https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/388/19761/VIDA_UNIVERSITARIA_2006._NE._Ano_10._No.169._Junio_1.ocr.pdf 5323919c0c2739b7e8d0da5f5b798b26 PDF Text Text Tiende Alfonso Reyes puente entre Madrid y Monterrey [ 4 ] El artista catalán, arrai• gado en México desde 1949, presenta una mag• na exposición rettospec• tiva en la que se aprecia su aportación esend~l a la cultura [ 21 • 23 ) 1 ETERNIDAD DE LA POESIA ASEGURADA Para Aitana Albertf, hija del poeta gaditano Ra• faet Albert!, la l)Oe$Ía nunca morirá porque es ta ventana que abrimos hacia lo más profundo delw [18y19) Conocido como el dra• maturgo de la nota roja, Víctor Hugo Rascón Ban• da considera que el tea· tro se ocup.1 de tos pro• btemas de la sociedad I 26y27) suplemento cultural Et 16 de julio de hace cuatrocientos años nadó el holandés Rembrandt Van Rijn (1606-1664), uno de tos más grandes ge,,ios de la píntura universal. �[ 2 V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 TRIBUNA ABIERTA Propuesta en homenaje a Alfonso Reyes en el aniversario de su natalicio VMa VniversitariA Universidad Autónoma de Nuevo León Ing. José Antonio González Treviño Rector Dr. Jesús Áncer Rodríguez Secretario general Lic. Rogelio Villarreal Elizondo Secretario de Extensión y Cultura Dr. José Garza Acuña Director de Publicaciones Vida Universitaria Lic. Edmundo Derbez García Director informativo Diseño Alejandro Derbez García Auxiliar de diseño Emanuel García Corrección y estilo Genaro Huacal Fotografía Pablo Cuéllar Zárate Asistente de redacción Lorena Contreras Reporteras Jessica Balderas Salazar, Lizbet García Rodríguez y Verónica Zapata Rivera Colaboradores Jesús Gerardo Dávila, Eduardo Loredo Rivera, Efraín Aldama Villa, Esperanza Armendáriz, Alma Ramírez, Juan Armando Meza, Rocío Cárdenas Pacheco Servicio Social Jessica Jaramillo Castillo Distribución Héctor M. Hernández, Jesús Gilberto Sepúlveda Lara, Óscar Sánchez, David Barrón y Adrián Nevares Consejo editorial Alejandra Rangel Hinojosa, Silvino Jaramillo Osorio, Jorge Villegas Núñez, José Luis Esquivel, Roberto Silva Corpus y Salvador Guajardo Vida Universitaria es una publicación quincenal de la Universidad Autónoma de Nuevo León, de información y difusión cultural Oficinas: Biblioteca Universitaria “Raúl Rangel Frías”, Alfonso Reyes 4000, Monterrey, N. L. Teléfono 8329 4120, fax 8329 4126 Registro de reserva: 002039/97 Distribución gratuita e-mail: vidauni@seyc.uanl.mx Lidia Rodríguez Alfano * Q uisiera plantear una doble propuesta que, de realizarse, haría que el homenaje anual que realizamos ante la estatua de Alfonso Reyes fuera más completo. La primera propuesta es que renovemos la lectura de la obra de nuestro autor. Al respecto alumnos y ex alumnos suelen decirme que acerca de Alfonso Reyes ya todo fue dicho. Pero yo les respondo que el error es de método: mientras sigamos acercándonos con el mismo procedimiento no obtendremos nuevas lecturas que nos permitan aprovechar el legado que Reyes nos dejó en su vasta obra. Es necesario que renovemos nuestro abordaje crítico y un buen comienzo puede ser adoptar el método de la deconstrucción de Jaques Derrida. Muy simplificado, el procedimiento sugerido por Derrida es una invitación a redefinir los conceptos, a replantear lo ya establecido. Aplicando este procedimiento a la obra de Alfonso Reyes constatamos que muchos de sus críticos han intentado “explicarla” sin cuestionar los términos que utiliza, lo cual los hace aceptar una serie de preconstruidos que reproducen conceptos cuya significación no se somete a cuestionamiento alguno. Ante este reconocimiento y, siguiendo a Derrida, hemos de deconstruir por lo menos cuatro conceptos muy mencionados en la crítica de Alfonso Reyes: “humanismo”, “lenguaje”, “poesía” e “intertextualidad”. 1) Respecto al humanismo, el concepto que emana de toda la obra de Alfonso Reyes remite más bien a las palabras del poeta griego: “Nada que sea humano me es ajeno”. Con esta concepción trata en sus ensayos de los temas más abstractos con el mismo interés que describe prácticas cotidianas; no pondera, como se acostumbraba en su tiempo, el conocimiento que proviene de la “ciencia”, jamás propone que la ciencia sea mejor que otras vías para llegar al conocimiento. 2) Respecto al lenguaje, no discrimina al habla cotidiano con respecto al lenguaje de los “excelsos poetas”. En ese sentido, la aplicación del método de deconstrucción nos lleva a ver que, según la perspectiva dialectológica, admite que el uso de una lengua, como el español, comprende una gran variedad de registros y que es tan válido el empleo de la norma culta como de la norma popular. 3) Al deconstruir la noción de “poesía” nos lleva a renunciar a las restricciones de la crítica formal y a entender la poiesis como creatividad en el sentido bergsoniano que se concreta en la capacidad de asombro del poeta y se manifiesta en todas sus expresiones. Reconoceremos entonces que Reyes explota con perfección la música de la palabra. Uno de los valores de la lírica de nuestro autor es la gran musicalidad que le da a la palabra. Cada poema es una pieza de música verbal y, como la música instrumental, es energía liberada que se emite con el fin primordial de causar un efecto en las emociones del otro. 4) Por último, el concepto de “intertextualidad”, ya de y reconstruido, ha de aplicarse en la revisión de los múltiples mensajes que se entrecruzan en el discurso de Reyes; son textos que son “traducidos” por nuestro autor al presentar el lenguaje de la ciencia en términos de lo cotidiano a fin de hacerlo accesible y también al equiparar, por ejemplo, prácticas culinarias (como la carne asada) con las usanzas en Monterrey. Todas estas traducciones semióticas se entretejen en la armonía del tejido textual de nuestro poeta y nos dan una obra unitaria cuyo estudio está muy lejos de agotarse. Y la segunda propuesta que quisiera hacer es desde mi lugar de maestra de la Facultad de Filosofía y Letras. El antecedente está en el famoso “Romance de Monterrey” donde Alfonso Reyes ya no se identifica con su Poncho ni con el Cerro de la Silla impreso en su memoria, sino con nuestra ciudad: “tan mi lugar nativo/ que no se cómo no añado/ tu nombre en el nombre mío”. En respuesta a este deseo de llevar como apellido el nombre de su terruño, Raúl Rangel Frías propuso que se le designara “Alfonso Reyes de Monterrey”. Y ahora, yo quisiera recordar que en la Universidad Autónoma de Nuevo León hemos adoptado en forma especial al escritor. Prueba de ello es este homenaje que le rendimos año tras año en la fecha de su natalicio que realizamos ante la efigie de Reyes que, además del relieve de Atenea, es símbolo de nuestra facultad. Para dar más sentido a este ritual, propongo que adoptemos en forma más cercana al escritor y lo llamemos “Alfonso Reyes de Filosofía y Letras” y, para ser congruentes con esta adopción, no nos conformemos con asignarle un nuevo nombre, sino que profundicemos en el estudio de su obra. Si lo cumplimos, podremos aspirar a convertirnos en “atlas de nueva hechura, aunque con tala menor” y llevar en la memoria sus poemas y sus ensayos “en cifra y en abstracción”. Creo que un homenaje así será el más significativo para nuestro autor, pues nos llevaría a sacar mejor provecho a sus enseñanzas y llevarlas a la práctica: ver al lenguaje como instrumento de toda comunicación humana, escudriñar en sus recursos más recónditos para enriquecer tanto nuestra creación literaria como nuestras habilidades comunicativas. * Catedrática de la Facultad de Filosofía y Letras de la UANL �1 de junio de 2006 Alfonso Reyes de Filosofía y Letras Foto: Pablo Cuéllar Zárate Edmundo Derbez García P ara lograr que el homenaje anual realizado ante su estatua sea más completo, la maestra Lidia Rodríguez Alfano propuso adoptar en forma más cercana al Regiomontano Universal llamándolo “Alfonso Reyes de Filosofía y Letras” y, congruentes con ello, profundizar en el estudio de su obra. “Creo que un homenaje así – subrayó– será el más significativo para nuestro autor, pues nos llevaría a sacar mejor provecho a sus enseñanzas y llevarlas a la práctica.” Durante la guardia de honor ante su efigie, símbolo de la facultad, con motivo del aniversario 117 de su natalicio, la investigadora recordó su deseo de llevar como apellido el nombre de su terruño. “Para dar más sentido a este ritual, propongo que adoptemos en forma más cercana al escritor y lo llamemos Alfonso Reyes de Filosofía y Letras, pero no nos conformemos con asignarle un nuevo nombre, sino que profundicemos en el estudio de su obra. Para dar más sentido al ritual que anualmente se realiza frente a su efigie, la maestra Lidia Rodríguez Alfano propuso asignarle un nuevo nombre al Regiomontano Universal, profundizar en el estudio de su obra, renovar su lectura y abordaje crítico mediante el método de la reconstrucción. “Si lo cumplimos, podremos aspirar a convertirnos en atlas de nueva hechura, aunque con talla menor y llevar en la memoria sus poemas y sus ensayos en cifra y en abstracción.” La otra propuesta de la maestra Rodríguez Alfano consiste en renovar la lectura de su obra. Aunque se crea que de Reyes ya se dijo todo, un buen comienzo para renovar el abordaje crítico es el método de la deconstrucción de Jacques Derrida. Por lo menos cuatro conceptos muy mencionados en su crítica han de deconstruirse: humanismo, lenguaje, poesía e intertextualidad. Respecto al humanismo, el concepto que emana de toda su obra remite más bien a las palabras del poeta griego: “Nada que sea humano me es ajeno” y con esta concepción trata en sus ensayos de los temas más abstractos con el mismo interés que describe prácticas cotidianas. En cuanto al lenguaje, no discrimina al habla cotidiana con respecto al de los “excelsos poetas”, admite que el uso del español comprende una gran variedad de registros, de modo que es tan válido el empleo de la norma culta como de la popular. Reyes reconoce la relatividad lingüística planteada en la hipótesis SalirWhorf. Por esta vía propone, aunque sin llamarlo así, un continum que ve la musicalidad no sólo en los versos de los poetas, sino en los proverbios y refranes, juegos de palabras y pregones. “Reyes sabe que la música es caracte-rística de toda el habla.” Al deconstruir la noción de poesía identifica un error repetido con frecuencia en algunas revisiones de su creación en el género lírico cuando se sigue el propósito inútil de medir el grado en que los versos revolucionan la expresión poética. “El proceso de deconstrucción nos lleva a renunciar a las restricciones de la crítica formal y a entender la poiesis como creatividad en el sentido bergsoniano, que se concreta en la capacidad de asombro del poeta y se manifiesta en todas sus expresiones. “Reconoceremos entonces que Reyes explota con perfección la música de la palabra. Cada poema es una pieza de música verbal y, como la música instrumental, es energía liberada. Con esta mirada podemos acercarnos de nuevo a los poemas tan conocidos y captar la fuerza expresiva de la metáfora.” El tiempo no ha sido su sepulturero José Reséndiz Balderas, director de la Facultad de Filosofía y Letras, dijo que “el tiempo no ha sido el sepulturero de sus acciones, sino el halo que las glorifica y remonta al universo para colocarlas en el lugar de los eternos elegidos, de los inmortales. “Su inmortalidad se agiganta con el tiempo, no muere con él, ni se pierde en la inmensidad del infinito porque hoy más que nunca tiene presencia en los grandes pensadores del mundo. “La Sultana del Norte que lo acogió quedó estigmatizada por el sino de la internacionalización a través de la inconmensurable riqueza de su obra literaria y mucho más ahora que es dimensionada y ubicada en los linderos de la gloriosidad sirviendo de referente a los gigantes de las letras.” El rector José Antonio González Treviño dijo que “le miramos de frente y con gozo” porque su obra brinda el goce generoso propio de la literatura y el conocimiento. “Ese ha sido el motivo esencial durante una década del Festival Alfonsino. En diez ediciones ha contribuido a la búsqueda de público para sus libros.” 3 ] festival alfonsino V I DA U N I V E R S ITAR IA �4 festival alfonsino [ V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Lizbet García Rodríguez –Buenos días en Monterrey, buenas tardes en Madrid. –dijo una voz Luego de la conexión satelital, la tecnología dio paso al encuentro fraterno. En Alcalá de Henares, a pocos metros de donde nació Miguel de Cervantes, el instituto que lleva su nombre reunía a intelectuales y académicos de España para homenajear, junto a los regiomontanos, al universal Alfonso Reyes. Iniciaban así las jornadas por la décima edición del Festival Alfonsino y como cada mayo se evocaría la existencia inmortal de quien tanto aportó a nuestra lengua y a todas las culturas. La videoconferencia con el Instituto Cervantes congregó de aquel lado a su director César Antonio Molina, a Virgilio Zapatero, rector de la Universidad de Alcalá de Henares, otros intelectuales españoles y mexicanos de paso por Madrid. De este lado, en la Capilla Alfonsina de la UANL, les daban la bienvenida el rector José Antonio Gonzáles Treviño, Romeo Flores Caballero, director del Conarte, Alfonso Rangel Guerra, director del Centro de Estudios Humanísticos, maestros, estudiantes e intelectuales. Y todo se hizo un mismo lado para reconocer a Alfonso Reyes en el aniversario 117 de su natalicio. “Es un honor para esta institución que difunde la cultura española e hispanoamericana de 500 millones de personas en el mundo, rendir homenaje a Alfonso Reyes, a quien yo personalmente y muchos españoles consideramos no sólo un gran escritor, sino también un gran maestro, ejemplo de ética y profundidad a la hora de representar al idioma y a la cultura españoles en el mundo”, aseguró Molina. Y agregó que la razón de ser del instituto ha sido siempre la misma del Regiomontano Universal: decir que este idioma y cultura son milenarios, y que se ha hecho del encuentro de muchas civilizaciones que hoy continuamos enriqueciéndola. González Treviño agradeció las palabras y la participación de los españoles y resaltó cómo la En la apertura de su homenaje y a través de la conexión satelital, españoles y mexicanos abrazaron una idea común: Alfonso Reyes que construyó un puente sobre el océano histórico y cultural para fortalecer los procesos de internacionalización de las culturas. Tiende Alfonso Reyes puente entre Madrid y Monterrey estancia de Alfonso Reyes en aquel país corresponde a los mejores años de su vida. “Él consagra su obra en esos años, entre sus 25 y 35 años, como un autor no ibérico ni mexicano, sino como un autor de la lengua española. Y a la vez vivió por dar a conocer a México en el mundo y al mundo en México.” Virgilio Zapatero destacó su gratitud con el pueblo mexicano por la hospitalidad histórica hacia los españoles. “Hay una parte de la historia de España que está en México, muchos maestros dejaron de ser nuestros para irse al exilio, por la guerra civil. Hace pocos días varias universidades del país, encabezadas por la nuestra, constituimos la Cátedra del Exilio de Profesores en México. Y una de las figuras indispensables de apoyo a los exiliados fue Alfonso Reyes.” El Dr. Romeo Flores Caballero, director del Conarte, felicitó a la UANL por mantener vivo el homenaje año tras año a quien con su obra y su vida traspasó océanos y tiempos. “A sus coterráneos nos llena de orgullo la vida y la obra de nuestro regio del universo, que a pesar de ser ciudadano del mundo nunca se alejó de México y llevó el sol y la resolana de su tierra clavada en el corazón.” En opinión del Dr. Alfonso Rangel Guerra, Reyes trasladó su visión del mundo a la literatura. “Se ocupó de todos los temas y los llevó a todos los géneros: poesía, drama, ensayo, reflexión, abarcaron la historia, la crítica literaria, el amor, Grecia, la amistad, América, la conducta humana. No fue ajeno a las ideas de su tiempo, pero hizo grandes aportes a las del futuro. Digamos que convirtió la vida en literatura.” Españoles y mexicanos abrazaron una idea común: Alfonso Reyes construyó un puente sobre el océano histórico y cultural, fortaleciendo los procesos de internacionalización de las culturas. Y a través del tiempo su legado no envejece porque expresa el sentido humano. La videoconferencia fue transmitida en vivo a través del canal 53, la estación de radio 89.7 FM, la red satelital con cobertura nacional y vía Internet a estudiantes y profesores de preparatorias y facultades. De la apertura, internacional por primera vez, brotó no sólo el homenaje, sino también la intención de colaborar. El encuentro concluyó con la satisfacción del tributo merecido, cuando reapareció la voz: –Buenas tardes en Monterrey, buenas noches en Madrid. �1 de junio de 2006 Una invitación a la lectura Alma Ramírez Porque la divulgación de los conocimientos es un compromiso de la UANL como promotora de la cultura en el estado, así como la intención de que tanto los y las estudiantes como la ciudadanía en general pierdan el miedo, se acerquen y se enriquezcan con el legado de grandes autores, el 17 de mayo tuvo lugar en la Capilla Alfonsina la presentación de los primeros títulos de la colección Nuestros Clásicos, una de las tres que compone la serie Lecturas Universitarias. En esta ocasión fueron presentadas las obras De historia y de moral de José Eleuterio González, De política y Democracia de Servando Teresa de Mier, Universidad, humanismo y política de Raúl Rangel Frías y Entre la prosa y el verso de Pedro Garfias, donde los lectores encontrarán una selección de trabajos que van desde la poesía, el ensayo, discursos, correspondencia, entre otros. Al respecto, José Antonio González Treviño, rector de la UANL, recordó el compromiso que la institución tiene de reivindicar los valores fundamentales que nos identifican como universitarios y mexicanos, a fin de fortalecer nuestra autonomía y la defensa de los intereses universitarios: investigación, docencia y difusión de la cultura. “El universo de la lectura es tan amplio que si bien se busca, puede satisfacer todos los gustos, igualmente nos abre los ojos hacia la creación misma en la que los autores utilizan múltiples técnicas y estructuras que vuelven más inteligente la lectura.” Esta colección, señaló, tiene el propósito de aproximarnos con ese sentido de ánimo y gusto por la lectura de los autores indispensables para el entendimiento de nuestra cultura y nuestra literatura. Por su parte, el escritor y activista Abraham Nuncio, uno de los presentadores de la colección, elogió las características físicas de este Fotos: Pablo Cuéllar Zárate La UANL lanza la serie Lecturas Universitarias, una selección de obras, en un formato amable, de los autores que resultan indispensables para el entendimiento de nuestra cultura y nuestra literatura. esfuerzo editorial, puntualizando que poseían un formato amable que invitaba a la lectura. Dijo, además, que la Universidad es la institución que ha manifestado una mayor vocación por la actividad editorial en Nuevo León, hecho que se reafirma con colecciones como ésta. “El lenguaje escrito siempre permite inaugurar un territorio de libertad donde la reflexión y ese juego entre el texto y el lector siempre generan para éste cuestiones nuevas.” Sobre los autores, Nuncio refirió detalles significativos de su vida y obra, calificando al lamentablemente poco conocido Padre Mier (17631827) como magnífico escritor, tribuno y legislador que aportó una obra de gran factura a pesar de ser víctima de persecuciones y encarcelamiento, consecuencia de las turbulencias políticas de la época. En De política…, se hace referencia a la gran discusión entre fray Servando y Ramos Arizpe en torno a que sin un Estado fuertemente centralizado México estaría siempre en peligro de perder o poner en riesgo su territorio. Alfonso Reyes, en la Cartilla moral, se refiere a la conciencia del entorno, que para él significaba sin duda América Latina, dijo, y que su desempeño como diplomático en Brasil y Argentina, más que “europeizarle” como opinan algunos, fortaleció aun más su vínculo con México. “Vemos en Alfonso Reyes al patriota que trata de llevar al grado de la abstracción sus ideas y convicciones”, destacando las reflexiones del Regiomontano Universal (18891959) sobre la ética individual, familiar, nacional y pública. Sobre Raúl Rangel Frías (1913-1993), considerado como el mejor heredero de Reyes, Nuncio mencionó que fue un hombre preocupado por escribir y reflexionar sobre la Universidad y recordó su visión de que ésta debe mantenerse como una unidad integral, al igual que la formación universitaria, algo posible gracias a la combinación de ciencia y humanismo. Respecto a Garfias (19011967), poeta español nacido en Salamanca y parte del éxodo republicano a la llegada del régimen fascista a esa nación, Abraham Nuncio comentó que el autor de Entre la prosa y el verso no se quedó en la distancia, sino que vio al futuro y quiso profundamente al país que lo recibió. “Pedro Garfias le habla al corazón, de lo que le duele, a lo que le produce alegría, pero también le habla a la memoria desde la dimensión del exiliado y sus nostalgias.” Nuestros Clásicos, a decir de José Garza, director de Publicaciones, trazan la aspiración por una sociedad libre, justa, inteligente, sensible y democrática, por medio de obras que trazan altos ideales éticos reivindicados por la Universidad y fueron publicados para incentivar el gusto por la lectura y reivindicar el libro como fuente vigente de conocimiento. Con un tiraje total de 2 mil ejemplares a un costo de 10 pesos, los trabajos cuya compilación, edición y diseño corrieron por cuenta de la antropóloga Gisella Carmona, el escritor Genaro Huacal y el diseñador Rodolfo Leal, serán distribuidos a través de las redes estatales y municipales de bibliotecas, así como por la misma red de la Universidad y librerías de la localidad; además, serán presentados en todas las preparatorias y facultades gracias a los programas de apoyo a los módulos de Artes y Humanidades, todo esto con el objetivo de que lleguen a una mayor cantidad de lectores. En breve será presentada la selección de trabajos de autores como José Alvarado, Felipe Guerra Castro, Porfirio Barba Jacob, Agustín Basave, Irma Sabina Sepúlveda y Adriana García Roel, así como dos colecciones más de la misma serie: Clásicos Contemporáneos y Nuestro Arte, que englobarán la obra de autores en activo y obra plástica de artistas nuevoleoneses. 5 ] festival alfonsino V I DA U N I V E R S ITAR IA �6 festival alfonsino [ V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 El placer de Reyes al tomar la pluma y recrear el mundo Jessica Jaramillo Castillo A través de la compilación y selección de los textos alfonsinos, entre ellos “Las burlas veras”, publicados en la primera época del periódico Vida Universitaria, busca mostrarse a un Alfonso Reyes que se retrata a sí mismo retratando la felicidad de escribir. El vendedor de felicidad nos comparte el placer de Reyes al tomar la pluma y recrear las cosas del mundo, y aun el mundo mismo, comentó la maestra Gisella L. Carmona, editora e investigadora, al presentar la compilación de textos que componen el volumen. Durante la primera época del periódico informativo de la máxima casa de estudios, entre 1951 y 1962, se publicaron numerosos textos de Reyes, algunos de los cuales son mostrados en este ejemplar. El texto con que inicia es “La noche de mayo”, el primero publicado en Vida Universitaria. Entre otros se encuentran “Los regiomontanos”, el cuento “El vendedor de felicidad”, invitación a interiorizarnos y buscar dentro de nosotros mismos ese anhelo de felicidad práctica, expone Carmona. “Reflexiones sobre la historia de Grecia”, “San Juan de la Cruz”, “El voto por la Universidad del Norte”, “Glosa de mi La presencia de Alfonso Reyes en Monterrey se manifiesta de muchas formas, una de ellas es a través de los textos que publicó en Vida Universitaria que, en su aniversario 55, ha dado a luz una selección de ellos, algunos para sorpresa de sus lectores no figuran en sus obras completas. tierra”, en los cuales se plasma el retorno a las raíces. En “Los dos augures” se representa el encuentro con la madre España, para continuar con un resumen de vida y obra. La selección de textos de la columna “Las burlas veras” fue más difícil, en ellas no sólo nos habla Reyes de cómo se hace la metahistoria, sino de la historia simple, la del individuo, indicó Carmona. Sorpresas imprevistas Alfonso Rangel Guerra, director del Centro de Estudios Humanísticos, hizo ver que en la edición hay sorpresas imprevistas. “El texto ‘De mi vida y de mi obra’, curiosamente no está en sus obras completas, por un extraño avatar algo lo dejó fuera y no está; y me atrevería a pensar que “El vendedor de felicidad” tampoco, pero no lo aseguraría con certeza.Nos encontramos que hoy, después de casi cincuenta años de su fallecimiento, todavía están apareciendo textos, en este caso, publicados en Vida Universitaria.” Recordó que Alfonso Reyes siempre fue muy generoso, pues nunca se negó a colaborar con el periódico de la máxima casa de estudios. “Es sorprendente esta frescura y condición de novedad que tienen los textos de Alfonso Reyes a pesar de los años, tienen medio siglo de haber sido escritos y parece que los hubiera escrito el día de ayer.” Las burlas veras son ejemplos de la manera en que, en dos páginas y gran sencillez ofrece lecciones profundas. Cuentos breves para iniciarse en la obra alfonsina Ninfas en la niebla es un libro de cuentos que crea a un Alfonso Reyes imaginario, un Alfonso Reyes ficticio que se construye a la memoria, imaginación y afecto de cada lector. Así define Agustín García Gil la edición que hiciera Genaro Huacal acerca de la obra de Alfonso Reyes. Jessica Balderas Salazar La cuentística de nuestro Regiomontano Universal transcurre el tiempo de menos a más. Desestimado como narrador en vida, su obra imaginativa cobra cuota de importancia con los años, así expresa Genaro Huacal su invitación a la lectura de un clásico. “Lo primero que salta a la vista en las Obras completas alfonsinas es su afición por las formas breves de las que el cuento brevísimo y el aforismo destacan y se conjugan en mixturas de cuento, ensayo y poesía en sus posibilidades diversas, siempre desde la perspectiva de la brevedad.” Esta reunión feliz de brevedades incluye cuentos del domino público, cuya factura es la búsqueda y consecución del espacio mínimo, con fragmentos extirpados de textos de mayor extensión que cumplen fuera de contexto como unidades narrativas independientes, así describe el mismo autor Ninfas en la niebla. Cuentos brevísimos de Alfonso Reyes. “Que no se asusten los jóvenes lectores de la vastedad erudita de Reyes –agrega–, estos cuentos brevísimos son la manera más sencilla de iniciar la lectura de sus Obras completas.” Fotos: Pablo Cuéllar Zárate Agustín García Gil afirmó que leer Ninfas en la niebla es leer el libro nuevo de Alfonso Reyes, pues aunque ya conozcamos algunos textos que aparecen aquí, su acomodo a la manera de Huacal los hace diferentes de como son. “Genaro Huacal es un catador de formas breves, su afán central en este trabajo era restituir a Reyes su título de gran autor de narraciones brevísimas y encontró algunos cuentos breves escondidos como duendes en un bosque textual ajeno a su intención. “Además de la riqueza de la obra de Reyes, en este texto encontramos muy diversos estilos y temas, contiene textos divertidos y en el lado opuesto hay cuentos tristes . “Los cuentos breves son como las ninfas, personaje principal de este libro, apenas uno comienza a leerlo e intempestivamente desaparecen, se terminan.” �1 de junio de 2006 Jessica Balderas Salazar Al iniciar su conferencia “Lugares y perfiles mexicanos en la obra y en la vida de Alfonso Reyes”, el poeta, ensayista y editor Adolfo Castañón aseguró que el Regiomontano Universal existió, aunque para muchos sea increíble. Y podría resultar increíble por la amplitud de la actividad literaria que desarrolló en relación con México y tratar de comprimirla es un gran reto que se ha impuesto este obsesivo de la vida y obra del regiomontano, al preparar durante años una antología de sus escritos. Sé que es un poco complicado compendiar el México de Reyes, por lo que lo intentaré fragmentariamente, dijo a quienes se dieron cita en la Capilla Alfonsina. Castañón lo define como el mejor escritor mexicano en prosa y verso de la primera mitad del siglo XX. Citando algunos de los más importantes pasajes en la vida de este ilustre personaje de nuestra literatura, Castañón se remontó a 1932 cuando acusado por Héctor Pérez Martínez de no atender a su revista y no tomar partido en las polémicas que en aquel entonces sacudían a su país en lo literario, Alfonso Reyes no dejó pasar esos cargos y asumió su propia defensa en la carta titulada “A vuelta de correo”, publicada en una edición privada de ese mismo año. A la sazón tenía Reyes 43 años y se encontraba en el mediodía de su carrera y en toda la fuerza de su edad; sin embargo, reiteró que aunque la historia le ha dado la razón a Reyes, las acusaciones de Pérez Martínez, quien luego Aunque resulte increíble, Reyes existió Compendiar una actividad literaria como la de Alfonso Reyes en relación con México es una tarea harto difícil en la que está empeñado Adolfo Castañón quien desde hace años prepara una antología de sus escritos. Fotos: Efraín Aldama Villa fuera su amigo y defensor, no dejaban de tener un cierto ingrediente de verdad. Enfatizó su dimensión universal al considerar que sentó las bases de un canon moderno de la prosa y del verso para las letras mexicanas e hispanoamericanas. “Maestro en todos los registros de la pluma –ha dicho–, Alfonso Reyes realizará en México el más cumplido ejemplo del hombre de letras. “Con todos sus escritos, salta a la vista que al joven Reyes le atrae de las letras mexicanas su vertiente clásica, más que su vertiente romántica o expansiva, lo atrae el plano vertical de una elocuencia suvbersible que busca revelación, le atrae sobre todo una tesitura consciente de cinismo.” Antes de salir de México, hace casi un siglo, “había publicado diversos poemas en periódicos y revistas, incluso sus primeros textos editados en letra de molde fueron los sonetos que publicó en 1905 sobre las esculturas de Cordie, esos sonetos y los que siguen tienen una factura decididamente parnasiana, clásica, clasicista, contenida. Dos poemas de intención mexicana fueron escritos por Reyes en aquellos primeros años, el soneto ‘La tumba de Manuel José Othón’ y el poema ‘En la tumba de Juárez’, donde son perceptibles la atracción que ejerce el ambiente grecolatino y la identificación que hace el joven escritor entre poesía y la grandilocuencia”. Sigue el joven escritor trabajando ya con un poco de influencia de cierta poesía del Siglo de Oro, perceptible a lo largo de toda su obra, por lo que también en los años previos a su salida de México, realiza una semblanza narrativa escrita en la ciudad de México donde se ventilan las dificultades que trae para un campesino la movilización espiritual que es la modernización, dando paso a otra breve lectura de las obras de Reyes como es “La silueta del indio Jesús”. Sin embargo, como lo anticipó al inicio de su charla, no es fácil resumir tan extensa vida literaria en tan poco tiempo, por lo que llegando al final de su intervención, llega a la etapa en que el Regiomontano Universal se topa a algunos escritores y amigos en Madrid, donde siguió construyendo los primeros niveles de una obra que, en extensión, y muchas veces en calidad, a decir de muchos conocedores, supera la bibliografía de cualquier autor mexicano del siglo veinte. “Amado Nervo fue para Alfonso Reyes algo más que un poeta, fue un modelo en las letras; a pesar de la diferencia generacional con Amado Nervo, pudo establecer una magnífica amistad, de hecho, terminó por editar prácticamente las obras completas de ese poeta.” También encontró a otros escritores mexicanos con quienes desarrolló igualmente una buena relación para la historia de la diplomacia mexicana, tendríamos que destacar, por ejemplo, la relación que establece con Luis G. Urbina, que también es mucho mayor que él y con otro diplomático mexicano como Francisco de Icaza. Esas fueron las principales relaciones que establece con escritores de otra generación, en el caso de Icaza, además de escritor, fue jefe de Alfonso Reyes en el matiz de los inicios del siglo XX. Por último y como entusiasta difusor de la obra de este incansable y quizá insuperable escritor, recomienda su lectura y relectura, las reediciones, reimpresiones y copiosas antologías que muestren al mundo lo que fuera Alfonso Reyes. 7 ] festival alfonsino V I DA U N I V E R S ITAR IA �8 festival alfonsino [ V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Para Anthony Stanton la relación con el general Bernardo Reyes, sobre todo por la época en que intentaba una restauración del Porfiriato, marcó la conducta y la vida del joven Alfonso. El amor de Reyes a su padre coexiste con el odio a la política y las armas Lizbet García Rodríguez “ Soy un convencido reyista desde hace muchos años...” Así habló Anthony Stanton. La obra de Alfonso Reyes ha motivado muchos de sus múltiples estudios sobre los contemporáneos. Por eso no dudó en compartir una de las jornadas del Festival Alfonsino con estudiantes, maestros e invitados de la UANL. “Un día de mayo, hace ocho años presenté en este mismo lugar el diálogo epistolar entre Alfonso Reyes y Octavio Paz.” Esta vez abordó la relación de Reyes con su padre, los años de exilio, la obra poética desde una perspectiva espiritual. Y dio gusto escucharle hablar del sabio, el erudito, el filósofo de la voz distinta que se acercó a la antipoesía, a la cultura mestiza, heterodoxa… Existe siempre una relación ambigua entre la vida y la obra de un autor y a esto no escapó Alfonso Reyes, a pesar de asegurar alguna vez: “No distingo entre mi vida y mis letras”. Pero el literato y filósofo inglés, naturalizado mexicano, ha encontrado el nexo. El amor a su padre coexiste con el odio al entorno de armas y política que lo rodeaba, expresa Stanton. He alzado en mi alma una fortaleza contra el rencor. Y añade que su relación con el Gral. Bernardo Reyes, sobre todo por la época en que intentaba una restauración del Porfiriato, marcó la conducta y la vida del joven Alfonso. Abajo todo es contradicciones. Habitan los Caballeros de la Orden de la Última Gota de Sangre. Arriba se refugia la familia. Yo me aferro a la escritura y a los libros. Se refería a la constreñida situación doméstica, la cual fue Foto: Pablo Cuéllar Zárate expresada en cartas al amigo Pedro Henríquez Ureña. Para él (su padre) sólo vale la acción, el arte es sólo un instrumento, en fin... lo que yo me temía, ya no estoy dentro de casa (…) El culto a la belleza no quiere tratos con el mal. Escribía describiendo la percepción antagonista entre el arte y la política. Reyes escribió un diario íntimo, del cual sólo se han publicado fragmentos, explica Anthony Stanton. En una parte que él titula Días aciagos narra la coyuntura política que marcaba su sensibilidad por aquellos años. Angustia y zozobra en la casa familiar, tiene que vivir con un rifle junto a los libros. Pero la muerte del General, el 9 de febrero de 1913, durante la Decena Trágica, fue un episodio que marcó drásticamente la vida de su hijo Alfonso. Cuando vi caer a aquel Atlas, creí que se derrumbaría el mundo. Hay desde entonces, una ruina en mi corazón. La comparación con el héroe filosófico sosteniendo el mundo sobre sus espaldas, da una idea de la imagen gigantesca que tiene de su padre. Stanton habla entonces del exilio de Alfonso Reyes, seis meses después de la muerte del General. “Desde la distancia escribe, rememora su pasado, su genealogía familiar y afectiva.” En España unificó su trayecto de vida evocando en una canción de su infancia en Monterrey, a San Isidro Labrador, patrón de Madrid. San Isidro Labrador: quítame el agua y ponme el sol... Combinó la literatura picaresca española, la tristeza del desheredado de sus querencias, su guerra civil psicológica… todas fueron formas estéticas para expresar su melancolía. Y según Stanton el poema “El descastado”, da fe de su espiritualidad por aquellos años. …heredera de todos, alma mía, mestiza irredenta, no tuviste a quien heredar. “Tengo un gusto especial por el Reyes que usó formas populares en la poesía –asevera Stanton. Supo manejar además formas cultas, populares, humorísticas, cotidianas… Estoy haciendo un libro centrado en su obra poética. Recientemente he encontrado poemas inéditos del joven Alfonso Reyes, de 1907 y 1908, incluidos tres sonetos sobre su padre.” Y con la franqueza desbordada, Anthony Stanton hace brotar la frase que lo ha llevado a la profundidad de la obra del regio universal: “Soy un convencido reyista desde hace muchos años…” �V I DA U N I V E R S ITAR IA Frente a la vastedad de su obra epistolar, los 26 volúmenes de las obras completas de Alfonso Reyes resultarían pequeños. Cuatro gavetas archivadoras y varios repositorios dispersos con sus cartas, esperan, en opinión de Alberto Enríquez Perea, un exhaustivo estudio para completar la biografía política, intelectual y espiritual del regiomontano. Desentrañar la correspondencia alfonsina, tarea pendiente Edmundo Derbez García Alberto Enríquez Perea ha estudiado el epistolario de Alfonso Reyes con diversas figuras españolas como José Gaos, Luis Cernuda y María Zambrano, de cuya relación vino hablar en la Capilla Alfonsina. La joven filósofa entabló una amistad respetuosa y pausada con Reyes a través de una correspondencia iniciada el 5 de mayo de 1939 y concluida con la muerte del escritor en 1959. El profesor en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM considera que el estudio de la vasta correspondencia del Regiomontano Universal es una tarea pendiente a la hora de elaborar su biografía política, espiritual y cultural. ¿Por qué Reyes fue tan proclive a mantener correspondencia? Yo creo que puede haber varias explicaciones, la primera es la necesidad de comunicarse, de estar en contacto con diferentes grupos, personas e instituciones. En segundo lugar, es una forma de tomar el pulso del país, recordemos que Reyes estuvo mucho tiempo fuera de México. ¿El género epistolar como campo de estudio qué tan explotado está? Yo creo que se ha avanzado, hay compañeros que lo han hecho de una manera acertada, incluso, preguntaría, ¿vale la pena publicar todo el epistolario de Reyes?, yo diría que sí y la prueba es que él mismo tenía mucha conciencia de lo que significaba una carta que enviaba como testimonio de lo que estaba haciendo. Una tarea que nos hace falta es entrarle de lleno a estudiar la correspondencia porque cuando se tenga que hacer la María Zambrano, filósofa española, estableció una relación amistosa y cordial con Alfonso Reyes. biografía política, espiritual y cultural de Alfonso Reyes, se tendría mucho material. Reyes es un gran hombre de letras, pero también hay otros campos que no hemos explorado, el de la filosofía, del pensamiento hispanoamericano, de las relaciones diplomáticas y las relaciones entre los intelectuales. ¿Un estudio epistolar qué implica? Es un aspecto que debemos revalorar. Juntar las cartas y publicarlas, está muy bien, es valioso, pero siempre he dicho que una carta así, es nuevamente un papel de archivo, debemos avanzar un poco más, necesitan una buena introducción y anotaciones exhaustivas para que las cartas cobren vida. En ese contexto ¿cuál es el lugar que ocupa su correspondencia con María Zambrano? Ocupa un lugar muy importante porque inicia en 1939, que es una fecha crucial no sólo en la vida de Reyes sino de México y España. En ese año Reyes se hace cargo de la Casa de España en México, institución símbolo de la relación y hermandad entre ambos países en un momento definitivo de su vida política, cuando salen miles de españoles tras la muerte de la República. No sólo es una casa donde llegan escritores o filósofos, sino sociólogos, oftalmólogos a recibir un apoyo solidario. Pero don Alfonso quiere ir más allá, se preocupa por darle el carácter de una institución eminentemente educativa, de alta cultura donde sus miembros, personas de lo más valioso, van a derramar la savia de su preparación intelectual y académica. 9 ] festival alfonsino 1 de junio de 2006 En ese contexto, está la figura de María Zambrano, una joven filósofa, discípula de Ortega y Gasset, quien acepta una invitación de Daniel Cossío Villegas para venir a México, y aquí es donde se encuentra con Alfonso Reyes. ¿Qué encontramos en esa relación? Es una correspondencia que se puede ver en varios niveles, primero, la relación amistosa y cordial de un dirigente de una institución hacia uno de sus miembros, qué mejor interlocutor para María, para decirle sus preocupaciones y sus deseos y, en ese sentido, don Alfonso trata de ayudarla en todo lo que sea para su desarrollo intelectual. Por otro lado, está la responsabilidad intelectual, están al tanto de lo que hacen de lo que publican, se mandan libros. Tuvieron sus discrepancias, es común entre los intelectuales, pero sin perder la educación y el trato respetuoso. Pero también tenían vida para otras cosas, eso podemos verlo también en estas cartas, Reyes menciona su gusto por la vida, se reía de sus propias enfermedades, jugaba con todo para darle sentido a la vida. ¿Personalmente no se vieron mucho? Desafortunadamente por diversas razones, una de ellas porque María estuvo poco tiempo en México, el trato personal dilató muy poco. Sin embargo, fue suficiente para que entre los dos hubiera una admiración. María Zambrano penetró muy bien en la personalidad de Reyes. Cuando muere, le dedica un documento extraordinario que permite ver la manera como penetró en su esencia personal. �festival alfonsino [ 10 V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Agustín Basave Fernández del Valle Homenaje al insigne humanista de pensamiento universal Lizbet García Rodríguez Un prisma adiamantado acogió la frase: Todo hombre en cuanto es, tiende a ser en plenitud. Y el recuerdo de su autor se instaló no sólo en un monumento del Pasillo de los Escritores, frente a la Facultad de Filosofía y Letras de la UANL, sino en la memoria de quienes aprendieron y siguen aprendiendo de Agustín Basave Fernández del Valle. Una cálida tarde de homenaje, en medio del Festival Alfonsino, reunió bajo los árboles del recinto universitario a quienes fueran sus compañeros y alumnos de la Universidad, a su viuda la Sra. Patricia Garza Morton de Basave, hijos, amigos y admiradores del filósofo auténtico y humanista. “La Universidad se congratula con la presencia de Agustín Basave Fernández del Valle, un sabio de verdad, en el pasillo de los escritores –afirmó el Ing. Jose Antonio González Treviño, rector de la UANL. Su labor y sus aportes han sido fundamentales en la construcción del espíritu universitario, por eso lo homenajeamos en vida y ahora lo hacemos en la perpetuidad de su obra después de la muerte.” Agustín Basave Benítez habló de su padre. “Todos los que lo conocimos sabemos los lazos entrañables que lo unían a esta Universidad y como él mismo me enseñó que la gratitud, antes que un deber es un privilegio, hoy en nombre de la familia tengo el privilegio de agradecerle a la UANL por este homenaje.” Además de maestro de filosofía, derecho y ciencias sociales, fundador de la carrera Foto: Efraín Aldama Villa Una vida que no muere porque se propaga en la eternidad de la sabiduría Lizbet García Rodríguez La presentación del libro Introducción al pensamiento filosófico de Agustín Basave Fernández del Valle, del autor Enrique Aguayo, volvió a traer anécdotas y semblanzas. Una de sus hijas, la Dra. Patricia Basave Benítez, recordó al hombre que dejó vivo desde su infancia a ese incansable filósofo que de niños llevamos dentro. “Mi padre sostuvo que un hombre cualquiera tiene pocas probabilidades de descubrirse como ser humano en el ámbito cotidiano, por lo que alguna vez debe abandonar su mundo y echarse a volar. Así viajó a muchos países y culturas con el objetivo de conocerse a sí mismo y también de enseñar lo que aprendía.” El volumen de más de 700 páginas, editado por la Dirección de Publicaciones de la UANL, esboza su concepto de filosofía como propedéutica de salvación, sus cavilaciones sobre filosofía del derecho internacional, sus análisis de la psicología del mexicano, la Una escultura, un libro, la defensa de los valores humanos, la enseñanza y el recuerdo infinito son algunos de los tributos que la Universidad ofreció al Dr. Agustín Basave Fernández del Valle, inspirada en su legado. Foto: Efraín Aldama Villa filosofía de la poesía, la antroposofía, la lógica, la ética y la razón. El autor Enrique Aguayo expuso sus razones para honrar al Dr. Basave. “El mejor homenaje que podemos hacerle de Psicología y del Centro de Estudios Humanísticos, el Dr. Basave se desempeñó en el servicio diplomático, en el estudio permanente de la filosofía del hombre o antroposofía, los derechos y los valores humanos. Tanto su ética, como su profundidad lo han hecho imperecedero. es tenerlo presente por sus ideas, su sistema filosófico y darlo a conocer sintéticamente. Este hombre polifacético, fundamental en la historia de la filosofía en México, pensador que dominó lo racional, lo abstracto, la profundidad y el rigor lógico merece la distinción no sólo por promover la paz y la justicia, sino por valorar el ser y el hacer humano.” Su fe cristiana, su prestigio como intelectual, erudito, escritor lúcido y brillante, su formación sólida, la búsqueda de la verdad y la responsabilidad sobre sus actos determinaron el afecto de quienes lo conocieron. La Dra. Alma Silvia Rodríguez, investigadora del Centro de Estudios Humanísticos, lo recuerda como un mexicano de eximias virtudes y relevantes dotes humanas. “El Dr. Basave fue un pensador auténtico de trayectoria diáfana, dignificó como pocos el ser del hombre por su quehacer filosófico, su espíritu incólume y su oficio como profesional del derecho en busca de la justicia y la verdad. Su sabiduría preclara, volcada en mas de 40 libros publicados y otros inéditos, artículos y conferencias, constituyen el patrimonio filosófico y cultural más significativo de nuestra entidad en los últimos años.” El libro se propone adentrar al lector en los principales temas que abordó en su vasta obra Agustín Basave, el insigne humanista de pensamiento universal. �1 de junio de 2006 Víctor Barrera Enderle El trabajo ganador del Certamen Nacional de Ensayo Alfonso Reyes parte del tema de la amistad que se genera entre dos escritores, lectores y críticos, a partir de su comunión en la literatura, ya sea como vocación o como gusto, pero su autor la trasciende al sostener que la amistad funge como un medio de formación literaria. La amistad como alternativa de formación literaria Jessica Nieto En el marco de las actividades del Festival Alfonsino en su décima edición se llevó a cabo la entrega del premio del XVII Certamen Nacional de Ensayo Alfonso Reyes 2005, convocado por la UANL, el Conarte, el Ayuntamiento de Monterrey y el Conaculta. La ceremonia se efectuó en la Sala de Asuntos Políticos de la Biblioteca Universitaria “Raúl Rangel Frías”, estando presentes Rogelio Villarreal Elizondo, secretario de Extensión y Cultura de la UANL; Romeo Flores Caballero, presidente del Conarte; y Ofelia Pérez Sepúlveda en representación de María Elena Quiroga, secretaria de Educación, Cultura y Deporte del municipio de Monterrey. El premio fue entregado al doctor en literatura hispanoamericana Víctor Barrera Enderle, quien se desempeña como catedrático e investigador en la Facultad de Filosofía y Letras de la UANL y es director de la revista Armas y Letras, por su trabajo De la amistad literaria (Ensayo sobre la genealogía de una amistad: Alfonso Reyes / Pedro Henríquez Ureña, 1906-1914). Ya antes Barrera Enderle había trabajado el tema alfonsino en su libro La mudanza incesante. Teoría y crítica literarias en Alfonso Reyes. En esta ocasión se ha centrado en la amistad entre este último y Pedro Henríquez Ureña para demostrar que la amistad entre escritores, lectores y críticos, es un factor fundamental para la configuración de una tradición Fotos: Pablo Cuéllar Zárate literaria. El trabajo ganador tiene como tema la amistad que se genera entre dos escritores, lectores y críticos, a partir de su comunión en la literatura, ya sea como vocación o como gusto. Parte de esta idea, pero la trasciende al sostener que la amistad funge como un medio de formación literaria, es decir, un escritor se construye y construye (crea) pleno de y en sus relaciones con otros escritores, con otros lectores, no sólo al amparo de un espacio académico y no únicamente dentro de la soledad que supone el ejercicio de la escritura. ¿Cuál fue el tema del ensayo y de qué manera lo abordaste? La función que ocupa la amistad en la literatura latinoamericana como una forma alternativa de formación, a falta de espacios especializados, como los que vivieron Reyes y Henríquez Ureña en su momento. La universidad todavía tenía esa influencia muy pesada del positivismo, de las ciencias que pretendían ser exactas y de esta visión, hasta darwiniana, de la sociedad. Ahí el humanismo estaba dejado de lado; entonces ellos, a través de esa amistad que cultivan se van construyendo a sí mismos como escritores modernos, con preocupaciones críticas que van más allá de este simple positivismo mecanicista; buscan vínculos más allá e intentan crear espacios más importantes. Esa amistad se cultiva en textos que son considerados como subgénero: las cartas. Lo que intenté hacer ahora fue leerlos desde esa perspectiva, complementándolos con sus obras; es decir, un viaje al revés a como generalmente se hace y se sigue haciendo: atender primero las obras importantes, los documentos, y después este tipo de registros subalternos. Yo lo que hice fue verlo desde la perspectiva de su amistad y desde ahí entender o tratar de dominar el resto de su obra, pero como una posibilidad de acercamiento, simplemente, es una lectura entre muchas posibles, la obra y la amistad de ellos da para muchas cosas más. En esta ocasión me centré en los primeros años de ésta. La necesidad del diálogo literario puede interpretarse como opuesto a la situación de soledad en la que se supone debe encontrarse el escritor para poder crear. Sin embargo, a resultas del diálogo surgen ideas que se desarrollan en la soledad. Tanto el diálogo como la soledad son necesarios para la escritura. La soledad para la reflexión, pero en el diálogo se expresan las ideas y se confrontan, y eso es un paso previo y fundamental para la escritura. En el caso de Reyes y Henríquez Ureña la soledad no bastaba (en realidad, pienso que todavía era un poco “apresurada”, puesto que los escritores ya estaban de por sí marginados. Eran los raros y precisaban encontrar espíritus afines). A diferencia de otras literaturas, la latinoamericana fue, en sus años de consolidación (el modernismo, las vanguardias, los ateneístas), básicamente dialógica. Antes, reinaba la incomunicación, los escritores luchaban en sus respectivos países por reformas educativas. Con el modernismo comenzó una etapa de reconocimiento (buscaban cosas parecidas y compartían el mismo paradigma estético). Tal vez ahora se inicie una etapa de soledad (ya no vemos a los escritores agruparse como antes, en generaciones o movimientos), cada cual lucha por su cuenta. 11 ] festival alfonsino V I DA U N I V E R S ITAR IA �festival alfonsino [ 12 V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Revaloran el trabajo del traductor Jessica Nieto Como parte de los eventos del Festival Alfonsino, se presentó el libro Archivo de Traducciones, compendio de algunos de los trabajos de traducción del poeta Miguel Covarrubias. Este libro forma parte de la colección Ediciones del Festival Alfonsino, editada por la Dirección de Publicaciones de la UANL, y comprende veinticinco textos que incluyen ensayos, notas críticas, entrevistas, unos inéditos y otros publicados con anterioridad en revistas como Deslinde, y reúne a autores como Jean Genet, Roland Barthes, Gérard de Nerval, entre otros. La presentación se celebró en la Capilla Alfonsina, acompañando al traductor los también reconocidos traductores Silvia Pratt y Reynol Pérez. El primero en tomar la palabra fue Reynol Pérez, quien comentó acerca de su admiración por el trabajo como traductor de Miguel Covarrubias, puesto que “realmente el trabajo de la traducción es quijotesco”. También enfatizó que los hablantes de un idioma como el español, que somos tan numerosos, “no hemos todavía valorado la labor del traductor”. Ésta, la tarea del traductor es, hoy en día, realizada por un lector más inteligente, que tiene un conocimiento mayor de la lengua. “Lo dicen los teóricos, que son los traductores, y mucha gente no hace este análisis, quienes introducen a veces novedades en nuestra lengua al traducir obras de autores propositivos en otras lenguas”. Un traductor, dijo, debe verle todos los entresijos a la palabra. Reynol Pérez subrayó la importancia de que un hombre culto, y, además, creador, se dedique a la traducción de textos literarios, porque “a veces es necesario establecer parámetros entre la traducción y la creación”, situación que Covarrubias soluciona sin mayor problema. Silvia Pratt, por su parte, inició su intervención con una afirmación que, en apariencia, no resulta relativa con el trabajo del traductor: “Lo oculto provoca suspicacia”. Sin embargo, es esa suspicacia, esa sospecha de significados extranjeros sobre Reyes, creando una “especie de efecto boomerang, es decir, la obra de Reyes se abre al mundo y regresa a los mexicanos, y a los hispano-hablantes en general, a través de la óptica extranjera ahora traducida”. Al final, el traductor, Miguel Covarrubias, realizó algunos comentarios que “del simple gusto de oírlos dirigirse a nosotros en nuestro idioma vernáculo”. Covarrubias contó que él no había proyectado la idea de hacer un libro (“el libro que jamás se había concebido como tal”) con el conjunto de sus traducciones, fue José Garza, director de Publicaciones de la UANL quien advirtió, en las Foto: Pablo Cuéllar Zárate Archivo de Traducciones es un libro que, como mencionara Silvia Pratt, sirve para establecer vínculos con autores no muy leídos e incluso no muy conocidos, y, además, es un buen ejemplo de la importancia del trabajo del traductor, trabajo que desempeñara el mismo Alfonso Reyes. encubiertos en las lenguas, lo que mueve al traductor. “Archivo de Traducciones contiene esto que estamos abordando, pues enriquece el amplio círculo literario que va de la creación a la traducción”, puesto que la traducción funciona para establecer vínculos interculturales. Haciendo alusión al tema del Festival, es decir, Alfonso Reyes, Pratt menciona que el trabajo de Covarrubias es importante porque vierte del francés y de otros idiomas, el pensamiento de autores complementan la advertencia que inicia al libro, la cual aclara que los veinticinco textos organizados por el traductor, fueron ordenados “según su leal saber y entender”. Por lo que el lector debe tener cuidado con la razón de ciertos agrupamientos y la titulación de otros, pues son resultado del criterio del responsable del Archivo de Traducciones. Así, las traducciones que componen este libro surgen tanto del pretexto de celebrar el natalicio o fallecimiento de algún escritor, el centenario; como o páginas sobre Reyes, un homenaje pertinente; y, además, en el resto de los textos, el reverso de El Traidor, antología de poemas anteriormente traducida por Covarrubias del francés y del alemán. “Desde luego, esto no es común, páginas cómo las que podrán leerse a continuación, habitualmente se agotan en la revista o suplemento cultural que las publicó y nadie más volverá a mirarlas”, por lo que el libro se yergue como casi único en su género. �1 de junio de 2006 El jazz es popular en todos lados, menos en Estados Unidos Jessica Jaramillo Castillo y César David López Villanueva E l Festival Alfonsino UANL 2006 presentó a uno de los mejores exponentes pianísticos de jazz a nivel mundial, Bill Carrothers, quien junto a Hernán Hecht y Agustín Bernal, dos de los principales jazzistas en México, forman el Trío Carrothers. La cita se llevó a cabo en el Teatro Universitario donde los asistentes tuvieron la oportunidad de disfrutar un repertorio de temas originales y estándares, la mayoría perteneciente a compositores norteamericanos, así como planteamientos de libre improvisación. Durante el concierto se percibía la influencia de música clásica en algunas interpretaciones de Carrothers, respecto a esto, el autor nos comenta que al escuchar todo tipo de música toma elementos para sus interpretaciones y aunque toca muy poca música clásica, sí le han influenciado pianistas como Glenn Gould, Vladimir Horowitz, Sviatoslav Richter, María Pérez; al igual que compositores como Bach, Mozart y Brahms, entre otros. Confiesa su gusto por encontrarse con el público, emocionarlo y regresar a cada asistente cambiado, distinto, de ahí que la reacción del público sea para Bill tan importante. Por lo general ha encontrado bastante aceptación por la música del trío, según indica el pianista, y esta no fue la excepción. Sin embargo, en algunos lugares la respuesta ha sido más cálida que en otros, “especialmente en Cholula, tocamos en un club de jazz, como era más pequeño, la gente reaccionó más cálido. Cuando tocamos en la ciudad de México en un lugar que se llama Zinco Jazz Club, la gente hablaba mucho, y sí fue un poco indiferente, pero fuera de eso en realidad los puntos donde hemos tocado han sido Fotos: Pablo Cuéllar Zárate pianista de fama internacional, quien no por ser considerado como “un poeta del teclado” o “el nuevo monstruo del piano” deja de quitarse los zapatos para tocar “más cómodo”, lamenta que el jazz no se posesione en la tierra que lo vio nacer, sino que encuentre su nuevo centro irradiador en Europa. Bill Carrothers buenos”. Agustín Bernal, contrabajista del trío, agregó: “Influye el lugar porque en este club, como era tan pequeño, la gente recibía el mensaje más íntimo que en el caso de un espacio como un auditorio. Hoy por ejemplo, sí fue más o menos frío el público”. La influencia ejercida por los espectadores es innegable, aunque ésta no determina el desarrollo de los planteamientos de libre improvisación, según opina Bernal, “cuando salimos a tocar tratamos de hacer lo mejor y no basarnos en si el público reacciona o no, pero es muy gratificante cuando te está retroalimentando”. Con una actitud relajada, Carrothers refiere al respecto que durante su juventud no le importaba la reacción de los asistentes, “llegaba a tocar hubiera cuatro personas o cuatrocientas, pero ahora que soy más grande, sí he tenido un poco más de influencia pero no demasiada”. Para tocar jazz se necesita talento y escuchar lo que ya se ha hecho “y también oler muchos corchos, hacer pipí en público”, comenta entre risas Carrothers. En un tono más serio Agustín Bernal agrega “pues sí, vivir un poco, pero sobre todo, como dice Bill, escuchar mucha música”. Al hablar sobre el futuro del jazz la respuesta del pianista es “muerte y decadencia –dice entre risas–, para mí el futuro del jazz es si tengo trabajo en los próximos cuatro meses”. En su opinión el jazz está yendo a diferentes lados, ahora existen más jazzistas que nunca, pero contradictoriamente, en cuestiones de finanzas está muy mal. En Estados Unidos, per cápita, el presupuesto para cultura es de 60 centavos, mientras que en Europa es de 70 dólares. “El jazz es popular en todos lados, menos en Estados Unidos; Europa es el lugar,” enfatizó. Respecto al trabajo con Carrothers, Hernán Hecht, baterista, comentó: “Para mí es una experiencia increíble, de hecho yo fui un poco el gestor de esto, lo llamé, estuve mostrándole música y a él le gustó y le pareció bien. Para mí es como un sueño”. Mientras que Agustín Bernal indica que ésta ha sido una práctica de aprendizaje y mejoramiento continuo, “Bill es uno de los músicos que más admiro, imagínate cuando Hernán me dice que venía, no lo creía, ha sido una experiencia maravillosa”. Carrothers recomendó “a todos los jóvenes de México, no fumen. Es un hábito terrible, yo fumé por veinte años y sé que no es bueno”. “Y yo agregaría un poco a lo que dice Bill –indicó Bernal–, que escuchen mucha música, la música puede de repente ayudarte a sentir otras cosas sin usar drogas, la música en sí misma ya es maravillosa.” 13 ] festival alfonsino V I DA U N I V E R S ITAR IA �festival alfonsino [ 14 V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Alma Ramírez Los fenómenos atmosféricos participaron activa y enjundiosamente en el cierre del Festival Alfonsino que tuvo lugar el domingo 28. Sin embargo, ni las nubes negras, la lluvia, los fuertes vientos y el descenso de la temperatura disuadieron a las cerca de 250 personas que asistieron al patio central del Museo del Obispado a la presentación del ensamble Galileo, agrupación de música renacentista, barroca y virreinal, que brindó una velada llena de profesionalidad, magia y virtuosismo. Apenas se dio la tercera llamada los nubarrones oscurecieron el cielo y el viento empezó a soplar. Cual si fuera invocación, algunas gotas de lluvia comenzaron a caer en cuanto el ensamble, cuya soprano es la tapatía Rita Guerrero, también vocalista de la banda rockera Santa Sabina, ejecutó los primeros acordes del Verso de Miserere: Benigne Fac, pieza de Ignacio de Jerusalem (1710-1769), parte de un programa que incluyó tanto temas barrocos y sefardíes como renacentistas. Ensamble Galileo tiene cuatro dimensiones fundamentales: música sefaradí, renacimiento español e italiano, barroco europeo (alemán e italiano principalmente) y música virreinal. Manuel de Sumaya, José de Nebra, G.F. Haendel, Telemann, Barbara Strozzi, Juan del Encina son, junto con la tradición popular y el anonimato, algunos de los compositores más recurrentes en sus interpretaciones. Acompañada por los talentosos músicos Jacobo Poó (flautas de pico), Alejandro Tello (oboe y curtal), Patricio Osorio (violín), Manuel Mejía (laúd), Leonel Pérez (cello), Josefina Hernández (clavecín) y Francisco Bringas (percusiones), Guerrero interpretó obras presentes en sus dos producciones discográficas Todos los bienes del mundo y Una pieza de fuego, de 2003 y 2005 respectivamente, tales como “Confiado jilguerillo”, “Una matica de ruda”, “Durme, durme” y “Que es esto vengativa ardiente saña”. Durante la ejecución de “D´a aquel fraire flaco”, el viento Con un sentido interpretativo particular y en un contexto histórico contemporáneo, el ensamble Galileo realizó un viaje por cuatro dimensiones de la música antigua: sefardí, renacimiento español e italiano, barroco europeo y virreinal. Descubren, desde su contemporaneidad, el pasado sonoro Foto: Pablo Cuéllar Zárate arreció sus embates y junto con los inicios de la lluvia hicieron que algunas personas movieran sus sillas hacia los pasillos laterales del patio, aunque la mayoría permaneció en sus lugares, usando chamarras a manera de paraguas. La constante fue sin duda la intromisión de los vientos en los micrófonos, lo cual a ratos hacía fantasear con la idea de que más bien “acompañaban” como segunda voz a la Guerrero, quien a lo largo del concierto y al igual que el resto del ensamble tuvieron que impedir que las partituras abandonaran los atriles. En backstage, en torno a la idea de renovar la música del presente a través de la del pasado y el halo de solemnidad que envuelve a la música barroca, que equivale a aburrida para muchos, Rita menciona: “Somos seres contemporáneos, vivimos en este mundo y estamos viendo hacia la música que se hacía antes. Creo que se le da un tratamiento contemporáneo porque somos seres de este tiempo y porque, por ejemplo, el repertorio es muy variado, no estamos abocados a un solo género. Eso lo hace más dinámico”. “Hay público para todo, hay gente a la que le gusta muchísimo la música barroca, pero creo que lo interesante de este proyecto es que, al combinar varios géneros que son distintos aunque todo es música antigua, cada uno de los repertorios resalta más que si sólo tocáramos uno de los tres. Y creo que esa es una manera de acercar a la gente a esto.” El público, conocedor o profano en la materia, de igual forma apreció y ovacionó efusivamente al ensamble, que interpretó además piezas del francés Pierre Attaingnant (“Basse-Dance”, “Patience” y “Pavenne”); del español José de Nebra (“Que es esto vengativa ardiente saña”), organista y compositor autor de música religiosa y para la escena (La vida es sueño, en 1723); de Manuel de Sumaya (“Ya la naturaleza redimida”), compositor novohispano, primero de raíces indígenas, que fusionaba la música renacentista y barroca y Rafael Antonio de Castellanos (“Vaya de xacara”). “Juguetico de fuego”, “Las mis penas madre”, “Sola me dexastes”, “Calabaza, no sé buen amor”, “Avrix mi galanica” y “Bre sarica” fueron obras de autor anónimo presentes en el repertorio, cuyo final consiguió que el ensamble recibiera gran y extensa ovación de pie de los y las presentes. �a a Suplemento cultural Año 3, Número 38 flama@seyc.uanl.mx Reseñas de Eligio Coronado Alas de Tigre: creaciones de universitarios Rembrandt El exilio español en México ¿400 yo? �2 flama V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Rotafolio La nueva edición de Flama entrega a sus lectores un ameno recorrido por el Rijksmuseum de Ámsterdam que es el pretexto del maestro David Zambrano, catedrático de la Facultad de Música, para introducirnos de una manera sencilla en la obra más representativa de uno de los pintores más grandes de la historia, el holandés Rembrandt Van Rijn, de quien se festeja su natalicio número cuatrocientos. Y del arte universal Rocío Cárdenas nos lleva a Nuevo León al presentarnos las novedades de la creación de las artes plásticas a través de la Reseña de la Plástica Joven 2006 que se presenta en la Casa de la Cultura, además de entrevistar al ganador del premio de adquisición, Israel Eduardo Mercado Guerrero “El Chino”, egresado de la Facultad de Artes Visuales. En el contexto del Festival Alfonsino, consagrado en buena medida a la relación de México con España y, en especial, con el exilio, Eligio Coronado hace un sucinto recuento de los intelectuales, escritores, pintores, cineastas que vinieron a enriquecer con su presencia la cultura del país. El mismo Eligio nos invita a través de su columna Lectorum, a acercarse a la obra de dos autores nuevoleoneses: Reynol Pérez y Gabriel Contreras. Y como cada quincena, la creación de los jóvenes universitarios en Alas de Tigre. Algunas actividades de junio ■ HERNANDO GARZA M ayo finaliza y con él las actividades del Festival Alfonsino 2006, organizado por la UANL, a través de la Secretaría de Extensión y Cultura. Las entrevistas con personajes participantes y reseñas de conferencias y eventos efectuados de la rica programación interdisciplinaria presentada, están incluidas en esta edición de Vida Universitaria. Por cierto, vaya preparando su agenda, ya que muy pronto se llevará cabo la fiesta regional de cultura en la antigua Hacienda de Zuazua –sí, al lado del campo de entrenamiento de los Tigres–, con la presentación de grupos locales y homenajes a promotores de la cultura popular estatal, y en julio se desarrollará la Escuela de Verano 2006, con cursos y seminarios. Esté muy pendiente y solicite información al 8329 4111. Por los rumbos del Parque Fundidora, la Cineteca de Nuevo León del Centro de las Artes del Conarte, está de fiesta por su octavo aniversario y el inicio de la XLVII Muestra Internacional de Cine, a realizarse del 25 de mayo al 19 de junio. Son trece películas de España, Francia, Irán, Alemania, República Checa, Corea del Sur, Dinamarca, México, Argentina, Perú y Bélgica, seleccionadas en decenas de festivales a nivel internacional y ganadoras de decenas de premios. Algunos de los títulos son: En el hoyo y El cielo dividido, las únicas mexicanas, la primera de Juan Carlos Rulfo y la segunda de Julián Hernández. Otras realizaciones son: Princesas, Algo como la felicidad, Los niños del fin del mundo, Allegro y Próxima salida. Mayores informes al 84790015 al 18, ext. 210. Por otro lado, el viernes 25 de mayo arrancó el XVI Encuentro Estatal de Teatro de Nuevo León con la obra de teatro infantil El pozo de los mil demonios, dirigida por Vicente Galindo. El programa incluye 23 trabajos, 19 de ellos seleccionados por una comisión. Hay variedad, desde el clásico de El enfermo imaginario de Moliere, bajo la dirección de Ángel Hinojosa, hasta trabajos muy recientes como El cielo en la piel, dirigida por Míriam Orba, egresados de la Facultad de Artes Escénicas de la UANL. Las obras a representarse en distintos teatros del área Universidad Autónoma de Nuevo León Ing. José Antonio González Treviño Rector Dr. Jesús Áncer Rodríguez Secretario general Lic. Rogelio Villarreal Elizondo Secretario de Extensión y Cultura Dr. José Garza Acuña Director de Publicaciones Vida Universitaria Lic. Edmundo Derbez García Director informativo Lic. Hernando Garza Editor Diseño Alejandro Derbez García Auxiliar de diseño Emanuel García Corrección y estilo Genaro Huacal Fotografía Pablo Cuéllar Zárate Reporteras Jessica Balderas Salazar y Verónica Zapata Rivera metropolitana son: Policías vs. ladrones dirigida por Mario Mendoza, Nàstenka, bajo la dirección de Marcelo González; La nariz, dirigida por Heidy Nayelly Pérez; Mírame…¡soy actriz!, realizada por Alejandro Alonso; y Gestos para nada, a cargo de la dirección de Leticia Parra. También se presentarán Antes del desayuno, dirigida por Alejandro Alonso; Amargo silencio, bajo la dirección de Daniel Ramos; ¡Que te parta un rayo!, dirigida por Carlos Gueta; Las voces de Penélope, con la dirección a cargo de Janina Villarreal; El árbol, dirigida por Reyna Alfaro; ¡Y ahora…Romeo y Julieta!, trabajo dirigido por Ángel Hinojosa; y Relaciones peligrosas, montaje a cargo de Mario Cantú Toscano. Otras de las puestas incluidas en la programación son: ¿Cama para tres?, bajo la dirección de Víctor Martínez; Aguamuerte, dirigida por Pablo Luna; Los negros pájaros del adiós, realizada por Iván Flores; Salomé, con dirección a cargo de Jesús Mario Lozano; y Húmedas almohadas, dirigida por Vidal Medina. También se incluyen los montajes de Viajeros, dirigida por Jorge Vargas; Tú y cuántos más, dirección colectiva y Ni más ni menos, bajo la dirección de Antonio Ibarra. El Encuentro tendrá carácter selectivo. Las obras seleccionadas –cuatro– tendrán derecho a participar en el Festival de Teatro Nuevo León 2006, que se celebrará en el mes de agosto del año en curso. Entrada general $30 pesos. Mayores informes en los teléfonos 83 43 89 74 al 78 del Teatro de la Ciudad o puede consultar la página de Internet del Conarte: www.conarte.org.mx. Por cierto, en plástica, hay que disfrutar de la exposición colectiva de Vicente Rojo “Dos Estaciones”, gran retrospectiva con obras producidas de 1964 a 2005, que se expone en la Biblioteca Universitaria “Raúl Rangel Frías”. Muestra única en su tipo en la entidad, ya que el artista no había presentado el número de piezas, más de 100, entre originales sobre papel, pinturas y esculturas, en Nuevo León. Para mayores informes, comunicarse al 8329 4111. Por otro lado, en el Museo Metropolitano de Monterrey continúa exhibiéndose la muestra homenaje a José Luis Cuevas por más de 50 años dedicado a la pintura; y en Marco, la individual del arquitecto Ricardo Legorreta, “Poeta de muros y color”. * Colaboradores Reynol Pérez Vázquez, Mónica Hernández-Roa, Eduardo Crisóstomo, Zacarías Jiménez, Alma Ramírez, Rocío Cárdenas Distribución David Barrón Consejo editorial Alejandra Rangel Hinojosa, Silvino Jaramillo Osorio, Jorge Villegas Núñez, José Luis Esquivel, Roberto Silva Corpus y Salvador Guajardo Participa en flama Se reciben colaboraciones de universitarios: artículos, ensayos, poesía, reseñas, cuentos cortos, fotografía. Envíalas con tus datos completos. Los materiales estarán sujetos a revisión. �Exilio / V I D A U N I V E R S I T A R I A 1 de junio de 2006 3 flama El exilio español en México ELIGIO CORONADO • “Españolito que vienes al mundo, te guarde Dios; una de las dos Españas ha de helarte el corazón” L Antonio Machado a guerra civil española, iniciada en julio de 1936 (hace setenta años) por los nacionalistas al mando del general Francisco Franco (con apoyo de Alemania e Italia), vino a derrumbar las estructuras sociales y políticas existentes y arrastró al país por una pendiente interminable de destrucción y muerte. La feroz contienda entre republicanos y nacionalistas orilló a muchos civiles a abandonar el país. México fue uno de los primeros en abrirles sus puertas. En junio de 1937 arribaron en el “Mexique” (buque francés) 440 niños españoles huérfanos de la guerra y fueron trasladados a Morelia. Daniel Cosío Villegas, ministro en Portugal, había sugerido al presidente Tras haber perdido su país, su cultura y su identidad, como consecuencia de la guerra civil, para los españoles exiliados, su primera tarea fue adaptarse al país que los acogió, al tiempo de incorporarse a la enseñanza en instituciones del país. �4 flama V I D A U N I V E R S I T A R I A / Exilio 1 de junio de 2006 Lázaro Cárdenas que recibiera a un grupo de intelectuales de aquella nación en guerra. La llegada de los primeros personajes, en 1938, motivó la fundación de la Casa de España, presidida por el escritor Alfonso Reyes. Dicho organismo fungió como centro de investigación y estudio que acogió a los exiliados al tiempo que éstos se incorporaban a la enseñanza en diversas instituciones del país. La Casa de España, que en 1940 se convirtió en El Colegio de México, se sostenía con fondos del Banco Nacional de México, la Secretaría de Educación, la UNAM y el Fondo de Cultura Económica. Entre los primeros intelectuales españoles llegados a México se cuentan Juan de la Encina, Enrique DiezCanedo, José Gaos, José Moreno Villa, Adolfo Salazar y Jesús Bal y Gay. Después llegarían Pedro Carrasco, Luis Buñuel, Agustín Millares Carlo, Manuel Pedro Garfias. estando todavía en el barco “Sinaia” (en la foto), que lo traía a Veracruz, escribiría quizás el primer poema del éxodo español. Pedroso, Joaquín Xirau, Álvaro de Albornoz, María Zambrano, Max Aub, Luis Alcoriza, Rodolfo Halffter, José Gallegos Rocafull, Juan David García Bacca, Luis Recaséns Siches y muchos más. También llegarían los poetas: León Felipe, Juan Rejano, Juan Larrea, Manuel Altolaguirre, Emilio Prados, Luis Cernuda y Pedro Garfias. Precisamente este último, estando todavía en el barco “Sinaia”, que lo traía a Veracruz, escribiría quizás el primer poema del éxodo español: “Pueblo libre de México: como otro tiempo por la mar salada te va un río español de sangre roja, de generosa sangre desbordada. Pero eres tú esta vez quien nos conquistas y para siempre, ¡oh vieja y nueva España!” Ya en México, el siguiente paso fue adaptarse, tarea harto difícil cuando se ha perdido una cultura, una identidad, un país. El callado dolor, el quebrantado espíritu y la exigua esperanza de volver al terruño condicionaron la vida de más de veinte mil transterrados (término inventado por el filósofo José Gaos en 1949). Así que fundaron instituciones (Editorial Séneca, Instituto Luis Vives, Orfeo Catalá, Colegio Madrid, etc.), crearon revistas (España Peregrina de José Bergamín, Las Españas de Manuel Andújar, Litoral, 2ª. época, de Manuel Altolaguirre, Sala de Espera de Max Aub, La Nostra Revista de Avelino Artís, etc.) y se integraron al ritmo económico de su nuevo país según las necesidades de cada profesión (abogados, artistas, comerciantes, escritores, ingenieros, médicos, periodistas, profesores, etc.). EL EXILIO EN MONTERREY Monterrey también les brindó su hospitalidad y un buen número de �Exilio / V I D A U N I V E R S I T A R I A 1 de junio de 2006 José Gaos Luis Buñuel María Zambrano exiliados se afincó en nuestra ciudad, destacando entre otros: Pedro Garfias, Alfredo Gracia Vicente, Carmen Cortés y Daniel Mir. El poeta Pedro Garfias llegó en 1943 para trabajar en la Universidad de Nuevo León, al lado de don Raúl Rangel Frías en el Departamento de Acción Social Universitaria. Se iría en 1948, pero regresaría para morir aquí en 1967. Don Alfredo Gracia Vicente, librero y después maestro, crítico, promotor y mecenas, llegó a la ciudad en 1948 para atender la Librería Cosmos; luego tendría otra llamada Arte y Libros. Vivió entre nosotros hasta su muerte acaecida en 1996. Carmen Cortés, pintora, colaboró en 1947 en la Escuela de Arquitectura de la UNL y, al año siguiente, se hizo cargo del Taller de Artes Plásticas donde tuvo como alumnos a Guillermo Ceniceros, Jorge Rangel Guerra, Marcos Cuéllar, Gerardo Cantú y José Guadalupe Luis Cernuda Pedro Garfias Ramírez, significando esto el principio fundamental de la pintura moderna en Nuevo León. El Dr. Daniel Mir llegó en flama 5 León Felipe Rodolfo Halffter 1940 y se convirtió en columnista de futbol del periódico El Norte, fue directivo fundador del Club de Futbol Monterrey, titular del famoso programa de radio (de la XEFB) El Consejero del Aire, fue pintor (todavía circula por ahí un retrato que le hizo a Pedro Garfias) y dio clases de literatura, filosofía, griego y latín en la UNL, el Instituto Laurens y el Colegio Justo Sierra. Muchos más vinieron a participar en la Escuela de Verano de la UNL, fundada en 1945 por don Raúl Rangel Frías y Francisco M. Zertuche, que perduró hasta 1956. Pero hubo otros que no tuvieron voz que les diera presencia hasta que alguien les prestó la suya, como es el caso de doña Pily Neila, cuya hija (María del Pilar Álvarez Neila) acaba de publicar en Monterrey, en este 2006, El refugio, una historia de amor, guerra y milagros donde se narran los horrores, las penas y las tribulaciones de un ser (doña Pily) atormentado por el exilio. �6 flama V I D A U N I V E R S I T A R I A / Pintura 1 de junio de 2006 Rembrandt 400 El 16 de julio de hace cuatrocientos años nació el holandés Rembrandt Van Rijn (16061664), uno de los más grandes genios de la pintura universal. A través de este artículo se nos ofrece un recorrido por sus grandes obras expuestas ■ DAVID ZAMBRANO en el Rijksmuseum o Museo ¿400 yo?, se lee en un promocional que del Estado de Ámsterdam. invita a visitar el Rijksmuseum en Ámsterdam, uno de los muchos lugares en esta capital holandesa que conmemora el cuatrocientos aniversario del nacimiento de Rembrandt Van Rijn (16061664), genio de la pintura durante el siglo diecisiete en el norte de Europa, en lo que se conoce como la Edad de Oro de los países bajos. Nunca antes los holandeses habían sido tan ricos y poderosos; fue en el siglo XVII y justo al terminar la Guerra de los Ochenta Años (1548-1648) que lograron exiliar a sus opresores españoles y establecerse como estado independiente. Este pequeño país logró enriquecerse con el comercio y la navegación, ocasionando la aparición de mercaderes que reunían grandes fortunas y mostraban un enorme interés en el arte y la cultura, estimulando el florecimiento de ambas. El Rijksmuseum o Museo del Estado fue fundado en 1808 y es fruto de una tradición coleccionista que proviene desde la Edad Media. El edificio que alberga las colecciones data de mediados del siglo XIX y es obra del arquitecto P. J. H. Cuypers, quien se inspiró en la arquitectura holandesa del siglo XVII. Visto a la distancia, el edificio de Cuypers parece un pequeño palacio que preside la vista sobre el Museumplein o Parque de los Museos, en donde también se localiza el Museo Van Gogh y, a partir del 2007, el Stedelijkmuseum o Museo de Arte Contemporáneo. Este museo de más de doscientos años de edad está siendo remodelado, así que la exposición “Las obras maestras”se puede visitar en el ala Philips. Hay que seguir los letreros para localizar la entrada temporal. Una vez ahí conviene adquirir el boleto con acceso a esta exposición y a las exposiciones del Museo Van Gogh, dos de ellas relacionadas con la figura de Rembrandt. Se puede decir que “Las obras maestras” es la creme-de-la-creme de su propia colección dado que nos permite echar un vistazo a las grandes obras de la Edad de Oro. Esta muestra está compuesta por diversas piezas, tales como casitas de muñecas, objetos de plata, piezas de cerámica delftware, grandes pinturas de la milicia y por supuesto, las firmas de las pintores que son nuestros favoritos, incluídos Jan Steen, Fran Hals,Vermeer y Rembrandt. �Pintura / V I D A U N I V E R S I T A R I A 1 de junio de 2006 flama 7 El Puente de Piedra En resumen, la idea que deja en la mente ver esta exposición es saber un poco sobre las maravillas artísticas, políticas y económicas de la Holanda del siglo XVII. Tengo que decir que la estrella del Rijksmuseum para mí es Rembrandt, siguiéndole muy de cerca Vermeer, dado que de las 13 salas dedicadas a la exposición, tres (salas 8,9 y 12) tienen obra de este gran pintor, acompañada de obras de otros colegas holandeses. Estas tres salas están en la segunda planta y se llega a ellas después de contemplar la Gran escena de invierno de Henrick Avercamp y la obra Niña vestida de azul de Johannes Cornelisz Verspronck, colgadas en las salas 6 y 7, respectivamente. Una vez en la sala 8 me resultó un respiro de aire fresco poder contemplar retratos como La madre del pintor, Jeremías llora la destrucción de Jerusalén y El puente de piedra frente a mí. De estas tres obras de Rembrandt, dos de ellas adoptan el principio de caracterizar a los modelos como personajes de una historia bíblica. En La madre del pintor está representada una anciana sentada, concentrada en la lectura de un gran libro hebraico sobre un fondo oscuro; se cree que este retrato representa a la madre de Rembrandt como la profetisa Ana y está fechado en 1631. La otra obra que sigue este ■ La Madre del Pintor principio Jeremías llora la destrucción de Jerusalén, retrata a una persona del círculo del artista, ataviada como el profeta bíblico en un escenario que recuerda un hecho histórico. Esta pintura que fue raealizada en 1630 muestra el toque detallista que caracterizó al autor en esta época, evidente en las pequeñas manchas de color. El puente de piedra constituye una muestra de la serie de paisajes que Jeremías llora la destrucción de Jerusalén Rembrandt pintaba como descanso de su habitual tarea de representar figuras. Es una composición de pequeño formato realizada sobre madera entre 1637-1638, en la que sobresale un cielo tormentoso encima de un viejo puente, de este cielo logran filtrarse efectos de luz que resaltan el grupo central de árboles con un método semejante al que utiliza en cuadros de figura y que es conocido como claroscuro. Para no entretener más al lector, y lo digo �8 fl·ama V I D A U N I V E R S I T A R I A / Pintura 1 de junio de 2006 Detalle de La Guardia Cívica porque pudiera seguir elaborando sobre otros cuadros de Rembrandt de un total de dieciocho que posee el Rijksmuseum,o sobre las cuatro obras de Vermeer que tienen un lugar privilegiado en la sala 10, solo hablaré de dos óleos de Rembrandt que lo colocan como el más grande pintor holandés de su tiempo. Se trata de la La ronda de noche y Los síndicos del paño. El verdadero nombre de La ronda de noche es La Guardia Cívica mandada por el capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willem van Ruytenburch. La corrección del título fue posible debido a una limpieza hecha al lienzo una vez terminada la segunda guerra mundial que dejó en claro que se trata de una escena a la luz del día. Este lienzo de gran formato de 350 por 438 cm, está firmado y fechado en 1642 y representa la culminación de los primeros diez años de residencia de su autor en Ámsterdam, quien nació y vivió en Leiden los primeros veinticinco Los Síndicos del Paño David Josué Zambrano de León. Es arquitecto, licenciado en música y tiene una maestría en artes con especialidad en educación en el arte. Trabaja en la Facultad de Música como catedrático desde 1986. Es el director general del folleto cultural Desde Adentro que edita esta facultad a partir de 2004. años de su vida. Rembandt resolvió el encargo de la ciudad de Ámsterdam retratando a los miembros de su guardia cívica al lado de personas del pueblo. Esta obra se encuentra orquestada en términos de color e iluminación. Se ha de resaltar que la escena posee un aire de espontaneidad, mostrando uno de los paisajes cubiertos característicos de la geografía urbana de esta ciudad en el siglo XVII, con gran realismo. Esta espontaneidad está presente también en Los síndicos del paño. En esta obra el autor buscó representar a los responsables del gremio textil respetando los principios tradicionales del retrato de grupo. Las figuras rodean una mesa vestida con un tapete, al parecer revisando un libro de cuentas, acción que es interrupida por la entrada a la habitación de un visitante hacia el cual dirigen sus miradas. Este retrato firmado en 1662 está compuesto por pinceladas que crean texturas que permiten diferenciar las distintas cualidades de los rostros, la indumentaria, el tapete y el acabado de madera del muro. Para terminar, quiero puntualizar que actualmente existen 300 pinturas oficialmente etiquetadas como obras de Rembrandt y que esto ha sido posible gracias a los esfuerzos de un grupo de expertos, que bajo el nombre de “Proyecto de Investigación Rembrandt”, utilizaron técnicas científicas tales como la fotografía de rayos X y el análisis de pigmentos, logrando reducir el número anterior de 700 obras, considerando poco creíble para un artista del siglo XVII, a las 300 que mencioné. Su trabajo además ha ayudado a incrementar el conocimiento sobre Rembrandt, el gran genio holandés, quien deja muy en claro su sorprendente capacidad artística y arrastre aún después de 400 años. * �Alas de Tigre / V I D A U N I V E R S I T A R I A 1 de junio de 2006 flama 9 ALAS DE TIGRE La ceniza de los años Segunda entrega Efecto (16 años) Hue e Kne nl runm. Kne mua Hue, Hue choc l runm. Duelo (20 años) Veo tu cuerpo en esa caja mortuoria. Me aferro a ti, a tu olor putrefacto, devorada por los gusanos, irreconocible, pero aún bella, aún necesaria. La oración hace que te ame más y el olor a vela que anuncia que ya te vas. Me embriagaré con este café para quedarme despierto y esperar que digas mi nombre o a que sólo suspires. Mis lágrimas caen en tu rostro borrando el maquillaje que te pusieron. Espero que exista el suficiente café para esperarte. Adicción (16 años) Bestia llena de dulzura y de paz. Bestia vestida de placer que aunque conserve su antifaz no puede ocultar su imagen destructora. Su misión es exterminar y lo sé. Bestia ¿Quién eres? , ¿no seré yo parte de ti?, ¿yo, quién soy? ¡Maldita bestia iluminada por la luna que poco a poco va adquiriendo más fuerza para acabar conmigo! Un poema que nunca se escribió (14 años) Sin nota sol se queda la alegría. Los dragones no respiran. Sus rizos negros morirán. Las hojas se quedaron sin lizar. ¿Mi mente, dónde está? En cama (19 años) En esta noche sin estrellas ¿A quién le cuento mis penas? Sólo mis pensamientos profanan el silencio. De compañía la almohada y la vigilia a un lado. ¡Tardaré tanto en dormir y más si el estrepitoso recuerdo de mi cobardía se desprende de mi olvido! ¡Ya tengo bastante sin confesar mis penas y al hacer el inventario de mi cobardía, me atormenta! Se enfría la colcha y se endurece la cama. No tengo descanso desde que el amor llegó y no se presentó. Su nombre perdido en una estrella, su presencia el más oscuro silencio. Si sólo pudiera conocer a mi amor, más el día es corto para aclarar su voz. Si sólo pusiera a dormir a la cobardía en el día, despertaría y dejaría las noches de dudosa estancia. He permanecido por el recuerdo de mis inciertos: ¿cómo sé que existo?, ¿cómo sé si sus ojos me han visto? Me estoy desmoronando con las penas y con el alma empedernida por respuestas. Deseo ser ideal al mundo, caminar con paso renovador, cosechar el alma ¿Cómo aprender? Penas que nacen cada noche enlutando en la mañana y andan como fantasmas todo el día. No he tenido descanso, me he comido media luna, dejaré de adorar al silencio y lo meteré en mi cabeza. Amor, ¿tal vez mañana? Temor hoy mueres. Ya casi amanece. Dormiré. Eclipse (19 años) La luna ansiosa por ser limpiada poco a poco se entrega a la oscuridad. Se escuchan sus gemidos, lentos y silenciosos, gemidos de luna excitada, gemidos que alteran la piel. ¡Gemidos! Silenciosos a sonoros, fuertes y rápidos, más fuertes, más prolongados. La luna grita en la oscuridad. Gritos ennegrecidos. Gritos que invitan a la fantasía, ¡gritos! Después del silencio detrás de las nubes pide otra vez ser oscurecida. Luna excitada, luna eclipsada queda aún insatisfecha. Andrés Emmanuel Guel Luna Estudiante de la Facultad de Psicología de la UANL Tríptico para una niña gitana ¿Un bostezo? Bueno Pero con el tallo seco De una muchacha que usaba Sortijas en todos los dedos Sensible a los eclipses De luna de sol De todo menos amor No hablará de la luna Hoy Hace tiempo que la ha dejado Navegando sin rumbo a través de la Noche Le mira escribirle versos Tan románticos como intrascendentes Pero ya no importa. Los ojos oscuros Parecen de alba las alas De una libélula translúcida y quieta Diciéndole espirales A las estrellas Llevaba un brazalete blanco Rodaja incompleta de un astro Y también la superficie ocular Donde nada en círculos La noche sobre suelo lunar Perlas cuadradas tras el telón Rojo de labios Ausente de sol Y las uñas y el brazalete blanco rodaja incompleta de un astro Sí, confiesa (y su voz se torna similar al canto suicida de las sirenas) Natalia M. R. Luna Estudiante de la Facultad de Artes Visuales AVISO DE OCASIÓN Armando Gerardo Santos Uruñuela Mañana será igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Hoy es igual que mañana. Mañana será igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Hoy es igual que mañana. Mañana será igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Hoy es igual que mañana. Mañana será igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Ayer fue igual que hoy. ¡ATENCIÓN! Hoy es igual que mañana. Mañana será MADAME CASSANDRA: igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Clarividente certificada. Hoy es igual que mañana. Mañana será LECTURA DE TAROT igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. (método exclusivo) Hoy es igual que mañana. Mañana será ¡Esclarece el pasado! igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. ¡Explica el presente! Hoy es igual que mañana. Mañana será ¡Vislumbra el futuro! igual que ayer Ayer fue igual que hoy. CONSEJERÍA MÍSTICA Hoy es igual que mañana. Mañana será LECTURA DEL TAROT igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Consultas privadas, seriedad absoluta. Hoy es igual que mañana. Mañana será ¡Servicio a domicilio! igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Teléfono esotérico: 1 2 3-CASSANDRA Hoy es igual que mañana. Mañana será Lunes a sábado de 10:00 AM a 6:30 PM. igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Hoy es igual que mañana. Mañana será igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Hoy es igual que mañana. Mañana será igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Hoy es igual que mañana. Mañana será igual que ayer. Ayer fue igual que hoy. Hoy es igual que �10 flama V I D A U N I V E R S I T A R I A / Plástica 1 de junio de 2006 Tomás Hernández (No es otra tonta telenovela mexicana 01) RESEÑA de la PLÁSTICA JOVEN de NUEVO LEÓN 2006 ■ ROCÍO CÁRDENAS El pasado jueves 18 de mayo se inauguró en la Casa de la Cultura de Nuevo León el Primer Salón de la Reseña de la Plástica Joven de Nuevo León 2006 en el rubro de pintura y obra gráfica. En este Primer Salón de la Reseña 2006 se inscribieron un total de 103 artistas, de los cuales quedaron solamente seleccionados 38 autores con 58 obras. El jurado estuvo compuesto por Silvia Vega, Xavier Moyssén y Carlos Blas Galindo. De estas 38 obras, la Casa de la Cultura del estado, junto al Consejo para la Cultura y las Artes (Conarte), adquirirán algunas para formar parte del patrimonio artístico de Nuevo León. Las temáticas utilizadas por los participantes estuvieron impregnadas del nuevo sentido de la violencia urbana, del consumo de lo cotidiano y de los universos personales que se transforman en el diario vivir de una ciudad como Monterrey. Gran calidad en todos los trabajos y amplia capacidad de diálogo es lo que se puede percibir en este Primer Salón de la Reseña, cuya permanencia será hasta julio del presente año. En la entrada de la galería nos recibe la obra de Baldomero Hernández, impecable muestra de un trabajo bien logrado, evolución clara que evidencia su madurez e identidad como productor joven dentro de la pintura y de la gráfica. En la sección inicial se encuentra una obra sobre papel de Francisco Rodríguez (Cuentos y convicciones, 2005), excelente trabajo de minuciosidad y desarrollo de un discurso identificado con la ilustración de libros infantiles. David Garza presenta un tríptico realizado sobre acrílico (With a little help of my friend #5) en el cual muestra un dominio sobre el material y la técnica que dejan en claro que la expresión pictórica no está limitada al óleo sobre tela. En la parte central destaca la pieza de Jesica López “La Negra” y Enrique Ruiz (El artista aparece junto al rey del cabrito, 2006, acrílico sobre tela), obra realizada en colectivo y en la cual podemos ver una sátira sobre la identidad regiomontana y el folclor regional a través de uno de los restauranteros más famosos de la localidad. �Plástica / V I D A U N I V E R S I T A R I A 1 de junio de 2006 Carlos Robledo Baldomero Hernández Entre los artistas de media carrera que completan el panorama de esta reseña tenemos la magnifica pieza de Rubén Gutiérrez realizada sobre papel y en gran formato. Tomás Hernández, fiel a su temática sobre la violencia de género (especialmente sobre las mujeres) presenta dos piezas que llevan por título (No es otra tonta telenovela mexicana 01 y 02). Israel Mercado, Premio de Adquisición Israel Eduardo Mercado Guerrero, uno de los ganadores del Premio de Adquisición de la Reseña, tiene 27 años y egresó de la carrera de Artes Visuales con acentuación en Artes Plásticas en 1999 de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Pertenece a la misma generación de destacados productores visuales como el colectivo tercer1quinto, Adrián Procel, Mayra Sylva, Celeste Flores, Javier Molina, entre otros. Sus amigos los conocen como “Chino”. La técnica desde la cual desarrolla su trabajo es la pintura, actualmente está trabajando una línea diferente de producción a la que ha desarrollado a lo largo de su carrera como pintor. Junto a su compañero Adrián Procel, podríamos decir que son los pintores de su grupo generacional, ambos manejan la técnica de una manera extraordinaria pero sus búsquedas son distintas. En el caso del “Chino” su paleta y su temática han estado influenciadas más por las imágenes encontradas a través de ciertos espacios casi cinematográficos de encuentro con personajes sacados de revistas o de fotografías, además los entornos con los que delimita sus figuras son muy suaves y desdibujados al contrario de Procel que es preciosista y técnicamente muy depurado, podemos decir que el “Chino” utiliza ciertos rasgos expresionistas a través de su pincel. De carácter tímido manifiesta una necesidad por encontrarse con los objetos y que estos encuentros le permitan generar sensaciones y anécdotas. La pintura con la que ganó el Premio de Adquisición es una obra realizada en 2006, la técnica utilizada es óleo, acrílico, collage, tinta barniz, sin flama 11 mezcla y según sus propias palabras “untado” sobre la tela. Tal y como si se tratara de una receta de cocina. Me sorprendió mucho que tu pieza sea de las pocas no figurativas ni hiperrealista dentro de toda la selección de la Reseña. Mira lo que sucedió en estas dos piezas que concursaron en la Reseña es algo que siempre quise experimentar, pero me daba miedo. Es como cuando no estás seguro de aceptar que te gusta una niña y a la mera hora te avientas y resulta que tú también le gustabas. ¿Has terminado entonces con tu etapa de trabajo figurativo en la pintura? No lo sé. Lo que te puedo decir es que lo que me pasa con lo figurativo es que las pinturas que generé bajo esa forma de expresión obedecían a una influencia sobre los tiempos que vive una imagen. La imagen y su tratamiento, la técnica de pelear la batalla que la fotografía algún día ganó, pero yo soy muy terco y estoy aferrado a la pintura como posibilidad para voltear los papeles. ¿En qué se basan entonces las temáticas que utilizas en tus obras? Para mí las cosas más triviales se vuelven fundamentales. Así lo creo y por eso hago mi trabajo. La observación de momentos y los comportamientos de la gente que está en ellos es mi campo natural de interés. ¿Existen algunos detonantes que generen esos fundamentos en tu obra? Sí, claro, y son muy variados desde un dibujo, un artefacto, un escrito, una frase dicha, una pintura, una foto con el celular, una composición musical de medio minuto, lo que sea me sirve de registro para no olvidar (no quiero olvidar), creo que nadie quiere. Los temas de mi trabajo son tan variables como la vida misma, no vas a decir lo mismo contento que enojado, no de la misma manera. Vamos cambiando y de la mano va cambiando también nuestra concepción del arte. Podríamos decir entonces que tu obra es como un registro continuo, como un diario de viaje. Como un diario sí... podría ser. ¿Esta obra pertenece a alguna serie o son individuales y dime, tienen título? Mira, la verdad (esta obra), es algo tan nuevo que no había pensado en eso, no son una serie en sí misma. Dentro de todo lo que surge debe haber una especie de orden, agrupaciones de acuerdo a ciertas similitudes. Sobre el título, pues no soy aficionado a los títulos, me cuesta trabajo asignarlos. Yo tomo referencias de todo lo que se me atraviesa y me llame la atención, creo que soy muy idealista y a eso responde mi quehacer. Cuando era niño quería arreglar el mundo, ahora lo pienso dos veces. * �12 flama V I D A U N I V E R S I T A R I A / Variaciones 1 de junio de 2006 LECTÓRUM Eligio Coronado EL TREN NUESTRO DE CADA DÍA E l tren nuestro de cada día de Reynol Pérez Vázquez reúne nueve obras de teatro de variada índole. Hay obras campiranas (Aullidos), infantiles (El bostezo azul), familiares (Paisaje con columpio, La vitamina que llegó de América, Mocasín, Ausencia con gato, El tren nuestro de cada día), del viejo oeste (Ralph) y simbólicas (Ana y el hombre). Más allá de esta clasificación general encontramos que en las obras familiares se plantean diversas cuestiones: las relaciones entre hermanas (Paisaje con columpio), la vida bajo un régimen comunista (La vitamina que llegó de América, Mocasín), la escasez de productos alimenticios (La vitamina…), la falta de vivienda (Mocasín), las relaciones de pareja (Ausencia con gato) y la familia disfuncional (El tren nuestro de cada día). En el resto de las obras se exploran las creencias populares y el fatalismo predominante (Aullidos), la vida sin incentivos o la lucha contra el tedio (El bostezo azul), los amores malogrados por la tragedia (Ralph) y la falta de adaptación a nuevos ambientes (Ana y el hombre). La dramaturgia de Reynol Pérez Vázquez (Agualeguas, N.L., 1959) presenta las siguientes características: diálogos inteligentes, incluso poéticos (El bostezo azul), atmósferas convincentes (costumbristas, realistas, oníricas), personajes sólidos (en especial las mujeres) y buen manejo de los tiempos (destacando El tren nuestro de cada día, donde los personajes conviven en una doble temporalidad). Además, Reynol se apoya en los siguientes elementos para desarrollar sus tramas: la espera (Elodia y Refugito es- Reynol Pérez peran a Gelasio en Aullidos, Vázquez Guido y Marina esperan a El tren nuestro de cada día. Monterrey, N. L., UANL, Obdulia en El bostezo azul, 2000. 268 pp. Fot. Stamat Skarídov y su familia esperan los envíos del tío Atanás en La vitamina…, Vasil Todorov y su familia esperan al tío Petrov en Mocasín, Olga espera fugarse con Ralph en Ralph, Elisa niña y Elisa adulta esperan a su padre y esposo, respectivamente, en El tren nuestro de cada día y Ana espera volver a su país en Ana y el hombre). El otro elemento recurrente en la obra de Reynol es el juego: en El bostezo azul, los personajes juegan con una caracola, juegan con una cintilla azul, juegan a saltar la cuerda, juegan a que son pasajeros de un barco, juegan a ser otras personas con otros nombres y juegan a que Guido es una foca, todo para combatir el aburrimiento; en Paisaje con columpio, Ada y Goriana juegan a que Ada es picada por una víbora, juegan a que son marido y mujer, juegan a columpiarse, Goriana juega con un cuchillo y finalmente juegan con la calavera del hombre (Tareq) que las dos amaban, todo antes de un enfrentamiento final (que también es un juego) por causa del hombre muerto; y en Ana y el hombre, Ana y su marido, Édgar, juegan a enrollar una cinta (que simboliza un puente entre ambos) mientras se acercan el uno al otro. El tren nuestro de cada día incluye un anexo con veinte fotografías de los montajes de las obras de este autor. Lo invito, apreciable lector, a acercarse a la obra de este escritor nuevoleonés. * UN GENERAL DE TODOS LOS CERROS G eneral de todos los cerros del periodista, narrador y dramaturgo Gabriel Contreras (Monterrey, N.L., 1959) es una colección de textos de muy variada índole: tres obras de teatro, dos cuentos, dos artículos, una crónica, una charla, un reportaje, una fábula paródica y tres notas sueltas. El propio autor señala en la contracubierta que “se trata de escritos diversos, inconexos, urgentes en todos los casos y ajenos a todo proyecto de permanencia voluntaria”. Sin embargo, las obras sí me parecen perdurables, comenzando por la primera que le conocimos: Todos morimos en 1909 (Aguamuerte), la cual trata de las víctimas de la inundación que azotó a nuestra ciudad en la fecha señalada. En dicha obra destaca el hecho de que todos los personajes conforman un andamiaje sólido que sostiene y apoya al protagonista central, Aspero Anegado, en sus esfuerzos por referir, mediante un lenguaje franco y campirano, algunos retazos de sus vivencias. La segunda obra (Primero muerto que perder la vida), anunciada como narcomedia musical, nos presenta al Señor de los Cielos (el narco Amado Carrillo, llamado aquí Esteban Carrizales) en los días alrededor de su muerte. Aquí la acción es rápida y los personajes son exactamente los necesarios. La tercera y última de las obras, Arriba, en la ceiba (Frankestein en Catemaco) es una variante del personaje que Mary Shelley creó en 1818. Aquí el niño Jacinto, despedazado por un ventarrón, es llevado por su madre (Toña) ante un brujo, el cual intenta reconstruirlo con partes de animales. Poco después, en vista de que el nuevo Jacinto no se adapta, no aprende y no habla, el brujo decide enviarlo a Jalapa, acompañado por su amigo el Viejo de la Danza. Allí Jacinto deviene en el luchador La Momia del Pantano. Cuando otro luchador (El Capuchas) le arranca la cabeza, Jacinto se regresa a Catemaco. La obra concluye cuando los pobladores se disponen a ejecutar a La Momia, a quien culpan de la muerte de los animales del bosque. Cabe aquí señalar algunas similitudes entre las tres obras: a) En todas ellas los personajes centrales (Aspero Anegado, Esteban Carrizales y Jacinto) están muertos, b) En todas hay un coro (llamado “cantores” en la primera, “guardias” en la segunda y “pobladores” en la tercera, c) En las tres hay canciones, d) En dos de ellas hay narradores ocasionales: en la segunda (Primero muerto que perder la vida) aparecen un locutor y un reportero, y en la tercera (Arriba, en la ceiba) aparece un locutor televisivo, y e) Dato trivial, pero no menos importante: las tres obras son cortas. Por último, deseo señalar la presencia de tres letras de canciones muy conocidas con las que el autor resolvió algunos diálogos: “Libro abierto” (de Pedro Yerena, p. 40), “Guantanamera” (de The Sandpipers, p. 49) y “Hello, goodbye” (de Gabriel Contreras The Beatles, p. 62). General de todos los cerros Procuren adquirir General de México, D. F., Conaculta/ todos los cer ros para que UANL, 1998. 93 pp. conozcan a este autor que se (Los Cincuenta). caracteriza por ser ingenioso y antisolemne. * �1 de junio de 2006 Jessica Balderas Salazar La edición 2006 del Festival Alfonsino enlazó a Nuevo León y a España gracias a la producción del Centro de Arte Flamenco, Claudia de Fuentes–New Music. Muestra de lo anterior es la inclusión este año del espectáculo de danza “El flamenco viene de Andalucía”, con el que la región europea se hace presente con uno de sus más reconocidos bailes. El programa capta los tres ángulos del flamenco: el baile solista, expresivo y profundo; la guitarra solista y el cante, comunicándose las tres partes entre sí. Se abre el telón y deja ver un escenario sobrio, donde al final del mismo, estratégicamente situados se encuentran los músicos Arnulfo Canales y Miguel Fuentes Leunig en las guitarras y Álvaro Rubio en las percusiones, además de Jeromo Segura el cantaor, interpretando “Caracoles”, para dar paso al centro a cinco bailaoras, quienes con sus característicos vestidos estilo gitano llevan al público de viaje, directo a Andalucía, donde los gitanos crearon esta corriente desde su llegada en el siglo XV. El arte flamenco se caracteriza por sensibilidad y gracia espontánea, lo cual inclina el espectáculo a uno desprovisto de grandes montajes coreográficos o historias superfluas que en la actualidad se considera lo adultera en algunos circuitos comerciales. A cargo de Oripandó, en este espectáculo participan exponentes destacados de este baile en México; para la segunda melodía “Romera” se incorporó a los músicos Miguel Lawrence, quien con su flauta daba otro toque a las interpretaciones, acompañados solamente por la bailaora Claudia de Fuentes. Al compás de la música regocijaba su abanico y su cuerpo en un florido pero discreto vestido beige y con su danzar el sonido de sus zapatillas complementaba la música. Llegado el momento de “Fandangos”, reaparecieron en el escenario Leonor Zertuche, Jacqueline Nevárez, Jessica Benavides, Mónica Martínez, De Andalucía llegó el flamenco Fotos: Pablo Cuéllar Zárate Con sus característicos vestidos gitanos las bailaoras, músicos y el cante llevaron al público a un viaje directo a Andalucía, a través de una exhibición de vitalidad que preserva la riqueza de este folclore. Fernanda Lozano, María de la Luz Elizondo, las otras cinco bailaoras, quienes con cambio de vestido y acompañadas por Sabás Santos hicieron en grupo vibrar de nuevo el escenario, con esa simpatía tan característica de un bailaor. Tras una breve pausa salieron del escenario quedando sólo los músicos a la vista del público para interpretar “Río ancho”. Para continuar con otro tema, la bailaora, quien con su llamativo vestido rojo y al sonido de la flauta se preparaba para mostrar con “Petenera” su baile a los espectadores, quienes con cada pieza quedaron complacidos. Después las guitarras se unieron y su baile arrancó junto con el cantaor, quien diera paso a la presentación del resto del cuerpo de baile, que esparcidas por todo el escenario mostraban su danza ayudadas por los vistosos mantones que cada una portaba como parte de su atuendo. A continuación, el cantaor Jeromo Segura sorprendió al público al levantarse de su asiento y dando unos pasos se detuvo en el frente del escenario, lo más cerca posible del público para entonar “Tangos – Guajira” totalmente a capella, lo cual provocó interminables aplausos del público, quienes a cada final respondían de la misma forma. Para “Alegrías”, el único bailaor presente apareció en el escenario para de manera solitaria engalanar con su baile y captar la atención de los espectadores que se dieron cita en el Teatro Universitario. Continuó un baile sencillo a cargo de todas las bailaoras, quienes en esta ocasión portaban un vestido en color blanco que con sus vistosos olanes engalanaba más su danzar al ritmo de “Bambera”. Para el cierre “Fin de fiesta”, que con una pegajosa melodía cada uno de los componentes del espectáculo lucieron sus habilidades en el baile en el centro del escenario. Los aplausos no se dejaron esperar, lo que animó al cantaor a unirse al baile para ofrecer algunos pasos, mientras fungía como cantaor el guitarrista Miguel Fuentes; la ovación fue larga y con ello, paulatinamente el escenario volvió a quedar como antes de la función, completamente solitario. 15 ] festival alfonsino V I DA U N I V E R S ITAR IA �festival alfonsino [ 16 V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 OSUANL Los tres grandes de la música fueron los invitados Alma Ramírez Un concierto de grandes vuelos con invitados de primer orden fue el que tuvo lugar el jueves 18 en el Teatro de la Ciudad, evento realizado por la UANL en coordinación con el Fórum Monterrey 2007, cuyo programa incluyó a los tres compositores más grandes de la música clásica: Bach, Mozart y Beethoven. En esta ocasión, la Orquesta Sinfónica de la máxima casa de estudios fue dirigida por el holandés Johannes Leertouver, poseedor de una amplia y fructífera trayectoria y titular desde 1998 de la Orquesta de Cuerda Joven de Holanda; además de contar con la participación del pianista vietnamita Dang Thai Son. Ante un público cuyo número no demeritó en entrega y reconocimiento tanto al ensamble como a los artistas invitados, fueron ejecutados el Concierto de Brandenburgo No. 3 en sol mayor, de Juan Sebastián Bach (Alemania 1685-Leipzig 1750); el Concierto para piano No.27 en si bemol mayor, de Wolfang Amadeus Mozart (Salzburgo, 1756 Viena 1791), y la Sinfonía No. 7 en la mayor, Op.92, de Ludwig van Beethoven (Bonn, Alemania 1770-Viena 1826). A pesar de la calidez de los asistentes resultó evidente cierta falta de conciencia sobre las reglas no escritas a la hora de acudir a un concierto de música clásica, como el hecho de llegar a tiempo y no cuando ha transcurrido hasta media hora desde el arranque. Considerado como un director con gran repertorio y un entendimiento poco habitual del estilo musical, cuyas principales áreas de interés son la interpretación de los compositores clásicos vieneses, las orquestas de cuerda y trabajar con vocalistas, Leertouver demostró en todo momento Fotos: Pablo Cuéllar Zárate pleno dominio y precisión, sacando lo mejor de la orquesta. El Concierto de Brandenburgo No. 3, la primera pieza, forma parte de un total de seis conciertos que Bach presentó en 1721 al Margrave de Brandenburgo, pero al parecer fueron compuestos en una fecha anterior, caracterizándose porque en cada concierto los instrumentos solistas son diferentes. En el caso de éste los instrumentos son tres violines, tres violas, tres violonchelos, clavecín y bajo continuo, y dividiéndose en tres movimientos: allegro, adagio y allegro. La mayoría de los conciertos de Brandenburgo siguen el formato de los concerti grossi y cada uno de ellos posee rasgos estilísticos sumamente singulares. A Bach se le considera el más grande maestro del Barroco y probablemente de toda la música clásica. Al Concierto de Brandenburgo le siguió el Concierto para piano No. 27 en si bemol mayor, de Mozart, compositor de más de 600 obras, entre sonatas, sinfonías, música de cámara, divertimentos, óperas, etcétera, y quien muriera prematuramente a los 35 años de edad sumido en la pobreza y el olvido. En esta obra, apoyado en todo momento por un ensamble consistente y receptivo, el pianista Dang Thai Son ofreció a los asistentes una ejecución brillante, a tal grado que se hizo merecedor a una copiosa ovación de pie, al igual que Leertouver. El público logró su cometido y el pianista regaló “Siciliano”, también de Bach. Gracias a su virtuosismo, Thai Son ha recorrido más de 45 países y ha sido colaborador de las mejores orquestas y directores a nivel mundial. Ganador en 1980 de la Medalla de Oro en el Décimo Concurso Internacional de Piano Chopin, compagina sus actividades con la enseñanza en la Universidad de Montreal. Un detalle molesto fue un desperfecto que provenía presuntamente de algún equipo de audio. Durante los silencios de la orquesta se percibió una melodía indeterminada, a un volumen no tan alto como para incomodar pero tampoco tan bajo como para ser imperceptible, hecho que duró todo el concierto. Tras Mozart y el intermedio vendría Beethoven y la Sinfonía No. 7 en la mayor, Op.92, trabajo iniciado hacia fines de 1811 o principios de 1812; cuatro años la separan de la Sexta, pero en este intermedio el genio alemán compone obras tan importantes como el Quinto concierto para piano “Emperador”, los cuartetos X y XI, la obertura “Egmont”, las sonatas op. 78 y 81, etc. La Sinfonía No. 7 es calificada “como un milagro del genio”, y Wagner la llamó “apoteosis de la danza”. Thai Son demostró de nueva cuenta que son ciertas las críticas que lo señalan como “un artista único que destacará a lo largo del tiempo”. Para bien o mal, al inicio del primero de los cuatro movimientos que integran la obra, algunas personas decidieron retirarse, perdiéndose esta joya del legado del artista germano castigado en la cumbre de su vida por la sordera. El cierre de la sinfonía resultó majestuoso y así ensamble, solista y director huésped terminaron por ganarse a la concurrencia, que se deshizo en aplausos y ovación de pie, haciéndoles regresar al escenario. �El gran protagonista en el segundo concierto que la Orquesta Sinfónica ofreciera dentro del Festival Alfonsino fue el violonchelo que en manos de David Cohen y la conducción del austriaco Martin Sieghart regaló una apasionada y vibrante ejecución del concierto de Schumann. El chelo como protagonista Fotos: Pablo Cuéllar Zárate Alma Ramírez El violonchelo fue el gran protagonista en el concierto que la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León ejecutó el jueves 25 de mayo en el Teatro de la Ciudad, también en coordinación con el Fórum Internacional de las Culturas, gracias al cual el público disfrutó de tres obras nacidas del genio de Shostakovich, Schumann y Brahms. En esta ocasión se contó con la presencia del chelista belga David Cohen y el director huésped Martin Sieghart, proveniente de Viena, Austria, dos artistas de gran factura a nivel internacional. La primera pieza fue la Obertura festiva, Opus 96, de Dimitri Shostakovich (19061975), considerado como “el más calificado representante del sinfonismo moderno”, la cual fue escrita en 1947 para conmemorar el trigésimo aniversario de la Revolución rusa y ejecutada por primera vez en Moscú el 6 de noviembre de 1954. La OSUANL brindó una interpretación briosa y relajada, confirmado el calificativo que identifica a la obra, que pertenece a las piezas libres que escribiera Shostakovich por encargo y que no entran en la categoría de sinfonías. Con toda la experiencia que le precede –debutó en 1986 como director de la Orquesta Sinfónica de Viena–, Martin Sieghart hizo gala de soltura y precisión a la hora de dirigir al ensamble, mismo que a lo largo del concierto dio todo de sí, en especial el área de percusiones. El resultado fue que desde el final de esta pieza el público regaló una efusiva ovación de pie, acto que se repitió con cada una de las obras. El debate entre quienes conocen la obra del compositor ruso se orienta, por un lado, a ubicarlo como el compositor oficial de la antigua Unión Soviética, una suerte de consentido y portavoz de la vida artística de este bloque; pero por el otro, el creador de la ópera Lady Macbeth, hecho que lo obligó a guardar silencio creativo hasta la muerte de Stalin en 1953 debido al contenido irónico en contra del régimen. Luego vendría el Concierto en la menor para violonchelo y orquesta Opus 129, de Robert Schumann (1810-1856), a cargo de David Cohen, joven y brillante promesa artística. El belga nacido en 1980 en el seno de una familia de músicos y cuyo primer acercamiento al chelo fue cuando tenía tan sólo siete años de edad, brindó una ejecución magnífica, apasionada y vibrante de esta obra, considerada como “la manifestación de todos los bienes” de Schumann, muerto prematuramente a los 46 años de edad. La vida del compositor alemán, marcada por la tragedia –crisis depresivas, enfermedades, pérdidas–, dejó como legado un sinfín de obras maestras que reflejan en más de una ocasión su situación anímica. Su prometedora carrera como pianista quedó trunca cuando creó un aparato para fortalecer el cuarto dedo de la mano, el cual lo inutilizó, volcándose en la composición y la crítica musical. Apoyado en todo momento por un conjunto sólido y V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 participativo, Cohen se echó a la bolsa al público tanto por su interpretación como por su gentileza y sentido del humor. Lo primero ocurrió cuando, al concluir la obra de Schumann entregase el ramo de flores que recibió como gesto de cortesía a Temenoujka Todorova Ostreva, chelista principal de la orquesta; mientras que lo segundo resultó evidente cuando, ante la apabullante ovación de los asistentes, tomara su violonchelo y lo hiciera dar una reverencia como agradecimiento. Cohen entró y salió tres veces del escenario para finalmente ofrecer como encore el fragmento de una marcha de Sergei Prokófiev (1891-1953). Como epílogo se escuchó la Segunda sinfonía en re menor, de Johannes Brahms (18331897), considerada por su autor como la obra más triste que jamás había escrito, aunque más de uno discrepa de esta opinión. Los cuatro movimientos que componen la sinfonía resultaron tanto un viaje a los aires bucólicos y pastoriles que el compositor disfrutó tanto durante sus paseos por los bosques de Viena, como algunos pasajes lúgubres, remembranzas y nostalgia, cerrando con un cuarto movimiento frenético, emotivo y gozoso. Al final de la sinfonía, Sieghart y la OSUANL cosecharon un éxito más gracias a su talento, sensibilidad y profesionalismo, hecho que el público reconoció efusivamente con aplausos y silbidos. Al igual que Cohen, Martin Sieghart, que en breve debutará con la London Philarmonic Orchestra, recibió un ramo floral, que ofreció como reconocimiento al ensamble. 17 festival alfonsino [ �festival alfonsino [ 18 V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Aitana Alberti “La poesía nunca va a morir porque es la ventanita que abrimos hacia lo más profundo del ser.” Fotos: Pablo Cuéllar Zárate Alma Ramírez A bordo de una avioneta, el poeta gaditano Rafael Alberti (1902-1999) y su esposa, la también poeta María Teresa León (1903-1988), partían de España en 1939 rumbo al exilio con destino a la ciudad de Buenos Aires, Argentina. Salieron desde la provincia de Alicante. El último fotograma que sus ojos guardaron de la patria abandonada muy a su pesar fue la sierra Aitana, nombre de origen árabe que significa “agua pequeña”. De ese lugar en el cual se concentra la mayor cantidad de árboles de almendro de todo el mundo, uno de los ingredientes de los famosos turrones de Alicante, es de donde provino el nombre de la hija de ambos, cuyo nacimiento en 1941 marcaría, por así decirlo, el largo exilio de los autores de Baladas y canciones del Paraná y Memorias de la melancolía, respectivamente. Hoy, a 65 años de distancia, con una precoz pero poco abundante trayectoria literaria resultado, según confiesa, del shock que le ocasionó dimensionar de pronto la grandeza de su padre, Aitana Alberti revive recuerdos a la par que lleva por el mundo el recital poético “Invitación a un viaje sonoro”, acompañada del dúo Amanecer, integrado por los músicos cubanos Efraín Amador y Gladis Oropesa. Periodista, promotora cultural, traductora, antóloga, editora y actual presidenta, en Cuba, del Proyecto Cultural Sur para el fomento de la poesía y las artes, Aitana narra que cuarenta años después del estreno de este recital poético, autoría conjunta de Rafael Alberti y el laudista murciano Paco Aguilar, un trabajo que narra a través de texto y música la historia del laúd a través de los siglos, su padre lo retoma y tras algunas variantes en el formato modificó el original de verso, piano y laúd cambiando el piano por una orquesta de laúdes, lo presenta en Río de la Plata, conmoviendo al público. “Realmente es muy emocionante hacer esta obra de mi padre. Tengo recuerdos lejanos de aquella obra primera, yo era muy pequeña. En 1966 mi padre me regala en Italia el cuaderno lleno de acotaciones que utilizaba en aquellos recitales y me lo dedica: ‘Para Aitana, el cuaderno de este recital que realicé con Paco Aguilar por más de 80 ciudades del Río de la Plata’”. A finales de los noventa Aitana conoce a Efraín y a Gladis, y les propone revivir “Invitación a un viaje sonoro” y presentarlo en su formato original. Aunque se respetó el formato inicial, Aitana incluyó algunas variantes, entre éstas un poema inédito que su padre, por razones desconocidas, eliminó del recital. “Incluimos el poema ‘Casida de Almotamid de Sevilla’, que figura en el cuaderno, éste forma parte del libro Pleamar, y algunas otras cosas que nosotros tomamos del cuaderno y que no están en el libro.” ¿Qué le hace retomar este poema y las demás variantes? En el caso del poema, porque es extraordinario, hermosísimo, anterior a la música escrita; la música árabe tradicional no está escrita, se hacen variaciones sobre un tema, se improvisa, entonces Efraín nunca toca lo mismo, es una cosa que la gente no sabe. Encontramos este poema hermoso y Efraín preguntó: ¿qué música le ponemos? Como no hay una música programada puesto que no se leía, él me dijo: yo conozco la música árabe tradicional. Voy a improvisar. Siete años después, juntos han llevado el recital a Cuba, Europa y América Latina, resultando algunos momentos memorables, como la última vez que vio con vida a su padre. “En agosto del año 99 en el puerto de Santa María, ya mi padre estaba muy anciano y enfermo, como consumido por los años. Y estuvimos Efraín, Doris y yo en su casa, Efraín llevó su laúd y le tocó cosas y le cantó. Mi padre casi no habló, pero escuchaba la música y sonreía con los ojos cerrados y asentía con la cabeza. Ya nunca más volví a ver a mi padre porque muere en octubre de ese mismo año y yo no vivo en España sino en Cuba, en La Habana. Llegué para su entierro.” ¿Qué tan difícil es encontrar su propia voz poética sin que esté de por medio una figura como la de su padre? Muy difícil. Es curioso porque hace muy poco se reeditó en Málaga, gracias al Centro de la Generación del 27, un cuaderno de poemas míos que se titula sencillamente Poemas, publicado en el 56 en Argentina, y eran poemas escritos entre mis 12 y 13 años, una edad bastante insólita. Mis padres los encontraron y los publicaron porque consideraron que eran dignos de ser publicados. Después de ese poemario que no parece escrito por una niña, me costó mucho trabajo escribir, porque me di cuenta de pronto quién era Rafael Alberti. Entonces aquello fue un shock. Escribía cosas muy secretas que rompía o que no me interesaban; muy tardíamente, hace como seis o siete años me atreví a publicar algo. Tengo muy poca obra publicada por ese detalle. Cuando el exilio es por partida doble ¿Cómo se vive con esa suerte de sensación de un exilio por partida doble: la de sus padres �1 de junio de 2006 por España y la suya por Argentina? Nosotros salimos antes de la Argentina, nos fuimos en el año 63 a Italia. Creo que si nos hubiéramos quedado hubiéramos formado parte de los desaparecidos, eso lo conversé con mi padre varias veces y estábamos de acuerdo en que hubieran sido implacables con ellos y conmigo, porque yo era una joven estudiante y era muy activa en la Facultad de Filosofía y Letras, aunque yo estudiaba Antropología, pero la carrera se hacía en esta facultad. La verdad es que nos hubieran masacrado. Pero tuvimos la intuición y ahí se hizo la vida, en otro exilio, dejamos un exilio por otro. Para mí no lo fue puesto que nací en Argentina, toda mi formación fue ahí y en Italia ellos permanecieron 43 años, yo solamente siete porque esos otros años los pasé en España. Mis padres vuelven luego de la muerte de Franco, en 1977. Mi mamá ya estaba muy enferma y muere de Alzheimer. En el momento del viaje a España se encontraba ya muy deteriorada, fue una cosa muy triste porque recuerdo que viajé a Italia para entrar junto a ellos en España porque era un momento histórico. Mi mamá no sabía bien a dónde iba. Al final llegamos a Madrid y poco a poco empezó a darse cuenta, pero fue muy tremendo porque era un regreso después de 38 años. Un regreso ¿a dónde? No sé a qué lugar regresó su mente. ¿Cómo percibe Aitana Alberti la poesía en un mundo cada vez más caótico, acelerado y tecnificado, más “fast food”? Terrible. Un mundo muy vanalizado, cada vez más leve, la levedad del ser y del mundo ha llegado a niveles sorprendentes, eso es muy lamentable y triste. Pero bueno, la poesía siempre va a existir creo yo. Siempre existirá aunque tenga muchos enemigos, que tal vez no sean enemigos activos, pero la indiferencia es un enemigo. Pero siempre quedan entusiastas. La poesía nunca va a morir porque es como la ventanita que abrimos hacia lo más profundo del ser, hacia lo desconocido, y eso es muy apasionante tanto para el creador como para el lector. Un viaje íntimo de música y versos compartieron el escenario gracias una discreta atmósfera resultado de la iluminación y a una Un auténtico y gozoso viaje por los sentidos con distribución del espacio que favorecía la destino a la magia de un instrumento tan poco cercanía, como si fuera una velada entre valorado y casi olvidado hoy en día como el laúd amigos. fue lo que el público tuvo oportunidad de ¿Oísteis? La luz se pierde. experimentar durante el recital poético Se hunde la barca en la noche. “Invitación a un viaje sonoro”, en voz de la poeta Sólo la mar permanece. argentina Aitana Alberti y el dúo Amanecer, Andalucía compuesto por el laudista cubano Efraín Amador Isaac Albéniz: Granada y la pianista Doris Oropesa, quienes ofrecieran (estrofas iniciales de Juan Ramón Jiménez) una nueva versión de esta cantata de la autoría La genialidad de los textos fusionados con la del poeta español Rafael Alberti. música, el innegable talento del dúo Amanecer En un ambiente íntimo, auxiliado por un juego –fundado en 1970 y que cuenta en su haber de iluminación donde predominaron los tonos con presentaciones en Europa, América, suaves y cálidos y la proyección de imágenes Medio Oriente y África– y la profunda magia iconográficas, los y las asistentes emprendieron en la voz de Aitana dieron como resultado una una travesía a través de las centurias para cálida y sincera ovación de parte del público. conocer la historia del laúd, desde las remotas Debido a razones desconocidas, en el tierras europeas y árabes hasta la actualidad, vía formato original Rafael Alberti eliminó de los la adaptación o versiones para laúd o piano de textos de la cantata el poema “Casida de genios universales como Jean Baptiste Lully Almotamid de Sevilla”; pero esta y otras (1632-1687), Jean Phillippe Rameu (1682-1733), variantes fueron reinsertadas por su heredera Doménico Scarlatti (1685-1757), Johann debido a la belleza de su contenido. El 16 de Sebastian Bach (1685- 1750), Wolfang Amadeus diciembre de 2003, con motivo del aniversario Mozart (1756 - 1791), Isaac Albéniz (1860-1909), del poeta, Aitana, Gladis y Efraín realizaron Manuel de Falla (1876-1946) Ernesto Halffter “Invitación a un viaje sonoro” en la Fundación (1905-1989), Juan del Encina (1468-1530), así Rafael Alberti, en el puerto de Santa María. como música tradicional árabe. Un aspecto significativo es que, según consta Esta cantata para verso y laúd con en la versión impresa del recital publicada por acompañamiento de piano fue compuesta por el notable laudista murciano Paco Aguilar. Según palabras que Rafael Alberti escribiera en 1984, “los versos fueron escritos buscando ser la expresión verbal más rítmica, exacta, a veces aérea y casi inaprensible de las obras, después de escuchadas y estudiadas por mí con la más profunda atención, ciñéndose, en lo posible, al acento musical de cada estilo”. De tal forma que Alberti y Aguilar se dieron a la tarea de crear este viaje sonoro, una suite en dos partes de compositores de entre los la UANL para este evento, realizado el viernes siglos XI y XX, con las mencionadas 19, esta presentación fue dedicada a la adaptaciones precedidas de textos de Alberti, memoria del poeta español Federico García recital que contó con la participación en ese Lorca en el aniversario 70 de su muerte y del entonces de Donato Colacelli. Cuarenta años inicio de la guerra civil española, conflicto por después la cantata se convirtió en un concierto el cual Alberti se viera obligado a abandonar su para voz y cuarteto u orquesta de laúdes, y patria como muchísimos otros que repudiaban Alberti repitió la hazaña en los años ochenta en el ascenso del fascismo en tierras ibéricas. Río de la Plata. Otros talentos presentes en “Viaje sonoro” Fue hasta 1999 que su hija Aitana retomaría en son Moreno Torroba (1891-1982), el rey Alfonso su versión original “Invitación a un viaje sonoro”, X El Sabio (1221–1252), Luys de Narváez cuyo estreno tuvo lugar en La Habana. (1490-¿?), John Dowland (1563-1626) y Henry Esta ocasión el recital tuvo lugar en el Teatro Purcell (1658-1695). Universitario, donde tanto público como artistas Alma Ramírez 19 ] festival alfonsino V I DA U N I V E R S ITAR IA �festival alfonsino [ 20 V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Con dos fuentes principales como el teatro y la danza, a las que incorporan todas sus posibilidades expresivas como la voz, el canto y la música, Dominik Borucki y Claudia Cardona reflexionan sobre el poder creador de la imaginación y los pensamientos. Edmundo Derbez García El coreógrafo alemán Dominik Borucki y la bailarina colombiana Claudia Cardona se reúnen en el montaje What’s Up? (¿Qué pasa?) con la idea de filosofar sobre el amor, la muerte y el pensamiento. El espectáculo reflexiona sobre la racionalización de los esquemas de pensamiento que nos ligan a la realidad. Su mensaje no sólo es corporal sino que echa mano de la palabra para expresarlo y, aunque en ocasiones resulta repetitivo, coreográficamente ofrece fragmentos plenos de ingenio y mayor poder de comunicación. La sucesión de interpretaciones, ya como dúo o solos, genera una atmósfera de escenas en que el movimiento de los dos artistas se engarza directo a la imaginación. Mientras Borucki asume un rol más desenfadado, exhibiendo su capacidad teatral y gestual, Cardona se muestra como una bailarina de gran nivel, con movimientos dúctiles y armoniosos; pareciera que la histeria masculina y la calma femenina entablaran una esquizofrénica relación bajo la música supervital de Shelley Hirsch o la más sensual de Cannonball Adderly o un jazz que Cardona baila con sencillez pero con total elasticidad. En ello se aprecian los orígenes de ambos, Cardona inicia en la disciplina a través de la gimnasia olímpica, en tanto Borucki destaca por su capacidad de improvisación porque la estudió junto a técnicas de movimiento y teatro. Pero ambos despliegan en escena las técnicas de la danza teatro y de la llamada nueva danza o new dance que se desarrolla a partir de la danza posmoderna de Estados Unidos y que adquiere su carácter ecléctico en Inglaterra al mezclarse con el ballet y la danza moderna. “Es la totalidad de mí que expresa” Foto: Pablo Cuéllar Zárate Su trabajo es como un delta donde confluyen dos fuentes principales: el teatro y el movimiento, al que incorporan todas sus posibilidades expresivas como la voz, el canto y la música. “Yo trabajo con todas mis capacidades, las de pensar, sentir, mover, hablar, concentrarme, la de no preocuparme, la de jugar con todas estas posibilidades humanas.” ¿Por qué la necesidad de reflexionar con las palabras? Es otra forma de expresar – interviene Cardona–, es parte del cuerpo, la posibilidad que da la palabra de expresar algo, es válido, aprovechando que la danza contemporánea te da ese espacio para mezclar cualquier arte que necesites para expresar lo que quieres. Para mí –agrega Borucki– no hay diferencia entre si me muevo o hablo, es la totalidad de mí que expresa. El artista ha llegado a esto como resultado de una larga historia escénica que empieza, curiosamente, no en un escenario, sino en una cancha de futbol. Cuando empecé a bailar me parecía que siempre lo había hecho jugando futbol, recuerda. Sobre cualquier cosa, al intérprete le gusta sentir la dinámica del movimiento, es el público el que construye la historia; en What’s Up? no está trabajada propiamente una, al final la gente la encuentra. La forma como el pensamiento y la imaginación norman la vida de los seres humanos es un tema que ha estado presente en forma constante en la danza contemporánea. “Desde hace algún tiempo me interesan cómo son los procesos de conciencia, por ejemplo, los pensamientos no son aislados de las emociones, sino que están en las mismas partes del cerebro, entonces la racionalidad está conectada con los sentimientos”. Por un lado se dice que no se debe pensar porque se deja de sentir y, por otro, se valora tanto un pensamiento lógico y elaborado que culturalmente la mayor ofensa es decirle a otro que no es inteligente. En el espectáculo los cuerpos se mueven en ocasiones en una complicidad íntima, que era una meta desde el principio. La fuerza de los humanos – dice el intérprete– es en el contacto, en el trabajo juntos, aislados no alcanzamos nada. Esa relación que se manifiesta en el escenario evidencia que la imaginación, como una forma de contradicción al discurso, no puede escapar de la realidad, en este caso de su relación como pareja. Los intérpretes solamente pueden representar lo que son y su obra representar lo que son sus intérpretes. Borucki lo confiesa: “No podemos ser diferentes de lo que somos en realidad, siempre va a influir. Lo que enseñamos en el escenario surge de lo que nos interesa en la vida privada. “En el texto del programa dice que encontramos una obra que surge de las entrañas de sus intérpretes, es patético, pero yo lo siento realmente así, sale de las entrañas de todos nuestros sentimientos, de lo que nos importa en la vida, en nuestra relación con la otra gente, pero buscamos que no sea algo meramente personal, sino que trascienda, entendemos que sea algo más grande, quizá como representantes de un tipo humano”. �1 de junio de 2006 Vicente Rojo Pintor, escultor y diseñador gráfico “La Ruptura, fundamento del arte actual” José Garza El estudio parece navegar. Por el ventanal no se adivina ninguna forma precisa. La luz del sol golpea los cristales, ilumina las copas negras de los árboles. En el interior de una habitación blanca y amplia, olorosa a pintura y madera, una luz distinta irradia la obra de Vicente Rojo. “Mi definición del arte es, básicamente, tratar de entender qué es la pintura. Yo no tengo una definición muy clara. Yo lo trato de definir en la medida que hago mi trabajo. Si yo tuviera una definición precisa y completa de lo que es el arte seguramente no lo haría, me daría por satisfecho. Mi definición del arte se da a través de mi obra. Esa es mi definición: mi trabajo.” LA PINTURA: LA VIDA La luz de la libertad ilumina al pintor Vicente Rojo quien, sentado en el banquillo, en el interior de su estudio en Coyoacán, abandona la intimidad intensa y secreta del oficio creador para compartir cómo la biografía define la vocación del hombre y el destino de una obra. “Evidentemente que la biografía está muy ligada a la actividad. Un artista –por lo menos yo sí me puedo llamar así– trabaja solo, en la soledad, pero, en mi caso, siempre estoy acompañado, siempre estoy viviendo todo lo que está a mi alrededor, enriqueciéndome de todo. En el arte sí hay una línea personal, yo díría que íntima, pero completada con esa relación con el mundo exterior y con las personas que Fotos: Pablo Cuéllar Zárate El artista catalán arraigado en México desde 1949, perteneciente a la generación de creadores que rompió con la estética de la Escuela Mexicana de Pintura de contenido nacionalista y propició condiciones de libertad creativa, presenta en Monterrey por primera ocasión una magna exposición retrospectiva: “Vicente Rojo. Dos estaciones”, conformada por las series “Cuaderno de viaje” con originales sobre papel y “Volcanes construidos” con pintura y escultura. lo habitan y que están muy cercanas al artista.” EL PROCESO CREATIVO “Es bella la palabra inspiración, pero la inspiración tiene que estar compartida con ciertos sentimientos, asentada en la tierra. A mí lo que me gusta es tener los pies bien puestos en la tierra para poder volar, si no no me enteraría que estoy desarrollando algo. A partir de ahí yo trabajo con elementos muy sencillos, geométricos básicos: el cuadrado, el círculo, el triángulo, el cubo, la esfera, el cono, la pirámide; formas de uso cotidiano, cercanas a nosotros, formas que a mí me ayudan a crear mi trabajo y con la intención –casi siempre fallida– de enriquecerlas.” El arte es reflejo de la realidad y respuesta de la creatividad del artista. La exposición “Vicente Rojo. Dos estaciones”, presentada en las galerías de la Biblioteca Universitaria “Raúl Rangel 21 ] festival alfonsino V I DA U N I V E R S ITAR IA �festival alfonsino [ 22 V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Frías” de la UANL con las series de originales sobre papel denominada “Cuaderno de viaje” y el conjunto de pinturas y esculturas “Volcanes construidos” es un acontecimiento memorable al respecto por su magnitud de piezas. “‘Cuaderno de viaje’ está confirmada por obras que están hechas fuera de mi estudio en la ciudad de México; algunas están hechas durante muchos viajes a Madrid, París, Barcelona, Puerto Vallarta... esa es la idea: en el viaje algo sucede, algo diferente, una visión diferente a la que uno normalmente tiene. ‘Cuaderno de viaje’ es un viaje de más de 40 años de trabajo, es un resumen de ese viaje que he venido realizando. Hay obras que tienen un valor en sí mismas y otras son ideas que se han materializado en un cuadro o una escutura, es decir, son un trabajo paralelo, realizado como una variación que un viaje puede dar. ‘Volcanes construidos’, por su parte, es trabajo reciente pero a partir de muchos apuntes que pueden advertirse en ‘Cuaderno de viaje’, donde están los primeros volcanes que luego se volvieron una serie muy concreta, precisamente la serie presentada en la exposición. A lo largo de medio siglo de trayectoria artística, Vicente Rojo reconoce una evolución en su trabajo, evolución entendida como constancia y continuidad. “Hay una continuidad (en su trayectoria). En mi caso hay un desarrollo muy meditado, muy pensado, que he ido resolviendo a base de series que me han llevado cinco a diez años. Es muy normal en un pintor trabajar temas repetidos, pero en mi caso han sido series muy cerradas, con estructuras muy claras. La primera fue a base de triángulos, círculos y cuadrados; la segunda, a base de una línea recta vertical y una línea recta horizontal: la letra T; otra serie la trabajé Rojo es riguroso como un geómetra y sensible como un poeta. Octavio Paz como ‘Cuadernos escolares’: mis recuerdos de infancia. Luego hice ‘México bajo la lluvia’ y, a partir de los años noventa, ‘Escenarios’, compuesta por varias mini series, cuyas notas se advierten en ‘Cuaderno de viaje’. La última serie que he estado haciendo es precisamente ‘Volcanes construidos’.” LA OBRA Y EL ESPECTADOR “Es muy curioso. A mí lo que realmente me gusta de mi obra es el proceso de realización de la misma. Desde una pequeña idea, un pequeño apunte, hasta el momento en que la culmino. Sin embargo, a partir de ahí, comienza una segunda vida para la obra que, para mí, tiene la curiosidad de ver cómo se refleja en otros lados, cómo se ve, cómo se conoce, qué interés pueden ver en ella. Pero me resulta muy difícil pensar en el espectador. Yo soy muy buen espectador de pintura; me puedo emocionar extraordinariamente con una obra de arte, que me puede cambiar en mi interior, sugiriéndome cosas nuevas, sobre todo en el conocimiento de mí mismo; suponer que esa misma sensación pueda tener un espectador de mi obra, se me hace muy difícil.” La obra de Vicente Rojo carece de retórica. Es llana y exacta. Geometrías con lógica autónoma que surgen desde el apunte que se vuelve original en papel y puede trasladarse al volumen de una escultura. “El papel tiene, para mí, un encanto especial: es una obra directa, meno elaborada como un pintura o la maqueta de una escultura. El papel es mucho más libre, más suelto, además de que me gusta mucho la textura y el grueso del papel. En cuanto a escultura, yo había hecho estudios muy malos, pero cuando estaba haciendo la serie ‘México bajo la lluvia’ me di cuenta de que los cuadros tenían un relieve que me sugería volumen. A partir de esa serie empecé a realizar obras en cerámica, metal; eso me dio pie para seguir creciendo, bueno, me imagino.” �1 de junio de 2006 GEOMETRÍA Y RUPTURA “Lo que se conocía como Escuela Mexicana de Pintura estaba en cierta decadencia, lo que no le quita, de ninguna manera, la extraordinaria importancia y calidad a la obra que hicieron los muralistas y los pintores que quedaron un poco ocultos por los grandes; sobre todo en caballete a mí me parece extraordinario Siqueiros, que tenía la frase esa ‘No hay más ruta que la nuestra’. Al conjunto de lo que se llamó Generación de la Ruptura –que a mí me gusta más llamar Generación de la Apertura– esa frase nos parecía totalmente inadecuada, incorrecta, dictatorial; lo que había que hacer era lo contrario: abrir muchas rutas, muchas puertas, muchas ventanas, muchos caminos. Ese fue el propósito. Nosotros teníamos muchos puntos de dónde sostenernos, porque la ruptura con la Esculea Mexicana más nacionalista comenzó sin dejar de tener un carácter mexicano y nacional. Tamayo y Mérida, así como Pedro Coronel, Juan Soriano y Matias Goeritz, quienes eran mayores que nosotros hasta diez o doce años, eran una referencia al respecto. “Por otra parte a lo que se le conoce como Generación de la Ruptura nunca generó un manifiesto, un documento; era un grupo de artistas, que nos conocíamos, que éramos amigos, con dos tendencias. Había una intención de crear una pintura abstracta, pero al mismo tiempo había una manera de renovar la figuración con Cuevas, Gironella, Echeverría; los cuatros que tratamos de desarrollarnos en una abstracción: Felguérez, Lilia Carrillo, Juan García Ponce y yo mismo. Lo que quiero decir es que había una riqueza de imágenes, y evitar eso de ‘no hay más ruta que la nuestra’.” Las estructuras geométricas de las obras de Vicente Rojo, la reivindicación de la forma y el color fueron muy útiles para dinamitar el nacionalismo temático predominante hasta mediados del siglo XX, y abrir nuevas posibilidades estéticas y de libertad creativa. Es la ruptura histórica que se extiende hasta el arte actual mexicano. “La Ruptura derivó en una actitud de trabajar en libertad, como se puede ver ahora con la enorme cantidad de artistas que desarrollan su trabajo con enorme conciencia, personalidad y esa libertad. La Ruptura derivó en eso. Quizá los artistas actuales no conozcan, no consideren que la manera que ellos tienen de trabajar la haya sugerido y propuesto la Generación de la BARCELONA Y EL EXILIO ESPAÑOL EN MÉXICO Nacido en Barcelona en 1932, Vicente Rojo vivió un entorno de dolor y muerte durante su infancia. La realidad de la guerra le comprometió de manera muy particular. “Desde los cuatro años (aparecen sus primeras muestras de interés por las artes), pero nunca supe por qué, dado que en casa no había franquismo, evidentemente–; fueron diez años de posguerra, más los tres de la guerra, muy difíciles para mi familia.” Emigró a México en 1949 con una herencia cargada de principios de justicia y gratitud, imaginación y sensibilidad. Todo está guardado en la memoria. “Mi padre había marchado a Francia, refugiado, y se vino a México en 1939, y poco a poco, Ruptura, pero la idea que yo tengo es que así es.” Las galerías de la Biblioteca a partir de 1947, pudo traerse a la familia. En 1949 llegamos mi madre y yo. Aquí se reconstruyó la familia.” Vicente Rojo escucha la voz de su memoria sin mirar al pasado. Avanzar es una prioridad impuesta. Eso lo ha hecho indispensable en la cultura de México. Eso le ha permitido una vigencia y una sensibilidad propia de los grandes clásicos del arte. “Bueno, yo estoy satisfecho de haber nacido dos veces, cosa que no todo el mundo puede. Nací en Barcelona en 1932 y nací cuando llegué a México, en 1949. Eso sí me produce una enorme satisfacción. Después, posiblemente, he ido naciendo varias veces más, pero ya es un exceso. Aquí he tenido una enorme posibilidad de desarrollo; he trabajado extraordinariamente bien acompañado, con amigos que me han durado, o que me duran, más de cincuenta años.* “MÉXICO EN LA CULTURA” La creación artística de Vicente Rojo está íntimamente ligada al trabajo editorial, de diseño de revistas y libros, un trabajo inaugurado con su ingreso al suplemento de Novedades, “México en la Cultura” y después “La Cultura en México” de Siempre!, ambos fundados por Fernando Benítez. “Yo empecé a trabajar en el suplemento ‘México en la Cultura’ como aprendiz y asistente de Miguel Prieto, diseñador artístico. Con las extraordinarias enseñanzas que recibí toda la vida de Fernando Benítez, que era el director, ahí aprendí a diseñar y a leer y a conocer muchísimos aspectos de la cultura. Ahí, recién llegado al país, me enamoré de México, es un enamoramiento que llega hasta la fecha.” Universitaria “Raúl Rangel Frías” son el escenario de esta muestra, dentro del Festival Alfonsino 2006 de la UANL, para la cual se elaboró un catálogo y una producción audiovisual. elementos culturales o artísticos en los que pudiera apoyarme. Desde los cuatro años me gustaba dibujar, sin que me gustara mucho lo que surgía; en realidad tardé treinta años en hacer algo que me convenciera. “Pero no sé si la palabra adecuada sea dura. La mía fue una infancia muy dura. Mi padre había salido refugiado en 1939, al acabar la guerra; mi familia quedó muy desprotegida y muy marcada, no sólo por el apellido, que ya es suficiente –porque los rojos eran los enemigos del 23 ] festival alfonsino V I DA U N I V E R S ITAR IA �festival alfonsino [ 24 V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Remueve recuerdos de la infancia Jessica Jaramillo Castillo Fuera de cuentos de hadas y princesas; el grupo Teatro Rehilete, bajo la dirección de Gerardo Valdez, presentó en el marco del Festival Alfonsino UANL 2006 la obra infantil Salvador. El niño, la montaña y el mango, original de la canadiense Suzanne Lebeau. El escenario del Teatro Universitario fue el lugar en que se desarrolló la puesta en escena, en donde se muestra a un escritor que a través de las remembranzas de la infancia relata cómo siendo un niño pobre que vive en un pequeño pueblo en las montañas, descubre poco a poco los vínculos familiares, las virtudes del trabajo y el amor hacia la vida. Para escribir esta obra Lebeau se basó en niños de la calle latinoamericanos, especialmente de Perú. En ella logra retratar características y situaciones comunes en muchos lugares del país, como el número de integrantes de la familia del protagonista o las condiciones paupérrimas en que vivía, al igual que la interacción con los hermanos. Es una historia de los recuerdos de la niñez que podría ser la de cualquiera, por la cercanía a la realidad que se En la obra Salvador. El niño, la montaña y el mango el público descubrió las experiencias de un niño que interpreta la realidad de acuerdo con su corta edad, remontándolo a los recuerdos propios y algunos ajenos. vive en muchos hogares regiomontanos, sean del área metropolitana o de otras comunidades neoleonesas, incluso la de nuestros padres. ¿Quién no recuerda aquellas narraciones de los tíos y abuelos, acerca de la numerosa familia a la que muchas veces le hacía falta una cama para cada uno de los miembros? Los hermanos mayores en cuanto podían, se hacían cargo de las labores más importantes del hogar, ya sea saliendo a trabajar para aportar ayuda económica o cuidando y alimentando a los bebés de la casa. Aunado a esto, los que tenían más suerte asistían a la escuela. Muchos lograron superarse a pesar de todos los inconvenientes y situaciones difíciles que se les presentaron, tal como en el cuento de Lebeau. Traducido a cuatro idiomas, el relato comienza con la explicación del protagonista acerca de su nacimiento y el motivo de su nombre, para enlazar los recuerdos que muestran su manera de descubrir el mundo e interaccionar con él. Poco a poco el público descubre las experiencias de un niño que interpreta la realidad de acuerdo con su corta edad, remontándonos a los recuerdos propios y algunos ajenos. Así, la historia muestra diferentes situaciones que sensibilizan al espectador, además de pequeños momentos cómicos que surgen de la ingenuidad del niño. Los asistentes lograron conmoverse con las anécdotas del protagonista, ya que, como lo dijera uno de ellos, era muy fácil sentirse identificado. Salvador es un pequeño de cuatro años en una familia compuesta por sus padres y siete hermanos más. Su madre, Bernardina, se dedica a lavar ropa para mantener a la familia. Así, transcurre la vida, entre juegos, reuniones familiares y conversaciones con Bernardina. Después de la muerte del padre y debido a las carencias económicas, José, el hermano mayor se ve obligado a trabajar aún siendo niño. El pequeño Salvador no termina de entender qué pasa ahora en su cambiado mundo, pero trata de adaptarse a él de la mejor manera. Así, Salvador, con la ayuda de su familia, logra superar las adversidades para luchar por su propio bienestar. Finalmente, la obra nos muestra cómo es posible ser feliz y vivir la vida a pesar de las carencias económicas y cómo, con el paso de los años, los recuerdos de la infancia son los más añorados. Teatro Rehilete nos presentó un reparto compuesto por Víctor Martínez, Josefina de la Garza, Vicente Galindo, Liliana Cruz, Ivet Muñiz, Alejandro Saavedra y Janeth Morales, en una obra de un solo acto que mantuvo atentos a niños y adultos durante el desarrollo de la misma. �V I DA U N I V E R S ITAR IA Sin apartarse del mito tradicional de la fragilidad del ser humano frente a las inexorables fuerzas del destino, Sergio García vincula la peste que destruye a Tebas con la violencia que descompone la sociedad actual en el nuevo montaje del Taller de Teatro Experimental. Fotos: Pablo Cuéllar Zárate Liga a Edipo con la violencia actual Edmundo Derbez García Para los espectadores de Edipo en la Atenas del siglo V, los personajes y el argumento debieron resultarles familiares debido a que la historia que aparece en escena estaba tomada del fondo legendario de la mitología griega. Sin embargo, para el público actual, aquellas historias del acervo de la época clásica parecieran resultar no muy comprensibles. Cuando Sergio García tomó el texto se preguntó si Edipo podía tener algún valor real para el espectador moderno y responder esa pregunta fue su principal reto para el segundo montaje del Taller de Teatro Experimental de la UANL. Lo primero que hizo fue encontrar una traducción de la tragedia de Sófocles que le permitiera “meterle mi mano personal en cuanto a dramaturgia para hacerla más accesible al público, sin perder su calidad literaria y humana. “Cada traducción, y yo leí como seis diferentes, expresan una misma cosa de forma que pareciera que son opuestas, entonces elegí la más adecuada para presentarla al público sin que perdiera la esencia del texto.” García, con esa libertad que ofrece el taller teatral, se puso a experimentar, lograr que un texto escrito hace dos mil años fuera dicho por los actores de una forma sencilla, sin sofistificación de lenguaje. Luego, despojarla de la concepción profundamente religiosa donde el hombre está en constante coloquio con la divinidad, al presentar a oráculos y adivinos como personas normales con un amplio conocimiento de su medio social y la capacidad de ejercer control. Los personajes visten trajes que remiten a las imágenes de la mafia, que dan no sólo un marco contemporáneo a la complicada y enrevesada 25 ] festival alfonsino 1 de junio de 2006 historia de crímenes, odios y amores; sino que, con el fin de acercarla al público, le otorgan nuevos significados. Y es que García se aventura a modificar o incorporar signos, por ejemplo, la muerte del rey Layo amenaza a través de una peste destruir la ciudad de Tebas mientras no se encuentre y se castigue a los asesinos. “Para mí la peste de nuestra época –dice el director– es la inseguridad, la violencia y la desintegración social.” García propone el significado de la obra desde el inicio con el inquietante ulular de sirenas o por medio de una sospechosa maleta plateada que, sin revelar su contenido, alude a los negocios del narcotráfico. Sobre todos estos elementos nuevos, García no se aparta del mito tradicional de la fragilidad del ser humano frente a las inexorables fuerzas del destino; sin importar cuántos empeños intente por obstaculizarlo, la prosperidad es ilusoria. El acercamiento no fue propiciado sólo a través de una adaptación contemporánea de la tragedia griega, sino también físico, cuando el público ocupa su lugar en el escenario del Teatro Universitario, viviendo el drama desde adentro. En este trabajo participaron Oswaldo Villanueva como Edipo, Janina Villarreal, Yocasta; Luis Felipe Ibarra, Creonte; Alberto Ontiveros, consejero; Antonio Craviotto, Tiresias y campesino, David Herz, Lazarillo de Tiresias, y como actor invitado Pedro Rivera, mensajero. ¿Se ha mantenido en esta línea de acaecer los clásicos al público de hoy? Es una obligación de nosotros los teatristas acercar las obras al público, ya sea con las obras o con el montaje, porque el espectáculo teatral solamente se da en el momento en que los actores están ante el público, en ese momento de aquí y ahora se tiene que acercar la obra para que tenga un significado directo sobre él. Cuando me empecé a meter realmente con los clásicos que implican estudios de meses, ha sido a través del Taller de Teatro Experimental, porque me permite tener el tiempo necesario para preparar el texto y el montaje, pensar, reflexionar, buscar los actores y trabajar con ellos. Eso solamente en el taller lo puedo hacer. García tomo la función del Alfonsino, la noche del lunes 22 de mayo, como un preestreno que le permitió observar la reacción de la gente ante el experimento para, a partir de ello, realizar los ajustes con miras a la temporada contemplada para la apertura del Centro Cultural Universitario Colegio Civil. �festival alfonsino [ 26 V I DA U N I V E R S ITAR IA 1 de junio de 2006 Víctor Hugo Rascón Banda Referido como un historiador de los anhelos, las frustraciones, los amores, el dolor y los sueños de los seres humanos, con su impecable uso del lenguaje, escritura que denuncia y cuestiona, que penetra y conmueve, confiesa no ser amante del teatro al que sólo le ha dedicado las horas del sueño y descanso que le permiten su profesión de abogado. Edmundo Derbez García V íctor Hugo Rascón Banda posee una rara combinación de talentos que lo han llevado a desarrollar una sólida carrera de veinticinco años como abogado en instituciones bancarias, en el Conacyt y en la Sociedad General de Escritores de México (Sogem); al teatro sólo le ha dedicado las horas de sueño, del descanso y del amor. “Yo no soy un amante del teatro –confiesa–, realmente el teatro me ha dado más de lo que yo le he dado.” Por sus otras actividades, el dramaturgo, referente indiscutible del desarrollo del quehacer escénico mexicano de las últimas cuatro décadas, no se considera el mejor modelo de trabajo para los creadores, no padece el problema de la página en blanco de los escritores ni trabaja por inspiración de las musas. “Yo trabajo por reflejo condicionado, como el perro de Pavlov.” La mayoría de sus obras de teatro están basadas en hechos que observa en la televisión o lee en la nota roja de los periódicos, por ello en una tesis se le denomina el dramaturgo de la nota roja, de la sangre y de la violencia. Y no puede ser de otro modo. Es el mundo de Rascón Banda, quien llegó a la ciudad de México para sobrevivir cargando baúles de imágenes y acentos de la Barranca del Cobre en la sierra tarahumara. “Vivo en un ambiente que estimula, la violencia, lo malo, lo bueno, lo injusto, la sierra, los tribunales, los juzgados, mis padres, mis abuelos.” Por voz de los dramaturgos habla la sociedad El teatro se ocupa de los problemas de la sociedad, habla de todo, menos de teatro, porque el teatro está para eso, para iluminar, para transformar, dice el autor. Desde su primera obra, Los ilegales, hasta Hotel Juárez ha abordado los problemas sociales como una respuesta emocional a los asuntos que indignan, que duelen, en el segundo caso, el de las muertas de Juárez. “La obra me salió porque era el momento en que había preguntas, como sigue ahora, sin respuesta, entonces ¿qué hace el dramaturgo?, escribe primero para desahogarse y luego para plantearse preguntas y tratar de encontrar las respuestas que la PGR y la procuraduría estatal no dan.” Por esa razón Rascón Banda se define como informante entre las historias y el público, como un intermediario o médium entre el espectador y la sociedad. “Soy un instrumento –dice–, que simplemente llega a dar cuenta de lo que está pasando. “Yo creo que por voz de los dramaturgos habla la sociedad, porque uno nada más anda de mirón, se dice que los dramaturgos son voyeuristas, tenemos ojos para ver lo que otros no ven y oídos para escuchar los que otros no escuchan.” La maestra Elvira Popova explicó que el teatro de Rascón Banda ha sido leído, representado, estudiado e interpretado desde diferentes ángulos y perspectivas como teatro de denuncia social, teatro de la nota roja y teatro documental. “El teatro me ha dado más de lo que yo le he dado” �1 de junio de 2006 “En su dramaturgia por lo general parte de un hecho real al que confiere un significado dramático más allá de lo inmediato y lo cotidiano para convertirlo en memoria viva e insólita de nuestro tiempo. “Y esta memoria viva es un testimonio y al mismo tiempo un vehículo para comprendernos mejor, para saber un poco más de nosotros mismos, una forma de interpretarnos a través de nuestros hechos reales.” El deseo, fidelidad a su discurso social y político Por eso Rascón Banda solamente tiene escritas dos historias de amor, eso en el caso de que El deseo pueda considerarse como tal. La maestra Popova no le da muchas esperanzas. Para ella Rascón Banda ve más allá de la relación de una mujer estadounidense y un hombre colombiano, mira dos concepciones de vida irreconciliables, el primero y tercer mundo, respectivamente. “El dramaturgo busca y racionaliza las causas de este desencuentro entre dos culturas y dos costumbres y ve el deseo de Susan hacia Víctor como el deseo político de dominación de lo diferente y aparentemente débil. “Más que un miedo a la soledad, Susan teme a lo diferente por desconocido y por tanto necesita manipularlo, es este miedo que la impulsa, no a comprender al hombre sino a tener el control y de esa manera ejercer el deseo del poder. Y cuando las cosas se salen de control, el que aparentemente tiene el poder termina consumado por la locura. En ese sentido el autor se mantiene fiel a su concepción enunciada en la mayoría de sus obras, el discurso social y político que predomina sobre el individual. Popova agregó que el tema de El deseo es el desamor, el desencuentro y la soledad. Los protagonistas disparan los porqué de ello, siendo jueces y juzgados. Los recuerdos no traen nostalgia sino dolor. Dos seres solitarios buscan saciar su vacío, por ello su mirada no ve al otro, sino lo otro. Su deseo se consume en el límite de sus cuerpos, no trasciende, no genera cambios. ¿En qué momento se pudiera romper el desamor, el desencuentro entre los mundos a los que pertenecen?, se preguntó, quizá cuando haya comprensión, respeto y consideración, cuando la calidez humana venza el egoísmo. El teatrista Luis Martín toma las palabras del autor para advertir las razones del fracaso de ese amor: “Después de la satisfacción de los deseos no sabemos preservar el amor y se nos va, cuando debería ser Para Luis Martín El deseo es teatro de ideas, teatro de madurez que apela a la participación intelectual del espectador y al que arriba su autor con casi tres décadas de excelentes aportaciones a la dramaturgia nacional. “La precisión y el minimalismo del lenguaje hacen que el espectador quede seducido virtualmente por la historia, a la vez que disfruta la pasional atmósfera que exudan los personajes, sin poder ignorar el macrocosmos de la historia: las agudas connotaciones políticas y económicas siempre presentes en la acción dramática.” Ahora, el ejemplar número 9 de la colección Dramas de la Facultad de Artes Escénicas de la Universidad Autónoma de Nuevo León permitirá la circulación de El deseo porque “las obras no pueden permanecer en el escritorio del autor y en el escenario es un estímulo que desaparece”. Rascón Banda felicitó a la máxima casa de estudios por esta serie editorial porque el teatro siempre ha sido un arte separado y expulsado de la literatura. Fotos: Pablo Cuéllar Zárate lo contrario, el amor debe sobrevivir”. “Cuando empecé a escribir El deseo –señala Rascón Banda– lo primero que pensé fue en la posibilidad del amor entre el primer o el tercer mundo, pero luego vi que no, es la venganza del tercer mundo. Es terrible decirlo porque yo no quisiera que fuera así. “Sé que el amor existe, cuando esta obra termina de representarse y veo al público deprimido, les digo, oigan no, el amor sí existe, no me hagan caso, este final es así porque así soy yo.” “Sé que el amor existe, cuando esta obra (El deseo) termina de representarse y veo al público deprimido, les digo, oigan no, el amor sí existe, no me hagan caso, este final es así porque así soy yo.” Con la publicación el dramaturgo consolida una presencia que ha sido latente en Monterrey. De ello dan cuenta las representaciones por la Universidad Veracruzana de obras como Cierren las puertas y Máscara contra cabellera, en las muestras nacionales de teatro, además de su cercanía con sus creadores, actores, dramaturgos y recientemente con la creación del mejor dotado premio nacional de dramaturgia en el país que lleva su nombre, “yo no sé cómo voy a pagar esta factura”, dice. 27 ] festival alfonsino V I DA U N I V E R S ITAR IA �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Vida Universitaria Description An account of the resource Inicialmente llamada Vida universitaria: semanario informativo y cultural auspiciado por el patronato universitario de Nuevo León, su periodicidad al inicio fue semanal, hasta el 1 de junio de 1975, con el No 1262 cambia a docenal y es hasta el 1 de febrero de 1982 con el No 1501 que cambia a quincenal. Periódico de tradición, información y difusión cultural de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Fundado en marzo de 1951, bajo el rectorado del maestro Raúl Rangel Frías. Fue registrado como artículo de segunda clase el 16 de abril de 1951. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Vida Universitaria Año de publicación El año cuando se publico 2006 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 10 Número Número de la revista 169 Mes de publicación Mes cuando se publicó Junio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Quincenal Relación OPAC https://www.codice.uanl.mx/RegistroBibliografico/InformacionBibliografica?from=BusquedaBasica&bibId=1751717&biblioteca=0&fb=&fm=&isbn= Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Vida Universitaria, 2006, Año 10, No 169, Junio 1 Creator An entity primarily responsible for making the resource Patronato Universitario de Nuevo León Subject The topic of the resource Universidad Autónoma de Nuevo León Publicacones periódicas Arte Literatura Ciencias Educación Superior Description An account of the resource Inicialmente llamada Vida universitaria: semanario informativo y cultural auspiciado por el patronato universitario de Nuevo León, su periodicidad al inicio fue semanal, hasta el 1 de junio de 1975, con el No 1262 cambia a docenal y es hasta el 1 de febrero de 1982 con el No 1501 que cambia a quincenal. Periódico de tradición, información y difusión cultural de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Fundado en marzo de 1951, bajo el rectorado del maestro Raúl Rangel Frías. Fue registrado como artículo de segunda clase el 16 de abril de 1951. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/06/2006 Type The nature or genre of the resource Periódico Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2017412 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L. Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. 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