https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/453/20547/Famus_2016_Ano_5_No_14_Enero-Junio.ocr.pdf d6fc594108e9caf10c3805f1e3c3f469 PDF Text Text L _J r ..... REVISTA CULTURAL DE LA FACULTAD DE MÚSICA DE LA UANL ENERO - JUNIO 2016 AÑO 5, No. 14. �_J 7 UANL UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE NUEVO LEÓN® o ·---s.o ......, u QJ s.- ·--o Universidad Autónoma de Nuevo León Dr. Jesús Ancer Rodríguez Rector Ing. Rogelio G. Garza Rivera Secretario general Dr. Juan Manuel Alcocer González Secretario académico Lic. Rogelio Villarreal Elizondo Secretario de Extensión y Cultura Dr. Celso José Garza Acuña Director de Publicaciones Lic. Luis Gerardo Lozano Lozano Coordinador de la Facultad de Música Dr. David Josué Zarnbrano de León Director general de FAMUS Revista Cultural de la Facultad de Música de la UANL davzam61@yahoo.com.mx Lic. Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso Editora Responsable veronicalvg@hotmail.com Iris Torres Diseño Gráfico torres_iris l@hotmail.com Dr. Ricardo Martínez Leal M.A. Graciela Mima Marroquín Narváez M.C.P. Patricia Ivonne Cavazos Guerrero M. A. Mayela del Carmen Villarreal Hernández CA Desarrollo e Investigación Musical/ Consejo editorial FAMUS Revista Cultural de la Facultad de Música de la UANL,Año 5, Nº 14, enero-junio 2016. Fecha de publicación: 14 de enero de 2016. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León, a través de la Facultad de Música. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste s/n, Res. Las Torres, Monterrey, Nuevo León, México, C.P. 64841. Teléfono: + 52 81 86758068. Editora responsable: Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso. Reserva de derecho al uso exclusivo No. 04-2014-041110344800-102. ISSN: 23959312 . Ambos otorgados por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Licitud de Título y contenido: 16546. Registro de marca ante el Instituto Mexicano de Propiedad Industrial: 1,228,026. Impresa por: Imprenta Universitaria, Ciudad Universitaria s/n, San Nicolás de los Garza, Nuevo León, México, C.P. 66451. Fecha de terminación de impresión: 13 de enero de 2016. Ti raje: 500 ejemplares. Distribuido por: Universidad Autónoma de Nuevo León, a través de la Facultad de Música, Praga y Trieste s/n, Res. Las Torres, Monterrey, Nuevo León, México, C.P. 64841. Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Prohibida su reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización del Editor. Impreso en México. Todos los derechos reservados. © Copyright 2016. revistafamus@gmail.com ENERO - JUNIO 2016 1 UANL í �L _j EA~tUm~ r J_JTD ICJ~ Editorial Dr. David Josué Zambrano de León Pág.3 Romances de una cellista / Catalina y Florentino Segunda parte C. P. A. Brenda Elizondo Pág.4 Jazz en Nueva Orleans Dr. David Josué Zambrano de León Pág. 16 El canto y la audición en adolescentes de 12 y 13 años Trabajo final para optar por el título de Licenciada en Música (Educación Musical) Lic. Ana Cecilia Martínez Alanís Pág. 18 La autopromoción en el arte M. A. Guillermo Villarreal Pág.39 Experimentada batuta Entrevista con el maestro Claudia Tarris, Director de la Orquesta de Cámara de la Facultad de Música de la UANL (OCFAMUS) Lic. Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso Pág.41 La soledad, el abandono y rechazo en Wozzeck de Alban Berg Lic. José Gerardo Villarreal González Pág.45 Reseña del Libro Music in Mexico, Experiencing music, expressing culture, de Alejandro L. Madrid M.C. Luis Díaz Santana Garza Pág.48 Sentido y Sensibilidad, Servicio Comunitario y "Dido y Eneas" Lic. Carlos Arturo Hernández González Pág.50 La cultura musical a partir del binomio cultura e identidad: reflexión necesaria ante el reto de formar a las nuevas generaciones de ciudadanos Dra. C. lvis Nancy Piedra Pág.55 La música contemporánea y las primeras impresiones 3er. Concurso de escritura FAMUS 2015, Primer lugar T. M. M. Mariangela Díaz Piedra Pág.62 El efecto de la música del siglo XX en niños del siglo XXI 3er. Concurso de escritura FAMUS 2015, Segundo lugar T. M. M. Juan Ernesto Ballesteros García Pág. 70 Menesteres 3er. Concurso de escritura FAMUS 2015, Tercer lugar T. M. M. Francisco Javier Ceniceros Cázarez Pág. 73 --- - 7 ENERO - JUNIO 2016 2 -- UANL í �_J 7 DR. DAVID JOSUÉ ZAMBRANO DE LEÓN E I casco antiguo de la ciudad holandesa de Hertogenbosch, más habitualmente llamada Den Bosch, y en español Balduque, conserva en sus estrechas callejuelas el aire medieval respirado por su vecino más famoso, el pintor El Sosco. Jheronimus Bosch, llamado Jeroen van Aeken o Van Aken, nació según ciertos biógrafos en 1450 y fue sepultado en Balduque en agosto de 1516, hace 500 años. Era Van Aeken, llamada en alemán normativo Aachen, la ciudad alemana de donde procedía su familia de pintores, de modo que el antiguo apellido indicaba el viejo lugar de origen de la familia, pero prefirió Hertogenbosch como lugar para vivir. Su obra presenta influencias de la escuela alemana, de artistas como Matthias Grünewald y Alberto Durero. El Sosco influyó notablemente a Pieter Brueghel el Viejo, quien ejecutó varios cuadros de estilo similar, como por ejemplo el "El triunfo de la Muerte" de 1562. Además de Brueghel, influenció al pintor casi contemporáneo suyo y también flamenco, Joachim Patinir. Fue olvidado durante siglos hasta que el psicoanálisis y el surrealismo aparecieron, con un notorio influjo en surrealistas como Max Ernst y Salvador Dalí, devolviéndole la fama de la que gozó en vida. Incluso George Lucas se ha referido a él en su saga de "La guerra de las Galaxias", basando al personaje del Emperador Palpatine en un retrato de El Sosco realizado por Jacques le Boucq. Prácticamente todos los personajes que representa tienen algo de caricatura. En sus obras abunda el sarcasmo, lo grotesco y una imaginería onírica. Una de las explicaciones para esto es que El Sosco aún se encuentra imbuido por una cosmovisión medieval repleta de creencias en brujería, la alquimia, la magia y los bestiarios. Esto influye para que el pintor intente dar un mensaje moralista, si bien de un moralismo satírico. Y si El Sosco tiene mucho de medieval, por otra parte anticipa el humanismo de la Edad Moderna. Tanto en las pinturas de tema religioso como en las de ámbito profano introdujo todo un mundo de seres, entre normales y monstruosos, presentados en actitudes expresivas. La complejidad de los símbolos que utiliza dificulta a menudo la comprensión cabal de sus obras. Su universo de desbocada imaginación, está poblado de figuras fantásticas que parecen surgidas de una pesadilla infernal. Sin embargo, El Sosco es un minucioso observador de la realidad, con gran talento de dibujante y su irrealismo se emparenta en último término con el espíritu sarcástico de los fabliaux, esos poemas narrativos franceses que ridiculizan los vicios. En sus dibujos se da la misma vivacidad de anotación que muestran sus pinturas y dejan traslucir aún más su agudo sentido de la observación de la naturaleza. Con la conmemoración del 500 aniversario de su fallecimiento, dos museos europeos que poseen obra importante de este maravilloso artista presentarán exposiciones que, según la promoción de cada uno, serán las más grandes de la historia. Una de estas exhibiciones es 'Jheronimus Bosch, visiones de un genio", planeada desde febrero y hasta mayo de 2016, en el museo Noordbrabants de Hertogenbosch, que además reúne en su colección permanente una serie de obras de sus seguidores. Con la colaboración del Louvre, el Prado y la Galería veneciana de la Academia-Palacio Grimani, aquí se expondrán 20 pinturas y 19 dibujos, además de 70 ejemplos de arte medieval de los siglos XV y XVI. Entre las obras a apreciar, estarán 12 paneles restaurados que han recuperado ya su esplendor. La otra exhibición tendrá lugar en el Museo del Prado de Madrid, que posee "El jardín de las delicias", además de varias de sus obras más famosas. Lo anterior es debido a que el rey Felipe II de España, gran admirador, las adquirió en el siglo XVI, años después de la muerte del pintor. Con el nombre de "El Sosco, la exposición del centenario", ésta será la más extensa dedicada al pintor y estará abierta al público de mayo a septiembre. Las obras seleccionadas pertenecen fundamentalmente al Prado y a otros museos como la Albertina y el Kunsthistorisches de Viena, la National Gallery de Washington, el Metropolitan de Nueva York o el Louvre de París. Es sabido que los elementos de su universo plagado de monstruos no se pueden clasificar porque no siempre significan lo mismo. Indudablemente quinientos años después, El Sosco conserva su misterio. ENERO - JUNIO 2016 3 UANL í �L _J @A~(W/ UfUl/ ~ / C{daú1limv lf q ~ Segunda parte C. P. A. BRENDA ELIZONDO Luna agonizante e ENICEROS repletos de colillas, botellas de vino vacías, platones con residuos de queso y frutillas deshidratadas, es lo que quedó después de la reunión con algunos compañeros de la orquesta. El director sería el último en partir; sin embargo, Catalina le pidió por primera vez que se quedara. Conversaron acerca de sus libertades y esperanzas como pareja, Franco no pudo callar más sus intenciones de planear un futuro juntos y esa noche le habló de matrimonio. El inevitable miedo que sintió Catalina, hizo que le sugiriera hablar del tema en otra ocasión, sin alcohol en la sangre. Le dio un beso en la frente y le dijo que durmiera tranquilo, mientras ella se levantaba de la cama. -lQué haces? -le preguntó Franco. -Vuelvo a la sala, quiero fumar y tocar un poco-contestó Catalina. -lA esta hora? Creí que dormiríamos-expresó Franco. -No tardo, deberías pensar bien eso de casarte conmigo, padezco de insomnio y suelo tocar por las madrugadas. lAún quieres? -preguntó Catalina sonriendo y con tono de advertencia. Franco, entre dormido y despierto respondió: -Sí, aún quiero. Catalina no salió a la sala como planeaba, prefirió dejar allí a Florentino porque sabía que estaría celoso del pianista y no tenía ánimos para contentarlo. Así es que apagó la luz, abrió la ventana, y sentada en el sofá mirando hacia el oriente, encendió el último cigarrillo de la noche mientras se preguntaba dónde había quedado todo lo que merecía por ser tan buena con el imborrable Vladimir. Durante años fue su motivo para depilarse las piernas, comprarse lencería, pintarse las uñas, arreglarse el cabello y tanto más, a pesar de que desnuda y sin maquillaje se sentía aceptada como por ningún otro. Cuando ella era cobarde, él con su valentía la hacía ver las cosas sin peligro, si sus zapatos comenzaban a flotar, él con su dureza los regresaba a su sitio y los fijaba con pegamento, incluso más del necesario. Cada vez que se perdían en la oscuridad, Catalina hacía que las sombras parecieran luces, su ceguera ahuyentaba el miedo de creer. No temía que las ilusiones se convirtieran en desengaños, bastaba con dirigirse al reloj y regresar sus manecillas para que todo comenzara de nuevo; hasta que un día, estas legaron a su adolescencia y se rebelaron, no quisieron retroceder. ENERO - JUNIO 2016 4 UANL �L _J Prometió que él sería la historia de su vida, juró amarlo como una niña y cumplió su promesa, pero él con su partida se llevó sus risas, su voz, su alma y su inocencia. Cuando él lloraba, Catalina le secaba las lágrimas con sus labios, por eso aún conserva el sabor del Vladimir sensible; ese que sacrificaba su libertad por corresponderle y nunca la hirió intencionalmente. El que le cocinaba y además le daba a probar la comida en la boca, el que ya no quería andar sin ella y presumía por doquier los talentos de su niña, como la llamaba. Catalina se volvió a enamorar tras su ventana. La noche, el canto del viento y de los grillos, eran Vladimir. Reconoció sus caricias. Olió sus olores y miró sus miradas. La composición que se hizo del placer y de la culpabilidad fue como la que escucha en su consciencia aquel que se retira de un vicio y tiene una recaída. El cielo tapizado de lentejuelas plateadas le había regresado al amor de su vida; no obstante, la luna estaba allí para recordarle su realidad. Catalina piensa que a pesar de que siempre estuvo atenta a sus necesidades, él pudo borrarla de su mente tal como un editor elimina sin piedad un párrafo con redundancias. De tanto morderse las uñas planeando cómo complacerlo, sus dientes quedaron desgastados al igual que sus idealizaciones. Cuando Vladimir pedía marrón, ella le daba azul con amarillo y rojo, azul con naranja, amarillo con violeta, rojo con negro, verde con rojo, entre otras combinaciones y contrastes. Lo único que consiguió fue hacerse una experta en mezclas; sin embargo, nunca logró igualar el tono marrón que Vladimir pedía, el que sí pudo darle esa que lee revistas de moda mientras le hacen manicure, la que luce dientes perfectos y siempre tuvo el honor de que su nombre fuera mencionado cada treinta segundos por él, la que tanto maldijo Catalina, sin pensar que la otra no tenía la culpa de ser tan irresistible, tampoco de ser la mejor. Él jamás supo lo inmenso que era el amor que ella le ofrecía, y si alguna vez lo percibió, se hizo el tonto, porque al dejarla, le dijo lo peor que se le puede decir a una persona que se ama: quedemos como amigos ... sabiendo bien que ella continuaba atada a la vida que él decidió dejar atrás, y que aunque Vladimir no creyera en Dios, seguiría rezando por él. Estaba segura que moriría y que los mares se quedarían secos si él no regresaba; no obstante, ella sigue viva para presenciarlos llenos, y fuerte para recibir la sentencia inexorable del tiempo: lo de Catalina y Vladimir pertenece al pasado. Franco ha mandado a dormir su tristeza, la mayor parte del tiempo puede sentirse liberada de aquel tango bailado por tres, en el que terminó mareada y abandonada. Llegó el príncipe que mantuvo su encanto después de la medianoche y desapareció las tormentas alejando las nubes con su sonrisa de sol, dispuesto a secar la lluvia, tal como Catalina secaba las lágrimas de Vladimir. Franco no le pide marrón, él le ofrece los tonos del arco iris y confía en que sus mezclas serán lo mejor para los dos. Aunque le duela aceptarlo, el tiempo está logrando que su amor por Vladimir se desvanezca como las cenizas de un muerto en el aire. Aceptó que la otra es mejor que ella para él, pero también piensa que cualquier mujer es más de lo que él merece. Cree que fue un cobarde ya que el orgullo no le permitió seguir de su mano cuando ella era valiente y defendía la relación como una loba. ENERO - JUNIO 2016 5 UANL �L _J Sin embargo, de pronto una brisa de paz la invadió y supo que esa era la última vez que sufría por Vladimir. Finalmente piensa que quien mintió no fue él, sino ella a sí misma; esa noche llegó a la conclusión de que ese hombre era ficticio; ella lo había inventado de acuerdo con sus necesidades. Luego de tantos reproches, tristemente reconoció que sus ganas de amar la obligaron a ponerle cuanto adorno fue necesario hasta verlo perfecto, y así, su mente lo hizo tan grande y fuerte como un elefante cuando quizá siempre fue débil y pequeño. Decidida a desprenderse para siempre, le pidió a la luna en agonía que en esa su última fase, se llevara todo el dolor restante para que no existiera sombra alguna entre ella y Franco. Recordó las palabras de Mijaela en la reunión con los de la orquesta; le dijo que estaba feliz por ella, que su semblante era otro y que le auguraba mucha dicha y estabilidad al lado del pianista. Y aunque seguía irritada por el rechazo de Vladimir, admitió que su felicidad estaba al lado del hombre que dormía profundo a unos cuantos metros de ella. En ese momento cerró la ventana y regresó a la cama buscando besos y caricias bajo sus sábanas, segura de que vendrían acompañados de una luna nueva. Y a su Florentino, planeaba regalarle el amanecer. ENERO - JUNIO 2016 6 UANL �L _J 7 Luna agonizante Romances de una cellista .____., Catalina y Florentino J=70 adagietto triste Vio/once/lo :>=.•.~1 r J J ef Brenda Elízondo Éffi Efij I I FJ jp fp & 1 mf 4 misterioso p1zz. 8 ===== f mj' 11 dolce arco __ :N•,.~ crfrª* 1d.JJJJJr I tr (t 1 ©r ft 1 -====== f 3 appassionato e doloroso 15 :>=. v@fflJJ *lf f 1fr ETEr E]il 1 p 20 -===== ENERO - JUNIO 2016 J ff ¡j -iJJIJJrJI mf 7 UANL í �L _J El funámbulo C IENTOS de flores marchitas en cajas de madera y recipientes de vidrio, adornaban y aromatizaban cada rincón del cuarto de baño que se percibía lleno de vida. Al pie del inodoro se encontraba un atractivo cesto de membrillo con una tela en color castaño casi oculta por rollos de papel. En el anaquel había toallas plegadas una encima de otra, velas empotradas en botellas antiguas de tonos verdes y caracolas de mar abarrotando vasos old fashion. Sobre un tapete una pila de libros llegaba a la altura del lavabo, en el que Damián se enjuagó manos y cara, luego hizo lo que cualquier persona curiosa haría en un baño ajeno: correr la cortina de la regadera para fisgonear. El visitante en casa de Catalina había notado la ausencia de absorbentes de flujo menstrual en el estante, es por eso que no se extrañó que de las llaves mezcladoras no colgaran pantaletas puestas a secar; cosa que para él es la imagen típica que confirma pereza en una mujer. Agradeció al cielo que su amiga de infancia no se hubiera convertido en una de esas que exhibe su ropa interior en la regadera; haciendo de esta, un patio de vecindad. Sin saber que Catalina, minutos antes de su llegada, había inspeccionado cada rincón de su departamento para evitar que Damián se encontrara con este tipo de detalles, pues bien sabe que los detesta. -Tendrás que disculparme, mademoiselle, si no me lavo las manos, no me hubiera enterado de la hora; tengo un compromiso, así es que otro día vendré a tomarme ese té de durazno que huele delicioso. Por cierto, Cristian te envió un saludo -comentó Damián mientras caminaba contoneándose hacia el perchero de la sala para tomar abrigo y paraguas. -Qué malo eres Damián, pero te perdono porque tienes un talento envidiable: siempre rechazas con delicadeza. Ah, y dile a tu Cristian-compromiso, que a pesar de que me abandonas por su culpa, le mando un millón de abrazos-respondió Catalina sonriendo, mientras lo acompañaba a la salida. -No vayan a faltar a la función, tampoco lleguen tarde, te lo digo porque las manecillas de tu reloj están inmovilizadas, pareciera que no tienes conflicto con el tiempo -mencionó el trapecista, despidiéndose con un beso en cada mejilla. -iOtra vez, no puede ser!; si no es el péndulo son las manecillas, si no son las manecillas, es cosa de las baterías, si no es por las baterías, sabrá Dios por qué. Mi viejo reloj cada vez acorta más sus jornadas laborales, parece ser que ya pide jubilación ... Despreocúpate, Dami, me guiaré con el digital que tengo en la habitación. Nos veremos más tarde. iSuerte! -contestó Catalina. Con la llovizna resbalando sobre su paraguas, Damián se interrogaba por qué los años tenían que ser tan crueles: si te descuidas, te hacen olvidar momentos que un día deseaste eternizar. Habían pasado veinte ENERO - JUNIO 2016 8 UANL �L _J años desde que conoció a su amiga. Piensa que ella sigue siendo la misma niñita que estudiaba música en la academia de su tío Camilo, quien lo obligaba a tomar lecciones de violín, aunque Damián siempre supo perfectamente bien que podría ser arquitecto, veterinario, abogado, o dedicarse a cualquier otro oficio menos al de instrumentista. Nunca le encontró el gusto. No obstante, a Catalina la visualizaba viajando por todo el mundo como saxofonista. Recuerda cómo ella sí aprovechaba su estancia en la escuela, siempre estaba solfeando o practicando escalas. Por lo general, cuando descansaba pasaba una tela suave con movimientos circulares por todo el cuerpo de Gisleno, su saxofón, hasta desaparecer las más mínimas huellas de sus dedos. Cada día mientras tocaba, modelaba frente al atril uno de sus vestidos tejidos a mano por su madre. Con los ojos cerrados repetía pasajes una y otra vez, nunca se conformaba, Damián suponía que sus padres eran quienes le habían metido en la cabeza el lema: lpor qué va a estar mal algo que puede estar bien?, lpor qué va a estar bien algo que puede estar muy bien?, lpor qué va a estar muy bien algo que puede estar magnífico? Sin embargo, con el tiempo descubrió que no fueron ellos quienes le inculcaron ese pensamiento. Catalina, a sus nueve años de edad ya tenía más que marcado su perfeccionismo; un simple ejercicio lo preparaba como si fuera a interpretar un concierto en uno de los teatros más importantes. Su sonido libre y apasionado hacía que las personas que caminaban frente a su cubículo de estudio, se regresaran para ver sobre la rendija rectangular de la puerta. Lo menos que se esperaban era encontrarse con una pequeña estremecida y colmada de goce persiguiendo hasta su muerte a cada nota expulsada por su instrumento; todas con carácter imponente capaz de exorcizar a cualquier demonio. No tenía urgencia, ni mucho menos representaba para ella un reto tocar piezas con dificultades técnicas, lo que creía y sigue creyendo desafiante, son las melodías que parecen simples o que dan la impresión de estar jugando. Piensa que ahí es donde se demuestra qué tan músico es un músico. Bastó con que cinco años después, asistiera al Concierto para vio/once/lo y orquesta en si menor de Dvorák, para que decidiera ingresar y permanecer para toda la vida en el mundo de las cuerdas. Franco y Catalina llegaron puntuales. Él observaba con millones de celos las espectaculares y riesgosas acrobacias de Damián. No le agradó que ella nunca le hubiera mencionado al trapecista, tampoco el entusiasmo con el que le habló de él esa tarde cuando lo llamó para invitarlo a la función. Imaginó que tal vez en el pasado Catalina y Damián tuvieron su romance. Sólo pensar que por la tarde el artista de circo estuvo a solas con ella, le provocó malestar en el estómago. Qué no daría el respetable director de orquesta para que el único testigo, Florentino, le contara lo sucedido en esa cita. Muere por saber si fue una visita rápida, si se quedó a charlar un poco, si tomaron café o licor. Temía que después de la repentina aparición de Damián, la relación entre ellos se estropeara. No fue capaz de preguntarle a Catalina sobre el encuentro. Para colmo, antes de entrar en el circo, su amada le había regalado desde lejos un alborotado saludo a Cristian, cosa que terminó por desconcertarlo. lQuién diablos es ese otro hombre? lPor qué Catalina no me presentó ante él? lPor qué? se cuestionó mientras permanecía atento a la rutina del trapecista que combinaba danza con destreza física entre la tierra y el cielo a más de ocho metros de altura. Pensó que si algo salía mal en el número de Damián, al menos ENERO - JUNIO 2016 9 UANL �L _J caería en la malla y sin duda se recuperaría. Sin embargo, si las cosas entre él y su amada se derrumbaban, sería mortal. Bajo su carpa íntima, decidió que sin red realizaría series de volteretas dobles esperando ser tomado por las manos de Catalina, quien estaría balanceándose boca abajo desde el trapecio de enfrente. Franco sintió temor de que en esa pirueta ella lo dejara caer: el miedo lo hizo sentirse torpe y le encontró sentido a un aforismo que tanto repite Catalina: «el amor agiliza a los torpes y entorpece a los ágiles». Logró controlar sus impulsos y, en silencio, elaboró en su mente un discurso que jamás fue utilizado. Al terminar la función, el primero en felicitar a Damián fue Cristian, luego Catalina; el largo y efusivo abrazo de los dos, hizo que la sangre de Franco borboteara al ver el cuerpo de un hombre fuerte y musculoso unido al de la mujer que sentía de su propiedad. Casi pierde el control de sí mismo. Deseó, instintivamente, que las gotas de lluvia que hacían música sobre la cúpula, hubieran desconcentrado al intruso que vino a sacudir la inmensa serenidad que había en él antes de la media tarde, que hubiera caído y muerto antes de que sus brazos estrecharan la cintura de su cellista, o mejor aún, que ellos nunca se hubieran vuelto a ver. Damián advirtió la molestia de Franco y enseguida se separó del abrazo, para disminuir la tensión presentó a Cristian al músico. Se despidió no sin antes halagar a su eterna saxofonista. -lSaxofonista?-se sobresaltó Franco. -Sí, para mí siempre será saxofonista-respondió el artista del trapecio, al mismo tiempo que le obsequiaba un beso en la frente a su amiga de antaño. Con una palmada en la espalda, agradeció a Franco su presencia, quien avergonzado por sus celos y desconfianza, abrazaba con ternura a su novia mientras ella le contaba su historia como estudiante de tal instrumento de aliento. Y riendo por las reveladoras anécdotas del tremendo Damián, observaban cómo la otra pareja, intercambiando evidentes coqueteos amorosos, se alejó lentamente del circo. ENERO - JUNIO 2016 10 UANL �L _J 7 El funámbulo Romances de una cellista ____ Catalina y Florentino J=tOO andantino Brenda Elízondo con grazia 14 scherzando :H r· pI r 1!r§ 1J 81 0r§ 1J @1 f 20 leggiero 2: 1 p P.1 r· pI JJ I J r I e, e, 1e, e, 1Jr· 1 ==============--pp 27 :i: 1 .g .fü 1.fü .fü 1; 4_ 1EJ EJ IEJ EJ Ir,ef 1 33 con grazia 40 47 ENERO - JUNIO 2016 scherzando 11 UANL í �L _J Baraja española V ARIOS vasos de cerveza oscura y unos cuantos cigarrillos fueron los únicos testigos de la conversación. Durante casi cuatro horas recordaron virtudes y defectos de sus examores. lCómo es posible que sigas pensando en aquel canalla? iPareciera que ese hombre te clavó cien alfileres en el corazón por medio de un muñeco vudú! -dijo Mijaela, luego de ver que el protagonista en la vida de Catalina seguía siendo Vladimir. -Pues sí es así, te aseguro que fueron más de cien -contestó en son de broma, mientras con la mano izquierda solicitaba la cuenta al mesero. Camino a su casa, llevaba el eco del chiste de Mijaela y comenzó a creérselo; imaginó una foto de ella clavada a un muñeco de trapo con alfileres de cabeza roja. Empeñada en comprobar que por algún lugar del mundo existía un muñeco vudú hecho en su nombre para que amara toda la vida a Vladimir, seis días después, una de esas noches en que las cartas no mienten, Catalina decidió desempolvar la herencia de la abuela paterna y fue en busca de la baraja española, que se encontraba envuelta en un trozo de tela color rojo dentro de una caja de madera que llevaba años sin ver luz. La barajó, con su mano izquierda hizo un corte, luego colocó los dos bloques en forma de cruz, diciendo: «Por mí, por mi futuro y por lo que deseo saber y espero». La abuela le había indicado que era imprescindible e importante acomodar los naipes de izquierda a derecha, formando cuatro líneas de diez cada una. Una vez extendidas, localizó a la figura que representa a mujeres de tez blanca y cabello oscuro, como ella: la sota de espadas. A partir de ahí, se fue carta por carta hacia su lado izquierdo para interpretar la séptima, que en este caso era el caballo de copas; es decir, un hombre joven, moreno claro. Al vincularla con las claves de las tres cartas que la antecedían, los latidos del corazón de tan violentos le sacudieron el cuerpo. Después de ver el cinco junto al cuatro y el as de espadas, el temor, le impidió seguir con la lectura. -iNo puede ser!, muerte por accidente, repetía una y otra vez. Ese hombre, ilo matamos, Florentino, lo matamos!, lpero cómo es posible que haya muerto?, sólo fue un aventón, idebo tranquilizarme! -se dijo a sí misma encendiendo un cigarrillo antes de llamarle a Mijaela y contarle lo del sábado, cuando se vieron en el bar. De regreso a casa en su coche, le había dado un empujón a un hombre en la avenida Trece; circulaba a treinta kilómetros por hora aproximadamente, esto haría tiempo para que el semáforo cambiara a luz verde y no tuviera que detenerse por completo a esas horas de la madrugada. De pronto, un hombre cruzó la calle corriendo, y ella no alcanzó a frenar, pero él se levantó de inmediato y continuó la carrera, al parecer lo estaban siguiendo. ENERO - JUNIO 2016 12 UANL �L _J Mijaela le pidió que se calmara y le propuso dividirse la tarea de revisar los diarios de los seis días anteriores para ver si encontraban algo al respecto. A quien le tocó leer el encabezado de la nota fue a Catalina, la relacionó de inmediato, pues decía: «La madrugada del domingo encontraron a un joven muerto en la calle Diez». Eso significaba que lo hallaron a tres cuadras de la avenida Trece, minutos después timbró el teléfono, era Mijaela para decirle que nada había encontrado. Catalina le respondió lo mismo, le agradeció y le pidió que no se preocupara, que pensándolo bien, era una tontería creer que un empujón tan leve provocara resultados tan graves, que lo mejor sería olvidar el asunto. Al colgar, fue con Florentino, necesitaba hacer algo pronto. El primer pensamiento después de enterarse que ese joven murió, fue huir, por eso no le contó sobre la nota a su amiga. Después pensó que nadie la había visto, de lo contrario ya la hubieran localizado, entonces consideró la opción de quedarse en la ciudad. No cesó de beber café, de fumar ni de pensar. Decidió buscar a la familia de ese hombre y confesarlo todo. Fue a la pantalla de nuevo, para ver si proporcionaban algún dato de ellos en la nota, y al leerla de principio a fin se dio cuenta de que a ese joven, la muerte se la había provocado otra persona que no huyó y que declaró que el muchacho se le había atravesado y no alcanzó a detenerse. Liberada de toda culpa y sintiéndose una tonta, se alejó de la computadora y regresó a las cartas extendidas con el motivo principal, el de comprobar que su amor por Vladimir no era más que el efecto de un hechizo. Se concentró en eso y no encontró señal alguna de brujería en la lectura. Lo que sí encontró, fue su regreso. Específicamente, las cartas le decían que Vladimir volvería a su lado y con propuesta de matrimonio. Catalina se puso histérica, les gritó mentirosas, se sintió una ingenua y una imbécil, les dijo que ya era suficiente, que la estaban volviendo loca con una muerte en su consciencia y ahora esto. Les aclaró haber acudido a ellas, buscando una solución para arrancar a Vladimir de su ser, que sólo quería comprobar la existencia del muñeco vudú y contrarrestar el hechizo. Pero sintió que se burlaron de ella, después de todo, sigue creyendo que existe algo sobrenatural que la ata a Vladimir; sin embargo, comprendió bien el mensaje y está de acuerdo con lo que le revelan. Definitivamente, es preferible vivir con más de cien alfileres clavados en el corazón, que con una muerte en la consciencia. Se despidió de su baraja española, volvió a cubrirla con el lienzo rojo y la llevó a su sitio. Al día siguiente recibió una llamada por celular de uno de sus colegas que le hablaba desde el hospital, para informarle la suspensión del ensayo en la orquesta, debido al accidente sufrido por el director al resbalar de las escaleras de su casa y fracturarse la cabeza. El accidente lo había dejado en estado de coma y todos los de la orquesta iban para allá. Catalina, llegó de inmediato al hospital. Los compañeros la dejaron pasar a verlo a solas, no podía creer lo que estaba sucediendo, sus lágrimas no paraban. Pensó que Mijaela tenía razón; Franco era el hombre perfecto para ella, llegó en el momento exacto, la acepta tal como es, la admira, la desea, la trata con cariño y nunca la lastimaría como Vladimir, quien cada día encontraba una nueva forma de herirla. ENERO - JUNIO 2016 13 UANL �L _J Al verlo en cama, inconsciente, casi perdido, decidió esperar allí hasta que despertara para decirle que ya no tenía nada más que pensar, que quería amarlo para siempre. Y en ese momento, las Catalinas que habitan dentro de ella: la loca y la sensata, se propusieron infinidad de planes. Quisieron ser las únicas que lo hicieran llorar y que lo hicieran reír, cocinar para él, y con sus besos no dejarlo comer; velar sus sueños, y no dejarlo dormir; ser sus esclavas, pero también darle órdenes. Esta vez, no tuvieron que planear ser las ladronas de su apellido, porque a él, nunca le faltó valor para ofrecérselos. Mientras tanto, Florentino-quien fue el único en presenciar a su adorada interpretando con excesiva fijación el pasado, cuando en realidad las cartas no le anunciaban más que su presente- la aguardaba en casa, como siempre, amoroso. ENERO - JUNIO 2016 14 UANL �L _J 7 Baraja española Romances de una cellista ~ Catalina y Florentino J= 70 adagietto Brenda Elizondo misterioso :h'\1p.J r t= 1Ff F IF f Ff I fCT F Vio/once/lo 5 3 9 Ehi>1, r fJ .J f I r-====@==•! F 1.J @;J J 1 12 3 16 molto espressivo & fJ.J r r IJ ~P1, @1 J w aJ 11 .o I J .J r r 1 J 21 &~ J ü IJ J J J IJ )J OILO .@I &~ =J 8 e b J. ; ¿,; 1 ,~PI, J J~J@.tl@}I J. * J J J Ji J j 1'1, 25 1'1, ( 1 I 28 1 piacévole ;1=¡ F 1 =====~=~mf ENERO - JUNIO 2016 15 UANL í �L _J 7 DR. DAVID JOSUÉ ZAMBRANO DE LEÓN N ueva Orleans se puede percibir como parte de los Estados Unidos y a la vez removida de él. "Nola", como es llamada por sus pobladores, posee el sincretismo de sus habitantes pasados y presentes. Fundada por los franceses, administrada luego por los españoles y conquistada a inicios del siglo XIX por los americanos, con ese aire de ciudad europea con sus cafés con las mesas a la calle e infinidad de fachadas con balcones de hierro forjado, me hace sentir que no estoy en cualquier ciudad norteamericana. A parte de probar sus platillos como la Jambalaya y el Gumbo que combinan ingredientes europeos y del caribe, al conocer del voodoo, de los desfiles semanales en sus barrios y de lo elaborado de los trajes que se usan en el desfile del Mardi Gras, no se puede dejar de pensar en la gran influencia africana que permea la cultura de sus ciudadanos. ciudadanos a ese gran ideal Criollo, ideal que se puede definir como una mezcla de influencias hacia la búsqueda de algo mejor, en el caso de la música el resultado fue el Jazz. El jazz en sus inicios fue la convergencia de los ritmos complejos que provenían de los rituales religiosos del caribe, de los cantos llamados espirituales con raíces africanas y que se escuchaban en las iglesias, y de la música que se interpretaba en los cafés y en los bares. En esta ciudad multicultural en la que se puede apreciar el arraigo de gustos musicales diversos que van de la música culta que se practicaba en la privacidad de las casas de la burguesía y en los varios teatros de ópera que vieron el esplendor de este género musical, el jazz sigue siendo el plato fuerte que a muchos visitantes nos atrae y que nos permite completar la degustación en un sitio que brinda una variadísima oferta musical y que, por la belleza de sus coloridas construcciones de variadísimas formas en el distrito francés, puedo clasificar como la más europea de las ciudades norteamericanas. Además el hecho de vivir la magia de un estilo musical como el jazz, que lleva poco más de cien años de existir, no tiene precio. Visitar la ciudad de Nueva Orleans en el estado norteamericano de Louisiana, es una experiencia digna de vivir porque no necesita de una excusa para celebrar, por la fusión de culturas que se aprecia en la riqueza de su arquitectura, lo delicioso de su comida y lo maravilloso de su música, no olvidemos que el Jazz nació aquí. Nació por la aspiración de sus ENERO - JUNIO 2016 16 UANL í �L _J 7 Una de las noches que pasé allá tuve la oportunidad de asistir a un lugar llamado "The Spotted Cat Music Club", bastante conocido en el ámbito del jazz por ser el foro en el que se presentan las bandas y los ensambles de mayor calidad en la ciudad. Es un destino internacional para los amantes de este género musical y está en el corazón del distrito conocido como el Faubourg Marigny, en la Frenchmen Street, calle que cuenta con una gran cantidad de lugares en los que se presentan grupos en vivo y que, en mi opinión, está en condiciones mucho más pulcras que la muy conocida Bourbon Street. Aquí uno se topa con turistas norteamericanos y de muchas otras nacionalidades y ocasionalmente, celebridades, según lo anuncian las guías turísticas. La verdad es que en el "Cat Club", como se le conoce localmente, sí se disfruta de una atmósfera fantástica de música y se percibe un dejo de la vieja Nueva Orleans, en la que el buen jazz y algo de beber hacen que la noche resulte una experiencia inolvidable. Para acceder no se paga entrada y el compromiso es el de consumir una bebida del bar. Maria es la responsable de haber reunido a los músicos que colaboran en esta sensacional banda que busca revivir la música del auténtico estilo jazzzístico de inicios del siglo XX. Es una mujer de muchos talentos porque no sólo canta y toca la trompeta, sino que maneja las actividades de trabajo de la agrupación desde su casa, ubicada a unas cuadras del "Cat Club" en el Marigny, que comparte con su marido John Dixon, quien toca el banjo. Además de Maria y John, ella de Taranta y el del norte de Florida, la "Shotgun Jazz Band" la integran el galés James Evans en el clarinete y saxofón, Tyler Thomson, de Taranta también, en el contrabajo y el nativo de San Luis, Missouri, Charlie Hallaran en el trombón. La proveniencia de estos maravillosos músicos no puede ser más diversa y, sin embargo la música los une de una forma espectacular. La trayectoria de esta banda ha sido como su música, variada y de calidad pues se han presentado en los foros más representativos de Nueva Orleans como el Mercado Francés, el Jazz Fest y el Satchmo Summerfest, manteniéndose siempre fieles a su sitio base que es el "Cat Club". No se puede concebir a Nueva Orleans sin su música en vivo. Casi cada noche de la semana se encuentra algo para cada gusto. Hay blues, brass band, country, Dixieland, zydeco, que es la música cajún bailable, rock y jazz. Definitivamente, el jazz interpretado por la "Shotgun Jazz Band" que atestigüé en "The Spotted Cat Music Club", con esa mezcla de músicos y el sonido tan característico que realizan juntos y que demuestra su predilección por trozos musicales sensuales y muy emparentados con el blues, me transportó mentalmente a los salones de baile de principios del siglo pasado en esta ciudad cosmopolita. En sus interpretaciones y la selección de obras como "lt's raining in my heart", "Washington and Lee Swing" y "Cilmax Rag", entre otras que escuché en aquella velada, se notó una afinidad más allá de lo imaginable por el jazz tradicional de Nueva Orleans que permanecerá en mi mente por mucho tiempo. La banda que escuché aquella noche lleva por nombre "Shotgun Jazz Band" y tiene una historia que vale la pena comentar dado que después de varios álbumes, algunos cambios y la benéfica transformación de Ragtag Street Band a músicos de club y ejecutantes en festivales, esta agrupación encontró el lugar al que pertenece. Al escucharlos tocar en vivo es bastante notorio que su alma y corazón es Maria Dixon, con una voz de gran volumen y de textura deliciosamente instrumental, que logra atraerte y mantenerte atento como si de percibir cómo emana el sonido de un gramófono se tratara. Ella inició sus andanzas en la música tocando en el Mercado Francés de la ciudad después de ser despedida de su empleo como diseñadora gráfica. Luego de un tiempo decidió invitar a su pareja a acompañarla. El entusiasmo de la gente que los escuchó por ese entonces los llevó a darse cuenta de que estaban haciendo bien las cosas. Y en una ciudad en donde se adquiere notoriedad por tocar en la calle se vieron obligados a crecer la dotación de músicos, para después recibir invitaciones a tocar como banda. ENERO - JUNIO 2016 17 UANL í �L _J 7 &;t cankJ; lf f u , ~ el1/ ...,..,~,.__~~~~-~· ..,...,,__.,,~ rúv 12 Lf Trabajo final para optar por el título e Licenciada en Música (Educación Musical) LIC. ANA CECILIA MARTÍNEZ ALANÍS 1ntroducción Mi propuesta está basada en el centro de interés melódico-auditivo bajo la premisa que afirma que el canto es el elemento primario de la música, ya que tiene un rol muy importante en los seres humanos debido a que es el único medio musical que integra texto y melodía. Al experimentar distintos métodos con los adolescentes de 12 y 13 años, puedo notar que la audición es la conexión que les permite desarrollar el oído para identificar notas, tonalidades y armonías, para finalmente reproducirlas y crear melodías. El canto y la audición, por tanto, son los recursos necesarios para desarrollar una experiencia y conocimiento musical más completo. Con fundamento en el método del pedagogo húngaro Zoltán Kodály (1882 - 1967) que enfatiza la consideración del " ... canto como base para la enseñanza musical general y como medio óptimo para el desarrollo del oído interno" (Colectivo de autores, 1999, p. 1303); así como en el método del pedagogo mexicano César Tort (1928 - ) señalando que la educación musical " ... será congruente con nuestra realidad si proporciona los medios para que los niños hagan y vivan la música, y al mismo tiempo para que vayan adquiriendo plena conciencia del arte musical" (César Tort, 1984, p. 7), busco desarrollar la audición y el canto en las y los adolescentes. Me baso en esto para realizar este proyecto como requisito parcial para la titulación como Licenciada en Música y Educación Musical, y sugiero una estructura de cuatro unidades. Las primeras dos constan de tres sesiones cada una y las últimas, de cuatro sesiones, sumando un total de catorce sesiones impartidas una vez a la semana para un grupo de quince adolescentes, cuatro alumnos y once alumnas, con previo conocimiento musical designado por el Departamento de Iniciación Musical de la Facultad de Música de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Objetivo general Sensibilizar musicalmente a las y los adolescentes de 12 y 13 años con previos conocimientos musicales mediante el canto y la audición con énfasis en lo melódico, con la finalidad de desarrollar un conocimiento auditivo, perceptivo y de ejecución a través de la voz para crear una experiencia emocional y de satisfacción artística dentro de su vida educativa. Objetivos específicos 1. Trabajar la audición y entonación en la y el adolescente por medio de melodías sencillas de repertorio clásico, popular y folklórico al unísono respetando el sentido de frases con el fin de desarrollar su oído. 2. Despertar en la y el adolescente el sentido de carácter, matices y dinámicas mediante su práctica en las canciones y obras destacadas del repertorio clásico, popular y folklórico con la finalidad de incrementar su sentido musical. 3. Desarrollar en la y el adolescente la calidad vocal mediante el canon y el trabajo en conjunto, diferenciando las tonalidades mayores y menores para prepararlos a crear sus propios motivos musicales. ENERO - JUNIO 2016 18 UANL í �L _J 4. Estimular a la y el adolescente a recurrir a la percusión corporal en el acompañamiento de sus propios cantos, por medio de ostinatti con el fin de independizar sus habilidades motrices, auditivas y de ejecución con la voz. Contenido por sesiones El contenido de mi propuesta está dirigida a adolescentes con previos conocimientos musicales. Este curso se divide en cuatro unidades que respetan los objetivos específicos mencionados en la página anterior. Las unidades 1 y 2 constan de tres sesiones cada una y las unidades 3 y 4 de cuatro sesiones cada una. Las clases tendrán una duración de 40 minutos, una vez a la semana. Las clases están seccionadas en 5 momentos sugeridos por Dankmar Venus en la compilación de la clase de Pedagogía 11 del Dr. David Zam brano, citado por Stern (2002): • Producción de música, que se divide en Composición e Improvisación. • Para los propósitos del presente proyecto, se decide llamarlo Improvisación. • Reproducción vocal e instrumental de música. • Recepción de música, escuchar música reproducida o no por el maestro • en presencia del intérprete o por medios técnicos. • Transposición en movimiento, representación verbal, escrita o plástica. • Reflexión sobre la clase o los elementos técnicos a desarrollar en la clase. El orden no siempre es el mismo, se manipula dependiendo de las necesidades de cada clase. Unidad 1: Entonación al unísono Objetivo: Trabajar la audición y entonación en la y el adolescente por medio de melodías sencillas de repertorio clásico, popular y folklórico al unísono respetando el sentido de frases con el fin de desarrollar su oído. • Sesión 1: A partir del género popular. • Sesión 2: En el folklore. • Sesión 3: Hacia la música de academia. Unidad 2: La personalidad de la música Objetivo: Despertar en la y el adolescente el sentido de carácter, matices y dinámicas mediante su práctica en las canciones y obras destacadas del repertorio clásico, popular y folklórico con la finalidad de incrementar su sentido musical. • Sesión 4: Tempo. • Sesión 5: Dinámicas musicales. • Sesión 6: Intercambio de tempo y dinámicas. Unidad 3: Tonalidad y canon Objetivo: Desarrollar en la y el adolescente la calidad vocal mediante el canon y el trabajo en conjunto diferenciando las tonalidades mayores y menores, para prepararlos a crear sus propios motivos musicales. • Sesión 7: Diferenciar tonalidades. • Sesión 8: Crear motivos musicales. • Sesión 9: Explorar el mundo del canon. • Sesión 10: Ensamblar canon. Unidad 4: Voz y percusión corporal Objetivo: Estimular al y el adolescente a recurrir a la percusión corporal en el acompañamiento de sus propios cantos, por medio de ostinatti con el fin de independizar sus habilidades motrices, auditivas y de ejecución con la voz. ENERO - JUNIO 2016 19 UANL �L _J 7 • • • • Sesión 11: El cuerpo como instrumento de percusión. Sesión 12: Percutir con el cuerpo al cantar. Sesión 13: Ostinatti: descubrimiento y creación. Sesión 14: Hacia el buen ensamble. Clase final para examen de titulación. Unidad 1: Entonación al unísono Sesión 1: A partir del género popular Objetivo de la sesión: Partiendo de la escala de Do Mayor para la realización de actividades con fonomimia y el desglose de una canción popular conocida, con el fin de que la y el adolescente ahonde en los grados de la escala para su entonación y señalización correcta. • Reproducción Duración: 1O minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro entona la escala de Do Mayor con ayuda de la fonomimia de Kodály pidiendo a los alumnos que lo sigan y relacionen el movimiento de la mano con la nota que simboliza. Lo repiten varias veces cantando la escala descendente, ascendentemente y de manera aleatoria según lo indique el maestro. • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se le pide a cada alumno que entone la nota que quieran con la señal de fonomimia correspondiente. Cada uno propone una nota para formar una frase con la ayuda del maestro. Es decir, si el primer niño entona do, el segundo mi, el tercero do, el maestro debe ayudarlos a entonar estas notas seguidas a manera de frases musicales. Lo importante es que las y los adolescentes se familiaricen con las posibilidades de la escala y fraseo, aunque al principio no sea el mejor resultado en cuanto a coherencia de progresiones de melódicas. • Recepción Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se les invita a escuchar con atención la canción "Yo soy tu amigo fiel" de la película Toy Story entonada por el maestro por medio de lalaleos y usando la fonomimia. Al terminar se les pregunta quién la ha escuchado y se intercambian experiencias entre los alumnos y el maestro. ENERO - JUNIO 2016 20 UANL í �L _J 7 Yo soy tu amigo fiel ToyStory Yo oy cua mi g fi l. _ y iun di n_ yo oy cua mi go fi l._ 6 , . . )u7pJfr4 □ JUJJJ fJ1JtJ' 1Dpr.fJJ 1 * tu teen uen era le_ /O J .J J J fil cu r da ue y oy_ j s muy Je_ jo de tu lin doh gar._ Cie rro lo n J,J :w 1 1 oW FJ JiJ. cu , mi go fi el. _ í yo_ oy cu, mi go lf jo y r 11 fiel • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Las y los adolescentes cantan con el maestro la canción sin letra y con fonomimia un par de veces. El instructor les pide que la canten con el nombre de las notas realizando los gestos manuales hasta ahora realizados. Con la guía del maestro van descifrando las notas que forman la canción por partes hasta completarla. Finalmente, la entonan con letra siguiendo la fonomimia de la canción. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro les comenta que es muy fácil crear melodías al sabernos las notas de la escala. Les invita a hacer ese ejercicio en su casa, prestando atención a la música que escuchan y tratar de seguir su melodía con altura de notas y lo realizado en clase. Criterios de evaluación: 25% Asistencia y disciplina. 25% Memorización de escala Do Mayor con fonomimia. 25% Participación activa y oportuna. 25% Disposición para la improvisación. Sesión 2: En el folklore Objetivo de la sesión: Que la y el adolescente exploren el fraseo, diseño rítmico y melodía por medio de la canción folclórica asignada por el maestro, con el propósito de desarrollar una mayor musicalidad al momento de interpretar la música identificando el sentido de frases. • Recepción Duración: 5 minutos. Recursos: Piano. Actividad: El maestro les pide poner atención a la canción "Naranja dulce" que entonará para ellos y marca el pulso con sus palmas en las rodillas. Las y los alumnos imitan esto después de haberla escuchado completa. Esto para estimular la atención y retención de pasajes musicales cortos en el y la adolescente. ENERO - JUNIO 2016 21 UANL í �L _J 7 Naranja dulce dul e , h món p, r 1i do, da m un a b z que · ce pi do. i fu •n 10 ño \ ra, que _a me \ 'O •. A d1ó. s ño ra, que va me ,•o •. • Reproducción Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Todos reproducen la canción un par de veces mientras marcan el pulso con las palmas en las rodillas. Después el maestro pide que con los pies golpeen el piso para marcar sólo el acento. Por último, la vuelven a cantar pero aplaudiendo el diseño rítmico de la letra de la canción. Es decir, separándola en sílabas al ritmo de la melodía. Se dividen en tres grupos, uno marca el pulso, otro el acento y otro el diseño rítmico, mientras todos cantan la misma melodía. • Transposición Duración: 15 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Las y los adolescentes deberán realizar un movimiento con la mano formando un arco en el aire para señalar el inicio, desarrollo y final de una frase. De esta manera, se darán cuenta del número de frases que contiene la canción. • Improvisación Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro pide a un adolescente que improvise una frase musical pequeña y todos la repiten. Esta actividad se realiza con distintos alumnos para reforzar la capacidad creadora y el desenvolvimiento musical. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se les explica que la música tiene frases, así como cuando hablamos y decimos una oración. Todas tienen acentos, ritmo y desarrollan una pequeña idea. Al formar varias frases pequeñas podemos crear una idea más grande como en un párrafo. De esta manera ocurre también en la música y es importante que sepamos usarla a nuestro favor. Criterios de evaluación: 25% Asistencia y disciplina. 25% Memorización de canto y correcta entonación. 25% Participación activa y oportuna. 25% Correcta separación de frases. - ~---- ENERO - JUNIO 2016 22 UANL í �L _J 7 Sesión 3: Hacia la música de academia Objetivo de la sesión: Educar la audición y entonación de las y los adolescentes por medio de la exposición de música para piano, con el fin de poder discernir cada frase musical de las obras. • Recepción Duración: 5 minutos. Recursos: Piano. Actividad: El maestro invita a escuchar con atención la melodía en el piano de "Down South" del compositor Christopher Norton. Al tocarla, deberá respetarse el sentido de frases para que las y los adolescentes comiencen a identificarlas. J- Down South 112 Christopher Norton ~ 7 13 - -~ rit. _ I f.¡...,,, • Reproducción Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro lalalea la pieza de frase en frase, y entre cada una de ellas, se les pide a los alumnos que la reproduzcan por medio de eco. Es decir, el profesor entona una frase y los alumnos la repiten, esto hasta haberla cantado completa un par de veces. Reforzar una vez más en unísono, sin eco. • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se forma un círculo y se camina alrededor respetando el pulso de la pieza en una frase. En la siguiente, se rompe el círculo y cada quien camina libremente (siempre realizando los pasos conforme al pulso). De esta manera, una frase se hará caminando todos alrededor del círculo y la otra, de manera separada. • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se forman grupos en los cuales uno comienza lalaleando la primer frase, el otro la segunda, y así por el resto de la pieza, tratando que suene sin pausas y lo más fluido posible. Se les pide también que mientras cantan realicen un movimiento de acuerdo a la frase. Es decir, si la frase es larga, se deberá hacer un movimiento grande. Y si es pequeña, se realizará un movimiento corto. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. ENERO - JUNIO 2016 23 UANL í �L _J 7 Actividad: Se hace énfasis a que la música es un lenguaje que tiene frases, tonos e ideas que pueden expresar muchos pensamientos y gracias al dominio de la música. Criterios de evaluación: 25% Asistencia y disciplina. 25% Memorización de melodía. 25% Correcta separación de frases y participación. 25% Disposición para improvisar los movimientos. Unidad 2: La personalidad de la música Sesión 4: Tempo Objetivo de la sesión: Que las y los adolescentes puedan identificar los principales tempos usados en la música por medio de algunos fragmentos de la obra "Cuadros de una exposición" y de una canción del repertorio folclórico, con la finalidad de poderlo implementar al canto. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: Tarjetas grandes para el maestro de los distintos tempos con su respectivo dibujo: Adagio (tortuga), Andante (gato), A/legro (caballo), Presto (colibrQ. Actividad: El maestro expone que en la música cada canción y obra tiene su tempo. Éste puede ser de muchas maneras pero los principales y más usados en la música son: Adagio, Andante, A/legro y Presto (de más lento a más rápido); además existen dos "aliados" del tempo que les ayudan a comunicarse entre todos: Rítardando y Accelerando. • Recepción Duración: 5 minutos. Recursos: Tarjetas como las del maestro pero más pequeñas con los tempos (un paquete para cada alumno), grabadora, grabación de los "Cuadros de una Exhibición" de Modest Mussorgsky: "Catacombas" para Adagio, "Promenade" para Andante, "Baba-Yaga" paraAllegro y "Mercado de Limones" para Presto. Actividad: El maestro entregará un paquete de tarjetas a cada alumno y pondrá un fragmento de "Catacombas" en la grabadora y los alumnos levantarán la tarjeta del tempo correcto. Esto lo repiten con cada pieza en orden progresivo. Es decir, primero se pone la de Adagio, luego Andante, A/legro y por último, Presto. • Reproducción Duración: 1Ominutos. Recursos: Tarjetas grandes con tempo. Actividad: El maestro pide que canten ''Aram sam sam" con el tempo que muestra en la tarjeta. Si muestra la de Andante, se debe cantar de esta manera. Luego mostrar otra diferente y así sucesivamente hasta cantarla con distintos tempos. Es importante hacer uso del Ritardando y Accelerando también. Aram sam sam • = 120 r:1m am mm imm t•m , nm, A ram ·nm am, G1,1 h g1,1 li gu li gu 11 g1,1 h ra m , am ~:un. mm ,fün •t•m, Gu li gu li gu Ji gu Ji gu li mm am ·am . A rn fi, a !O ni fi, u li gu li gu Ji gu li gu li r'Jm am ~am . ra fi, a .,, rn ENERO - JUNIO 2016 fi, Gu li gu li gu Ji 24 gu li gu li ram arn arn . UANL í �L _J • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: Tarjetas grandes con tempo. Actividad: Se le pedirá a un alumno voluntario que sea un director y los demás del grupo serán el coro. El maestro le mostrará una tarjeta al director en cada frase de la canción y éste conducirá al coro conforme al tempo asignado. Por ejemplo, en la primera frase el profesor saca la tarjeta con el tempo Presto y el director debe conducir para que se cante de esta manera con respecto al movimiento de sus manos. Todo esto tratando de no tener pausas entre frases y hacerlo fluido sin detenerse. Se hace con todas las tarjetas. Al final puede cambiarse de director y elegir a otro alumno. • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se sientan en círculo y el maestro repasa las notas do, mi, sol y la con la fonomimia de Kodály. El profesor comienza a golpear sus rodillas con las palmas marcando un pulso. Después de que todos lo hacen bien, identificando el pulso que se busca, el maestro comienza con una pequeña frase de cuatro tiempos y todos la repiten en eco. Luego le pide al alumno de su derecha que entone otra frase de cuatro tiempos y todos la repiten en eco. Esto hacen todos los alumnos conforme llega su turno. Criterios de evaluación: 25% Asistencia y disciplina. 10% Memorización del canto. 15% Diferenciación correcta de tempos. 25% Participación activa y realización de actividades. 25% Disposición para improvisar. Sesión 5: Dinámicas musicales Objetivo de la sesión: Reconocer las distintas dinámicas de la Sinfonía #5 de Beethoven mediante la escucha activa, con el propósito de obtener una herramienta más para interpretarla de manera vocal en canciones populares. • Recepción Duración: 5 minutos. Recursos: Grabadora, grabación del primer movimiento de la "Sinfonía #5" de Beethoven. Actividad: El maestro pide distinguir las distintas dinámicas en la obra de Beethoven y encontrar los momentos donde se toca de manera Piano, Mezzopiano, Mezzo-forte y Forte, así como los conceptos de Diminuendo y Crescendo. Al escucharla intercambian conclusiones de las dinámicas. • Reproducción Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se ponen de pie viendo de frente al maestro, éste les indica agarrarse las rodillas con las manos y marcar un pulso constante dando un paso adelante con la pierna derecha, luego hacia atrás; después la pierna izquierda hacia delante y luego atrás. Es decir, se da un paso adelante con la pierna derecha, atrás, pierna izquierda adelante, atrás, pierna derecha adelante, atrás ... y así sucesivamente. Al haberse entendido este movimiento, se comienza a cantar "Si tu puerco engorda" con el pulso marcado con los pies. En las partes marcadas en la partitura, se aplaude. ENERO - JUNIO 2016 25 UANL �L _J 7 Si tu puerco engorda z ru Si u r .; n ROr da h 7. 1 , :t 1 a 7. r. n pla u <;. 07. lll ,\ pi, ni ,l :1 1 1 Hl ., ll 07. E 11 pi l1 , oink m · uink. in· , uin· . 1e!. tú , r do, haz IUL1 dd •a zur. ie · Lá plau 11 z mk Apl m k, U!. ENERO - JUNIO 2016 26 UANL í �L _J • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se les pide que entonen la canción en dinámica Piano, de manera seguida se entona Mezzo-piano, luego Mezzo-forte y Forte. Es importante que al cantar con dinámica Piano, se respete también el volumen de los pasos y los aplausos, esto para ser coherentes con lo que cantamos y hacemos de ritmo. Se puede realizar también de manera contraria, es decir, si el maestro canta una frase en dinámica Piano, los alumnos deberán entonarla en Forte. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se les explican que las dinámicas en la música nos ayudan a reforzar el mensaje que queremos transmitir. Además, esto hace más variada e interesante a la música y puede transmitirnos más emociones. • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: Objeto para esconder. Actividad: Se le pide a un alumno voluntario que se salga del salón. El maestro esconde el objeto dentro del aula y pide a los demás alumnos que canten una nota (puede ser do, mi o sol). Al acercarse el adolescente voluntario al objeto, cantarán la nota en Forte y al alejarse en Piano. Conforme se vaya acercando se puede hacer un Crescendo y al alejarse un Diminuendo. Criterios de evaluación: 25% Asistencia y disciplina. 25% Memorización del canto. 25% Participación activa y realización de actividades. 25% Disposición para improvisar. Sesión 6: Intercambio de tempo y dinámicas Objetivo de la sesión: Con la finalidad de reforzar el aprendizaje del tempo y dinámicas, así como comprender el efecto que tienen éstos sobre la música y las emociones humanas, las y los adolescentes intercambiarán tanto el tempo como las dinámicas por medio de juegos a distintas canciones. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El tempo y las dinámicas son elementos de la música que ayudan a que suene más completa. Gracias a ellos podemos expresar mejor nuestras ideas a través de la música y permitirnos representar emociones. Si cambiáramos de tempo y dinámicas, el sentido de las canciones u obras sería totalmente diferente. • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: Tarjetas con el nombre de una emoción (felicidad, tristeza, enojo, angustia, etc). Actividad: El maestro divide a los alumnos equitativamente en cuatro grupos. A cada uno se le asigna una tarjeta con una emoción escrita. Cada equipo cantará "Martinillo" apoyándose del tempo y dinámicas que mejor les ayude a transmitir la emoción que les tocó. Es necesario que se les den unos minutos para platicarlo entre ellos y ponerse de acuerdo. • Reproducción y Reproducción Duración: 15 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Cada grupo presenta "Martinillo" con el tempo y dinámicas alteradas al criterio de cada quién, dependiendo la emoción que les tocó. Al terminar, el resto del grupo intenta adivinar la emoción que quisieron transmitir. Esto lo hacen todos los equipos. Mientras unos reproducen la canción, otros son receptores de la misma. Es por eso que estos dos momentos están ocurriendo simultáneamente. ENERO - JUNIO 2016 27 UANL �L _J 7 Martiníllo Mur ti ni 11 . ¿ d n. • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se forma un círculo y se forman parejas que se ponen una frente a otra. Se les enseña la canción "/ /et her go go" con movimientos en tempo Adagio y conforme el maestro lo decida cambiará de tempo. Con el fin de relajar a los alumnos y que se escuchen unos a otros para adecuar el tempo con respecto a la indicación. I /et her go go oz { I lec her g li:t g h r plau o J oz I l 1 ye1 T I r her go, r l I her go go go. T k1 her plaurn Criterios de evaluación: 25% Asistencia y disciplina. 25% Memorización de los cantos. 25% Participación activa y oportuna. 25% Disposición para realización de actividades. Unidad 3: Tonalidad y canon Sesión 7: Diferenciar tonalidades Objetivo de la sesión: Las y los adolescentes podrán identificar y diferenciar la tonalidad Mayor de la menor por medio de la obra "Wild Horseman" y de una canción escrita especialmente para el aprendizaje del tema, con el propósito de mejorar su audición y darles más herramientas para la construcción de sus propias melodías. • Recepción Duración: 5 minutos. Recursos: Piano. Actividad: El maestro les entona la primer parte de "El conductor" y todos ponen atención para repetirla como en eco y aprenderla más rápido. ENERO - JUNIO 2016 28 UANL í �L _J 7 El conductor Manuel Betanzos Jiménez t., El con du tor dt e ·e tren ,,a ma ne hin do lo por la ciu dad. Rá pi doa van "ª el 6 1ren, rá pi d qu1e lle gar. t r r JO •.1 rá p1 d V u 8 ca ta él qu1e r lle gar • Reproducción Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se canta marcando con aplausos el tiempo de 6/8 (corcheas) en la parte de la tonalidad Mayor, mientras que al cantar la parte de la tonalidad menor, marcan sólo el acento (dos golpes por compás, negra con puntillo) con un golpe de un pie en el suelo. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro explica que cada tonalidad es diferente auditivamente y se intercambian ideas sobre la calidad del sonido de las tonalidades. • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: Grabación de "Wild Horseman" compuesta por Robert Schumann, pañuelos. Actividad: Se les reparte pañuelos y al escuchar la obra se realizarán movimientos en el aire como si estuvieran pintando libremente. Cuando cambie a la tonalidad menor, se deberá hacer movimientos con los pañuelos en el suelo agachados. De esta manera se resalta la idea de diferencia de tonalidades. • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: Grabación de "Wild Horseman" compuesta por Robert Schumann, pañuelos. Actividad: Se pide a las y los adolescentes que creen dos movimientos para marcar la distinción entre tonalidades de la obra pidiéndoles que plasmen con el cuerpo diferentes ideas. Se pasa al frente a varios adolescentes para que demuestren sus creaciones corporales. Criterios de evaluación: 25% Asistencia y disciplina. 25% Entonación fluida y adecuada. 25% Participación activa y realización de actividades. 25% Disposición para crear e improvisar. Sesión 8: Crear motivos musicales Objetivo de la sesión: Ayudar a las y los adolescentes a componer sus propias ideas haciendo uso del cambio de tonalidad mediante la canción de "El juego de los patos" aprendida en la sesión, con la finalidad de despertar su creatividad y fluidez musical. ENERO - JUNIO 2016 29 UANL í �L _J 7 • Recepción Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Las y los adolescentes forman un círculo y el maestro entona "El juego de los patos" mientras éste marca el pulso aplaudiendo. Al cambiar a la tonalidad menor, marcan el ritmo de una blanca (dos tiempos) juntando las palmas con las palmas de los dos compañeros que tienen al lado. Es decir, la mano derecha choca con la mano izquierda del compañero que tiene a su derecha, y la mano izquierda choca con la mano derecha del compañero que está a su lado izquierdo. El juego de los patos E/da Nelly Treviño ri n IJWWWJJ I JJJJ J A LO do lo pa to le gu ta na lar· con u · do · pa ti ta le: · gu La ju gar. D .C. to d 1 ~ pa L le gu · ta fü1r; que: mc:n m ¡ui LO· pa ,.i me: r n dar. • Reproducción Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Después de haberla escuchado por el maestro, los alumnos cantan completa la canción realizando los ademanes explicados en el momento anterior. Se repite esto varias veces hasta quedar bien aprendida en su totalidad. • Improvisación Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro entona una pequeña frase musical usando la fonomimia y pide a los alumnos crear otra frase que concluya la idea cantada. Cada adolescente tendrá distintas frases y es necesario que se escuchen varias de ellas para que los que están un poco indecisos comprendan que no hay respuestas correctas ni incorrectas, sólo la creación de cada quién. • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: Hojas pautadas, lápices. Actividad: Se les pide que todos escriban en un pedazo de hoja, las notas de la frase entonada por el maestro y la creación de ellos. Así como añadir dinámicas, tempo y demás elementos que deseen para dar a entender lo que quieren comunicar. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro les reafirma la teoría de las frases, lo que significan y su utilidad. Se enfatiza que a veces cuando no se termina una frase, se puede suponer en qué terminará. Se vuelve a enfatizar la importancia de la música para transmitir distintas ideas. Criterios de evaluación: 25% Asistencia y disciplina. 25% Entonación correcta con fonomimia. 25% Participación elocuente. 25% Transposición en papel de su creación musical. ENERO - JUNIO 2016 30 UANL í �L _J 7 Sesión 9: Explorar el mundo del canon Objetivo de la sesión: Apoyar a las y los adolescentes en la exploración de la armonía y melodías paralelas mediante el canon ':Jimbajamba" con el propósito de independizar la audición y el canto. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se les explica lo que es el canon, sus ventajas y su procedimiento. Se enfatiza que primero entra un grupo, luego en la siguiente frase entra el otro, hasta terminar en perfecta armonía y crear una melodía muy rica en elementos. Esta es una técnica que ayuda a que nuestro canto suene más trabajado y estimular nuestro canto y audición. • Recepción y Reproducción Duración: 15 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Las y los adolescentes escuchan la canción ':Jimba, jamba" entonada por el maestro dividida en frases a manera de eco. El profesor canta una frase, luego las y los adolescentes la repiten. Esto se hace hasta aprenderla en su totalidad y poderla cantar sin interrupciones. Jimba, jamba 2 :l f f ¡JUJU r f 1:J :l f f ¡JJJJ J ba iim ba, Tra la la la la la la, 1im ba pa pa ju ka jim ba pa pa jus ka, jim ba, jim ba tra la l:1 la la la la, jim ba pa pa gei. jim b:1 pa pa gci! Hcy! • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se acomodan todos en círculo. El maestro inicia realizando un patrón rítmico de cuatro tiempos con las palmas, pies o cualquier parte del cuerpo. Después le pide al alumno de su derecha que invente uno él usando distintas figuras y partes del cuerpo. Después hace lo mismo el que está al lado derecho del alumno y así hasta que todos realicen un patrón de cuatro tiempos con el cuerpo. • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se eligen algunos patrones rítmicos para implementarlos a la canción "Jimba, jamba" y se vuelve a cantar ésta varias veces con las creaciones de los alumnos en forma de canon a dos voces. Criterios de evaluación: 25% Asistencia y disciplina. 15% Entonación correcta. 10% Independencia de los sentidos al realizar el canon. 25% Participación activa y oportuna. 25% Disposición para improvisar. ENERO - JUNIO 2016 31 UANL í �L _J 7 Sesión 1O: Ensamblar canon Objetivo de la sesión: Que las y los adolescentes ensamblen un canon completo con percusión corporal sencilla mediante la melodía de "Banaha" con la finalidad de acostumbrar al adolescente a tener independencia motora, auditiva y melódica. • Recepción y Reproducción Duración: 15 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro entona el canto de "Banaha" una vez y pide a los alumnos que canten con él la segunda vez, intentando aprendérsela. Solamente entona la melodía, sin ademanes ni elementos de percusión. Se entona al unísono la canción varias veces. Puede recurrirse al eco. • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se les pide crear un gesto percutivo (aplauso, chasquidos, golpes, etc.) para implementar en la canción. Cada alumno expone su idea, se puede hacer el gesto marcando el pulso, acento u otro ritmo, dependiendo la creatividad de las y los adolescentes. Se adhieren a la canción algunas de las ideas de los alumnos. • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se canta una vez más pero haciendo los movimientos originales respectivos de la canción y a tres voces. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se recuerda la importancia del canon, sus elementos, entre otros datos importantes. Se intercambian ideas sobre el canon y la música. Banaha 1 ne la du_ Ba na ha ha H:1 nn I' r . D. . ha ya k 1 ne la d 1._ Ba na ha l'er . Criterios de evaluación: 20% Asistencia y disciplina. 20% Realización de percusión corporal. 15% Entonación correcta y memorización del canto. 15% Independencia motora. 15% Participación activa y oportuna. 15% Disposición para improvisar. ENERO - JUNIO 2016 32 UANL í �L _J 7 Unidad 4: Voz y percusión corporal Sesión 11: El cuerpo como instrumento de percusión Objetivo de la sesión: Proporcionar a las y los adolescentes las herramientas que permitan el conocimiento y reconocimiento de su cuerpo como instrumento de percusión mediante el uso de ejercicios y activaciones con cantos, para la estimulación de su capacidad e independencia motora. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro les explica a los alumnos que su cuerpo es una caja de sonidos y que con él podemos crear nuevos ritmos también, al igual que con cualquier otro instrumento. Con él podemos explorar la voz, la audición y la percusión también. Podemos chasquear, gritar, golpear, sobar, aplaudir, etc. • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se forma un círculo para que todos se vean y se les propone improvisar sonidos con el cuerpo, todos los que se les ocurra. Todos van a tener un turno y no pueden repetir un sonido que ya hayan hecho, por tanto, deben ser lo más creativos posible. • Transposición Duración: 15 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se les invita a realizar patrones rítmicos que podrán implementar en cualquier canción que tenga la misma métrica. Se enseñarán cuatro patrones distintos, todos lo aprenderán al mismo tiempo. Luego, al haberse aprendido los cuatro, se pueden hacer grupos y que cada uno haga ritmo distinto. Riuno 1 Rnmo2 Ritmo 3 • Recepción y Reproducción Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Escuchan al maestro entonar la canción de "Un aldeano en la montaña" y la reproducen. La letra de esta canción cambia cada vez que se canta y se inventa una onomatopeya. Se les pide a los alumnos que cuando llegue la oportunidad de crear un sonido, cada uno de ellos hará lo que se les ocurra para implementarlo en el canto. En la partitura se muestra que la nota de abajo se puede marcar en la parte inferior del cuerpo (pies, rodillas ... ), la de en medio con la parte media del cuerpo (pecho, estómago ... ) y la superior puede ser chasquido de dedos o en la cabeza. ENERO - JUNIO 2016 33 UANL í �L _J 7 Un aldeano en la montaña P~rcu ión 6 un u u u JI cu cu cu cu H Criterios de evaluación: 20% Asistencia y disciplina. 20% Realización de percusión corporal. 15% Entonación correcta y memorización del canto. 15% Independencia motora. 15% Participación activa y oportuna. 15% Disposición para improvisar. ENERO - JUNIO 2016 34 UANL í �L _J 7 Sesión 12: Percutir con el cuerpo al cantar Objetivo de la sesión: Que las y los adolescentes aprendan a percutir patrones rítmicos con el cuerpo mediante el uso de cantos para tener independencia tanto motriz como auditiva y en la ejecución con su voz. • Recepción Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro entona "Do re mi" de la película La novicia rebelde. En ella se usan las notas de la escala de Do Mayor lo cual se presta a recordar este tema y reforzarlo. Do re mi La novicia rebelde za la le cción. 3 e fo cil e Re e r dan do la can ción. Mi, s1 al go 6 lU y e~. n l r. q ue siem re do o 1 r. 11 La, ve la no taan te del mo. con el do. i. can ta jun toa Si. D re mi fo . 1 l. ~• d mi. ol do. • Reproducción Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Todos los alumnos la cantan e intentan aprenderla de manera rápida. La cantan varias veces para poderla memorizar. Se debe pedir que implementen dinámicas para su mejor ejecución vocal. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro hace una breve reflexión sobre la importancia de conocer la escala, el uso de dinámicas y demás elementos vistos en las unidades anteriores. • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se les recuerdan los patrones rítmicos realizados en la sesión anterior y se les pide implementarlos en la canción "Do re mi" de manera libre, es decir, que cada quien haga cualquiera de los cuatro patrones mientras cantan de nuevo la canción. • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: vasos desechables. Actividad: Se les invita a sentarse en círculo en el suelo de manera cómoda para realizar un juego llamado "Cup game". En éste se realiza un patrón rítmico con los vasos de manera constante mostrado en la partitura. Los vasos se ponen "boca abajo" enfrente de cada persona. Se repite constantemente la figuración escrita en la partitura. ENERO - JUNIO 2016 35 UANL í �L _J 7 Criterios de evaluación: 20% Asistencia y disciplina. 20% Realización de percusión con vasos. 25% Entonación correcta y memorización del canto. 20% Participación activa y oportuna. 15% Disposición para improvisar. Sesión 13: Ostinatti: descubrimiento y creación Objetivo de la sesión: Con el propósito de despertar la facilidad creadora de ritmos en las y los adolescentes, se desarrolla el descubrimiento y la creación de ostinatti mediante su incorporación en obras de música orquestal. • Reproducción Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro entona por frases la canción de "La perdíz" con el uso de fonomimia. En cada frase se detiene para que los alumnos la repitan en eco. Esto se hace varias veces hasta aprenderla toda de principio a fin sin detenerse. La perdíz Edgar Willems t) Do re 1111 la per-diz. Do si ta vol-t - rJ, 1111 fa sol yJ 'i,,'O• ló, si I sol su co -/or, fa 1111 re me que- dé. mi re do só-lo yo. la o/ fa • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se les pide a las y los adolescentes que la canten de nuevo pero en tonalidad menor. Se intercambian ideas sobre los elementos que necesitan cambiar para que suene en tonalidad menor. • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se les invita a reflexionar sobre los distintos patrones rítmicos que se pueden implementar en todas las canciones. Se les indica que primero deben crear un ritmo que sea propicio para ese compás y subdivisión. No se pondría un ritmo en 3/4 si la canción estáen4/4. • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: vasos desechables. Actividad: Se realiza de nuevo el patrón rítmico realizado en el momento de transposición de la clase anterior. Se refuerza el ritmo y se incrementa la velocidad. • Recepción Duración: 5 minutos. Recursos: Grabadora, vasos desechables, grabación de ''The Washington Post" del compositor John Philip Sousa. ENERO - JUNIO 2016 36 UANL í �L _J Actividad: Las y los adolescentes realizan el mismo patrón rítmico pero ésta vez con la grabación de "The Washington Post". La obra se escucha de fondo mientras ellos hacen el ritmo con los vasos de manera que queda en perfecta sincronía. Criterios de evaluación: 20% Entonación correcta y memorización del canto. 20% Transposición correcta en tonalidad menor. 15% Participación activa y oportuna. 15% Disposición para improvisar. 15% Empleo adecuado del ritmo con vasos. 15% Asistencia y disciplina. Sesión 14: Hacia el buen ensamble Clase abierta para examen de titulación Objetivo de la sesión: Integrar en una misma clase los objetivos alcanzados durante todo el curso mediante cantos que modulen a la tonalidad menor, usando dinámicas y tempo, realizándolos en canon y haciendo uso de la percusión corporal, con el fin de demostrar y comprobar la independencia motora, auditiva y de ejecución de voz en las y los adolescentes. • Improvisación Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Entonan la escala de Do Mayor con fonomimia al unísono y después, se dividen en cuatro grupos para cada quien quedarse en una nota del acorde de Do Mayor. A la indicación del maestro, se cambia el acorde a tonalidad menor y después vuelve a tonalidad Mayor, siempre tomando en cuenta las dinámicas que se pidan. • Reproducción (escala Do Mayor y canon) Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Las y los alumnos se dividen en dos grupos; un grupo marca el pulso de las negras con el tipo de percusión corporal que el maestro indique, mientras que el otro marca las corcheas. Entonan al unísono "Do re mi" de la película La novicia rebelde al hacer al mismo tiempo el ostinatti respectivo de cada grupo. Al finalizar, cantan "Banaha" con movimientos corporales una vez al unísono y luego se dividen en grupos para realizarlo como canon a tres voces. • Recepción Duración: 5 minutos. Recursos: Grabadora, vasos desechables, grabación de ''The Washington Post" del compositor John Philip Sousa. Actividad: Se sientan todos en el piso formando un círculo repartiéndoselas vasos desechables. Cada uno toma un vaso y lo pone frente a ellos. Se realiza el ritmo visto en la sesión 12. El maestro indica realizarlo en tempo Adagio y poco a poco ir accelerando hasta hacerlo en el tempo de la obra de John Philip Sousa. Se reproduce la obra mientras se real iza la actividad para hacer audición activa. • Transposición Duración: 1Ominutos. Recursos: ninguno. Actividad: Se dividen en cuatro grupos, el maestro demuestra un patrón rítmico en compás de 4/4 y un grupo lo realiza. Cada grupo hace un ritmo con percusión corporal en ostinatti distinto. Los ritmos son a libre elección del maestro, como sugerencia se pueden hacer los vistos en la sesión 11. Se procede a cantar todos en unísono "La perdíz" en tonalidad Mayor una vez, y después en tonalidad menor. Es importante que se escuche cada uno de los ritmos de manera constante durante todo el canto. ENERO - JUNIO 2016 37 UANL �L _J • Reflexión Duración: 5 minutos. Recursos: ninguno. Actividad: El maestro habla sobre el recorrido que hicieron las y los adolescentes durante el curso escolar sobre las escalas Mayores y menores, apoyándose de las dinámicas y el tempo propio de cada canción. Para enriquecer su capacidad de entonación se recurrió al canon y se estimuló la independencia motora realizando cantos con uso de ostinatti como percusión corporal y sencilla para la mejorar la audición. Criterios de evaluación: 25% Entonación correcta (en escala y cantos). 25% Participación activa y oportuna. 25% Realización de ritmo con percusión corporal y con vasos en ostinatti. 25% Asistencia y disciplina. Conclusión La ejecución de este proyecto ayuda a las y los adolescentes a pensar y crear melódicamente los parámetros del sentido de frases, matices, dinámica, carácter, canon, trabajo en conjunto, acompañamiento por medio de ostinatti, percusión corporal y percusión sencilla. Esto por medio del uso de repertorio de música clásica o de academia, popular y folclórica implementando cada elemento aprendido de manera paulatina para lograr que sean capaces de transmitir sus emociones y sentimientos a través del bello arte musical, ayudándolos a ser más completos como seres humanos. Como Raymond Murray Schafer (1933 - ) menciona en El rinoceronte en el aula: "Estamos ingresando en una nueva era de la educación que está programada más para el descubrimiento que para la instrucción" (Schafer, 1998, p. 22). Es por esto que los dos elementos en conjunto, es decir que la y el adolescente así como el maestro, se unen en el aula para la creación y experimentación musical. El canto es la base para la enseñanza musical como lo menciona Zoltán Kodály, por eso creo firmemente que la práctica del mismo debe ser la principal actividad y herramienta del sistema de educación actual. Es de ahí donde se derivan las demás actividades, conocimientos y experiencias musicales. A lo largo de este semestre escolar enero- mayo 2015 pude observar el avance de las y los adolescentes hacia la independencia motriz al cantar de manera afinada, implementando dinámicas y realizando patrones rítmicos utilizando su percusión corporal. Creo que esta propuesta ayudó a que ellos se desarrollaran plenamente por medio de la experimentación, teniendo como base el canto y la audición, apoyándose de su cuerpo como instrumento para dirigirlos en su formación como músicos y seres humanos integrales. Referencias • Colectivo de autores. (1999). Enciclopedia General de la Educación, tomo 111, Sección 1O. Barcelona: Océano. • Frega, Ana. (2009). Música para maestros. Barcelona: GRAÓ. • Rodrigues, lramar. (2014). La rítmica Dalcroze hoy. Compendio de copias. • Schafer, Raymond. (1967). El rinoceronte en el aula. Buenos Aires: Ricordi Americana. • Stern, M. (2002). Improvisaciones infantiles. México: El Colegio de México DF. • Szónyi, Erzsebet. (1976). La Educación Musical en Hungría a través del Método Kodály. Budapest: Corvina. • Tort, César. (1984). Educación musical en el primer año de primaria. Instructivo para el maestro. México: Universidad Nacional Autónoma. • Zambrano, David. (2011). Aproximaciones musicales. Fundamentos estético-filosóficos de la música y sus mediaciones pedagógicas. Ideas creativas con actividades sensibilizadoras. Monterrey: Universidad Autónoma de Nuevo León. • Zambrano, David. (2011). Ed. Compendio de copias de Pedagogía 11, semestre 3. Agosto-Diciembre. EN ERO - J UNIO 2016 38 UANL �L _J 7 M. A. GUILLERMO VILLARREAL L as carreras de música y las artes en general están egresando a muchos estudiantes en el país y en el mundo entero. Sin embargo, en el caso específico de México (y aplicable a otros países) la música es uno de los empleos con menor cantidad de oportunidades. 2.- Organiza tus propios conciertos: es común que los estudiantes piensen que en su casa "les queda mejor" y esto se debe principalmente al factor de los nervios. Para minimizar este problema, es recomendable desarrollar el contacto con el público: organiza tus propios conciertos. Puedes comenzar en tu casa, en la iglesia de la localidad, hogares para ancianos y acercándote a las casas de la cultura estatales. Durante 5, 7 ó 1Oaños el estudiante de música se encierra en su cubículo y durante este tiempo pierde contacto con otras actividades que tienen lugar en su entorno social. Las escuelas de música se dedican a realizar eventos escolares donde el alumno se dedica esencialmente a hacer música. 3.- Humildad: los más grandes artistas con los que he trabajado siempre han sido sobrepasados por su humildad. Cuando un artista tras bambalinas es humilde lo hace ver aún más grande. Por lo regular los artistas más arrogantes son en ocasiones los más inseguros pues en su arrogancia esconden ignorancia, miedos y frustraciones. Ten cuidado de no ser uno de ellos. El resultado, al final de la carrera, es que tenemos un grupo importante de músicos que, sin muchas relaciones en diversas esferas de la vida real, esperan que con su título de concertistas las puertas se abran por arte de magia. 4.- Elabora tu currículum: esto es un elemento esencial pero muchos artistas no se deciden a dar el primer paso pues en la propia inseguridad no se atreven a decir quiénes son en realidad. Elaborar el currículum nos ayuda a ubicarnos. Es un análisis de nuestro trabajo hasta este momento. Puede ser que en este momento no tengas muchas cosas que decir, pero con el paso del tiempo y con las distintas actualizaciones verás que el primer currículum no se parecerá en nada al último que tengas en tus manos. A continuación enumero una serie de consejos que pueden ser útiles para los artistas de hoy: 1.- Mantente informado: es importante que observes que existe un mundo más allá de la escuela. Debes asistir a la mayor cantidad de conciertos, obras de teatro, lecturas, museos y otras actividades para vincularte con diferentes esferas culturales. Igualmente, revisa los principales periódicos de tu ciudad y el mundo, ya sea en su edición impresa o por vía digital. ENERO - JUNIO 2016 39 UANL í �L _J 7 5.- Documenta todos tus pasos: toma videos, fotografías, en tus primeras apariciones en el periódico, radio, televisión, grábalo todo, ya que te servirá para varias cosas. Por un lado, para analizar tu propio desempeño y por otro lado es muy útil para solicitar alguna beca. En todos los lugares te solicitan grabaciones de tus trabajos recientes. 6.- Invertir: resulta irónico que mientras muchos de tus compañeros de generación de preparatoria ya tienen trabajo y están pagando sus carros, tú aún andas en camión. Además de eso te invito a que inviertas en tu carrera, lo poco o mucho que ganes, un buen porcentaje tendrá que ser dedicado a invertir en unas buenas fotos y ropa de calidad. ENERO - JUNIO 2016 7.- Traza metas claras: lDónde te ves en 5, 1Oó 15 años? Esta pregunta es algo que yo me hago continuamente, y trato que todas mis actividades estén encaminadas a lograr cumplir un objetivo. Primero que todo, tienes que saber a dónde vas y que esa meta sea alcanzable. Si la meta es muy ambiciosa, seguramente tendrás que establecer metas intermedias. 8.- Atrévete a ser diferente: lo que es distinto a los demás lleva a un riesgo fuerte. Te mirarán como bicho raro y en muchas ocasiones el medio te hará un poco de boicot pero, al final, el trabajo gana. 9.- Aprende a elaborar propuestas: este es uno de los puntos más débiles de los artistas, existen muchos "intelectuales de café" que tienen todas las respuestas para mejorar el mundo pero no son capaces de concretar sus ideas y propuestas en blanco y negro. Por lo general esos intelectuales seguirán en el mismo café criticando a los que hicieron los proyectos sin generar ninguna idea nueva. A estos nueve consejos ustedes podrán agregar aún más con el paso del tiempo. Los invito a convertirse en autopromotores de su trabajo. 40 UANL í �L _J 7 ~ Entrevista con el maestro Claudia Tarris, Director de la Orquesta de Cámara de la Facultad de Música de la UANL (OCFAMUS) LIC. VERÓNICA LIZZETH VELÁZQUEZ GAYOSSO ~ Cuál es la historia de OCFAMUS, cómo se Desde entonces la orquesta ha ofrecido al público de la ciudad 26 temporadas de concierto con toda clase de propuestas innovadoras, incluyendo solistas de talla mundial, óperas de cámara, espectáculos de danza, tanto Clásica como Contemporánea y otros estilos, Tango, Jazz, ha participado en festivales nacionales e internacionales, ha ofrecido espectáculos multimedia, programas con temática musical orientada a la Pintura, la Literatura, el Medio Ambiente, la Mujer, el Cine, y permanentemente ha estrenado música de una ya muy larga lista de compositores desconocidos de los más diversos países. Otra característica de los conciertos es el comentario sobre las obras, los compositores y anécdotas que relato personalmente antes de la ~ecucióndecadaobra. \.1 formó, cuándo, con cuántos integrantes? En realidad la primera actividad oficial de la OCFAMUS se da en Septiembre de 1998, y para una celebración especial de la Facultad de Música de la UANL. Fue un concierto conmemorativo con la participación de la recientemente creada OCFAMUS, maestros, alumnos y ex alumnos que dirigí como titular de aquella nueva orquesta. En el año 2006 se integra como coordinadora la Mtra. Graciela González, y a partir del año 2007 la orquesta recibe un impulso sin precedentes a través de la Secretaría de Extensión y Cultura de la UANL por decisión de su titular, el Lic. Rogelio Villarreal, al proveer de recursos y logística para ofrecer tres temporadas anuales. No sólo recibimos los recursos para formalizar las actividades de este nuevo ensamble representativo de la UANL sino que se nos asignó como sede permanente la sala del Aula Magna del Centro Cultural Universitario para su funcionamiento, sin duda la mejor y más bella sala de conciertos de la ciudad de Monterrey. Daría inicio así, el 5 de febrero de 2007, la Primera Temporada de Conciertos de la OCFAMUS. ENERO - JUNIO 2016 ¿Y si alguien quiere integrarse a la orquesta? ¿Hay audiciones? ¿se requiere experiencia previa? Primero es importante explicar que la orquesta tiene un número muy limitado de instrumentistas propios. Sus integrantes estables son sólo 17, y por la jubilación de algunos miembros nos vemos aún más limitados, de tal manera que la orquesta 41 UANL í �L _J ensaya incompleta durante la primera mitad de los ensayos, y durante la otra mitad cuenta con los músicos extras o invitados indispensables para la interpretación de las obras a ejecutarse. Esto conlleva una forma bastante particular de planificar y trabajar en los ensayos que definitivamente no es la óptima, aunado a que requiere de un gasto extra del presupuesto exiguo con el que contamos de solistas y directores invitados para pagar a estos músicos. Varias de las vacantes se llenan con nuevos egresados de la Facultad de Música sin audición por oposición. Si bien la orquesta de cámara integra a estudiantes para que adquieran experiencia, también es cierto que hay otros ensambles orquestales en la FAMUS que sirven a ese propósito, y sin embargo la OCFAMUS ofrece un trabajo profesional requerido por la UANL. En este sentido, la entrada a los conciertos tiene como es lógico un costo, y se reseñan en los medios de prensa como cualquier concierto profesional de la ciudad, aun cuando incluyamos algunos instrumentistas en formación . artístico. Pero aquí es necesaria una precisión: por hábito, muchas orquestas de cámara y sinfónicas se limitan a cumplir un papel semejante a una especie de museo de la música de concierto. El patrón casi invariable es el de tener un solista invitado que toca un concierto de repertorio de los más conocidos, y el resto del programa se completa también con obras de repertorio más o menos conocidas que los músicos han tocado ya, en algunos casos decenas de veces. No es que sea negativo exhibir una y otra vez obras maestras de innegable calidad, pero en mi caso en particular decidí abiertamente dejar de programar compositores y obras que se programan de manera habitual. Gracias a la posibilidad que nos ofrecen las nuevas tecnologías de tener a disposición vía Internet partituras de dominio público de centenares de grandes compositores desconocidos, y de miles de obras también desconocidas, he optado por hacer un minucioso estudio y búsqueda para llevar a cabo mi propuesta personal para esta orquesta. Tenemos una lista verdaderamente importante de compositores desconocidos o poco conocidos que hemos programado, y probablemente estrenado, en las temporadas de la OCFAMUS. La mayoría de las obras que ejecutamos son de compositores desconocidos para el público y también para los músicos. Sabemos que han tenido una gran participación artística en diferentes lugares locales y nacionales, ¿quién se encarga de coordinar todo eso y cuál ha sido su experiencia? El funcionamiento diario y general de la OCFAMUS depende en buena medida de la voluntad de todos sus integrantes para complementar funciones que escapan a las responsabilidades consideradas sobreentendidas para músicos y personal administrativo. La maestra Graciela González cumple las funciones de coordinadora general de la orquesta, pero también de instrumentista, diseñadora, coordinadora de eventos de la FAMUS, etc. Además de ella, sólo contamos con una persona más en la parte logística y administrativa de la orquesta: el maestro Jonathan Salas, quien también cumple funciones mucho más allá de lo que su cargo y remuneraciones obligarían. Los músicos y su director realizamos muchas más funciones de las que los integrantes de orquestas profesionales llevan a cabo, pero el hecho de que todos estemos involucrados por igual en esta forma de entender nuestra orquesta es lo que la hace diferente. ¿cuánto tiempo se requiere para prepararlo y con qué frecuencia ensayan? Bueno, realmente este es otro de los retos de la visión que expuse en la respuesta anterior: ensayamos 4 veces por semana para preparar los programas de cada concierto de temporada. Ahora bien, esto demanda de un trabajo bastante particular: si por el contrario, tocáramos casi exclusivamente obras conocidas de repertorio nos costaría mucho menos trabajo prepararlas y con seguridad recibiríamos más aplausos. Ofrecer sistemáticamente obras de autores desconocidos, y lograr prepararlas y madurarlas en tan sólo 4 ensayos representa un riesgo y un reto mayor. Esto por dos razones principales: en primer lugar porque debemos tenerlas listas sin el beneficio de haberlas tocado antes, y en segundo lugar, por la responsabilidad ética que implica ofrecer una interpretación lo más apegada en lo posible a las ideas del compositor entendiendo que esa interpretación puede definir el gusto o disgusto de una obra o de un compositor en particular por ¿Quién elige el repertorio? El repertorio lo elijo personalmente, ya que es una de las principales atribuciones de un director ENERO - JUNIO 2016 42 UANL �L _J 7 ORQ ESTA DE ÁMARA D LA FACULTAD DE MÚSICA parte del público y de la crítica. Si una orquesta toca mediocremente una sinfonía de las más conocidas, el público la disfrutará igual y la calidad de la obra de arte no será puesta en duda. Con estas obras que estamos programando es muy diferente, ya que la música de algunos de estos compositores probablemente no vuelva a ser tocada nuevamente, y ese puede ser el único referente, no sólo de la obra en sí y su autor, sino además de la música de un determinado país. Otra cosa importante es que, a diferencia de otros directores, para quienes es importante escuchar grabaciones de obras desconocidas para aprenderlas, el hecho de que no exista ninguna grabación disponible de muchas de las piezas que programo es un reto artístico y un estímulo aún mayor. L la OCFAMUS el reto más difícil, y que requiere de más trabajo musical pero sobre todo extra musical. No lo hemos logrado aún, aunque evidentemente nuestro público ha ido en aumento. He trabajado de manera constante intentando encontrar opciones creativas para que el público aumente, sin temor a experimentar, presentando en cada temporada programas realmente originales. Cada concierto desarrolla una temática específica, y antes de cada una de las obras comento particularidades de ellas y de su compositor desde el escenario. En cada temporada incluimos elementos interdisciplinarios y usamos elementos visuales. ¿cuál es la satisfacción más grande que como director ha experimentado? Digamos en primer lugar que según mi experiencia, los directores de orquesta tienden a una sobrevaloración de su trabajo. En general, la respuesta habitual a esta pregunta sería hacer alarde de algunos éxitos reales o imaginarios, como sucede en la redacción de los CV en los programas de mano, costumbre a mi juicio, bastante cuestionable. En mi caso la respuesta no es tan simple ya que la dirección de orquesta es sólo una de las actividades que me han dado satisfacciones. A lo largo de esta carrera he realizado y practicado una buena cantidad de especialidades de manera profesional que personalmente han sido extremadamente satisfactorias: he dirigido orquestas sinfónicas y de cámara, acompañado ballet, ópera, he desarrollado una carrera como músico sinfónico durante más de 20 años, me he mantenido activo como violista, en especial participando en los ensambles de la OCFAMUS para tocar obras de cámara de altísimo nivel, también tocando jazz en la viola y el bajo, he escrito, arreglado y dirigido en diversos estilos y agrupaciones como big-band, grupos de jazz, rock, he orquestado programas completos en los más ¿cuál ha sido el reto más interesante como director de esta orquesta? Es una pregunta importante porque definitivamente, una orquesta de cámara aborda un repertorio más transparente y por ende más complejo y delicado que una orquesta sinfónica. Somos tan pocos que no hay una masa en la cual esconderse. Una Sinfónica tiene por su conformación, tamaño y volumen sonoro un glamour y espectacularidad que hace mucho más directo el éxito y el espectáculo, más aún si se tocan frecuentemente obras de repertorio de los mismos compositores una y otra vez. Por eso es que busco permanente presentar música desconocida de un excelente contenido artístico que pueda conmover de muchas maneras posibles. Otro tema importantísimo para mí es que no es posible que los artistas consideren que la sociedad les deba su subsistencia por el sólo hecho de ser "artistas" sin hacer el esfuerzo prioritario mínimo de que el foro en el que se presenten esté lleno de público. Esta realidad la vemos en muchas agrupaciones orquestales y escénicas. Ese es para ENERO - JUNIO 2016 I UA 43 UANL í �L _J 7 variados estilos, he estrenado una gran cantidad de obras de Música Contemporánea de concierto como ejecutante y director de orquesta, he escrito artículos en publicaciones especializadas, he participado como músico, compositor, director y productor en una buena cantidad de grabaciones, he podido llevar a cabo mi visión de trabajo con la OCFAMUS con resultados que no me corresponde a mí evaluar, pero que han sido avalados y respaldados por las autoridades de la UANL y por el evidente incremento de público a los conciertos. Además de esto he tenido siempre profundos intereses científicos y filosóficos, tengo en trámite una patente de un modelo de utilidad, practico actividades recreativas muy necesarias para mi equilibrio personal, estoy escribiendo un libro de ensayos sobre diversos temas, casi todos ajenos a la música, en fin, las satisfacciones han sido muchas y muy variadas. Algún mensaje que quiera hacer llegar a nuestros lectores. Que sean conscientes de que hay muchas vertientes y facetas de las artes, y que hay que informarse, interesarse y presenciar manifestaciones artísticas, conciertos, funciones de teatro, danza, etc. Esto, no solo por la situación actual de la educación, en que el mundo sigue cambiando tan rápidamente, que aquello que ahora es lo "actual" apareció fuera del contexto de lo que en su momento se estudiaba en las universidades, y para aquello que nosotros estudiábamos. Nadie podía predecir hace 20 o 30 años dónde nos llevaría la tecnología y la completa digitalización de todo lo que nos rodea hoy en día. Por otra parte, y por ello mismo, es más que nunca necesaria la comprensión y el estudio de los más diversos campos en cada disciplina ya que dará más herramientas para poder adaptarse a los cambios. Ninguna universidad proveerá de talento a sus estudiantes: primero fijará reglas para un desarrollo disciplinado y respetuoso de las personas y competencias, dará herramientas para que los más inquietos intelectualmente, los más capaces artísticamente, y los más persistentes, dedicados y disciplinados desarrollen sus capacidades. Que los estudiantes piensen que las reglas, los trabajos de investigación, la obligación de asistir a conciertos y representaciones artísticas de todo tipo, la puntualidad, los exámenes y presentaciones en público, que todos esto, solo constituye una carga de requisitos opcionales de carácter más o menos represivos, accesorios irritantes que perturban la comodidad del salón, se trata de un grave error. Todas esas actividades y actitudes son esenciales para el desarrollo del propio alumno y de su formación y preparación como persona, profesional y artista. ENERO - JUNIO 2016 44 UANL í �L _J A teatros de ópera de aquel tiempo se negaban a presentar Wozzeck, por lo que decide realizar una suite con tres escenas de la ópera con soprano y orquesta (la cual tuvo éxito), y fue posteriormente gracias a esto que se logró estrenar la obra completa un 14 de diciembre de 1924. Iban Berg es uno de los compositores que se sitúan en la estética expresionista y que perteneció al grupo de músicos de la "Segunda escuela de Viena", cuyo líder fue Arnold Schoenberg, quien fue maestro de Berg entre 1904 y 191 O, y donde conocería a su gran amigo Anton Webern. Berg incursiona en la música atonal y posteriormente en el dodecafonismo pero siempre influido por los compositores románticos y pos románticos tales como Schumann, Brahms y Wagner aunque también se vio influenciado por Mahler; algunas de las composiciones más famosas o reconocidas de Berg son Siete canciones tempranas para voz y piano (Sieben frühe Lieder), Suite Lírica para cuarteto de cuerda, Concierto para violín y orquesta "A la memoria de un ángel" y las óperas Wozzeck y Lulú entre otras. Es precisamente en este escrito en donde se intenta hablar de la ópera Wozzeck haciendo un análisis sobre su protagonista y qué es lo que Berg trata de reflejar en ella, resaltando de una manera muy notoria los aspectos sociales de la época y la corriente artística denominada como expresionismo. Wozzeck nos habla de abandono, de rechazo y de soledad. Se puede decir que es una clara muestra de los valores expresionistas de la época tanto en su estilo musical como en su letra. Como buena ópera expresionista entonces, está ligada al dolor y al sufrimiento verdadero y tal vez esencial en las personas. Muestra un claro reflejo de la realidad tan cruda de la guerra y la hipócrita moral de la sociedad al explotar y humillar al pobre e ignorante. Es así como el personaje de Wozzeck representa al héroe expresionista que es también víctima de sus circunstancias, del abuso, rechazo y maledicencias de la gente que lo rodea ya que ha sido catalogado por éstos, convirtiéndose en blanco de sus abusos. Desde el inicio de la ópera al estar afeitando al capitán, éste le recrimina que no es un hombre moral ya que tiene un hijo que no ha sido bendecido por la iglesia. Aquí se puede mostrar como musicalmente la ópera inicia de manera abrupta. Desde la selección del tipo de voces para representar a cada personaje: Wozzeck: Barítono Marie: Soprano dramática Capitán: Tenor bufo Doctor: Bajo bufo Andrés: Tenor lírico Tambor Mayor: Tenor dramático Margret: Contralto Berg tiene su primer contacto con Woyzzek (en aquel tiempo así se llamaba por un error de edición) en el teatro un 14 de mayo de 1914, en donde asistió para ver la puesta en escena del mismo texto escrito por el alemán Georg Büchner quien había deja inconcluso el drama. Es ahí en donde Berg decide musicalizar el texto y empieza a crear esta ópera atonal. Se tiene que mencionar que Berg tuvo una exitosa actividad como escritor y ya para 1920 había terminado de componer dicha obra. Pero estrenar la ópera no fue fácil: los ENERO - JUNIO 2016 7 45 UANL í �L _J Desde este punto el personaje se caracteriza por un tipo de voz diferente a las otras, lo que ya le da cierta tragicidad a lo que entre cantado y hablado (Sprechstimme) expresa el personaje. Eso agregando que la ópera está llena de formas atonales, nos da un grado de expresividad que es característico de la música expresionista. Las melodías que aparecen a lo largo de la ópera dígase suite, sonata, scherzo, rondó, andantes y demás son un tanto decadentes, melodías populares decadentes que tienen una directa relación con los estragos de la primera guerra mundial. Esto es característico de la música en esta ópera ya que Berg deforma las melodías populares utilizando atonalidades y disonancias en cada pieza. Aquí Wozzeck acciona un manifiesto de la cruda realidad en la que se encuentra. De la necesidad que impera en él y de sus carencias por haber nacido así, por la condición a la que pertenece que se liga a una sociedad llena de dolor, de carencias materiales y que es pisoteada constantemente por una clase abusadora. Con esto Berg trata de hacer una construcción de su "héroe expresionista" bajo las ideas de una Alemania azotada por la guerra y la necesidad, de la gente rechazada, solitaria y abandonada a su suerte. Wozzeck entonces es el oprimido, el que a través de sus visiones terribles, de su paranoia de que Marie le es infiel y de su afán por comprender una sociedad que no le da absolutamente ningún bienestar o una religión que demuestra todo lo contrario a la moralidad, decide tomar una decisión a la que las circunstancias y la hipócrita sociedad lo han orillado. Si hablamos específicamente de Wozzeck y su desarrollo en la historia podemos encontrar un personaje con un conflicto que lo mueve moral, mental y emocionalmente. Wozzeck está confundido porque no entiende lo que el capitán y el doctor le dicen; éstos se convierten en una voz recriminante que le dice qué es lo que tiene que hacer y le marcan lo que es correcto e incorrecto en la sociedad en la que vive. Aquí se nota un reflejo de la suma hipocresía y humillación hacia el pobre por parte de la dictadura y la clase con privilegios. El mismo Wozzeck atinadamente le dice al capitán sus motivos: Es sumamente notorio como Berg también plasma parte de su vida en el personaje de Wozzeck; su estancia en la milicia y todos los repugnantes tratos que vivió y su situación demasiado precaria en malos tiempos de su vida al ser estudiante, él mismo lo confiesa en una carta a su esposa Helene: "Hay un poco de mí en su carácter [Wozzeck], ya que he pasado estos años de la guerra dependiendo de gente que detesto, he estado encadenado, enfermo, cautivo, resignado: en una palabra, humillado". (Gago, 10). WOZZECK Mi capitán, Dios no rechazará a una criatura porque no se dijera un "amén" antes de ser concebido. El Señor dijo: "Dejad que los niños se acerquen a mí". En el artículo escrito por Luis Gago se menciona incluso otro aspecto relacionado con el rechazo del personaje y que se enlaza con Berg: la música atonal. Esto sin lugar a dudas a nivel musical influye en el desarrollo del carácter del personaje: WOZZECK iMi capitán, los pobres necesitamos dinero, dinero! Si no se tiene: lcómo se pueden tener hijos decentemente? iSomos humanos, de carne y hueso! iSi yo fuera un señor, usara corbata, reloj y monóculo y hablase correctamente, entonces podría yo también ser virtuoso! Estaría bien ser virtuoso, mi capitán. iPero sólo soy un pobre hombre! i La gente como yo es siempre desgraciada en cualquier parte! iSi vamos al cielo, seremos los encargados de hacer estallar los truenos! ENERO - JUNIO 2016 "El aspecto clave es mostrar que esta idea de atonalidad, que originalmente se relacionaba exclusivamente con el aspecto armónico, ha pasado ahora, como ya se ha dicho, a convertirse en una expresión colectiva para referirse a música que es una 'no música' * ... +. Ya he mencionado palabras como arrítmico, amelódico, asimétrico y podría seguir con una docena de expresiones despectivas de la música moderna: como cacofonía y música artificiosa, que ya se han medio olvidado, o algunas más recientes, como música lineal, constructivismo, la nueva objetividad, politonalidad, música de máquinas, etc. 46 UANL �L _J 7 Estos términos, que pueden quizás aplicarse adecuadamente en ejemplos individuales especiales, han quedado todos subsumidos en uno para transmitir hoy el concepto ilusorio de una música 'atonal', al que se aferran con gran determinación todos aquellos que no admiten justificación alguna para esta música, con la finalidad de negar con esta única palabra a la nueva música todo lo que, como hemos dicho, ha constituido hasta ahora la música, y con ello negarle por completo su derecho a existir" . (Gago, 11) Wozzeck se perfila como el trabajador ingenuo al que una sociedad le ha impuesto el yugo de vivir con el destino que le ha tocado: recibir órdenes de un capitán y un doctor que le dictan que es lo bueno y lo malo moralmente, ser un experimento-juego para el mismo doctor, tener una esposa que no está satisfecha y lo engaña, un hijo ausente aunque no corrompido aún por el mundo que le rodea (basta recordar la escena final de la versión operística de Wozzeck llevada al cine en 1970). Así entonces se puede culminar exaltando la belleza de esta obra en la que por su estilo atonal se puede notar más fácilmente la alienación, la locura y lo más bello y cruel de la humanidad del hombre, en este caso representado con una particular expresividad musical en Wozzeck. Referencias: •Berg, Alban. http://www.kareol.es/. 1920. Libreto. 28 de agosto de 2015. •Centro Dramático Nacional. http://cdn.mcu.es/wp-content/uploads/2012/08/52WOYZECK-10-11.pdf. 2010-2011. Revista. 23 de octubre de 2015. •Gago, Luis. http://www.teatro-real.com/assets/uploads/ files/documentos/e4bb4d05a25524443e1ffbf570574708.pdf. 20 de Junio de 2013. 23 de Octubre de 2015. •Jiménez, Felipe Hernández. Woyzeck de G. Büchner, Wozzeck de Alban Berg. Estructuras literarias y musicales. Salamanca, 22 de Diciembre de 1996. ENERO - JUNIO 2016 47 UANL í �L _J 7 Reseña del Libro íC'lr @(_USU'/ uv @r_exic,o,, ~~ YIUt&C/7 ~ ~ 7 de Alejandro L. Madrid M.C. LUIS DÍAZ SANTANA GARZA H an transcurrido más de 60 años desde la primera edición del libro seminal Music in Mexico: a historica/ survey, de Robert M. Stevenson (1916-2012), obra que llamó la atención sobre la trascendencia del espléndido patrimonio sonoro de nuestro país. Al comenzar el año 2013, es posible conseguir en librerías de los Estados Unidos el texto de Alejandro L. Madrid: Music in Mexico, experiencing music, expressing culture, que a pesar de ostentar un título semejante al de Stevenson, tiene alcances muy diferentes. Si el volumen del recientemente desaparecido musicólogo norteamericano es un relato de la historia de la música mexicana desde la época prehispánica hasta mediados del siglo XX, el contenido del nuevo libro de Madrid subraya la importancia de diversas músicas populares cuyo estudio se había menospreciado, a pesar de hallarse invariablemente presentes en la vida de los habitantes contemporáneos de México. En un ensayo reciente, titulado Retos multilineales y método prolépsico en el estudio posnacional del nacionalismo musical, Alejandro L. Madrid crítica el hecho de que la musicología reciente ha convertido en paradigma, una y otra vez, el tema de la "construcción y circulación de la identidad". Por lo tanto, propone rearticular esta "obsesión por la identidad ... en una pregunta sobre circuitos relacionales o espacios en los cuales se es ... el objetivo sería desarrollar una teoría sobre discursos de pertenencia que explore relaciones de membresía en lugar de preguntas de identidad" (2012, p. 165). Dicho planteamiento es muy cercano al expuesto por la profesora de historia económica de la Universidad de Cambridge, Sheilagh Ogilvie, que nos aproxima a la comprensión del concepto socia/ networks (redes sociales). Entre las redes sociales destaca la comunidad local, la cual es comúnmente identificada como una institución generadora de capital social: una red creada no solo por la proximidad con los otros, sino por la membresía compartida en una entidad jurídica. Durante varias semanas, pensé que, como marco teórico, era una idea muy atractiva, pero no logré concebir la forma de emplearla, de manera práctica, en una investigación. Por ello, la lectura de Music in Mexico fue una revelación, pues se trata de un testimonio que la teoría presentada en los mencionados ensayos es provechosa. A pesar de estar orientado a estudiantes universitarios, es relevante su estilo de escritura: directo, amigable y ameno. De igual forma, la manera de comenzar los capítulos, con referencias contemporáneas, en algunos casos personales, y luego ir al pasado, cautiva al lector. En el México moderno es común escuchar hablar de naciones hispanoamericanas en términos de "hermanas repúblicas", más no así de los Estados Unidos, el cual, por lo regular, es tachado de país opresor, que lucha por imponer sus patrones de conducta y cultura en nuestra nación. Sin embargo, Alejandro Madrid reconoce que México supera en muchos aspectos a la Unión Americana como invasor y dominador de aquellas "hermanas repúblicas", convirtiéndose en un verdadero "imperialista cultural". Para muestra, alude al programa Siempre en Domingo, transmitido en España y Latinoamérica entre 1969 y 1998, el cual alcanzó audiencias de unos 420 millones de televidentes (p. 8). Esta clase de valoraciones sólo pueden forjarse con un ENERO - JUNIO 2016 48 UANL í �L _J 7 profundo conocimiento de la cultura musical mexicana y estadounidense: tiene un punto de vista privilegiado, ya que se encuentra, al mismo tiempo, al interior y lejos del tema que estudia, lo cual solamente logró debido a que Madrid residió en nuestro país durante su infancia y juventud, para después educarse en instituciones estadounidenses. Madrid se apoya en diversas obras recientes de la musicología regional mexicana, en especial los trabajos de campo de la suiza Helena Simonett (2001), la texana Catherine Ragland (2009), o el californiano Randall Kohl (2007), de los cuales solamente el último estudioso radica en México. De esta manera, en el texto de Madrid se trasluce una escasez de investigaciones en torno a las músicas populares urbanas por parte de los investigadores mexicanos. Si, por una parte, los musicólogos consideran a la llamada "música comercial" indigna de un estudio serio, los etnomusicólogos también la han desdeñado, centrado su atención, fundamentalmente, en los hábitos sonoros de pequeños pueblos y aisladas comunidades indígenas. Una de las más notables cualidades en la explicación de Alejandro L. Madrid es que abarca tradiciones armónicas y rítmicas provenientes de diversas regiones geográficas de México, tales como banda, norteña y sones jarochos, prácticas a las que ubica a la par de las del centro de poder. En este punto, se contrapone a los ensayos que habitualmente reducen la historia de la música nacional al ejercicio artístico desarrollado en la Ciudad de México. Para algunos investigadores, como por ejemplo Guillermo Orta Velázquez, el interior del país solamente ha contado con una "pequeña vida musical como un reflejo atenuado de la capital" (1985, p. 385). Señalamos que el texto editado bajo la rúbrica The Global Music Series está básicamente dirigido a estudiantes universitarios, por lo cual incluye un cd con ejemplos musicales, así como diversos y variados cuadros con actividades, invitando a buscar en internet algunas versiones de una misma pieza musical para compararlas, y de esa manera generar una discusión en clase. Sin embargo, al encontrarse redactado en inglés, una gran parte de los estudiantes de música mexicanos no podrán tener acceso a este material. Por esa razón, es importante traducirlo al español, sobre todo porque, al contrario de la historiografía tradicional, plantea una música mexicana con un desarrollo influenciado por el extranjero, tanto en el terreno cultural como en el económico. Esta es una de las nociones más provocadoras del autor, pues afirma que los géneros musicales propagados por los medios masivos de comunicación en México han sido modificados por el creciente poder económico de los millones de trabajadores mexicanos que cruzaron la frontera norte (pp. 6-7), y que en todo momento buscan sus gustos culturales. Si el texto de Robert Stevenson mencionado al principio es un clásico de la memoria musical mexicana desde la musicología, el libro de Alejandro ENERO - JUNIO 2016 Madrid seguramente se convertirá en breve en una referencia obligada de la historia de la música de México desde la etnomusicología, y deseamos fervientemente que otros estudiosos mexicanos sigan el mismo camino. Referencias • Kohl S., Randall Ch. 2007. Ecos de "La Bamba". Una historia etnomusicológica del son jarocho de Veracruz, 1946-1959. Veracruz: Instituto Veracruzano de Cultura. • Madrid, Alejandro L. 2012. "Retos multilineales y método prolépsico en el estudio posnacional del nacionalismo musical". En Discursos y prácticas musicales nacionalistas (1900-1970). Ramos López, Pilar (editora). Logroño: Universidad de la Rioja. • Ogilvie, Sheilagh. 2000. Social capital, social networks, and history. Cambridge: University of Cambridge. • Orta Velázquez, Guillermo. 1985. Breve historia de la música en México. México: Joaquín Porrúa Editores. • Ragland, Catherine. 2009. Música norteña: Mexican americans creating a nation between nations. Philadelphia: Temple University Press. • Simonett, Helena. 2001 . Banda, mexican musical lite across borders. Middletown: Wesleyan University Press. • Stevenson, Robert M. 1952. Music in Mexico: a historical Survey. New York: Thomas Y. Crowell. 49 UANL í �L _J 7 @jeniiÁ& l f @ J ~ , @Jewici& C f d ~ lf "@J) ik lf (!Zneas/' LIC. CARLOS ARTURO HERNÁNDEZ GONZÁLEZ C uando era niño quería ser científico. Pero no cualquier científico: quería ser el mejor científico. Y estaba convencido de que para eso tenía que ser capaz de inventar un robot que fuera al menos tan inteligente como un humano. Me obsesionaba la idea de diseñar un cerebro. Desde entonces dos cosas me interesan sobremanera: la medicina y la mente. Era obvio, pues, que terminara siendo músico. lQué? lObvio? Sí, obvio. No fui perezoso en mi estudio de la mente, y cuando uno se plantea seriamente la idea de crear algo inteligente, la conclusión parece ser que la mente está en el cerebro1, pero el cerebro es cuerpo (es parte de él, está hecho de carne, respira, necesita sangre), y por lo tanto, la mente es cuerpo. Y esto es un gran problema, porque el cuerpo envejece, pierde fuerzas, y muere. Aquí es donde entra la medicina como estudio de la biología. Pero la biología es, de alguna manera, química aplicada, y la química trae consigo un término central: entropía, la tendencia de la materia a reaccionar solamente en la dirección espontánea (y no en el otro sentido), y por otro lado, la tendencia al equilibrio. La entropía es, de alguna manera, aquello que nos permite percibir el tiempo. Ahora bien, lla música no es acaso tiempo? lNo es la música la encarnación más simple del tiempo? Y ese cuerpo del tiempo que es la música, lno requiere de nuestra memoria para apreciarlo? lNo necesitamos recordar los gestos y la relación entre los materiales? lNo es la música un mapa de los razonamientos del compositor, de un pedazo de su mente? La música se parece tanto a la mente-que-es-cuerpo que no podía hacer otra cosa más que atraerme. Por otro lado, mi interés por la medicina eventualmente me llevó a realizar mi servicio social del bachillerato en un hospital. Ahí pude ver, una vez, a un niño moribundo a causa del cáncer. El niño no comprendía que iba a morir. Lo que él comprendía era que, eventualmente, ya no vería jamás a su madre. Y él sólo pensaba en jugar con su madre y abrazarla, como si ella pudiera salvarlo. Cuando el niño muera, todo habrá terminado para él, porque su mente morirá con su cuerpo. Pero, ly la madre? Esa mujer demacrada, triste, que tuvo que ver marchitarse y morir a su propio hijo, lqué hará la medicina por ella? Nada. Mi inclinación por la medicina había sido defraudada. ¿y la música? Quizá la música podría hacer mucho por ella; por su mente. La relación cuerpo/mente ha hecho que me interese particularmente por los procesos de alteración y descomposición (entropía) de la mente, puesto que sólo éstos implican la muerte del sujeto. lPor qué es interesante esto? Porque la muerte del sujeto (de la mente) se puede dar y se puede ver y estudiar sin que el cuerpo muera. Aquí entra la enfermedad de Huntington. La enfermedad de Huntington es una enfermedad degenerativa, crónica, y discapacitante, que hace que los que la padecen Piense el lector que, si se le amputara una pierna o un brazo, aunque su psique se vería afectada, habría una continuidad de su Mente, sus recuerdos y capacidad cognitiva; pero eso no sería posible si se le amputara el cerebro. 1 ENERO - JUNIO 2016 50 UANL í �L _J 7 pierdan sus capacidades motrices (incluida el habla y, en la última etapa, la respiración o la capacidad cardiaca), y también sus capacidades cognitivas (incapacidad para aprender cosas nuevas), hasta llegar a la demencia2 , y eventualmente la muerte. Como muchos de mis colegas músicos, me dedico a la enseñanza. En la localidad donde vivo tenía una escuela de música, y fue a través de la escuela que la Asociación Mexicana de la Enfermedad de Huntington (AMEHª) me contactó, buscando a alguien interesado en realizar su servicio social con ellos. Como la FAMUS de la U.A.N.L. exige a todos los pasantes cumplir con un Servicio Comunitario•, y viendo que la institución me ofrecía una experiencia de aprendizaje muy interesante, yo mismo acepté la oferta, y me volví terapeuta en la AMEH. podrían dominarla de nuevo, jamás. Veía cómo ellos, como sujetos, se iban "disolviendo en el Universo" 5 • Es decir, podía contemplar, aunque de manera muy, muy lenta, la muerte del sujeto. Y aquí entra la ópera "Dido y Eneas" de Purcellª. Como dije antes, solía tener una escuela de música en la comunidad donde vivo. Como parte de los proyectos de nuestra escuela, mi esposa y yo decidimos organizar una "ópera comunitaria": invitamos a todos los interesados a que vinieran y recibieran un entrenamiento muy básico para poder montar una obra sencilla, hecha a la medida / A ., --< ..,_ -- p¡'"J' Uh~ ,ff _ . ; - Como compositor puedo entender de modo razonado por qué es tan emotiva esta aria: el /,O l(J------ i f ~ ,.,,,., -- ú=-P --=::: ~ ~ -1 crt:,'t -=- - J e,~•-...:,~,_, e,•cJt p n- - 1 1 'j q - '-- .r-- ,., rP ~ ·t~t! h f!O G 1P -..,-✓- - · l. .J !. • J f~ - • .g~1 .... nh! ... für ... hut ,. l"'Y--r:.- 1ny 1 • I • • • • • o "= ,-T • 7:l- IHJ 1 1- ' • • ~~! u -é? ~ ....--:: ...; u líf' H.o _ nw1uber nu1, bu t • ~- ' 1/P if-' A ~ D- - ~-- . - - _1''º· = - ,_,-_ "'-· ef J .J mPmhe.l"H•~. 11-<:, _,/ A o ~-:::::J t i ~ ¡.,' AD ~v ___ ·= PP ,. 1 Nunca entendí de dónde obtiene esta pieza su poder emotivo, pero cada vez que la escucho, invariablemente brotan lágrimas de mis ojos. ' - -:::: ¡.y., .,) -~"'P~m i1A:r-1rnP. , Mi experiencia fue muy bella en el sentido de la belleza según Rilke: algo terrible que todavía podía soportar. Veía, por un lado, la alegría de mis alumnos/ pacientes a la hora de su terapia de música. Pero también podría contemplar su tristeza al comprender que ya no podían coordinar movimientos simples; que su mente entendía pero su cuerpo no respondía; e incluso, que de una clase a otra habían perdido una habilidad, y ya no de los participantes, cuyo tema sería el Día de Muertos. Para elaborar una ópera sencilla que fuera bella (y no sosa), decidí estudiar una obra con las mismas características, y la opción más obvia era el "Dido y Eneas" de PurceW. El momento principal de ésta ópera se da en la última aria de Dido, "When I am laid in Earth". 1 --- .. for .. .. .¡;et ' -• u • • "'u = _,,. =- J my fato. , J 1 ~- · ·:=a • - -=-- . -:- 1 ¡ - • ~ '!' 14 "Dementia is a syndrome in which there is deterioration in memory, thinking, behaviour and the ability to perform everyday activities" según la Organización Mundial de la Salud (WHO); http://www.who.int/mediacentre/factsheets/fs362. 3 La asociación vive de donaciones y ayuda de personas solidarias que desean mejorar la calidad de vida de los enfermos de Huntington. Si usted está interesado en los servicios que la asociación brinda, o desea apoyar con su causa, puede contactarse con ellos a través de su página: http://www.huntingtonmexico.org/index.php • Los trámites, procesos, acuerdos y demás respecto a si la FAMUS puede aceptar una labor como ésta como un Servicio Comunitario oficial, en regla, y/o válido, no son relevantes para este escrito. 5 Rilke, "Elegías de Duino". (Ed.2010). Segunda elegía. • Pido al lector que disculpe lo esquizofrénico (o disperso) de mi escrito. Prometo que al final todos los elementos se relacionan de modo coherente. 7 lPor qué no "Bastián y Bastiana" de Mozart? Por la dinámica dramática, más o menos deficiente en el libreto que Mozart tuvo que utilizar. 2 ENERO - JUNIO 2016 51 UANL í �L _J 7 la tónica hasta la dominante, una figuración llamada "el tema de la lágrima", debido a su uso en piezas de carácter melancólico durante el Renacimiento (principalmente en Gesualdo y Dowland). Ahora bien, dentro de la arquitectura de la ópera, la pieza está justo antes de "cerrar" la obra, pero la deja en suspenso. Armónicamente, la ópera gira en torno a la tonalidad de C menor: casi todo el primer acto está en C, primero en modo menor, y conforme el amor de Dido y Eneas se establece, la tonalidad se torna en modo mayor, al final del acto. La arquitectura tonal se va dando por resoluciones del círculo de quintas: el segundo acto gira en torno a F menor (es decir, el C mayor al final del primer acto cae, "resolviendo", a F), subdominante de la tonalidad original, suspensión sobre la tónica, que introduce gran tensión sin resolución (lo que tiene sentido, porque en este acto, las brujas enemigas de Dido llevan a cabo su plan para arruinarla, y lo logran). El devenir armónico del segundo acto va de F menor (las brujas planeando su venganza, enojadas), a Bb mayor, pasando por F mayor. Es decir, de nuevo, la tonalidad menor se torna en mayor, y funciona como una dominante de la nueva tonalidad a la que resuelve. Justamente, cuando llegamos a F mayor y a Bb mayor, las brujas han logrado su cometido, engañando a Eneas para que deje a Dido (y así causar su ruina). Pero ly esto qué sentido tiene? lNo son éstas las herramientas que utilizó Purcell para representar algo? Nuestro sentir no deviene del uso de la herramienta. lQué es ese algo que resuena tan fuerte en nosotros? Ese algo es un paradigma fundamental de nuestra cultura, que se remonta al inicio de "lo occidental" con el Aquiles de Homero, y que descubrí en mi servicio comunitario a través de un paciente con Huntington. En una de mis sesiones de terapia después de un periodo breve de vacaciones, les pregunté a mis alumnos/pacientes sobre sus días libres y qué habían hecho. Uno de ellos me contó sobre su hijo. Me lo contó todo sobre su hijo. Por curiosidad, decidí preguntarle sobre él mismo, sobre su vida; y también me lo contó todo. Al salir de la clase, le comenté a una de las recepcionistas de la AMEH sobre lo que el paciente me había contado. Todo había sido mentira, excepto lo relacionado a su hijo. De hecho, el paciente no hace mucho: duerme todo el día; no le gusta convivir mucho con los otros pacientes; tiene muchísimos problemas para hablar (y casi no se entiende lo que dice); no puede controlar sus movimientos; y no recuerda mucho. Pero recuerda todo sobre su hijo, que se ha convertido en su héroe. Éste hombre, al borde de la demencia, ya en una etapa avanzada de una enfermedad que lo aniquilará como sujeto, ha hecho todo por superar una condición de su cuerpo que destruye a su mente, y ha decidido recordar sólo a su hijo. lPor qué? lNo es eso el amor verdadero? lAmamos nosotros así a alguien? lAmamos tan intensamente que incluso cuando hemos perdido todo y ya no somos nosotros mismos, aun así seguimos amando, porque eso es El tercer acto gira sobre G menor (tonalidad de la ruina de Dido), relativa menor de Bb mayor (tonalidad de la victoria de las brujas), y Dominante de la tonalidad original de la obra, C menor. La obra termina en tensión: nunca se resuelve a la tónica original; el público queda en suspenso ante la muerte de Dido. En relación al texto y a la forma del aria, la pieza se construye sobre la repetición obsesiva del loco: el tema de la lágrima se repite incesantemente, mientras la cuerda hace un crescendo perpetuo, sólo para morir después en el silencio, mientras Dido repite una y otra vez las palabras "Remember me!". Y esto último es muy importante: no sólo por el carácter obsesivo de la pieza, sino porque, melódicamente, éstas palabras se repiten sobre el quinto grado de G menor: la nota D, un precario equilibrio que debe resolver; que es al mismo tiempo consonante pero no-tanconsonante; una tensión extraña porque no debería serlo; un dolor placenteroª. • Y este recurso de la melodía sobre el quinto grado repetido obsesivamente también lo vemos en Mozart, Beethoven, Mendelssohn, y en general, en las piezas con el mismo carácter. ENERO - JUNIO 2016 52 UANL í �_J 7 L lo único que queda de nosotros? ¿y por qué esto nos conmueve tanto? lPor qué es importante para él? Estas preguntas me hicieron entender la última aria de Dido: lqué importa si vivimos o morimos, si somos olvidados? lNo son medidas las personas en virtud de qué tanto se les recuerda cuando han muerto? ¿y no guía éste precepto nuestras acciones, grandes o pequeñas? Dido rechazó su vitalidad (bias) para convertirse en recuerdo, memoria para alguien (logos). Mi paciente concentra toda su vitalidad (bios) para conservar su recuerdo, un poco de sí mismo (como lagos). El equilibrio y congruencia entre bios y lagos es el precepto sobre el que gira la filosofía de Sócrates, y a partir de ahí, de la filosofía occidental 9 • El sacrificio del Sujeto convierte a labios en lagos, volviendo al Sujeto un ser excepcional, y de ahí surge nuestra fascinación, a pesar de que no se logra una armonía entre ambos términos, sino que se renuncia a la vitalidad para convertirla en recuerdo. Pero, lde dónde surge este paradigma? lPor qué es tan profundo que resuena en todos nosotros? Me parece que tiene su origen en Aquiles, el héroe griego de "La llíada" de Homero. trabajos simplemente para lograr ciertos fines, y la fama postrera no era del todo importante para ellos. Tanto así que podían llevar a cabo tanto acciones admirables como reprobables (desde dejar desamparada a la amada en una isla, a su suerte, a pesar de que ella fuera la clave de su éxito, hasta desafiar a los dioses y pedir un lugar entre ellos en el Olimpo). Los héroes simplemente vivían; eran vitalidad desbordante. Aquiles debe decidir, por primera vez para la humanidad, entre bios y lagos; y prefiere no tomar ninguna decisión. Sólo la ira que le causa la muerte de Patróclo lo inspira a luchar, a pesar de saber que morirá. Es decir, sólo el Amor que siente por alguien (amor verdadero, como el de mi paciente hacia su hijo) lo inspira a renunciar a su vitalidad a favor del lagos . Esto no es trivial: Aquiles, como Sigfried o Jesús, es el último hijo de un dios y un humano dentro de su cultura, y por lo tanto, es el último héroe "divinal" de la tradición griega. Su muerte marca el fin de una era y el inicio de otra; a saber: el final del gobierno directo de los dioses sobre los hombres y el inicio de la libertad humana. A partir de su muerte, los hombres están listos para ser libres; pero están solos. Aquiles es, al mismo tiempo, el último gran héroe, y el primer gran Hombre, sujeto al drama de lo verdaderamente humano: la conciencia de la muerte como inevitable en la bios, pero que se puede trascender en el lagos. Y su decisión será el paradigma en el que se basarán todos los hombres que le sigan; en este caso, el rechazo de la vitalidad heroica a favor del recuerdo como anhelo fundamental de la humanidad, que se cumple usualmente convirtiendo a la bios en lagos. Así sucede justo después de Troya con Ayax, que no puede soportar la vergüenza y prefiere la muerte, y lo mismo con Dido, que prefiere morir que vivir sin amor (a pesar de ser poderosa y hermosa). El Hombre pasa a ser un agente cultural: su anhelo no es ejercer su vida, sino trascender en su Cultura, y esa será la aspiración de todo hombre y mujer verdaderamente libres. (Y quizá, como con Aquiles, esa libertad sólo adquiere sentido al poder rechazar la vitalidad a causa del amor verdadero). Aquiles sabe que puede tener una vida larga y tranquila como cualquier otra persona destinada al olvido, o puede morir en Troya, cubierto de gloria, inmortalizado por su valor. Sin dudarlo, Aquiles prefiere su vitalidad. Tanto así que en algún momento se disfraza de mujer para no ser reclutado en el ejército de los aqueos que van a la guerra. Y a pesar de ser aquel que "descuella de entre los aqueos por su fuerza y su valor", se enoja con Agamenón por una ofensa quizá no tan grave, para evitar la batalla. Incluso si la ofensa fuera terrible, a pesar de ofrecerle una indemnización que sobrepasa por mucho lo que se le quitó en un principio, Aquiles rechaza la oferta, y prefiere quedarse en su tienda, sin pelear. Y nada lo convence de unirse a la lucha; ni siquiera cuando los teucros ya están sobre las naves aqueas, a punto de incendiarlas. Porque Aquiles sabe que va a morir, y prefiere ser vitalidad que ser recuerdo. Ningún héroe (y ningún hombre) antes de él tuvo que tomar esa decisión: los héroes hacían sus • "[ ... ] una y otra vez, en lo tocante a la ascesis socrática, a la parresía y a la forma de vida propuesta por los cínicos (bíos kynikos), veremos cómo, en última instancia, el quehacer filosófico se manifiesta como un esfuerzo (ponós) continuado, como una batalla de largo aliento por lograr una perfecta armonía entre bíos y logos, entre érga y lógoi". Toribio Gutiérrez, María Fernanda. "Sócrates Mainómenos". (2013). Facultad de Filosofía, Universidad Veracruzana. ENERO - JUNIO 2016 53 UANL í �L _J 7 Por eso nos conmueven estas historias. Estamos programados culturalmente para anhelar vivirlas, y su realización es un hito. Lo único que pedimos es ser recordados; y somos capaces de todo para lograrlo1°. Entonces, recapitulando: un paciente de Huntington me hizo entender la profundidad de una obra de arte (encarnación no sólo de la mente del compositor y libretista, sino también de un paradigma fundamental para la humanidad; obra de música que consuela a la Mente no sólo deleitándola, sino recordándole su destino: la inmortalidad inspirada por el amor); esto a su vez, por su temática tan cercana a Troya, me hizo entender las acciones y un poco de la psique de Aquiles, personaje fundamental de nuestra cultura occidental (también representado en una obra de arte); y de ahí, pude entender un poco más lo que es ser Humano (al menos, dentro del paradigma Occidental, y en relación a la pregunta "lpor qué hacemos lo que hacemos?"); y esto me ayudó a entenderme un poco mejor a mí mismo (mi fascinación por la mente y su relación con el Sujeto; y quizá, la fascinación de la humanidad por aquello que solemos llamar "alma"); me ayudó a vivir más plenamente, al menos a través del arte, y a entender mejor no sólo mi cultura, sino a las personas que me rodean. Crecí. Creo, además, que crecí mucho. Y este entendimiento (de mí, del arte, de lo occidental, de lo humano), por pequeño que sea, me ha acercado más a la plenitud y a la felicidad. Y muy probablemente jamás habría entendido nada de esto sin mi Servicio Comunitario. He ahí la importancia de este programa: volvernos más humanos, de verdad. Y quizá, ahora que entiendo mejor qué es lo humano, me haya acercado un poco más a la creación de una Mente artificial. Quisiera agregar sólo unas cuantas sugerencias sobre la elección del servicio comunitario: 1. Debe ser útil, no servil: no busques "servir" a alguien, sino más bien ser de utilidad. 2. Debe ser útil, sobre todo, para ti: es útil en tanto que te ayude a entender mejor la condición humana en carne propia. 3. Debe ser interesante: no todos los servicios disponibles lo son. Busca uno que realmente pueda llamarte la atención; tanto así que estés dispuesto a dedicarle seis horas a la semana como mínimo, todas las semanas. 4. Busca la humanidad en el servicio: usualmente huimos de lo humano porque es fuerte; pero eso sólo ha causado que como sociedad seamos apáticos, o simplemente, que vivamos en "modo zombie" (no importa cuánto quieras negarlo, querido lector, usualmente estamos anestesiados para todo, y uno puede leer "antígona" sin sentir ningún tipo de emoción, o escuchar música fuerte y que daña los oídos y quedarse dormido). El servicio debe servir para encontrar la humanidad del que lleva a cabo el servicio: despertar su compasión y sensibilidad. Dicho de forma muy burda: las personas aspiramos a volvernos "memes". Pero no los "memes" que solemos ver en redes sociales, sino aquellos a los que se refiere Dawkins: unidades de transferencia de información cultural, que sobreviven al proceso de selección natural de la cultura. Buscamos la inmortalidad del artista, del atleta, del filósofo, de las personas que nos inspiran. 10 ENERO - JUNIO 2016 54 UANL í �L _J <;}¿a,; cu1tww,; ~ O / ~ dct ~ cu1tww,; (?/ ~ - ~ nece&VUa/ anú!/ et U!Ú),; CÚ!/ ~ {l/ b nuRAtaS/ ~~""" cúv ~ DRA. C. IVIS NANCY PIEDRA Resumen elaboración, cuidado significando en un principio cultivo del suelo, trabajo agrícola de aquí agricultura sin embargo, con posterioridad en cartas del orador romano Cicerón de Túskulo aparece la expresión cultura animiautemphilosophiaest pero, la cultura del espíritu es la filosofía. En estas cartas se expresa que el espíritu y la razón es necesario cultivarlos, así como los campesinos cultivan la tierra, el cultivo de la razón. El desarrollo de las capacidades mentales y el trabajo intelectual eran concebidas como inclinación natural del hombre libre a diferencia del esclavo y de las capas bajas, cuyo destino era el trabajo físico; el cultivo de los suelos. "1 Reconocer en la cultura el producto de la actividad creadora y transformadora del hombre, tanto de índole material como espiritual fue la máxima motivación para elaborar el presente artículo. Se reconoce en esta, una vía para conducir hacia la reflexión sobre aspectos que en este sentido son de vital importancia como: la relación que, en materia cultural y particularmente al referirse a la producción musical como uno de los contenidos de la cultura espiritual, se establece entre cultura e identidad. Ha de resaltarse el llamado de atención que exige el tratamiento a la temática en el accionar con las nuevas generaciones, lo cual no debe concebirse como problemática a resolver únicamente a través de la política estatal, o del sistema educacional dada la correspondencia que existe entre ambos. Esta debe asumirse como un problema de todos en aras de garantizar el progreso. Como aseveración a posiciones teóricas referidas en bibliografías consultadas, dada la dualidad de significados del término cultura, resulta necesaria su reconceptualización de forma tal que permita ser interpretado en cualquier idioma en el que se emplee. Este se encuentra fuera de los límites del análisis lexicológico por su relación con procesos de orden social y espiritual, lo cual conlleva a transformaciones en la relación del hombre con respecto a la naturaleza y a su medio social inmediato. Contenido del artículo Para realizar el análisis del término cultura se sistematizó el estudio realizado por Mezhuiev, V. como parte del cual plantea que: como término léxico, cultura, se deriva del latín colerecolvi cultivo, 1 Mezhuiev, V.," La cultura y la historia". Editorial Progreso. 1980. Pág. 28. ENERO - JUNIO 2016 55 UANL �L _J 7 En el plano filosófico la diversidad de criterios al definir el concepto de cultura, se evidencia en el hecho de asumir variadas posiciones para ello; entre las que se destacan: la idealista objetiva, la idealista subjetiva y la materialista dialéctica. Puede apreciarse mediante ellas el nexo de la cultura con determinada comunidad histórica; lo cual le imprime un sello particular al fenómeno cultural, vinculándose este con determinado grupo o clase social; lo que condiciona su contenido ideológico. Estos son elementos que deben precisarse ante el problema del desarrollo y la herencia cultural. Reconocer la dialéctica del proceso de interacción del hombre con su medio, entendida como desarrollo social, conducen a valorar la importancia del planteamiento marxista de que la cultura sea considerada como una segunda naturaleza; tomando como referencia la acción transformadora del hombre sobre esta. "El ser humano, más que tener una naturaleza humana es un ser social que produce sus propias condiciones de vida pero estas condiciones son las que determinan la segunda naturaleza que en este sentido, pues, no es natural, sino social" .2 Posiciones premarxistas evidencian que la cultura era considerada de manera diferente por épocas históricas. En algunos casos fue concebida como la simple transmisión de tradiciones de una generación a otra, o como el resultado del proceso educativo que le permitió al hombre la adquisición de conocimientos. Estas posiciones conllevan a que la cultura se reconozca como fenómeno social, siendo superadas por aquella que refiere la interpretación dialéctica materialista de la historia, en la cual es concebida como producción y reproducción de la vida inmediata destacando en la formulación de la cultura su doble aspecto: trabajo y producción. Aparece por un lado como trabajo vivo (la actividad) y, por otro, en la forma objetiva (el producto). En correspondencia con dicho método para el análisis de estas concepciones constituyen referentes importantes los aportes que con relación a la cultura sustenta la teoría marxistaleninista. Se asume la cultura como una expresión de la relación entre el ser social, y conciencia social la cual se asienta en una base socialmente fundamentada y demostrada en la práctica, la que toma en consideración: 1. La complejidad de los procesos de la cultura. 2. El carácter contradictorio de su esencia y manifestaciones a partir de la concepción materialista de la historia. 3. Enfatiza en el contenido social de la cultura. Reconocer la validez científica de la formación económico-social debe conllevar a una serie de consecuencias teóricasª: 1. La necesaria diferenciación entre cultura material y cultura espiritual de la sociedad, no obstante la relación dialéctica que se establece entre ambas. Estas deben ser consideradas formas de producción social; en la que una de ellas, en última instancia, la material desempeña la función determinante. 2. Toda manifestación de la cultura, ya sea en el plano material o espiritual de la sociedad dividida en clases, poseerá de un modo u otro carácter clasista. A partir de la concepción filosófica que se asume, se toma en cuenta para el análisis conceptual de la cultura el siguiente planteamiento: "Aunque en su contenido se encuentra el resultado de la actividad material y espiritual ésta no se reduce a ello sino que incluye como momento esencial la propia actividad creadora, así como el conjunto de los medios, capacidades y mecanismos a través de los cuales se realiza la actividad humana" .4 Cortes, Jordi y Antoni Martínez. "Diccionario de filosofía" en CD-ROM © 1996. Empresa editorial Herder S.A. Guadarrama, Pablo y Nicolai Pereliguin. "Lo universal y lo específico en la cultura". Editorial Ciencias Sociales. 1990. Págs. 29-30. • Rodríguez Ugido, Zaira. "Obras". Editorial Ciencias Sociales. 1989. Pág.230. 2 3 ENERO - JUNIO 2016 56 UANL í �L _J Por ende, en ello influye la herencia cultural, determinando el contenido ideológico de la cultura que caracteriza un período histórico. El producto cultural, ya sea de carácter material o espiritual adquirirá verdadero valor en la medida en que promueva el progreso; lo cual implica su identificación con determinado grupo social. Por su esencia encontramos una tendencia a querer sustituir el término folclor por el de cultura popular tradicional. Se ha hecho una costumbre relacionar el folclor con la actividad de los sectores más humildes mientras que el concepto de cultura popular tradicional abarca elementos que lo hacen más amplio indumentaria, utilización de los recursos naturales, técnicas de acondicionamiento , industrias domésticas, la artesanía popular tradicional, el saber popular, ciencia popular, mitología, creencia, superstición, manifestación artística popular. "En el caso de la producción cultural de carácter artístico no puede verse como simple reflejo de identidades, sino como el intermedio entre la cultura que lo creó y las nuevas identidades". 7 Asociado a este aspecto Maritza García y Cristina Baeza en estudios sobre antropología social contemporánea definen la cultura como "sistema vivo que incluye un sujeto socialmente definido, que actuando de determinada manera en una situación histórica y geográfica específica, produce objetos materiales y espirituales que lo distinguen. La cultura en este sentido surge conjuntamente con el sujeto actuante e incluye su actividad y los productos de esta" .5 Se asume de esta definición el hecho de enfatizar en la significación social de la cultura lo cual repercute en la expresión del sentimiento de mismidad del sujeto, patentizando "el derecho a la existencia, coexistencia y desarrollo de distintas formas de cultura, esto incluye grupos humanos que asumiendo sus proyectos de vida, actúan generando respuestas y valores retroalimentadores de su cultura".ª Para explicar la cultura la filosofía se auxilia de tres disciplinas: lo lógica, la ética y la estética. La estética pretende el conocimiento sensitivo de lo perfecto y otras múltiples manifestaciones a partir de una de las capacidades fundamentales del hombre, el sentimiento. El arte es reconocido como una de las partes de la estética. "Aunque no agota su objeto de estudio constituye su expresión más plena y generalizadora. Ello justifica su relación directa con el contenido de lo que se denomina cultura espiritual".ª La cultura es el fundamento de la identidad, por constituir la expresión específica de espiritualidad que define la individualidad de cada país, región, etc. No es posible la identidad de un pueblo sin memoria histórica según el carácter creativo de esta permitirá darle continuidad a las identidades. En correspondencia con la evolución en espiral que debe llevar implícito dicho proceso. Como elementos de partida tenemos las tradiciones, los conocimientos históricos, las ideas y el folclor. Este último es considerado su núcleo básico, y no debe concebirse como algo ridículo, externo o pintoresco, sino que debe ser tomado como parte esencial de la vida que enriquece la historia de cada nación. Ello influye de forma activa en las grandes masas populares, que son sus portadoras naturales. Teniendo en cuenta la existencia de definiciones del término cultura, en relación con las bellas artes, se precisan de ellas los aspectos referidos a su carácter humanístico y sociológico. Del concepto humanista estético, se comparte el criterio del significado que le es conferido al nivel de instrucción del individuo para ser considerado verdadero poseedor de cultura y lo que tal apropiación representa para la satisfacción espiritual. El análisis del carácter sociológico de la cultura es asumido por la necesaria socialización del conocimiento y el beneficio que esto reporta para el progreso de la humanidad. Como una necesidad social se encuentra la obra artística; al ser empleada como medio para reflexionar y expresar los conflictos sociales. Mediante esta se puede introducir un sistema de valores y una perspectiva de análisis que lo convierte en instrumento para evaluar su significación social. La tradición es lo lejano y lo naciente, supone la aceptación incondicional por parte de cada nueva generación de valores transmitidos. Incluye la manera de pensar y sentir las cosas, es algo premeditado. Su punto de partida lo encontramos en las costumbres al convertirse estas en una necesidad. García Alonso, Maritza y Cristina Baeza Martín."Modelo teórico de la identidad cultural. Trabajo técnico editorial José Martí. Centro de investigación y desarrollo de la cultura cubana Juan Marinello. 1996. Pág.18. 6 ldem. Pág.12. 1 De la Torre, Carolina Conferencia de inauguración del evento ldéame rica 2001 ". Noviembre 2001. ª Koprinarov, Lazar. "Estética". Editorial Pueblo y Educación. 1990. Pág. 4. 5 ENERO - JUNIO 2016 57 UANL �L _J 7 En el contexto del presente artículo su autora precisa que el producto artístico se concibe como el resultado de la actividad artística, es decir, la creación y reproducción de obras del arte visual, musical, literario, cinematográfico, representación danzaría o teatral. El reflejo humano de la realidad, a partir de la relación sujeto-objeto (producto artístico), se expresa en tres componentes que operan de forma sistémica: cognitivo, afectivo y comportamental: • Cognitivo: reflejo del conocimiento de las propiedades y relaciones esenciales de los objetos y procesos. • Afectivo: como reflejo de los significados de los objetos para el sujeto. • Comportamental: reflejo de los objetos y procesos a través de los estados anímicos, sentimientos y actos voluntarios. En la relación entre sujeto-objeto, lo primero que se establecen son vivencias que conllevan a que el individuo asuma determinada posición ante el producto artístico. En la valoración que se realice sobre dicho producto se considera la relación entre vivencias y el conocimiento que el sujeto posea sobre el mismo. El componente comportamental se reconoce mediante la expresión por parte del sujeto de estados anímicos, sentimientos y actos voluntarios, como consecuencia del reflejo de lo afectivo y lo cognitivo. Debe reconocerse al hacer referencia a las temáticas: cultura e identidad, la incidencia de las diferentes manifestaciones del arte. Cada pueblo tiene su literatura, su forma particular de baile, sus obras plásticas, así como su música la que al ser escuchada es reconocida como suya, estableciéndose patrones que definen una identidad musical en la cual subyace la cultura musical. Se reconoce entonces en la cultura artística el principal sustento de la cultura musical. En ese sentido resulta necesario precisar el contenido de la definición que de cultura presenta el antropólogo norteamericano Marvin Harris: "conjunto aprendido de tradiciones y estilos de vida, socialmente adquiridos, de los miembros de una sociedad, incluyendo sus modos pautados y repetitivos de pensar, sentir, y actuar" 9 , por explicitar en ella la relación entre la aprehensión del contenido de la cultura e implicación en el comportamiento del individuo y, el hecho de que el término cultura musical sea empleado con frecuencia en bibliografía diversa sin que se precise la esencia de ella, condujo a la autora del presente artículo a definir cultura musical como: el conjunto de productos musicales así como, mecanismos y medios empleados en la actividad artístico musical, que por su significación conforman el acervo musical, de los que se apropia el hombre en su interrelación con el medio social e influye en su forma de sentir, pensar y actuar. 10 En la cultura artística se reafirma entonces el reconocer el principal sustento de la cultura musical, asociado a que en ella se refieren tanto la producción como reproducción concerniente a las manifestaciones del arte; la música se identifica como una de ellas. A partir de esta relación y la implicación que tiene con la estética como ciencia, justifica su relación directa con el contenido de lo que se reconoce como cultura espiritual. Trujillo Sáez, Fernando. Cultura, comunicación y lenguaje, reflexiones para la enseñanza de la lengua en contextos multiculturales. Ed. Octaedro. 2006, Pág. 79. 10 Piedra Navarro, lvis Nancy. La cultura musical de los estudiantes de primer año de la Licenciatura en Educación, especialidad Profesor General Integral de Secundaria Básica. Tesis presentada en opción al grado científico de Doctor en Ciencias Pedagógicas. 2008. Pág. 19. 9 ENERO - JUNIO 2016 58 UANL í �L _J 7 Cada pueblo tiene su propia música, la que lo identifica como tal. La música es una actividad que tiene, por un lado, elementos universales y, por otro, elementos culturalmente específicos. El logro musical no es únicamente un reflejo estricto de la habilidad innata, sino que puede favorecerse a través del estímulo y adiestramiento culturales. Como mecanismo de dominación es reconocido un fenómeno denominado Globalización Neoliberal, cuya pretensión fundamental a partir de los años cincuenta, del siglo XX, fue operar la llamada asociación e integración dependiente de los mercados nacionales al mercado mundial. A partir de los años ochenta, la última ola de Globalización pretendió una nueva división internacional del trabajo de la sociedad global acompañado de la destrucción del modelo educativo humanístico del siglo XIX. "No formarán parte del modelo educativo la patria o el Estado Nacional sino el Estado Global; no el mercado nacional, sino el mercado mundial, no el ciudadano patriota y demócrata, sino el trabajador de las máquinas de las empresas transnacionales y el ejecutor político de los dueños de la aldea global. 1 Ante este fenómeno se asume un papel reactivo a los procesos hegemónicos de los centros del primer mundo por lo que se convierte en una necesidad reciclar la identidad. "La identidad cultural no se puede colgar de las paredes de los museos porque estaríamos matándolo todo. Convertirla en una pieza arcaica sería una forma de convertirla en una pieza muerta. "2 Lo planteado conlleva a reafirmar que la humanidad no tendría la existencia real y objetiva sin producir arte, filosofía y, en fin, vida espiritual. Porque hay una antigua verdad que se precisa destacar con todo rigor en el pensamiento científico y filosófico moderno; no sólo de pan vive el hombre. "3 En ello la educación "categoría eterna" 4 ha desempeñado un rol determinante. En tal sentido constituye una exigencia la formación integral del individuo; con lo que se pretende no sólo instruir sino también la educación moral, formación de hábitos de conducta y amor al trabajo perneado todo de un amplio desarrollo del gusto estético. La formación integral no sólo está determinada por el acceso que se tenga a información variada así como a tecnología moderna en aras de elevar el nivel cultural del hombre, sino que partiendo de ser reconocida la cultura como una realidad objetiva ligada al destino humano debe inculcar la vocación activa y transformadora. Nadie está exento de la incidencia de este mecanismo de dominación e imposición cultural que pretende exterminar las identidades nacionales de los pueblos, de lo cual se deriva el necesario análisis de la relación que se establece entre elementos como son: cultura hegemónica, subcultura y contracultura. La juventud puede ser influenciada negativamente por patrones de conducta así como estereotipos implícitos en el contenido de la información que llega a través de los medios de difusión masiva utilizados como forma de penetración; si no se les concientiza sobre cuál es su realidad partiendo de los antecedentes que hacen que se reconozcan como entes activos de ella. Dieterich, Heinz. "Identidad Nacional y Globalización ". Editorial Abril 2000. Pág. 148. Morales, Isabel. "Conferencia de clausura del evento ldéame rica 2001 ". Noviembre 2001. 3 Hart Dávalos, Armando. "Hacia una dimensión cultural del desarrollo". Editorial CREART, 1996. Pág. 73. • Konstantinov- Savich-Simirnov. "Problemas fundamentales de la pedagogía ". Editorial Nacional de Cuba, 1969. Pág. 14. 1 2 ENERO - JUNIO 2016 59 UANL í �L _J 7 La mus1ca es una de las manifestaciones artísticas que el hombre utiliza como medio de expresión, de ahí su importancia y trascendencia, ella goza de gran aceptación entre la población. A través de sus medios expresivos se acentúa el nivel de comunicación, incidiendo en el estado anímico de las personas. Como resultado de la imposición cultural global los medios de difusión masiva: radio, televisión, así como empresas discográficas han estado fuertemente influenciados por procesos de internacionalización donde el producto musical acentúa su carácter de venta y deja a un lado su función representativa de elementos culturales de una nación. Muestra de ello lo tenemos al analizar lo sucedido alrededor de la década del 60 del siglo XX con la aparición de un fenómeno musical denominado "salsa", cuya finalidad era netamente comercial. Su esencia, la fusión de elementos o patrones musicales de géneros del área del Caribe, en el que se reconoce al son cubano como su base fundamental. El resultado de esta mezcla apoyado en la excelente calidad de grabación fue un tipo de música que aún cuenta con la aceptación de la población. Propio de la evolución histórica es el ansia de renovación que, en el caso de la música se convierte en una ardua tarea a partir de la búsqueda de nuevas sonoridades, de la que no puede excluirse la interacción con lo que en el ámbito musical internacional se está produciendo. Éste interés se reconoce tanto en la música popular como en la llamada música culta o de concierto. ENERO - JUNIO 2016 Al pueblo lo caracteriza su música. Esto ha influido notablemente en la conformación de la identidad musical a partir de la producción que en este sentido la sustenta. Como parte de ella se han desarrollado en la música popular diferentes géneros. En la música de concierto también se reflejan patrones identitarios. Ante esa realidad constituirá menester el que se reconozca como parte de la política educacional de cualquier país la formación de una cultura general integral en las nuevas generaciones; razón por la cual se La realidad impone hacer un llamado a la reflexión teniendo en cuenta el curso del fenómeno musical actual con la aparición de diversas formas musicales a nivel internacional. Tal es el caso del rap, la proliferación de la música disco, y como gran acontecimiento el denominado reggaetón, las que son consumidas mayormente por la juventud, asociada a la vitalidad que los caracteriza. Pero realmente lcuál es la esencia de esta música? El patrón rítmico reiterativo es lo característico. Se ha tomado como base para una producción musical, con carácter comercial, elementos representativos de 60 presta atención al tratamiento que exige la temática. La experiencia demuestra lo factible de incluir programas de Educación Musical, en los diferentes niveles de enseñanza, cuyo objetivo específico sea desarrollar en el individuo capacidades, conocimientos, hábitos y habilidades que le permitan en su actividad apreciativa realizar una valoración musical de la realidad a partir de las vivencias de los fenómenos sonoros e incidir en su cultura musical; esta finalidad según la edad del individuo se trabaja acentuando el desarrollo de una u otra habilidad. determinada cultura; devueltos en un producto que es consumido como algo completamente nuevo lo que provoca en ocasiones el rechazo a lo nacional. La preocupación ha de centrarse en la valoración que hace la población en general y la juventud en particular con relación a este acontecer, sin oponernos al que disfrute de él, pues estaríamos negando de cierto modo el desarrollo vivenciado en la búsqueda de nuevas formas musicales. Se impone hacer un llamado al goce de forma consciente, conduciendo al análisis de su verdadera esencia, en correspondencia con el principio científico de la educación. UANL í �L _J 7 La labor educativa en este sentido estará dirigida a conducir al sujeto sobre el que actuamos en el análisis de fenómenos o sucesos musicales no fríamente, sino teniendo en cuenta los diferentes factores que han influido en su conformación lo cual no es más que el resultado de un proceso integrador. Poseer una cultura musical implica entre otros elementos poder valorar un producto musical a partir de la actividad apreciativa con argumentos para ello en lo que cultura e identidad resulta ser binomio de obligatoria observación. A partir de este razonamiento podrán emitirse entonces valoraciones sin olvidar lquiénes somos? lCuál es nuestra procedencia? lCuál es nuestra realidad? En correspondencia con ello, y en aras del progreso para continuar la labor creativa y transformadora. Referencias Cortes, Jordi y Antoni Martínez. Diccionario de filosofía en CD-ROM© 1996. Empresa editorial Herder S. A. De la Torre, Carolina. "Conferencia de inauguración del evento ldeamerica 2001 ". Noviembre 2001. Dieterich, Heinz. Identidad Nacional y Globalización. Editorial Abril. 2000. García Alonso, Maritza y Cristina Baeza Martín. Modelo teórico de la identidad cultural. Editorial Trabajo técnico editorial José Martí. Centro de investigación y desarrollo de la cultura cubana Juan Marinello. 1996. Guadarrama, Pablo y Nicolai Pereliguin. Lo universal y lo específico en la cultura. Editorial Ciencias Sociales 1990. Hart Dávalos, Armando. Hacia una dimensión cultural del desarrollo. Editorial CREART, 1996. Konstantinov- Savich-Simirnov. Problemas fundamentales de la pedagogía. Editorial Nacional de Cuba, 1969. Koprinarov, Lazar. Estética. Editorial Pueblo y Educación. 1990. Mezhuiev, V. La cultura y la historia. Editorial Progreso. 1980. Morales, Isabel. 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U na persona "normal" que empieza a estudiar música se enfoca en los grandes compositores de los periodos hasta antes de la música llamada contemporánea, usualmente le sacan la vuelta a la música del siglo XX, y así también podríamos decir que le sacan dos vueltas a la del siglo XXI, pero, lpor qué esta falta de aceptación de la gente y de comunidad musical? Si soy pianista, lporque elegí el tema de la música contemporánea y no temas relacionados con el piano? Porque ciertamente he encontrado una fascinación por esta música y en cuanto tenga el conocimiento y el nivel, dedicaré gran parte de mi tiempo a interpretarla. Antes que todo, me gustaría dar mi opinión acerca de la música contemporánea, para lo cual encuentro conveniente explicar un poco sobre mi percepción del mundo, lo cual se encuentra ligado a como veo la música en general. Esta pregunta dio pie a mi investigación, me hice a la tarea de recopilar una serie de entrevistas realizada a diferentes personas, músicos instrumentistas y compositores, tanto aquellos que apenas comienzan su carrera y aquellos que están establecidos profesionalmente, quienes amablemente compartieron sus pensamientos. Considero que estoy lejos de comprender muchas cosas de este mundo, a mi percepción todos estamos aquí sin saber por qué, unos creen saberlo, y otros afirman saberlo, pero algunas personas, como yo, están algo perdidos tratando de encontrar un rumbo, un indicio, una pista, ialgo!, que nos deje ver la lógica de este plano de existencia, creo que talvez esa sea una de las razones por las cuales lo que busco en la música es sinceridad. Ahora, lCómo saber si la música es sincera? En esta serie de entrevistas pude reflexionar no sólo en la falta de aceptación de la mus1ca contemporánea, sino también pude conocer las opiniones acerca de la primera impresión que han tenido de ésta, el por qué decidieron ser compositores (en caso de) y específicamente dedicarse a ella. ENERO - JUNIO 2016 62 UANL í �L _J 7 Considero que es todo aquello que sale natural de la mente de las personas, (no me refiero a que la música debe ser una improvisación) las emociones ideas y percepciones del entorno, entonces la música sincera debería reflejar esto. Por ejemplo, que las emociones plasmadas en la música reflejen sentimientos realistas, (buenos o malos, bellos o lo opuesto). En mi experiencia, el estar en contacto con este nuevo universo sonoro qu e música contemporánea, desde el inicio de mi carrera musical, me abrió a un mu que yo jamás hubiera concebido que existiera, doy gracias por este accidente, y la razón por la cual la música contemporánea lleva y llevará un espacio en mi mente no es porque la entienda en su totalidad, sino porque aquí se percibe esta sinceridad que tanto he buscado. Esta música tiene grandes y diversas posibilidades musicales y expresivas, quizá sea ésta la razón de mi fascinación. No estoy diciendo que toda la música contemporánea sea buena y sincera pero aquí he encontrado una originalidad que sería bueno compartir. Aun así por más sincera que haya sido concebida siempre habrá ese elemento que la vuelve un evento mágico, que vive gracias a los músicos (unos mentirosos profesionales según Julio Estrada), una magia inigualable a la cual yo me considero adicta. ~ En mi opinión, creo que el mayor objetivo de un compositor es lograr crear música sincera, así como el intérprete debe tocarla de la misma manera. De los compositores que han tenido un impacto en mi manera de ver la música y quizá hasta a la propia vida destaca uno en especial, estoy hablando de Ernesto Ballesteros, gracias a él yo conocí obras que me impactaron, o fascinaron, obras de su autoría y obras que también le impactaron a él, que amablemente quiso compartir conmigo. Entre las obras que conocí que me permitieron ver la música de otra manera están: De John Cage, las "Sonatas para piano preparado", esta serie de piezas me permitió ver algunas de las posibilidades sonoras que se pueden lograr no sólo en el piano, sino en el resto de los instrumentos musicales; de Luciano Berio, "Laborintus 11", para mí una sonoridad totalmente distinta a lo que había escuchado jamás; "Stripsody" de Cathy Berberian, con su manera poco convencional de la escritura y el canto, que me fue más accesible entender. Otra obra importante y sumamente impactante, quizá la que más me llegó, fue "Treno a las Víctimas de Hiroshima" de Penderecki, la cual es un canto que busca reflejar el horror que se vivió en Hiroshima durante la segunda guerra mundial, aquí el compositor logra plasmar y transmitir de una manera realista el verdadero dramatismo de la muerte misma. Estas son sólo algunas de las obras que me abrieron a las posibilidades y me ayudaron a apreciar esta nueva música, a partir de aquí empecé a escuchar la música con una perspectiva diferente. Ahora sí, vamos a conocer las opiniones de mis entrevistados, que como ya mencioné antes contestaron muy amablemente a todas mis preguntas, les agradezco mucho por dedicarme unos minutos de su tiempo. Primera entrevista: Philip Grange (Inglaterra, compositor, y titular del área de composición en la Universidad de Manchester, PhD: Composition) 1. lCuáles fueron sus primeras impresiones de la música contemporánea y porque decidió ser compositor? ENERO - JUNIO 2016 63 UANL í �L _J 7 Cuando era joven, digamos doce o trece años de edad, no estaba en la música contemporánea, yo estaba en la música clásica y el compositor más avanzado en el que estaba interesado era Shostakóvich, él era mi gran héroe. Pero cada vez me volví más y más interesado en cosas que estaban pasando en Londres, porque Boulez estaba dirigiendo en Londres en ese entonces y había muchos conciertos de Berio, Stockhausen y yo solía ir a ellos. Para ser honesto, esa música no tuvo mucho impacto en mí. Después cuando tenía 15 años fui a un Prom en Londres en el verano de ese año y escuché una pieza llamada ''The Triumph of Time" de Harrison Birtwistle y pensé: iesa es la música que quiero escribir! iEso es asombroso!; todo empezó a partir de ahí realmente. Yo era tan arrogante que no me di cuenta que era un compositor tan famoso (Birtwistle), mi arrogancia me empujó a ir con sus agentes y decirles que quería estudiar con él (sabes, como si él quisiera enseñarme a mO, aun así después de un año el me vio, me vio cinco veces y me recomendó que fuera a estudiar con Peter Maxwell Davies, que era amigo de él ,y yo estudié con Maxwell Davies (otro compositor muy, muy importante en Bretaña), él ha sido Maestro de Música de la Reyna, y él me enseñó por siete años. Así es como me fui involucrando en la música, y fue esa experiencia de escuchar aquella pieza en el Prom una de las experiencias más importantes. Segunda entrevista: Nickos Harizanos (Grecia, compositor, Research Master's degree in Composition) 1 . lCuáles fueron sus primeras interacciones con la música contemporánea? Cuando era joven estaba influenciado mayormente por la música de los compositores románticos, digamos Prokófiev, Mahler, Bruckner, Shostakóvich, Bartók. Entré al conservatorio a una edad muy tardía, tenía 18 años, pero antes de eso ya había empezado a escribir música. En esos tiempos no teníamos acceso a internet, encontrábamos muy pocas partituras porque era muy caro comprarlas, las pedíamos de la biblioteca del conservatorio o prestadas de amigos y comencé a analizar cómo trabajaban los grandes compositores, y después de un tiempo fui a la Universidad de Manchester e hice mi maestría y ahí tuve la oportunidad de visitar unas bibliotecas muy, muy grandes, para incrementar mi conocimiento de las nuevas técnicas de la música de vanguardia. 2. lQué lo inspira al ser compositor? Me inspira cualquier cosa, una idea, un sentido, una fotografía, un paisaje, cualquier cosa, lo que veo y lo que siento. 3. lCuáles son sus compositores contemporáneos preferidos? Me gusta la música de Xenakis, Berio, Luigi Nono, Toru Takemitsu. 4. lQué hay de Serio, qué le gusta de él? La conexión entre la espiritualidad mediterránea y la combinación de las técnicas modernas. 5. lQué le gusta de Xenakis? Prefiero las obras grandes de Xenakis, porque sabe cómo manejar el sonido masivo de la orquesta, es muy imaginativo. Tercera entrevista: Dr. Ricardo Martínez (compositor, titular del área de composición en la UANL, FAMUS.) 1 . lCuál fue su primera impresión de la música contemporánea, cuándo fue, cómo fue? Pues fue un shock para mí, yo empecé a componer aquí (en Monterrey) pero sin maestro de composición, basado en mis conocimientos de armonía y tuve la oportunidad de salir a unos cursos a Canadá de composición y ahí fue donde descubrí la música contemporánea. ENERO - JUNIO 2016 64 UANL í �L _J 7 2. l Y qué le llamó la atención de ella? Fue una sorpresa para mí, yo quedé impactado pero a la vez muy gustoso por ver el panorama que tenía frente a mí, que era interminable, puedes tomar muchos caminos. El maestro que me introdujo en esto se llama Rudolf Komorous, él era refugiado Checoslovaco, pero con /as broncas que hubo con la Unión Soviética, él sale y se va de refugiado a Canadá, un excelente músico, mucho mejor compositor y él es e/ que considero yo mi papá, porque él me impulsó mucho y me abrió todo el panorama de la música del siglo XX. 3. lCuál es la razón por la cual usted se volvió compositor? Bueno yo desde antes andaba de músico rockero y todo era como Dios me había dado a entender, pero llegó un punto en el que dije: yo necesito estudiar y tener más técnica. Tocaba teclados, y me metí con esa intención a la Escuela de Música que hoy es Facultad de Música. En mis e/ases de armonía empecé a descubrir que tu podías crear, y empecé a componer, entonces ahí fue donde dije "yo definitivamente no voy a ser pianista, tecladista o nada", y también en cierta manera se me abrió el panorama al escuchar música de la llamada "clásica": a Mozart, a Beethoven, a Bach, etc., de ahí yo dije: "el rock es simplemente un granito de arena en la inmensidad de la playa", y así fue como empecé, o sea primero de querer ser tecladista decidí que mi carrera era la de composición, pero aun así no había maestros, no había manera de desarrollar y salen esos cursos a /os cuales yo voy, (y pues sí eran piececitas muy sencillas con bajito de Alberti y cosas así), y ahí es donde se me abre el panorama de la música contemporánea. 4. lCómo piensa que debería ser la música, qué es lo que debería hacer la música, cuál es su ideología? La música tiene una razón de ser, y no de ahorita sino de siempre, que es una manera de expresión del ser humano, es inherente al ser humano, yo creo que es tan antigua como el propio ser humano, es una manera de comunicar, de expresar, no necesariamente cosas concretas sino cómo se percibe el mundo. 5. lCuáles son sus compositores favoritos y por qué? No tengo favoritos, toda la música de cualquiera tiene su significado, es nada más de adentrarse un poco para ver precisamente qué es /o que está tratando de expresar. Cuarta entrevista: Mtro. Roberto Carlos Flores Pérez (compositor, maestro de composición en la FAMUS) 1. lCuáles fueron sus primeras impresiones de la música contemporánea? Cuando empecé a escuchar música contemporánea lo que me gustó, lo que me llamó la atención fue la forma diferente de decir /as cosas, lo impredecible del discurso fuera del contexto tonal predecible, además de la diferente forma de lograr colores con orquesta, con ensamble, que en realidad, bueno, es como hacer una plática pero dicho de una forma diferente, con recursos, con elementos diferentes, con lo impredecible del lenguaje, del ritmo, del tono color, eso fue lo que de entrada me impactó de la música contemporánea que a partir de eso es como intenté adentrarme en ella. ENERO - JUNIO 2016 65 UANL í �L _J 7 2. Entonces lpor eso decidió ser compositor? Yo creo que es muy difícil que alguien decida ser compositor escuchando a Xenakís o a Lígetí o a Berío, yo quería ser compositor porque escuchaba a Mozart, Beethoven, Schubert, Schumann, Brahms, y porque me ponía demasiado nervioso cuando tenía que tocar piano, entonces sabía que no iba a ser instrumentista. Cuando yo entro a la facultad a estudiar composición mí idea de composición era pues lo que yo conocía como dentro del contexto tonal. Cuando yo estudiaba antes de entrar a la facultad mí maestro de armonía en Monclova donde yo estudiaba, él me decía que de Schonberg para adelante ya no existía la armonía, entonces nunca me mostró nada más arriesgado que eso, entonces cuando entro a la facultad, ahí me presentan a Lígetí, a Berío, Xenakís, a Ferneyhough, y oyéndolos es donde descubro que hay más allá de lo que yo conocía, y me gustó eso, y a raíz de ahí ya decidí investigar, explorar cómo se lograban esas sonoridades, y fue lo que me atrajo. 3. lExiste algún compositor que considere su favorito? lPor qué? Sí, en mí caso Lígetí. Tal vez es porque fue el primer compositor de quien me explicaron cómo funcionaban ciertos procedimientos que él realizaba, como la mícropolífonía, y bueno, cuando empiezas a entender algo como que empiezas a agarrarle gusto, y a partir de ahí empecé a conocer otros compositores como Donatoní. Donatoní en /os noventas venía con frecuencia a la UNAM y yo nunca pude tomar algún curso con él, pero de /os alumnos que participaban, tuve la oportunidad de conocer a varios y me explicaban cosas, más o menos la estructuración en la música en general de Donatoní. Después tuve la oportunidad de ir a estudiar con Donatoní en Italia y ahí entendí gran parte del funcionamiento de otros compositores de la época. Y bueno, creo que fue de poco a poco ir entendiendo cómo funciona o cuál es /a intención de cada compositor, como me fui adentrando en conocer cada vez a otro, y a otro, y a otro más, de ahí yo tomo lo que me sirve y lo que no, pues simplemente lo desecho. 4. Entonces lqué le sirve? lCómo piensa que debería ser la música? No como debería de ser, pero tomo lo que necesito para poder expresar lo que yo quiero expresar, yo no tengo ningún problema en la combinación de estéticas dentro de un mismo trabajo siempre y cuando se justifique por la finalidad del trabajo, y como dicen "el fin justifica los medíos" entonces sí, utílízando ciertos recursos consigo lo que deseo y a mí no me importa. Sí tuviera que mencionarte algún compositor de mis favoritos mencionaría a Lígetí, sí tuviera que mencionarte algún compositor mexicano sería Federico /barra y Gabríela Ortíz. 5. lCuál sería su recomendación para las nuevas generaciones que no aprecian esta música? Pues nadie está obligado a que le guste algo o a que tenga que apreciar algo, simplemente indicar que le den una oportunidad de acercarse a la música contemporánea, pero que se den el tiempo de tratar de asimilar cierta sonoridad, aunque de entrada parezca muy dura o muy áspera, es decir, que no lo deseches a la primera escucha, pero sí después de varías escuchas te sigue desagradando tienes el derecho de "abandonar el barco", nadie está obligado a que le guste cierto tipo de estética, al que le gusta Brahms, al que le gusta Mozart, es totalmente aceptable, es como querer que a alguien le guste forzosamente la pintura o cierta corriente de pintura o escultura, hay público para todo, creo, en nuestro caso, poquito, pero hay. ENERO· JUNIO 2016 66 UANL í �_J L heavy metal te va a parecer fresa, cualquier rock más denso, rock progresivo, todo lo que te puedas haber imaginado, no se compara" y puso la segunda parte de la "Consagración de la primavera", (después de los once acordes de la cuerda con timbal), después de eso está demasiado intrincado el ritmo, hay mucha disonancia. Cambió mi vida después eso. A Webern no fue mucho tiempo después quizá tenía unos 20 años y lo de Lachenmann unos 25. Quinta entrevista: Mtro. Eduardo Caballero (compositor) 1. lCuál fue su primera impresión de la música contemporánea? Recuerdo cuando escuché la "Consagración de la primavera" que sí fue un impacto, después me acuerdo mucho cuando escuché el "Cuarteto opus 28" de Anton Webern, esos dos momentos los tengo muy grabados en mi memoria. Ya paulatinamente fui escuchando más obras de siglo xx, también me acuerdo mucho del "Segundo cuarteto" de Lachenmann, es un cuarteto mucho muy largo y muy lento, pasa muy poco, pasan cosas pero muy pocas. Escuchar la Consagración me fue muy cómodo, fue súbito (el agrado), y así toda la música de Stravinsky. El opus 28 de Anton Webern si fue un choque, no entendí por qué un compositor componía de esa manera, por qué hace ese tipo de sonoridades tan estridentes para mí, o tan disonantes, me pareció un choque, no me agradó, pero después sentí como sí se hubiera abierto mí percepción, ahora escuchar un cuarteto op. 28 es como algo muy natural, y me sucedió lo mismo con el Segundo cuarteto de Lachenmann, que no entendía por qué era tan largo, por qué pasaba tan poco, ¿porqué hacer música de esa manera?... eso sigo tratando de digerirlo. Lachenmann tiene 3 Cuartetos, me gustan muchísimo y de cierta manera ya he digerido el Primero y el Tercero pero el Segundo, que fue el primero que escuché, no, sigue siendo para mí hasta cierto punto un reto escucharlo, no porque sea difícil sino ¿por qué componer algo así? ... De cierta manera ese segundo cuarteto es quizás de los que más he tenido influencia. Lachenmann no fue cómodo pero fue bueno salir de un centro de confort y tener una experiencia sonora distinta. Quizá eso es de lo que más me gusta de un concierto de música contemporánea porque no sabes lo que te vas a encontrar, no sabes qué esperar, aun así conociendo a un compositor quizá sus obras son muy distintas una entre otra, es como descubrir un nuevo mundo en cada concierto de música nueva. 3. lQué lo inspiró a ser compositor? Pienso que pudo haber sido por accidente, siempre pensaba que era eso. Me metí a la clase de composición de Ramiro Guerra, estaba un anuncio en la Superior: 'Taller de composición tal día", no me llamó la atención asistir pero a un amigo sí, era un maestro ciego ("¿cómo que un maestro ciego enseñando composición?'J. Estudié contrapunto con él, después composición, y ya fue, me metí en ese mundo, pero realmente muchas veces antes de ese encuentro con Ramiro Guerra componía cosas, componía pequeñas piezas pero nunca podía pasar de 20 compases, hacía una idea y no sabía qué más hacer, hacía otra idea y no sabía qué más hacer, hasta que entré al taller con Ramiro fue que ahora sí completé una pieza, y ya después hacía 20, 50, 100, compases, ya no representaba un problema o todo un cuestíonamíento de "¿ahora qué sigue?" sino que era más natural. Hay algo común en lo que he dicho cuando una persona no entiende algo, una música, un lenguaje, no quiere decir que va a ser eterno, es esa situación que está en un momento y que después se aclara todo. 4. lCómo piensa que la música debería ser, que debería expresar, en qué debería basarse? Pienso que hay muchos compositores que dicen que se preocupan por el público, que hacen música pensando en el público, hay gente que dice: "no, yo sólo compongo música pensando en mis ideas" ,yo creo que ambos están bien y no creo que sea necesario decirle: "Tu estás mal y yo estoy bien", yo creo que cada quien compone música porque de cierta manera es la música que le gusta escuchar, siento que no es necesario criticar la postura de otros cuando el otro está feliz haciendo lo que le gusta hacer, entonces mi respuesta es: No hay una forma, hay múltiples formas, no pienso que debería ser de una sola manera, somos de muchísimas formas. 2. lQué edad tenía cuando escuchó esta música? Stravínsky a los 17, nunca antes había escuchado Stravínskíw escuché la Consagración. Llegué a la casa de un amigo y me dijo: "tienes que escuchar esto, después de esto cualquier grupo de ENERO - JUNIO 2016 67 UANL �L _J 7 Jorge Gómez: que la música contemporánea le había sacado mucho de onda (a los 17 años), debido a su falta de inmersión de este nuevo código, pero le llamó muchísimo la atención y desde entonces ha investigado y le ha agarrado mucho interés a escuchar y analizar. Uno de sus compositores favoritos es Xenakis. En su música utiliza una especie de "detonantes" (sonoros o no) que le invitan a tratar, reproducir o plasmar en su música. Por último él está seguro que debemos de estar siempre muy actualizados en lo que se está haciendo (musicalmente), tanto en México, como en el resto del mundo, es una obligación como músicos y compositores. Jorge Serna: que en una clase de música de Técnico Medio, vieron algo sobre música contemporánea, pero que antes ya había escuchado música que coincidía dentro del perfil de la música contemporánea, (como por ejemplo de King Crimson) pero sin saberlo. Hay dos compositores que para él fueron un parteaguas en su manera de ver la música: el primero Berio, y el segundo Górecki (por tener un balance en su música en cuanto a estilos). Él considera que cada estilo de cada compositor está basado en sus circunstancias, y el entorno lo define para bien o para mal. También opinó que Monterrey se encuentra en una especie de vacío, por tener una cultura mezclada (ni es tan mexicano, ni es gringo), para lo cual tiene toda la razón. Él nos comparte una reflexión acerca de la música: la música debe ser para expresar algo y después compartirlo, una obra es exitosa cuando logra transmitir algo. Por ultimo él decidió ser compositor para de alguna manera trascender en la vida y poner su granito de arena. 5. Entonces lla música debería reflejar la personalidad o la mente de cada persona? Sí, de cada persona o de cada cultura, pero no creo que deba ser de una manera, si alguien es feliz haciendo algo nadie debería criticarlo, piensas que nadie escucha su música y te topas que si hay alguien que la escucha, que la consume. Expresamos muchísimos tipos de cosas, hay gente que piensa que la música del siglo XX no expresa algo, el asunto es de que no podemos decir exactamente qué expresa, no podemos decir: la "Fuga No. 2 del Clave Bien Temperado" ¿qué expresa?... Hay obra por ejemplo "Claro de Luna", que puede ser una expresión más clara, pero la Fuga No. 2 no sé qué pueda expresar; entonces no me preocupo por exactamente qué expresa. Lo que sí es cierto es que hay un orden, una estructura, la música contemporánea no es cualquier cosa, normalmente cuando alguien habla de que en la música contemporánea se puede hacer cualquiér cosa, es porque no sabe absolutamente nada de la música contemporánea, el compositor siempre tiene una decisión y selecciona y estructura. ltzá García: que su primer acercamiento fue de dos fuentes, una de un maestro cuando estaba estudiado Técnico en Música y después de un amigo que le mostró unas piezas para piano que él compuso. Después gracias al maestro Eduardo Caballero conoció a muchos más compositores. Ella piensa que la música debería ser sincera (iigual que yo!). Todos los compositores que ha escuchado la han impactado de cierta manera u otra y para ella todos los compositores de todos los periodos son "clásicos" en cierta manera por ser una continuación de lo mismo y no le gusta hacer esa distinción. Uno de sus compositores favoritos es Ligeti. Por último, la vida la ha inspirado a ser compositora. Ahora invito al lector a dedicar un momento a reflexionar acerca de estas respuestas. Después de entrevistar a estos compositores maestros, me di a la tarea de entrevistar a compositores estudiantes o que son relativamente nuevos en este mundo de la composición que en resumidas cuentas contestaron lo siguiente: ENERO - JUNIO 2016 68 UANL í �L _J 7 Ramón Villagómez: que le fue difícil dejar sus prejuicios hacia la música contemporánea desde el primer momento (a los 17 años en Técnico Medio) y agregarla a su repertorio, también agregó que gracias a las obras que le recomendó el maestro Roberto Carlos Flores, fue que cambió su panorama. Una de las obras que más le impactó fue "Treno a las Víctimas de Hiroshima" de Penderecki (por su manera poco ordinaria de trabajar, el sonido llamativo y la escritura). También entre esas obras están las secuencias de Berio y algo de Ligeti. Gran parte de la decisión de querer ser compositor, dice ser por el maestro Roberto Carlos y por el deseo de plasmar una idea en música, dependiendo de lo que necesite decir en el momento es como va a ser su música, donde trata de transmitir algo. Ernesto Ballesteros: su primera experiencia de música contemporánea fue gracias al maestro Roberto Carlos Flores quien en una clase de música tocó algo en el piano que Ernesto jamás había escuchado, y de alguna manera la curiosidad fue tan grande que quiso saber más: conoció a Stravinsky el cual le fascinó. Nos comparte que la mejor manera de pasar a la música contemporánea, (porque en su caso así fue) es: pasar de Wagner y Stravinsky a lo más nuevo de la música. No fue tanto el impacto, sino hasta que escuchó a Luciano Berio, donde entendió por qué la música era así (qué era lo que Berio quería expresar), uno se da cuenta de las posibilidades, y que hay cosas más allá no sólo en la música sino en el universo. También tuvo una fascinación por Penderecki, con Treno a las Víctimas de Hiroshima, la cual disfrutó de principio a fin. Tuvo suerte de que esta música le gustara desde el principio porque así no perdió tiempo. También nos compartió que no toda la música atonal es disonante, y no toda la música contemporánea tiene que ser atmosférica. Él nos recomienda a los músicos a escuchar a Berio y también a las personas no músicos que escuchen algo de minimalismo como "Spiegel im spiegel" o "Für Ali na" de Arvo Part, ó música de Steve Reich, invita al público a no asustarse con las disonancias, que considera sumamente necesarias al igual que las consonancias. Por último, él decidió ser compositor por su necesidad de crear. Al entrevistar a estos compositores me pude dar cuenta que la mayoría ha tenido una mala primera impresión de esta música: al principio no entienden ó no les gusta y después, de una u otra manera finalmente la entienden o dan en el blanco de alguna pieza que les haya impactado, y por ella cambia su percepción. Entre los compositores que más han mencionado están: Serio, Ligeti, Xenakis, Penderecki etc., los invito a descubrir el por qué. Quisiera agradecer a todos por su valioso tiempo y a los músicos que me hicieron ver que definitivamente sí hay ejecutantes en Monterrey que están interesados en esta nueva música y que incluso, hay quienes están dispuestos a dedicarse a ella. Espero con esto haber logrado mi objetivo de sembrar la curiosidad en este campo de la música e invito nuevamente al lector a descubrirla con sus propios oídos, y no generar un juicio prematuro porque quizá como yo, se lleven una grata sorpresa. ENERO - JUNIO 2016 69 UANL í �L _J 7 Tercer concurso de escritura FAMUS 2015 A lo largo de mi vida, mis oídos han experimentado el descubrimiento de nueva música, nuevas estéticas, conceptos e ideas de compositores tanto tradicionales, conservadores hasta innovadores y vanguardistas, he tenido mucha suerte, ya que mis oídos lograron atravesar esa barrera que los medios e incluso la costumbre podrían imponernos. No significa que todo me ha gustado, también he encontrado horrores sonoros que simple y sencillamente no han sido de mi agrado, sin embargo, fue una decisión que tomé en base a la experimentación e investigación. curricular y les llevé música. Seleccioné obras de diferentes períodos del siglo XX, tanto de compositores mexicanos como extranjeros, obras icónicas y obras un poco menos conocidas y la dinámica fue así: Con papel y lápiz en sus manos, con los ojos cerrados y los oídos bien abiertos, listos para escribir cualquier cosa que imaginaran, sintieran o pensaran. Escucharon la primera obra, "Memorias" del compositor y musicólogo mexicano Julio Estrada, cuyas investigaciones lo han llevado a la creación de nuevas teorías y estéticas musicales. La obra es un oleaje de emociones, veía en sus caritas cómo se arqueaban sus cejas, elevaban el mentón, cada uno viajaba de un recuerdo a otro, grato o no grato, en sus escritos encontré lo siguiente: Esta experimentación la quise llevar a otro nivel, lQué pasará por la mente de aquellos que están en el punto máximo de descubrimiento sensorial?, me refiero a los adolescentes. Tengo la gran fortuna de ser maestro a nivel secundaria, y en mi trabajo me he dado cuenta que estas personas de entre 12 a 15 años, tienen mucho que decir al mundo, son fuente máxima de emociones intensas, sin medida ni filtros, aunque expresadas con las palabras que conocen hasta ahora y limitado a las cosas que han vivido hasta el día de hoy, no dejan de ser emociones y pensamientos dignos de ser escuchados. "Es una persona que ama profundamente de una manera inexplicable, los recuerdos se convierten en recuerdos tristes, sensación de soledad, pero debes mantenerte fuerte" - Samantha, 12 años. Hubo incluso quien dibujó una gráfica de lo que iba escuchando, y en ciertas secciones de la gráfica escribía "Me siento tranquilo, siento desesperación, tristeza" -Alejandro, 14 años. Así que un buen día decidí hacer a un lado la imposición burocrática, dejé de lado el plan ENERO - JUNIO 2016 70 UANL í �L _J 7 "Recuerdo cuando sucedió lo de mi primo y cuando intenté quitarme la vida ... " -Anónimo. Las reacciones más similares fueron una serie de recuerdos que aparecen cada vez más rápido, como un collage de toda tu vida. Consideré que para que tuvieran un buen acercamiento a la música del siglo XX, tal vez sería bueno que escucharan algo digerible, incluso minimalista, algo que los ayude a sensibilizar sus sentidos y a despertar la imaginación. Continué mi experimento con "Spiegel im spiegel" del compositor estonio Arvo Part, una obra sumamente emotiva, de alguna manera nostálgica pero sanadora, en palabras de otro compositor de la misma corriente, Steve Reich, "Su música llena una profunda necesidad humana que no tiene nada que ver con la moda" y en palabras del mismo Part, quien considera que su música es como una luz que pasa a través de un prisma "la música puede tener un significado ligeramente diferente en cada oyente, creando un espectro de experiencias musicales, similar al arco iris". "No siento amor, no siento nada ¿Qué me sucedió? Soy como la nada, ya no hay más por qué seguir, y no le importa a nadie" -Anónimo. ''Amor, alegría, sonrisas y cariño de una gran persona a quien admiro, me dio la vida y lo amo con todo el corazón, aunque ya no está conmigo" Samantha, 12 años. Escuché algunos suspiros entre los pupitres, una chica no se contuvo y rompió en llanto, ella misma se veía sorprendida al no poder explicarse por qué sucedió. Hubo tantas cosas en sus mentes, tantas palabras que no son escuchadas. Estas fueron algunas impresiones y pensamientos: Creo que la sensación principal en esta obra fue alivio, como un momento de desahogo y paz que algunos de ellos necesitaban. Decidí llevar el experimento a otro nivel, cambiar la estética y enseñarles una de las obras más icónicas del siglo XX, estoy hablando de la controversia! "La consagración de la primavera" del compositor ruso Ígor Stravinsky, obra compuesta en 1913, estaba casi seguro que la reacción podría ser similar a la de aquel desastroso estreno, tal vez sería la primera vez que los niños escucharan algo así, estaba seguro que no iba a ser del agrado de todos, así que lo intenté. "Puedo contemplar mi alma" - Kelly, 12 años. "Espérame que yo te acompañaré y el camino por el que tu vayas yo iluminaré" - Wendy, 12 años. "Me siento perseguido, me siento muy nervioso y quiero salir" "Es como un choque de planetas y todo se destruye" "Siento como si nacieran montañas y volcanes hicieran erupción, como dinosaurios huyendo"Anónimo, 14 años. "Es muy ruidosa" (esta me dio risa). ENERO· JUNIO 2016 71 UANL í �L _J 7 Sin duda esta pieza despertó emociones diferentes, hubo gente que no supo que escribir en ésta obra, tal vez porque era más compleja o no lo sé, simplemente dejaron el papel en blanco, no porque quisieran, sino porque no podían concebir una idea en específico, tal vez eran demasiadas emociones, se veía en sus rostros una expresión de nervios o tensión, algunos se veía que estaban divirtiéndose, había quien intentaba seguir el pulso. Escuchamos más obras lo cual me dio el total de 156 opiniones diferentes, no todo fue interesante, había quienes no entendían absolutamente nada, o simplemente se rehusaban a imaginar, sólo contestaban con un "no sé" lo cual es válido, sin embargo, me sorprendió que el número de personas que podían plasmar un pensamiento crítico inducido por la música, era mucho mayor a aquellos que no podían, lo cual fue muy revelador. Como verán, la música del siglo XX ha sido por alguna extraña razón un período tabú en los músicos, con opiniones muy divididas, incluso ideologías impuestas por maestros hacia sus alumnos, casi al punto de satanizar una segunda menor o un tritono. Entiendo que pasamos la mayor parte de nuestro estudio aprendiendo cómo construir escalas, cómo armonizar a la Mozart o Beethoven, e intentando emular el sonido del siglo XIX el cual es un sonido hermoso, lo acepto, pero ... lqué hay de lo demás? lAcaso ya no sucedió nada importante después? lSe acabaron los pensamientos o expresiones en 1899? La verdad es que la música, al igual que las emociones, no se detuvo ahí, evolucionó a nuevas maneras de expresar los pensamientos, sensaciones e ideales, logrando así transmitir esas ideas a los nuevos oídos. Creo firmemente que las emociones no tienen reglas, simplemente existen, y lo más maravilloso es que siempre serán diferentes, lo cual nos da una diversidad impresionante. Al igual que las emociones, la música tiene posibilidades sumamente grandes para lograr transmitir cualquier pensamiento imaginable o inimaginable. Los nuevos oídos están dispuestos a descubrir este universo sonoro, y vaya que tienen mucho que decir al respecto sobre lo que están escuchando. Al finalizar el experimento, todos se fueron a sus casas, al día siguiente algunos de ellos me contaron que siguieron buscando más música de éstos compositores, y pedían recomendaciones sobre qué escuchar, eso fue lo que más disfruté, sentir que de alguna manera el interés y curiosidad fue cultivado en la mente de éstos jóvenes. ENERO - JUNIO 2016 72 UANL í �L _J 7 T. M. M. FRANCISCO JAVIER CENICEROS CÁZAREZ Tercer concurso de escritura FAMUS 2015 S arabanda, re menor. .. acorde de subdominante, escala descendente de re menor natural con crescendo para llegar al arpegio del acorde disminuido; semicadencia de dominante. - El pulso que manejas no es consistente a lo largo de lo que acabas de tocar. -... Creo que es por lo preocupado que estoy al tocar los acordes; dejo de pensar en el pulso. - Si ... puede ser. Eso es lo que más me inquieta de la pieza, pero además suena muy plana, a un mismo nivel, no entiendo las frases. Debes de exagerar todo lo que tocas, para que sin importar quién te escuche, entienda lo que tratas de hacer. - Tampoco me suena a Bach. -Mmm ... - Sigue trabajándola para que te la escuche la próxima semana. Ahora toca el concierto, porque no tengo mucho tiempo y lo tenemos algo descuidado ... Una buena interpretación llega a parecer un acto inverosímil, mágico, alcanzado sólo por algunos seres iluminados; para decirlo de otra manera, la logran las personas con talento. No hay tal caso; una buena interpretación es la suma de habilidades, destrezas, conocimientos, que de manera consciente o inconsciente, el intérprete usa para transmitir el discurso musical. El maestro Albert Markov (1998) en su "System of violin playing" propone un diagrama para el proceso de ejecución. Consiste en la suma de espirales en el tiempo, donde cada una se forma por tres elementos: 1. Imaginación: Lo que busca transmitir el intérprete antes de ser ejecutado. 2. Ejecución: El resultado acústico. 3. Reacción: La comparación de lo imaginado con lo interpretado. La historia mexicana, en particular la del siglo XX y XXI, muestra que como nación se ha alzado la voz a los dirigentes del país para demandar el esclarecimiento a las interrogantes de justicia, desarrollo, seguridad; su respuesta, la acción, deja mucho que desear. La escuela es una versión hecha a manera de réplica reducida del experimento "país". Con tal conocimiento, parece ilógico esperar que sólo a través de la crítica y la presión dirigida a las autoridades académicas se consiga una facultad de música utópica. Basta de poner al maestro como la clave; es el alumno el factor para alcanzar ese estado, él es el determinante para un avance del estancamiento académico. Es el ciudadano el único capaz de derrotar a Leviatán. ENERO - JUNIO 2016 73 UANL í �L _J 7 bagaje. Para encontrar estos, el alumno pasa, por mencionar primero, de ser intérprete a ser oyente crítico. Los recitales y conciertos se vuelven indispensables para cualquier persona que estudia música; no sólo se va a uno por el hecho del disfrute estético, además, aporta conocimientos para convertirse en mejor intérprete. Situando lo anterior a algunos ejemplos: a) La calidad de sonido producida por el conjunto o por el solista. b) Los colores obtenidos c) El sistema de afinación usado d) El efecto alcanzado con articulaciones o golpes de arco e) La creación de frases Habiéndome expresado en tales términos, lo siguiente no apela a la pasividad del estudiante, esperando del maestro los cambios necesarios para llenar los huecos en lo que se refiere al déficit interpretativo estudiantil. Llama al estudiante a la eterna búsqueda de la perfección del arte. No obstante, creando una nueva consciencia, una nueva generación preparada para los retos que realmente competen a un estado como Nuevo León, en un futuro los ahora alumnos ávidos de conocimiento se convertirán en maestros decantadores del conocimiento. Adicional a lo anterior, el buen intérprete es capaz de transmitir emociones, estados anímicos. Se vuelve imperativo que también sea un ser que conozca aquello; se convierte en un actor del sonido capaz de plasmar la ira, la felicidad, el deseo, la solemnidad. No es imposible, pero si tardado, que una persona sienta la mayoría de las emociones humanas por experiencia propia. Es menester que el alumno jamás se cierre en su arte; el teatro, el cine, la literatura son los medios aceleradores para que cualquiera llegue a sentir un gran amor, o la máxima desesperación, o el deseo de una funesta venganza. 1. Imaginación En palabras del maestro Markov (1998, p. 3): "La imaginación crea en la mente una pre-ejecución interior, la cual, dentro de un instante, se materializa en realidad. Mientras más claro estén los elementos impresos en la mente, más fácil y mejor serán implementados." Incluso oficios no catalogados dentro de las bellas artes o los adjetivos que usamos para las impresiones sensoriales, dan buenas bases para el bagaje imaginativo. Áspero, seco, dulce, ligero, pesante, todos son adjetivos útiles al fin interpretativo. La reflexión al apartado la aportan esos elementos impresos en la mente. En este momento de la interpretación, el artista debe buscar en su bagaje aquello útil para transmitir el mensaje que se propone dar; por tanto, se presupone que existe un cúmulo de conocimientos utilizables para imaginar. De manera ideal, el músico crea la óptima escena mental, a partir de sus mejores recursos, que le servirá de comparación con lo que realmente esté ejecutando. Tan importante que llega a ser esto para una buena interpretación, que extrañamente se obvia por parte del estudiante de arte, no sólo de música, porque bien se aplica lo expuesto a las demás. En lo particular, lo que a música se refiere, se invierte demasiado tiempo en lo que llamamos técnica, olvidando que lo importante no es el cómo, es el que. 2. Ejecución "La ejecución es entendida como todos los esfuerzos y acciones necesarias para crear el resultado acústico" citando al maestro Markov El estudiante que busca un avance interpretativo, buscará la constante adquisición y mejora de los conocimientos que integran ese ENERO - JUNIO 2016 (1998, p. 3). 74 UANL í �L _J Después de imaginar llega el momento de crear, sin olvidar que sobre todo el intérprete busca hacer música. Para aclararlo, se podría ver desde otro punto de vista: gracias a lo que llamamos técnica, manejamos el instrumento para crear el sonido que imaginamos. La técnica es el lado físico de nuestro hacer, es la versión deportiva de lo musical: entrenamiento del mecanismo para alcanzar los efectos pensados. Se involucra la agilidad, resistencia, fortalecimiento y demás en este apartado de la vida musical. Cuan a menudo se usa el término de manera indiscriminada, debido a que el paso del tiempo va desvirtuando el significado concreto de la palabra. No es solamente el tocar escalas y arpegios una y otra vez, no es tocar tales o cuales estudios; es el entendimiento físico y la capacidad de ponerlo en funcionamiento para lograr lo deseado. La técnica sin comprensión, sin investigación, conduce a un callejón sin salida. Por citar un ejemplo de cómo estructurar el estudio técnico para los instrumentistas de cuerda, el maestro Simon Fischer (1997), en su libro "Basics", propone un total de trescientos ejercicios orientados al mejoramiento técnico, todo de manera diligente y entendible en diferentes apartados, los cuales son: • Parte A: Brazo derecho y mano • Parte B: Producción del sonido • Parte C: Golpes de arco clave • Parte D: Mano izquierda • Parte E: Cambios de posición • Parte F: Entonación • Parte G: Vibrato Técnica queda entendida entonces como la superac1on del instrumentista sobre su instrumento. Aquel que consiga el control técnico, será aquel cuya interpretación deseada jamás se verá saboteada por sus capacidades físicas. 3. Reacción "La reacción del mus1co es la comparación instantánea de la representación interna imaginada con el resultado real." (Markov, 1998, p.3). ENERO - JUNIO 2016 75 UANL �L _J Aquello que promueve un cambio, es el no equilibrio del sistema. En física, un sistema en el que todas sus fuerzas se encuentran en perfecto equilibrio, da un escenario estático. El delta de alguna de ellas, genera el movimiento. La diferencia de temperaturas entre dos cuerpos o la diferencia de concentración en dos soluciones, produce una transferencia de energía o de masa, respectivamente. La diferencia entre lo imaginado por el intérprete y lo realmente ejecutado generará el cuestionamiento del por qué no se consiguió, cómo alcanzarlo, qué es necesario hacer. De aquí la necesidad que el músico sea una persona lo suficientemente entrenada en la percepción crítica para consigo y que vaya adquiriendo las habilidades físicas que le permitan hacer un nuevo intento y tratar de conseguir lo pensado. En lugar de invertir el razonamiento necesario para encontrar el camino más corto al objetivo, con mayor frecuencia se toca una pieza de arriba a abajo esperando que el tiempo la vaya mejorando. Al final de cuentas, la ruta que signifique menos esfuerzo es la que da el beneficio. Este paso en el proceso de la interpretación musical es el aspecto filosófico de la ejecución, es el cuestionarse, es el sorprenderse. Para clarificar algo más lo anterior, los tres puntos mencionados se asocian con habilidades específicas que se deben mejorar por separado, y después como un todo: Imaginación Ejecución Reacción Percepción Entrenamiento físico Filosofía Si se toma la gran responsabilidad que significa el estudiar la carrera de música, el trabajo del alumno no queda relegado sólo al hecho de convertirse en una perfecta máquina de ejecución, su trabajo está en el desarrollo de todos los aspectos que lo convertirán en alguien preparado para esta profesión y cuya meta siempre será hacer música. ENERO - JUNIO 2016 76 UANL �L _J 7 C. P. A. Brenda Elizondo e)~ Artista apasionada de la música y la literatura, su formación se ha distinguido por la versatilidad. Ostenta el título de Contadora Pública y Auditora por la Universidad lnteramericana del Norte. Estudió en la Facultad de Música de la UANL (2005-2009) música en general, y en particular el violoncello. Su primer libro Romances de una cellista / Catalina y Florentino, fue publicado por la UANL en el año 2013. Actualmente se encuentra trabajando en una novela y estudiando un Posgrado en Artes y Humanidades en el Centro de Investigaciones en Ciencias, Arte y Humanidades de Monterrey. Dr. David Josué Zambrano de León (Facultad de Música de la UANL) e)~ Es Arquitecto, Licenciado en Música y Pianista. Tiene una Maestría en Artes con especialidad en Educación en el Arte y posee dos títulos doctorales. El primero es en Educación y lo tiene como egresado de la Universidad ':José Martí" de Latinoamérica. El segundo es en Ciencias Filosóficas y lo obtuvo en la Universidad de La Habana, Cuba, en la Facultad de Filosofía e Historia. Es Profesor de Tiempo Completo, actual Coordinador de la Licenciatura en Música y Educación Musical de la Facultad de Música de la UANL y cuenta con el perfil PRODEP desde 2009. Es el director general de "FAMUS Revista Cultural de la Facultad de Música de la UANL'.'. Colabora con el IMNRC como catedrático de la Maestría en Estudios Literarios y Musicales. Es autor del libro '1\.proximaciones musicales". Lic. Ana Cecilia Martínez Alanís (Facultad de Música de la UANL) e)~ Es Licenciada en Música y Educación Musical, además de encontrarse estudiando el último año de su segunda carrera universitaria, la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación en la UANL. Actualmente es maestra de música en el colegio bilingüe Madison lnternational School. M. A. Guillermo Villarreal (Facultad de Música de la UANL) e)~ Es percusionista, investigador musical y director de orquesta, oriundo de Monterrey. Como director ha estado al frente de más de 30 orquestas profesionales en México, Cuba, Estados Unidos y Costa Rica. Ha ganado diversos premios como: Premio Nacional de la Juventud (1997), Premio a las Artes UANL (2006) y ha sido finalista en tres concursos nacionales de dirección orquestal. En el campo de la investigación destacan sus estudios alrededor de la Música Mexicana de Concierto en especial sus trabajos y grabaciones de Paulina Paredes Pérez. Es Creador Escénico con Trayectoria (FONCA) para el periodo 2013-2015. En el campo de la docencia es Profesor de Tiempo Completo de la Facultad de Música donde se desempeña además como líder de Cuerpo Académico. Es doctorante por el Instituto Superior de Arte en La Habana, Cuba, bajo la tutoría del eminente director de orquesta Jorge López Marín. Lic. Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso (Facultad de Música de la UANL) ~ Es egresada de la Licenciatura en Música y Educación Musical de la Facultad de Música de la UANL. Terminó la carrera de Profesional Medio en Música en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Monterrey, N. L. Ha tomado diversos cursos y talleres nacionales e internacionales con enfoque en los métodos Dalcroze, Kodaly, Orff y Tort. Ha impartido clases en la Facultad de Música a los niveles de Técnico, Licenciatura y Capacitación Musical. Actualmente es maestra de Iniciación Musical en el Instituto Docet y de Estimulación Musical Temprana en el centro MIMA. Lic. José Gerardo Villarreal González (Universidad Autónoma de Nuevo León) ~ Egresado de la Facultad de Artes Escénicas por la UANL. Ha tomado diversos talleres y seminarios de literatura, danza, actuación, entre otros. Ha impartido cursos y asignaturas en instituciones como la UDEM, ALFA fundación, Centro Escolar de Gante, UANL y UNICA. Cuenta con una amplia participación en cine y teatro. Actualmente cursa la maestría en estudios literarios y musicales en el Instituto Mexicano Norteamericano de Relaciones Culturales. ENERO - JUNIO 2016 77 UANL í �L _J M.C. Luis Díaz Santana Garza {Escuela de Música de la Universidad Autónoma de Zacatecas) ~ Es Licenciado en Música por la Universidad Regiomontana (1993) y Maestro en Historia por la UAZ (2004). Es maestro de guitarra e historia en la Universidad Autónoma de Zacatecas y ha recibido diversas becas del CONACULTA y PACMYC. Recientemente presentó sus libros "Tradición Musical en Zacatecas", una historia socio-cultural, 1850-1930, y "Transcripción de piezas para guitarra". Actualmente realiza el Doctorado en historia gracias a una beca del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología (CONACYT). Lic. Carlos Arturo Hernández González {Facultad de Música de la UANL) e)~ Es Licenciado en Música e Instrumentista (Violín) egresado de la Facultad de Música de la UANL (2012). Cuenta con estudios de composición con maestros de dicha institución como Eduardo Caballero y Roberto Carlos Flores. Ha tomado cursos de composición y revisión de obra con Ana Lara, Víctor Rasgado, Julio Estrada, Rodrigo Sigal (2013), Luca Belcastro (2012), Emmanuel Nunes, José Luis Castillo (2014 y 201 O) y Eduardo Garrido (2009) entre otros. Dra. C lvis Nancy Piedra {Universidad de Matanzas, Cuba) e)~ Es Doctora en Ciencias Pedagógicas y Profesora Titular de la Facultad de Educación en Ciencias Pedagógicas de la Universidad de Matanzas, Cuba. Es graduada de la Licenciatura en Educación con especialidad en Educación Musical, con 17 años de experiencia en la Educación Superior. Se desempeña como Jefe del departamento de Ciencias Humanísticas Pedagógicas de la referida institución. Es Coordinadora de la pasantía en Educación Artística que se desarrolla como acción de la estrategia de exportación del área de Educación Artística. Es miembro del claustro del programa del Doctorado Curricular Colaborativo de la Facultad de Ciencias Pedagógicas de la Universidad de Matanzas. Como parte de la docencia de pregrado ha impartido programas como: Historia y Cultura Local, Apreciación del Arte y la Literatura, Educación Artística, Apreciación Artística, Música Latinoamericana y Caribeña, Práctica de conjunto, Teoría y Práctica musical e Integral (Solfeo). Ha elaborado y puesto en práctica diversos programas para la docencia de posgrado. T. M. M. Mariangela Díaz Piedra {Facultad de Música de la UANL) e)~ Egresada del nivel Técnico Medio en Música con piano como instrumento principal. Ha sido ganadora de concursos ':Jóvenes virtuosos" 2014 y 2015 efectuados en la misma institución. Ha participado en distintos festivales de piano locales y nacionales. Actualmente cursa el 6º semestre de Licenciatura en Música e Instrumentista bajo la tutela de la Dra. Antonina Dragan y pertenece al programa "Talentos de la UANL'.'. T. M. M. Juan Ernesto Ballesteros García {Facultad de Música de la UANL) e)~ Egresado del nivel Técnico Medio en Música con guitarra como instrumento principal. Ha participado en diversas Master Class con grandes maestros y compositores como Julio Estrada, Roberto Morales, Emil Awad, Philip Grange, Nickos Harizanos y Carola Bauckholt. Sus obras se han presentado en los 3 Festivales de Composición de la UANL, así como diversos recintos como el Aula Magna, el teatro Espacio, la escuela Adolfo Prieto y el auditorio Silvestre Revueltas. Actualmente cursa la Licenciatura en Composición en la Facultad de Música de la UANL. T. M. M. Francisco Javier Ceniceros Cázarez {Facultad de Música de la UANL) e)~ Es estudiante del 6º semestre de la Licenciatura en Música e Instrumentista con el violín como instrumento principal. Pertenece al cuarteto de cuerdas Le Quartet y de la Orquesta de Cámara Arte Joven, el cual ha tenido presentaciones en diferentes foros locales y nacionales, tales como el museo MARCO, la Casa de la Cultura de Monterrey, el Museo de Historia Mexicana, entre otros. ENERO - JUNIO 2016 78 UANL �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Famus : Revista cultural de la Facultad de Música de la UANL Description An account of the resource FAMUS. Revista Cultural de la Facultad de Música de la uanl publica piezas de investigación y artículos de actualidad en materia cultural, mayormente relacionados con la música y los compositores e intérpretes que han pasado a la inmortalidad debido a la calidad de sus creaciones; también abarca tópicos acerca de la educación musical y su labor fundamental en la vida del hombre, la estética filosófico-musical y temas que cubren el área de las bellas artes. Inició en el 2011, se publica semestralmente y se mantiene activa. Creator An entity primarily responsible for making the resource Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Música Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2011 Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Famus : Revista cultural de la Facultad de Música de la UANL Año de publicación El año cuando se publico 2016 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 5 Número Número de la revista 14 Mes de publicación Mes cuando se publicó Enero-Junio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Semestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Famus; Revista cultural de la Facultad de Música de la UANL, 2016, Año 5, No 14, Enero-Junio Creator An entity primarily responsible for making the resource Lozano Lozano, Luis Gerardo, Coordinador Subject The topic of the resource Política Cultura Arte Música Gobierno Educación Description An account of the resource FAMUS. Revista Cultural de la Facultad de Música de la uanl publica piezas de investigación y artículos de actualidad en materia cultural, mayormente relacionados con la música y los compositores e intérpretes que han pasado a la inmortalidad debido a la calidad de sus creaciones; también abarca tópicos acerca de la educación musical y su labor fundamental en la vida del hombre, la estética filosófico-musical y temas que cubren el área de las bellas artes. Inició en el 2014, se publica semestralmente y se mantiene activa. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Música Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Zambrano de León, David Josúe, Director de la Revista Velázquez Gayosso, Verónica Lizzeth, Editora Responsable Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/01/2016 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020260 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource https://issuu.com/famusrevista Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Adolescentes Audición Canto Jazz Música Nueva Orleans Reseñas de libros de música