https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/453/20541/Famus_2013_Ano_3_No_8_Septiembre-Diciembre.ocr.pdf 192362d20fbf6a74a29284fd3d813af6 PDF Text Text L _J r ..... REVISTA CULTURAL DE LA FACULTAD DE MÚSICA DE LA UANL SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 AÑO 3, No. 8. �[FAMHL!l§ UANL UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE NUEVO LEÓ~ o ·---s.,_ o .+.J u QJ s.,_ ·--o Universidad Autónoma de Nuevo León Dr. Jesús Ancer Rodríguez Rector Ing. Rogelio G. Garza Rivera Secretario general Dr. Juan Manuel Alcocer González Secretario académico Lic. Rogelio Villarreal Elizondo Secretario de Extensión y Cultural Dr. Celso José Garza Acuña Director de Publicaciones Lic. Luis Gerardo Lozano Lozano Coordinador de la Facultad de Música Dr. David Josué Zambrano de León Director general de FAMUS Revista Cultural de la Facultad de Música de la UANL davzam6 l@yahoo.com.mx Lic. Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso Editora Responsable veronicalvg@hotmail.com Iris Torres Diseño Gráfico torres_iris l@hotmail.com Dr. Ricardo Martínez Leal M.A. Graciela Mima Marroquín Narváez M.C.P. Patricia Ivonne Cavazos Guerrero M. A. Mayela del Carmen Villarreal Hemández CA Desarrollo e Investigación Musical/ Consejo editorial FAMUS Revista Cultural de la Facultad de Música de la UANL, Año 3, Nº 8, septiembrediciembre 2013. Fecha de publicación: 14 de septiembre de 2013. Es una publicación tetramestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León, a través de la Facultad de Música. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste s/n, Res. Las Torres, Monterrey, Nuevo León, México, C.P. 64841. Teléfono: + 52 81 86758068. Editora responsable: Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2010-102010503100-102. ISSN en trámite. Otorgada por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Registro de marca ante el Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial: 1,228,026. Impresa por: Imprenta Universitaria, Ciudad Universitaria s/n, San Nicolás de los Garza, Nuevo León, México, C.P. 66451. Fecha de terminación de impresión: 13 de septiembre de 2013. Tiraje: 1,000 ejemplares. Distribuido por: Universidad Autónoma de Nuevo León, a través de la Facultad de Música, Praga yTrieste s/n, Res. Las Torres, Monterrey, Nuevo León, México, C. P. 64841. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Prohibida su reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización del Editor. Impreso en México. Todos los derechos reservados. ©Copyright 2013. revistafamus@gmail.com SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 1 UANL ---- �• • • • •• t • • •• •• ••••• r:'\,.,......,........,.,ifllllfllflllll '•.••• • • rl'-1f.,r1rr~111111~1 ••• • • • Desarrollo de la audición como parte de la percepción del mundo • • •• en edades intermedias. Primera Parte Lic. Jairo Antonio Cortés Juárez .. . • • • •- . .. ••• 1 ----·. ·-Pág.22 • • • •••• 1 ••••••• 4 ... -•....• • • : •◄ • •• �L _J itorial DR. DAVID JOSUÉ ZAMBRANO DE LEÓN E l editorial de este número, por corresponder con la navidad, que es la época que la mayoría de los seres humanos disfrutamos más y que está cargada de significados y recuerdos que son evocados, entre otras cosas, por la música, lo dedicaré precisamente a escribir brevemente sobre una variedad de obras musicales que acostumbro escuchar y que para mí, engloban la idea de la navidad abordada de formas muy diversas. Se trata de una colección arbitraria, incompleta (podría referenciar muchas obras más) y altamente personal de cuatro selecciones navideñas, conformada por una amalgama de épocas y géneros que me resultan muy recomendables. Mi propuesta para este viaje musical inicia con el oratorio "El mesías" del compositor alemán nacionalizado inglés G. F. Handel, escrito en tres semanas en Londres y estrenado en Dublín en la primavera de 1742. El oratorio no busca imitar a la ópera, sino que, eliminando los vestuarios y la escena, enfoca la acción dramática en la propia escritura musical, mayormente en las prominentes partes para coro y orquesta. Como características puedo señalar que fue compuesto en tres partes para voces solistas de soprano, mezzo-soprano o contralto, tenor y barítono, con un texto conformado por citas de la biblia seleccionadas por Charles Jennens. Escuchar la primera parte, desde el recitativo del tenor "Confort ye ... " hasta el aria de la soprano "Rejoice greatly" es para mí una experiencia emocional muy intensa. Continuando con nuestro viaje musical, para aquellos de ustedes que gustan de piezas navideñas tradicionales, "Noche de paz" es un villancico cuyo texto describe la tranquila atmósfera del sitio en donde Jesús nació, la calidad de su sueño de niño y la presencia de pastores y ángeles que proclaman un mensaje de esperanza. Estoy seguro que cuando Franz Xaver Gruber, maestro de escuela y organista alemán del siglo XIX, compuso esta canción de cuna sobre un texto de Joseph Mohr, nunca imaginó que se convertiría en una de las obras navideñas más célebres del mundo. La cantante canadiense Diana Krall como compositora y letrista es considerada una de las grandes figuras del jazz hoy en día. ':.Jingle bells", canto tradicional norteamericano que escuchamos con frecuencia en diversas versiones en esta época, fue creado por James Pierpont en la segunda mitad del siglo XIX. La versión de Krall logra ponerme en sintonía navideña de una manera muy espontánea. Aparte de sus vocalizaciones, desde su inicio con el sonido de cascabeles, además del ritmo de jazz que utiliza así como la dotación instrumental con énfasis en los metales, todo ello me recuerda que la navidad es efectivamente el tiempo más disfrutable del año. No debemos olvidar que esta obra evoca el paisaje invernal de nieve y las actividades propias de un lugar así. Para concluir comentaré sobre la pieza titulada "Melchor, Gaspar y Baltazar" de Yisel Correa, que conozco por un álbum de música compendiado con el nombre de "Navidad cubana", que al parecer tiene fecha de edición del 201 O. Esta obra ejecutada por un ensamble de voces masculinas, flauta, violines, bajo y percusiones cuenta la historia de los tres reyes magos quienes no faltan a sus promesas y viajan por el mundo para alegrar a los niños con sus regalos, mismos que cargan en sus camellos. Si prestamos atención a los contenidos de las obras musicales descritas, entendemos entonces que la navidad nos invita a la reflexión y al contacto más cercano con los seres que consideramos importantes para pasar un tiempo alegres y dispuestos a la sana convivencia. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 3 UANL �L _J fAMUS IE\IJmruLruv.r.a:LAFACT.UADOOMl.'llCADEIAUANL @JoJvw et ~ c/,e; n n "n ,/in UM n, LfSW~e#'ll~~ TMM PABLO GONZÁLEZ MARTÍNEZ T al y com~ el títul~ declara, ~I ~ropó~ito de este ensayo es seguir en esencia el metodo socrat1co mas para ahondar y analizar el concepto de paradigma que para dar una respuesta unilateral y definitiva. Iniciaré dando una breve definición del concepto con sus características, seguiré con un análisis acerca del porqué del concepto. Por último, finalizaré con un ejemplo aterrizando la idea en terreno educativo y dando pie a un debate que propicie y dé lugar a una toma de consciencia. Esta primera parte tendrá como base el primer ciclo de videos del académico independiente Joel Barker, titulado "Descubriendo el futuro: el negocio de los paradigmas" el cual se encuentra en dominio público en la página web de youtube. Desde mediados de los setenta se ha destacado mundialmente por su trabajo en la popularización del concepto de paradigma y su aplicación en el mundo de los negocios. Barker comenta la idea del paradigma y resalta su importancia en la vida del hombre. Para entender el concepto, podríamos definirlo como "la idea acerca de la idea". Es decir, un sistema de reglas para entender y/o hacer tal o cual cosa que establece tanto los límites de la idea misma como las posibles soluciones o respuestas que ofrece seguir bajo la guía y lente de esa idea. Según Barker, el concepto de paradigma fue puesto en boga en la década de los setenta por el autorThomas Khun en su libro "La estructura de las revoluciones científicas", publicado por primera vez en 1962. Y cosa nada aleatoria es que haya salido a la luz en tal época y en tal siglo. Tengamos en cuenta que desde mediados del siglo XX hemos sido testigos de cambios no menos que revolucionarios en todas las áreas del conocimiento y también en la forma de vida del hombre tanto consigo mismo, con la comunidad humana y con el resto del mundo, sea para mejor o peor. El desarrollo de las ciencias, la tecnología, las artes, dos guerras mundiales, luchas por independencias y derechos sociales, la segunda revolución tecnológica, y la lista continúa. Barker menciona a la vez lo que él llama "el efecto paradigma". Este es un concepto fundamental para el entendimiento del comportamiento del reino animal, del cual somos parte. Podemos entenderlo como la parcialidad y sesgo del juicio a la hora de filtrar y comprender la información. Fácilmente podemos rastrear los orígenes de este concepto al desarrollo de la ciencia psicológica SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 4 con antecedentes desde el siglo XVIII. El estudio de cómo la sensación se convierte en percepción, esto cuando un estímulo proveniente del exterior viaja por los órganos de los sentidos, llega al cerebro donde es decodificado, dotado con un significado y un sentido, se puede remontar a los estudios filosóficos del británico George Berkeley. Da un paso más allá que el racionalista francés René Descartes al cambiar la máxima "Pienso, luego existo" por "Existir es ser percibido". Daré un ejemplo: un niño de una zona rural que nunca en su vida ha visto una computadora ni ha escuchado nada al respecto, por lo tanto, no sabe lo que es un aparato así; para él, la computadora simplemente no existe. Y, sin embargo, esto no hace que la computadora deje de existir. El cerebro humano está hecho para codificar y decodificar con un sentido, está hecho para dar un porqué a todo. De lo contrario, de no hallar una explicación, se produce un estado de angustia hasta dar con una respuesta por más lógica o ilógica que sea. UANL �L _J Algunos autores proponen que esta necesidad de entender la vida y el mundo es la razón de la creación de las religiones: ideologías y creencias que más que respuestas coherentes con el orden natural son una solución basada en la fe a los problemas existenciales del hombre. Todos estos conceptos pueden ser llevados a cualquier contexto, en nuestro caso, será el terreno educativo musical. lCómo era la enseñanza de la música en los siglos pasados? Podremos coincidir en la palabra disciplina, adecuada en mayor o en menor grado. Con el paso de los años y los descubrimientos pedagógicos, es opinión general que el trato humano es indispensable en la relación alumno-profesor y en el proceso correcto de enseñanzaaprendizaje. Y a pesar de esto, es todavía fecha en que distintos paradigmas al respecto de esta cuestión coexisten en lugar y en tiempo actual: en el sistema educativo de EUA y México, en nuestra Secretaría de Educación Pública, en la Universidad Autónoma de Nuevo León y en nuestra propia Facultad de Música. Que un sistema de enseñanza haya funcionado antes no indica que sea el mejor pero tampoco un sistema nuevo es sinónimo de efectividad o mejora. Sí, la escuela tradicional tiene mucho de cuestionable y deben cambiarse algunas nociones y costumbres para propiciar un verdadero aprendizaje. No obstante, indudablemente hay elementos de esta escuela que son elementales para el correcto desarrollo del alumno. Hay muchas propuestas de la llamada escuela nueva de las cuales podríamos aprender aunque no todas sean viables o posibles. Ninguna escuela es mejor que la otra en su totalidad y no podemos satanizar a una y elogiar impecablemente a la otra. Es en la combinación de ambas escuelas donde considero que está el equilibrio y el resultado más justo y adecuado para la creación de un aprendizaje significativo. El justo medio es la virtud de todas las cosas, como declaró Aristóteles. lAcaso estamos muy lejos de la forma de enseñanza del siglo pasado o inclusive de la edad media? lNo seguimos evaluando, formando y entendiendo la realidad educativa de una manera muy similar aún? Es una característica 5 de las ideologías la resistencia al cambio y sólo el tiempo y una mente imparcial podrán tomar la mejor decisión respecto a cuál elegir como base y fundamento. En esta época caracterizada por el cambio constante, acaso imparable, para tratar de salir adelante, el estar dispuesto a cambiar de paradigma es más que un consejo, una necesidad. Y faltaría todavía tratar las consecuencias que este ritmo de vida físico y mental de nuestro siglo exige y provoca en nuestra salud. Pareciera una bomba de tiempo que el mismo hombre construyó, en el afán de simplificarse la vida se ha echado la soga al cuello. Pero de nada sirve una crítica si no va acompañada de una propuesta. Y con un bello ejemplo del siglo pasado quiero finalizar este ensayo con vistas a futuros trabajos, debates y la creación de reformas por el bien de nuestra facultad, nuestra universidad, nuestro sistema de educación, prácticamente en nuestra forma de entender nuestra realidad sea cual sea. Este admirable ejemplo lo comento a raíz del documental titulado "La escuela de la señorita Oiga", el cual fue hecho a principios de los noventa consistiendo en una serie de entrevistas hechas a maestros y exalumnos de dicha escuela bajo la dirección de la señorita Cossettini. Situado en una pequeña ciudad de Argentina en 1935, gracias en parte a un UANL �L _J esmerado ensayo y a una prometedora trayectoria, llega la señorita Oiga Cossettini al puesto de directora a la escuela primaria "Dr. Gabriel Carrasco" junto a su hermana Leticia. El arribo de estas dos hermanas cambiaría drásticamente, durante los quince años que estuvo la señorita Cossettini al frente de esta escuela primaria, tanto el paradigma de la escuela en sí como los límites de lo que puede llegar a ser una experiencia educativa enriquecedora. Téngase en cuenta el contexto en el que se desenvolvió este suceso. Una pequeña ciudad "en un paisaje poético y bucólico". Unas circunstancias tales eran menos casuales que necesarias, ya que daban el lugar y el ambiente apropiado para crear una atmósfera donde el aula era sólo uno de los muchos lugares donde se daba el aprendizaje. Desde el patio de la escuela hasta las frecuentes salidas escolares a los alrededores de la escuela durante las cuales, mediante la observación, aprendían en vivo y tiempo real de la vida cotidiana misma, algo que los libros jamás podrán llegar completamente a ilustrar. Evidente es la censura que de parte de la comunidad se hacía a tantas salidas con los niños y, con todo esto, los resultados probaron ser más que contundentes. Las misiones culturales donde se iba a compartir los contenidos escolares que pudieran ser de utilidad o interés a los sectores de la población, que de otra manera tal vez no podrían tener tal acercamiento, demuestran una vez más la relación tan cercana y conjunta de la escuela con la comunidad y ésta con la escuela, armonía propiciadora de un mayor y mejor aprendizaje para la vida. La educación es responsabilidad de todos, esto es: escuela, padres y comunidad. La historia nos ha demostrado una y otra vez que la falta de comunicación y rompimiento de alguna de estas tres partes de un mismo todo, conlleva malos resultados en el proceso de educación, lo cual tiene lugar cuando la familia, célula de la sociedad, pierde su unidad y función. Todo problema a nivel microsocial es un problema a nivel macrosocial. Y más aún, cuando el objetivo de la educación deja de ser el alumno y lo que aprende, se desvirtúa el proceso de aprendizaje corrompiéndolo y provocando su decadencia y, por ende, de la sociedad misma. Una sociedad mal educada es una sociedad alienada que pierde consciencia de sí, suelta sus riendas en feliz ignorancia y se entrega así a servir a los intereses de aquellos que buscan un provecho personal más que el bien común que encierra la educación. La señorita Cossettini sabía la importancia de una buena educación y se propuso hacer algo al respecto. Todo era un nuevo escribir sobre cómo debía ser la escuela. No más campanas sino música para anunciar el recreo. No más filas de asientos en las aulas sino mesas de trabajo abiertas a la convivencia. Es más que importante recalcar los conciertos semanales donde la música culta era no sólo escuchada sino explicada de una u otra manera cultivando en los alumnos el gusto por la buena música y su debida apreciación. Y no solamente limitándose a la música. Pues aunque no había una clase propiamente de artes, la danza, la música y las artes plásticas estaban presentes en todo momento del trabajo escolar. Desde muy pronto y sin limitación las acuarelas estaban al alcance de los alumnos, los números artísticos eran más que frecuentes, el canto, las representaciones, los dibujos y pinturas ricos en color y expresión que adornan los cuadernos escolares, según fuera el tema abordado es una puerta suficientemente grande para que todo infante, por tímido que fuera, encontrase una manera artística de expresarse y ser todo lo que SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 6 UANL �L _J quisiera. La observación de la naturaleza y el goce de ella en su natural acontecer era el método de enseñanza que muy ricamente estimulaba tanto el conocimiento como el respeto por el ambiente y una sensibilización más allá de lo que podría creerse. Aquí cabe mencionar el apego que se tenía al plan educativo impuesto por el Estado. Sin embargo, el currículo era más que seguido, vivificado por la experiencia con las personas, la naturaleza, las circunstancias, que más que un mundo aparte de la escuela, eran parte de ella y ella de las circunstancias. Las visitas de grandes personalidades de la cultura de la época son algo más que sorprendente. Y no cualquier persona sino verdaderos cultivadores de las artes, por dar un ejemplo: Juan Ramón Jiménez, escritor de la célebre narración "Platero y yo". Esta visita es afectuosamente recordada por los alumnos, además de la trascendencia que tal libro tuvo en el quehacer escolar, siendo tan importante como cualquier otro libro de texto y dando lugar a la creación del teatro de títeres de la escuela, donde se representó tal historia. A pesar de no ser la intención el crear artistas, el hecho de vivir tan cerca tantas aproximaciones a las distintas artes son prueba indudable de la importancia de las artes junto al conocimiento matemático y gramatical. Claramente un recordatorio de las enseñanzas acertadas de la Grecia clásica. ~ La escuela primaria así dirigida creó una nueva propuesta sobre lo que podía ser la educación básica en una época donde el castigo y la disciplina eran los principales motivadores para el aprendizaje-memorización. Una lástima es que en 1950 por orden superior la señorita Oiga fuera relevada de su cargo, dando fin a una educación tan diferente a lo antes propuesto. Esto sin duda resultó ser un choque fuerte en los alumnos especialmente, al entrar sin posibilidad de retorno a un sistema que no daba lugar a la creatividad y que ni remotamente se acercaba a lo vivido durante la dirección de la señorita Oiga Cossettini. Podría argumentarse que tal choque demostraba que la escuela no había preparado a sus alumnos para la vida real. Y todo lo contrario, les dio la oportunidad de conocer, vivir y disfrutar del aprender en un ambiente lleno de expresión artística y convivencia armónica con el entorno. Una experiencia que aún pasados tantos años el tiempo ha probado que fue más que significativa. Es un bello recuerdo que da lugar a volver a él para encontrar una respuesta o un aliento para enfrentar nuevos problemas. En pocas palabras, demostró ser una escuela donde los alumnos eran felices aprendiendo, logrando lo que Platón había enunciado muchos siglos atrás: que el propósito de la educación es hacer que el alumno quiera hacer lo que debe hacer. ► Referencias El nuevo negocio de los paradigmas. Joel Barker. Youtube. (14 de Septiembre de 2007). Recuperado el 1 de Mayo de 2013, de http://www.youtube.com/watch?v= _QfNfxAl2Hc. Kantor, J. R. 2005. La Evolución Científica de la Psicología. México, DF: Trillas. Piazza, M. (Dirección). 1991. La Escuela de la Señorita Oiga [Película]. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 7 UANL �L _J 7 (f1j UW€J ~ so&e, &» tduw det ~ d0 fnÚsica; LIC. VERÓNICA LIZZETH VELÁZQUEZ GAYOSSO ; Cómo enseñar música? V Sin duda aquello que los maestros de Facultad de Música de la UANL enseñamos y la manera en la que lo hacemos es responsabilidad de cada uno de nosotros desde nuestra perspectiva como instrumentistas, compositores, directores de coro, cantantes y educadores musicales. Pero lcómo saber si estamos haciendo lo correcto? Vanett Lawler nos expone 4 principios básicos en su artículo "Formación del educador musical" publicado en la Revista Musical Chilena, de los cuales partiré en este texto tratando de arrojar luz hacia la mejora de nuestra labor como maestros de música. Haré mis comentarios como egresada de la Licenciatura en Música y Educación Musical segura de que les servirán a todos aquellos que se interesen en una enseñanza musical de calidad, cualquiera que sea su especialidad. 1. El maestro de música debe ser formado como músico y como maestro. Las distintas acentuaciones de la carrera de Licenciado en Música nos ofrecen un programa para desarrollarnos como músicos y como formadores de músicos, no obstante, se requiere tener la vocación para ello, pues no es lo mismo adquirir un conocimiento que poder transmitirlo, además considero que el maestro requiere de un interés por las demás artes y de una capacidad para comunicar sus ideas. Debe poder expresarse libremente y motivar a sus estudiantes a percibir las emociones y los sentimientos de los que la música es portadora. En mi experiencia, creo que hay muchos músicos que tienen una gran capacidad para realizar la actividad de su especialidad con éxito, pero cuando se trata de compartir lo que saben les resulta un tanto complicado, pues la manera en la que se aprende es distinta a la forma en la que se comunica lo aprendido. Por esto se deben tomar en cuenta ciertos factores que influyen en el logro de un aprendizaje significativo en los estudiantes. Entre ellos están los siguientes: Edad. De esto dependerá la manera en la que nos vamos a dirigir a nuestros alumnos, la complejidad del contenido y los métodos utilizados en clase. Necesidades del alumnado. Debe tenerse muy en claro lo que se quiere enseñar en base a lo que los alumnos necesitan aprender, ya sea por un plan propuesto por una institución educativa cuando se trata de un grupo o un plan personal cuando se trata de clases individuales. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 8 UANL í �L _J • Posibilidades del maestro. El educador debe dominar el contenido de la clase así como la dinámica de ésta, además de proponer actividades para cumplir sus objetivos pero sin olvidar sus limitaciones para evitar frustraciones futuras por no lograr lo planeado. Sin duda es algo que se debe manejar con mucha cautela, si bien es cierto que se debe reconocer a aquellos que tienen la capacidad y aptitud para destacar en este ámbito, también hay que tener presente que todos merecen la oportunidad de ser instruidos de la misma manera. Esto es algo que sucede muy a menudo, muchos alumnos deciden renunciar a sus sueños de tocar un instrumento o aprender a cantar por que alguna vez se les dijo que no servían para ello. Esto es algo muy delicado, pues la influencia que tenemos los maestros sobre nuestros alumnos es enorme y puede llegar a impactar sus vidas tanto de manera positiva como negativa. Debemos alentarlos, motivarlos y darles las herramientas necesarias para que puedan salir adelante por sí mismos y que logren sentirse seguros y satisfechos con el trabajo musical que se realice. • Material didáctico. Es importante que los contenidos de la asignatura que tenemos a nuestro cargo resulten claros y entendibles. No siempre se cuenta con los medios idóneos para impartir una clase de calidad a nuestros alumnos, en ocasiones debemos adaptar lo que se tiene para hacer accesible el conocimiento al estudiante. 2. El maestro de música debe enseñarla a todos los alumnos de una escuela sin excepción alguna. En una escuela o institución que tiene como objetivo la formación de músicos, como la Facultad de Música y la Escuela Superior de Música y Danza, ambas en Monterrey, se puede observar que la mayoría de los alumnos recibe la educación por la que está pagando, pues cuentan con un plan escolar que rige su camino. Pero, lqué pasa en las escuelas de educación básica, media y media superior que cuentan con un maestro de música que excluye a aquellos que carecen de este talento? 3. El maestro de música bien formado será capaz de comprender y trabajar con distintos géneros musicales y de cualquier período. En el tiempo que tengo trabajando como educadora musical, he podido notar que la mayoría de la gente ajena a este medio desconoce la labor que realizamos al estar frente a un grupo, algunas personas me han preguntado si sólo enseño música clásica a los alumnos o que si el único insumo al que puedo abordar es a niños. La respuesta a estas interrogantes es que los alumnos deben estar expuestos a todo tipo de música, en tanto que sea de calidad, para que puedan escuchar diferentes géneros, ritmos, instrumentos, etc. Para esto el maestro de música debe estar preparado para poder presentar de manera objetiva un repertorio de piezas y canciones variadas que permitan al grupo tener un amplio bagaje musical, que puedan hacer un análisis tan simple o complicado como el grupo esté preparado y que esto les permita en un futuro discernir inteligentemente lo que les gusta de lo que no, siempre y cuando se utilicen como herramienta para cumplir objetivos previstos en la clase. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 9 UANL �L _J ~~ ~~ ~~ ~~ ~~ ~~ ~~ ~~ ~~ Aclarando el punto sobre el insumo al que podemos dirigirnos los maestros de música, debo decir que es un trabajo muy gratificante y lleno de oportunidades de crecimiento laboral, pues podemos dirigirnos tanto a niños de edad preescolar hasta llegar a impartir clases a nivel técnico o licenciatura. Todo depende de qué es lo que queramos hacer, qué tan preparados nos sintamos, a qué público queremos llegar y la expectativa con respecto al resultado del trabajo. 4. El maestro de música debe ser formado como músico desde el punto de vista creador, de la originalidad y del individualismo. Como maestros de música estamos expuestos a experiencias diferentes todos los días. Estas experiencias nos permiten retroalimentar nuestro trabajo, nos enriquecen musical y personalmente y nos brindan herramientas e ideas nuevas para mejorar nuestra labor docente. No debemos limitarnos a hacer sólo lo que un plan de estudios nos marca. En nuestra formación como docentes debemos darnos la oportunidad de innovar, buscar alternativas en las que podamos poner en práctica los conocimientos adquiridos, exponernos a todo aquello que nos permita crecer y como resultado ejercer nuestra profesión con seguridad, orgullo y entusiasmo. En ocasiones las actividades propuestas en una planeación previa no funcionan por una u otra razón, es aquí donde, y aclaro que es basados siempre en nuestra experiencia, la improvisación con conocimiento, el uso de una imaginación y creatividad nutridas musicalmente y el estar siempre abierto a cambios nos permitirán brindar a nuestros alumnos un ambiente propicio para lograr un mejor aprendizaje, siempre y cuando no perdamos de vista nuestros objetivos iniciales. ~ ~►Referencias .A.~ ~ (Ir ,, SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 dhttepm:/a/wyowdwe.rev ista. musicalchilena.uchile.cl/index.php/ RMCH/article/viewFile/13617/13883. Consultado el 29 2013 10 UANL �L _J 7 ( @ ~ d<v ~ audicimv C<Jm,0/ ~ d<v ~ . / det f1tUUUÚp ~ (!A1J edade& ~ LIC. JAIRO ANTONIO CORTÉS JUÁREZ PRIMERA PARTE Introducción D esde tiempos antiguos la humanidad ha buscado la optimización de la educación que consiste en el aprendizaje en base a experiencias. Este curso ha sido pensado con el interés de sensibilizar al alumno de 11 a 16 años hacia el arte de la música por medio de la audición a través de ejercicios vivenciales, dinámicos e interactivos hacia un acercamiento al fenómeno sonoro. Si bien es cierto que se ha hecho un esfuerzo por parte de la educación pública de abordar el estudio y la sensibilización a la música, particularmente con mayor presencia en el área de preescolar y regular en primaria, es de reconocerse que esta labor en el área de secundaria ha sido débil, y no solamente en cuanto al interés por el estudio de la música, sino de las artes en general. aproximado. El contenido de este curso se realizará en un periodo de trece sesiones que será dividido en cuatro unidades. Se utilizarán una serie de actividades musicales y extra musicales, haciendo uso de un contenido musical "clásico", popular, y de la exposición al entorno sonoro, estimulando al alumno de manera auditiva, visual y cinestésica. Es mi deseo poder trabajar en el desarrollo de la estimulación auditiva en este nivel, ya que actualmente existe una mayor necesidad de acercar a los jóvenes de edades intermedias al arte. Mi intención es compartir una serie de actividades sugeridas para el encuentro del adolescente con la música, que tienen como fin primordial el de sensibilizarlos y que en determinado momento, los conocimientos adquiridos sirvan como base para aquellos estudiantes que deseen continuar desarrollando sus capacidades musicales de manera especializada, desde la apreciación, hasta la ejecución o/e interpretación. Se propone que los enfoques de Emile Jaques-Dalcroze, Shinichi Suzuki, Murray Schafer, Ana L. Frega y otros más se incorporen a la propuesta de ejercicios presentados en este texto como una herramienta o recurso más para el educador musical que imparta clases entre alumnos de nivel secundaria o Objetivos específicos • Conocer los conceptos relacionados al fenómeno sonoro. •Comprenderlas ideas generales de los conceptos relacionados • Describir, comparar, analizar identificar y reproducir los conceptos que están directamente relacionados con la interpretación auditiva. • Desarrollar habilidades intelectivas en el adolescente a partir de la audición y ejecución musical. • Desarrollar la memoria auditiva, la audición interna, la afinación y coordinación motora. • Introducir conceptos musicales como "altura", "tempo", "dinámica", "frase", "forma", "silencio", "pulso", etc. • Entender cómo es la estructura musical, partiendo del manejo de la frase para llegar a la forma. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 Objetivo general Propiciar que el alumno de entre 11 y 16 años de edad tenga un acercamiento a su entorno sonoro, a la música en general y que a través de explorar el sonido y analizar sus propiedades, adquiera diferentes capacidades de apreciación que le permitan diferenciar y reproducir posteriormente algunos de los elementos musicales, como la melodía, la armonía o el ritmo y se familiarice con los conceptos relacionados. 11 UANL í �L _J Objetivos por unidad temática Unidad l. "Fragmentando al sonido" Estimulación Auditiva. Exploración de la altura, duración, intensidad y el timbre. • Conocer los conceptos de cada uno de estos elementos y su función. • Discriminar la melodía, armonía y ritmo de una canción sencilla. • Indicar los cambios que se generen en estos elementos e imitarlos. • Graficar estos elementos de manera simple. Unidad 11. "Galería de sonidos". Paisaje Sonoro. • Conocer la importancia del uso del oído como herramienta de reconocimiento y comprensión. • Discriminar entre un sonido y un ruido dentro de un paisaje sonoro. • Indicar los diferentes sonidos que perciba en las actividades programadas. •Clasificar los sonidos ambientales por intensidad, altura, timbre o duración. • Graficar estos elementos de manera simple. Las experiencias de aprendizaje estarán basadas en actividades sugeridas, las cuales estarán determinadas por momentos, mismos que se clasifican de la siguiente forma: Audición, Ejecución y Creación. 2.2 Explicación del concepto "altura" y su funcionamiento (Cantidad de oscilaciones que tiene el sonido por segundo). Material: pizarrón, marcadores, laptop. Duración: 15 min. Unidad Temática l. "Fragmentando al sonido" Estimulación auditiva. Exploración de la altura, duración, intensidad y timbre. 3. Creación del "Reglófono" 3.1 Se consigue una regla, para explicar el movimiento del sonido por medio de ondas. Se pone una parte de la regla sobre el borde de una mesa y se golpea el extremo que queda en el aire, produciendo un sonido de cierta altura, mientras más corto sea ese extremo que se golpea más cantidad de ondas emite haciendo que el sonido sea más agudo. 3.2 Los alumnos comentan acerca de lo que lograron escuchar. Material: reglas. Duración: 10 min. Sesión 1 -Altura 1 . Dar la Bienvenida 1 .1 Se les dará la bienvenida a los asistentes. 1.2 Se realizará una dinámica rompe hielos "Animales y Sonidos" (Yer Anexo 1). Material: No se requiere. Duración: 1 Omin. 2. Conocer a las cualidades del sonido 2.1 El expositor abordará el tema de las "cualidades del sonido" y explicará a grandes rasgos qué comprenden. SEPTIEMBRE· DICIEMBRE 2013 4. Imitando al sonido 4.1 El maestro ejecutará glissandos ascendentes y descendentes en algún instrumento y el alumno los imitará. 12 UANL �L _J 7 4.2 El docente tocará notas agudas o graves y el alumno los identificará e indicará según su altura. Material: piano o guitarra. Duración: 15 min. Sesión 2 - Duración 1. Dar la Bienvenida 1.1 Se les dará la bienvenida a los asistentes. 1.2 Se realizarán unas preguntas con relación a lo visto en la sesión anterior. Material: no se requiere. Duración: 1Omin. 5. Siguiendo al sonido 5.1 Se traza una línea sobre el piso con cinta masking y se pide a los alumnos que se paren sobre ella, de preferencia los dividirá en equipos. 5.2 El maestro tocará una nota a la vez ya sea ascendiendo o descendiendo y cada alumno deberá avanzar si escucha que la nota sube o retrocede si sucede lo contrario. Material: cinta masking, piano o guitarra. Duración: 20 min. 2. Conocer las cualidades del sonido 2.1 Explicación del concepto "Duración" y su funcionamiento. 2.2 Introducción a las figuras de notación básicas (redonda, blanca, negra, corchea). Material: pizarrón, marcadores. Duración: 10min. 3. Dibujando la "duración" 3.1 El maestro tocará diferentes sonidos de variada longitud, los estudiantes las graficarán por medio de líneas largas y cortas, o bien a través de dibujo libre que incluya puntos y líneas. 3.2 Los alumnos comparan las gráficas realizadas. Material: hojas de papel, lápices o plumas, piano o guitarra, laptop o cualquier dispositivo para reproducir audio. Duración: 1Omin. 6. Dibujando la "altura" 6.1 El maestro tocará una línea melódica continua y los estudiantes dibujarán una sola línea en la que representarán los cambios de altura. 6.2 Los alumnos comparan las líneas que han escrito entre ellos. Material: lápices o plumas, papel, piano o guitarra. Duración: 1Omin. 7. Despedida 7.1 El maestro pregunta a sus estudiantes cómo se sintieron y qué impresiones recibieron de la primera sesión así como el aprendizaje. (Ver Anexo 2). 7.2 El maestro dará las gracias por la asistencia y recordará a la audiencia la cita de la siguiente sesión. Material: copias del anexo 2. Duración: 1Omin. 4. Imitando al sonido 4.1 El exponente pedirá a los alumnos que imiten el sonido más largo que escucharon ese día. 4.2 Los alumnos imitarán el sonido más corto ésta vez 4.3 Se pide a los alumnos que ahora comiencen a imitar los sonidos que se encuentran afuera del aula en su duración. 4.4 Se comenta la actividad Material: no se requiere. Duración: 10min. 5. Música en movimiento 5.1 El maestro indicará que los alumnos deberán escoger el sonido más largo que prefieran y que lo representen con las manos (como ejemplo puede ser el sonido más largo que ellos dijeron haber escuchado en el transcurso del día) 5.2 El docente indica que ahora deben representar una serie de sonidos cortos que ellos prefieran. 5.3 Misma actividad pero ahora los sonidos serán representados con los pies. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 13 UANL í �L _J 7 fAMUS IE\IJmruL'IUV.La:LAFACT.UADOOMl.'llCADEIAUANL 5.4 El maestro reproducirá una serie de sonidos cortos y largos. Los alumnos deberán representarlos con sus manos según su percepción. Material: laptop o cualquier dispositivo para reproducir audio. Duración: 15 min. 6. Construyendo al sonido 6.1 El maestro dividirá al grupo en 2, 3, o hasta 4 subgrupos. 6.2 Indicará que los alumnos deben representar una secuencia de sonidos cortos y largos que les proporcionará el maestro, mediante objetos grandes o chicos (objetos grandes para sonidos largos y objetos chicos para sonidos cortos, el maestro sugiere objetos que se encuentren dentro del aula y él mismo proporcionará objetos diversos para la actividad). 6.3 Los alumnos comparan sus resultados. 6.4 Los estudiantes realizan la misma actividad, sólo que ahora ellos son los que crean una secuencia de sonidos cortos y largos por medio de objetos cotidianos, y al finalizar la interpretan con su voz. Material: piano o guitarra, objetos cotidianos (regla, cintas, zapatos, billeteras, mochilas, etc.) Duración: 20 min. 2. Conocer a las cualidades del sonido 2.1 Explicación del concepto "intensidad" y su funcionamiento (Amplitud de las ondas producidas por una fuente sonora). Material: pizarrón, marcadores, laptop. Duración: 15 min. 3. Explorando la intensidad 3.1 El maestro ejecutará en algún instrumento sonidos fuertes y débiles y el alumno los señalará. 3.2 El estudiante producirá sonidos con las partes de su cuerpo y determinará su clasificación según la intensidad que tenga cada sonido emitido. Material: hojas de papel, lápices o plumas, piano o guitarra. Duración: 1Omin. 7. La "duración" en el lenguaje. 7.1 Los alumnos deberán escribir en una lista palabras que ellos elaboren, deberán ser cortas y largas y se clasificarán según el número de sílabas que tengan. Material: lápices o plumas, hojas de papel. Duración: 1Omin. 4. Música en movimiento 4.1 Cada alumno deberá caminar en el salón de clase de un extremo al otro, según la música que toque el maestro realizará variantes en el modo de caminar. Si el docente ejecuta un sonido fuerte, el alumno caminará con pasos firmes y un poco exagerados, pero si el maestro toca un sonido débil, el alumno deberá caminar de puntas y sigilosamente. 4.2 El alumno seguirá con las palmas una secuencia rítmica que ejecute el docente, cambiando la intensidad según se indique o se escuche, utilizando toda la palma para sonidos fuertes, y 4, 3 o menos dedos para sonidos más débiles. Material: piano o guitarra. Duración: 15 min. 8. Despedida 8.1 El maestro pregunta a sus estudiantes cómo se sintieron y qué impresiones recibieron de la segunda sesión. 8.2 El maestro dará las gracias por la asistencia y recordará a la audiencia la cita de la siguiente sesión. Material: no se requiere. Duración: 5 min. Sesión 3- Intensidad 1. Dar la Bienvenida 1.1 Se les dará la bienvenida a los asistentes. 1.2 Se realizarán unas preguntas con relación a lo visto en la sesión anterior. Material: no se requiere. Duración: 1omin. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 14 UANL í �L _J 5. Clasificando la intensidad 5.1 Se utilizarán diferentes objetos ya sea aquellos que se encuentren en el aula o bien, algunos que traigan los mismos alumnos para esta actividad. Se buscará que dichos objetos sean de diferentes tamaños y pesos. 5.2 Se dividirá al grupo en equipos y se les dará un grupo de objetos. Cada equipo hará una asociación de la intensidad del sonido con el tamaño o peso de los objetos y de esta manera los clasificará. Por ejemplo aquellos objetos que estén muy pesados podrían representar a los sonidos fuertes, o bien aquellos más grandes. Material: objetos cotidianos (zapatos, reloj, plumas, etc.). Duración: 20 min. 6. Dibujando la "altura" 6.1 Se realizará un dictado melódico en el que el estudiante dibujará una línea acorde al movimiento del sonido y también remarcará cada vez que se escuche fuerte o viceversa. Material: lápices o plumas, hojas de papel, piano o guitarra. Duración: 1Omin. 7. Despedida 7.1 El maestro pregunta a sus estudiantes cómo se sintieron y qué impresiones recibieron de la tercera sesión. 7.2 El maestro dará las gracias por la asistencia y recordará a la audiencia la cita de la siguiente sesión. Material: no se Duración: 1Omin. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 Sesión 4 - Timbre 1. Dar la Bienvenida 1.1 Se les dará la bienvenida a los asistentes 1.2 Se realizarán unas preguntas con relación a lo visto en la sesión anterior. Material: no se requiere. Duración: 1Omin. 2. Conocer a las cualidades del sonido 2.1 Explicación del concepto "timbre" y su funcionamiento (Amplitud de las ondas producidas por una fuente sonora) 2.2 El alumno volverá a experimentar emitiendo sonidos con su cuerpo u objetos en el aula, pero esta vez discriminará dichos sonidos por su timbre. Material: pizarrón, laptop. Duración: 5 min. 3. Reconocimiento auditivo 3.1 El alumno explorará los diferentes sonidos producidos por instrumentos de percusión. 3.2 Identificará cuáles instrumentos son membranófonos, idiófonos, etc., y comparará el sonido que produzca cada instrumento por su forma de ejecución. Material: instrumentos de pequeña percusión (maracas, claves, triángulos, etc.). Duración: 1Omin. 4. Música en movimiento 4.1 Se elegirá a un estudiante a la vez para participar, se les vendarán los ojos y se le pedirá que cuando se escuche la 15 do, camine y se dirija hacia él. Al mismo tiempo los demás estudiantes también le estarán hablando. Él deberá identificar el timbre de la persona que se le ha designado y lo seguirá. 4.2 Misma actividad, solamente que en esta ocasión cada estudiante tomará un instrumento de percusión. Se asignará al participante un instrumento a seguir. 4.3 Misma actividad pero en subgrupos. Material: instrumentos de pequeña percusión (maracas, claves, triángulos, etc.). Duración: 20 min. 5. Reconociendo mi timbre 5.1 Se utilizará cualquier programa de edición de audio para grabar cada una de las voces de los estudiantes para posteriormente mostrárselas. Cada alumno escuchará su voz, escuchará su propio timbre, y diferenciará la manera en la que percibe su timbre y cómo los demás lo escuchan 5.2 Se comentará la actividad en clase Material: software de edición de audio (Goldwave, Sound Studio, Audacity, grabadora de sonidos de Windows, Sonar, Cool Edit o cualquier otro) Duración: 15 min. 6. Dibujando la "altura" 6.1 Se mostrará al alumno una lista de archivos de audio que incluirá sonidos de animales, objetos, personas. El alumno los reconocerá e indicará la fuente de cada UANL �L _J escribiéndola en su cuaderno. r,Jer Anexo 3) 6.2 El alumno escuchará grabaciones y videos de diferentes instrumentos tocando la misma pieza 6.3 Comentará las diferencias entre los timbres de los instrumentos. Material: laptop o celular, bocinas. Duración: 25 min. 7. Despedida 7.1 El maestro pregunta a sus estudiantes cómo se sintieron y qué impresiones recibieron de la cuarta sesión. 7.2 El maestro dará las gracias por la asistencia y recordará a la audiencia la cita de la siguiente sesión. Material: no se requiere. Duración: 5 min. Unidad Temática 11. "Galería de sonidos". Paisaje sonoro. Sesión 1 1. Dar la Bienvenida 1 .1 Se les dará la bienvenida a los asistentes 1.2 Se realizarán unas preguntas con relación a lo visto en la sesión anterior. Material: no se requiere. Duración: 1Omin. 2. Introducción al Paisaje Sonoro 2.1 El maestro hablará de la importancia de mantener el sentido del oído alerta y hará un pequeño ejercicio para demostrar cuánto están prestando atención los alumnos a través de sus oídos r,Jer Anexo4). 2.2 Se hablará acerca de la importancia del silencio. Material: no se requiere. Duración: 1Omin. 3. Viendo con los oídos 3.1 El maestro pedirá a los alumnos que cierren los ojos y en silencio comiencen a percibir los sonidos del exterior y se les pide que comenten sus impresiones. 3.2 Una vez que hayan participado los alumnos el maestro preguntará si alguien escuchó los sonidos provenientes del interior de su cuerpo. 3.3 Una vez más el maestro pide a los alumnos que vuelvan a escuchar en silencio, pero ésta vez les pedirá que cubran sus oídos con sus dedos. 3.4 Se dará lugar a los alumnos para que comenten lo que han percibido. 3.5 Se abordarán dos elementos de la música en el paisaje sonoro por parte del maestro (la melodía yel ritmo). Material: no se requiere. Duración: 20 min. 4. Música en movimiento 4.1 El maestro pedirá que salgan del aula y realicen el mismo ejercicio en el exterior. Se buscará un lugar con tráfico y un lugar tranquilo, por ejemplo un parque. 4.2 Una vez realizado el ejercicio se pedirá a los alumnos comenten qué diferencias encontraron de un lugar a otro, si alguien puede ejemplificar la diferencia entre sonido y ruido según lo que escuchó. Material: laptop o celular, bocinas, piano o guitarra. Duración: 20 min. 5. Reconociendo mi timbre 5.1 Se abordará el tema de la contaminación acústica. 5.2 Se pedirá a los alumnos que de ser posible para la siguiente sesión traigan una grabación de SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 16 UANL �L _J cualquier entorno y la muestren a sus compañeros para que determinen qué lugar es. Material: Software de edición de audio (Goldwave, Sound Studio, Audacity, grabadora de sonidos de Windows, Sonar, Cool Edito cualquier otro). Duración: 15 min. 6. Despedida 6.1 El maestro pregunta a sus estudiantes cómo se sintieron y qué impresiones recibieron de la primera sesión de esta unidad. 6.2 El maestro dará las gracias por la asistencia y recordará a la audiencia la cita de la siguiente sesión. Material: no se requiere. Duración: 15 min. Sesión2 1. Dar la Bienvenida 1.1 Se les dará la bienvenida a los asistentes. 1.2 Se realizarán unas preguntas con relación a lo visto en la unidad anterior y se compartirán las impresiones personales. Material: no se requiere. Duración: 1Omin. 2. Paisaje Sonoro 2.1 El expositor hablará acerca de que el paisaje sonoro es una fuente de información valiosa para nosotros y que el valorar la apreciación auditiva nos proporcionará un panorama generoso de lo que ocurre a nuestro alrededor y nos permitirá disfrutarlo de una manera muy diferente. Material: pizarrón, marcadores. Duración: 15 min. 3. Viendo con los oídos. 3.1 El maestro da lugar para aquellos alumnos que hayan llevado grabaciones de sus entornos pedidas la sesión anterior y de esta manera puedan interactuar con sus compañeros permitiéndoles participar mediante la identificación de los sonidos. 3.2 Los alumnos serán expuestos a grabaciones de diferentes entornos, tales como la selva, el mar, la ciudad, un concierto de rock, un juego de beisbol, una carrera de caballos, etc. y deberán determinar de qué entorno se trata y escribirá qué elementos lo componen. 3.3 El maestro pondrá grabaciones alteradas de entornos específicos con "sonidos extraños", el alumno determinará el entorno que se trata, los elementos que lo componen e identificará el sonido ajeno al entorno analizado. (Ver Anexo 5). 3.4 Se pedirá a los alumnos que salgan del aula una vez más, llevarán sus libretas en las que anotarán cada uno de los elementos sonoros que interactúan en el entorno en el que se encuentren, posteriormente dibujarán por medio de líneas, puntos o símbolos lo que perciban auditivamente de cada uno de los elementos que percibieron. 3.5 Los alumnos anotarán en su libreta cuál sonido fue el más agudo que escucharon y cuál fue el más grave. 3.5 Posteriormente en el aula los alumnos comentarán sus impresiones acerca de lo que escucharon y cuál fue su percepción de los sonidos, que "forma" les adjudicaron en cada uno de los dibujos. 3.6 Se abordará una breve explicación del concepto de "armonía" aplicado al entorno sonoro. Material: lápices, cuadernos, laptop o celular, bocinas o grabadora, pizarrón, marcadores. Duración: 50 min. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 17 UANL �L _J 4. Despedida 4.1 El maestro pregunta a sus estudiantes cómo se sintieron y qué impresiones recibieron de la segunda sesión de esta unidad. 4.2 El maestro dará las gracias por la asistencia y recordará a la audiencia la cita de la siguiente sesión. Material: no se requiere. Duración: 15 min. ► Ref~rencias Del Alama, Gil y Domínguez. 2008. Secundaría primer grado: Música 1. México D.F.: Ediciones SM. Frega, Ana Lucía. 2009. Didáctica de la música: las enseñanzas musicales en perspectiva. Buenos Aires: Editorial Bonum. Frega, Ana Lucía. 2008. Música para maestros. Barcelona: GRAÓ. Sánchez Ortega, P. Y Morales Hernández, X. 2001. Educación musical y expresión corporal. La Habana. Editorial PuebloyEducación. Schafer, Raymond Murray. 1967. Limpieza de oídos. BuenosAires: RicordiAmericana. Schafer, Raymond Murray. 1975. El rinoceronte en el aula. Buenos Aires: Ricordi Americana. Suzuki, Shinichi. 2003. Hacía la música por amor. San Juan: Nueva Fila. Suzuki, Shinichi. 2004. Educados con amor. Miami: Summy-Birchard. Veltri, Alicia Leonor. 1979. Apuntes de didáctica dela música. Buenos Aires: DAIAM. Zambrano de León, David Josué. 2011. Aproximaciones musicales. Monterrey: UANL. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 18 UANL �L _J M. A. MAYELA VILLARREAL HERNÁNDEZ A sábado santos. Posee elementos de gran originalidad como el empleo de un "tenebrario", que era un candelabro especial con 15 cirios, representando a los 11 apóstoles (quitando a Judas lscariote), las tres marías: María Magdalena, María Salomé y María de Cleofas, y por último la virgen María. Se entonaban salmos, antífonas, lamentaciones y demás cantos de carácter fúnebre, sin instrumentos, con las imágenes del templo cubiertas y en una oscuridad que iba cubriéndolo todo poco a poco ya que al ir entonando canto tras canto los cirios del tenebrario se iban apagando, para que al final y sólo quedando uno se entonara el Miserere (misericordia) con el Salmo 50; mientras este salmo se escuchaba el último cirio encendido se ocultaba detrás del altar quedando en tinieblas las enormes naves y bóvedas de los templos. Al momento de terminar el Miserere los participantes hacen ruidos con matracas y otros instrumentos percutidos para emular lo descrito en la biblia en el momento en que expira Jesús, "la tierra tembló, las rocas se partieron, los sepulcros se abrieron ... " (Mateo cap. 27, ver. 52). lo largo de la historia musical, han existido una gran variedad de formas musicales, algunas han enmarcado periodos como lo fueron el motete y el madrigal al renacimiento o la suite y la fuga al barroco; muchas otras desaparecieron cediendo su lugar a otras nuevas o a aquellas que llegaron para quedarse: la ópera y la sinfonía. Dentro del enorme menú de formas musicales que se han gestado se distinguen el Oficio de tinieblas, el Auto sacramental y la Ensalada; nombres por demás extraños por lo menos para la época actual. A continuación les mencionaré algunas características destacables de estas formas que han caído en desuso. Oficio de tinieblas: También conocido como "Officium Hebdomadae Sanctae" de las formas mencionadas, es la más antigua ya que forma parte del Officium, o la liturgia de las horas, que son cantos y oraciones que se ejecutan en las horas canónicas de la vida monástica católica desde el siglo VI. Las horas canónicas se dividen en: Maitines: medianoche Laudes: al amanecer (3:00) Prima: hora en la que sale el sol (6:00) Tercia: tercer hora después de la salida del sol (9:00) Sexta: mediodía (12:00) Nona: (15:00) Vísperas: en la puesta del sol (18:00) Completas: antes de dormir (21 :00) Este rito está lleno de simbolismos ya que el cirio oculto en el altar simboliza a Jesús dentro de su sepultura así como la espera de la iglesia para el resurgimiento de la luz en la vigilia pascual, la resurrección. Musicalmente hablando esta forma no procede del repertorio gregoriano, existen oficios de tinieblas de textura polifónica y un compositor que abordó esta forma fue Tomás Luis de Victoria (15481611) con sus responsorios de Tinieblas, que poseen una importante carga dramática a la par de El oficio de tinieblas es una forma sacra especial, ya que sólo se ejecuta en la semana santa al caer la noche -de ahí su nombre- de los días conocidos como Triduum Sacrum: los días jueves, viernes y SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 19 UANL �L _J su magnífico tejido contrapuntístico. En México el primer Oficio de Tinieblas que se escuchó fue entonado por Fray Bartolomé de Olmedo y algunos soldados en algún punto de la recién nombrada región de la Vera Cruz, hacia 1519. Desafortunadamente en la actualidad ha caído en desuso esta forma musical, aunque la iglesia católica continúa con un oficio parecido que aún conserva ciertos elementos en la vigilia pascual del sábado santo. Auto sacramental: Primeramente la forma del "auto" reside en el teatro, ya que es una representación que que está escrito en forma de auto, en donde además menciona las tradiciones de los nativos representándolas en un "tocotín" que es un baile acompañado de instrumentos de percusión en honor a Huitzilopochtli, ligando estos ritos y creencias prehispánicas con la doctrina católica a modo de conversión. De hecho, el auto sacramental fue un instrumento importante en el proceso de evangelización en la SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 trataba tanto temas religiosos como profanos. El auto sacramental, se elaboró principalmente en España y Portugal, tenía como tema la eucaristía y se representaba el día de Corpus Christi (60 días después del domingo de resurrección). Generalmente se representaba acompañado de música, es de un solo acto y el tema central era la eucaristía y la doctrina de la transubstanciación es decir cuando el pan y el vino son transformados en cuerpo y sangre de Cristo según el dogma católico. Fueron introducidas por los misioneros en las colonias bajo el dominio español. También se le conoce con el nombre de "misterios", término con el que se Nueva España ya que desde el arribo de los conquistadores se representaban para enseñar la nueva fe a los naturales. La música se intercalaba entre las escenas y tenía la función de complementar y profundizar la representación, constaba de cantos entre solistas y coro, la forma de la seguidilla era usual, también había intervenciones instrumentales y fanfarrias. Un compositor importante que cultivó también este género fue Juan del Enzina (1468-1529). En México los autos sacramentales se presentaban en plazas donde la música a veces preludiaba la obra, o se interpretaba durante el intermedio o se intercalaba entre la acción teatral. Los autos fueron prohibidos en 1765, así el género cayó en el olvido. 20 designaba desde el siglo XIII, para posteriormente en el barroco tomar el nombre de auto. Calderón de la Barca (1600-1681) y Lope de Vega (1552-1635) fueron algunos de los escritores del Siglo de Oro español que cultivaron éste género; así como Sor Juana Inés de la Cruz con su "Di Vi n O Narciso" Ensalada: Así como en una ensalada comestible se mezclan diversos ingredientes, la ensalada como género musical se compone de diversos elementos como diferentes formas o estilos, la danza, lo sacro y lo profano, la textura homófona y polifónica, con diversas dotaciones de voces, de carácter culto o cómico, romances, etc. Se compone entre 7 a 12 secciones; sus orígenes se remontan al siglo XVI y se nombran las ensaladas del catalán Mateo Flecha "el viejo" (14811553) como ejemplo del género. Fueron fuente de entretenimiento para las cortes de su tiempo. En muchas de ellas se aborda el tema de la navidad, se ironizaba la relación entre el hombre y Dios, o entre Dios y el demonio, utilizando alegorías y simbolismos. Entre las formas musicales que mezcla están principalmente el madrigal, la UANL �L _J 7 Discografía recomendada: ► Tomás Luis de Victoria: Tenebrae Responsories. Interpreta: Pro Cantione Antiqua, director Bruno Turner. Editio Clásica, Deutsche Harmonia Mundi, 1990. ► Sor Juana Inés de la Cruz: Le Phénix du Mexique, Villancicos. Interpreta: Ensemble Elyma, director Gabriel Garrido. Sello discográfico: K617, 1999. canción, melodías populares y motetes en latín. ► Mateo Flecha "el viejo": Las Ensaladas. Interpreta New London Consort, director Phillip Pickett. Editions de L'Oiseau-Lyre, Ésta es sólo una pequeña aproximación a estos géneros olvidados; existe un gran número de formas musicales que reflejan y nos cuentan de la época en que surgieron. Si bien estos tres géneros de nombre singular no permanecieron ni fueron de importancia trascendental como otros, son parte del proceso evolutivo en el que la música ha estado y seguirá estando al lado de la humanidad para contar su existir a los siglos venideros. 1997. ► Referencias - Andrés, Ramón, Canciones y Ensaladas, Atrium Musicologicum, revista electrónica, 201 O, www. musicologicus. blogspot. mx - Beltrando-Patier, Marie-Claire. 2001 . Historia de la Música. España: Espasa. - De la Montaña Conchina, Juan Luis, "Officium Hebdomadae Sancta e" Los Responsorios de Tinieblas de Semana Santa, Capíl/a Musical Trivium, revista electrónica, 2011, www.capillamusicaltrivium.blogspot.es - Estrada, Julio. La Música de México. Tomo 2. Periodo Virreinal, Universidad Nacional Autónoma de México, México, 1986. - Peláez Malagón, José Enrique. Música en el Auto Sacramental de Tirso de Malina, Filomúsica No. 33, revista electrónica, 2002, www.filomusica.com - Randel, Don Michael. 1989. Diccionario Harvard de Música, México: Diana. Imagen de la publicación en 1581 de Las Ensaladas de Mateo Flecha "el viejo" SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 21 UANL í �L _J 7 cJ 0/14,Í/ @jauaft: e t ~ ~ AaJJa; {1/ l/uwisJ b sw rnúsi,ca; JAVIER MARTÍNEZ ROSAS En la viola o con la batuta, en su interpretación por lo general se puede percibir la desnudez: La música liberada del fraseo lisonjero y el adorno protagonista, sin máscaras ni maquillaje, las "arrugas musicales" que confieren carácter y franqueza están presentes. Evidentes desde la textura sonora hasta en la sensación final de organicidad. La viola da gamba Después de nueve años estudiando violonchelo, Savall descubre la viola da gamba la cual estaba olvidada desde el siglo XVIII. Se trata de un instrumento de cuerda frotada cuyo origen se remonta al siglo XV que cuenta por lo general con siete cuerdas que le confieren un amplio registro y trastes como el laúd. A diferencia del violonchelo, la sonoridad de la viola da gamba es menos pronunciada pero de una resonancia rica, más íntima y cautivadora. "Se le ha considerado en todas las épocas el instrumento que más puede imitar toda la expresión de la voz humana". T ras más de cuatro décadas de investigación, recuperación e interpretación de música antigua de diferentes tradiciones, el legado del músico español Jordi Savall, nacido en Igualada, población cerca de Barcelona, en 1941, resulta magno. Por su musicalidad, dominio de la viola e intensa labor como director y formador de orquestas con instrumentos originales es un referente de la corriente historicista. Sus conciertos y grabaciones son muy apreciadas por cada vez más amplio público. La razón por la que la viola da gamba cayó en desuso fue el surgimiento de las agrupaciones orquestales donde los instrumentos de cuerda se especializaron y se agruparon por tesituras, pero actualmente, comienza a resurgir junto con su música la cual también fue relegada por siglos y en esto Savall tiene mucho que ver. Para Savall, toda música de gran belleza, toda música genial, está por encima del tiempo, nunca muere, pero siempre lleva en sí /a marca de su contexto. Es por ello que se acerca a las partituras olvidadas en las bibliotecas a la manera del arqueólogo o del filólogo empapándose en lo posible de la cultura y de la época, pero opina que "una vez asimilados los elementos que se asocian a ella hay que olvidarlos y hacer que la música hable por sí misma". SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 La viola da gamba fue "descubierta" por muchos cinéfilos a través de la película "Taus les matins du monde" (Todas las mañanas del mundo) de Alan Corneau (1991) que recrea la Francia del siglo XVII y cuyo guión gira en torno a la relación de Marin Marais, el célebre compositor y violagambista de la corte con Monseaur de Saint-Colombe, un admirado maestro y compositor de la viola del que se sabe muy poco. El magistral soundtrack del filme está a cargo de Savall. 22 UANL í �L _J 7 Nombrado Embajador del Año Europeo del Diálogo lntercultural 2008 y Artista por la Paz por la UNESCO, Savall cree que la música es un camino a la paz porque cuenta con un poder transformador, regenerador y curativo, y le otorga un papel primordial como hilo conductor del diálogo intercu ltu ral. Música, espiritualidad y humanidad Al igual que Monseaur de Saint-Colombe, según se interpreta en la película, Jordi Savall al hablar de música no dice ni enseña de tecnicismos, sino que habla del aspecto profundo del fenómeno y su impacto en el hombre. Asegura que no podemos vivir sin la música porque es parte de nuestra naturaleza: "El hombre nace con la música, es decir, el bebé no habla ninguna lengua pero entiende de su madre y de su padre la música, la ternura que viene de las palabras, la manera de cantar las palabras". Uno de sus proyectos más importantes ha sido ':Jerusalén, la ciudad de dos paces: La paz celestial y la paz terrenal" que resultó en un álbum en el que participaron 40 músicos entre judíos, cristianos y musulmanes de diferentes países donde se abordó una selección de obras representativas de las tres religiones, encontrándose que existe también entre ellas una herencia común en lo musical. Savall se atreve a afirmar: "Somos una misma cultura porque tenemos la música en común". Hay música que es más que simple música: un mero conjunto ordenado de sonidos, de tonos, timbres, ritmos y melodías. Savall cree que hay una dimensión espiritual en ella que «nos habla» mediante la emoción profunda tocando el corazón por un camino que no pasa por el intelecto, por lo que no hay porqué entenderla. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 23 UANL í �L _J 7 fAMUS IE\IJmruLruv.r.a:LAFACT.UADOOMl.'llCADEIAUANL @o&J f1UVlÍRMYI¡: ~ fnÚska¡ lf ~ fJUle/ÚR/ LIC. RAFAEL BLÁSQUEZ ORTÍZ M orir, tremenda cosa! Esta frase con la que inicia el recitativo de la emblemática aria de Don Cario en la ópera "La Forza del Destino" representa en mucho un punto de partida para entender lo que le ha llevado al género humano tratar de descifrar el significado de la muerte o bien el término de la vida. Y es que ante la falta de evidencia, es decir, que se conozca que algún ser humano (mortal) haya regresado con testimonio preciso y cierto sobre lo que le ha sucedido en el más allá, no nos ha quedado más opción que entrar en la zona del miedo, del temor, del Sheol (como lo define la etimología hebrea), del valle de las sombras. lAcaso el rey David en su Salmo 23 se refería a este miedo cuando dice: Aunque ande en valle de sombra y de muerte, no temeré mal alguno porque tú estarás conmigo? Por todo esto el hombre crea, con la mejor voluntad de no extinguirse, otros mundos (Post umbra). SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 A partir del cristianismo, en la creación musical han emergido las grandes súplicas y pensamientos: Sálvame fuente de piedad, libérame de la muerte eterna, dales el descanso eterno, que la luz perpetua los ilumine, todos los cuerpos van a ti, pensamientos que integran en sí mismos el paradigma de la muerte y han provocado la creación artística de los genios musicales en la historia moderna; verdaderos monumentos representan y cimentan cada una de las épocas en la evolución de los estilos de la música, que han ido transcurriendo de manera pasmosa, pero el miedo sigue ahí como leitmotiv y fuente de provocación. En cada época desde el medioevo hasta la actualidad la producción musical ha dependido en gran manera de la integración de las estructuras políticas y sociales, de tal modo que las instituciones rectoras de la música así como estas formas de gobierno han influido y dictado los aspectos que actualmente definen al tema de la muerte en la música. Por ejemplo en el período barroco, que se da desde 1600 hasta la muerte de Johan Sebastian Bach, destaca el apego irrestricto al texto bíblico y a la misión redentora de Cristo en su paso por la tierra. En este sentido, Handel y Bach se convierten en grandes figuras que con "El Mesías" y la "Misa en Si menor" respectivamente, hacen de esta época un ciclo vital en la historia de la música sacra. El período clásico (1750-1820) queda enmarcado por figuras como Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph Haydn, quienes se distinguen por la influencia de la institución de la iglesia católica así como por las escuelas alemana e italiana, en las que Mozart juega un papel unificador y genera el sello estilístico que daría pie a emblemáticas obras como "La gran misa en Do menor" y el "Requiem K 626", su obra cumbre en este género. En ella el genio de Salzburgo explaya y redimensiona musicalmente el tema de la muerte y deja la plataforma para sus sucesores en el período romántico. 24 UANL í �L _J Autores como Ludwig van Beethoven y Richard Wagner continuaron esta evolución musical, quizá ya no provocados tanto por el miedo sino por la mejor voluntad de no extinguirse y crear un mundo más allá, un mundo donde todos podamos ser hermanos como lo narra Schiller en su texto conocido como "Oda a la alegría" que Beethoven utilizó en su "9ª Sinfonía". En esta dirección Wagner creó un Olimpo en su logía", una tierra donde sólo los dioses pueden vivir, El Val halla. En él la vida c o m o una atribución de los dioses y el castigo mortal es convertirse en humanos, sucede a Brunhilda en la ópera "La Valquiria". Richard Wagner en todos los sentid os se convierte en el antes y después en la historia musical por lo que en períodos posteriores como en el impresionismo y expresionismo sólo son destacables piezas que retoman la misma temática del clásico, ejemplo de ello es el impresionista Gabriel Faure (1845-1924) en su famoso "Réquiem en Re menor", Op. 48. Es en nuestros tiempos cuando el compositor británico Benjamin Britten (1913-1976) dedica al tema de la muerte cruenta, y producto de la guerra, una de sus obras más representativas y que realizara para la reconsagración de la Catedral de Coventry el 30 de mayo de 1962 luego de que ésta fuera destruida durante la Segunda Guerra Mundial: el "Réquiem de Guerra", Op. 66 (título original: War Requiem), en esta obra el poeta británico Wilfred Owen (1893 -1918) y Britten rinden un homenaje a todos los muertos en la guerra, la poesía que se desprende de esta obra es desgarradora, el solo inicial del tenor canta lo siguiente: lQué fúnebres tañidos se ofrendan para estos que mueren como ganado? Sólo la ira monstruosa de los cañones y el rápido tartamudeo de los rifles pueden escupir una apresurada plegaria. No hay para ellos remedos de oraciones, campanas o voces de lamento. Sólo los coros estridentes y demenciales de las pululantes bombas ... y los clarines, llamándolos desde sus Muy acorde a esta temática trágica, en la ópera sucede algo parecido, a la muerte ya no se le desafía como en el "Orfeo" de Monteverdi, (considerada por muchos la primera ópera), por el contrario, la muerte viene a ser el hilo conductor de la tragedia, el gran final que sobreviene con la muerte del protagonista; reyes, reinas, personajes de la vida cotidiana, cortesanas, poetas nos recuerdan nuestro destino y entre tanto no lleguemos a definir el gran misterio y significado de la muerte, que siga siendo la música el bálsamo purificador y catalizador de nuestro espíritu, de nuestra conciencia, que sea esta la que armonice el gran final, la caída del telón de la vida, la doble barra eterna. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 25 UANL �L _J 7 fAMUS IE\IJmruL'IUV.La:LAFACT.UADOOMl.'llCADEIAUANL GABRIEL RANGEL PINEDA trabajos: el tenor Peter Pears. Quizá en la historia de la música, pocos son los talentos a quien se les ha dedicado tanta obra y han estrenado trabajos con él, o ellos en mente, ejemplo son las óperas: Peter Grimes, Albert Herring, Billy Budd, por mencionar solo algunas. S e ha dicho en ocasiones que Inglaterra, la grande y señorial patria de destacados escritores, científicos, políticos, etc., ha tenido a lo largo de su historia solamente dos grandes compositores: Henry Purcell y Benjamín Britten. Esto es sin duda una exageración, ya que, desde tiempos de Purcell e incluso hasta nuestros días, la tierra de Shakespeare ha dado grandes talentos en el campo de la creación musical. Ciertamente los dos compositores arriba mencionados han marcado una senda que muchos otros han seguido, incluso aquellos no nativos que desarrollaron gran parte de su actividad en Londres, como Handel. Benjamin Britten nació en 1913, en una familia con inclinación a la música. Su SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 madre era una diletante con cierto talento para ella. En su adolescencia, el joven Britten inició su formación musical siendo aceptado en el prestigioso Royal College of Music, hoy por hoy, la institución de mayor tradición en la enseñanza musical de su país, además de clases particulares con el compositor Frank Bridge. A los 19 años le es publicada su primera obra, la Sinfonietta Op. 1 para pequeña orquesta, conformada por un quinteto de alientos y otro de cuerdas. Esta obra apunta hacia conexiones con la segunda escuela vienesa, en particular Alban Berg, a quien Britten admiraba y con quien anhelaba continuar sus estudios musicales en Viena, cosa que no consiguió. No obstante lo anterior, en ella encontramos ya lo que sería su lenguaje propio y característico. Un hecho que sin duda es significativo en la vida de Britten es su encuentro a los 23 años con quien sería su compañero de vida e inspiración para muchos de sus 26 En 1939, debido a la segunda gran guerra y siguiendo al escritor W. H. Auden, Britten y Pears parten a Norteamérica, para regresar tres años más tarde, momento en el que Britten inicia su período de composición más prolífico, dando como resultado la que quizá podamos considerar su ópera más célebre: Peter Grimes, una obra maestra de orquestación y escritura vocal, de alta demanda para el tenor titular y gran labor de ensamble para el resto de los personajes. Con Grimes, Britten logra componer música que con frecuencia se incluye también en los programas de las grandes orquestas, como es el caso de los Cuatro Interludios Marinos Op.33 a, en los que crea una especie de impresionismo, me refiero a esa característica atmosférica que recrea el ondular de las aguas marinas al que se podríamos nombrar como un impresionismo inglés marítimo. UANL í �L _J Britten no dedicó sus esfuerzos solamente a la creación. En 1948 conformó el Festival de Aldeburgh, imán para los grandes talentos de la ejecución y lugar para estrenar obra propia, recordemos que Britten se vio favorecido por la amistad de grandes talentos como el director de orquesta y callista Mstislav Rostropóvich, su esposa, la soprano Galina Vishnévskaya, el barítono Dietrich Fischer-Dieskau y el guitarrista Julian Bream, entre otros. Aldeburgh pronto se convirtió no sólo en un evento de renombre para la música sino que abarcó literatura, poesía, teatro, conferencias y exposiciones de arte plástico. Britten continúa trabajando en mus1ca de cámara, ballet, ópera, música para instrumento solista, etc., hasta prácticamente el año de su muerte, en 1976 a los 63 años producto de sus afecciones cardiacas. Si pensamos en términos de edades y tiempo de vida promedio para ese año, Britten sin duda fallece prematuramente teniendo seguramente mucha obra aún por escribir. El campo musical que trabajó Britten es ecléctico, es decir, incluye a los sonidos, las formas y formatos musicales ya existentes y los que se concibieron en el siglo XX. Britten es sin duda un patriota, pero un patriota no en el sentido estricto sino un enamorado de la historia artística de su país, su historia filosófica, literaria, como lo demuestra la música que escribe para el laúd, un instrumento considerado casi muerto y que gracias a él cobra de nuevo relevancia. Por mencionar otros ejemplos citaré sus danzas para Gloriana y el Nocturno para guitarra sobre un tema de Dowland, que recrea el estilo propio de la música isabelina en un conjunto de variaciones que terminan con el tema original del compositor del siglo XVI. Concluimos que Britten es uno de los compositores más importantes del siglo XX, no sólo de su natal Inglaterra sino del mundo y este 2013, a un siglo de su natalicio, vale la pena aquilatarlo en su justa medida, conocer su música, adentrarse en su mundo que va más allá de solamente interpretar sus notas escritas, buscar el amor al arte en sus distintas disciplinas que, solamente él, pudo traducir a la música de forma por demás asertiva. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 27 UANL �L _J 7 (!JEt COll/ddo!v ~ @j~ QlfUl¡ C/,,,_.. ~ • • C(M1/ et auúvv M. A. GRACIELA MIRNA MARROQUÍN NARVÁEZ lEres de Saltillo? lSabes cuál es su corrido? lNo? Pues bien, te contaré su historia. ~ Antecedentes C omo antecedentes podemos mencionar un reportaje publicado en el periódico "Vanguardia" de Saltillo el 15 de noviembre de 1984 1 llamado "lucha denodadamente por difundir su corrido". En él se menciona que se han escrito alrededor de 100 corridos a la fecha (1984) y que los mismos saltillenses llamaban a la redacción del periódico para dar detalles de corridos escritos con anterioridad. Estos corridos no han gustado a la gente y por ende han quedado en el olvido, prefieren tener como representativo el corrido de Rosita Alvirez. El corrido oficial En 1974 las autoridades de ese entonces convocaron a un concurso para elegir un corrido a la Ciudad de Saltillo para la celebración del próximo "Cuatrocientos Aniversario de la Fundación de Saltillo" (se fundó en 1577). Se 1 inscribieron 86 composiciones. El 20 de noviembre de ese año dieron a conocer al ganador: el Mtro. Cipriano Pérez Olivares. Sobre la difusión del corrido El Mtro. Cipriano Pérez Olivares (Q.E.P.D.) recibió de premio cinco mil pesos, una medalla de oro y tres diplomas, sin embargo, lo más importante que era la difusión del corrido, nunca se dio. Del artículo que menciono anteriormente, puedo decir que trata principalmente de la lucha del Mtro. Pérez Olivares por la difusión de su corrido y que logró su grabación, interpretado por la Rondalla del Tecnológico de Saltillo, cinta que tuvo que rescatar el maestro para que una editora sacara un disco sencillo (45 rpm). Con disco en mano, acudió con el presidente municipal, a la Dirección de Educación Pública del Estado, a Turismo, a las radiodifusoras locales y nadie mostró interés; el gobernador en turno ni siquiera lo recibió. Cuando se celebró el 400 aniversario de la Fundación de Saltillo en 1977, ni se acordaron del corrido ganador. Cipriano Pérez Olivares Corría el año de 1976, presente lo tengo yo, cuando conocí al Mtro. Cipriano Pérez Olivares, yo me había inscrito en las clases de guitarra de los talleres que ofrecía el ISSSTE y él era el maestro. Excelente en su enseñanza, aprendí mucho de la guitarra como: la correcta posición al tocar el instrumento, los acordes y los "círculos" que se usan para infinidad de canciones, escoger una guitarra, poner las cuerdas y la correcta ejecución del Método Uno de Sagreras. El Mtro. Pérez fue una persona de mucha cultura, daba clases a alumnos de secundaria, fue guitarrista Vanguardia, jueves 15 de noviembre de 1984, Sección cultural, Saltillo, Coahuila. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 28 UANL í �L _J clásico, arreglista, compositor, también abordó los géneros populares y perteneció al grupo Aries Blues Band tocando la guitarra eléctrica. Le gustaba escribir de muchas cosas, como acrósticos, canciones y hasta publicó el Breve diccionario humorístico de bolsillo donde satiriza sanamente diversos aspectos de la sociedad. También grabó 11 discos LP interpretando música diversa con sus arreglos para guitarra y realizó giras por Sudamérica. Como arreglista de música para guitarra era excelente, de su puño y letra me escribió un arreglo del tema del 4to. Movimiento de la Sinfonía Coral "Oda a la alegría" de L. Beethoven que me parece fabuloso; también conservo uno de sus discos LP donde ejecuta música internacional en su guitarra. Coro Es tu imagen mi Saltillo bella estampa colonial te cobijan tus sarapes con su iris de colores que en el mundo no tienen rival Estrofa2 Saltillo universitario en tu cuarto centenario es notable tu avance industrial cuna de grandes artistas suelo revolucionario de nobleza que es tradicional tu escudo es maravilloso y tu Cristo milagroso venerado en la catedral siempre te luce grandioso tu palacio de gobierno en la plaza principal. Coro Estu imagen mi Saltillo ... La letra En el corrido se describen las maravillas de Saltillo, de su gente y su cultura. Y dice así: Estrofa3 Llamado Atenas de México en Saltillo la enseñanza de Coahuila la tierra sin par capital del gran estado de Madero y de Carranza que a la patria supieron honrar aquí termina el corrido y cantando me despido con su venia me voy a ausentar a mi Saltillo querido que aunque esté lejos no olvido yo le brindo mi cantar. Estrofa 1. Al cantar este corrido primero permiso pido para hablar de algo que es proverbial Saltillo en el mundo ha sido y siempre se ha distinguido por su alto nivel cultural yo le canto a tus montañas a tu gran cerro del pueblo a tu valle y tu paz provincial tu alameda Zaragoza y a tus mujeres hermosas de belleza sin igual. Coro Estu imagen mi Saltillo ... Como lo observan, está compuesto de 3 estrofas y un coro que repite 3 veces y la composición tiene todos los elementos de un corrido. (Recordemos que en México el corrido constituye un verdadero género literario-musical con características muy peculiares). Empieza solicitando un permiso por parte del cantante para ofrecer su historia al público, da los datos precisos del lugar (en este caso los lugares más representativos de Saltillo), menciona a los protagonistas (los héroes nacionales nacidos en Coahuila), sin faltar mencionar la belleza de las mujeres. En los corridos se hacen invocaciones a la Virgen o a los santos (en este caso se venera al Santo Cristo de la catedral) y al final los corridos generalmente hacen una despedida, como es el caso también. En el coro recalca el símbolo representativo de la ciudad que es el "sarape". 'Reuter, Jas. (1994), La música popular de México, Editorial Panorama, México, D.F. Págs. 122 - 130. 'lbid SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 29 UANL �L _J 7 La música La melodía en un corrido suele ser sencilla, fácilmente memorizable, predominando la tonalidad mayor y los tiempos de 2/4 y 3/4. Es interpretada por uno o dos cantantes populares que se acompañan con guitarra, o guitarra y violín, u otros instrumentos armónicos como acordeón, armónica o arpa. En los últimos años el corrido es interpretado por un solista acompañado de mariachi. El corrido de Saltillo está compuesto en la tonalidad de "Sol Mayor" en un tiempo de 2/4. Al comienzo del coro hace un cambio de compás a 6/8, el cual dura sólo 6 compases y vuelve al tiempo original. La manera de interpretar este 6/8 es con rasgueo de huapango lento. En la coda, de 4 compases, cambia nuevamente al compás de 6/8 pero con tempo de "allegro vivo". La manera en que se ha interpretado esta composición ha sido con ensambles de guitarras, El propio Mtro. Pérez Olivares la enseñaba a sus alumnos (me tocó varias veces interpretarla en un ensamble). Queda evidencia con la Rondalla del Tecnológico de Saltillo de 1975 en un "Sencillo" (disco de acetato de 45). Escucha su bella melodía en la página web de la Facultad de Música: http://www.famusuanl.mx/ Emulando el típico texto del corrido, escribo lo siguiente: aquí termina este artículo y con ello me despido, no sin antes invitarlos a difundir este corrido tan bonito, pues expresa toda la esencia de nuestro Saltillo querido. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 30 UANL í �L _J 7 (JEt CU/UO,S,(J/ cas-0/ ,,/,et ():ecili,a; 'f et~ det~ BRANO DE LEÓN DR. DAVID JOSUÉ E santa, escribió que durante la restauración de la I veintidós de noviembre se celebra lo basílica había abierto su sarcófago encontrándola que comúnmente es conocido como el incorrupta y en la misma posición descrita por el día del músico. Descubran conmigo lo que la papa Pascual l. Se cree que el cardenal mostró tradición nos cuenta sobre su origen. los restos de la santa al escultor Maderna quien En el año de 1594 Santa Cecilia fue nombrada decidió representarla en mármol recostada de patrona de la música por el Papa Gregorio XIII y, lado. a través de los siglos, su figura ha permanecido Cuando se fundó en Roma la Academia de venerada con ese padrinazgo. Su fiesta es el 22 la Música en el siglo XVI fue nombrada de noviembre, fecha que ha sido adoptada como patrona del instituto, después de lo cual su el Día del Músico. Esta fiesta fue mantenida en el veneración como patrona de la música templo que está dedicado a ella en el barrio del de la iglesia se generalizó Trastévere en Roma, que se dice, se ubica en la que universalmente. fuera su casa y que ya en el año 545 era conocido con tales fines. Cecilia pertenecía a una de las principales familias de Roma, además En el año 821 el papa Pascual I demolió el templo había consagrado a Dios su existente e hizo construir el edificio actual con virginidad. Fue arrestada por mucho más esplendor. La leyenda cuenta que para soldados romanos quienes le consagrarlo el papa requería de las reliquias de la exigieron que renunciara a la religión santa. Por este motivo declaró que se le había de Cristo. Ella declaró que prefería la aparecido en una visión para decirle el lugar exacto muerte antes de renegar de la en donde descansaban sus restos, que se verdadera religión. Fue condenada a encontraron como si durmiera. Casi 780 años morir ahogada en el baño de su después, en 1599 el cardenal Paolo Emilio propia casa. Como sobrevivió, Sfondrato planeando las del trataron de asfixiarla en humo, pero jubileo también permaneció ilesa en el ardiente cuarto. A pesar de haber pasado más de un día en semejantes condiciones, comenzó a cantar el salmo LXX: "Que mi corazón y mi carne permanezcan puros, oh Señor, y que no me vea defraudada en tu presencia". Se decidió decapitarla allí mismo. El ejecutor dejó caer su espada tres veces pero no pudo separar la cabeza del tronco. Huyó, dejando a la virgen bañada en su propia sangre. Cecilia vivió tres días más, SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 31 UANL í �L _J 7 dio limosnas a los pobres y dispuso que después de su muerte su casa fuera convertida en templo. Existen muchas representaciones de la patrona de la música, pero llama especialmente nuestra atención la pintura que Artemisia Gentileschi le hizo. En ella la muestra sobre un fondo oscuro, vestida a la usanza barroca, sentada ante un instrumento de teclado, con sus manos muy iluminadas como ejecutando una pieza de música y con una expresión que proyecta su fe cristiana, convicción que le permitió en el curso de los siglos adquirir gran veneración. Grandes compositores a lo largo de la historia le han dedicado obra. Tal es el caso de Henry Purcell y Jorge Federico Handel en Inglaterra. El primero escribió la oda "Laudate Ceciliam" (1683) y "Hail, bright Cecilia!" (1692). Handel compuso la Oda para el Día de Santa Cecilia (Ode far St. Cecilia's Day) en 1736. El italiano Alessandro Scarlatti y el francés Charles Gounod le rindieron homenaje con la composición de misas. Gounod le escribió la conocida "Messe Solennelle" de Saint Cécile. Recientemente el compositor estonio Arvo Part realizó la obra "Cecilia, vergine romana" para coro mixto y orquesta. Es un poco incierto el motivo por el que Cecilia terminó siendo la patrona de la música. Se dice que el padrinazgo de la música le fue otorgado debido al relato de su martirio en el que demostró su convicción al entonar el salmo LXX. Su espíritu sensible y apasionado por este arte convirtió así su nombre en símbolo de la música. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 Cripta de Santa Cecilia Imagen del papa Gregario XIII Escultura de la santa en mármol, del siglo XVI del artista italiano Moderna 32 UANL í �L _J 7 @t~, ~ ~ M. E. JOSÉ MARÍA LÓPEZ PRADO F riedrich Wilhelm Nietzsche nació el 15 de octubre de 1844 en Rocken, una pequeña población en las inmediaciones de Lützen, en el seno de una familia de pastores protestantes arraigada en la región desde mucho tiempo atrás El padre de Krug tenía tratos con Clara (18191896) y Robert Schumann (1810-1856) y una estrecha amistad con el compositor Félix Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847).En vista de la afición musical de Nietzsche, su madre compró un piano y tomó ella misma clases para poder introducir a su hijo en los rudimentos del instrumento. Compositores como Bach, Mozart o Haydn así como Schubert, Mendelssohn o Beethoven constituyeron su formación musical, sin que le interesara la música contemporánea de Liszt o Berlioz. Tenían que pasar algunos años hasta que Nietzsche se acercara a la música contemporánea de su época, la de Richard Wagner (1813-1883). Carl Ludwig Nietzsche (1813-1849), padre de Friedrich Wilhelm Nietzsche tenía, al igual que su suegro, un gran talento musical de manera que, como era habitual en las parroquias protestantes, se practicaba y disfrutaba mucho de la música. Él mismo componía y sabía .. improvisar brillantemente al piano. En el verano de 1860 Friedrich Wilhelm Nietzsche fundó conjuntamente con sus amigos Wilhelm Piinder y Gustav Krug, la asociación filarmónicoliteraria "Germanía". Sus miembros se comprometían a entregar mensualmente un ensayo que debía ser pronunciado en voz alta y debatido posteriormente. Importante es que con los escasos recursos de la asociación los tres amigos se abonaron a la prestigiosa "Neue Zeitschrift für Musik" fundada en 1834 por Robert Schumann. A través de los artículos que se publicaban en ella, los tres muchachos tuvieron la oportunidad de familiarizarse con la música de Richard Wagner, ampliamente comentada y alabada en la gaceta. Nietzsche perdió así las reticencias que mantenía frente a la música contemporánea. Con sus últimos recursos la asociación incluso llegó a comprar una reducción para piano de la partitura de Tristán e lsolda. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 El 8 de noviembre de 1868 Nietzsche cursa en Leipzig el último semestre de sus estudios universitarios y recibe una invitación a una soirée en casa del catedrático Brockhaus, cuya mujer, Ottilie, era hermana de Richard Wagner. En una carta a su amigo Rohde le escribió algunos días después el carácter afable a la vez que ingenioso de Wagner. Ambos coincidían en lo acertado del análisis del filósofo Schopenhauer respecto de la música añadiendo Wagner que Schopenhauer era el único que había reconocido la destacada posición de la música en el conjunto de las artes. A raíz de aquella conversación sobre teoría musical Nietzsche se ocupó intensamente con los escritos teóricos de Wagner. En Richard Wagner Nietzsche creyó encontrar al artista 33 UANL í �L _J 7 global, cuya obra acabaría con la decadencia que el espíritu occidental habría sufrido con la Grecia clásica. Por su parte Wagner confiaba en el talento musical de Nietzsche como escritor para promocionar su proyecto teatral pues su cuarta Consideración intempestiva, publicada en 1876 y titulada "Richard Wagner en Bayreuth" analizaba la relevancia del proyecto Wagneriano. En este tipo de drama, cada una de las artes tiene que esforzarse por desvelar su más íntimo secreto y alcanzar a ese público común a través del intercambio con las otras artes, ya que la finalidad última de cada una de las ramas del arte sólo podrá ser alcanzada mediante el acuerdo recíproco y la cooperación entre todas ellas para elaborar un mensaje en común". En 1872 Nietzsche incluso estuvo presente durante la colocación de la primera piedra para el gran teatro operístico que Wagner hizo construir en Bayreuth. En el ensayo El arte del futuro, Wagner resume en pocas palabras lo que entendía por arte escénico y qué tipo de arte dramático aspiraba a crear: "El auténtico drama escénico puede concebirse solamente como el resultado de la urgente necesidad de apelar a un público común que subyace a todas las formas artísticas. En el espíritu de Wagner, Bayreuth debía servir de marco privilegiado para esa labor de cooperación entre las artes; o, si se prefiere la imagen de navegación y descubrimiento de un nuevo mundo acuñada por el filósofo Fiedrich Nietzsche- quien inicialmente apoyó con entusiasmo el proyecto estético de Wagner -, para llevar a cabo "la primera circunnavegación del mundo del arte, la cual entiendo que dio lugar al descubrimiento, no ya de un arte nuevo, sino del arte mismo". Sin embargo, tan sólo dos años después, en agosto de 1874 Wagner y Nietzsche tuvieron un profundo desencuentro. Poco antes Nietzsche había escuchado por primera vez una obra del compositor alemán Johannes Brahms (1833-1897). Se trataba del "Triumphlied", una obra coral compuesta en 1871 con ocasión de la victoria prusiana en la guerra que enfrentó a Prusia con Francia y en la que Nietzsche había participado como asistente sanitario. Impresionado por la obra Nietzsche llevó a Bayreuth una reducción a piano de la partitura para enseñársela a Wagner. Este reaccionó displicente. Tanto Cósima como Wagner criticaron el contenido musical de la obra de Brahms, Wagner incluso ridiculizó la construcción de una obra musical en torno a la idea de justicia. Finalmente, Nietzsche abandonó airado la residencia de Wagner en Bayreuth. En el trasfondo de la discusión se encontraba algo más que una mera divergencia sobre una obra musical. La interpretación de la guerra y las expectativas sobre el desarrollo ulterior también los separaba. Para Nietzsche la victoria y posterior fundación del segundo Imperio .... Alemán que unificaba bajo la corona del emperador Guillermo 1, hasta entonces rey de Prusia, los estados y principados alemanes, significaba un primer paso en la renovación cultural y espiritual esperada. Para Wagner, en cambio la fundación del imperio alemán suponía el telón de fondo ideal para impulsar el festival de Bayreuth. Wagner se había aposentado, la renovación del espíritu griego había dejado paso al aburguesamiento. También la diferencia de edad jugó un papel importante en su desencuentro, pues mientras para Nietzsche era el lugar desde el que impulsar la citada renovación, para Wagner era la culminación de su trayectoria vital. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 34 UANL í �L _J 7 En 1876, fecha de publicación del cuarto ensayo, titulado "Richard Wagner en Bayreuth" en el cual describe a Richard Wagner como fundador del renacimiento del genio griego, Nietzsche y Wagner se encontraron por última vez. El encuentro tuvo lugar en Sorrento. Dos cuestiones desencantaron profundamente a Nietzsche en aquellos encuentros: por un lado las advertencias que Wagner le hizo a Nietzsche sobre la condición de judío de su amigo Paul Rée. Nietzsche no compartía en absoluto el antisemitismo de Wagner y se sintió molesto por unas advertencias que consideró fuera de lugar. Por otro, el esbozo que de "Parsifal", ópera en la que estaba trabajando Wagner le hizo el compositor. Wagner vuelve de nuevo su mirada al mundo medieval, y más concreto a la leyenda del Santo Grial, que ya había aparecido en "Lohengrin". Prácticamente no hay acción en esta obra, que por su forma es casi un oratorio. Su héroe Parsifal, símbolo de la inocencia, es aquel destinado a salvar a la humanidad a través de una renuncia absoluta al egoísmo y las pasiones. Esto fue interpretado en su tiempo como el retorno de Wagner a una espiritualidad cristiana. (Nietzsche reprobaba el giro cristiano que había tomado Wagner en aquella obra y llegó a decir que aquí el compositor "se había arrastrado hacia la cruz"). Pero el asunto es tal vez más complejo, ya que el músico mezcla simbolismos paganos e incluso orientales con los cristianos. Su ruptura con el compositor significó el final de la primera fase o periodo de la evolución del filósofo. cine. Es el caso del inicio del poema sinfónico •~sí habló Zaratustra", compuesto por Richard Strauss y empleado por el director británico Stanley Kubrick en su película "2001 , una odisea en el espacio". Sin embargo no se trata de una traducción sonora fidedigna de las ideas expresadas en este tratado, sino de una evocación muy libre de algunos aspectos que se abordan en él. En palabras del propio Strauss: "No me he propuesto hacer música filosófica, sino un cuadro del desarrollo de la raza humana desde sus orígenes hasta llegar a la concepción nietzscheana del superhombre". La partitura lleva como epígrafe unos versos de Nietzsche "Durante demasiado tiempo, la música ha soñado; ahora queremos permanecer despiertos. Éramos noctámbulos, viajeros de la noche; queremos llegar a ser viajeros del día". Ese tránsito de la oscuridad a la luz será precisamente uno de los aspectos tratados por Strauss en su composición, para constituirse en su hilo conductor. En una carta a su amiga Lou Salome algunos años más tarde le explicaba el final de su relación con Wagner de la siguiente manera:"Para mi caro amigo Fiedrich Nietzsche. Richard Wagner, OberKirchenrath. Al mismo tiempo le llegó, enviado por mí mi libro Humano demasiado humano, y con ello estaba todo claro, pero también todo acabado." Hay música que irremediablemente se asocia a imágenes visuales, casi siempre por influencia del SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 35 UANL í �L _J Es curioso que Mahler, para entender la naturaleza como expresión de Dios, se haya valido de los textos del filósofo que proclamó dionisíacamente la muerte de Dios. En el cuarto movimiento de su tercera sinfonía hay un pasaje singular y bellísimo tomado de ·~sí habló Zaratustra". iAh, hombre, está atento!/ lQué dice la profunda medianoche? /Yo dormía y dormía, / de un profundo sueño he despertado: / El mundo es profundo/ y más profundo de lo que el día ha pensado; / profundo es su dolor. / El placer es más profundo que el sufrimiento:/ El dolor dice: i Pasa!/ Más todo placer quiere eternidad, /quiere profunda eternidad. Nietzsche escribió en una carta, poco después de componer su Zaratustra (1883-1885): "lEn realidad a que género pertenece mi Zaratustra? Casi creo que al de la sinfonía". Este comentario revela la sensibilidad musical de Nietzsche -quien, por cierto, tuvo intentos serios de composición- la percepción poética de Mahler que decía "la música no es más que un sonido de la naturaleza". En este sentido, es válido sostener que la interpretación que debe darse a esta sinfonía es la de un grandioso himno a Dionisia a las fuerzas primordiales de la naturaleza, una visión sobrecogedora del cosmos desde la hipersensibilidad del compositor. La noche transfigurada "Verklarte Nacht" de Arnold Schoenberg está inspirada en un poema de la colección de Richard Dehmel, titulada "La mujer y el mundo". Dehmel (1863 -1920) era un poeta que combinaba las ideas de Nietzsche del superhombre con la política del socialismo. Su obra tuvo una poderosa influencia en los tiempos de cambio de siglo. La teoría del superhombre también fue motivo de inspiración para otro gran compositor: Alexander Scriabin, quien tenía la convicción de que la música tiene una naturaleza y una función profundamente místicas. Estamos en deuda con el gran filósofo Friedrich Nietzsche el cual forjó algunos de los principios que en el presente siglo nos parecen muy naturales, pero que en su tiempo fueron revolucionarios. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 36 UANL �L _J 7 CORAL AGUIRRE La relación entre la vida y la muerte es la misma que existe entre el silencio y la música, el silencio precede y la música sucede. Daniel Barenboim A l igual que la pareja de Jane y Paul Bowles, Jacqueline du Pré y Daniel Barenboim, están signados por un devenir semejante. Jane, la escritora, a causa, supuestamente, de una lesión cerebral, y Jacqueline, la violonchelista, por una esclerosis prematura, ambas en el apogeo de su capacidad creadora se paralizan poco a poco; se paran las manos de Jane sobre el teclado de la máquina de escribir, se cae la pluma entre sus dedos, se atrabanca la lengua en su paladar, mientras que a Jacqueline le rebota el arco sobre las cuerdas, tiembla la muñeca en el cambio de posición, se pierde el meñique en el portato. Cuál es el dios que las convoca a esta hecatombe, lla excelencia de Paul Bowles en las letras y de Daniel Barenboim en la música? Así pensaba yo hace un tiempo, como si los logros de cada uno de ellos hubieran inmovilizado tanto a Jane como a Jacqueline. Ahora, a medida que ahondo en las fábulas de las parejas creadoras me asisten cada vez menos certezas. Por lo tanto prefiero acercar al lector el material de tal modo, que él mismo saque las conclusiones que más le gusten. Tanto Daniel como Jacqueline son niños prodigios, se presentan en público en grandes conciertos a la edad de diez, doce años. Ambos provenientes de hogares acomodados reciben formación de lujo en el campo de la música. Para Jacqueline: Tortelier, Casals, Rostropovich, y para Daniel: Furtwangler, Nadia Boulanger, Klemperer, entre muchos grandes maestros más. Su infancia es suntuosa. Ella, nacida en Inglaterra, él, judío nacido en Argentina, y residente en Israel a partir de su segunda década de vida, hacen giras, se presentan en concursos, ganan premios, son condecorados y se encuentran en una de sus tantas idas y venidas por los más afamados escenarios de la música internacional. Jacqueline tiene 21 años y Daniel 24. Se casan al año siguiente, en 1967. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 37 UANL í �L _J 7 Es de un esplendor rara vez vislumbrado en términos de tanto disfrute y excelencia juntos, el video de Christopher Nupen La Trucha, donde uno asiste casi en éxtasis al estallido de la juventud hecha canto a través de las imágenes de los cinco integrantes del quinteto de Schubert. Allí se escucha la carcajada de Jacqueline junto con los acordes de su violonchelo, el deslizarse de las manos de Daniel sobre el piano y la picardía en la complicidad de los ojos que se cruzan con los de Pinkas Zukerman, de ltzhak Perlman, de Zubin Mehta en el contrabajo, y de una manera oculta, éste último en su rol de director. Por eso se los ve a todos girando siempre en la dirección de su poderoso arco. Apenas sobrepasan los veinte años. Ensayan para su concierto que les produce más risa que miedo y donde la responsabilidad se ejerce en el juego del tú y yo tácito. El video concluye con La Trucha frente al público. Ellos guardan la inocencia de los ensayos y continúan siendo los cómplices secretos de los sonidos de Schubert. De modo íntimo eran los años en que los cinco se proclamaban a sí mismos como La mafia musical judía. Alrededor de esta época Jacqueline ya se había consagrado definitivamente con la versión del concierto de Elgar dirigida por Sir John Barbirolli en el Carnegie Hall. Pocos años después retoma el concierto bajo la dirección de su esposo Daniel. El estallido de vida que presupone la primera versión se opaca en esta segunda donde se la percibe más atenta a la mirada de Barenboim que a los sonidos provenientes de su instrumento, que debieran abstraerla. Al menos esa es la impresión que •• SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 38 me ha quedado a causa de la cámara, indiscreta cámara, que panea sobre la expresión de su rostro en uno y otro concierto. Dos rostros, dos maneras. Hay euforia en el primero y obstinación en el segundo. lCrecimiento? Al igual que Lou Andréas Salomé, Jacqueline decía que lo único que le interesaba era ser feliz. La felicidad por encima de la música y la fama. No aspiraba a ninguna perfección como objetivo de vida. Desde su infancia, luego su adolescencia y durante sus años juveniles, ella juega, goza, se alegra, y su chelo es el juguete con el que más se divierte. Por su parte si algo se percibe en el carácter de Daniel, es una denodada aspiración a ofrecer la obra perfecta. Y, con el tiempo, se inclina cada vez más del lado de la dirección orquestal, sin dejar de ser nunca el intérprete ideal de Mozart y Beethoven en el piano. Juntos acometen diversas aventuras con música de Brahms, Dvorak, Bocherini, sonatas, conciertos, música de cámara al por mayor. Y en 1971 cae el rayo sobre sus cabezas, como cae el arco de las manos de Jacqueline. Ella ha cumplido 26años . Los años felices dan lugar a los años oprobiosos, los de la calumnia y la infidelidad, la incomprensión y el horror. También llegan los años en que las últimas grabaciones de Jacqueline du Pré son desdeñadas por los UANL í �L _J 7 conocedores. No compre versiones que sean posteriores a 1971 . Duele corroborarlo. instala con ella en París, mientras Jacqueline agoniza. Pese a ello permanecerá a su lado hasta el momento final. Por fin Jacqueline muere en octubre de 1987 y poco después Daniel se casa con Elena con quien gestará dos hijos. Jacqueline se propone aventuras más discretas como la enseñanza, grabaciones de obras menos desafiantes. Daniel la acompaña en cada paso que da. Las fotografías y los videos dan cuenta de ambos, él, amoroso, empujando la silla de ruedas de la que ella se desprende cada día menos, ella, intentando todavía sonreír. Seguramente antes de esta instancia sucede la infidelidad con el esposo de su hermana Hilary, Kiffer Finzi, creo que también director de orquesta. Qué se puede pensar, Antes de la aparición del libro de la hermana de Jacqueline, Un genio en la familia, llevado al cine en 1998 por Anand Tucker con el título de Hilary y Jacquie, y tras la muerte de Jacqueline, hubo una suerte de tendencia a satanizar a Daniel Barenboim como su verdugo, el que la llevó a la desesperación y a la agonía. Sobriamente, Hilary, desarma quizás con demasiada economía esta impresión colectiva. También como en el caso del suicidio de Silvia Plath cuyo acto condena a su ex esposo Ted Hughes, con la muerte de la du Pré, no terminan los escándalos que rodean a Daniel: primero acusado por todos, luego perdonado por su familia política y por fin, poco después de la publicación del libro de su cuñada, la opinión dada a conocer por sus sobrinos políticos al acusar a su madre y señalar que fue su mismo padre el que se aprovechara de Jacqueline y su estado depresivo para halagar su propio ego. Luego que el organismo de Jacqueline se erosionara hasta la aniquilación total, su compañero Daniel se forja un destino, una misión, o un andar más rico que la misma música. No se ata a los sonidos, sino que ellos le permiten ir más lejos para encontrar el mundo. Y el mundo está en guerra, es diverso, no acepta al otro. Por lo tanto él, de a poquito, se observa y observa, se da cuenta que es argentino y que el tango le suena a infancia. Admite otro destino más humilde para su música, graba un video donde aparece con Salgán, ya viejito, reconoce su profunda admiración por Piazzolla, por Ginastera, y más tarde incursionará en la bossa nova y el jazz en dos grabaciones de antología. zarpazos desesperados por asir la vida, el mundo, que se le escapa en cada aliento. lLa condenaría Daniel, lo haría Hilary? Ambos coinciden en que lo admiten por el nivel depresivo de Jacqueline y con la esperanza de evitar su suicidio; incluso Finzi señala lo mismo. Por los mismos tiempos advierte que no le gusta que a Wagner se lo prohíban en concierto cuando dirige en Israel, e impone libertades a su dirección decidiendo estrenar Wagner en Tel Aviv. También comienza a mirar del lado de los palestinos y no ve Los años transcurren tan pesados como la misma suerte que le ha tocado a la pareja de músicos. Daniel no es un héroe forjado en bronce. Se relaciona con la pianista Elena Bashkirova y se SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 39 UANL í �L _J nada justo cómo los fuertes se comen a los débiles. Con su amigo Edgard Sa'id de iguales preocupaciones y semejantes esperanzas crea una fundación para promover la paz en Medio Oriente. El dolor, la experiencia del dolor siempre provee primicias. Daniel no ceja, se obstina en crear un organismo musical conformado por árabes e israelíes. Así funda la Orquesta Diván occidental-oriental con israelárabes. Ante cada una de sus acciones, el gobierno israelí tiembla, con Wagner quieren repudiarlo, hay aplausos pero muchos más silbidos. Poco después el mismo gobierno lo honra con una condecoración por sus aportes a la cultura musical del país. Sin embargo, la responsable de cultura en el mismo acto de honrarlo, lo acusa, puesto que Daniel, muy orondo él, a la hora de recibir la condecoración, subraya su desacuerdo con la política de guerra del Estado israelí. Tiene que abandonar el recinto donde unos minutos antes se le honraba. Hoy, ahora en 2008 un diputado ortodoxo de ese mismo gobierno ha declarado que habría que quitarle su pasaporte israelí porque, increíble Quijote moderno, Daniel Barenboim ha decidido ser también ciudadano palestino. Y ha recibido sus credenciales que según sus propias palabras "Es para mí un gran honor que se me ofrezca un pasaporte palestino". A pesar que sus logros musicales son inmensos, sus condecoraciones, sus premios, sus órdenes vitalicias en las mejores orquestas del mundo, su inefable Mozart, sus master clases, sus nombramientos, la contribución invalorable que ha hecho a la música contemporánea, a la música de cámara, a la música sinfónica, me quedo finalmente con dos impresiones que quizás puedan ofrecer el tamaño de su humanidad. Una es pública, la otra es íntima y personal, ambas están al alcance del lector. lAcaso me he olvidado de la pareja? lNo se trataba de Daniel y Jacqueline? Creo que en toda vida hay una articulación secreta que va de una a otra cosa. La lenta agonía de Jacqueline quizás proveyó a su compañero de una mirada que se instaló sobre los hechos del mundo y del ser humano, de otra manera. Vayamos a las imágenes. La primera, el concierto en Ramallah en el año de 1999. Suena la quinta sinfonía de Beethoven, el escenario está poblado por rostros que me dicen ser todos semitas. Son israelíes y palestinos. En el centro, Barenboim baja la batuta y gira hacia el público. La ignorancia del otro es la base de casi todos los problemas. Reconocer ese otro es la tarea de la orquesta que se ha reunido para dar un concierto en la zona más violenta y cruel de nuestros tiempos. Vuelvo a los rostros, no tienen más de 22, 23 años, no sé si tienen esperanzas cuando han dejado de tocar. Muchos de ellos expresan miedo, pero Daniel los ha comprometido a ser hermanos de una vez y para siempre. La otra imagen es auditiva, Barenboim toca al piano, "Mi Buenos Aires querido", una grabación fácil de encontrar en México. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 40 UANL �L _J 7 TMM Pablo González Martínez (Facultad de Música de la UANL) Estudió el nivel Técnico Medio en Música con el violín como instrumento principal y se graduó con honores (generación 2008-2011). Cursa el segundo semestre de la Licenciatura en Música y Educación Musical. Es asistente de la Mtra. Teresa Gómez Huerta a la par que imparte clases por horas en el nivel de Capacitación Musical. Lic. Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso (Facultad de Música de la UANL) Es egresada de la Licenciatura en Música y Educación Musical de la Facultad de Música de la UANL. Terminó la carrera de Profesional Medio en Música en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Monterrey, N. L. Ha tomado diversos cursos y talleres con enfoque en los métodos Dalcroze, Kodaly, Orff y Tort, dentro del área metropolitana y fuera de ella. Es maestra de Iniciación Musical y Estimulación Musical Temprana en el Instituto Docet y actualmente imparte clases en la Facultad de Música a los niveles de Técnico, Licenciatura y Capacitación Musical. Lic. Jairo Antonio Cortés Juárez (Facultad de Música de la UANL) Es Licenciado en Música y Educación Musical y es maestro de tiempo completo en el colegio Madison lnternational School (MIS) en los niveles de Primarían Years Program (PYP) y Middle Years Program (MYP) con certificación por parte del lnternational Baccalaureate. Cuenta con acreditación en filosofía Suzuki y Dalcroze y ha fungido como asesor en diversos programas de estimulación musical a nivel secundaria en instituciones privadas. En su trayectoria profesional ha colaborado como maestro del Centro Cristiano II Faro (Sicilia, Italia), Capacitación Musical (FAMUS - UANL), American School of Monterrey (AIM) y Escuela Cristiana de Artes (ECA). Actualmente también es docente en el Instituto ASAF y EDA Music. M. A. Mayela Villarreal Hernández (Facultad de Música de la UANL) Licenciada en Música e Instrumentista (oboe) con Maestría en Artes por la UANL. Maestra de tiempo completo de la Facultad de Música de la UANL donde coordina el Nivel Técnico en Música y el programa "Talentos" de Licenciatura. Imparte las materias de Oboe, Historia de la Música y Ensambles Orquestales entre otras. Su labor investigativa se centra en la música de la Nueva España. Miembro del Cuerpo Académico "Desarrollo e Investigación Musical". Cuenta con el Perfil PROMEP. Javier Martínez Rosas (Universidad de Monterrey) Es guitarrista, profesor, periodista y escritor. Maestro en Humanidades por la Universidad de Monterrey. Fue profesor de guitarra del Nivel Técnico en la Facultad de Música de la UANL 2010-11, institución en la que también estudió por tres años la Licenciatura en Música e Instrumentista. Es autor del libro "Festival Internacional de Guitarra de Monterrey: Celebración Anual en Seis Cuerdas" (2011) publicado por Ediciones Musicales Yólotl para su distribución a estudiantes, organizadores y maestros de Monterrey. Lic. Rafael Blásquez Ortíz (Facultad de Música de la UANL, Facultad de Derecho y Ciencias Sociales de la UANL) Cuenta con 20 años de trayectoria en la promoción y realización de ópera en el estado de Nuevo León. Es pionero de la multimedia y el arte virtual escénico en México y realizador de temporadas de ópera en el Palacio de Bellas Artes con estos recursos tecnológicos desde el año de 2003. Además es cantante de ópera, labor en la que ha realizado papeles principales en títulos como: "Don Pasquale", "Bodas de Fígaro", "Don Gil de Alcalá", "Barbero de Sevilla", "La Boheme" y "El elixir de amor", entre otras. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 41 UANL í �L _J IRJ,fftf§i;fi,f,i§íQj,i4,ij íPeriódico El Norte, Monterrey, N. L.) Productor y locutor desde hace 16 años en la estación de radio de Monterrey "Opus 102" de programas sobre zarzuela, ópera y música orquestal. Miembro del Consejo Fundador del proyecto Ópera de Nuevo León. Corresponsal en Monterrey desde hace 14 años para la revista "Pro-Ópera", única revista del género operístico en México. Es crítico musical del periódico "El Norte". M. A. Graciela Mirna Marroquín Narváe~ (Facultad de Música de la UANL) Tiene una Maestría en Artes con especialidad en Educación en el Arte. Es profesora de la Facultad de Música de la UANL desde 1986 e imparte la cátedra de Historia de la Música en México I y II desde 1996. Coautora del libro: La Música Prehispánica y su Iconología. Pertenece al Cuerpo Académico "Desarrollo e Investigación Musical" y posee el perfil PROMEP desde 2008. Ha enfocado sus investigaciones en la música prehispánica para su enseñanza a partir de las imágenes. Dr. David Josué Zambrano de León (Facultad de Música de la UANL) Es Arquitecto, Licenciado en Música y Pianista. Tiene una Maestría en Artes con especialidad en Educación en el Arte y posee dos títulos doctorales. El primero, en Educación, lo tiene como egresado del Instituto de Educación Superior José Martí de Monterrey y el segundo es en Ciencias Filosóficas y lo obtuvo en la Universidad de La Habana, Cuba, en la Facultad de Filosofía e Historia. Es maestro de tiempo completo e investigador, actual coordinador de la Licenciatura en Música y Educación Musical de la Facultad de Música de la UANL y cuenta con el perfil PROMEP desde 2009. Es el director general de "FAMUS Revista Cultural de la Facultad de Música de la UANL". Es miembro de la lnSEA (lnternational Society for Education Through Art) y de la ISME (lnternational Societyfor Music Education). Es autor del libro "Aproximaciones musicales". M. E. José María Ló ez Prado (Real Conservatorio Superior de Música de Madrid) Es Licenciado con posgrado en violonchelo en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Tiene una Maestría en Educación por el Instituto Universitario en Sistemas Administrativos de Monterrey y es doctorante en dicha institución. Como docente ganó la plaza de profesor de violonchelo por concurso de oposición en Castilla y León, impartiendo sus clases en el conservatorio Tomás Luis de Vitoria de Ávila, España. En México es catedrático de violonchelo de la UAC y profesor en la UANL. Violonchelista principal de la OCFAMUS, OFS e integrante de la OSUANL. Como solista ha participado como solista con las mencionadas orquestas y junto con la maestra Beania Salcedo Moneada ha grabado el disco "Ángel azul" producido por Conarte. ilQ,fojrJ.llfiliJ (Facultad de Filosofía y Letras de la UANL) Dramaturga, directora de teatro y catedrática de literatura clásica en la Facultad de Filosofía y Letras de la UANL. Su novela "Los últimos rostros" ganó el concurso de Literatura de Nuevo León 2007. Ha sido acreedora del XX Certamen Nacional Alfonso Reyes 2008 por su ensayo "Las cartas sobre la mesa", la relación Borges/Reyes. Recibió el Premio a las Artes 2009 en el área de Literatura de la UANL. En 2012 recibe el Premio a su trayectoria teatral otorgado por GETEA grupo de investigadores teatrales de la UBA (Argentina). Publica en 2013 su obra "David y el General" editada por la Universidad Nacional del Sur. Por otra parte su ensayo "Cartas del sur" (2013) se presenta en las jornadas alfonsinas representando a la FFyL delaUANL. SEPTIEMBRE - DICIEMBRE 2013 42 UANL �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Famus : Revista cultural de la Facultad de Música de la UANL Description An account of the resource FAMUS. Revista Cultural de la Facultad de Música de la uanl publica piezas de investigación y artículos de actualidad en materia cultural, mayormente relacionados con la música y los compositores e intérpretes que han pasado a la inmortalidad debido a la calidad de sus creaciones; también abarca tópicos acerca de la educación musical y su labor fundamental en la vida del hombre, la estética filosófico-musical y temas que cubren el área de las bellas artes. Inició en el 2011, se publica semestralmente y se mantiene activa. Creator An entity primarily responsible for making the resource Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Música Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2011 Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Famus : Revista cultural de la Facultad de Música de la UANL Año de publicación El año cuando se publico 2013 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 3 Número Número de la revista 8 Mes de publicación Mes cuando se publicó Septiembre-Diciembre Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Tetramestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Famus; Revista cultural de la Facultad de Música de la UANL, 2013, Año 3, No 8, Septiembre-Diciembre Creator An entity primarily responsible for making the resource Lozano Lozano, Luis Gerardo, Coordinador Subject The topic of the resource Política Cultura Arte Música Gobierno Educación Description An account of the resource FAMUS. Revista Cultural de la Facultad de Música de la uanl publica piezas de investigación y artículos de actualidad en materia cultural, mayormente relacionados con la música y los compositores e intérpretes que han pasado a la inmortalidad debido a la calidad de sus creaciones; también abarca tópicos acerca de la educación musical y su labor fundamental en la vida del hombre, la estética filosófico-musical y temas que cubren el área de las bellas artes. Inició en el 2014, se publica semestralmente y se mantiene activa. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Música Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Zambrano de León, David Josúe, Director de la Revista Velázquez Gayosso, Verónica Lizzeth, Editora Responsable Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/09/2013 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020254 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource https://issuu.com/famusrevista Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Britten Educación Música Nietzsche Paradigma