https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/20002/Croma_2020_No_3_Octubre.pdf 86a5435ebec88f3ceea9de9a7444c97c PDF Text Text Arte. Diseño. Audiovisual Octubre 2020 Número 3 �Enfoque Artes Eventos 20 24 Los colores y sus significados Cómo nos inspiramos para crear arte E-Fest Wacom 12 22 28 Diego Castañeda Laboratorio Cultural Ciudadano Certamen de cortometraje UANL Lettering 18 Docentes 16 Alumnos FAV Emprendedores Í N D I C E 04 06 08 Alex Miranda Javier Molina Sindy Ethel Créditos Directora de la Facultad de Artes Visuales Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú Secretaria Académica M. A. Eva Julia de la Cerda Cruz Coordinadores y Editores de la Revista CROMA Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Manuel Saturnino Sancho González Estancia de producción Andrea Guadalupe Olivares Pérez Oscar de Jesús Sánchez Rodríguez Andrea Reynosa Pedraza José Manuel Ochoa Osorio Sofía Santos Arizpe Uriel Almazán Martínez Octante 14 Inspiración Portada Sindy Ethel 2 Octubre 2020 Octubre 2020 3 �A L U M N O D E S T A C A D O ALEX MIRANDA Como freelance te puedes enfrentar a muchos tipos de situaciones, ¿cuál es tu opinión con respecto a cuando un cliente te pide copiar el estilo de otro ilustrador? Como buen “estudihambre”, he accedido a estas peticiones, generalmente es gente fanática de cierto programa y quiere regalar algo. Cuando he trabajado con alguna marca o proyecto, he sido muy afortunado en que me den libertad creativa con mi estilo. Hablando un poquito de él... Alex Miranda tiene 20 años de edad, es nacido en Monterrey, Nuevo León. Actualmente es estudiante de la Facultad de Artes Visuales de la carrera de Diseño Gráfico, godínez de medio tiempo, ilustrador y animador freelancer. A POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA lex Miranda, ilustrador y animador mexicano y por medio tiempo “godín”. Nos cuenta sobre su marca “Alex M” la cual es dedicada a hacer ilustraciones y animaciones, entre otras cosas. Él nos platica sobre su experiencia como freelancer. Alex M comenzó desde hace tres años a construir su marca y perfil. Todo dio inicio en la cuenta de Instagram, la cual usaba para subir sus dibujos día a día hasta convertirse en uno de sus hobbies favoritos. ¿Tú querías estudiar diseño o solo entraste porque impartían ilustración?, ¿Cómo fue que descubriste esta rama del diseño? Como muchos otros, yo supe que iba a entrar de lleno al diseño desde muy joven, realmente no había otra opción profesional para mí, era esto o vivir debajo de un puente, lo cual es completa y totalmente respetable. Descubrí la ilustración desde que usé Instagram por primera vez. Fue a partir de esa red social que comencé a seguir cuentas de ilustradores y supe que esto que tanto disfrutaba podía ser un trabajo y además uno muy divertido. Como muchos, me imagino que te pasas consumiendo contenido visual para sacar tus propias ideas ¿Quiénes son tus mayores influencias? Mis inspiraciones vienen de varios lugares muy diferentes, desde El Cursi, Andonella, Rebecca Sugar, Pequeño Capitán, holasoyyuyú y Sonia Lazo, hasta fotografía editorial, de moda, el drag o incluso las ilustraciones de las lecturas de la SEP, “iconic”. ILUSTRACIÓN: ALEX M ¿Cómo describirías tu estilo de ilustración? Mi estilo es muy cambiante, sin embargo, trato de mantener una línea que me permita experimentar sin eliminar del todo mi esencia. En pocas palabras, mi trabajo es un reflejo de todo lo que me inspira, todo lo que me produce dicha, risa, amor o incluso dolor. En su mayoría retratos, mis ilustraciones intentan retratar ILUSTRACIÓN: ALEX M personas, a veces imaginarias, que reflejan estética o figurativamente sentimientos que tengo en mi día a día. Vas a encontrar montones de rojo, rosa y morado, personajes femeninos poderosos, cultura pop y algunas ilustraciones originales que representan momentos de mi vida. ¿Qué crees que es más importante dentro de la ilustración: el estilo o el mensaje? Creo que es importante tener algo que decir, el estilo viene después. Personalmente me considero muy flexible en cuanto a esto último, pues el que manejo con Alex M, es el que disfruto más y que me permite expresar ciertas ideas, sin embargo, he pasado por mil y un estilos y técnicas que quizá sirvan para expresar otra cosa. Poco a poco fui desarrollando bien lo que me gustaría retratar en mis ilustraciones y el estilo se fue adaptando a eso. En tu opinión ¿saber dibujar “bien” es un requisito obligatorio para poder ser ilustrador? Creo que es necesario tener una base técnica y conocimientos para ser ilustrador. Puede que tu estilo de ilustración tenga apariencia de “mal dibujado” pero es fácil intuir cuando algo está hecho de esta manera y se trata de una toma de decisión consciente o cuando se debe a falta de criterio, cómo alguna vez dijo alguien que conozco: “tienes que saberte las reglas para después romperlas”. ¿Cómo manejas tú el proceso con el cliente? He aprendido a través de muchísimos errores, y a pesar de que mi flujo de trabajo aún puede mejorar, creo que está en un buen punto de equilibrio. Generalmente los clientes llegan con una idea de lo que necesitan. En cuanto al pago, como dijo alguien que conozco: “get the check in advance”, o sea, primero el pago. El proceso es muy tranquilo, empiezo con bocetos, actualizaciones por correo en imágenes de prevista, siempre con marca de agua y no en calidad final, SIEMPRE. Instagram, Behance, Facebook son algunas de las plataformas que los ilustradores usan para dar a conocer su trabajo. ¿Crees que es importante compartir tu trabajo en las redes sociales? ¿Cuál ha sido tu experiencia en este aspecto? Creo que sí es importante, en lo personal, compartir mi trabajo en internet me ha abierto muchísimas puertas, desde conectar con gente creativa, hasta trabajar con personas que admiro. “Hoy en día para mí, ser ilustrador, además de ser un hobby, es una fuente de ingreso. Realmente soy muy afortunado.” ¿Algún consejo que le quieras dar a las personas que quizás están empezando con esto de la ilustración y están batallando en encontrar su propia voz? Esta pregunta me dio un “mental breakdown” porque es algo que llegué a preguntarle a mucha gente en el pasado. Suena muy cursi y de libro motivacional de Yordi Rosado, pero realmente es la práctica, neta. Estar constantemente dibujando y practicando, consumiendo contenido que te inspira, música, series, películas. Incluso conocer personas, situaciones de la vida cotidiana, todo te ayuda a construir tu perspectiva como ilustrador, sólo tienes que darle tiempo y estar en “friega” dibujando, experimenta y solita va a llegar. ILUSTRACIÓN: ALEX M Para ver más de su trabajo Instagram: @artofalex Behance: artofalexm ILUSTRACIÓN: ALEX M 4 OCTUBRE 2020 OCTUBRE 2020 5 �POR: ALUMNOS DE CLASE DE FOTOGRAFÍA D O C E N T E Si algún día llegas a romper la regla, que tu esencia siempre sea única para al practicarlo tener un justificante del por qué. E POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA l Maestro Javier Molina (Jefe del Área de Comunicación de la imagen institucional de la Facultad de Artes Visuales y Fotógrafo) nos contó sobre la fotografía junto con su experiencia y algunos consejos para quienes están interesados en esta disciplina e incursionar en este mundo. Hablamos sobre sus gustos en la fotografía, sus intereses y su metodología en ella y platicó que esta es una de las áreas que más le gustan. Por ejemplo, como la foto de retrato o hablando de algo más “comercial” la foto de moda. Nos dio curiosidad del cómo surge su interés en esa área y nos contó que en su pasado siempre hojeaba revistas de moda y de ahí le empezaron a llamar la atención las imágenes que se mostraban, por ejemplo las fotografías de mujeres en el desierto solas o imágenes fuera de lo que comúnmente ves, desde ese momento intrigado empezó a ver los créditos que siempre aparecen en la esquina inferior de cada imagen con el nombre de los fotógrafos, siendo constante empezó a buscarlos y conocerlos y desde ese momento inició con su inspiración. Platicamos sobre cuál es la metodología que sigue para la toma de una fotografía y nos contó que primeramente comienza con la observación y después con la imaginación. Nos comenta que esta metodología para la captura de un momento exacto viene desde su niñez cuando salía de viaje y sus padres no lo dejaban dormir para poder apreciar los 6 Octubre 2020 paisajes, o cuando era estudiante y usaba el transporte público y veía en su trayecto gran cantidad de espacios, esto lo motivaba a imaginar cómo sería tomar una fotografía de un paisaje, un edificio, una persona etc. La observación es el primer paso para llegar a un buen cuadro, a partir de ellos dejamos que nuestra ocurrencia e imaginación haga lo demás jugando con el momento, los objetos, las luces, de esta manera es cómo es posible tomar una buena captura, nos comentó el Maestro Javier Molina. La inspiración que él ha tenido ha ido evolucionando con el tiempo, de las fotografías en blanco y negro, la ciudad, nuestro transporte, a darse cuenta que más que un estilo de fotografía se trata de la reflexión que se hace sobre una imagen. La honestidad en el trabajo es lo más importante. POR: JAVIER MOLINA EN INSTAGRAM El ojo educado Recuerden que, al ver la imagen del fotógrafo, llama la atención el proceso, de ahí se agarra lo esencial, este proceso es llamado TROPICALIZAR lo cual es adaptar una idea a tu contexto. Un ejemplo claro es una serie de fotos que hice llamada “El homenaje al cabrito” en el cual metí al cabrito, la flora y fauna, los frutos de la región, algo que tenga su significado culturalmente, y todo eso fue inspirado en una pintura que vi de Rembrandt llamada el “Buey desollado”, entonces a diferencia de los elementos de su pintura yo ponía elementos de nuestro territorio, ahí hablamos de no ser la copia sino algo mejor, es la reflexión de lo que dice ser tu estilo. Un dato muy interesante que le preguntamos fue el ¿Cómo eliges a quien tomarle fotografías? Su respuesta fue: Todo depende de lo que se esté buscando en el momento, pero tengo un gusto por las personas andróginas ya que tienen un misterio que intriga, también el rostro de las personas con una apariencia ambigua, si es una persona muy ruda tratarlo de hacer más femenino, o al contrario, al igual las personas muy altas ya que para fotografiar es más estético hablando de lo relacionado con moda todo depende mucho del concepto que esté buscando. Una de las recomendaciones que nos dio es el siempre aprender la técnica, y si algún día llegas a romper la regla, que tu esencia siempre sea única para al practicarlo tener un justificante del por qué, en esto no hay que ser metódico ya que se puede ser un desastre, pero al final todo sale. Siempre hay que observar y poner atención en las cosas, porque forzamos el ojo a poder ver otra perspectiva de lo que comúnmente la gente no ve, ya que tu modo de ver las cosas es más agudo porque la misma formación te obliga a observar y es donde tu percibes la realidad de otra forma y es ahí donde está la genialidad, la magia de la fotografía. Viaja fuera del estado; y si puedes del país, lee, ve al cine, disfruta, agudiza los sentidos, empápate de información y entiende nuevas culturas distintas a las tuyas, eso te llevará a algo, alguna crítica o alguna reflexión y todo esto enriquece al ojo educado… Octubre 2020 7 �L E T T E R I N G EL LETTERING COMO ARTE VISUAL ¿Cómo te iniciaste en el mundo del lettering? Me animé a ir a Colorado, EE. UU. para hacer mis prácticas profesionales como diseñadora web en Crispin Porter, una agencia de publicidad donde me tocó hacer un poquito de todo: cosas digitales, impresos, revistas, portadas, etc. Aquí te ponen un mentor y me asignaron una mentora en impresión. Al inicio estaba algo triste pero ella era muy apasionada por el diseño editorial y las tipografías, y me enseñó cómo combinarlas, cómo elegirlas, cómo hacer bonitos layouts con ellas. Después de cuatro meses de prácticas profesionales, no fui contratada; pero eso no me detuvo. Comencé a practicar llenando libretas de muchas letras, tomaba talleres de caligrafía en cada oportunidad que tenía. Luego comencé a subir mis trabajos a Behance, Instagram y otras redes sociales de todas las prácticas que hacía y gracias a eso comenzaron a ubicarme como alguien que hacía lettering. Gracias a eso, logré obtener un proyecto en la Ciudad de México donde me pidieron trabajos para un bazar; hice dos y al tercer poster le pusieron mucha publicidad que circuló por toda la CDMX. Gracias a eso comencé a ser más conocida y eso me animó a querer aprender más formalmente acerca de caligrafía, pues mis conocimientos eran muy básicos y todo lo que aplicaba eran cosas que aprendí con esos talleres. Eso hizo que me animara a ir a Nueva York y tuve un golpe de suerte para poder hacer la maestría y al mismo tiempo estar trabajando en una agencia que se dedicaba a ilustración y lettering; donde podía aplicar lo que aprendía. ¿Qué es para ti el lettering? Dibujar letras. Si tú tienes que hacer sets de letras; es decir de la “A” a la “Z” más los símbolos los debes de mover de lugar para que funcionen en cualquier combinación y cualquier persona pueda usarlo. A diferencia de la caligrafía que ya son técnicas que ya están bien definidas donde hay reglas que definen cómo son las inclinaciones de la mano para que salga de cierta forma. En otras palabras: el lettering se deslinda de la rigidez de la caligrafía y si sabes las bases de tipografía es mejor porque las formas de las letras que hagas se van a ver bien. Alguna vez te has preguntado “¿Qué es el lettering?” Si bien es cierto que esta tendencia se ha ido fortaleciendo con el paso del tiempo, esta forma de expresión ya existía desde antes de este nuevo milenio. En esta edición de CROMA nos acompaña Sindy Ethel quien ha tenido una trayectoria ascendente en el lettering y como orgullo universitario, es ex alumna de nuestra facultad. Ven y acompáñanos para conocer un poco más sobre su trayectoria. Si una tipografía se tarda mucho tiempo en hacer ¿Cuánto tiempo tardas en hacer un lettering? Depende del proyecto principalmente: si recibes feedback, si lo vas a probar en distintos soportes, del deadline, del presupuesto, entre otras cosas pueden hacer que estés haciendo letterings de una hora hasta una semana. Realmente no existe una regla que rija este trabajo. ¿Tú crees que el lettering es un fenómeno reciente o ya existía desde hace tiempo atrás? Diría que como algo moderno, sí. Es un fenómeno reciente. Pero como algo que ya existe de tiempo atrás, el lettering existe desde el momento en el que existió la escritura y desde el momento en el que comenzamos a dibujar letras estamos haciendo lettering. 8 OCTUBRE 2020 FOTO: SINDY ETHEL POR: URIEL ALMAZÁN OCTUBRE 2020 9 �L E T T E R I N G ¿Cómo te iniciaste en el mundo del lettering? Me animé a ir a Colorado, EE. UU. para hacer mis prácticas profesionales como diseñadora web en Crispin Porter, una agencia de publicidad donde me tocó hacer un poquito de todo: cosas digitales, impresos, revistas, portadas, etc. Aquí te ponen un mentor y me asignaron una mentora en impresión. Al inicio estaba algo triste pero ella era muy apasionada por el diseño editorial y las tipografías, y me enseñó cómo combinarlas, cómo elegirlas, cómo hacer bonitos layouts con ellas. Después de cuatro meses de prácticas profesionales, no fui contratada; pero eso no me detuvo. Comencé a practicar llenando libretas de muchas letras, tomaba talleres de caligrafía en cada oportunidad que tenía. Luego comencé a subir mis trabajos a Behance, Instagram y otras redes sociales de todas las prácticas que hacía y gracias a eso comenzaron a ubicarme como alguien que hacía lettering. Gracias a eso, logré obtener un proyecto en la Ciudad de México donde me pidieron trabajos para un bazar; hice dos y al tercer poster le pusieron mucha publicidad que circuló por toda la CDMX. Gracias a eso comencé a ser más conocida y eso me animó a querer aprender más formalmente acerca de caligrafía, pues mis conocimientos eran muy básicos y todo lo que aplicaba eran cosas que aprendí con esos talleres. Eso hizo que me animara a ir a Nueva York y tuve un golpe de suerte para poder hacer la maestría y al mismo tiempo estar trabajando en una agencia que se dedicaba a ilustración y lettering; donde podía aplicar lo que aprendía. En otras palabras: el lettering se deslinda de la rigidez de la caligrafía y si sabes las bases de tipografía es mejor porque las formas de las letras que hagas se van a ver bien. ¿Qué es para ti el lettering? Dibujar letras. Si tú tienes que hacer sets de letras; es decir de la “A” a la “Z” más los símbolos los debes de mover de lugar para que funcionen en cualquier combinación y cualquier persona pueda usarlo. A diferencia de la caligrafía que ya son técnicas que ya están bien definidas donde hay reglas que definen cómo son las inclinaciones de la mano para que salga de cierta forma. ¿En qué te inspiras cuando haces lettering? Depende del proyecto, porque más que artista soy diseñadora. Según lo que venga en el brief vas armando tu moodboard para sacar tus ideas y ver qué tantas cosas podrías hacer. Ya cuando es un proyecto personal, tomo cosas que están en mi día a día, como por ejemplo: de lo que está a mi alrededor, de las cosas en la ciudad, de mi background mexicano. ¿Tienes algún proyecto que haya “marcado” tu carrera profesional? Hay dos en especial. El primero es un proyecto que hice en el 2012 porque me gustaba que fue un póster que hice para la escuela de Saltillo, Digital Invaders, porque fue el primer proyecto de letras donde me animé a hacerlo de cero; sin ningún conocimiento del tema y donde me atreví a romper todas las reglas de la tipografía y a como Dios me dio a entender. De repente ese proyecto ya estaba en todos lados como referencias e incluso me plagiaron dos veces ese proyecto. El último fue de Adobe que hice en San Francisco donde me pidieron que recreara una pieza que había hecho. Y me gustó bastante porque estaba compartiendo algo mío y lo estaba compartiendo a nivel mundial. Aunque estaba nerviosa, fue todo un reto para mí porque fue estar hablando inglés mientras trabajaba por una hora y al final quedó un resultado muy padre y lo mejor de todo es que disfruté el proceso. Si una tipografía se tarda mucho tiempo en hacer ¿Cuánto tiempo tardas en hacer un lettering? Depende del proyecto principalmente: si recibes feedback, si lo vas a probar en distintos soportes, del deadline, del presupuesto, entre otras cosas pueden hacer que estés haciendo letterings de una hora hasta una semana. Realmente no existe una regla que rija este trabajo. ¿Tú crees que el lettering es un fenómeno reciente o ya existía desde hace tiempo atrás? Diría que como algo moderno, sí. Es un fenómeno reciente. Pero como algo que ya existe de tiempo atrás, el lettering existe desde el momento en el que existió la escritura y desde el momento en el que comenzamos a dibujar letras estamos haciendo lettering. ¿Hasta qué punto es importante el estilo para hacer el lettering? Depende de qué quieras tú. Puedes irte por el camino de ser artista y tener algo que te represente mucho a ti o que seas del camino del diseño es el estilo que tú haces. En lo personal soy más diseñadora, yo me adapto al brief, pero hay quienes son más artistas. Ambos caminos son válidos, ninguno tiene menos valor o importancia que el otro. ¿Cuándo decidiste especializarte en lettering? No estoy muy segura si tuve ese momento ya que me gustaba demasiado el tema y quise aprender más y yo creo que por eso se fue perfeccionando. Fue más como un “me gusta hacer esto y dejaré de hacer esto hasta que me aburra”. Como me gusta mucho la ilustración y el lettering, logré encontrar lo que me apasiona hacer. 10 OCTUBRE 2020 ILUSTRACIÓN: SINDY ETHEL ILUSTRACIÓN: SINDY ETHEL ILUSTRACIÓN: SINDY ETHEL ¿Hay alguien a quien tú admires o de quien saques mucha inspiración? Tuve un maestro llamado Ken Barber en Nueva York, es el mejor maestro y la mejor persona; sabe muchísimo. También está Jessica Hisch que se dedica a hacer puro lettering y podría decir que también Herb Lubalin quién ya falleció pero su trabajo en los 60 de logotipos y lettering fue bastante inteligente para la época en la que se hicieron. OCTUBRE 2020 11 �L E T T E R I N G DIEGO CASTAÑEDA “El lettering es brindarles personalidad a las letras” O LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA 12 OCTUBRE 2020 LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA “Siempre tenía mi escritorio lleno de hojas y éstas estaban llenas de puros dibujos. Jamás dejé de dibujar” POR: URIEL ALMAZÁN tro gran artista que podemos encontrar en el mundo del lettering es Diego Castañeda quien es un ex alumno de la Facultad de Artes Visuales. Desde niño se sintió atraído por la escritura; sin embargo, no todo el tiempo supo que se dedicaría a esta disciplina del dibujo. Para él, el lettering es brindarles personalidad a las letras pues las palabras ya te brindan un mensaje con un sentimiento; el otorgarles estos sentimientos hace que el mensaje se enfatice aún más. Desde niño estuvo influenciado en el mundo del arte, gracias a que su padre formó parte de la primera generación del diseño gráfico en el CEDIM, todos los trabajos que vio de él lo influenciaron lo suficiente como para saber desde esa corta edad que quería ser como su papá. A través de su trayectoria escolar, nunca dejó de dibujar. Siempre hacía los clásicos dibujos de los maestros, de Goku o cualquier cosa que se le atravesara por su cabeza. Intentó ser todo lo que un diseñador gráfico puede ser al llegar a la facultad comenzando con la ilustración, pues ya traía un poco de experiencia gracias a todos los dibujos que hizo en el pasado. Sin embargo, en el 2010 salió una página en Facebook llamada “Typeware” donde subían las clásicas frases de “Deja tú lo guapo, soy diseñador” y al ver las paletas de colores tan llamativas y las tipografías tan variadas, comenzó a llamarle la atención. Esto le hizo desear lograr la misma calidad de comunicación que las publicaciones de esa página. Al terminar sus estudios, él optó por viajar a la CDMX para poder especializarse en el lettering, aprovechando el tiempo libre que tuvo por el despido de la agencia en la que trabajaba en el 2014. “Siempre tenía mi escritorio lleno de hojas y estas estaban llenas de puros dibujos. Jamás dejé de dibujar” nos comentó, ya que desde niño hasta ese entonces no había tomado un descanso de dibujar letras. En ese viaje, logró conocer todas las bases que le hacían falta para poder trabajar el lettering como se debía de hacer. Algo que él siempre recomienda en sus talleres en Octante es que tomes bases teóricas para poder entender cómo funcionan las cosas, pues aunque la práctica hace al maestro si ésta no está sustentada por el conocimiento, se vuelve un ciclo sin fin. Y nadie se salva de caer en esos círculos viciosos. Hay que aprender a ser autocríticos para poder saber dónde te equivocaste y así corregir los trabajos que hagas. LLETTERING: DIEGO CASTAÑEDA Así mismo, él recomienda que todos hagan sus portafolios en las redes sociales de su preferencia, pero que el objetivo sea darse a conocer ya que si hacen un trabajo y no lo publican, nadie sabrá de él. Incluso tú mismo te olvidarás de tu propio trabajo y ahí se quedará. Educa tu ojo y atrévete; suelta tu mano y llena tus hojas cuando estés practicando y equivócate cuantas veces sea necesario para que puedas darte cuenta en el resto de los intentos de que estás mejorando. LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA “Aunque la práctica hace al maestro, si no está sustentada por el conocimiento, se vuelve un ciclo sin fin.” LETTERING: DIEGO CASTAÑEDA OCTUBRE 2020 13 �L E T T E R I N G INSPIRACIÓN POR: URIEL ALMAZÁN Y qué mejor manera de satisfacer estas necesidades artísticas que buscando inspiración para estos temas. Hoy en día es fácil encontrar muchos trabajos gracias a las redes sociales con las cuáles puedes rápidamente hacer llegar tu trabajo a más de miles de personas. Un ejemplo de estas redes sociales es Instagram, que se popularizó velozmente por la calidad que mantiene en las imágenes y cuya interfaz es más limpia que la de otras redes sociales. Aquí puedes encontrar los famosos “Hashtags”, que son palabras claves –o etiquetas– que puedes ponerle a tu foto para que cuando un usuario escriba sus intereses el buscador pueda hacer un “match” y pueda mostrarte tu trabajo. Y una curiosidad es que en Instagram puedes seguir los hashtags para que en tu inicio sigas viendo contenido completamente personalizado. Una de estas etiquetas que pueden encontrar es el de “#lettering” donde todos los usuarios publican sus trabajos relacionados con este tema. Y uno puede encontrar desde cómo personalizar tus propias agendas creando títulos únicos hasta un estilo grunge donde no existe un orden ni un sentido estético de las hojas con la letra. También existen cuentas dedicadas a extraer trabajos de otros colaboradores para poder brindar al grupo artístico más obras de arte y seguir alimentando la inspiración, por ejemplo la cuenta “lettering_daily” crea publicaciones continuamente de trabajos de otros artistas y logra generar una galería de variedad de este arte donde no solo ves distintos estilos de trabajo sino ves distintos métodos para poder realizar tan espectaculares trabajos. Una tercera manera de encontrar inspiración en esta red social es escribiendo la palabra clave “lettering” en el buscador. De aquí, el algoritmo de esta herramienta te arrojará los resultados más próximos a lo que intentas encontrar. En un mundo donde la tecnología ya está al alcance de todos y tiene un hambre enorme por seguir creciendo, es inevitable ver este tipo de trabajos en donde sea gracias al alcance de un solo clic. Sigue buscando y nunca dejes que tu hambre por seguir creando se desaparezca. Como nos dijo Sindy, no busquemos likes y hagamos solo por hacer, sino plantearnos objetivos y metas. 14 OCTUBRE 2020 POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM POR: INSTAGRAM OCTUBRE 2020 15 �E M P R E N D I M I E N T O Octante Una tienda enfocada en gente creativa, artículos de papelería de alta calidad y marcas Premium. Flor Imperial Hecho por Diego Castañeda Visita y contacta octante: _ INSTAGRAM @OCTANTEMX _ TIENDA EN LÍNEA www.octante.mx _ WHATSAPP 81 2980 7165 _ OFICINA 81 8356 3560 _ SUCURSALES Monterrey Valle Calz. San Pedro Col. Miravalle Centro Comercial Pueblo Serena Carretera Nacional Col. Valle Alto POR: KELLY SIKKEMA EN UNSPLASH POR: ANDREA REYNOSA PEDRAZA U POR: KREATED MEDIA EN UNSPLASH n poquito de su historia… Dio sus inicios en el 2010 vendiendo exclusivamente la marca “Moleskine” la cual es una marca italiana que engloba libretas de notas, bolsos, agendas, instrumentos y accesorios de escritura y lectura. Montero, Fundador y Director de operaciones inició con su primer local en Río Orinoco en Centrito Valle donde vendían a clientes y amigos de su despacho “Visualización Arquitectónica”. Después de su primer local abrieron una pequeña isla en el Centro Comercial Galerías Valle Oriente Monterrey en la cual estuvieron año y medio y gracias a su éxito se pasaron a su local actual en la Colonia Miravalle. En el 2016 abrieron su segunda tienda en la Col. AltaVista en la zona del Tecnológico de Monterrey, la cual terminó siendo cerrada y en el 2019 gracias a su éxito abrieron una tienda más grande en el Centro Comercial Pueblo Serena al sur de la Ciudad de Monterrey. Handlettering is still alive”. Introduciéndonos un poco más, Octante es un mundo de material artístico en donde increíblemente existe el mejor sacapuntas del mundo, ¿Sabías que existía? Porque nosotros no, y para ser el mejor sacapuntas ocupa su complemento así que al igual encuentras las mejores marcas de lápices, de todo tipo de madera, y la mejor calidad que existe. Un dato curioso que nos dijeron es que ahí mismo existen los mejores plumones para hacer lettering como lo es la marca TOMBOW y la marca POSCA. Esta tienda tiene muchísimos productos novedosos, de la mejor calidad y a un muy buen precio. Miguel tiene un lema el cual es “No vendería algo que no usaría” lo cual nos da a entender que siempre tendrá el mejor material en su tienda. Una cosa que los diferencia al resto de las demás tiendas de material artístico es algo asombroso como el “Octante INK BAR” en el cual manejan diferentes tipos de tintas de varias partes del mundo con las cuales tienes la facilidad de pedir el color que necesites, es una forma más ecológica de verlo ya que ahí mismo puedes ir a rellenar tus tinteros lo cual es mucho más barato y mejor para el medio ambiente. Algo muy interesante de esta tienda es que durante los últimos años han manejado varios talleres y cursos, como lo son de acuarela, lettering, ilustración y caligrafía. Debido al COVID-19 se tuvieron que suspender los cursos por el momento, pero cuando se lleguen a abrir de nuevo, no desaproveches la oportunidad de aprender cosas nuevas. Isla en Valle Oriente Fotografía tomada de @octantemx en Instagram 16 octubre 2020 octubre 2020 17 �E N F O Q U E Los colores & el cine Porque un mundo sin color no sería lo mism0. POR: OSCAR DE JESÚS SÁNCHEZ RODRÍGUEZ Ejemplo de una paleta de colores referente a la pelicula “Scott Pilgrim vs. the world” Rojo Seguimos con el color rojo que al igual que el Azul también es uno de los colores más populares entre la sociedad, en el cine el rojo tiene la función de transmitir sensaciones intensas e incontrolables tales como puede ser el amor y la sexualidad, la violencia, autoridad, el peligro, la rabia e ira. Naranja Hay que recordar que la selección de colores en una película no es por casualidad, más bien es producto de un cuidadoso análisis de escenografía. S in duda alguna los colores siempre han formado parte importante en nuestra sociedad tal como lo son la ropa, objetos de uso común, la publicidad y en el cine no es la excepción. Todos percibimos los colores de diferentes maneras y nos transmiten una sensación, a esto lo conocemos como: la psicología de color. Este nombre proviene de “La Teoría de los Colores” propuesta por el alemán Johann Wolfgang Von Goethe en 1810 donde él hablaba, o más bien, proponía diferentes usos y significados para cada color. En el cine los colores tienen varias funciones como establecer un conflicto, definir las personalidades de un personaje al igual que el desarrollo de este, señalar elementos importantes y para transmitir un sentimiento o emoción en cada escena. 18 OCTUBRE 2020 Proseguimos con el color naranja que es el más cálido de todos, el cual trasmite sensaciones positivas tales como la alegría, la amistad, la interacción humana y lo exótico, también está vinculada a la nostalgia, los recuerdos y la juventud. Amarillo En quinto lugar, tenemos el color amarillo en su lado positivo trasmite la originalidad, seguridad, el optimismo y la vitalidad de las personas, pero por otro lado no tan positivo representa la enfermedad y las emociones negativas de las personas tales como locura, envidia, celos, enfados, entre otros más. Azul Para poder armar todo lo anteriormente mencionado se tienen que definir los tonos que se utilizarán en la película y aquí es cuando se crea la paleta de colores, que serán las series de tonalidades que se usarán en toda la película y darle un contexto desde la preproducción. Pues es muy bien sabido que utilizar un color morado para una escena romántica no será lo mismo si usamos un tono rosa. Una vez explicada la importancia de los colores en el cine, mencionaremos sus significados. Sabiendo esto, ir al cine ya no será como antes, tendrás una visión muy diferente de las películas, podrás disfrutarlas aún mejor al saber por qué un color específico está en el entorno y/o lo que utiliza cierto personaje, recordemos que las palabras no son las únicas maneras de trasmitir un mensaje. Empezamos con el Azul que es uno de los colores más populares y de los favoritos de las personas, y sin duda en el cine es un color que puede trasmitir diferentes emociones dependiendo del contexto estos pueden ser: tranquilidad y reflexión, pero por el contrario puede representar la tristeza y la soledad, en otros casos también se puede asociar a lo pasivo, a la tranquilidad y a la satisfacción. Rosa Verde Morado Continuamos con el color verde que es asociado con la naturaleza con lo cual tiene los significados de la fertilidad y de la inmadurez también se utiliza para representar aspectos de un personaje tal como su voluntad, si es alguien pasivo o defensivo, cauteloso, posesivo, persistente, su autoestima y su liderazgo. Por otro lado, puede representar cosas malas por ejemplo una amenaza, corrupción o al igual que el rojo el peligro. Otro de los colores es el rosa que lo han estado representando siempre como el color femenino, está más enfocado a los personajes femeninos y atribuirle cosas tales como la belleza, empatía, su alegría, dulzura o inocencia, entre otras más. Y ya para terminar con los colores seguimos con el violeta o morado, este color no es muy común encontrarlo en todo lo que nos rodea, por este motivo en el cine lo usan para representar ambientes de fantasía, ilusión, de lo místico y lo erótico, en personajes es utilizado para transmitir irresponsabilidad, intuición, la sensibilidad, la inmadurez y lo afectivo al igual que la realización de sus deseos. OCTUBRE 2020 19 �A R T E La inspiración para crear arte ¿ POR: JOSÈ MANUEL OCHOA OSORIO Cualquier cosa o evento que haga ver la realidad como algo fuera de lo común propicia la inspiración misma. 20 octubre 2020 Cómo fue que Leonardo se inspiró para crear la Mona Lisa? ¿Qué inspiró a Miguel Ángel crear al David y a Cervantes el Quijote? ¿Qué es lo que inspira a los artesanos a crear sus obras? El campo del trabajo artístico es muy amplio y variado, pero ¿qué es ese algo que tienen en común los artistas que los motiva a crear arte? Entre las primeras personas que trataron de explicar la inspiración se encuentra Platón, en su diálogo “Ion” establece que la creación poética no depende del saber adquirido por el poeta, sino de una fuerza divina que lo posee. Así, más allá de lo que es la inspiración en sí misma, existe la pregunta acerca de qué y cómo se inspiran los artistas para crear sus obras. La respuesta puede ser muy fácil o difícil según se vea, todo inspira y a la vez nada lo hace, el proceso tiene que ver con el artista mismo, su forma peculiar de observar el mundo, sus emociones y su realidad. El artista visualiza su entorno y a través de su obra busca transmitir sentimientos y emociones de lo que lo rodea. Se puede considerar entonces que uno de los motivos que más inspiran es la naturaleza misma, ya que es un marco perfecto para producir sentimientos y emociones agradables. Al estar en contacto con la naturaleza, las personas nos relajamos y nos sentimos más tranquilos, de esta forma, en un ambiente feliz, las ideas pueden fluir mejor. Pero el artista se inspira en cualquier cosa, no se limita a nada, cualquier cosa o evento que haga ver la realidad como algo fuera de lo común propicia la inspiración misma. El ver un amanecer, el nacimiento de un niño, la muerte de un ser querido, todas estas situaciones son motivo para producir emociones en el artista para que al crear su arte busque una forma de comunicar sus sentimientos que le produjeron esa situación. Entonces para crear arte, hay que salir a buscar la inspiración, yendo a museos, ver obras de otros artistas, ver películas, oír música, leer libros, todo aquello que propicie la imaginación es benéfico para que esta llegue. Un buen consejo es llevar a la mano en donde anotar las ideas que van surgiendo, la memoria La inspiración es un sutil río de claridad que salta desde un conocimiento inmenso y eterno; sobrepasa a la razón con mayor perfección que la razón sobrepasa al conocimiento de los sentidos” Sri Aurobindo. puede ser engañosa, y al leer las notas se pueden mejorar las ideas y la creatividad va surgiendo en ese momento. La inspiración ha aparecido. Puede existir el bloqueo creativo, para esto es mejor relajarse y no pensar en ello porque para que haya una buena inspiración se debe tener un descanso y relajación adecuados. Hay que considerar que las personas con altos niveles de estrés rara vez tiene momentos de inspiración, el estrés mismo es agotador. Un momento de inspiración es un momento mágico donde las personas liberan su creatividad y recordando considerar la frase “que la inspiración te encuentre trabajando”, se crea una inercia de seguir creando más obras, de mejorar en lo que se está trabajando. POR: RAKICEVIC NENAD EN PEXELS inspirar Del lat. inspirāre ‘soplar’. _ tr. Infundir o hacer nacer en el ánimo o la mente afectos, ideas, designios, etc. tr. Sugerir ideas o temas para la composición de una obra literaria o artística. tr. Dicho de Dios: Iluminar el entendimiento de alguien y mover su voluntad. prnl. Sentirse motivado por alguien o algo para el desarrollo de la propia creación. rae.es octubre 2020 21 �A R T E Nuevo León tendrá un Laboratorio Cultural La infraestructura del Laboratorio Ciudadano promueve la colaboración y la realización de proyectos. POR: CONARTE 22 octubre 2020 Queremos atraer a este espacio a los genios para que diseñen el Nuevo León que necesitamos todos” POR: ANDREA REYNOSA E l Antiguo Palacio Federal actualizará sus vocaciones culturales a través de un nuevo proyecto sobre un Laboratorio Cultural Ciudadano (LABNL), un plan diseñado por el gobierno estatal a través del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León (­CONARTE), el cual se dio a conocer a través de su presidente Ricardo Marcos. Él, junto con el Secretario de Infraestructura, ­Humberto Torres, anunciaron la presentación e inicio de la obra a ­ ­mediados de este año. Según los informes, el proyecto incluirá el cierre de la Calle 5 de Mayo, entre Zuazua y Zaragoza para hacerla peatonal. La restauración de la misión artística del Antiguo Palacio Federal se inició con el objetivo de establecer un Laboratorio Cultural Ciudadano, el cual tiene como propósito potencializar la creatividad e innovación de los jóvenes para poder generar proyectos creativos. El proyecto invierte 107.9 millones de pesos; de los cuales 83.2 millones se destinan a obras inmobiliarias y otros 24.7 a equipamiento. El gobernador Jaime Rodríguez Calderón, resaltó la importancia de crear las condiciones para el desarrollo de la cultura y las artes a través de la experimentación con las nuevas tecnologías. - “Una promesa fue regresarle a la comunidad cultural un espacio que permita que creemos las nuevas historias y el nuevo arte. Estamos otorgando las condiciones que necesitan las nuevas generaciones para trascender al futuro [...] Queremos atraer a este espacio a los genios para que diseñen el Nuevo León que necesitamos todos” “Un laboratorio ciudadano es un espacio de generación de ideas, abierto a proyectos de personas e instituciones que buscan la solución de problemas en conjunto. “ Marcos García, director artístico de MediaLab-Prado, ­Madrid, destacó que el objetivo del Laboratorio Cultural Ciudadano era convertirse en una plataforma generadora de ideas que esté al servicio de la población. “La infraestructura del Laboratorio Ciudadano promueve la colaboración y la realización de proyectos. No es tanto un centro cultural que programa contenidos, sino que sirve como una plataforma para que personas con ideas se reúnan con colaboradores y puedan llevarse a cabo”. El LABNL contará con espacios para la creación de diversos contenidos y aprendizaje como: aulas taller, talleres de producción, un estudio audiovisual, estudios sonoros, escénicos, de arte, tecnología, producción digital e ideas, así como incluir un espacio dividido para seis laboratorios donde abordan diferentes temáticas relacionadas a la producción. De igual manera, contará con rincones escénicos, almacenes, oficinas y cafeterías (por nombrar algunos) dirigida principalmente a los jóvenes entre 16 y 35 años. Por ello es que es considerado que este tipo de espacios deben estar abiertos al público, así como las instituciones educativas y culturales para el desarrollo de proyectos en conjunto. Las obras para el Laboratorio Cultural Ciudadano empezaron el pasado 14 de julio del 2020 y se tiene planeado que el Laboratorio inicie sus operaciones a principios de diciembre de este mismo año. POR: CONARTE octubre 2020 23 �E V E N T O S Uno de los festivales más grandes de diseño, arte y fotografía de Latinoamérica, que da oportunidad a estudiantes de compartir un momento con los artistas más reconocidos de la industria, se adaptó de manera virtual con más de 30 webinars y 50,000 espectadores de todo el mundo. POR: SOFÍA SANTOS ARIZPE W acom Academy es una iniciativa educativa de la marca Wacom dirigida a estudiantes para que descubran nuevas técnicas y herramientas que los ayuden a impulsar su creatividad y potencial artístico. El evento da oportunidad para que los aspirantes interactúen con personas profesionales en el campo a través de conferencias, eventos, talleres y concursos presentados por los mejores artistas en el mundo de la animación y diseño. Abarcando temas como diseño, animación 2D y 3D, escultura digital, diseño de cómics y personajes, efectos visuales y edición de fotografía. 24 octubre 2020 Cada año, desde 2017, han realizado un tour por distintas universidades de América Latina, donde artistas reconocidos como: Aaron Blaise (Rey León, La Bella y la Bestia, Pocahontas), Dan Katcher (Game of Thrones) y Mike Thompson (Marvel: Black Panther), presentan clases a los estudiantes y hablan de su experiencia y procesos con herramientas de Wacom. Este año tuvieron que planear una dinámica distinta para que el evento se presentara a los estudiantes. Formando así el e-Fest 2020 Wacom Academy, un evento en línea, completamente gratuito con más de 60 horas de contenido, dando oportunidad a que estudiantes interesados de otros países también tuvieran acceso a las pláticas con diferentes artistas. Agenda e-Fest 2020 Horarios de artistas invitados el 4 de septiembre. academy.wacom.com E-FEST 2020 WACOM ACADEMY (De izquierda a derecha) Ilustraciones para WacomAtrévete hechas por @bydigu, @leodelsabio, @dandan_gula, @inhuumi, @cuartitochill en Instagram E-FEST 2020 WACOM ACADEMY Para su cuarta edición, se organizó un evento virtual de 4 días donde 30 artistas reconocidos mundialmente, platicaron sobre temas específicos a su carrera o también trabajaron en vivo creando piezas o ilustraciones para explicar su proceso al momento de trabajar con los programas y herramientas. Las conferencias duraron aproximadamente una hora y media, contando con momentos para que los estudiantes presentes en la sesión pudieran hacer preguntas o mostrar trabajos de su portafolio para recibir retroalimentación de los artistas. La edición reunió a más de 50,000 asistentes, de 20 países, registrados en las conferencias y 120 portafolios de alumnos de diferentes universidades para ser revisados por los profesionales y generar reconocimiento de la comunidad Cumpliendo así el objetivo de Wacom Academy, que busca llegar a artistas aspirantes que quieran aprender nuevas técnicas y generar un espacio donde puedan acercarse al mundo laboral de esta increíble práctica a través de pláticas con los artistas más importantes que comparten con ellos la misma pasión por el arte y la animación. ARTISTAS INVITADOS En esta edición se presentaron artistas destacados de diferentes partes del mundo como Argentina, Chile, Colombia, Perú, Estados Unidos, Guatemala, Inglaterra y México. Reunieron a artistas reconocidos de Disney, Pixar, Marvel y DC como: Grant Alexander, de Pixar por diseño de personajes; Armand Serrano, que ha trabajado con efectos visuales en Disney; Hugo Blendl, que participó en la animación de Rick and Morty; Mike Sandoval, artista digital que participó en proyectos para Corona Capital y Foo Fighters; y Daniel Bel, escultor digital en Sideshow Collectibles. octubre 2020 25 �E V E N T O S WEBINARS El evento presentó las conferencias a través de Zoom, desde la mañana hasta la media tarde, donde los artistas contaron con una hora y media aproximadamente para compartir una charla o presentación con los estudiantes. Te presentamos un resumen de algunos webinars de esta edición: LILA CRUZ La conferencia empezó con la artista, presentándose y demostrando su trabajo de ilustración editorial para portadas de libros. Su plática fue muy útil para los estudiantes ya que hizo una demostración con la tablet de Wacom en el proceso de sus ilustraciones, aportando tips y técnicas mientras compartía su pantalla para que pudieran ver lo que estaba haciendo. También habló de la importancia de estar familiarizados con materiales reales como acuarela, para poder trabajar más fácil con las tabletas gráficas y los pinceles. Hubo un momento donde revisó trabajos de los estudiantes y les ayudó a mejorar sus piezas demostrando las técnicas y referencias para que pudieran lograrlo. ¡ MIRA TODAS LAS CONFERENCIAS ! Puedes visitar la página de Wacom Academy, academy.wacom.com para disfrutar de los webinars de todos los invitados, accesibles para todo público. Artistas Invitados Banner de academy.wacom.com GRANT ALEXANDER Grant empezó presentando su trabajo en Pixar, en el cual estuvo por 12 años, formando parte de producciones como Cars 2, Onward, Soul y Coco. Esta plática informó a los estudiantes de los procesos que se llegan a tener en Pixar, y cómo trabajó los backgrounds de Coco. También platicó sobre el diseño de personajes, haciendo una demostración de su proceso, mientras respondía preguntas sobre su carrera y experiencias en todo su trayecto artístico. GRETEL LUSKY La artista empezó con una pequeña introducción de su trabajo y carrera. Para la conferencia presentó su proceso desde cero para crear una ilustración. Explicó paso por paso todo lo que hace desde los ajustes del archivo en Photoshop hasta detalles de la paleta de color que utilizaría. Mientras trabajaba en la ilustración, respondió preguntas sobre el proceso de sus bocetos, las herramientas que más usa en la aplicación, entre otras. HUGO BLENDL Su plática empezó con un agradecimiento a WACOM por la oportunidad de trabajar con la comunidad artística y sus viajes con la marca para dar charlas y clases de animación 2D y 3D, para mejorar la industria de esta rama en Latinoamérica. Habló sobre su carrera en Netflix y proyectos con Universal. Sobre su proceso, técnicas y tips para mejorar. La plática fue muy divertida ya que mientras iba contando un poco de su historia, estaba animando pequeñas ilustraciones que acompañaban lo que decía. Además de la plática, preparó unos ejercicios para presentarles a los estudiantes y les explicaba herramientas del programa mientras animaba. Webinars Captura de pantalla de las sesiones de Lila, Grant, Gretel y Hugo. Reproducidas en la página de Wacom Academy. #WACOMATRÉVETE Además de las conferencias y demostraciones de nuevos productos de Wacom, se organizaron concursos con algunos artistas y el concurso principal “#WacomAtrévete”. La convocatoria empezó a finales de agosto cerrando el 11 de septiembre para anunciar a los ganadores una semana después. Sin embargo, debido a la gran respuesta de los aspirantes, recibiendo 2000 piezas por calificar, la fecha de la premiación se cambió para el 23 de septiembre donde los ganadores se nombraron en la cuenta oficial de WACOM en instagram. 26 octubre 2020 Dentro de los jueces para decidir a los ganadores, estaban los mismos artistas invitados al evento: Gretel Lusky, Mike Sandoval, Mikeila Borgia, Nicolás Chacín, Mr. Phillip y Linda Platas. Calificando a los artistas por la ejecución de la idea, presentación, la historia, sin dejar a un lado el nivel de originalidad y técnica. El concurso estaba dirigido a artistas amateurs exclusivamente, ya que su objetivo principal era descubrir el talento emergente e impulsar a nuevos artistas a mostrar su trabajo con la comunidad sin importar qué tipo de arte usan para expresarse, ya fuera, digital, análogo, fotografía o animación. Ganadores de WacomAtrévete Captura de pantalla de @wacom en instagram. octubre 2020 27 �E V E N T O S “Se proyecta” el certamen de cortometrajes de la UANL POR: OSCAR DE JESÚS SÁNCHEZ RODRÍGUEZ U n certamen que dio inicio el pasado 20 de febrero, cuyo objetivo es invitar y motivar a sus alumnos a poder demostrar su ta- lento artistico en la creación de cortometrajes. Esta tuvo dos tipos de categorías: La primera llamada “Categoría Especial” dedicada a estudiantes de la Facultad de Artes Visuales, Facultad de Artes Escénicas y la Facultad de Ciencias de la Comunicación. La segunda llamada “Categoría Generales” donde podrían participar el resto de los estudiantes de facultad y preparatoria. El total de cortometrajes registrados para esta convocatoria 2020 fue un total de 33, donde 17 de ellos pertenecían a la “Categoría Especial” y 16 para la “Categoría Generales”, sin duda alguna quedó claro que ni la pandemia puede detener la creatividad y el amor de cada uno de los participantes por plasmar sus ideas en un cortometraje. Los premios para los cortometrajes ganadores fueron para el primer lugar la cantidad de $25,000, para el segundo lugar el monto de $15,000 y por último el tercer lugar $10,000, además de que estos cortometrajes ganadores serán proyectados gracias al Ficmonterrey. 28 OCTUBRE-2020 Hay que felicitar y agradecer a cada uno de los estudiantes que participaron por su gran esfuerzo de lograr que un evento como lo es el Certamen de Cortometrajes de la UANL fuera un éxito, a pesar de la situación que estamos pasando,motivando a muchos estudiantes a que participen en el próximo certamen y sobre todo a seguir con sus sueños de producir grandes historias. Oscar Sanchez Los ganadores para los participantes de la “Categoría Especial” fueron los siguientes: En primer lugar, tenemos al estudiante Emanuel Sena Galeana de la Facultad de Artes Visuales que nos presentó “Los niños perdidos” un cortometraje repleto de drama. En segundo lugar, se lo llevó “Desde mi pantalla” con un cortometraje con un tono de romance dirigido por Luisa Valentina Frassier Canache estudiante de la Facultad de Artes Visuales. En tercer lugar, también de la Facultad de Artes Visuales lo obtuvo Marlon Fabricio Romero Algaba con su cortometraje lleno de drama, delincuencia juvenil llamado “Castigada”. Agradeciendo a cada uno de los estudiantes que pusieron en alto el nombre de nuestra facultad en el certamen de cortometrajes, esperando a que llegan mas logros para casa uno de ellos y que sigan animando a todos nuestros compañeros a seguir creando varias historias, Fuente de imagen “Sitio web UANL” Los ganadores para los participantes de la “Categoría General” fueron los siguientes: En el primer puesto se lo lleva la estudiante Sara Gabriela Arredondo Mendoza de la Facultad de Arquitectura con su cortometraje “Azúcar” manejando un género de ficción. En el segundo puesto lo tiene el documental titulado “Cuarentena” dirigido por el estudiante Iaf Ueman Alcántara Sánchez de la Escuela Industrial y Preparatoria técnica “Pablo Livas”. En tercer puesto lo obtuvo “Yakei: Los vigilantes de la noche” un cortometraje de horror surrealista, dirigido por el estudiante Joshua Samuel Rincón Ramos de FACPYA Cada uno de estos estudiantes nos hacen saber que todos llevamos un artista adentro y que no lo unico que nos detiene es el no intentarlo, y esperemos ver mas participaci´n de otras facultades para conocer diferentes estilos y visiones de contar una historia. Fuente de imagen “Sitio web UANL” Y además de tener a los ganadores en sus respectivas categorías, también hubo menciones honoríficas para algunos cortometrajes, los cuáles fueron: De la “Categoría Especial” fue un documental de ficción titulado “Coliseo” dirigido por la estudiante Gabriela Ramírez Zúñiga de la Facultad de las Ciencias de la Comunicación. Otro cortometraje con mencion fue “Ave” un drama familiar dirigido por el estudiante Alejandro Medina Vega de la Facultad de Artes Visuales también de la “Categoría Especial” Y por último un cortometraje perteneciente a la “Categoría General” fue para el drama “Piojo” del estudiante Tadeo Osvaldo Hernández Silva de FIME OCTUBRE 2020 29 �S E C C I Ó N 30 septiembre 2018 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2020 Número Número de la revista 3 Mes de publicación Mes cuando se publicó Octubre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Trimestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, arte, diseño, audiovisual, 2020, No 3, Octubre Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Docencia Diseño Arte Creatividad Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación editada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/10/2020 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020114 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/ Spatial Coverage Spatial characteristics of the resource. Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Artes Colores Cortometraje Docentes Emprendedores imspiración Laboratorio cultural ciudadano Letterning