajan a Corea Del Sur, pero esto no es una limitación si se quiere hacer un recorrido por uno de sus museos más importantes. A través de Google Arts and Culture, uno puede descubrir las obras del arte coreano y de lo que tienen para mostrar al mundo. Y como podemos ver, estos museos llegaron para quedarse, es una excelente oportunidad para recorrer los más grandiosos museos dentro y fuera de tu localidad, lo que antes era un sueño (viajar para conocerlos) hoy en día ya es una realidad, y mejor aún no necesitas gastar ni un solo peso, para llenarte de conocimiento, están a la mano las mejores exposiciones de arte al hacer solo un clic en tu computadora o móvil, date el tiempo para disfrutar de lo que te ofrece la tecnología. Museo Nacional de Arte Moderno y Contemporáneo de Corea del Sur NOVIembre 2022 A �E M P R E N D I M I E N T O FRIDA MARTÍNEZ PRIMAVERAL Frida forma parte de una ola de artistas que con su trabajo, cada vez más personas se vuelven fanáticas del bordado. Algo que antes se percibía como anticuado; ahora sigue creciendo en tendencia POR DANIELA ZAPATA LOERA ¿Por qué decidiste comenzar un negocio de bordado?¿Cómo surgió la idea? Pues la idea surgió enmedio de la pandemia, como muchos otros emprendimientos, sobre todo gracias a la necesidad que tenía de generar un ingreso extra con todo el tiempo que tenía libre. Quería pasarme todo el día bordando, y me encantan las Tote Bags pero me parecían que no eran tan practicas, quería que tuvieran más compartimientos y que fueran de mejor calidad; aparte de que no tenían personalidad pues son productos del Fast Fashion. REDES SOCIALES INSTAGRAM: @primaveral.mx @frida.mxjarrez 22 NOVIEmbre 2022 POR: PRIMAVERAL ¿Cómo describirías tu marca en 3 palabras? Yo la describiría como colorida, me gusta que todo tenga un toque de color, ya sea solo un pop de color o que sea completamente colorido; textil, pues me encanta jugar con textiles reutilizados, de segunda mano, nuevos, de todo; y versátil porque se adapta a los gustos de cada persona. �Bordar es una forma muy revolucionaria de DAR VOZ a las MUJERES, por medio de una actividad que anteriormente se consideraba tranquila y SILENCIOSA para las generaciones pasadas. ¿Qué fue lo que más te sorprendió cuando emprendiste tu negocio? Pues sí sabía que lo tenía que tener en cuenta, pero no sabía que el servicio al cliente iba a ser gran parte del proceso. Sabes que está ahí y que lo vas a tener que hacer, pero no lo tomas tanto en cuenta. Uno piensa que es solo contestar mensajes y ya, pero no, tienes que encontrar la mejor manera para que la comunicación entre ambas partes sea buena. Otro tema en el que no había pensado tan a fondo son los envíos, al principio mi plan era entregar el producto en algún punto medio, pero enmedio de una pandemia y teniendo en cuenta que no todos tienen la posibilidad de moverse libremente. Entonces tuve que buscar una paquetería segura para ambas partes. Por último, tampoco había pensado en el empaque en sí, como lo iba a entregar, si lo iba a envolver, si lo entregaría en una caja o bolsa, si le vas a poner un detallito extra, etc. Todos esos son detalles que sabes que tienes que hacer, pero hasta que llega el momento, te das cuenta que no lo habías pensado. ¿A qué artistas de bordados admiras?¿Qué es lo que te atrae de su trabajo? Me gusta mucho una cuenta que se llama No des puntadas sin hilo, es de una chava que se llama Andrea y hace bordados super padres, su trabajo se destaca por ser minimalista pero siempre tienen un POR: PRIMAVERAL detalle que destaca; también hace bordados interactivos, que me parecen geniales. Otra artista de la que me considero muy fan es Ximena Romero, admiro mucho su versatilidad y la paciencia que tiene al hacer bordados. Ver las puntadas que manejan y cómo experimentan con ellas, me parece una obra de arte. ¿Cuál es tu proceso creativo? Mi proceso creativo es algo extenso, por eso siempre que tengo un encargo bajo pedido, les doy de dos a tres semanas. Me gusta hacer las cosas con tiempo, cuidado y dedicación. Si el encargo es libre, dejo que la inspiración venga hacia mi y no la fuerzo. Empiezo con bocetos, a mano o en ilustrador, y desde ahí voy pensando en cómo darle un plus, ya sea una frase o usar algún tipo de puntada que pueda dar relieve. Después elijo la paleta de colores, que es mi parte favorita, y cuando tengo esto listo, comienzo con el bordado. Primero se tiene que planchar la tela, poner el bastidor y pasar el diseño a la tela con pluma y ya comienzo a bordar. Es válido buscar inspiración en los trabajos de los demás cuando sientes que no puedes pensar en algo para tus trabajos. ¿Qué significa el bordado para ti? Para mi el bordado es una forma de expresarme, me gusta muchísimo abordarlo desde la perspectiva feminista. Es un arte por el cual muchas mujeres se han expresado desde hace muchísimos años. Puedes ver a las mujeres en las marchas con sus bordados en pancartas o pañuelos. Bordar es una forma muy revolucionaria de dar voz a las mujeres, por medio de una actividad que anteriormente se consideraba tranquila y silenciosa. ¿Qué consejo le darías a alguien que está pensando en emprender? Lo más importante es ser constante, hacer las cosas con amor y paciencia y verás que poco a poco tu emprendimiento va a ir creciendo. No tienes que ser el mejor desde el principio, solo tienes que comprometerte a seguir mejorando aspectos tanto de tu emprendimiento como de tí mismo. No dejes que cosas como tener pocos seguidores o pocas ventas al principio te desanimen, todos pasamos por ese proceso al principio. Solo debes ser muy paciente y constante. marzo 2023 23 �E N F O Q U E MEJOR CORTOMETRAJE DE FICCIÓN Foto: cortesía de Andrés Luna Su pasión se ve reflejada en la realización de este corto, que representa básicamente las 2 grandes áreas que le gustan, producción y post-producción. EL SUEÑO MÁS LARGO POR: EDITH CAMPOS REYNA A ndrés Luna Ruiz es egresado de la Facultad de Artes Visuales de la carrera de Lenguajes Audiovisuales y actualmente es docente de la misma, aparte de dar clases también se dedica a la producción, post-producción y edición de proyectos. Su pasión se ve reflejada en la realización de este corto, que representa básicamente estas 2 grandes áreas que le gustan. 24 marzo 2023 ¿Cómo inició el proyecto? El proyecto inició por Carlos Lenin que es el director del mismo corto, él ya tenía varias ideas de cómo le gustaría estar generando o haciendo esta producción; tenía un borrador que planteaba a grandes rasgos como el concepto, y no tanto la idea que acabó haciendo. Entre el año 2013 o 2015 no recuerdo muy bien, es cuando llega Lenin aquí a Monterrey, llega en pareja con Paloma Petra, y empiezan a hacer la Huasteca Casa Cinematográfica, que es la productora que empezó a hacer todos estos proyectos audiovisuales y empiezan a reclutar el equipo de trabajo, yo fui a una �entrevista, les caí bien (risas) y nos integramos como equipo; ahí también estaba Laura Carreto y Paloma, ambas son productoras del proyecto, Roberto Carlos que fue productor del mismo y yo que estuve editando y produciendo el proyecto. El proyecto empezó justamente de esa manera, la idea siempre fue de esa productora, no dedicarnos solamente a las producciones comerciales o institucionales, sino buscar de alguna forma empezar a hacer cine y que esto nos pudiera seguir generando, para seguir creando historias y llevarlas a la pantalla; que es algo complejo y difícil no nada más en Nuevo León sino también en todo México, pero bueno empezamos a trabajar ese guión, Isa Mora que también es parte del equipo de Huasteca, ella estuvo haciendo el guión con Lenin, también estuvo en el desarrollo. Fue algo muy interno, esas 5 personas que acabo de mencionar, Isa, Paloma, Lenin, Laura y yo, somos los que hicimos básicamente la pre-producción, la carpeta de producción. Se abrió la convocatoria del promo-cine, que se abre anualmente en CONARTE, para largometraje y cortometraje, en este caso aplicamos para el cortometraje, talleriamos el guión un par de veces, lo reescribimos hasta que estuvimos conformes con el resultado, que al final fue diferente al que se filmó, y es normal; eso por lo regular pasa, y bueno mandamos el proyecto que quedó seleccionado y nos dieron un apoyo para hacerlo, un apoyo que fue una buena parte de lo que se requirió para poder hacerlo, pero no fue la totalidad, sí faltó bastantito más. Equipo de cortometraje (de izquierda a derecha) Andrés, Isa, Paloma,Roberto, Laura y Lenin . ¿Fue difícil económicamente el proyecto? Sí, fue muy muy difícil, porque era un proyecto en el que el guión era bastante sencillo, osea el cortometraje trata, de una chica que tiene a su papá desaparecido y pues está en el pueblo con su mamá, están buscando durante varios años algún resto de él o demás personas que hayan sido desaparecidas para intentar encontrarlo, y llega el momento en el que tiene que seguir su vida, seguir adelante y dejar el pueblo; en esencia es muy sencillo, todo pasa en un pueblo. En el papel (guión) al principio eran pocos personajes y se empezó a masificar a algo muchísimo más grande, sobre todo porque Lenin tiene mucho eso, o sea, le gusta mucho trabajar, no de una manera muy espectacular, pero sí como exprimir todos los recursos lo más que se puedan, aquí si tiene que ver mucho con una visión muy particular, o sea con un objetivo muy claro de lo que quiere y lo que pretende con el cine de alguna forma, y en este sentido fue muy complicado, porque el guión era muy sencillo, creo que por eso, también dijeron, claro hay que apoyar este proyecto, pero ya en la realización, ese presupuesto probablemente fue menos de la mitad de lo que realmente se necesitaba para el cortometraje. Foto: cortesía de Andrés Luna marzo 2023 25 �E N F O Q U E Foto: cortesía de Andrés Luna El proyecto estuvo mucho tiempo enlatado y ya después lo pudimos sacar, porque en ese inter, Huasteca también hizo la película de La paloma y el lobo que es de Lenin, estuvimos más enfocados del 2018 a 2020 en la película, hasta que ya terminó el proceso, y nos dimos el tiempo de acabar la edición del proyecto, acabar el sonido y todo lo demás, o sea a darle como salida, pero si fue un proceso bastante tardado por cuestión del dinero y de que el proyecto lo requería; es por este tipo de cuestiones, que sí estuvo bastante compleja la producción a nivel económico. ¿Cuánto tiempo tarda en hacerse el guión? Ya lo tenía más o menos aterrizado Lenin, ya tenía un buen avance, también hay que plantear que el proceso del guión que se generó para CONARTE para el apoyo del promo-cine ese probablemente se tardó como unas 3 semanas, estuvo bastante rápido, pero de que ganamos el apoyo a que lo filmamos, el guión se siguió trabajando, yo creo que sí fueron como 2 o 3 meses de estar reescribiendo lo que ya se había planteado para CONARTE, para estar más seguros de lo que queríamos hacer, mucho del trabajo de guión, tiene que ver con sintetizar sobre todo, porque de entrada pues las ideas siempre son muy grandilocuentes y se sale del presupuesto, entonces pues se hace algo mucho más efectivo, mucho más sintético y más directo, quitar lo que no está funcionando y hacer que lo que va a estar, sea de impacto y que tenga personalidad también. ¿Cuál fue el proceso para realizarlo? El proceso estuvo muy padre, porque si lo hicimos muy académicamente correcto en ese sentido, hubo pruebas de cámaras, prueba de vestuario, hubo casting presencial, pruebas de 26 marzo 2023 maquillaje, porque parte del realismo que queríamos plantearnos, eran las personas que están buscando a desaparecidos, que llevan días en eso, entonces teníamos que buscar un look, una estética particular, igual con el vestuario. Entonces sí fue un proceso bastante interesante de desarrollar a los personajes y de buscar también a los proveedores, porque era el primer proyecto que estaban haciendo ellos, Lenin y Paloma en Monterrey como tal, en ese sentido, ahí fue, donde yo apoyé un poquito más, porque en ese momento yo tenía un poquito más de experiencia produciendo en Monterrey, que Paloma y Laura, que eran las encargadas en la producción como tal, y yo apoyé un poquito buscando ese tipo de recursos, de alguna forma esa fue mi labor en producción y ayudarlas también en la logística, pero realmente la producción, lo pesado lo hicieron ellas, yo estuve apoyando, asesorando también de cierta forma, porque en ese momento no había tanta experiencia, ahorita ya tienen más que yo fácilmente, pero en ese momento si era parte de mi labor darles un poquito de apoyo y seguridad también. ¿Cómo fue que el cortometraje participó en los premios? Una vez que terminamos de editarlo, y esto creo que sí es algo importante, el cortometraje se estrenó después de la película de Lenin, y la película de Lenin ya tenía cierto apoyo, cierto impulso, o sea, ya había un prestigio de por medio, que era su nombre, no es por demeritar el proyecto del mismo, para nada, pero creo que sí, para empezar o moverte en este tipo de industria cultural de alguna forma los festivales como tal, necesitas un respaldo, eso es importante, que de por medio teníamos a CONARTE, pero que realmente a nivel nacional e internacional, no tiene tanto peso y mucho menos en el cine, puede que tenga un poquito más en alguna otra área del arte, pero en el cine no tiene tanto impulso. �Otra cosa que teníamos a favor, era la escuela donde estudió Lenin, ya que es egresado del CUEC, entonces, eso ayuda también bastante para quién ve el nombre, ya es una validación de por medio que te ayuda mucho a empezar a moverte, ¿por qué digo todo esto?, porque en el primer Festival en qué quedó seleccionado fue Sundance, que no es cualquier cosa, quedar en Sundance tiene su mérito y su dificultad también, creo que en parte, sí claro, que el proyecto por sí mismo funciona y habla como tal, pero como ya tenían el bagaje también de haber distribuido la película La paloma y el lobo, pues era más fácil llegar a este tipo de festivales y decir, “oye ve mi película”. Sí cualquier persona de nosotros, llegamos ahí, va a ser mucho más complejo, por eso es bueno tener esos respaldos, por más mínimo que sea; CONARTE es parte de eso, el gobierno del Estado también puede ser parte de, pero es importante, incluso la Universidad también puede ser parte de eso, no lo digo desde mi lado docente, yo intento impulsar, para que la escuela también tenga cierto prestigio, obviamente no vamos a llegar tan rápidamente al prestigio que tiene el CUEC o que tiene el CCC, pero pues es la idea, ¿no?, que en algún momento podamos vernos de tú a tú de esa forma. ¿Qué significa ganar el Ariel? El premio Ariel básicamente, es como el Oscar mexicano, son los premios de la Academia Mexicana de Cinematografía, que se le otorga a las mejores películas y cortometrajes, o sea hay muchas categorías, cuando hablamos de cortometraje es más directo, gana el producto como tal, cuando hablamos de películas, igual que en el Oscar, puedes ganar como mejor película, actriz revelación, actor revelación, mejor sonido, mejor fotografía, mejor edición, etc. A nivel de cortometraje son dos temas, cortometraje ficción y cortometraje documental, pues nosotros ganamos en el de ficción, porque la historia es así, pero sí son los premios más relevantes o importantes de esta área en México. ¿Cuál fue su reacción al ser nominados? Fue una sorpresa, no esperaba que fuéramos nominados, porque es un proyecto que ya tenía bastante tiempo, ya era como, ya lo que salga es bueno, de alguna forma. Este corto pudo ganar y pues sí fue una grata sorpresa haber logrado eso, sobre todo, este proyecto que estuvo bastante tiempo enlatado, y como que volverlo a sacar, y darte cuenta de todo el impacto, o sea, de regresar al pasado y decir, yo hacía las cosas así, las entendía de esta forma, y actualmente pues es diferente en la manera que entendemos y percibimos el cine, entonces también ese cambio es interesante, esa reflexión al pasado, sobre todo en un proyecto que estuvo mucho tiempo sin hacerle nada, la gente cambia y la percepción del cine cambia bastante también. Foto: cortesía de Andrés Luna ¿Qué nominación obtuvo El cortometraje? Fue nominado como mejor cortometraje de ficción, en los Arieles y ganó, estuvo compitiendo igual como cortometraje de ficción en Sundance, creo que estuvo en Locarno también y en varios festivales internacionales. marzo 2023 27 �E N F O Q U E Foto: cortesía de Andrés Luna ¿Qué aprendizaje les deja este proyecto? El proceso estuvo muy padre, porque si LO HICIMOS MUY ACADÉMICAMENTE CORRECTO fue un proceso bastante interesante de desarrollar a los personajes y de buscar también a los proveedores. 28 marzo 2023 Bastante realmente, y sobre todo porque yo pensé que el proyecto iba a estar enlatado para siempre, sobre todo también porque, ya estaba otra película de por medio y a la película le fue muy bien en muchos sentidos. Entonces es como que retornar o remontar ese proyecto, hasta cierto punto, se podía sentir como un retroceso, justo porque también se hizo antes de cierta forma, pero el aprendizaje principal realmente es, darle valor a las cosas y las producciones por lo que son, sin poner de por medio ese momento, sino realmente que la misma obra hable por sí misma y que sea como la que se manifieste y la que se hace entender mejor, y justo como fue tanto el tiempo, ahorita haciendo memoria e intentándome poner en ese Andrés de hace 5 o 6 años, había muchas cosas que no veía o no percibía igual, y justo el proyecto me ayudó mucho a darme cuenta y sobre todo el equipo de trabajo que se formó con esas personas que éramos en ese entonces, estás 6 o 7 personas; creo que es lo más importante el poder descubrir con quién podemos trabajar y cómo podemos trabajar con esas personas, y eso también es un aprendizaje muy grande, saber con quién trabajar y saber cómo dialogar con las personas y cómo llegar a acuerdos. �¿Cuáles son sus proyectos a futuro? Personalmente lo que me gustaría es irme a estudiar la maestría documental en el CUEC, apenas estoy aterrizando la idea, del proyecto que quiero hacer y seguir adelante, seguir trabajando aquí en la escuela, me gusta mucho dar clases, el diálogo que se genera con los alumnos es muy refrescante y es bueno para poder ver a dónde podemos llegar, a mí me gusta mucho entregarme al proyecto, no hago muchos comerciales ni muchos institucionales y justamente por eso Busco mucho que el proyecto realmente tenga algo de espíritu, esencia o que de alguna forma pueda ser interesante, para explorar en la narrativa en cómo contar las cosas; ahorita estoy haciendo una serie documental de fútbol, no me agrada el fútbol, pero lo vi realmente como una oportunidad de un tema que desconozco completamente, y poder abrazarlo, entenderlo y manifestar una narrativa particular, que de alguna forma esté mi esencia como editor, seguir trabajando, seguir buscando esos proyectos que enriquezcan primeramente el espíritu, el alma y después también pues profesionalmente, la narrativa que es lo que más me interesa; buscar esas nuevas formas de contar la historia, salirnos un poquito de la manera convencional de lo que normalmente se está haciendo. Es muy interesante el tener en cuenta todo lo que pasa en el inter de como se genera el cine, todas las cosas que pueden llegar a pasar, para ver proyectada en una sala de cine, todos los sueños y pasiones plasmados en un guión, para después vaciarlos en la filmación y de ahí a la pantalla, llenarte de esas emociones tan complacientes y sentirte satisfecho con tus logros. Equipo de cortometraje (de izquierda a derecha): Andrés, Carlos, Paloma, Petra, Isa, Lenin, Roberto y Laura. Yo hacía las cosas así, las entendía de esta forma, y actualmente pues ES DIFERENTE EN LA MANERA QUE ENTENDEMOS Y PERCIBIMOS EL CINE, entonces también ese cambio es interesante, esa reflexión al pasado. Foto: cortesía de Andrés Luna marzo 2023 29 �A R T E El arte de la ciencia E CONCEPTOS EN RELACIÓN Te traemos lo que implica conocer y aprender de estos dos conceptos, que trabajan de manera conjunta para ofrecerte una experiencia única mediante obras artísticas Julian Melchiorri, cocoon (2014). 30 marzo 2023 POR: KAREN SALAZAR RODRÍGUEZ l arte y la ciencia, dos conceptos aparentemente alejados, consecuencia de la especialización profesional y la educación compartimentada. Con el paso del tiempo y del estudio de la separación de estos dos conceptos, surge el estereotipo de dos culturas, las ciencias y las humanidades, como podemos ver, la ciencia y el arte están estrechamente conectadas y ningún tipo de conocimiento es impermeable a otro. En la actualidad, el arte ha tomado un papel muy importante en el mundo de la ciencia, artistas han surgido gracias a ella, teniendo pequeñas aportaciones con obras en relación a la misma. Aunque pueden sonar dos conceptos totalmente diferentes, ambos se conectan creando una simultaneidad, es decir, un conjunto de realidades y pensamientos. Para comprender mejor cómo se engloban estos dos conceptos empecemos por el arte, que al igual que la ciencia es una forma de pensamiento donde se despliegan una serie de situaciones complejas, es decir, se hacen preguntas y se plantean problemas. Así mismo, al igual que la tecnología, el arte transforma una gran parte de lo que hay a nuestro alrededor y lo vuelve otra cosa, lo vuelve algo totalmente nuevo y funcional. Por el contrario, así como el arte tiene relación y similitudes con la ciencia y la tecnología también tiene sus diferencias, por ejemplo, está el hecho de que el arte no nos da respuestas ni soluciones únicas, sino que nos hace ser partícipes y nos convoca para que pensemos en opciones más allá de lo posible. El arte lo podemos encontrar en los libros, los teatros, en espacios públicos, como por ejemplo, anuncios o publicidad, así como en espacios privados, en el cine, en medios de comunicación como redes sociales, en la vestimenta, la comida y los sonidos, nosotros creamos arte de todas las formas posibles y en todo momento, a veces no nos damos cuenta que desde que nos levantamos hasta cuando vamos a la universidad hemos visto arte en diferentes lugares, hay que recalcar también que el arte no es algo bello que podemos ver, es una perspectiva de donde interrogar y transformar la realidad. El arte adopta el pensamiento, por lo tanto apela a otras dimensiones que la ciencia y la tecnología no pueden asumir desde la pura racionalidad. �Hay destacados avances como la inteligencia artificial, la edición genética, las telecomunicaciones que prometen cambiar el mundo Se mencionó anteriormente que el arte y la ciencia se relacionan entre sí, surgiendo de aquí artistas que aportan obras con base en la ciencia como lo es el director general de Divulgación de la Ciencia de la UNAM, César Augusto Domínguez Pérez-Tejada, quien nos explica que, Italia tiene una larga tradición científica y muestra de ello es esta exhibición, cuya relevancia cobra vigencia ante los momentos complicados que vivimos y los retos importantes que enfrentamos, como el cambio climático. También está el hecho que hay destacados avances como la inteligencia artificial, la edición genética, las telecomunicaciones que prometen cambiar el mundo. Confirmando así, que la ciencia tiene una gran responsabilidad en transformar estos problemas globales. El arte de la ciencia explora los valores, el impacto económico-productivo, aquí se destaca la contribución de una comunidad de mujeres científicas, líderes en todas las áreas del conocimiento. Exposición “Italia: el arte de la ciencia” Italia: el arte de la ciencia Universum Museo de las Ciencias. marzo 2023 31 �A R T E ¿Qué características tendría una ciencia artística? Una de las principales características es identificar c iertos marcos de lo artístico en el mundo de lo contemporáneo, avanzando en distintas conexiones entre ciencia y arte, así como, en la posibilidad de que estas conexiones colaboren en la difusión de investigaciones. Un ejemplo claro es el certamen y la exhibición “Art of science”, orientados a destacar el contenido estético de la labor científica. ¿En qué contribuye el arte para difundir la ciencia y viceversa? Se sabe que gracias a la ciencia, artistas han surgido para difundir información científica a través de sus obras artísticas, algunos materiales que usan para sus obras son componentes importantes en el mundo de la ciencia. El principal objetivo de divulgar información científica a través de obras artísticas es promover el interés por la ciencia. Algunas de las obras que se han expuesto han tenido una buena aceptación e interés del público, llevándolos a una experiencia donde se puede convivir con ambos conceptos, la obras que han tenido un gran impacto son relacionadas con experimentos o temas de la vida actual, el arte contribuye a esto, a hacer llegar el mensaje a las personas sobre lo que está pasando usando estos elementos científicos que los hacen interesantes a la vista del público. 32 marzo 2023 La importancia de conocer sobre la composición de una OBRA que puede considerarse como CIENCIA al mismo tiempo, es decir una CIENCIA ARTÍSTICA, que a su vez inspira a más personas, merece ser más reconocida. �Cuando el arte y la ciencia se unen, surgen obras magníficas, a continuación las obras más destacadas Artistas, ciencia y arte MIRIAM FERNÁNDEZ Licenciada en Bellas Artes pero también en Ingeniería, en sus obras conjuga el arte de la ciencia y lo usa como elementos poéticos sobre conceptos científicos, pero usando elementos cotidianos, donde nos muestra la importancia de la ciencia en el mundo del arte, sus obras actualmente son publicadas en una página y se subastan. PAGINA WEB https://www.saishoart.com/miriam-fernandez RAFAEL LOZANO-HEMMER Estos son solo algunos de los artistas que han aportado sus obras en el mundo de la ciencia, cada uno de ellos ha logrado llevar la ciencia y el arte de manera conjunta, son obras interesantes con estilos, elementos y formas verdaderamente increíbles característicos de la ciencia, obteniendo así una obra innovadora y original, existen más artistas que han presentado obras que tienen un trasfondo y una historia de cómo se llevó a cabo o qué los llevó a hacerlo, como podemos ver, la ciencia y el arte son dos conceptos que se relacionan totalmente y son la fuente de inspiración de muchos artistas, es por eso que los invitamos a conocer más sobre este tema y así inspirarlos a hacer su aportación en el mundo de la ciencia, donde la creatividad juega un papel muy importante y qué mejor que experimentar haciendo ciencia y arte de la manera más divertida y original que solo ustedes pueden hacer. PAGINA WEB https://maxestrella.com/es/news/ La obra de Rafael Lozano Heemer titulada “Pulse Topology” está compuesta por 6000 bombillas distribuidas a distintas alturas, creando una serie de cumbres y valles, con un aspecto visiblemente atractivo a los ojos, un paisaje en el que el visitante puede atravesar y admirar más de cerca. Cada bombilla interactúa con el pulso de los participantes en la obra, cabe recalcar que para esta obra se fabricaron sensores de pulso a medida para procesar el latido de los visitantes. pulse-topology-en-art-basel-suiza/ ANICKA YI El trabajo de la japonesa Yi se basa entre el arte y el experimento de biología. La artista, residente en Nueva York, es conocida por crear experiencias en sus instalaciones involucrando los sentidos, especialmente el olfato. Ella trabaja en colaboración con biólogos, químicos y perfumistas para crear sus olores inusualmente evocadores, así como instalaciones que funcionan como placas bacterianas. PAGINA WEB https://universes.art/es/bienal-vene- i cia/2019/fast-tour-1/anicka-y NOVIembre 2022 A �E V E N T O S QATAR COMPITE ARTE CONTRA FÚTBOL EN QATAR Surge proyecto cultural nunca antes visto en Arabia POR: DANIELA ZAPATA E n la Copa Mundial de la FIFA Qatar 2022, uno de los eventos deportivos más importantes y más vistos del mundo; se comenzó un plan de desarrollo cultural intensivo con la intención de atraer más turistas. Este programa fue supervisado por Sheikha Al Mayassa bint Hamad bin Khalifa Al Thani, presidenta de los Museos de Qatar, el programa consiste en la apertura del Museo de Arte Islámico (MIA), la instalación de 40 obras monumentales en vías públicas llamado “Outdoor Museum” y la exposición “Mundo del Fútbol”, entre otras actividades que estarán disponibles para los millones de personas que viajaron a ver la copa mundial en noviembre de este año. Museo de Arte Islámico Qatar- National Geographic (2022) Art Mill - Por: Elemental (2022) Hahn- Por:Katharina Fritsch (2013) 34 Marzo 2023 Este plan cultural estuvo mayormente enfocado en la apertura del Museo de Arte Islámico, que se mostró renovado y con nuevas instalaciones en manos del arquitecto Ieoh Ming Pei, ganador del premio Pritzker. Su nueva apertura presentó exposiciones y temáticas nuevas, además de contar con piezas de arte enviadas desde el Museo Louvre en París y el Museo Metropolitano de Arte Contemporáneo en Nueva York. Aunque el renovado Museo de Arte Islámico es más que suficiente para dejar boquiabiertos a los turistas y fanáticos del arte; la organización de Museos de Qatar tuvo la misión de convertir a Doha y Qatar el epicentro del arte, pues inauguraron tres nuevos museos. Una de las nuevas instituciones fue el Museo Lusail, diseña- do por los arquitectos suizos Herzog & de Meuron, que es “el hogar de la colección más extensa del mundo de pinturas, dibujos, fotografías, esculturas, textos raros y artes aplicadas orientales”. Otra apertura es el Museo del Auto de Qatar, que trazó “la evolución del automóvil desde su invención hasta la actualidad y cómo ha influido en la cultura de Qatar”, este museo estuvo en manos de la firma de arquitectos de Rem Koolhaas. El tercer museo se trata del Molino del Arte, un lugar que reune “galerías de exhibición y actuación de arte moderno y contemporáneo, espacios dedicados para programas de aprendizaje y residencia de artistas e instalaciones de producción”, dice una declaración del proyecto. Esta nueva instalación se encuentra en la zona este del Museo de Arte Islámico. �El programa de “Outdoor Museum” trata de la instalación de diversas esculturas de todo tipo de dimensiones, formas y materiales, cuyas creaciones se encomendaron a grandes artistas internacionales, regionales y locales. Las obras fueron distribuidas en diversas áreas públicas, desde el Aeropuerto Internacional Hamad, los diferentes estadios de fútbol, plazas comerciales y barrios de la ciudad. Con el propósito de convertir a la ciudad de Doha en un gran museo de arte al aire libre, como también celebrar el legado local y abrirse a las otras culturas del mundo. La presidenta de los Museos de Qatar dijo: “El arte público es una de nuestras manifestaciones más destacadas de intercambio cultural, donde presentamos obras de artistas de todas las nacionalidades y procedencias. Estos trabajos promueven nuestra misión de hacer que el arte sea más accesible, involucrar a nuestros públicos, celebrar nuestra herencia y abrazar las culturas de otros.” Ghandi’s Three Monkeys - Por: Suboh Gupta (2012) El arte público es una de nuestras manifestaciones más destacadas de intercambio cultural, donde presentamos obras de artistas de todas las nacionalidades y procedencias. Nuestra misión es hacer que el arte sea más accesible, involucrar a nuestros públicos, celebrar nuestra herencia y abrazar las culturas de otros. The Miraculous Journey - Por: Damien Hirst (2013) Por último, pero no menos importante, se presentó la exposición “Mundo del Fútbol”, un espectáculo de gran dimensión que celebró la historia del fútbol y las más grandes competiciones de este deporte. La exposición estuvo dividida en dos partes, iniciando con “un primer tiempo” para examinar el atractivo universal y global del fútbol; el juego que millones de personas juegan, miran y disfrutan, independientemente de su edad, género, nacionalidad o nivel socioeconómico. En el “segundo tiempo” de la exhibición, se invita a recorrer la historia del mundial desde Uruguay 1930, hasta la final en el Estadio Lusail, el pasado 18 de diciembre de 2022. Esta increíble exposición estuvo disponible a partir del 1 de octubre de 2022 en el Museo Olímpico y del deporte en Qatar. Cabe destacar que Qatar se ha convertido en uno de los primeros países de la región en crear un programa cultural de esta magnitud, un paso muy importante para mostrar y diversificar el legado cultural de los países de Arabia. La organización de los Museos de Qatar ha logrado desarrollar un proyecto cultural sumamente innovador y sorprendente, tanto que generó competencia con la Copa Mundial que se celebró por primera vez en Oriente Medio. marzo 2023 39 �Marzo 2023, Número 9 36 NOVIEmbre 2022 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2023 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 5 Número Número de la revista 9 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2023, Año 5, No 9, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/03/2023 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020844 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Arte Arte digital Creación Edición Escencia Innovación Museo virtual https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/403/21552/Paradigma_Creativo_2023_Ano_4_No_4_Diciembre.pdf d498b8ae8af02ac34a8d78f5a72f0e3e PDF Text Text No. 4 DICIEMBRE 2023 �ÍNDICE 04 Diseño de presentación de ponencia con formato de póster científico multimedia Gustavo R. Peña y Lillo, Alma Delia Banda Castillo, José Eduardo Mallén Lomas 16 Conciencia sustentable en el desarrollo profesional del diseñador gráfico 34 La gestión de la educación a distancia: un proceso hacia la calidad con el uso de la tecnología 48 El reguetón y su impacto en la sociedad como declive en la cultura musical 60 Sustentabilidad fantasma: Ilustración y Ecoart 80 Plataformas digitales: una alternativa de educación a distancia sustentable Rocío Castillo Pardo Sandra Guadalupe Altamirano Galván Martha Paola Garay Mendoza Patricia Vianey Ríos Martínez Mayra Virginia Ruiz Caballero �Dr. Santos Guzmán López Rector Dr. Juan Paura García Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Academica Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector del Centro de Investigación y Posgrado Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Coordinación Editorial Elsa Yazmín Castillo Sanjuan Sofía Monsserrat Rodríguez de la Cruz Fernanda Mora Lozano Martha Isela Pérez Ontiveros Lucía Martínez Reyes Diseño Editorial Lucía Martínez Reyes Portada Paradigma Creativo, Año 4, No. 4, Diciembre 2023. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la coordinación editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600 , Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos. Monterrey, Nuevo León, México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-29-4000. Coordinación Editorial: Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván. Reserva de Derechos al uso Exclusivo No. 04-2021-060323021500-203, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Las opiniones expresadas por los autores, no necesariamente reflejan la visión de la publicación. �Diseño de presentación de ponencia con formato de póster científico multimedia Gustavo R. Peña y Lillo ORCID: 0000-0002-0671-9812 Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. gustavo.penaylillo@uanl.edu.mx José Eduardo Mallén Lomas ORCID: 0000-0001-9250-0886 Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. jose.mallenlms@uanl.edu.mx Alma Delia Banda Castillo ORCID: 0000-0001-6348-6915 Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales. alma.bandacs@uanl.edu.mx 4 Resumen Palabras clave: modelo, presentación académica, presentación científica, póster. Las presentaciones científicas no exigen estructura ni cantidad de palabras o diapositivas, esto suele ser un problema para principiantes. En cambio, el póster científico tiene un formato definido y un aspecto visual atractivo. Por esto, se propone la guía práctica de diseño de presentación con lineamientos de póster. La revisión sistemática sobre diseño de cartel y presentación en artículos que cumplen cuatro criterios de calidad, identificó cuatro categorías que fueron usadas para analizar pósters ganadores. Los resultados indican que estos siguen la mayoría de las sugerencias, a partir de las que se construyó un modelo de diseño, que fue aplicado a este texto a modo de ejemplo. �Abstract Scientific presentations have no requirements of structure or number of words or slides, what is usually a problem for beginners. In contrast, scientific posters have a defined format and an attractive visual aspect. Therefore, this practical presentation design guide with poster guidelines is proposed. A systematic review of poster design and presentation was made, looking for articles that meet four quality criteria. Four categories were identified and used to analyze winning posters. Results indicates that those follow most of the suggestions from which a design model was built and applied to this text as example. Key words: model, academic presentation, scientific presentation, poster. Introducción Las presentaciones científicas no indican estructura ni cantidad de palabras o diapositivas, lo que suele ser un problema para quienes inician en estas actividades. En cambio, el póster científico tiene una forma precisa y un aspecto visual que comunica con eficiencia. Por esto, se propone un modelo de presentación con estructura de póster. Se destaca el ejemplo de uso del modelo pues no se halló nada similar en las fuentes revisadas. Usualmente, las guías de diseño sugieren sin dar un ejemplo completo de elaboración del texto de presentación a partir del texto del artículo. Desarrollo: Fundamentos Teóricos Lozano-Sánchez (2011, p. 96) define póster científico como un medio: ...Estático y visual, usualmente desplegado sobre un cartón o material similar, con el propósito de transmitir ideas o mensajes. Se muestra en papel, tela, plástico o material análogo, para compartir una gestión de investigación u otra información. Actualmente se usan carteles electrónicos o digitales (e-poster o D-poster), expuestos “como un PowerPoint”1 (Gundogan, Koshy, Kurar, & Whitehurst, 2016, p. 71). Estos carteles no muestran información estática y pueden usar sonido, video, hipervínculos y otras herramientas (Masters, Gibbs, & Sandars, 2015, p. 2). Lo que identifica al póster es la descripción breve y altamente gráfica de toda la investigación. 1 En cuyo caso se indica el número máximo de diapositivas (Christenbery & Latham, 2013). En ejemplos de los últimos años estas se limitan a 8 o 10.ZZ 5 �Se define el póster científico multimedia como: Un medio visual digital de aspecto infográfico2, que puede contener material audiovisual y se reproduce en una pantalla de TV o proyector, usado para compartir datos relevantes del proceso de un proyecto de investigación. El estilo de vida altamente digitalizado actual (celulares, etc) muestra que un estilo de vida muy digitalizado, reduce la duración de la concentración (Duquette, 2018), aunque también genera picos de atención y mejora el procesamiento y codificación de información (2018, p. 23). Ya que el público olvidará el 80% de la ponencia en 24 horas, solo se debe tratar lo relevante (Mills, 2007, p. 94), por lo que se sugiere limitarla a 10 diapositivas. Esto no es problema, pues el público interesado pedirá una forma de contacto para saber más (Greenhalgh, de Jongste, & Brand, 2011, p. 148). Diseñar la ponencia con restricciones de póster es ventajoso porque éste se caracteriza por los principales elementos que capturan la atención: la reducida duración (3 a 5 minutos), el breve texto solo trata puntos relevantes (Zarnetske & Zarnetske, 2015, p. 67); la poca cantidad de datos y su pertinencia eleva la retención; las imágenes facilitan la comprensión del tema (Guardiola, 2010, p. 86). 6 Metodología Se buscaron artículos de diseño de cartel y de póster científico (scientific, academic, scholarly) con una revisión sistemática en revistas indexadas y de acceso abierto, en español e inglés. Los 20 seleccionados cumplen los criterios de calidad: publicados desde 2009, integran ejemplos con imágenes y/o valores numéricos, no dan información ambigua ni contradictoria y explican la mayoría de las sugerencias. Se revisaron los requisitos solicitados en congresos actuales y se analizaron diez pósters ganadores. Los resultados se clasificaron en cuatro temas: estructura, cantidad de palabras, diseño de contenido y diseño gráfico. Luego se compararon los pósters ganadores con las sugerencias de los artículos. A partir de estos datos se construyó un modelo de diseño de contenido, que finalmente se aplicó al presente texto a fin de ejemplificar su uso. 2 Una infografía es una combinación de elementos visuales que aporta un despliegue gráfico de la información. Se utiliza fun- damentalmente para brindar una información compleja mediante una presentación gráfica que puede sintetizar o esclarecer o hacer más atractiva su lectura (García, 2016). �Resultados 1. Estructura: Consiste en dos bloques: encabezado y cuerpo principal (Gundogan et al., 2016, p. 70). El primero incluye: afiliaciones, título, tipo de texto, autoría y (Van´t Hooft, 2013, p. 142). El segundo sigue la forma del resumen (Gundogan et al., 2016): introducción, hipótesis y objetivos, metodología, resultados y conclusiones. El cartel no incluye resumen (es un resumen) (Van´t Hooft, 2013, p. 142) y se debe separar la hipótesis (Lefor & Maeno, 2016, p. 288). Los resultados ocupan cerca del 50% de superficie total (2016, p. 286). 2. Cantidad de palabras: Para Day: “Las multitudes se congregarán en torno a los carteles sencillos y bien ilustrados; los confusos y verbosos serán pasados por alto” (Day, 2005, p. 187). Para lograr un texto mínimo se usan puntos clave en lugar de frases completas (Gundogan et al., 2016, p. 69). El cartel debe tener desde 300 palabras (Chopra & Kakar, 2014, p. 300). Para facilitar la lectura, el texto se organiza en bloques de hasta 10 líneas, de hasta 10 palabras cada una (Dominguez et al., 2011, p. 5) y (Gundogan et al., 2016, p. 70) y se sugiere distribuir el texto de 50 o 75 palabras (Dominguez et al., 2011, p. 5), valor muy cercano al mínimo de presentaciones: siete líneas de 42 a 70 palabras3 (Mills, 2007, pp. 115–116) y (Flores-Hernández & Villamar-Chulín, 2012, p. 154)4,5. La mayoría de los autores indican limitar el título a 15 palabras y algunos lo reducen a 12 (Christenbery & Latham, 2013). Por otra parte, se sugiere una cantidad máxima de 200 palabras para introducción, metodología y resultados y de 300 para las conclusiones (Domínguez et al., 2011, p. 2). Por último, se sugiere dedicar más del 60% del texto a Metodología y Resultados (González De Dios, González-Muñoz, Alonso-Arroyo, & Aleixandre-Benavent, 2013, p. 187). Distribución: Los congresos suelen indicar de 8 a 10 diapositivas para e-posters6. Las ponencias suelen durar 10 minutos, aunque a veces duran 77. Para terminar en 10 minutos, debe haber un máximo de 10 diapositivas, incluyendo introducción y conclusiones (Greenhalgh et al., 2011, p. 148). 3 El valor mínimo resulta de la línea del título y seis puntos clave de seis palabras cada uno. 4 El tamaño de letra para el texto principal varía de 18 a 32 puntos (Mills, 2007, p. 113). Según la letra, la línea puede tener hasta 10 palabras. Así, seis puntos clave y un título de 10 palabras, dan el máximo de 70. 5 Para el póster de caso clínico ver (Pierdant Pérez et al., 2019, p. 115) 6 12ª Conferencia Anual ILCA (2018): https://www.ilca2018.org 7 26˚ Encuentro Anual ASCVTS 7 �La Tabla 1 analiza 10 pósters ganadores. Aunque no se imponía cantidad máxima de palabras, los ganadores (entre más de 1500) tienen 250 (en promedio, sin encabezados ni referencias), las tablas e imágenes ocupan de 30% a 60% , mientras que metodología y resultados suman 51% del texto, coincidiendo con lo mencionado. Tabla 1 Pósters ganadores8. Cartel N° 1 8 Página 9 Sección 1 Antecedentes y Objetivos Sección 2 Método Sección 3 Resultados Sección 4 Conclusiones N° de Palabras % Gráfico Total Título 0015 5 28 99 78 48 253 10 30 1289 67 70 15 134 52 271 10 25 0355 86 90 27 70 65 252 15 25 0367 87 123 64 50 20 267 19 60 0534 128 109 50 40 51 250 12 30 0726 171 33 52 95 72 252 12 60 1046 249 49 93 57 13 212 18 25 1100 262 161 37 44 14 256 12 25 1127 271 78 47 80 48 253 14 30 1268 305 55 121 24 50 250 16 40 Promedio 79.6 60.5 67.2 43.3 250.6 13.8 35 8 27˚ Congreso Europeo de Psiquiatría (Varsovia, Polonia, del 5 al 8 de abril de 2019) https://www.morressier.com// �La Tabla 2 propone un modelo que sigue las sugerencias comentadas. Tabla 2 Ejemplo y Modelo de Estructura y cantidad de palabras por diapositiva Ejemplo con 290 palabras (Sin encabezados ni referencias) Diapositiva Propuesta de Greenhalg Palabras 1: Encabezados Diapositiva 1: Título 2: Introducción 40 2: Antecedentes 3: Hipótesis + Objetivos 40 3: Objetivos 4: Metodología a 5: Metodología b 80 4: Metodología a 5: Metodología b 6: Resultados a 7: Resultados b 80 6: Resultados a 7: Resultados b 8: Conclusiones 50 8: Conclusiones 9: Referencias 9: Futuro (o Problemas para discusión) 10: Referencias Total 290 Resultados 28% (texto) (Este valor aumenta al integrar gráficos) Metodología + 55% Resultados 3. Diseño de Contenido: El título debe comunicar claramente el tema y las conclusiones, debe ser llamativo sin ser informal ni muy especializado (Van´t Hooft, 2013, p. 142) y debe llamar a leer la frase principal, la primera de la introducción (Grech, 2018, p. 57). El título no debe llevar siglas (Gundogan et al., 2016, p. 70), ni dos puntos pues indica una longitud excesiva (Grech, 2018, p. 57). En el tipo de manuscrito se indica si es revisión de literatura, artículo de investigación, etc. La autoría indica el nombre de quien diseñó el cartel. La frase principal, debe destacar lo que diferencia el trabajo, por qué es innovador (Gundogan et al., 2016, p. 70), ya que junto con el título ayuda a despertar el interés. El resto de la introducción trata antecedentes y propósitos. 9 �Es necesario declarar claramente la hipótesis y los objetivos porque se espera ver su consecución en las conclusiones (Van´t Hooft, 2013, p. 142). La sección de metodología, también denominada “materiales y métodos” o “estrategias de investigación” describe el diseño y la técnica de análisis de datos. A menos que aquel sea innovador debe ser breve (Van´t Hooft, 2013, p. 143), y listar: muestra objetivo, duración, técnicas estadísticas, tipos de mediciones primarias y criterios de inclusión y exclusión, (Gundogan et al., 2016, p. 70). La sección también se construye respondiendo a ¿Qué? ¿Cuándo? ¿Dónde? ¿Cómo? ¿Quién? y ¿Con qué?(Guzmán Pantoja et al., 2018, p. 33). La sección de resultados solo trata datos que contestan la hipótesis (Gundogan et al., 2016, p. 70) y no se debe duplicar, explicándolos con imagen y texto (Chopra & Kakar, 2014, p. 299). Un cartel no incluye discusión (González De Dios et al., 2013, p. 187), aunque se suele exponer verbalmente. Si se incluye, se integra en las conclusiones. Por esto, la última sección también se denomina Discusión y Conclusiones (Lozano-Sánchez, 2012, p. 97). Las Conclusiones deben derivarse solo de los resultados, que a su vez responden solo al propósito expresado. Deben incluir: problemas, limitaciones y mejoras futuras (Gundogan et al., 2016, p. 70). Por último, solo se incluyen Referencias esenciales. 10 4: Diseño gráfico: En un estudio reciente se muestra la preferencia por las versiones gráficas, pues se percibe la misma claridad en ambas (Young, Bridgeman, & Hermes-DeSantis, 2019, p. 209). El aspecto visual, no solo es llamativo, según el principio de Multimedia de Mayer (Mayer, 2009), mejora el aprendizaje al combinar texto e imagen (Tomita, 2017, p. 314). Para que las gráficas ocupen más del 50% (González De Dios et al., 2013, p. 187) hay que sustituir todo el texto posible por imágenes (Dominguez et al., 2011, p. 5). Para facilitar la lectura, la composición debe seguir un recorrido de arriba hacia abajo, de izquierda a derecha (Gundogan et al., 2016, pp. 69–70) y conviene numerar las partes o usar flechas para guiar el recorrido correcto (Grech, 2018, p. 58) Para atraer el interés, se recomienda usar espacios en blanco y objetos de distintos tamaños y proporciones, alternar texto y gráficos (Grech, 58) y (Gundogan et al., 2016, p. 70) y enmarcar los objetos (Dominguez et al., 2011, p. 5) y (Chopra & Kakar, 2014, p. 302). �Los espacios vacíos acentúan y diferencian los objetos (Chopra & Kakar, 2014, p. 302) y ayudan a “seguir el flujo lógico del cartel y enfocar el mensaje principal” (Christenbery & Latham, 2013, p. 19). La composición9 más usual es la de columnas iguales (Tomita, 2017, p. 315). Para ofrecer una lectura más clara conviene usar sólo dos tipos de letras (Lozano-Sánchez, 2012, p. 97) del tipo “sans serif” (Arial, Avenir, Calibri, Candara, Futura, Helvética, Tahoma, Verdana) y evitar la tipografía rebuscada (Lefor & Maeno, 2016, p. 288). El texto sólo se debe justificar a la izquierda (Chopra & Kakar, 2014, p. 299) pues el párrafo con líneas de longitud irregular es más fácil de leer. Para resaltar, se recomienda elegir entre itálica o negrita. González de Dios (2013, p. 187) explica que es preferible la negrita y no recomienda subrayar (Grech, 2018, p. 58) ni usar notas al pie, ya que rompen la continuidad de la lectura (Van´t Hooft, 2013, p. 143). El título se coloca arriba, en negrilla, con la tipografía más grande (Van´t Hooft, 2013, p. 141) y no debe tener todas las letras mayúsculas (Lozano-Sánchez, 2012, p. 97). La tipografía de las Referencias es menor que la del cuerpo principal. Es esencial la inclusión de gráficas, imágenes y tablas pues, además de la mejora visual, dan mucha información y reducen el texto (Gundogan et al., 2016, p. 70). Los gráficos deben ser de alta resolución y en color, siempre que no impidan o degraden la lectura del texto (Gundogan et al., 2016, p. 70). Se logra más claridad cuando una imagen trata un único punto y tiene mínimos detalles (Christenbery & Latham, 2013, p. 20). Por ejemplo, en gráficas cartesianas se usan solo las cifras relevantes que orientan al lector, ya que este observa patrones y formas de distribución, no valores exactos. Con igual criterio, la simbología (en general a la derecha) se coloca junto al patrón que alude, para ampliar el espacio y facilitar la lectura (Guzmán Pantoja et al., 2018, p. 36). Para lograr legibilidad a cualquier distancia, el fondo debe ser claro o blanco. Además, debe tener contraste de color, esto se logra con colores de distinta intensidad (Fríos/cálidos, oscuros/claros, pálidos/brillantes). La Imagen 1 muestra el resultado de la aplicación del modelo. 9 La composición es la base del diseño: la forma de ordenar todos los elementos integrantes para lograr la óptima organización y equilibrio. Una composición cuidada producirá la óptima transmisión del mensaje. 11 �5 - Revisión sistemática: • Revistas indexadas y de acceso abierto (español/inglés). - 20 artículos, cumplen 4 criterios de calidad: • Posteriores a 2009. • Ejemplos con imágenes y/o valores numéricos. • No dan información ambigua ni contradictoria. • Explican las sugerencias. - Clasificación de sugerencias en cuatro aspectos: • Estructura. • Cantidad de palabras. • Diseño de contenido. • Diseño gráfico. - Se analizaron 10 pósters ganadores - Comparándolos con las recomendaciones. RESULTADOS RESULTADOS - Diseñar una presentación con lineamientos de póster. • Asegura duración máxima: 10´. • Mantiene el interés (brevedad, aspecto visual). • Aumenta la retención de la audiencia (solo datos relevantes) - Objetivos • Clasificar sugerencias. • Analizar posters ganadores. • Crear modelo. CONCLUSIONES 12 METODOLOGÍA 4 METODOLOGÍA HIPÓTESIS Y OBJETIVOS 3 -Se propone modelo de diseño con lineamientos de póster -Las presentaciones científicas no indican: • Estructura ni cantidad de palabras o diapositivas • Esto es un problema para diseñarlas. • El póster tiene características precisas. - Análisis: guías y pósters ganadores. REFERENCIAS 2 INTRODUCCIÓN Imagen 1 Ejemplo de Aplicación del Modelo a Partir Del Texto del Artículo (no se incluyen gráficas) - Estructura: Encabezado • Cuerpo principal: introducción / hipótesis y objetivos / metodología / resultados / conclusiones. - Palabras: • 300 (sin encabezado ni referencias) • Usando puntos clave • Ideal: 42 palabras/diapositiva • Metodología y Resultados > 60% de texto (sin referencias) 6 - Diseño de contenido: • Metodología: Breve. • Resultados: Sólo los que responden la hipótesis. • Conclusiones: Limitaciones y mejores futuras. • Referencias: Las fundamentales. - Diseño gráfico: • Mas del 50% debe ser gráfico. • Gráficas simplificadas. 7 - Limitaciones • Sólo se revisaron 4 criterios de calidad. • Solo se analizaron 10 pósters ganadores - Continuación: Estudiar la aplicación del modelo. • Pósters ganadores: valores cercanos al modelo • Modelo: -Breve, enfocado y visual -Capturar el interés -Elevar la retención del auditorio -Duración máxima: 10´. 8 Chopra, R., & Kakar, A. (2014). The art and science of poster presentation in a conference. Christenbery, T. L., & Latham, T. G. (2013). Creating effective scholary posters. Grech, V (2018). Preparing a poster. Gundogan, B., Koshy, K., Kurar, L., & Whitehurst, K. (2016). How to make an academic poster. Leior A. K. & Maeno, M. (2016). Preparing scientitic papers, posters, and slides Lozano-Sánchez, J. R. (2012). Presentación en cartel de trabajos de investigación Masters K., Gibbs, T. & Sandars, J. (2015). How to Make an Elective e-Poster. Tomita, K. (2017). Visual Design Tips to Develop an Inviting Poster for Poster Presentations Young, J., Bridgeman, M. & Hermes-DeSantis, E. (2019). Presentation of scientific poster information. 9 Con guías de diseño de cartel científico, categorizadas en cuatro aspectos, se observó que los pósters ganadores tienen aspectos muy cercanos a los sugeridos. Con estos datos se diseñó un modelo de presentación breve, enfocada y de alto contenido gráfico, que guía un diseño de presentación eficiente para capturar el interés, elevar la retención del auditorio y con duración de un máximo de 10 minutos. El modelo indica: secciones, cantidad de palabras, de diapositivas y datos puntuales sobre creación de contenido y diseño gráfico. El modelo es fácilmente aplicable, lo que se muestra en el ejemplo aplicado al presente texto. Se prevé continuar estudiando la aplicación del modelo en forma sistemática. �Referencias Bradbury, N. A. (2016). Attention span during lectures: 8 seconds, 10 minutes, or more? Advances in Physiology Education, 40(4), 509–513. https://doi. org/10.1152/advan.00109.2016 Bunce, D., Flens, E., & Neiles, K. (2010). How Long Can Reviews, 12(2), 148–149. https://doi.org/10.1016/j. prrv.2011.01.010 Guardiola, E. (2010). El póster científico. Cuadernos de La Fundación Antonio Esteve, 85–102. 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El Presentation of scientific poster information: último cortometraje (Intrusos, 2021) fue seleccionado en varios Lessons learned from evaluating the impact of festivales internacionales. Ingeniero en electrónica, especializa- content arrangement and use of infographics. do en Acústica y Sistemas de Sonido, con Maestría en Arte, sobre Currents in Pharmacy Teaching and Learning, 11(2), cinematográfico y psicoanálisis. Lleva a cabo una línea de inves- 204–210. https://doi.org/10.1016/j.cptl.2018.11.011 tigación sobre el uso de los juegos de mesa como motivación en Zarnetske, J., & Zarnetske, P. (2015). Strategies for creating estudiantes universitarios para proyectos de creación en carreras a conspicuous, effective, and memorable poster universitarias de producción audiovisual. Ha publicado artículos presentation. GSA Today, (5), 66–68. https://doi. con las dos primeras partes de la investigación, expuso la 3ra parte org/10.1130/gsatg228gw.1 en el Foro Internacional de Juegos (Layout-devhr) en septiembre 2022. También ha publicado artículos sobre el sonido en el cine y un libro digital interactivo: “Micrófonos para video: 12 aplicaciones explicadas”. Su tesis de maestría fue galardonada por la UANL con el primer premio en el área de Artes y Humanidades. �Alma Delia Banda Castillo José Eduardo Mallén Lomas Alma Delia Banda Castillo, nacida en Monterrey Nuevo León; Méxi- Estudió la Licenciatura en Diseño Gráfico en la Universidad de co, Licenciada en Artes Visuales con especialidad en Camarogra- Monterrey, en el 2008 obtiene un Máster en Diseño y Dirección de fía por la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma Arte en la Escuela de Diseño Elisava por la Universidad Pompeu de Nuevo León (UANL), Maestría en Artes con Especialidad en Edu- Fabra en Barcelona, en el 2014 obtiene su Maestría en Diseño Grá- cación por el Arte del posgrado de la Facultad de Artes Visuales de fico en la Facultad de Artes Visuales y es Doctor en Filosofía con la UANL. Desempeña la labor docente desde Enero de 2001. Líder Acentuación en Estudios de la Cultura. Ha colaborado con las em- del Cuerpo Académico Cultura Digital y la Producción Audiovisual presas de Pull & Bear en Irlanda, Mango en Barcelona, así como con el desarrollo de la Galería Transmedia llamada Empty Space. la realización de proyectos para las marcas Jaguar, Tecate, Mora- Certificada en productos de Microsoft para la implementación de ma, entre otras y actualmente está dedicado a la docencia y a la clases virtuales como MS Teams, Forms, Sway, Stream, OneNote investigación. Ha participado desde la docencia para la creación Onedrive, entre otros. Realizó un Taller presencial en 2019 de Inno- de proyectos de Innovación Social solucionando los problemas vación en la Enseñanza y el Aprendizaje, avalado por las PAU con de comunicación gráfica que tienen las personas con discapaci- afiliación a Harvard University. Actualmente se desempeña como dad desarrollando con los alumnos en la clase de Innovación de jefe del área de Innovación y Desarrollo Digital coordinando los la Licenciatura en Diseño Gráfico de la Facultad de Artes Visuales. departamentos de Innovación, Comunicación e Imagen, Produc- En su labor de investigación, se ha enfocado en el estudio de la ción Digital e Informática de la misma Facultad. Es coordinadora aplicación del Design Thinking en agencias de Diseño Gráfico de la de Educación a Distancia, así como coordinadora de Nexus de la ciudad de Monterrey, para estudiar su proceso creativo, mediante Facultad. A la par de estas actividades desarrolla proyectos para la observación no participartiva y la influencia de éste en el en- diferentes clientes incluídos bancos y empresas del sector privado torno cultural. Ha realizado un directorio de agencias de Diseño en en el área de UX, UI, además de programación de páginas web y Monterrey. Su compromiso con la innovación y el entendimiento aplicaciones móviles. Así mismo desde agosto de 2022 se encuen- profundo del diseño gráfico como herramienta se reflejan en cada tra realizando estudios sobre inteligencia artificial y su uso para etapa de su carrera y en sus actuales investigaciones. fines académicos. 15 �Conciencia sustentable en el desarrollo profesional del diseñador gráfico Rocío Castillo Pardo ORCID: 0009-0002-9933-9532 Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, rocio.castilloprd@uanl.edu.mx 16 Resumen Este artículo aborda el tema de la sustentabilidad y cómo el diseño gráfico debe adaptarse a los nuevos requerimientos ambientales. Palabras clave: Diseño gráfico, sustentabilidad, medios digitales, diseño sustentable, proyectos sustentables. Con base en la pregunta ¿Cómo podría el diseñador gráfico ayudar a minimizar el impacto al medio ambiente? Se analizan los problemas medioambientales y el impacto positivo-negativo que podemos ejercer como diseñadores. Se plantea cómo el diseño puede satisfacer las necesidades humanas o sociales, mediante la correcta gestión de recursos en el desarrollo de proyectos sustentables utilizando de manera inteligente los medios digitales y las distintas opciones que se tienen en los medios impresos para utilizarlos respetando la naturaleza. La premisa fundamental que sustenta este escrito es concientizar al diseñador de la problemática ambiental y fomentar la realización de proyectos introduciendo las exigencia ética relacionada al impacto ambiental negativo a través de la investigación y el acercamiento a los temas de diseño sustentable, sus procesos, materiales y estrategias, entre otros. �Abstract This article addresses the issue of sustainability and how graphic design must adapt to new environmental requirements. Based on the question, how can graphic designers help to minimize the impact on the environment? Environmental problems and the positive-negative impact we can have as designers are analyzed. It is proposed how design can satisfy human or social needs, through the correct management of resources in the development of sustainable projects using digital media in an intelligent way and the different options that we have in the printed media to use them respecting nature. The fundamental premise that sustains this writing is to make the designer aware of the environmental problems and encourage the realization of projects by introducing the ethical requirements related to the negative environmental impact through research and approach to the issues of sustainable design, its processes, materials and strategies, among others. Key words: Graphic design, sustainability, digital media, sustainable design, sustainable projects. Introducción La preocupación sobre el cuidado ambiental ha ido en aumento en la sociedad. Las personas comienzan a observar que el problema que veían alejado y ajeno a ellos, afecta directamente en sus vidas. Alejandro Nadal apunta: “El efecto acumulado del deterioro ambiental que se ha llevado a cabo en los últimos 100 años se encuentra sintetizado en el desgaste de los ecosistemas de todo el mundo, desde los bosques y tundras hasta los humedales y sistemas costeros” (Nadal, 2006. En este contexto el diseño gráfico se suma a la preocupación por los requerimientos ambientales integrando materiales ecológicos alternativas de producción y difusión con menos impacto en el ambiente. Es evidente que existe una necesidad real de crear conciencia en los profesionales del diseño acerca del tema de diseño gráfico sustentable; la desinformación del tema ambiental limita el desarrollo de proyectos responsables, así como la utilización de productos y herramientas que se han venido desarrollando con el paso del tiempo. Este escrito provee información recopilada, a modo introductorio, sobre el diseño gráfico, sus procesos, relaciones con la industria, el impacto que genera y las soluciones viables como alternativas para minimizar los daños que en su caso, podría provocar. Trata acerca de la utilización de las nuevas 17 �tecnologías en el área, sus alcances y resultados; así como la propuesta de generar una cultura para conscientizar a la población y motivarla a utilizar los medios digitales con el fin de minimizar los impactos ambientales. La repercusión del agotamiento acelerado de los recursos naturales, su inadecuada administración en los procesos productivos hace que se viva una afectación negativa en un futuro cada vez más cercano. En este panorama aborda el desempeño ético del diseñador gráfico y plantea los distintos factores que debe analizar para el desarrollo de proyectos sustentables. Uno de los cometidos de este artículo es crear conciencia en el diseñador sobre el uso correcto de los recursos humanos, económicos y naturales. Una gestión responsable posibilita el aporte como individuos y profesionales a la conservación ambiental. La problemática del consumo desmedido es una de las causas de los problemas ambientales, esto nos lleva a pensar en el tema de la responsabilidad en el diseñador gráfico. La imperativa practicidad que caracteriza a las personas en estos tiempos, nos hace dejar a un lado las acciones responsables de consumo. 18 La responsabilidad del diseño gráfico, no sólo recae en el tema creativo, el profesional debe comprometerse para realizar con ética su desempeño profesional. En su contexto, el papel del diseño se relaciona con el cliente y la transparencia de la información, con el consumidor al momento de facilitarle el acceso de un servicio o producto, responsabilidad con la sociedad al enfocar sus objetivos como comunicador y difusor de la sustentabilidad, responsabilidad con otros diseñadores y con el medio ambiente. Los diseñadores tienen la responsabilidad de tomar decisiones sostenibles y éticas a lo largo del ciclo de vida de sus proyectos. 1. Próblematica actual respecto al medio ambiente La humanidad ha evolucionado en todos los aspectos. Han sido creados objetos y/o productos que nunca nadie imaginó. La revolución industrial contribuyó al crecimiento económico y dió nombre al diseño, pero también provocó una forma de vida contaminante, la evolución de una sociedad consumista y el desgaste de recursos naturales, como consecuencia a esto los daños son el calentamiento global, la afectación en la salud, la extinción de especies animales, entre otros. �Formación de tormentas Cambios en las corrientes de agua y aire Precipitaciones y prolongadas sequías Incremento del nivel del mar Deshielo de polos Afectación en la salud de seres vivos Desequilibrio de los ecosistemas Afectación de los ciclos biológicos Graves enfermedades humanas Fig. 1. Diseño Gráfico Sustentable: Estrategias para el uso de materiales y procesos en el diseño (Chávez, 2012). Alfaro, Limón, Martínez y Tijerina (2010) mencionan: Como resultado del aumento de las necesidades del ser humano, esta situación se ha agravado a partir de la segunda mitad del siglo XX y en la actualidad continúa en forma acelerada. Los procesos fundamentales que ocurren en la sociedad humana que inciden con impactos directos sobre la calidad del ambiente son: el crecimiento demográfico, los patrones de consumo y de producción, la innovación científica y tecnológica, la demanda económica, los mercados y el comercio, la aplicación de políticas de desarrollo urbano y rural, el fomento de la educación, la capacitación y la toma de conciencia (Alfaro, Limón, Martínez y Tijerina, 2010). La sociedad del consumismo parece no tener límites y nunca ser suficiente. El nivel de vida que se busca, demanda una constante de adquisiciones innecesarias basadas en modas pasajeras o vanalidades superficiales. Existe mucha ignorancia y confusión respecto al tema, a pesar que se han sumado numerosas empresas y campañas en torno a informar y concientizar sobre el problema del deterioro ambiental; nos seguimos rigiendo bajo la tendencia de consumos innecesarios. Grandes variaciones de las condiciones meteorológicas en periodos breves pueden tener efectos considerables en la salud, como por ejemplo: El frío y el calor extremos pueden causar trastornos potencialmente mortales, 19 �como los golpes de calor o la hipotermia, además de aumentar la mortalidad por enfermedades cardiacas y respiratorias (Alfaro, Limón, Martínez, & Tijerina, 2010). La situación de daño ambiental que se vive actualmente, se deriva de diversos factores, entre ellos: la desinformación acerca de los residuos que generamos; la ignorancia a los temas del cuidado del medio ambiente; el consumismo en la sociedad que no distingue entre una necesidad real y adquisiciones innecesarias; la falta de acción por medio de los gobiernos o instituciones; la falta de cultura relacionda al reciclaje, esto impacta al ser humano en cuestiones de salud. Es dentro de este marco, que el diseño comenzó a tomar conciencia y lo ha llevado a replantear sus prácticas y procesos con respecto al medio ambiente. El concepto de sustentabilidad y las transformaciones que ha tenido el término, hasta llegar al “concepto moderno basado en el desarrollo de los sistemas socioecológicos para lograr una nueva configuración en las tres dimensiones centrales del desarrollo sustentable: la económica, la social y la ambiental” (Calvente, 2007). Esta definición que se propone, implica un cambio en relación a nuestras acciones cotidianas y los efectos que pueden tener en los factores mencionados. 20 Las áreas profesionales y técnicas se ven obligadas a replantear sus acciones y modificar sus procesos, la realización de proyectos sustentables no es cuestión optativa, se ha convertido en parte de una ética permanente del profesional investigar sobre los requerimientos para el desarrollo de proyectos sustentables. La definición más conocida del desarrollo sustentable, originada en la Comisión Brundtland (1987) es: “aquel que satisface las necesidades de la generación presente sin comprometer la capacidad de las futuras generaciones para satisfacer sus propias necesidades.” 2. Cómo impacta el diseño gráfico en el medio ambiente En este apartado se plantean las preguntas: ¿Qué relación tiene el diseño gráfico y la sustentabilidad? ¿Qué tan importante es la ética en el diseño en relación al medio ambiente? �Para realizar el análisis, se toman como base cuatro factores: el diseñador, la producción, el producto del diseño y su consumo. Concerniente a esto, se analiza la labor del diseñador gráfico en relación a la sustentabilidad y su impacto ambiental. El diseño gráfico está presente en la mayor parte del proceso de la invención de productos y marcas, así como en las herramientas de comunicación de las mismas; etiquetas, empaques, manuales, papelería institucional, diseño para medios electrónicos y todo lo necesario para la comunicación y promoción de una empresa o negocio. Uno de los grandes impactos que el diseño genera al medio ambiente, es la utilización del papel. “En la actualidad, el papel constituye más del 30% de los residuos de los vertederos municipales y el 75% de los proyectos de comunicación que diseñamos acaban en la basura en menos de un año” (Sherin, 2009). Las especialidades en el diseño gráfico han ido aumentando, debido a la evolución tecnológica y los cambios sociales; el diseño gráfico está presente en nuestras actividades cotidianas: al leer el periódico, al realizar la compra de un producto, cuando exploramos la red, al transitar por cualquier lugar, cuando leemos un libro; su desempeño es significativo para la industria. En la Figura 2 se explica la relación del diseño gráfico, la industria y el impacto negativo que puede generar con los productos o servicios que realiza. Usuario Consumismo Alimentos Transporte Productos Servicio Editorial Medios electrónicos Productos Servicio Mercadotecnia Publicidad Consumos innecesarios Empresas/Industria Diseñador gráfico Empaques Medios impresos Producción Alimentos Transporte Contaminación Afectación de recursos naturales Fig. 2. Impacto del diseño gráfico en el medio ambiente. Elaboración propia. 21 �¿Cómo podría el diseñador gráfico ayudar a minimizar el impacto al medio ambiente? Los procesos de elaboración de productos gráficos incluyen el desarrollo, realización y difusión e implican como parte central de esta cadena, el desempeño del diseñador gráfico. Por esto, el diseñador forma parte del proceso para realizar una producción responsable, utilizando materiales que reduzcan el impacto ambiental, diseñar con criterios sustentables desde la concepción del proyecto hasta obtener el producto final. “De todas las industrias manufactureras, la fabricación de papel es la cuarta que más energía consume. También es una de las más contaminantes, ya que genera polución en el aire, en el agua y también residuos sólidos” (Sherin, 2009). El diseño gráfico influye directamente en la funcionalidad, el costo, la calidad, durabilidad y estética de un producto o una marca, por esta razón es fundamental en la economía de cualquier país y el impacto que puede generar es de suma importancia para los recursos naturales y el medio ambiente. 22 Pablo A. Meira (2008) comenta “Todos entramos a formar parte, casi siempre como consumidores, de flujos tecnológicos, económicos, energéticos y de materiales cuya huella ambiental y social ignoramos o se nos oculta deliberadamente”. El término llamado sustentabilidad social, se refiere al problema demográfico de sobrepoblación que, entre otros factores, repercute directamente en el medio ambiente. Un factor importante dentro de la sustentabilidad es el consumismo; el modo de consumir de la sociedad ha cambiado. El consumo desmedido nos hace cuestionarnos si los productos o servicios satisfacen una necesidad real, pues de lo contrario el usuario se desprende de los productos adquiridos cuando le resulta poco útil y novedoso. La problemática de sobrepoblación y el consumismo desmedido, son parte del problema ambiental que experimentamos hoy. En tal sentido, el consumo responsable y reutilizar son alternativas sustentables que imperativamente debemos realizar. García Canclini (1993, pp.19-20) en José Carlos Lozano (2007), señala que “el consumo humano tiene muy poco que ver con la satisfacción de necesidades naturales, ya que la conducta y la naturaleza humana no son inmutables”. Menciona que en realidad la existencia y la utilización de los objetos se convierten en un recurso simbólico de las clases sociales. La sociedad consume productos y servicios para diferenciarse de otras clases sociales. �Sherin A. menciona: “Incluso los profesionales que llevan décadas inmersos en este tema coinciden en que aún tenemos que encontrar la manera perfecta de equilibrar nuestras necesidades económicas con las necesidades del planeta” (Sherin, 2009). 3. Diseño sustentable La evolución del diseño gráfico se ha visto impactada por factores como el mercado, las herramientas que utiliza, la sociedad en la que se desarrolla, las especialidades que se han sumado al desempeño del diseño, incluso la concepción que se tiene acerca de la profesión. Eric Benson (s/f) en Sherin (2009), menciona tres preguntas que el diseñador debe formularse desde el inicio del proceso del diseño: “¿Es éste el mejor método para comunicar el mensaje?, ¿Qué repercusión tiene la creación de esta pieza?, ¿Cómo podemos reducir el impacto durante el proceso de impresión?”. Así mismo, convoca a los diseñadores a atender cinco principios de sostenibilidad: Respetar y cuidar la comunidad, mejorar la calidad de vida, conservar la vitalidad y diversidad de la tierra, minimizar el agotamiento de los recursos no renovables y por último, cambiar las actitudes y las costumbres personales para ajustarse a la capacidad del planeta. El diseño sustentable demanda una evolución en sus procesos; desde la concepción del proyecto, su estrategia y producción. Para que el cambio ocurra, es necesario que el diseñador conozca el impacto ambiental que genera en su desempeño profesional, que adquiera los conocimientos necesarios para desarrollar proyectos sustentables y que finalmente comunique al cliente las opciones viables que intervienen en el desarrollo del proyecto. Venturini et.al (2016) apuntan: Esto implica, evaluar y tomar decisiones al momento del diseño, en relación a factores tecnológicos, culturales y ambientales según el contexto de aplicación, introduciendo las exigencias en minimización de residuos, utilización de tecnologías limpias, uso de combustibles renovables, entre otros, que orientan y acotan los factores de los contextos tecnológicos y culturales. (Venturini, et al., 2016) 23 �La propuesta de diseñar sustentablemente trata de unir los conceptos de diseño y desarrollo sustentable, el diseño tiene el objetivo de satisfacer las necesidades de la sociedad mediante la funcionalidad y la estética, pero el deber ético del profesional demanda el uso estratégico del diseño para lograrlo sin afectar al medio ambiente. Diseñar sustentablemente se ha integrado en los lineamientos del desarrollo de proyectos de diseño, como menciona Xénia Viladás (2008) además de los factores funcionalidad, economía, usabilidad y estética, añade el requisito respeto ambiental: “En la actualidad, la mayor parte de las empresas, bien sean manufactureras o de servicios, añaden esta condición a las anteriores; para cumplirla, un buen diseño facilita la reducción de la huella ecológica del producto”(Viladás, 2008). El diseño gráfico sustentable es aquel que considera el impacto medioambiental de los productos relacionados con el diseño gráfico tales como el embalaje, etiquetas, publicidad gráfica, publicaciones, etc. Para desarrollar un diseño ecológico debemos considerar los elementos que se utilizan en el proceso de cada trabajo: diferentes soportes, mano de obra, transporte, utilización del producto, y su eliminación (Martin, 2009). 24 Venturini y coautores (2016) aseguran: El punto de partida adoptado para el abordaje de la sustentabilidad de las prácticas de diseño es la incorporación de una triple noción de calidad tendiente a la sustentabilidad general de los proyectos y productos de las prácticas proyectuales: calidad tecnológica (expresada como calidad constructiva de adaptabilidad y mantenimiento), calidad cultural (manifestada como calidad morfológica y prestacional en términos de función práctica, simbólica, estética e indicativa, ligadas a la eficiencia, compatibilidad funcional, multiuso y reuso, como vinculación entre habitar –lo social cultural- y hábitat –lo físico espacial-) y calidad ambiental (en tanto calidad material de lo durable, reciclable, biodegradable), factores de los contextos tecnológicos y culturales (Venturini, et al., 2016). Tenemos que hacer énfasis en lo citado por los autores respecto a la triple noción de calidad en el diseño. Es inevitable evaluar al diseño sólo en función del talento creativo, también está la parte funcional, pues principalmente su desempeño se rige bajo solicitudes relacionadas con la industria, mercadotecnia o publicidad; sin embargo se integra el factor �calidad ambiental, pues además de los requerimientos tradicionales, ahora el diseño gráfico debe cumplir con esta necesidad. Segura y Rojas apuntan: Este punto muestra un referente fundamental; es necesario aprender a visualizar el alcance que pueden tener las acciones que se emprendan en el presente, en relación con las futuras generaciones; de tal manera que la toma de decisiones debe surgir de un análisis profundo sobre el impacto que estas acciones puedan tener en el corto, mediano y largo plazo (Segura y Rojas, 2007). El diseñador debe gestionar proyectos multidisciplinarios para que puedan tener un mayor nivel de sustentabilidad, relacionando el diseño, ciencias ambientales, investigación de materiales, estrategias con base en necesidades reales de comunicación, ciencias sociales y otras disciplinas vinculadas con el medio ambiente. Para el manejo de diseños impresos, el profesional debe tomar en cuenta los materiales que utiliza, reducir cantidades, utilizar papeles y soportes reciclados, evitar sustancias tóxicas. Crear diseños inteligentes que sean simples y fáciles de desmontar para su reutilización. Pensar en empaques que puedan tener otro uso después de servir como tal. Informarse sobre cuáles son las tintas que menos daño causan al medio ambiente, y lo más importante, proponer al cliente la utilización de estos materiales para la producción de sus proyectos. Para distinguir un proyecto sustentable de un proyecto tradicional, tenemos que: El proyecto sustentable debe partir de la consideración del funcionamiento del ambiente como una totalidad, con complejas interacciones entre recursos y procesos, dotado de flexibilidad pero también de limitaciones en su capacidad para receptar transformaciones técnicas. En este sentido, debe incorporar como condicionante el concepto de mantenimiento de la diversidad ambiental (Yeang, 1999). En síntesis, analizando este aporte, para poder diseñar sustentablemente el diseñador debe tener en cuenta tres factores para el desarrollo de sus proyectos: la cuestión tecnológica que permite al profesional adap- 25 �tarse al usuario y las herramientas de uso diario; el factor cultural donde el diseñador tiene un gran reto que lo responsabiliza como medio difusor del problema ambiental y poder persuadir al cliente o usuario sobre las diferentes opciones sustentables y la importancia de las mismas. Ainhoa Martin propone al diseñador tres puntos básicos para contribuir al diseño sustentable: 1: Trabajo en el estudio: hábitos y entorno; 2: Elección y producción del material: elección de imprentas, servicios, buscar material cercano a la residencia para evitar de este modo una mayor utilización del transporte, elegir modos de hacer llegar la información que precisen menos materias primas, o un sistema de alquiler de algunos productos que rebaje el consumo privado, etc.; 3. Eco-feedback: diseño centrado en el usuario (Martin, 2009). Con el consumidor Con la sociedad Con los proveedores Ética y responsabilidad en el diseñador gráfico Con los clientes 26 Con otros diseñadores Con el medio ambiente Fig. 3. Diseño Gráfico Sustentable: Estrategias para el uso de materiales La planeación del proyecto sustentable incorpora la coordinación de la producción. Al gestionar la etapa de producción en el desarrollo del proyecto, se deben evaluar las opciones de materiales, modificar procesos y realizar acciones concretas para el aprovechamiento de los recursos utilizados en la producción sustentable como estrategia de protección ambiental. El diseñador debe gestionar un proyecto de diseño sustentable y motivar al análisis de indicadores que midan los resultados con base en los objetivos propios del proyecto y la huella ambiental que genera el desarrollo e implementación del mismo. �En cuanto al tema acerca del diseñador y los desechos que puede generar: Minimizar los desechos no es una tarea que compete sólo al diseñador, también tiene que ver con el usuario final. Aunque durante cerca de veinte años el reciclaje aumentó de forma firme e interrumpida, los estudios recientes indican que los consumidores no reciclan tanto como antes (Sherin, 2009). Si el diseñador en su estrategia brinda al usuario el mensaje de que el producto que está consumiendo es reciclable, responde a una parte de la responsabilidad y ética del diseñador gráfico. El usuario es también parte importante del ciclo de vida que se puede dar a un objeto o producto del diseño. Su contribución en el proceso del reciclaje es esencial pues la decisión entre desechar o dar otra utilidad al objeto depende completamente del usuario. Si bien es cierto, una persona informada sobre la situación ambiental, probablemente concientice más sus acciones y pueda realizar el cambio que favorece a la naturaleza y sus ecosistemas. Como menciona Sherin acerca del diseñador como difusor de las opciones sustentables: 27 Una de las primeras prioridades de los diseñadores se debería orientar a garantizar que el consumidor sepa que un producto es reciclable. Utilizando sólo un pequeño espacio de la superficie del paquete, envase o material impreso puede incorporar el logotipo de “reciclable” o una frase que indique que el producto se puede reciclar (Sherin, 2009). Las acciones que el diseñador puede adaptar en su desempeño: elegir correctamente los materiales (no tóxicos), reducir la utilización de tintas, diseñar pensando en el ciclo de vida del objeto (que sea desmontable y reutilizable, empaques duraderos y con nuevos usos), reducir al mínimo los materiales de desecho, gestionar la producción de sus proyectos, así como elegir correctamente los proveedores que otorgan el servicio de impresión. Es importante también considerar la relación con el cliente, crear una cultura de responsabilidad como difusores de la situación ambiental, las opciones para el desarrollo de proyectos y el manejo de materiales para su utilización dentro del proyecto. Como diseñador, difundir la manera de trabajar con base en la sustentabilidad en conjunto con otros profesionistas. �Los medios digitales Las nuevas tecnologías han surgido como una oportunidad de comunicación y difusión. La sociedad se adapta a las nuevas herramientas; vemos a las nuevas generaciones utilizar los medios digitales para sus tareas cotidianas, conforme va creciendo la infraestructura tecnológica los mercados que sepan gestionarlos podrán favorecerse más con base en estos. Son muchas las ventajas que se han encontrado en los medios digitales: la disminución de los costos en su utilización, la interactividad e inmediatez del medio y su uso constante en la sociedad. “Esta evolución del soporte hacia la pantalla electrónica, de consecuencias sorprendentes, permitió desplegar un sinnúmero de posibilidades para el intercambio de la información, para sus reglas de producción y de difusión” (Tapia, 2004). En la Figura 4 se muestran los usos más frecuentes de los medios digitales en México. 28 80% 70% 60% 50% 40% 30% 20% 10% 0% 75% 59% 45% 41% 31% 24% 20% 12% Fig. 4. AMIPCI,46 Hábitos de los usuarios de Internet en México 2009 Carlón y Scolari, plantean el reemplazo de los medios impresos por los digitales: “El fin de una etapa de los medios de comunicación masiva y el comienzo de un nuevo sistema de medios que está en formación y aún no se sabe cómo se estabilizará” (Carlón y Scolari, 2014). La propuesta de estos autores, nos orilla a analizar el usuario final del diseño gráfico. Cómo surge el contacto del usuario con el diseño a través de los medios digitales, y cuál es el valor que la sociedad le da a los medios digitales en comparativa con los impresos. �Victoria Jiménez (2013) en su investigación sobre la transición de los medios impresos a los digitales para difusión, basado en TIC verdes, propone que el diseñador gráfico debe tomar decisiones más informadas sobre el impacto ambiental que producen los medios impresos y los medios electrónicos. Ya que debido a las causas de preferencias, tecnológicas, costos y al impacto ambiental de su producción y residuos, en un futuro el diseño gráfico para soportes web desplazará al diseño impreso para difusión. Fernando Sánchez en su publicación sobre las Bases conceptuales para la elaboración de una nueva agenda sobre los recursos naturales escribió: “La competitividad de los recursos naturales está en cuestión frente a los nuevos paradigmas tecnológicos. Sin embargo, debe señalarse que las exportaciones basadas en recursos naturales viene experimentando también, algunos cambios significativos debido a la introducción de nuevos productos” (Sánchez, 2005). El entorno digital está cambiando el desarrollo de muchas áreas, podemos apreciar que utilizar los medios digitales relacionados al diseño gráfico, tiene ventajas como la interactividad, la inmediatez de las comunicaciones, la personalización del usuario o cliente. Pesquera & Montero (2017) afirman: “La revolución digital no está por venir, la vivimos día a día.” La evolución a plantearse en áreas digitales es una necesidad en la actualidad. Las empresas y organizaciones han modificado sus estrategias de comunicación para aprovechar las ventajas de las nuevas tecnologías, no solo respecto a su funcionalidad, sino a aspectos que apoyan la sustentabilidad. Hoy, las personas pueden tener acceso a casi cualquier cosa que necesiten encontrar por medio de la web: Google se ha colocado como el buscador o navegador por excelencia; Facebook como la red social con más miembros activos; LinkedIn como la red laboral más confiable sobre los datos curriculares de las personas y para hacer networking, sobre todo a nivel B2B; Netflix es la plataforma más usada para el streaming, on demand de películas, Spotify es el sitio por excelencia de reproducción de música en línea; Amazon colocado como la tienda en línea más grande; y Alibaba como el mercado B2B con mayor crecimiento en nuestros días (Pesquera y Montero, 2017). 29 �En tal sentido, el diseñador debe explorar todas las alternativas que permitan actualizarse e investigar las herramientas digitales existentes, su función y beneficios; utilizarlas correctamente, no sin antes concientizarse de la importancia del desarrollo sustentable e impulsarlo motivando a otros profesionales. Conclusiones La conciencia social y medioambiental se ha incrementado debido a diferentes razones. Las empresas y organizaciones preocupadas por la situación modifican sus procesos y materiales de elaboración, otras tantas lo utilizan como ventaja pues las personas normalmente confían y consumen productos de empresas que impulsan el bienestar mundial. El diseño gráfico también se suma a la evolución industrial y comienza a analizar el tema sustentable, la afectación de materiales y las opciones con las que se cuenta para el desarrollo de sus proyectos. Además de minimizar el impacto ambiental al reducir el uso de tintas y residuos químicos, el consumo de papel, la tala desmedida, podemos encontrar otros beneficios en el diseño gráfico digital. 30 Con una buena estrategia de comunicación, el alcance de los medios digitales se potencializa, los contenidos pueden acompañarse de imágenes o multimedia para mayor interactividad, los costos para las ediciones o actualizaciones de contenidos en los medios digitales pueden ser menores en comparación con los medios impresos, la segmentación de mercado permite dirigirte a un público muy específico, por lo tanto, tendrá mayor impacto en el lector o usuario y por último, los medios digitales nos permiten una interacción directa en tiempo y forma con el cliente, puesto que el mercado está presente en estos medios. La correcta gestión de recursos en las estrategias del diseñador gráfico; “La transición a una economía planetaria exige que utilicemos los recursos sabiamente” (Thackara, 2013). No se propone la desaparición de los medios impresos en el diseño gráfico, pero sí la gestión de estrategias de comunicación planteando una combinación de las distintas herramientas y soportes sustentables, para poder minimizar el desgaste de los recursos naturales y potencializar el uso de las tecnologías a favor del ambiente. �“Necesitamos repensar los vínculos entre conocimiento, ocultación y transparencia en las actuales condiciones de dispersión del poder que trajo la transnacionalización globalizada de las empresas y de las tecnologías” (Canclini, 2010). Como profesionales, se debe cumplir con esta responsabilidad social y diseñar éticamente, como individuos la propuesta es alinear nuestras acciones en nuestra vida personal y profesional al tema de sustentabilidad, ya que el futuro del mundo depende de esto. 31 �Referencias Alfaro, J. M., Limón, B., Martínez, G. Á., & Tijerina, G. (2010). Ambiente y sustentabilidad. 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Buenos Aires: La Crujía. Chávez, C. (2012, noviembre 1). Diseño Gráfico Sustentable: 32 recursos naturales. Retrieved marzo 21, 2017, from view/211/429 Sherin, A. (2009). Sostenible. Un manual de materiales y aplicaciones prácticas para los diseñadores gráficos y sus clientes. Barcelona: Gustavo Gili. Tapia, A. (2004). El diseño gráfico en el espacio social. D.F.: Editorial Designio. Thackara, J. (2013). Diseñando para un mundo complejo. México: Editorial Designio. Venturini, E., Ávila, V., Fernández, F., Giraudo, J., Guardiola, M., Solís, V., et al. (2016). La calidad sustentable y las Estrategias para el uso de materiales y procesos prácticas del diseño. Encuentro Latinoamericano de en el diseño. Retrieved marzo 23, 2017, from Universidades Sustentables (pp. 1-10). San Miguel de issuu.com: https://issuu.com/chrysa.dg/docs/ Tucumán: Elaus. disenograficosustentable_christianchavezlopez Comisión Brundtland (1987) http://supervivir.org/archi02/ des10.pdf. Retrieved marzo 21 Jiménez, V. 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Barcelona: Gustavo Gili. �Rocío Castillo Pardo Rocío Castillo Pardo es Licenciada en Diseño Gráfico por la Universidad Autónoma de Nuevo León. Docente en la Facultad de Artes Visuales, en la carrera de Diseño Gráfico desde el año 2013. En el año 2017 egresó de la maestría en Diseño Gráfico con orientación en dirección creativa en la Facultad de Artes Visuales, de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Se dedica a la realización de proyectos como independiente. Actualmente es miembro del Consejo Técnico del Examen General para el egreso de la Licenciatura en Diseño Gráfico (EGEL-DISEG CENEVAL), representando a la Universidad Autónoma de Nuevo León. Se interesa por la gestión del diseño y su línea de investigación es acerca de las metodologías del diseño. 33 �La gestión de la educación a distancia: un proceso hacia la calidad con el uso de la tecnología Sandra Gpe. Altamirano Galván ORCID: 0000-0001-7498-8355 Universidad Autónoma de Nuevo León Facultad de Artes Visuales sandra.altamiranoglv@uanl.edu.mx 34 Resumen En la actualidad, las instituciones educativas se enfrentan con grandes cambios, las tecnologías de información y comunicación se han hecho presentes y han generado una evolución inesperada en todos los ámbitos de la sociedad influyendo directamente al contexto educativo. Esta situación ha provocado un giro en la perspectiva de la educación, pues se enfrenta a un mundo globalizado que exige individuos preparados para la diversidad y la adaptación a nuevos escenarios. Palabras clave: gestión educativa, educación a distancia, tecnología, planificación, enseñanza Surgen nuevas posibilidades, entre ellas, la educación a distancia así como la integración de nuevos medios de comunicación a la enseñanza, que generan cambios en los procedimientos de administración de recursos financieros, materiales y humanos. Es en este punto donde se hace fundamental la gestión de la educación para fortalecer los nuevos proyectos educativos a partir del análisis, la organización y la planificación de los procesos inmersos en este ámbito, con una nueva visión de la administración, la gestión de los medios de comunicación y la inclusión de las necesidades de los individuos para su desarrollo en la sociedad. �Abstract Currently, educational institutions are facing great changes, information and communication technologies have become present and have generated an unexpected evolution in all areas of society, directly influencing the educational context. This situation has caused a shift in the perspective of education, as it faces a globalized world that requires individuals prepared for diversity and adaptation to new scenarios. New possibilities arise, including distance education as well as the integration of new media into teaching, which generate changes in the administration procedures of financial, material and human resources. It is at this point where education management becomes essential to strengthen new educational projects based on the analysis, organization and planning of the processes immersed in this area, with a new vision of administration, media management of communication and the inclusion of the needs of individuals for their development in society. Key words: educational management, distance education, technology, planning, teaching Introducción La educación a distancia ha surgido a partir de las nuevas tecnologías de información y comunicación que permiten una transformación en los procesos educativos, nuevas estrategias y metodologías de enseñanzaaprendizaje, así como el desarrollo y la innovación de herramientas y materiales didácticos adaptados a la nueva modalidad. La gestión educativa tiene como finalidad lograr la calidad en los procesos, según Antúnez (2012) “es el medio para accionar los cambios positivos en los centros educativos a fin de buscar la mejora continua”. Un gestor de educación a distancia debe tener la capacidad de organizar y controlar los recursos con los que cuenta, tanto humanos como técnicos, materiales y financieros, con el objetivo de ofrecer servicios educativos de calidad. Dentro de los recursos humanos encontramos a un actor muy importante del proceso educativo: el docente; que debe adaptarse a las nuevas perspectivas de la educación y enfrentarse a un rol diferente. “El papel del profesor se transforma, pasa de ser un transmisor de la información, a ser un facilitador del aprendizaje de conceptos complejos, pero también necesita conocer el uso de las TIC en los entornos virtuales de aprendizaje” (Harasim, 2000 en Esquivias, Gasca y Martínez, 2009). Por tanto, es necesario tomar en cuenta aspectos específicos para la selección y evaluación de los facilitadores. 35 �Competencias básicas La educación a distancia conlleva cambios en los procesos de enseñanza-aprendizaje, por tanto, se hace necesario que el facilitador cuente con competencias específicas para esta modalidad. Debe ser flexible, tener la capacidad de innovar los procesos de aprendizaje, estar abierto al cambio modificando los hábitos educativos tradicionales, adaptarse a las necesidades de los estudiantes y contar con competencias comunicativas, tanto orales como escritas. Denis, Watland, Pirotte y Verday (2004) en Campos, Brenes y Solano (2010), clasifican los roles de los docentes de educación a distancia en roles centrales y roles periféricos: Centrales Periféricos Facilitador de contenido, facilitador de metacognición, Gerente o administrador, diseñador, co-alumno e in- facilitador del proceso, asesor/consejero, evaluador, vestigador responsable. técnico proveedor de los recursos. 36 Los roles se encuentran conectados con las competencias básicas que el facilitador de educación a distancia debe tener para que pueda cumplir con las responsabilidades que le asignarán una vez que se encuentre desempeñando su trabajo. Campos, Brenes y Solano (2010), proponen un perfil de cinco competencias fundamentales para el docente de educación a distancia: Competencias tecnológicas Asociadas al dominio y la habilidad en el uso, la aplicación, la selección y la incorporación de las herramientas tecnológicas en los procesos educativos, que permitan la interacción entre docente y alumno. Competencias investigativas Son las habilidades y conocimientos para encontrar en la práctica educativa, problemáticas que puedan llevarse a la investigación para su solución, con el fin de mejorar su actividad pedagógica. Competencias pedagógicas Se refieren al dominio de diversas teorías de enseñanza-aprendizaje que permitan generar un plan educativo efectivo y pertinente para las características de los estudiantes, que lo lleven a un aprendizaje significativo. �Competencias de liderazgo académico Se refieren a las actitudes que conducen a la búsqueda de la excelencia académica tanto del docente como del alumno, dando como resultado también, la excelencia de la institución. Competencias sociales Son fundamentales en la educación a distancia, puesto que se requiere de estrategias que permitan una buena comunicación e interacción entre docente y alumno, dentro de un ambiente armonioso que conduzca a un desarrollo integral y permanente de los participantes. En general, el docente debe contar con competencias integradoras de conocimientos, habilidades, destrezas y valores para un desarrollo estratégico, efectivo y armónico del proceso de educación a distancia. Criterios de selección La selección del facilitador de educación a distancia debe realizarse a partir de criterios que se establezcan en función de los objetivos que se pretendan alcanzar en el proceso de enseñanza-aprendizaje y las características de dicha modalidad. Por tanto, están ligados a las competencias básicas y al perfil que debe poseer el facilitador. Según Zuluaga y Piña (2005) un facilitador de educación a distancia debe poseer las siguientes características: Capacidad intelectual Honestidad profesional y personal Deseo de ayudar a los demás (capacidad de escuchar y cuestionar para determinar las necesidades y problemas de los alumnos, etc.) Habilidad de comunicación verbal y no verbal Creatividad Madurez emocional Habilidad para generar oportunidades Satisfacción en el desempeño de su trabajo como docente 37 �El facilitador debe tener dominio de la materia que va a impartir, pero también debe ser creativo para generar un plan que permita el aprendizaje del alumno a través de la tecnología, además debe poseer la suficiente madurez emocional para adaptarse a la nueva modalidad y a los cambios de rol de los participantes del proceso. Debe estar abierto a escuchar y ayudar a los alumnos, así también, poseer habilidades de comunicación para una interacción efectiva. Hernández y Hernández (2008) mencionan que un facilitador debe poseer las siguientes competencias, que bien pueden establecerse como criterios de selección: Ética y valores Humanista Hermeneuta Autodidacta y autocrítico Comunicación y liderazgo Visión sistémica y trabajo en equipo 38 Conocimiento de las TIC y orientador hacia las transformaciones Aprendizaje continuo y situacional El docente o facilitador de educación a distancia, debe ser un individuo proactivo, en constante crecimiento personal y profesional, con el deseo de transmitir el conocimiento dejando a un lado el autoritarismo y siendo un orientador del alumno con una visión más humanista, así también, debe adaptarse a los cambios y ser consciente de que es indispensable mantenerse siempre actualizado para mejorar su desempeño. Estrategias para evaluar el desempeño profesional La evaluación es un elemento fundamental para la gestión de la educación, debido a que aporta información que puede ayudar a conocer la situación en la que se desarrollan los procesos, por tanto evaluar el desempeño profesional docente ayudará a valorar logros y destacar áreas de oportunidad para la búsqueda de la mejora continua. �Gómez (2001) en Basabe, Torres y Quintero (2012) “destaca el carácter integral del proceso de evaluar el desempeño docente que significa valorar las actitudes, talento, competencias y motivación al logro; lo cual permite juzgar la eficacia e integridad demostrada en el acto de enseñar”. Duart y Martínez (2001) en Villar (2006) proponen un modelo de evaluación del desempeño basado en tres pilares: el análisis interno de los procesos (por parte del equipo docente), el análisis externo (por parte de los estudiantes) y el análisis de los resultados de la actividad docente (resultados académicos). Este modelo implica un proceso sistemático, participativo y flexible, diseñado para medir en forma objetiva el rendimiento laboral del docente en entornos virtuales. Mercedes Inciarte (2008) propone una estrategia de gestión del docente partiendo de los diferentes roles que desempeña, tales como: Docente diseñador y productor de contenido Docente administrador de cursos Web Docente orientador y mediador de aprendizaje. Inciarte establece una serie de indicadores para la evaluación del docente de educación a distancia, organizados en cada uno de los roles propuestos, de tal manera, que una vez realizada la evaluación se obtendrá información concreta para cada área y se podrá buscar solución de manera más rápida, específica y directa cuando los resultados no sean óptimos. Indicadores para el docente diseñador y productor de contenido: Produce contenidos instruccionales originales para su curso, basados en las necesidades y características de la asignatura. Desarrolla los contenidos del curso indicando su plan de desarrollo, el material de apoyo y estrategias para la mediación pedagógica. Aplica principios de las teorías de instrucción y aprendizaje para el diseño de contenidos. 39 �Aplica los estándares de diseño instruccional para la administración de cursos virtuales o en línea. Indicadores para el docente administrador de cursos web: Asume las TIC dentro del marco de la administración de Educación a Distancia. Conceptualiza la formación a distancia como un proceso complejo, teniendo en cuenta las TIC como herramienta y medio de instrucción. Integra diferentes estrategias para la administración de instrucción a distancia, respondiendo a las características del participante y del curso. Indicadores para el docente orientador mediador de aprendizajes: 40 Asume su compromiso como mediador de la instrucción, tomando en cuenta el ritmo de aprendizaje de los estudiantes y los criterios institucionales. Identifica las evidencias de aprendizaje de sus alumnos, las estrategias instruccionales y de evaluación, que conlleven al logro de los indicadores. Asesora al estudiante sobre los aspectos relacionados con el aprendizaje de los contenidos del curso y lo retroalimenta en cuanto al logro de los indicadores planteados en el desarrollo del curso web. La evaluación es necesaria en todas las modalidades educativas pero Rockwell, Furgason y Marx (2000) mencionan que a medida que la educación a distancia aumente, así también existirán más profesores dedicados a la enseñanza en esta modalidad y será aún más necesario el monitoreo y la evaluación de su desempeño, así también deberá realizarse mayor investigación en esta área para obtener información que ayude a mejorar los procesos. La evaluación del docente en esta modalidad debe ser integral, incluyendo indicadores que aporten información sobre la calidad de los aprendizajes, el desempeño de los docentes en el desarrollo de los programas a distancia, la preparación y actualización continua del docente, así también la satisfacción de los estudiantes basados en las estrategias que los estimulan y animan a participar en línea y fuera de línea. �Programa de incentivos y estímulos al desempeño En la educación es muy importante contar con un programa de incentivos al desempeño, debido a que esto motivará al docente a realizar mejor su trabajo, a tener una mayor preparación y mantenerse actualizado. Así también se sentirá más comprometido e integrado con la institución. Cofer y Appley (1987) en Mendoza (2008) señalan que los incentivos “son objetos y condiciones que se usan con el propósito de motivar la ejecución de una conducta. Los objetos pueden ser las recompensas y las condiciones pueden ser el conocimiento de los resultados de la conducta o la competencia”. Los principales esquemas de incentivos propuestos por Mendoza (2008) a partir de los mencionados por Mizala y Romaguera (2003), Odden y Kelley (2002) y Uribe (1999), son: Pago por mérito Otorgar incentivos monetarios individuales a los docentes eficientes, de esta manera, un porcentaje de su salario está basado en el desempeño. Carreras escalares o escalafón docente Consiste en entregar incentivos individuales e incrementos salariales a los docentes con el propósito de mantenerlos en la docencia. Basado tanto en los años de experiencia, como en otros criterios como cursos de capacitación, acreditaciones y desempeño. Pago por competencias Consiste en entregar incentivos individuales a aquellos docentes que cumplan con desarrollar ciertas competencias propias de su labor. Esquema de reconocimiento al docente Consiste en reconocer públicamente a los docentes eficientes. Uribe (1999) plantea que este reconocimiento puede favorecer de manera muy positiva la moral de los maestros. Esquema de incentivos a escuelas Los incentivos son ofrecidos a grupos de docentes o a una escuela completa (Mizala & Romaguera, 2003; Odden & Kelley, 2002). Los objetivos principales de este esquema son motivar la innovación de las instituciones educativas y motivar el trabajo docente en equipo. 41 �Mark Tucker (2014) menciona que es importante crear incentivos para maestros de alto desempeño y que se encuentren en continuo desarrollo profesional, pues esto los motivará a seguir adelante y elevará el nivel de la institución, así también generará una cultura en la cual otros docentes de niveles menores, se inspiren en los maestros de alto nivel para superarse y crecer tanto personal como profesionalmente. Los incentivos para los docentes son fundamentales para elevar la calidad educativa y tal como ya lo hemos mencionado, dichos estímulos pueden ser económicos, pero también pueden ser reconocimientos públicos que destaquen el desempeño, los años de servicio o el crecimiento profesional. Este tipo de reconocimientos son de alto valor moral para los docentes y generan en ellos, una actitud positiva hacia su trabajo y la institución. Reglamento básico 42 El reglamento básico de los docentes es un conjunto de reglas y normativas para lograr objetivos específicos en función de la visión, misión y filosofía de una institución, así también de las características del sistema educativo. Es indispensable para regular el comportamiento, las funciones, los derechos y obligaciones del docente, además permite conducir a la institución hacia procesos educativos de calidad. Todo proceso educativo debe gestionarse a partir de un reglamento básico que permita el control de diversos aspectos. Existen controles económicofinancieros, pero además controles de valores. Dentro de los controles de valores se encuentran los elementos básicos de control para el docente. Según César Ramírez (2002) “el control del docente debe darse en diversas direcciones, tales como: control de desempeño, control de proceso enseñanza-aprendizaje, control de trabajo en equipo, control de habilidades y valoración de cursos”, integrando diversos elementos indispensables que el docente debe cumplir. La Secretaría de Educación Superior, Ciencia y Tecnología de República Dominicana cuenta con un Reglamento de Instituciones y Programas de Educación Superior a Distancia aprobado en 2006 que indica los lineamientos para el facilitador de educación a distancia y son los siguientes: �El profesor como facilitador y guía, debe favorecer experiencias de aprendizaje de los estudiantes, mediante el desarrollo de las capacidades para el estudio independiente y la autogestión, con la promoción de ambientes educativos que incorporan los principios de aprendizaje activo. El profesor requiere capacitación continua, a fin de que propicie ambientes de aprendizaje estimulantes, favoreciendo la motivación, la tolerancia y el respeto. Debe propiciar en el estudiante la investigación, la reflexión crítica, la creatividad, así como la participación entusiasta en su propia formación. El personal docente, en el marco de la misión institucional, asume en el ejercicio de sus funciones actividades de docencia, de investigación y de extensión. El docente según sus responsabilidades puede asumir uno o más de los siguientes roles: planificador, especialista en el desarrollo de materiales educativos, gestor de ambientes de aprendizajes, tutor y evaluador. El profesor planifica y guía el desarrollo del proceso de aprendizaje, selecciona conforme al plan de estudio, junto al equipo de trabajo, los contenidos y los materiales didácticos de la asignatura correspondiente a su área de especialidad y elabora las evaluaciones. El diseño y producción de los materiales didácticos y el apoyo tecnológico deben estar a cargo de especialistas en estas áreas. El tutor es un especialista que orienta, estimula y acompaña al estudiante en su aprendizaje, lo cual requiere dominio de la disciplina que enseña y de las estrategias pedagógicas de la educación a distancia. Los profesores son responsables de una evaluación continua y sumativa de los estudiantes asegurando la calidad en cada una de las asignaturas. Toda institución de educación superior a distancia debe contar con un programa de desarrollo profesoral y de carrera académica que oriente y capacite al docente de manera continua, tanto en los aspectos profesionales como pedagógicos, para un desempeño óptimo en beneficio de la calidad educativa. 43 �Toda institución debe tener un reglamento para el docente en donde se definan los derechos y responsabilidades académicas, el perfil del docente, las funciones y el sistema de evaluación del desempeño. Además, debe incluir el proceso de reclutamiento, selección, incorporación e integración institucional, el desarrollo profesoral y la evaluación. Existen pocos reglamentos establecidos y específicos para esta modalidad, sin embargo, este reglamento dirigido al sistema educativo de la República Dominicana, podría adaptarse a otras instituciones educativas de modalidad a distancia, puesto que presenta normativas muy completas que integran los aspectos más importantes del desempeño docente. Gestión de medios de comunicación en educación a distancia La gestión de la educación a distancia requiere de una especial atención en la inclusión de los medios en los procesos de enseñanza-aprendizaje, para hacer un buen uso y aplicación de ellos. 44 González Sanmamed (2007) en Cabero y Romero (2010), señala que: “La integración de los medios en la enseñanza implica no sólo su incorporación física sino su interrelación con los demás elementos del acto didáctico. Desde una perspectiva sistémica, esta integración supone que los medios influyen y son influidos por los demás componentes curriculares, y estarán condicionados por la naturaleza del contexto curricular que los ampara y que les proporciona determinada lógica de funcionamiento y de valoración”. Esto es parte de la función de un administrador de educación a distancia, que genera un plan incluyendo el análisis de los recursos, para conocer a fondo las características de cada medio y con ello, tomar decisiones adecuadas para incluirlos en las estrategias planteadas, para ayudar a mejorar la calidad en la enseñanza. El administrador también “deberá superar las dificultades de manejar un sistema diseñado tanto para captar cursos como para emitirlos, dirigiéndose a estudiantes ubicados en lugares lejanos y siendo su responsabilidad la de suministrar el soporte adecuado tanto a los miembros en forma individual como al programa a distancia en conjunto”. (Domínguez, 2011) �Pero cabe mencionar, que desde una visión holística, la gestión de los medios incluye también el factor humano, en la que a diferencia de la administración centrada únicamente en recursos financieros y materiales, involucra a todos los actores que participan en el proceso. “El carácter holístico e integral de la gestión educativa contemporánea implica tener una visión considerable de la acción humana” (Quintasi, 2006) Por lo tanto, en un plan de gestión de medios no solo puede considerarse el medio y los recursos materiales, sino también la capacitación y organización de los individuos que trabajarán con dichos medios, como docentes, alumnos, administrativos, especialistas en las TIC´s, productores audiovisuales, tutores, entre otros; que deberán centrarse en una misma línea de acción, creando un trabajo en equipo para la mejora de los procesos y el buen funcionamiento del sistema de educación a distancia. Conclusiones Un gestor de medios de comunicación en la educación a distancia debe tener una visión integral de la dirección de la institución para controlar todos los procesos educativos y los actores que se involucran en dichos procesos. En lo que respecta al facilitador, es importante tener un especial cuidado para su selección, tomando en cuenta las competencias básicas que son fundamentales y que se encuentran conectadas con las funciones que desempeñará y que deberán estar controladas a partir de un reglamento básico. También es necesaria la evaluación constante para conocer las condiciones en las que se desarrollan los procesos educativos. Otro punto importante a tomar en cuenta son los incentivos que resultan fundamentales para motivar al docente a la superación y a tener una actitud positiva hacia la institución. En general, todos estos aspectos, se encuentran conectados en un sistema que se mueve en conjunto hacia una misma dirección para lograr metas enfocadas en la calidad educativa. En general, podemos concluir que la gestión y administración de los medios para la enseñanza a distancia, deberá partir de una visión integral, abierta, dinámica y participativa, con la cual se responda a las necesidades actuales de las instituciones para mantenerse en constante actualización e innovación, pero teniendo siempre presente que el objetivo principal de una buena gestión educativa deberá ser la formación de calidad y el desarrollo de los individuos en la sociedad. 45 �Referencias Antúnez, E. (2012) Modelo de Gestión para los Centros de siglo XXI. Disponible en: http://www.gestiopolis.com/ Educa 2012. 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Disponible en: http://www.virtualeduca2005.unam.mx/memorias/ve/extensos/carteles/ mesa2/2005-03-29272Eldocenteasesoreneducacionabiertayadistancia.pdf �Sandra Guadalupe Altamirano Galván Doctora en Educación, con una Maestría en Ciencias de la Comunicación y una Licenciatura en Artes Visuales con acentuación en Artes Gráficas, egresada de la UANL. Autora del Libro Identidad Corporativa, una introducción, de la Editorial Trillas. Profesora Investigadora de Tiempo Completo en la FAV UANL. Especialista en diversas áreas del diseño, tales como identidad corporativa y editorial. Evaluadora y Miembro de la Comisión Dictaminadora de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de los CIEES. Formó parte del Consejo Técnico EGEL-DISEG, CENEVAL, y ha sido jurado en diversos certámenes de diseño a nivel local y nacional. Fue Coordinadora del Departamento de Planeación y Proyectos Estratégicos, Coordinadora de la Licenciatura en Diseño Gráfico y Coordinadora de Vinculación Interna. Imparte clases de Diseño Editorial y Diseño de Identidad en la Licenciatura, así también de Administración de Proyectos y Diseño Sustentable en el Posgrado. Pertenece al Sistema Nacional de Investigadores. Dirige el Departamento Editorial en la FAV UANL. Creadora del Canal de Investigación: Hola! Todo es Diseño, en diversas plataformas digitales como Youtube e Instagram. 47 �El Reguetón y su impacto en la sociedad como declive en la cultura musical Martha Paola Garay Mendoza ORCID: 0000-0001-5237-8601 Universidad Autónoma de Nuevo León Facultad de Música martha.garaymnd@uanl.edu.mx Resumen 48 Palabras clave: música, género, cultura, reguetón, decadencia, sociedad. La historia de la música se remonta desde la edad primitiva; en ritos religiosos en ceremonias y eventos sociales; en la caza y en la guerra. En gran medida conforme la civilización avanzaba dio paso a nuevos estilos y géneros, la música forma grandemente parte de la cultura y entrelaza tradiciones y manifestaciones que marcan con un sello original desde cada rincón del mundo. Desde la música de cámara en el siglo XVIII y hasta la música folclórica de cada región, sobresaltando, los rasgos más característicos que los define y que son algunos de los principios fundamentales y principales de la cultura actual de las diferentes razas. Unas de las finalidades más impactantes de la música es la educación, ya que va interactuando con el ser humano para plasmar por medio de ella las ideas o sentimientos más íntimos. Sin embargo, hablando de un género nuevo “Reguetón” que tiene sus orígenes en los años 90 y que es conocido como variante del reggae y el hip-hop en español; influenciado por ritmos latinos y que actualmente ha evolucionado y mutado drásticamente los últimos años; ya que ha desbordado una imagen vulgar de quienes lo interpretan y lo consumen, debido a su imagen destructiva hacia la mujer, pues involucra diferencia de género y discriminación. �Abstract The history of music goes back to primitive times; in religious rites, ceremonies and social events; in hunting and warfare. As civilization advanced, gave way to new styles and genres, music is very much a part of culture and it intertwines traditions and manifestations that mark with an original stamp every corner of the world. From the chamber music in the XVIII century to the folkloric music of each region, highlighting the most characteristic features that define them and that are some of the fundamental and main principles of the current culture of the different races. One of the most impacting purposes of music is education, since it interacts with the human being to express through it the most intimate ideas or feelings. However, speaking of a new genre “Regueton” which has its origins in the 90’s and is known as a variant of reggae and hip-hop in Spanish, influenced by Latin rhythms and has evolved and mutated drastically in recent years, as it has overflowed a vulgar image of those who interpret and consume it, due to its destructive image towards women because it involves gender difference and discrimination. Introducción En la siguiente investigación abordaremos los orígenes del género musical del Reguetón, dentro del cual surgirán elementos importantes como lo son, los movimientos sociales, ideologías de género, movimiento de masas, hasta el consumismo mediático del mercadeo discográfico, y redes sociales. La opinión pública de un rango de edades de los 15 a los 45 años de un total de 35 personas (cualquier género), marcará un resultado para poder reflexionar o evaluar el tema en cuestión. Un punto importante sería conocer también la estructura básica, hablando musicalmente del tema; armonía, melodía y ritmo, para un análisis desde el punto de vista profesional y comparar con otros estilos de música, así como abordar los objetivos principales y secundarios. Objetivos Principales -Análisis del origen del reguetón y su impacto en la sociedad de forma negativa o positiva. -Consultar el auge actual de este género. Objetivos Secundarios -Componer un reguetón para reflexionar acerca de su dificultad. -Revisión de encuesta de gusto o interés por el Reguetón de personas de edades de entre los 15 a los 45 años. Key words: music, genre, culture, regeton, decadence, society. 49 �Análisis actual de los puntos principales en los que se basa el Reguetón 1 Expresan frases musicales o estrofas; las cuales carecen de estilo ar- mónico cohesivo de amor o de romanticismo, y que por contrario se refieren a la instancia más próxima del sexo desmedido, distorsionado, además de grosero y degradante (Pinkas,2021). 2 El Reguetón en lo más amplio de su análisis armónico rítmico; se limita a una base progresiva de 4 acordes, que se repiten constantemente en la canción; con (I Do) (IV FA)( Vsol)( I DO); el ritmo básico de un compás de 4/4 con una (Negra con puntillo) y corchea silencio, de negra y una negra al final, o negra con puntillo y corchea, y dos negras al final(Bartra, 2019); este ritmo pudiera tener una coincidencia rítmica como una variante del tresillo; figura relacionado con la habanera; que a pesar de estar presente en el siglo XIX como música de salón en Cuba; la contradanza que es precursora del danzón y del chachachá; también relacionado con el son cubano, el mambo y la salsa; fuera de esa coincidencia rítmica, el reguetón está a miles de kilómetros de distancia de la genealogía y creatividad musical de la contradanza y del danzón. El reguetón se originó como expresión de los barrios marginados de Puerto Rico en los 90’ como válvula de escape, ante un contexto político y económico complejo. 50 3 En principio, el Reguetón tiene tintes de vulgaridad y sexo, ya que dentro de sus expresiones contienen frases denigrantes hacia las mujeres; aunque últimamente las cantantes también se incrustan dentro del juego sexual perverso, en el cual se convierten en objetos; las cuales según las empoderan alardeando de cuántos hombres tuvieron en una noche de copas; como lo dice la canción de Thalía “No me acuerdo”. Puede verse a simple vista la pornografía acentuada y sutil, dentro de los videos, además de las letras ofensivas y peligrosas (Pinkas,2021). Uno de los detonadores principales del llamado movimiento de las masas es precisamente el pensar y reflexionar qué tipo de música escucha la juventud, ya que partiendo desde ese punto es donde podemos “ objetar” ¿qué tanto valor le damos a las costumbres y tradiciones? (como pudiera ser la música regional, o vernácula), ahora los chicos simplemente dicen; “ Ma´ eso no está de moda, es anticuado” mira escucha esto si esta “cool” ; pero que quede claro que no se pretende caer en religiosidad, sino que pensar como una mente joven al escuchar esta música, inconscientemente se está llamando al libertinaje total del cuerpo; tendiendo cada vez menos a la formación de la familia como eje central de la sociedad, que es el núcleo principal. 4 Marco Teórico: “El auge actual del Reguetón” Hasta ahora no existe en el criterio de la autora, como catedrática profesional de la música, ninguna canción a la cual se le atribuya el merecido respeto armónico y rítmico, en comparación a lo que conlleva la elabora- �ción de una composición (Haro, 2021), que contiene una salsa, mambo o danzón, etc. Hablando del movimiento alucinante y evasivo de cualquier demostración de romance del Reguetón; (a la hora de bailarlo) es prácticamente un contoneo o raspado del uno con el otro (llamado perreo), que aborda la imagen de un acto sexual, agregando vestimenta con ropa de estilo lencería. Sin embargo, hemos escuchado cantantes de origen sudamericano como Maluma, J. Balvin, Daddy Yankee o españoles como Juan Megan cuyas canciones son parecidas entre sí (Jumel,2020). Este género musical popular alcanzó su primer gran apogeo durante la década de 2000 a 2010, sobre todo en África del sur (Bartra, 2019), y fue un boom internacional a partir del 2017; en particular gracias a la famosísima canción “Despacito”, interpretada por el puertorriqueño Luis Fonsi, la cual ya es conocida en todo el mundo, este tema es, sin lugar a dudas, el Reguetón que conquistó a Occidente tanto en Francia como Italia. Después comienza la nueva era del Reguetón llamado “Nuevo”, y nos vienen a la mente cantantes como Ozuna, Justin Quiles, Juan Magan. Desde 1990 la popularidad de este género musical, trajo consigo una serie de artistas puertorriqueños, y fue que se comenzaron a dar a conocer en todo el continente americano y después por Europa. Algunos de estos cantantes siguen haciéndolo y son considerados los “representantes” del “reggaetón antiguo”, es decir, el reggaetón de los años 90 a 2010 aproximadamente(Burgues,2021). Daddy Yankee es considerado el Rey del Reggaetón (Burgues,2021), que constantemente hace dúos con Wisin y Yandel y Plan B, pero que éstos utilizan un poquito más el “ rap”, o Nicky Jam que ha grabado muchas colaboraciones con otros cantantes contemporáneos; como Farruko. Las mujeres también hacen su labor en cuanto a este género, tenemos a la puertorriqueña Ivy Queen llamada la “Reina del Ritmo” que se ha impuesto y ha dado voz a las mujeres a través de sus letras feministas en las cuales aborda la denuncia al machismo y acoso que sufren. Desde ahora y hacia adelante comienzan a incursionar las voces femeninas, algunas de ellas; Natri Natasha, Karol G, Becky G y la Brasileña Anitta. El Reguetón está teniendo un éxito avasallador, incluso telenovelas se han producido desde la temática de este género. Durante el 2020, en índices estadísticos, se anunció que 328 millones de usuarios han escuchado al menos una vez una canción de reguetón a nivel mundial, y 3,600 millones de horas de este género. El Heraldo de México (2021) dentro de su investigación, declara que México supera a Estados Unidos y España entre los que más escuchan este género por medio de la plataforma Spotify, además en los últimos 7 años el Reguetón ha aumentado más de 800 por ciento a través de su Playlist Mansion Reggaetón, también Argentina y Chile son de los países más consumidores; incluso en territorios como la India también ha habido un crecimiento de 95%. 51 �La sociedad como parte de la masa consumidora Gran parte de la sociedad dirá; “¿pero qué hay de malo en tener libertad de expresión ante todo?”; la libertad de expresión podría estar mejor si el condicionamiento fuera preguntarse si ¿promueve daño o beneficio a la sociedad?. Un régimen jurídico que no haga nada más que proteger al orador de la esquina de la calle no asegura una democracia vibrante, porque en la actualidad, el carácter del debate público está determinado no por lo que el orador tiene que decir, ni por su capacidad de llamar la atención del transeúnte casual, sino por los medios de comunicación, especialmente por la televisión (Fiss, 1997, p.90). En esta frase anterior descubrimos que realmente la democracia juega un papel contundente a la hora de utilizar la libre expresión, pero siempre acompañado del apoyo de los medios de comunicación, que finalmente son los que avalan este tipo de movimientos musicales, sean o no sean buenos para los valores en la sociedad. Las casas productoras elaboran y mercadean lo que es de moda y deja ganancias millonarias. Así como crece su evidente éxito entre la población mundial, crecen las fortunas con la venta de discos y publicidad, además de las giras de conciertos (El tiempo,2020). 52 La regulación de la libertad de expresión, debería de ser regulada y obligada para tratar de evitar el pensar que violentar a una mujer representa el amor o el sexo consensuado. La sociedad juega en masa, dentro de un papel sin espíritu crítico, ya que se puede observar que incluso los niños pequeños lo bailan, a los padres les parece divertido e importante presumirlo en sus redes sociales. Las redes sociales En la actualidad, las redes sociales son las que principalmente promueven este género musical, a pesar de existir miles de géneros, el Reguetón está tumbando, por mucho, a la música más artística, más elaborada y más creativa, con más belleza armónica y rítmica (Pinkas,2021). Ideología de género “un sorbo hacia la denigración femenina a través de la música” Como género musical, el Reguetón, expresa en su significado, una diferencia de género y discriminación hacia la mujer, mostrando violencia, ya que por un lado se difunde una imagen de objeto sexual y sumiso; y por la otra, el hombre es dominante y agresivo. Pierre Bourdieu (2003, p. 12) Martínez Noriega (2014, p. 64), mencionan que la violencia es casi siempre impuesta sin ser percibida por sus propias víc- �timas: “la violencia simbólica, o amortiguada, insensible, e invisible para las mismas, y que a través de los caminos aparentemente alegóricos de la comunicación y del conocimiento, o más bien del desconocimiento y reconocimiento, o en última instancia, del sentimiento”. Esto produce que se normalice, por medio de los usos y costumbres, entre ellas el control económico y social, además del menosprecio moral, estético y en este caso, el sexual (Valer y Zapata, 2018). Sin embargo, este género a pesar de ser una influencia negativa para la sociedad joven y no tan joven, es una expresión ajetreada, que surge ante el reflejo de diversos problemas entre ellos; la desintegración familiar, falta de empleo, falta de educación, y el desinterés de los gobiernos para impulsar proyectos políticos que propicien la permanencia de la cultura y por lo mismo, del consumo y valoración de música más artística, pero que ha vendido tanto que ahora las clases sociales más acomodadas también lo consumen. Composición La autora del presente artículo, como catedrática de una Licenciatura en Música, estudió a los grandes músicos en la ejecución del piano; tales como Mozart, Beethoven, Chopin, Liszt, entre otros, pero aun así se considera aficionada a diferentes géneros musicales. Este acto experimental se realizó el análisis de diferentes canciones, específicamente poniendo énfasis en el ritmo, y posteriormente se compuso una canción estilo Reguetón, la cual se estructuró en dos días; la letra fácil, en estilo verso, la música con 4 acordes básicos; l Do lV fa V sol I Do. La pista se realizó solamente con el piano, haciendo los bajos como anteriormente se mencionó en él análisis del Reguetón; Negra con punto y corchea silencio y una negra al final de un compás de 4/4. Este Reguetón se escribió con la menor idea sexuada del acto entre dos personas, utilizando el tema de moda que es el sexo en línea que se da ya desde tiempo atrás; y es común entre los jóvenes y los no tan jóvenes. El esquema siguiente solo contiene los cifrados básicos comunes, el arreglo que escucharán en el enlace de la canción concluida, contiene más elaboración armónica, para tratar de lograr un Reguetón más artístico. Letra y Música Paola Garay (Derechos de autor en trámite) Vínculo a la canción https://youtu.be/-iUBEnwGqK8 53 �Los resultados pueden comprobar que los 4 puntos principales del Reguetón se caracterizan en: 1 Fácil de componer 2 No lleva más de 4 progresiones armónicas 3 Ritmo sencillo 4 Voz alargada 5 Letra con contenido sexual 6 Conclusión rápida: es que cualquier persona que sepa poco o nada de música pudiera componer este género. 7 Puedes grabar con un teclado simple, que tenga sonidos (varios) no se ocupa contratar instrumentos complementarios (aunque en este caso si se realizó con mayor acompañamiento instrumental). Resultados 54 Cuestionario sobre la opinión pública del reguetón, aplicada a un rango de edades de entre los 15 a los 45 años de un total de 35 personas (cualquier género). 35 Respuestas 03:15 Tiempo medio para finalizar Activo Estado 1. ¿Te gusta el género musical “reguetón”? Si 9 No 26 2. ¿Por qué? Respuestas más frecuentes 35 Respuestas “No me llama la atención” “Es un ritmo muy naco no tiene nada de artístico” “No aporta nada musicalmente” �3. ¿Alguna vez haz cantado su música? Si 16 No 19 4. ¿Por qué? 35 Respuestas más frecuentes Respuestas “Tiene algo pegadizo” “Ni se le entiende a las letras” “No me gusta” 5. ¿Conoces el significado de su letra? Si 23 No 12 55 6. ¿Qué piensas acerca de ella? 35 Respuestas Respuestas más frecuentes “Muy superficial, aunque aveces no se entiende” “Puro sexo y diversión” “Sin contenido” 7. ¿Qué valores consideras que promueve el reguetón? 35 Respuestas Respuestas más frecuentes “Tiene cierto valor cultural, pero no considero que genere buenos...” “Ninguno” “Promiscuidad” �8. ¿Cuál es tu género musical favorito? 35 Respuestas Respuestas más frecuentes “Metal” “Jazz” “Jazz” Conclusión La muestra de la encuesta a 35 personas de edades de entre los 15 a los 45 años dio los siguientes resultados; sobre la pregunta ¿Te gusta el género Reguetón?; 26 personas respondieron que no, mientras que 9 dijeron que si, pero esta muestra es pequeña, dentro de los índices estadísticos el Reguetón ocupa el 4o lugar a nivel internacional, al ser escuchado en plataformas como; Spotify, 1er lugar el pop, 2o lugar el Rock, 3er lugar el Rap y hip hop (Wegow,2023). 56 Algunas de las respuestas negativas fueron que no aporta nada musicalmente, mencionan que “es un ritmo muy naco”, así también se menciona que “sus letras son sexistas, machistas y violentas en contra de la mujer”. Algunas de las respuestas positivas fueron que algunas veces les dan risa, “les gusta la vibra que da”, “les gusta bailarlo y es muy pegajoso”. Entre los géneros de música que más les gustan mencionar al jazz, metal. rock pop, balada romántica. La música en la filosofía griega se consideraba como reguladora de las emociones de los ciudadanos, además de generadores de valores éticos; siendo un instrumento ideal para el logro de convivencias pacíficas, que pudieran formar seres virtuosos (Forcillo, 2022). La música, como ya se mencionó, cumple una función muy importante en la educación de los seres humanos, más en los infantes, además de promover un desarrollo cognitivo sano, influye en la manera en la cual hablan de sus vivencias actuales, recuerdos del pasado, incluyendo las canciones de cuna que estremecen a cualquier adulto; desde las rondas infantiles hasta la música de Gabilondo Soler, “ Cri Cri” esta creación fenomenal bañada en rica instrumentación y de colores espléndidos de las áreas de cuerdas y alientos, que contaban grandes his- �torias; música que con solo escucharla traslada a la infancia, o tal vez la música del recuerdo de boleros de Manzanero, o hasta la música de ángeles azules o Selena, las cuales hacen bailar, disfrutando alegremente de sus letras. La música hace vibrar con emociones vividas o no vividas, hacen querer disfrutar de la noche y el día en el momento en el que son escuchadas y bailadas, hacen llorar por recordar a algún ser querido que se fue, o que dejó una relación de amor o amistad. Como punto aparte faltaría reconciliarnos o de plano adaptarnos con este género nuevo que promueve antivalores, lo cual parece paradójico que pudiera suceder, por lo menos de una generación más conservadora, o amante de lo artístico lo que está más elaborado, pensado y perfeccionado. El Reguetón es un género de música que forma parte de una evolución, pero que en realidad regresa a lo más burdo, simple y obsceno de la vida; en-grandeciendo el ego del narcisismo personal, disfrazándolo con música y contoneo, careciendo de la más absoluta creatividad artística musical. 57 �Referencias Bartra, B. (2019, noviembre 14). El poco discreto encanto del y los Integrantes del Grupo Familiar. Recuperado 2 de reggaetón | Letras Libres. 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Con Maestría en Educación en EDEC de Monterrey, y miembro del Comité organizador del Concurso Jóvenes Virtuosos de la Facultad de Música llevado a cabo cada año; en algunas otras ocasiones en el Festival internacional y Masterclass de Piano a cargo de la directora general Antonina Dragan. Imparte las cátedras de Piano a nivel Técnico y Licenciatura: Música de Cámara, Acompañamiento Artístico y Coordinadora del Área de Pianistas Acompañantes. También pertenece al Cuerpo Académico de Educación para la Música. Acreedora del perfil deseable de PRODEP Programa para el Desarrollo Profesional Docente, desde 2018. El 31 de enero de 2019 publicó su primer libro “Estrategias de enseñanza pianística musical para el desarrollo de habilidades cognitivas”, con la Editorial T&R. El 28 de diciembre de 2020 publicó su segundo libro “El lado oscuro de una Pianista con la Editorial T&R. 59 �Sustentabilidad Fantasma: Ilustración y Ecoart Patricia Vianey Ríos Martínez ORCID: 0009-0008-0075-241X Universidad Autónoma de Nuevo León Facultad de Artes Visuales patricia.riosmrt@uanl.edu.mx 60 60 Resumen Palabras clave: Cómics, arte, ilustración, sustentabilidad, ecológico. En este artículo se abordará el tema de la ilustración tomando una importante área de desempeño de ésta, la industria del cómic. Se verá información esencial de sus antecedentes, como su origen y etapas, y se analizará el factor de sustentabilidad que radica en ella. Serán mencionados los materiales contaminantes que son comúnmente usados en la elaboración artística y en el ensamblaje de los ejemplares, como alternativas sustentables para éstos; así como también se hará enfoque a la corriente artística del “EcoArt” (arte ecológico) y sus aportaciones a la sustentabilidad. Se entrelazarán estos términos para determinar si son congruentes uno con el otro, si sirven de apoyo a la otra parte. Se pretende probar que la sustentabilidad forma parte de la industria del cómic y por ende, de la ilustración, el hecho de que se puede ser más sustentable en la elaboración de procesos artísticos a gran escala. �Abstract In this article, the topic of illustration will be addressed, taking into account an important area of ​​its performance, the comics industry, essential information about its background will be seen, such as its origin and stages, and the sustainability factor that lies in it will be analyzed. The contaminating materials that are commonly used in artistic elaboration and in the assembly of the specimens will be mentioned, as sustainable alternatives for these; as well as focusing on the artistic trend of “EcoArt” (ecological art) and its contributions to sustainability. These terms will be intertwined to determine if both are congruent with each other, if they serve as support for the other part. The aim is to prove that sustainability is part of the comics industry and therefore, of illustration, the fact that you can be more sustainable in the development of large-scale artistic processes. Keywords: Cómics, art, ilustration, sustainability, ecological. Introducción “La naturalidad es una pose muy difícil de mantener” Wilde, Un marido Ideal (1895). La frase de Wilde pretende distinguir el sentir de Mistress Cheveley acerca del positivismo y el pesimismo, al ser cuestionada por Sir Roberto Chiltern sobre si ella prefería la naturalidad, ella llegó a la conclusión de que ambas son simples “poses”, Cheveley contestó lo entrecomillado. La naturalidad si es una pose difícil de mantener, porque la naturalidad no es una “pose”, es una realidad que no debería ser abstracta, una realidad no moldeable que no ha salido de ningún molde; con esto dicho se tomará la oportunidad de deformar esta frase para hacer uso de ella a favor de este escrito: “La naturalidad es una realidad difícil de representar”; el pretender moldear una realidad que provino de las coincidencias, no es solo un acto complicado, sino que es un acto espontáneo que debe actuar con una naturaleza igualmente espontánea, aquí radica la existencia del arte ecológico. Se estudia el término del “Arte Ecológico” o “EcoArt”, para poder percibir su influencia en la sociedad actual, así como se muestra la evolución de este término; no es sino a través de los movimientos sustentables como es que podemos percibir verdaderamente el sentir del mundo en distintos periodos de tiempo; la sensibilidad que los rodea y los esfuerzos realizados a favor de expresar la postura que sostienen. Así mismo se estudiarán ciertas ramas de la ilustración, se plantea desde una perspectiva en la que se utiliza al mundo del cómic analizando el cambio de esta área de desempeño del ilustrador a la modernidad. Hay que tomar en cuenta que la ilustración sirve también como un medio para expresar emociones e ideas, no es completamente exclusiva a su uso comercial, sino que en su uso personal y profesional el ilustrador puede usarla como medio de comunicación. 61 �Por lo que no se puede excluir el uso de temas o herramientas sustentables en su planificación y elaboración; la ilustración puede servir como una voz silenciosa que comunica un mensaje al mundo, una voz, que con los trazos correctos, el ilustrador podrá lograr que el receptor la escuche, que se enamore de ella, para que pueda adoptar sus ideas y compartir sus ideales. La ilustración en el cómic, el surgimiento de una industria Conforme avanza el tiempo, muchas cosas trascienden en importancia dependiendo de lo que sea relevante en la época a la que se le presenta; muchas de estas cosas siempre han sido populares pero se vuelven relevantes de manera situacional gracias al marketing y a la mentalidad de su presente época. Como no es de sorprenderse, el cómic o historieta es una de estas constantes, considerado un producto cultural de la modernidad industrial y política occidental (sátira política) que surgió en paralelo a la evolución de la prensa como primer medio de comunicación de masas, no solo ha sido un medio usado por artistas e ilustradores para contar historias, sino también para hacer crítica social y entretenimiento cómico. 62 Una Ilustración según Zeegen (2009) se encuentra en una parte balanceándose entre el arte y el diseño gráfico, sin embargo, para algunos se puede sentir más cercana a un extremo que a otro, pero en la búsqueda de un término que abrace toda su definición, una ilustración es frecuentemente referida como un arte gráfico. Otra definición para describir a la disciplina, explica Zeegen, es el arte comercial, dado al hecho de que la ilustración es creada para un cliente con el propósito de cumplir con una tarea o propósito; la ilustración constantemente se encuentra cruzando límites entre disciplinas y rompiendo tradiciones, los ilustradores crean imágenes para imprentas, para pantallas, para galerías y para espacios arquitectónicos; las ilustraciones aparecen en las cubiertas de los libros y en revistas, en fundas de CD y en pósters, en sitios web, en ropa, en videojuegos, en TV y en muchos otros medios más. Con la invención de los medios impresos en el siglo XV, la ilustración pasó a ser dibujada de pieza por pieza a ser realizada en cortes de madera que le permitían una mayor distribución de las obras publicadas en libros, ciertamente las ilustraciones incluidas en éstos tuvieron el mismo destino. No fue sino hasta el siglo XIX, que notables figuras de la ilustración en Europa y Francia, comenzaron a contribuir con publicaciones de un estilo formal, así como con aquellas dirigidas a la sátira, puesto que en esa época existía una gran demanda por dibujos de caricatura que mostraban las costumbres sociales, los tipos y las clases. �Aquellas revistas y publicaciones fueron las que introdujeron el término de caricatura así como los conocemos hoy en día. La revista Punch, revista británica que fue publicada de 1841-2002, tuvo un gran papel en el conocimiento moderno del término, publicando a grandes escritores de cómics así como poetas, tales como W.M. Thackeray, Mayhew, P.G. Wodehouse, Sir John Betjeman, Alan Coren y Miles Kington, entre otros, que capturaron la vida como se vivía en los siglos XIX y XX. Las crónicas de Punch presentaron un cambio gradual en la ilustración popular, de confiar completamente en la caricatura a pasar a una observación tópica más sofisticada. David Thomas, editor de Punch Magazine desde 1989 hasta 1992, fue citado por Walasek, en el reciente libro recopilatorio de las ilustraciones de Punch, aquí se muestra la postura y opinión de Thomas hacia Punch: “Cuando tiene que ver con el arte de la caricatura, ninguna revista tiene un récord más pulcro que Punch. Los fans del New Yorker podrán criticar, pero el hecho es que el trabajo publicado en Punch fue compuesto por una gran colección de artistas e ilustradores; desde John Tenniel y E H Shepard, los ilustradores originales de “Alice in Wonderland” y “Winnie the Pooh”, artistas así como H. M. Bateman, Fougasse y Trog, cuyo toque cómico estaba respaldado por una seguridad de línea que muchos artistas serios envidiarían y que otros pocos podrían emular” (2013). Popularidad, etapas del cómic y percepción sustentable. La historieta americana nació a principio de los años treinta, se volvió más popular por los cincuenta, sufrió 50 años de declinante fortuna, y comenzó a subir y tomar popularidad de nuevo, a partir del 2000. A través de gran parte de su historia, el relativo éxito de esta industria parece variar dependiendo de la situación económica que tenía los Estados Unidos de América; el éxito de la industria del cómic fue estrechamente definido por el nicho del mercado que se encontraba aislado de las industrias culturales. La situación ha cambiado dramáticamente a partir de la década previa; en los años recientes, la globalización y la conglomeración de los medios han transformado al cómic y lo han hecho parte de sistemas industriales de producción más grandes (Beaty, 2010). A través de los años las historietas se volvieron aún más conocidas y populares en el gusto general; la cultura y la mentalidad de cada época ha cambiado, junto con estos cambios, el cómic también debía adaptarse a su correspondiente contexto cultural. En la siguiente tabla (Figura 1) comprenderemos las etapas en orden de conocer esos cambios, así mismo su auge, de manera más clara y sencilla. 63 �ETAPA FECHA INICIO Oro 30s - principios de 50s Éxito de Superman Plata Finales de 50s - 60s Éxito del show de Batman (1966) Bronce Moderna /Oscura 1970 - 1985 Mediados de los 80s - Actualidad. Regreso del uso de tramas oscuras y eventos sociales en el cómic Se abordan problemas del mundo real, como el racismo, drogas, alcoholismo, pobreza urbana y la contaminación ambiental FIN Segunda guerra mundial Cambio en el enfoque de las historias, se incorporaron temas menos infantiles que se evitaban debido a las segunda guerra Uso de temas actuales respecto a la época, y la aparición de cómics más complejos psicológicamente En curso EXPONENTES Superman (1933) Batman (1966) The amazing spiderman (1963) Watchmen (1986) y Batman : The Dark Knight Returns (1986) Figura 1. Etapas de la historia de los comics. Fuente: Beaty, B. (2004), Heintjes, T. (1985), & Jacobs, W. & Jones, G. (1985). 64 La percepción sustentable con la que se ha percibido a esta industria no ha sido de la más grata por los medios, ya que el uso desmedido de tinta y papel es de suma importancia para los medios impresos, sin siquiera mencionar los materiales que se usan para crear los originales de cada ejemplar; sin embargo, con el paso de los años, la percepción y preocupación social por el medio ambiente ha ido creciendo constantemente, dando espacio para las publicaciones específicamente enfocadas a enviar mensajes sustentables al público. Existen varios cómics que han basado sus números en ambientalismo y sustentabilidad, aunque en las primeras etapas, como se muestra en la tabla, el enfoque no eran temas del mundo real, sino más bien fantasioso. Existen aquellos que han desafiado a la corriente de su época, pero principalmente, en nuestra era moderna, se encuentran ejemplares que tratan con el tema de la sustentabilidad con más seriedad de la que uno podría imaginarse. La San Diego State University, ofrece un diverso catálogo en donde el usuario puede encontrar distintos ejemplares con enfoque sustentable, se puede revisar su catálogo libremente vía internet a través de su página web. �De la ilustración tradicional a la ilustración digital Además de los temas que rodean a la sustentabilidad en los cómics de la edad moderna, con el pasar del tiempo, el avance tecnológico nos ha traído diferentes formas de realizar procesos que antes se encontraban establecidos tradicionalmente de una manera ya establecida, en el campo de la ilustración esto no es diferente; con la llegada de las tabletas gráficas y los nuevos softwares de diseño, la ilustración se ha vuelto más efectiva en la realización de sus procesos y las industrias que hacen uso de la ilustración en sus áreas, tuvieron que evolucionar y adaptarse a las nuevas tecnologías, pues después de todo, también son un beneficio para ellas. Hubo un cambio en los procesos de elaboración de los ejemplares, en consecuencia al surgimiento de diferentes métodos en los que se volvió posible ser más sustentable, si el ilustrador lo deseaba; esto gracias a los medios digitales en donde se consumían menos materiales, como papel, tintas, acuarelas, marcadores. Esto era una realidad y dio como resultado que la técnica digital se volviera más económica y conveniente para los ilustradores, sin mencionar que la falta de uso de estos materiales, especialmente de las tintas y papeles, se convirtió en una aportación positiva a la ecología. La popularidad en el uso de tabletas gráficas terminó por volverse una aportación importante para el avance tecnológico de esta industria; popularizadas a partir de 1981 con la patente del primer software de tableta gráfica en color para ordenadores personales, creada por el músico Todd Rundgren (la cual fue licenciada por Apple como el “Utopia Graphic Tablet System”); generando un nuevo orden laboral. Al momento de ilustrar un cómic americano, el proceso artístico se suele dividir en tres partes: bocetaje, entintado y coloreado, cada uno de éstos es realizado por diferentes artistas haciéndolo un proceso complicado; pero en el momento en que las tabletas gráficas se volvieron parte de la vida diaria del ilustrador de cómics, el trabajar junto a otros artistas se ha vuelto más sencillo, ya que el tiempo de entrega y comunicación entre ellos es más rápido y directo, al trabajar en grupo digitalmente se puede hacer el proyecto en un mismo archivo, mediante el uso de distintas capas en el software. Con base en una investigación realizada con una muestra de 15 ilustradores, se llegó a la conclusión de un número de ventajas y desventajas tanto de la ilustración digital, como de la tradicional; datos que serán mostrados en la Figura 2. 65 �Ventajas y desventajas de la ilustración Digital VENTAJAS Trabajar en un solo espacio Ahorro en el costo de materiales Facilidad de tareas complementarias DESVENTAJAS VENTAJAS DESVENTAJAS Costo del software y Al dibujar con lápiz y papel, hay facilidad Costo y duración de bloqueo de de disponibilidad que materiales herramientas en en el área digital de trabajo versiones gratuitas Los costos de las tabletas digitales pueden llegar a ser elevados Sin la práctica suficiente, la ilustración puede verse poco natural El uso de energía es Al usar menos mate- mayor, por lo que se debe considerar riales, se contribuye a la sustentabilidad como algo negativo al tema sustentable 66 Tradicional Se dificulta la tarea Facilidad al lograr de corregir errores efectos que suelen ser cometidos al difíciles de generar momento de ilustrar digitalmente Líneas más orgánicas. Diferentes resultados dependiendo de la calidad y tiempo de los materiales Posibilidad de que sea dañado el original de la ilustración Figura 2. Ventajas y Desventajas de la ilustración digital y tradicional. Fuente: Elaboración propia. Algunas de estas pueden ser vistas como ventajas o desventajas condicionales, ya que el costo de materiales varía, hay algunos más caros que otros; así como el uso que uno les dará podría determinar si vale la pena o no, comprar el material más caro o el más barato. Aunque el hecho de que el medio digital es más sustentable, no es condicional, el uso de la electricidad es un factor negativo, pero el uso de materiales también requiere de energía eléctrica (si se trabaja en la noche o se utilizan mesas de luz) solo que el nivel de consumo es diferente, así como los químicos y el papel que se consumen en la técnica tradicional pueden ser evitados al trabajar de manera digital. Tomando esto en cuenta, un factor condicional que no fue agregado en la tabla serían las diferencias en los tiempos de producción; la razón por la que éste se encuentra condicionado es porque nada garantiza el hecho de que una persona pueda ser más rápida produciendo con la técnica digital o con la tradicional, esto no es una regla, dependiendo de la persona y la experiencia que tenga manejando cierta técnica, su rapidez y habilidad para producir será mayor o menor en cada una. �Se ha mencionado repetidamente que la ilustración inadvertidamente daña al medio ambiente, pero el como exactamente lo hace es un tema que veremos posteriormente. Earth Art, Environmental Art y EcoArt: Arte en un mundo consciente “Quiero salir de la superficie. Cuando trabajo con una hoja, roca, palo, no es sólo ese material en sí mismo, es una apertura a los procesos de la vida dentro y alrededor de él. Cuando lo deje, estos procesos continuarán” (Goldsworthy, 1988). En esta sección se tratará con el término llamado “EcoArt”, o arte ecológico, cuyo uso se ha popularizado recientemente y es parte referente a un movimiento artístico que abarca ”los acercamientos históricos de la naturaleza en el arte y más recientemente los trabajos inspirados por la política y la ecología” (Bower, 2010). Se dice que el movimiento de “Earth Art” (traducido como arte de la tierra, también referido a él como Land Art o Earthwork) de los años sesenta y setenta a menudo ha sido visto como el origen del arte ambiental de hoy en día. El Earth Art es un gran movimiento americano que usa el paisaje natural para crear estructuras en lugares específicos, formas de arte, y esculturas (The Art Story: Modern Art insight, 2017). El resultado de lo efímero y eventual desintegración de las obras, los ponía fuera de las corrientes principales en donde los trabajos de arte eran típicamente atesorados y protegidos en ambientes controlados. Los artistas de este movimiento solían abandonar el blanco cubo de la galería para realizar intervenciones más dramáticas en paisajes vivientes (Fowkes, M. & Fowkes, R., 2006). Los principales trabajos del Earth Art no fueron hechos para ser vendidos como pinturas o estatuas, sin embargo, eso mantenía la mentalidad de la época, nunca terminaron siendo parte de subastas, no obstante una escultura si llegó a ser vendida a un precio de $4M en el 2008 (Tuchman, 2017). Los materiales comúnmente utilizados para realizar este arte, eran aquellos que pudiesen ser extraídos directamente de la naturaleza, como piedras, agua, grava, y tierra. Por lo general, el Earth Art solía ser inamovible si no se le tomaba una fotografía para ser publicada, pero a diferencia de Robert Smithson (1983-1973), principal artista contemporáneo del movimiento, él acompañaba sus obras con películas, lo cual hacía que éstas fuesen accesibles a aquellos que no fueran capaces de viajar para verlas (Tuchman, 2017). 67 �Smithson (1971) declaró en la Arts Magazine, acerca del Earth Art (comúnmente referida por él como earthwork) que “un trabajo de esta escala no termina con un show”. Al environmental art, traducido al español como arte ambiental, también se le conoce como arte ecológico, ecoart o arte sustentable, sin embargo éste último suele ser usado para referirse en mayor medida al arte ambiental que se encuentra al día con los principios de sustentabilidad (Fowkes, M. & Fowkes, R., 2006). Se dice que el Earth Art evolucionó en el Environmental Art, ya que muchos de los principios que compartían eran muy parecidos; el Earth Art fue de los primeros movimientos en usar elementos sencillos a su disposición para la implementación de una obra; el término de Enviromental Art a menudo conlleva una connotación ecológica consigo pero no es completamente exclusiva a ésta, ya que celebra principalmente la conexión de un artista con la naturaleza mediante el uso de materiales o temas naturales. 68 Si es que el Environmental Art ha evolucionado bastante, la forma más reciente en la que suele ser llamado es EcoArt o Arte Ecológico; el EcoArt es una práctica o disciplina que propone paradigmas sustentables con las formas de vida y recursos de nuestro planeta (Wildy, 2011). Éste no está solo compuesto por artistas, al ser una disciplina, también la componen científicos, filósofos y activistas, los cuales son devotos a las prácticas del EcoArt (Weintraub, 2006). El EcoArt crea conciencia, estimula el diálogo, cambia el comportamiento humano hacia otras especies, y fomenta el respeto a largo plazo de los sistemas naturales con los que co-existimos. Se manifiesta como socialmente comprometido, activista, basado en la comunidad de restauración o arte intervencionista. El artista ecológico Aviva Rahmani (2013) cree que “El arte ecológico es una práctica artística, a menudo en colaboración con científicos, urbanistas, arquitectos y otros, que resulta en una intervención directa en la degradación del medio ambiente, a menudo el artista es el agente principal en esa práctica”. Hay diferentes formas en las que uno puede acercarse o aplicar el EcoArt. A continuación se mencionarán algunas, pero hay que recordar que el EcoArt no se encuentra limitado exclusivamente a ellas, el EcoArt puede ser aplicado de muchas maneras diferentes, algunas de ellas son: �1. Trabajos de arte representativos: Que revelen información o condiciones a través de la realización de imágenes u objetos, con la intención de estimular un diálogo. 2. Proyectos para ayudar a remediar el medio ambiente: Reclamar o restaurar ambientes contaminados o dañados, estos artistas suelen trabajar con científicos, arquitectos paisajistas y planeadores urbanos (Boudreau, Boyce, Brehme, Evans, Rahmani & Schroeder, 2001). 3. Proyectos activistas: Involucrar, informar, energizar y activar el cambio de comportamientos y/o políticas públicas. 4. Esculturas sociales: Término usado y creado por Joseph Beuys, para encarnar su comprensión del potencial del arte para transformar la sociedad. Como una obra de arte, una escultura social incluye la actividad humana que se esfuerza por estructurar y dar forma a la sociedad o al medio ambiente (Götz, Konnertz, & Thomas, 1979). 5. Trabajos Didácticos o Pedagógicos: Compartir información sobre la injusticia ambiental y los problemas ecológicos como la contaminación del agua y del suelo y los riesgos para la salud. Toda persona la cual se considera que trabaja dentro de este campo generalmente practica uno o más de los siguientes principios (ISE’s Beverly Naidus publishes “Arts for Change”, Institute for Social Ecology, 2014): 1. Enfocarse, en la red de interrelaciones en nuestro medio ambiente, sobre los aspectos físicos, biológicos, culturales, políticos e históricos de los sistemas ecológicos. 2. Crear, obras que empleen materiales naturales o que se relacionen con fuerzas ambientales, como el viento, el agua o la luz solar. 3. Recuperar, restaurar y reparar entornos dañados. 4. Informar al público sobre la dinámica ecológica y los problemas ambientales que enfrentamos. 5. Revisión de las relaciones ecológicas, proponiendo creativamente nuevas posibilidades de convivencia, sostenibilidad y sanación. Como hemos podido ver el EcoArt no es exclusivo al arte, cualquier persona puede realizar un trabajo de este movimiento de atenerse a los principios 69 �mencionados con anterioridad. En el siguiente tema a tratar, volveremos con la industria del cómic, y como es que daña al medio ambiente. ¿Cómo daña la industria del cómic y la ilustración al medio ambiente? Los humanos últimamente se encuentran enfrentando uno de los más grandes retos ambientales experimentados por nuestra especie. El cambio climático, escasez de energía, la pérdida de especies y diversidad ecológica, deforestación, contaminación ambiental, y acidificación en los océanos, combinado con las bastas diferencias de poder político y riqueza, prestaron urgencia a los estudios devotos a las políticas sustentables y manejo ambiental (SDSU San Diego State University: Sustainability Major Website, 2017). 70 Como se ha mencionado antes, la ilustración no pasa de ser percibida en el tema de los desechos ambientales, el consumo desmedido de papel y tintas, son contribuyentes de la tala inmoderada y contaminación de aguas y suelos. Inclusive con las técnicas digitales se corre el riesgo de contaminar con desperdicios electrónicos al momento de no deshacerse de ellos de una manera apropiada. En la industria de las historietas hay un factor que ayuda a contribuir al nivel de desechos generados y es la existencia de las portadas variantes. Las portadas variantes son, como su nombre lo indica, diferentes portadas para un mismo número (capítulo). Se imprimen diferentes versiones del mismo contenido con una portada diferente, de éstas han llegado a existir hasta más de veinte portadas diferentes para un solo número; esto garantiza que los coleccionistas las compren todas o que el lector casual, al cual no le atrae la portada con el estilo del autor del cómic, termine comprando el número; es un medio de generar más ingresos y puede ayudar a la exposición de nuevos artistas; sin embargo, esto último puede o no ocurrir, todo depende de la casa editorial que publique el número, ya que uno de los métodos utilizados por las editoriales para vender más números es el contratar artistas renombrados que trabajen o que hayan trabajado previamente con ellos. Todos estos desechos producidos por las grandes compañías de cómics suelen ser muy parecidos a los producidos por las grandes imprentas, ya que es ahí donde se lleva a cabo el proceso de impresión, pero solo se encuentra una variante con ello y es el desecho que también genera el ilustrador al momento de realizar el número. �Los desechos producidos en la imprenta pueden variar, a continuación enlistaremos aquellos que suelen ser los más utilizados en la producción de cómics (Litho Ninja Comic Book Printer : Print Process, 2011) y cómo afectan al medio ambiente: 1. Cartuchos de tinta. Los cartuchos de tinta y los tóner son altamente contaminantes (HP Planet Partners) y nocivos para la capa de ozono, por lo que se recomienda reciclarlos (Patente: Ink cartridge, 2004). 2. Tinta. El tóner, tinta en forma de polvo cargada eléctricamente, que se emplea para pigmentar el papel en las impresoras láser, fotocopiadoras y aparatos de fax. Sus partículas son fundidas por el calor del tambor, haciendo que se adhieran al papel. Existen diferentes tipos de tóner, aunque básicamente están formados por carbón y hierro, y entre cuyos principales componentes se encuentran el cromo, el cobre, los cianuros inorgánicos, los acrílicos, el revelador y las partículas termoplásticas. Los cartuchos de tóner generan residuos peligrosos para el medio ambiente, los cartuchos contienen diferentes metales, plástico y el mismo tóner, que pueden propagarse en el aire 10 veces más rápido que el polvo común. Todo esto puede causar alergias en los humanos, contaminar el suelo y las aguas; esto contribuye a la concentración de partículas finas en el aire. La proporción es directa, mientras mayor sea la concentración de partículas finas, mayor es el daño. 3. Papel. Otra manera en que contamina esta industria es con el uso desmedido de papel, principalmente por los sobrantes producidos al momento de realizar un largo tiraje en el corte. 4. Plastificado. Para términos de acabados, se utiliza (en ocasiones) un acabado de plastificado en las portadas; como ya se sabe, el plástico es un material contaminante ya que no siempre es reciclable, el uso del plastificado en el papel hace que éste ya no sea apto para ser reciclado. Los desechos contaminantes producidos en la ilustración tradicional, radican principalmente en el uso de materiales contaminantes al aire o agua. Se deben regular de forma responsable para evitar esto, revisar que la marca del producto o material que se vaya a usar no sea dañino para el medio ambiente, como por ejemplo, si se consume una gran cantidad de marcadores, lo mejor que se puede hacer al separar la basura ,es dividir el cartucho de tinta del plástico, así no habrá problemas para el reciclaje. La ilustración digital también produce desechos, no en la misma medida como lo suelen hacer los anteriores, sin embargo, tampoco se exenta de 71 �dañar al medio ambiente. La ilustración digital suele dañar principalmente de dos maneras: 1. Desechos tecnológicos: El hecho de usar una computadora o tableta gráfica, o cualquier aparato electrónico en realidad, puede ser un gran riesgo para el medio ambiente, pero no solo por el uso de energía, sino también por la cantidad de desechos tecnológicos que se generan debido a ello. 2. Mayor consumo energético. Ciertamente el uso de las tabletas gráficas ha ayudado a evitar el consumo y la generación de los desechos al momento de realizar un trabajo de manera tradicional, pero hay que considerar que el consumo de energía es también un contaminante. Ya hemos visto cómo la industria del cómic y la ilustración dañan al medio ambiente, con o sin consciencia de ello, sin embargo a continuación se verán alternativas para que en su creación se produzca un consumo más responsable, sustentablemente hablando. 72 Materiales sustentables para la ilustración responsable. Anteriormente se han mencionado materiales cuyo uso genera contaminación al medio ambiente, en esta sección se brindarán alternativas a ellos para realizar ilustración sustentable, así como los métodos de impresión que podrían ayudar al cómic a llevar una industria más ecológicamente responsable. A continuación se brindarán alternativas más sustentable para los siguientes materiales: 1. Tinta. Ya se cuenta con distintas tintas que aseguran ser más amigables con el medio ambiente, tintas verdes como la BIO 511, formada por disolventes de derivación exclusivamente vegetal, no liberan ningún componente orgánico volátil nocivo y garantiza un respeto mayor por el medio ambiente y el operador (Zinasi, 2013). También las tintas ecológicas hechas con aceites vegetales se distinguen de las tintas offset convencionales por no usar aceites derivados del petróleo. Otra alternativa son las tintas Ecogloss (Ayala, M. & UMU, 2014) este producto se diferencia del resto por estar fabricado sin aceites minerales ni compuestos orgánicos volátiles (Morawska, He, Johnson, Jayaratne, Salthammer, Wang, Uhde, Bostrom, Modini, Ayoko, McGarry, and Wensing, 2009). �2. Papel. Lo más recomendable en este caso es utilizar papeles reciclados, en caso de ser una publicación en la que se requiera un material específico que no se encuentre disponible en su versión reciclada, se recomienda que en los largos tirajes, todos los desechos y sobrantes de papel sean reciclados y no tirados a la basura. 3. Plastificado. Este puede reemplazarse con el uso de un barniz UV en lugar del plastificado, en especial por ser impresión de tiraje a gran escala. Los barnices y tintas UV son los únicos productos que son totalmente inofensivos al medio ambiente durante el proceso de impresión, puesto que no despiden ningún “VOC” (componentes orgánicos volátiles) a la atmósfera ya que no contienen ningún tipo de solvente. Todas las personas pueden ser más sustentables teniendo más conciencia en el uso apropiado de los diferentes aparatos que poseen; a continuación se sugiere qué hacer con los cartuchos de tinta, así también con los desechos tecnológicos, para eliminarlos de manera responsable. 1. Cartuchos de Tinta: Deben de reciclarse, no tirarse; uno puede rellenar el cartucho; o existen compañías como HP (HP Planet Partners), que tienen el objetivo de incentivar un planeta más limpio y sostenible, y cuentan con programas de reciclaje de cartuchos (HP Planet Partners México: Programas de Reciclaje, 2017). 2. Desechos tecnológicos: Deshacerse de ellos de la manera apropiada, no se deben de tirar con la basura de diario, muchos de ellos contienen litio y otros tipos de fuertes contaminantes de suelo; tales como gases policlorados, provocados por la combustión de plásticos y hules que comúnmente aíslan los cables eléctricos; polibromados, compuestos retardantes de la flama, empleados en los plásticos que están expuestos a condiciones de flamabilidad (cancerígenos y neurotóxicos); y penoles, dioxinas, furanos y CO2, gases altamente tóxicos que se generan con la combustión de los plásticos empleados en la mayoría de los componentes electrónicos (Expok News: Comunicación de Sustentabilidad y RSE, 2013). Por ello, se deben llevar a centros especializados en donde se encargan de deshacerse de ellos de la manera apropiada. La regla de las tres erres (3R) siempre nos será útil tanto para estos desechos como en nuestro día a día: reduce, reutiliza y recicla (INECOL, 2016). No hay que olvidar que para ser congruentemente responsable con el medio ambiente es importante medir el uso del consumo electrónico, si no se tiene en uso algún aparato, lo mejor que se puede hacer es apagarlo, y de 73 �ser posible desconectarlo, de esta manera se contribuye positivamente al medio ambiente de una forma bastante sencilla. Sustentabilidad Fantasma. El diccionario de Oxford (2017) define el término fantasma (adj.) como “que tiene una existencia dudosa o poco precisa”; por lo que se propone llamar en este escrito sustentabilidad fantasma o invisible, a toda aquella sustentabilidad que una compañía o industria, está llevando a cabo sin que ellos mismos se den cuenta o la hayan previsto como parte de su estrategia. Como se mencionó previamente en la sección anterior, la industria del cómic se ha vuelto más sustentable con el pasar del tiempo, a través del uso de la ilustración digital en los procesos ilustrativos, y es por ello qué se propone aplicar este término a fenómenos como el que ha sido presentado; no es que esta industria se encuentre intentando ser más social o ambientalmente responsable, sino que con la evolución tecnológica éstas se han adaptado, y por consecuencia se han vuelto, en cierta medida, más sustentables. 74 Se puede ver más allá de la cultura americana hacia el cómic; considerando al Oriente, existen ejemplos tanto en China como en Corea; en donde la forma de publicación de los cómics ya no es a través de publicaciones semanales o mensuales de manera impresa, sino que se han adaptado para ahora ser completamente en línea, contando con un formato sencillo para la lectura en dispositivos móviles; con esto se hace referencia a que el formato ya no se encuentra realizado mediante paneles intercalados el uno con el otro, sino que en su lugar ahora se encuentran posicionados de manera lineal, todo esto con el objetivo de que al deslizar el dedo en la pantalla móvil del lector en línea, al usuario no se le dificulte la lectura y también le sea más cómoda, además que se omite la necesidad de acercarse para leer las letras de menor tamaño; éstos reciben el nombre de Webtoons, solo aquellos que son realmente populares entre el público, por demanda, reciben una publicación recopilatoria en las librerías de dicho país. En las figuras 3 y 4, veremos ejemplos de cómo se manejan los paneles en los cómics americanos (Fig.3) y en los coreanos o chinos (Fig.4), a diferencia de la Figura 3 que se maneja mediante distintas páginas, la Figura 4 es solo una larga línea que continúa sin una longitud predeterminada hasta el término del capítulo, esto se debe a que su diseño se encuentra pensado para que su lectura sea vía celular. �Figura 3 y Figura 4. Ejemplos de acomodo de paneles de cómics americanos, y cómics orientales (China y Corea). Podemos encontrar EcoArt tanto en la ilustración como en los cómics, el hecho de que una ilustración comunique un mensaje ambiental ya la hace incluyente al movimiento; pero lo interesante de este término, tomándolo como disciplina, es que cualquier ilustrador o creador de cómic puede pertenecer a ella, no se tendría que ser un autor publicado, lo importante es comunicar el mensaje al receptor. Se tomó de ejemplo a una artista de origen chino llamada Wenquing Yan, (seudónimo Yuumei), la cual creó un web cómic interactivo en el 2010, cuyo tema a tratar es la contaminación ambiental en China; el web cómic llamado “Knite”, cuenta con más de 2 millones de lecturas, no cabe duda de que el mensaje que se pretende comunicar se está extendiendo a una gran cantidad de personas; esta situación es un buen ejemplo de que aún siendo un artista o ilustrador independiente, también se puede contribuir al movimiento, ya sea que se tengan miles de seguidores o no, lo importante es comunicar. No se debe ignorar a todos aquellos muralistas que constantemente pretenden brindarle color a sus ciudades con paisajes naturales, intentando expresar un mensaje a sus compañeros citadinos, esto también es parte del movimiento. 75 �Aquí mismo en el occidente, se pueden percibir ejemplos de sustentabilidad fantasma, ilustradores innovadores buscan oportunidad publicando sus tiras en sitios web para darse a conocer, la diferencia con el oriente es que éstos no reciben una remuneración económica por su trabajo, ya que en el oriente usualmente trabajan para páginas que funcionan como casas editoriales y estos ilustradores reciben su paga al trabajar directamente para una compañía. Aquí en occidente, aunque la sustentabilidad no sea la idea meta, la venta de las compilaciones de sus tiras vía online les da remuneraciones mientras que mantienen una postura sustentable. Un ejemplo de sustentabilidad fantasma en Estados Unidos, son los sitios de servicio de lectura online, que funcionan de manera muy parecida al uso de Netflix, por una tarifa mensual tienes acceso a la lectura de cómics online de manera legal, este tipo de sitios web prueban el ser un buen reemplazo a las publicaciones impresas, no solo el usuario es inconsciente o conscientemente más sustentable, sino también para ventaja del mismo, las actualizaciones de sus títulos favoritos suelen ser más rápidas que las publicaciones físicas, puesto que éstas no pasan por el proceso de impresión. 76 Así como se han visto ejemplos de este término experimental, a continuación se hablará de nuevo acerca de la corriente artística del EcoArt, y se relacionará este término con la ilustración y la industria del cómic. EcoArt en la Ilustración & en la industria del cómic En la industria del cómic se han realizado distintas publicaciones para transmitir mensajes pro-ambientalistas a los lectores; superhéroes populares como lo es Aquaman, suele dar mensajes eco-amigables a todo aquel que tome uno de sus números. En 1986, Dark Horse Comics, publicó un cómic llamado “Concrete” (Paul Chadwick), este personaje aislado sensorialmente del exterior, intenta comunicar la importancia de esas pequeñas cosas que apenas valoramos en nuestra vida diaria: la sensación de aire en la cara, los olores, la caricia de una mano; por lo que no es de sorprenderse que también uno de sus temas centrales sea el medio ambiente. Podemos encontrar muchos ejemplos de ilustración y cómics en la disciplina del EcoArt, más principalmente enfocados al aspecto de informar que crear; no hay que pensar que el crear es más importante que el informar, ambas tareas tienen un gran valor, y ese es el valor que los ilustradores pueden brindarle al mundo, un mensaje… Una voz silenciosa, de la cual el receptor podrá enamorarse, adoptar sus ideas y compartir sus ideales. �Conclusión La sustentabilidad puede formar parte de cualquier proceso si se investiga el como incorporarlo; el EcoArt demuestra que uno puede ser sustentable de muy diferentes maneras, se puede ayudar transmitiendo un mensaje, o simplemente siendo sustentable mediante las acciones cotidianas. Este tema es muy importante, debido a que el uso y producción de desechos afecta directamente a la salud no solo de los humanos, sino también del medio ambiente, al saber como funciona esta industria o los materiales que son comúnmente utilizados, se pueden buscar soluciones sustentables. Así mismo el aprendizaje de la cultura ecológica es de gran importancia para brindar conciencia a aquellos que la desconocen; disciplinas como lo es el EcoArt nos enseñan que no tenemos que salvar al mundo para contribuir en la ayuda del medio ambiente, solo tenemos que ser conscientes, responsables e informar; si actuamos como comunicadores de nuestros conocimientos ambientales podremos ayudar a que otras personas sostengan una postura parecida. Esto no es sustentabilidad fantasma, debemos de vivir bajo la consciencia de que nuestras acciones tienen consecuencias, de esta manera podremos evitar un daño involuntario mayor, podremos ser más ecológicos, más sustentables. 77 �Referencias Beaty, B. 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What is illustration?: Essential Design Handbooks (1a ed.). Suiza: Rockport Publishers. �Patricia Vianey Ríos Martínez Patricia Vianey Ríos Martínez es originaria de Monterrey, Nuevo León, México. Licenciada en Diseño Gráfico por la Universidad Autónoma de Nuevo León, cuenta con una Maestría en Diseño Gráfico realizada en la Facultad de Artes Visuakes de la UANL. Sus áreas de especialidad son la ilustración tradicional y digital. Cuenta con experiencia en agencias de diseño y publicidad trabajando en diversas áreas del diseño gráfico. 79 �Plataformas digitales: una alternativa de educación a distancia sustentable Mayra Virginia Ruiz Caballero ORCID: 0009-0006-2579-9957 Universidad Autónoma de Nuevo León Facultad de Artes Visuales mayra.ruiz@nuevoleon.gob.mx 80 Resumen Los problemas ambientales que se viven desde hace algunos años son motivo de discusión de organismos dedicados a estudiar el medio ambiente. Podemos decir que son provocados por sus habitantes y las diferentes actividades que realizan dentro de los hogares, los trabajos, lugares recreativos, escuelas y casi todos los medios de transporte. Todo esto tiene un fuerte impacto ambiental. En el presente capítulo se presenta una breve descripción de cómo la educación a distancia tiene un impacto como medio sustentable en las sociedades, en su economía y medio ambiente. Tomando como base el Modelo de Sustentabilidad en sus tres principios: Sociedad, Economía y Medio Ambiente. Palabras clave: Educación, plataforma digital, medio ambiente, sustentabilidad. El uso de las Tecnologías de información permite en gran manera nuevas formas de comunicación a distancia, almacenamiento de datos y reproducción de información, permitiendo cambios económicos, sociales, científicos, pedagógicos y culturales, esto ha contribuido a nuevas formas en la enseñanza en todos los niveles. �Abstract The environmental problems that have been going on for some years have been the subject of discussion by bodies dedicated to the study of the environment. We can say that they are caused by their inhabitants and the different activities they carry out inside their homes, jobs, recreational places, schools and almost all means of transport. All this has a strong environmental impact. This chapter presents a brief description of how distance education has an impact as a sustainable medium on societies, their economy and the environment. Based on the Sustainability Model in its three principles: Society, Economy and Environment. Key words: The use of information technologies has greatly enabled new forms of distan- Education, ce communication, data storage and reproduction of information, allowing digital platform, economic, social, scientific, pedagogical and cultural changes, which has environment, contributed to new forms of teaching at all levels. sustainability. Introducción La educación juega un papel importante en cada país, y “el actual modelo socioeconómico de las sociedades de los países desarrollados es insostenible, pues lleva aparejados importantes problemas ambientales que ponen en riesgo la supervivencia de la Tierra” (Gayol, 2005) así la globalización en estos países ha permitido que el modelo de Educación a Distancia sea cada vez más factible para un número mayor de personas que antes no contaban con los medios para asistir a escuelas, por vivir en lugares alejados a éstas. (Aretio, 1999) menciona que “las estructuras formales de educación no podían dar respuesta a tantas necesidades de adaptación progresiva a este mundo en cambio”, con esto se puede decir que así como han crecido, también han tenido que ir implementando nuevos modelos para la enseñanza que pueda ser llevada a cualquier nivel económico, como las poblaciones rurales. En México, la educación a distancia tiene sus orígenes entre 1842 y 1845, según Bosco y Barrón (2008) “es en esta época la primera ocasión en que un tipo de sistema de educación a distancia se implementaba en todo el país en un nivel educativo” este sistema estaba apoyado en un programa de la Compañía Lancaster que pretendía implementar el sistema educativo de la educación básica del país, y en años posteriores también atender a los adultos en formación de talleres, cubriendo así el analfabetismo de esa época. 81 �La conciencia social y medioambiental se ha incrementado debido a diferentes razones. Las empresas y organizaciones preocupadas por la situación, modifican sus procesos y materiales de elaboración, otras tantas lo utilizan como ventaja pues las personas normalmente confían y consumen productos de empresas que impulsan el bienestar mundial. El diseño gráfico también se suma a la evolución industrial y comienza a analizar el tema sustentable, la afectación de materiales y las opciones con las que se cuenta para el desarrollo de sus proyectos. Además de minimizar el impacto ambiental al reducir el uso de tintas y residuos químicos, el consumo de papel, la tala desmedida; podemos encontrar otros beneficios en el diseño gráfico digital. 82 Con una buena estrategia de comunicación, el alcance de los medios digitales se potencializa, los contenidos pueden acompañarse de imágenes o multimedia para mayor interactividad, los costos para las ediciones o actualizaciones de contenidos en los medios digitales pueden ser menores en comparación con los medios impresos, la segmentación de mercado permite dirigirse a un público muy específico, por lo tanto, tendrá mayor impacto en el lector o usuario y por último, los medios digitales nos permiten una interacción directa en tiempo y forma con el cliente, puesto que el mercado está presente en estos medios. En cuanto a la correcta gestión de recursos en las estrategias del diseñador gráfico; Thackara menciona: “la transición a una economía planetaria exige que utilicemos los recursos sabiamente” (Thackara, 2013). No se propone la desaparición de los medios impresos en el diseño gráfico, pero sí la gestión de estrategias de comunicación planteando una combinación de las distintas herramientas y soportes sustentables, para poder minimizar el desgaste de los recursos naturales y potencializar el uso de las tecnologías a favor del ambiente. Para García Canclini, “necesitamos repensar los vínculos entre conocimiento, ocultación y transparencia en las actuales condiciones de dispersión del poder que trajo la transnacionalización globalizada de las empresas y de las tecnologías” (Canclini, 2010). Como profesionales se debe cumplir con esta responsabilidad social y diseñar éticamente; como individuos la propuesta es alinear nuestras �acciones en nuestra vida personal y profesional al tema de sustentabilidad, ya que el futuro del mundo depende de esto. Breve historia de la sustentabilidad Los avances en el desarrollo y crecimiento provocado por la era de las industrias han traído graves perjuicios en el medio ambiente, la biodiversidad y la calidad de vida, afectando directamente a las economías de los países. La crisis ambiental al parecer ha resonado por los resultados de cambios climáticos y del medio ambiente; Leff, (2008) menciona que el calentamiento global del planeta no es otra cosa que el rompimiento de las leyes de la naturaleza y su equilibrio, generado por los procesos de producción industrial y declara en su libro que “la sustentabilidad es una manera de repensar la producción y el proceso económico”. La sustentabilidad es un tema que ha sido abordado a principios de los años 70´s, a continuación se muestra la Tabla 1 donde aparecen los diferentes eventos internacionales donde se han hecho acuerdos sobre la sostenibilidad mundial. Año Lugar Evento Tema Resultados 1949 Lake Success, Nueva York Primera conferencia de la ONU Problemas ambientales Poca repercusión porque, la atención estaba centrada en la reconstrucción de posguerra. 1968 París Conferencia Internacional de la Biosfera Plantea la idea de promover un encuentro mundial sobe el medio ambiente 1972 Estocolmo, Suecia Cumbre de la Tierra de Estocolmo Conferencia Mundial sobre el Medio Humano Se constituyó el programa de naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUM). 1975 Belgrado Coloquio Internacional sobre la educación Relativa al Medio Ambiente La Educación Ambiental Programa Internacional Medio Ambiental (PIEA). 1977 Tibilis, URSS Conferencia Intergubernamental sobre la Educación Ambiental Desarrollo de la educación ambiental en la comunidad internacional La educación ambiental se incluyó entre los objetivos del Plan a Plazo Medio de la UNESCO. 1982 Prada Curso Internacional de Formación en Educación ambiental Reunión Internacional sobre Educación ambiental Transmitir conocimientos sobre problemas ambientales, de ecodesarrollo a docentes. 1992 Río de Janeiro Conferencia de las Naciones Unidas sobre Medio Ambiente y Desarrollo (Cumbre de la Tierra) Enfoque de desarrollo que protegiera el medio ambiente Se aprobó la Agenda 21, los derechos y deberes de los estados y las próximas convenciones sobre el cambio climático. 83 �2002 Johannesburgo, Sudáfrica Cumbre Mundial de Desarrollo Sostenible Cómo se debe transformar al mundo para asegurar el desarrollo sostenible “Declaración de Johannesburgo”, se reafirmó la determinación de trabajar en aras del desarrollo sostenible. 2016 París Acuerdo de París Acuerdo para combatir el cambio climático e impulsar medidas e inversiones para un futuro bajo en emisiones de carbono -Mitigación: reducir las emisiones lo suficientemente rápido como para lograr el objetivo de temperatura. -Un sistema de transparencia y de balance global; una contabilidad para la acción climática. -Adaptación: fortalecer la habilidad de los países para hacer frente a los impactos climáticos. -Pérdidas y daños: fortalecer la habilidad para recuperarse de los impactos climáticos. -Apoyo: incluido el apoyo financiero para que las naciones construyan futuros limpios y resilentes. Tabla 1 Informes tomados de Perri (2005), Nuttall (2016), Silverio-Ruffing (2002), García (2005), UNESCO-PNUM (1987) 84 El diseño y la sustentabilidad Como contexto, es importante presentar la definición de desarrollo sostenible descrita en el Informe Brundtland en 1987 como aquel que garantiza las necesidades del presente sin comprometer las posibilidades de las generaciones futuras para satisfacer sus propias necesidades. Esto significa que el desarrollo de los países tiene que estar encaminado a ver lo que se está haciendo en el presente pensando siempre en las consecuencias en el futuro. En la actualidad, para los diseñadores debe ser una forma imprescindible de planear cada proyecto que tendrá impacto en el medio ambiente, donde se tomen en cuenta los tres factores fundamentales: Económico, Social y Ambiental, así como su estrecha relación que podemos ver en la Figura 1 del Modelo de desarrollo sostenible. Económico: manteniendo un desarrollo y progreso económico de productores y consumidores. Social: conservando el respeto de cada individuo como integrante importante de una sociedad. Ambiental: respetando cada norma y regla encargada de preservar el medio ambiente y su convivencia con este. �Generación de riquezas Integración a la sociedad Administración de los recursos naturales Modelo de Desarrollo Sustentable Figura 1. Modelo de desarrollo sostenible (Castañeda, 2011). En lo que respecta al diseño, la problemática ambiental es muy clara, los diseños en impresos que se generan, los materiales como papel, plástico y empaques entre otros empleados para su producción, el uso que se les da y la manera de ser desechados, son parte de la responsabilidad que el diseñador tiene con el medio ambiente. El diseñador, con su trabajo, contribuye en preservar el medio ambiente a través de los productos que diseña, como empaques, etiquetas, folletos, pósters, anuncios, páginas web y plataformas digitales, entre otros, así como los procesos para su desarrollo, desde pensar la idea hasta el producto final, las plataformas digitales serán el tema a abordar en el presente escrito. “Los diseñadores gráficos que practican el diseño sustentable usan técnicas, procesos y materiales que ayudan a reducir el impacto negativo ambiental, social y económico en sus diseños, también conocido como Triple Botton Line” (Soutto & González Tyler, 2008), esto es hacer uso de valores para medir el éxito y sustentabilidad en una organización con técnicas donde se participa con la mejora del desarrollo sostenible. 85 �Un panorama de la educación tradicional en México Para entender un poco las características del sistema educativo tradicional, se muestra una reseña de lo que ha pasado a través de los años en México desde la época Prehispánica hasta nuestros días. La educación, como la conocemos en la actualidad, no tiene el mismo desarrollo entre las partes que la conforman, maestros, alumnos y organizaciones que mantienen a la educación en relación con los grupos sociales. En la época prehispánica se aprendían oficios para la guerra y para complacer a sus deidades, en la época de la colonia los grupos religiosos se hicieron cargo de transmitir deberes que necesitaban cumplir los indígenas para la iglesia; para mediados del siglo XIX el gobierno construye colegios y universidades, y se da la escuela gratuita para la educación básica. 86 Tras el período de Independencia, con los intereses políticos de por medio, se vio afectado el organismo educativo y se encargó a la Compañía Lancaster para que se hiciera cargo del manejo de la Instrucción Pública. Durante el Gobierno de Benito Juárez se promueve la educación laica y gratuita. Durante el Porfiriato y la llegada de Justo Sierra la educación se expandió a todos los sectores sociales y con esto se eleva el nivel de escolaridad, no así durante la Revolución donde tuvo un escaso desarrollo. Con los siguientes gobiernos hasta la fecha surgieron diferentes programas encargados de buscar beneficios para la educación como PROGRESA Programa de Educación Salud y Alimentación, PRODEI Programa de Desarrollo de Educación Inicial, PAREIB Programa para Abatir el Rezago en la Educación Inicial Básica entre otras. Así la educación en México ha tenido todo una evolución y ha ido encontrando cómo beneficiar a más personas, mejorando el nivel y la calidad (Solana, Cardiel Reyes, & Bolaños Martínez, 2011). Para que esta forma de educación pudiera llevarse a cabo se tenía que asistir a los lugares físicos donde se encontraban maestros y alumnos (Stojanovic de Casas, 1994), esto implica desde entonces que las personas se deben trasladar de un lugar a otro. En la actualidad en las grandes ciudades se emplea demasiado tiempo para llegar casi a cualquier lugar, y los lugares educativos no son la excepción. Con este crecimiento acelerado, hay cada vez más contaminación en el ambiente, se puede decir que estamos expuestos a demasiados gases contaminantes que afectan la salud de las personas; en este contexto diremos que la ciudad de Monterrey no está exenta de esto. Por ejemplo, para acudir �a la Universidad los maestros y estudiantes emplean algún transporte particular o urbano, pues es la única manera de llegar a las instituciones. La demanda en la educación, en muchas ocasiones, no responde a las necesidades de una ciudad en crecimiento, un reflejo de las dificultades siempre serán los transportes y las condiciones en las que se encuentren; las decisiones políticas en una sociedad también reflejan el estado de éstas. De esta manera se puede discernir que la educación y todo lo que esto implica, siempre estará en constante relación con el medio ambiente de una ciudad, no solo por un medio de transporte o el consumo de sus habitantes, sino por las decisiones que se toman a nivel gobierno con respecto a las comunidades educativas y sus avances tecnológicos. En la figura 2 se expone esta relación con el impacto ambiental. Las decisiones han de hacer frente a intereses contradictorios. El mundo económico reclama cada vez más calificaciones y competencias. El mundo científico reclama créditos para la investigación y para la enseñanza superior de alto nivel…el mundo de la cultura y la enseñanza requiere medios para el desarrollo de la escolarización y de la formación general” (Delors,Jacques; García V.,Aníbal Néstor, 1996). Nuevas tecnologías Docentes Estudiantes Gobierno Estudiantes Figura 2. El Impacto ambiental y su relación en la educación. 87 �Repercusiones del diseño en el medio ambiente El impacto del diseñador gráfico en el ambiente está plasmado principalmente en todos los impresos en los que éste participa, es decir, hay elecciones de papeles, tintas, plásticos, empaques; para el diseño de tarjetas, folletos, carteles entre los más comunes, pero la escasa conciencia de verificar el origen y calidad de estos materiales, por ejemplo, que no incluya la indicación de si ya ha sido reciclado, son aspectos que deben tomarse en cuenta desde el momento de plantear un proyecto. El diseño tiene su forma de percibir y abordar el mundo, resolviendo los problemas con un sistema de pensamiento,“el mejor modo de fomentar un pensamiento sistémico es exponer a los alumnos a la industria, a la realidad de los procesos productivos, a los problemas de administración de una fábrica o de un sistema de distribución” (Cardoso, 2011). 88 Hoy en día existen más opciones para los diseñadores de proyectar diseños sustentables, para esto hay que fomentar la conciencia ecológica desde las universidades, “el concepto de conciencia ecológica nace en California en el año 1969” (Chávez López, 2012). Que expone su punto de vista al respecto “la sustentabilidad en el diseño comprende al mundo para actuar en él y darse cuenta de la necesidad que existe de fomentar una cultura ambiental dentro de la sociedad, más aún en la configuración de los objetos de diseño” (Chávez López, 2012). El contexto de la educación hoy, demanda grandes cambios, diferentes soluciones y profesionales con características sociales actuales, con actitud para resolver problemáticas de estas realidades cambiantes. En este panorama, los avances tecnológicos y de comunicación que un diseñador gráfico enfrenta, no solo es en equipos de cómputo innovadores, sino con el proceso en sus creaciones. De esta manera se puede decir que el diseño digital para la educación a distancia también debe estar pensado en sus características gráficas por parte del diseñador y que represente para la comunidad educativa una ayuda, pero sobre todo un beneficio en el medio ambiente. Sin embargo, los diseñadores no se encuentran fuera de los aspectos que implica el consumo en el diseño, pues es sabido que la opinión de los clientes y consumidores forman parte de el quehacer profesional, aun así en este nuevo siglo se percibe una formación ambiental más visible que hace algunas décadas. �En la figura 3 se presenta la relación del Diseñador en el ecosistema, los consumidores y el entorno; es precisamente ahí donde el Diseñador puede ir formando una conciencia ecológica en los consumidores de los productos de diseño, para decir que se ha propuesto un diseño con impacto en el ambiente de forma positiva y con resultados que benefician a todos. Diseñador Ecosistema Consumidores Entorno Eco-diseño Diseño sustentable Conciencia ecológica Procesos Productos Desechos 89 Diseño con impacto ambiental Figura 3. El diseñador y su impacto en el medio ambiente. Impacto ambiental de las Plataformas Digitales como Modelos Educativos No cabe duda que en las últimas décadas el uso del internet ha venido ofreciendo un sin fin de posibilidades en muchas áreas, la educación es una de ellas y lo que compete desde su participación con el medio ambiente. “Los diseñadores gráficos de hoy están cambiando debido a la computadora. Todos ellos trabajan con una tecnología digital, por lo que realmente están cambiando cada vez más hacia la arquitectura de información” (Remington, 2012), respuesta de Massimo Vignelli, diseñador que abordaba el trabajo del diseño como una aportación a la sociedad. �Con el uso de las Tecnologías de la Información (TIC´s) el diseño gráfico también ha tenido su evolución, a pesar de que los aparatos empleados para acceder al Internet, redes sociales y aplicaciones, usan energía que no es renovable y que si no se tiene el debido cuidado al hacer uso de estos, se contribuye a la contaminación ambiental. Hernández Hernández, (2012) menciona que “cualquier acción en pro, por pequeña que sea es muy valiosa” y presenta una serie de reglas para desarrollar proyectos web amigables con el ambiente que un diseñador puede revisar en el sitio web Re-Nourish y que se resume a continuación: 1. Hosting que use energía renovable como la eólica, solar o hidroeléctrica. 2. Diseñar formatos para imprimir donde se minimiza el desecho de papel. 3. Facilitar la vista al usuario eliminando información innecesaria. 4. Agregar mensajes para el cuidado del medio ambiente. 90 Estas recomendaciones pueden servir, pero ¿cómo es que en una ciudad como Monterrey, N.L. impactará el diseño de una Plataforma digital en el medio ambiente? la Plataforma a que se hace mención forma parte de un proyecto de Maestría en Diseño Gráfico en la Facultad de Artes Visuales de la UANL. En este proyecto se aborda la problemática que se presenta en los docentes del diseño gráfico y la escasa coincidencia en tiempos para poder acudir a las capacitaciones que la misma Universidad les pide, así como la actualización que requieren los mismos en el medio del diseño. Esto se ha visto impactado en los últimos años por la demanda en el uso de las nuevas tecnologías de la información por parte de los alumnos principalmente y a “la evolución de los entornos tecnológicos, su impacto en la educación y el surgimiento de Internet como parte central en nuestras vidas, impacta de manera significativa en los roles tradicionales atribuidos a los docentes” (Dorfsman, 2012). Los nuevos roles de los docentes deben adaptarse a la existencia de estas TIC´s como parte central de los cambios sociales. La Universidad proporciona como herramienta de comunicación entre maestros y alumnos una plataforma digital, que facilita su colaboración �en el proceso de enseñanza-aprendizaje llamada Nexus, que cuenta con la modalidad presencial, a distancia y mixto. En lo que respecta al tema de enfoque del presente trabajo hay que mencionar este tipo de soluciones para la educación como un impacto en el medio ambiente desde las tres perspectivas del Modelo de Sustentabilidad; se presenta cómo se pueden ver los beneficios en la ciudad. La ciudad de Monterrey y su área metropolitana es una gran urbe con aproximadamente cerca de 4 millones de habitantes, según datos del INEGI en 2015; donde el 86.2 % sabe leer y escribir y el 45.1% de las viviendas particulares habitadas cuentan con computadora; 50.3% tienen conexión a internet (INEGI, Conociendo Nuevo león, 2016). Tomando en cuenta estas cifras se dirá que a casi la mitad de la población se le facilitaría recibir educación a distancia haciendo uso de las herramientas del Internet. Otro aspecto de la ciudad que se puede tomar en cuenta para justificar la educación a distancia por medio de plataformas digitales, son los medios de transporte con vehículos particulares y públicos como camión urbano, metro, peceras y eco vía, que en definitiva son usados por gran número de la población algunas veces para acudir a Instituciones educativas. Todos necesitamos un medio de transporte, que siempre va a causar algún daño en el aire que respiramos por la emisión de gases de los vehículos antes mencionados. El transporte también tiene otros efectos asociados como el “consumo de energías no renovables, contaminación atmosférica, ruido ambiental, intrusión visual, accidentes, el peligro y la congestión vehicular” (INEGI, 2016). En una encuesta realizada por el INEGI en 2015 con respecto al transporte se señala lo siguiente: 44.4% de la población que asiste a la escuela utilizó como principal medio de traslado algún vehículo automotor. De estos, 25.8% lo hizo en camión, taxi, combi o microbús; 17.1% en un vehículo particular y 1.5% utilizó transporte escolar. En tanto que 53.3% se trasladó caminando a la escuela, 1.4% se trasladó en bicicleta y 0.9% utilizó otro medio de transporte. Del total de personas que se trasladaron a la escuela utilizando un vehículo automotor, 72.3% realizaron viajes de menos de 30 minutos. Otro recurso que genera contaminación en los edificios de escuelas es la electricidad para el uso de climas artificiales como una forma de mantener un ambiente agradable para un grupo de personas; son instalaciones más 91 �grandes que una vivienda y se necesita más energía eléctrica que es producida en centrales térmicas o nucleares que producen residuos radioactivos. ¿Cómo se puede decir que estas nuevas formas para enseñar y capacitarse, impactan en el medio ambiente? Las plataformas digitales como una herramienta en la educación son una aportación de sustentabilidad, puesto que se emplean menos recursos económicos por parte de alumnos, maestros y empleados de las instituciones. Los traslados de todos ellos se reducirán y por consecuencia se estará aportando en la disminución del uso de combustibles fósiles como la gasolina. Modo sustentable para capacitación y actualización docente 92 La Educación Ambiental tiene como finalidad que los estudiantes puedan modificar la forma en que sus actividades impactan al medio ambiente “la Educación Ambiental se concibe como una dimensión que debe integrarse en las propuestas educativas dirigidas a la sociedad” (Guillen, 1996), se puede decir que todos podemos estar involucrados con este término del cuidado del medio ambiente. Modificando nuestros hábitos, con respecto a todo lo que consumimos en cada lugar al que asistimos, la electricidad, el agua y la contaminación que provocan los medios de transporte que usamos, son todos ellos parte de nuestra participación y se puede contribuir cada vez más para mejorar. Los medios digitales a pesar de emplear energía eléctrica, tienen menos impacto en el ambiente que todos los impresos que se pueden utilizar en libros, cuadernos, tintas de impresión, solventes utilizados en las imprentas, así como material de limpieza de máquinas de impresión. En un estudio realizado en la UNAM para un repositorio sobre la educación virtual en universidades y el aprendizaje tecnológico se hace mención del marco de desarrollo en que se presenta esta nueva forma en la educación universitaria, que algunas instituciones como la UNAM, el Instituto Politécnico Nacional, el ITESM y más reciente Tec Milenio tomaron como una estrategia en su desempeño competitivo. �Características comunes de estas Universidades: 1. Instituciones con una estrategia nacional y/o regional muy acusada. De gran tamaño, de estructuras complejas. Con presupuestos importantes y con grandes capacidades tecnológicas y humanas. Adaptan pero también innovan en materia de Educación Virtual. 2. Instituciones de influencia regional pero que han desarrollado una capacidad específica que les permite ser relevantes en el contexto nacional e incluso internacional, en materia de TIC y educación. Adaptan e innovan en esos campos específicos. 3. Este grupo de universidades participa de la corriente de EV pero aún con débiles capacidades internas de desarrollo y en proceso de integrar la tecnología a una visión estratégica. Fuente: Cuadro 1: Tipología de universidades mexicanas que realizan educación virtual (Garrido Noguera, 2010) El impacto ambiental de las Tecnologías digitales no es hasta el momento tema de estudio por parte de alguna organización, a continuación se presenta una relación de la educación presencial (tradicional) y a distancia (virtual) para continuar proponiendo como una alternativa sustentable de educación: Educación presencial Educación a distancia Presencia de todos los actores al mismo tiempo en el mismo lugar. El proceso de enseñanza aprendizaje es únicamente presencial. Actores en distintos lugares y tiempos, interactuando con los elementos del proceso enseñanza aprendizaje por medio de TIC. 93 �En esta comparación se pueden ver breves aspectos de los dos modelos en la forma de impartir clases, y es de notarse que cuando se elige el modelo a distancia se estará evitando acudir a un espacio físico para cierto número de personas, en el modelo presencial siempre será necesario acudir a un lugar donde esté el maestro y recibir la enseñanza para después volver a trasladarse a otro sitio; este último como modelo sustentable no es lo mejor. Propuesta de Modelo sustentable de educación a distancia: Educación a distancia Plataforma digital Aula virtual Herramientas tecnólogicas Usuarios 94 Sociedad Economía Medio ambiente Transporte Luz Impresiones Descripción del Modelo con respecto al medio ambiente: Los usuarios (maestros y alumnos) emplean la plataforma como medio de comunicación a distancia y como herramienta tecnológica, entre muchas otras, como un aula virtual donde pueden encontrar los programas o tareas de las unidades de aprendizaje de forma digital y tenerlos disponibles siempre sin necesidad de verlos impresos. �Pueden revisar sus aportaciones al curso o despejar dudas en diferentes horarios y lugares, ayudando con esto a no moverse en ningún transporte, ahorrando combustible que daña el medio ambiente, ya no es necesario que las Instituciones de Educación Superior inviertan en recursos económicos para la infraestructura de salas de computo. “Asimismo, 93.5% de las IES disponen de software para el control escolar, es decir para la automatización, control y facilitación de los procesos de gestión institucional; 54.5% lo utiliza para efectuar la comunicación entre alumnos y docentes, sin embargo, también se utiliza para otros procesos aunque en menor porcentaje” (Ortiz Boza, s/a) como control escolar, apoyo para la evaluación, seguimiento a la formación del estudiante, apoyo para tutorías, entre algunas otras. En este Modelo de educación a distancia, como alternativa de capacitación a grupos de maestros, se busca un beneficio en el impacto ambiental, como ya se explicó anteriormente, dejando de consumir principalmente los transportes, así como, la electricidad y productos usados y desechados por los usuarios de las instituciones educativas, es la propuesta para contribuir por medio del diseño al medio ambiente. Existen muchas plataformas digitales en educación, actualmente es un medio que docentes están considerando como herramienta en el aprendizaje para sus alumnos, en este artículo se hace notar también de que manera tienen un impacto, pues los involucrados en estos modelos de aprendizaje han modificado las actividades físicas tradicionales de asistir a un salón, para desde su casa coincidir en un sitio virtual que les puede dar los mismos resultados en su aprendizaje. Conclusiones Los avances y el desarrollo de la educación a nivel superior como se ha expuesto en el presente artículo, son una breve idea del impacto ambiental que estos tienen. Y hablando de la educación a distancia se puede decir que también aporta de manera positiva, además del contenido de los cursos puede apoyar en mejorar el conocimiento y el nivel de conciencia de la problemática de los cambios climáticos, con las ventajas más obvias como la eliminación del desplazo: menos autos = menos contaminación. Además, en la educación a distancia se emplea menos papel, el sistema de documentos electrónicos es más utilizado y estimulado. 95 �Referencias Aretio, L. G. (1999). Historia de la Educación a distancia (History of Distance Education). Madrid: Revista Iberoamericana de Revista Iberoamericana de Educación No. 11: http://rieoei.org/ educación a distancia 2(1) 8 Recuperado de www.biblioteca. oeivirt/rie11a03.htm org.ar/libros/142431.pvf. Arroyo, M., & Miklos, T. 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Informe de Investigaciones Educativas Vol. VIII. �Mayra Virginia Ruiz Caballero Licenciada en Artes Visuales en la UANL de 1988-1992, Posgrado en Diseño Gráfico con Orientación en Dirección Creativa de 20152017. Ha trabajado para el ITESM en Universidad Virtual, desempeñándose como diseñadora para los cursos que se imparten en dicha Universidad, así como en Tec Milenio prestando servicios como diseñadora a distancia hasta el año de 2005. Trabajó en el Departamento de Educación Continua para la Facultad de Ingeniería Civil de la UANL, realizando actividades de administración y gestión de proyectos. Trabaja como diseñadora independiente. Coordinadora de Vinculación en LABNL Laboratorio Cultural Ciudadano de la Secretaría de Cultura del Gobierno de Nuevo León. Coordinadora de Documentación en LABNL en Conarte. Se destacó en sus estudios de maestría al obtener el promedio más alto. Pionera en el diseño de apoyo didáctico para la educación a distancia en el Tecnológico de Monterrey, cuenta con experiencia profesional en servicio de la calidad, gestión cultural y toma de decisiones. 97 ��� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Paradigma Creativo Description An account of the resource Paradigma Creativo. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2020. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Paradigma Creativo Año de publicación El año cuando se publico 2023 Número Número de la revista 4 Mes de publicación Mes cuando se publicó Diciembre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Anual Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Paradigma Creativo, 2023, Año 4, No 4, Diciembre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Paradigma Creativo. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2020. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Estrello Ortiz, Lizbeth, Diseño Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/11/2023 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021231 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Cultura musical Diseño Educación a distancia Multimedia Regetón Sustentabilidad https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/21553/Croma_arte_diseno_audiovisual_2023_Ano_5_No_10_Julio.pdf ffe2d6d0f5f732dc2cd6ab83e5a2afb9 PDF Text Text ARTE,DI SEÑO,AUDI OVI SUAL 2023,NÚMERO 10 DelRe gi s t r o ANALÓGI CO al DI GI T AL �Créditos Dr. Santos Guzmán López Rector UANL Dr. Juan Paura García ÍNDICE Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL Dra. Ver ónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado M.A. Eva Julia De La Cerda Cruz Secretaria Académica DOCENTE Lorena Estrada Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabr iela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez 10 Coordinadores y Editores de la Revista Croma Mariana Alejandr a Rodr íguez Del Ángel Coordinadora alumna Casandr a Vanessa Her nández Ríos Samaria Abigail De la Rosa Olveda Cecilia Marlene Cuellar Leos Milton Jair Rojas Hernández Eliseo Escobar Reséndiz Gabr iela Melo Pavón Ricardo Ver a Mejía TALENTOFAV Brandon Medellin !vana Leal 4 6 Estancia de Producción Pablo Alejandro Alvarado Rodríguez Portada ARTE Maquillaje de Efectos Especiales con JMMN FX y Creature Studio 88 CROMA, año 5, No. 10, Junio 2023, es una publicación trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos,Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2023080113474100-102, otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. �T A L E N T O F A V FOTOGRAFÍA DE RETRATO BRANDON MEDELLÍN Nos comparte su proceso creativo y el estilo estético que define sus fotografías POR: MARLENE LEOS K evin Brandon Medellín Benavides, es estudiante de la carrera de lenguaje y producción audiovisual de la Universidad Autónoma de Nuevo León, Nos contó acerca de su pasión que es la fotografía, sus inicios, experiencia y su enseñanza de vida para continuar con sus procesos creativos. Su interés por la fotografía empezó desde edad muy temprana, ya que su mamá tenía cámaras analógicas en casa que usaba para tomarle fotos, eso despertó su curiosidad, pero no fue hasta preparatoria que tomó más gusto por fotografiar, en ese entonces con su celular, pero todo cambió cuando pensó en evolucionar su trabajo, así que ahorró dinero para comprar su primera cámara. Para hacerlo, compró dos boletos para ir al concierto de Justin Bieber, y uno lo vendió muy caro, gracias a eso pudo comprar su cámara Canon T6, con esta duró cuatro años, hasta que pudo ahorrar más dinero y se compró una cámara Canon 6D (Full frame), en cuanto a lente usa un 50 mm, 85 mm y 35 mm, ya que le encanta hacer retratos, con iluminación de luz natural y con poca profundidad de campo en sus fotografías. Alguien que ha influenciado en su trabajo, recién que inició en la fotografía fue un fotógrafo estadounidense llamado Brandon Woelfel y uno mexicano, llamado Henry Jiménez. Gracias a ellos Brandon descubrió su propio estilo, le gusta seguir experimentando para no quedarse en uno solo, intentar nuevas cosas y llevar al máximo su trabajo. El estilo estético fotográfico de Brandon se basa mucho en los colores, él se define como, “colorido y extrovertido”; curiosamente su color favorito es el café. ¿Pero qué hace que sus fotos sean tan especiales? Él interviene mucho las tonalidades de colores, que hagan sentir que es una escena de película, lo que le interesa es transmitir diferentes sentimientos, que cada persona que vea sus fotos tenga la mente abierta para imaginarse diferentes historias. Se destaca por las fotografías con personas, con la esencia de foto editorial. Piensa en una idea y la retrata, desde pensar en el vestuario, el lugar y, sobre todo, qué expresará su 4 junio 2023 redes sociales _ INSTAGRAM @brendonmedellin fotografía. Nunca tomó cursos, por lo que creía que si no sabía bien lo que estaba haciendo no cobraría por sesiones, pero tuvo la iniciativa de practicar por su cuenta, se capacitó viendo videos por YouTube para prepararse y así poder ofrecer un servicio más profesional. La manera en la que llegan sus clientes es mediante amigos, conocidos, o marcas de ropa o productos que quieren colaborar con él para sus redes sociales. Su proceso creativo se basa mucho en la percepción, puede estar escuchando una canción o algún sonido, incluso comiendo, e inmediatamente llega a su mente una idea para representarlo en una foto. YO FLOREZCO EN EL INVIERNO No es bueno quedarse con las ganas, siempre atrévanse a hacerlo, quédense con esa experiencia, ya llegará el éxito.” También cuando ve algún color tiene la necesidad de expresar lo que le hace sentir, le gusta caminar solo y encontrarse con lugares donde hay potencial para una fotografía. Uno de sus intereses es guardar flores marchitas, colocarlas dentro de cuadros, y saber que siempre estarán ahí, esto le ayuda a inspirarse cuando las ve, recordar momentos especiales y bonitos; estas son algunas maneras en las que llegan sus ideas. Brandon considera que, para ser un buen fotógrafo este debe ser paciente consigo mismo y con quienes vayan a trabajar, debes ser muy abierto a las opiniones, ya que siempre habrá gente que diga que no le gustan tus fotos o que cambies tal cosa, tienes que saber escuchar las ideas de los demás. Y lo más importante es ser creativos, valientes en experimentar, emplear colores que los demás fotógrafos no se atreven a usar. Recalca que, la fotografía está en constante evolución y pasa por cambios; los buenos fotógrafos no se quedan en un solo estilo, cambian de ideas y si no les gusta algo lo vuelven a hacer. Nos sugiere tener una mente abierta, para que lo que entre en nuestra mente podamos expresarlo de manera creativa y que no todo puede salir como lo pensamos, puede haber errores, pero existen muchas lecciones que aprenderemos con el tiempo. Nos deja en claro que una buena fotografía es la que te transmite y te hace sentir algo, eso es lo que hace que una foto nos guste. Uno de sus sueños es fotografiar a famosos, quizás trabajar con modelos, marcas internacionales de ropa. Otro interés es usar su estilo de colores en cortometrajes y películas. Ser un reconocido fotógrafo y colorista, porque tiene mucho que expresar con su creatividad, sus colores y su visión. Un consejo que da a cualquier persona que se siente atraído por la fotografía es que no se detengan por opiniones ni malos días, tomar en cuenta que siempre habrá gente que denigre tu desarrollo profesional con comentarios que hagan menos tu trabajo. Siempre sigan su propio camino, crean en sus ideales, siéntanse orgullosos de lo que harán y no importa si se equivocan, nadie es perfecto, cometerán muchos errores, pero aprenderán de ello. Algo que él repite mucho en su mente es que si no lo intenta no sabrá qué pasará, quizá lo logre o no, pero al menos lo intentó. Afirma Brandon. SABORES Y CRAYONES DE MI NIÑA INTERNA junio 2023 5 �T A L E N T O F A V Tatuadoras ILUSTRACIONES EN LA PIEL QUE INSPIRAN Nos reunimos con Ivana Leal, originaria de Allende, Nuevo León. Nos platicó sobre su pasión: los tatuajes, y el cómo fue que se interesó en este mundo. Hablamos de su estilo e inquietudes artísticas; así como de los tatuadores que la inspiran y de sus proyectos a futuro POR: RICARDO VERA MEJÍA ¿ FOTOGRAFÍAS DE INSTAGRAM DE @IVANA.INK Podrías darme una pequeña introducción sobre ti? Soy Ivana, tengo diecinueve años. Estoy estudiando la carrera de Artes Visuales, cursando el sexto semestre. Mi interés por el arte siempre ha estado desde que tengo memoria, me acuerdo que yo no era de andar en los deportes, siempre estaba sentada dibujando y coloreando. Cuando tenía trece o catorce años comencé a realizar retratos a lápiz para venderlos, también hacía pinturas pequeñas en fundas. Siempre me ha gustado la pintura, tengo cuadros que no comparto, siento que eso es algo muy mío. Hace un año comencé a realizar tatuajes. ¿En qué momento nació tu interés por el tatuaje y en decidir tatuar? Mira, soy de Allende, ahí no es tan común que la gente esté tatuada, hasta hace poco algunos miembros de mi familia se han hecho algún tatuaje. Recuerdo que mi acercamiento fue viendo programas relacionados al tatuaje. Alguna vez escuché que la piel es el lienzo vivo y eso llamó mi atención. Pensé: “sí yo lo hago 6 junio 2023 a lápiz también quiero hacerlo en la piel, para que las personas siempre lo lleven”. Cuando tenía dieciséis empecé con la inquietud de tatuar, así que comencé con los tatuajes de henna ya que no tenía a nadie a quién pudiera acudir para aprender. A los diecisiete, en contra de la voluntad de mis papás, busqué y compré en mercado libre el kit más económico para tatuar. Mis máquinas parecían como las que hay en la feria o las que usan en la cárcel, pero ya tenía todo, ahora faltaba buscar información sobre cómo armar las máquinas. Estaba empezando de cero y en ese entonces no había en internet mucha información al respecto para principiantes. Pensé: “no hay tanta gente tatuada en Allende, pero sí hay. ¿Dónde se están tatuando?”. Estuve preguntando y me dijeron de un chavo que se llama Rolando pero que le dicen “Rola la tinta”. Entonces le hablé y luego fui a la vecindad en donde vive, que se llama La garganta del Diablo. Llegué con mi maletita y le dije: “quiero aprender a tatuar”. Me dijo que por ser menor de edad no podía enseñarme mucho pero que sí a armar la máquina, así como dar algunos consejos sobre qué tintas y agujas usar. Y ya de ahí comencé a practicar con naranjas, plátanos y todo lo que se dejara. Pero no fue hasta un año después que empecé a tatuar personas. ¿Hubo algún tatuador famoso que te inspirara? Mucha de mi inspiración era de cuando veía el programa de Los Ángeles Ink de “Kat Von D” ya que ver una tatuadora mujer que ha llegado tan lejos, y más sabiendo que ella es de Montemorelos siendo yo de Allende, fue para mí como un “sí se puede”. También en mi trabajo me inspiro de otros tatuadores que a lo mejor no son tan famosos a nivel mundial o nacional pero sí en Monterrey, por ejemplo “Hueso Negro” es de aquí y fue uno de mis maestros cuando comencé a tatuar. Su estilo es micro realismo y fue así como decidí que quería realizar ese tipo de trabajo. Platícame, ¿Con cuál máquina comenzaste a trabajar? Cuando comencé a tatuar con el kit que compré, eran unas máquinas de bobinas. Una es para hacer la línea y otra para hacer el relleno y el sombreado. Estas se tienen que calibrar, ponerles ligas y varias cosas más. Se conectaban mediante una fuente de poder y a un pedal que pisaba cada vez que quería que la máquina arrancara. Ahora ya hay pedales que le pisas una vez y ya arranca, le pisas una segunda vez y se detiene. Hay gente que considera que las máquinas de bobinas son las mejores, pero para mí, toma mucho tiempo el estar calibrando y ponerle todas las cosas que necesitas. Hay tres tipos de máquinas: de bobinas, rotativa y pen. La pen es lo más nuevo; es con la que tatuó actualmente. En un inicio comencé con mi máquina de bobina hasta que entré en un estudio como aprendiz; ahí todos tenían sus máquinas pen, estás ni siquiera necesitan fuente de poder ni pedal; son inalámbricas y daban resultados mejores de los que yo podía dar con la calidad de la máquina de bobina que tenía. Estando ahí hice el cambio, pregunté entre amistades cual me recomendaban y me compré también por MercadoLibre mi máquina pen. Nunca probé con una máquina rotativa. ¿Cuál fue tu primer tatuaje y el primero en realizar en una persona? Mi primer y único tatuaje es el que tengo en el tobillo. Tiene mucho significado para mí porque es mi logo, lo hice cuando empecé a dibujar y lo utilicé para mi página de dibujo de retratos. Es una letra “I”, me han dicho que parece la “i” de los increíbles, pero me vale (se ríe). Entonces cuando comencé con los tatuajes decidí que lo usaría como mí marca. Con ese logo ya tengo mis stickers, bolsas, camisetas, todo lo que vaya haciendo como mi marca. Cuando entré al estudio, me dijeron que tenía que tener, aunque sea un tatuaje para sentir lo que estoy haciendo a otra persona y sí cambió mi manera de tatuar. Me hizo ser más cuidadosa pues, aunque no me dolió, se siente e incluso se escucha, es decir puedo sentir cuando estoy lastimando a alguien sí clavo de más la aguja. Este tatuaje me lo hice hace casi un año. El primer tatuaje que realicé fue a una de mis roomies; eran tres y también estudian en la FAV. Me dijeron “queremos estar tatuadas, no importa como quede, confiamos en tí, va a quedar bien”. La primera me dió un diseño suyo: una ranita punk con una patineta, se la hice en la pierna. Estaba súper nerviosa, eran las tres de la mañana cuando preparé todo en la mesa de la cocina, emplayé y me puse a tatuar. De ahí ya no lo solté. ¿Cómo definirías tu estilo? Es muy diferente tatuar a dibujar, pero, quería que fuera algo relacionado con dibujo. No me gusta dibujar ni tatuar a color. Hago detalles pequeños pues mi estilo va más dirigido al fine line o línea fina; palabras o fechas, por ejemplo. Apenas estoy comenzando con el micro realismo que son piezas muy detalladas y chiquitas. Eventualmente quiero poder hacer lo que hago en papel en la piel, que son los retratos, pero en pequeño, más minimalista. Alguna vez escuché que la piel es el lienzo vivo y eso llamó mi atención. Pensé: “Si yo lo hago a lápiz también quiero hacerlo en la piel, para que las personas siempre lo lleven.” junio 2023 7 �T A L E N T O F A V ¿Cómo es tu proceso de trabajo? Para empezar, no estoy en el estudio de planta, trabajo por citas; así que primero el acercamiento es del cliente hacia mí por las distintas redes sociales. Les pido que me manden su idea del diseño junto con las medidas aproximadas y la zona del cuerpo en la que lo deseen. Se hace una cotización y se programa una cita y ese día les pido que lleguen de preferencia solos o máximo con un acompañante. Cuando llegan, procuro tener preparado el diseño ya impreso con base a las medidas que me dijeron y saco tres tamaños; ellos eligen uno, preparo la mesa, les pongo el diseño y los llevo al espejo para que lo revisen. Sí les gusta dejo que se seque la guía con esténcil, los paso a mi lugar de trabajo; les muestro que todo esté nuevo, emplayado, desinfectado, y me aviento mi jale. Procuro que se sientan cómodos durante el tatuaje y al finalizar les doy sus indicaciones de cuidados con el tatuaje. ¿Qué es lo que más te gusta de los tatuajes? Me gusta que las personas se vayan con una buena experiencia y disfruten del proceso. Soy muy campechana, voy a estar platicando contigo durante el tatuaje. Me gusta que las personas se vayan contentas, también me gusta cuando llegan personas y me dicen que llegó porque le gustó un tatuaje mío que vio en alguien conocido, eso me encanta. El tatuaje es un trabajo que se recomienda solo. ¿Qué recomendación le darías a quien desee ser tatuador? Que lo haga, que no le dé más vueltas, que no busque cursos, son un engaño y solo quieren sacarte dinero. El mundo del tatuaje es muy celoso, nadie va a querer enseñarte, sí alguien te quiere enseñar va a ser porque ve tu potencial y sí te quiere cobrar, es porque solo se interesa en el pago, pues a veces, no te enseñan todo. Pienso que el sol sale para todo el mundo. Es un proceso complicado comenzar, pero una vez que empiezas, es de ahí para arriba, no lo sueltes. Vas a tener tatuajes que no te gusten los resultados, o clientes que no se van contentos, entre otros problemas, pero hay que seguir. ¿Hay algún tatuador que te esté inspirando de momento? Actualmente tengo varios que me inspiran, uno de ellos es “Hueso negro” de aquí de Monterrey. Su estilo fue el que más me inspiró al comenzar. Otro es mi jefe Carlos Porras del estudio donde estoy que se llama Punto & Coma, es un tatuador que hace composiciones; es algo que admiro mucho, dicen que tu admiras las cosas que piensas que puedes llegar a ser. Además del tatuaje, ¿Qué otros proyectos artísticos realizas? Además del tatuaje me dedico a lo que es el dibujo del retrato a lápiz. También me gusta mucho la pintura al óleo; de hecho, tengo un proyecto artístico que involucra el tatuaje y la pintura en el que estoy recreando obras de estilo clásico de la pintura en óleo de tamaño grande, con el twist de que tiene tatuajes. Me inspiro en el “Dr. Lakra”. Muchos de sus trabajos son digitales, es decir, toma una imagen y le agrega el diseño 8 junio 2023 del tatuaje; yo lo hago desde cero. Su estilo es más como arte pop mientras que yo voy a lo clásico. En este momento tengo una obra empezada que es de “Eva” del año 1500; quise que fuera la primera de una serie de obras. En esta pieza se marca el desnudo de Eva, la mujer pura que cae en el pecado; lo relaciono con los tatuajes y me interesa que con esto se deje de tener el concepto de que una persona tatuada es criminal. El tatuaje es arte, debe apreciarse como tal. ¿Qué proyectos tienes para tatuarte? Mi siguiente tatuaje quiero hacerlo en el brazo derecho: una máquina de bobinas, que fue con la que empecé a tatuar y lo quiero en estilo de micro realismo. ¿Cuáles son tus próximos proyectos como artista? Mi idea es seguir con esa serie de cuadros de pinturas clásicas agregándoles tatuajes; eventualmente exponerlos en una galería y vender mis obras. Como artista quiero que todo se vaya enfocado a poder combinar mis dos gustos: el tatuaje y la pintura. Como tatuadora me gustaría poner un estudio, en Allende, por ejemplo, ya que ahí no hay un estudio en forma. Vas a tener tatuajes que no te gusten los resultados, o clientes que no se van contentos, entre otros problemas, pero hay que seguir.” redes sociales _ INSTAGRAM @ivana.ink junio 2023 9 �D O C E N T E LORENA FOTOGRAFÍA DE LA COTIDIANIDAD ESTRADA La maestra Lorena Estrada Quiroga es una exponente de la fotografía contemporánea en la Facultad de Artes Visuales. Conoceremos acerca de su inicio en el medio fotográfico, su visión de mundo y sus procesos de creación. POR: ELISEO ESCOBAR RESÉNDIZ ¿Cuál es su formación académica? Estudié la licenciatura en Artes Visuales, que en ese entonces se dividía en tres acentuaciones, yo elegí artes camarográficas porque en ella veíamos fotografía y video. Durante la mayor parte de la carrera me centré en el videoarte, después me fui a vivir a la Ciudad de México, y estudié durante tres años en el taller de la maestra húngara Kati Horna en la Academia de San Carlos de la UNAM. Tiempo después regresé a Monterrey e hice la maestría en la Facultad de Artes Visuales. Ya en el año 2011 hice parte del Programa de Fotografía Contemporánea (PFC) dirigido por Javier Ramírez Limón. ¿Qué la motivó a realizar obra fotográfica? Mi padre estudió una Licenciatura en Administración de Empresas y cuando terminó se dio cuenta que su vocación era la sociología, por eso fue a estudiar una maestría en sociología urbana a Chile en 1966, becado por la OEA. Dedicó la mayor parte de su tiempo a la educación y posteriormente a las artes visuales. En casa siempre hablábamos de temas sociales y políticos, Así empecé a ver cómo mi papá convertía sus ideas en imágenes, y a generar significado a través de materiales y formas. Por otra parte, mi abuelo paterno era muy aficionado a la fotografía, siempre traía colgada una cámara de 35 milímetros con visor independiente y tomaba fotos de todo. Por un lado, heredé el gusto de mi abuelo por la foto y, por otro, aprendí de mi padre a expresar ideas sobre el mundo a través de mis prácticas artísticas. lo que sucede en México y el mundo, me interesan el comportamiento humano, las relaciones de poder, los medios de producción, las dinámicas laborales, la economía, pienso en mi vida cuando hago arte, la fotografía es el medio a través del cual me vinculo a la realidad del tiempo en el que vivo. ¿Por qué la fotografía puede ser considerada arte? La fotografía es un medio omnipresente que ha cobrado gran importancia para las dinámicas, no solo del arte, sino de la vida contemporánea. Desde los inicios del conceptualismo, la imagen fotográfica ha marcado el camino a seguir en términos de discurso y lenguaje, trazando nuevas maneras de entender el mundo. La fotografía es la práctica artística que mejor traduce nuestro tiempo y un ejercicio de conciencia que ejerce comentarios desde diversas áreas del conocimiento. Desde mi perspectiva, para que una acción simbólica sea considerada arte, debe ser hecha con ese propósito y estar inserta en el mundo del arte. La fotografía es el medio de nuestro tiempo; muchas personas tenemos acceso a un celular con cámara, sin embargo, pocas se proponen pensar y expresar de manera auténtica a través de ese medio. ¿Cómo es su proceso de creación fotográfica? Lo que hago es profundizar en un tema que me interese, veo lo que han dicho y escrito los especialistas acerca de él, entonces genero una opinión propia. Reflexiono acerca de lo que me inquieta/atrae, lo “veo” desde el arte, pienso en cómo convertir mi opinión en imágenes fotográficas. La FOTOGRAFÍA es un medio omnipresente que ha cobrado gran importancia para las dinámicas, no solo del ARTE, sino de la vida contemporánea. ¿Cuáles son sus principales temas de interés en la fotografía? Los proyectos fotográficos que desarrollo se inscriben en los campos de la imagen documental, el registro de procesos y el trabajo con archivos. La fotografía puede asociarse con la historia y la política; eso me atrae. Me gusta estar enterada de 10 JUNIO 2023 JUNIO 2023 11 �D O C E N T E ¿Qué es lo que más le apasiona de su proceso creativo? Me gusta comprender aquello que me interesa, generar ideas y después imaginar las maneras posibles de hacerlas realidad. Disfruto compartir esta experiencia con mi pareja, el sentimiento de estar en el mismo proceso y dialogar de manera creativa es algo que disfruto mucho. ¿Qué medios utiliza para darle exposición a su trabajo? Los medios tradicionales: centros culturales, museos y galerías, redes sociales. En mi experiencia uno de los modos más efectivos de “aparecer” en el mundo del arte son las convocatorias, sin embargo, la calle es el gran escenario, pues es allí donde conectas con personas que incluso desconocen las dinámicas del arte y sus códigos. ¿Cómo es el proceso de organizar una exposición fotográfica? Exponer es el plato fuerte, exponer toma tiempo, pero, sobre todo, debes tener algo por decir. Las exposiciones surgen como resultado de un trabajo sostenido, es decir, derivan de tu reflexión y tus apuestas en torno a un asunto, en otras palabras, una exposición aporta algo al contexto donde ocurre, una exposición se atreve o no es. Articular y seleccionar piezas con un discurso expositivo requiere de una postura crítica llamada curaduría. La curaduría es una acción curativa. 12 JUNIO 2023 Semblanza Lorena Estrada Quiroga Lorena Estrada Quiroga conformó el Colectivo Estética Unisex en 2010 junto a Futuro Moncada. Ha presentado su trabajo en Colombia, Brasil, México, Estados Unidos, España, Francia, Grecia y Malasia. Obtuvo el premio de adquisición Salón de la Fotografía de Nuevo León (2012), la beca del PECDA Monterrey en dos ocasiones (2012 y 2015), la beca de The Tierney Family Foundation Nueva York (2013), mención honorifica en la VII Bienal Nacional de Yucatán (2015), mención honorifica en la IV Bienal Ciudad Juárez-El Paso (2015), Gran Premio de la Reseña CONARTE Monterrey (2015), el Sistema Nuevo León para el Impulso Artístico y la Creación SNLIAC CONARTE (2019 ), el Sistema Nacional de Creadores de Arte (2019), el apoyo de Fundación Jumex Arte Contemporáneo para Publicaciones. Desde 2002 es docente de fotografía en la Facultad de Artes Visuales de la UANL y ha impartido talleres en el Centro de las Artes de San Agustín CASA, en el programa de fotografía contemporánea “El retorno de la imagen” en Querétaro y en LIMINAL Seminario del Centro de Investigación, Innovación y Desarrollo de las Artes, CEIIDA, UANL. La FOTOGRAFÍA es el medio a través del cual me vinculo a la REALIDAD del tiempo en el que VIVO. JUNIO 2023 13 �T E M A D E L M E S FOTOGRAFÍA ANTIGUA La historia de la fotografía ¿Alguna vez te has preguntado cómo fue que comenzó la fotografía? o ¿Quién la inventó? Te contamos POR: CASANDRA VANESSA HERNÁNDEZ RÍOS E Joseph Niépcehore Niépce (1765-1833) Louis-Jacques-Mandé Dahuerre (1787-1851) 14 junio 2023 sta técnica fue inventada por Joseph Nicéphore Niépce. Fue un físico, litógrafo, inventor y científico aficionado francés que en conjunto con Louis Daguerre, crearon el primer proceso fotográfico exitoso que se conoce como la «heliografía». El progreso del mejoramiento de esta tecnica no solo es gracias a Nicéphore, sino también a su colega Daguerre quien fue el primer divulgador de su tecnología tras inventar el daguerrotipo, además de trabajar como pintor y decorador teatral. El 5 de diciembre de 1829 firmaron un contrato de sociedad donde Daguerre reconocía que Niepce “había encontrado un nuevo procedimiento para fijar, sin necesidad de recurrir al dibujo”. Fueron varios días los que ambos estuvieron trabajando juntos. Cada uno informaba al otro sobre sus trabajos; a veces con recelo y otras con más espontaneidad. Después de la muerte de Niépce en 1833, Su colega continuó con la investigación y en 1835, hizo un descubrimiento importante por accidente. El descrubri que al poner una placa expuesta en su armario con un químico y después de unos días encontrar, que se había convertido en una imagen latente por efectos del mercurio que se evaporaba y actuaba como un revelador. Daguerre logró perfeccionar el daguerrotipo hasta 1838, pero no permitía obtener copias, ya que se trata de una imagen positiva única. Además, los tiempos de exposición eran largos y el vapor de mercurio tenía efectos tóxicos para la salud. El 7 de enero de 1839, se presentó públicamente el invento en la Academia de las Ciencias, en París. Posteriormente, el estado francés compró el invento por una pensión vitalicia anual de 6000 francos para Daguerre y otra de 4000 francos para el hijo de su compañero Niépce, con el objetivo de poner a disposición de la ciudadanía el invento, lo cual permitió que el uso del daguerrotipo se extendiera por toda Europa y los Estados Unidos. La fotografía en la actualidad ha extraviado bastante del pasado glorioso que alcanzó en algún momento. Hoy en día, la facilidad con que se obtiene un registro fotográfico le ha jugado en contra, volviéndola un arte de segunda categoría, aunque esto esté lejos de ser verdad. En la fotografía actual lo único a lo que la gente le pone especial énfasis es a la forma, es decir, a lo que enseña “directamente” la imagen. Este tipo de pensamientos le quita mucho potencial y significado al arte fotográfico. La primera cámara fotográfica Muchos han creído que la cámara oscura fue la primera en inventarse principalmente siendo un prototipo y esto ayudó en el gran logro de Nicéphore que junto con la ayuda del pintor y divulgador Louis Daguerre desarrollaron la primera cámara fotográfica de la historia el daguerrotipo. La idea principal era encontrar un proceso nuevo que permitiera acortar la exposición necesaria para lograr una heliografía (Procedimiento de duplicación de dibujos a través de la luz en un papel sensible utilizando la reproducción de planos) y dejarla por unos minutos, esto se consiguió usando distintos materiales y recurriendo a procesos químicos que permiten lograr la captura de imágenes de mayor definición. Despues de un tiempo Daguerre presentó su invento en la Academia de las Ciencias en París, lo cual logró popularizar su cámara y comercializar casi medio millón de aquellos daguerrotipos y finalmente en agosto de 1.839 el gobierno francés compró el invento y lo puso a disposición del público en general lo cual permitió su expancion por el resto de Europa incluso hasta los Estados Unidos. Ilustracion de Joseph Niépce con la primera cámara fotográfica La FOTOGRAFÍA sólo puede representar el presente. Una vez FOTOGRAFIADOS, el sujeto se convierte en parte del pasado.” BERENICE ABBOT FOTÓGRAFA ARQUITECTÓNICA Joseph Niépce. La primera cámara fotográfica. junio 2023 15 �T E M A D E L M E S La evolución de las cámaras fotográficas La primera fotografía de la historia Esta fotografía fue tomada en 1,826 y fue tomada por una “heliografía” proceso por el cual logró que la imagen creada por una cámara oscura quedara fijada en una placa de peltre a la que aplicó betún de judea. Niépce fue el primero en conseguir algo que se llevaba intentando desde hacía siglos, y por ello se le considera el padre de la fotografía. La imagen que se ve a continuación se le denomina “Vista desde la ventana en Le Gras” porque mostraba la vista desde su casa y para poder fijar la imagen necesitó nada menos que ocho horas de exposición. 1500 Cámara Oscura: su principal función es Proyectar una imagen inversa cuando la luz pasa a través de la abertura. Vista desde la ventana en Le Gras, por Joseph Niépce. ¿Cuál es la importancia de la fotografía? Con la fotografía, tienes la oportunidad de capturar eventos cruciales en proceso. Desde la política hasta los deportes y la música, así como la vida cotidiana, preservas la realidad tal como es en un marco de tiempo específico, recopilando información irremplazable para los arqueólogos del futuro. Tambien puede ayudar a conectar a las personas de todo el mundo, ya que las imágenes son un lenguaje universal que cualquiera puede entender y conmoverse, otro punto importante de esta tecnica es que ha sido la voz de la historia humana, es una herramienta insustituible para registrar recuerdos y resaltar cada aspecto de nuestra historia reciente. Puedes honrar el pasado revisando las tomas más icónicas que marcaron un evento específico en los últimos dos siglos, o incluso simplemente buscando en los archivos de tu ciudad para averiguar cuánto material fotográfico se produjo e inspirarte para hacer lo mismo y continuar el ciclo. Pera no olvidemos el punto mas importante el cual es el que las fotografías siempre contaran una historia atravez de ellas y de tambien de quienes la tomaron. Y por supuesto lno podemos olvidar los elementos más básicos de la fotografía son la cámara, el sujeto u objeto que se va a fotografiar, la luz existente y cómo no, el fotógrafo. 1839 El Daguerrotipo: fijación de la luz con la cámara oscura. 1884 El megaskop: primera cámara con capacidad de hacer capturas panorámicas. 1925 Leica l: 1ra cámara practica de 35 mm. Amplía el tamaño de la imagen hasta 24x36 mm. 2000 Sharp J-Sho4: primer teléfono móvil con cámara en el mercado. Nuve atómica sobre Nagasaki, por Teniente Charles Levy. 2015 ¿sabias que?... Rodolgo Ramírez Fundador de la agencia Las cámaras se pueden clasificar función de muchas cosas: del soporte en Tridente en Monterrey y ganador de en diferque se almacenan las imágenes (analógico o digital), del tamaño del sensor o película etc. 16 junio 2023 Sony A7 ¨ful frame¨: Sony sacó al mercado una cámara con mejores sensores y eliminando el espejo. junio 2023 17 �T E M A D E L M E S FOTOGRAFÍA ANÁLOGA L A NUEVA 18 JUNIO 2023 Cámaras Point & shoot, reflex SLR y desechables Sí bien existen diferentes tipos de cámaras con variaciones en sus características, podemos resumirlas en tres tipos: Las cámaras point and shoot (apuntar y disparar) siguiendo ese principio, se ocupan de toda la parte técnica, para que su usuario solo apunte al objeto a fotografíar y dispare, es decir, la cámara se encarga de enfocar, exponer automáticamente y pasar a la siguiente foto. Además son más compactas y de menor peso comparadas con las cámaras reflex, por lo que usualmente son las favoritas para llevarlas de viaje. Se podría decir que con estas cámaras no es necesario tener ningún conocimiento fotográfico para su uso, al igual que las cámaras desechables. Las cámaras reflex SLR (single-lens reflex) a diferencia de las point and shoot proporcionan a los usuarios el control para configurar los ajustes de su cámara. Además tienen la posibilidad de intercambiar sus lentes en función de las necesidades de la toma y, gracias a sus elementos ópticos, ofrecen una variedad de posibilidades creativas con resultados de mayor calidad. A pesar de ser fáciles de usar, es necesario tener conocimientos en fotografía. FOTO DE: FREEPIK V FOTO: FREEPIK Formatos de película FOTO: FREEPIK ivimos en plena era digital, rodeados y consumiendo tecnología a diario. Un ejemplo son nuestros smartphones capaces, entre muchas cosas, de hacer fotos con la calidad de una cámara profesional. Por lo qué se podría pensar que la fotografía con carretes de película son cosa del pasado, pero no, la fotografía análoga ha hecho su regreso y está más fuerte que nunca. ¿Por qué hacer fotografía análoga? Esta creciente popularidad ¿será gracias a las redes sociales? Sin duda estas han ayudado a que la comunidad de la fotografía análoga crezca, se mantenga viva y más presente que nunca pues cada vez más gente, sin importar sí son fotógrafos profesionales, casuales o amateur, se interesan por realizar fotografías con película. Tal vez este interés también se atribuye a la necesidad de realizar algo de manera más auténtica. Con cualquier cámara digital podemos observar en la pantalla LCD el cómo se verá la fotografía antes de realizarla y en todo caso, podemos tomar tantas fotos como queramos eliminando después las que no funcionan. Pero en la fotografía analógica no es así, tenemos 36 exposiciones por carrete aproximadamente, por lo que tenemos que pensar y visualizar bien la fotografía que haremos antes de apretar el botón. Esto es, buscar el mejor encuadre, medir correctamente la luz, realizar el ajuste de los valores necesarios en la cámara teniendo en cuenta el tipo de carrete que estamos utilizando, esperar el momento preciso para que el resultado sea como deseamos, y disparar. Además generalmente las fotografías análogas tienen una riqueza única en la paleta de colores, en los tonos, el contraste y la textura que cualquier fotografía tomada en digital. Por otro lado, existen diversos factores que pueden ocurrir durante el proceso de revelado de las fotografías y donde el resultado puede ser aleatorio, brindándole de una estética genuina, atractiva, por lo que la espera por correo de las fotos escaneadas para descubrir el resultado final de cada fotografía tomada, le da esa magia que la separa por completo de la fotografía digital. FOTO: FREEPIK POR: RICARDO VERA MEJÍA FOTO: FREEPIK ERA DEL FILM Las cámaras desechables, como el nombre sugiere, se utilizan una sola vez y luego se desechan. Comparten muchas características con las cámaras point and shoot, ya que tienen exposición automática, un rango de enfoque fijo, son ligeras y pequeñas. Sin embargo, a diferencia de éstas, aquí se pasa la foto manualmente, y la calidad del cuerpo de la cámara es baja, precisamente para que tengan un solo uso y luego se tiren. Esto aplica también al lente, que también es de baja calidad, muy lejos de la calidad de las cámaras point and shoot. En el mercado actual, existen diferentes tipos de película en función del tipo de cámara que se use, siendo el formato de 35mm el más conocido, pero también está el formato medio (110,120), Fuji Instax, las polaroid, etc. Los carretes o películas tienen diferente ISO, es decir, la sensibilidad que tiene la película al captar la luz en función a las distintas situaciones de luz existentes al realizar la fotografía ya sea que se utilize una película a color o en blanco y negro. El número de disparos en una película puede variar, por ejemplo, en los carretes de 35mm llegan a tener veinticuatro o treinta y seis fotos como norma general. Esta información se especifica en la película. JUNIO 2023 19 �T E M A D E L M E S FOTO: RITCHIE VERA FOTO DE: FREEPIK En la actualidad las marcas y fabricantes de película dista mucho de los años 80s y 90s, pues el sector se ha reducido y los costos de producción de las películas se han elevado. Algunas de las marcas que podemos encontrar en el mercado actual son Kodak, Fujifilm, Ilford, CineStill, Fomapan, Kentmere, Lomography, entre otras. Cada una de estas cuenta con una variedad de carretes distintos entre sí, por lo que a la hora de elegir puedes comenzar probando diferentes marcas y de esa forma encontrar la que más se adapte a la estética o necesidad artística deseada. Utilizando a Kodak como ejemplo, su película “Kodak Color Plus 200” tiene colores cálidos, baja sensibilidad de la luz y una saturación media alta, en cambio su película “Kodak Portra 400 y 800” son ideales para retrato y trabajos profesionales por los tonos de piel que da, cuenta con buen grano y una alta sensibilidad a la luz, muy útil para fotos de noche. 20 JUNIO 2023 La experiencia al imprimir y exponer tus fotografías es distinta al solo verla en una pantalla, hay una mayor satisfacción en el tacto de su tangibilidad. Al observar la foto impresa se logra un mayor vínculo con ella, se transmite más e invita a la reflexión de lo que se está contemplando ya que su visualización es más pausada, mientras que compartirlas solo en las redes sociales, hay un periodo corto de atención, y dependiendo del medio de donde se esté viendo la foto, puede verse de forma muy distinta e incompleta. Mientras la tecnología sigue avanzando y en algún momento se citaba que lo digital era el futuro y la muerte del film, no se puede negar su creciente popularidad en los últimos años, pues aunque existan aplicaciones que logren el efecto de una imagen tomada por algún carrete de película, no se compara con la satisfacción de realizar una fotografía con una cámara análoga. Quien sabe por cuánto tiempo más viva la fotografía análoga, pero tal vez este es el inicio de una nueva revolución que logre que se mantenga. FOTO: FREEPIK FOTO: RITCHIE VERA Imprime tus fotografías JUNIO 2023 21 �T E M A D E L M E S FOTOGRAFÍA LOCAL 22 junio 2023 FOTO: MAURICIO YÁÑEZ FOTO:HERMANOS LAGRANGE FOTO: NICOLÁS M. RENDÓN FOTO: DESIDERIO LAGRANGE FOTO: NICOLÁS M. RENDÓN Monterrey en 400 fotos Incursioné como investigador de la fotografía local, ya que hasta entonces NADIE lo había hecho.” ROBERTO ORTÍZ CURADOR Y EDITOR DE MONTERREY EN 400 FOTOGRAFÍAS ¿Alguna vez te preguntaste cómo fue que surgió la fotografía en Monterrey? Te contamos como fueron sus incios a través de Monterrey en 400 fotografías POR: MARIANA ALEJANDRA RODRÍGUEZ DEL ÁNGEL E n 1996, Roberto Ortíz Giacomán crea la primera exposición sobre la historia de la fotografía local, la cual recopila las primeras fotografías tomadas en Monterrey desde 1800 en adelante. Algunos de los fotógrafos que se incluyeron en esta exposición fueron: José S. Ortiz, Mauricio Yáñez, Alberto Flores Varela; fotógrafos del siglo XIX, como Sabas Treviño, Alfonso de Lagrange, Desiderio de Lagrange y Nicolas Rendón; y en la fotografía contemporánea: Aristeo Jiménez, Javier “Venny” Sánchez, Marcos Méndez, Roberto Maldonado Espejo, Juan Llaguno, Erick Estrada, Juan José Cerón, Javier Orozco y por supuesto, Roberto Ortíz Gicomán. Mientras Giacomán trabajaba para el Museo de Arte Contemporáneo como proveedor y haciendo diferentes servicios de fotografía aplicada a la museografía, Fernando Treviño, director del Museo, se acercó a él y lo invitó a crear una propuesta para una exposición relacionada con el 400 aniversario que se celebraba en 1996. “Hay que recordar que la invención de la fotografía, propiamente está planteada en 1839. La academia de ciencias de Francia anunció la invención del daguerrotipo, entonces para 1995 la fotografía tenía 156 años.” Recalca Giacomán. Durante su indagación sobre el tema, e incluso después de consultar a Don Israel Cavazos, cronista de Monterrey, con la finalidad de responder sus propias dudas sobre si existía algún texto o estudio sobre la historia de la fotografía regional, Giacomán fue sorprendido con la respuesta de que esta no existía. Fue así cómo planteó la exposición Monterrey en 400 fotografías, la cual constaría de 400 fotografías de lo largo del tiempo, en la que sobresaldrían los primeros fotógrafos de la ciudad y los temas sobre los que habían fotografiado en aquel entonces. “Primero nos planteamos una exposición de corte histórico, es decir, con fotografías antiguas y básicamente con fotógrafos que ya no vivían.” Sin embargo, durante el desarrollo del proyecto, se acordó agregar en una etapa de la exposición, una selección de fotografías (en ese tiempo contemporáneas) de la ciudad, la cual sería la conclusión, luego de la parte histórica. Con la asistencia de su gran amigo e historiador de arte, Javier Moisen Lechuga, quien en ese entonces se encontraba haciendo estudios doctorales en España, Giacomán mantuvo comunicación a través del fax, mientras Moisen lo asesoraba en el proyecto. Entre otros elementos importantes que asistieron a Giacomán en la exposición, se encontraba Alfredo Di Stéfano. Él había conocido a un personaje que radicaba en la ciudad de México, José Antonio Rodríguez, crítico de fotografía y arte, y que también realizó muchos proyectos de la historia de la fotografía en México. Gracias a la recomendación de Alfredo, Giacomán platicó con Antonio Rodríguez, a quien le entusiasmó mucho la idea. junio 2023 23 �M E S ÍA Z. GARC REFUGIO FOTO: FOTO : ROB ERTO O. S RRO . BA OE I N E UG O: E FOT 24 junio 2023 L DOVA . SAN SÚS R E J : FOTO escasos. En realidad, era una comunidad, por no decir pueblo. Y había transacciones comerciales y comercios, pero la frontera quedaba lejos. Los movimientos eran en carros tirados por mulas, por caballos y no fue hasta la introducción del ferrocarril alrededor de 1882, cuando comienza a desarrollarse Monterrey.” Los pocos ejemplos tempranos de fotografía en la ciudad eran de gente pudiente que alguna vez habían hecho algún viaje a la frontera, o que se tomaban daguerrotipos en otros lugares. Con el paso del tiempo, los originales de cámara de los daguerrotipos fueron quedando atrás con la creación de la técnica de albumina, la cual permitía crear impresiones en papel. Estas no necesariamente fueron tomadas en la ciudad y mucho menos por algún fotógrafo de aquí, sino por fotógrafos extranjeros que, gracias al ferrocarril, comenzaron a llegar y establecerse en la ciudad. “Esto es lo que lo que empezó a encontrar José Antonio en los anuncios y periódicos de la época. Yo al mismo tiempo, confirmaba esos anuncios porque encontraba en álbumes y colecciones familiares retratos con las firmas de aquellos fotógrafos que se anunciaban.” Así comenzaron a recopilar nombres e información sobre las vidas de diversos fotógrafos. “Primero de fotógrafos viajeros y luego de fotógrafos ya establecidos en la ciudad. Alguno de los primeros es Cayetano Izquierdo, de origen cubano. Él estuvo radicando un tiempo aquí y ofrecía sus servicios. También encontramos un fotógrafo europeo de apellido Fahrenberg. Sin embargo, uno de los primeros nombres que aparecen en la ciudad como uno de los primeros fotógrafos, es Sabas Treviño. Hemos encontrado en colecciones locales muchos de sus retratos ya como fotógrafo establecido en Monterrey.” Ya con la disposición del ferrocarril, y bajo el régimen porfirista, hubo mucho desarrollo comercial. Fue entonces cuando los estudios fotográficos comenzaron a crecer, pues al tener un medio de transporte en el cual era más fácil y rápido poder trasladarse, el número de visitantes aumentó significativamente. GIAC OMÁ N Con la experiencia en la investigación de archivos municipales y fuentes primarias, José Antonio Rodríguez se instaló en Monterrey por unos días, en los cuales accedió al archivo general del estado y revisó todos los periódicos, reportes, revistas y publicaciones acumuladas. Fue así como fue encontrando anuncios de los primeros fotógrafos en la ciudad. Con toda esta información recopilada, José Antonio se dedicó a escribir un texto para la exposición sobre la historia de la fotografía en Monterrey. “El texto de José Antonio Rodríguez de alguna manera es la primera versión de la historia de la fotografía en Monterrey, digamos, en términos escritos.” Asegura Giacomán. “Yo lo que me puse a hacer fue buscar en colecciones y a hacer reprografía de diferentes fotografías. Entonces no había cámaras digitales y lo estuve haciendo con película de transparencia con cámara de revelado, con cámara de película. Estuve tomando trasparencias y documentando todo lo que iba encontrando.” En 1939 y desde Europa, se lanza la invención del Daguerrotipo en el mundo. El gobierno francés le compra la patente a Daguerre (quien patentó el invento del daguerrotipo), y lo regala al mundo para que fuera un desarrollo tecnológico de uso abierto, como un regalo a la humanidad. En medio de esta busqueda de información, José Antonio Rodríguez y Roberto Ortíz Giacomán descubrieron que, aún sin terminar el año de 1839, se encontraron los primeros daguerrotipos en México tomados en el puerto de Veracruz. “A meses de haberse lanzado el descubrimiento de la fotografía por medio del daguerrotipo, encontramos que había llegado al país la primera persona con una cámara y con el conocimiento y los materiales para poder hacer registros en daguerrotipos.” Antes no existía el concepto de copias múltiples como hoy en día. Al principio, con los daguerrotipos, la pieza que ponías en la cámara y que luego revelabas era lo único que obtenías. “Los daguerrotipos que se puedan encontrar en Monterrey son muy FOTO : JESÚ S R. S ANDO VAL D E L FOTO: JOSÉ S. ORTÍZ T E M A Nos dimos la tarea de buscar los principios de la fotografía en Monterrey y ver si podíamos reflejar en una exposición, un TESTIMONIO, por medio de la fotografía del crecimiento de la ciudad.” ROBERTO ORTÍZ CURADOR Y EDITOR DE MONTERREY EN 400 FOTOGRAFÍAS junio 2023 25 �E M P R E N D I M I E N T O Regular Coffee CAFÉ Y FOTOLIBROS AND BOOKS redes sociales _ INSTAGRAM Nos juntamos con Fernando Gallegos en Regular Coffee and Books, donde platicamos sobre este proyecto de emprendimiento, además de su trabajo como artista visual @regularcoffeeandbooks POR: RICARDO VERA MEJÍA F FOTOGRAFÍAS POR: FERNANDO GALLEGOS ernando es artista, editor de fotolibros, curador de fotografía y maestro de la facultad de Artes Visuales. Se graduó de la FAV en la carrera antes llamada Lenguajes Audiovisuales. Poco después se enfocó de lleno en la fotografía haciendo también cinematografía y trabajos en comerciales. Actualmente se encuentra editando tres fotolibros y uno más que ya está terminado y en proceso de publicar. Nos contó que su trabajo como editor de fotolibros va desde la conceptualización del proyecto como libro a la edición, que es la selección de fotos; de ahí a la secuencia del trabajo y el diseño en página del proyecto. “Cuando trabajo un libro, lo que entrego es un dummy físico final ya con el diseño en forma general, incluso su diseño gráfico. Para mi todo es parte del concepto y hasta que el libro dice lo que tiene que decir como objeto, hasta ahí lo sueltas”. En cuanto al diseño gráfico aclara: “A veces se da crédito del diseño del libro al diseñador gráfico, pero no a quién hizo el libro. Cuando trabajo un proyecto hago una especie de concepto y luego me apoyo con un diseñador gráfico de confianza para que diseñe el trabajo; hago énfasis en eso para evitar confusión”. Como maestro en la facultad de Artes Visuales, antes impartía clases de “Iluminación” y “Cinefotografía”, ahora está dando clases de “Creación fotográfica”. Nos comentó: “Como yo trabajé muy de cerca con el equipo que hizo el nuevo plan de estudios, la idea es empezar a dar clases en lo relevante como puede ser «La historia de la fotografía ó, foto contemporánea» por ejemplo.” Hablando sobre su cafetería Regular Coffee and Books, le preguntamos cómo nació la idea del mismo. “Queríamos un lugar que operara bajo nuestras reglas. Mis dos socios, amigos de toda la vida, nos gusta mucho el café y somos de probar granos nuevos; cualquiera que haya ido a un café de especialidad se ha topado con que a veces parece que te quieren dar algo muy a 26 junio 2023 fuerzas, por lo que nosotros queríamos un proyecto que operara bajo reglas más sencillas. De ahí nace la idea del Regular; además queríamos poner una tienda de fotolibros que es algo que no hay en el norte del país.” Sobre su conceptualización y desarrollo del proyecto nos compartió: “Me gusta pensar que la forma en la que se armó es muy similar a como armo un proyecto de fotolibro; donde hay una serie de necesidades y conceptos que quieren comunicar por sí mismos y el objetivo es comunicar eso a las personas que se van a enfrentar a ello. Por eso es algo sencillo pero efectivo el «Regular» un café donde vienes y pruebas distintos granos que bien pueden ser exóticos de diversos lugares, así como también de una selección amplia de tostadores internacionales. Todo es en una onda de experimentar con algo que no has probado antes y en donde el barista también quiere probarlo contigo. Es decir, no es una onda de ahí te va este café chingón, sino más bien queremos que éste hable por sí mismo.” Al preguntar sobre sí los cafés tienen alguna permanencia o van rotando a cierto tiempo, Fernando nos comentó: “Van rotando. Queremos hacer como con los libros. Los cafés que tenemos aquí son como una especie de curaduría de un abanico de cafés que existen en el mundo. Al igual que con los fotolibros, no tenemos todos los libros que se hacen, hay una selección de los mismos que corresponden a diferentes cosas. Con los libros es más complicado porque es un público que no existe acá, en cambio con el café hay una creciente cultura. Al seleccionar un café, primero tiene que estar rico y debe tener, no su prestigio, pero sí su seriedad en el producto. A veces esa decisión está en la forma en la que manejan su barra o en su imagen que conecta con nosotros. Y en esa rotación es como vamos descubriendo diferentes cafés y barras en el mundo.” Un café donde vienes y pruebas distintos granos EXÓTICOS, así como también de una selección AMPLIA DE TOSTADORES INTERNACIONALES.” Hablando sobre si fue difícil la inclusión de una cafetería y tienda de fotolibros en la ciudad, Fernando nos respondió: “Es difícil por defecto, pero ya sabíamos. Al final para la mayoría de la gente la tienda de libros es una especie de concepto o temática de cafetería y no una librería en sí. Para mí y cualquiera que le guste los libros, no es así, es una tienda donde vas a encontrar libros que probablemente estás buscando. Sin embargo, sabíamos que iba funcionar como una especie de gancho de atracción y de alguna forma como una especie de decoración; que otra vez, es un punto delicado. Como artistas uno quiere que le compren su pieza porque es chingona y muchas veces te la compran porque se ve bonita. Sabíamos que el punto fuerte en lo económico iba a ser el café y que tendría la calidad que merecía para poder junio 2023 27 �E M P R E N D I M I E N T O posicionarse. A la hora de promocionar nuestro proyecto, si uno se fija en nuestras redes sociales, es muy sencillo y directo, «aquí está esto y ya» no es «ven y ve lo más chingon». Te lo vamos a mostrar con toda honestidad y esperamos que el producto sea lo suficientemente bueno para que lo aprecies sin la necesidad de que nosotros te lo digamos. En todo caso estamos empujando que se dé a conocer que tenemos una página web donde hacemos venta y envíos nacionales. Todo esto es intencional. Hay una filosofía detrás y una estrategia de algún tipo, pensando en hacer algo que hable por cómo es, tratando de dirigirlo a que se entienda de esa manera esperando que la gente lo aprecie. En Monterrey nadie lo está haciendo, nadie se atreve a poner un negocio que nomas sea y ya. Para nosotros es importante que el lugar mismo está tratando de decirlo.” También platicamos sobre cómo es el proceso en la selección de cafés y fotolibros, a lo que nos comentó: “Llevo mucho tiempo dedicándome a los libros, conozco muchas de las editoriales con las que trabajamos. Algunos personalmente y otros por nombre. En cuanto a la selección es sencillo: veo lo que hay y lo que puede ser interesante, contacto y hago pedido. En cambio, con los cafés es un poco más interesante, porque muchos son proyectos independientes que van empezando, en libros también, pero es diferente. En cafés no están ahí, hay que buscarlos, por Instagram, recomendaciones y así; cuando encontramos uno que nos interesa pedimos pruebas en bolsas pequeñas de algunos de los orígenes que tengan disponibles. Sí nos gusta, hacemos un pedido grande y si no, pedimos un par de bolsas nada más para ver qué onda, porque entendemos que el café es completamente de apreciación. Cuando hablas de cafés de especialidad, si tiene los cuidados que debe de tener en su preparación, no hay cafés malos. Hay que te gustan o no te gustan.” Tanto hablar sobre granos de café y fotolibros, nos interesó saber sobre su top cinco de granos de café y de fotolibros, a lo que nos compartió: American Photographs de Walker Evans es obligado; The Pond de John Gossage fue una influencia muy grande para mí; Songbook de Alec Soth también estaría por ahí. Me quedé con uno muy clavado, se llama Ciprian Honey Cathedral de Raymond Meeks; hace poco me acaba de llegar uno de Stephen Gill que se llama The Pillar. Es como la música, los dos primeros son mis favoritos, pero los otros son los que tengo ahorita en la cabeza. De cafés, un Kenya que tenemos de Cat and Cloud me gusta mucho; el Perú que tenemos de Portrait también ha sido de mis favoritos; el Hamasho, uno de Etiopia de Blind Tiger está muy bien.” Ese día de la entrevista, la calle donde se encuentra Regular Coffee and Books estaba y continúa en obra. Por lo que al preguntarle sobre sus próximos planes con la cafetería nos dijo: “Primero aguantar lo que están haciendo. Dicen que hasta septiembre terminan, así que va a estar pesado. Después normal, expansión. Tenemos ofertas en Ciudad de México, pero me gustaría establecer bien la marca en Monterrey. Estamos buscando abrir un local provisional por el tema de la calle, y luego planear mejor un espacio cuando se pueda.” 28 junio 2023 Hablando sobre su trabajo y proceso dentro de la fotografía nos platicó: “Son como comentarios urbanos, pero desde el punto de vista del individuo. Lo que me interesa en la mayoría de mis trabajos es como nos enfrentamos con el espacio urbano que nos rodea. Lo que hago son narrativas muy fragmentadas como paisajes que se van armando a través de los fragmentos, narrativas concisas y abstractas. Para darte una idea visual de cómo se ve lo que hago, son fotografías de varias cosas que cuando las pones en una especie de mapa aluden al espacio donde existe estas cosas, pero la mayoría es con una sensación de incomodidad, de extrañamiento, que muchas veces habla de cómo identifico que se me hace el estar en estos tiempos en los que vivimos de tener un sentido de pertenencia y crear un sentido de identidad con respecto al espacio que habitamos. Siento que están desarticulados, no me permiten conectarme con ellos. Mucho de lo que vemos en las calles es intentos de personas por apropiarse, precisamente porque no sienten que un espacio en sí les pertenezca. Por eso vas a ver que en medio de la calle va a haber una maceta. Ese tipo de cosas me interesa. Como en un afán de querer sentir algo de pertenencia con un espacio, lo estamos desarticulando por completo, dándole un nuevo diseño. El trabajo que hago no considero que sea sobre Monterrey o México en general, es sobre la IDEA DE LA CIUDAD.” En cuanto a mi proceso de trabajo salgo, hago fotos y reviso el trabajo. A veces no hay nada, otras sí y busco articularlo. El trabajo que hago no considero que sea sobre Monterrey o México en general, es sobre la idea de la ciudad. Si podríamos fijarlo en la ciudad latinoamericana, creo que hay un problema con las ciudades latinas pues no hay un sentido de identidad propia de las ciudades a diferencia por ejemplo de una ciudad estadounidense. Su identidad se sigue al pie de la letra sobre cómo tiene que ser la ciudad por lo que cada vez que ves algo fuera de lugar lo notas. La foto urbana americana de los últimos ochenta años responde a eso, vas caminando y notas enseguida lo que está fuera de lugar eso les ayuda a pensar en cómo se está transformando el espacio. En la ciudad latinoamericana no. Nada más observar alrededor y nada tiene sentido, ni una cosa con la enseguida, son completamente diferentes incluso con lo que ves abajo de lo de arriba y luego, destruida la calle. Nada sigue una regla de identidad de ningún tipo, estamos todo el tiempo en medio de un caos que es complicado para la construcción de una identidad propia y más preocupante porque hace casi imposible una identidad comunitaria.” Por último, le preguntamos ¿Qué tiene de especial la foto para él? y su respuesta fue: “Me gusta que me mete en problemas y creo que es algo que no pasa en ninguna otra disciplina. Es decir, me acerco a la fotografía desde el lado teórico siempre, lo que he hecho es tratar de entender cómo se comunica, cómo se arma y cómo interactúa con nuestro entendimiento de la realidad. Algo que no tiene ninguna otra disciplina en el sentido que con lo que te enfrentas cuando estás haciendo foto, no es una ocurrencia tuya, sino al cómo percibimos el mundo real teniendo este su propio peso. Por ejemplo, si yo te tomo una foto a tí, yo no puedo ir y decir que esta foto habla sobre tal cosa. Porque al final la foto es sobre ti y tú tienes tu vida y lo que sea que significas para ti mismo y otras personas. Entonces sí yo quiero usar un retrato tuyo tengo que pensar muy bien qué está pasando y el que significa tomar un retrato de una persona que existe y en qué contexto la pondré porque ya no estoy jugando solo con mis ocurrencias, sino con la vida de las personas. Y es algo que no tiene ninguna otra disciplina, pues hay una libertad de expresión. ubicación Regular Coffee and Books se encuentra ubicada en San Pedro, en la calle Río Colorado 200, local-7, en colonia Del Valle. Los invitamos a visitar su barra de café y tienda de fotolibros. junio 2023 29 �E N F O Q U E FOTOGRAFÍA DE NATURALEZA Sombras en el “Sombras en el paisaje”, una exposición fotográfica desde un punto de vista opuesto al antropocentrismo paisaje POR: MARIANA ALEJANDRA RODRÍGUEZ DEL ÁNGEL C redes sociales _ PÁGINA WEB omo resultado de una conexión entre su gran amor por el montañismo y su pasión por la fotografía, Roberto Ortíz Giacomán nos muestra Sombras en el paisaje, a través de 70 fotografías recopiladas en el transcurso de 20 años. Una exposición en la cual, en lugar de ver las montañas desde el punto de vista del ser humano, se plantea: Roberto Ortíz ¿Cómo es que estas ven hacia nosotros? Giacomán “Esta exposición de Sombras en el pai- Fotográfo, curador, saje tiene un planteamiento muy simple editor gráfico y uno pero fundamental porque hay un marco de los fundadores de la Fototeca de conceptual importante del que mi traba- Monterrey. jo personal gira en torno desde entonces. Tiene que ver con cambiar el punto de vista colonialista y de conquistador. Un punto de vista antropocéntrico. La fotografía invariablemente apunta a nosotros mismos, y la confirmación de este planteamiento son las famosas selfies. De tanto vernos a nosotros mismos hemos dejado de ver lo que nos rodea. Al planeta yo lo percibo como un ser vivo. Si los seremos humanos insistimos en seguirnos viendo nada más a nosotros, precisamente por esa actitud antropocéntrica, hemos dejado de ver que formamos parte de una entrando más que la tierra ser el reino que heredamos y que nos fue dispuesto para servimos de él, hemos perdido la noción de que somos parte de él y que debemos trabajar en coordinación y respetar a todos los demás sistemas y a los seres vivos. Esta idea de percibir al planeta como un ser vivo del cual nosotros somos un componente. Hay una interdependencia de los seres humanos con todo lo demás que está pasando en el planeta. Y mientras estemos viéndonos nada más a nosotros mismos se nos olvida esa otra parte. “ Al proponerse voltear a ver hacia donde no estamos viendo, Giacomán se fijó parámetros para crear su estilo, el cual consta de tratar de encontrar cosas diferentes y nuevas que aporten algo sobre como él ve las cosas. Un punto de vista más consciente de nuestro entorno y de nuestro efecto en él. robertortizphoto.com 30 junio 2023 junio 2023 31 �E N F O Q U E Minero Mitra, 2014. ¿Cómo fue que nació su inquietud por las sombras? Inquietudes por mostrar mi trabajo personal realmente vienen desde los 80s. Tuve una exposición que para mí fue muy importante. Ahí me sentí que ya tenía un ojo, y haber encontrado un lenguaje personal. Y ya empecé a darme cuenta de que podía externar ideas o imágenes diferentes de lo que ya había visto, y no caer en los lugares comunes. Desde siempre me ha gustado la naturaleza, el campo, y he practicado el montañismo desde hace muchos años. Incluso hubo en la época en la que me consideré montañista y casi en segundo lugar fotógrafo. Estaba entusiasmado con la idea de subir montañas cada vez más alto. Fui entendiendo de que esta actitud de “conquistar la cima de una montaña” era una actitud colonialista. Empecé a notar que esta idea de llegar a la cima de una montaña y tomarte la foto como “conquistador” levantado las manos en señal de triunfo, no iba a sorprender a nadie y era aburrido. ¿Por qué está enfocado específicamente sobre paisajes? Es invertir un poco. En algunas de las imágenes hay personas, pero siempre son pequeñitas a la distancia. Es en un ejercicio de humildad. Así formamos parte de este sistema. Deberíamos tener cierto nivel de humildad. En “sombras en el paisaje” son sombras del fotógrafo, que paradójicamente en la historia de la fotografía, a veces se consideran como un “error”. No es ningún afán de protagonismo, pero más bien, nuestro paso por la vida son como las sombras. Las sombras son proyecciones temporales. Por un momento pareciera que estamos integrados. Nos adherimos. Nos pegamos al paisaje. La imagen que representamos es muy relativa. Nunca es la verdadera. La verdadera está adentro. Es un ejercicio de representación en donde nada es realidad. Te puedes representar como muy vigoroso, como debilucho, como gordo, como flaco, y puedes hacer un juego de él. la técnica de cartografía aérea La cartografía aérea es una técnica con la que se recopilan datos de un terreno a través de la de la fotografía aérea, que puede hacerse con satélites, drones o aviones. Esta consiste en tomar una serie de fotografías sobre una zona para componer toda su superficie. Las imágenes tomadas se unen para formar una sola imagen del lugar. Esta técnica cartográfica fue una gran inspiración para la realización de “Sombras en el paisaje”, pues estas fotografías no se obtuvieron con un solo disparo de la cámara, sino con varios. Gordo, 2002. Mis fotos son construcciones porque están hechas. No es una instantánea.En realidad es un lapso, y tomo múltiples para conformar una sola.” Mitra pirámide, 2010. 32 junio 2023 junio 2023 33 �E N F O Q U E fotografía con cámara infraroja Las fotografías de la exposición “Sombras en el paisaje” fueron tomadas con una cámara infrarroja con el objetivo de ver el paisaje desde un punto de vista distinto al del ojo humano. Las cámaras termográficas (o cámaras térmicas) detectan la temperatura al capturar diferentes niveles de luz infrarroja, la cual es irradiada por los objetos e invisible a la vista humana. Cuanto más caliente es un objeto, más radiación infrarroja produce. Las cámaras térmicas detectan esta radiación y la convierten en una imagen. Fui aprendiendo a vernos desde fuera. A ver la actividad humana. Hay muchos temas fuera de nosotros. El planeta es riquísimo y funciona de maravilla.” Etla, 2014. ¿Cuál es el significado del blanco y negro? No son totalmente blanco y negro. Mi aproximación es la visión de la montaña. Tengo que ver de manera diferente de como vemos los humanos. Aunque puedo tomarla en color, no quiero usar los códigos o la paleta de colores como ven nuestros ojos. He aprendido que los sensores digitales ven mucho más que el rango visible pero los fabricantes las ajustan para que vean como vemos los humanos. He recurrido a un laboratorio que encontré en Estados Unidos en donde pueden remover los filtros que le ponen para hacerlas infrarrojas. En mi fotografía todo lo que es verde, todo lo que tiene clorofila, tiene una especie de florescencia, tiene una claridad, tiene como una luminiscencia diferente. Entonces yo juego con estos elementos que las montañas perciben. Lo peor que podrían hacer es que vieran el cielo azul, la vegetación verde, como los humanos. Mi interpretación del cerro de la silla es el cerro viendo a la ciudad. 34 junio 2023 ¿Cuáles son las lecciones más valiosas que ha aprendido en su carrera como fotógrafo? Por medio del oficio, de ejercer la profesión del fotógrafo y también de aprender a expresarme por medio de la fotografía, he aprendido a ver la vida. En mi carrera me he planteado: ¿Se puede ver la vida desde el visor de una cámara fotográfica? Ahora, con estas canas, te puedo decir que si. Si te puedes ganar la vida haciendo fotografía, pero también puedes aprender mucho de la vida viendo desde la fotografía. ¿Qué consejo le daría a una persona cuyo sueño es dedicarse profesionalmente a la fotografía? Opuesto de decir “Guíate por tu instinto, no veas lo demás y lánzate a que surja todo de tu inspiración”, por el contrario, es: “Aprende lo que han hecho los demás. No desprecies la historia de la fotografía y verás como eso te impulsa a descubrir algo nuevo.” Puerta Franca, 2015. Fogoso, 2002. junio 2023 35 �E ÍNNF DO I QC UE E Black Swan (2010) FOTOGRAFÍA DE CLAVE ALTA Y BAJA HIGH KEY o LOW KEY, ahí está el dilema Javier Molina, fotógrafo de moda, te explica como utilizar estos conceptos de la fotografía en distintos ambitos para que los apliques en lo que te convenga POR: SAMARIA DE LA ROSA S i quieres crear una atmósfera que realce ciertos conceptos visuales, el High Key y Low Key son términos utilizados en el entorno fotográfico y son técnicas de iluminación que se sirven para enfatizar ciertas características de la luz. Estos esquemas de iluminación son necesarios para crear fotografías que logren transmitir algo y para poder entenderlo mejor, Javier Molina Rangel, fotógrafo de moda, te lo explica. “No lo hago como un estilo que me caracterice, más bien lo adapto según el mensaje que se quiera trasmitir. Y es recomendable usarlos siempre y cuando exista justificación y congruencia en su utilización”, contó Molina. Desde sus inicios en la fotografía, Molina hace uso de estas técnicas cuando se necesita lograr escenas que requieran dar un mensaje específico o según las necesidades y conceptos que el cliente pida. Una buena fotografía no depende del tipo de cámara que se utilice, siempre y cuando conozcas 36 JUNIO 2023 Javier Molina Rangel. Fotógrafo de Moda y experto en el High Key y Low Key. los parámetros y el de los valores correctos de exposición de manera manual. Con esto puedes lograr maravillas entre luces y sombras. Una de las ideas erróneas que se tiene con respecto al High Key y el Low Key es creer que se trata de imágenes en blanco y negro, ya que cuando se mencionan luces y sombras, lo que se piensa automáticamente es en estos dos colores. Molina afirma que una fotografía de este estilo puede ser incluso a color, mientras se respeten las características visuales de cada esquema. Uno de los consejos que nos da nuestro experto es que si se llega a usar alguno de estos esquemas sea en base a la semiótica. Es importante analizar el CONTEXTO bajo el cual se está trabajando y así, a partir de eso, crear el AMBIENTE que mejor se adapte.” CONOCE EL HIGH KEY DOMINA EL LOW KEY High Key, también conocido como Clave Alta (traducción literal en español), hace uso de tonos vivos, utilizando una iluminación suave, sin sombras, con acentos en blanco, creando escenas sin volumen donde todo parece plano. La principal característica, como su nombre lo dice, es darle prioridad a las altas luces para que predomine el color blanco, por lo tanto, todo lo que conlleva un ambiente claro y limpio será enfatizado si se decide usar este esquema, comenta Molina. Se puede aplicar a todas las áreas de la fotografía de alimentos, ya que al mejorar los reflejos, puede proporcionar fondos bien iluminados y alimentos que tengan la frescura deseada en su fotografía. Así mismo, fotografiar específicamente a recién nacidos y niños utiliza connotaciones que simbolizan la pureza, la inocencia y una atmósfera clara. La moda también tiende a evocar estos sentimientos, como hacen los diseñadores cuando lo que se anuncia merece ser entendido, y de manera comercial. Se puede decir que el Low Key es el antagonista del High key, porque su valor es el opuesto. Aquí, el énfasis no está en el brillo, sino en la sombra. Nos comenta el fotógrafo de moda que una de las principales características es el contraste entre estos dos conceptos, resaltando los tonos negros, dejando solo puntos de luz muy concretos que crean dramatismo en la imagen gracias al claroscuro. Más específicamente hablando, se puede usar esta técnica para fotografiar objetos y sujetos en los que se desee crear una atmósfera inclinado hacia la penumbra y enfatizar los tonos oscuros. Se utiliza también en fotografías de alimentos, pero en lugar de la frescura, el Low key busca reflejar algo completamente distinto: “…esta técnica se emplea para lograr emular imágenes del estilo de los bodegones o naturalezas muertas del periodo pictórico barroco muy usadas en restaurantes de alta gama, te da ambientes sofisticados y elegantes.” Describe Javier Molina. Imágenes tomadas de Freepik. JUNIO 2023 37 �A R T E JMMN FX CREATURE STUDIO EFECTOS ESPECIALES & Hablamos con Juan Manuel y Carmen Cervantes, CEOS de JMMN FX & Creature Studio y nos platicaron sobre su trayectoria en la Industria del cine POR: MARIANA ALEJANDRA RODRÍGUEZ DEL ÁNGEL C on más de 25 años de experiencia y su gran pasión por los Efectos Especiales, Juan Manuel Méndez y Carmen Cervantes han llevado a su estudio, JMMN FX & Creature Studio, a ser el más reconocido del país, participando en proyectos internacionales en los que han colaborado con grandes casas productoras y reconocidos directores en Hollywood. Bebé animatrónico. Dummy hiperrealista de bebé realizado en Smooth-On gel de silicón, para serie internacional de Netflix. Los efectos especiales no nada más son terror, sangre. No. No sabes la cantidad de cosas que hemos ido descubriendo en el camino. Se van haciendo dummies, animatrónicos, cosas de fantasía increíbles. Es un mundo y yo creo que no terminamos ahorita.” CARMEN CERVANTES MAKEUP FX ARTIST Y CEO DE JMMN FX & CREATURE STUDIO 38 junio 2023 ¿Cómo lidian con la presión saber que su trabajo será visto por muchas personas al trabajar con plataformas como Netflix y directores como Alejandro Iñárritu? JM: Gracias a Dios hemos participado en muchísimos proyectos de Televisa, de Netflix, de Disney, en Amblin Entertainment con Spielberg, en Amazon, en HBO, y bueno para las casas productoras de comerciales, editoriales y toda la onda. Inclusive para fuera del asunto del cine y televisión para estos cuartos de escape que hoy están de moda. Hemos estado también en eventos para premieres de películas famosas, como Halloween. Hacemos dummies, animatrónicos. Luego, por ejemplo, en Halloween de que agarran al cuerpo y le cortan la cabeza. Algo muy memorable, es lo que quieren que nosotros hagamos y que quede con la misma calidad para esos cuartos de escape. Entonces ha sido muy variado. Por todos lados, afortunadamente nos han convocado para que hagamos toda esta parte de los efectos. CC: La verdad digo, presión, sí, la verdad siempre trabajamos con mucho estrés. Mucho. Porque desgraciadamente no le dan el tiempo que se requiere para poder desarrollar con mucha finura esta situación. Son muchos procesos. Un dummy, un maquillaje, requiere mucho tiempo para atrás, de producción. Hemos tenido producciones de estar trabajando un año para que después se filme. ¿Por qué? Porque tienes que hacer muchísimos efectos. Entonces realmente yo creo que la presión es esa. Que salga cada Zombie para cortinillas de The Walking Dead, FOX. Diseño de personaje, piezas prostéticas en silicón y Maquillaje FX por Juan Manuel Méndez, Carmen Cervantes y JMMN Crew. �A R T E Marcianito de Manzanita Sol para comercial. Makeup FX & diseño por Gabriel Solana. Prosthetics & Makeup FX por Juan Manuel Méndez. proceso lo mejor que lo podamos hacer. Hay veces en las que los directores te dicen “No, es que ni se va a ver. Es algo muy rápido. Es Night Vision” y nosotros decimos “No” porque por nuestro propio reto, por tener algo padre, le inyectamos mucha calidad, mucha creatividad, mucho profesionalismo, y los directores terminan haciendo el close-up. Ósea, desde que no se viera a “Wow, como voy a desaprovechar esto”. Y la verdad es que para nosotros es mucho halago porque aparte del estrés, tienes que tener muy preciso desde la planeación, de los materiales, del diseño, de los elementos, de cómo se tiene que ver, como va a ser la escultura. Híjole, es echarle mucha cabeza a toda esa planeación. Entonces es mucha emoción cuando sale. Los vemos en los cortos, en los comerciales del cine. La verdad es que es muy padre. ¿Cuál fue el proyecto que les sirvió de trampolín para ser más reconocidos en la industria? JM: Pues han sido varios. Antes de que pusiéramos el estudio, fue con una pierna que hice con el diseñador con el que trabajamos y fue para Amores perros de Iñárritu. Justo ese fue el que me catapultó para seguir haciendo todo esto y seguir yéndonos hacia arriba. Posteriormente, ya como estudio han sido varios, de hecho, en La cueva del Diablo con los directores, al ver que no nada más hicimos una sombra, sino que hicimos algo más elaborado, pues gracias a eso nos siguieron hablando para más películas. Inclusive el Compayito nos catapultó para muchos proyectos de Televisa también porque hemos sido de los pocos estudios que han logrado esa magia de que se sienta vivo. El Marcianito de manzanita sol también aquí en México fue algo nuevo, porque antes no se hacían ese tipo de proyectos y cuando salió al aire fue como muy recordado por muchos. Y también de ahí se abrieron las puertas para muchas otras cosas. 40 junio 2023 ¿En su estudio existen divisiones por área de especialidad? JM: Si. Nosotros empezamos siempre en estos proyectos con la lectura de un guion. Y ya de ahí cuando nos convocan, siempre vamos Carmen y yo a vernos con el director y con el productor y ya nos van planteando que es lo que quieren para el proyecto. Tenemos personal que hace el diseño, para empezar a aterrizar el look. Luego se pasan a la parte de escultura que es donde empezamos a crear todo el look ya en 3D de cómo se va a ver, ya sea un maquillaje, un animatrónico, un dummy o el efecto que se vaya a dar. También está la parte de los “Mold Makers” que son las personas que hacen los moldes de esas esculturas. Que es un rollote, eh. Al igual que todos, pero estas personas tienen la responsabilidad de que en ese departamento salga todo bien porque si tantito no le calculan bien, o no hacen un buen molde, le dan en la torre a todos procesos anteriores. Casi no le dan el aplauso o el crédito merecido a los Mold Makers pero obviamente es un trabajo que desde ahí parte si le sigues o te vas pa’ tras. CC: Ya esa parte es como decisiva. Si todo sale bien se puede continuar con los vaciados o si de plano te equivocaste al hacer un molde con candados, echas a perder la escultura, y es otra vez volver a empezar todo. Entones es mucha responsabilidad. JM: Y sigue la parte del vaciado, que es cuando uno ya inyecta en ese molde el silicón, el látex o el material que vamos a usar y acabados, que ya es la parte de pintura, insertado de cabello, el Entonces es asegurarnos incluso que tengan su garantía de que es seguro para usarlo en la piel. Desgraciadamente en muchas “escuelas” de maquillaje enseñan con látex. Imagínate el gran error. La gente que va ahí a aprender, pues no sabe. Ellos van a aprender resultados profesionales que se suponen que saben, y que enseñen con eso. Aquí en nuestros cursos jamás les damos látex. En las capacitaciones que damos es una capacitación muy integral en conocimientos de técnicas, de materiales, de procedimientos y que vayan seguros a su chamba. Que de verdad se sepan vender como artistas del maquillaje, pero con todo el respaldo de conocimientos que puedes ir teniendo. JM: Si, y han habido muchos casos. Nos han llegado a hablar de empresas de televisión, así de: que pueden hacer. Porque usaron justamente látex industrial y la actriz se sentía que se estaba quemando, ya tenía un enrojecimiento muy fuerte. Entonces nosotros les fuimos diciendo qué es lo que podían hacer en ese momento para que posteriormente fuera al dermatólogo, al médico, para seguir un tratamiento. Pero si, desafortunadamente se vuelve un error común por la falta de conocimiento, y sobre todo por lo que te digo, en YouTube muchas personas juegan con el látex no dando la precaución de que debe de ser un látex industrial si es para el rostro. El látex industrial se puede usar para muchas otras cosas como dummies, para elementos. Para la piel no. Para eso hay látex especiales. Y aún así, tiene que haber todo un tratamiento para que podamos estar libres de que no vaya a pasar algo. ponerle el ojito, la dentadura, la lengua, según el efecto que se vaya a hacer. Entonces si son como muchas disciplinas las que se van integrando para poder lograr estos efectos. CC: Y bueno, de ahí pueden partir muchas cosas, los animatronics, los mecanismos. Ya va como más especialidad. ¿Cuál es el error más común que comete un principiante? JM: Creo que el error más común es el uso del material. Desafortunadamente, por redes sociales y mucho por YouTube, vemos a personas que se hacen mil cosas en la cara. Les queda muy padre, pero nada más te dicen que usan látex, y nunca te ponen que debe ser un látex exclusivo para la piel, un látex cosmético. Entonces el error de muchas personas es ocupar en sí mismo, o inclusive ocuparlo haciendo un maquillaje con látex industrial. La gran diferencia es que el látex industrial tiene una gran carga de amoníaco. El amoníaco es el que hace que el látex esté líquido. Entonces meterle eso a la piel es super fatal. De hecho, a nosotros nos ha llegado gente que quiere estudiar con nosotros y nos han enseñado fotos de cuando le han metido látex y pues cuando lo arrancan se viene pues con todo y piel, y se ve ahí toda la herida bien fuerte. Entonces hasta allá puede llegar ese asunto. CC: Inclusive hay gente alérgica al látex que se puede morir. Y lo más fácil, y lo más barato: Látex. Todo el mundo cree que lo más usamos es látex. No. Usamos elementos profesionales. Carmen Cervantes aplicando el maquillaje en el set de grabación del comercial. Cíclope para comercial de Cinemex. Diseño de Maquillaje FX por Gabriel Solana. Efectos Especiales de Maquillaje y vestuario por Gabriel Solana, Carmen Cervantes, Juan Manuel Méndez y JMMN crew. junio 2023 41 �A R T E ¿Cuál ha sido el proyecto más complejo que han realizado? JM: Creo que todos los proyectos tienen su grado de dificultad, pero uno que recuerdo ahorita, es el dummy ahogado. Nos habían dicho de ese, pero no los tiempos ni que día se iba a hacer. Este proyecto fue para Estados Unidos. Ese dummy era muy complejo porque tenía un esqueleto tipo stop motion, o sea se podía mover. Podías ponerlo en posiciones. CC: Y teníamos ya el plan de trabajo por semanas de como ir avanzando para tenerlo en tiempo y forma. JM: Y sí nos habían dicho, “Oigan, después de este dummy probablemente necesitemos el mismo dummy de esta persona, pero ya muerta porque se va a ahogar, lo van a encontrar en un océano”. Dijimos “Órale, padrísimo” pero desafortunadamente, lo necesitaban a último minuto, entonces nosotros estábamos en la fabricación de este dummy, que era cuerpo completo con esqueleto, y ellos necesitan antes el otro dummy. El ahogado. Entonces cuando nos dicen, nosotros de “Híjole”. Aparte íbamos saliendo de la pandemia, no había muchos elementos, ni materiales, ni personal ni nada de ese asunto, entonces eso complicó muchísimo las cosas. Los materiales estaban detenidos en la Aduana o no los traían. Fue un caos. Afortunadamente, nosotros aquí en el estudio siempre procuramos tener un stock de materiales, pero con pandemia se nos estaba agotando terriblemente. Entonces tuvimos que hacer a un lado el dummy que estábamos haciendo para clavarnos en el otro dummy, y si nos dieron como una semana y media, 2 semanas para poder hacerlos cuando realmente eran 4 semanas. Entonces fue muy caótico. La gente que teníamos aquí en el estudio, tuvimos que meternos por completo, casi no dormíamos. Trabajábamos día y noche. No, fue una locura. CC: Todos los proyectos tienen algo. Por que, por ejemplo, al material hay que darle su tiempo, a que gele, incluso el clima afecta mucho a veces también a que los materiales sequen como deben de secar, no puedes abrir los moldes antes de tiempo porque se te descuadran. De hecho, el taller está con clima. Lo tenemos controlado porque si no, no gela. Realmente creo que siempre hay algo que debemos afinar, pero eso también es lo padre de cada proyecto porque te permite no a ponerte a llorar. Tienes que solucionar en el momento porque si no, al otro día ya se atrasó el proceso, y eso nos ha hecho mucho la mentalidad de seguir avanzando, porque a lo mejor un artista se puede poner a llorar, a decir “Ya no quiero, ya me salió mal y ya me voy porque no me salió lo que quería”, porque nos ha pasado. Artistas que de repente vienen y se sientan porque son las 3 de la mañana y no le salió como él quería y se pone, pues, berrinchudo y ya no continúa trabajando, entonces “Okay, gracias, bye. Tenemos que sacar el trabajo que nosotros nos comprometimos a sacar”. Y gracias a Dios siempre hemos quedado con resultados muy buenos. ¿Han tenido complicaciones con el envío de los dummys? JM: El que te digo que salió de emergencia, ósea si fue un caos en ese aspecto, pero bueno, salió bien, gustó muchísimo. Funcionó. Maravilloso. Nos lo detuvieron allá en la aduana, en Estados Unidos, porque pensaron que era una cabeza real. CC: Si, de hecho, lo mandamos por FedEx porque tenía que 42 junio 2023 FX irse a Miami. Y tenía que estar tal día, a tal hora porque iban a filmar. Fuimos a hablar con FedEx “Oigan, a ver, nos dedicamos a esto, no vayan a creer que estamos mandando cosas que no debemos”. Entonces es hacer una carta técnica, con todos los materiales de lo que iba hecho. Ahora sí que desglosar todo. JM: Toda la ficha técnica para que ellos puedan ver que es una cabeza falsa. CC: Y bueno, quieras o no son retos. Todo es crecimiento, todo son experiencias. JM: Si, y van super protegidos. Siempre les metemos el clásico plástico burbuja que ayuda muchísimo. Ponemos rellenos también, hay una especie como de plástico, como almohaditas que también ayuda al impacto. Siempre procuramos tener todo muy bien para que no vaya a sufrir ningún daño. A parte que también a los dummys o a las piezas que hacemos, les hacemos pruebas de resistencia para que aguanten. Sobre todo a ese ahogado, pues iba a ir abajo del agua. Lo iban a meter al océano, entonces tiene que aguantar el agua, la salinidad y todo ese asunto. Entonces hacemos todas estas pruebas en el estudio antes de enviarlo. ¿Qué consejo le darían a alguien cuyo sueño es dedicarse a los Efectos Especiales? CC: Lo primero, obviamente la pasión que de verdad debes de tener y el que te capacites. Nos hemos encontrado en el camino a gente que cuando abres sus trabajos pues si te llevas chascos porque estudiaron en Londres, en Canadá, pero realmente no hay una calidad con la que tú digas “Okay, vente. Vamos a hacer equipo dentro de un proyecto”. Por eso decidimos abrir nuestra división de capacitación que es el “Training center”. Para sobre todo que haya una competitividad laboral, pero de calidad. Leal. Porque que nada más ya “Por poner sangre soy super makeup artist.” No. Lleva un proceso. Nos ha costado algo de tiempo ir diseñando nuestros programas de capacitación para la persona que quiera empezar, tenemos el nivel 1, 2 y 3. Con varios programas, cada uno para que tú escojas con cuál _ quieres empezar. Entonces por FACEBOOK mi parte, yo si diría eso, que se JMMN, FX & Creature capacitaran profesionalmente, studio porque desgraciadamente hay _ cursos de “Has tu personaje INSTAGRAM en 3 días” y dices “Por amor @jmmnfx de Dios, claro que no” pero @jmmnmakeupfxtrainingcenter bueno, se respeta. Y nosotros _ lo que damos es lo mejor que YOUTUBE tenemos. No nos guardamos JMMN, FX & Creature stuningún secreto, les compartidio, Special Makeup Effects mos tal cual el “Know How” _ tanto en procedimientos, técPÁGINA WEB nicas, materiales, todo. Para fxcreaturestudio.com que puedas lograr lo que nosotros hemos logrado. TRAINING CENTER MAKEUP FX INSCRíBETE A LOS CURSOS _ NIVEL 1 BASES SÓLIDAS - Advanced teeth prosthetics FX - Injury & Trauma makeup FX - Silicone prosthetic - Master, makeup FX artist & designer for film and TV _ NIVEL 2 INTERMEDIO - Junior sculpture I - Junior sculpture II - Diplomado: Diseño y creación de personajes y criaturas _ NIVEL 3 TÉCNICAS AVANZADAS - Hiperrealistic decapitated silicone full head - Anging intensive prosthetics redes sociales Personaje para comercial Pepsi Natural JM: Si, y actualizarse. Checar bien los materiales y toda la onda. También nos ha pasado que, en escuelas, inclusive de maquillaje que tienen esa aparte de caracterización, luego usen materiales que no son para la piel, desafortunadamente. Entonces, si esa es la pasión de la persona (hacer efectos especiales), que investigue. Que se empape un poquito de este asunto. Ahorita, gracias al internet y a las redes sociales tenemos esa oportunidad de checar bien, de ver como se hacen en otros países, los profesionales y toda la onda. Pero si definitivamente es capacitarse al cien por ciento porque puede gustarnos, pero si dañamos la piel de alguien, nos metemos en un problema muy, muy serio. JMMN FX & Creature Studio, CDMX. junio 2023 43 �E V E N T O S EXPOSICIONES De acuerdo con los organizadores, CONARTE y Fundación Jumex, el objetivo fue lograr una conexión entre la historia, los lugares, paisajes, la naturaleza y los contextos sociopolíticos con las personas. Los autores de las obras utilizaron una gran variedad de técnicas artísticas, mismas que describían sus inquietudes a través de la creatividad y talento desde los años 90 hasta la actualidad. Estos artistas son de diversas nacionalidades; 7 de ellos son mexicanos. Good boy, Bad boy (1985), de Bruce Nauman. Fue un gusto para CONARTE COLABORAR en un proyecto de tal magnitud, buscando REFORZAR vínculos institucionales, suma a la escena artística local y a su vez, ofertar un atractivo adicional para los profesionales y aficionados las artes plásticas en Monterrey.” Nave Genadores del Centro de las Artes. Exposición Bonding. Una exposición de primera BONDING POR: GABRIELA MELO Llegó a Monterrey una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes de América Latina. Una exposición organizada por el Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León | CONARTE, en colaboración con la Fundación Jumex Arte Contemporáneo 44 JUNIO 2023 VERÓNICA GONZÁLEZ DIR. DEL CENTRO DE LAS ARTES Mural de Lawrence weriner (1942-2021) E l coleccionista Eugenio López trajo a la Ciudad una de las exposiciones más importantes de América Latina. El presidente de la Fundación Jumex Arte Contemporáneo engalanó a Monterrey con la nueva planta de la Colección Jumex: Bonding, una exposición audiovisual de arte contemporáneo, una de las más importantes, la cual constaba de 21 piezas y en la que se presentaron a través de aforismos, videos y frases emblemáticas. Esta muestra artistica tuvo una gran variedad de temas que trataban acerca de la Ciudad y de cómo se ha transformado através del tiempo. Además, en los videos se observa un santuario de las mariposas monarcas en México, aspectos destacados de otros países, temas de identidad, temáticas actuales con las que el espectador se sentiría identificado. Eugenio López y Patricia Marshall Los artistas fueron Patricia Marshall, quien tuvo un papel significativo en la formación de este acervo, realizó la siguiente selección de artistas: MBas Jan Ander, Doug Aitken, Carlos Morales, Knut Asdam, Stefen Bruggermann, Miguel Calderón, Alejandra de la Puente, Sebastián Díaz Morales, Cyprien Gaillard, Mario García Torres, Terence Gower, Rodney Graham, Daniel Guzmán, Friedrich Kunath, Alejandra Laviada, Gonzalo Lebrija, Jorge Méndez Blake, Ana Mendieta, Bruce Nauman, Melanie Smith, Salla Tykkä y Lawrence Wiener. El acceso gratuito a esta exposición fue en la Nave Generadores, dentro del Parque Fundidora. Estuvo desde febrero hasta el mes de abril, pudo dejar huella en las familias y alimentar su gusto hacia el arte. JUNIO 2023 45 �Junio 2023, Número 10 36 NOVIEmbre 2022 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2023 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 5 Número Número de la revista 10 Mes de publicación Mes cuando se publicó Julio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2023, Año 5, No 10, Julio Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/07/2023 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021230 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Analógico Digital Fotografía JMMN FX Paisaje https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/21572/Croma_arte_diseno_audiovisual_2024_Ano_6_No_1_Marzo.pdf 9f26f15a241bf36711fe51265301f4c6 PDF Text Text �Héctor Morales Alan García TALENTOS FAV Créditos Dr. Med. Santos Guzmán López Rector Dr. Juan Paura García Secretario General Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura 2 MARZO 2024 44 04 Andrea Barrera Conejo Tóxico Abigail Gutiérrez Jonathan Moreno La industria de la animación mexicana DOCENTES ARTÍCULO DEL MES 22 34 Í N D I C E Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Académica Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores y Editores de la Revista Croma �46 56 ARTE Las AI's como una herramienta para el arte, no un sustituto Damián Ortega: Pico y Elote. EMPRENDIMIENTO ENFOQUE Ram Tamez, el poder de la animación en la actualidad Matte Painting High key o Low key Ixchel Carolina Acuña Villa Coordinadora alumna Ana Yarezi Bazaldua Rodríguez Blanca Alicia Segovia Herrera Fátima Anayansi Sánchez Peña Jatziry Abigail Martínez Pérez Jorge Alberto Olvera Velasco Luis Angel Sigala Hernández Sebastián Méndez Jaramillo Silvio Abraham Manzano Pérez Vianey Alessandra De Lara Aguilar Estancias de producción 60 EVENTOS Portada: Jatziry Abigail Martínez Pérez CROMA, año 6, No.1, Marzo 2024, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 042023-080113474100-102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor MARZO 2024 3 �T A L E N T O F A V ERIKA HERNANDEZ CONEJO TÓXICO EL ARTE DE ADAPTARSE A LAS TENDENCIAS Erika Hernández, “Kika”, es dueña de la marca “Conejo Tóxico” conocida por su estilo kawaii e ilustraciones inspiradas en la nostalgia y cultura pop de los noventa, en este artículo nos contará sus vivencias como alumna en FAV, su experiencia emprendiendo y los retos que conlleva POR: BLANCA SEGOVIA C onejo Tóxico surgió en el 2016 y si bien no era el negocio que conocemos hoy en día, la experiencia que Erika tuvo al trabajar en “Viudas T-shirts” le ayudó a conseguir los proveedores y habilidades que se requieren para el mercado de camisas, lo que la ha llevado a participar en diversas ferias de diseño y anime aquí en el estado y fuera de este, al ir a la Hatsukoi en Ciudad de México. Cuéntanos sobre tu trayectoria, ¿Cómo fue tu tiempo en FAV? y lo que aprendiste, ¿te ayudó a desarrollar tu marca? Cuando yo entré me decidí por la carrera de diseño, porque malamente yo no había investigado qué carreras había en la facultad, yo solo vi artes y pues me gustaba mucho ilustrar, cuando vi la descripción de cada carrera vi que me llamaba más la atención diseño gráfico, porque en la carrera de artes venía creación de esculturas, pintura al óleo, performance, vi la descripción, pero no era algo en lo que me veía en un futuro haciéndolo, en la descripción de diseño venía creación de páginas web, de logos, problemas de comunicación, y me decidí por esa, presenté y así quedé. Durante los propedéuticos fue donde me di cuenta que sí era la carrera que yo quería, entré en el 2014 y me gradué en el 2018, nos tocó hacer la creación de un anuncio para Coca-Cola, un collage y un logo para una revista, eso fue mi propedéutico, y ahí me di cuenta que sí era para mí la carrera, al entrar a la facultad aprendí mucho y es lo que me está ayudando a desarrollar la tienda en estos momentos, la facultad si me gustó y comparándolo a otras escuelas el programa de la UANL está muy completo. Actualmente Erika ha tenido la oportunidad de aplicar lo que aprendió en esa época además de complementar sus habilidades con nuevos conocimientos, ella por su cuenta ha aprendido a hacer modelado 3D y lo que es el community manager. PROMOCIÓN DE LA TIENDA 4 MARZO 2024 �PRODUCTOS DE LA TIENDA Son herramientas que no se deben satanizar, sí SIRVEN PARA HACER MÁS FÁCIL EL TRABAJO O PARA APOYARSE, y pues no tiene nada de malo usarlas. Así mismo durante la entrevista surgió el tema acerca de cómo las IA`s no deberían ser satanizadas y al contrario deberíamos aprender a usarlas y sacarles provecho, ya que deben usarse como una herramienta para el creativo y no un sustituto, además de saber usar las herramientas de fácil acceso como el Canva y el Chat GTP. ¿Cómo surgió la idea/concepto de Conejo Tóxico? Desde que estaba en la facultad, pues me ponía a hacer garabatos, yo era la que se sentaba atrás a dibujar, me acuerdo que hice el boceto de un conejito con una máscara y le puse bien mamadora “Toxic Bunny” en inglés, y lo deje ahí, entonces después llevé un taller de serigrafia e Illustrador, y el de serigrafia me gustó bastante, el chavo sí le ponía empeño a lo que estaba haciendo, la verdad si estaba muy padre, nos enseñó mucho, hicimos una playera como de trabajo final, hice la ilustración más pichurrienta, fea y mal hecha, porque nomás tenía que ser de un color y yo realmente no sabía tampoco cómo separar los colores, fue a raíz de ese taller que le agarré gusto a tener cosas impresas con mis diseños, mis ilustraciones o mis ideas, y no le moví tanto hasta que, por algo pasan las cosas, cuando entré a trabajar con estas chavas en Viudas, yo me encargaba de hacer ilustraciones y las redes, a raíz de que yo pensaba: “Oye siento muy bonito que la gente utilice mis diseños, mis ilustraciones” empecé aprender a separarlos por color, acomodarlos, dónde comprar las playeras, qué tipo de playera debía ser para cierto tipo de ilustración, cuántos colores, aprendí mucho con ellas, ya una vez que salí de ahí dije: “Quiero hacer algo mío” También, cuando estaba en la facultad, hacían los mercaditos del Mercadearte, la primera vez me puse con una amiga y vendíamos llaveros de pasta francesa, y encontramos a una chava que hacía botones y le encargábamos para vender, me gustó mucho eso, cómo yo podía hacer mis cosas y venderlas. MARZO 2024 5 �T A L E N T O F A V Con esta respuesta, Erika nos cuenta que su experiencia en el Mercadearte no solo le dio el impulso de querer producir diseños propios, sino en dónde debía ponerlos y que fueran redituables, de igual forma se reflexionó acerca de cómo muchas veces se tiene el pensamiento de trabajar para otros en lugar de emprender o autoemplearse y cómo es necesario tener conocimientos y herramientas para auto sustentarse. ¿De qué trata Conejo Tóxico? ¿Cuál es la esencia de tu marca? Yo creo que la esencia sería: nostalgia y cultura pop, fue un tema que yo decidí agarrar, porque al principio sí hacia cosas que nada más a mí me gustaban, nostalgia, cultura pop, anime, a mí me gusta mucho Sailor Moon, entonces todo lo hacía de Sailor Moon, pero llega un momento en donde te das cuenta que aunque te gusta mucho lo que haces, tienes que hacer estudios de mercado y ver que se está vendiendo, porque aunque yo soy diseñadora e ilustradora, también estoy a cargo de un emprendimiento y al final, es importante darle a la gente lo que quiere; pero la esencia en sí son cositas kawaii, es una tienda super girly y rosa. Al ser una niña de los 90, para Erika este estilo es algo con lo que se siente cómoda y le gusta trabajar, teniendo la ventaja en una época donde esa década, volvió a ser tendencia aprovechando la reciente popularidad de Barbie, de igual forma, Erika se encarga de estar al tanto de las tendencias que van surgiendo y que sean fieles a la esencia de su marca, que se basa en el anime, los videojuegos, canciones, el city pop, así mismo se ha enseñado a usar el modelado 3D ya que actualmente la tendencia y2k está volviendo a tener fuerza, por lo que Erika busca seguir usando la nostalgia y cultura pop a su favor. Como mencionó anteriormente, es importante realizar un estudio de mercado para poder saber qué productos realizar y cómo venderlos, en el caso de Erika su mercado abarca personas de 18-35 años que crecieron en los 90´. Si bien las mujeres son una mayoría en su mercado, no se discrimina a los hombres ya que parte de la esencia de Conejo Tóxico es poder ofrecer mercancía a aquellas personas que no podían acceder a estos productos en su niñez y en una época donde el anime esta más normalizado. ¿Por qué decidiste emprender? Al principio que no me gustaba que me molestaran los clientes, después de trabajar con Viudas, trabajé en una empresa en el área de marketing de unos restaurantes japoneses, y a mí no me gustaba que mi jefa, la directora de arte, viniera a picar el monitor, y luego venía el jefe: “no quítale eso, no le hagas caso, pon esto” y a mí me molestaba mucho, como que no respetaran lo que yo estaba haciendo, con Viudas era igual, no me gustaba tener que hacer realidad los sueños de alguien, cuando yo tengo las herramientas, ya tengo los proveedores, ya tengo todo. Entonces junté dinero de los sueldos y de lo que me dieron cuando me salí y dije: “Bueno voy a empezar a emprender.” 6 MARZO 2024 Si bien Erika es una persona muy celosa de sus diseños y de igual forma con su creación de contenido, cuenta con el apoyo de una amiga que es contadora y con una empleada que apoya en los envíos, aunque no descarta la idea de contratar a más gente que le ayude con sus redes en un futuro con las condiciones que se merecen y convertir su pequeño negocio en una empresa formal. �T A L E N T O F A V ¿Cómo es tu proceso creativo o tu forma de trabajar? Primero investigo qué está en tendencia, que bueno, regresó el y2k, los 2,000, y cómo puedo acoplar eso a la tienda, reviso referencias, videos, canciones, como yo crecí en esa época, yo soy del 93, reviso recortes o cosillas que guardé de mi infancia y adolescencia, ahora que pasó todo lo de Britney, saqué unas ilustraciones de Britney Spears, su canción, la de Baby One More Time, cómo la adapto a mi estilo, primero boceto la idea en el iPad o en papel, ya después la empiezo a trabajar, empiezo a buscar un chorro de referencias, me gusta mucho Pinterest, es una red donde nadie se está peleando, nadie dice nada, estás ahí feliz viendo imágenes y cositas bonitas, ya cuando digo bueno ya saqué estas referencias de Pinterest, bueno voy a buscar de Britney Spears, escuchar las canciones, ver cómo se vestía, qué colores usaba, cómo puedo adaptar eso a la tienda, los colores de la tienda son lila, rosa, verde y azul, bueno eso lo adapto a la ilustración, y luego ya veo si la ilustración funciona en playera, porque no puedo hacer iguales diseños para playera que para sticker, sobre todo por el método de impresión. Aunque la serigrafía es la base de las camisas de Conejo Tóxico, actualmente Erika experimenta con nuevos métodos de impresión como la impresión directa, un método que no es muy usado en México ya que es más caro, sin embargo, esto no impide que Erika se adapte a las nuevas tendencias y usarlas en su negocio. Los productos principales que puedes conseguir en la tienda son: playeras, totebags stickers, botones, llaveros, parches, sudaderas (en el invierno), Erika de igual forma al estar vendiendo su mercancía en diferentes eventos dedicados al anime ha podido escuchar y analizar qué es lo que los clientes desean comprar y cómo es que puede adaptarlo a su tienda. pues también es lo de al no tener un horario fijo tal cual, pues a veces estás todo el día o hasta las 2 o 3 de la mañana. ¿Entonces tu dirías que ese es de los mayores retos a la hora de emprender? Sí, la organización del tiempo, es algo que todavía me falla mucho, también que de repente hay temporadas altas, por ejemplo a mí la temporada de regreso a clases es de la más baja de venta, incluso de eventos, porque todo el mundo está comprando útiles escolares o está de vacaciones, muchas veces incluso el algoritmo de Instagram, aunque pagué publicidad bajaron mucho la interacciones, porque la gente está buscando cosas de uniformes, dónde comprar útiles escolares, cosas de papelería, también es otro de los retos, administrar muy bien el dinero para que te rinda en esos meses. ¿Qué otra cosa tú crees que es un reto a la hora de emprender que hace que la gente desista? Que no tienes un ingreso fijo siempre, es muy diferente trabajar en una agencia, en este caso hablando de las áreas de trabajo de los creativos, en una agencia, o en el área de marketing de alguna una empresa, en donde ya tienes tu sueldo fijo; en cambio acá tienes que ver, qué estrategia de venta tengo que hacer, cuánto contenido debo publicar, qué contenido agrada o debe salir para poder llegar a más gente, cuál es la meta del mes, hay que pagar publicidad, es muy difícil todo eso, también que a veces las prestaciones las tienes que pagar aparte, darte de alta en el SAT, a mucha gente le da mucho miedo, que realmente no está tan mal ni es tan difícil de manejarse, pero sí creo que es una de las cosas que aleja a la gente, sobre todo la seguridad, o no tener como una seguridad. ¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo? La libertad de tiempos que tengo, pues muchas veces me hago mensa por la libertad de tiempo, pero me gusta que puedo decir: bueno voy a empezar a trabajar a partir de las 9, descanso a las 2 y le sigo hasta las 6, o hay mucho trabajo, hago todo el trabajo que puedo hoy, toda la tarde, hasta las 8 o 9 de la noche, y ya al día siguiente puedo trabajar más relajada, hacer más vueltas, también que tengo libertad de diseño eso también me gusta mucho, de manera creativa yo soy totalmente libre, sí me tengo que apegar al segmento que va dirigido a la tienda, a las tendencias, pero tengo más libertad de adaptar las cosas que yo quiera. ¿Qué has aprendido gracias a Conejo Tóxico? A tener mucha paciencia y ser muy perseverante, porque hay veces que digo: “Ay mejor me hubiera metido a trabajar en una agencia, ay hubiera estudiado leyes como mi mamá”, porque a veces si es muy pesado, le estaba diciendo a una amiga, que soy mi propio jefe explotador, sobre todo porque yo me encargo de la mayoría de las cosas. Le pasa a mucha gente que tiene emprendimientos o negocios propios que no tiene autocontrol con sus horarios, sigue siendo muy pesado, aunque está muy bien lo de la libertad de horarios, MARZO 2024 7 �T A L E N T O F A V El emprendimiento es un reto que conlleva mucho esfuerzo y sacrificio, actualmente en México hay 4.4 millones de emprendimientos, según los datos del Estudio sobre la Demografía de los Negocios del Inegi, del cual el 35% es de jóvenes de 26 a 35 años, por lo que es un gran reto manejar, con sus altos y bajos, antes de la pandemia, Erika abrió un pequeño local junto con otros empresarios en Interplaza, pero con la llegada de la pandemia se tuvo que cerrar además de otros conflictos, sin embargo eso no la detuvo y comenzó a enfocarse en su tienda en línea además de seguir desarrollando diferentes habilidades como la fotografía, el modelado 3D entre otras. ¿Te gustaría trabajar en alguna colaboración, has trabajado con alguna colaboración? Si me gustaría, de hecho, no fue una colaboración tal cual, pero había quedado con un chico que era líder de una banda, iba hacer la merch para su banda, pero ya por cuestiones de agenda y tiempo nunca nos pusimos de acuerdo, el era de la Ciudad de México, entonces ya como que ese proyecto quedó en pausa, pero sí me gustaría hacer más colaboraciones ya sea con artistas locales de aquí o marcas locales o igual con gente de otros estados, si me gustaría hacerlo pero como que no se ha dado la oportunidad. Me gustaría fusionar los estilos, que se vea que hay un concepto mío y un concepto de la otra marca, y sacar merch, igual un producto en particular o sacar varios tipos de mercancía como las que hace Vania Bachur la de Supergirl, creo que sacó una con Hello Kitty y varias cositas de ella, me gustaría hacer algo así. ¿Cuáles son tus metas a futuro? ¿Hasta dónde te gustaría que llegará Conejo Tóxico? Me gustaría poner un local, osea ya no uno partido en varios como en Interplaza, ya un local tal cual, y expandirme primero aquí, tener aquí la tienda que se conozca, que se haga más de renombre, y luego ya expandirme a otros estados o poner puntos de venta chiquitos, es como que una de mis metas, poner un local en una plaza concurrida, cuando yo tuve un local nos tocó que empezaba lo de la pandemia y a la gente le daba miedo salir, ya ahorita que está más regularizado me gustaría volver a ponerlo, si me gustaría tener un punto de venta mío nada más, ahorita tengo un punto de venta en Barrio antiguo en Moshi Moshi. ¿Te gustaría expandirte de manera Internacional? Mi sueño es poner un localito en Japón o que haya gente que me conozca en Japón. Gracias a la experiencia que Erika ha tenido a lo largo de los años, está dispuesta a volver a intentar poner un local por su cuenta ahora que tiene más conocimiento acerca de cómo funciona. 8 MARZO 2024 �T A L E N T O F A V ¿Algún consejo que nos puedas dar con base en tu experiencia?, ¿qué le dirías a alumnos que quieren emprender? Que es mucha paciencia, mucha perseverancia, no solo es decir: no se rindan, hay que investigar el mercado, muchas veces se romantiza esto de ser emprendedor, pero también si pueden tomar cursos de lo que sea, cursos de finanzas personales, cursos de Google Adds, porque a veces nos vamos con la idea de que para vender solo posteo en Instagram, y no, a qué mercado te quieres dirigir, qué temas puedes manejar, usar todas las herramientas que están disponibles, no hagamos menos ni a canvas ni a chat gpt ni a ninguna de estas herramientas nuevas que están saliendo, usen todo lo que tengan a su alcance, tomen cursos de cualquier cosa que ustedes crean que les puede servir ya sea profesionalmente o para su emprendimientos, en gobierno de repente ponen cursos en línea todavía, bueno un curso de cómo organizar mi contenido en redes sociales, bueno tomo ese curso si tengo chance, o incluso en YouTube hay muchos que te dan un cursito express de qué publicar y qué no, aprender y buscar cualquier cosa que tu crees que te pueda servir para tu nicho o el segmento que ya elegiste para vender, pues también siento que mucha gente dice: no te rindas, si no te rindas pero dame herramientas, busca cursos, también no tiene nada de malo que tener un emprendimiento y un trabajo fijo en una agencia, pues también aprovechar y que puedes aprender ahí, yo malamente me traje muchas fonts y templates, todo lo que me pude traer pues me lo traje, también me traje proveedores, aprendí donde se debían comprar las camisas o donde comprar, también investiguen y traten de aprender todo lo nuevo que sale por que el diseño va evolucionando constantemente, y cada año hay una tendencia diferente. Y aunque la facu si nos enseña y nos da la base, el diseño es mucho de ser autodidacta en ese aspecto. Con esta respuesta Erika nos demuestra que al usar las herramientas que tenemos en nuestro entorno podemos desarrollar nuestro emprendimiento y habilidades sin tener que esperar a que llegue el momento correcto o tener las herramientas adecuadas, por lo que siempre tenemos que seguir aprendiendo y conocer las diferentes tendencias que surgen y saber cómo adaptarlas a nuestro favor. REDES SOCIALES Insta, Facebook, TikTok: @ conejotoxicotshirt Próximos Eventos: La feria del diseño independiente La Conve-Noviembre Hatsukoi-Diciembre MARZO 2024 9 �el dibujar, una motivación pueden ser los vínculos amistosos, el cómo me gusta expresarles mi afecto que les tengo con dibujos, me gusta investigar a la gente, ¿qué les gusta?, ¿qué esperan de mí?, o sea, en hacer esos detalles, que se dirijan a un lado más personal, plasmar mis ideas, compartirlo con todos, me gusta ser notada y también que consideren ellos lo que hago y lo que soy. Muchas veces es, por lo que veo, escucho y quiero representar, mis sentimientos o las cosas que imagino. Son puntos de vista que tengo a la hora de querer dibujar. Abigail Gutiérrez La artista mexicana Abigail Gutiérrez nos cuenta sobre las profundas motivaciones a la hora de crear arte, su “burbuja” cuando está pintando y cómo crecer en el mundo del arte ¿Cómo te iniciaste en el mundo del arte? Desde pequeña he presentado cierto apego y atención con las caricaturas, después me daban ganas de dibujar lo que veía, aunque todavía no tenía tanto desarrollo motriz con mi mano para dibujar, pero sí me llevé más por ese lado que quería plasmar lo que veía, lo que me gustaba, empecé desde los 3 años, mis papás veían mi hobby, veían que tenía esa fascinación por seguir dibujando, dibujaba muchos animales. Mis familiares, se asombraban de lo persistente que era . En algún punto me salió muchísimo mejor que otras personas de mi escuela, ahí identificaron que iba por el camino de las artes. ¿Qué es lo que te motiva a hacer arte? Lo que realmente me motiva son las ideas que a veces puedo tener; puedo estar en mi vida diaria o viendo videos y de repente quiero plasmar, la amistad que tengo con mi mejor amiga, representar los gustos que tenemos en común, la conozco desde los 8, entonces ambas conectamos bastante, una de las cosas que siempre nos gustaba dibujar eran ponis, pues entre ella y yo intercambiamos dibujos. Era como que gusto por hacer algo con lo que ambas nos identificamos ,ya sea por el diseño o la trama, a nosotras nunca nos ha dejado de gustar 10 MARZO 2024 ¿Cuál es tu proceso creativo? Me estabas contando que cuando estás en tu vida cotidiana, de repente te entran las ganas de querer dibujar, o te entra alguna idea ¿tienes alguna costumbre antes de empezar a dibujar? Agarro un espacio libre o un momento en donde estar físicamente cómoda, sentarme en un lugar donde me pueda estirar, tener la espalda recargada, odio encorvarme o tener esa posición de camarón. Me gusta estar recta, tener el dibujo más cerca porque, cuando tenía unos 13 o 14 veía muy bien, pero con el paso del tiempo empecé a batallar en ver de lejos, aprendí que debo tener una muy buena iluminación, tener el dibujo cerca para no tener problemas a la hora de querer hacer un trazo grande poderme separar de la hoja y calcular bien. Me gusta poner mis cosas a como yo las identifique para poder hacer mi mugrero en paz, tremendo desastre que termino haciendo en el proceso dependiendo de la técnica, ya sea pintura, marcadores o gises. Utilizo diferentes métodos para cada material, pero siempre hago bocetos chiquitos en otro cuaderno, bocetos simples de lo que a mí me gustaría hacer para que pueda tener una idea de la perspectiva. Si la quiero desde arriba o desde abajo, para sentirme segura de lo que voy a plasmar, organizo mis ideas y veo las opciones para elegir la que más me guste. Cuando tengo problemas en la estructura, busco fotografías porque normalmente las ilustraciones ya están simplificadas o no te dan el panorama completo como tú tienes que aprenderlo. Paso muchas horas viendo los colores, cuando termino de hacer el boceto en grande, voy viendo el color base, el color secundario que tiene la luz, ¿por dónde está la luz? ¿por dónde está la oscuridad? Escucho música, para sentirme mejor, tener un buen estado de ánimo donde yo pueda estar dibujando por 7 horas que sí me las he aventado así, dibuje y dibuje hasta que ya lo acabo en un día, es una inversión de horas, de seguir con el ánimo a todo lo que da, desde que empiezas, te sientes que estás en tu propia burbuja. Se siente, así como que nada más estás tú, tus papeles, tus lápices, haciendo lo que más te gusta, aprovechando el momento para disfrutar. Se siente, como que nada más estás tú, tus papeles, tus lápices, haciendo lo que más te gusta, aprovechando el momento para disfrutar. �@moffin13_o MARZO 2024 11 �T A L E N T O S F A V ¿Por qué no entraste a artes visuales? Me di cuenta de que también me gustaba hacer presentaciones de Canvas o de PowerPoint, escoger la tipografía, darle un enfoque diferente a las presentaciones, el cómo presentar la información, cómo acomodarla en temas de investigación de la escuela, qué colores usar, también hacer videos, porque en pandemia aprendí a hacer videos de cómo hago mis dibujos desde cero. Aprendí intuitivamente a cómo editar, poner audios, animaciones, me gusta transmitir con palabras, no solamente una composición visual, sino que tenga escrito lo que quiero comunicarle a la gente. Mis papás, me hicieron despertar desde muy pequeña el hecho de que, no todo el tiempo solamente vas a dibujar y ya, tienes que planear una forma de vender tu trabajo, porque te pueden notar por tu trabajo, pero lo que vas a vender también son tus propuestas, tienes que hacerte oír, hacerte visible ¿quién eres tú? ¿de qué habla tu trabajo? , al principio se me complicó un poco, pero después fui perdiendo ese miedo en lo que me dicen mis papás, hacerte notar, que hablen de ti, que te recuerden, que siempre te tomen en cuenta, la capacidad que tienes, eso me lo dijeron desde que entré a secundaria porque en primaria llegué a participar en concursos, eso me motivó muchísimo a seguir en las artes plásticas, después me encargaron hacer letreros, pintar murales de 3 metros en la secundaria, hacer los bocetos. Después entre al Madonnari el cual gané 2 veces, ya cuando se atravesó la pandemia decidí empezar mi negocio porque también disfruto de complacer a la gente, les gustaba lo que hacía en mi estilo de dibujo, en cómo proponía ideas, tratar de entenderlas, porque yo sé que no muchos saben plasmar la idea imaginaria que tienen en su cabeza pero a mí me gusta ayudarles a aclarar un poco sus ideas o comprenderlas, entonces esos fueron mis comienzos, me gusta vender todo lo que yo hago, también vender lo que ellos me piden que haga, tenía muy en cuenta lo que querían, lo que les gustaba, porque 12 MARZO 2024 �No muchos saben plasmar la idea imaginaria que tienen en su cabeza pero a mi me gusta ayudarles a aclarar sus ideas. era lo que ellos necesitaban. Me gustaría aprender sobre mercado, estrategias de ventas, para empatizar con la gente en cómo piensa y cómo llamar su atención. Antes vendías tus obras a un precio muy bajo ¿A qué se debió esto? No muchos pagarían por algo que solo lo ven como un dibujo, si es un dibujo, pero lo que representa son las ganas de tener esa imagen en tu posesión, ¿te gusta lo que yo hago?, pues lo puedes obtener, pero dándome algo a cambio, que es lo que a mí me ha costado hacer, he conocido gente que dice “a mí me gustaría tener algo tuyo”, y yo digo “sí, pero a cambio me gustaría que me dieras dinero para que pueda ampliar lo que yo puedo ofrecer a la gente”, si puedo hacer una técnica en acrílico, pues quiero más pinturas, necesito dinero, pero sí los vendía baratos porque no estaba tan desarrollada mi habilidad de dibujar cosas complicadas batallaba en algunas partes de la anatomía humana, también me costaba hacer fondos, tenía ese miedo a que me lo fue- ran a pedir y que no saliera como ellos lo imaginaban o no les terminara gustando, muchos dicen “seguro sabes más cosas, ya dibujas muy bien deberías ya de haber aprendido eso”, pero no porque sepas de anatomía necesariamente tienes que saber de fondos o viceversa. Siento que a veces no cumplo con la expectativa de la gente en cómo me ve, cómo he hecho algunas ilustraciones, claro que lo puedo hacer, pero denme tiempo. ¿Cuáles son tus principales influencias artísticas? La naturaleza que tengo en mente y veo constantemente en paseos, en el atardecer, mediodía, noche, en los diferentes ecosistemas, los animales que los habitan. Los artistas que pude conocer gracias a los videos de YouTube, conocerlos y ver su forma de ser, sus estilos de dibujo, lo que transmitían con su estética visual. Las maravillas de los cuentos o novelas, como echan a volar tu imaginación, sientes esa inspiración en como poder plasmarlo en físico, mis recuerdos tan lindos, sobre esas personas y la música. ¿Cómo describirías tu estilo artístico, en pocas palabras? Bueno, mi estilo es muy detallado, pero al mismo tiempo es llamativo en el aspecto de los colores, me gusta que tenga ese efecto de Impresionismo, juego con la luz MARZO 2024 13 �T A L E N T O S F A V Muchas veces no existe nadie que te guíe en esos momentos, sientes una profunda tristeza, te transformas tu mismo en una piedra en tu camino. y estructura como en el semi realismo y lo combino con el estilo Cartoon o anime. ¿Te has fijado que algunas personas tienen miedo de dibujar? ¿qué les dirías a la gente que tiene ese miedo a dibujar? Sí, me he fijado bastante ahora que tengo un mes de experiencia con mis compañeros, sé que no es requisito, pero es una herramienta muy básica, entiendo que no todos tengan esa habilidad desde pequeños, pero siento que solo es de perder el miedo de enfocarse en ellos mismos, lo que he aprendido es que nunca te fijes en la vida de los demás, porque puede que te sientas menos, ellos no son tú, sé que puede llegar a ser frustrante que tus dibujos no se vean tan buenos como los demás, pero lo importante es reconocer la habilidad que tienes, saber cuál es tu límite y cómo manejarlo para seguir mejorando. Muchas veces no existe nadie que te guíe en esos momentos, sientes una profunda tristeza, 14 MARZO 2024 te transformas tú mismo en una piedra en tu camino por eso es fundamental solucionar esos problemas emocionales. Es importante la humildad, porque cuando hay alguien mejor que yo, nunca es el caso de que tenga envidia, me sorprendo, me dan ganas de preguntar ¿cómo lo hiciste? quiero saber, me encanta investigar el arte de la gente. ¿Cómo aprendiste a usar las técnicas de Acuarela? Prueba y error, porque las acuarelas son muy intuitivas; le pones mucha agua, no hay mucho color, le pones poca agua y sale mucho, hacía pruebas en hojas aparte, experimentaba con mis primeras ilustraciones, veía dibujos ya hechos para estudiar sobre el uso de los colores ¿Has tenido bloqueos creativos? ¿Cómo los superas? Si los he tenido, ahora un poco más en mi carrera, pero siempre procuro ver desde antes los proyectos para tener el tiempo de tener esas ideas que me motivan a realizarlas, siempre teniendo en cuenta el trabajo que piden que cumpla, así igual con el objetivo que quiero cumplir de poco en poco en mis ilustraciones, en su composición, tomando un descanso en ver películas, videos, platicar con mis amigos sobre mi frustración, e ir tomando mi propio espacio para intentar otras cosas aunque sean pequeñas, que me ayuden a volver a mi objetivo principal, no es fácil, pero hago que lentamente fluya el paso de la inspiración �¿Tienes algún consejo para artistas que apenas van comenzando en este mundo? Que siempre se motiven en lo que más les llame la atención e identifiquen qué punto fuerte destaca en ellos para poder explotarlo, que en ellos tengan la ambición de mejorar, investigando técnicas y modos de expresión para ver como transmitirlo a la gente, perder un poco el miedo del fracaso que es muy útil para después ver que si se necesita entender los puntos débiles que tuviste, al igual que para extender tu panorama creativo es ver varios temas sociales. Que ayuden a complementar esa pieza que te falta en tu camino, en desarrollar ese talento que no has podido descubrir tú mismo, al igual que, la ayuda de alguien, donde te muestre esos detalles que perfeccionen tus objetivos a corto plazo, y así ir alcanzando más en el futuro. ¿Hay algún ejercicio de dibujo que recomiendes para mejorar? Dibujar cosas pequeñas, lo que más te llame la atención ilustrar o bocetear, pero con el uso de referencias fotográficas para poder practicar las estructuras de objetos, como lo es la figura humana, experimentar con los colores y sus armonías, por último recomiendo muchísimo estudiar lo que más te intrigue aprender, para poder aplicarlo hasta dominarlo en su totalidad. MARZO 2024 15 �T A L E N T O F A V JONATHAN MORENO DISEÑADOR UX/UI Nos reunimos con Jonathan Moreno, diseñador gráfico y consultor, especialista en UX/UI, platicamos de su trabajo en el ámbito de las nuevas tecnologías, el desarrollo del diseño de interfaz de usuario y su experiencia trabajando en el extranjero POR: MILTON ROJAS C FOTOGRAFÍAS E IMÁGENES DE: JONATHAN MORENO uéntanos un poco sobre ti y a lo que te dedicas. Hola, hello, bonjour, mi nombre es Jonathan. Soy Consultor Senior UX/UI, actualmente radico y trabajo en la ciudad de Montreal, Canadá, en la industria de las tecnologías de la información (IT). Respecto a mi formación académica, dediqué muchos años a estudiar diseño gráfico. Estudié la carrera técnica de Diseño Publicitario en la prepa UDEM, después la licenciatura en Diseño Gráfico y posteriormente la maestría en Diseño Gráfico, ambas en FAV, UANL, en Monterrey, México. Adicional a ello, he tenido la oportunidad de complementar mis estudios en la Universidad Complutense de Madrid, España, y Concordia University en Montreal, Canadá. Cuento con 13 años de experiencia profesional, comencé a trabajar muy joven en el ámbito del diseño gráfico desde 2011, experimentando diversas áreas como el diseño web, branding, medios impresos, diseño de interacción, etc. Hoy en día trabajo como Concepteur UX/UI Senior bilingüe (francés–inglés) para una de las empresas de mayor prestigio en consultoría en tecnologías de la información, en Quebec, Canadá, colaborando en proyectos para compañías de gran tamaño alrededor de todo América del Norte. Por otro lado, en mi tiempo libre sigo mi pasión por enseñar como profesor para una de las academias en línea de tecnología más importantes de Latinoamérica, con sede en Argentina, llamada Coderhouse. Al mismo tiempo también ejerzo como mentor académico para la academia internacional en línea CareerFoundry, ambas en la disciplina de UX/UI. ¿Cómo diste con esta rama del diseño? Hoy en día es bastante importante, ¿cómo te interesaste en la carrera de diseñador UX/ UI? Toda mi formación académica y experiencia profesional temprana fue orientada al área de diseño gráfico, tuve la oportunidad de experimentar diferentes subespecialidades dentro de esta disciplina, hasta encontrar mi verdadera gran pasión, 16 MARZO 2024 �que es el enfoque a la industria de las tecnologías de la información. Mi pasión por la especialidad del User Experience and User Interface comenzó a partir de iniciar mis estudios de maestría, comencé a direccionar mi carrera y tesis al dominio de las startups de alto impacto. Por su naturaleza, esto implicaba hacer una inmersión en el factor de las nuevas tecnologías y su relación con la disciplina del diseño gráfico. Fue ahí donde inicié verdaderamente a especializarme en ello, primero a nivel académico, posteriormente pasar a la práctica profesional, obteniendo mi primer empleo como Diseñador UX/UI con enfoque en atender solamente fast-growing tech startups. Después tomé la decisión de orientar mi carrera a atender solamente proyectos relacionados al sector IT. De ahí en adelante, cada oportunidad laboral ha formado todo el toolkit de competencias, conocimientos, y experiencia necesaria para desempeñarme en los proyectos que ejerzo hoy en día. He sido muy afortunado en experimentar y entender las perspectivas bilaterales de los diferentes tipos de empresas, cuando uno ejerce como colaborador, como lo son las startups de high tech, dónde el tipo de trabajo es siempre acelerado, retador, innovador, muchas veces con gran libertad creativa e injerencia en la toma de decisiones estratégicas. Así como yo tuve mi propio camino, experiencia en cómo inicié mi carrera en UX/UI en una etapa temprana en la industria del diseño gráfico en México, cuando aún no era entendido como el fenómeno que hoy es visible, me gusta compartir mi conocimiento para facilitar el camino a aquellas personas que están interesadas en el ámbito, ya sea como profesor, consultor, o colega, siempre me muestro disponible para compartir. Personalmente veo todo como una serie de eventos concatenados, uno da dirección a su práctica profesional, se prepara, siembra las oportunidades, mientras que el resto se da por causalidad en el tiempo y espacio correspondiente. ¿Por qué crees que es importante el diseño de interfaz de usuario? “El diseño de interfaz de usuario es una disciplina muy importante en nuestra sociedad”, esa es una afirmación muy cierta. Estamos viviendo en un entorno donde la tecnología ha permeado en la vida del ser humano de una manera holística y contundente. Pensar hoy en día en algún ámbito de la vida que no lleve explícito o implícito el factor tecnológico, es difícil de concebir. Se entiende que la tecnología está presente en cada uno de los aspectos de la vida humana, y que su objetivo de manera general es el mejorar y facilitar la vida de las personas, así como abordar desafíos y necesidades humanas. Entonces, si ponemos atención a esa explicación, podemos observar que el concepto humano figura al centro del propósito de la tecnología, y que cualquier extensión de ésta, gira en torno a la satisfacción de las necesidades del humano. Lo cual me lleva a plantear, que, si la tecnología está hecha para atender necesidades humanas, en algún punto y sin importar el nivel de injerencia, ¿quién hará uso de estas tecnologías? La respuesta es el humano, o mejor dicho, el usuario. Partiendo de esa breve reflexión podemos decir que siempre al hablar de tecnología, de manera explícita o implícita, el concepto de diseño de interfaz de usuario estará presente en cualquiera de sus diferentes vertientes. Y digo diferentes vertientes porque al hablar de interfaz de usuario no solo nos limitamos a hablar de interfaz visual mejor conocida como interfaz gráfica de usuario (GUI), sino también de otros diferentes tipos como interfaz de línea de comandos (CLI), interfaz táctil, interfaz de voz, realidad virtual, o interfaz de usuario natural (NUI). Poniendo un ejemplo coloquial, de qué nos serviría contar con un software capaz de generar respuestas a los grandes problemas de la humanidad, si es difícil de entender cómo funciona, o peor aún, imposible de operar debido a una pésima o MARZO 2024 17 �T A L E N T O F A V nula interfaz de usuario. ¿Sería muy irónico, no?, Bueno, pues así de relevante es el diseño de interfaz de usuario dentro del dominio tecnológico. ¿Cuál es la tarea más difícil que has encontrado al hacer el diseño de una interfaz? Los desafíos más importantes para un diseñador UX/UI son encontrar un entendimiento holístico de los problemas y por consecuente, pensar en soluciones efectivas y viables. Desde mi punto de vista, el comienzo del reto es entender la disciplina como una especialidad que se enmarca en otros procesos de trabajo mucho más amplios. Al hablar de UI hablamos de una fase específica que se subscribe dentro de otros procesos más grandes. Es un engrane dentro de una gran maquinaria, si ese engrane está desalineado o no va al mismo ritmo que el resto de la maquinaria, las cosas no van a salir de manera óptima. El diseñador de UX/UI debe tener un buen dominio de cuatro grandes factores. El factor diseño, con una capacidad creativa y técnica para materializar soluciones bajo los más altos estándares de la industria y bajo una perspectiva centrada en el usuario. El factor tecnológico, un buen entendimiento de los tipos de tecnologías, los procesos, la viabilidad y su relación con la experiencia de usuario. El factor negocio, ser capaz de procesar los conceptos primordiales de la industria. Poder traducir objetivos de negocios en planes de acción, trabajo UX/ UI. Y el factor estratégico, ser capaz de tener un buen criterio y dominio de los métodos. La tarea más difícil al diseñar una interfaz de usuario suele ser la de encontrar un equilibrio entre los elementos clave para una solución UI efectiva, asegurándose de que la interfaz sea atractiva, usable, adaptable y accesible. 18 noviembre MARZO 20242023 Requiere un comprensión profunda de los usuarios, sus necesidades y los objetivos del diseño y negocio. Y al momento de hacer eso, ¿el factor de diseño es más importante que todo lo demás? Probablemente la respuesta más aceptada podría ser no. Siempre dentro del UX/UI lo más importante es responder a las necesidades del usuario, tomando en consideración también los objetivos de negocio de la compañía con la que estamos trabajando. Entendiendo en esta pregunta en particular el factor diseño como algo más relacionado al tema gráfico, visual, estético, idealmente no se debería superponer como prioridad antes de responder a las necesidades del usuario. Por otro lado, si entendemos el concepto diseño, como ese maravilloso concepto que es alinear soluciones estéticas y funcionales, entonces sí. El factor diseño debe implementarse y nutrirse de todos los hallazgos previos dentro del proceso de diseño de productos digitales. Un buen diseño UI siempre estará anclado a descubrimientos UX bien fundamentados, una infraestructura o marco tecnológico bien pensado y viable, así como a una definición de objetivos de negocios claros y coherentes. ¿Cómo es tu proceso de trabajo? ¿Cómo llegas a materializar la idea final de tus diseños? Me gusta gestionar mis procesos acordes al reto que se me presente, de inicio a fin. Me apasiona fundamentar mi práctica en metodologías, teorías, técnicas líderes en la industria, acorde a mi criterio para cada proyecto. De manera muy general, para referirme a la fase de producción de UX/UI dentro de cualquier otro proceso más grande para cualquier tipo de solución tecnológica, se le suele llamar UX/UI process. �Dentro del UX/UI process, existen diversos recursos en materia de metodologías, métodos y técnicas para llevar a cabo la labor. En mi caso, gestiono mi planeación y planteamiento de lo que creo que es mejor para cumplir en tiempo y forma con objetivos de negocio. Tomando en cuenta que otros procesos de otras áreas profesionales pueden impactar o tener injerencia en mi planeación de manera directa o indirecta. El proceso de diseño de experiencia de usuario (UX) y diseño de interfaz de usuario (UI) es un enfoque iterativo que se centra en comprender las necesidades de los usuarios y crear soluciones efectivas, eficientes y agradables de usar. Describiré un poco de lo que es este proceso: investigación y análisis; definición de objetivos y requisitos; creación de arquitectura de la información, sitemaps y userflows; creación de wireframes y prototipos; diseño visual (puede o no incluir el concepto Design Systems); validación (User testing); desarrollo e implementación; pruebas y evaluación; lanzamiento y seguimiento. Es importante tener en cuenta que el proceso de diseño UX/ UI puede variar según el proyecto y las necesidades específicas. También se trata de un proceso iterativo en el que se retroalimenta continuamente y se ajusta el diseño en función de las pruebas y la retroalimentación de los usuarios. La colaboración entre los equipos de diseño, desarrollo y usuarios es fundamental para lograr un diseño exitoso. ¿Tienes un estilo que hayas estado desarrollando hasta ahora? ¿Cómo lo describirías? Estrictamente hablando acerca del diseño de interfaz de usuario, en contraste con otras especialidades del diseño gráfico como la ilustración, el factor estilo gráfico personal, no se hace presente en la solución final, o por lo menos no debería ser así desde mi punto de vista. Ya que en el UI la solución gráfica y los elementos de UI siempre van a corresponder a las necesidades del proyecto y estarán supeditadas a las convenciones globales de interfaz de usuario. No obstante, sí creo que he desarrollado un estilo personal, que se refleja sobre todo en mi metodología personal de trabajo, en la premisa de creer en el diseño inteligente, y en mi criterio profesional que me permite poder asesorar clientes como consultor en UX/UI. Me fascina concebir mi quehacer profesional como una mezcla interesante entre ciencia y creatividad, dónde me permito experimentar con los diversos recursos disponibles en el universo del diseño y la tecnología para generar nuevas soluciones. Es interesante y a la vez un poco disruptivo para las personas con formación en diseño, el recordar que la creatividad no solo se manifiesta al producir diseños visuales, sino también se hace presente desde el momento en que generamos pensamientos divergentes a las soluciones convencionales, cuando ponemos en acción nuestro criterio y pensamos en identificar oportunamente los problemas principales de un usuario, y pensamos en cómo solucionar dichos problemas de manera efectiva e innovadora. Para mí, ese es el factor creatividad/estilo dentro de la disciplina de User Experience and User Interface. ¿Cuáles o quiénes son tus principales inspiraciones en el diseño de UX/UI? Una persona que me inspira mucho, que es un referente en cuanto a la disciplina del diseño y la tecnología, es el Dr. John Maeda, especializado en el proceso de investigación en la disciplina del diseño y la tecnología. Fue director de la prestigiosa Universidad Rhode Island de Estados Unidos, ha sido consejero invitado en el tema de tecnología y diseño para grandes empresas del mundo, es consulMARZO 2024 19 �T A L E N T O F A V tor, ha tenido puestos como directivo asociado en empresas muy importantes y tiene muchos libros que hablan acerca de liderazgo, de la relación entre el diseño y la tecnología, y cómo el diseño puede aportar muchísimo valor a todo el tema tecnológico. Entonces para mí, él es un referente muy importante en esta área, es una persona muy citada en la disciplina del diseño y la tecnología, me parece un personaje contemporáneo fascinante. Como todo tu trabajo se desarrolla principalmente en el idioma francés, ¿cómo manejas este reto? Además de todo lo que implica el tener que estudiar y especializarse en una industria como lo son las tecnologías de la información, el idioma se ha convertido en un must que he tenido que compaginar por la naturaleza de los frameworks de tecnológicos y lo que esto demanda. Como es fácil de deducir, el inglés siempre ha sido un idioma que se dice que abre muchas puertas a nivel profesional, sin embargo, personalmente el idioma francés ha tomado un papel protagónico que me ha permito tener experiencias profesionales muy interesantes. Yo comencé a estudiar francés en el año 2013 mientras comenzaba los primeros semestres de mi licenciatura, comencé a estudiarlo como un hobbie por mi gusto por la cultura francesa, sin dimensionar que esa decisión algún día se iba a con- 20 MARZO 2024 vertir en un catalizador para mi quehacer profesional y vida en general. Siendo más tarde en mi carrera cuando identifiqué que podría ser una llave para llevar mi carrera al siguiente nivel, y formalicé mis estudios con certificaciones oficiales que avalan mi nivel de francés. A lo largo de mis experiencias de vida, el francés me ha permitido desenvolverme en diferentes ambientes tanto laborales como personales, en las diferentes oportunidades que he tenido al viajar al exterior y de manera remota. Hoy por hoy, puedo decir con alegría que me desempeño en un puesto completamente bilingüe, dónde la comunicación en idioma francés e inglés se hace presente en mi cotidianidad. Desde la comunicación en los talleres de UX, Service Design hasta la comunicación con ingenieros de software. Sin duda alguna el idioma francés es una pasión en la que día a día me sigo desarrollando y la cuál siempre será un constante aprender. �¿Cómo se dio la oportunidad de que fueras a vivir a Canadá? De manera orgánica, diría yo. Creo que siempre fue un proyecto que visualicé de manera aspiracional pero que nunca dimensioné que fuese a pasar de la manera tan natural y es pontánea como pasó. Siento como si hubiese sido algo para lo cual me estuve preparando mucho tiempo, pero que nunca pensé que se fuese a hacer realidad. Tuve un primer acercamiento con la ciudad de Montreal en el 2018, cuando tuve la oportunidad de vivir y estudiar un tiempo en la ciudad. Ahí me empecé a relacionar a nivel profesional con algunas personas dentro de la industria tecnológica, así como de hacer varias amistades a nivel personal. Posteriormente tras la pandemia, se incrementó la demanda de profesionales dentro de la industria de tecnologías de la información, y fue ahí donde se presentó la oportunidad formal para reubicarme completamente a la ciudad de Montreal. Hubo un acercamiento profesional de una empresa que se interesó en mi perfil, ya que mis aptitudes encajaban perfectamente con lo que ellos estaban buscando, y me realizaron la propuesta. Sin duda alguna el hecho de que yo ya hablaba francés fue un punto clave para que se presentara la oportunidad, y a pesar de que no fue fácil tomar la decisión, decidí aceptar la propuesta. En retrospectiva lo veo como un golpe de suerte y otras veces lo veo como un proyecto de vida para el cual siempre me estuve preparando y simplemente sucedió. Genuinamente no lo vi venir, nunca pensé que fuese tan real, fue algo muy inesperado, por irónico que suene. La creatividad no solo se manifiesta al producir diseños visuales, también se hace presente desde el momento en que generamos pensamientos divergentes a las soluciones convencionales”. ¿Cuál es tu consejo para quienes están incursionando en el diseño de interfaz de usuario y las tecnologías? En primera instancia y aunque suene trillado, mi consejo sería que las personas sigan sus sueños, por más lejanos que parezcan. Que tengan confianza en sí mismos, que definan qué es lo que quieren y que tengan la certeza de que trabajando y aplicándose pueden lograr todo lo que se propongan. Todos tenemos la capacidad de alcanzar nuestros sueños tarde que temprano, es solo un poco de paciencia, disciplina, trabajo, creatividad y se puede lograr. Ya a un nivel más concreto, y es algo que siempre le digo a mis alumnos de Argentina, es que trabajen en su career path, identifiquen dónde se encuentran hoy en día, con que herramientas cuentan hoy por hoy, y que contrasten eso con la idea de hacia dónde quieren llegar, y qué necesitan para llegar ahí. Al hacer ese ejercicio obtendrán respuestas más concretas que les permitirán comenzar a generar sus propias rutas de cómo llegar a ese punto que desean. Redes SOCiales _ INSTAGRAM @designbyjonathan _ SITIO WEB www.jonathanmoreno.ca _ LINKED IN In/jonathanmnog MARZO 2024 21 �DIBUJO, HÉCTOR MORALES ALEGORÍAS yVIDA Con estudios en Arte Dramático y Escenografía; y una notable trayectoria en la pintura artísticamural; el profesor Héctor Manuel Morales Orona, nos habla sobre su particular fijación en el cuerpo humano y el valor de la experiencia de vida en su obra como artista y en la enseñanza. REDACCIÓN POR: SEBASTIÁN MÉNDEZ JARAMILLO ILUSTRACIONES POR: HÉCTOR MORALES ¿De dónde nace este interés por el dibujo y por qué la figura humana en particular? Yo me decidí por la figura humana porque como dibujante y artista, el cuerpo siempre ha sido uno de los motivos que me hace dibujar. Me gusta la figura humana y veo en ella todos los elementos que un dibujante puede percibir en cuanto al volumen y la expresividad. Hay varias cosas ahí como elemento didáctico que te permite programar una manera de enseñar y plantearlo paso a paso, empezando desde la estructura, luego el volumen y algo de anatomía; para que así, esto te permita abordarlo por temas y también llevarlo de algo sencillo a algo más complejo. 22 MARZO 2024 �Viento Cósmico por Héctor Morales Por ejemplo, cuando yo dibujo una montaña pienso en una figura humana porque veo volumen, proporción entre otras cosas; y bueno, eso es como dibujar un cuerpo. Hasta el paisaje lo veo desde ese mismo punto de vista, siempre me encuentro dibujando cuerpos y fue uno de los motivos que me llevó a querer adentrarme un poquito más a la figura humana. Aunque a mí me gusta dibujar de todo. Es interesante esa comparativa con el paisaje y la figura humana, ¿tuvo algún referente en su desarrollo como dibujante en ese entonces? Yo empecé dibujando paisajes muy influenciado por la maestra Saskia Juárez. Cuando yo quise ser pintor era porque yo veía su obra y me gustaba mucho, pues de esas casas sólidas que había en su trabajo intentaba reproducir desde lo que yo veía. Para mí, en esa solidez de las casas, se convirtió también en cuerpo, y así, la figura estaba ahí siempre. Saskia fue una referente para mí como estudiante ya en formación; cuando ya decidí tomarme enserio como artista y como pintor estudié Técnicas Antiguas. A partir de ahí pasé a entender también los materiales con los que estaban hechos la pintura y el dibujo, a aprender muchas cosas de la figura humana y todo eso fue como “cayendo”, donde todo empezó a recobrar sentido. Y referentes así a nivel muy personal no te puedo decir que haya tenido yo un maestro; más bien tuve “alter egos”. Uno de ellos fue Miguel Ángel; del que se aprende mucho viendo, pues no es que necesitas tener un maestro a tu lado, sino más bien… que a veces son maestros imaginarios y él es uno de ellos, aunque suene muy “pesadito” decir eso pero sí, viendo sus dibujos y pintura aprendes. Por ejemplo, en los cuerpos de Miguel Ángel no son cuerpos naturales, son figuras que, aunque eran a capricho suyo, se denota lo mucho que sabía de anatomía en la misma torsión de los músculos y todo aquello que no era precisamente natural en los cuerpos. Esas cosas me siguen llamando mucho la atención y también son cosas que trato reproducir en mis propios dibujos. También estaban Leonardo (Da Vinci) y Rembrandt y pues todos los pintores antiguos porque en ellos, yo veo sus dibujos como “apuntes” para algo más. Yo no lo veo como ahora, que tenemos el dibujo contemporáneo y es como “voy a hacer un dibujo”. Yo infiero en que los maestros antiguos decían, “voy a hacer un apunte, para luego llevarlo a un estudio y recrear una pintura”. Entonces, sus dibujos son apuntes para una pintura porque justo contienen todos los elementos que ellos usaron en la realidad, porque tú ves planos de distancia de un dibujo y hay saturaciones, los materiales que tenían, el color en el dibujo, y para mí eran como “códigos encriptados” que luego te metías al laboratorio, el estudio del artista, y se convertían en un cuadro, porque toda la información está ahí contenida, y eso me gusta ver de los dibujos de los maestros antiguos, algo que yo no veo en los dibujos contemporáneos. Y una de las cosas a estudiar en Técnicas Antiguas fue eso, detenerme en observar esos dibujos, y con eso, pude adentrarme más en el estudio de la figura humana, algo que todavía estoy tratando de entender. No es que yo lo domine, sino más bien, yo sigo aprendiendo. MARZO 2024 23 �D O C E N T E No quiero decir que tenga que ser terapéutico el arte, pero sí que tiene un ingrediente; aunque yo no lo tomo desde ese ángulo, sino como una experiencia de vida, y a partir de eso sí que te transforma y te da conocimiento, Partiendo de ese continuo aprendizaje con la figura ¿cuál considera uno de sus proyectos más importantes y qué le enseñó de su proceso creativo al llevarlo a cabo? Sí, hay un proyecto en particular que a mí me sirvió incluso para escribir mi tesis y es un proceso de creación, que partió de cosas que yo estaba sintiendo en ese momento, porque siempre he considerado que el arte está implicado con las experiencias de vida. Entonces, el artista está viviendo su vida y al mismo tiempo está queriendo crear algo, así digamos que con este proyecto partí de una situación particular que me empezó a afectar de tal manera que tuve que preguntarme: “¿qué voy a hacer con esto?” Y a partir de esa pregunta dije: “pues soy pintor, tengo que convertirlo en algo, encontrarle una salida a esto que me está… fastidiando.” De esa manera, esa experiencia que en un principio no me dejaba dormir; literalmente me la pasaba en insomnio, surgió una idea de crear a partir de esos movimientos en los que te revuelcas en la cama buscando el sueño sin encontrarlo y aquellos acomodos instintos del cuerpo, un proyecto que lo llamé “Cuerpo Insomne”. En Cuerpo Insomne me permitía tener como motivo principal las composiciones del cuerpo y ahí hicieron “clic” muchas cosas, lo que yo sentía y cómo lo representaba a partir de la experiencia en las posiciones incómodas del cuerpo y en las alegorías que yo utilizaba para representar las cosas que me estaban molestando, las que me daban miedo. Entonces busqué alegorías del miedo y lo asocié con el cuerpo, incluso también pensé realizar como un tipo de partitura dancística. Primero maqueté la iluminación que iba a formar parte del estado emotivo de la obra, ahí el color fue un elemento importante pues sería la vía para adentrarse a una convención emocional. Posteriormente pude trabajar con un actor, al que le daba indicaciones y él las interpretaba, para después hacerle una sesión fotográfica y partiendo de ese material que yo recopilé, empecé a dibujar. Al final hubo una especie de transformación, porque como artista cuando tomas un proyecto, ese mismo te tiene que aportar algo, un conocimiento o una experiencia. Fue un trabajo que duró dos meses pero que la repercusión de eso ha continuado porque me dio para terminar mi tesis y el proyecto de un libro que tengo ahorita. Pero también fue la manera anímica en la que entré y la forma en la que salí, y considero que fue para bien, porque el arte no es para fregarte, es más bien lo contrario, como para sostenerte, para no dejar que te hundas en el lodo o que te vayas a un hoyo. No quiero decir que tenga que ser terapéutico el arte, pero sí que tiene un ingrediente; aunque yo no lo tomo desde ese ángulo, sino como una experiencia de vida, y a partir de eso sí que te transforma y te da conocimiento. Te hace madurar. 24 MARZO 2024 CUADROS DE PROYECTO CUERPO INSOMNE te hace madurar. �¿Qué ha aprendido de su voz creativa al dedicarse a la docencia? La creatividad tiene que ver con la docencia en el sentido que, la misma te permite transformar experiencias. Por ejemplo, la del dibujo es una por sí sola porque estás tú dibujando, o sea, te toca de alguna manera. Entonces en el arte aunque uno cree que es la libertad absoluta… tiene reglas y formas de proceder, y si uno no lo ve así no le dará resultado. También te da esa posibilidad de enseñar a partir de una metodología, y a veces esa la haces tú como creador porque conoces los materiales y los temas con los que se va a trabajar. Yo siempre les digo a mis estudiantes que les voy a mostrar formas en las que a mí me ha dado resultado, pero ellos también pueden aportar e ir integrando técnicas y van haciendo sus propias metodologías. La creatividad está ahí en el sentido en que tú transformas tus maneras de trabajar en procedimientos. De repente me gusta grabarme cuando me pongo a dibujar o a pintar de manera libre, para después poder analizar esos procesos que yo hago o que repito, y al final en cosas que yo anoto y que pueden influir en mis clases. ¿Han influido sus estudios en Arte Dramático y Escenografía en los métodos de enseñanza que menciona? Ah sí, totalmente, porque la creatividad te conecta. Es como un puente en el que, a mí por ejemplo, los estudios que he hecho en Arte Dramático me han servido mucho; para trabajar primero mi propia obra y segundo, para enseñar. Yo aprendí mucho cuando estuve estudiando teatro y sobre los procedimientos de creación que ahora los utilizo en mis clases, no quiero decir que enmedio de una me ponga actuar, sino más bien, es conectar métodos y hablar de la composición, al igual como enseñar sobre la disposición de elementos en un escenario. Suena como una gran forma de relacionarse con sus alumnos como profesor, y preguntando más a profundidad sobre ellos, ¿cómo lleva a cabo la situación o qué estrategias aplica al enseñar a alumnos que no tienen experiencia en el dibujo? Si da miedo porque luego los estudiantes creen que tienen que saber todo, pero es que “el dibujo te enseña”, si es cierto que hay una parte que no puedes instruir por muy buen o mal maestro que seas, pues no puedes enseñar la experiencia de vida, porque esa es nada más suya. Lo que he tratado es: primero pensar que el dibujo sí se puede enseñar y aprender, no al 100% por las experiencias que comenté, pero sí que hay maneras de proceder incluso para alguien que nunca ha dibujado. Entonces, a partir de eso lo que yo propongo como metodología de enseñanza es irnos de lo elemental a algo más ambicioso. Dibujar una esfera en vez de la cabeza, o elementos muy básicos de geometrías muy sencillas para luego, ir señalando y agregar cosas de mayor dificultad. También es útil ir revisando a otros autores. Por ejemplo, me gusta mucho lo que hizo Betty Edwards porque ella enseñó a dibujar a gente de una fábrica por primera vez, se fue a darles clases y ella empezó a mostrarles como dibujar relaciones entre líneas, de manera que al final de todo esto, tenían un retrato completo y no se habían dado cuenta que lo habían hecho. Al final, si les exijo de alguna manera la complejidad que debe tener, sobre todo en el PIA, que debe haber una temática y justificación, porque ya tuvieron recorrido en el semestre y creo que ya pueden hacer algo un poquito más elaborado. MARZO 2024 25 �D O C E N T E Reitero, sean responsables con su talento, que si lo tienen deben hacer algo por ello, cultivarlo y prepararse mejor; y tomen enserio lo que están haciendo, porque solamente de esa manera van a ser conscientes de que son creativos y que pueden aportar algo a su entorno. Usted mencionó que se encuentra trabajando en el proyecto de un libro, así que, ¿cuáles son esos nuevos proyectos que tiene por delante? Sí, tengo un proyecto de un libro, ya está terminado por así decirlo, solamente que lo estoy revisando; desacomodando y acomodando. Tengo también un proyecto de una exposición individual para la cual estoy trabajando algunas temáticas, estoy apenas inmerso en la investigación sobre qué temas voy a abordar. Creo que con ese último proyecto va a ser por lo menos un año de trabajo para tener una exposición con una obra bien ejecutada y sólida. También vienen proyectos expositivos y un encuentro nacional de grabado del cual yo soy parte del comité, pues soy grabador. Será el primer encuentro nacional de grabado que se hará aquí en Monterrey, nosotros lo estamos proponiendo y sé que será interesante. El grabado es otra de las disciplinas en las que tengo como contemplado más adelante en exposiciones individuales, donde se presentarán de esos trabajos, pintura y dibujo, así que esperemos que sí ocurran. CUADROS DE PROYECTO CUERPO INSOMNE Me imagino lo relevante que se vuelve la constancia en la materia, siendo algo clave en el dibujo ¿no? Totalmente porque a mí me pasa que si yo no dibujo, porque luego también la enseñanza te quita el tiempo de practicarlo, cuando vuelvo a ponerme con ello se nota que el hábito se ha perdido un poco. Pienso que todos los días uno tiene que practicar, aunque sean 30 minutos o una hora, porque es la única forma de lograr un proceso; así es con el dibujo, la pintura y todo el arte que implica el uso de las manos. 26 MARZO 2024 Con base en su experiencia ¿qué les diría a los alumnos que estén interesados en desempeñarse en el dibujo y como puede nutrir su propia expresión artística? Lo que yo les digo siempre a los alumnos es que el punto de partida tendría que ser algo que a ellos les guste, porque si no es así, pues no llegarán a los 5 minutos y querrán abandonar el proyecto. Al ser cosas que les gustan, va a partir de algo más personal y que puede ser tomado en serio, porque es otra cosa que yo veo y es el hecho que no toman en serio lo que hacen. Podrán tener talento, pero si no son responsables no se hace gran cosa y solo queda el desinterés. Reitero, sean responsables con su talento, que si lo tienen deben hacer algo por ello, cultivarlo y prepararse mejor; y tomen en serio lo que están haciendo, porque solamente de esa manera van a ser conscientes de que son creativos y que pueden aportar algo a su entorno. Hacer consciencia de lo que tienen y qué piensan, porque decidieron estudiar artes. �REDES SOCIALES FACEBOOK Héctor Tutor INSTAGRAM @hectortutor MARZO 2024 27 �D O C E N T E ALAN GARCÍA HERNÁNDEZ DE LA PASIÓN A LA PROFESIÓN Nos platicó sobre su trayectoria profesional desde que egresó de la facultad. Lo importante de trabajar bien y cómo orientar tú pasión hacía una profesión, y las estrategias para poder monetizarlo N POR: RICARDO VERA MEJÍA os reunimos con Alan García Hernández, catedrático de la Facultad de Artes Visuales, quien imparte la materia de Análisis de Relatos. Es escritor, director y productor audiovisual y actualmente está a punto de concluir su Doctorado en la Universidad de Liège, Bélgica, en estudios cinematográficos. A continuación él mismo nos cuenta un poco de su carrera. Comenzaré diciendo, soy egresado de la preparatoria 22 de Nuevo León; lo platico porque cuando somos jóvenes y terminamos la secundaria todavía queremos tener una extensión de la escuela, ya que todavía no sabemos qué queremos hacer y el por qué tenemos que hacer algo para trabajar más allá de la respuesta evidente de necesitar dinero para vivir. Creo que es más adelante cuando descubres, qué es lo que tú vas a aportar a la sociedad. Para mí, esa es la verdadera vocación, cuando sabes con qué puedes contribuir. Al terminar la preparatoria, una persona que estimo mucho me decía que estudiara algo técnico, sin embargo, esto implicaba un año más de estudio. Es ahí donde hay un acercamiento a una orientación vocacional en la preparatoria y resulta que salía con altos puntajes en otras áreas que no tenía que ver con las artes. Curiosamente, sin ser de los mejores deportistas, salía más alto ahí que en lo relacionado a lo artístico, incluso salía más alto en biología y medicina. Sí yo hubiera hecho caso a esa orientación vocacional, quizá no estaría aquí, pero te digo con certeza que no me equivoqué. 28 MARZO 2024 �Lejos de criticar sí funciona o no la orientación vocacional, creo que tiene más que ver con una introspección tuya y el evaluar lo que estas encuestas o lo que tus maestros te dicen, y lo que realmente te hace feliz. Una tarde que estaba haciendo figuras de plastilina, ya era un adulto pero siempre me ha gustado esculpir o hacer figuras en plastilina y dibujar, aunque siempre lo había visto como un hobby como parte de mi naturaleza, fue la misma familia que me dijo «¿por qué no estudias algo referente a eso?». Fue entonces que me enteré de la Facultad de Artes Visuales; llegué con muchas dudas, pues trabajar de esto no lo visualizaba, en ese entonces estuve a nada de inscribirme en Medicina. Poco a poco me di cuenta que quizá siendo cirujano plástico orientaría ese gusto que tenía por modelar en plastilina o el dibujo, que también tiene mucho que ver. Finalmente me decido a venir aquí rompiendo todos los paradigmas familiares. En mi familia, o son futbolistas o son profesores a nivel secundaria, y no había nadie relacionado con las artes. Fue un verdadero reto en ese sentido y, afortunadamente, con todo y las carencias familiares que había, tuve ese apoyo, el cual es muy importante tener. Saber que si algo no funciona, todavía puedes dar marcha atrás. Tomé el reto y tuve la suerte de encontrar lo que se convertiría en mi pasión: las artes. Tener un tronco común me dio tiempo para definir y orientar lo que quería hacer. En aquel entonces la carrera era menos enfocada hacia el cine y más hacia la televisión, lo que me permitió ver a qué tipo de artes me quería dedicar. La gente me decía que el diseño gráfico tenía más futuro a nivel profesional, pero a mí no me llenaba. Finalmente descubrí en los medios audiovisuales, que convergía todo lo que me apasionaba, incluso empecé a tener una especie de epifanía. Me tocó el boom de los videoclubs en los 80 y 90, sobre todo del VHS. Haciendo memoria, descubrí que desde muy chico tenía una afición hacia las películas. Tuve la fortuna de que un tío tenía un videoclub, por lo que tenía acceso a películas que en ese tiempo era imposible conseguir. Fue un gran aporte, siempre le estaré agradecido a mi padrino por el desarrollo y el gusto que eso me influyó. Soy de las generaciones que se criaron con la televisión, por lo cual me tomo muy enserio lo que se produce para medios audiovisuales, porque pueden cambiar las generaciones. Tuve la suerte de que las producciones de aquel entonces enfatizaban mucho la amistad y la ética, las caricaturas de los noventa siempre cuidaban tener algún tipo de mensaje. Creo que se cuidaba más la televisión, y dicho y hecho, todos los de mi generación creemos en ese tipo de lazos y comportamiento, sobre todo la amistad y compañerismo. Me crié con la televisión y las películas como parte de una generación en la que los papás ya no están en casa por necesidades laborales. Todo eso influye en mi decisión para irme hacia los medios audiovisuales. En conclusión, si pudiera decir el secreto del éxito profesional, que no sea medido en el éxito económico convencional, creo que es ese, cuando encuentras tu pasión y el sentido de vida los puedes orientar hacia una profesión. Entonces, egresas y el reto es saber ¿qué vas a hacer? Trabaja muy bien porque nunca sabes quién va a ver tú trabajo o con quién vas a engancharte profesionalmente”. Hasta noveno semestre llevé la materia de producción de ficción con el maestro Martín Ontiveros, la experiencia que tuve con él como docente me permitió conocer el lenguaje de los medios audiovisuales en su totalidad, aunque no era cinematográfico. Ahí es donde empiezo a inclinarme en el gusto por la escritura, pues de hecho en el trabajo final, el guionista fui yo. Siempre le digo esto a mis alumnos, «trabaja muy bien porque nunca sabes quién va a ver tú trabajo o con quién vas a engancharte profesionalmente», lo cuento como una muy buena anécdota profesional. Todo lo que no hice en la carrera, lo hice en el último semestre, creo que todos tenemos ese clic profesional. Los primeros semestres estaba más interesado en el rock and roll, la música y otras cuestiones más propias de un pre-adulto. Me pasó hasta noveno semestre, más vale tarde que nunca. «Esto va a ser mi vida, mi profesión. Debo tomármelo más en serio» pensé. Me acuerdo mucho que le eché muchas ganas a ese último semestre y compañeros que se engancharon en un trabajo fueron los que me recomendaron. Entonces salí en diciembre de la facultad y en enero ya tenía un trabajo, que fue por recomendación directa de una compañera a la que aprecio mucho. En este trabajo me voy hacia el área de televisión, era una cadena privada que ofrecía sus servicios a empresas de la localidad y me contrataron como post-productor. Otra cosa increíble de la facultad es que a veces sientes que no aprendes nada, y aclaro me refiero a esa inseguridad de decir «lo vi en clase pero ahora estoy en el mundo real y no sé si realmente lo aprendí». Me enseñaron en estas máquinas que ahora ya están obsoletas, la de post-producción análoga que le llamaba la beta suit, era parte del sistema de betacam. La edición análoga requería el manejo de esas máquinas que parecía el laboratorio de El Santo, con botones y pantallas por todos lados. Y ¡oh sorpresa! el click fue instantáneo, al momento de enfrentarme ahí, resultó que sí había aprendido, que sí le sabía mover. Fue ahí donde tuve la oportunidad de orientarme al puesto que en ese entonces le llamaban “el creativo” y abarcaba un poco más de rasgos que la escritura. Desafortunadamente la empresa desaparece justo cuando apenas me estaba estrenando en ese puesto. Esto me sirve para empezar a considerar un futuro más alineado y es donde me oriento hacia la educación. Tengo todo el antecedente de mi familia siendo docentes y había algo en mí que me hacía pensar, y esto también se lo MARZO 2024 29 �D O C E N T E digo mucho a mis alumnos, en que había cosas que si me las hubieran dicho al estar en la carrera, llevaría años de ventaja. Entonces tenía esa inquietud de dar clases en mi facultad, porque tengo la camisa bien puesta, pensé: «Es mi facultad, quiero dar clases y decirle a mis alumnos las cosas que, si me hubieran dicho, me hubieran servido mucho». Elaboro un plan para llegar a la docencia, estudio la maestría y aprovecho ese tiempo para mantenerme como independiente y comienzo a ser freelance. Tuve trabajo como editor, camarógrafo y eventualmente también me cayeron trabajos de creativo. Me dio mucho gusto que me contrataran para escribir un guión para un vídeo institucional o un story board, ya que en ese entonces todavía se hacían a mano. Nosotros al estar a punto de egresar, pensamos ¿a dónde vamos? de acuerdo a nuestros intereses, y al enfrentarse uno al campo laboral, nos encontramos con que piden cierto grado de experiencia y otras habilidades que a veces en ese momento no contamos del todo. Es mi facultad, quiero dar clases y decirles a mis alumnos las cosas que si me hubieran dicho, me hubieran servido mucho”. ¿Qué recomendaciones puedes dar para encaminar con éxito la carrera artística y profesional? Siempre habrá esa necesidad de trabajar, de tener dinero, de ser independiente y de poder darse los gustos que uno quiere, por otro lado, está esa necesidad de encontrar aquello que realmente quiero hacer y ser; yo le apuesto más a esa segunda. Si quieres dinero, hay formas muy fáciles de hacer dinero, por ejemplo y lo digo sin ningún tipo de reserva, graba bodas, es un mercado que tiene para eso y mucho más. Muchas veces fui contratado para grabar bodas y te puedo decir que mi casa la compré gracias a ello, pues se ganaba muy bien y ni siquiera teniendo que ser el dueño de la agencia, a mí me contrataban otras por proyecto, yo ponía el precio, pero claro, hay que trabajar muy bien. Me tocó el boom de cuando las bodas empiezan a ser como películas, se venden de esta manera y afortunadamente en la ciudad en la que vivimos hay mucho mercado para eso. Pero llegó un momento en el que dije «Esto no es lo que yo quiero hacer». Para mí, más que buscar donde insertarse, es primeramente atender el qué es lo que quieres ser y hacer, y no siempre es exactamente lo que tú visualizas, tienes que ser lo suficientemente astuto como para saber dónde se inserta. Por ejemplo, me interesaba no sólo la docencia, siempre estuvo el hambre de hacer arte, de hacer una producción audiovisual. Sin conocimientos cinematográficos, me llamó la 30 MARZO 2024 Poster “Parpadeo”, largometraje escrito y dirigido por Alan García atención aquello que fue siempre mi pasión desde niño, el cine. Entonces empiezas a orientar tu quehacer hacia eso. En mi caso el cine, que aquel entonces era un poco más complicado, hoy en día las posibilidades son más amplias, con el boom de las plataformas de streaming hay más producciones, mayor mercado y más inmediato que antes. Ahora hay una mayor oportunidad de hacer lo que realmente quieres, solo es cuestión de redireccionar la pregunta: ¿dónde te puedes insertar?, ¿qué quieres hacer? De ahí buscar las estrategias para que eso te dé dinero. La carrera aquí en la facultad es muy versátil y permite desarrollarte en diferentes puestos. Particularmente me llamó la atención la escritura, que hoy en día mantengo y lo trato de compartir cada que tengo la oportunidad de platicar ante un auditorio o clase, si nosotros vemos el guión como tal, está muerto. El guión ha evolucionado a algo mucho más complejo y �completo, es decir, ser guionista ya no solo es escribir en el formato y plantearse una historia en un texto, el guión se ha convertido en una herramienta a tal grado que se ha usado en los medios publicitarios o marketing digital, como estrategia de lo que ahora llaman el storytelling o para hacer relatos. No se diga en la política con el famoso marketing político. Entonces, si tu sueño es escribir, puedes alinearlo a cualquier área que te lo pueda permitir, por ejemplo, puedes ser un director de campaña política porque tú estarías contando la historia de ese político a las masas. Muchos directores de campaña son las personas que dominan las estrategias que tú aprendes en una clase de guión. Si tu personaje protagonista es el político, constrúyelo y diséñalo tal cual como lo haces al crear un personaje de ficción porque vas a tratar de empatizar. La empatía es una estrategia que Aristóteles se planteaba desde la poética, es la esencia para que el relato funcione. ¿Para que provoque qué? En aquél entonces era provocar la catarsis en el aspecto de la tragedia griega, hoy en día así sea arte o algo comercial, siempre hay un objetivo a lograr. El guión funciona a través de las estrategias de persuasión para lograr un fin. Esperemos que sea un fin noble, honesto y ético, no como muchos lo utilizan. La política lo va a usar, para venderte un producto, el cine lo va usar quizá para venderte solo placer momentáneo, un deleite estético, una sonrisa o un discurso profundo y complejo, pero siempre habrá algo que se quiera vender. Entonces en ese sentido el guión me permitió esa versatilidad de discursos. Por cuestiones profesionales o de oportunidades, se me dio más realizar guiones para proyectos institucionales o incluso académicos. Actualmente mi trabajo como administrador dentro de la UANL se basa en la generación de material audiovisual académico con el cual el mismo storytelling lo utilizo para que un determinado contenido académico llegue a ese impacto que va alineado con todas las tendencias de gamificación, ahora se utilizan las estrategias de los videojuegos para venderte algo. En un principio nunca dejé mi gusto de hacer producciones audiovisuales de ficción, que esa es realmente mi pasión, pero cuando tengo que trabajar sigo haciendo lo que me gusta, que es escribir, aunque sea institucional o académico, termina siendo un deleite porque se aplican las mismas estrategias, solamente tengo que tener bien claro qué es lo que estoy vendiendo. ¿Lo buscaron o fue un descubrimiento en el camino? Te diría que he tenido mucha suerte, que no he tenido que buscarlo. Sin pecar de vanidoso, más que suerte es trabajar bien. Al igual que en el marketing, la recomendación de boca en boca es la mejor, por ello siempre le digo a los estudiantes que ahorita es realmente donde tú estás haciendo tu verdadera carta de presentación. Si trabajas bien con tu camarada, en algún momento él se va acordar de ti y te va a recomendar. A veces piensan «si el profe le flojea, entonces yo también le flojeo», pero no es para el profe, tú estás creando tu propio perfil. No es el objetivo primario del cine hacer filosofía, porque si no, no es cine, es filosofía”. Mi pasión real, si tuviera que escoger solo una cosa, sería hacer ficción. He podido darme el lujo de hacerla solo para mí. Me gusta escribir y no me puedo aguantar las ganas de verlo, así que termino haciéndolo, sin recursos y sin ningún tipo de cuidado más allá que el del placer de ver mi guión en pantalla. Hice un par de trabajos así, me aventé una película de dos horas nada más porque traía un guión que había trabajado en la maestría. Ahí conocí a un gran maestro, Giampiero Bucci, quién fue mi primer gran acercamiento a la filosofía. Recuerdo mucho que al terminar una de sus clases pensé «Todo lo que veo aquí, lo quiero transmitir a través de un guión», él como un gran filósofo me dio consejos que jamás olvidaré, «no es el objetivo primario del cine hacer filosofía, porque si no, no es cine, es filosofía», un consejo que desde entonces no he olvidado. ¿Proyectó esos trabajos a una audiencia? De esos trabajos no hubo ninguna pretensión más que el hecho de escribir algo que necesitaba escribir, el hacerlo de mí para mí. Uno es un corto, otro un mediometraje y un largometraje. En automático se empiezan a abrir puertas, me invitan a exponer en distintos lugares y fue así que hice algunas presentaciones. Curiosamente muchos años después me encuentro a un profesor que me dio clase de guión en la facultad y resulta que se acordaba de que había hecho algo bien en su clase y me invita a la cineteca a presentar los trabajos. Ahí fue donde volví a reiterar que trabajar bien te sirve de recomendación. Todo lo que había hecho hasta ese momento, mi trabajo como freelance, mis trabajos de ficción y los guiones para video institucional o cuestiones académicas, me sirvieron para llegar a la facultad listo y a punto de titularme de la maestría. Este es mi plan de vida que yo quería, dedicarme a la docencia porque iba a permitirme estar dedicado a las artes, regresar y compartir a la facultad lo que me hubiera gustado que me dijeran y me permitiría seguir produciendo por estar en el medio. Llegué a pedir trabajo y lo que me sirvió de currículum fueron esos proyectos. En aquel entonces no estaba tanto el boom de la edición no lineal o post-producción en software. Manejé algunas cuestiones de montaje y dijeron, «ah, mira, precisamente necesitamos a alguien de montaje». Entonces no fue directamente guión, que era lo que llegué pidiendo, pero eso fue lo que me permitió entrar. Ese vídeo que yo hice por gusto y placer donde había una cierta pasión, me terminó sirviendo como demo reel para que me contrataran. Picasso decía que «cuando las musas lleguen tocando a tu puerta, que te pesquen trabajando». También creo que es una MARZO 2024 31 �D O C E N T E Alan García con los hermanos Dardenne cuestión de disciplina, no hay que quitar el dedo del renglón, y esto aplica para cualquier tipo de actividad. Al final de cuentas llegué al guión tocando puertas y fue una administración particular la que le apostó a la producción audiovisual, que vio el potencial y ahí fue donde pude combinar todo. Fuera de lo respectivo a la docencia, ¿Tienes proyectos a futuro? “Me absorbe casi en la totalidad la parte de la docencia, estoy colaborando administrativamente en la secretaría académica donde eventualmente me están pidiendo que aporte desde mi experiencia en medios audiovisuales a las cuestiones académicas para tratar de ir con las tendencias globales de la educación que le están apostando mucho a lo audiovisual, y por supuesto, estoy en fase final de terminar el doctorado en la Facultad de Filosofía y Letras en la Universidad de Liège en Bélgica, pero es 32 MARZO 2024 en estudios cinematográficos. Después de haber estado allí tres años, regresé este diciembre a presentar la defensa de tesis en estudios cinematográficos. ¿Por qué en Bélgica? La principal razón es porque hay unos cineastas con un trabajo que me encanta. Son los hermanos Dardenne, originarios de una ciudad que se llama Lieja, y Festival de Cannes al que van, festival que ganan. Su película ‘Rosetta’, ganadora de la Palma de Oro en 1999, es una de mis películas favoritas. Ellos son modelos de guionistas filósofos y productores, es decir, es el ensamble de todo, ver cómo hay un discurso que obviamente tendrá un impacto social, pues sus películas las utilizan como medios para sensibilizar a la gente más allá del nivel artístico y la propuesta audiovisual que tienen. �Dan clase de guión en una de las universidades de allá y a mi se me dio la oportunidad de hacer un estudio doctoral enfocado hacia el proceso creativo del guión. Tuve la fortuna de conocerlos, platicar con ellos, entrevistarlos y aparte tomar clases de guión, es decir, tomar clases con el ganador a la Palma de Oro a Mejor guión con una película que se llama ‘El Silencio de Lorna’, que es una cátedra de cómo escribir guiones ganadores y es lo que trato de enseñarle a mis alumnos, porque el trabajo del doctorado es prácticamente una metodología de análisis y redacción de guiones para cine. Entonces lo que estoy enseñando hoy en día en clases es el resultado de ese doctorado. La docencia, la parte administrativa y el doctorado es lo que me ha absorbido, por lo que he dejado en stand by la producción personal. Por supuesto tengo proyectos parados, desde hace mucho tiempo, tengo un libro de cuentos donde los estoy tratando de escribir a partir de mi metodología de escritura, es una combinación de cuentos, novelas cortas. Todo lo que tenga en la mente lo voy escribiendo, de hecho, eso me ha funcionado como estrategia creativa, escribo algo y sé que tarde o temprano eso será parte de un proyecto, no lo dejo, lo voy almacenando y catalogando para en algún momento dado retomarlo, y así es como van saliendo. Siempre le digo a los estudiantes que ahorita es realmente donde tú estás haciendo tu verdadera carta de presentación; si tu trabajas bien con tú camarada, en algún momento, él se va acordar de ti y te va a recomendar.” Agradecemos mucho al Maestro Alan García por su tiempo para esta entrevista. Les dejamos su contacto de Facebook y compartimos su podcast ‘El Club de los Relatos’, el cual lo pueden encontrar en Spotify. REDES SOCIALES __ FACEBOOK Alan García __ SPOTIFY El Club De Los Relatos Cover de “El club de los relatos”, podcast por Alan García MARZO 2024 33 �P O R T A D A LOS INICIOS La animación en un MÉXICO ANTIGUO Acompáñanos a conocer qué proyectos y casas productoras impulsaron la industria de la animación para convertirla en lo que hoy conocemos POR: JATZIRY MARTÍNEZ CANTINFLAS SHOW (1972) E sta caricatura fue creada por el pilar de la industria cinematográfica de México Mario Moreno “Cantinflas” en conjunto con Televisa y DIAMEX, y es conocida como la primer serie de animación en el país, la trama era simple: el personaje de Cantinflas viviendo aventuras con grandes figuras históricas y educando a los pequeños de la casa. Con un total de 53 episodios de entre 5-7 minutos, varias revistas ilustradas de 24 páginas cada una, una adaptación para Estados Unidos titulada “Amigo and Friends” y un infructuoso intento de traer de vuelta la popularidad de la serie con una última revista titulada “Las aventuras de cantinflas”, este show dejó una profunda huella en el imaginario colectivo de muchas infancias mexicanas entre los 1970 y 1980. Aun siendo el trabajo menos reconocido del actor, “Cantinflas Show” fue muy innovador en su momento y se ha vuelto un legado para la industria de la animación del país, pues dicha caricatura marcó un antes y un después hablando estrictamente sobre series animadas, las cuales comenzaron a resurgir a inicios de los 2000 y solo han ido avanzando. Imagen de: revista925taxco.fad.unam.mx 34 MARZO 2024 Imagen de: cantinflashow.blogspot.com �Imagen de: alimagenes.wordpress.com Los tres reyes magos (1976) Bajo la dirección de Fernando “El abuelo de la animación en México” Ruíz y su co-director Adolfo Torres Portillo se logró realizar el primer largometraje animado en México, en una entrevista Ruíz declaró que su intención era competir contra la tradición navideña de Santa Claus y darles a los niños mexicanos su propia tradición para las fiestas decembrinas tal como lo hizo el presidente Pascual Ortiz Rubio, que en la navidad de 1930 organizó un evento masivo en un estadio donde quien repartía los juguetes era Quetzalcoatl y no Santa Claus. “Los 3 Reyes Magos” merecen reco- nocimiento al haber funcionado como un espacio formador de dibujantes, pues durante su producción y bajo la tutela del experimentado animador Claudio Baña, muchos jóvenes aprendieron a dibujar y animar. Aún así esto no impide valorar tanto la calidad de los dibujos como el hecho de que esta película permitió el despegue de la industria de largometrajes animados en México. Cabe mencionar que después de su estreno pasaron tres décadas más para que se volviera a realizar otra película animada, aún así no se puede discutir el referente que es este largometraje para todo los creativos del área. Imagen de: alexkong.mx MARZO 2024 35 �P O R T A D A El chavo del ocho (2006) A pesar de que esta industria se “apagó” de los 80s a los 90s, a partir de los 2000 comenzó lo que se puede llamar el renacimiento de la animación en México. Ánima Studios fue un factor clave, pues crearon películas como “Magos y Gigantes” e “Imaginum” ambas animadas en Flash debido a los bajos apoyos económicos, estas contaban con un sin fin de deficiencias narrativas y técnicas pero los ayudó a establecer su forma de trabajar, lo que provocó que poco después Televisa se les acercara con la idea de “El Chavo del Ocho” animado. Durante más de dos décadas Roberto Goméz Bolaños y su hijo Roberto Goméz Fernández buscaron una casa productora para animar la famosa serie de “El Chavo del Ocho” que se pasaba constantemente por Televisa, a pesar de que varios estudios de diferentes países les hicieran ofertas, ninguno pudo garantizar llevar a “El Chavo” a la pantalla con su distintivo carácter mexicano. Hasta que llegó Ánima Studios. Imagen de: chulavista.mx Considerada la mayor creación de esta casa productora, “El Chavo del Ocho” utilizó avances tecnológicos de la época para mejorar la calidad de animación que se venía ofreciendo hasta ese entonces. Flash, Maya, Combustion y After Effects fueron solo algunos de los programas utilizados para su realización, mientras que el precio por cada capítulo era alrededor de 100,000 dólares. Volviéndose la serie para niños de mayor éxito en toda la historia de la televisión iberoamericana “El Chavo del Ocho” demostró el éxito que puede tener una serie animada creada por mexicanos y permitió que las productoras de animación de México se aventuraran a seguir con proyectos cada vez más ambiciosos. Imagen de: blog.chespirito.com 36 MARZO 2024 �Huevocartoon (Casa productora) En este caso, hablaremos de un estudio de animación y no de una sola producción. “Huevocartoon” nació en el 2002 gracias a Gabriel y Rodolfo Riva Palacio, su idea fue crear un sitio de entretenimiento multimedia enfocado en la realización de cortometrajes protagonizados por toda clase de ovos. El éxito obtenido fue tan grande que en tan solo tres meses acumularon más de 3 millones de visitas al portal. Esta buena respuesta ubicó a los Riva Palacio entre los mayores pioneros del renacimiento de la animación en México. “Huevocartoon” ha concebido varios largometrajes hasta la fecha, el más antiguo llamado “Una película de Huevos” (2006), por desgracia, este proyecto y su secuela “Otra película de Huevos y un Pollo” (2009) fueron maquilados por completo en Argentina debido al poco apoyo económico que recibió el estudio y a la falta de talento entrenado en el país, aún así se presentaron como proyectos nacionales, “Una película de Huevos” logró recaudar más de 142 millones de pesos convirtiéndose en la animación mexicana Rodolfo y Gabriel Riva Palacio Fundadores de Huevocartoon Imagen de: pecime.com.mx Todo GRAN PROYECTO empieza por un sueño… y el nuestro vale la pena contarlo.” más taquillera durante casi 10 años, mientras que “Otra película de Huevos y un Pollo” recaudó 113 millones y medio. Este impacto fue tan grande que su tercera entrega “Un Gallo con muchos Huevos” (2015) pudo ser completamente maquilada en México ya con talento mexicano entrenado y durante su estreno logró rebasar la primera entrega con un total de 167 millones 808 mil 502 pesos, convirtiéndose así en la película más taquillera en la historia del cine animado mexicano. Sabemos que estos proyectos, desde los cortometrajes del sitio hasta el último largometraje en cines destacan por su humor picaresco mexicano y por la gran cantidad de chistes con doble sentido, permitiendo ser producciones para el disfrute de todas las edades, pero no se trata solo de eso, a nivel técnico las producciones de “Huevocartoon” son un verdadero logro, permitiendo que otros países visualicen el talento mexicano y ofreciendo múltiples empleos a los ciudadanos, apoyando y expandiendo esta industria. 37 Octubre 2023 MARZO 2024 37 �P POORRTTAADDAA 1 2 La saga de las leyendas Ricardo Arnaiz, dueño y fundador de Animex decidió apostar por la exploración de las leyendas mexicanas en la animación para representar a México a nivel nacional e internacional, esto lo empleó en su primer largometraje “La leyenda de la Nahuala” (2007) y aunque la técnica tuvo varias deficiencias, la apuesta fue tan bien recibida que llamó la atención de Ánima Studios, quienes conscientes del enorme potencial de la idea, decidieron unirse y junto a Arnaiz como director, comenzaron una importante franquicia que al día de hoy ya cuenta con 6 secuelas: “La leyenda de la Llorona” (2011), “La leyenda de las momias de Guanajuato” (2014), “La leyenda del Chupacabras” (2016), “La 38 MARZO 2024 Imagen de: Las Leyendas (Facebook) �3 leyenda del Charro Negro” (2018), “Las leyendas: El origen” (2022), “La leyenda de los Chaneques” (2023) y una serie de TV titulada “Las Leyendas” (2017), la cual también puede ser encontrada en Netflix. Ánima tiene un enfoque muy especial a la hora de producir sus películas, y es que ellos mismos deciden trabajar con recursos limitados. Cada una de las entregas tuvo un presupuesto menor a 2 millones de pesos y, en promedio, han recaudado dos o tres veces lo invertido. Esto no solo se limita al dinero, la misma estrategia también aplica al número de artistas y las fechas límite, lo cual los confina a producir lo más rápido posible, entregando productos que parecen baratos y terminan siendo éxitos en taquillas. Gracias al éxito que tienen estas producciones, Ánima Studios desarrolló “Las Leyendas” (2017) la cual se convirtió en la primera serie de animación producida completamente en México para el gigante del streaming Netflix, convirtién- 6 4 5 dose en una de las series más vistas en latinoamérica, junto a las demás aportaciones de Ricardo Arnaiz a la industria, lo sostienen como una promesa del cine animado nacional y su éxito ha logrado que otros países y nosotros mismos veamos el potencial y talento que se tiene nacionalmente. _ Redes sociales FACEBOOK: Ánima INSTAGRAM: @helloanima TWITTER: Imágenes 1-5 de: alexkong.mx Imágenes 6-8 de: legendquest. fandom.com @helloanima 7 8 39 Octubre 2023 MARZO 2024 39 �P O R T A D A EL PRESENTE La nueva generación de animadores mexicanos En esta sección les compartimos algunas de las propuestas y algunos creadores que más han destacado por su creatividad y las nuevas formas en que representan a México con sus lados dulces, amargos y agridulces POR: SILVIO MANZANO ¡Hay Elotes! B asada en el cómic de Rubén Arriola, mejor conocido como el Manchón, “Hay Elotes, El Canto del Elotero” es una serie animada de género cyberpunk mexicano que refleja la brutal realidad en la que vivimos y cómo nuestras raíces ecológicas y alimentarias son una alternativa para vivir en un mundo mejor. Manchón nos da un vistazo a un México retrofuturista que combina elementos del cine noir, la ultraviolencia, el animé japonés de los 80 y los mitos prehispánicos. Todo esto para ofrecer una original exploración del modelo agroecológico como alternativa sustentable a la voracidad consumista que tiene en vilo al mundo. Para ello se apoya en las vivencias de un elotero, cuya venta de maíz no es una profesión aparentemente sencilla como en la actualidad. En su contexto es el trabajo más peligroso del mundo, ya que su producto es completamente natural y no modificado genéticamente como el que puede encontrarse en las tiendas, lo que es visto como un desafío directo al sistema, uno que debe ser eliminado. El Manchón es un dibujante independiente de historieta, caricaturista y cronista social, lo que en México se conoce como un “monero”. En su obra mezcla crítica social, un humor ácido y absurdo cargado de irreverencia donde juega con los personajes del imaginario social mexicano. Ilustración por: El Manchón (Rubén Arriola) 40 MARZO 2024 _ Redes sociales INSTAGRAM: @manchonmonero �Imagen de: crunchyroll.com Onyx Equinox Convirtiéndose en el primer anime ambientado en México, “Onyx Equinox” se arraiga en las ricas tradiciones prehispánicas que alguna vez predominaron en el país para contarnos su historia. La mente creativa detrás de esta innovadora serie es Sofia Alexander, originaria de Quintana Roo, quien también ha dejado su huella en proyectos como “Las Chicas Superpoderosas” y la película de “Invasor Zim”. Envuelta en influencias de las culturas mixteca, olmeca, azteca y maya, la historia nos lleva a conocer a Izel, un joven azteca que se queda solo cuando su hermana es elegida como sacrificio. Desesperado, intenta suicidarse, pero es rescatado por un emisario divino que le encomienda la tarea de cerrar cinco puertas del inframundo para demostrar el valor de la humanidad. A regañadientes, Izel acepta, motivado por la promesa de que su hermana podría ser devuelta. Su viaje lo lleva por la región mesoamericana, donde enfrenta desafíos y busca sentido a su dolor, todo con el destino de la humanidad en juego. Sofía Alexander, originaria y criada México es súper fan del anime. Para mí, como mexicana, quería ver un México como una épica a la ‘Dragon Ball’ o el ‘Señor de los anillos’. Sentí que era mi deber hacer una historia sobre un México de una manera que no se hubiera visto antes.” en México, inició su carrera en la industria de la animación como artista de storyboard en 2016 en el reinicio de “Las Chicas Superpoderosas”. Desde entonces, ha continuado desempeñando ese papel en diversas producciones, incluyendo “Stretch Armstrong y los Guerreros Flex”, “Invader Zim y el Poder del Florpus” y “El Tren Infinito”. Además, Sofía ha contribuido con la creación de conceptos para Walt Disney Imagineering, la división encargada del desarrollo de los parques temáticos de la compañía. _ Redes sociales TWITTER: @sofiaealexander MARZO 2024 41 �P O R T A D A _ Redes sociales INSTAGRAM: @mr.hotsalsa Hot Salsa Desarrollada de forma independiente, “Hot Salsa” es una webserie animada dirigida al público adulto. Esta obra es el producto de la mente creativa de Miguel Gradilla, un talentoso artista nacido en Ensenada, Baja California, quien se destaca como animador, autor de cómics y diseñador de personajes. “Hot Salsa fue inventado cuando miraba una película del Cine de Oro y mi mamá preparaba las verduras para un caldo de res. Cuando vi las verduras en la cocina pensé: ‘¿Qué tal si las verduras fueran vaqueros?’, y así comenzó una ola de diseño y desarrollo con ese concepto”, explica Miguel sobre el origen de la idea de su serie. Esta webserie narra la fascinante historia de vegetales del norte que adquieren habilidades sobrenaturales al consumir salsa picante en un México inmerso en la cultura norteña, específicamente en la década de 1800. En esta versión de México, tanto las personas como los animales tienen características vegetales. Pico Salcedo, un joven alguacil y chile jalapeño, es hijo de un renombrado bandido y ve cómo su vida tranquila se ve alterada por las promesas que su padre hizo antes de su muerte. Poco a poco, Pico se une a un variado grupo de bandidos que se convertirán en sus amigos más cercanos: Calico, Chato y Leticia. Juntos, enfrentarán peligrosos desafíos y emprenderán un viaje para llegar a Ciudad Ensalada, el lugar al que todos los bandidos aspiran a vivir. Es importante destacar que la primera animación fue creada con la colaboración de un estudio independiente llamado Scum House (conocido por su trabajo en “Satina”), aunque no se considera el piloto oficial. Para su lanzamiento inicial, el proyecto se encuentra en proceso de desarrollo con un doblaje que refleja el auténtico acento norteño mexicano, específicamente de Ensenada, Baja California. Ilustraciones por: Miguel Gradilla Fuente: El Sol de Hermosillo 42 MARZO 2024 �La espectacular saga of the Mask! Un emocionante proyecto de animación 2D de origen mexicano titulado “La espectacular saga of the Mask!” el cual se hizo merecedor del prestigioso Premio Animation! en el evento Pixelatl 2020. Este proyecto es concebido y dirigido por el joven y talentoso José Alfredo Espinosa. Quien además es el autor de su cautivadora historia. Acompañando a José en esta creación, los co-creadores Karla Velázquez y Alex Durazo se destacan por su brillante labor en el aspecto visual de la obra. Este trío creativo se sumerge en el mundo de la lucha libre mexicana para tejer su narrativa única y transmitir un mensaje poderoso. Inspirados en la icónica figura del luchador mexicano de las décadas de 1960 a 1990, nos adentraremos _ Redes sociales TWITTER: @alfespinosan en la vida de “Hombrecito”, el hijo arrogante de un legendario luchador conocido como “El Hombre”. La trama se desarrolla a medida que “Hombrecito” se embarca en un viaje de redención tras decepcionar tanto a su padre como a su pueblo al no cumplir con las expectativas de convertirse en su protector y héroe. En el corazón de la serie se encuentra la exploración de la persona detrás de la máscara, así como la denuncia de la masculinidad tóxica. Además, la historia nos sumergirá en emocionantes combates en el ring, donde los luchadores se enfrentarán a criaturas, criminales y monstruos, ofreciendo una experiencia llena de acción y profundidad temática. Imagen de: animotora.com MARZO 2024 43 �E M P R E N D I M I E N T O ANDY’S EL EMPRENDIMIENTO EN GRANDES LIGAS ANDREA BARRERA Andrea Barrera, dueña del local “Andy’s”, nos contará su experiencia al emprender junto a su hermana y cómo desarrolló su estrategia para sobresalir en el mundo de las botanas POR IXCHEL ACUÑA & JORGE OLVERA REDES SOCIALES INSTAGRAM: @andysmva FOTOS POR ANDREA BARRERA 44 MARZO 2024 O riunda de Monclova, Coahuila. Experimentó un choque cultural al llegar como estudiante foránea, las botanas (boneless, papas fritas y dedos de queso) que son tan comunes en su ciudad natal no se veían por ningún lado en Monterrey, esto la puso a pensar “En mi primer semestre lo que más extrañaba de Monclova era la comida, era las botanas… Imagínate algún día vender botanas en Monterrey” Así fue como nació el proyecto de Andy’s una serie de restaurantes en diferentes ubicaciones, teniendo como punto principal una sucursal dentro del estadio de los Acereros de Monclova. Desde pequeña la llama del emprendimiento fue parte de la vida de Andrea buscando siempre encontrar un ingreso propio, vendiendo dulces en la primaria, ofreciendo snacks fuera de su casa y durante la pandemia tuvo su propia tienda de ropa. Sin embargo, el punto de inflexión en su vida fue cuando la idea de Andy’s llegó a su cabeza, pero el hacer funcionar un negocio desde cero es muy complicado ya que requiere invertir tiempo, dinero y muchísimo esfuerzo para posicionarse en un mercado que tiene competidores ya establecidos. “Ayudó bastante que Andy’s naciera en la pandemia, las clases eran en línea y me dio el tiempo de poder dedicárselo a Andy… Estuve 8 meses con mi hermana trabajando de lunes a domingo de 11 am a 11 pm”, mencionó. �Le preguntamos las claves del éxito de su proyecto y para ella el apoyo que recibe de su familia es algo indispensable, “Andy’s se volvió como una pasión familiar, empezó con mi hermana y conmigo, pero terminó involucrando también a mis papás” desde la apertura de su primera sucursal, su hermana ha sido una pieza fundamental para que Andy’s se convirtiera en lo que es hoy. Juntas crean una sinergia única, puesto que sus estudios se complementan de muy buena forma, Andrea cursando Lenguaje y producción audiovisual y su hermana mercadotecnia, gracias a esto lograron formular una estrategia que les permitiera diferenciarse de sus competidores. Crear una presentación única para su producto, sus famosos “conitos” y que junto a una gran estrategia de marketing digital con contenido original lograron desmarcarse del resto. Después de dos años de operaciones interrumpidos han tenido experiencias de todo tipo, pero una de las más desafiantes sin duda es el compaginar el emprendimiento con el ser estudiante universitario, para Andrea uno de los principales retos fue la distancia entre Monclova y Monterrey; por lo que medir Emprender es la libertad de poder hacer algo que te APASIONA, MOLDEARLO A TU GUSTO y el saber que LOS LÍMITES LOS PONES TÚ”. sus tiempos era algo indispensable para hacer funcionar el proyecto. El método que ella empezó a utilizar fue acomodar su horario de una forma que todas sus clases fueran en 2 días para poder regresar a Monclova el resto de la semana, poco a poco el proyecto fue tomando más fuerza y ella no estuvo tan al pendiente; sin embargo, aún se preocupa mucho sobre mantener las cosas balanceadas entre los estudios y el emprendimiento. Por último le pedimos a Andrea que nos compartiera un poco de su experiencia y que nos diera algunos consejos para emprender mientras seguimos estudiando, ella nos respondió que lo primero que tenemos que hacer es organizar nuestro tiempo muy eficientemente, olvidarnos de la procrastinación. El segundo consejo fue mantener los pies en la tierra, muchas veces al iniciar un emprendimiento las personas piensan que de un día para otro van a empezar a funcionar solos y la realidad es que requiere mucho sacrificio para poder echar a andar un proyecto exitoso. El último consejo fue que se mantuvieran resilientes, no rendirse, para ella el emprendimiento es un trabajo donde no tienes descanso, pero al final del día vale mucho la pena. El futuro de Andy’s se ve muy prometedor y seguramente dentro de algún tiempo se cumplan las metas propuestas, el sueño de Andrea es algún día posicionarse dentro de la MLB o la NFL, podemos decir orgullosamente que dentro de FAV tenemos un talento increíble, tanto en la producción como en el emprendimiento, sabemos que Andrea va a llegar muy lejos y pondrá en alto el nombre de la UANL. FOTOS POR ANDREA BARRERA MARZO 2024 45 �E N F O Q U E RAM TAMEZ EL PODER DE LA ANIMACIÓN EN LA ACTUALIDAD El animador mexicano demuestra que sus pasiones y su cultura pueden encontrarse de forma sentimental y dramática, haciendo que sus mensajes crucen fronteras. REDACCIÓN POR: SEBASTIÁN MÉNDEZ JARAMILLO ILUSTRACIONES POR: RAM TAMEZ E l mundo de la animación es tan vasto como complejo, en la misma radica una extensa trayectoria llena de técnicas tradicionales y avances tecnológicos, pero sobre todo, historias entrañables en las que se han presenciado personajes legendarios, tierras con estéticas creativas e imponentes y lecciones de vida que, tanto la audiencia más joven como la adulta, pueden llevar consigo por siempre. Aun conociendo a los estudios más representativos en el campo, ya sea en la magia y profundidad que puede ofrecer Disney y Pixar o las aventuras fantásticas e íntimas que retrata Studio Ghibli, la animación a lo largo de toda su historia ha trascendido a tal punto que puede generar un lazo universal más estrecho entre obra y espectador. La animación en México no pasa desapercibida en este macrocosmos de historias imaginarias, pues a través de los años se han visto grandes exponentes que han logrado ir más allá del boceto, de la figura digital o hasta de un “puppet”. Artistas de la talla de Sofía Carrillo y su camino en el stop motion más oscuro y gótico en ‘Cerulia’ (2017); la alocada y colorida cultura mexicana producto de la mente de Jorge Gutiérrez en ‘El libro de la vida’ (2014); las aventuras sobrenaturales y paranormales a cargo de Ricardo Arnaiz con su franquicia de 46 MARZO 2024 ‘Las Leyendas’ (2007 - 2023); o la naturaleza humana más inocente y trágica de Carlos Carrera con ‘El héroe’ (1994) y ‘Ana y Bruno’ (2017) Con todo lo mencionado, son vitales para esta industria las voces nuevas que se desarrollan aprendiendo de estas mentes creativas que han impulsado el campo de la animación en México. Uno de esos nuevos talentos es Ram Tamez, el cual ha ganado renombre en los últimos años y ha demostrado con ingenio y corazón el poder que reside en una historia local, donde sus pasiones y su cultura pueden encontrarse de forma sentimental y dramática, haciendo que sus mensajes crucen fronteras. �UNA OPORTUNIDAD Ramiro Tamez, mejor conocido como Ram, es un joven regiomontano que, aunque su pasión por la animación no llegó a temprana edad, siempre se vio envuelto por el mundo del cine, la música, la pintura y la atención por las diversas narrativas que exponían las producciones en aquel momento. Aun cuando él hubiera intentado aprender, estudiar o realizar otro tipo de actividades ajenas a sus intereses, Ram de forma directa e indirecta volvía a poner trazos y bocetos sobre una hoja de papel, tocaba su guitarra, se conectaba con sus raíces o apreciaba de forma íntima lo que el séptimo arte podía ofrecerle como espectador y futuro realizador. “Siempre uno termina regresando a donde uno es más feliz” (Cine para todos, 2021). La vida como animador mexicano se vuelve parte de su cotidianidad en el 2011, al llegar a trabajar para grandes casas de animación con sedes en México como Disney TV, Nickelodeon y hasta Cartoon Network, colaborando como animador 2D, realizando storyboards, arte conceptual, entre otras tareas. Su labor llega a tal punto que logra dirigir y supervisar crews completos a cargo de varios proyectos animados del mo- mento, pero estar donde se encontraba Ram no fue un camino sencillo, pues parte de los retos en un inicio, fue el de aprender nuevos métodos de trabajo y rodearse de personas que eran más talentosas que él. Entre ellos pudo conocer dos lados de una misma moneda: los animadores a favor de compartir sus conocimientos y sabiduría para que pudiera crecer y hacerse de un nombre en la compañía; y los que se tomaban tan en serio los sacrificios que habían hecho, para poder llegar al puesto donde estaban y que no se daban el lujo de brindar cualquier enseñanza, consejo o una simple ayuda, a alguien tan inexperto como Ram. Estas experiencias le pusieron al joven los pies sobre la tierra, una donde la animación, aun cuando no es correctamente valorada, es un campo lleno de ambiciones y metas reales a alcanzar. Al mantenerse así por siete años, la vida de Ram Tamez dio un giro inesperado en 2018, cuando obtiene una beca por parte de Guillermo del Toro para poder estudiar en la prestigiosa escuela de animación 2D de Gobelins, en París, haciendo que su carrera tomara un nuevo rumbo a descubrir. MARZO 2024 47 septiembre 2018 �E N F O Q U E A BORDO DE LA BESTIA Tras varios semestres de aprendizaje y enseñanza en las múltiples áreas que conforman la Maestría en Artes para la animación de personajes y cinematografía en la escuela de París, Francia; Ram tenía las herramientas para llevar a cabo su proyecto final de la carrera, y junto con Marlijn van Nuenen y Alfredo Gerard, compañeros y amigos extranjeros del joven mexicano, se lanzaron a planear la que sería la primera producción profesional en español por parte de Gobelins. Esta fue una idea que vino a la mente de Ram cuando vivió tres años en Guadalajara y pudo ver pasar un tren fronterizo en particular. La historia que contarían sería la de “Guayaba”, un hombre gruñón al que le es encomendado el cuidado de una niña llamada Lupita, para cruzar a los Estados Unidos a bordo del peligroso tren conocido como ‘La Bestia’. “El segundo año es más de divorcio… es cuando tenemos que hacer un cortometraje en equipo y es muy dramático” (De 48 MARZO 2024 �Obeso, 2022) describe Ram, lo que sería el arduo proceso de llevar a cabo la producción, pues puso numerosos desafíos para el trío de directores: como cambios en la historia, el decidir sobre qué subtramas se quedaban y cuáles no, cambiar el enfoque protagónico, entre otros. Numerosas fueron las lecciones que aprendieron con ‘La Bestia’, tal como identificar el pitch o el exponer y vender una idea como un arte por sí solo, la humanidad que pueden tener las creaciones en vez de tramas complejas y ajenas al contexto de la vida del animador mexicano, el aprender a descansar después de largas jornadas de trabajo y lo que implica terminar tu proyecto y que sea visto, después tomar ciertas decisiones un tanto dolorosas, entre comillas, “en función de que tu película exista, debes matarla un poquito” (Cine para todos, 2021). El cortometraje de ‘La Bestia’ se expuso al público por medio del canal oficial de YouTube de la escuela Gobelins, como par- te de la serie de trabajos de graduación de la generación 20182020, resultando en una grata sorpresa para los más cercanos al mundo animado y de la cultura mexicana, logrando reunir poco más de 70 nominaciones a premios y festivales, siendo el “Best student film” de los Annie Awards 2021, de los más importantes en obtener, pues es conocido como uno de los más prestigiosos reconocimientos en el campo de la animación. Ram Tamez, al fungir como co-director, guionista, animador, compositor y actor de voz, entre otros puestos, demostró una identidad única con aquel trabajo, pues por medio de un relato donde el peligro, el amor y el distanciarse de las raíces de una cultura, son piezas que convergen en un cortometraje que no teme en mezclar la cruda realidad y la fantasía que engloba el simbólico tren en la vida de numerosos pasajeros que van con la intención de cumplir su sueño americano. “Dedicado a aquellos que buscan una oportunidad”, se lee al final del corto estudiantil. MARZO 2024 49 �E N F O Q U E Referencias •Cine para todos. (2021). Creadores independientes Ep. 5: Ram Tamez, co-director del cortometraje animado La Bestia. [Video]. •De Obeso, C. (2022). RAM TAMEZ – CINEASTA DE ANIMACIÓN. Viva Mexico Rencontres Cinématographiques. UN FUTURO PROMETEDOR Ram Tamez actualmente vive en Francia, en donde recientemente pudo ser parte del Festival Internacional de Cine de Animación Annecy 2023, donde el invitado de honor fue el país de México y también pudo proyectar su último trabajo animado ‘Kikiriki’, una pequeña historia y canto de amor entre un gallo y una paloma con la más pura estética del cine de oro mexicano. El animador también ha llegado a trabajar al lado del icónico animador Genndy Tartakovsky para la serie ‘Primal”, de Adult Swim, entre otros proyectos que aún están a la espera de ser revelados. La historia de Ram Tamez es una donde, aun cuando se pueden tener dudas, conflictos o dilemas durante el proceso creativo de una obra, termina siendo un viaje donde la misma pieza artística logra retroalimentar y transformar al creador en sí, dando una perspectiva renovada de lo que uno representa en el mundo. Por el lado de Ram, se debe tomar conciencia sobre ver más allá del poder de la animación, desde el valor que tiene una historia y lo significativa que puede ser para las personas, al resaltar la belleza desde lo simple y la humanidad más honesta, al atreverse a ser valientes y confiar en el talento que radica en cada uno para destacar. “Hay gente talentosísima en México, pero llegan a un punto donde toman una decisión difícil que es probar en otro país porque hay más oportunidades, pero siempre con un espíritu de volver” (De Obeso, 2022). Storyboard para el cortometraje de “Kikiriki” dirigido por Ram Tamez (ideabybud.com) 50 MARZO 2024 �REDES SOCIALES PÁGINA WEB ramtammez.com INSTAGRAM @theramtamez TWITTER @RamTamez MARZO 2024 51 septiembre 2018 �E N F O Q U E ¿QUÉ ES EL LA TÉCNICA QUE INNOVÓ AL MUNDO AUDIOVISUAL MATTE PAINTING? La construcción de mundos imaginarios que parecen reales E POR: SAMARIA DE LA ROSA l Matte Painting es una herramienta de gran ayuda que, a partir de imágenes reales o creadas, genera escenarios realistas sin tener que invertir en lo que parece imposible. Actualmente, la técnica se usa en cualquier medio audiovisual. “Es una técnica que reduce mucho los costos, ya que no hay que levantar escenarios ni construir maquetas”, comentó Fernando R. Monroy, reconocido ilustrador digital y tradicional. Todo se hace con medios digitales, lo que permite emplearlo tanto en publicidad como en cine, videojuegos o en diseño de portadas. Hay un compendio de cosas que se debe saber sobre esta técnica, sin embargo, lo más importante es el dominio de la luz. Debido a que, por muy buenas imágenes o referencias que se busquen, si no se sabe integrar la luz será imposible que la ilustración sea creíble. Y, por supuesto, hay que tener buenos conocimientos de perspectiva (o tener un ojo muy habitado a manejarla). Es fundamental para que la línea del horizonte, es decir, la altura de los ojos del espectador, no varíe en ningún momento. TÉCNICAS Y PROGRAMAS DIGITALES PARA LOS PROYECTOS DE MATTE PAINTING En imagen fija, desde luego, el que prima es Photoshop; aunque hay otros programas que incluyen muchos elementos de retoque fotográfico, como ProCreate o ClipStudio, en Matte Painting no sólo se trabaja con imagen fija, “cuando la imagen tiene movimiento hay que pasar a otro software, como Adobe After Effects”, señaló Monroy. Los buenos artistas de Matte Painting son muy buscados por productoras, empresas, estudios y editoriales; su trabajo permite recrear universos nunca vistos con una inversión más ajustada y en tiempo récord. 52 MARZO 2024 �LOS INICIOS DEL MATTE PAINTING: STAR WARS Michael Pangrazio trabajando en el telón de fondo de La Batalla de Hoth FOTOS EXTRAÍDAS DE LA PÁGINA OFICIAL DE STAR WARS Hubo una época en la que los cineastas, debido a las limitaciones técnicas, no utilizaban imágenes generadas por ordenador, (CGI) sino que se recurría a la técnica Matte Painting, que en aquel entonces consistía en pintar paisajes con óleo o pinturas acrílicas sobre una superficie de vidrio. Una vez que la imagen estaba terminada se fusionaba con el video o se incorporaba en la postproducción. Más de 70 Matte Painttings fueron creados para “El imperio contra ataca” por tres artistas de Industrial Lights & Magic (ILM). Dos de ellos, Ralph McQuarrie y Michael Pangrazlo, eran relativamente nuevos en la forma de arte. El otro, Harrison Ellenshaw, prácticamente había sido criado para la tarea como hijo del pintor Matte elegido por Walt Disney, Peter Ellenshaw. Todo este trabajo fue hecho a base de pinturas acrílicas y óleo, algunos matte eran fragmentos para completar una toma ya existente y todos fueron pintados sobre rectángulos de vidrio enmarcados. Para crear muchos de los efectos, las pinturas se combinaron con elementos proyectados frontalmente sobre las áreas claras o neutras del vidrio pintado. Neil Krepela y Michal Lawler fueron los fotógrafos Matte asistidos por Craig Barron y Robert Elswitt (el primero con tan solo 18 años). La pintura conceptual de Ralph MCQuarrie del interior de Echo Base, puede haber inspirado la composición Matte final MARZO2024 2024 53 MARZO �E N F O Q U E HIGH KEY o LOW KEY, FOTOGRAFÍA DE CLAVE ALTA Y BAJA ahí está el dilema Javier Molina, fotógrafo de moda, te explica cómo utilizar estos conceptos de la fotografía en distintos ámbitos para que los apliques en lo que te convenga S POR: SAMARIA DE LA ROSA i quieres crear una atmósfera que realce ciertos conceptos visuales, el High Key y Low Key son términos utilizados en el entorno fotográfico y son técnicas de iluminación que sirven para enfatizar ciertas características de la luz. Estos esquemas de iluminación son necesarios para crear fotografías que logren transmitir algo y para poder entenderlo mejor, Javier Molina Rangel, fotógrafo de moda, te lo explica. “No lo hago como un estilo que me caracterice, más bien lo adapto según el mensaje que se quiera trasmitir. Y es recomendable usarlos siempre y cuando exista justificación y congruencia en su utilización”, contó Molina. Desde sus inicios en la fotografía, Molina hace uso de estas técnicas cuando se necesita lograr escenas que requieran dar un mensaje específico o según las necesidades y conceptos que el cliente pida. Una buena fotografía no depende del tipo de cámara que se utilice, siempre y cuando 54 MARZO 2024 Javier Molina Rangel, Fotógrafo de Moda y experto en el tema. conozcas los parámetros y el de los valores correctos de exposición de manera manual. Con esto puedes lograr maravillas entre luces y sombras. Una de las ideas erróneas que se tiene con respecto al High Key y el Low Key es creer que se trata de imágenes en blanco y negro, ya que cuando se mencionan luces y sombras, lo que se piensa automáticamente es en estos dos colores. Molina afirma que una fotografía de este estilo puede ser incluso a color, mientras se respeten las características visuales de cada esquema. Uno de los consejos que nos da nuestro experto es que si se llega a usar alguno de estos esquemas sea con base en la semiótica y la estética de nuestra imagen. Es importante analizar el CONTEXTO bajo el cual se está trabajando y así, a partir de eso, crear el AMBIENTE que mejor se adapte.” �Black Swan (2010) CONOCE EL HIGH KEY DOMINA EL LOW KEY High Key, también conocido como Clave Alta (traducción literal en español), hace uso de tonos vivos, utilizando una iluminación suave, sin sombras, con acentos en blanco, creando escenas sin volumen donde todo parece plano. “La principal característica, como su nombre lo dice, es darle prioridad a las altas luces para que predomine el color blanco, por lo tanto, todo lo que conlleva un ambiente claro y limpio será enfatizado si se decide usar este esquema”, comenta Molina. Se puede aplicar a todas las áreas de la fotografía de alimentos, ya que al mejorar los reflejos, puede proporcionar fondos bien iluminados y alimentos que tengan la frescura deseada en su fotografía. Así mismo, fotografiar específicamente a recién nacidos y niños utiliza connotaciones que simbolizan la pureza, la inocencia y una atmósfera clara. La moda también tiende a evocar estos sentimientos, como hacen los diseñadores cuando lo que se anuncia merece ser entendido, y de manera comercial. Se puede decir que el Low Key es el antagonista del High Key, porque su valor es el opuesto. Aquí, el énfasis no está en el brillo, sino en la sombra. Nos comenta el fotógrafo de moda que una de las principales características es el contraste entre estos dos conceptos, resaltando los tonos negros, dejando solo puntos de luz muy concretos que crean dramatismo en la imagen gracias al claroscuro. Más específicamente hablando, se puede usar esta técnica para fotografiar objetos y sujetos en los que se desee crear una atmósfera inclinado hacia la penumbra y enfatizar los tonos oscuros. Se utiliza también en fotografías de alimentos, pero en lugar de la frescura, el Low Key busca reflejar algo completamente distinto: “Esta técnica se emplea para lograr emular imágenes del estilo de los bodegones o naturalezas muertas del periodo pictórico barroco muy usadas en restaurantes de alta gama, te da ambientes sofisticados y elegantes”, describe Javier Molina. Imágenes tomadas de Freepik. MARZO 2024 55 �A R T E LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL UNA HERRAMIENTA PARA EL ARTE Y NO UN SUSTITUTO Aunque parece una amenaza para muchos artistas, el uso correcto ofrece una mejora en la producción de distintas tareas POR: ANA BAZALDUA & LUIS SIGALA L a inteligencia artificial (IA) es considerada como un campo de la informática en el que se combinan procesos de conocimiento humano con algoritmos informáticos, usados para crear programas que realicen determinadas acciones de manera autónoma. Los rápidos avances en la IA, así como el complemento de otras tecnologías, están revolucionando distintas áreas profesionales, ofreciendo una gran oportunidad en la mejora de producción de diversas disciplinas y facilitando sus procesos. Aunque pareciera que el arte sería la excepción, la nueva rama de la informática ya se ha dado entrada para ser una herramienta de gran acceso para diversos artistas que comprenden que la IA no vino a ser un sustituto del trabajo que realizan, sino a pulirlo. Esta automatización ha permitido a los artistas implementar diversos procesos que les han dado gran alcance para mantener un mayor y mejor enfoque en la parte más creativa de su trabajo. Pese a que muchos piensan en la inteligencia artificial como una amenaza, todo depende del uso correcto que se le dé. Por ejemplo, ha permitido que el arte sea mucho más accesible para las personas, creando cada vez más galerías y museos digitales que permiten la exhibición de obras de muy buena calidad, necesitando solo conexión a internet. Por otro lado, permite obtener datos importantes sobre la creación y recepción del arte, obteniendo un análisis mucho más objetivo de las diversas obras que realizan los artistas. 56 MARZO 2024 �El arte está cada vez más relacionado con la inteligencia artificial, por eso actualmente ya EXISTEN DIVERSAS HERRAMIENTAS que nos pueden ayudar a GENERARLO Y MEJORARLO. Imagen generada con las herramientas descritas de Photoshop Aplicaciones como Photoshop lo están implementando con su nueva función de relleno generativo, que si bien aún sigue en estado beta, es decir en fase de prueba, esta herramienta nos permite colocar elementos en nuestra imagen de manera automática. Para lograrlo, necesitamos elegir el área deseada con la herramienta “selección generativa”, después tenemos que indicarle al programa qué elemento queremos colocar, y en cuestión de minutos nuestro fotomontaje quedaría listo. La aplicación se encargará de crear diferentes opciones para que podamos escoger una. Con esta herramienta preliminar se podrían hacer muchas tareas, desde ponerle barba a las personas, hasta poner animales en las fotografías sin la necesidad de pasar por el proceso de tener que seleccionar la imagen, o en especial resolver los problemas que causa seleccionar cabello. Esta herramienta también puede crear nuevas imágenes a través de una primera idea, mientras le indiquemos qué elementos queremos conservar de la primera imagen. Además, esta no es la única utilidad de Photoshop que cuenta con esta tecnología. Desde hace tiempo existe la herramienta de “selección del sujeto” que nos permite de manera automatizada elegirlo en una fotografía. Es muy útil cuando se quiere realizar cambios en el fondo y se necesita que el sujeto esté en una capa separada. MARZO 2024 57 �Imagen generada con Bing al estilo Pablo Picasso DALL-E Esta aplicación es la que más causó revuelo entre artistas, diseñadores, y creadores de contenido digital. Se trata de DALL-E, un sistema de inteligencia artificial creado por OpenAI, los mismos creadores de ChatGPT. Está basada en GPT-3, un modelo de lenguaje con bastantes parámetros por lo que puede entender e interpretar el lenguaje humano de forma natural, porque está entrenada para identificar lo que queremos expresar. Esta inteligencia artificial puede crear imágenes tan solo escribiendo que es lo que queremos, es por esta razón que causo una gran polémica entre los internautas, ya que, si el crear imágenes es tan sencillo como indicarle a la computadora que es lo que queremos, las carreras como diseño gráfico, artes visuales y artes plásticas no serán necesarias en el futuro. Eso es lo que co58 MARZO 2024 Imagen generada con Bing Gato con Sombrero mentan muchas personas, sin embargo, la creatividad humana es irremplazable porque estas imágenes son creadas a partir de otras que ya existen en internet, y por lo tanto no cuentan con derechos de autor. Esto no quiere decir que no debemos usar las IA ya que son muy útiles a la hora de aprender sobre las tendencias que existen en el arte, y hacia donde se dirigen. Actualmente esta aplicación es de pago pero vale la pena probar cuales son sus capacidades. Tras el éxito de la aplicación, muchas otras personas desarrollaron sus propias herramientas de IA de Arte, como PixAl.Art, que te permite no solo crear arte, sino también analizar los dibujos de otros artistas para poder generar obras totalmente nuevas. Esto inquieta a los ilustradores porque al tener estas herramientas, los usuarios pueden generar sus dibujos sin necesidad del artista. �Imagen generada con Bing al estilo Pablo Picasso Bing Chat Es una función impulsada por IA que permite a los usuarios hacer preguntas complejas y obtener respuestas detalladas en tiempo real. También puede ayudar a convertir tus pensamientos en contenido atractivo y creativo, como poemas, historias, entre otros. Esta nueva inteligencia artificial creada por Microsoft destaca especialmente porque a diferencia de ChatGPT cuenta con datos hasta finales de 2023, pero lo que más nos interesa como artistas es su capacidad de crear contenido visual, esto nos puede ayudar enormemente a la hora de crear contenido, porque será más fácil identificar hacia dónde queremos que nuestros proyectos se dirijan con una imagen más clara de lo que queremos plasmar. Queramos o no, esta tecnología ya es una realidad, debemos adaptarnos a ella para conseguir mejores resultados, hoy en día muchísimas empresas utilizan ChatGPT para hacer consultas, recopilar información entre otras cosas. ¿Cuánto tiempo pasará para que también la utilicemos para crear imágenes? Si un programa como Photoshop lo está incluyendo en sus nuevas actualizaciones es porque nos dirigimos cada vez más a una nueva época del diseño, la información y el arte. Lo que debemos tener en cuenta es que aunque las personas puedan crear imágenes, el verdadero arte es el que se hace con la intención de expresarnos, no es lo que creamos, es por qué razón lo hacemos, desde pasar noches dibujando, pintando, manchándonos las manos, solo para transmitir una pizca de lo que nos gusta a otras personas, por eso es muy importante que sepamos como plasmar esto a través de todas las herramientas disponibles MARZO 2024 59 �E V E N T O S P IC EXPOSICIÓN O El artista mexicano deslumbra con su singular exposición de esculturas y ensamblajes. Y POR: ALESSANDRA DE LARA E n un brillante despliegue de creatividad y destreza artística, el aclamado artista mexicano Damián Ortega ha llevado su genio a la ciudad de Monterrey con su exposición "Pico y Elote" en el Museo de Arte Contemporáneo. Desde su inauguración el pasado mes de agosto, la exhibición ha cautivado a visitantes de todas partes, con una visión única que fusiona elementos de la cultura mexicana con una profunda reflexión sobre la naturaleza humana. Obra "Pico cansado", 1997. La exposición, cuidadosamente curada por José Esparza Chong, ocupó varias salas del museo, cada una inmersa en una atmósfera diferente pero igualmente intrigante. Desde el momento en que los visitantes ingresaban, eran recibidos por la icónica obra de Ortega, "Cosmic Thing", una escultura de un automóvil desmantelado suspendido en el aire. Esta obra maestra desafía la gravedad y redefine la relación entre objetos cotidianos y su entorno. Obra "Cosmic Thing", 2002. 60 MARZO 2024 �E T EL O "Pico y Elote" no solo es un título intrigante, sino que también sirve como un leitmotiv en toda la exposición. Ortega explora los conceptos de lo cotidiano y lo extraordinario al tomar elementos comunes de la cultura mexicana, como el elote y el pico, y los presenta de manera inesperada y provocativa. En una de las salas, el maíz se conviertía en una serie de esculturas que exploran su relación con la historia, la agricultura y la alimentación, recordándonos la importancia del maíz en la cultura mexicana. Otra sala presentaba ensamblajes impresionantes que combinan objetos cotidianos como herramientas, cubiertos y utensilios de cocina, creando obras que cuestionan la funcionalidad y la belleza. Ortega demuestra su habilidad para transformar lo mundano en lo sublime. Cosechar, ensamblar y colapsar, son los términos conceptuales que reflejan la amplia visión del artista. POR: ALESSANDRA DE LARA La exposición “Pico y Elote” de Damián Ortega en el MARCO fue un recordatorio de la vitalidad y la innovación del arte contemporáneo mexicano. Ortega ha logrado crear una experiencia que desafía las expectativas, estimula la mente y emociona el corazón. No se trata solo de una exposición de arte, sino de un viaje emocional y conceptual que invita a los visitantes a reflexionar sobre su propia relación con el mundo que les rodea. Obra "Elote clasificado", 2005. MARZO 2024 61 �Marzo 2024, Número 11 62 MARZO 2024 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2024 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 6 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, arte, diseño, audiovisual, 2024, Año 6, No 1, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/03/2024 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021251 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Alegorías Animación Arte Dibujo Diseño Tendencias https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/21627/Croma_arte_diseno_audiovisual_2024_Ano_6_No_2_Julio.pdf 4976d9d91d171f9b63f55759119844b8 PDF Text Text �S Í ENC DC I I CÓ EN 4 - TALENTO FAV DANY EL FANTASMITA 6 - TALENTO FAV MATIAS 10 - DOCENTE SANTIAGO 14 - TEMA DEL MES LA ILUSTRACIÓN EN NARRACIONES VISUALES 20 - EMPRENDIMIENTO ODRI 26 - EMPRENDIMIENTO DANIELA PEÑA 30 - ENFOQUE LOW BUDGET 32 - ENFOQUE ILUMINACIÓN 26 JUNIO 2024 �34 - ARTE REALIDAD AUMENTADA 36 - ARTE ARTISTAS MEXICANAS (BORDADO) 42 - EVENTOS EXPOSICIÓN DE LOS SUEÑOS VALLE ORIENTE 46 - EVENTOS 13º ANIVERSARIO CASA DEL LIBRO 50 - EVENTOS PRESENTACIÓN REVISTAS CROMA Y PARADIGMA CREATIVO 2024 52 - EVENTOS CONVOCATORIAS CONARTE 2024 CRÉDITOS Dr. Med. Santos Guzmán López Rector UANL Dr. Juan Paura García Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado M.A. Eva Julia De La Cerda Cruz Secretaria Académica Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores y Editores de la Revista Croma Denisse Yamilett Guadarrama Quintanilla Erasmo Carlos Fuentes Flores Fernando Aldair Villarreal Santana Perla Yazmin del Angel de la Cruz Sandra Valeria Flores Hernández Sofia Esmeralda Flores de León Estancia de Producción Portada: Perla Yazmin del Angel de la Cruz CROMA, año 6, No. 2, Junio 2024, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2023-080113474100-102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor septiembre 2018 7 �S E T A L E C N CT IOÓ NF A V DARIANA GARCÍA GARZA EL DISEÑO D Y UN FANTASMITA ariana García Garza, de 21 años, procedente de Coahuila y alumna de la Facultad de Artes Visuales, en donde cursa la carrera de Diseño Gráfico, nos comparte un poco de su proyecto “Danny el fantasmita” y cómo nace gracias al mercadearte. ¿Cómo nace tu gusto por el diseño gráfico? Comencé mis estudios en diseño gráfico gracias a una amiga, quien me contó un poco de esta carrera y las puertas que podrían llegar a abrirse al cursarla. ¿Cómo inicia tu gusto por el arte? Desde muy chica y viniendo de familia de artistas, entré a un club de arte con niños de secundaria, ya que era muy hiperactiva y trabajaba el arte en mis clases normales, mis padres optaron por impulsarme para que siguiera desarrollando mi talento y trabajar el arte de forma profesional. ¿Te inspiras en otros artistas para tu trabajo? Sí. Me inspiro con mis compañeros de Mercadearte para continuar trabajando y mejorando. Algunos de ellos son ‘Ghost’ (recién egresada de la facultad), ‘Moon’, entre otros. ¿Has trabajado con otro tipo de dibujo/ilustraciones? He experimentado con otro tipo de ilustraciones, los he estudiado y he aprendido muchísimo de ellos, como el realismo digital, pues creo que es importante aprender de todo lo demás para aplicarlo en todo proyecto que cualquier persona quiera realizar. El enfoque principal es trabajar el estilo, el cual me gusta llamar “Estilo texturizado kawaii”. ¿Cómo nace ‘Danny el fantasmita’? Comencé con el proyecto gracias a que conocí a una artista que admiraba y que también era alumna de la facultad, fue quien me inspiró a comenzar con el proyecto en Mercadearte. A pesar de que al principio no sabía ni siquiera como se llamaría el proyecto, estaba completamente segura a dónde quería llegar y con el paso del tiempo, gracias a algunas conferencias que me han ayudado, he ido encontrando un camino para seguir creciendo. ¿Qué herramientas utilizas para dibujar/diseñar? Inicié en el diseño con el PaintTool SAI y a mano, pero con el transcurso de los años y con la experiencia adquirida, cambié al uso de Procreate junto con el Photoshop e Ilustrator, con los que actualmente trabajo en el proyecto. Una regla que aplico en el trabajo como artista es “hay que saber las reglas para poder romperlas”. 42 JUNIO 2024 �¿Cómo es tu proceso creativo? Al principio no tenía un proceso, pero en la actualidad inicio con un moodboard, busco inspiración en la música, en los colores y en elementos que hay en trabajos de otros artistas, pero cambiando la forma en que se aplican. ¿Cómo ha evolucionado tu trabajo con el paso del tiempo? Han sido muy grandes los cambios, desde regirme por un solo estilo; en temporadas solo vendía anime o hiperrealismo, hasta vender distintos productos y estilos con la misma marca, teniendo una gran flexibilidad desde pequeña para adaptarme a las distintas demandas que el trabajo pueda tener, y variar en los productos. ¿Cómo decidiste dedicarte al arte? Estudié diferentes carreras, diferentes ámbitos y siempre sentí esa necesidad de ser yo misma quien trabajara en mis propios proyectos. Me mantuve en el área creativa pues también estudié repostería y algunos instrumentos. A pesar de todo esto, siempre supe que quería realizar cosas 100% por y para mí misma, nunca me vi trabajando para alguien más. Ilustración por Dariana García ¿Cómo ves el futuro del diseño gráfico? De forma positiva y muy abierto, a pesar de que aún algunas personas desconocen mucho, creo que es un mundo muy bueno para que la gente invierta, espero que siga creciendo mucho a pesar de las nuevas tecnologías, como la IA, pues veo fundamental el trabajo de un diseñador. Practica y no lo hagas a la fuerza. Disfruta el proceso. Ilustración por Dariana García JUNIO 2018 2024 35 septiembre �T A L E N T O F A V MATIAS ALONSO DESCOMPOSICIÓN CORPÓREA Matías Alonso, más conocido como Matt Honey, cursa la carrera de Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León. Nos habla de su recorrido como estudiante y artista visual dentro de la facultad. POR: VALERIA FLORES. ILUSTRACIONES: MATT HONNEY D esde su infancia, ha sentido un profundo interés por las artes, dedicando su tiempo principalmente a la ilustración y el dibujo. Sin embargo, no fue hasta la preparatoria cuando se dio cuenta de que podría convertir su pasión en su profesión a tiempo completo. Durante su trayectoria universitaria, Matt experimentó una transformación artística significativa. Aunque solía enfocarse en un estilo cartoon con ilustraciones llenas de colores brillantes y técnicas arraigadas en la acuarela en sus años anteriores, la carrera le brindó la oportunidad de explorar nuevas perspectivas y enfoques. Así fue como la corporalidad y corporeidad, que tienen que ver con la exploración de la identidad y su disección, se convirtieron en el tema actual que Matías ha tomado como inspiración para sus obras. “Descomposición corpórea” es su proyecto de tesina, donde Matías habla de cómo el individuo construye su cuerpo a través de relaciones, convivencias y su género; aspectos de la corporalidad de uno mismo. Conjuntamente a este trabajo, hay una serie de obras que nos comenta aún no están terminadas. Este proyecto ayudó en su parte de investigación y expresión de sus palabras para la creación de obras. 6 junio 2024 �La carrera me ayudó a pensar como artista, a pensar cómo hacer arte” Sus actuales obras reflejan el impacto positivo que tuvo el ambiente artístico en su desarrollo personal, así como descubrir el significado que quería darle a su arte. Dentro de su proceso creativo, menciona que lo que más le gusta es equivocarse y no poder borrar los errores que haya tenido al trabajar en un lienzo. “Es lo que termina haciendo que me enamore de mi pieza; pensar que no me salió como yo creía, esa misma cualidad te obliga a resolver las cosas que vas haciendo”. Hablando de su participación en proyectos dentro y fuera de la facultad, nos comenta que su parte favorita es recibir la invitación de sus colegas estudiantes y, en ocasiones, de los propios maestros. Participó en la exposición realizada en Valle Oriente titulada “Sueños que caben en una ventana” su obra expuesta fue resultado de salir de su zona de confort. junio 2024 3 �T A L E N T O 4 junio 2024 F A V �Quisiera dar mi granito de arena en el gremio artístico para que florezca”. REDES SOCIALESv _ INSTAGRAM @matthonney FACEBOOK Matt Honney @matthonney También está dando sus primeros pasos en el muralismo, trabajando en grandes formatos, invitado por el artista Chanate (Alejandro Guerrero) al proyecto "Viñedos de color", el cual forma parte de una iniciativa de rescatar muros de parques públicos. Esta participación resalta que la colectividad, el sentido de comunidad, y ver como el arte transforma un espacio, es lo que hace que el muralismo le parezca una técnica a la cual le tiene aprecio. En 10 años, Matías se ve con un estudio, un lugar propio donde pueda permitirse que llegara gente con la cual colaborar e incluso dar clases y talleres, ya que ser maestro es una ilusión muy grande, recuerda que en la primaria su Maestra de arte hacía todo lo posible y a sus posibilidades para enseñar correctamente, lo motiva que la gente se interese por el mundo artístico y lo aprecie tanto como él, “Quisiera dar mi granito de arena en el gremio artístico para que florezca”. Para Matías pasar de ser ilustrador a un Artista Visual, llevó un camino de aprendizaje que cada día va alimentando, comparte que al analizar sus trabajos anteriores vio patrones y se empezó a preguntar cuál era la razón de estos, lo que lo llevó a darse cuenta de la constante en sus obras, el cuerpo, a partir de esto empezó a leer e investigar sobre ello y así desarrolló más afinidad con sus obras y con él mismo. junio 2024 9 �E C DS O C C E INÓT NE SANTIAGO JAVIER VILLARREAL VILLARREAL EL GUIÓN DE VIDA DE UN CINEASTA Santiago nos comparte como ha sido su camino en el cine, algunos de sus trabajos y lo que lo inspira a crear. D POR: FERNANDO VILLARREAL e 34 años, nacido en Monterrey, Nuevo León e hijo de padres poetas, nos comparte su afición por el cine, el cual estuvo presente en su vida desde la infancia, pues a sus 4 años vio por primera vez una película de Sergei Eisenstein y a pesar de que a esa edad aun no entendía mucho de lo que estaba viendo, fue suficiente para dejar huella en él. Años después, este sentimiento por el cine renacería gracias a que su padre comenzaría a mostrarles cine de autor a él y a sus hermanos, y aquí empieza la historia. A pesar de que, en un inicio, sus estudios no estaban orientados al arte, ya que estudió negocios internacionales en FACPYA, su pasión por el cine siempre lo acompañó en su carrera, al mismo tiempo realizaba cursos de cine con Gabriel Nuncio, a quien Santiago considera una persona importante para su carrera artística. Fue hasta que realizó la maestría cuando Santiago se decidió por el arte, ya que estudió la Maestría en Artes, con orientación en Artes Visuales, especializado en Interpretación Cinematográfica. 4 JUNIO 10 JUNIO2024 2024 Santiago Javier Villarreal Villarreal Fotografía por: Nelly Zapata �Santiago Javier Villarreal Villarreal como director en un cortometraje ASÍ LLEGÓ A LA DOCENCIA Gracias a que creaba sus cortometrajes independientes (que algunos de ellos fueron seleccionados en un festival de la UDEM) mientras estudiaba en FACPYA, pudo obtener credibilidad sobre sus conocimientos de cine y arte que le serviría como un currículum. Esto sumado a la titulación de su maestría, le permitieron llegar a la docencia en enero del 2020. PRINCIPALES TEMAS EN SUS CORTOMETRAJES A pesar de que al principio Santiago inició con la ficción, y no consideraba que el cine documental fuera cine como tal, al paso de los años y gracias a que comenzó a consumir cine documental autoral de distintos cineastas (como Wim Wenders, Agnés Varda, etc.) esta idea cambió y es la orientación que actualmente llevan sus creaciones. Como prueba es el actual proyecto que está llevando a cabo sobre la vida de su madre. PROYECTOS IMPORTANTES DONDE HA PARTICIPADO Santiago nos hace énfasis en trabajar el presente, pues opina que el mejor cortometraje en el que ha trabajado es el que actualmente está desarrollando. Es un corto/documental que habla de su madre, de la relación que tuvo con ella en vida y otros aspectos de ella. Pero de forma puntual y considerando solo los que se han concluido, es el cortometraje “Voces de la memoria” el más importante, ya que ha llegado a festivales importantes, como la final del Festival de Montreal. De forma colectiva menciona su participación como primer asistente de director en el largometraje de Sinhué Benavides llamado “Somos invisibles”, pues le resultó ser una experiencia enriquecedora aparte de ser un gran proyecto. JUNIO 2024 septiembre 2018115 �E C DS O C C E INÓT NE Santiago Javier Villarreal Villarreal y dos de sus compañeros en la producción de un cortometraje Fotografía por : Luisa Frassier PROBLEMAS QUE HA ENFRENTADO EN SU CARRERA El profesor Santiago nos comenta de dos situaciones puntuales a lo largo de su carrera. La principal y más reciente fue el tema de la pandemia, pues se considera a sí mismo como una persona muy sociable y que incluso su trabajo en los cortometrajes, a comparación de otros cineastas, es abordado de forma social, pues prefiere trabajar con personas que de forma individual. Sin embargo “la interacción con los alumnos en las clases en línea era positiva y era un detalle que me ayudaba a combatir el aislamiento”, menciona. Recalcó que ser docente lo ayudó mucho pues, como estudiante en su maestría enfrentó la realidad de que no podía y no era sano para su vida el exigirse demasiado, además la producción de cortometrajes al mismo tiempo, lo hacía sacrificar la salud al tener un ritmo de vida muy acelerado, lo que le dificultaba el rendimiento en dichas actividades. Es cuando decide poner en pausa la producción de cortometrajes y enfocarse de lleno a su maestría. 6 JUNIO 12 JUNIO2024 2024 “La interacción con los alumnos en las clases en linea era positiva y era un detalle que me ayudaba a combatir el aislamiento”. ¿QUÉ LO INSPIRA? Como docente, el ver a alumnos esmerarse en sus trabajos y proyectos y luchando cada día por mejorar en todos sus aspectos le es muy inspirador ya que los considera como “futuros colegas y cineastas”. Por otro lado, nos cuenta que el trabajo de los grandes cineastas, como Andrei Tarkovski, Agnés Varda, son personas que lo inspiran e incluso hay parte de estos cineastas en el trabajo de él mismo, y por supuesto la familia, es una parte fundamental que lo motiva a trabajar y seguir luchando. �CONSEJOS A LOS ALUMNOS Y NUEVOS ARTISTAS “Que nunca dejen de hacer, que busquen apoyos, estímulos, que se endeuden, que crean en sí mismos, en sus proyectos, que toquen puertas. Que no dejen de hacer, de trabajar”. PRINCIPALES AUTORES QUE RECOMIENDA Si bien su película favorita es ‘Nostalgia’, de Andrei Tarkovski, estos son algunos de los títulos y autores que nos recomienda Santiago, al igual que nos aconseja leer ficción fuera de los aspectos técnicos del cine. Agnés Varda ‘Esculpir el tiempo’, de Tarkovski ‘¿Qué es el cine?’, de André Bazin ‘El lenguaje del cine’, de Marcel Martin También nos recomienda el trabajo de cine de Agnés Varda, Wim Wenders, Hirokazu Koreeda, Sofia Coppola y en la parte del cine mexicano nos recomienda a Claudia Sainte–Luce, entre otros. Andrei Tarkovsky Santiago Javier Villarreal Villarreal dirigiendo un cortometraje JUNIO 2024 septiembre 2018137 �T E M A D E L M E S NARRATIVA GRÁFICA LA ILUSTRACIÓN: un medio para dar vida a historias Las imágenes que transmiten una historia o un mensaje, llegan a ser emotivos y crean experiencias únicas en la lectura. Podemos encontrar distintos formatos, temáticas y obras de este tipo de arte, y seguramente hemos leído alguna de ellas. POR: PERLA YAZMIN DEL ÁNGEL DE LA CRUZ L a comunicación de ideas o mensajes, a través de representaciones visuales, es un acto que se ha realizado por mucho tiempo, en donde se busca interpretar, de forma gráfica, todo un contexto que será comprendido por el lector. La narrativa visual se refiere a la capacidad de contar una historia, transmitir un mensaje o evocar algunas emociones mediante una o más imágenes, las cuales están conformadas por elementos visuales que permiten atribuir ciertas características relacionadas a la intención de comunicación producida por el autor. Al momento de crear una narrativa visual, se debe considerar el discurso, el contexto, la audiencia y el propósito a lograr, ya que esto permite organizar todos los elementos visuales necesarios para la composición adecuada, con el fin de lograr una comunicación clara, efectiva y memorable. Lograr una conexión con el espectador es esencial para provocar emotividad, pensamientos y experiencias significativas con el solo hecho de observar la obra originada de la unión de texto e imagen, ya sea de forma consciente o inconsciente, siendo una comunicación visual que los autores no podrían lograr con el solo hecho de emplear recursos textuales. 14 junio 2024 �ILUSTRACIONES DE: ALICE OSEMAN La ilustración es una gran herramienta para idear representaciones visuales que comunican un mensaje de manera clara y atractiva, gracias a un proceso creativo que permite capturar la esencia del mensaje y transmitirlo en una imagen única. Así mismo, refleja una amplia gama de emociones y da vida a toda idea que se creía impensable o complicada, como los conceptos abstractos, la presentación de nuevos escenarios o personajes fuera de la realidad, apoyándose de una variedad de técnicas, estilos y medios para la construcción y aporte de valor en una ilustración. Cuando la ilustración es empleada en la narrativa visual, se convierte en un recurso muy valorado por su versatilidad y adaptabilidad, puesto que hace posible construir representaciones que vayan acorde al propósito de un relato, el género o temática de una historia, complementándose con los elementos visuales y contextos que engloban a la narrativa. De esta forma, la ilustración narrativa comprende una interpretación basada en el discurso, obteniendo como resultado una imagen o secuencia que puede estar acompañada con algún texto si es necesario, y solo bastará con la imagen para interpretar lo que quiere comunicar. Su importancia va más allá de ser un simple dibujo o complemento decorativo. Se trata de una expresión artística que conec- ta la imaginación del lector con la visión del autor, se enriquece a la narrativa, despierta la curiosidad hacia una nueva dimensión visual y atmósfera, así como también contribuye a una comprensión más plena de la obra. Esta sinergia entre el texto y la imagen se denomina arte secuencial, aunque comúnmente se le llama cómic o historieta. junio 2024 15 �T E M A D E L M E S Entre las características principales que podemos observar en una obra de arte secuencial se encuentra el uso de una sucesión de imágenes, que en conjunto forman un hecho o acciones que podemos interpretar, y justamente dichas imágenes son ilustraciones narrativas que se encuentran separadas por recuadros, conocidos como viñetas. Otra característica es el empleo de globos de diálogo, que contienen la comunicación de los personajes y pueden tener formas diferentes para referirse a pensamientos o expresiones exageradas. Incluso es posible representar los sonidos de una acción o algo por medio de palabras, y son conocidas como onomatopeyas. Las historietas se pueden encontrar en diferentes formatos y medios, ya que en un principio era común que fueran cortas y en medios impresos, pero actualmente es posible encontrar este arte en medios digitales a través de plataformas o redes sociales y con diferente extensión y géneros para todo público. De acuerdo con las características que presenta cada historieta, se clasifica bajo una denominación. Las más comunes son: tira cómica, cómic, webcómic y novela gráfica. Por otra parte, este tipo de arte también puede ser conocido bajo otra clasificación de acuerdo a la cultura y región. ILUSTRACIÓN DE: ANDREA PAREDES - @DRIU.PAREDES (INSTAGRAM) Tira Cómica ILUSTRACIÓN DE: CHARLES SCHULZ ILUSTRACIÓN DE: QUINO Este tipo de historieta, también conocida como tira de prensa, se trata de una narración de corta duración, generalmente de cuatro o más viñetas, y se publica en periódicos o revistas. Suelen ser representaciones de temas políticos, crítica social, sucesos relevantes o hechos de la vida cotidiana usando un toque humorístico o satírico, que se hace presente en el empleo de la ilustración simple o de caricatura, el texto u otros elementos gráficos. Otra característica es el uso de pocos personajes, casi siempre es solo un personaje quien protagoniza la historieta. Actualmente, es fácil encontrar una tira cómica en redes sociales, en donde los artistas comparten sus historietas de distintos temas y es posible un alcance e interacción más cercana con el público. Algunas obras populares son: “Mafalda”, por el humorista gráfico Quino; “Garfield”, del dibujante Jim Davies; y “Peanuts (Snoopy)”, por el autor Charles Schulz. 16 junio 2024 �IMÁGENES DE: MARVEL ENTERTAINMENT Cómic, miniserie de cómic y one-shot Se trata de historietas que tienen una extensión media o larga en su historia y regularmente presentan una continuidad en la historia para conformar una serie, es decir, la narrativa se extiende por una cantidad de publicaciones sucesivas hasta finalizarla. También se le llama miniserie de cómic a las obras que tienen una extensión media y solo basta con pocas publicaciones en su serie para abarcar en su totalidad una historia, comúnmente son un spin-off de títulos populares. Por otra parte, un one-shot se trata de una historieta que solo consta de un único capítulo, su extensión es considerablemente más larga que las tiras cómicas, pero muy corta en comparación a otros cómics. Las obras son publicadas en medios impresos de distintos formatos, a través de una serie de volúmenes o tomos de un título en particular, o bien, por medio de una revista especializada en historietas que compila partes de diferentes obras. A pesar de que fue muy popular en los inicios de los cómics, este formato de revista ha ido quedando obsoleto con el tiempo. En estas historietas se encuentra un acabado más profesional, el cual se ve reflejado en el estilo, detalle, entintado y coloreado de la ilustración, la narrativa y algunos detalles de impresión que otorgan valor a la experiencia de lectura. En un principio, los cómics se centraban en historias de superhéroes y sus aventuras para combatir villanos, pero se han introducido nuevas temáticas y géneros de interés para distintos grupos de público. Algunos de los clásicos populares son: “Batman”, obra en conjunto de Bob Kane y Bill Finger; “Superman”, creado por Jerry Siegel y Joe Shuster; “Spiderman” y “Iron Man”, ambas obras de Stan Lee. En otras regiones, los cómics son conocidos bajo otros nombres. En Japón se le conoce como “manga” a las historietas, y su sentido de lectura es de derecha a izquierda, siendo de forma contraria a la que se tiene acostumbrada en occidente. Otros países orientales también han identificado sus narrativas visuales bajo otros nombres de acuerdo con su cultura. En Corea del Sur se le conoce como “manhwa”, mientras que en China se le llama “manhua”. Estos términos también son usados en el resto del mundo para categorizar a las obras orientales por su país de origen. IMAGEN DE: @BLUEPERIOD_TEN (INSTAGRAM) IMAGEN DE: TIENDAPANINI.COM.MX/ junio 2024 17 �T E M A D E L M E S Webcómic 18 junio 2024 IMAGEN DE: NASHIDD IMAGEN DE: TAPAS ENTERTAINMENT INC. IMÁGENES DE: @WEBTOONOFFICIAL (INSTAGRAM) Son historietas con similitudes a los cómics, pero están diseñadas para ser leídas a través de medios digitales, donde los capítulos son publicados periódicamente en alguna plataforma o aplicación, y puede ser desde un capítulo único (one-shot), hasta una o más temporadas, esto dependiendo del desarrollo de la historia. Fácilmente se permite la compra y el acceso a cualquier narrativa que se encuentre publicada en la web, y cabe la posibilidad de que el público genere interacción en ciertos sitios. Un ejemplo de esto es la plataforma de Webtoon, que cuenta con un catálogo amplio y una clasificación por género de las obras que puedes encontrar, así también se permite reaccionar o comentar en cada capítulo de un webcómic. Los webcómics se caracterizan por permitir una lectura a través del desplazamiento del contenido en la pantalla en cualquier dispositivo que se encuentre disponible este arte, en algunas plataformas se pueden descargar los capítulos para disfrutar sin conexión a Internet. Las ilustraciones casi siempre son a co- lor y se aprovecha el uso de recursos gráficos que en formato físico sería difícil o más costoso de emplear, como los colores, texturas o transparencias en escenarios y personajes. Por lo general, las viñetas suelen ser grandes para facilitar la lectura en dispositivos con pantalla pequeña, y hay un espacio en blanco considerable en la sucesión de las viñetas que están organizadas de arriba hacia abajo. Usualmente estas obras son distribuidas en medios digitales, pero el gran éxito de algunas de ellas ha causado que editoriales busquen adaptar estas historietas a publicaciones impresas, mientras que las plataformas de streaming buscan adaptarlas a formatos audiovisuales, como series live action, y esto se ha vuelto popular en los últimos años con títulos que podemos encontrar en Netflix y Amazon Prime, como “Sweet home”, por Carnby Kim y Youngchan Hwang; “True beauty”, de la autora Yaongyi; y “Marry my husband”, por Sungsojak. �IMÁGENES DE: BRUGUERA IMÁGENES DE: VR EDITORES IMAGEN DE: PENGUIN RANDOM HOUSE Es una historieta de gran extensión que se considera un género literario debido a la fusión de literatura e ilustración, dado que aborda una narración con estructura literaria y la potencializa con el uso de elementos visuales. Las novelas gráficas se caracterizan por ser obras independientes, es decir, suelen ser historias que tienen estructurado un inicio, desarrollo y desenlace propio que se integra en una única parte, casi siempre de gran extensión y en un formato de libro. Lo anterior no es impedimento para aquellas obras que tienen secuelas o su historia se encuentra fragmentada en partes, porque siguen conservando esa estructura característica en su narración visual. Estas obras tienden a ser más profundas, puesto que en su mayoría tratan temas complejos, serios o específicos, así como también se muestra una perspectiva más íntima de la vida de los personajes, permitiendo conocer los conflictos, pensamientos y emociones que enfrentan a lo largo de la historia. Las novelas gráficas usualmente se enfocan en el público adulto, el cual puede comprender este arte interpretando y disfrutando los mensajes implícitos en el lenguaje escrito y visual. Sin embargo, no se descarta la posibilidad de hablar de temas sencillos y populares con una narrativa visual pensada para un público juvenil o dirigida a otros adultos con ciertos intereses. IMAGEN DE: FIRST SECOND Novela gráfica IMAGEN DE: DRAWN & QUARTERLY Al igual que cualquier historieta, presenta una secuencia de imágenes para contar todo el relato, tiene un acabado profesional, las viñetas pueden variar en su tamaño y forma que se considere necesaria, también se incluyen recursos lingüísticos de literatura en los diálogos y descripciones del narrador. Incluso algunas novelas se han adaptado a este medio de novela gráfica, ofreciendo una versión nueva y visual. Algunos ejemplos de novelas gráficas son: “Blankets”, de Craig Thompson; “Maus: Relato de un superviviente”, obra de Art Spiegelman; “This One Summer”, creada por Mariko Tamaki junto con Jillian Tamaki; y “300”, de Frank Miller. junio 2024 19 �E M P R E N D I M I E N T O DISEÑADORA GRÁFICA E ILUSTRADORA INSPIRACIÓN A TRAVÉS DEL INTERÉS Y LA NOSTALGIA POR CREAR Conoce a Odri, una artista originaria de Monterrey con gran gusto por la ilustración, la cultura japonesa y otras influencias que han marcado su vida. POR: PERLA YAZMIN DEL ÁNGEL DE LA CRUZ ILUSTRACIONES Y FOTOGRAFÍAS DE: ODRI D esde la infancia, Odri se ha interesado por el mundo artístico encontrando inspiración en sus colores favoritos, videojuegos y series noventeras. Ha encontrado ese gusto similar en muchas personas, por eso decidió proyectar ese gusto en ciertos productos que se puedan disfrutar visualmente y provoquen sonrisas. Actualmente se encuentra diseñando mercancía para su marca y promoviendo sus productos en eventos como convenciones de cómics y algunos mercados independientes. 20 junio 2024 �A continuación, la artista de Monterrey nos cuenta cómo ha sido el proceso para construir su camino en la ilustración y el emprendimiento. ¿Cómo nació tu interés por el arte? En general, a mí siempre me gustó dibujar, a lo mejor ya hasta puede sonar como muy cliché, pero a mí desde niña me llamó la atención. Para cuando salí de la prepa todavía me gustaba dibujar, lo hacía digital en Paint, pero yo no sabía responder “¿qué iba a estudiar?”, no tenía algo muy claro. Al final me decidí por Diseño Gráfico, porque no solamente me gustaba el arte en cuestión de expresión y de pintura, sino que también me gustaba el diseño, pero en ese entonces yo no lo llamaba ni lo veía como diseñar, simplemente era como acomodar cosas, en ese entonces así lo veía. ¿Cuáles son las influencias en tu estilo artístico? ¿Qué te inspira para ilustrar? Principalmente, yo empecé porque me gustaba mucho una artista, honestamente no sé si todavía siga activa, pero en mi niñez-adolescencia la seguía, obviamente sin saber que era una artista, ella se llama Lisa Frank, ilustraba o ilustra dibujos de temática de fantasía, está muy orientada en los 90´s y se enfoca en unicornios y gatitos. A mí esa artista me gustaba demasiado, en ese entonces no tenía idea de que era una marca de ilustración en específico, pues lo veía como una marca general, pero aun así me interesaba mucho. Esa persona dibujaba gatitos o unicornios con lentes, cosas también algo psicodélicas y muy coloridas, usaba mucho los colores degradados y mucha saturación de cosas. Si bien, hoy día no soy tan fan o seguidora de la saturación en general en ilustración, ella fue una de mis principales inspiraciones de joven. Actualmente, ¿cuentas con otras inspiraciones para continuar tu camino como artista o en tus ilustraciones? Hoy en día algo de lo que a mí me ha inspirado, por ejemplo, es la cultura japonesa en general como la temática del país, me gusta mucho todo ese aesthetic de los lugares y las cosas representativas que hay. Cuando iba empezando mi marca, lo que quería proyectar en mi mercancía era una fusión con el diseño, me gustaba crear cosas que se vieran como algo que a mí me hubiera gustado encontrar, tal vez de niña o de joven. Algo que también me inspiró fue el diseño que en su momento tenía ‘Sanrio’, antes de que fuera tan popular, pues los diseños los veías muy poco, no los veías en todos lados. A mí me gustaba mucho específicamente el uso de colores claros. Cuando empecé, intenté usar los colores pastel muy claritos, pero sentí que no se acoplaron bien con mi estilo o con lo que estaba haciendo, porque me enfoqué también en combinar varias cosas del estilo pastel con cosas que me gustaban como videojuegos, quizá pudo haber salido algo mejor, pero en ese entonces no me quedó como esperaba. junio 2024 21 �E M P R E N D I M I E N T O ¿Qué te impulsó a desarrollar tu propia marca y mercancía? Algo que me impulsó fue precisamente esa parte de querer encontrar algo que fuera bonito y no tan aniñado o infantilizado, no sé cómo se le podría llamar. Por otro lado, en ese entonces no había tanta mercancía disponible de las series que a mí me empezaron a impulsar o los videojuegos, pues no se encontraban muchas cosas, ahora en el tiempo que ha pasado, todas las ventas, tiendas en línea y productos, han ido en aumento, es mucho más fácil conseguir cualquier producto o algo de personajes del momento o de tiempo atrás. ¿Cómo surgió el nombre para tu marca? El nombre de Odri como tal no se me ocurrió a mí, realmente es una de esas historias súper random, que solamente era un juego de palabras con una de mis amigas en una reunión, estábamos jugando simplemente a decir así nuestros nombres mal, o sea, con una sola letra, pero era un juego que la verdad no tenía ni siquiera un propósito, entonces en una de esas que ella me dice “Odriono”, no salió como tal de ahí la idea, solamente se quedó como en el nombre porque yo me llamo Adriana, y de ahí surgió. Entonces, ¿el nombre de Odri es el mismo tanto para identificarte como artista como para tu marca? No lo había pensado, pero creo que por ahora podría decir que es el mismo, sí, sería el mismo, no me había puesto a pensar en su momento, si quería solamente ser una marca o un artista con una marca, pero así se quedó para ambas cosas. ¿Tus conocimientos como diseñadora gráfica te ayudaron en el proceso de creación de tu marca? Sí, yo diría que sí, considero que me he apoyado mucho el diseño gráfico en casi todo lo que he hecho para mi marca, hasta incluso he llegado a pensar si me estoy yendo un poquito más inclinado al lado del diseño que de la ilustración. Al menos últimamente he sentido que ha sido así, pero si me vuelvo a adentrar en el mismo tema de, por ejemplo, el diseño de la mercancía, siento que al momento de planear todo eso lo hago con mis lentes de diseñadora que tiene que ser así y tiene que quedar esto así para que se vea bien. A veces no sé si es algo bueno o algo malo, porque me tiendo a frustrar un poco cuando lo veo como diseñadora porque tiene que quedar de tal forma, tiene que cuadrar todo o si no cuadra no me gusta. Muchas veces me gustaría poder, digamos para crear algo de mercancía, solamente plasmar el diseño y ya, pero sí me he apoyado muchísimo del diseño gráfico. 22 junio 2024 Productos de la marca Odri. Los diseños son inspirados en series y videojuegos, plasmados casi siempre en productos funcionales. �De doodles a ideas Potenciales Cuando Odri no tiene idea de qué hacer exactamente para una ilustración, recurre a dibujar varios doodles en libretitas e ir combinando varias cosas hasta llenar la hoja. Después, Odri elige uno o más dibujos que considera que pueden funcionar y que le gustaría hacer realidad, desarrollarlos con mejor calidad y no dejarlos como algo inconcluso. ¿Cómo es tu proceso para realizar la mercancía y preparación para eventos? Lo que hago es que, dependiendo de mi evento, me pongo a ver qué es lo que puedo llevar de mercancía, hay ocasiones en las que hay eventos donde no se mueven algunas cosas, otros donde alomejor la gente tiene más preferencia por stickers, por llaveros o ese tipo de cosas. Lo que hago cuando es un evento nuevo es llevar de todo un poco o dependiendo también del capital que tenemos para invertir, no siempre se puede llevar todo lo que uno desea, pero la mayoría de las veces está ahí la posibilidad y voy seleccionando, y planeando también mis diseños, si el evento alomejor es como de videojuegos, pues vamos a llevar un poquito más de esto y poner las cosas que tienen más popularidad. Básicamente mi ritual es seguir trabajando hasta pocos días antes del evento, ya pasado el evento ahora sí descanso un buen rato. Es algo que también fui perfeccionando, no me considero una persona muy organizada en general, pero antes era mucho más desorganizada. Stand de Odri en la sección de Artist Alley en una convención en Guadalajara en 2023. ¿Cómo fue la experiencia al asistir como artista-expositora en tu primer evento? La primera vez que fui, hice algunos stickers, en ese entonces ilustraba en el programa de Illustrator, hacía muchos dibujos de ilustración vectorial muy sencilla, pero era lo que me gustaba y dibujé varios stickers así, eran como diez diseños más o menos, y los llevé porque no tenía nada. Para sacar el dinero que había puesto para lo del lugar, dibujé personas en el evento, cosa que me ayudó, a pesar de que yo no dibujaba tan bien. Otra cosa era que, con el sobrante del papel, me ponía a dibujar ‘Pokémon’, así chiquitos con un marcador Sharpie, los recortaba, los ponía ahí y los vendía a un peso. Era de que “¡ah, mira me sobró mucho papel!”, y pues ya me ponía a dibujarlos, los ponía ahí y sí los compraban; se me hacía muy curioso pues les interesaban a pesar de que estaban dibujados a mano literalmente. ¿A qué tipos de eventos sueles asistir como expositora? Ahorita me estoy enfocando mucho en eventos relacionados con todo esto de la cultura geek, de anime, videojuegos o a lo mejor un poco de cultura asiática, que es donde mayormente he visto que mis productos y mis ilustraciones se mueven un poquito más. Eso es ahorita, pero sí estuve mucho tiempo experimentando en varios lugares y mercados, pero tal cual te das cuenta de que no en todos lados está el público que busca tus productos. Por ejemplo, tengo amigas que se dedican a las acuarelas, acuarela de paisajes o de flores, y tiene buena aceptación alomejor en otro nicho de eventos como tipo bazar o más artesanal, había intentado también ponerme en mi búsqueda de lugares, que eso la verdad ya fue hace muchos años, y decir: “aquí sí”, “aquí a veces”. junio 2024 23 �E M P R E N D I M I E N T O ¿Qué te impulsa a seguir creciendo con tu marca? ¿Qué te motiva en todo este proceso? Me he querido enfocar en eso que me representa en mi lado artista y como ilustradora y no nada más a mis productos, es algo que todavía no he podido resolver en cierta forma pero sí me gustaría. Había tenido la idea de también empezar a enfocar mis ilustraciones en mi trabajo, por ejemplo, las colaboraciones, trabajar con marcas es algo que a mí me gustaría hacer, poder incorporar algo que yo haga y dibuje en cierta forma un poco libre para que se incorporen con alguna marca, en algún producto que ya exista, es algo que me interesa. ¿Qué es lo que más te ha gustado de esta experiencia como ilustradora y emprendedora? Creo que casi todo me gusta, es uno de los principales motivos por el que lo sigo haciendo, porque a veces sí ha sido frustrante en algunas ocasiones, por ejemplo, el pensar que tengo que hacer algo o terminar algo, a veces es un poco frustrante. En general, siento que sí me gusta ir a los eventos, me gusta conocer a los demás expositores o los demás artistas, aunque no siempre convives con todos o no siempre platicas, de todas formas cuando vas, puedes llegar a conocer mucho del trabajo de las personas de cómo lo hacen, de por qué lo hacen también; me gusta mucho conocer ese tipo de experiencias. A mí me gusta todo eso, ver a los otros expositores, artistas, conocer los eventos, en general es una experiencia agradable, incluso nos ha tocado estar en eventos que son al aire libre, hace calor o ese tipo de cosas, sí son un poquito más tediosos, pero no siento que me hayan molestado tanto. Ahora ya tengo mis restricciones de decir “no”, de que si vamos a estar a 40°C pues no, no creo; pero en su momento no me molestaba, realmente son experiencias que me gusta pasar. ¿Qué aprendizajes has tenido durante tu camino como artista y emprendedora? A nivel personal he aprendido tal vez a ser más organizada, uno con el tiempo va aprendiendo que no siempre puedes estar dejando las cosillas así por sin ningún lado, vas dándote cuenta de tus tiempos, eso es algo que me ha servido también para conocer mis tiempos de trabajo y mis formas de trabajo. Muchas veces no le prestamos atención a ese tipo de detalles, pero son cosas que uno va viendo en todo ese proceso. Uno con el tiempo va aprendiendo que no siempre puedes estar dejando las cosillas así por sin ningún lado, VAS DÁNDOTE CUENTA DE TUS TIEMPOS, eso es algo que me ha servido”. 24 junio 2024 El aprender a cómo tratar y dirigirme con las personas, en cómo tratar con personas que se dedican a la producción, creo que esos han sido de mis mayores aprendizajes, la organización también es parte de ello; en cuestión de ilustración y diseño pues diría que va más de la mano con la creación, pero en general, para mí esos han sido aprendizajes importantes porque son cosas que no se me dan naturalmente hacer. ¿A qué tipo de retos te has enfrentado en tu emprendimiento? De mis primeros retos fue esta parte del dinero para comenzar a crear la mercancía, que fue cuando inicié con todo eso y sí fue complicado. En ese entonces mi novio me ayudó a hacer mis primeros pedidos de productos porque me parece que en ese entonces yo no tenía trabajo, entonces tenía mucho tiempo para enfocarme en diseñar, pero no tenía tanto capital para para hacer la producción. Ese fue uno de los primeros retos, él me ayudó y las cosas salieron bien afortunadamente. En general, he visto más retos en cuestión de la creación de cosas, a veces sí me es difícil pensar en qué me gustaría hacer, qué me gustaría crear, cómo hacerlo, y todo eso lo junto en una sola lluvia de ideas. �Muchas veces uno no se siente listo, para dar ese paso de empezar a EMPRENDER CON SUS ILUSTRACIONES, pero creo que siempre es algo que VALE LA PENA INTENTARLO”. Antes ya habías comentado algo acerca de las colaboraciones que te gustaría realizar, ¿tienes otras metas a futuro en cuanto a tu emprendimiento o como ilustradora? Algo que me gustaría, además de las colaboraciones, creo que sería volver a la idea de llevar mi marca a productos que pueda manejar en stock, por así decirlo, que alomejor pueda promoverlos ya de otra forma, porque estoy consciente de que tal vez en algún momento voy a dejar de asistir a los eventos, eso es algo que uno hace por diversión, pero yo creo que no es algo que vaya a hacer todo el tiempo. Me gustaría crear alguna línea de algo, como de ropa, es el ejemplo más rápido que se me ocurrió, algo como ese tipo de cosas a mí me gustaría llegar con mi marca. Algo que pueda hacer con un diseño, una ilustración, que se use durante un tiempo considerable y tener los productos ya en un lugar fijo. También ahí podría entrar alguna colaboración, con alguna marca que pudiera adoptar algo de mis diseños y ya trabajarlos en algo así, estaría padre. ¿Qué consejo o mensaje le darías a los artistas que quieren emprender? Podrían empezar con lo que tienen, la verdad sí es algo que hace mucha diferencia. Muchas veces uno no se siente listo para dar ese paso de empezar a emprender con sus ilustraciones, pero creo que siempre es algo que vale la pena intentarlo, no creo que tengan que usar todo su repertorio personal, o sea, puedes crear algo específicamente para darte a conocer y puede salir bien, pero obviamente es a prueba y error. Algo que es muy importante es que no se desanimen, si las cosas no salen bien en un inicio no significa nada malo, realmente es algo que uno prueba, como mencioné hace rato en la otra pregunta, muchas veces intentamos en lugares que no son y podemos llegar a sentirnos mal por decir: “Ay, es que nadie preguntó”, “nadie se acercó a mi mesita”, cosas como esas; pero sí es muy variable todo esto. Muchas personas tienen la fortuna de ya saber su nicho o incluso desde antes de emprender, hay personas que se dedican a ilustración por hobby que saben su nicho y una vez que lanzan su producto les va bien porque ya conocen su mercado, y saben dónde pueden mover su producto y su trabajo. Para conocer más del trabajo de Odri y sus próximos eventos, puedes seguir sus redes sociales, especialmente en Instagram, que es donde encontrarás más contenido de lo que está haciendo en el momento, sus ilustraciones y hasta sus intereses. REDES SOCIALES _ INSTAGRAM @odriono _ FACEBOOK Odri _ X (TWITTER) @0drion0 _ TIKTOK @odrion0 junio 2024 25 �E M P R E N D I M I E N T O DANIELA PEÑA SOFT CLOUDS BAKERY Te presentamos a Dani Peña, artista, mamá y repostera que nos cuenta sobre su negocio “Soft Clouds Bakery”. S POR: VALERIA FLORES oft Clouds Bakery surge de la necesidad de Dani de expresar su arte de una manera distinta a la que comúnmente estamos acostumbrados. Su objetivo principal es estar presente en los momentos más significativos de las personas, aportando dulzura y creatividad a cada ocasión especial. La pasión de Dani por la repostería se manifestó desde una edad muy temprana, cuando comenzó a experimentar con pequeños postres en su cocina. Esta inclinación por la pastelería no solo se mantuvo, sino que se fortaleció durante sus años universitarios, período en el cual empezó a vender cupcakes caseros, reafirmando así su amor por la repostería y su deseo de compartirlo con los demás. Después de dos años dedicados a trabajar en un emprendimiento similar, en 2021, al sentir que sus capacidades creativas estaban siendo limitadas, Dani reunió el valor necesario para independizarse y dar vida a su propio negocio. Con herramientas básicas y una gran dosis de ingenio, “Soft Clouds Bakery” comenzó a tomar forma. Este nuevo proyecto le permitió a Dani reflejar toda su creatividad y pasión por la repostería, ofreciendo productos personalizados que reflejan su dedicación. Nos habló de algunas dificultades que enfrentó al iniciar su emprendimiento: “al iniciar el emprendimiento, lo más difícil es lo económico y el valorar tu propio trabajo, ponerle precio a tu trabajo es lo más complicado”. Dani recordó también que en 26 JUNIO 2024 �esos años había mucha competencia y las personas aún estaban recuperándose de la pandemia. “Sentía que estaba cobrando muy barato, pero tampoco me sentía lista para cobrar más, en ocasiones subía el precio y sentía que cobraba demasiado”. Estas incertidumbres fueron parte de su proceso de aprendizaje, enfrentando los retos financieros, así como la evaluación justa de su talento y esfuerzo. La atención al cliente es un aspecto que se destaca en Soft Clouds Bakery, a diferencia de algunas marcas grandes ya establecidas, Dani enfatiza la importancia del trato cercano y personalizado con sus clientes, así como el conocimiento profundo de su mercado. Para ella, ofrecer una experiencia visual y detallada es clave, “conmigo todo es muy visual, cuando me piden una cotización, proporciono una imagen con toda la información: el relleno, el precio, las porciones, los toppings, para que mis clientes puedan revisar todo y decidir con calma”, explica. Este enfoque orientado al consumidor no solo facilita la toma de decisiones, sino que también crea una conexión más fuerte y personalizada con cada uno de sus clientes. El miedo es tu peor enemigo. Si sientes miedo, hazlo, aunque sea con miedo, pero hazlo, porque si no, alguien más se va a armar de valor y te vas a quedar con ese ‘Ay, yo lo pude haber hecho primero’.” JUNIO 2024 27 �E M P R E N D I M I E N T O Uno de los mayores logros para Dani es la respuesta positiva que ha obtenido de sus clientes, “cada vez que llega un cliente y me dice que fue a un evento, probó un postre que era mío y pidió mi contacto porque le gustó lo que hago, es increíble”, comenta con entusiasmo. Este tipo de feedback positivo es una fuente constante de motivación para ella y la impulsa a seguir adelante. Saber que su trabajo es apreciado y recomendado por otros es una validación de su esfuerzo, que refuerza su compromiso con la calidad y el servicio en Soft Clouds Bakery. La visión de Dani para su negocio en los próximos cinco años incluye tener su propio local, “en cinco años me veo con un local bonito, posiblemente una cafetería, un punto de venta físico”, nos comentó con ilusión. Actualmente, una de las principales dificultades que enfrenta es la falta de espacio, ya que trabajar desde su hogar limita su capacidad de producción. Tener un local propio no solo le permitiría superar estas limitaciones, nos contó, sino también expandir su oferta y mejorar la experiencia de sus clientes, consolidando así la presencia de Soft Clouds Bakery en el mercado. Cakes & coffee “Arte sobre pastel y un buen cafecito”, así es como Dani describe “Cakes & Coffee”, un proyecto que inició en junio del año pasado. En él, los asistentes, con o sin experiencia en arte o repostería, aprenden a plasmar obras de arte sobre pasteles con materiales totalmente comestibles, sin olvidar la convivencia agradable entre las personas que asisten. Esta actividad actualmente se realiza en distintas cafeterías del área metropolitana, y cada clase tiene una temática distinta dependiendo del lugar elegido. Cakes & Coffee es arte sobre pastel y un buen cafecito”. Esta idea surge a partir de la vocación de Dani por enseñar a otras personas, “mis amigos y mi pareja me decían que debería dar clases. Llevo siete años dando clases de arte, y me decían que podía fusionar la repostería con el arte”, comenta Dani. Sin embargo, sentía una presión, ya que no se consideraba preparada para este tipo de formato, “entre que mi emprendimiento era muy nuevo y que yo no sentía que supiera dominar al 100% ciertas técnicas, no me había animado a hacerlo”. Si bien ya existían este tipo de clases en la ciudad, gracias a comentarios de sus alumnos se dio cuenta que las suyas eran distintas a las demás, “platicando con alumnos que han tomado mi clase y también clases en otros lugares, dicen que es muy diferente por la manera en que manejo la actividad y la explico”. 4 septiembre JUNIO 2024 2020 �Mientras que la competencia se centra únicamente en la repostería, Dani le da prioridad también al lado del arte, “conmigo aprenden historia del arte, aprenden de los artistas, sus obras, las técnicas que utilizaban, y aprenden de las tendencias del arte”. En Cakes & Coffee, se maneja una variedad de temáticas para decorar pasteles, incluyendo anime, Harry Potter, Studio Ghibli e incluso Halloween. Pero la favorita de Dani, es la temática de arte, “mi favorita es sin duda la temática de arte, siento que es con la que más experiencia tengo”, afirma Dani. La técnica que usa es la que llama oleo cake, la cual se usa para replicar las obras de los artistas en el pastel, las obras de artistas como Vang Gogh, Monet, Edvard Münch son las que se usan de referencia ya que la técnica se presta para igualar las pinceladas que se usaban en el impresionismo. “En Cakes & Coffee convivo con mucha gente, me encanta compartir lo que sé, la mayoría de las personas que asisten no son expertos, verlos hacer el pastel y que digan ‘voy a llevárselo a mi novio’ o ‘voy a compartirlo con mis papás’. Ver llegar grupitos de amigos a tomar la clase y divirtiéndose, es un sentimiento muy bo- nito”, comentó que es lo que más satisfacción le da del proyecto. redes sociales: INSTAGRAM @softcloudsbakery @dannysaaur FACEBOOK SOFT CLOUDS BAKERY @softcloudsbakery JUNIO 2024 29 �E F C O C IQ ÓUNE ES N LOW HACER CINE CON CELULAR BUDGET Actualmente cualquier persona puede crear una película con una computadora y un celular E POR: ERASMO FUENTES l mundo del cine ha estado evolucionando con el pasar de los años, de solo pensar que se tendría una herramienta portátil la cual nos ayudara a capturar imágenes y poder registrar momentos solo con un clic era una locura, además el pensar en crear una narrativa artística a partir de eso, sin embargo, con la evolución que se ha tenido en el ámbito de la tecnología, todo eso ha cambiado y ahora, en lugar de tener como prioridad la preparación y el perfeccionamiento de las grabaciones, las películas y vídeos llegan como algo espontáneo, junto con la rutina del ser humano. Ahora, los celulares comienzan a formar parte de las filmaciones profesionales, pero teniendo en cuenta que existen nuevas formas de poder filmar, aún existe una parte de desapego y perseveración de diversas personas que tienen la necesidad de poder conservar el cine clásico y profesional de antes. Tangerine, es un filme del cineasta Sean Baker, que fue grabado con 3 celulares iPhone 5s equipados con lentes anamórficos. 2 septiembre 30 JUNIO 2024 2020 Unsane, es un filme del cineasta Steven Soderbergh, todas las escenas fueron filmadas con un iPhone 7 Plus. ¿POR QUÉ NO FILMAR CON CELULARES? Algunos cineastas contemporáneos cuestionaron las nuevas formas de filmar con celulares y adoptar nuevos formatos que, a parte de que rompen con la imagen normal del cine y crear nuevas propuestas audiovisuales, como lo son las grabaciones con formatos en vertical o diversos tamaños longevos y pequeños, tienen la desventaja de carecer de rigor u homogeneidad, esto hace que cambie la calidad de las imágenes, un celular no puede grabar con la calidad como con una cámara de nivel cinematográfico. Con la aparición de las cámaras digitales se ha tenido una gran transformación en la fotografía, y por consecuencia, también en el cine. Pensar que con el mismo aparato de registro se puedan hacer fotos y tomar vídeos a gran calidad, unido al desarrollo de sensores potentes a precios accesibles, ha puesto al alcance de todos el poder tener un aparato para tener la oportunidad de crear contenido audiovisual. �¿CÓMO HACER UNA PELÍCULA CON CELULAR? 1/ FORMATO HORIZONTAL Te compartimos 5 consejos para crear proyectos audiovisuales profesionales. El grabar colocando un celular en una posición horizontal te permitirá el proyectar tu película en pantallas y televisiones sin tener áreas vacías o barras negras en los laterales. Es recomendable que siempre se tenga escrito un guión, tanto la historia, la duración de las escenas y los movimientos que se harán con la cámara antes de comenzar a grabar. Se podrá ahorrar mucho tiempo y se obtendrá un proyecto más limpio y coherente. 3/ USAR UN TRIPIÉ 5/ /2 La estabilidad de la cámara es una de las grandes diferencias entre tener una cinta amateur y una obra cinematográfica. Usar un tripié para poder evitar la vibración o un celular que cuente con estabilizador. No es igual el crear una película entera con un plano completo estático que el realizar diferentes tomas con trayectorias de cámara como paneos, zoom in, zoom out, tilt. PROGRAMA DE EDICIÓN ESCRIBIR UN GUIÓN /4 MOVIMIENTOS DE CÁMARA De esta manera se podrá modificar el sonido, el color, la luz, cortar ciertas escenas o el poder eliminar detalles que no te gusten para armar tu cinta tal y como se imagina. Actualmente cualquier persona puede crear una película con una computadora y una cámara digital, esto ha supuesto la aparición de nuevas formas de expresión y comunicación. JUNIO 2024 septiembre 2018313 �ILUMINACIÓN E F C O C IQ ÓU NE ES N ¿CÓMO AYUDA PARA GENERAR EMOCIONES? En el cine, la iluminación es tan importante como el guión. Esto es, porque no es posible el imaginar, una escena de suspenso sin el juego de luz y oscuridad. Pueden existir algunas muy iluminadas, pero definitivamente el uso de la luz influye en la intriga y el miedo que genera una película. Por eso, la iluminación en fotografía y cine es de especial cuidado y planeación. Así como ideamos los planos, nos ayudarán a que la historia audiovisual genere emociones y pueda transmitir la intención que queremos, de igual manera funciona la iluminación en el cine. Hay personas que dicen que sin luz no hay película, esto es, porque la importancia de la iluminación en el cine es tanta, que es la que se encarga de generar el ambiente para poder contar la historia. Gracias a la luz en el cine, según su intensidad, dirección, dureza y temperatura de color, se puede definir la profundidad, el tamaño y volumen de los objetos que tengamos en la escena, sobre todo obteniendo un aspecto de tridimensionalidad. Además, la iluminación cinematográfica nos ayuda a poder captar la atención de los espectadores y el poder guiar su mirada hacia diferentes puntos del plano cinematográfico. Es una guía que le dice a las personas qué cosas ver y en qué momento hacerlo. La iluminación cinematográfica también nos ayuda para mostrar la psicología de los personajes en la pantalla, en momentos en los que la historia pretende transmitir determinadas emociones. En este sentido, el director o el director de fotografía debe jugar con el tamaño, el color, la dureza y la proporción de las luces. Sin la iluminación en el cine los personajes podrían parecer un poco planos y las películas resultarían un poco más aburridas de lo que se esperaba. 1917; Director, Sam Mendes; Director de Fotografía, Roger Deakins. 4 JUNIO 32 JUNIO2024 2024 El Renacido; D.P. Emmanuel Lubezki. Enemy; D.P. Nicolas Bolduc. 007 Skyfall; D.P. Roger Deakins. Sin Lugar para los Débiles; D.P. Roger Asteroid City; D.P. Robert Yeoman El Hombre que Quería Existir. �TOP 4 EL CINE Y LA LUZ 4 PELÍCULAS DONDE SE UTILIZA LA LUZ COMO HERRAMIENTA NARRATIVA Llegó hasta el extremo de adaptar el lente más luminoso de la época (f/0.95) para las tomas a la luz de las velas. No hay truco en esas impresionantes escenas. Stanley Kubrick decidió experimentar rodando la mayoría de las tomas interiores sin ninguna iluminación, más allá de la luz de las velas, u otras fuentes de luz natural. Para muchos, la mejor película del siglo XXI. La vida y la muerte, el mismo sentido del universo, se retrata a través del tiempo y el espacio en esta película de Terrence Malick, pero sobre todo a través de algunas de las imágenes más sensibles e impactantes de los últimos años. Una de esas películas que te dejarán pensando al final. En materia de espectacularidad visual, Stanley Kubrick no tenía rival. ¿’El resplandor’? ¿’Barry Lyndon’? Sí, pero delante de todas ellas está la magistral ‘2001’, que, con su relato a través de la prehistoria, el espacio y el existencialismo nos regala una puesta en escena digna de enmarcar. Una de las mejores películas de Stanley Kubrick. Hubo muchos elementos que convirtieron a esta película en un clásico instantáneo, en un punto de inflexión para el género de la ciencia ficción, pero una de las cosas más importantes fue sin duda la estética. La espectacularidad de la puesta en escena de Ridley Scott ha influenciado a una cantidad incontable de cineastas posteriormente. septiembre 2018335 JUNIO 2024 �A R T E BLOCKSPOT REALIDAD AUMENTADA Transformando la Experiencia Artística a Través de la Realidad Aumentada (AR)T Space Imagen recabada de la página web oficial de Blockspot. Representa la exposición “(AR) T Space” ubicada en el corredor de Barrio antiguo en Monterrey. 34 JUNIO 2024 POR: SOFIA FLORES B lockspot es un estudio pionero en la creación de experiencias artísticas inmersivas que combinan arte, tecnología y realidad aumentada (RA). Fundado por un equipo de artistas y desarrolladores apasionados, ha cautivado al público con sus instalaciones interactivas y su enfoque innovador hacia el arte digital. La última exposición de Blockspot titulada “(AR)T Space”, fue un un verdadero éxito en Monterrey, atrayendo a amantes del arte y curiosos por igual. La exposición presenta obras de artistas locales e internacionales transformadas por la magia de la realidad aumentada, creando experiencias visuales y sensoriales únicas. �Una de las piezas más destacadas de la exposición es “El Jardín de las Delicias Aumentado”, una reinterpretación digital del famoso tríptico de El Bosco. Al mirar a través de dispositivos de RA proporcionados por Blockspot, los visitantes pueden ver cómo cobran vida las criaturas fantásticas y los paisajes surrealistas de la pintura, transportándolos a un mundo de ensueño y fantasía. Otra obra destacada es “Pulsar”, una instalación interactiva que utiliza sensores de movimiento y sonido para crear un paisaje digital que responde a los movimientos y las voces de los espectadores. “En Blockspot, tenemos como objetivo DIFUNDIR LA CULTURA USANDO LA REALIDAD AUMENTADA como herramienta ofreciendo una experiencia inmersiva que combina tecnología y arte”. Esta experiencia multisensorial invita a los visitantes a explorar y experimentar con el arte de una manera completamente nueva y emocionante. Para poder visualizar la exposición es necesario contar con un dispositivo inteligente con cámara como un smartphone, descargar la aplicación Over, disponible en playstore y appstore y por último crear una cuenta para, ahora si, poder observar la exposición. Blockspot, además de sus exposiciones, también ha colaborado con marcas y organizaciones creando experiencias de marca únicas utilizando la RA. Su trabajo con empresas como Nike y Coca-Cola ha demostrado el potencial de la tecnología para contar historias y conectar con el público de una manera más profunda y significativa. Su estudio se destaca como un ejemplo de cómo el arte y la tecnología pueden fusionarse para crear experiencias impactantes y transformadoras. Con su enfoque innovador y su pasión por la creatividad, Blockspot continúa desafiando los límites del arte digital y redefiniendo la forma en que experimentamos el arte en el siglo XXI. Presentación al inicio de la exposición Al inicio del recorrido se encuentra la presentación de “(AR)T Space”por medio de la aplicación “Over”. JUNIO 2024 35 �A R T E HISTORIAS ENTRE HILOS ARTISTAS DE BORDADOS MEXICANOS Te presentamos cuatro artistas mexicanas, amantes del bordado. Bordado en alfombra Foto de José G. Ortega Castro en Unsplash. Catazajá, Chiapas, México. 2021. 36 JUNIO 2024 POR: SOFIA FLORES E n el mundo del arte, cada forma de expresión encuentra su lugar para brillar y contar historias únicas. Los bordados mexicanos con sus colores vibrantes y diseños elaborados, son una forma de arte textil que ha sido parte integral de la cultura mexicana durante siglos y han cautivado al mundo por su belleza y profundidad cultural. A continuación, exploramos el trabajo de cuatro talentosas artistas mexicanas: Victoria Villasana, Viridiana Ortiz, Gimena Romero y Daniela Guzmán quienes han llevado este arte tradicional a nuevas alturas con su creatividad y pasión, añadiendo cada una su estilo y reflejando historias en sus obras. �Durante la época prehispánica los aztecas y los mayas eran conocidos por su habilidad en telar, utilizando materiales naturales para crear textiles decorativos o prendas de vestir, los cuales eran altamente valorados y a menudo se intercambiaban como tributo o bienes de lujo. Después de la llegada de los españoles se introdujeron nuevas técnicas de bordado y con el paso del tiempo la diversidad regional en bordado se hizo presente en México, esto se refiere a que cada estado y comunidad tiene su propio estilo de tejido. POR: SHELLEY PAULS Evolución del bordado en México JUNIO 2024 37 �A R T E Victoria Villasana El arte textil como expresión de identidad y conexión. “Los textiles SON UN ELEMENTO TÁCTIL Y RECONFORTANTE en nuestra psique, desde las piezas hechas por culturas ancestrales hasta las mantas que solían hacer nuestras abuelas”. Victoria es una artista textil de instalaciones y arte urbano que explora principalmente la interconexión. Originaria de Guadalajara Jalisco, estudió en la ITESO para después trasladarse a Londres donde se formó como estilista floral de moda. Inició haciendo texturas bordadas sobre fotos como un pasatiempo, pero después comenzó a colocar dichas imágenes en las calles. Influenciada por la historia, la cultura y las relaciones humanas, Victoria Villasana destaca como una artista que combina la tradición del arte textil mexicano inspirándose en la artesanía y las tradiciones textiles de México. Gracias a ello, ha logrado cautivar a audiencias de todo el mundo con su enfoque colorido en el bordado ya que sus piezas a menudo incorporan motivos tradicionales mexicanos. 38 JUNIO 2024 Lo que distingue el trabajo de Victoria es su capacidad para integrar el arte textil en contextos inesperados y contemporáneos. Un ejemplo de ello son sus intervenciones de arte urbano usando el espacio público como lienzo. Villasana añade capas de bordados a imágenes (en blanco y negro) y objetos existentes, creando una fusión única de arte callejero y textil. El dinamismo de su trabajo se deriva del modo en que sus bordados quedan sin cortar por debajo del marco, confiriéndole así a la imagen una estética surreal e imperfecta, también se destacan por su contenido emocional y conceptual. Muchas de sus piezas exploran temas de identidad, feminismo y conexión humana, transmitiendo mensajes poderosos a través de la combinación de imágenes y texto en sus bordados. Estas intervenciones transforman entornos urbanos ordinarios en lugares de belleza y contemplación. Gracias a ello, el trabajo de Victoria Villasana ha sido objeto de reconocimiento internacional, con exhibiciones en galerías de arte de renombre y colaboraciones con marcas y artistas de todo el mundo. Su capacidad para cruzar fronteras culturales y estéticas ha resonado con una amplia audiencia, consolidando su posición como una de las artistas más influyentes en el campo del arte textil contemporáneo. �Viridiana Ortíz Pintando con hilos. Viridiana Ortiz, conocida como “La Shula”, destaca como una artista que fusiona la tradición de los bordados mexicanos con una sensibilidad moderna y un fuerte mensaje social. Originaria de San Luis Potosí, México, sus principales intereses son la pintura y el bordado. La Shula ha logrado capturar la atención con sus obras que van más allá de lo estético, para contar historias profundas y provocativas. A través de sus bordados, transmite mensajes de empoderamiento y resistencia; especialmente en relación con las mujeres y las comunidades marginadas. Sus obras a menudo son representadas por figuras femeninas fuertes, que desafían las normas de género y luchan contra la opresión. También aborda temas como La Shula ha tomado “Más que bordar, mi técnica distintos talleres, así la injusticia social, la violencia y la preservación de la cultura indígena, utilizando el arte como diplomados en es PINTAR CON HILOS”. como una herramienta para la conciencia y el instituciones como: cambio social, donde a menudo incorpora retratos y palaCentro de las Artes de bras que desafían las convenciones culturales y el diálogo. San Luis Potosí Centenario y Bellas Artes. Sus trabajos han sido expuestos en el Palacio Municipal en dos de sus galerías, una en la Galería Teresa Caballero, su exposición individual “CARNES MUNDANAS” y en la Galería Juan Blanco, exposición individual “AL BORDE”. Fue Artista en Residencia en el Proyecto financiando por CONACULTA en la Casa de Cultura y Capacitación de la Fundación Veracruzana A.C. Actualmente realiza intervenciones de bordado y pintura en prendas que realiza para vender, imparte talleres de pintura y bordado, y sube contenido de su arte en sus principales redes sociales como TikTok, Instagram y Facebook. Viridiana Ortíz junto a su obra “Mal de ansias” Junto con el proyecto colectivo “V de Venus” participó con su obra el 8 de Mayo en la exposición del Festival de Creadoras Visuales. JUNIO 2024 39 �A R T E Gimena Romero Bordando historias. Gimena Romero es una artista originaria de la ciudad de México que dibuja con hilos, para ella el bordado es dibujo y el tejido es escultura. Descubrió su pasión por el bordado a temprana edad, inspirada por las tradiciones textiles de su cultura y el arte urbano que la rodeaba. Sus trabajos textiles los utiliza como medio de expresión elocuente. Estudió artes plásticas y visuales en México, en la Esmeralda. Después hizo la especialidad en ilustración y en bordado de Alta Costura, y ahora ha terminado la maestría en Artes Visuales con una tesis de investigación del bordado como técnica artística. Cuenta con seis libros publicados de literatura e investigación de bordado, ha estudiado muchos tipos de bordado, tales como alta costura en París, bordado con hilos de oro en Sevilla, bordados tenangos en Hidalgo. Actualmente, Gimena Romero se destaca por su enfoque en la técnica del “puntillismo bordado”, una técnica meticulosa que utiliza puntos pequeños y repetitivos para crear obras detalladas y emotivas. Sus obras, que a menudo retratan paisajes urbanos y naturales, están impregnadas de una profunda sensibilidad y una atención meticulosa al detalle. Una de las características más distintivas del trabajo de Romero es su capacidad para tejer narrativas a través del bordado. Para ella, la literatura también tiene un papel central, por ello asegura que sus bocetos provienen de la palabra escrita desde su primera exposición individual en la que basó su obra en el cuento “La casa tomada”, de Julio Cortázar. Cada puntada parece contar una historia, invitando al espectador a sumergirse en ella. En la actualidad, Gimena continúa desafiando los límites del arte textil, explorando nuevas formas de expresión, colaborando con artistas de diversas disciplinas e impartiendo cursos y talleres en plataformas como Domestika. Su trabajo ha sido exhibido en galerías de arte de renombre internacional y ha sido reconocido por su originalidad y su impacto emocional. “A veces hago este tipo de piezas, como un estudio, como una investigación plástica para LLEGAR A LOS LÍMITES QUE TENGO CON EL MATERIAL Y LA IMAGEN.”. 40 JUNIO 2024 �Daniela Guzmán El hilo rojo. Daniela Guzmán se destaca como una artista cuya obra trasciende los límites del bordado tradicional. Nacida en Ciudad de México, Guzmán encontró en el bordado no solo una técnica, sino una forma de expresar sus emociones. Actualmente es reconocida por su enfoque en el bordado contemporáneo, una forma de arte que combina la tradición del bordado con la innovación y la experimentación. Su trabajo se caracteriza por su uso audaz del color y la textura, así como por su capacidad para crear obras que van más allá de lo visual para transmitir sensaciones y estados de ánimo. Una de las técnicas más distintivas que emplea Guzmán es el “bordado libre”, en el que las puntadas se realizan de forma espontánea y sin un patrón preestablecido. Esta técnica le permite a la artista crear obras que parecen fluir de manera orgánica, capturando la esencia de la vida y la naturaleza en cada puntada. Al preguntarle sobre su inspiración, nos comenta: “encuentro inspiración en todo lo que me rodea; la naturaleza, la ciudad, las personas. Cada obra es un reflejo de mi mundo interior y de las emociones que experimento en el proceso de creación.” Esta conexión personal se refleja claramente en sus obras, que transmiten una sensación de intimidad y autenticidad. A lo largo de su carrera, ha participado en numerosas exposiciones y ha recibido reconocimiento por su trabajo innovador y emotivo. Sus obras han sido elogiadas por su capacidad para transmitir emociones complejas de una manera visualmente impactante, lo que ha llevado a muchas personas a considerarla como una de las artistas más prometedoras en el campo del arte textil contemporáneo. JUNIO 2024 41 �E V E N T O S 42 JUNIO 2024 �JUNIO 2024 43 �E V E N T O S 44 JUNIO 2024 �JUNIO 2024 45 �E V E N T O S 46 JUNIO 2024 �La Casa Universitaria del Libro conmemoró un hito importante en su historia al celebrar su decimotercer aniversario como epicentro cultural de la UANL. En esta ocasión tan especial, también se honró el legado de 80 años de la revista Armas y Letras, una publicación que ha marcado pauta en el ámbito cultural regional. Como parte de esta celebración, se inauguró la exposición “Impresión 111”, la cual ofrece una mirada retrospectiva a través de una selección única de portadas representativas de esta emblemática revista. Por otro lado, la entrega del Reconocimiento “Libros UANL 2024” fue el momento cúspide de esta jornada festiva, contando con la participación destacada del Dr. José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura de la UANL; el Lic. Antonio Ramos Revillas, Director de la Editorial Universitaria; y el Maestro Eduardo Diazmuñoz, Director Artístico de la Orquesta Sinfónica de la UANL. Se celebró la excelencia editorial y se reconoció el arduo trabajo de quienes han dedicado su vida a la difusión del conocimiento científico y humanista. Este prestigioso reconocimiento es un testimonio del compromiso de la UANL con la educación y la cultura, y un homenaje merecido a aquellos que han dejado una marca indeleble en el mundo editorial. Entrega de reconocimiento a Sandra Altamirano Entre los galardonados de esta edición se encuentran nombres destacados como Jesús Ángel de León González, reconocido por su contribución a la revista Biología y Sociedad de la Facultad de Ciencias Biológicas; Sandra Guadalupe Altamirano Galván, cuyo trabajo en las publicaciones Croma y Paradigma Creativo de la Facultad de Artes Visuales ha dejado una huella significativa; y el equipo editorial de la colección “El oro de los tigres”, bajo la dirección de la Capilla Alfonsina Biblioteca Universitaria. José Javier Villarreal elogió al Reconocimiento “Libros UANL 2024” como un tributo a aquellos que han impulsado la difusión del conocimiento en la comunidad universitaria mediante la edición y producción de libros. JUNIO 2024 47 �E V E N T O S 48 JUNIO 2024 �JUNIO 2024 49 �E V E N T O S L a Universidad Autónoma de Nuevo León abrió sus puertas a una celebración que trascendió las páginas de los libros y se adentró en el corazón de la comunidad literaria y académica. La Feria UANLeer 2024, un evento que quedará grabado en la memoria colectiva, mucho más que una simple reunión de letras y párrafos; fue un encuentro que desafió los límites de la imaginación y enriqueció el intelecto de todos los que tuvieron el privilegio de participar. Desde el inicio, las expectativas se dispararon hacia el cielo. La inauguración de la feria fue un espectáculo de diversidad y creatividad. Los asistentes se vieron inmersos en un torbellino de emociones y reflexiones mientras exploraban los diversos rincones del universo literario. Desde los versos melódicos de la poesía hasta la prosa cautivadora de la narrativa contemporánea, cada rincón de la feria estaba impregnado de la magia de las palabras. A lo largo de los días que siguieron, la feria se convirtió en un escenario vibrante donde la literatura se entrelazaba con la academia de una manera sin precedentes. Más de 30 actividades alimentaron la mente de los participantes y los 50 JUNIO 2024 sumergieron en un mar de conocimiento y creatividad. Presentaciones de libros, charlas con escritores reconocidos, talleres de escritura creativa y debates sobre temas candentes en el mundo de las letras fueron solo algunas de las muchas experiencias que la feria tenía reservadas para aquellos que buscaban enriquecer sus mentes y sus almas. Pero la Feria UANLeer 2024 no se limitó solo en el mundo de las letras, también sirvió como un espacio para el diálogo académico a través de las Jornadas de Revistas Académicas. Durante estas jornadas, investigadores y estudiantes se reunieron para discutir los avances más recientes en sus respectivos campos, compartiendo ideas, conocimientos y perspectivas en un ambiente de camaradería y colaboración. En medio del bullicio y la emoción de la Feria UANLeer 2024, se llevó a cabo un evento especialmente significativo: la presentación de las revistas “Paradigma Creativo” y “Croma” de la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Este encuentro ofreció una ventana única hacia el mundo del arte y la creatividad. �La presentación contó con la participación de la Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú, Directora de la Facultad de Artes Visuales, la Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván, Editora de las Revistas y el Maestro Dagoberto Salas Zendejo de la Dirección de Revistas UANL; quienes ofrecieron reflexiones profundas sobre el proceso creativo y el papel del arte en la sociedad contemporánea. “Paradigma Creativo” y “Croma” son más que simples publicaciones; son testamentos del talento y la diversidad artística que caracterizan a la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Desde ensayos y entrevistas hasta obras visuales y proyectos interactivos, estas revistas exploran una amplia gama de temas y técnicas, brindando a los lectores una experiencia enriquecedora y estimulante. Durante la presentación, los asistentes tuvieron la oportunidad de interactuar con los presentadores y discutir ideas sobre arte y creatividad. La presentación de “Paradigma Creativo” y “Croma” fue un recordatorio elocuente del poder del arte para inspirar, provocar y transformar. En un mundo cada vez más complejo y desconcertante, estas revistas ofrecen una luz brillante de esperanza y creatividad, recordándonos que el arte sigue siendo un puente vital hacia la comprensión y la conexión humana. A medida que los lectores se sumergen en las páginas de estas obras magistrales, están invitados a explorar nuevas perspectivas, desafiar suposiciones arraigadas y abrir sus mentes a la infinita belleza y posibilidad del mundo que nos rodea entre el arte, el diseño y el mundo audiovisual. Al final, cuando las luces se apagaron y las últimas páginas de los libros se cerraron, la Feria UANLeer 2024 dejó una marca indeleble en todos los asistente. Más que un evento; fue un viaje de descubrimiento, un oasis de creatividad y un faro de conocimiento en medio del vasto océano de la vida. Y aunque las palabras pueden desvanecerse con el tiempo, los recuerdos de esta experiencia perdurarán en nuestros corazones y mentes, recordándonos siempre el poder transformador de la literatura y el saber. JUNIO 2024 51 �E V E N T O S El Concurso de Álbum Ilustrado “A la Orilla del Viento” 2024 y el Premio Nacional de Diseño: Diseña México, dos eventos imperdibles que desafían los límites de la creatividad. Para los apasionados escritores e ilustradores que crean para niños y jóvenes, el Concurso de Álbum Ilustrado “A la Orilla del Viento” 2024 representa una oportunidad única. Organizado por el prestigioso Fondo de Cultura Económica, este evento busca avivar la creatividad literaria y artística en lengua española. La convocatoria acoge a escritores e ilustradores mayores de 18 años, sin importar su nacionalidad o lugar de residencia. Ya fuese trabajando individualmente o en equipo, todos pueden enviar sus propuestas. Se valoran propuestas inéditas que narran historias mediante imágenes y texto, o incluso únicamente a través de imágenes. La creatividad es clave: ¡no existen límites en cuanto al tema y la técnica empleada! Sin embargo, se pide que las obras no sobrepasen las 48 páginas y que sean presentadas en una maqueta que refleje el diseño final, incluyendo texto, color e ilustraciones. El ganador recibirá un premio de $150,000 MXN y la oportunidad de ver su obra publicada en la prestigiosa colección “Los Especiales de A la Orilla del Viento” del Fondo de Cultura Económica. Los trabajos deben enviarse antes del 31 de octubre de 2024 a: librosparaninos@fondodeculturaeconomica.com. 52 JUNIO 2024 �Organizado por el Consejo Certificador de la Innovación y el Diseño, A.C., es un viaje extraordinario donde la creatividad es la protagonista indiscutible. Desde el 1 de abril hasta el 31 de julio de 2024, se preparan para este evento único. Imaginando un escenario donde las ideas cobran vida y las formas danzan al ritmo de la innovación. Aquí, en este epicentro del diseño, no hay límites para la imaginación. Profesionales y estudiantes, mexicanos y extranjeros, todos son bienvenidos a este festín de creatividad. Desde el Diseño de Producto hasta la Vanguardia Digital, pasando por el Arte de la Comunicación Visual y la Elegancia de la Moda, cada aspecto del diseño tiene su lugar. Más que simples trofeos, estos galardones representan el reconocimiento a la capacidad de transformar el mundo que nos rodea. ¡Son parte de la historia y dejan su huella en la industria del diseño! Este concurso no se trata solo de ganar, se trata del impacto que tiene el diseño en la sociedad. Desde la lucha contra la contaminación de los océanos hasta la creación de experiencias más inclusivas, el diseño puede cambiar vidas. JUNIO 2024 53 �Junio 2024, Número 12 36 NOVIEmbre 2022 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2024 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 6 Número Número de la revista 2 Mes de publicación Mes cuando se publicó Julio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Relación OPAC http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, arte, diseño, audiovisual, 2024, Año 6, No 2, Junio Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2024-06-01 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021306 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Artistas Mexicanas Casa del Libro Exposiciones La Ilustración Realidad aumentada https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/21953/Croma_arte_diseno_audiovisual_2025_Vol_7_Num_1_Marzo.pdf a76f816fbaf23118da1143de40cc6cfe PDF Text Text �Í N D I C E TALENTO FAV 04 - DANIELA GODINEZ 08 - CHRISTOPHER SOSA DOCENTE 12 - MARTÍN ONTIVEROS TEMA DEL MES 18 - EL TATUAJE COMO FORMA DE EXPRESIÓN EMPRENDIMIENTO 24 - SOPA DE LETRITAS 26 - FREELANCE ENFOQUE 28 - EL ARTE DE LOS MOTION GRAPHICS 30 - EL AUGE DE LOS PODCAST �CRÉDITOS Dr. Med. Santos Guzmán López Rector UANL Dr. Juan Paura García Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado ARTE 32 - EL ARTE DEL CROCHET 36 - BODYPAINT 42 - EVENTOS 38 - FERIA DEL LIBRO 40 - ECOS: ARTE EN EVOLUCIÓN 44 - HALLOWEEN 46 - CERTAMEN DE ALTARES 48 - CERTAMEN DE LAS ARTES VISUALES M.A. Eva Julia De La Cerda Cruz Secretaria Académica Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores y Editores de la Revista Croma Armando Jahir Rodríguez Rodríguez Cesia Edlyn García Sagástegui Diana Isabel Lozano Hernández Evelyn Silvia Morales Arévalo Emilio Alberto Treviño Gallardo Fátima Joseline Vásquez Rico Fernando Abraham Armendáriz González Lucía Martínez Reyes Luna Guadalupe Gaytán Vázquez Mónica Alexandra Helgueros Hernández Poleth Islas Flores Estancia de Producción Portada: Armando Jahir Rodríguez Rodríguez CROMA, año 7, No. 13, Marzo 2025, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de la Facultad de Artes Visuales. Calle Praga y Trieste 4600, Fracc. Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Tel. +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No.04-2023-080113474100-102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Responsable de la última actualización de este número Coordinación Editorial FAV, Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván, Calle Praga y Trieste 4600, Fracc. Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L. México C.P. 64930. Fecha de última actualización 7 de marzo de 2025. DICIEMBRE 2024 5 �T A L E N T O F A V DANIELA GODINEZ PASIÓN POR LA FOTO POR: POLETH FLORES Fotógrafa y estudiante de producción audiovisual, comparte sus aprendizajes tanto en el ámbito académico como en la industria audiovisual. ¿Cuál es el área de la producción audiovisual que más te gusta? ¿Y por qué? Yo soy 100% de foto, he hecho trabajos de video pero la verdad no me siento tan segura en ese campo. Me gusta mucho la foto, empecé haciendo sociales, ahí por ejemplo, tuve que ser muy paciente conmigo misma porque me costaba mucho hablar con la gente, pero fui mejorando esa habilidad. Me gusta mucho más la foto, me siento más cómoda, lo disfruto mucho y me gusta también editar. ¿Qué habilidades o conocimientos crees que son importantes para destacar en el mundo de la producción audiovisual? Tienes que estar activo, tener mucha actitud de servicio, ser creativo y paciente, porque hay una curva de aprendizaje para muchas cosas. O sea, nadie nace sabiendo cómo operar una cámara. Yo cursé parte de la carrera en pandemia, entonces sí sentí que estaba muy atrasada, pero poco a poco le fui agarrando la onda y por otro lado, debes tener paciencia en tu propio proceso para no caer en compararte con los demás. ¿Qué proyectos consideras que han sido los más importantes en tu carrera hasta ahora? Gracias a mi anterior trabajo, tuve oportunidad de hacer proyectos bastante grandes, uno de ellos me costó mucho y siento que hubo un antes y un después de mí, ese proyecto fue para Coppel Jeans, mi primer proyecto en el que ya nadie me estaba apoyando, entonces las fotos que tomaron el día uno las querían editadas para el día 2, a la hora de salir me fui a mi casa a editar y cuando terminé ya me tenía que volver a ir y fue muy pesado, pero aprendí mucho, aunque fue trabajo bajo presión. Hice también una campaña para Coppel en abril, eran fotos de productos de tecnología y también me gustó mucho. 2 septiembre MARZO 20252020 �FOTO POR: DANIELA GODÍNEZ ¿Cuáles han sido los roles o puestos que has desempeñado en las producciones en las que has trabajado? He estado como asistente de foto fija, post productora y tech assit, que este último es un cargo que yo no sabía ni siquiera que existía, fue algo que sí me tocó aprender fuera de la facultad, también se aprende bastante fuera, con la práctica y el mundo real. Me gustaba mucho porque básicamente es como editar un previo en vivo, a lado del cliente y estás pegado al fotógrafo y tú eres los ojos del fotógrafo porque si él se está fijando en el encuadre, tú te fijas en la computadora en que el foco esté bien gracias a que la cámara está conectada por un cable a la computadora. Disfruto mucho trabajar en el departamento de foto, siento que cada proyecto te pide una cosa diferente, o sea, si tú ya le agarraste la onda el primer día de producción y piensas que el siguiente va a ser así, pues no, muchas veces cambian las cosas o cambian las necesidades de cada proyecto. COPPEL EVL 2024. FOTOGRAFÍA POR ADRIANA FARIAS. RETOQUE POR DANIELA GODÍNEZ ¿Cómo fue tu experiencia trabajando en la Tuna photo? Mi experiencia en la Tuna photo fue muy buena, actualmente ya no trabajo con ellos porque encontré mejores oportunidades de trabajo, duré el semestre haciendo prácticas y me quedé 3 meses más, aprendí mucho la verdad, me tocó trabajar con fotógrafos muy buenos y muy amables, trabajé con Pepe Escarpita , Adriana Farías y Jacobo Parra, siento que todos tienen la amabilidad de explicarte las cosas. Los primeros meses sí me sentía algo desorientada, pero fui aprendiendo a cómo asistir bien, siento que ya después de trabajar una vez con un fotógrafo, tú ya sabes más o menos qué es lo que se va a necesitar. También existe el puesto de encargada de equipo, yo tenía las llaves de la bodega de almacén y días antes de la producción tenía que ir por el equipo, hablar con el fotógrafo sobre qué ocupaba, si necesitaba luces, brolis, softbox, etc. Sí fue una curva de aprendizaje algo grande, pero aprendí de todo desde como asistir, post producción y mucho más, obtuve grandes aprendizajes. MARZO 2025 5 �T A L E N T O F A V ¿Cómo ves tu futuro profesional en la industria audiovisual? ¿Hacia dónde te gustaría dirigir tu carrera? La verdad no tengo un camino muy visto, cuando yo me salí de la Tuna fui teniendo otras oportunidades de trabajo, encontré una mejor oportunidad e hice el detrás de cámaras para una película, ahorita sigo tomando trabajos de sociales, el sábado pasado hice un evento corporativo, este sábado tengo 15 años, la verdad, siento que ahorita también estoy respirando un poco porque sí fue un trabajo de bastante presión y llegó un momento donde dije a ver sigo en la carrera, pero no puedo ser tan dura conmigo misma, entonces mientras sigo estudiando, recibo los trabajos que me van llegando, pero sí estoy abierta a todo lo que pueda realizarse, yo aquí recibo de todo. ¿Cómo has enfrentado la idea que tienen algunas personas en la industria sobre el dicho de que dedicarse a la fotografía social implica no ser un buen fotógrafo o no estar a la altura en el ámbito profesional? No comparto la opinión, siento que en lo social hay muchos rangos. Al instante se puede notar en tu trabajo, si vas empezando o si ya tienes tu camino más estipulado, pero siento que cualquier trabajo de foto, sea social o una campaña más grande, es respetable, es trabajo a final de cuentas y vas a desarrollar tu creatividad de cualquier manera, entonces pues sí, así yo empecé haciendo piñatas para niños pequeños y fue un trabajo que me enseñó mucho, tener la paciencia a los niños, montar y desmontar rápido, y poder dirigirlos. Creo que mucha gente empieza en lo social y está bien, o sea, te ayuda a tratar con un cliente, aprendes a como estipular tus precios y cosas así, yo siento que todo el trabajo de foto es respetable y es súper válido. POR: DANIELA GODÍNEZ Recuerda que nadie nace sabiendo, CADA QUIEN VA EN SU PROPIO CAMINO, siempre se puede seguir aprendiendo, practica mucho. NO TENGAS MIEDO DE INTENTAR LAS COSAS, es parte de ser paciente contigo mismo y de tu curva de aprendizaje ”. POR: DANIELA GODÍNEZ 6 MARZO 2025 �¿Cuáles fueron o han sido las materias que más te marcaron durante tu carrera? La materia que a mí más me gustó fue en cuarto semestre en posproducción de foto. Aprendí todo de post, la maestra es muy buena, nos enseñó cómo arreglar la piel, cómo hacer dodge and burn y fue muy paciente con nosotros porque ya estando en el salón, ves a gente que ya tiene más experiencia o ya va más avanzado, y pues yo no sabía mucho más que arreglar el color y un balance de blanco simple, pero de ahí aprendí mucho y me gustó bastante la verdad. Esa fue mi materia favorita, le saqué mucho provecho. Otra materia que me gustó mucho fue la de stencil, hice muy buena relación con el maestro y después de terminar la materia todavía fui un tiempo a apoyarlo en su estudio, el stencil me encanta porque ves toda la parte creativa, gráfica y lo que puedes hacer con las manos, aunque sí es un trabajo de mucha paciencia, como que hacer cada corte y todo eso, pero me gusta mucho esta área SALIMOS RAYADOS 2024. FOTOGRAFÍA POR ADRIANA FARIAS. RETOQUE POR DANIELA GODÍNEZ. ¿Tienes algún consejo para quienes desean ejercer en la producción audiovisual? Siento que es muy importante y la razón po la que también me han llegado trabajos es hacer relaciones, se llama networking. Cuando estás en producciones, sé amable con todos, ayúdales a los demás a hacer su trabajo, porque si el día mañana tienen un trabajo, ocupan apoyo, ellos van a pensar en ti y te pueden hablar. Ser muy proactivo, practicar y también algo en lo que yo batallo, pero recomiendo mucho, es publicar tu trabajo porque eso te abre más puertas. Algo de la fotografía es que siempre puedes seguir aprendiendo, hay muchas, muchas ramas. A mí me gustan mucho los retratos, los disfruto mucho, inclusive para trabajos más comerciales cuando hay oportunidad de ser un poco más creativo. Si tú vas a hacer un trabajo comercial simple, o piensas que no le puedes sacar mucho provecho; sí lo puedes hacer, puedes darle tu propio enfoque a las fotos. Algo que a mi me faltó es que no aprovechaba las tareas que me encargaban para dar mi 100% y usar eso de portafolio, siento que muchas tareas como que las hacía bien, pero pude haberlas hecho mejor. También fijate en qué áreas se pueden desempeñar mejor tus compañeros, si ves que alguien es bueno en sonido, tener la nota mental por si algún día le necesitas. Saber dirigirte con esa persona, ser amable con todos, para que si algún día ocupan apoyo, pues vengan contigo. Hay muchas veces que digo yo soy fotógrafa y todo lo que tú quieras, pero yo también sigo haciendo fotos gratis de vez en cuando, a veces hay proyectos que no van a estar muy bien remunerados y unos que van a estar súper bien, hay que saber cuáles sí aceptar, porque esos trabajos que no están tan bien remunerados o favores que te toca hacer, puede ser un favor que luego pidas de regreso o saber que ese proyecto te va a traer más trabajo después, si un cliente te habla y no tiene mucho presupuesto, pero es un cliente recurrente, tal vez valga la pena. Aprende a ponerle precio a tu trabajo, es algo en lo que yo batallo mucho y consulto con muchos amigos que también se dedican a lo audiovisual. Siento que es un tema que no vimos mucho en la carrera, cómo cobrar tu trabajo o contratos, pero se va aprendiendo poco a poco, cuando uno ya va sintiéndose más seguro con su trabajo va comprando más equipo y va cobrando un poco más. Y sí, es parte de ir creciendo profesionalmente. POR: DANIELA GODÍNEZ REDES SOCIALES INSTAGRAM @danyvisuales PORTAFOLIO https://danyvisuales.myportfolio.com/ MARZO 2025 7 �T A L E N T O F A V CHRISTOPHER SOSA SOSA PASIÓN T A L E N TPOR O F EL A V ARTE PASIÓN POR EL ARTE POR: POLETH FLORES Con un estilo de ilustración único y distintivo, este talentoso alumno encuentra inspiración en su amor por el cine y el teatro. ¿Cómo descubriste tu pasión por la ilustración? y ¿Cómo definirías tu estilo? Desde muy pequeño todos en mi familia dibujan. Mi mamá dibuja, mi papá dibuja, mi hermano mayor se dedica a hacer artes conceptuales, crecí en ese ambiente, desde entonces yo dibujaba en todas las libretas, obviamente me regañaban un montón, pero fue una actividad que yo no sentía que estuviera haciendo por hobby, ya que, según yo todo el mundo lo hacía, pero después descubrí que no. Yo creo que mi estilo es muy fantasioso, un poco inspirado en Pixar, muy llamativo para el público infantil, pero también creo yo, para las audiencias en general. 8 MARZO 2025 �¿Cuáles han sido tus proyectos artísticos que más te han marcado? Yo creo que para empezar fue Lory, es un cómic que hice hace dos años sobre un corazón que se estaba rompiendo pero no se quería romper, ese cómic estuvo en un concurso de la Universidad Autónoma de Nuevo León y lo ganó. Para mí era muy raro porque recuerdo que ese, en particular, no lo hice para estar en ningún concurso, lo hice por gusto y dio la casualidad que cuando yo lo terminé, como a dos o tres días iba a cerrar la convocatoria y dije bueno, pues voy a aplicar sin esperar nada realmente, llamó la atención de la gente, empecé a recibir respuestas muy bonitas de personas que decían que les había tocado la historia o que la sentían necesaria. Yo creo que, sobre todo eso, es lo que más me ha marcado. Otro proyecto fue de teatro el año pasado y este año otra vez estoy actuando en una función de El show de terror de Rocky. En sí es una obra que es un musical, yo entré a este proyecto, sin saber nada del musical, sin saber nada de la película. Lo hice ciegamente por amor al arte y ya estando en escena yo me divertía mucho. Entonces esto para mí es bien padre, porque realmente lo hice solo con el pensamiento de ir por diversión, pero al final tocó a las personas y quiero creer que les dejó un mensaje. MARZO 2025 9 �T A L E N T O F A V Encuentra algo que REALMENTE TE GUSTE MUCHÍSIMO , como para dedicarle un montón de tiempo, dinero, fallas y aciertos. No algo que creas que a los demás les va a gustar, algo que te encante a ti, CREE EN ESE PROYECTO Y HAZLO. Vale la pena hacerlo. ¿ Cómo el cine influye en tu trabajo creativo? Crecí con el cine muy inculcado en mi vida, desde muy pequeño mi papá siempre ponía películas, siempre me llevaba al cine, no recuerdo exactamente cuál fue la primera película que vi en el cine, pero yo sí creo que mis papás eran de esos que llevaban a sus bebés al cine, me consta. La primera película que vi, que yo dije me gustaría hacer esto, me gustaría seguir por ese camino, fue reciente, fue la primera de Jurassic World. Yo no tenía contexto de Jurassic Park ni de este tipo de películas, pero una tía no tenía con quién ir, me pidió que la acompañara y cuando fui a verla con ella en la escena final sale el T-Rex rugiendo y yo me acuerdo que se me puso la piel chinita. yo dije, yo quiero causar esto en la gente o a mí me gustaría poder generar esto que que yo estoy sintiendo. Entonces yo creo que ese fue el primer momento donde me di cuenta lo que quería hacer. El cine visualmente me ayuda a entender mejor mis historias. Por ejemplo, si yo quiero hacer un cómic de una historia que tenga en mi cabeza, lo que hago en mi proceso es siempre pasarla en mi mente, como si fuera una película y voy entendiendo cómo sería, si estos zapatos son importantes en la historia, pues lo voy a poner en un primer plano, los voy a dibujar más grande que todo lo demás o voy a usar colores más brillantes para que destaquen más que otros elementos. El cine me ha instruido bastante a la hora de yo contar mis historias. Me ha ayudado a entender mejor el lenguaje audiovisual, aunque casi nunca he usado audio, pero yo creo que en cuanto a composición y en cuanto a visuales, colores, todo eso y también mi gusto por el cine me hizo empezar a hacer resumenes de películas en redes sociales. 10 MARZO 2025 �¿Qué te motivó a iniciar el proyecto de hacer resumenes de películas en redes sociales?? Es algo que llevo haciendo ocho años, cuando yo estaba en prepa, era mucho de ir al cine, de ver películas, estrenaban una película y yo la quería ver el msimo día del estreno. Aparte soy muy ansioso, entonces no me podía esperar como un fin de semana o una semana y lo que me molestaba mucho era que, yo quería ver una película, pero luego no me ponía de acuerdo con la gente o no coincidíamos en tiempos, entonces yo me tenía que esperar para platicar, era tanta mi emoción de ver una película y de querer contarla con alguien, que dije tengo que contarla de alguna forma, pero pues no podía contársela a mis amigos porque obviamente no podía hablar con spoilers, lo que se me ocurrió en ese momento fue grabarme, así fue como empezó, creo que fue con los ilusionistas dos, algo así, la vi en el cine, llegué a mi casa, grabé mi opinión, la subí a YouTube, ahí se quedó y luego empecé a grabar más. Al principio era todo muy secreto, no me gustaba que la gente se enterara, nada más se lo pasaba a mis amigos con los que hablaba de películas, pero de repente, un día escuché que mi mamá estaba escuchando mi voz, y ella lo fue pasando y la gente ya sabía que yo tenía un canal. Y poco después, Multimedios se acercó a mí, me contactaron por correo, me dijeron que si quería cubrir ciertas películas, les dije que sí y poco a poco lo fui haciendo de forma más independiente. Ya las distribuidoras me conocían, les gustaba mi trabajo y también lo fui haciendo de una forma más práctica. Actualmente las escribo completamente en Facebook, se me hace muchísimo más cómodo así, es algo que a la fecha sigo haciendo. Yo creo que como dos veces por semana me invitan a ver películas antes de que se estrenen, lo cual está padre a cambio de que yo les escriba reseñas y las comparta. Y la respuesta del público, la verdad ha sido muy positiva, recientemente he encontrado la forma de conectar con la gente y sí, he notado que algunas pueden llegar a viralizarse o a comentarse mucho y eso se me hace muy padre. REDES SOCIALES @abookohchris @chrisvsosa @chrislemia MARZO 2025 11 �D O C E N T E MARTIN JAIME ONTIVEROS QUINTANILLA AMOR AL ARTE DE LA DOCENCIA Y LA PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL Con más de 40 años de experiencia en la producción audiovisual, Ontiveros nos comparte sus inicios en la producción de video, y algunos de sus mejores consejos y reflexiones sobre su labor docente en la facultad REDACCIÓN POR: LUNA GAYTÁN M Martin Ontiveros maestro decano de la Facultad de Artes Visuales FOTOGRAFÍA POR: LUNA GAYTÁN 12 MARZO 2025 artín Ontiveros ingresó a la Facultad de Artes Visuales el 1 de septiembre de 1984 como técnico audiovisual. Su labor inicial consistía en apoyar a los alumnos en el manejo de cámaras de video y asistir a los profesores en cuestiones técnicas. A medida que adquiría experiencia, su rol fue evolucionando hasta convertirse en profesor de tiempo completo en 1989. Actualmente, imparte las materias de Técnicas de Producción Audiovisual y Producción de Géneros Audiovisuales. El maestro Martín comenzó su carrera en televisión en 1979, cuando tenía solo 16 años y fue contratado como camarógrafo de estudio. Debido a su juventud, para trabajar le pidieron que se capacitara un mes con la cámara de televisión para que después le realizaran exámenes de la parte conceptual, técnica y operativa de la cámara, los cuales aprobó satisfactoriamente. En septiembre de 1979 inició como camarógrafo de estudio de televisión y fue ahí donde inició su carrera en el área de televisión, la producción audiovisual y la cámara, “Me enamoré de todo esto”, comenta el profesor. Al recordar sus primeros años en la televisión, menciona que, en Monterrey, en aquel entonces, muy pocas personas trabajaban como camarógrafos. Su pasión por la cámara lo llevó a continuar en este campo, y con el tiempo, empezó a desempeñarse como camarógrafo de exteriores, lo que le permitió salir del estudio y grabar en diferentes locaciones de Monterrey. �Con emoción, el maestro recuerda aquellos días cuando cargaba las primeras cámaras LDK 11 de Ampex. “Era un arnés pesadísimo, que llevaba la electrónica de la cámara en la espalda. A pesar del esfuerzo físico, era una experiencia enriquecedora y emocionante”, comenta. Sin embargo, este compromiso le costó en sus estudios, ya que en aquel tiempo estaba cursando su carrera en FIME y tuvo que dejar algunas materias debido a las demandas del trabajo en televisión. Decidió entonces dejar el puesto de camarógrafo y pasar a operar el switcher en el canal, para así poder terminar su carrera. Ontiveros ha dedicado gran parte de su trayectoria a la televisión deportiva, comenzando en 1997 con TV Azteca como freelancer, donde fue camarógrafo para los partidos del Santos de Torreón. A lo largo de los años, ha ocupado diversos roles, desde ingeniero de microondas hasta jefe de ingeniería, contribuyendo a múltiples deportes como fútbol, basquetbol, tenis y béisbol. En 2017, se unió al equipo que inició el VAR en México, donde lideró la implementación de las primeras unidades móviles en un tiempo récord de un mes. Tiempo después fue contratado por Fox Deportes de Estados Unidos como jefe técnico, donde pasó cuatro años aprendiendo sobre la planificación y la metodología del trabajo de otro país. Actualmente, se desempeña como ingeniero de control de video en TUDN, trabajando en partidos de fútbol de equipos como Rayados, Tigres y Santos. El profesor expresa su amor por su trabajo, afirmando que se siente “vivo” y “rico” gracias a su pasión por la producción de video y televisión. Su meta es participar en la cobertura del Mundial de Fútbol, un objetivo que espera alcanzar, aunque reconoce que depende de otros factores. “Mientras tanto, estoy agradecido por la vida, la salud, mis hijos, mis nietas y mi esposa”, comenta con entusiasmo. Martin Ontiveros trabajando en el estadio BBVA Martin Ontiveros trabajando en una cabina móvil MARZO 2025 13 �D O C E N T E En agosto de 1984, un amigo del profesor Ontiveros le comentó sobre una vacante en la Facultad de Artes Visuales. “Me dijeron que buscaban a alguien que conociera sobre cámaras y que le gustara enseñar”. Fue así como el profesor Ontiveros tuvo una entrevista con el entonces secretario académico, el doctor Salvador Aburto Morales, quien le ofreció el puesto de técnico audiovisual. Desde el principio, su rol fue apoyar a los alumnos con las cámaras de video y asistir a los profesores en temas técnicos. Aunque aún no era docente de manera formal, Ontiveros ya desempeñaba labores de enseñanza en la facultad. Martín Ontiveros menciona que su decisión de convertirse en profesor no estuvo inspirada por algún maestro en particular. Al ser asignado como asistente en la facultad, y luego como profesor titular, se propuso corregir aquellos aspectos que consideraba errores en sus profesores anteriores. El profesor Martín recuerda con claridad que en sus etapas como estudiante hubo maestros que le exigieron al máximo, especialmente en la secundaria y preparatoria, quienes lo formaron con un enfoque riguroso y le inculcaron la importancia de la disciplina. Comenta que estos profesores, aunque eran estrictos, dejaron en él una enseñanza profunda: el valor de la exigencia y el compromiso en el proceso de formación. Es por ello que hoy en día define su estilo de enseñanza como estricto, buscando formar no solo profesionales capacitados, sino personas integrales y comprometidas. Dentro de su trayectoria en la Facultad de Artes Visuales, Ontiveros encontró en el doctor Salvador Aburto Morales un modelo que reforzó su enfoque docente. Admiraba la dedicación, el orden y el respeto que Aburto mostraba hacia sus alumnos y colegas, características que Ontiveros ha intentado reflejar en su propio quehacer. Otro punto fundamental en su formación docente fue la Maestría en Artes, en la cual fue el primer egresado. Para él, esta experiencia representó no solo un logro académico, sino una oportunidad para reforzar sus habilidades y conocimientos en humanidades, un área que complementaba su formación técnica como ingeniero. Esta maestría, asegura, le brindó herramientas que sigue aplicando en la actualidad para rediseñar sus clases y mejorar constantemente su enseñanza, siempre con el objetivo de que sus estudiantes aprendan de manera significativa. Martín Ontiveros con su título de Maestría en Artes en 1998 14 MARZO 2025 �Para Martín Ontiveros, cada proyecto audiovisual representa un desafío y una oportunidad para aplicar todas sus habilidades y conocimientos. Uno de los primeros proyectos en su carrera que considera fundamental fue su participación en un concurso universitario de producción de video en los años 90. Su video, que exploraba la semiótica en el contexto de un congreso en la Facultad de Artes Visuales, fue premiado como la mejor producción. Ontiveros dirigió y produjo el proyecto, obteniendo con él un reconocimiento por su trabajo. En particular, el profesor recuerda con entusiasmo una producción llamada “Solidaridad”, creada también en la Facultad de Artes Visuales en 1990 junto con un equipo de estudiantes. Esta obra fue concebida como una parodia de la famosa canción “Solidaridad” que impulsó el entonces presidente Carlos Salinas de Gortari, y en ella participaron numerosos alumnos y extras. En un esfuerzo comunitario, el video fue editado en Canal 53, debido a que en ese momento la facultad no contaba con equipo propio para la edición de video. “Solidaridad” fue muy bien recibido, al punto de que Televisa Monterrey, a través del periodista Gilberto Marcos, reconoció su calidad. El maestro Martín recuerda cómo estas felicitaciones y la retroalimentación positiva sirvieron como motivación tanto para él como para sus alumnos, quienes participaron en la producción. Ontiveros comenta que lo que hace especial cada proyecto es el empeño y dedicación que pone en ellos. Reconoce que, al mirar sus producciones antiguas, siempre encuentra aspectos que mejoraría, pero siente que esa búsqueda de la perfección es lo que lo impulsa a seguir adelante. La producción de “Solidaridad” fue especialmente memorable, no solo por su alcance y calidad, sino también por el esfuerzo conjunto de todos los involucrados. Este reconocimiento externo representó una confirmación de que estaba enseñando y transmitiendo a sus alumnos los valores y habilidades esenciales para la producción audiovisual. Para el profesor, el éxito de proyectos como este es un reflejo de que el trabajo colectivo y la dedicación valen la pena, dejando una huella significativa en su trayectoria profesional. Martín Ontiveros menciona que la técnica es la base de cualquier producción audiovisual. Como Ingeniero en Electrónica y Comunicaciones, él ha dedicado su carrera a profundizar en el manejo técnico de los equipos y los procesos operativos, y considera que esta comprensión técnica es indispensable para cualquier profesional del sector. Según Ontiveros, los estudiantes deben dominar la técnica de los equipos, especialmente de la cámara, ya que ese conocimiento será el cimiento de sus proyectos. A partir de ahí, podrán explorar la parte conceptual y creativa de cada producción, adaptando sus habilidades a las particularidades de cada guión y tipo de proyecto. Para el profesor, aunque el contenido de un proyecto puede variar en estilo y enfoque, ya sea basado en un guión estructurado o en ideas espontáneas en proyectos artísticos, el dominio de la técnica facilita el proceso creativo. Esta habilidad técnica no solo les permitirá a los estudiantes ejecutar proyectos con mayor precisión, sino también experimentar y explorar la narrativa visual de maneras efectivas. Imágenes de la producción “Solidaridad” Facultad de Artes Visuales en la producción “Solidaridad” en los 90´s Dominando la técnica, lo demás es más fácil de llevar a cabo”. MARZO 2025 15 �D O C E N T E Alumnos en clase en el auditorio Juan Alberto Pérez Ponce Para el profesor Ontiveros, la producción audiovisual y la docencia son inseparables. En sus propias palabras, “están completamente unidas”. Desde 1985, cuando participó en la primera revisión del plan de estudios de la facultad, ha trabajado para integrar las dos pasiones en un solo propósito: brindar a los estudiantes la oportunidad de experimentar con la producción en un ambiente profesional. En ese entonces, trabajando también en Canal Ocho, visualizaba la creación de un estudio en la facultad que emulara las condiciones de un canal de televisión real. Esa visión se concretó con la creación del estudio Juan Alberto Pérez Ponce en la Facultad de Artes Visuales, logrando así un espacio donde los estudiantes pudieran dirigir y producir televisión en vivo. Gracias a este logro, y al apoyo de fondos federales, la facultad pudo adquirir equipo de televisión profesional, lo cual ha sido esencial para la formación técnica y personal de sus alumnos. Con esta unión entre producción y docencia, Ontiveros ha logrado compartir su conocimiento y su pasión con generaciones de estudiantes, fomentando en ellos tanto habilidades técnicas como valores de compromiso y profesionalismo. Reconoce que, a pesar de sus décadas de experiencia, la revisión curricular sigue siendo uno de sus mayores retos, “su coco,” como él mismo dice. Aun así, muestra una constante voluntad de aprender, especialmente sobre las nuevas herramientas tecnológicas, con el fin de fortalecer sus clases y ofrecer a los alumnos una experiencia más enriquecedora. El profesor Martín se muestra orgulloso y honrado de su rol como maestro decano en la Facultad de Artes Visuales, aunque admite que nunca fue una meta personal. Su trayectoria comenzó con humildad, sin plantearse objetivos a largo plazo, pero su pasión por el audiovisual y la enseñanza lo han mantenido en la facultad desde 1984. En su rol actual, continúa dedicándose a la docencia con entusiasmo, valorando especialmente el proceso de enseñanza-aprendizaje que comparte con sus alumnos, a quienes considera parte esencial de su vida profesional. 16 MARZO 2025 El maestro Ontiveros mantiene una disposición de servicio y un deseo genuino de contribuir más a la institución. Su verdadera satisfacción radica en ver el aprendizaje de los estudiantes y en ayudarlos a desarrollarse en el ámbito profesional de la producción audiovisual y la televisión. Esta labor le ha dado un sentido de realización, y aunque no planea su retiro inmediato, deja en manos del tiempo y de las circunstancias la decisión de hasta cuándo continuará compartiendo su conocimiento y pasión en el aula. A lo largo de su carrera, Ontiveros ha realizado ajustes en sus programas de estudio, tomando en cuenta tanto el estilo de aprendizaje de sus estudiantes como las necesidades cambiantes del mundo audiovisual. En su opinión, un buen docente sabe equilibrar sus conocimientos con las necesidades de sus alumnos y no teme hacer ajustes cuando es necesario para maximizar el aprendizaje en cada curso. Su perseverancia y dedicación a la docencia han sido claves en su constante evolución, siempre con el objetivo de ofrecer a sus alumnos la mejor formación posible Recientemente, el profesor Ontiveros recibió un reconocimiento por parte de la Universidad Autónoma de Nuevo León por sus 40 años de labor. Aunque aclara que no ha estado 40 años como docente oficial, sí ha trabajado en la universidad desde 1984, comenzando como asistente. Este reconocimiento lo hace sentir revitalizado y motivado a seguir contribuyendo en la docencia. El profesor Ontiveros comparte que recibir el reconocimiento por sus 40 años de labor en la UANL lo hace sentir vivo. Para él, continuar dedicándose a la docencia es una experiencia enriquecedora, y lo que más valora son los mensajes de sus ex-alumnos sobre sus logros. Independientemente de un papel que te entregan, lo más importante para mí son los mensajes de mis ex-alumnos sobre lo que han logrado y lo que logré en ellos, ese agradecimiento es el verdadero premio”. FOTOGRAFÍA POR: LUNA GAYTÁN �El mejor consejo que puedo darles es que lo que han aprendido y desarrollado como proyectos no servirá de nada si no le ponen el corazón a su profesión. Más allá de lo técnico, es fundamental que se apasionen por lo que hacen, pongan toda su energía y pasión en cada trabajo.” Martin Ontiveros con alumnos de la materia “Producción de géneros audiovisuales” El profesor Martín Ontiveros comparte un mensaje de profunda inspiración para sus estudiantes que están próximos a finalizar su carrera en producción audiovisual. Con décadas de experiencia, su consejo principal es que pongan el corazón en cada proyecto que emprendan. Para Ontiveros, el conocimiento técnico y la habilidad procedimental son esenciales, pero la diferencia real entre profesionales se encuentra en la dedicación y el amor que se le pone al trabajo. Les aconseja no solo dominar todos los conceptos necesarios para realizar una producción, sino que siempre den ese extra, sin importar las circunstancias. Comparte su experiencia personal al señalar que, en ocasiones, los proyectos que ha cotizado y autorizado han evolucionado más allá de lo acordado. “A veces, me piden más de lo que habíamos pactado, y prefiero hacerlo con toda mi dedicación. Si te pagan un peso por un producto audiovisual, debes abordarlo como si fueran 100,000. Cada proyecto es una oportunidad de demostrar tu capacidad y construir tu prestigio.” Además, sugiere a los estudiantes desarrollar la sensibilidad para saber cómo y cuándo actuar en el ámbito profesional. También enfatiza la importancia de confiar en que el camino de cada persona está guiado por algo más grande. Ante los obstáculos, Ontiveros invita a no desanimarse y a dejar que cada tropiezo sea una oportunidad para crecer, confiando en que cada paso tiene una razón y propósito. Con estos consejos, Ontiveros inspira a sus estudiantes a convertirse no solo en buenos profesionales, sino en personas que trabajan con integridad, sensibilidad y confianza en su destino. La trayectoria del profesor Martín Jaime Ontiveros Quintanilla es un testimonio del poder transformador de la docencia y de la pasión por la producción audiovisual. Su dedicación a la enseñanza y su compromiso con sus alumnos reflejan un profundo amor por su labor. Este amor por la enseñanza no solo enriquece a sus estudiantes, sino que también contribuye al legado de la Facultad de Artes Visuales, donde su influencia seguirá resonando en las generaciones futuras de profesionales en el campo audiovisual. Cada profesor tiene su trayectoria y sus anécdotas, experiencias, y seguramente, semejante a lo que yo siento, es un amor al arte, un amor al arte de la docencia.” Martin Ontiveros en entrevista por Luna Gaytán para la revista Croma MARZO 2025 17 �T E M A D E L M E S EMILIO TREVIÑO GALLARDO El tatuaje como forma de expresión El tatuaje es una manera de contar la historia de una forma visual y permanente. Cada tatuaje tiene un significado profundo que está ligado a experiencias personales, creencias o momentos importantes en la vida de una persona E l arte del tatuaje tiene raíces que se hunden profundamente en la historia de la humanidad. Desde las civilizaciones antiguas, como los egipcios y los polinesios, hasta las tribus nativas americanas, el tatuaje ha sido utilizado como un símbolo de estatus, un amuleto de protección, o incluso una herramienta de comunicación entre diferentes culturas. Sin embargo, la percepción del tatuaje ha evolucionado significativamente con el tiempo. Lo que antes era visto como algo reservado para marineros, pandillas o sectas religiosas, ahora se encuentra en personas de todas las edades y profesiones. En la actualidad, el tatuaje se ha convertido en una forma legítima de arte. Para muchos, el cuerpo se ha transformado en un lienzo donde los tatuadores, como verdaderos artistas, crean obras únicas y permanentes. Este arte en la piel es un proceso íntimo y a menudo cargado de simbolismo personal. Cada tatuaje tiene una historia, un significado que solo su portador puede desentrañar completamente. En este sentido, el tatuaje va más allá de ser una simple imagen; se convierte en una extensión de la persona, una parte integral de su identidad. A pesar de su creciente popularidad, el tatuaje aún enfrenta desafíos en términos de aceptación social. En algunos entornos laborales o culturales, los tatuajes visibles pueden ser malinterpretados o estigmatizados. Sin embargo, la percepción está cambiando a medida que más personas, incluyendo profesionales y figuras públicas, adoptan el tatuaje como una expresión de su individualidad. 18 MARZO 2025 �El tatuaje también es un medio para celebrar y preservar la herencia cultural. En muchas comunidades indígenas y tradicionales, el tatuaje es una práctica ancestral cargada de simbolismo y significado espiritual. Estos tatuajes suelen estar llenos de símbolos que representan creencias, mitos y tradiciones que se han transmitido de generación en generación. En estos contextos, el tatuaje es tanto una expresión individual como colectiva, un lazo que conecta al individuo con su comunidad y su historia. En la actualidad, muchas personas eligen tatuarse símbolos de sus culturas ancestrales como una forma de reafirmar su identidad y honrar sus raíces. Este acto puede ser una forma de resistencia cultural en un mundo globalizado, donde las identidades a menudo se diluyen. Más allá del simbolismo personal o cultural, el tatuaje también se ha consolidado como una forma de arte en sí mismo. Para muchos, el cuerpo es un lienzo en blanco donde los tatuadores, que actúan como artistas, crean obras únicas y complejas. Desde retratos hiperrealistas hasta diseños abstractos y geométricos, el tatuaje ha alcanzado un nivel de sofisticación técnica y estética comparable al de otras formas de arte visual. Lo que antes podía verse como un símbolo de rebeldía o pertenencia a subculturas específicas, hoy se ha transformado en una manifestación artística que atraviesa fronteras sociales, culturales y generacionales El arte del tatuaje permite a las personas expresar su creatividad y estética de manera única y permanente. Los estilos varían ampliamente, desde el tradicional japonés y el tribal polinesio, hasta el minimalismo moderno o el realismo en blanco y negro. Cada elección artística refleja los gustos y la personalidad del portador, convirtiendo su piel en una obra de arte viviente. En algunas subculturas y movimientos sociales, el tatuaje se utiliza como una forma de identificación y solidaridad. Por ejemplo, en el movimiento punk, los tatuajes son una manifestación de rechazo a las normas convencionales y una afirmación de los valores de la subcultura. En el feminismo, algunas mujeres utilizan el tatuaje como una forma de empoderarse y desafiar las expectativas sociales sobre el cuerpo femenino. El tatuaje puede también actuar como un símbolo de pertenencia a un grupo o una comunidad. Compartir un tatuaje similar o tener tatuajes realizados por el mismo artista puede crear vínculos entre personas con experiencias o creencias comunes, creando una identidad colectiva. MARZO 2025 19 �T E M A D E L M E S Diferentes estilos Tradicional americano Realismo Blackwork El estilo tradicional americano, también conocido como “old school”, es uno de los estilos más icónicos y reconocibles. Este estilo se caracteriza por líneas gruesas, gama cromática brillante y una paleta limitada de colores, predominando el rojo, negro, verde y amarillo. Los diseños suelen ser simples y de fácil lectura, con temas clásicos como anclas, rosas, corazones, dagas, águilas y pin-ups. Este estilo se popularizó entre los marineros y militares en el siglo XX, y sigue siendo un favorito por su estética retro y su fuerte presencia visual. El realismo en el tatuaje busca recrear imágenes detalladas y precisas, como retratos de personas, animales o paisajes. Este estilo requiere un alto nivel de habilidad técnica por parte del tatuador, ya que implica un uso avanzado de sombreado, gradaciones y texturas para dar una apariencia tridimensional. Los tatuajes realistas pueden ser en blanco y negro o a color, y su objetivo es capturar la esencia de la imagen de manera fidedigna. Es un estilo muy popular para tatuajes de retratos de seres queridos o ídolos. El estilo blackwork se basa en el uso exclusivo del negro para crear diseños que van desde patrones geométricos hasta imágenes figurativas. Este estilo incluye subgéneros como el tribal, el dotwork y el ornamental. Los tatuajes blackwork pueden ser simples o muy complejos, utilizando solo tinta negra para crear contrastes fuertes y formas definidas. Es un estilo muy versátil, que puede adaptarse a cualquier tamaño o parte del cuerpo. 20 MARZO 20252020 4 septiembre �Tribal Tipográfico El dotwork es un estilo que utiliza puntos pequeños para crear imágenes o patrones. Este estilo puede usarse solo o en combinación con otros estilos, como el geométrico o el blackwork. Los tatuajes dotwork requieren paciencia y precisión, ya que la imagen se construye punto por punto. El dotwork se presta para crear sombras sutiles y texturas complejas, lo que lo hace ideal para diseños que requieren un enfoque detallado y meticuloso. El tatuaje tribal es uno de los estilos más antiguos, con raíces en culturas indígenas de todo el mundo, como las polinesias, africanas y celtas. Este estilo se caracteriza por patrones geométricos repetitivos, líneas gruesas y diseños abstractos que a menudo tienen significados espirituales o culturales profundos. En la cultura moderna, los tatuajes tribales se han popularizado por su estética impactante y su capacidad para adaptarse a las formas del cuerpo. Sin embargo, es importante reconocer y respetar el origen cultural de estos diseños. El lettering se centra en la creación de palabras o frases con estilos tipográficos únicos. Puede variar desde letras simples y elegantes hasta estilos más elaborados como el chicano, que incluye sombras, adornos y efectos 3D. Este estilo es popular para tatuajes de citas, nombres o palabras que tienen un significado especial para la persona. Imágenes recuperadas de Pexels.com Dotwork MARZO 2025 21 �T E M A D E L M E S Adriana Aguirre REDACCIÓN POR: EMILIO TREVIÑO GALLARDO Soy Adriana Aguirre, tatuadora y estudiante de octavo semestre en la Facultad de Artes Visuales de la UANL, tengo 21 años, mi signo zodiacal es leo y lo que más disfruto en la vida es la música, el baile, Rosalia, Ralphie Choo, comer, la moda y por supuesto los tatuajes Actualmente me encuentro trabajando en un estudio en el centro de Cadereyta Jiménez, ciudad en la que vivo actualmente. Tengo un año de experiencia trabajando formalmente en ese local y verdaderamente no podría estar más feliz con mi trayectoria. No ha sido un camino fácil, sobre todo por familiares que no se sienten orgullosos de lo que hago, es doloroso saber que los decepcionas, pero al tratarse del vínculo tan bonito que tengo con mi trabajo, me es imposible separarme de él. Afortunadamente, así como he encontrado a quienes me insisten en dejar mi proyecto, son más las personas que con toda su buena vibra me apoyan y me desean lo mejor, es por esto que desde que comencé he podido avanzar hasta llegar a lo que soy el día de hoy. Tras realizar mi primer tatuaje en 2022, continué haciendo pocos más a gente cercana, pero estos mismos no los hacía con frecuencia ya que para ese entonces, el miedo en mí seguía demasiado presente, pues no dejaba de pensar en que era una inexperta plasmando algo eterno en la piel de alguien más. Fue gracias a toda la gente que confió en mí, y ¿por qué no decirlo?, que se arriesgó a que en mis inicios les hiciera un tatuaje, gracias a ellas, a ellos y a mi constancia, mi trabajo ha evolucionado a lo que es ahora y pude perder el miedo que sentía cada que prendía la máquina, pudiendo formalizar y llegar a un estudio de tatuajes en agosto de 2023. Conforme he ido avanzando he aprendido de todo: ¿cómo hay que tratar a los clientes?, ¿cómo se agenda una cita?, ¿cuáles son los cuidados previos y posteriores al tatuarse?, ¿en qué situaciones puedes tatuarte y en cuáles no?, ¿cómo todo lo que utilizas debe estar desinfectado y aislado?, etcétera. Es muy importante, sobre todo, el servicio que se le brinda a los clientes, pues te están dando su confianza para que modifiques una parte de ellos para siempre, estás tratando con su identidad y en mi opinión eso es de las cosas más valiosas y hermosas con las que contamos los individuos. 22 MARZO 2025 �Trabajo de Adriana Aguirre Al momento de diseñar, lo que más me gusta es jugar con el sombreado hecho con puntillismo, ya sea aplicado en algún elemento botánico, en un animal o en un insecto. Estos son tres de los elementos que más disfruto hacer a la hora de tatuar y dibujar Al llegar a tener los avances y logros con los que afortunadamente hoy cuento, he sido consciente de un sinfín de cosas, principalmente he ido comprendiendo y sintiendo cada vez más esta pasión, pues para mí un tatuaje no es solo un dibujo en la piel, un tatuaje también habla sobre quién eres: delata tus gustos, tus experiencias, tu historia, tus ideologías, tu estilo, tus preferencias, entre muchas otras cosas. El tatuaje para mí es el vínculo que una persona tiene con distintos elementos de su identidad, reafirma quién eres” Tatuar simboliza el respeto y el interés que tengo hacia la historia y el mundo ajeno, estando siempre agradecida y emocionada por plasmar lo que mis clientes quieren comunicar con su propio cuerpo. Asimismo tanto acudir a tatuarme, como tatuar a alguien más, para mí simboliza un método más de expresión, pues esta nueva imagen que se le está entregando al cuerpo no es más que un deseo de platicarse algo a sí mismos o hacia el mundo que les rodea sobre la persona que sienten ser en esos momentos. En mi experiencia, puedo mencionar que de los tatuajes que tengo hay dos que son mis preferidos, por un lado tengo a una mujer adulta con una lágrima en su rostro y una gorrita de fiesta con una flor marchita, al cual le brindo un significado que tiene que ver con ese dolor que sientes al ser mayor y voltear a ver a tu niño o niña interior, dándote cuenta de que creció rodeada de puro dolor. Por otro lado mi segundo tatuaje favorito son unas moras, simplemente porque amo las moras. Ambos son un ejemplo de lo que quiero expresar, así alguno tenga más peso sentimental que otro, ninguno es inválido y podría decir que los amo por igual. MARZO 2025 23 �E M P R E N D I M I E N T O SOPHIA SILVA LA TINTA COMO LIENZO Una talentosa estudiante de la carrera de Artes Visuales cuya pasión por el arte ha encontrado su máxima expresión en el tatuaje. POR: CESIA EDLYN C onoce a Sophia Silva, también conocida como sopade_letritas. Sophia ha fusionado sus habilidades creativas con su visión única para dar vida a su propio estilo en el mundo del tatuaje. En esta entrevista, nos comparte cómo ha sido su viaje para construir su camino en este arte tan íntimo, su enfoque como emprendedora, y los retos que ha enfrentado a lo largo de su trayectoria. COMIENZOS E INSPIRACIÓN ¿Qué te inspiró a convertirte en tatuadora y cuándo decidiste que querías dedicarte a ello? Siempre he tenido esa manía de rayarme la piel desde niña; me encantaba dibujar en mí misma, aunque mi mamá no lo veía tan bien y siempre me decía cosas como: “Pareces baño público”. Pero fue mi papá quien vio potencial en eso y me sugirió que probara a tatuar. Él fue quien me ayudó a comprar mi primer kit de tatuaje, y desde ahí empecé a tomarlo en serio. ¿Hay algún artista o estilo de tatuaje que haya influido en tu trabajo? Me atrae mucho el estilo blackwork. Aunque a veces me piden fineline, siento que me identifico más con el trabajo en negro, con esas líneas sólidas y definidas. También me gustaría explorar más lo tradicional, con esas líneas gruesas y colores vibrantes como el rojo, amarillo y azul. ¿Cómo describirías tu estilo de tatuaje y qué te atrae de ese estilo en particular? En este momento, mi estilo es minimalista, pero no creo que haya definido un estilo propio del todo. Me gusta experimentar con varios, pero definitivamente quiero enfocarme más en el blackwork y trabajar más con áreas planas de color sólido, en lugar de usar una escala de grises. Lo que más disfruto es esa libertad de explorar diferentes técnicas y estilos. 24 MARZO 2025 FOTOGRAFÍAS E ILUSTRACIONES POR SOPHIA SILVA PROCESO CREATIVO ¿Podrías contarnos sobre tu proceso creativo desde la idea inicial hasta el diseño final? Cuando alguien me pide un diseño específico, siempre trato de sugerir algunos cambios o mejoras, pero si el cliente tiene una idea muy clara, lo respeto. Si es un diseño que hago desde cero, primero me inspiro en mis propios gustos o en una temática que me interese. Luego busco imágenes de referencia y hago varios bocetos hasta que algo me convence. Y si es algo que me piden, siempre trato de adaptar mi estilo para que ambos quedemos contentos. ¿Cómo decides qué diseños hacer? ¿Prefieres trabajar con ideas del cliente o te gusta tener libertad creativa? Me gusta mucho cuando los clientes traen sus ideas, pero también disfruto cuando me dan la libertad de ponerles mi toque personal. Creo que el mejor resultado es cuando llegamos a un punto intermedio, donde lo que ellos quieren y lo que yo propongo se fusionan. ¿Qué importancia tiene para ti la relación con tus clientes y cómo te aseguras de que tengan una buena experiencia? Es muy importante para mí que mis clientes se sientan cómodos y seguros. Me gusta asegurarme de que estén 100% satisfechos con el diseño antes de empezar, incluso si eso significa hacer ajustes al stencil varias veces hasta que el acomodo sea perfecto. Al final del día, quiero que se vayan contentos no solo con el tatuaje, sino también con la experiencia completa. �DESAFÍOS Y LOGROS ¿Cuáles han sido algunos de los mayores desafíos que has enfrentado al comenzar como tatuadora? Al principio, me daba mucho miedo tatuar a alguien. Practiqué bastante antes de animarme, pero siempre tenía esa duda de si estaba lista. De hecho, hubo momentos en los que ni siquiera quería tocar la máquina. Fue una amiga quien me dio el empujón que necesitaba al pedirme que la tatuara. Claro, el primer tatuaje no fue perfecto, pero eso me motivó a seguir mejorando. Además, he contado con el apoyo de una amiga tatuadora que me ha resuelto varias dudas, especialmente en el relleno y los tiempos. Pero sin duda, la práctica ha sido clave. ¿Qué es lo más satisfactorio de haber montado tu propio estudio en casa? La comodidad, sin duda. No tener que desplazarme y que el trabajo venga a mí es una gran ventaja. Además, puedo ofrecer precios más accesibles por no tener que pagar renta de un local. Aunque, claro, tiene sus desventajas, como que algunas personas desconfíen o no se sientan tan cómodas al venir a una casa en lugar de un estudio más formal. ¿Cómo manejas el equilibrio entre el profesionalismo y la comodidad al trabajar desde casa? Me gusta que el cliente se sienta en confianza, por eso trato de crear un ambiente relajado, ya sea platicando, poniendo música, o lo que les haga sentir a gusto. Sin embargo, también es importante poner límites, porque hay clientes que a veces confunden la comodidad con demasiada confianza. Siempre trato de mantener el respeto mutuo. Así, Sophia Silva, o sopade_letritas, nos deja con una visión inspiradora sobre el arte del tatuaje y el espíritu emprendedor. Su recorrido evidencia que el camino hacia nuestros sueños requiere dedicación, paciencia y una constante evolución personal y artística. Para Sophia, el tatuaje no solo es una forma de expresión, sino una oportunidad para conectar con los demás y plasmar historias en la piel. Su historia nos invita a encontrar nuestra propia voz en aquello que amamos y a seguir adelante, transformando cada trazo en una parte de nosotros mismos y del mundo. REDES SOCIALES _ INSTAGRAM @sopade_letritas MARZO 2025 25 �E M P R E N D I M I E N T O FREELANCE: CLAVES DE SUPERVIVENCIA TOP 10 CONSEJOS AL COMENZAR COMO ARTISTA FREELANCER IMÁGENES RECUPERADAS DE PEXELS POR: FERNANDO ARMENDÁRIZ Y MÓNICA HELGUEROS Consejos resumidos de las palabras del artista y freelancer mexicano Fabián Ruiz, extraídos de la entrevista realizada por alumnos de FAV del canal ASIMÉTRiCXS en Youtube en Febrero del 2024 E petitivo. mpezar como artista freelancer implica desarrollar un portafolio sólido, promocionar tu trabajo en redes, gestionar clientes y establecer tarifas justas. Organiza contratos claros y mejora constantemente tus habilidades para destacar en un mercado com- 1. DEFINE TU NICHO: Decide qué tipo de arte visual ofrecerás y a qué clientes te dirigirás. 26 Marzo 2025 2. ESTABLECE TU MARCA PERSONAL: Refleja tu estilo y valores en tu portafolio y redes. 3. CREA UN PORTAFOLIO EN LÍNEA: Muestra tu mejor trabajo en un sitio o perfil de arte para ganar credibilidad. 4. OFRECE PROPUESTAS CLARAS: Define alcance, plazos y tarifas en cada proyecto para evitar malentendidos. �5. GESTIONA TUS TARIFAS: Investiga el mercado y establece precios justos que reflejen tu experiencia. 6. FOMENTA BUENAS RELACIONES CON CLIENTES: La buena comunicación puede generar recomendaciones. 7. ORGANIZA TU CARGA DE TRABAJO: Usa herramientas de gestión para cumplir plazos y organizarte. 8. EXPANDE TU RED: Conéctate con otros artistas y participa en eventos para crear oportunidades. 9. SOLICITA FEEDBACK: La retroalimentación ayuda a mejorar y a entender mejor las expectativas de los clientes. 10. PREPÁRATE PARA LA INCERTIDUMBRE: Ahorra y busca apoyo en coworking o redes para afrontar los altibajos. En conclusión, iniciar y consolidarse como artista freelancer requiere un enfoque integral que va más allá de las habilidades creativas. La clave para destacar en este campo es construir una identidad profesional bien definida: un nicho específico y una marca personal que reflejen un estilo único y atraigan al tipo de cliente adecuado. Además, contar con un portafolio en línea sólido, utilizar contratos claros y gestionar tarifas adecuadas permite establecer expectativas y evitar malentendidos. El éxito también depende de una gestión eficiente del tiempo y las relaciones, manteniendo una comunicación abierta y ofreciendo un servicio de calidad que fomente recomendaciones. Por otra parte, gestionar de manera estratégica las finanzas, planificar para la incertidumbre y construir una red de contactos amplia, son prácticas que otorgan estabilidad en un entorno con ingresos variables. En resumen, ser freelancer en el mundo del arte requiere creatividad y una visión de negocios sólida, lo que, con esfuerzo y constancia, permite construir una carrera independiente sostenible y enriquecedora. Ser artista freelancer es fusionar TALENTO Y VISIÓN para crear tu propio camino.” marzo 2025 27 �E N F O Q U E MOTION GRAPHICS EL ARTE DE LOS Dentro del contenido visual visto en los últimos años, los motion graphics se han destacado por mostrar un alto grado de dinamismo y viralidad. POR: JAHIR RODRÍGUEZ L csdcdLenimus, voluptas doluptae. Aborerum imaiorr ovidio es in es nis et a nestis quam aut quo desectu restorit eos estem aut facerupta viti adi nos a eumendandant re, conectur? Reicit moluptas ut aditionet lam fuga. Nemquiati beritio nsequatecus ab im vernatem qui audit dem re re vollo que sequi omnist, nihilla borepudanti sitatiisse maximil icimi, utem. Ma seceptin el endanda volupta tibusci in cusdae simpori busape susam alitaturepti aut autem quideli similibus dolora aut eum fugit es quam re, vol 1 DICIEMBRE 2024 POR: NOMBRE DE FOTÓGRAFO cabezacabezacabeza cabezacabezacabeza os motion graphics en la publicidad son piezas visuales animadas que combinan gráficos, texto, colores y sonido para transmitir un mensaje claro de manera dinámica. Estos gráficos en movimiento se utilizan para captar la atención del público de forma atractiva y memorable, aprovechando el poder de la animación para simplificar conceptos, fortalecer la identidad de marca y mejorar la experiencia del usuario mediante este contenido creado. Se aplican ampliamente en la publicidad actual para captar la atención del público y comunicar mensajes de forma dinámica. En redes sociales, se utilizan en videos cortos e impactantes que promueven productos o servicios, en especial en plataformas como Instagram, TikTok y Facebook. Además, son fundamentales en videos explicativos, donde ayudan a simplificar conceptos complejos en diversos sectores, haciendo más comprensibles las ofertas de las marcas. En campañas digitales, estos gráficos animados enriquecen banners y anuncios web con elementos en movimiento que capturan rápidamente la atención del usuario. Por otro lado, en anuncios televisivos o comerciales en streaming, los motion graphics refuerzan la identidad visual mediante animaciones de logos, tipografías y transiciones fluídas. Incluso en eventos corporativos y presentaciones, las empresas los emplean para crear contenido moderno y atractivo, facilitando la comprensión y haciendo que el mensaje sea más memorable. Esta versatilidad ha consolidado a los motion graphics como una herramienta clave en la comunicación MARZO 2025 28 �E N F O Q U E publicitaria, permitiendo a las marcas conectar mejor con su audiencia en un entorno saturado de contenido. Aunque es una técnica relativamente reciente, los motion graphics se han ganado un lugar en el mundo del arte contemporáneo debido a su capacidad para combinar estética, tecnología y funcionalidad comunicativa. Su versatilidad y el potencial para experimentar con diferentes estilos y técnicas les otorgan una riqueza expresiva que los convierte en una forma de arte reconocida, utilizada en diversos campos como la publicidad, el cine y la web. ¿POR QUÉ SON CONSIDERADOS ARTE? Combinación de disciplinas: Son un cruce entre el diseño gráfico, la animación y, en ocasiones, la cinematografía. Esta fusión de diferentes disciplinas artísticas les otorga una riqueza expresiva y una complejidad que los eleva a la categoría de arte. Creatividad y expresión: Al igual que cualquier otra forma de arte, los motion graphics permiten a los creadores expresar sus ideas, emociones y visiones del mundo de manera única y original, permitiendo que cada pieza se mantenga como una obra individual con un estilo y una narrativa propia. Narración visual: Son capaces de contar historias de manera concisa y efectiva, utilizando elementos clave como el movimiento, el sonido y la imagen como herramientas narrativas. Esta capacidad de comunicar ideas a través de la imagen en movimiento los acerca a otras formas de arte narrativo, como el cine y la animación. Impacto emocional: Pueden generar una gran variedad de emociones en el espectador, que van desde la alegría y la sorpresa hasta la tristeza y la reflexión. Este poder de evocar sentimientos tan intensos y diversos constituye una de las características más distintivas y poderosas del arte, que trasciende el tiempo, el espacio y las fronteras culturales. Valor estético: Al igual que una pintura o una escultura, los motion graphics pueden ser apreciados por su belleza formal, su armonía de colores y su composición visual. Son considerados arte porque cumplen con los criterios fundamentales que definen cualquier expresión artística como la creatividad, originalidad y la capacidad de comunicar ideas. En conclusión, los motion graphics son considerados arte porque combinan creatividad, tecnología y narrativa de manera innovadora, dando lugar a piezas visuales que no solo cumplen una función comunicativa, sino que también provocan una respuesta emocional en el espectador. Su capacidad para transformar elementos estáticos en secuencias dinámicas y su versatilidad para explorar diferentes estilos visuales les otorgan una riqueza expresiva que va más allá de lo digital o lo funcional. 29 MARZO 2025 �E N F O Q U E LA REVOLUCIÓN DIGITAL EN TUS OÍDOS EL AUGE DE LOS PODCASTS: UNA NUEVA ERA DE COMUNICACIÓN En la última década, los podcasts han pasado de ser un formato de nicho a convertirse en una de las principales plataformas de entretenimiento e información, atrayendo a millones de oyentes en todo el mundo IMAGENES EXTRAIDAS DE FREEPIK POR: EVELYN SILVIA L a manera en que consumimos contenido ha evolucionado los últimos años, y el podcast se ha convertido en un formato que ha crecido exponencialmente, siendo una forma muy de popular de entretenimiento en la era digital. Desde sus inicios, los podcasts han evolucionado, pasando de ser simples grabaciones de audio a convertirse en plataformas ricas y diversas que atraen a millones de oyentes en todo el mundo. El podcasting se remonta a principios de la década de 2000, cuando se utilizó por primera vez el término “podcast” en 2004. Sin embargo, su verdadero despegue ocurrió en 2005, cuando Apple incorporó la función de podcasts en su plataforma iTunes. Esto facilitó el acceso y la suscripción a programas, lo que llevó a un aumento significativo en la cantidad de oyentes y creadores. Durante este período, muchos programas comenzaron a explorar diversos géneros, desde noticias hasta entretenimiento y educación. 30 MARZO 2025 A medida en que el podcasting ganaba popularidad, comenzó a diversificarse. Según un estudio de Edison Research, en 2023 hubo más de 465 millones de oyentes de podcasts en todo el mundo y se estima que esta cifra alcanzaría aproximadamente 504.9 millones para finales de 2024. Además, un 57% de los oyentes afirma que ha incrementado su consumo de podcasts en el último año, lo que evidencia un creciente compromiso con este medio, siendo Spotify la plataforma que lidera esta industria, seguida por ApplePodcast. Hoy en día, el podcasting se ha establecido como una forma importante de comunicación y entretenimiento. Este medio ha evolucionado para incluir no solo audio, sino también elementos visuales y formatos interactivos. Asimismo, la pandemia global aceleró aún más su crecimiento, ya que muchas personas buscaron nuevas formas de entretenimiento e información mientras estaban en casa. �Y es que los podcasts ofrecen una forma única de consumir información que se adapta perfectamente a la vida moderna. A diferencia de otros formatos, como la televisión o el cine, los podcasts permiten a los oyentes disfrutar del contenido mientras realizan diversas actividades, ya sea conduciendo, haciendo ejercicio o incluso cocinando. La flexibilidad del on-demand, permite a los oyentes escuchar episodios en el momento que deseen. Esta característica se complementa con la capacidad de pausar, retroceder o avanzar en el contenido, algo que no es posible, por ejemplo, en la televisión, donde los espectadores deben sintonizar en horarios específicos para no perderse el contenido o la radio en vivo, donde todo es efímero y se transmite en tiempo real. Además, el acceso a plataformas como Spotify, Apple Podcasts y Google Podcasts ha facilitado la búsqueda y escucha de estos programas, haciendo que sea sencillo para los oyentes explorar una vasta biblioteca de programas sobre casi cualquier tema, lo que también democratiza el acceso al conocimiento y la cultura. Su amplia oferta temática es una de las características más atractivas. Desde historias personales hasta análisis sobre temas específicos; siempre hay un podcast para cada interés, y es gracias a esta variedad, se fomentan ambientes inclusivos donde cada oyente puede encontrar algo que resuene con sus intereses. Según la macroencuesta Statista Consumer Insights, el 47% de los mexicanos encuestados se declara como oyente de podcasts. De este grupo, el 42% pasa diez horas o menos cada semana disfrutando de este formato de audio, mientras que un 5% dedica al menos once horas semanales a esta actividad Más datos revelan que la comedia es el género más popular, con un 46% de los oyentes disfrutando de programas en esta categoría. La música sigue de cerca, con un 43% de los encuestados sintonizando podcasts relacionados con sus artistas y géneros favoritos. Además, los temas de consejos y autoayuda capturan la atención del 41% de la audiencia. Por otro lado, podcasts sobre negocios y economía, ciencia y tecnología, así como cine y televisión, son seguidos por alrededor de un tercio de los oyentes. Finalmente, los géneros que abordan la salud, bienestar e historia, son disfrutados por algo menos del 30% de los participantes. A medida que el podcasting sigue evolucionando, se convierte en una herramienta cada vez más esencial para divulgadores y creadores de contenido en general. Su capacidad para contar historias de manera íntima y, sobre todo, accesible, permite a los oyentes sumergirse en un mundo de ideas y experiencias que trascienden las barreras del tiempo y el espacio. A diferencia de otros formatos, como la televisión o el cine, los podcasts permiten a los oyentes disfrutar del contenido mientras realizan diversas actividades, ya sea conduciendo, haciendo ejercicio o incluso cocinando MARZO 2025 31 �A R T E CROCHET UN MUNDO DE CREATIVIDAD, ARTE Y TRADICIÓN POR: JOSELINE VÁSQUEZ Tejer es una técnica ancestral que sigue con vida, acompáñanos a explorar su origen, beneficios y el amplio mundo de posibilidades que ofrece, mostrando cómo ésta forma de tejido sigue cautivando tanto a jóvenes como a adultos 32 MARZO 2025 2 septiembre 2020 E l Crochet es una técnica tan antigua y fascinante que ha sobrevivido a lo largo de los siglos, reinventándose con cada generación. Con solo un gancho y un hilo, es posible crear un universo de posibilidades: desde accesorios y prendas de ropa hasta complejas obras de arte. La palabra “crochet” proviene del germánico croc y del francés antiguo crochet, que significa gancho, haciendo referencia a la herramienta principal utilizada para tejer. Pero ¿qué es lo que lo convierte en un arte tan especial? �Este tipo de tejido manual, que parece tan simple, es en realidad muy versátil. Con el ganchillo, se forman cadenas de puntos que, entrelazados, dan lugar a patrones complejos o sencillos. La belleza del crochet radica no solo en los productos finales, sino también en el proceso mismo, que resulta ser relajante y casi meditativo. Para iniciarte en este arte, solo necesitas tres elementos básicos: un gancho, hilo o estambre y unas tijeras. Los ganchos vienen en diferentes tamaños y materiales, desde aluminio y acero hasta madera y plástico. Para los principiantes, los ganchos metálicos son recomendados por su precisión y suavidad al deslizarse sobre el hilo. El hilo, por su parte, varía en grosor y textura, lo que influye en el resultado final de las piezas. ¡Y eso es todo! Con estos simples materiales, estarás listo para dar los primeros pasos en el fascinante mundo del crochet. Un vistazo a la historia del crochet Los orígenes exactos del crochet aún generan debate. Aunque hay evidencias de tejidos a mano que datan del siglo XI, se cree que la técnica moderna del crochet comenzó en Europa en el siglo XVI, durante el auge de los encajes. Sin embargo, algunos estudiosos han encontrado rastros de esta técnica en América y el Medio Oriente, lo que sugiere que pudo haber nacido en varias partes del mundo simultáneamente. Lo que está claro es que el crochet ha logrado mantenerse a lo largo del tiempo, adaptándose a diferentes culturas y estilos. Hoy en día, es una técnica amada por millones, desde aficionados hasta artistas textiles que experimentan con el crochet como forma de expresión. Una de las mayores virtudes del crochet es su versatilidad. Las creaciones pueden ser tan variadas como sombreros, bolsos, suéteres, tops y hasta cobijas. Sin embargo, no se limita solo a prendas de vestir. Puedes hacer accesorios como pendientes, guantes o incluso fundas para celulares. ¡Las posibilidades son infinitas! El crochet ha logrado mantenerse a lo largo del tiempo, adaptándose a diferentes culturas y estilos. septiembre 2018 3 �A R T E Tendencia actual: Amigurumi Una de las técnicas más populares dentro del crochet en los últimos años es el amigurumi. Esta técnica, originaria de Japón, se centra en la creación de figuras tejidas a mano, normalmente en forma de animales, personajes o criaturas adorables. Estas pequeñas obras maestras se tejen en espiral y se rellenan para darles una apariencia tridimensional. En la cultura japonesa, se cree que los amigurumis tienen un alma que acompaña y protege a su dueño, convirtiéndolos en algo más que simples objetos decorativos. Los amigurumis han ganado popularidad en todo el mundo, gracias a la explosión de tutoriales y patrones disponibles en línea. Si bien comenzaron en Japón, ahora es común ver estas pequeñas figuras adornando espacios en Occidente, ya sea en escritorios, habitaciones o como regalos personalizados. ¿Qué necesito para crear crochet? Los ganchos están realizados de aluminio, acero, madera, bambú y plástico, sin embargo, lo más recomendable es usar los metálicos ya que el tejido suele ser delicado. Existen alrededor de 25 tamaños de ganchillo, normalmente cuando se compra el hilo para tejer, se indica cual ganchillo debe usar. Para empezar en este gran arte, solo basta con hilo, gancho que corresponda y tijeras. Proyectos El crochet ofrece una amplia gama de posibilidades creativas. Se pueden hacer desde accesorios como sombreros, bolsos y pendientes, hasta prendas de ropa como suéteres y tops, además de cobijas, guantes y estuches. Esta técnica permite crear prácticamente cualquier cosa que la imaginación dicte. 34 MARZO 2025 �BENEFICIOS DE TEJER A CROCHET Más allá de ser un hobby, también tiene beneficios para la salud mental y física. Entre los más destacados están: • Mejora de la motricidad fina • Reducción del estrés • Aumento de la autoestima • Mejora la concentración y planificación • Fomenta la creatividad • Fortalece las relaciones personales • Entrena la resolución de problemas ¿Cómo aprender crochet? Si deseas sumergirte en el arte del crochet, existen numerosos recursos disponibles. Entre ellos, los cursos online son una excelente opción. Plataformas como Domestika ofrecen cursos para todos los niveles, desde principiantes hasta avanzados, con proyectos que van desde lo más básico hasta creaciones complejas. �A R T E BODYPAINT UNA EXPRESIÓN ARTISTICA Una manifestación artística que convierte el cuerpo humano en un lienzo vivo POR: EVELYN SILVIA E FOTOGRAFÍAS DE ANDREA MENDEZ l bodypaint o pintura corporal, es una técnica que tiene sus orígenes en prácticas antiguas que evolucionaron a lo largo de los siglos, adaptándose a diferentes contextos culturales y artísticos. Sus inicios se remontan a la prehistoria, cuando los seres humanos utilizaban pigmentos naturales como carbón y sangre animal para adornar sus cuerpos. Estas prácticas no solo tenían un valor estético, sino que también cumplían funciones sociales y rituales, siendo así utilizada como instrumento de transformación; los dibujos y colores permitían a los individuos alternar entre diversas identidades, señalar la entrada en un nuevo estado social o reafirmar su pertenencia a una comunidad determinada. En este sentido, el bodypaint adquirió un simbolismo social y cultural tan fuerte que cada vez más individuos deseaban exponer sus cuerpos decorados, Con el tiempo el bodypaint fue perdiendo su carácter utilitario y se transformó en una forma de arte reconocida, siendo a finales del siglo XX que resurgió con fuerza y comenzó a ser considerado un medio artístico por sí mismo. Diversos moviemientos del Body Art en los años 60 y 70 ayudaron a legitimar esta práctica y permitieron que artistas exploraran nuevas dimensiones creativas. El body painting también se integró en el ámbito del performance. Durante esta época muchos artistas comenzaron a realizar performances donde el cuerpo pintado era central y su efimeridad se convirtió en un recurso poderoso para explorar la vulnerabilidad humana y los límites del cuerpo. Andrea Méndez Artista egresada de la Facultad de Artes Visuales de la UANL se especializa en BodyPaint. 36 MARZO 2025 �Hoy en día, el bodypaint se presenta en diversas formas y estilos. Los artistas contemporáneos utilizan su creatividad para explorar temas como la identidad, la naturaleza y la crítica social, convirtiéndolo en una poderosa herramienta de expresión personal y social. Eventos como el World Body Painting Festival en Austria han contribuido a consolidar esta disciplina como una forma respetada de arte visual. El bodypaint ha encontrado su lugar no solo en galerías de arte, sino también en eventos culturales y festivales alrededor del mundo. A medida que crece su popularidad, también lo hace su aceptación dentro del ámbito artístico formal. Sin embargo, aún enfrenta desafíos relacionados con la percepción pública; muchos todavía lo confunden con el tatuaje o perciben como una forma de exhibicionismo. A pesar de esto, cada vez más artistas están desafiando estos prejuicios al mostrar el bodypaint como un medio legítimo para explorar la creatividad y autoexpresión. La comunidad artística está comenzando a reconocer su valor, no solo como técnica estética, sino también como un vehículo para el cambio social. redes sociales _ INSTAGRAM @andy_quartz Esta efímera forma de arte invita al espectador a reflexionar sobre la naturaleza del cuerpo humano y su relación con el entorno. MARZO 2025 37 �E V E N T O S C elebrando la anual y popular Feria Internacional del Libro Monterrey, el pasado 28 de septiembre inició una semana llena de un buen caos, creado por mar de gente entusiasta por la lectura y por adentrarse en su más grande exposición en Monterrey. Aunque Cintermex abrió sus puertas al público y brindó un espacio enorme, lleno de stands y salas, en donde se vio un flujo de personas impresionante; incluso algunos stands llegaban a acumular filas para lograr entrar, como fue el caso de editoriales de gran renombre como Planeta, o Librerías Gandhi, una de las tiendas de libros más grandes de México. En los últimos catorce años, la Feria ha recibido a miles de jóvenes interesados en la lectura, esto siendo consecuencia de una 38 MARZO 20252020 2 septiembre explosión de popularidad en las novelas juveniles, y diversos géneros como la ciencia ficción, fantasía, romance; y en las adaptaciones en pantalla que se ganaron las obras más populares de estos. Dicho fenómeno creó una ola de nuevas generaciones enamoradas de la lectura y la ficción, lo que repercutió en la cantidad de asistentes en pasadas ediciones de la Feria. Una buena manera de interesar a personas desde la infancia en la lectura es buscando que sea de una manera más orgánica, es decir, buscar que ellos se interesen por sí mismos y no forzarla. Un hecho es que nadie aprecia hacer cosas por insistencia de externos, lo que sería una buena razón para explicar el por qué los jóvenes no leen, cuando en realidad solo necesitan un buen incentivo, como encontrar libros que sean de temas de su interés para desarrollar el hábito de la lectura. �Lo más bello de la Feria en esta edición, fue todo lo que prepararon para los niños. El llamado “Pabellón de la Niñez” con el título “La Tierra Nuestro Hogar”, con el propósito de que los niños se sientan como parte de la naturaleza, un ser vivo más como los muchos que hay en el planeta. En este pabellón, se impartieron talleres que iban dirigidos a niños desde los seis hasta los trece años, estos fueron impartidos por diversas instituciones como la Secretaría de Cultura y CONARTE En estos talleres, los niños participaban en actividades para desarrollar su imaginación, como construir con piezas de LEGO, y dibujar basándose en audios proporcionados por medio de auriculares; además varios de los talleres se impartieron por medio de un cuentacuentos, donde sentaban a los niños en una sala totalmente ambientada para hacerlos sentir un “bichito” más en un gran campo. Aquí contaban historias con mensajes educativos, donde pequeñas actuaciones acompañaban a la narración; estos cuentos fueron preparados con la intención de ayudar a las infancias a comprender temas importantes y algo fuertes, uno de ellos aprender a lidiar con el duelo por el fallecimiento de un hermano, en la situación de los bebés que lamentablemente nacen sin vida. También, había un Foro de Espectáculos, en donde los niños podían entretenerse con diversas actuaciones que involucraban música y teatro. El conjunto de todas estas actividades, aunque para muchos no lo parezca, es una forma increíblemente asertiva para lograr interesar de manera natural a los niños en la lectura; antes de amar a los libros, hay que amar la narración y las historias. Muchas personas han relatado que la razón por la que tardaron mucho tiempo en interesarse en la lectura, o nunca lo hicieron, es porque su único acercamiento a la literatura fue en la escuela, donde muchas veces fueron forzados a leer obras que no captaban su interés y así se llevaron una mala experiencia de la lectura. Con estas funciones y actividades preparadas por la feria, se incita a los niños a convivir con la narración de historias, con la fantasía, con los mensajes, y con las emociones que éstos sacan a flote en ellos. En conclusión, el “Pabellón de la Niñez” fue notoriamente creado con la sólida intención de invitar a los niños a pasar momentos agradables, donde cada aspecto fue diseñado para ellos y su felicidad, rodeados de personas e intenciones de que encuentren ese espacio en la literatura para ellos. Físicamente, cada aspecto fue hecho para crear una experiencia mágica para las infancias, donde pudieron sentirse totalmente parte de la naturaleza. Algo que hizo muy especial a este pabellón fue el esmero con el que hicieron la identidad del evento, sobre todo las ilustraciones en exposición; hechas con colores vibrantes y un estilo que nos hace recordar a las figuritas de papel que tanto adoran hacer los niños cuando desatan su creatividad. MARZO 2025 39 �E V E N T O S ECOS: ARTE EN EXPOSICIÓN ALUMNOS 9° SEMESTRE Un espacio donde la creatividad y la iniciativa se encuentran, dando lugar a la primera exposición de este tipo, en la que los estudiantes pueden mostrar su evolución artística dentro de la facultad y compartir sus trabajos con el público POR: FERNANDO ARMENDARIZ L POR: DIANA LOZANO a exposición Ecos: Arte en Evolución, fue un vibrante despliegue de talento y creatividad dentro de la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Este evento celebra el arte emergente de los estudiantes de noveno semestre de las 3 diferentes licenciaturas de la facultad, quienes actualmente ya son egresados; ofreciendo un espacio para que sus obras brillen en un nuevo entorno. 40 MARZO 2025 La inauguración en la FAV tuvo lugar el 28 de agosto del 2024 a las 12 p.m. en el Edificio A, donde la directora Verónica Delgado Cantú compartió su entusiasmo por la iniciativa. �N EVOLUCIÓN Dra. Verónica Delgado Directora POR: DIANA LOZANO La exposición no solo muestra el talento de los estudiantes, sino que también actúa como una fuente de inspiración para los demás. Ver a compañeros exponiendo en un espacio tan importante genera curiosidad y ambición. MARZO 2025 41 �E V E N T O S La iniciativa El comienzo Todo comenzó cuando una alumna entusiasta, Julia Díaz, se acercó al departamento de vinculación con una idea ambiciosa: organizar una exposición colectiva que uniera a estudiantes de las tres licenciaturas. “Queríamos darles la oportunidad a los que están a punto de egresar de mostrar su trabajo en un espacio formal,” explica Celeste Flores, docente de la FAV. A las 12:23 p.m. del mediodía, la directora Verónica Delgado dio por inaugurada la esperada exposición, continuando el evento con un recorrido guiado por Julia Díaz, quien comenzó presentando su obra titulada “Si Mi Corazón no Rima con la Realidad”. En el marco de la exposición Ecos: Arte en Evolución, Julia Díaz compartió su visión y agradecimientos a todos los involucrados en hacer realidad este evento. “Quería hacer esta exposición más que nada para poder darle la experiencia a muchos amigos de todas las carreras, para que pudieran exponer y tener la oportunidad de mostrar su trabajo al público. Me di cuenta que en noveno semestre había mucha gente que nunca había expuesto, y quería facilitar ese proceso para ellos,”explicó Julia. No todos están acostumbrados a conocer cómo funciona una exposición, así que decidí que era hora de abrir ese espacio. Julia Díaz Egresada de FAV 42 MARZO 20252020 4 septiembre El recorrido por la exposición permitió a los asistentes apreciar una variedad de obras que reflejan la producción artística de los estudiantes, muchas de ellas creadas para exposiciones dentro del aula. La temática de las piezas indica una introspección intensa y honesta, mostrando la conexión personal del artista con su trabajo. Julia también comentó sobre la diversidad de medios en las artes visuales: “En nuestra carrera, también podemos explorar el performance y el audiovisual. A menudo, se asocian las artes visuales únicamente con materiales plásticos, pero vivimos en una época contemporánea en la que podemos expresarnos a través de diferentes formatos y experimentar con medios menos convencionales.” Con esta inauguración, Ecos no solo celebró el arte en su forma más pura, sino que también promovió un diálogo sobre la evolución y la diversidad en las prácticas artísticas, invitando a todos a explorar nuevas maneras de crear y expresarse. �POR: FERNANDO ARMENDARIZ POR: DIANA LOZANO Un llamado al arte y la colaboración Julia explicó que la idea de la exposición nació de su experiencia personal al no haber participado en muchas exposiciones durante su carrera, al hablar con compañeros de otras carreras, se dio cuenta de que ellos también carecían esa experiencia. Por lo que decidió organizarlo para facilitar el proceso, encargándose de la logística para que pudieran enfocarse en mostrar su trabajo. POR: FERNANDO ARMENDARIZ Julia Díaz junto con su obra en la exposición ECOS: Arte en evolución. También sugirió la importancia de conocer a personas del medio fuera de la carrera, pues no solo amplía la comprensión del entorno, sino que también aporta conocimientos técnicos y teóricos que pueden ser útiles. Enfatizó lo esencial de mantener una mente abierta hacia nuevas conexiones y relaciones de apoyo mutuo. Finalmente, Julia expresó su admiración por su generación de noveno semestre, destacando su sentido de comunidad y la capacidad para luchar por sus objetivos en conjunto, para enriquecer la experiencia artística de todos. La exposición busca seguir invitando a los estudiantes actuales a seguir los pasos de sus predecesores, pues se espera que esta actividad se repita en los próximos semestres, consolidándose como una tradición dentro de la facultad. “Las puertas están abiertas para que más proyectos como este florezcan.” Así, Ecos se convierte en un símbolo de la unión entre el arte, la iniciativa estudiantil y la gestión cultural, demostrando que la creatividad no tiene límites y que cada paso dado por los estudiantes es una semilla que germina en el futuro del arte. POR: FERNANDO ARMENDARIZ Abriendo puertas al futuro septiembre 2018 5 �E V E N T O S C ompromiso es la palabra correcta para describir la relación que tiene el alumnado de la Facultad de Artes Visuales con la festividad de Halloween. Como cada año, el pasado 31 de octubre se celebró la fiesta de Halloween en las instalaciones de la facultad; este es el momento más esperado por los alumnos en el año, pues es la oportunidad perfecta para escalar el ambiente tan divertido y creativo que caracteriza a las artes visuales, portando disfraces originales dignos de un espectáculo. Lo mejor de este evento son las actividades que se organizan, de alumnos para alumnos, como una nueva edición del Mercado de Arte y Diseño “MAD” en donde los estudiantes tienen la oportunidad de exponer su arte, la cotizada casa del terror con la gran fila para lograr acceder; y la más reciente edición: la cabina de fotografías, que brinda la oportunidad de inmortalizar el gran recuerdo de la fiesta más divertida del año. Y este evento también se trata de demostrar el talento de FAV, con la explanada llena de presentaciones como la de el Club de Música, o grandes concursos como la batalla de Lip Sync, y el tan esperado concurso de disfraces. 44 MARZO 20252020 2 septiembre �Aunque la Fiesta de Halloween en su totalidad es un evento increíble amado por los alumnos de FAV, es bien sabido que el momento más anticipado del evento es el concurso de disfraces. Por excelencia, las facultades del rubro artístico son quienes traen a la vida los disfraces más creativos y despampanantes, y la nuestra no es la excepción. Esta es una escuela llena de personas creativas, que en cada aspecto de su vida y su estilo buscan expresar su personalidad llamativa y su talento para el lenguaje visual; eso se ve reflejado en la manera en que el alumnado trabaja duramente por semanas para lograr un increíble disfraz y llevarlo a la facultad, para competir en el concurso de disfraces. Por este concurso han pasado cientos de alumnos con disfraces increíbles, de calidad y creativos, y con ellos una actuación espectacular para presentar su caracterización. Este momento es totalmente sobre personificación, y de éste mismo nació la leyenda viral, Ethan Kuri, quien fue viral en cuatro ocasiones: el vaso de Pollo Loco, el libro de español, la bolsa de Didi Food, y este año, volcán; él es el gran ejemplo del compromiso que tienen con crear un gran disfraz, y la diversión que da la fiesta. Como cada año, el Top 10 final de los disfraces fue impecable, haciendo extremadamente difícil poder decidir en los tres primeros lugares. Aquí, se premia la creatividad del disfraz, el empeño que pusieron en él, y la actitud con la que presentan su obra. Te presentamos los primeros 3 lugares del concurso de disfraces, donde lo más destacable fue el esfuerzo en la calidad del disfraz, la calidad del material y el maquillaje, la creatividad de crear piezas móviles, y el compromiso de enfrascarse en un personaje para dar una presentación completa de su visión. MARZO 2025 45 �E V E N T O S CERTAMEN DE ALTARES UANL POR: POLETH FLORES Y MONICA HELGUEROS Celebrando la TRADICIÓN y la CREATIVIDAD la UANL reúne a su comunidad en un colorido homenaje a la cultura y sus figuras destacadas. P FOTOGRAFÍA: MONICA ALEXANDRA or más de 25 años, la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL) ha invitado a su comunidad universitaria a participar en una de las tradiciones mexicanas más emblemáticas: el Certamen de Altares de Muertos. Organizado por la Secretaría de Extensión y Cultura, a través de la Dirección de Desarrollo Cultural, este evento ha reunido a estudiantes y docentes de diversos planteles para rendir homenaje a figuras destacadas de la Universidad y la cultura popular a través de altares llenos de color y simbolismo. Este año, el certamen se llevó a cabo con la misma pasión y dedicación que ha caracterizado a esta festividad. El Dr. José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura de la UANL, destacó la importancia de estas manifestaciones artísticas: “Estas expresiones son integradoras y representan a nuestra comunidad, manteniendo viva la tradición”. 46 MARZO 2025 Las preparatorias y facultades que participaron fueron demasiadas este año, un total de 31 sedes, abarcaron desde la Preparatoria 1 hasta la Facultad de Filosofía y Letras, mostrando un abanico diverso de propuestas que rendían tributo a figuras como Guillermo González Camarena, El Santo, y Cristina Pacheco. A continuación, se presentan las dependencias ganadoras del certamen de este año. GANADORES DEL CERTAMEN DE ALTARES UANL 2024 Primer lugar: Altar dedicado a Guillermo González Camarena por la Facultad de Artes Visuales. Segundo lugar: Altar dedicado a Ramón Valdiosera Berman por la Escuela Industrial y Preparatoria Técnica Álvaro Obregón (Unidad Monterrey I). Tercer lugar: Altar dedicado a Cristina Pacheco por la Preparatoria 9 �FOTOGRAFÍA: EFRAÍN ALDAMA, PREPARATORIAS Y FACULTADES UANL FOTOGRAFÍA: EFRAÍN ALDAMA, PREPARATORIAS Y FACULTADES UANL FOTOGRAFÍA: EFRAÍN ALDAMA, PREPARATORIAS Y FACULTADES UANL MARZO 2025 47 �E V E N T O S CERTAMEN DE LAS ARTES VISUALES UANL 2024 El arte estudiantil encuentra su escenario, brindando una oportunidad única para que las ideas y talentos jóvenes se hagan visibles POR: FERNANDO ARMENDARIZ E n el más reciente Certamen de las Artes Visuales UANL realizado el día 5 de Septiembre del 2024, autoridades académicas y culturales tales como: el Dr. José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura; Martha Ramos Tristán, directora de Desarrollo Cultural Universitario; Sara López, Curadora de Arte; Pablo Cuéllar, coordinador de Exposiciones de la Secretaría de Extensión y Cultura; se reunieron para celebrar la creatividad de los estudiantes. Martha Ramos, agradeció el apoyo del rector de la UANL y destacó la labor del jurado compuesto por egresados de la Universidad. Reconoció la importancia de las artes en el desarrollo de un pensamiento crítico entre los jóvenes y alentó a los participantes a seguir dedicándose a estas disciplinas. “¿Algún día seré libre?” por Olga Margarita González Nieves. El certamen, que comenzó en los años 90 y se realiza anualmente desde 2004, recibió 109 obras en diversas categorías: dibujo, pintura, fotografía y formatos tridimensionales. Ramos enfatizó el esfuerzo de los estudiantes y la confianza en que algunos de ellos se convertirán en artistas destacados. Agradeció a los equipos involucrados en la organización y montaje de la exposición, motivando a los participantes a continuar su camino en el mundo del arte y a seguir presentándose en futuras convocatorias. POR: DIANA LOZANO Sara López, expresó su admiración por las autoridades presentes y agradeció a todo el equipo de la Secretaría de Extensión y Cultura por su dedicación en la realización del evento. En su discurso reflexionó la complejidad de las artes y la influencia que tiene en la sociedad. Afirmó que todas las obras presentadas, premiadas o no, reflejan un esfuerzo valioso y cultural. Felicitó a los participantes por su valentía al mostrar su trabajo y los animó a seguir explorando el arte, ya que muchos de ellos podrían convertirse en agentes de cambio en el futuro. 48 marzo 2025 �POR: FERNANDO ARMENDARIZ “¿Para qué sirve el arte?, créanme que he escuchado a los más importantes estudiosos y académicos titubear, contradecirse y no poder resolver esta interrogante. El arte parece cotidiano y omnipresente, pero tiene un aura e incluso en sí mismo las armas para destruirla, ejercicio humano contradictorio hasta el límite, pero quizá el más influyente y seductor de todos.” Así mismo, José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura, dio al público la bienvenida al Certamen de Artes Visuales UANL 2024 en el emblemático Colegio Civil, destacando su importancia como un lugar de encuentro y expresión creativa. Resaltó la visión del rector Santos Guzmán López sobre una educación integral que valore la diversidad y el impacto del arte en la formación de estudiantes y docentes. “No me resta más que felicitar a los estudiantes que participaron en este certamen con sus pinturas, dibujos, fotografías y piezas tridimensionales, hoy nuestra máxima casa de estudios impulsa su talento y los convoca a seguir creando arte, quiero decirles que la Universidad Autónoma de Nuevo León la hacemos todos, absolutamente todos; los que le damos vida, los que exponemos, los que vamos a los cursos, los que estamos en los campus, los que nos sentimos universitarios, muchas gracias por estar aquí.” POR: DIANA LOZANO Villarreal también mencionó que las 109 obras presentadas fueron evaluadas con rigor por un jurado de prestigio, considerando aspectos como originalidad y técnica. Felicitó a todos los participantes y los animó a seguir explorando su talento artístico, reafirmando que la Universidad es un espacio donde todos contribuyen al desarrollo de una comunidad vibrante y creativa. La ceremonia no solo celebra el arte, sino que también impulsa a los estudiantes a trascender como profesionales y agentes de cambio en la sociedad. “Elena” por Priscila Alheni Ángeles Leija. MARZO 2025 49 �E V E N T O S GANADORES Formatos tridimensionales 01 * PRIMER LUGAR Obra: El vals del equilibrio Cinthia Lizeth Cantú Guardiola Facultad de Artes Visuales MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Elena Priscila Alheli Ángeles Leija Preparatoria 7 Oriente Fotografía 01 02 03 * PRIMER LUGAR Obra: Arriba Myriam Catalina Puente Ávila Facultad de Ciencias de la Comunicación SEGUNDO LUGAR Obra: Rito, fe, muerte Fernando Isaí Díaz Gutiérrez Facultad de Artes Visuales TERCER LUGAR Obra: Mi visión mundo nírico Aarón Yecatl Ayala Sánchez Facultad de Ciencias de la Comunicación MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Vida Estrella Ismerai Medina Salazar Preparatoria 16 Obra: Ecos del Alma Valeria Murillo Gámez Preparatoria 8 Obra: Texas on the road Cecilia Alejandra García Zugsti Facultad de Artes Visuales 50 MARZO 2025 �Pintura Dibujo 01 PRIMER LUGAR 01 PRIMER LUGAR 02 SEGUNDO LUGAR 02 SEGUNDO LUGAR 03 TERCER LUGAR * Obra: Cada vez que entro al club Mauricio Javier González Manzo Facultad de Arquitectura Obra: Dinámica de músculos Bibiana Jiménez Ramírez Facultad de Artes Visuales Obra: Cerro de Santa Catalina Shirley Elizabeth Coronel Ponce Preparatoria 25 MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Perdónanos Señor Itzel Jacqueline Posada Martínez Facultad de Artes Visuales Obra: Como vine al mundo Andrea García Orozco Facultad de Artes Visuales 03 * Obra: Analogía circulatoria José Luis Hernández Pérez Facultad de Medicina Obra: El fantasma de Tsushima Eduardo José Gutiérrez Facultad de Ingeniería Mecánica y Eléctrica TERCER LUGAR Obra: Dulces sueños Alejandro Udave Sadurni Facultad de Ciencias Químicas MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Emergencia Sofía Rubí Leyva Acevedo Facultad de Artes Visuales Obra: Sin cabida ni pronunciación Itzel Jacqueline Posada Martínez Facultad de Artes Visuales MARZO 2025 51 �Marzo 2025, Número 13 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2025 Volumen Volumen de la revista 7 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Tetramestral Relación OPAC https://revistacroma.uanl.mx/index.php/revista/issue/view/14/14 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2025, Vol. 7, No. 1, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Diseño Arte Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2025-03-01 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource txt/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021477 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant San Nicolás de los Garza, Nuevo León Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores Artistas cine y curiosidades Fotografía Los tatuajes como forma de expersión Producciones audiovisuales https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/403/21975/Paradigma_Creativo_2024_Vol_5_Num_1_Enero-Diciembre.pdf 28340f4ab6ad1099357ff61673583b80 PDF Text Text �ÍNDICE 04 18 El diseño gráfico y editorial en la educación continua a distancia Marcos Rubén Sánchez Gálvez, Claudia Ávila Arteaga, Griselda Ramos Baños, Evelin Susan Islas Amador, Yuliana del Carmen Gómez Ramos La procrastinación y los factores que inciden en el desempeño de estudiantes de piano de la Facultad de Música de la UANL 62 Desde la perspectiva de una estudiante de diseño gráfico: Causas y consecuencias del plagio en el ámbito académico Rubí Esmeralda Meléndez Córdova 76 Tecnología en la educación: nuevas modalidades y estrategias para su uso y aplicación en el nivel superior 86 Cuando la distopía nos alcance. La semiosis compleja en el cine de ciencia ficción Sandra Guadalupe Altamirano Galván Martha Paola Garay Mendoza 34 Las redes sociales y su impacto en la publicidad digital en México 46 El uso de medios digitales como estrategia de sustentabilidad económica para ONG´s Cinthia Janet Hernández Ángeles Alicia Elizabeth González Elizondo María Eugenia Flores Treviño �Dr. Santos Guzmán López Rector Dr. Juan Paura García Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz Secretaria Academica Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector del Centro de Investigación y Posgrado Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Coordinación Editorial Graciela Vargas Hernández Cinthia Nathaly Mendoza Jacinto Pedro Álvarez Villarreal Ilse Anahí Ibarra Medina Diseño Editorial Graciela Vargas Hernández Portada Paradigma Creativo, Año 5, No. 5, Enero-Diciembre 2024. Es una publicación anual, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Calle Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos. Monterrey, Nuevo León, México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-29-4000. Editora Responsable: Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván. Reserva de Derechos al uso Exclusivo No. 04-2023-072613435900-102, ISSN: 3061-7081, ambos otorgados por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Responsable de la última actualización de este número, Coordinación Editorial de Licenciatura FAV UANL, Sandra Guadalupe Altamirano Galván, Calle Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos. Monterrey, Nuevo León, México, C.P. 64930, fecha de última modificación, 20 de diciembre de 2024. Las opiniones expresadas por los autores, no necesariamente reflejan la visión de la publicación. �El diseño gráfico y editorial en la educación continua a distancia El caso del Diplomado para la Academia de la Transformación en la UNIDEH 4 Marcos Rubén Sánchez Gálvez Griselda Ramos Baños ORCID: 0009-0001-7592-3366 Universidad Digital del Estado de Hidalgo rbn.sgalvez@gmail.com ORCID: 0009-0009-9149-8599 Universidad Digital del Estado de Hidalgo griselda.ramos@unideh.edu.mx Claudia Ávila Arteaga Evelin Susan Islas Amador ORCID: 0009-0000-1479-3345 Universidad Digital del Estado de Hidalgo clau_aa16@hotmail.com ORCID: 0009-0000-1479-3345 Universidad Digital del Estado de Hidalgo e.islas.amador@gmail.com Yuliana del Carmen Gómez Ramos ORCID: 0009-0007-2695-4688 Universidad Digital del Estado de Hidalgo gomez.yuliana@hotmail.com Resumen Palabras clave: Diseño gráfico, Educación a distancia, Educación continua. En este artículo se dan a conocer los resultados del impacto que tuvo el diseño gráfico y editorial en participantes del Diplomado Academia para la Transformación, impartido en modalidad virtual por la Universidad Digital del Estado de Hidalgo, el cual tiene como objetivo la profesionalización de las personas servidoras públicas del Estado de Hidalgo para que estén informadas sobre sus funciones, principios, responsabilidades y derechos; a la vez de desempeñarse como personas íntegras y honestas, capaces de recuperar la confianza de la ciudadanía. El impacto del diseño gráfico y editorial se analizó con las respuestas obtenidas del cuestionario elaborado por personal de diseño instruccional y gráfico de la UNIDEH, aplicado a participantes del Diplomado en donde la tendencia que se mostró, indica que en su mayoría, consideran que este es parte fundamental en el proceso enseñanza-aprendizaje. �Abstract This article presents the results of the impact that graphic and editorial design had on participants of the Graduates in the Academy of Transformation, offered in a virtual format by the Digital University of the State of Hidalgo. The program aims to professionalize public servants in the State of Hidalgo so that they are informed about their functions, principles, responsibilities, and rights, while also enabling them to act as integral and honest individuals capable of regaining the trust of the citizens. The impact of graphic and editorial design was analyzed throug h responses obtained from a questionnaire developed by instructional and graphic design personnel at UNIDEH, administered to participants of those individual Graduates. The trend observed and indicated that for the majority, they consider graphic and editorial design to be a fundamental part of the teaching-learning process. Keywords: Graphic design,Distance education, Continuing education. Introducción La Universidad Digital del Estado de Hidalgo (UNIDEH), es una institución pública que nace en 2017 con el objetivo de generar un sistema tecnológico que permita la ampliación de la cobertura en educación superior en el estado. En el año 2023, el actual Gobernador del Estado, Lic. Julio Ramón Menchaca Salazar, encomienda la labor de la profesionalización de personas servidoras públicas, para quienes esta institución diseñó, entre otros programas, el Diplomado Academia para la Transformación, cuyos contenidos fueron realizados por personal de diversas instancias de gobierno; mientras que el diseño instruccional, así como el gráfico y editorial, fue elaborado por la UNIDEH. Figura 1. Presentación de la Academia de la transformación por parte del gobernador del Estado. 5 �Educación a distancia Es un concepto que se ha popularizado en todos los ámbitos, más allá de las fronteras educativas, principalmente debido a la COVID 19, en donde, a partir de un confinamiento, las autoridades educativas “se vieron en la necesidad de trasplantar la escuela a la casa, estableciendo la comunicación de docentes y alumnos por medio de correo electrónico o WhatsApp y, en algunos casos, a través de plataformas educativas, para quienes contaban con los medios” (Aguilar Nery, 2020), por lo que se utilizaron medios digitales para la comunicación y en la mayoría de los casos se denominó, educación a distancia. Sin embargo, la educación a distancia es un modelo educativo que se basa en diálogo didáctico mediado entre el docente (institución) y el estudiante que, está ubicado en un espacio diferente y aprende de forma independiente (García Aretio, 2001), por ello esta modalidad educativa debe tener las siguientes características: 1. 2. 3. 6 4. Interacción sincrónica y asincrónica entre docentes y estudiantes; siempre separados en espacio, pero no en tiempo. Comunicación mediada de doble vía entre docente y estudiante. Soporte de una institución que planifica, diseña, produce materiales (por sí misma o con el apoyo de otras instancias), evalúa y realiza seguimiento y motivación del proceso de aprendizaje. El estudio independiente, donde el estudiante controla tiempo, espacio, ritmos, etc. Para lograr cumplir con las anteriores características, en el diseño y desarrollo de la educación a distancia se requiere de la intervención de un amplio equipo de expertos (García Aretio, 1999). Equipo de expertos para diseñar e impartir educación a distancia 1. Expertos en los contenidos de la disciplina o tema a abordar. 2. Especialistas en la producción de materiales didácticos: tecnólogos en educación, diseñadores gráficos, expertos en comunicación y medios técnicos, etc. 3. Responsables de guiar el aprendizaje concreto de los alumnos, que planifican y coordinan las diversas acciones docentes y diseñan las actividades de aprendizaje. 4. Tutores o asesores que motivan el aprendizaje y aclaran las dudas y problemas surgidos en el estudio de los alumnos. Figura 2. Equipo de expertos para diseñar e impartir educación a distancia. Fuente: adaptado de García Aretio, (1999). Considerando las características anteriores y su continua transformación, la educación a distancia hoy se realiza a través de ambientes virtuales de aprendizaje y ha mejorado significativamente la calidad educativa que ofrece, integrando elementos gráficos (multimedia) que permiten, no solo romper la barrera espacio-tiempo entre docentes y estudiantes, también generan impacto �en la manera de transmitir el conocimiento por medio de la comunicación visual, que es considerada como un elemento intrínseco del aprendizaje, por lo que emergen nuevas demandas respecto de los materiales didácticos, requiriendo que estos sean de alta calidad y específicamente diseñados para la educación a distancia, con un enfoque en la visibilidad e interactividad. En este contexto, las posibilidades y el potencial de las TIC exigen replantearse cómo la comunicación visual debe integrarse en los Ambientes Virtuales de Aprendizaje, dejando atrás los elementos estáticos para apoyarse de elementos visuales e interactivos (gráficos y multimedios), como estrategia pedagógica de enseñanza, para lograr que el estudiante reciba la información de manera didáctica (Pagano, 2024). Richard Mayer (2005), a través de la Teoría Cognoscitiva del Aprendizaje Multimedia, menciona que el ser humano tiene una mayor probabilidad de alcanzar un aprendizaje significativo cuando la información se presenta no solo en formato de texto, sino también de manera gráfica y auditiva; durante el aprendizaje multimedia el ser humano realiza cinco procesos cognitivos, a través de los cuales: 7 Figura 3. Procesos cognitivos para el aprendizaje significativo. Fuente: adaptado de Mayer (2005). Por su parte, García Aretio (2008), hace referencia a que la educación a distancia tiende a fracasar cuando se observan factores como: falta de planeación del ambiente virtual de aprendizaje, deficiencia en el diseño y elaboración de materiales didácticos, insuficiencia de recursos humanos, económicos, materiales y tecnológicos adecuados para la implementación del modelo educativo a distancia. Diseño gráfico en la educación a distancia El diseño gráfico es el arte de la comunicación visual a través de texto, imágenes, símbolos o ilustraciones, sirve para identificar una marca o recordar un mensaje, su objetivo es crear una representación visual con un sentido de or- �den y claridad, haciendo que las personas entiendan el mensaje (López Besa, 2023). Los elementos gráficos contribuyen de manera significativa a mejorar la experiencia de aprendizaje, no solo hace los materiales visualmente atractivos, sino que facilita también la comprensión de los contenidos, captando el interés del usuario, es decir, al integrar recursos visuales como íconos y tipografía adecuada, la comunicación es más clara y directa, mejorando la retención y el aprendizaje autónomo. Por ello, el incluir un diseño intuitivo y visualmente organizado es fundamental para reducir la confusión del estudiante al promover una experiencia significativa de aprendizaje. La disciplina del diseño gráfico se basa en implementar de manera efectiva recursos visuales, como pueden ser imágenes, gráficas, uso de color o composiciones, con la finalidad de captar la atención del usuario, que le sea fácil entender la información y/o transmitirle emociones; se puede implementar en diversas áreas tales como la educación virtual, las artes, publicidad, diseño editorial, si es bien aplicado contribuye de manera estética, se vuelve funcional y mejora la experiencia del público / target. 8 El diseño editorial es la rama del diseño gráfico centrada en la creación y producción de toda clase de publicaciones editoriales como: libros, revistas o artículos, entre otros. Es decir, se encarga de la arquitectura y de la gráfica editorial de cualquier tipo de publicación, entre sus funciones esenciales destacan la de dotar de personalidad a un contenido, que puede ser académico, para atraer la atención del lector y estructurar la información de forma clara (Elisava, 2022). Al considerar los factores determinantes de la calidad y atributos del material didáctico escrito, en cuanto a los aspectos técnico-gráficos, se encuentran los siguientes (D’Agostino, et al, 2005): Ilustraciones y esquemas • • • • Utilizar recursos ilustrativos de acuerdo con el tema: ilustraciones, gráficos, dibujos, cuadros, caricaturas, fotos, mapas, esquemas, resúmenes, cuadros, etc. Utilizar recursos ilustrativos que sean: claros, con explicaciones, bien elaborados, agradables, de buen tamaño, amplios y de colores. Uso pertinente de la ilustración visual y gráfica. Uso proporcional de las ayudas visuales. Letra • • Figura 4. Aspectos técnico-gráficos. Adaptado de D’Agostino, et al, 2005. Tamaño adecuado. Variedad de tipos de letras para los títulos, subtítulos, definiciones, etc. �Educación continua De acuerdo con Ochoa Gutiérrez y Balderas Gutiérrez (2021) el surgimiento de la educación continua se remite al ámbito laboral, se encuentra intrínsecamente ligado a los conceptos de capacitación y profesionalización, el primero enfocado en la adquisición de conocimientos y desarrollo de destrezas para el campo de trabajo, el segundo en la búsqueda del reconocimiento de las ocupaciones y del perfeccionamiento profesional. Según la UNAM (s/f), es una modalidad educativa diseñada, organizada, sistematizada y programada que complementa la formación curricular, profundiza y amplía conocimientos en todos los campos del saber. En la actualidad, en el ámbito laboral crece la demanda del desarrollo de habilidades más complejas, lo que obliga a las personas adultas a buscar un aprendizaje continuo para mantenerse en la vida laboral. Según hallazgos recientes (Grupo Banco Mundial, 2019), los cerebros adultos aprenden diferente, siendo más difícil la incorporación de nuevos conocimientos. Además, el estrés y las presiones de la vida cotidiana no hacen más que comprometer una buena porción de la capacidad mental. La educación continua de los adultos busca incentivar el interés y el deseo de todas las personas por el estudio, como una actividad enriquecedora y placentera, que permite mejorar la calidad de vida, promover la cultura, estimular las capacidades propias y generar mejores oportunidades. Para lograr estos objetivos, los programas educativos para adultos deben ser lo suficientemente flexibles como para adaptarse a su público y atender los limitantes de la vida adulta, respetando sus horarios y ritmos de aprendizaje (Grupo Banco Mundial, 2019). Esto fue vital considerarlo en el Diplomado en cuestión, ya que está dirigido a personas adultas. El diseño gráfico y editorial como parte del proceso de enseñanza-aprendizaje en la educación continua virtual de la UNIDEH La educación continua en la UNIDEH promueve la formación en diversos sectores de la sociedad, por ello, ha desarrollado diplomados, talleres y cursos enfocados en necesidades específicas, como el Taller “Aula invertida”, para docentes; el Diplomado “Bases teóricas de las perspectivas de género” para el servicio público; el diplomado “Emprendimiento e industrias creativas y culturales”, para la Secretaría de Cultura y la “Academia de la transformación”, para la profesionalización de servidores públicos, siendo este último el caso que describimos en este artículo. 9 �Diplomado Academia para la transformación De manera conjunta, entre la Secretaría de la Contraloría, la Secretaría del Despacho del Gobernador y la Secretaría de Educación Pública; se construyó el contenido del Diplomado para la Transformación, dirigido a personas servidoras públicas del Estado de Hidalgo. El Diplomado consta de ocho módulos. Módulos del Diplomado Para la Transformación Figura 5. Módulos del Diplomado para la Transformación. Fuente: ficha ejecutiva de presentación. 10 El diseño gráfico y editorial del diplomado se basa en el manual de identidad gráfica del gobierno vigente, utilizando la paleta de color que integra: guinda, rojo, vino y dorado, la tipografía es sans-serif Montserrat y su familia completa, la cual se caracteriza por ser una fuente de palo seco sin remates, brindando un toque de elegancia a la carpeta de presentación del diplomado y el encuadre de cada módulo, para diferenciar el texto de los contenidos de cada presentación se usó la fuente Arial, en sus 3 estilos, ya que es una tipografía “universal” con la que cuentan la mayoría de los editores de texto. Los recursos gráficos (imágenes vectoriales, íconos, mockups, fotografías, etc.) que se utilizaron en el desarrollo de los contenidos, en su mayoría pertenecen a la licencia de repositorio de recursos con los que cuenta la UNIDEH (Freepick), los cuales se adaptaron a la paleta de color, y de acuerdo con las necesidades de cada concepto, tema y módulo. Siendo la inclusión de género un tema relevante dentro de la agenda de gobierno, se optó por utilizar vectores de personas con diferentes características físicas. Desarrollo metodológico Para el desarrollo de esta investigación, de enfoque cualitativo, se diseñó un cuestionario con el objetivo de conocer el impacto que genera en el participante, el diseño gráfico y editorial aplicado en los contenidos del Diplomado Academia para la Transformación. Después de presentar las definiciones de diseño gráfico y editorial, se plantean siete ítems: dos abiertos y el resto de opción múltiple, en escalas tipo Likert. Dicho cuestionario se diseñó por personal de la UNIDEH, que se desempeña en las áreas de diseño instruccional y diseño gráfico. �Se aplicó con la herramienta de Formulario de Google y se distribuyó por correo electrónico, para que lo respondieran entre el 11 y 22 de octubre de 2024. Hasta el momento, dos generaciones han cursado este Diplomado, en la primera, 283 personas servidoras públicas concluyeron de manera satisfactoria, mientras que en la segunda concluyeron 243 personas, estás últimas se consideraron en la población total de esta investigación, debido a que son las que estaban concluyendo, ya que el diplomado dura aproximadamente 8 meses. Respecto a la muestra, de la población, 243 personas son servidoras públicas en activo en el Estado de Hidalgo, 59 respondieron de manera voluntaria, lo que representó el 22% de la población. Figura 6. Cuestionario desarrollado en google forms. 11 Resultados Del cuestionario se obtuvo información que permite conocer a detalle el impacto del diseño gráfico y editorial en el proceso de enseñanza-aprendizaje para el Diplomado Academia para la Transformación. A continuación se presentan las respuestas de las preguntas que se consideran cruciales para esta investigación. Cuando se solicitó a las personas servidoras públicas indicar si consideran que el diseño gráfico y editorial es parte importante del proceso de enseñanza-aprendizaje, el 83.1% respondió que está totalmente de acuerdo y el 16.9% que está de acuerdo, lo que nos permite afirmar que para los participantes, fue muy importante el diseño gráfico y editorial, pues el 100% de quienes respondieron optó por estar de acuerdo o totalmente de acuerdo (Figura 7). Figura 7. Resultado de pregunta 1. �Ante la pregunta, qué tan adecuado le pareció el diseño gráfico y editorial del Diplomado para su proceso de aprendizaje, el 62.7% indicó que está totalmente de acuerdo, el 33.9% está de acuerdo, mientras que el 3.4% optó por no estar de acuerdo; lo que nos permite afirmar que el 96.6% de la población participante lo considera adecuado (Figura 8). Figura 8. Resultado de pregunta 2. El 96.6% de la muestra consideró que los elementos gráficos y/o visuales utilizados en el Diplomado en cuestión, contribuyen a la comprensión de la información, el 69.5% indicó que está totalmente de acuerdo, mientras el 27.1% indicó que está de acuerdo (Figura 9). 12 Figura 9. Resultado de pregunta 5. Figura 10. Resultados de encuesta a participantes del diplomado. �Cuando se solicitó a las personas servidoras públicas indicar qué elementos gráficos y/o visuales utilizados en el Diplomado generaron mayor impacto en su aprendizaje, el 71.2% indicó que fueron los esquemas o diagramas, el 67.8% que las imágenes y/o gráficos, mientras que el 42.4% indicó que fue la distribución de los elementos en pantalla, el 35.6% indicó que fue la combinación de colores, el 25.4% indicó que el tipo de letra, el 15.3% indicó que es el tamaño (puntaje) de letra, y, finalmente, y en contraste, un 1.7% indicó que los elementos no le generaron impacto (Figura 10). Conclusiones Al generar proyectos o programas educativos, tanto en teoría como en la práctica, no se debe omitir el diseño gráfico y editorial de los materiales que serán revisados por los participantes, pues este es un factor muy relevante que puede determinar el nivel de comprensión de los temas, es decir que todo el trabajo de planeación y producción realizado por una institución puede verse afectado, si no aplica el diseño gráfico y editorial por expertos en el tema; esto es relevante actualmente porque: La visión que se cierne sobre la actividad que el diseño desempeña en la educación a distancia, está relacionada en gran medida con un parámetro estético más que disciplinar o académico; entonces, el objetivo es comenzar a trabajar transdisciplinariamente para contribuir de manera más activa y sustancial en los grupos de colaboración que se dedican a la construcción de productos específicos, como los objetos de aprendizaje o alguna herramienta didáctica (Rangel, 2012). Desde 2017 la UNIDEH ha invertido recursos económicos, tecnológicos y humanos para ofrecer un diseño gráfico y editorial de calidad en cada programa que ofrece; siempre partiendo de la premisa: “para que el aprendizaje se consolide es necesario el trabajo en equipo de distintas disciplinas” esto contribuye al desarrollo de un proceso educativo de calidad, como es el caso del Diplomado Academia para la Transformación, donde se realizaron contenidos a la medida, un diseño gráfico y editorial ajustado a la solicitud realizada por gobierno del Estado y enfocada en las características particulares de sus participantes, teniendo como resultado, que todos los participantes (100%) opinan que el diseño gráfico y editorial permite la construcción del aprendizaje al contar con diseño gráfico y editorial bien aplicado. 13 �Referencias Aguilar Nery, J. (2020). Continuidad pedagógica en el nivel medio superior: acciones y reacciones ante la In R. E. Mayer (Ed.), The Cambridge handbook of emergencia sanitaria, en Educación y pandemia. multimedia learning, Cambridge University Press, Una visión académica. Recuperado de: https:// 31–48. Recuperado de: https://doi.org/10.1017/ www.iisue.unam.mx/nosotros/covid/educacion-y- CBO9780511816819.004 pandemia D’Agostino, G., Meza, J., & Cruz, A. (2005). Elementos y Pagano Ajolf, M. E. (2024). El rol del diseñador gráfico en el proceso de diseño E-learning. Centro de características del material impreso que favorecen Estudios en Diseño y Comunicación, 4 (221), 75-93. la formación y el aprendizaje a distancia en Recuperado de: https://dialnet.unirioja.es/servlet/ la uned (Sistematización de características y resultados globales). RIED Revista Iberoamericana articulo?codigo=9673510 Rangel, M. (2012). El diseño gráfico y su relevancia en la de Educación a Distancia, 8 (1-2), 335-366. Educación a Distancia. 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Profesionalmente se desenvolvió en las artes gráficas dentro de la rama de los medios impresos durante 7 años, donde reforzó sus conocimientos adquiridos y se formó profesionalmente Adquirió experiencia en pre-prensa digital, maquetado de archivos, diseño de imagen comercial y corporati- 15 va, diseño de logotipo, entre otros. Desde hace 6 años, forma parte del equipo de la UNIDEH, como diseñador gráfico, donde su función principal es diseñar los contenidos académicos que van dirigidos a estudiantes de dicha institución, lo cual le llena de orgullo, por ser parte de la formación de más profesionales. Griselda Ramos Baños Profesional comprometida con la mejora de la calidad de la educación en México, con experiencia en educación a distancia en distintos ambientes virtuales de aprendizaje. Ha colaborado en distintas universidades, entre ellas la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, Universidad La Salle Pachuca, la Universidad del Valle de México, la Universidad Abierta y a Distancia de México y la Universidad Digital del Estado de Hidalgo. Ha colaborado también en diseño e impartición de cursos de habilidades docentes, del uso de las TIC en el aula, además del diseño de diplomados, los cuales formaron parte del Catálogo Nacional, colaboró en proyectos de acreditación de programas de educación superior en la UAEH, los cuales debieron ser aprobados por el Comité de Ciencias Agropecuarias de los CIEES y por CONAIC en un programa de UNIDEH. �Claudia Ávila Arteaga Egresada de la Licenciatura en Sistemas Computacionales de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo; de forma posterior obtuve el grado en la Maestría de Tecnología Educativa Informática Educativa en la Universidad Autónoma de Zacatecas. En el ámbito educativo, inició impartiendo clases en nivel medio superior, administró, gestionó e impartió cursos de certificación Microsoft, 16 posteriormente ingresó a la Universidad Politécnica de Tulancingo, donde desarrolló materiales y asignaturas e impartió clases de Evelin Susan Islas Amador forma presencial y virtual. En la Universidad Abierta y a Distancia de México se desempeña como docente en línea en la ingeniería de Telemática, desarrollando material para las asignaturas y exámenes extraordinarios, también se ha desempeñado como sinodal Egresada de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo, de en proyectos terminales. En la Universidad Digital del Estado de Hi- la Licenciatura en Innovación y Tecnología Educativa, especializa- dalgo Diseño, desarrolla guiones tecno-pedagógicos, actividades da en diseño instruccional y docencia virtual, realizando prácticas y recursos para los programas educativos que se imparten, ade- profesionales en la Dirección de Superación Académica, Innova- más de coordinar el área de Diseño instruccional. ción y Sistemas de la UAEH, con la propuesta de diseño instruccional para los cursos en plataforma del programa de competencias comunicativas en el idioma inglés. Los estudios de posgrado fueron realizados en IEXE Universidad en la Maestría en Innovación y Gestión Educativa, concluida en junio del año 2024. Respecto de la experiencia profesional, ésta se vincula con los Ambientes Virtuales de Aprendizaje, desempeñando funciones relacionadas con el diseño instruccional para estudiantes oyentes y sordos, diseño curricular de programas educativos de nivel posgrado, así como asesor/tutor virtual en diversas asignaturas de nivel licenciatura. Habilidades desarrolladas: • Pensamiento creativo y crítico • Trabajo colaborativo • Enfoque en resultados de aprendizaje • Conocimiento de teorías y metodologías de enseñanza-aprendizaje �Yuliana del Carmen Gómez Ramos Ingeniero en Desarrollo de Software, egresada de la Universidad Abierta y a Distancia de México. Como profesional se ha desarrollado impartiendo clases a nivel secundaria y preparatoria frente a grupos de manera presencial en escuelas particulares, impartió cursos de computación, diseño gráfico y desarrollo de aplicaciones. Tuvo a su cargo un laboratorio de computación, realizando mantenimiento preventivo y correctivo. Actualmente forma parte del área de diseño instruccional en la Universidad Digital del Estado de Hidalgo, realizando adaptación, actualización, modificación, diseño de recursos, actividades y materiales interactivos que se ajustan a los diferentes tipos de aprendizaje para los contenidos mostrados en plataforma virtual de los diferentes programas educativos. 17 �La procrastinación y los factores que inciden en el desempeño de estudiantes de piano de la Facultad de Música Martha Paola Garay Mendoza ORCID: 0000-0001-5237-8601 Universidad Autónoma de Nuevo León Facultad de Música martha.garaymnd@uanl.edu.mx 18 Resumen La procrastinación es una práctica común que implica posponer tareas importantes mediante actividades alternativas, evitando enfrentar responsabilidades. En carreras creativas como las artes (música, danza, pintura, escultura), este hábito puede ser especialmente perjudicial, ya que afecta el progreso técnico y emocional de los estudiantes. La disciplina es esencial en estas áreas, ya que fomenta la estimulación cerebral y la motivación diaria. En profesiones más teóricas, donde las evaluaciones suelen depender de proyectos escritos o en grupo, la procrastinación puede no impactar tanto el rendimiento, pero no deja de ser problemática. Palabras clave: Procrastinación, desempeño, educación, redes sociales, música, piano. En el caso de los estudiantes de piano, la procrastinación afecta gravemente habilidades fundamentales como la técnica, la coordinación, la lectura a primera vista y la memoria, dificultando el progreso académico. Abordar este hábito es crucial para garantizar un desarrollo óptimo. Por ello, se buscan estrategias para reducir la procrastinación, promoviendo un desempeño eficiente y un perfil de egreso sólido en los estudiantes. �Abstract Procrastination is a common practice that involves postponing important tasks through alternative activities, avoiding facing responsibilities. In creative careers such as the arts (music, dance, painting, sculpture), this habit can be especially detrimental, affecting students’ technical and emotional progress. Discipline is essential in these areas, as it fosters brain stimulation and daily motivation. In more theoretical professions, where assessments often depend on written or group projects, procrastination may not impact performance as much, but it is still problematic. Keywords: In the case of piano students, procrastination seriously affects fundamental Procrastination, skills such as technique, coordination, sight reading, and memory, hindering performance, academic progress. Addressing this habit is crucial to ensure optimal develo- education, social pment. Therefore, strategies are sought to reduce procrastination, promoting networks, music, efficient performance and a solid graduation profile in students. piano. Introducción El significado del arte proviene del latín; en las formas, ars, artis sobre una raíz griega en téchne. En el sentido etimológico es una habilidad adquirida; se opone a los dones otorgados por la naturaleza (natura); por otra parte, al conocimiento duro de la realidad, la ciencia o scentia. Una especialidad como la matemática es claramente científica, mientras que la destreza para ejecutar una obra musical es; arte; exposición de las prácticas humanas desde tiempos antiguos, mediante el cual se interpreta lo real o se plasma lo imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros. Las primeras representaciones artísticas datan de la prehistoria. Se creía que durante el período que se desarrolló desde el inicio de la evolución humana hasta el 3000 a. C. (la edad de piedra, hasta la edad de los metales), apareció el inicio del arte. Las pinturas anteriores a la aparición del Homo Sapiens, sugiere que el arte rupestre fue iniciado por el Neandertal que habitó el globo terráqueo hace más de 40.000 años. La pintura rupestre, apareció cuando los seres humanos, nómadas que vivieron en la prehistoria, comenzaron a habitar las cuevas. En el Renacimiento que surgió en Italia en el siglo XV tuvo un auge con las obras de arte sobre las pinturas y esculturas de artistas como; Leonardo da Vinci o Miguel Ángel; fueron grandes y reconocidos como los máximos exponentes de su época. Surge aquí la diferencia entre la maestría del oficio llamado Artesano, dominante de una técnica, por otro lado, el Genio Creativo desarrollando obras propias de la inspiración Divina, llamado: El artista con una mente genuina detrás de la obra, que incluye habilidades técnicas; talento natural y adquirido. 19 �Cada semestre es común observar la lista de estudiantes y detectar que ingresa nueva matrícula, sin embargo, también se observa que a mediados del semestre alumnos comienzan a faltar a las clases, en el caso del área de música que cuenta con 15 estudiantes en la carrera de piano, solo 5 de ellos cumplen con las obras e incluso no abarcan las 4 obras para entrega, solo cumplen con 2 de las 4 que se aplican durante el semestre, la primera abarca el examen técnico o parcial, el examen final abarca las otras dos obras restantes. Es desalentador para el docente observar que incluso entregándoles las obras antes de salir (en el caso de alumnos que ya están matriculados y que tienen más tiempo de estudiar en vacaciones); comienzan el ciclo nuevo sin ninguna obra leída. Cuando se les hace la pregunta de ¿por qué no estudiaron?, comentan varias respuestas, como la falta de ganas, la distracción con el celular o simplemente el querer descansar. Desarrollo Metodológico En este estudio de investigación de muestra, abordaremos el tema de la procrastinación con base en encuestas realizadas a estudiantes de nivel medio y superior. 20 El proyecto específicamente se aplicó a la especialidad de la música, en el área de piano. Para la escala se ha utilizado de 1 “nada” (no procrastina)a 4 “demasiado” (si procrastina). Se buscará la identificación de ciertos factores para llevar a cabo la procrastinación: problemas existenciales, no le agradan las obras, miedo al error, aburrimiento, no entiende el solfeo, leer notas de sus obras, falta de concentración, falta de memoria, distracción, falta de motivación, falta de tiempo. Así también, en otra alternativa el aceptar que procrastina de manera aislada sin ningún factor (por costumbre). Objetivos • Conocer si los estudiantes están familiarizados con el concepto de la procrastinación. • Analizar si en algún momento de su vida lo han practicado. �• Focalizar de manera aislada el nivel de desempeño. • Contabilizar el factor más común en la práctica de la procrastinación. • Obtener resultados para otorgar conclusiones, sobre las cuales se implementen estrategias didácticas en un futuro. • Compartir los resultados al área de coordinación de piano, para posibles talleres de mejoramiento al desempeño. • Tratar de reducir la procrastinación de manera pertinente. Contexto La Facultad de Música cuenta aproximadamente con 120 alumnos en el área de piano de nivel medio y superior; de los cuales aproximadamente un 25.38 % egresan y son alumnos regulares. Debido a este porcentaje se procedió a encuestar solo a 50 alumnos (41.6%); que actualmente se encuentran en diferentes semestres. 21 Fundamentación Teórica Actualmente las redes sociales son una fuente masiva de distractores esenciales para ir generando niveles de procrastinación alta. La Jama Network Open (2023), revista médica internacional revisada por pares, que publica investigaciones sobre atención clínica, indica que procrastinar se asocia con una peor salud mental, con síntomas como depresión, estrés o ansiedad, incluso dolor en las extremidades superiores (Johansson, Rozental, Edlund, 2023). La procrastinación académica es explicada como la tardanza innecesaria e injustificada de las tareas relacionadas con los estudios. Según Schouwenburg (2004) existen dos tipos de procrastinación académica: la esporádica y la crónica. La procrastinación académica esporádica, también llamada conducta dilatoria, hace relación a la conducta puntual y relacionada con actividades académicas concretas debido a la falta de gestión de tiempo. Por otra parte, la procrastinación académica crónica es la conducta estandarizada de aplazar la disciplina al estudio (Clariana, 2009). �En la Revista Mundo Psicólogos; García Suárez (2024), menciona que las causas de Procrastinar se deben a: Factores Psicológicos: Miedo al fracaso; el temor a no cumplir con ciertos objetivos a largo o a corto tiempo. Perfeccionismo; es como una paradoja ya que, al ser sumamente aprehensivo, provoca pensar excesivamente en que la tarea quede impecable y eso puede provocar evitarla. Baja Autoestima; la poca o falta de confianza en sí mismo de las habilidades. Factores Cognitivos: Desorganización; la falta de planificación y gestión del tiempo. Toma de decisiones; la incapacidad de decidir; debido a tareas que implican diferentes alternativas. 22 Desconcentración; no tiene la capacidad de mantener la atención para mantenerse involucrado en tareas o actividades diversas. Factores Emocionales: La regulación emocional; procrastinar es una estrategia para evitar ciertos sentimientos como lo son; aburrimiento, ansiedad, frustración o flojera, o falta de motivación. Impulsividad; esto provoca desear satisfacción inmediata por lo que las tareas que requieren más tiempo y esfuerzo son aplazadas por otras de menor esfuerzo y tiempo dedicado. Factores Contextuales: Entorno laboral o académico; el desorden y distractores son una fuente importante. Expectativas y demandas externas; las expectativas familiares, maestros o jefes exigentes. �El bajo rendimiento y desempeño académico también son un resultado de la práctica constante de la procrastinación, llevando incluso a perder varios años de estudio, lo que fomenta a futuras pérdidas de oportunidades como el empleo, becas o proyectos. Los distractores que están muy de moda actualmente son las redes sociales; incluso puede decirse que se han convertido en; adicciones psicológicas; se caracterizan porque son acciones repetitivas que resultan placenteras de primera instancia, una vez que se aplican como hábito, generan una necesidad que no se controla, están asociados con niveles altos de ansiedad. Por consiguiente, al querer reducir dicha ansiedad, las personas desarrollan una actitud adictiva; esta ya no se produce tanto por la búsqueda de gratificación (placer), sino para reducir el nivel de ansiedad que les produce el hecho de no ejecutarlo, (por evitación), en este círculo vicioso es que se desarrollan las adicciones (Madrid, 2000). En diferentes contextos sociales es común observar en restaurantes, incluso en reuniones familiares, que las personas en lugar de convivir o comer, están atentos a los mensajes de redes sociales tales como Whatsapp, Tik tok, Instagram o Facebook. La falta de motivación pudiera ser un detonante; sin embargo, la motivación en la música es una energía casi automática; es motivo para realizar una determinada conducta académica, por lo tanto, su valor podría ser bajo para que dé lugar a la procrastinación (Steel y König, 2006; citado por Guzmán, 2013), aquí el autor hace referencia a que en ocasiones cuando hay baja motivación, aun así se puede presentar la procrastinación. Las expectativas están relacionadas directamente con las creencias personales; sobre lo que se puede hacer, entonces; si se cree que la tarea es fácil, la harán, y si creen que es difícil no lo harán, tardaran más en hacerla o la cambiarán por otra más agradable y menos complicada, para evitar el esfuerzo que le lleva a realizar esa tarea. En el estudio de diversos autores (Calvet, M.L.M., Acosta, A.G.D., Díaz, L.H.R., Chocano, A.S.D., Iparraguirre, C.A.A., Villalba, OR., Baca, D., Espinoza, J.U., Fernández, E., & Limache, J.Y., 2017)) de un trabajo en la Ciudad de Lima sobre el título: Procrastinación y adicción a redes sociales en estudiantes universitarios de pre y post grado de Lima; se dio un análisis descriptivo. En cuanto a las características sobre el uso de las redes sociales según la edad, se resalta que se agrupó la edad en tres rangos: 15 a 25 años, nacidos desde 1990 en adelante; 26 a 35 años, nacidos en la década de los 80´; y, 36 años a más, nacidos antes de 1980. 23 �Se describe que el tipo de red social más visitada en todos los rangos de edad fue Facebook, en especial, por estudiantes de 26 a 35 años. El análisis descriptivo de las variables del estudio (procrastinación y adicción a redes sociales) fue realizado contrastando la muestra de pregrado y postgrado, debido a que las medias de edad entre ambas fueron 16 años (X pregrado=19.9; X postgrado=35.6). La Tabla 1 contiene los niveles de procrastinación. En pregrado, se observa el nivel alto al 13.6%; mientras que, en postgrado, está representado por el 14.5%, para el mismo nivel. De otro lado, se aprecia un nivel bajo del 10.8% y 25.0% en estudiantes de pre y posgrado, respectivamente. Niveles de procrastinación según pregrado y postgrado en estudiantes universitarios de Lima Metropolitana (N=402) Pregrado 24 Postgrado Nivel Frecuencia Porcentaje Frecuencia Porcentaje Alto 34 13.6% 22 14.5% Medio 189 75.6% 92 60.5% Bajo 27 10.8% 38 25.0% Total 250 100% 152 100% Tabla 1. Estudio “Procrastinación y adicción a redes sociales en estudiantes universitarios de pre y post grado de Lima (2017)”. Resultados A continuación, analizaremos los resultados de la encuesta aplicada para este estudio: Semestre que cursas 50 respuestas 1° Semestre 6° Semestre 2° Semestre 7° Semestre 3° Semestre 8° Semestre 4° Semestre 9° Semestre 5° Semestre 10° Semestre �¿Conoces el significado de la palabra Procrastinar? 50 respuestas Nada Poco Regular Demasiado ¿Haz procrastinado alguna vez, en cualquier tarea o actividad a realizar? 50 respuestas Nada Poco Regular Demasiado Explica la razón de haber procrastinado 25 �¿Explica la razón de haber procrastinado? La respuesta más incidente fue la Distracción con un 44%, en tareas comunes y otras actividades, algunas de las respuestas fueron; distracción con el celular, horario de sueño desfasado, exceso de actividades, trabajo y estudio, flojera. El 34% la concentración; por motivos de desorganización, mala administración del tiempo, carga de diversas tareas, dejar todo a último momento. Falta de motivación 28%, exceso de tareas, menos tiempo, mayor cansancio y mayor desmotivación, malestar emocional; sin energía para realizar actividades. ¿Cómo crees que puedes evitar el procrastinar? Las respuestas fueron diversas, tales como aprender a administrar mejor los tiempos, comprar una agenda, dormir mejor, concentrarse primero en una tarea, tratar de pensar que aunque no le guste llevar a cabo la actividad es por su bien hacerla, ser más firme en las decisiones. ¿En tu materia de piano haz experimentado el procrastinar? 50 respuestas 26 Nada Regular Poco Demasiado En cuanto a las distracciones tecnológicas ¿Con cuál de estas te sientes más identificado? 50 respuestas Redes sociales Series de televisión Salidas con amigos Videojuegos �En redes sociales ¿Cuál de estas utilizas más? 50 respuestas Tiktok Whatsapp Instagram Youtube Facebook Telegram ¿Cuánto tiempo al día le dedicas a esta red social? 50 respuestas 1 hora 2 horas 4 horas 6 horas ¿Cuentas con piano o teclado en casa? 50 respuestas Sí No 27 �¿Con qué frecuencia practicas el piano? 48 respuestas Diariamente 2 veces por semana 3 veces por semana 4 veces por semana 5 veces por semana 6 veces por semana ¿Por qué crees que no practicas diariamente? 35 respuestas 28 Elige el nivel de desempeño en el piano este semestre: 50 respuestas Bajo Medio Regular Suficiente �¿Qué propondrías como una alternativa para eliminar la procrastinación? 50 respuestas Curso intensivo de piano Curso que trate de herramientas para reducir la procrastinación Taller de aplicación de Gráfica de Gantt Taller de aplicación de técnica Pomodoro En el área artística musical, específicamente en la especialidad de piano, en ocasiones, los estudiantes indican que no practican porque sienten mucha competencia con ciertos compañeros que, según su percepción, dominan el instrumento mejor que ellos o que ejecutan obras más complicadas. Algunos alumnos no cuentan con el apoyo básico de los padres ya que comúnmente les piden que adjuntamente al terminar esta carrera, comiencen otra, porque la remuneración económica al ser músicos será muy baja. Algunos profesores les dan introducciones al comienzo del semestre, a quienes inician tardíamente en edad, comentándoles que será muy difícil terminar la carrera; promoviendo el desánimo, e incitándoles a que cambien de carrera. Otro aspecto importante es la cuestión del transporte; debido a las largas distancias que tienen que recorrer hasta la institución educativa. En cuanto a la falta de instrumento en casa, no existe mucha incidencia en la encuesta; un 96% de los alumnos al momento de inscribirse cuenta con el instrumento. Pero también el costo de los pianos eléctricos puede ser un factor, por la dificultad para adquirirlos. En el aspecto de gusto por ciertas obras, comentan en especial que ciertos compositores, tales como J.S. Bach no les agrada ejecutar, es en este estilo donde se aplica la polifonía comúnmente a 2 o 3 voces. Este estilo generalmente compuesto en el Barroco tardío, que corresponde al período XVII, Randel Michael (1999) combina simultáneamente varias líneas musicales de diseño individual, en donde cada una tiene su identidad e importancia. 29 �Otra de las causas de distracción al momento de que los alumnos de piano estudian sus obras, es que regularmente consultan a YouTube para poder escuchar alguna interpretación de la pieza artística musical, que tienen a cargo en el semestre. En ese sentido es excelente utilizar esta plataforma como medio educativo, aun así, posteriormente se vuelve contraproducente la práctica; ya que de esa forma llegan a más contenidos de cualquier tipo de entretenimiento, el cual los distrae de su medio de atención; alguna película, serie, o incluso algún tema de algún medio artístico de moda. Conclusión La procrastinación es una práctica muy común en la sociedad, parecería extraño conocer a alguien que sea perfecto en cuestiones de la realización de diversas tareas, no solo en lo laboral y académico. La crianza es de enorme importancia sobre la construcción de la disciplina, formar la costumbre de hacer las cosas cuando se deben de realizar podría no ser tan inalcanzable. 30 En el pasado, no existía la distracción con los dispositivos electrónicos como se da en la actualidad; simplemente se realizaban actividades prácticas o deportes. Lo cierto es que cada vez se vive en un mundo más apresurado; el tráfico, la gran cantidad de tareas por hacer, diversas distracciones que afectan los sentidos, al grado de que, si se asiste a una reunión familiar, la gran mayoría de las personas se enfocan en usar su celular. La falta del contacto humano se está perdiendo, las generaciones están cambiando. La comunicación tecnológica une, al mismo tiempo aleja si no se tiene cuidado de caer en una adicción tecnológica. En los estudiantes de música, como ya se mencionó, es importante la práctica diaria de piano, sin embargo, las redes sociales son un distractor común que promueve la falta de concentración; el resultado obtenido marca una incidencia de 72% como distracción tecnológica y la aplicación más �usada como la de Instagram con un 68%, dedicándole dos horas al día con una incidencia del 52%, lo cual no es de beneficio, si esas dos horas se las dedicaran a la práctica del piano, habría más desempeño académico; en práctica diaria solo fue un 27.1% contra 4 veces por semana con un 33.3%. La realidad de los estudiantes de música en el piano es que; sí aceptan que procrastinan con un 40%, por lo que se puede llegar a concluir que se vuelve una práctica crónica. Por otro lado, debido a la falta de concentración 40%, la falta de motivación con un 28%. Y en general, los alumnos procrastinan en la materia de piano en un 58% regular, contra 20% demasiado y, 20% poco, obteniendo de ello un desempeño medio del 38%, sobre un desempeño suficiente con el 18% y con desempeño bajo un 30%. Algunas de las propuestas más llamativas para los alumnos de implementación como alternativa para reducir la procrastinación, fue el 50%; curso que contenga herramientas para evitar la procrastinación, a lo cual se pudiera combinar la Gráfica de Gantt y la Técnica Pomodoro, que son alternativas que ayudan a la administración del tiempo. 31 �Referencias Calvet, M. L. M., Acosta, A. G. D., Diaz, L. H. R., Chocano, A. Suárez, F. J. G. (2024, 27 mayo). ¿Por qué procrastinamos? S. D., Iparraguirre, C. A. A., Villalba, O. R., Baca, Las 9 principales causas. Mundopsicologos. D., Espinoza, J. U., Fernández, E., & Limache, J. Y. https://www.mundopsicologos.com/articulos/ (2017). Procrastinación y adicción a redes sociales la-procrastinacion-causas-consecuencias-y- en estudiantes universitarios de pre y post grado estrategias-para-superarla de Lima. Horizonte de la Ciencia, 7(13). https://doi. org/10.26490/uncp.horizonteciencia.2017.13.355 Steel, P., & König, C. J. (2006). Integrating theories of motivation. Academy of Management Review, 31, Clariana, M. (2009). Procrastinació acadèmica. Barcelona: 889–913. Servei de publicacions de la Universitat Autònoma de Barcelona. Veschi, B. (2018, noviembre). Arte. Origen de la Palabra. https://etimologia.com/arte/#:~:text=Tiene%20 Guzmán, D. (2013). Procrastinación una mirada clínica. Extraído de https://www.isep.es/wpcontent/ las%20formas,como%20tal%20se%20opone%20 uploads/2014/07/procrastinacion.pdf a%20las%20facultades%20otorgadas Johansson, F., Rozental, A., & Edlund, K. (2023, 4 enero). Associations between procrastination and subsequent health outcomes among university students in Sweden. JAMA Network. https:// jamanetwork.com/journals/jamanetworkopen/ 32 origen%20en%20el%20lat%C3%ADn%20en%20 fullarticle/2800006?resultClick=3 Procrastinar - Concepto, causas, ejemplos y cómo evitarlo. (s. f.-b). https://definicion.edu.lat/concepto/ procrastinar.html Randel, D. M. (1999). Diccionario Harvard de música. Alianza. Schouwenburg, H. C. (2004). Procrastination in academic settings: General introduction. En H. C. Schouwenburg, C. H. Lay, T. A. Pychyl, & J. R. Ferrari (Eds.), Counseling the procrastinator in academic settings (pp. 3-17). Washington: American Psychological Association. Sojo, F. P. (2024b, octubre 24). Arte - Concepto, origen, características y disciplinas. Concepto. https:// concepto.de/arte/ �Martha Paola Garay Mendoza Pianista, concertista y profesora de tiempo en la Facultad de Música de la U.A.N.L. Con Maestría en Educación en EDEC de Monterrey, y miembro del Comité organizador del Concurso Jóvenes Virtuosos de la Facultad de Música llevado a cabo cada año; en algunas otras ocasiones en el Festival internacional y Masterclass de Piano a cargo de la directora general Antonina Dragan. Imparte las cátedras de Piano a nivel Técnico y Licenciatura: Música de Cámara, Acompañamiento Artístico y Coordinadora del Área de Pianistas Acompañantes. También pertenece al Cuerpo Académico de Educación para la Música. Acreedora del perfil deseable de PRO- DEP Programa para el Desarrollo Profesional Docente, desde 2018. El 31 de enero de 2019 publicó su primer libro “Estrategias de enseñanza pianística musical para el desarrollo de habilidades cognitivas”, con la Editorial T&R. El 28 de diciembre de 2020 publicó su segundo libro “El lado oscuro de una Pianista con la Editorial T&R. 33 33 �Las Redes Sociales y su Impacto en la Publicidad Digital en México Cynthia Janet Hernández Ángeles ORCID: 0009-0002-6898-9495 Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo / UAEH Escuela Superior de Actopan Lic. en Diseño Gráfico cyn.angeles26@gmail.com 34 Resumen Las redes sociales arribaron en el mundo digitalizado de nuestra era convirtiéndose en un medio de comunicación y difusión masiva, siendo hoy un instrumento fundamental en cuanto al alcance de marketing se trata, donde el diseño gráfico juega un papel imprescindible en la publicidad digital trasmitida a través de estas plataformas, facilitando las estrategias de marketing otorgando la posibilidad de captar la atención visual de cada segmento por medio de los usuarios en tan solo instantes. Palabras clave: Diseño Gráfico, Publicidad, Redes Sociales, Mercadotecnia, Plataformas Digitales, Usuarios. Estas líneas recopilan datos e información que identifica a las plataformas de redes sociales más efectivas para la publicidad digital en México y exponen mediante un muestreo desde una perspectiva informativa el impacto de las redes sociales en nuestro país, así como sus alcances, destacando la capacidad de estas plataformas para conectar a millones de personas alrededor del mundo y compartir contenidos que reúnen a miles de usuarios al alcance de un clic, abriendo un mar de oportunidades publicitarias en el mercado para empresas, profesionistas y prestadores de servicios, quienes han aprovechado estas plataformas para posicionarse en el mercado o llevar sus productos y servicios a nuevos niveles; demostrando el impacto que las redes sociales han tenido en los usuarios mexicanos en los últimos cinco años. �Abstract Social networks arrived in the digitalized world of our era, becoming a means of mass communication and dissemination, being today a fundamental instrument in terms of the scope of marketing, where graphic design plays an essential role in digital advertising transmitted through these platforms, facilitating marketing strategies by giving the possibility of capturing visual attention of each segment through users in just moments. These lines collect data and information that identifies the most effective social media platforms for digital advertising in Mexico and expose, through a sampling from an informative perspective, the impact of social networks in our country, as well as their scope, highlighting the capacity of these platforms to connect millions of people around the world and it also share content that brings together thousands of users within reach of a click, opening a wold of advertising opportunities in marketing for companies, professionals and service providers, who have taken advantage of these platforms to position therselfs in the market or take ther products and services to new levels; demonstrating the impact that social networks have had on Mexican users in the last five years. Keywords: Graphic Design, Advertising, Social Networks, Marketing, Digital Platforms, Users. 35 Introducción “La tecnología hace posible lo que antes era imposible. El diseño hace que sea real.” — Michael Gagliano La era digital y las redes sociales son parte esencial del entretenimiento y la comunicación en la vida cotidiana siendo de igual importancia para el mundo del marketing y la publicidad digital, ya que independientemente del uso que se les asigna a las redes para mantenernos en contacto con familiares, clientes y amigos, en los últimos años éstas han servido como herramienta para la promoción de productos y servicios al estar presentes en nuestro día a día. Sin embargo, aunque las plataformas digitales parecieran hacer el trabajo publicitario por sí mismas, es a través del diseño gráfico como las empresas logran atraer la atención del público al que va dirigido su producto o servicio, de tal forma que un diseño atractivo es la clave para hacerse presente en las redes sociales y acaparar la atención de los usuarios para aumentar el alcance y los objetivos planteados por la empresa en cuestión. �Las redes sociales y su uso para la publicidad en las plataformas digitales con mayor afluencia, captan la atención de sus usuarios permitiendo un mayor alcance e impacto en el público y los consumidores debido a la amplia popularidad que redes sociales como Facebook, WhatsApp, Instagram y TikTok tienen en México. El presente artículo se basa en una investigación cualitativa que busca características del sujeto de estudio, aquí se pretende encontrar particularidades del impacto de la publicidad digital en las redes sociales, las cuales no son susceptibles de medir, pero resulta importante conocer para entender su efecto en nuestro país, los datos obtenidos en el estudio son valorados en su contexto original sin ser alterados, solo analizados. A lo largo de estas líneas se expone a las redes sociales como protagonistas de un cambio significativo en nuestro entorno, impactando en el sector empresarial y profesional, derribando las barreras de tiempo y espacio permitiendo que las campañas publicitarias lleguen a personas que se encuentran al otro lado del estado, el país o el mundo sin dificultad alguna, de forma precisa, masiva e instantánea, con la ventaja que representan dichas plataformas en cuanto a costos y tiempos en comparación a otros medios de difusión con menor audiencia. 36 Para nadie es un secreto que Internet ha cambiado las relaciones de instituciones y empresas con sus clientes. Nunca antes los usuarios habían podido asimilar tanta información, ni compartirla a tal escala, ni generar tanto impacto. La presencia de una empresa en Internet es, además, un escaparate mundial abierto las 24 horas del día (Domene, 2013). En esta era digital el diseño gráfico y la publicidad se encuentran y se seguirán encontrando en constante crecimiento, evolucionando al ritmo de cada plataforma nueva o existente, cambiando la manera en que las empresas y los profesionistas impactamos en el mercado, y la forma en que nos comunicamos y conectamos con nuestros clientes. 1. México y el mundo antes de la publicidad digital Hablar de publicidad hace referencia a aquella comunicación impersonal pagada por un patrocinador identificado, que utiliza los medios de comunicación masivos para persuadir o informar a una audiencia (Wells, 2007). Antes de la era digital las empresas se veían obligadas a hacer uso de los medios de comunicación convencionales hoy llamados “medios offline” (Yuste, 2024), también conocidos como medios tradicionales mediante los cuales publicitaban �sus anuncios comerciales, destacando entre ellos la publicidad física como vallas, folletos, espectaculares, periódicos, revistas, la radio, y la televisión, para lo cual las empresas destinaban considerables cantidades pues los medios tradicionales de comunicación representaban, en aquel entonces, mayor alcance, impacto y credibilidad ante su audiencia. Sin embargo, cada medio utilizado y la publicidad que se ofrecía estaba dirigida a un segmento muy distinto uno del otro, en edad, ocupación, ingresos, posición económica, sexo etc; por ejemplo, los anuncios en la televisión estaban dirigidos a aquellas personas o familias que gozaban del privilegio de tener en su hogar una televisión o un radio, mientras que aquellos anuncios en la prensa estaban dirigidos al público lector de determinado interés, edad y género. Con el paso de los años se comercializó y normalizó la adquisición y uso del radio y la televisión en el mundo convirtiéndose en los medios de comunicación y difusión con más popularidad elevando sus costos al ofertar publicidad comercial a las empresas y productos. Fue gracias a la red de Internet que, a paso lento pero necesario, trajo consigo la evolución digital abriendo paso al marketing entre los usuarios. El Internet y su aparición se remonta a los años 60´s, creciendo considerablemente en los años 90´s surgiendo nuevas formas de comunicar e informar como el e-mail, los navegadores, las páginas web, los blogs y directorios web. La evolución del Internet y su popular necesidad entre usuarios le dieron la bienvenida a las redes sociales en los años 2000´s siendo ellas el parteaguas en nuestra era, revolucionando la forma de comunicar, socializar y relacionarse entre personas, conduciéndose a lo que hoy se conoce como publicidad digital que de la mano del diseño gráfico, ofrece indudables ventajas sobre la publicidad offline, como la precisión para mediar el rendimiento, la rentabilidad de inversión, optimización en recursos humanos, económicos y en tiempos, además de la interacción directa con los consumidores a través de las diferentes plataformas. Resulta importante señalar que el Internet no fue diseñado para efectos de publicidad comercial pues en un principio solo permitía el intercambio de información entre instituciones, para después de unos años pasar a ser una herramienta informativa (Ridge, 2024). Su nombre proviene del inglés Interconnected Networks que se traduce como redes interconectadas, según lo dispuesto por la RAE define al Internet como “Red informática mundial, descentralizada, formada por la conexión directa entre computadoras mediante un protocolo especial de comunicación” (Real Academia Española, 2024). Se puede decir que la publicidad digital no es más que el resultado de la evolución y el crecimiento de este medio que actualmente ofrece un amplio mundo digital de información, datos, plataformas, productos y servicios. Y aunque numerosos usuarios utilizan éstas con fines informativos, profesionales y sociales más no comerciales, al final el mercado es también parte de las relaciones sociales. 37 �2. Las redes sociales: fenómeno digital y publicitario Las redes sociales constituyen un fenómeno que impulsa el desarrollo de la humanidad, la propia sociedad es testigo del crecimiento de estas plataformas y de los beneficios que han aportado en las últimas generaciones, ya que no solo han impactado en el ámbito personal o laboral, dado que los seres humanos sienten ahora la necesidad de conectarse con otros por medio de estas plataformas, sino que también han facilitado la globalización y la creación de vínculos entre empresas y países para establecer relaciones y el intercambio de bienes y servicios marcando una evidente evolución en el ámbito empresarial lo que lleva a esta investigación a la recopilación de información, donde se buscaron variables de medición, como estadísticas y muestras que se exponen para su análisis y comparación, y así conocer el uso que le dan los usuarios mexicanos a las redes sociales, el tiempo que invierten en ellas, cual es la de mayor popularidad y el costo que se destine el mercado para la difusión anual de la publicidad durante 2022 y 2023. 38 Figura 1. Penetración de redes sociales por plataforma México 2023. Adaptación propia [Imagen] a partir de la información obtenida en: (Statista, 2024). Facebook y WhatsApp son protagonistas en los usuarios mexicanos, indicando una sólida base para la publicidad digital. Sin embargo, el auge de TikTok con un 76.5% de usuarios, apunta a una pronta innovación en la estrategia publicitaria para esta plataforma que representa un segmento de población más joven (Figura 1). Tal como se aprecia en la Figura 2, la mayoría de los mexicanos acceden a redes sociales a través de smartphones (96.7%), seguidos por computadoras (9%) y tabletas (2.7%) (Brandspace | Revista de negocios, 2024). �39 Figura 2. Uso de dispositivos para acceder a redes sociales. Adaptación propia [Imagen] a partir de la información obtenida en: (Brandspace | Revista de negocios, 2024). La muestra revela que casi todos los mexicanos acceden a redes sociales mediante su teléfono celular, destacando la importancia de generar publicidad digital que resulte atractiva a la vista de los dispositivos móviles captando la atención de sus usuarios. TikTok: Los usuarios mexicanos pasan en promedio 45 horas y 1 minuto al mes, esto la convierte en la plataforma con mayor lealtad de usuarios. Facebook: El tiempo promedio mensual es de 23 horas y 38 minutos. YouTube: Los usuarios pasan alrededor de 21 horas y 4 minutos al mes. Instagram: 11 horas y 2 minutos en la aplicación cada mes (Brandspace | Revista de negocios, 2024). �Figura 3. Tiempo promedio que los usuarios dedican al mes en ver redes sociales. Adaptación propia [Imagen] a partir de la información obtenida en: (Brandspace | Revista de negocios, 2024). 40 El análisis muestra que los mexicanos consumen mayor contenido en TikTok, siendo otro punto clave para la publicidad digital, pero captar la atención de su audiencia implica un cambio en las estrategias con formatos más visuales y envolventes. Las entidades federativas con los mayores porcentajes de personas usuarias de Internet en 2023 fueron: Quintana Roo (91.6 %), Baja California (90.9 %) y Jalisco (89.7 %) (INEGI, 2024). Figura 4. Las entidades federativas con los mayores porcentajes de personas usuarios de Internet en 2023. Adaptación propia [Imagen] a partir de la información obtenida en: (INEGI, 2024). �El análisis destaca que Quintana Roo, Baja California y Jalisco lideran en el uso de Internet con porcentajes superiores al 89%, lo cual sugiere que las estrategias de publicidad digital puedan centrarse en estos estados, aprovechando su alto consumo (Figura 4). Con respecto al 2022, la población en México creció en un 0.8%. Desde el año pasado las conexiones telefónicas móviles también aumentaron, específicamente en un 3.7% (Figura 5). El porcentaje de usuarios de Internet aumentó en un 4.8%, a lo largo de un año (Way2net, 2023). 41 Figura 5. Crecimiento digital: enero 2022 vs enero 2023. Adaptación propia [Imagen] a partir de la información obtenida en: (Way2net, 2023). Este dato demuestra que en el país el consumo de Internet en teléfonos móviles, incrementa automáticamente el número de usuarios en redes sociales y esta tendencia también impacta en la publicidad que se transmite en dichas redes. 94 millones de personas usan redes sociales activamente, es decir, el 73.4% de la población total. El tiempo promedio de uso de redes sociales es de 3 horas y 21 minutos cada día, en más de 7 plataformas a lo largo del mes. El 52.7% de usuarios de redes sociales son mujeres, mientras que el 47.3% son hombres (Way2net, 2023). Por otro lado, el estudio indica que 94 millones de mexicanos utilizan redes sociales, siendo un 52.7% usuarias femeninas, por lo tanto, las marcas pueden hallar una oportunidad considerable para conectar con el segmento femenino al ser el género que más tiempo ocupa en estas plataformas (Figura 6). De un total de $4.32 billones de dólares invertidos en publicidad digital en el 2022, se muestra que: $1.12 billones de dólares se asignaron a campañas en motores de búsqueda. Se destinó $1.53 billones de dólares en anuncios de video publicitarios, mientras que $1.18 millones a anuncios de banner (Figura 7). $213.1 millones de dólares se invirtieron en acciones con influencers (personas influyentes). Y se destinó $107.1 millones de dólares en clasificados (Way2net, 2023). �42 Figura 6. Uso de redes sociales. Adaptación propia [Imagen] a partir de la información obtenida en: (Way2net, 2023). Figura 7. Gasto anual de la publicidad online (Dólares). Adaptación propia [Imagen] a partir de la información obtenida en: (Way2net, 2023). �Del 2022 al 2023 en México incrementó la inversión en publicidad digital lo que destaca la creciente influencia de las redes sociales en la estrategia publicitaria en anuncios y también la importancia de los llamados influencers (personas influyentes en las redes) para conectar marcas con audiencias específicas. Conclusión Las redes sociales han emergido indirectamente en México y en el mundo como herramientas de marketing fundamentales para las empresas y prestadores de servicios, no solo por su capacidad de alcanzar a grandes audiencias en menor tiempo, sino también por la oportunidad única que ofrecen de interactuar directamente con sus consumidores mediante comentarios en sus publicaciones, participación en campañas, promociones y mensajes directos, derribando barreras de tiempo y espacio, permitiendo que las campañas publicitarias lleguen a segmentos específicos de manera directa, sensible, masiva y menos costosa. En México, más del 73% de la población son usuarios activos de Facebook, Tik Tok e Instagram, destinando un promedio de 3 horas con 21 minutos de su tiempo al día de manera cotidiana, esta tendencia conlleva a determinar que más del 73% de la población tiene acceso a estas plataformas, comprobando la importancia de adaptar las estrategias publicitarias a formatos visuales y dinámicos, principalmente en plataformas emergentes como TikTok, que ha mostrado un notable crecimiento entre sus usuarios en los últimos 3 años. Las plataformas digitales con mayor afluencia en México son Facebook, WhatsApp, Tik Tok e Instagram, siendo las que acaparan la atención de los usuarios mexicanos, con un mayor alcance, confianza, visibilidad e impacto en el público y los consumidores, en la República Mexicana y en el mundo, en su mayoría la publicidad digital es hecha a través de las redes sociales y se espera que el gasto en publicidad en redes sociales supere los 146 mil millones de dólares este año (Coctail, 2023). Sin embargo, no olvidemos que estas plataformas solo cumplen con difundir el contenido de la publicidad pagada, y que el elemento esencial de la publicidad digital para cautivar la atención del público es el diseño gráfico, y que un atractivo diseño publicitario reproducido ante la segmentación correcta se convierte en una estrategia clave para maximizar el impacto, y el resultado objeto de sus campañas. A pesar de los desafíos que las redes sociales pueden presentar, como la sobrecarga de información y la competencia por la atención del consumidor, su uso estratégico puede generar resultados muy favorables para las marcas y para los consumidores en México debido a lo fácil que es en la actualidad tener acceso 43 �a una red social o plataforma digital, recordemos que un 73.4% de la población mexicana hace uso de esta plataformas, representando un total de 94 millones de personas o posibles clientes (Way2net, 2023). Con base en todo lo anterior, esta investigación logra enfatizar lo fundamental que resulta para las empresas, profesionistas y prestadores de servicios en esta era digital mantenerse adaptadas a las tendencias digitales emergentes para conectar y comunicarse con su segmento, posicionarse, construir su mercado y mantenerlo activo, pudiendo resumir nuestra investigación en la siguiente frase acuñada por el magnate empresarial Bill Gates: “Si tu negocio no está en Internet, tu negocio no existe”. 44 �Referencias Brandspace | Revista de negocios, m. y. (27 de Enero de 2024). Obtenido de https://brandspace.mx/estadisticas-redessociales-mexico/#:~:text=El%20n%C3%BAmero%20 de%20usuarios%20de%20redes%20sociales%20 en,tecnolog%C3%ADa%20y%20una%20mayor%20conectividad%20entre%20la%20poblaci%C3%B3n. Coctail. (2023). Obtenido de Estadísticas de Marketing Digital [20232024]: https://cocktailmarketing.com.mx/estadisticasmarketing-digital/ Domene, F. M. (2013). Marketing online 2.0: cómo atraer y fidelizar clientes en Internet. Anaya Multimedia, 2013. INEGI. (13 de Junio de 2024). DISPOSITIVOS INTELIGENTES EN LOS HOGARES. Obtenido de https://www.inegi.org.mx/ contenidos/saladeprensa/boletines/2024/ENDUTIH/ Cynthia Janet Hernández Ángeles ENDUTIH_23.pdf Marketing4eCommerce. (30 de Septiembre de 2022). Obtenido Es originaria de Santiago de Anaya, Hidalgo, México. Li- de https://marketing4ecommerce.mx/inversion-en- cenciada en Diseño Gráfico por la Universidad Autónoma publicidad-digital-crece-un-30-en-mexico/ del Estado de Hidalgo. Su área de especialidad es el diseño Moschini, S. (2012). Claves del marketing digital. Ebooks de Vanguardia. REAL ACADEMIA ESPAÑOLA. (19 de Octubre de 2024). Obtenido de https://dle.rae.es/internet?m=form Ridge, B. V. (29 de Febrero de 2024). MBLog Multimedia. Obtenido publicitario tradicional y digital, cuenta con experiencia en agencias de impresión y publicidad tras haber laborado en diversas áreas del diseño gráfico. Actualmente se desempeña como diseñadora independiente en un estudio propio de diseño, donde además de los servicios particulares de su de La Relación entre Internet y Redes Sociales: https:// negocio es la encargada de crear contenido y dar forma a www.mediummultimedia.com/social-media/ los aspectos visuales para la publicidad digital en platafor- como-se-relaciona-el-internet-y-las-redes- mas como Facebook e Instagram de pequeñas empresas y sociales/#:~:text=Marketing%20Digital%3A%20 prestadores de servicios de su región. Internet%20ha%20revolucionado%20el%20marketing%20 a,herramienta%20clave%20para%20las%20estrategias%20 de%20marketing%20digital Rodríguez, M. (2024). SEO en México. Obtenido de https://www. seoenmexico.com/blog/publicidad-digital/ Statista. (Febrero de 2024). Obtenido de https://es.statista.com/ estadisticas/1035031/mexico-porcentaje-de-usuariospor-red-social/ Way2net. (12 de Octubre de 2023). Obtenido de https://www. way2net.com/2023/10/estadisticas-de-redes-socialesen-mexico-2023/#:~:text=Uso%20de%20redes%20 sociales&text=94%20millones%20de%20personas%20 usan,que%20el%2047.3%25%20son%20hombres. William Wells, S. M. (2007). Publicidad: principios y práctica. PEARSON EDUCACIÓN, México, 2007. Yuste, G. (2 de Octubre de 2024). KeepCoding. Obtenido de Qué es el marketing offline y por qué es vital en 2024: https:// keepcoding.io/blog/que-es-el-marketing-offline/ 45 �El uso de medios digitales como estrategia de sustentabilidad económica para ONG´s. Alicia Elizabeth González Elizondo ORCID: 0009-0003-6426-1074 Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, ITESM aliciagzz29@hotmail.com 46 Resumen Palabras claves: nuevas tecnologías, redes sociales, sustentabilidad económica, ONG, financiación colectiva La digitalización y la automatización han provocado una profunda revolución, caracterizada especialmente por una expansión sorprendente de las redes sociales y la aparición de dispositivos multimedia. Los sistemas expertos y la inteligencia artificial aumentan de una manera muy rápida la interactividad. La velocidad de la evolución de la información crece constantemente. “La revolución tecnológica constituye a todas luces un elemento esencial para entender nuestra sociedad, en la medida que crea nuevas formas de socialización, e incluso nuevas definiciones de identidad individual y colectiva” (UNESCO, 1996, p.68). El interés de este escrito se encuentra especialmente en el concepto de sustentabilidad económica a través de los nuevas tecnologías, como lo son los medios digitales. Se abordan los temas de comunicación, Internet, la evolución de los medios tradicionales y redes sociales. Finalmente, se pretende mostrar que ante los retos económicos que puede enfrentar una organización sin fines de lucro, existen nuevas tendencias de diseño y comunicación digitales, por ejemplo el crowdfunding. �Abstract Digitalization and automation have caused a profound revolution, characterized especially by a surprising expansion of social networks and the appearance of multimedia devices. Expert systems and artificial intelligence increase interactivity very quickly. The speed of information evolution is constantly growing. “The technological revolution clearly constitutes an essential element to understand our society, to the extent that it creates new forms of socialization, and even new definitions of individual and collective identity” (UNESCO, 1996, p.68). The interest of this writing is especially found in the concept of economic sustainability through new technologies, such as digital media. The topics of communication, the Internet, the evolution of traditional media and social networks are addressed. Finally, it is intended to show that given the economic challenges that a non-profit organization can face, there are new trends in digital design and communication, for example crowdfunding. Key words: New technologies, social networks, economic sustainability, NGO. crowdfunding. Introducción 47 La transmisión oral directa y el medio escrito han sido sustituidos por dos nuevas ofertas comunicativas: el texto electrónico y el medio audiovisual. Las nuevas tecnologías han transformado completamente la forma de comunicarse, de relacionarse en el mundo y los ambientes virtuales se extienden hacia la vida cotidiana de las personas y los grupos sociales a los que pertenecen, generando nuevas formas de interacción social y dando lugar a nuevas situaciones de comunicación interpersonal. La importancia del uso de las nuevas tecnologías en los medios de comunicación ha estado en un acelerado crecimiento, debido a esto las empresas u organizaciones han tenido que implementar estrategias de diseño y comunicación, como la manera de trasladar un mensaje a su entorno a través de herramientas digitales, por ejemplo las redes sociales. El Internet nos da la oportunidad de acceder a servicios que nos ayuden a desarrollar nuestro trabajo, nos facilita las tareas cotidianas y nos permite disfrutar de nuestro tiempo de ocio. Se ha convertido en la mayor biblioteca de información universal, ya que permite ampliar la información y la comunicación con una accesibilidad inmediata y esto es algo que debe aprovecharse de manera positiva. �Actualmente las redes sociales están más al alcance de la población y se han convertido en una gran ventana donde se puede ver qué está pasando, informarse y aportar nuevas ideas al interactuar de manera rápida. Por medio de ellas, las organizaciones se vuelven más transparentes, aumentando así las posibilidades de generar empatía o algún vínculo significativo con los interesados. Hasta aquí se ha dado una breve pero relevante conceptualización de temas básicos como: comunicación, Internet, medios tradicionales y su evolución a las nuevas tecnologías y el uso de redes sociales. Estos conceptos no sólo rodean al tema que representa nuestro enfoque principal, sino que sin ellos no habría sido posible contextualizar acerca del uso de diseño de medios digitales como una vía de sustentabilidad económica, la cual se presenta como un ejemplo para las organizaciones de beneficencia. Una constante en la mayoría de las organizaciones sin fines de lucro o asociaciones civiles, es la falta de recursos económicos y esto origina que no se logre el impacto esperado en la población objetivo y de acuerdo a lo anteriormente expuesto, se pretende presentar que existen casos de éxito del uso de las nuevas herramientas de tecnologías digitales, sobre otras formas de comunicación. 48 En tal sentido, el presente escrito pretende mostrar que ante los retos económicos que puede enfrentar una organización sin fines de lucro, el uso de las nuevas tecnologías digitales le permitirá la generación de sus propios contenidos para la obtención de recursos que aseguren la realización de los diversos programas que tiene la organización. Comunicación Una de las definiciones más antigua dice que “la comunicación es la transmisión de ideas, informaciones y actitudes de una persona hacia otra” (Williams, 1971, p.15). “Generalmente, la intención de quien comunica es cambiar o reforzar el comportamiento de aquel que recibe la comunicación” (Martínez de Velasco y Noznik, 1998, p.11). Por medio de la comunicación, una persona se pone en contacto con otra a través de un mensaje y de este modo le permite conocer e intercambiar sus ideas, sentimientos y valores, buscando una reacción. �“La comunicación es esencial para la orientación de los individuos y de la sociedad respecto de su mundo y su realidad, y de este modo es el factor que permite preservar la integración social y la cordura de los individuos que componen una sociedad y la conservación de la misma” (Frazier y Graciano, 1979, p.24). La comunicación y sus procesos son estudiados en la actualidad rumbo a la compleja y completa integración tecno-social, lo cual ha llegado a impactar notablemente en la interacción de la sociedad y en algunas áreas de las unidades sociales como: la seguridad pública, la familia, la industria y la educación (Tolosana, 2007). Debido a los continuos avances tecnológicos, se han estado produciendo cambios en las formas de comunicación entre los seres humanos, dando lugar a nuevos espacios de interacción donde se crean comunidades virtuales que de alguna manera complementa o sustituye a los espacios tradicionales de la comunicación presencial. Internet Internet es un medio de comunicación que ha revolucionado la informática y los procesos de comunicación, haciéndolos más ágiles entre las personas. Además es una herramienta de emisión mundial, un mecanismo para difundir información y un medio para la colaboración y la interacción entre personas y sus computadoras, sin tener en cuenta su ubicación geográfica. La historia del Internet se remonta al temprano desarrollo de las redes de comunicación, las cuales han provocado un proceso de digitalización de la vida y de las actividades en todos los ámbitos, de modo que: “Internet ha evolucionado en todos los aspectos en que la persona puede involucrarse: político, económico, social, cultural, educativo, estratégico, personal” (Silva, 2016, p.5). En México, el porcentaje de población que cuenta con acceso a Internet es mayor al que no cuenta con dicho acceso. A continuación, se muestran los datos con base en la Encuesta Nacional sobre Disponibilidad y Uso de Tecnologías de la Información en los Hogares (ENDUTIH) 2016, al segundo trimestre se registraron 65.5 millones de personas de seis años o más en el país, usuarias de los servicios que ofrece Internet, lo que representa el 59.5 por ciento de esta población. Esto significa un incremento del 2.1 por ciento con respecto a 2015, tal como lo muestra la siguiente gráfica. 49 �No usa (44.5 millones de personas) 40.5% Sí usa (65.5 millones de personas) 59.5% Figura 1. Gráfica 1: Población según condición de uso de Internet, 2016. Fuente: INEGI, ENDUTIH 2026. 50 Ante la inquietud de llevar Internet gratis a todo el mundo, Mark Zuckerberg (fundador de la red social “Facebook”), lanzó en el año 2020: “Facebook Discover”, una iniciativa para ofrecer Internet gratis a la población normalmente excluida de este servicio. Esta iniciativa permite consultar sitios web y apps en los teléfonos móviles sin costo o necesidad de tener un plan de datos. “Funciona como una aplicación y página web desde a través de las cuales puedes navegar por la red sin usar datos de tu tarifa (Ramírez, 2020). Actualmente, el proyecto Discover de Facebook tiene operaciones en varios países de América Latina. “Internet se utiliza principalmente como medio de comunicación, para la obtención de información en general y para el consumo de contenidos audiovisuales” (INEGI, 2023, p.1). �Para comunicarse 93.3 Acceder a redes sociales Entretenimiento Buscar información Apoyar la capacitación /educación Acceder a contenidos audiovisuales Descargar software aplicaciones Leer periódicos, revistas o libros Interactuar con el gobierno Comprar productos o servicios Operaciones bancarias en línea Otros usos 91.5 36.8 33.2 33.4 27.3 0.1 77.8 40.5 88.1 87.7 82.1 Figura 2. Gráfica 4: Actividades en Internet, 2023. Fuente: INEGI, ENDUTIH 2023. Nota: Las categorías no son excluyentes, por lo que la suma de las proporciones es superior al cien por ciento. En consecuencia, las compañías y organizaciones se han ido transformando al darse cuenta del poder y potencial del Internet, las redes sociales, las plataformas online, cómo se conecta la gente entre sí y su forma de interactuar. Medios tradicionales y su evolución a las Nuevas Tecnologías Los medios de comunicación, en su aspecto tecnológico y dimensión cultural, forman parte de la esencia que caracteriza a las sociedades desarrolladas contemporáneas hasta tal punto que hoy resulta imposible comprender la dinámica política, cultural y tecnológica de nuestras sociedades sin atender al papel que en ello juegan los modernos medios y tecnologías de la comunicación. Los cambios sociales generados a partir de la aparición de las nuevas tecnologías de la información y la comunicación (Castells, 2001), combinado al efecto de la globalización económica, han desencadenado una serie de transformaciones culturales, a nivel local y global. 51 �Los medios de comunicación fueron rebasados por la red y el reto consistía en crear su identidad digital para captar nuevos públicos y convertir a sus audiencias en redes sociales. “Las innovaciones tecnológicas permiten la integración de sistemas y aplicaciones digitales en un solo canal y, como señala Manuel Castells (2001) se convierten en eslabones de las cadenas comunicativas: redes técnicas, sociales y económicas” (p.22). Ante este panorama, uno de los intereses en la transformación de los medios fue desarrollar sus propias redes sociales o comunidades virtuales mediante captación y segmentación de grupos de población para crear contextos donde sus audiencias pudieran interactuar con ellos y con los demás usuarios, donde pudieran sentir el espacio como un lugar de pertenencia. En la actualidad, son pocos los espacios sociales que no hayan sido transformados como resultado de las tecnologías digitales: la cultura, el ocio, los procesos de producción y su gestión, la economía, la política, la educación, el consumo y también las comunicaciones; en suma, las formas de ser y estar socialmente, y los modos en que nos relacionamos los seres humanos (Cáceres, M. D.; Ruiz San-Román, J. A.; Brändle, G. 2009, p.20). 52 La red ha transformado los modos tradicionales de acceso y distribución de la información y frente al modelo de los medios tradicionales de uno a muchos, se impone un modelo de comunicación en red, de muchos a muchos, caracterizado por la interactividad en tiempo real, que permite el acceso a la información y también la conversación social simultáneamente. “Los medios sociales, entre los que englobamos a redes sociales, blogs, fotoblogs, foros, entre otros, han irrumpido en un breve plazo de tiempo, entre los sitios web con más tráfico de Internet” (Iruzubieta, 2009, p.15). Las nuevas plataformas digitales brindan la capacidad de diseñar un plan de comunicación o estrategia digital con un bajo costo. Ejemplo: posicionar la organización en Internet, creando cuentas en las redes sociales para ganar seguidores, generando un buen contenido como videos, banners, sitios web interactivos, entre otros. Las redes sociales Las primeras redes sociales se experimentan en los años 90, aunque no despegan popularmente hasta mediados de la primera década del siglo XXI. �Danah Boyd y Nicole Ellison (2007), en su primer esfuerzo sobre definir las redes sociales online, las presentaron como plataformas con una doble perspectiva mediática y auto comunicativa conformadora de estructuras tecno sociales que dan lugar a un amplio sistema de relaciones (p.520). Emmanuel Lazega (1998), define la red social como “un conjunto de relaciones específicas entre determinados actores que comparten una cultura y unas normas” (p.571). Con base en la definición del autor se entiende que pertenecen a una comunidad compuesta por redes de usuarios que interactúan de manera transparente, dialogan y aportan conocimiento. De igual manera, para Boyd y Ellison (2007), la definición de una red social, tal y como la conocemos hoy en día es la siguiente: Se trata de un servicio web que permite a individuos: 1 Construir un perfil público o semipúblico dentro de un sistema compartido. 2 Articular una lista de usuarios del sistema con los que compartir una conexión. 3 Ver y navegar a través de la lista de conexiones propias y de las del resto de usuarios. En síntesis, las redes sociales son un medio de comunicación abierto y colectivo donde las personas comparten alguna relación, mantienen intereses y actividades en común o están interesados en explorar los intereses y las actividades con otras personas, ya sea conocidos o absolutos desconocidos. Gracias a la tecnología, la sociabilidad humana se extiende y se amplía; las personas se relacionan con la misma soltura tanto online como offline, aumentando así el capital social del individuo (Pleios, 2016, p.232). Sustentabilidad económica Para poder entender el concepto de sustentabilidad económica, se hace indispensable exponer lo que varios autores definen como sustentabilidad. Sustentabilidad en un concepto moderno refiere al estado o calidad de vida, en el cual las aspiraciones humanas son satisfechas manteniendo la integridad ecológica. La Comisión Mundial para el Medio Ambiente y el Desarrollo, establecida por las Naciones Unidas en 1983 la definió como “un 53 �proceso que permite satisfacer las necesidades de la población actual sin comprometer la capacidad de atender a las generaciones futuras”. Estas definiciones, comprenden el hecho de que las acciones actuales deben permitir la interacción con el medio ambiente y que las aspiraciones humanas se mantengan por mucho tiempo. El concepto sustentabilidad ha ido evolucionado y desarrollando en diferentes disciplinas, actualmente es un concepto que se menciona bastante en las organizaciones para buscar la aprobación del entorno que les rodea, pero algunas veces sin entender realmente lo que significa. Existen diferentes iniciativas y acciones posibles para que se lleve a cabo y se incursione tanto un pequeño número de personas como también en grandes grupos, empresas, organizaciones no gubernamentales o sociedades. 54 El concepto moderno de sustentabilidad expone que: “La sustentabilidad es la habilidad de lograr una prosperidad económica sostenida en el tiempo protegiendo al mismo tiempo los sistemas naturales del planeta y proveyendo una alta calidad de vida para las personas” (Calvente, 2007; p.3) . Padilla, Staplefoote y Gonzalez, (2012) definen la sustentabilidad financiera como: “La habilidad para mantener capacidad financiera con el tiempo” (p.2). El modelo económico de la red social de comunicación es empresarialmente mucho más sostenible que otros servicios gratuitos de Internet o de radiotelevisión (Campos, F. 2008). Las organizaciones no lucrativas generalmente dependen de las donaciones voluntarias que hacen las empresas comerciales, el gobierno o la sociedad. Es por eso que los ingresos son inestables, al respecto (Ryfman, 2007, p. 10) señala que “la búsqueda delicada de la estabilización de sus recursos constituye para las ONG, probablemente, una de las llaves del futuro y del mantenimiento de un grado aceptable de independencia, a través de una diversificación y de una plurianualidad de sus financiaciones”. La importancia que para una asociación civil representa contar con una estabilidad financiera, misma que es primordial para la continuidad en sus programas y obtener un verdadero impacto en su población objetivo. �Estrategia de medios sociales y digitales para ONG´s El Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo (PNUD) al hablar de las ONG’s las define como Organizaciones Privadas para el Desarrollo (OPD), entendiéndose estas como “Organizaciones de utilidad pública”, con estructura de funcionamiento y dirección establecidas, personal profesional (técnico o administrativo) remunerado, con la función principal de prestar servicios de asistencia técnica, financiera, de capacitación y formación, entre otros, a sujetos externos a la misma organización (Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo, 1998, p.10). De igual manera Ortega Carpio afirma que las ONG son “organizaciones privadas que persiguen actividades para aliviar el sufrimiento, promover los intereses de los pobres, proteger el medio ambiente, brindar servicios sociales básicos o realizar actividades de desarrollo de la comunidad” (Williams citado en Ortega, 1994, p. 41), por estas razones se determinan por su sentido social, independencia del ámbito gubernamental y ausencia de finalidad lucrativa. Los motivos que construyen a cada ONG son diferentes, pero convergen en el compromiso de querer mejorar la sociedad trabajando adecuadamente, sin embargo, también necesitan ser sustentables y captar ingresos. “A nadie se le ocurre hacer una fábrica que cuente con un área de producción y que no tenga un área de ventas, porque la fábrica se muere. Con las ONG sucede lo mismo”, afirma Norma Galafassi, directora de In2action, una agencia de fundraising y comunicación especializada en brindar soluciones integrales a organizaciones sin fines de lucro. La sustentabilidad económica es uno de los mayores retos que enfrentan día a día las organizaciones no lucrativas y una interrogante que despierta un gran interés en ellas es ¿Cuáles son las formas de generar ingresos que pueden explorar? Debido a esto, ahora están apostando por captar ingresos directamente de su comunidad vía campañas de crowdfunding o fondeo colectivo. Los contextos y motivaciones para donar pueden cambiar año con año. Por ello, vale la pena considerar estrategias diferenciadas, como por ejemplo a través de tecnologías y herramientas de comunicación digital para atraer nuevos donantes. 55 �Las organizaciones deben diseñar una estrategia de comunicación digital para lograr su sustentabilidad, considerando el poder de los medios digitales, los cuales demuestran tener un gran alcance a muy bajo costo. Existen nuevas herramientas como los canales digitales que forman parte integral de cualquier acción de comunicación y son fundamentales que emprender o impulsar una campaña o estrategia que logre captación de donantes, simpatizantes o voluntarios desde cualquier lugar del mundo. María García, fundadora de Semántica Social (agencia de marketing que ayuda a empresas sociales y tercer sector a mejorar su comunicación digital), nos comenta en uno de sus artículos que “El 62% de los potenciales donantes prefieren hacer el donativo de manera online” (García, 2016). Las redes sociales representan un buen medio para recaudar fondos en las ONG o asociaciones no lucrativas, como evidencia el 75% de los donantes piensan que las redes sociales representan la fuente principal de noticias para estar al tanto del trabajo de sus organizaciones preferidas y el 29% de ellos afirman que les inspiran a dar más (Nonprofit Tech for Good, 2018, p.9). 56 Los donantes se sientes más inspirados para donar por: El medio social que más inspira para donar: Las redes sociales 29% Facebook 56% Correo Electrónico 27% Instagram 20% Sitio Web 18% Twitter 13% Anuncio Impreso 12% YouTube 6% Anuncio Televisivo 6% LinkedIn 4% Llamada telefónica 3% WhatsApp 2% Anuncio Radial 3% Google+ 1% Aplicaciones de mensajería 1% Pinterest .3% Mensajes de texto 1% Reddit .3% Tumblr .2% Figura 3. Fuente: Nonprofit Tech for Good, 2018. El aumento de las donaciones en línea está directamente relacionado con el aumento de popularidad de las redes sociales. El 42% de los donantes en línea de todo el mundo citan a las redes sociales como la herramienta que �más les inspira a donar. De ellos, el 56% dice que Facebook los inspira más, el 13% dice que Twitter y el 20% dice que Instagram. Las redes sociales son también un gran impulso para el crowdfunding como nueva estrategia de financiación, la cual es potencialmente una herramienta digital que busca respuesta activa por parte de las personas con perfil de donación. En el presente, existen fuentes de financiación online y a continuación abordaremos el tema de crowdfunding que traducido se define como financiación colectiva y consiste en el diseño y promoción pública de proyectos digitales con el objetivo primordial de recaudar fondos. Es en la era digital y de las nuevas tecnologías, donde el crowdfunding percibe un renovado interés, el autor Juanjo Ramos (2013, p.8) presenta en 3 diferentes funciones: -Crowdfunding empresarial: Busca financiación para una idea de negocio, proyecto o empresa. -Crowdfunding personal: Ocurre cuando un grupo de personas financian gastos compartidos (regalos en grupo, viajes, fiestas, etc). -Crowdfunding solidario: Su objetivo es recaudar financiación para una causa benéfica (ONG, asociaciones, protectoras de animales, entre otros). El concepto que se adapta a nuestra línea de investigación es el crowdfunding solidario, el cual recurre a las emociones, ya que busca inspirar y generar una empatía a través de la sensibilización para motivar a que la gente tome su dinero y lo done. Por tanto en la comunicación se debe ser muy claro en el mensaje que se quiere transmitir y definir el llamado a la acción. El crowdfunding es una estrategia ordenada que engloba todo el proceso de fidelización del público potencial, a través de: la comunicación. Desde el inicio y hasta el final, la comunicación es la estrategia base del crowdfunding. Algunos datos relevantes sobre el comportamiento de las nuevas generaciones y donaciones, según un informe de Blackboud (MacLaughlin, S. 2015) para el mercado anglosajón, son: 57 �Un 62% hacen sus donaciones a través del móvil. Un 59% hacen sus donaciones en el marco de las acciones de la empresa. Un 53% hacen sus donaciones en el proceso de compra, tipo Worldcoo. Un 47% hacen sus donaciones en las web de las ONG. De esta forma, las ideas que no lograron financiación en el mercado tradicional tienen una gran oportunidad gracias a las numerosas plataformas de crowdfunding que existen en Internet. Cada vez son más los emprendimientos, ideas y proyectos que salen adelante gracias a Internet y el crowdfunding. A continuación se presenta un caso de éxito interesante: 58 Wattio es un proyecto español que ha buscado financiación colectiva a través de la plataforma internacional de crowdfunding IndieGoGo (www.indiegogo.com/projects/wattio-live-in-a-smarthome), resultando en un buen ejemplo de cómo la financiación en masa puede impulsar con éxito iniciativas de índole tecnológica. El proyecto presentado consistió en un sistema inteligente para el ahorro de energía en el hogar. La página para el proyecto proporciona una abundante información sobre el mismo, incluyendo un vídeo de presentación, numerosas fotografías, la historia de la empresa, enlaces a notas de prensa y, sobre todo, datos muy concretos sobre los beneficios prácticos del producto. Por los tipos de recompensa ofrecidas, la mayoría incluyendo diversos packs del sistema de eficiencia energética, podríamos hablar, en este caso, de crowdfunding orientado esencialmente hacia la modalidad de preventa de un producto físico. Wattio logró reunir más de 113.000 dólares en el tiempo establecido, superando su objetivo inicial de 90.000 (Ramos, J. 2013, p.33). Para que las campañas de crowdfunding alcancen el objetivo de recaudar fondos, es fundamental el diseño de estrategias de comunicación que implique una activa interactividad tanto entre los propios miembros de la comunidad intercambiando opiniones, aportando nuevas informaciones como de éstos con los creadores del proyecto, creando entre ellos un diálogo. �Conclusión Más allá de concluir, se podrían establecer varios puntos de reflexión. Un progreso tecnológico que ha abierto un panorama distinto en la comunicación y, con frecuencia, ha favorecido la aparición de nuevos medios se refiere a las nuevas tecnologías que constituyen herramientas privilegiadas para el desarrollo de los individuos y de las sociedades al facilitar el manejo de la comunicación: crearla, compartirla, modificarla, enriquecerla y transformarla. El Internet y las redes sociales han logrado una gran expansión, se ha hecho imprescindible para competir en el mundo globalizado actual. Las interacciones son más transparentes, cercanas e inmediatas y las herramientas digitales inherentes a él, obliga a organizaciones de todo tipo a manejarse en una nueva realidad en la que su uso se convierte en la forma más directa de implicar activamente al usuario de la red. La sustentabilidad económica es un tema bastante conocido en organizaciones y particulares pero que al mismo tiempo pareciera ser algo nuevo. El concepto en todos sus ámbitos debe ser relevante para cualquier proyecto de comunicación, diseño, redes sociales, entre otros. Pero las organizaciones cuyas fuentes de capital dependen principalmente de caridad, donaciones y subvenciones suelen tener mayores niveles de incertidumbre a que éstos se cumplan u obtengan siempre. Por esta razón, contar con una guía para desarrollar un plan estratégico incrementaría la posibilidad de poder captar dichos ingresos. Debido a la evolución de los medios de revolución digital, este tipo de organizaciones deberían de integrarse al uso de las redes sociales, debido a que es un excelente recurso de comunicación que se debe aprovechar, a que el costo es bajo y tiene un mayor alcance que los medios tradicionales. La procuración de fondos en línea se refiere a las campañas que utilizan la red y las redes sociales para solicitar apoyo financiero para proyectos y organizaciones sociales. El crowdfunding, gracias a los medios de una red social, recauda dinero para poder financiar un proyecto en particular. Al involucrar de manera correcta a todas las áreas y miembros de la organización para creer firmemente en la visión y misión, un plan financiero sustentable podría ser mejor implementado y seguido y con ello, mejores resultados a largo plazo. 59 �Referencias Boyd, D. 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Barcelona: Ediciones Península �Alicia Elizabeth González Elizondo Licenciada en Comunicación Social por la Universidad Regiomontana, con una Maestría en Diseño Gráfico por la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Coordinadora de proyectos del área de Comunicación Institucional del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Monterrey, Campus Monterrey. 61 61 �Desde la perspectiva de una estudiante de diseño gráfico: Causas y consecuencias del plagio en el ámbito académico Rubí Esmeralda Meléndez Córdova ORCID: 0009-0001-8159-5012 Universidad Autónoma de Nuevo León rubi.melendezc@uanl.edu.mx 62 Resumen El plagio se ha vuelto común en diversas áreas, especialmente en diseño gráfico. La creciente presión por innovar en un entorno competitivo ha llevado a más copias directas. Muchos diseñadores se inspiran en el trabajo de otros, lo que a veces resulta en imitaciones, ya sea de forma ocasional o incluso incidental. Esto es frecuente entre estudiantes de diseño, generando inquietud entre docentes y profesionales, quienes a menudo analizan el problema desde su propia perspectiva, sin comprender siempre las causas detrás de esta conducta en los estudiantes. Palabras clave: Plagio, diseño gráfico, estudiantes. Este artículo busca explorar el plagio desde la perspectiva estudiantil, abordando las causas que motivan esta situación, la frecuencia con la que ocurre, ¿por qué resulta tan fácil de realizar? y la falta de información sobre el tema. �Abstract Plagiarism has become common in various fields, especially in graphic design. The increasing pressure to innovate in a competitive environment has led to more direct copying. Many designers draw inspiration from others’ work, which sometimes results in imitations, either occasionally or even incidentally. This is frequent among design students, generating concern among teachers and professionals, who often analyze the issue from their own perspective, without always understanding the underlying causes of this behavior in students. This article seeks to explore plagiarism from the student’s perspective, addressing the causes behind this situation, its frequency, why it is so easy to commit, and the lack of information on the topic. Keywords: Plagiarism, graphic design, students. Introducción Según la Real Academia Española (RAE), el plagio se define como “Copiar en lo sustancial obras ajenas, dándolas como propias.” Esto ha existido desde épocas antiguas hasta la actualidad, solo que antes no era tan fácil de detectar, pero hablando específicamente del área de diseño gráfico, tanto su práctica como su detección están presentes desde su comienzo. El delito del plagio atenta directamente contra los derechos de autor de una obra en particular, ya que toda obra debe poder ser distinguida de otras similares. Al cometer plagio se dañan los derechos morales del autor sobre su obra, ya que no se le está dando su debida acreditación y paternidad sobre la misma, y también los derechos patrimoniales o de explotación, debido a que se introduce en el mercado otra obra que copia en gran parte a la primera, haciendo que ambas compitan entre sí, disminuyendo con esto la esperanza que se tiene de sacar provecho económico de la obra original (Balbuena, 2003). El plagio entre los estudiantes de diseño gráfico resulta preocupante debido a su frecuencia actual y a la escasa importancia que se le da, tanto en términos de sus consecuencias como de la reflexión sobre las razones que los llevan a realizarlo. Algo alarmante, debido a que la Universidad se encarga de formar profesionalmente al estudiante y el no darle la importancia necesaria por parte del estudiantado, puede llegar a tener consecuencias muy grandes en un futuro laboral. No solo los estudiantes tienden a subestimar el impacto de esta acción, sino que, en muchas ocasiones, los docentes también la dejan pasar sin aplicar medidas disciplinarias suficientes para evitar su repetición. 63 �Fuente: Freepick (2024) 64 Para frenar esta situación, es crucial investigar las causas que llevan a los estudiantes de diseño a cometer este acto y buscar formas de erradicarlo o disminuirlo en la mayor medida posible. Este artículo, redactado por una estudiante de diseño gráfico, busca ofrecer una visión detallada sobre estas causas, aprovechando la perspectiva de alguien que está dentro de este entorno académico. ¿Por qué es tan fácil caer en el plagio? ¿Se comprenden realmente sus consecuencias? ¿Por qué no se discute más sobre este tema en el aula? Estas son algunas de las preguntas que provocaron la elaboración de este artículo. A continuación, se explorarán las causas del plagio en el diseño gráfico. Causas del Plagio 1. Desinformación sobre consecuencias Como dice Luis Gabriel Carrillo Navas (s/f): “El mayor aliado de la ignorancia es la desinformación.” Muchos estudiantes de diseño gráfico no miden la gravedad de las consecuencias académicas y laborales que puede llegar a traer la acción del plagio en diseños. En clase, se comentan las repercusiones profesionales de esta práctica, pero rara vez se profundiza en las consecuencias académicas y al mismo tiempo legales que pueden tener. A menudo, como estudiante se puede llegar a asumir que, al tratarse de trabajos académicos o de tareas específicas, no se enfrentarán repercusiones extremas, debido a que muchas veces los diseños que realizamos no saldrán al �mundo laboral, a veces simplemente se queda en una tarea o entrega que debemos cumplir, lo que puede llevar a no medir la seriedad de recurrir al plagio. Sin embargo, esto es incorrecto, ya que el plagio, incluso en el ámbito académico, puede traer consecuencias mucho más graves de lo que se puede llegar a pensar, como la violación de las leyes de propiedad intelectual, que tienen repercusiones legales, económicas y de reputación, aun siendo estudiante, pero de esto se hablará más adelante. Esta creencia es una de las razones más comunes detrás de la práctica del plagio. Si bien muchos estudiantes saben que podrían enfrentar consecuencias, no siempre comprenden la gravedad de éstas, lo que lleva a que en ocasiones se tome el asunto a la ligera. Según algunos expertos, parte del problema se debe a las sanciones demasiados leves cuando se detecta un caso de plagio, y a un sistema que premia con ascensos y bonificaciones en las facultades con base en la cantidad de docu- 2. Creencia de que puede no ser detectado: Poca frecuencia con la que esto sucede En este punto se hablará sobre un concepto de psicología que se llama “sesgo de disponibilidad”. El sesgo de disponibilidad, también llamado heurístico de disponibilidad, es la tendencia que tienen los seres humanos de juzgar la frecuencia o la probabilidad de un acontecimiento en términos de lo fácil que es pensar en ejemplos relacionados con el mismo. En el uso de este proceso mental, el factor más importante para los individuos no es el contenido del recuerdo, sino la facilidad con la que recordamos o nos imaginamos un determinado contenido (Montagud Rubio, 2022). Este concepto puede relacionarse directamente con el plagio en el diseño. Como estudiantes, al estar inmersos en un entorno donde se busca “inspiración” en Internet, a menudo se es capaz de identificar este acto en los trabajos de los compañeros. Sin embargo, si nunca se detectan o enfrentan consecuencias por ello, se puede llegar a pensar que el plagio no tiene repercusiones, ya que no se señala previamente. De esta manera, el sesgo de disponibilidad lleva a pensar que, si a otros no les pasó nada, a nadie le ocurrirá. Este razonamiento tiene una fuerte conexión con otro concepto psicológico, el “efecto de normalidad”. El sesgo de la normalidad es un sesgo cognitivo que hace que se crea, irracionalmente, que nunca ocurrirá nada malo porque nun- 65 �ca nos ha ocurrido. Es decir, que todo siempre será “normal” y nada romperá con esa normalidad. Este sesgo se activa ante situaciones de emergencia o desastres, como veremos a continuación (Ruiz Mitjana, 2020). Básicamente, las personas con el sesgo de la normalidad manifiestan dificultades (o incluso la incapacidad) para reaccionar a situaciones que no han experimentado nunca antes (las cuales suelen ser traumáticas, peligrosas o de emergencia). Esto se produce porque subestiman la posibilidad de que tal desastre ocurra, y una vez que ocurre, subestiman sus posibles efectos (Ruiz Mitjana, 2020). En otras palabras, sería esa tendencia a creer que todo funcionará como lo hace normalmente, es decir, con la normalidad cotidiana, sin imprevistos. Se estima que alrededor de un 70% de las personas presenta el sesgo de la normalidad en situaciones de emergencia o desastre (Ruiz Mitjana, 2020). Ambos conceptos refuerzan la idea de que, al no haber enfrentado consecuencias por acciones pasadas, las personas llegan a normalizar este comportamiento. 3. Falta de confianza en la creatividad propia 66 El diseñador es una persona flexible, dispuesta al cambio permanente y constante, una persona con sensibilidad artística, con habilidades y experiencias en la comunicación visual. El proceso de diseño requiere de una metodología específica que lleve a la solución de problemas aplicando el conocimiento de la creatividad sumada a la innovación, la técnica y la tecnología (Estrada, 2024). Como es bien sabido, una de las principales características que distingue al diseñador gráfico de otras profesiones es su habilidad para generar ideas, junto con su capacidad creativa. Esta habilidad es muy importante para destacar en la carrera, especialmente cuando se está en un entorno lleno de personas igualmente creativas. En un salón de clases, encontrar soluciones visuales únicas es clave para sobresalir. Sin embargo, ¿Qué sucede cuando, como estudiantes, se siente que el trabajo propio no es suficiente? ¿Cuándo se considera que no se posee esa chispa, o simplemente no hay conformidad con las propias ideas y creaciones? Esto puede estar relacionado con un fenómeno conocido como “síndrome del impostor”, el cual se caracteriza por la incapacidad de internalizar el éxito y la tendencia a atribuirlo a factores externos, como la suerte o el engaño, en lugar de reconocer las propias habilidades y esfuerzos. Se puede relacionar esto con el diseño gráfico cuando, por ejemplo, como estudiante se termina un trabajo en el que hubo gran esfuerzo, hay confianza de �que ha quedado bien, pero al compararlo con el trabajo de los compañeros, la persona comienza a dudar de sí mismo. Hay un sentir de que esa creación no es lo suficientemente buena, lo que podría llevar a la acción del plagio al sentirse “seguro” en algo que ya está realizado y aprobado, algo que lleva a la creencia de que otras personas tienen más capacidad para crear algo mejor, sin tomar en cuenta en primer lugar, las consecuencias por seguir el camino fácil y en segundo lugar, la idea errónea de que esos diseños que se están copiando se hicieron de la noche a la mañana, pues estos llevaron un proceso, modificaciones, criticas, etc. Un camino que de igual manera hubiera seguido el diseño propio y que habría llegado a algún lado de haber sido terminado. 4. Presión académica Sufrir de una patología invisible y socialmente aceptada en la que se espera que nos enfrentemos y tratemos en silencio a diario. Junto al interés por las consecuencias sociales y biológicas del estrés y el comportamiento de la materia ante la misma resultó en el desarrollo del siguiente proyecto (Bisbe, 2022). Este estudio realizado por Joana Bisbe en ELISAVA revela que muchos estudiantes de diseño experimentan altos niveles de estrés, atribuidos tanto a factores internos como externos. Entre estos factores se destacan la carga de trabajo, las expectativas académicas y la presión por ser creativos y originales en los proyectos. La saturación de tareas que requieren el 100% de creatividad para entregar un trabajo bien hecho, puede llegar a ser agotadora para algunos estudiantes, lo que, en algunos casos, los lleva a tomar este camino. Otra causa relacionada con esto es que, al ser el diseño gráfico una carrera centrada en la creatividad y por materia se tienen tiempos límite para realizar los trabajos. Como es sabido, la creatividad no siempre surge de manera inmediata; muchas veces los estudiantes pasan por períodos de bloqueos creativos, lo que dificulta encontrar soluciones de diseño. “(…) básicamente se encuentran en un estado de desmotivación generado por múltiples causas, que son necesarias de identificar para ponerle solución. En muchas ocasiones este bloqueo se debe a una saturación mental, los pensamientos no circulan con claridad y se encuentran encerrados en un pequeño círculo del que no pueden salir” (Nieto, 2020). 67 �La presión de cumplir con fechas límite para entregar proyectos creativos puede provocar que, por querer entregar algo rápidamente, algunos recurran al plagio como una salida rápida. Fuente: Freepick (2024) Consecuencias del Plagio 1. Académicas 68 Las consecuencias académicas por cometer plagio en diseño gráfico son similares a las de otras disciplinas, pero pueden variar según el contexto, la situación del estudiante, la postura del docente y la gravedad de la infracción. Estas repercusiones pueden ir desde una simple tarea hasta un proyecto que inicialmente se desarrolló en el ámbito académico y terminó siendo utilizado comercialmente, como en el caso de trabajos vendidos a clientes fuera de la institución. Algunas de las consecuencias más comunes en este campo son: • • • Anulación de calificación: El trabajo no sería calificado, ya que no ha sido realizado por el estudiante, por lo que no merece ningún mérito. En estos casos, la “etapa” del proyecto puede ser anulada, ya que muchas veces todas las fases del trabajo están interconectadas con el proyecto plagiado. Reprobación de la materia en la que se cometió el plagio: La decisión dependerá de las acciones que el docente considere apropiadas, y varía según la gravedad del plagio. Dependiendo de la situación, el estudiante podría ser asignado a un curso de recuperación, ser reprendido con una segunda o tercera oportunidad, o incluso llegar a una expulsión temporal o definitiva de la materia o la institución. Daño de reputación como estudiante: En estas situaciones, el estudiante pierde la credibilidad frente a los docentes respecto a otros proyectos realizados por él, lo que genera dudas sobre si ha cometido plagio en traba- �jos anteriores o si lo hará en el futuro. Esta desconfianza también afecta su reputación con compañeros de semestres posteriores, lo que puede cerrar puertas a nuevas oportunidades de colaboración en proyectos académicos. Es probable que otros estudiantes prefieran no incluirlo en sus equipos debido a la desconfianza provocada por su acción. 2. Laborales El acto de plagiar en la Universidad puede traer consecuencias que van más allá de lo académico para el estudiante de diseño gráfico, repercutiendo también en su futuro profesional. Este comportamiento puede afectar las relaciones con compañeros que, en un contexto profesional, podrían haberse convertido en colegas, pero que pueden optar por no colaborar debido a la falta de confianza. Asimismo, el plagio impacta la relación con los profesores, quienes a menudo son una fuente de recomendaciones y conexiones laborales. La pérdida de confianza de los docentes puede limitar las oportunidades de recibir recomendaciones positivas, lo cual es crucial para conseguir buenas oportunidades de trabajo y crecimiento en la industria. Otra consecuencia importante de cometer plagio en la Universidad es que puede generar una dependencia de las ideas ajenas, lo cual obstaculiza el desarrollo de la creatividad y el crecimiento profesional. En un mercado cada vez más competitivo, es fundamental que el trabajo de un diseñador gráfico se destaque, algo que el plagio claramente no permite, impidiendo que el estudiante desarrolle un estilo y una capacidad de innovación propios. 3. Legales Las consecuencias legales de cometer plagio en el ámbito académico pueden ser tan serias como en el entorno laboral, dependiendo del contexto y de las acciones que se decidan tomar. Algunas de las consecuencias legales más comunes incluyen: Los diseñadores o creadores cuyos trabajos han sido plagiados pueden presentar demandas contra quien realizó este acto, reclamando una violación de derechos de autor. Esto puede resultar en: • Compensación económica: En donde hay una indemnización por los daños causados al autor original, lo que incluye tanto las pérdidas económicas como los daños morales. 69 �• • Sanciones financieras: Las multas por infracciones de derechos de autor pueden ser considerables, dependiendo del daño causado y de la intencionalidad del plagio. Además, enfrentar estas consecuencias legales puede resultar en costos altos, incluyendo los honorarios legales, que pueden ser particularmente excesivos para estudiantes. Consecuencias penales: En ciertos casos y jurisdicciones, el plagio puede considerarse un delito penal, especialmente si se demuestra que fue realizado con fines de lucro. Las consecuencias van desde multas elevadas o incluso penas de prisión si el infractor obtiene beneficios económicos a través del uso no autorizado de una obra. Estrategias para Prevenir el Plagio 1. Talleres en donde se hable de las consecuencias del plagio y sobre cómo evitarlo “El conocimiento es poder.” — Francis Bacon 70 Nunca está de más aprender algo nuevo, especialmente sobre temas tan importantes como el plagio en diseño gráfico. Se sugiere la implementación de talleres obligatorios para estudiantes, donde se informe de las serias consecuencias del plagio y la necesidad de evitarlo. En estas sesiones, podrían participar tanto estudiantes como profesionales que hayan vivido las repercusiones del plagio, compartiendo cómo este afectó sus carreras académicas y profesionales. Además, se podrían incluir ejemplos de empresas que enfrentaron consecuencias legales y de reputación debido a casos de plagio, haciendo que los estudiantes comprendan el riesgo real y cercano que representa. Estos talleres también deben abordar el uso de herramientas digitales de detección de plagio, cuya precisión está en constante avance, lo que hace cada vez más difícil pasar desapercibido. Finalmente, se debe educar sobre cómo evitar plagio no intencional, resaltando la importancia de investigar ampliamente la competencia y los símbolos o marcas registrados en el Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial (IMPI) para evitar coincidencias accidentales. Este enfoque no solo previene problemas legales, sino que también fomenta la creatividad y la originalidad en la carrera de diseño. Aun cuando el plagio se cometa de forma accidental es un problema muy serio que puede ocasionar problemas en el futuro cuando se descubre que se realizó algún tipo de plagio o copia, por lo tanto, los autores deben hacer un gran es- �fuerzo en evitarlo y así no sufrir las consecuencias que este les podría causar (Soto Rodríguez, 2012). 2. Estrategias de creatividad y confianza En el diseño, el proceso creativo se extiende a otras dimensiones con el fin de fomentar un pensamiento más complejo. Esto implica la necesidad de adoptar una perspectiva amplia en todas las situaciones que se presenten, empleando una variedad de enfoques, técnicas, materiales, analogías, metáforas o narrativas para identificar detalles en los momentos de exploración de las posibilidades (Chávez, 2023). Estas estrategias deben ser desarrolladas por el estudiante de manera autónoma a lo largo de su carrera, especialmente en momentos en los que experimente bloqueos creativos. Consisten en realizar ejercicios de creatividad y confianza regularmente. Una de las estrategias más efectivas es anotar todas las ideas que surjan, sin importar lo inusuales o desconectadas que parezcan entre sí. Este ejercicio ayuda a liberar la mente y a generar un banco de ideas que se puede revisar más tarde. A lo largo de su formación, el estudiante debe trabajar en proyectos de diseño sin un objetivo académico o profesional específico, es decir, proyectos “libres” creados con la finalidad de explorar su creatividad. Estos proyectos deben abordarse con la mentalidad de que tienen un propósito, pero sin las restricciones típicas de la escuela o del mercado laboral. Además, es recomendable utilizar diferentes plataformas de diseño en cada proyecto para familiarizarse con herramientas y enfoques diversos. Cada proyecto debe ser más desafiante que el anterior, lo que crea una presión constante que estimula la creatividad y fomenta el crecimiento personal. Al trabajar de esta manera, el estudiante gana confianza en su capacidad para afrontar retos creativos y se siente más preparado para proyectos académicos y profesionales. Como complemento, estos proyectos pueden ser compartidos con compañeros y maestros, buscando siempre su retroalimentación para identificar áreas de mejora. Esta práctica ayuda a fortalecer la confianza, a evitar la dependencia de la inspiración ajena y a construir una fuente personal de creatividad, única y auténtica. La creatividad es un fenómeno complejo que no se limita a la acción de un individuo aislado, sino que está influenciada por una serie de factores y procesos complejos que interactúan de manera sistémica. La creatividad, en este sentido, se convierte en una forma de navegación a través de la complejidad, pues 71 �permite comprender y actuar en una realidad cambiante e interconectada, sin perder de vista las implicaciones del contexto y superar las limitaciones impuestas por nuestra percepción limitada (Chávez, 2023). 3. Motivación por parte de profesores La retroalimentación de algunos profesores, en lugar de motivar o brindar una crítica constructiva, puede en ocasiones desmotivar a los estudiantes y reducir su confianza en sus propios diseños. Crear un ambiente educativo donde los estudiantes se sientan respaldados es esencial, ya que puede reducir la presión que sienten y la tentación de recurrir al plagio. Se ha demostrado que la motivación docente juega un papel fundamental en la calidad de los aprendizajes, la motivación de los estudiantes es además uno de los factores principales para la adquisición de los aprendizajes esperados (Godoy y López, 2021). 72 Los profesores motivadores ayudan a construir una cultura donde se valora el esfuerzo individual y donde los estudiantes se sienten en libertad de hacer preguntas sin temor a ser juzgados. Un acompañamiento constante y revisiones constructivas refuerzan la confianza del alumno en que está avanzando bien y ayuda al estudiante a entender que la retroalimentación es una herramienta de crecimiento. Fuente: Freepick (2024) La motivación y el apoyo continuo de los profesores son fundamentales para reducir el plagio en el ámbito del diseño gráfico, ya que de este modo el traba- �jo del estudiante y la “supervisión” del maestro van de la mano para crear un proyecto bien hecho. Al brindar un entorno de confianza ayudan a fomentan el desarrollo de sus habilidades creativas de forma auténtica. Conclusiones A partir de la investigación y redacción del presente artículo, se puede concluir que, al hablar de plagio, generalmente se percibe solo como una acción deshonesta y carente de ética. Sin embargo, rara vez se analiza qué llevó a la persona a cometer este acto, lo cual es crucial. Como estudiante, la autora reconoce que nadie está exento de caer en esta decisión, sea de manera intencional o no, y es fundamental tanto para los estudiantes como para los docentes comprender las razones detrás de este comportamiento. Para los profesores, entender por qué algunos de sus alumnos optan por presentar el trabajo de otra persona como propio podría ayudar no solo a comprender mejor al estudiante, sino también a implementar prácticas que prevengan este problema. Como estudiante de diseño gráfico, la autora entiende que el plagio puede parecer una solución rápida en ocasiones. Además, como se menciona en el artículo, puede ser tentador cuando otros compañeros han recurrido a ello sin enfrentar consecuencias aparentes. No obstante, es importante recordar que, en la era de Internet, es fácil detectar contenido plagiado, y esta decisión puede tener consecuencias graves en el ámbito laboral futuro. El plagio no solo afecta la confianza de maestros y compañeros, sino también la confianza en sí mismo y la capacidad de realizar un trabajo original. En diseño gráfico, una disciplina que exige innovación constante, es difícil evitar crear algo que no se parezca a lo que otros ya han hecho, pero siempre debe haber ese algo que nos diferencie de los demás. El plagio no solo es una acción deshonesta, sino una decisión que merece ser analizada en profundidad: ¿qué te llevó a hacerlo? 73 �Referencias Álvarez Pérez, P. R., González Afonso, M. 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Su interés abarca todas las áreas del diseño gráfico, aunque muestra una inclinación particular hacia el diseño 24. (S/f-b). Ciinsev.com. Recuperado el 19 de diciembre de 2024, de empaque y el diseño editorial. Se encuentra en una etapa de de https://revista.ciinsev.com/assets/pdf/revistas/ exploración de las distintas ramas de esta disciplina, aprovechan- REVISTA8/5.pdf do cada oportunidad para aprender y desarrollarse tanto personal como profesionalmente. Actualmente, trabaja de manera independiente, llevando a cabo proyectos para personas cercanas, mientras construye una identidad profesional sólida. Su objetivo es transformar esta labor en una práctica más formal, con la intención de compartir contenido sobre diseño en plataformas digitales. Para ello, se dedica a ampliar sus conocimientos mediante libros y recursos especializados, con el propósito de ofrecer contenido de alta calidad. Para Rubí, el diseño gráfico no es solo una carrera, sino una verdadera pasión. 75 �Tecnología en la educación: nuevas modalidades y estrategias para su aplicación en el nivel superior Sandra Guadalupe Altamirano Galván ORCID: 0000-0001-7498-8355 Universidad Autónoma de Nuevo León Facultad de Artes Visuales sandra.altamiranoglv@uanl.edu.mx 76 Resumen Palabras clave: Gestión educativa, Educación a distancia, Mejora continua, Calidad educativa Con la llegada de las tecnologías de información y comunicación, las instituciones educativas se enfrentan a grandes cambios, generando nuevas posibilidades como la educación a distancia, que requiere procedimientos de gestión específicos en donde se preste atención a las características de esta nueva modalidad y se cubran aspectos tales como generar un mayor desarrollo en los actores del proceso educativo, estrategias de enseñanza-aprendizaje para el entorno virtual, creación de materiales didácticos y gestión de procesos administrativos que permitan el monitoreo y la evaluación para lograr una educación de calidad. El presente artículo tiene el propósito de analizar y aplicar estrategias para mejorar la planeación, seguimiento y evaluación de las unidades de aprendizaje de programas educativos de nivel superior para mejorar su calidad. �Abstract With the arrival of information and communication technologies, educational institutions are faced with great changes, generating new possibilities such as distance education, which requires specific management procedures where attention is paid to the characteristics of this new modality and aspects such as generating greater development in the actors of the educational process, teaching-learning strategies for the virtual environment, creation of teaching materials and management of administrative processes that allow monitoring and evaluation to achieve quality education are covered. The purpose of this article is to analyze and apply strategies to improve the planning, monitoring and evaluation of learning units of higher education programs to improve their quality. Key words: Educational management, Distance education, Continuous improvement, educational quality Introducción 77 La tecnología, los medios digitales, las nuevas experiencias como la realidad aumentada y la inteligencia artificial, han cambiado la perspectiva en los procesos educativos, dando un giro a las actividades de estudiantes y docentes, que de manera casi inmediata deben aprender a adaptarse y tratar de dominar las nuevas herramientas que se les presentan como recursos educativos necesarios para mantenerse actualizados. Además, las instituciones educativas se enfrentan a nuevos retos, como las modalidades mixtas y a distancia, que exigen una nueva perspectiva de los modos de enseñanza, se hace necesaria una visión diferente y exige una preparación especial por parte de los docentes. Con la situación de pandemia, también se generó una evolución y adaptación improvisada a través de los diferentes medios que dieron solución en el momento, pero que aún se requiere una atención especial para cubrir el dominio total de dichas tecnologías. Los docentes, de manera particular, han sufrido estas transformaciones en sus metodologías, que además requieren prestar mayor atención al desempeño del estudiante para evaluar el desarrollo de sus competencias, ante las implicaciones de herramientas actuales, como el ChatGPT u otros más, generados por Inteligencia Artificial (IA). �Es por esto que las instituciones deben adquirir la responsabilidad de elaborar planes de gestión de la educación, principalmente a distancia, que integren el uso de estas tecnologías para lograr su objetivo principal, que es el aprendizaje de los alumnos en un ambiente de calidad. La tecnología en la educación En la actualidad, la educación se ha visto inmersa en una transformación constante que ha generado cambios en todos los procesos de organización de las instituciones. México cuenta con más de setenta años de experiencia en materia de educación abierta y a distancia, y como “ejemplo de ello está la creación en 1947 del Instituto Federal de Capacitación del Magisterio considerado como el primer esfuerzo de México y América Latina de educación abierta y a distancia” (ANUIES, 2001). Sin embargo, los procesos educativos de hace setenta años no son los mismos que se están llevando a cabo en la época actual. 78 El uso y aplicación de las tecnologías han sido factor esencial para la evolución de la educación en un corto tiempo y las instituciones de todos los niveles educativos, han tenido que adaptarse a ello. En lo que respecta a las Universidades, cada vez existe una mayor oferta educativa en modalidades mixtas y a distancia, que permiten extender la demanda de alumnado, aumentando las posibilidades de educación. La integración de los avances tecnológicos y las transformaciones que éstos han provocado a nivel global requieren una respuesta adecuada por parte de las Universidades. La misma UNESCO (2023) hizo un llamamiento urgente para un uso adecuado de la tecnología en la educación, para establecer condiciones de diseño y uso de la misma, con el objetivo de ofrecer educación de calidad para todos. Altablero (2007) en Vega, (2020) define que “La gestión educativa está conformada por un conjunto de procesos organizados que permiten que una institución o una secretaría de educación logren sus objetivos y metas. Una gestión apropiada pasa por momentos de diagnóstico, planeación, ejecución, seguimiento y uso de la misma, con el objetivo de ofrecer educación de calidad para todos. �Las Universidades se adaptan cada vez más a estos cambios, sin embargo, durante el proceso de adaptación surgen problemáticas que impiden una buena calidad educativa, todo esto debido a que se carece en muchos de los casos, de un plan de gestión que tome en cuenta aspectos principales de pedagogía, administración y comunicación. Uno de los principales problemas a partir de esta evolución, es la resistencia al cambio y la dificultad de adecuar los programas educativos a las nuevas modalidades, con la correcta aplicación de estos medios en el desarrollo de los contenidos temáticos, además de generar cambios en las evidencias que se les solicitan a los estudiantes para lograr un aprendizaje significativo que permita visualizar las competencias adquiridas tomando en cuenta el contexto tecnológico actual. En la enseñanza, las tecnologías, “propician nuevos enfoques pedagógicos de los procesos que se llevan a cabo en las instituciones escolares; han surgido novedosos modelos educativos fundamentados en métodos, procedimientos y técnicas que superan las limitaciones de las tradicionales formas de enseñar y aprender” (Ley, Morocho y Espinoza, 2021) Es ahí donde se debe prestar atención en la gestión de los procesos educativos, en los que los docentes incluyan nuevas metodologías, nuevos recursos didácticos y nuevos procesos de evaluación del aprendizaje, que se adapten a enfoques pedagógicos de actualidad, pues las nuevas generaciones se encuentran en otro contexto tecnológico y es importante que el docente se encuentre al día en ambientes que sus estudiantes ya dominan. “La gestión es entendida como el sistema de actividades estratégicas y planificadas que se llevan a cabo guiadas por instrucciones y técnicas apropiadas para obtener determinados fines o metas” (Vega, 2020, p.19). Las tecnologías ofrecen amplias oportunidades para la educación, favoreciendo su crecimiento y transformación. Sin embargo, es fundamental reconocer que este cambio no ocurre de manera instantánea, sino que exige primero la conciencia de su presencia en la sociedad, para luego avanzar hacia su comprensión, dominio y adaptación gradual. 79 �Es por esto que las instituciones deben adquirir la responsabilidad de elaborar planes de gestión de la educación, en sus distintas modalidades, que integren el uso de estas tecnologías para lograr su objetivo principal, que es el aprendizaje significativo de los alumnos en un ambiente de calidad. La gestión educativa según Delia Azzerboni y Ruth Harf, (2003) consiste en: 80 • Presentar un perfil integral, coherente y unificado de decisiones. • Definir los objetivos institucionales, las propuestas de acción y las prioridades en la administración de recursos. • Definir acciones para extraer ventajas a futuro; se consideran tanto las oportunidades y amenazas del medio en el que está inserta, como los logros y problemas de la misma organización. • Comprometer a todos los actores institucionales. • Definir el tipo de servicio educativo que se ofrece. Este plan debe considerar que exista una preparación de los actores del proceso para que demuestren un dominio de la tecnología y las nuevas plataformas digitales para lograr una buena aplicación de los mismos en la educación, convirtiéndose realmente en factores de cambio y progreso. Altablero (2007) en Vega, (2020) define que “La gestión educativa está conformada por un conjunto de procesos organizados que permiten que una institución o una secretaría de educación logren sus objetivos y metas. Una gestión apropiada pasa por momentos de diagnóstico, planeación, ejecución, seguimiento y evaluación que se nutren entre sí y conducen a la obtención de los resultados definidos por los equipos directivos. Una buena gestión es la clave para que lo que haga cada integrante de una institución tenga sentido y pertenencia dentro de un proyecto que es de todos”. �De acuerdo al Modelo de Gestión de la SEP 2020-2024, “se generan mecanismos para apoyar la planeación, gestión, desarrollo y evaluación de los procesos educativos” (DOF, 2020). Es importante conocer el funcionamiento de la institución, los roles de los actores del proceso, las estructuras de trabajo y el desarrollo de cada una de las estrategias utilizadas. La gestión educativa, tal como propone Chen (2022, p. 86) implica una serie de procesos, saberes y procedimientos propios de la educación en donde no solo se cumple con los elementos administrativos mandatorios, sino, se expresa una forma de socializar, trabajar, coordinar, comunicar, comprender y liderar la organización educativa. Toda gestión educativa debe contemplar las cuatro áreas integradas en función de lo pedagógico. La educación actual exige una transformación en la aplicación de los procesos, una concepción diferente de la enseñanza-aprendizaje, una percepción positiva de la tecnología en donde se resalten los aspectos positivos de la misma, pues no podemos negar su inclusión para lograr aprendizajes significativos en los estudiantes. Arteaga, Guaña, Begnini, Cabrera, Sánchez y Moya (2022, p.190) señalan que “la integración de la tecnología en la educación es un desafío actual que involucra a todos los componentes del proceso educativo, especialmente a los docentes (…),es fundamental cambiar el pensamiento tradicional con el fin de superar esta barrera, adaptando el proceso de aprendizaje a las cada vez más novedosas tecnologías, encontrando que actualmente existen una gran variedad de información y técnicas diseñadas para la efectiva y eficiente aplicación de la tecnología en la educación”. Por esto también es muy importante que el docente se encuentre preparado y sea competente en este ámbito, pues es necesaria su contextualización para lograr involucrar al alumno y adaptar sus programas educativos a los nuevos escenarios que se le presenten. Debe comprender los cambios a los que se enfrenta para poder transmitirlo al estudiante. Según García (2004) “la gestión implica participación y está relacionada con el factor humano”, así también la educación es parte de un proceso 81 �de crecimiento personal y desarrollo social, por tanto, la gestión educativa debe establecerse dentro de parámetros que permitan generar planes y estrategias con objetivos centrados en la mejora de instituciones en función del desarrollo de individuos competentes para la sociedad actual. “La gestión no es una tarea técnica o de ingeniería neutra, es una tarea de construir, conservar y proyectar en el tiempo elementos que potencian una organización y/o una institución en la que intervienen diversos actores, es encontrar a qué sirve en última instancia y sirve de razón de ser” (Castro, 2022). Para maximizar el uso eficiente de los recursos, es necesario conocer a fondo los aportes de cada medio para incluirlos en actividades que puedan adaptarse y de esta manera, organizar el plan de clase, en conjunto con un plan de recursos y medios que permitan el logro de los objetivos deseados. 82 “La gestión de la tecnología incluye todas aquellas actividades que capacitan a una organización para hacer el mejor uso posible de la ciencia y la tecnología generada tanto de forma externa como interna” (COTEC en Jaimes, Ramírez, Vargas y Carrillo, 2011) La gestión tecnológica en las universidades implica la integración de herramientas digitales y recursos didácticos innovadores que impacten en los procesos de enseñanza-aprendizaje. Todo ello implica una planificación de los contenidos temáticos pero además un plan de implementación para asegurar la accesibilidad, eficiencia y calidad educativa. Y es muy importante tener en cuenta que la gestión tecnológica “contribuye tanto al emprendimiento como a las transformaciones de las organizaciones. De allí, su importancia para realizar una prospectiva en los docentes universitarios ya que su aplicación metodológica es un factor crucial para afrontar los cambios que demandan los usuarios en un mundo acelerado por las tecnologías” (Hernández, Prada y Gamboa, 2021, p.80). �Un plan de gestión en los programas de educación con el uso y aplicación de recursos digitales es necesario puesto que “la implementación de la tecnología resulta ser en gran medida complicada y costosa, de aquí el que se deba ser cuidadoso con los procesos de planificación, organización y control en la aplicación de estos recursos” (Álvarez, 2001) Y principalmente se hace indispensable para lograr el desarrollo de las competencias en los estudiantes. Conclusiones La educación sigue evolucionando y el impacto que la tecnología genera exige una adaptación inmediata, pero además es fundamental la colaboración entre docentes, estudiantes y administrativos, que tengan claro el objetivo de lograr un desarrollo en las competencias digitales necesarias y contar con una infraestructura adecuada. El hecho de que las instituciones apliquen un plan de gestión tecnológica impulsa la efectividad en los procesos de enseñanza-aprendizaje, pero además ayuda a que, ante los constantes cambios tecnológicos, la adaptación se optimice cada vez más y se logren de mejor manera los propósitos de una mejora en la calidad educativa. Los retos a los que se enfrenta la educación no son menores, pero no hay opción ni manera de esquivar los cambios, es importante dar la cara a los nuevos escenarios y dominarlos, pues no hay más que la renovación y la actualización para llegar a las metas establecidas y a la misión de la educación, que siempre será el desarrollo del conocimiento en los estudiantes. 83 �Referencias Álvarez, F. (2001) Una propuesta para la instrumentación de Hernández, C., Prada, R. y Gamboa, A. (2021). Gestión tecnológica educación a distancia en el nivel de educación superior. estratégica: uso del ecosistema de la web social 2.0 en Redalyc. Revista del Centro de Investigación. Universidad educación superior. Revista Venezolana De Gerencia, La Salle, vol. 5, núm. 18, junio-julio, 2002, pp. 53- 26(Número Especial 5), 77-92. https://doi.org/10.52080/ 62. México. Disponible en: http://www.redalyc.org/ rvgluz.26.e5.6 pdf/342/34251805.pdf Arellano, J. 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(2021, 29 julio). �Sandra Guadalupe Altamirano Galván Doctora en Educación, con una Maestría en Ciencias de la Comunicación y una Licenciatura en Artes Visuales con acentuación en Artes Gráficas, egresada de la UANL. Autora del Libro Identidad Corporativa, una introducción, de la Editorial Trillas. Profesora Investigadora de Tiempo Completo en la FAV UANL. Especialista en diversas áreas del diseño, tales como identidad corporativa y editorial. Evaluadora y Miembro de la Comisión Dictaminadora de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de los CIEES. Formó parte del Consejo Técnico EGEL-DISEG, CENEVAL, y ha sido jurado en diversos certámenes de diseño a nivel local y nacional. Fue Coordinadora del Departamento de Planeación y Proyectos Estratégicos, Coordinadora de la Licenciatura en Diseño Gráfico y Coordinadora de Vinculación Interna. Imparte clases de Diseño Editorial y Diseño de Identidad en la Licenciatura, así también de Administración de Proyectos y Diseño Sustentable en el Posgrado. Pertenece al Sistema Nacional de Investigadores en Nivel 1. Dirige el Departamento Editorial de Licenciatura en la FAV UANL. Obtuvo el Reconocimiento Libros UANL 2024 por la creación, desarrollo y difusión de las áreas creativas en las Revistas Paradigma Creativo y Croma. Creadora del Canal de Investigación: Hola! Todo es Diseño, en diversas plataformas digitales como Youtube e Instagram. 85 �Cuando la distopía nos alcance. La semiosis compleja en el cine de ciencia ficción De Óscar Treviño o una mirada al espejo en el segundo milenio María Eugenia Flores Treviño ORCID: 0000-0001-7664-6674 Universidad Autónoma de Nuevo León maria.florestr@uanl.edu.mx 86 Resumen Palabras clave: Cine distópico, Semiótica, Transdisciplinar, Utopía y distopía, Narrativas cinematográficas. El presente texto reseña una obra que analiza el cine distópico contemporáneo a través de la teoría semiótica de Luri Lotman, quien concibe los textos culturales como espejos que reflejan y multiplican significados. Se realiza un análisis transdisciplinar del cine de ciencia ficción, destacando su complejidad al articular lo visual, verbal y simbólico-cultural. Se estudian las tensiones entre utopía, utilizando la epistemología y la semiótica de la cultura como ejes teóricos. A lo largo de cuatro años de investigación, se seleccionó un corpus de filmes representativos que abordan múltiples dimensiones de la realidad: globales, locales y subjetivas. Respaldada por un grupo científico de la ENAH, la obra presenta metodologías innovadoras para la interpretación de narrativas cinematográficas, mostrando cómo el cine distópico no solo refleja la sociedad actual, sino que también distorsiona sus realidades, revelando profundas problemáticas sociales y proponiendo una crítica compleja y reflexiva del mundo contemporáneo. �Abstract This text reviews a work that analyzes contemporary dystopian cinema through the semiotic theory of Luri Lotman, who conceives cultural texts as mirrors that reflect and multiply meanings. A transdisciplinary analysis of science fiction cinema is carried out, highlighting its complexity in articulating the visual, verbal and symbolic-cultural. The tensions between utopia and dystopia are studied, using the epistemology and semiotics of culture as theoretical axes. Over four years of research, a corpus of representative films was selected that address multiple dimensions of reality: global, local and subjective. Supported by a scientific group from the ENAH, the work presents innovative methodologies for the interpretation of cinematic narratives, showing how dystopian cinema not only reflects today’s society, but also distorts its realities, revealing deep social problems and proposing a complex and reflective critique of the contemporary world. [Por]que la ficción produce realidad y la realidad cada vez es más ficcional, [por]que el caos tiene un propósito en todo proceso natural y social, incluso en este escenario distópico que vivimos. (Treviño, 2024:17). La ciencia ficción es un género alegórico. Los espectadores disfrutamos su naturaleza oracular con una mezcla de asombro y temor. Y en esta inmersión en un tiempo fuera del tiempo, nos preguntamos: ¿El futuro de toda tecnología será siempre distópico? ¿Las utopías siempre terminan siendo excepcionales, inverosímiles o incluso amenazadoras? (Zavala, 2024:19). Nuestra analogía sobre la distopía fílmica y el reflejo especular cinematográfico de este milenio indicado en el título de esta reseña se sustenta en las teorías del científico ruso, el semiótico Luri Lotman, quien en su magna obra (“La semiosfera I”) asevera que: Key words: Dystopian cinema, Semiotics, Transdisciplinary, Utopia and dystopia, Cinematographic narratives. 87 �“Del mismo modo que un rostro, al tiempo que se refleja en- teramente en un espejo, se refleja también en cada uno de sus pedazos, que, de esa manera, resultan tanto parte del espejo entero como algo semejante a éste, en el mecanismo semiótico total el texto aislado es isomorfo [semejante en forma] desde determinados puntos de vista a todo el mundo textual, y existe un claro paralelismo entre la conciencia individual, el texto y la cultura en su conjunto.[…] Del mismo modo que el objeto reflejado en el espejo genera cientos de reflejos en sus pedazos, el mensaje introducido en la estructura semiótica total se multiplica en niveles más bajos. El sistema es capaz de convertir el texto en una avalancha de textos. (Lotman, 1996:18) ” En la mente de quien esto escribe la similitud se generó, porque eso ocurre cuando leemos esta obra; cada filme, cada sentido del texto abordado, se multiplica y surgen muchos más, desmenuzados de la mano del autor…pero esos otros textos también, como el original, nos reflejan, reflejan nuestro mundo. 88 Nos apoyamos en Lotman cuando enuncia: “Entre los recursos de la creación de subtextos locales con es- tructura duplicada en las artes representativas, ocupa un puesto esencial el motivo del espejo en la pintura y la cinematografía (Lotman, 1996:72) ” La obra que hoy nos ocupa reseñar se enfoca en el estudio del séptimo arte, con una mirada audaz, múltiple, transdisciplinar. Y no podía ser de otra manera, porque este tipo de discurso, el cinematográfico, demanda de un significativo esfuerzo y un complejo abordaje, por su multimodalidad. Se trata de estudiar no sólo lo verbal no sólo lo visual, sino también lo simbólico-cultural. El texto nos recibe con una sugerente portada que nos invita a recordar que en este siglo compartimos la aldea global mediante la inteligencia artificial, las mediaciones y el incierto y delicado manejo de las tecnologías de la información y la comunicación, y también, entre páginas, con una dedicatoria al equipo de soporte humano y emocional del autor: su familia. �Para el corpus de esta investigación realizada a lo largo de 4 años, el autor eligió varios filmes representativos de los conflictos de nuestra época, pero donde también están representados los ejes epistemológicos de los estudios transdisciplinares, pues en ellos: Los niveles de realidad del objeto: las dimensiones global, regional, nacional, local, lo macro, lo micro. Los niveles de realidad del sujeto: las distintas formas de percepción que se configuran en la subjetividad, en la transdimensionalidad del sujeto. La relación sujeto - objeto que es recursiva, todo lo subjetivo es objetivo y viceversa. El sujeto y el objeto ligados a la transdimensionalidad, la transrealidad, la transubjetividad. El tercer incluido y el tercer oculto: presentes en el paso de los niveles de realidad del objeto y los niveles de percepción del sujeto; donde juegan un papel medular los niveles de realidad, los procesos dialógicos. 89 El índice informa que está compuesto de cinco capítulos en los que Óscar Treviño nos conduce desde los capítulos 1 y 2, a través de las corrientes del pensamiento occidental, de la patrística en la cual -entre otros- Tomás Moro busca la utopía, y también nos guía por el giro disruptivo que representó la ciencia ficción. Luego describe las tensiones existentes entre lo utópico y distópico en la construcción de este tipo de discurso artístico, para lo cual echa mano -no podría ser de otra manera- de la perspectiva científica transdisciplinar. En los capítulos 3 al 5 el autor, mediante acertados diseños teórico-metodológicos, expone para el público interesado y especializado, modelos de aproximación para la interpretación de la estructura, la narrativa fílmica y la edificación del sentido de su objeto de estudio. Termina su trabajo mediante un aporte que revela cuáles son los beneficios científicos de la aproximación desde la semiótica de la cultura para el estudio del cine de ciencia ficción. Aderezada con un prólogo escrito por el Dr. Lauro Zavala, esta obra se engalana y ofrece a su público lector el disfrute del texto del maestro, quien desmenuza con sus aportes el contenido. Igualmente, cobijada por un acreditado grupo científico transdisciplinar radicado en la Escuela Nacio- �nal de Antropología e Historia -y con una sucursal en el noreste mexicano: la Red Interdisciplinaria de Estudios del Lenguaje- que cultiva los estudios del Análisis del Discurso y la Semiótica de la Cultura, desde este enfoque. Para ir cerrando este comentario, hacemos nuestras las palabras del Dr. Zavala: […] el interés de este trabajo es múltiple, pues plantea respuestas a preguntas de carácter teórico e histórico, y formula propuestas de naturaleza epistemológica y analítica, recurriendo a componentes de la transdisciplina, la teoría de la complejidad y la semiótica de la cultura. La ciencia ficción seguirá interrogándonos desde la pantalla, mientras nosotros establecemos metodologías de análisis que nos llevan a descubrir subtextos implícitos. En la tensión recursiva, la epistemología es una herramienta para acceder a la distopía revelada. (Zavala, 2024:21) Finalmente, añadimos con Lotman que, aunque el espejo duplica, como intertexto la realidad: “Sin embargo, el espejo también puede desempeñar otro pa- pel: al duplicar, desfigura, y con esa desfiguración pone al descubierto que la representación, que parece «natural», es una proyección que lleva dentro de sí un determinado lenguaje de modelización (Lotman, 1996:73) ” Y que, los matices o ángulos del reflejo, pueden producir una violenta deformación del objeto reflejado. Para ello, nos recuerda Lotman baste recordar la abundante: “Mitología literaria de los reflejos en el espejo y del otro lado del espejo(…), cuyas raíces se remontan a las ideas arcaicas sobre el espejo como ventana a otro mundo (Lotman, 1996:73) ” El libro nos ofrece la oportunidad de atisbar el reflejo distorsionado de una realidad distópica, no lejana a nosotros, bajo la guía pedagógica e investigadora de su autor. �Referencias Lotman, I. (1996). La Semiosfera I. Semiótica de la cultura y el texto. Madrid: Cátedra. Treviño, O. A. (2024). Cuando la distopía nos alcance: La semiosis compleja del cine de ciencia ficción. Buenos Aires: Editorial SB. Dra. María Eugenia Flores Treviño Doctora en Humanidades y Artes (UAZ). Investiga: Pragmática, Análisis del Discurso y Competencia Comunicativa del Español. Profesora Titular B, Subdirectora del área de Estudios de Posgrado (2009-2013; 2015-2018; 2020-2022), Coordinadora de Investigación de la Facultad de Filosofía y Letras (2019-2022), UANL, México. Obtuvo el Reconocimiento al Perfil Deseable por el Programa de Desarrollo Profesional Docente para la Educación de tipo Superior (2004 -2023). Pertenece al Sistema Nacional de Investigadores del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología, Nivel II. Actual Presidenta de la Asociación Latinoamericana de Estudios del Discurso, Vicepresidenta (2020-2023), y Delegada ALED por México (20152019). En Dirección individualizada: tiene 11 tesis doctorales, 5 de licenciatura y 22 de maestría. Tiene15 libros publicados (3 como autora, 5 en co-autoría, 1 como coordinadora 5 como co-editora y 1 como compiladora) sobre temas como persuasión, función poética del lenguaje, enseñanza del Español como LM/LE, Análisis del discurso, discurso y género, discurso y educación. Coordinadora invitada para editar número especial en Alere (UNEMAT), Textos en Proceso (US/SU/UBA) y Oxímora. Revista de ética y política (UAB). Pertenece a los proyectos internacionales de Investigación PRESEEA (U. de Alcalá), AMERESCO (U. de Valencia) y al proyecto binacional “Descortesía y evaluación en comportamientos verbales sexistas dentro de las culturas rioplatense y mexicana” con la U. de Río Cuarto, Argentina. 91 �92 �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Paradigma Creativo Description An account of the resource Paradigma Creativo. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2020. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Paradigma Creativo Año de publicación El año cuando se publico 2024 Volumen Volumen de la revista 5 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Enero-Diciembre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Anual Relación OPAC https://paradigmacreativo.uanl.mx/index.php/revista/issue/view/5/5 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Paradigma Creativo, 2024, Vol 5, Num 1, Enero-Diciembre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Diseño Arte Creatividad Description An account of the resource Paradigma Creativo. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2020. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Estrello Ortiz, Lizbeth, Diseño Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2024-01-01 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource txt/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021499 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Provenance A statement of any changes in ownership and custody of the resource since its creation that are significant for its authenticity, integrity, and interpretation. The statement may include a description of any changes successive custodians made to the resource. San Nicolás de los Garza, Nuevo León Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores "Distopía" Diseño gráfico y editorial La Procrastinación y sus efectos Plagio en el ambito academico Publicidad digital en México