https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/453/20549/Famus_2017_Ano_6_No_16_Enero-Junio.ocr.pdf 308d32e016c73637b728ee2589c4ce08 PDF Text Text L _J r ..... REVISTA CULTURAL DE LA FACULTAD DE MÚSICA DE LA UANL ENERO - JUNIO 2017 AÑO 6, No. 16. �UANL UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE NUEVO LEÓN® o ·---s.o ....., u Q) s.- ·--o Universidad Autónoma de Nuevo León Ing. Rogelio G. Garza Rivera Rector M.A. Carmen del Rosario de la Fuente García Secretaría general Dr. Juan Manuel Alcocer González Secretario académico Dr. Celso José Garza Acuña Secretario de Extensión y Cultura Lic. Antonio Ramos Revillas Director de Editorial Universitaria Lic. Luis Gerardo Lozano Lozano Coordinador de la Facultad de Música Dr. David Josué Zambrano de León Director general de FAMUS Revista Cultural de la Facultad de Música de la UANL davzam61@yahoo.com.mx Lic. Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso Editora Responsable veronicalvg@hotmail.com Iris Torres Diseño Gráfico torres_iris l@hotmail.com Dr. Ricardo Martínez Leal M.A. Graciela Mima Marroquín Narváez M.C.P. Patricia Ivonne Cavazos Guerrero Dr. Osear Eduardo Torres García M. A. Mayela del Carmen Villarreal Hemández CA Desarrollo e Investigación Musical/ Consejo editorial FAMUS Revista Cultural de la Facultad de Música de la UANL,Año 6, Nº 16, enero-junio 2017. Fecha de publicación: 14 de enero de 2017. Es una publicación semestral, editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León, a través de la Facultad de Música. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste s/n, Res. Las Torres, Monterrey, Nuevo León, México, C.P. 64841. Teléfono: + 52 81 86758068. Editora responsable: Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso. Reserva de derecho al uso exclusivo No. 04-2014-041110344800-102. ISSN: 23959312. Ambos otorgados por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. 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G~ ela lv1irna Marroquín Narváez azones para visitar Eisenach vid Josué Zambrano de León sicaHdad Integral en el nivel Preescolar Pág. 3 Pág. 4 Pág. 8 Pág. 14 ..-Jirallmfo Final para optar por el Título de Licenciado en Música con acentuación en Educación Musical g. Gerardo Mauro Gallegos Garza Entrevista con la Dra. Antonina Dragan, organizadora y responsable del Festival Internacional de Piano y Master Class de la Facultad de Música de la UAN L Lic. Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso Pág.24 Siglo y medio desde Satie Bertha Zuriel Cruz Hernández 4°. Concurso de escritura FAMUS, 1er. lugar Pág.27 La práctica pedagógica en la dirección coral José Carlos Avila Salinas 4°. Concurso de escritura FAMUS, 2o. lugar Pág.29 El enfoque Taubman de técnica pianística y el proceso de reentrenamiento go Adrián Bermúdez Ledesma iillll::: º·.:C ~oncurso de escritura FAMUS, 3er. lugar Pág.32 Pág.37 , z Villafuerte ción iftn "El libro de García" de Mauricio-José Schwarz nda Elizondo s de Pitágoras en la música alcedo Moneada Pág.38 Pág.42 �L _J 7 itorial DR. DAVID JOSUÉ ZAMBRANO DE LEÓN D el 15 al 19 de Agosto de 2016 la Maestra Tatyana Borovik, quien nos visitó desde Moscú, Rusia, impartió el Curso sobre "Innovaciones Tecnológicas para la Educación Musical" y tuvo lugar en el Aula 6 de la Facultad de Música de la UANL. En él presentó una metodología para niños de edad primaria que resulta clara y muy eficaz, con apoyo en el pizarrón inteligente y el programa MAGIC SCORE para la computadora que conjuga el uso de imágenes, partituras y música a beneficio de la enseñanza musical. A continuación presento un reporte de lo más destacado por día en cuanto a conceptos y estrategias didácticas: Lunes-Ritmo.- El primer día del curso se habló del ritmo y de la importancia de establecer una conexión entre la música y la naturaleza, para que los niños asimilen orgánicamente el nuevo conocimiento haciendo uso de su creatividad. Se trata de no imponer símbolos y conceptos. La Maestra Borovik explicó que cada aprendizaje nuevo es asimilado por los niños en cuatro etapas naturales: 1) ver o escuchar, 2)probar o sentir, 3) analizar y oír con atención y 4) pensar, imaginar y decidir. Martes-Entonación.- El trabajo para este día partió de la metodología de Carl Orff y consistió en explorar las posibilidades del "cluster" como acorde musical compuesto de semitonos cromáticos consecutivos distintos. Así pues cada miembro del grupo había de buscar un sonido propio, con la finalidad de encontrar belleza en las disonancias, ascendiendo y descendiendo. Con el programa de computadora MAGIC SCORE que proyectaba en la pantalla del aula imágenes musicalizadas con audio y partitura, se recomendó estimular la creatividad de los niños e invitarlos a entonar con ejemplos como este, pues dijo que lo que se pretende es hacer que exploren las posibilidades de su voz y que pierdan el miedo a participar durante la clase. Miércoles-Intervalos.- Los intervalos, a los que definió como una comunicación entre dos sonidos, es conveniente relacionarlos con movimientos de los brazos al frente en los que cada quien marca las distintas alturas, para facilitar su entonación. Entre otras estrategias se trabajó con los intervalos en el piano, pidiendo que primero se reproduzca con la voz lo que se oye y que después se busque y encuentre ese mismo sonido entre las teclas blancas y negras de este instrumento. Jueves-Canto.- El tema de este día fue el del canto y los dictados melódicos. Se tocó al piano una melodía sencilla, mencionando su tonalidad y la nota con la que inicia, para que después el grupo la tarareara, hasta lograr memorizarla por medio de la repetición y así una vez memorizada se procediera a escribirla en el papel pautado. Al final de las actividades de la sesión correspondiente a este día, la expositora sorprendió a los participantes con un par de videos didácticos que mostraron imágenes propias de nuestro país para beneplácito de todos los asistentes. Viernes- Master Class.- Como parte del cierre del curso, la Maestra Borovik trabajó con un grupo de niños de 6 años, del Nivel Elemental de la Facultad de Música. Lo que se apreció fue una aplicación de las estrategias con las que había estado ilustrando su metodología durante la semana. Al término de la clase y ya sin los niños, realizó un perfil psicológico basado en su comportamiento. La finalidad de lo anterior consistió en que los participantes en el curso pudieran tomar nota y elaborar su plan de clase a partir de un perfil definido de cada niño. Es importante mencionar que el trabajo apreciado durante los 5 días del curso demuestra el absoluto dominio, profundo conocimiento y gran experiencia de la Maestra Borovik en la Educación Musical y se espera que sus contribuciones sigan enriqueciendo el acervo pedagógicometodológico de los interesados en la Educación Musical. ENERO - JUNIO 2017 3 UANL í �L _J 7 M. A. GRACIELA MIRNA MARROQUÍN NARVÁEZ C onferencia en el marco del Festival Internacional de Música Mexicana, Monterrey, N. L. Con el agradecimiento a la Dra. Beania Salcedo por su invitación para participar en este importante festival. La conferencia versa sobre los instrumentos prehispánicos encontrados en diversas zonas arqueológicas de México, su clasificación y sus características generales, mediante la demostración física de réplicas hechas por expertos constructores de Mineral de Pozos, Guanajuato. Los instrumentos musicales prehispánicos han sido clasificados o agrupados por diferentes sistemas según diversas características, siendo el sistema creado por Erich van Hornbostel y Curt Sachs en 1914, el más aceptado por musicólogos y arqueólogos y que está basado en la manera en que el sonido es producido. Ésta clasificación divide a los instrumentos en 4 tipos: 1. ldiófonos, 2. Membranófonos, 3. Cordófonos, 4. Aerófonos. ldiófonos Son instrumentos musicales hechos por un material que por sí mismo es sonoro; fig. 1. Chicahuaztli. Es una sonaja ritual en forma de bastón tipo báculo que se golpea en el piso; está provisto de una sonaja en la parte superior, con mango largo, ahuecado, dotado de cuentas. Se han observado imágenes en códices. Actualmente, se elaboran palos de lluvia que sustituyen a los chicahuaztli. ENERO· JUNIO 2017 Teponaztli. Es un instrumento musical horizontal de una sola pieza de tronco de árbol, que en la parte inferior se ahueca longitudinalmente y en la parte superior está hendida en forma de H, de manera que quedan dos lengüetas que producen un sonido cada una al ser tañidos por dos baquetas llamadas olmaitl (palos cubiertos en la punta por hule). El teponaztli está apoyado sobre un rodete o tule trenzado, ya sea en el suelo o sobre una estructura de madera para percutirse estando de pié. Los sonidos de las lengüetas se han encontrado en intervalos de segundas, cuartas, quintas y sobre todo de terceras. Considerado uno de los instrumentos sagrados (llamado tunkul en lengua maya), ha sido encontrado casi en la totalidad de la zona de Mesoamérica desde el preclásico hasta los bellamente tallados del posclásico. Este instrumento se observa en diversidad de códices, especialmente de la cultura mexica. Áyotl. Es un caparazón de tortuga que por su parte ventral tiene dos placas flotantes que al tañerlas producen sonidos, funcionando como caja de resonancia la parte dorsal de la concha. La manera de percutirla se realizaba con astas de venado, madera y madera con hule (o/maít/). Es un instrumento ampliamente usado en toda Mesoamérica que se observa en figurillas de cerámica, pinturas murales y códices desde Nayarit hasta Chiapas y Guatemala. Coyolli. Son cascabeles hechos de diferentes materiales como oro, cobre, barro, conchas y sobre todo 4 UANL í �L _J 7 de semillas como el coyol (de ahí deriva su nombre) y el ayoyotl o huesos de fraile; se usan atados a un mango de madera o carrizo y en la vestimenta de músicos y danzantes como sartales en muñecas, tobillos y cintura; asociado a la diosa Coyolxauhqui. Instrumento ampliamente usado en la actualidad en todo México. provisto en su parte superior de una membrana de piel estirada sujeta con clavos de madera o amarrada con mecate; se afina con el calor de pequeños braceros puesto entre las patas del instrumento y se tañía con las manos. Aparecieron desde la época del preclásico en toda Mesoamérica; se han observado en diversos códices, pinturas murales y cerámica. Instrumento considerado como sagrado junto con el teponaztli. En la cultura mexica, estos dos instrumentos aparecen juntos en actividades ceremoniales con danzantes y se observan en el mixcoacalli, lugar donde resguardan instrumentos y aditamentos de danza para las ceremonias. Huéhuetles del posclásico están bellamente labrados como el encontrado en Malinalco, que hace alusión a la guerra y al dios de la música MacuilxóchtlXochipilli. Ayacachtli. Son sonajas hechas de guaje o calabaza, con semillas, bolitas de barro o piedras en su interior, provistas de un mango de madera o hueso, esgrafiadas o pintadas. Se han encontrado de barro con perforaciones, con mango del mismo material y adornado por el otro extremo con plumas u otros adornos y/o pintados. Omichicahuaztli. Es un instrumento de hueso ranurado transversalmente tipo raspador que se frota con otro hueso, piedra pulida o astas de venado, se coloca sobre un cráneo o una calabaza hueca como resonador. Se han encontrado tanto en Mesoamérica como en Aridoamérica, elaborados en varios materiales como madera o piedra. Instrumento utilizado para ritos funerarios, como se observa en la lámina 24 del Códice Viena: Una representación de Quetzalcóatl el cual tiene en sus manos un omichicahuaztli que descansa sobre una calavera y que es raspado por otro hueso (aparentemente un omóplato). Debajo de este dios se encuentra el bulto de un muerto, tiene cerrados los ojos a la manera en que ellos representan un cadáver. Membranófonos El sonido de estos instrumentos se produce por la vibración de una membrana de piel estirada. Fig. 2, Huéhuetles de varios tamaños en la parte del fondo. Diversos constructores de instrumentos prehispánicos, Mineral de Pozos, Gto. Huéhuetl. Fig. 2. Es un tambor de tronco ahuecado con 3 patas en forma escalonada Timbales de barro cocido. Se han encontrado en diferentes sitios de Mesoamérica con diferentes características como fondo abierto o cerrado, con o sin orificio lateral, de diversos tamaños y formas que Castañeda y Mendoza los han catalogado en 5 tipos. Pax. Es una vasija de barro cilíndrica de fondo cerrado con una membrana estirada amarrada con mecate, de las culturas maya del clásico y posclásico. Posiblemente algunos con abertura lateral de donde también salía el sonido, como se observaba en los frescos de Santa Rita, Corozal, Belice. Fig. 1 ldiófonos. Pedro Ramírez, constructor de instrumentos prehispánicos, Mineral de Pozos,Gto. ENERO· JUNIO 2017 5 UANL í �L _J 7 Otra variedad de tambores son los timbales dobles de las culturas mayas en forma de "U", solo encontradas dibujadas en los códices Dresdensis y Troano (Madrid), consistentes en 2 recipientes unidos en la parte inferior por un tubo y abiertos en su parte superior, uno de ellos con una membrana amarrada con mecate, percutido con las manos. Cordófonos Son instrumentos en los cuales el sonido se produce por la vibración de una cuerda estirada entre dos amarres fijos. Posiblemente existió el arco musical en las culturas prehispánicas. Actualmente este instrumento se usa entre los caras ytepehuanes de la Sierra Madre Occidental. Fig. 3. ldiófonos: tlapitzallis diversos. Pedro Ramírez, constructor de instrumentos prehispánicos, Mineral de Pozos, Gto. Topitz: Flauta pequeña de carrizo de 3 agujeros, 1 abajo y 2 arriba, tocado con una sola mano, usado en las costas del golfo de México y en la sierra de Puebla. Flautas múltiples, con pico de flauta, en juegos, abierto, con agujeros, de barro, de una o varias embocaduras, posiblemente se podían desarrollar la armonía. Aerófonos Los sonidos se producen por la vibración del aire que pasa a través de éstos. Son los instrumentos musicales que más abundan de la época prehispánica desde el preclásico y los hay de muy diversos tamaños y formas. Silbato. Fig. 4. Instrumento globular o tubular de aeroducto corto, de carrizo o barro, de tipo flauta, no presentan orificios, hechos de diferentes formas. El chichtli (chilitll) es un silbato cuyo sonido imita al canto de la lechuza. Mochuelo es el silbato con el que juegan los niños. Tlapitzalli. Fig. 3. Es el nombre genérico que se le otorga a los instrumentos de viento; específicamente se refieren a los tipo flautas, es decir, en estos instrumentos el aire se dirige desde el orificio de entrada (embocadura) contra una ventana cortada debajo de la boquilla o aeroducto y son de forma tubular, abierto o tapadillo. Existen varios tipos de embocadura, como las de tipo silbato, las de pico, las tipo "aztecas" (aeroducto largo), las de tapón, las tipo quena (sin aeroducto). Están hechas de barro, con adornos zoomorfos, antropomorfos o con terminación en campana, variando el número de orificios. En la cultura mexica se enseñaba en los cuicacalli y para señalar las horas y los deberes rituales. En la cultura maya comúnmente usado en los ritos ceremoniales. Huilacapiztli. Fig. 4. Es el nombre que los mexicas le llamaban a las ocarinas, son aerófonos globulares melódicos, pues presentan orificios para modificar la altura de los sonidos y dependiendo de la forma y tamaño varía el número de estos orificios. Son instrumentos hechos de barro zoomorfo o antropomorfo con embocadura tipo flauta, encontrado en todas las culturas desde el preclásico. Silbatos de doble diafragma. Fig. 4. Llamados en la actualidad silbato de la muerte, pues los ejemplares encontrados tienen forma de calavera y el sonido peculiar parece el aire a través de los árboles, tempestuoso en la mayoría de ellos; consisten de 2 pequeñas cámaras que consta cada una de un orificio que quedan de frente, originando que el aire de una y otra cámara choquen y haga vibrar el aire, la cual pasa a la cámara principal variando la frecuencia produciéndose el sonido. Otros aerófonos tubulares son las flautas transversas, hechas de carrizo o barro, sin aeroducto, el aire se induce por un orificio lateral. Flautas de hueso, sin pico desarrollado, tipo quena, algunos con un bisel. Flauta de émbolo, sin agujeros, tubo cerrado o semicerrado, con una cuenta movible que varía la longitud del tubo de aire y por lo tanto el sonido que emite. Flautas de pan, que consisten en juegos de tubos cerradas en forma de balsa de arcilla, usado en todo Mesoamérica. ENERO - JUNIO 2017 6 UANL í �L _J 7 Es una muestra actual de los instrumentos prehispánicos que se usaron desde antes de la época del preclásico (2,000 a 100 años a. C.) hasta el término del posclásico en 1521 con la conquista española. Sin embargo, se siguieron usando muchos de estos instrumentos mezclándose con los traídos de España. Actualmente hay culturas indígenas que continúan usando algunos de estos instrumentos, así como grupos dedicados a la difusión de la música y danza prehispánica. Fig. 4. Aerófonos diversos. Pedro Ramírez, constructor de instrumentos prehispánicos, Mineral de Pozos, Gto. Vasos silbadores. Fig. 4. piezas de cerámica de forma abultada, con 2 compartimientos que se llenan de agua. La presión del agua pasando de una sección a la otra, presiona el aire del 2do obligándolo a salir por un orificio (embocadura de silbato) produciendo un sonido tenue; el 1er compartimiento es abierto en forma de vasija, el 2do es cerrado con forma antropomorfa o zoomorfa. Fig. 5. Trompetas de cuerno, de guaje y caracol. Pedro Ramírez, constructor de instrumentos prehispánicos, Mineral de Pozos, Gto. Bibliografía • Beyer, Hermann; cit. por; Guzmán, José Antonio "Glosario de instrumentos prehispánicos" en Estrada, Julio. La música de México, Tomo nº 1, Editorial Dirección General de Publicaciones, México, D.F., 1984. • Castañeda, Daniel; Mendoza, Vicente T. Instrumental precortesiano, tomo nº 1, Imprenta del Museo Nacional de Arqueología, Historia y Etnografía, 1990. • Castellanos, Pablo. Horizontes de la música precortesiana, editorial fondo de Cultura Económica, segunda edición, México, D. F. 1985. • Martí, Samuel. Instrumentos musicales precortesianos, Editorial Edimex, S. de R. L. INAH, México, D. F., 1968. • Méndez, Alejandro; Pimentel, Ángel. "Tipología de los instrumentos musicales y artefactos sonoros arqueológicos de Mesoamérica y el norte de México". Tesis de licenciatura en arqueología, Escuela Nacional de Antropología e Historia, México, D. F. 201 O. • Sachs, Curt.; cit. por; Guzmán, José Antonio "Glosario de instrumentos prehispánicos" en Estrada, Julio. La música de México, Tomo nº 1, Editorial Dirección General de Publicaciones, México, D.F., 1984. Trompeta. Fig. 5. "El sonido es producido por la vibración de los labios en la embocadura, de forma predominantemente alargada y cilíndrica", pueden ser con o sin boquilla o de tipo cuerno. Atecoco/i. Es la trompeta natural de tubo longitudinal en forma de cuerno; pueden ser de madera, corteza de árbol, caracol o guajes; se observan representados en códices y pinturas murales. Quiquiztli. Es la trompeta de caracol marino grande (fasciolarea gigantea). Teccizti: trompeta de caracol de tamaño regular (strombus gigas). También se han encontrado de otras especies de caracoles. Estos instrumentos tienen un sonido fuerte y penetrante que se llega a oír a muchos metros. Fue un instrumento muy apreciado con mucho simbolismo, asociado a la clase dominante. Están decorados con pinturas o esgrafiados simbólicos. Atributo de Macui/xóchitl entre los mexicas. La mitad de un caracol llamado ehecacózcatl, era un carácter muy importante de Quetzalcóatl. ENERO - JUNIO 2017 7 UANL í �L _J (U'M/~~~ DR. DAVID JOSUÉ ZAMBRANO DE LEÓN E xisten tres razones poderosas para que los viajeros internacionales interesados en grandes figuras históricas hagamos un viaje a la ciudad de Eisenach, en el estado federado de Turingia, Alemania, y estas son el castillo de Wartburg, que albergó en sus muros a famosos inquilinos, la casa de Martin Lutero, el responsable de la reforma protestante a inicios del renacimiento y la casa de Johann Sebastian Bach, el compositor alemán más célebre del período barroco. En diciembre de 2016 tuve la oportunidad de visitar esta encantadora ciudad a la orilla del bosque, en la que disfruté de una cálida hospitalidad y conocí información fascinante sobre los lugares que describo a continuación. Ubicado en lo más alto de una colina, el castillo de Wartburg es un impresionante y bello conjunto de edificios que por la importancia de los acontecimientos que se gestaron en él y por su calidad arquitectónica pertenece al patrimonio mundial de la UNESCO. Está al borde de un precipicio de 41 O metros al suroeste de la ciudad de Eisenach, que queda debajo. La primera etapa del cuerpo arquitectónico más grande, de estilo románico tardío, fue edificada en el siglo XII, entre 1155 y 1172. Fue construido por Ludwig II de Turingia, hermano del emperador Federico Barbarossa. El Wartburg fue un centro de cultura cortesana y la sede de los landgraves de Turingia hasta 1440 y hoy en día la visita comprende un buen número de áreas y habitaciones, la mayoría remodeladas a lo largo de los siglos, construyéndose muchas veces encima de partes más antiguas. La remodelación hecha a finales del siglo XIX es la que actualmente se aprecia y fue realizada con gran atención al detalle. Tres de estas áreas merecen especial atención. La habitación dedicada a Isabel de Hungría, con sus muros tapizados con mosaicos multicolores con escenas de la vida de esta dama, es una experiencia de sublime belleza. A los cuatro años de edad fue enviada por su madre para que la criaran como futura consorte de Ludwig IV de Turingia, con quien se casó a los catorce años. Vivió allí desde 1211 hasta 1228 y fue célebre por sus obras de caridad. A la muerte de su esposo reclamó su dote y la usó para construir un hospital para los enfermos, a los que ella misma atendió. Falleció a los 24 años de edad y fue canonizada como santa por la iglesia católica. La Sala del concurso de canto, en la que a inicios del siglo XIII se llevó a cabo la celebración del Sangerkrieg, el concurso de trovadores en el que cantantes de Alemania y Austria se presentaron en una competencia musical que probaría quién era el mejor, con minnesanger como Walther van der Vogelweide y Wolfram van Eschenbach, es de gran amplitud y debe admirarse a la luz del trabajo del escritor romántico alemán Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, quien narra a manera de aventura fantástica este suceso en uno de sus célebres cuentos. En uno de sus muros está un excelente fresco de Moritz van Schwind, pintor austríaco del siglo XIX que ilustra el momento más dramático del concurso, con el hechicero Klingsor intercediendo por el cantante derrotado. Este maravilloso espacio fue también inmortalizado con libertad poética por Richard Wagner en el segundo acto de su ópera "Tannhauser". La última habitación de la que vale la pena hacer mención es el estudio de Martín Lutero, de muros recubiertos con paneles de madera en el que durante diez meses, entre 1521 y 1522, habiendo provocado ENERO - JUNIO 2017 8 UANL �L _J la ira del papa León X y del emperador Carlos V, inició la traducción del Nuevo Testamento al alemán, contribuyendo así grandemente al desarrollo de la lengua alemana escrita. Como dato curioso y referente al origen de una mancha de tinta en uno de los muros de esta pequeña recámara, la leyenda cuenta que se debe a un momento en el que Lutero luchó con el diablo; desde 1952 y hasta 1966, el gobierno de la Alemania del Este restauró esta parte dándole la apariencia del siglo XVI, con un suelo semejante al original y una enorme vértebra de ballena, la cual Lutero utilizaba como banquillo. de quién recibió ayuda para lograr esta titánica labor, complementada con varias pinturas de la escuela de Cranach, entre otras tantas cosas y curiosamente, se observa el registro del bautismo de Johann Sebastian Bach, otro ciudadano ilustre de esta población alemana. Lutero en su estancia en Eisenach vivió con una de las familias de mayor influencia, los Cotta, a cambio de colaborar en la instrucción del hijo de éstos. Se cree que vivió con ellos en el sitio que es ahora la Casa Lutero. En una de las habitaciones del segundo piso, considerada la parte más antigua que data de 1356, se aprecian una mesa de madera y dos sillas de tres patas, provenientes del siglo XVI y ejemplifican cómo pudo ser su lugar de trabajo. Al igual que lo hiciera Johann Sebastian Bach siglos más tarde, Martin Lutero asistió a la escuela supervisada por el templo de San Jorge, que hoy lleva el nombre de "Martin Luther Gymnasium" y fue miembro del coro de este templo para sostenerse. La idea detrás de esta magnífica exposición es dejar en claro que sus años en Eisenach fueron importantes en su formación, además de los más felices. Tiempo después se refería a esta localidad como su "amada ciudad". En esta exhibición, si se ve con atención y al detalle, se descubre al Lutero cuya carrera académica abarcó los grados de Maestría, su nombramiento como miembro del Concilio de Wittenberg y su grado científico de doctor, el más alto en aquella época. Además, se deja muy en claro que su labor como revisor de la biblia y su deseo por dejar una mejor traducción de ésta no terminó con su muerte, pues por siglos permaneció como el libro más predicado, leído y cantado, como ejemplo de esto último puedo citar "El mesías" de G. F. Handel y un buen número de cantatas de Bach. Desde el siglo XIX y hasta hoy ha sido objeto de revisiones constantes, tal y como él hubiera querido y su impacto aún no cesa. El recorrido continúa por salas en las que se aprecian algunos instrumentos musicales del renacimiento, un buen número de retratos originales de la familia de Lutero y sus allegados hechos por Lucas Cranach y también una exquisita colección de relicarios y piezas de arte, incluyendo el impresionante armario gótico Dürer, cuyo tallado fue inspirado por los grabados de Albrecht Dürer y Lucas Cranach el Viejo. La puerta del castillo detrás del puente levadizo es el único acceso y se ha conservado exactamente como era a lo largo de los siglos. Al abandonar el castillo de Wartburg después de horas de recorrerlo, mi expectativa sobre su influencia en la conciencia alemana y europea como monumento arquitectónico y su presencia constante en la literatura, la música y las bellas artes de ayer y de hoy se ve cubierta con creces. Martin Lutero vivió en Eisenach a partir de los 14 años, de 1498 a 1501 , en lo que hoy se conoce como la Casa Lutero, una de las más bellas y típicas construcciones de estuco y madera de Turingia que ha sido museo desde 1956, con una última remodelación hecha entre 2013 y 2015, en preparación para el 500 aniversario de la Reforma en 2017. En ella se exhibe una colección de documentos, pinturas y objetos de todo tipo sobre su estadía como jovencito en esta ciudad, a la que llegó a vivir primero con familiares de su madre, además de ampliar la comprensión sobre el impacto histórico de su obra en el pensamiento renacentista y en el contemporáneo. En la nueva y completísima exhibición permanente "Lutero y la biblia" que abarca tres pisos, se muestran detalles sobre los sucesos más destacados del renacimiento, se explica de dónde partió para realizar la traducción de la biblia al alemán, cómo y ENERO - JUNIO 2017 ,-.-...mo' +-. ) .,_., 9 UANL �L _J 7 La Casa Bach en Eisenach es un espacio dedicado a este admirado compositor quien nació en esta ciudad. En sus 600 m2 muestra gran cantidad de piezas relacionadas con su fascinante vida y su cuantiosa obra, entre ellas un manuscrito original. El centro de la exhibición es una construcción de hace 550 años que se encuentra muy cerca del lugar en el que Bach nació, que no está en pie desde hace mucho tiempo, y que resulta ser una construcción característica que ya existía en vida del compositor y un digno sitio para el primer museo de Bach en su ciudad natal. En 1905 la Nueva Sociedad Bach adquirió el edificio y en 1907 fue abierto como el primer museo sobre él. En la Casa Bach se exponen pinturas, esculturas, piezas de barro y cristal, libros y manuscritos de la época de Bach con información en alemán e inglés que permiten conocer de manera detallada acontecimientos de la vida y obra de este gran creador quien nació el 21 de marzo de 1685 y fue bautizado dos días más tarde en la iglesia de San Jorge. Pasó sus primeros diez años ahí. En julio de 1695 Johann Sebastian y su hermano Johann Jacob abandonaron Eisenach, después de la muerte de su padre, para vivir en Ohrdruf con su hermano mayor Johann Christoph, quien fue discípulo de Johann Pachelbel. La tradición musical de su familia lo puso en contacto con esta Exterior de la Casa Bach, de 550 años de antigüeda profesión desde pequeño. Distintos miembros de su familia estuvieron al frente del quehacer musical en la región de Turingia, Alemania, desde el siglo XVI hasta el final del siglo XVIII. Su padre, Johann Ambrosius quien fue experimentado músico al servicio del ayuntamiento de Eisenach, le enseñó a tocar a temprana edad instrumentos de cuerda y aliento. En el templo de San Jorge vio a su primo segundo, Johann Christoph Bach tocar el órgano, experiencia que lo marcó dado que este instrumento sería su favorito. De 1692 a 1695 Johann Sebastian Bach fue estudiante de la Escuela de Eisenach, hoy llamada "Martin Luther Gymnasium" y se unió a su coro; sus miembros tomaban clases de música cuatro veces por semana, según los registros de la época. Un zapato de 1770 que ejemplifica los 350 km que Bach caminó a los 15 años para encontrar un lugar en el Coro de Lüneburg. La Casa Bach es uno de los edificios residenciales más antiguos en Eisenach. Originalmente consistía de dos construcciones, una de ellas de 1456 y la otra de 1458. En 1611 fueron unidas. En el siglo XVIII la primera planta era usada con fines prácticos y relacionados con la agricultura, así pues la que es hoy la Sala de instrumentos, era el granero y el vestíbulo funcionaba como portón de acceso. A consecuencia de los bombardeos durante la segunda guerra mundial, la Casa Bach sufrió ENERO - JUNIO 2017 10 UANL í �L _J 7 En la Sala de instrumentos se muestran originales del periodo barroco, entre los 400 que posee el museo. Dignos de mención están tres: una viola da gamba con siete cuerdas, fabricada por el amigo y colaborador de Bach de Leipzig, Johann Christian Hoffmann en 1725; un violoncello piccolo con cinco cuerdas de 1750, para ejecutarse sobre la rodilla y del que se dice que Bach lo consideró para nueve cantatas a partir de su estancia en Leipzig como parte del bajo continuo y, una viola pomposa con cinco cuerdas, semejante a un pequeño cella que para tocarse debe ser colocada en el brazo en lugar de entre las rodillas. Desde 1973 cinco instrumentos de teclado barrocos son usados en esta Sala para las ejecuciones musicales efectuadas varias veces al día. Entre ellos están dos órganos de cámara de fabricación suiza y alemana, un clavicordio de trastes con un sonido muy sutil de 1770, una espineta fabricada en 1765 en Estrasburgo y una copia del 2003 de un cémbalo construido por Johann Heinrich Harass, posiblemente el fabricante de cémbalos favorito de Bach. En mi visita a esta Sala el recital ofrecido por el músico encargado fue didáctico, debido a que el público estaba conformado mayormente por niños y dio información sobre Bach, su familia y cada instrumento e hizo preguntas para que los niños participaran y además ilustró con composiciones del autor alemán, en su mayoría aquellas que se utilizan para enseñar, tales como el Cuaderno de El estudio de Bach, recreado de acuerdo a lo que fue su estudio en Leipzig. daños substanciales, particularmente en el techo. Debido a los esfuerzos y el interés en esta gran figura de la música por parte de la administración militar soviética, en junio de 1946 el museo fue reabierto. Del 2005 al 2007 las construcciones al oeste de la Casa Bach fueron sustituidas por una nueva ala del museo, el edificio histórico fue restaurado y la exhibición fue modernizada totalmente. La entrada al museo es ahora por la nueva ala. El recorrido inicia en el vestíbulo hacia la planta baja del edificio histórico y su Sala de instrumentos, luego se pasa por el jardín al área de exhibiciones especiales localizada en la parte este. Desde ahí, las escaleras conducen a la Sala de estar de la segunda planta de la antigua casa y la visita concluye en la Gran sala del nuevo edificio, con énfasis en la música de Bach y sus técnicas compositivas. Del nuevo edificio uno accede al vestíbulo de la antigua casa y se encuentra con la antigua puerta del apartamento que Bach ocupó en Leipzig los últimos 27 años de su vida, por la que pasaron él, su familia y sus alumnos más célebres. Como uno de los objetivos de la Casa Bach es coleccionar y preservar todo lo relacionado con este genio del barroco, su época y su obra, de la extensa colección de instrumentos del museo, llaman la atención dos de ellos. El primero es una armónica de cristal de 1775, diseñada por Benjamín Franklin para la que autores como Mozart, Beethoven y Richard Strauss realizaron composiciones; el segundo es una de las curiosidades de la Casa Bach llamada la trompeta-violín, de 1717. Durante su estadía en Kóthen Bach tuvo la oportunidad de conocer un instrumento similar. ENERO - JUNIO 2017 Pastelillos de harina de chocolate de la cafetería de la Casa Bach, llamados Bachwürfel. 11 UANL í �L _J 7 Ana Magdalena Bach, los Pequeños Preludios y sus libros del Clave Bien Temperado. Fue significativo escuchar estas obras en un interior de pequeñas dimensiones, pues permitió que los 45 minutos que duró el recital fueran un encuentro íntimo e inolvidable con la obra de Bach para teclado, los instrumentos y los sonidos de su época. Después de este recital bajé a la cafetería, de nombre "Café Kantate", para degustar un delicioso "Bachwürfel", un pastelillo de harina de forma cuadrada y sabor chocolate, recubierto con chocolate blanco y una imagen del perfil del compositor. Reanudé mi recorrido en el área de exhibiciones especiales para encontrarme con la exposición llamada "Lutero, Bach y los judíos" en la que se explica principalmente cómo fue que su obra alcanzó reconocimiento internacional gracias a los esfuerzos de judíos que paradójicamente lograron preservarla los casi ochenta años que tomó de la muerte del compositor hasta el estreno de su "Pasión según San Mateo", efectuado en Berlín en 1829, teniendo como responsable a Félix Mendelsshon, un judío bautizado católico. La habitación de mayor tamaño en la segunda planta de la antigua casa es la Sala de estar y muestra, bajo el título de "Bach, una vida barroca", la biografía musical de Bach, sus estudios en Ohrdurf y Lüneburg y sus empleos en Arnstadt, Mühlhausen, Weimar, Kóthen y Leipzig. Esta exhibición resulta bastante original dado que usa, además de información del lugar, un objeto relacionado con el momento por el que nuestro creador musical atravesaba, como es el caso de un zapato masculino de piel que ilustra la caminata de 350 kilómetros que el joven Bach de 15 años realizó en compañía de su amigo de toda la vida, Georg Erdmann, entre Ohrdrufy Lüneburg en busca de un lugar en el coro de la escuela, para "hijos de personas pobres". El objeto más enigmático en exhibición en esta Sala es quizá la copa de cristal de Bach, la única pieza que indudablemente perteneció al gran compositor alemán. Probablemente le fue entregada en 1736 al recibir el cargo de Compositor de la Corte Electoral de Sajonia. En otra área de la segunda planta se aprecia también en copia, debido a que los originales están en los archivos de la ciudad de Eisenach, un fragmento del registro de asistencia de Bach a la Escuela de Eisenach de entre 1692/93 así como el himnario ilustrado de 1673, que era usado en el templo de San Jorge durante la infancia de Bach. En otro espacio se habla un poco de su familia directa, dejando en claro lo trágica que fue su vida doméstica debido a que tuvo una primera esposa que murió repentinamente y una segunda que vivió su viudez en circunstancias de pobreza y que en conjunto le dieron veinte hijos, de los cuales sobrevivieron 1O. Una rueca para hilar recuerda a María Bárbara, su primera esposa; Anna Magdalena, su segunda y mucho más joven esposa es recordada con un ramo fresco de claveles amarillos, su flor favorita. De notar también, están los retratos originales al pastel de dos de sus hijos con María Bárbara, Wilhelm Friedemann y Carl Philipp Emanuel, de 1730. Entre las habitaciones en la planta alta amuebladas a la usanza de la época, están un dormitorio con una cama con textiles reproducidos acorde a la fabricación del siglo XVII y una cuna del mismo período, un estudio que se asemeja en tamaño y mobiliario al que Bach tuvo en su apartamento en Leipzig, con una cómoda escritorio con una silla, un librero con títulos de teología en su mayoría, un reloj de péndulo con pedestal y un clavecín. Claveles amarillos, en memoria de la segunda esposa de Bach, Ana Magdalena. ENERO - JUNIO 2017 12 UANL í �_J L del compositor, con la descripción desde su descubrimiento hasta su inclusión en una nueva edición de su obra. Se trata de la parte para continuo de la cantata "Alles nur nach Gottes Willen" BWV 72. Desafortunadamente el vidrio que protege a esta joya impide la visibilidad clara. El último apartado, llamado "Cómo tocamos a Bach " inicia con el recuento sobre los esfuerzos de su hijo Carl Philipp Emanuel para mantener viva la música de su padre y concluye con el regreso a la orquesta y las técnicas de ejecución de Bach descubiertas con el movimiento históricamente informado que se dio durante el siglo XX. También se aprecia una cocina pequeña con una chimenea, con muebles característicos de una familia de clase media. Al dejar la antigua casa la visita continúa en el nuevo edificio, en donde los temas centrales son "Cómo vemos a Bach", "Qué sabemos de Bach" y "Cómo tocamos a Bach", todos ellos están presentados alrededor de una escultura central titulada "La composición caminable". Lo primero que se aparece en el recorrido por este moderno edificio son cinco sillas colgantes llamadas "de burbuja", cada una provista con audífonos y una grabación distinta. En la primera se escucha al virtuoso y compositor con el primer movimiento del "Concierto en A mayor, para teclado y orquesta", interpretado por David Fray al piano; en la segunda, se aprecia al imaginativo y perfeccionista con el primer movimiento de la "Suite No. 1 para cello, en G mayor", ejecutado por Gavriel Lipkind; en la tercera se oye al predicador musical con el coral ':Jesús alegría de los hombres", en una grabación de Teldec del 2009 bajo la dirección de Nikolaus Harnoncourt; en la cuarta se escucha al transformador y creador, con una muestra de sus "Oberturas" con Masaaki Suzuki dirigiendo al Bach Collegium Japan, para terminar en la última silla "burbuja" con Bach como el maestro animado, con las "Variaciones Goldberg" interpretadas por Martín Stadtfeld. Digna de mención es la colorida y casi expresionista pintura en la pared detrás de estas sillas colgantes, obra del 2004 de Johannes Heisig, en la que se ve a nuestro compositor entregado en la dirección de una cantata en la iglesia de Santo Tomás, en Leipzig, rodeado por cantantes e instrumentistas. El tema "Cómo vemos a Bach" es desarrollado con una muestra de retratos, entre los que sobresalen el de 1720, realizado por Johann Jacob lhle, una copia de 191 O del pintado por Elias Gottlob Haussmann y cuyo original cuelga en el ayuntamiento de Leipzig, y el de 1730 descubierto recientemente, de autor desconocido, hecho al pastel y que además aparece en la portada de esta revista. También hay un video, comisionado por el museo en el 2008, que reconstruye su rostro a partir de tres de los moldes de su cráneo realizados por Seffner. El siguiente tópico que se nos presenta es "Qué sabemos de Bach" y está enfocado en la investigación. El elemento de mayor importancia aquí es el manuscrito con la caligrafía ENERO - JUNIO 2017 La visita llega a su fin en la "Composición caminable" que incluye en su exterior diferentes puntos para escuchar ejemplos que explican las técnicas musicales y los tópicos en las obras de Bach como la polifonía, el contrapunto, lo que Bach llamó "temperancia" o afinación correcta en referencia a sus libros del Clave Bien Temperado, la música para órgano, las cantatas y pasiones, las cantatas seculares, las sonatas y suites, la forma concierto, la obertura, los motetes y las obras tardías, entre otras. En el interior hay una instalación multimedia que temáticamente liga cuatro de los tópicos abordados en el exterior con una ejecución musical mostrada en una pantalla que abarca 180 grados. Después de pasar tres días en la ciudad de Eisenach puedo concluir que es encantadora, no sólo porque mantiene el carácter mágico de un lugar lleno de historia que parece detenido por el tiempo, a pesar de estar en gran parte reconstruido tras la segunda guerra mundial, sino porque en sus calles y en sus construcciones habitaron trovadores, caballeros, santos, y futuros eruditos y compositores, cuyas obras cambiaron el pensamiento filosófico y musical occidental para siempre, con grandes figuras como Martin Lutero y Johann Sebastian Bach, quienes aún hoy, siglos después de su fallecimiento, siguen proveyendo belleza y propósito a todos aquellos que disfrutamos de sus creaciones y conocemos un poco de sus vidas. 13 �L _J 7 @(usicaluJad C:S~~etnw4@J~ <!T_~ (§Tlnat ~ ~ fW'l! et @r~b ~~ ~ @(_Ú5illl/ 0 0 / 1 1 ~ ~~ ( E ~ @ ( ~ (:¡¡ ·~ ~ \ ll'iJ . GERARDÓ MAURO GALLEGOS GARZA \ w~ .__ ~ 1:-t E l futuro de nuestra raza humana está en las niñas y en los niños, pero también está en nosotros los adultos quienes decidimos madurar, orientarles de algún modo y que tenemos la responsabilidad de hacer ejercicios constantes de introspección, reflexión y cambios en nuestras formas de actuar, incluyendo nuestras formas de pensar. Este fue el motivo por el cual decidí dedicarme a la educación, en especial a la educación musical infantil, la música como pretexto para trabajar en desarrollar en conjunto por y para las niñas y los niños nuestras competencias por y para la Vida. ~ ontinuac: n, presento un extracto de dicho material, del cual me parecen esenciales las actividades referentes a la creatividad, al ritmo y al desarrollo del oído y la entonación utilizando de manera progresiva los sonidos de la escala pentatónica de Do Mayor. Cabe mencionar que los tres libros indispensables para la realización de este trabajo fueron: "Actividades musicales preescolares" de un colectivo de autores, del cual tomo las melodías que aquí se muestran, "Música para Maestros" de Ana Lucía Frega y "La Educación" de Reinaldo Suárez Díaz. Unidad temática sobre el silencio, el sonido y sus cualidades iEscucha! iSon el sonido y el silencio! Objetivo En este camino, tuve la fortuna de haber cursado la Licenciatura en Música con la acentuación en Educación Musical en la Facultad de Música de la UANL, la cual concluí en el mes de mayo del 2016, en donde mis estudios estuvieron principalmente a cargo del Dr. David Josué Zambrano de León, quien es Catedrático y Coordinador de la acentuación de mi carrera, persona a la que le tengo un profundo respeto y una gran admiración por su dedicación al desarrollo académico de todos quienes pasamos por sus clases. Que las niñas y los niños vivan la experiencia e inicien la comprensión del silencio y las cualidades del sonido, a través de distintas actividades para que lo realicen con la mejor calidad posible. Grupo de actividades centrado en el silencio, el sonido y su timbre iSilencio! Tu voz y mi voz lSuenan igual? Objetivo Uno de los requisitos de titulación fue el de elaborar un trabajo final que consta de una planificación de curso. Mi trabajo lo titulé "Musicalidad Integral en el nivel preescolar", ya que aborda actividades vivenciales y reflexivas sobre el silencio, las cualidades del sonido y los elementos de la música. ENERO - JUNIO 2017 Que las niñas y los niños experimenten el silencio a través de su práctica activa para que logren escuchar, distinguir y reproducir las diferentes cualidades del sonido; y que escuchen, distingan y reproduzcan sonidos de diferentes timbres a través de los diferentes juegos y cantos para que lo hagan cada vez con mayor calidad. 14 �L _J 7 circular, primero el derecho, luego el izquierdo, para continuar con los dos y jugar a los "espaguetis", que servirá para relajar todo el cuerpo. Se reproduce en la computadora un fragmento del "Primer movimiento de la Sonata para piano no. 16 en do mayor, K. 545", del austriaco Wolfgang Amadeus Mozart, y se pide al grupo caminar de manera libre haciendo movimientos expresivos con todo el cuerpo. Expresión corporal iAcostémonos en el piso! Se realiza una formación circular, se pide acostarse boca arriba, que pongan sus manos en el vientre, que cierren sus ojos, y que inhalen por la nariz y exhalen por la boca, sin hacer ruido con la respiración y sintiendo el movimiento de su vientre en sus manos. Para el ejercicio se reproduce ''Aire" de la "Suite No.3 en Re Mayor, BWV 1068", de Johann Sebastian Bach. Audición El juego del bote del silencio y los sonidos En este juego se le entrega un bote imaginario a las niñas y a los niños quienes al tomarlo ya no pueden emitir sonido alguno, cosa que lo hace muy emocionante ya que en una formación de fila se irán a tres puntos diferentes fuera del salón para recolectar sonidos. En cada punto que se visite se escuchará el ambiente sonoro y se recolectarán dos sonidos elegidos por el grupo el cual se guardará abriendo el bote haciendo un sonido, guardando el sonido elegido imitándole, y cerrando de nuevo el bote. Al regresar al salón se sacarán los sonidos del bote en el orden en el que se guardaron y emulándolos con la voz. 1nterpretación iVamos a cantar! En formación de coro, la cual consta de una fila de niñas adelante y una fila de niños atrás, se hace una breve sesión de vocalización que incluye realizar respiraciones, un sonido de ambulancia que vaya de un sonido grave a uno agudo y de regreso usando la vocal 'W', para abrir bien la boca, cantar el sonido Sol también con la vocal 'W', para tener Sol como sonido de referencia; y laleos con la tercera menor Sol-Mi. Se recuerdan los cantos didácticos musicales "Dos ranitas" y "Los patitos", que contienen la tercera menor Sol-Mi y que el grupo ya conoce. Se realiza como juego abierto, haciendo movimientos que representen a los animales de los cantos y como juego cerrado al interpretar las piezas según las partituras que muestro a continuación. Creación iA movernos con música! Se hace un calentamiento del cuerpo que inicia con movimientos de la cabeza, moviéndola de abajo hacia arriba y de izquierda a derecha. Después se mueven los hombros de manera ~ \_ ~ ºfiY ~ Ma. de Lourdes Castaneda -o 0 e Dos ra - n lasten - 90. plop. plop. plop. Brincan. co-rren.sal - tan. e G Can tan muy a - le - gres. ENERO - JUNIO 2017 plop. plop. plop. a-oc, croe. croe. Dos ra - ni-tas ten - go, 15 plop, plop. plop. UANL í �L _J 7 ~ ll ¿ l ~ 0 " Los pa - C ~ ti - tos z -.7 0 del Los patitos ~ r o- º~ es - tan - que me ~ º -A ]l ~º~ ~ Astrid Durán e G sa - lu - dan. cua, oua. e oua. Y sees - e G con - den ba - Joel a - la cuan - Ck> van -.7 0 a des - can - sar. iAdivina quién es! Audición Con el grupo sentado en el piso, se seleccionan a dos niñas y a dos niños que a espaldas de los demás, dirán la palabra hola. Se le pregunta al grupo quién fue quien habló para que respondan. Se repite la actividad y al final se reflexiona sobre la diferencia del timbre de las voces. Ejecución iVamos a decir sus nombres con ritmo! Las últimas dos niñas y los últimos dos niños en participar en el juego anterior, se ponen al frente del grupo y haciendo una lectura de izquierda a derecha, se dicen sus nombres acompañando con percusión corporal con ritmo de negras a 90 golpes por minuto. Este ejercicio rítmico se puede volver a repetir con otras dos niñas y otros dos niños. 1nterpretación IVamos a cantar! En la formación de coro, se hace el calentamiento del cuerpo y la vocalización que para esta sesión incluye hacer respiraciones, el sonido de ambulancia, cantar el sonido Sol con la vocal 'W:, y laleos con los sonidos de los intervalos Sol-La y Sol-Mi, y la secuencia Sol-La-Sol-Mi. Se recuerda el canto didáctico musical "Caigan, caigan gotas", que contiene los sonidos MiSol-La. Se hace como juego abierto, haciendo movimientos que vayan de acuerdo con el canto; y como juego cerrado, su interpretación final. < ll l ~ ºJiY ~ Traducción Astrid Durán --v e Cai - gan, Pa ra ENERO - JUNIO 2017 Caigan, caigan gotas ' ~r // ~ ll ºp; l ~ ~ Letra y música alemana --v e ~ -" • 0 () cai - gan que yo 90 cret - tas, So - bre Fres cay ca, 16 mi per ca fu - be ma - za , da. UANL í �L _J 7 Creación i Dibujemos las gotas de lluvia! En una hoja de papel en blanco, se dibuja una flor y se hacen puntos con diferentes crayolas mientras se canta y se marca el pulso de canción "Caigan, caigan gotas". Grupo de actividades centrado en la intensidad del sonido El sonido puede ser suave y FUERTE iAh! iV también medio fuerte! Objetivo Que las niñas y los niños escuchen, distingan y reproduzcan sonidos de distintas intensidades para que lo hagan cada vez con mayor calidad, utilizando como estrategias principales la audición y el canto. Interpretación iVamos a cantar! En la formación de coro, se hace el calentamiento del cuerpo y la vocalización que incluye hacer respiraciones, el sonido de ambulancia, hacer la expresión "iHey!", para mostrar e interpretar las intensidades medio fuerte, suave y fuerte (lo cual en esta sesión se reflexiona a profundidad); cantar el sonido Sol con las vocales ''f,;.' y "O", y laleos con los sonidos de los intervalos Sol-Mi, Sol-La y las secuencias Sol-Mi-Sol-La y Sol-Mi-Do. Se recuerda el canto didáctico musical "Linternas", que contiene los sonidos Do-Mi-Solla. Se hace a manera de apreciación e interpretación. Una vez recordado el canto, se puede interpretar con repeticiones y variando la intensidad del sonido. También puede ser una buena ocasión para practicar los cantos recordados en las sesiones anteriores y variar la intensidad de la interpretación. ~l ~ < ºp ~ Linternas Traducción Astrid DLXán -o ro- ~~ 0 () e Lin - ter - nas, lin - ter - nas, e la luz, A - pa - gar la lu Pe - ro sol 0 e F Lu - na , e gar e Letra y música alemana -o yes F - tre - llas, A - pa - e nun - ca mi lin - da lin - ler na . iA movernos con música! Se hace un calentamiento del cuerpo y se reproduce y se pausa varias veces la "Marcha Turca" de "Las Ruinas de Atenas, Op.113" de Ludwig van Beethoven en la computadora, cambiando el volumen para que cuando suene fuerte las niñas y los niños caminen de pie y estirándose, y para que cuando suene suave gateen. Creación iDibujemos la intensidad! En una hoja de papel en blanco, hacer trazos libres con crayolas de diferentes colores que representen la intensidad de lo que la maestra o el maestro está interpretando. La pieza a elegir puede ser la que el grupo decida o también puede ser una improvisación. ENERO - JUNIO 2017 17 UANL í �L _J 7 Interpretación iVamos a cantar! 14minutos En la formación de coro, se hace la vocalización que inicia con respiraciones, el sonido de ambulancia, hacer la expresión "i Hey! ", para mostrar e interpretar las intensidades medio fuerte, suave y fuerte; cantar el sonido Sol con las vocales ''Pi.' y "O"; cantar el sonido Sol con la vocal ''Pi.', para jugar con la intensidad de suave a fuerte y de fuerte a suave; y laleos con los sonidos de los intervalos Sol-Mi, Sol-La y Do-Re y las secuencias Sol-Mi-Sol-La, Sol-Mi-Do y Sol-Mi-Sol-La-Sol-Mi-Do. Se recuerda el canto didáctico musical "Tortuga", que contiene los sonidos Do-Re-MiSol-La. Se interpreta la pieza para que la aprecien las niñas y los niños y se le usa como adivinanza. Una vez recordado el canto, se puede interpretar con repeticiones y variando la intensidad del sonido gradualmente siguiendo el cambio de altura de los sonidos. También puede ser una buena ocasión para practicar el canto "Linternas" y aplicarle un cambio de dinámica gradual. -V 0 Ten go pa tas , e En co - la y ca - be e G rri coo cha las za. es - con - do yo. Creación iDibujemos la intensidad! 10minutos En una hoja de papel en blanco, con crayolas de diferentes colores, hacer una línea de izquierda a derecha que represente la diferencia de intensidad de la voz humana, de un instrumento o de una pieza interpretada o reproducida. Previamente la maestra o el maestro da la indicación de cómo representar el cambio de intensidad, si sube de volumen la línea sube, si el sonido baja de volumen, la línea baja, si el volumen se mantiene, la línea se mantiene. Grupo de actividades centrado en la altura del sonido El sonido puede ser graveee y agudooo Objetivo Que las niñas y los niños, por medio de la audición activa y el canto, escuchen, distingan y reproduzcan sonidos de distintas alturas para que lo hagan cada vez con mayor calidad. Audición iEscucha con atención! Las niñas y los niños, acostadas y acostados en el piso, escuchan a cargo de la maestra el maestro, la canción "Caracol". ENERO - JUNIO 2017 18 UANL í �L _J 7 Se vuelve a interpretar la pieza, pero con la novedad de que la melodía se ejecuta con unas campanas. Se utiliza un set de 8 campanas en la tonalidad de Do Mayor. A - rras - tran - do cues - taa - rri - ba, e Me Mi ca - si - ta G F pre - gun - tas quién soy yo, Yo voy me lla - mo car - gan - do, e ca - ra - col. Apreciación ilas Campanas! Se pide al grupo que se siente y vea las campanas dispuestas a manera de escalera, de izquierda a derecha, abajo la más grave y arriba la más aguda. Se toca cada una de ellas para escucharles. Como siguiente acción se quitan las campanas de Fa y de Si para recordar canciones de las clases anteriores que con los sonidos de la escala pentatónica de do mayor basta. Finalmente se tiene un juego de discriminación auditiva, en donde se tocan dos campanas del set completo, y en relación de una con otra, se les pregunta cuál es grave y cuál es aguda. Como primera forma del juego es viendo las campanas, como segunda forma es sin ver las campanas. Expresión corporal i Mueve tu cuerpo! Se hace un calentamiento del cuerpo y se expresa con el cuerpo el subir y bajar de los sonidos ejecutados en las campanas. Como primer paso, con los sonidos de la escala pentatónica de Do Mayor, como segundo paso, con los sonidos de la escala diatónica Do Mayor, como tercer paso con la pieza "Caracol". Interpretación iVamos a cantar! En la formación de coro, se hace el calentamiento del cuerpo y la vocalización que incluye hacer respiraciones, el sonido de ambulancia, que en esta ocasión al hacer el sonido hacia arriba se detiene y se dice "agudooo" y de igual forma iniciando desde arriba al llegar abajo se dice "graveee"; hacer la expresión "iHey!", para mostrar e interpretar las intensidades medio fuerte, suave y fuerte; cantar el sonido Sol con las vocales ''Pi.', "O" y "E"; se canta el sonido Sol con la vocal ''Pi.', para jugar con la intensidad de suave a fuerte y de fuerte a suave; y laleos con los sonidos de las secuencias Sol-Mi-Sol-La, Sol-Mi-Do, Do-ReDo y Sol-Mi-Sol-La-Sol-Mi-Do-Re-Do. La canción a interpretar será "Caracol" y las que el grupo elija cantar del repertorio aprendido hasta el momento. ENERO - JUNIO 2017 19 UANL í �L _J 7 Audición lQuién tiene la voz más aguda y la voz más grave? Como juego de discriminación de altura, se hará una pareja, ya sea niña-niña, niña-niño o niño-niño, para escuchar las voces y definir quién tiene la voz aguda y quién la voz grave. Como primer paso se puede hacer viendo a quienes participan frente al grupo, como segundo paso se puede hacer a espaladas de quienes participan escuchando para que la discriminación sea puramente auditiva. ejecución se detendrán haciendo una estatua. Este juego necesita enriquecerse dando ideas para la escenificación, ya que las estatuas se pueden hacer acostadas en el piso, sentadas, de rodillas y de pie. Como segundo paso, se hace la caminata con la música de la sinfonía y los palitos, y como tercer paso se pregunta al grupo de qué otra forma se puede seguir el pulso con el cuerpo y se realiza tomando en cuenta las respuestas. Por último, se revisa individualmente que todas y todos estén acertando a caminar con el pulso marcado. Creación iVamos a dibujar los sonidos! Trazar líneas en una hoja que representen los sonidos de dos campanas que suenen y se escuchen. Empezando por un punto, se hará una línea que suba si el primer sonido fue grave y el segundo agudo, y viceversa. Como segundo paso y con el mismo ejercicio auditivo, se invitará a las niñas y a los niños a hacer los trazos como gusten. 1nterpretación iVamos a tocar! Todas y todos siguen el pulso del fragmento de la sinfonía con alguna percusión corporal sugerida, después se pide que usen su imaginación para pensar en otra forma de percusión corporal para llevarla a cabo. Unidad temática sobre los elementos de la música iVivamos la música! Objetivo Que las niñas y los niños vivan la experiencia e inicien la comprensión de los elementos de la música, a través de distintas actividades para ejecutarla con la mejor calidad posible. Como segundo paso se reparten palitos para que el grupo los exploren, se les da la indicación de cómo ejecutarlos, se trabaja el ensamble con un pulso de 60 golpes por minuto y por último se acompaña la grabación. Audición iEscucha! ilos palitos! Se pide al grupo que escuche con atención al "Minuete" del "Divertimento en Re Mayor, K. 334" de Wolfgang Amadeus Mozart acompañada con palitos, los cuales ejecuta la maestra o el maestro a pulso de negras. Como novedad métrica, se tiene el compás de la obra a 3/4. Después sin la música se ejecuta el mismo pulso y se va disminuyendo su velocidad hasta llegar a 60 golpes por minuto, y se tocará ritmo de corcheas, otro de tresillos y uno de semicorcheas, para su demostración. Grupo de actividades centrado en el ritmo iHagamos Ritmos! Objetivo Que las niñas y los niños escuchen, distingan y reproduzcan ritmos, a través de la percusión corporal y la ejecución de instrumentos de pequeña percusión, para que lo hagan cada vez con mayor calidad. Audición iEscucha! ilos palitos! El grupo escucha con atención un fragmento del "Primer movimiento de la Sinfonía de los Juguetes" de Joseph Haydn que se reproduce en la computadora y que es acompañada con palitos, los cuales los toca la maestra o el maestro, siguiendo la pieza con un pulso a ritmo de negras. Creación iAjugar a las estatuas! Las niñas y los niños hacen el calentamiento del cuerpo y caminan a pulso de negras a 60 golpes por minuto siguiendo los palitos ejecutados por su maestra o maestro, cada que se detenga. la ENERO - JUNIO 2017 20 UANL í �L _J 7 Creación iNuevas estatuas! Las niñas y los niños hacen su calentamiento corporal para caminan a pulso de negras y diciendo la palabra "voy" siguiendo los palitos ejecutados por su maestra o maestro, cada que se detenga la ejecución se detendrán haciendo una estatua. Este juego se enriquece dando ideas para la escenificación. Como segundo paso se hace siguiendo el ritmo de corcheas (diciendo la palabra "marcho"), tresillos (diciendo la palabra "música") y semicorcheas (diciendo la palabra "ligerito"). Como tercer paso, se aumenta una vez más la velocidad del pulso a ritmo de negras para posteriormente hacerlo con la música y los palitos. En el cuarto paso se pide a las niñas y a los niños de que otra forma se puede seguir el pulso con el cuerpo y se realiza siguiendo las propuestas. Interpretación iVamos a tocar! Las niñas y los niños exploraran los instrumentos de pequeña percusión para después aprender la técnica para ejecutarlos dada por la maestra o el maestro. En la formación de ensamble seguirán el pulso a 60 golpes por minuto y ejecutando los ritmos de corchea, tresillos de corcheas y semicorcheas. Se practican cambios de intensidad con el ritmo de negras y por último se acompaña la pieza de Mozart. Grupo de actividades centrado en la melodía Melodía es lo que cantamos, por lo pronto Objetivo Que las niñas y los niños escuchen, distingan y reproduzcan melodías, por medio de una audición activa, el movimiento y el canto, para que lo hagan cada vez con mayor calidad. Audición iUna canción! La maestra o el maestro, ejecuta la canción "Cinco Ratoncitos" acompañándose de algún instrumento. Enseguida la vuelve a cantar haciendo movimientos de un lado a otro con los brazos representando la melodía, y pide que hagan lo mismo. -V 0 e Cin - co ra - ton - ci - F cuen F 11 ' í - tto G sa - len a G el e n Su - ben ENERO - JUNIO 2017 en tos F co - rre F - e Siem - pre pa - sear, e F dor, Su e G e los en - e - ben F y G ba - ían, e J y ba - jan , por e - le - va - dor, 21 por e - le - va - dor. UANL í �L _J 7 izquierda (puede alternarse izquierda y derecha para trabajar lateralidad) de derecha a izquierda, que emula el movimiento de una línea de fraseo, de esta forma se estará iniciando el principio de fraseo de manera vivencia! y de la forma en que leemos, de izquierda a derecha. Creación iRatoncitas y ratoncitos! Es el momento de hacer un juego abierto, en el que las niñas y los niños propondrán el juego y lo harán como lo vayan diciendo. En algún momento empezarán a cantar mientras juegan. Creación iDibuja la melodía! iVamos a cantar! Interpretación En la formación de coro, se hace el calentamiento del cuerpo y la vocalización que incluye hacer respiraciones, el sonido de ambulancia, deteniéndolo arriba para decir "agudooo" y abajo para decir "graveee"; hacer la expresión "iHey!", para mostrar e interpretar las intensidades medio fuerte, suave y fuerte; cantar el sonidoSolconlasvocales'W.', "O", "E", "l"y"U";se canta el sonido Sol con la vocal 'W.', para jugar con la intensidad de suave a fuerte, de fuerte a suave y de suave a fuerte para terminar en suave; y laleos con los sonidos de las secuencias Sol-Mi-Sol-La, SolMi-Do, Do-Re-Do y Sol-Mi-Sol-La-Sol-Mi-Do-Re-Do. Siguiendo la melodía de Cinco Ratoncitos, haremos las líneas del fraseo de la melodía con colores en la libreta. Grupo de actividades centrado en la armonía iRelájate! Todos los demás sonidos son la armonía Primera parte Objetivo Que las niñas y los niños escuchen, distingan y reproduzcan los sonidos de los acordes Do Mayor y Sol Mayor para que lo hagan cada vez con mayor calidad, utilizando la audición activa, el canto y el juego como medio para lograrlo. Por último, se canta la canción "Cinco ratoncitos" con varias repeticiones y diferentes dinámicas. También se pueden cantar canciones aprendidas anteriormente a manera de juego abierto. Audición Relajación, tensión y relajación. La maestra o el maestro, antes toca el acorde de do mayor y el de sol mayor, haciendo cadencias. Primero todas las notas al mismo tiempo y después a manera de arpegio. Como segundo momento se acompaña con esos acordes el canto didáctico "En el pozo". Apreciación iSiente la melodía! Cantando la pieza "Cinco Ratoncitos", las niñas y los niños harán movimientos en el aire con las manos siguiendo a manera de espejo a la maestra o maestro, quien realizará el movimiento con su mano En el pozo~---" , r C,/" e el po - :zo e y ENERO - JUNIO 2017 se ca - yó, Un G la gen - te 0 /ir ~ Canción alemana traducida por Astrid Ourán---¡;, e G &l ❖l ~ G gran rui - dO u - na 22 sees - cu - chó, e G sea - sus - tó. 0 pie - dral UANL í �L _J 7 'W', para jugar con la intensidad de suave a fuerte para terminar en suave; y laleos con los sonidos de la secuencia Sol-Mi-Sol-La-Sol-Mi-Do-Re-Do y con las triadas Do-Mi-Sol y Sol-Si-Re, este último que resolveremos a Do. Creación i Estatuas en tensión y en relajación! Se inicia con un calentamiento del cuerpo para después hacer un juego de las estatuas guiado, en donde la maestra o el maestro, escenifica una estatua en tensión y otra en relajación la cual será copiada por las niñas y los niños. Como segundo paso se harán esas mismas estatuas con los acordes, utilizando do mayor como tónica, a la que se le asignará la estatua relajada; y sol mayor como dominante, a la que se le asignará la estatua en tensión. Como tercer paso, se pedirá a las niñas y a los niños que las estatuas sean de su propia invención. Para finalizar, se interpreta la canción "En el pozo se cayó" y algún otro canto anterior sugerido por el grupo. Apreciación iEscucha con atención! La maestra o maestro canta la canción "Sube la escalera" acompañándose con el instrumento de su elección. Se repasa el tema de la melodía haciendo un dibujo de las frases en el aire con las manos. Se canta al grupo una vez más la canción acompañándose, pero en esta ocasión se hace la triada de Do Mayor para iniciar y se detiene en el momento de cambiar a Sol Mayor para igualmente ejecutar su triada, en otras palabras, se llevará a cabo un sencillo análisis armónico de la obra. Interpretación iVamos a cantar! En la formación de coro, se hace la vocalización que incluye hacer respiraciones, el sonido de ambulancia, cantar el sonido Sol con las vocales 'W', "O", "E", "I" y "U", la consonante "M" y la secuencia "M-A''; se canta el sonido Sol con la vocal ~\_ ~º~ ~ < Su - be --v c ~r~ ~ ~ laes - ca e Sú - be - lao - tra - le ra, - \_ ~º~ Bá - ja -V 0 tres. dos, e G vez, ~ e Un, G ~ 0 G o e ~ ~ ube la escale~ - la des - pués. Expresión corporal iA subir y bajar la escalera! Se hace el calentamiento corporal para luego realizar un juego de movimiento con la canción, en la primera frase se hace la mímica de subir una escalera mientras se mueven los brazos y piernas, y en la segunda frase se inicia agachados como "pequeños" y se hace un movimiento gradual a "grandotes", de pie y extendiendo brazos y piernas. Como segundo paso se puede hacer este juego con desplazamientos en la primera frase, y como tercer paso se puede hacer cantando las notas en lugar de los sonidos. Bibliografía principal Colectivo de autores. Actividades Musicales Preescolares. Kapelusz Mexicana. DF, México., 1985. Frega, A. L. Música para maestros. Editorial GRAÓ, de IRIF, S. L. Barcelona, España., 2009. Suárez, R. La Educación. Editorial Trillas. DF, México., 2002. ENERO - JUNIO 2017 23 UANL í �L _J fAMUS IE\IJmaJL'IUIJ,L a:LAFMUIADOOMl.'l!CADELAUANL ORGANIZADORA Y RESPONSABLE DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE PIANO Y MASJER CLASS DE LA FACULTAD DE MUSICA DE LA UANL LIC. VERÓNICA LIZZETH VELÁZQUEZ GAYOSSO ; Cuál es su historia como organizadora y Vresponsable de este Festival Internacional de Piano?, lcómo y cuándo inició? La ide_a estaba en el aire ya hace mucho tiempo, son varios los factores que permitieron la organización de este festival. En los últimos 15 años el nivel de piano poco a poco empezó a elevarse y nuestros alumnos empezaron a sobresalir en los concursos internos de la Facultad de Música, vimos después más interés en los concursos para tocar con la orquesta sinfónica, hasta salir a escenarios internacionales, cabe mencionar que nuestros alumnos han ganado premios en New York China Rusia, España y aquí mismo en Méxic~. Est~ aunado a los planes de estudio y los hábitos pianísticos resultaron ser un incentivo para los estudiantes, y me dio la idea de hacer un festival con inclinación hacia la docencia no hacia la interpretación, ya que hoy en día contamos con muchos festivales y presentaciones de piano con intérpretes de varios países y diferentes niveles pero nada más los podemos ver en el concierto sin embargo, mi interés era lo que ellos pueden ofr~r a los alumnos. Nuestros artistas invitados vienen y algunos tocan, pero el énfasis que estamos haciendo es en la enseñanza, que estén trabajando en ~aster class y clases magistrales, que nos den sus ideas, nos ofrezcan su visión a las obras al estilo, tener un contacto directo con el artista, ve;los co'!lo pedagogos, que te dejen algo qué pensar, que comparar, cosa que no se puede tener cuando se va al concierto. Fue así como surgió nuestra primera edición del Festival Internacional de Piano y Master Class en el 2012, hicimos la convocatoria, separamos las salas, - -- ,hablamos con los artistas con varios meses de anticipación y cerramos la convocatoria un mes antes de iniciar para poder llevar a cabo la logística del evento con tiempo. También incluimos talleres de apreciación musical para niños ya que ellos no están preparados para master class, excepto algunos que pertenezcan al Programa de Talentos que son seleccionados previamente. Todos los alumnos que deseen inscribirse nos tienen que mandar un ~ideo de 5 a 8 minutos para detectar el nivel que tienen como pianistas y con ello confirmar su asistencia al evento. lCómo ha sido la respuesta a estas convocatorias por parte de los alumnos? Llevamos ya 3 festivales, los cuales se realizan cada 2 años. Nos alegra mucho mencionar que en total hemos tenido aproximadamente 1000 oyentes en cuanto a público en general y 40 alumnos en cada edición a los cuales se les tiene que dar mínimo 2 clases de 1 hora, lo que representa ao hora-clases individuales, lo cual significa un gran reto i:,ara nosotros ya que no contamos con espacio suficiente y sólo tenemos 2 pianos de cola. Es importante dejar en claro que los alumnos se van contentos pues se procura darles la facilidad de ele~ir al m~e~tro invitado con quien quieran trabajar y, s1 e~n limitados en horario o tienen que regresar a su ciudad antes de que termine el festival, se busca d_arles prioridad, somos muy flexibles y esto ha motivado a que más alumnos foráneos se animen a venir. Al principio esperábamos contar únicamente con alumnos de la Facultad de Música, sin embargo, tuvimos alumnos inscritos de difere~tes estados de la república y nos alegra mencionar que hay quienes han asistido a los 3 festivales y esperan con mucho entusiasmo el siguiente. �L _J 7 lCuál es la exigencia al seleccionar a los pianistas invitados? lCómo logra contactarlos y comprometerlos a participar? Los maestros que vienen representan diferentes escuelas pianísticas, eso es lo que nos interesa, no centrarnos en una enseñanza sino ver distintas propuestas, es una característica peculiar que tiene nuestro festival. Yo tuve la suerte de estar en varios países y festivales y eso nos ha ayudado a negociar para traerlos al festival, además, en el mundo pianístico se conocen a las estrellas, los seleccionamos por currículum, por su nivel altamente artístico y los contactamos vía mail, página web o por medio de empresarios. Les hacemos la propuesta y dejamos claro que no es negocio ni mucho menos con fines de lucro sino meramente con la intención de enseñar a nuestros alumnos. Esto es un trabajo de mucho tiempo de organización así que una vez terminado el festival en curso ya estamos buscando a los invitados para el siguiente. A lo largo de los 3 festivales hemos tenido la oportunidad de contar con grandes músicos en todas nuestras actividades. En las clases magisteriales han participado Jura Margulis, Mauricio Vallina, Rodrigo González Barragán, Evgeny Korolkov, Yolanda Martínez, ldil Biret, Leonel Morales, Michael Bulychev-Okser y Eduardo Orozco; en las masterclass, Boris Berman, Jorge Federico Osorio, Anatoly Zatin, Viada Vassilieva e lrina Samodaeva; y en las conferencias, Norma Galvez Periut, José Loyola Fernández, Flora El isa Treviño, Rigoberto Pupo y Beania Salcedo Moneada. lCuál ha sido el reto más interesante como organizadora y responsable de este festival? Ya que es un proyecto muy elaborado requiere de mucho tiempo de elaboración, en ocasiones contamos con un apoyo por parte de PIFI (Programa Integral de Fortalecimiento Institucional) y no tenemos ningún apoyo gubernamental así que debemos buscar patrocinios con 2 años de anticipación. Se tiene que justificar muy bien cada rubro y convencer a personas que no tienen nada que ver con la música que para nosotros es importante esta labor. No es nada fácil ya que lo que ofrecemos no es un producto final tangible desde el punto de vista de un negocio, nosotros lo que queremos educar es el alma. Cuando no tenemos suficientes recursos tenemos que limitar el número de invitados y su estancia en la ciudad, lo cual significa una mayor dificultad para poder satisfacer las expectativas de los alumnos y cubrir las horas clase con los maestros. También implica un reto enorme traer a los artistas por todo lo que conlleva el traslado, hospedaje, pago y en ocasiones hemos tenido que declinar invitaciones ya que no contamos con el monto para cubrir los honorarios requeridos que sabemos de antemano que lo valen, sin embargo no somos empresarios con la intención de mover artistas, reitero que lo que buscamos con gran afán es una buena enseñanza para nuestros alumnos aprovechando de la mejor manera los recursos que tenemos en cada festival. ENERO - JUNIO 2017 UANL í �_J 7 lCuál es la satisfacción más grande que ha experimentado en este cargo? Estoy muy feliz viendo a los jóvenes, todas las master class están llenas de oyentes, los alumnos se van contentos, hemos sabido que algunos han ganado concursos de compositores, recibimos muchas cartas de satisfacción, de agradecimiento, me encanta ver que se forman amistades, no sólo entre alumnos sino también entre maestros, veo que se ha creado una familia pianística que se apoya en cada festival y que sigue creciendo en cada evento. Sabemos que el festival ha tenido una gran proyección artística a nivel local, nacional y en el extranjero lquién la apoya en la coordinación de todo esto y cuál ha sido su experiencia al respecto? Agradezco a las personas que me han apoyado desde el primer festival, el Lic. Luis Gerardo Lozano Lozano, nuestros 2 rectores, el Dr. Jesús Ancer Rodríguez y el lng. Rogelio Garza; Boris Chalakov, quien prácticamente es director artístico; Osear Torres, Eduardo Orozco Sepúlveda, Jorge Blanco quien estuvo a cargo del desarrollo del festival organizando los hospedajes, comidas y verificando asistencia de los invitados y asistentes; Montse Salazar con diseño de programas, diplomas y publicidad; mi hijo Max Méndez que apoyó con los traslados, comité organizador, maestros de piano que ofrecen su apoyo en todo momento, y todo el personal administrativo de la Facultad de Música. También agradecemos al Festival Santa Lucía con quien estamos asociados desde el 2012 y por supuesto a la UANL y la Facultad de Música, que siempre nos apoyan con patrocinio e instalaciones. Es un equipo muy grande de trabajo, no es sólo mío, sino de todos los que formamos parte del festival, sin importar los retos a los que nos hemos enfrentado queremos que este tipo de enseñanza prevalezca y sea una tradición para nuestros estudiantes. Algún mensaje que quiera hacer llegar a nuestros lectores. Yo los invito a aprovechar cualquier oportunidad que les sea posible, ya sean conciertos, festivales, recitales, etc., porque siempre nos quejamos que no hay nada, hoy en día sí hay mucho, si no hacemos algo, apoyemos a los que sí lo hacen, propongamos ideas, asistamos a los eventos como oyentes, como compañeros, compartamos y participemos tanto como sea posible. ENERO - JUNIO 2017 26 UANL ~ í �L _J 7 .........,_ _ _. . , _ • • • r • ~ •• ~- "':•••~ , t r ! r BERTHA ZURIEL CRUZ HERNÁNDEZ t r t r t r ! t! r t r t r L Cuarto concurso os aniversarios por alguna razón nos resultan de escritura FAMUS 2016 importantes y más aquellos que tienen cifras con números cerrados, es por esta razón que a 150 años de su nacimiento, conviene recordar a una importante personalidad en el mundo musical, un compositor y pianista de nacionalidad francesa, que aunque su tiempo de vida fue de apenas 59 años, sus trabajos e influencia en la historia de la música no pueden pasar desapercibidos: Alfred Eric Leslie Satie. . ,J '=',.....,,....,...,..,'-"""''T"X""<'T"'"""<"T',.....,,.........,,.........,r,,-"~· t Nació el 17 de mayo de 1866 en la ciudad de Honfleur, Francia, siendo aquí donde recibió sus primeras lecciones de música. Su madre murió cuando él tenía sólo cuatro años de edad, así que es educado por su abuela ya que su padre trabajaba en París, pero a los doce años ella muere también, cambiando radicalmente su vida. Posteriormente se trasladó para vivir con su padre en París y en 1879 es aceptado en el conservatorio de dicha ciudad, sin embargo no obtuvo los mejores resultados, sus maestros lo juzgaron con falta de talento y le enviaron de vuelta a casa, situación que se repitió de nuevo en el año de 1885, lo que lo llevó a decidir unirse al servicio militar, lo cual tampoco duró por mucho tiempo. Y así es como Satie comienza su carrera musical, criticado y quizás hasta menospreciado por no tener las "dotes" necesarias para cursar estudios en un conservatorio de gran renombre, sin embargo esto lo llevó por otros caminos donde hizo amistad con poetas sobresalientes de su época y a relacionarse con músicos de cabarets, influencias que son notorias en sus composiciones musicales llamadas Gimnopedias, y en otras piezas del mismo periodo, siendo éstas sus trabajos más conocidos actualmente. Después de un inicio algo desalentador, marcado por la pérdida de seres amados y fracasos profesionales, comienza una etapa de independencia donde se muda a Montmartre, integrándose rápidamente al café-cabaret Le Chat Noir. Es por esta época en la que también conoce a Claude Debussy y entablan una amistad que posteriormente le llevaría a orquestar dos de las Gimnopedias de Satie en un esfuerzo por apoyar el trabajo de su amigo así como la situación económica difícil por la que pasó tiempo después. También conoce al joven Maurice Ravel, sobre quien ejerció una influencia notable en las primeras composiciones de éste músico. Satie junto con éstos dos compositores franceses serían después reconocidos como los más notorios representantes del impresionismo musical. Llega un periodo en el que el compositor pasa un tiempo difícil económicamente, por lo que debe mudarse a un lugar mucho más pequeño y obligándolo a retomar contacto con su hermano para expresar su situación. Para solventar sus gastos toma un empleo como pianista en un cabaret y hace unas adaptaciones para piano de piezas populares como Je te veux, Tendrement y Le Picadil/y, sin embargo tiempo después, ya al final de sus años recuerda esta época de su vida laboral como solamente una fuente de ingreso, rechazando ésta música como despreciable. Mientras trabajaba en el cabaret, a la edad de cuarenta años se vuelve a inscribir a la escuela con el fin de estudiar contrapunto, en la Schola Cantorum de París, para cursar estudios ahora de forma más satisfactoria y obteniendo un primer diploma cinco años después. Pero lqué llevó a dicho compositor a volver a las aulas de las que tanto fue rechazado? Satie nunca realizó estudios formales, y por la excentricidad de sus composiciones más de alguna vez probablemente tuvo críticas negativas, así que decidió estudiar la música de forma académica, pero ya con un entendimiento más amplio que podría justificar sus ideas. Hemos también de considerar a su vez que Francia en sus últimas décadas del 1800 así como a inicios de 1900, años en los que vivió Satie, fue un país que pasó de un gobierno con república a uno monárquico, y posteriormente se vuelve a establecer la república, así como que el compositor vivió los años de la primera guerra mundial, eventos que sin duda influyen en la vida de cualquiera, y muy probablemente hayan dejado huella en la obra del compositor. Todos estos datos acerca de su historia los podemos ver reflejados en el carácter de su música, y de la cual se puede decir que Satie fue el precursor del minimalismo y el impresionismo, así como del teatro absurdo y la música repetitiva. Excéntrico sin duda, incomprendido para algunos de sus contemporáneos, más sin embargo ahora podemos llamarlo un genio; no se olvida que en sus primeros años fue rechazado por falta de talento, por lo que años después prefiere referirse a sí mismo como "alguien que mide sonidos", en vez de llamarse músico. Pero lcómo se puede describir su música? Aún y cuando es un reflejo del conjunto de sus vivencias y experiencias, posee una gran profundidad y belleza, una magia misteriosa que no siempre es posible describir o comprender, pues ENERO - JUNIO 2017 27 UANL í �e .................. ..-.............................. . -.;. éstas piezas breves que sin duda son bastantes creativos, sarcásticos y hasta divertidos; por mencionar algunos "Sonatine bureaucratique " (Sonatina burocrática), "Embryons desséchés" (Embriones disecad os), "Descriptions Automatiques" (Descripciones automáticas), ''Trois Morceaux en forme de poire" (Tres piezas en forma de pera), etc. ~,""-.,._.;;-.;c._ - . . . . . .. ~ - - - •• - ••• , ,t '. r 'l :, Música que provoca tan distintas sensaciones, tan clara pero profunda, tanta genialidad con tanta sencillez, así fueron las no convencionales indicaciones escritas por el compositor: "Sans orgueil" Sin orgullo _L:r{X. :5.RTJ lu,,.. n,c,- ,n e , pt!int ave, u riu '.' ~ ¡/<,u.4 ~ ~ ~ r" J ...:.... ;-...¡ ,- " 7.,,., .... ~ .................. ...... ,e,- ., '\. J: , , , \.J- • ~ pa_r a ,=,en !><! c: "De maniere obten ir un creux" A manera de obtener un hueco -nu__,~ 'tu,¡ ¡¡¡¡ ,;,.., . » :: ''Avec conviction et avec une tristesse rigoureuse" Con convicción y tristeza rigurosa . ....._......................................r.l, + '-, ~ <;:.,- "Munissez vous de clairvoyance" Ármese de clarividencia • ., , • '\.., • < J' • "(.;'7 "Savamment" Inteligentemente quién podría hacer una pieza completa de una sola frase musical la cual debe repetirse cientos de veces, es decir, unos pocos años antes grandes músicos pusieron tanto esfuerzo en componer de tal forma que su idea principal o frase recorriera toda una pieza siendo transformada, puesta en conflicto, repetida quizás pero en otra tonalidad, etc., y ahora podemos escuchar Vexations, la cual parece representar todo un reto para el intérprete, requiriéndole un gran esfuerzo mental: "Para tocar 840 veces este motivo, será bueno prepararse con antelación, y en el más profundo silencio, para la más intensa inmovilidad." "Ouvrez la tete" Con la cabeza abierta "Comme un rossignol qui aurait mal aux dents" Como un ruiseñor con dolor de muelas No sólo tuvo exclusividad para la música, sino que también fue un pensador y escritor, dejando una colección de escritos y publicaciones de diversas naturalezas, incluso llegó a publicar anuncios en periódicos locales ofreciendo a venta o renta edificios imaginarios, los cuales dibujaba y guardaba. Algunos de sus otros escritos son "Mémoires d'un amnésique" (Memorias de un amnésico) y "Cahiers d'un mammifere" (Cuadernos de un mamífero). Es por esto que se dice que es precursor de la música repetitiva. Y este es un recurso que utilizó y explotó en muchos de sus trabajos; y sin duda que para su Musique d'ameublement (Música para amueblar) también fue algo innovador, o poco convencional, con la aspiración de que esta música fuera escuchada por un público en movimiento, deambulando por la sala, donde la música fuera como parte del mobiliario del mismo. Y bueno quizás fue algo inusual para lo que hasta ese momento se concebía la música, pero sin duda puso bases para nuevas generaciones que vendrían. Su gusto por repetir una y otra vez el mismo compás, escribir largas melodías con pocas notas anunciaba el comienzo de aquella corriente minimalista en la música que pronto estaría por venir, aunque sus composiciones están llenas de ricas armonías que pueden ser tan sencillas como complejas. Y aunque su obra compositiva es extensa, siempre será mejor recordado por sus Gymnopédies, piezas para piano que enamoran, envuelven y atraen con cada nota; lento y suave, lento y triste, lento y doloroso son los títulos de cada una de ellas, siendo la primera la que ha sido más utilizada de las tres en películas y videojuegos, u otros músicos han hecho arreglos de ella y grabado. La vida y obra de Erik Satie sin duda tiene motivos para ser celebrado y recordado, su música desafió constantemente muchas de las reglas de la música clásica como también mostró su rechazo a otras corrientes de la música contemporánea, simplemente fue un amante de los sonidos que logró transmitir ese afecto en la belleza de sus melodías, abriendo paso a una época donde músicos como Debussy y Ravel triunfarían, compartiendo con nosotros sus vivencias diarias y la claridad de la música francesa parisina, lugar en el que permaneció hasta su muerte en 1925. Pero esto no fue lo único particular de sus obras, pues al parecer Satie también contaba con un gran sentido del humor, el cual dejó plasmado en comentarios o indicaciones que escribía a las partituras de sus composiciones, además de los títulos de algunas de ENERO - JUNIO 2017 28 UANL n �L _J 7 •... •.... ~ • ..... ....... . . .• ... .• . : . Cuarto concurso de escritura FAMUS 2016 ~{l/ ~~ en; ~ ~ CO/lf1Í; JOSÉ CARLOS ÁVILA SALINAS D entro de la música vocal, el director de coros ejerce un papel importante en su labor; si bien tiene muchas similitudes con el director de orquesta, las diferencias entre ellos suelen ser a veces imperceptibles, no sólo en la técnica sino en su trabajo grupal. El director de orquesta es aquel líder inquebrantable y motivador, una persona que impone su idea musical ante un grupo de músicos profesionales. El trabajo del director de orquesta le lleva a ser alguien muy por encima de su medio de trabajo y el trato músicodirector se vuelve muy impersonal limitándose a la acción-respuesta. Mientras que el director o maestro de coro debe ser una persona capaz de lidiar con las necesidades técnicas, musicales y personales del grupo. Una similitud entre director coral y director orquestal es su trabajo como guía musical, no sólo técnicamente sino también en interpretación de estilos. Sin embargo, el trabajo del director coral como guía se ve estrechamente relacionado con el papel de corista-director, que a diferencia del medio orquestal, en un coro es una línea muy estrecha. El maestro de coro, que algunas veces surge de entre los mismos coralistas, es una persona que además de actuar como líder o guía, también debe desempeñar su trabajo como colega o amigo. Pocos se imaginan cuántos problemas personales, llantos, alegrías y demás vivencias debe atender un maestro de coro. En una orquesta el director es una guía de su interpretación pero uno nunca ve al director de orquesta diciéndole cómo tocar su instrumento a la sección de cuerdas o alientos. Esto es algo que sí pasa con frecuencia en la dirección de coros. El coro es, como algunos dicen, el instrumento del director, por ende éste debe atender las necesidades interpretativas del grupo como aspectos de técnica vocal, análisis de texto y música, trabajo en equipo, etc. Además, según el medio donde se trabaja (sea un coro profesional o un coro amateur), debe variar la forma de trabajo, la técnica y la gestualidad. Por este motivo, la pedagogía es una disciplina esencial en el trabajo del director de coros, casi tan necesaria como saber mover las manos. La clase o ensayo coral debe ser muy dinámica, que despierte el interés por la música y el canto. Por supuesto, el director debe dominar todos los aspectos de la música coral: ENERO - JUNIO 2017 29 UANL í �L _J 7 1.- Texto: La música coral está completamente subordinada al texto, tanto rítmica como melódicamente. El director debe conocer la letra, su traducción y significado, además de tener dominio de la pronunciación en cualquiera que sea su idioma. Debe contar con estrategias de enseñanza que le ayuden a trabajar los aspectos como la pronunciación y la dicción. Más allá del objetivo técnico del trabajo de texto, el director debe buscar sensibilizar al coralista sobre el significado de la música a través de la letra otorgando mayor profundidad y calidad interpretativa y conectando al coro con la obra. También es importante que el director esté consciente de las problemáticas de cada idioma en cuanto a técnica vocal. En algunos lenguajes como el francés, cuya pronunciación debe ser más gutural, se corre el riesgo de colocar la voz incorrectamente en afán de una pronunciación "fiel" al idioma, si bien debe ser importante la correcta pronunciación fonética del texto, el director debe cuidar por encima de todo la correcta técnica vocal. 2.- Ritmo: Es un elemento que está subordinado al texto. Es de vital importancia el trabajo del ritmo ya que es la base de todo ensayo. El director debe ser capaz de resolver las dudas sobre las combinaciones rítmicas de una partitura y hacer que para el coralista el ritmo se vuelva un resultado natural de la interpretación del texto y no un elemento contrapuesto artificialmente. Este punto se une al anterior ya que muchas veces el acento musical y la acentuación del texto se encuentran en una contradicción. Puede ser que la sílaba tónica de una palabra e encuentre en un tiempo débil y es responsabilidad del director analizar la situación y elegir si es más importante el cmrecto entendimiento del texto o la acentuación rítmica. ENERO - JUNIO 2017 A este efecto, el director debe conocer a fondo la obra, la época o el estilo a la cual pertenece, así como saber escuchar el resultado de su coro y corregir cuando la música se siente subyugada o acartonada por el ritmo; la identificación de frases y gestualidades musicales es de vital importancia para que el coralista pueda interpretar la obra integrando la armonía, ritmo y texto. 3.- Canto: Este elemento va estar formado por la entonación y la técnica vocal. De acuerdo a los elementos que conforman el coro con el cual se trabaja, el director debe ser capaz de resolver dichos puntos sin problemas, habrá coros con excelente entonación y con poca técnica vocal, otros con buena técnica y falta de conciencia de la entonación colectiva; y otros sin ninguna de las dos. Por eso, es importante que el director se inicie en la pedagogía, tanto en la musical como en la tradicional, ya que ésta le dará las bases para trabajar los diferentes aspectos de la música según el grupo que dirige. Un director, al enfrentar una nueva obra debe lograr que su grupo tenga un interés en ella, ayudarles a conocer su contexto histórico, los detalles del estilo compositivo según la época; este punto es de vital importancia ya que muchos aspectos interpretativos de una obra coral no están escritos en la partitura, sino que dependen de una interpretación del texto, ritmo y música. Las decisiones musicales que tome el director definirán qué tanto su coro conoce la obra y trabajarán por resaltar lo genial de la pieza. De los métodos de educación musical existentes, el director puede tomar los recursos que le sean más pertinentes según el área de oportunidad para mejorar el presente coro con que se trabaja: Entonación Kodály nos deja un método muy eficaz para la entonación, donde el trabajo sin piano conlleva a un enfoque en la entonación. Esto lo hace un buen comienzo al enfrentarse con un grupo que no ha concientizado su oído musical. Los puntos clave para este método son la entonación y la interiorización del sonido comenzando con ejercicios de fonomimia y después mediante do-movible para trabajar la entonación en diversas tonalidades. Todo lo anterior complementado con la sílaba rítmica lo cual nos sugiere un método muy completo para el práctica coral. 30 UANL í �L _J 7 ~ I' ' También para el aspecto de la entonación en el canto coral resulta de gran ayuda el método Martenot y su trabajo sobre la audición interior, donde por medio de ciertos ejercicios de escucha activa se busca concientizar al coralista sobre su entorno sonoro y actuar conforme a éste. Los ejercicios para fomentar la escucha interior ayudan al coro con el desarrollo de la entonación colectiva y el canto sin necesidad del uso del piano. Ritmo En cuanto al aspecto rítmico, el método de Carl Orff ofrece la posibilidad de trabajar el ritmo con palabras, ya que según la experiencia del autor, las figuras rítmicas musicales no siempre son el método más eficaz de trabajar el ritmo; para algunas personas les es más fácil relacionar este elemento con palabras comunes. Aquí es donde Orff interviene proponiendo palabras que según su contexto ayuden a entender la duración de las figuras rítmicas, lo que resulta muy práctico para trabajar la relación ritmo-texto en una pieza coral, especialmente cuando se trabaja polifonía o contrapuntos muy densos. Para las necesidades de interiorización rítmica puede ser de gran ayuda el método Dalcroze para desarrollar el sentido del pulso y del ritmo a través del movimiento. Sin embargo se debe limitar esta experiencia a los primeros ensayos y dejarlo como trabajo personal en casa, ya que requiere de un tiempo considerable para realizarse y el tiempo de ensayo es muy valioso como para cansar a los coralistas físicamente. ·~ 111, Trabajo en equipo Un aspecto muy importante sobre la práctica coral es el trabajo en equipo. ' El método Suzuki ofrece oportunidades interesantes para trabajar la cohesión y camaradería del grupo, también favorece el aprendizaje a través de la imitación donde los alumnos más adelantados ayudan a los más rezagados. Haciendo una comparación con la práctica coral, muchas veces el director de coros se topará con un grupo donde convivan coralistas entrenados en el canto, amateurs o músicos de otras áreas, por tanto el director debe conocer a cada elemento de su grupo e identificar quienes pueden ser los pilares para lograr el sonido que necesita del coro. Una vez identificados se pueden hacer ejercicios de imitación donde el resto de las voces traten de lograr una colocación o sonido similar a los elementos seleccionados por el director, con el objetivo de que el coro suene como una sola voz y no a un grupo de personas entonando voces individuales. Otro aspecto importante para el método Suzuki que prueba ser de gran ayuda en la práctica coral es la repetición; el repetir segmentos rítmicos, interválicos o de texto en las piezas dará mayor seguridad a los coralistas y evitará que se produzcan desfases entre las voces. Además del conocimiento teórico y práctico sobre estos métodos de educación musical, es de vital importancia que el director entienda sobre la teoría moderna de la educación como escuela activa, inteligencias múltiples, etc. Debido a que realmente existen pocas diferencias entre el ensayo coral y ,• una clase ordinaria, el director también debe conocer sobre los diversas estructuras de clase como las propuestas por los pedagogos Ana Lucía Frega o Reinaldo Suárez. Es importante destacar que aquí se mencionan sólo algunos de los métodos existentes de educación musical. Todos tienen puntos claves que puede usar el director en sus ensayos diarios, siempre enfocado estos métodos al desarrollo progresivo del coro. ENERO - JUNIO 2017 31 '· .-.' UANL í �L _J 7 c<Zt ~ (f)TauJmuuv tÚv tkniClll ~ lf e t ~ tÚv Cuarto concurso de escritura FAMUS 2016 HUGO ADRIÁN BERMÚDEZ LEDESMA 1ntroducción El "Enfoque Taubman de Técnica Pianística" es un cuerpo de conocimiento descubierto y desarrollado por Dorothy Taubman -una profesora de piano en la ciudad de Brooklyn, Nueva York- el cual estudia los elementos necesarios para tocar el piano con virtuosismo y libre de tensión física, ayudando a alumnos y profesionales de la música a recuperarse de lesiones provocadas por la práctica inadecuada de su instrumento, brindándoles la posibilidad de volver a tocar. Este enfoque también ha sido adaptado al violín (Enfoque Taubman-Golandsky) y es a su vez, aplicado al uso de la computadora. La importancia de este enfoque radica en que, de acuerdo a diversas estadísticas, más del 70% de los músicos sufren o han sufrido una lesión que les ha impedido tocar su instrumento en algún momento de su vida, aumentando el porcentaje en el caso particular de los pianistas entre el 87% y 95%. Desgraciadamente, existe el paradigma de que el dolor al tocar el piano o cualquier otro instrumento es inevitable o hasta deseable, y más que evitarlo, se debe aprender a lidiar con él mediante estiramientos, relajación, ejercicios de fortalecimiento, resistencia, descanso, etc. Sin embargo, mediante su trabajo con niños prodigio y pianistas profesionales que exhibían una técnica virtuosa sin rastros de esfuerzo, Dorothy Taubman descubrió que el cuerpo es capaz de satisfacer todas las necesidades pianísticas sin ser dañado. El Enfoque Taubman trabaja de acuerdo con principios fisiológicos y biomecánicos, es decir, a como está compuesto nuestro cuerpo, a como se mueve y a como interactúa con los principios propios del mecanismo del piano. ENERO - JUNIO 2017 32 UANL í �L Algunos de los principios sobre los que la idea del "Movimiento Coordinado" está basada, son: 1. Unificación: El mecanismo utilizado para tocar el piano (dedos mano - antebrazo) funcionará siempre como una unidad, ninguna parte se moverá de manera individual o aislada. 2. Movimiento de las articulaciones dentro del rango medio del movimiento. 3. Alineación: La alineación correcta es aquella que permite el movimiento dentro de su rango medio. 4. Iniciadores de movimiento: Las funciones de iniciación del movimiento se asignan a las partes del cuerpo más capaces para realizarlas, eliminando de este modo los movimientos ineficientes. En este caso, es el antebrazo el iniciador. 5. Acción sinérgica: La acción de cada movimiento coordinado es sinérgica, aumentando y potenciando la de todos los demás. Cuando todos los elementos están debidamente coordinados en su debida proporción, se vuelven casi invisibles para el ojo no entrenado. El proceso de reentrenamiento "Reentrenamiento" es una palabra usada dentro del "vocabulario Taubmaniano" para referirse al proceso en el cual una persona adquiere una nueva coordinación física para tocar el piano, reemplazando así, los malos hábitos preexistentes. Este proceso en ocasiones conlleva dejar de tocar repertorio por un tiempo (especialmente si hay presencia de dolor o lesión) para poder empezar a construir hábitos saludables al piano, sin continuar recibiendo el estímulo repetitivo que provoca el problema. Esto es posible gracias a una propiedad del cerebro llamada "neuroplasticidad", la cual permite crear nuevas e infinitas conexiones neuronales independientemente de la edad de la persona, de sus hábitos o de su pasado pianístico. El proceso a menudo comienza con una evaluación o diagnóstico de los problemas del alumno realizado por el maestro, y si se sigue un esquema tradicional, el proceso de reentrenamiento seguirá una secuencia parecida a esta: • Alineación correcta del alumno, corrección y ajuste de la altura del banco, distancia de este con el piano, etc. • Conexión de los dedos y la mano con el antebrazo mediante la caída libre de este. El aparato pianístico es levantado desde el codo en una sola pieza para dejarlo caer sobre el piano en cada uno de los dedos de ambas manos, cuidando que se conserve la alineación y el balance óptimo de las partes y por supuesto, que la caída esté hecha de forma libre de tensión, haciendo uso de la gravedad. Cabe recalcar que debido al gran énfasis que tradicionalmente se pone sobre los dedos como responsables de todo al tocar el piano (fuerza, rapidez, independencia, distancias, etc.), los movimientos iniciados por el antebrazo son a menudo largamente exagerados para eliminar la hiperactividad de aquellos. 33 UANL í �_J 7 • Aplicación de cada uno de los movimientos en un patrón de 5 dedos en teclas blancas (do, re, mi, fa, sol). • Aplicación de cada uno de los movimientos en una escala en teclas blancas, aprendizaje del uso del pulgar en conjunto con el antebrazo al realizar el cruce. Si los movimientos aún están hechos de forma largamente exagerada, deben ser por lo menos parcialmente minimizados antes de continuar. • Aplicación de cada movimiento en pasajes de piezas que contengan muchas escalas. A menudo se usan sonatas de Haydn y Mozart o algún concierto de este último. • Cuando se ha adquirido cierta comodidad y seguridad con la coordinación necesaria para tocar notas contiguas, como es el caso de las escalas, se introducen las distancias, tanto aquellas incluidas en el repertorio que se está trabajando, como en los arpegios, los cuales serán trabajados de forma similar a como se aprendió la escala. • Naturalmente, una vez que las habilidades básicas están aprendidas en la escala y arpegio, y han comenzado a ser aplicadas en el repertorio apropiado, es necesario adentrarse en otras habilidades como lo son el tocar intervalos armónicos y octavas, acordes y realizar saltos. El punto y la medida en la que dichas habilidades serán introducidas, será a discreción del maestro, que deberá tener la experiencia y entrenamiento necesario para saber si el alumno está listo para adentrarse en ellas. • Cuando cada movimiento de los pasajes de la pieza ha sido cuidadosamente trabajado, es momento de minimizar los movimientos totalmente. Este es uno de los pasos más delicados y más difíciles para el maestro, puesto que se trata de reintroducir a la técnica el movimiento de los dedos en su correcta proporción y coordinación con el antebrazo. Aunque el proceso de reentrenamiento pueda parecer largo, el tiempo que toma varía mucho de persona a persona, y está determinado en gran parte por factores como la presencia de dolor o lesión y la regularidad de las clases. Sin embargo, los beneficios experimentados al reentrenar en el Enfoque Taubman de Técnica Pianística son inimaginables para quien no lo ha experimentado, yendo más allá de la comodidad al tocar el piano, brindando un gran sentido de seguridad, posibilidad de virtuosismo y control técnico, así como de la calidad del sonido. Tras haber descrito el proceso de reentrenamiento y haber hablado sobre la importancia de este enfoque, quisiera compartir mi experiencia con él. Los problemas en el piano comenzaron cuando tenía 16 años de edad en el año 2012. Mis maestros decían que era muy musical y talentoso, sin embargo, siempre tuve limitaciones respecto a mi capacidad para tocar repertorio virtuoso y obtener el sonido que escuchaba interiormente. Me dijeron que la causa era que mis dedos eran débiles y que para fortalecerlos necesitaría hacer todo tipo de ejercicios, incluyendo aquellos para la independencia de los dedos, además de otros fuera del piano. Por ejemplo, tenía que poner la última ENERO· JUNIO 2017 34 �L _J 7 falange del dedo en el borde de una mesa y relajar el peso de mis brazos y hombros para luego flexionar el dedo y levantar el peso. Supuestamente, esto sumado a los ejercicios de estiramiento de los dedos y aquellos que involucraban el uso de ligas, debían hacer que mis dedos se sintieran fuertes. unidad, lo cual fue suficiente para que mi dolor comenzara a desaparecer. Pasaron unos cuantos meses y encontré en Internet la tesis doctoral de la Dra. Therese Milanovic, maestra certificada en el Enfoque Taubman de Técnica Pianística en el nivel más alto por ''The Golandsky lnstitute", en la cual habla sobre su proceso de aprendizaje en dicho enfoque, e inmediatamente me sentí identificado con lo que describía, así que decidí tomar dos sets de 6 clases vía Skype con ella, donde discutimos la técnica básica y algunos problemas que tenía con mis piezas. Después de esas sesiones tuve una mejor idea de cómo aplicar correctamente lo que había estado tratando de aprender viendo los videos. Aunque el dolor en mis dedos, manos y antebrazo ya había desaparecido, el dolor en mi cuello y mis hombros empeoraba más y más cada día, y entre más intentaba "relajarme", el problema aumentaba. Intenté con Yoga, meditación, Feldenkrais, masajes, relajantes musculares y otras prácticas que no hicieron mucho en cuanto a mejorar o resolver mi dolor en los hombros, el cual llegó al punto de interferir con mi vida diaria. Desarrollé tendinitis, tenía dolor en el antebrazo, dedos, en la palma de la mano, dolor que se extendía desde el pulgar hasta el bíceps y del meñique hasta la parte de atrás de mi brazo y el codo, así como dolor en el cuello, espalda y hombros. Todo esto sólo continuó empeorando. Por poco más de un año tuve que lidiar con esta lesión, ponía hielo en mis antebrazos cada vez que terminaba de practicar, usaba una banda en el codo para la tendinitis, intenté con acupuntura y ejercicios de rehabilitación. Nada parecía funcionar, la lesión seguía volviendo y empeorando, los doctores dijeron que probablemente necesitaría inyecciones de cortisona, las cuales afortunadamente nunca me fueron aplicadas. Fue una situación angustiante y dolorosa física y emocionalmente, además de complicada. Recientemente acababa de decidir que me quería dedicar a tocar el piano profesionalmente, ni siquiera había comenzado mis estudios universitarios y ya comenzaba a creer que el daño era irreparable y que mis manos nunca sanarían. Tenía dolor de cuello y hombros todo el tiempo, incluso por la noche cuando dormía, lo cual hacía muy difícil el descansar. Me era imposible practicar por mucho tiempo y era todo muy cansado y debilitante, incluso, en una ocasión el dolor empeoró tanto que tuve que ir al hospital, me tomaron rayos x para asegurarse de que mi columna estuviera bien, y lo estaba, sin embargo, la contractura de los músculos que rodeaban a mi cuello y hombros era tan fuerte que los doctores creyeron que había sido causada por un accidente automovilístico. Tuve que tomar pastillas, aplicar calor y descansar, y aunque esto dio algo de alivio a mis síntomas, seguía teniendo problemas, ya que la causa detrás de estos no había sido tratada. Empecé a investigar en Internet y encontré el trabajo de Taubman, vi algunos videos en YouTube y adquirí los DVDs con los conceptos básicos del enfoque, estudiándolos intensamente. Lo poco que logré aplicar casi correctamente por mi cuenta fue suficiente para comenzar a hacer la diferencia. Dejé de poner los dedos como una garra, de torcer la muñeca hacia los lados, de "relajar" la muñeca hacia abajo, de estirar y abrir los dedos y comencé a pensar en cómo los dedos, la mano y el antebrazo actuaban juntos como una ENERO - JUNIO 2017 Tuve la oportunidad de tomar clases de manera presencial con la Dra. Therese Milanovic (a quien ya 35 UANL í �L _J 7 había visto por Skype anteriormente) en la Universidad de Princeton en verano del 2015, para después continuar estudiando con ella semanalmente por Skype durante los 6 meses posteriores. A pesar de esto, y aunque sí hubo mejoría, el dolor continuaba constantemente, por lo que decidí viajar a Nueva York en febrero del 2016 para estudiar con la mayor experta y autoridad en este enfoque, la maestra Edna Golandsky. Ahora, después de 6 meses de estudio intensivo en Nueva York, puedo felizmente decir que estoy libre de dolor, duermo muy bien, puedo practicar muchas horas sin ningún problema, he recuperado la felicidad y el disfrute que me daba el practicar piano, cada día me siento más seguro y capaz en mi instrumento y comienzo a tocar piezas que antes habrían sido casi imposibles para mí (especialmente tocarlas sin dolor o fatiga) y ahora se sienten dentro de mis posibilidades técnicas. Conclusión Es importante que la gente conozca sobre la existencia del enfoque Taubman, que sepa que no tiene por qué vivir con dolor ocasionado por su instrumento e inclusive, que no tiene por qué sentirse técnicamente limitada, que el virtuosismo puede estar al alcance de todos, ya que una solución a ese tipo de problemas verdaderamente cambia vidas. Desgraciadamente, esta enseñanza no está aún disponible en México, ya que no hay maestros certificados que enseñen en el área, sin embargo, ya estoy en proceso de cambiar eso. Personalmente, es enorme la gratitud que siento por la existencia de este enfoque y por personas tan comprometidas con la enseñanza del mismo como lo son la Dra. Therese Milanovic y la profesora Edna Golandsky, que ayudan a que la gente recupere lo que perdió debido a una lesión, lo cual va mucho más allá de su habilidad para tocar el piano. Fuentes de consulta https://en .m. wikipedia.org/wiki/Dorothy_Taubman http://www.wellbalancedpianist.com/bptaubman.htm https://www.golandskyinstitute.org "Learning and Teaching Healthy Piano Technique", Tesis doctoral de la Dra. Therese Milanovic, Griffith University. ENERO - JUNIO 2017 36 UANL í �L _J 7 DRA. LUCÍA YÉPEZ VILLAFUERTE T estigos de casi treinta años de abandono los goznes rechinan al abrir la puerta, el olor a humedad penetra por sus fosas nasales y se le pega en la garganta. lCuánto hace que ... ? Con un movimiento de cabeza ahuyenta el recuerdo que intenta abrirse paso en su memoria. Mira el reloj, apenas son las siete, aún no oscurece aunque dentro de la casa sea de noche. Pisa con cuidado buscando el apagador antes de que se haga más tarde. Debe encontrar los papeles que necesita, no quiere pasar la noche ahí. Al fin encuentra el interruptor y lo enciende. La habitación se ilumina y su mirada recorre todos y cada uno de los rincones que la conforman: los muebles viejos y polvorientos, los candiles a punto de desprenderse del techo. Delgadas hileras de moho escapan por las múltiples grietas en las paredes. Todo huele a viejo. Busca con la vista la puerta del despacho y camina hacia allá bntre tierra y trozos de madera apolillada c~ída de las vigas del techo. De pronto sus pies golpean algo y al instante las notas de un vals se precipitan en sus oídos con su ritmo sJave y lento. / 1 Sus manos buscan entre los escombros hasta dar con la caja musical donde, sin brazos, la misma bailarina del vals "El beso" danza frente al espejo, ahora sin brillo, de la caja. Una lágrima lenta y silenciosa desciende por su mejilla. Mira otra vez esas paredes descascaradas por el tiempo, ya sin color, sin vida. lPor qué regresó, a quién le importa esa casa semiderruida? A ninguno, era cierto, la nadie. Sólo a ella. \ Entre sus manos la bailarina danza reflejándose en el espejo de la caja de música. lQué es lo que baila papá? El vals El beso de Strauss. Es hermoso, contesto, mientras giramos la bailarina, en la caja de música, y yo alrededor de él. Quiero ser bailarina como ella y bailar ese vals. Así, igualito que ella. lSi papá, puedo? Claro preciosa, claro que puedes. Y sus labios gruesos recorren el rostro de la niña que estalla en carcajadas. Después de eso todos huyeron, decían que las paredes chorreaban sangre, que los gritos de dolor del hombre antes de morir flotaban como pompas de jabón en el aire, estallando cua do menos se esperaba, que la niña, angelito de Dios, no supo lo que hacía. Que la casa, aunque la rociaran con agua bendita, estaba maldita, porque cosas como esas sólo suceden donde habita el diablo y el diablo mismo era su padre. ¡ ENERO - JUNIO 2017 37 UANL í �L _J ~{)/ ~ ew "(!Et ~ k f¡ja!tCÚJ¡" k @cawuao,-c;fO&/ (!Jdutuvw C. P. A. BRENDA ELIZONDO un cuento al cine, inevitablemente quedan infinidad de intervalos y frases sin resolver. Otro motivo que me inclinó hacia este cuento, es que el autor es mexicano; me llama la atención que el campo de la metaficción es poco explorado en nuestra lengua, pareciera que no se practica en países de habla hispana, sin embargo, el investigador Lauro Zavala, conocido por su trabajo en teoría literaria, teoría del cine y semiótica, especialmente en relación con los estudios sobre ironía, metaficción y microrrelato, viene a cambiar un poco la apariencia con sus libros: Ironías de la ficción y la metaficción en cine y literatura y Metaficción en cine y literatura. "El libro de García", cuento que forma parte del libro de relatos Más allá no hay nada, fue publicado en 1996 por la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), en Ciudad de México, donde nace su autor, Mauricio-José Schwarz (1955). Schwarz radica en España desde 1999, es miembro fundador de la Asociación Mexicana de Ciencia Ficción y Fantasía (AMCyF). Sus principales orientaciones, en lo que respecta a géneros literarios, son: ciencia ficción, terror y policíaca. Adicionalmente ha escrito guiones de televisión y cine, entre ellos el cuento "El libro de García" filmado por el director Carlos García Agraz dentro de la serie Cuentos para solitarios. La elección del análisis metaficcional de este cuento, se debe a mi afinidad con los géneros literarios a los que se orienta el autor. En este caso, lamento iniciar el ensayo sin antes haber conseguido el guión, que el mismo Mauricio-José Schwarz escribió para el filme. Aunque quizás el hueco no es tan significativo como lo pienso; se sabe bien, que por lo general, cuando se lleva una novela,° -_ __ ~ . ~. ' - f···.... - ..?" . "' .. -- -- .. . ... - • ... .....,~ ~'T~-:" .- ... -"'!"- ,.""'.-._.~._ "La televisión te puede llevar a la literatura, si es buena televisión", comenta el autor en una entrevista para el periódico El Nacional en el año 2009. Ese mismo diario le publicó el cuento por primera vez en la sección de cultura, y fue gracias a esta publicación, que consiguió hacer realidad uno de sus sueños: relacionarse con su serie favorita: The Twílíght. Es, así, como después de la publicación, le solicitaron que realizara el guión para que el director, Carlos García Agraz lo dirigiera como un programa de media hora. Es en este cuento, en donde el autor encuentra la oportunidad de llevar al límite su pasión de realizar una lectura a contracorriente de los clásicos latinoamericanos, como él mismo lo confiesa en dicha entrevista; el elegido fue Borges y su famoso cuento "La biblioteca de Babel". Contraponiendo una biblioteca con todos los libros, como se plantea en el texto de Borges, a una librería con un solo libro. Tenemos, en primera instancia, un narrador omnisciente, que lo conoce todo, incluso los secretos más íntimos de cada personaje; luego está Everardo: amante de los libros y habitual cliente de una gran variedad de cantinas, en las que pareciera que los cantineros tienen, como única misión, mantener las manos de su frecuente visitante ocupadas con un vaso de alcohol; y posteriormente encontramos al señor García: propietario de una "insignificante" librería en el centro de la ciudad, empeñado en la ejecución de acciones repetitivas, y poseedor de un evidente trastorno mental. El cuento presenta a _ Alicia y al gato de Cheshire como ersonajes 111 ~ ~-~/creaoos _ original~ente por-el escritor b,ritánico CJ:iarles ¡Dodgso ·ar conocido como Lewis CartQIJ.,.y de suobra Alicia en et ' -~ ÍTISTa 1s a través del e , · ·· "' , · pe undario, sin é 1,- d ~;J,4.d ., • . - -· . - - ~ - - . �L _J 7 Eran las cinco de la tarde, cuando Everardo terminó su acostumbrado tour por las cantinas del centro de la ciudad, de la cual no se menciona el nombre, sin embargo, cada descripción puede hacernos interpretar que se hace referencia a la ciudad de México de los años noventa; tiempo en el que fue publicado el cuento. Ofuscado y ciertamente ebrio, al protagonista de esta historia, el revoloteo de una palomilla, lo hace levantar su mirada y ver la librería "GARCÍA LIBROS RAROS" que nunca antes había visto en esa zona, lugar que, estaba seguro, conocía mejor que las palmas de sus manos. La curiosidad y la seguridad de que jamás había visto esa librería, I~ hicieron entrar al diminuto local, que por dentro resulto ser aún más pequeño de lo que parecía por fuera; se encontró con un solo título en todos los libros, cosa que lo hizo dudar de su sobriedad. Recordó la biblioteca infinita que imaginaba Borges y el hecho lo interpretó como broma; comenzaron las especulaciones. El elemento intertextual se encuentra en la alusión a un título, es decir a un solo libro que llena los estantes de la librería de García: Alicia en el país de las maravillas. El libro aparece presentado con pastas duras de piel o en formatos más modestos; en diversas ediciones de los cinco continentes; en volúmenes recientes y de obvia antigüedad, ediciones rústicas, de bolsillo; algunas con un solo ejemplar, y a otras, por centenas, se les percibía colmando repisas. Everardo se pregunta si el señor García era un admirador obsesivo de la obra de Lewis Carroll, se pregunta también qué sentido tendría vender una sola obra en diferentes presentaciones e idiomas, cuestiona la rentabilidad del "negocio": pago de impuestos, renta de local, servicios; queda desconcertado. Esto antes de ver detrás del mostrador, a quien seguramente sería el señor García, absorto con los grabados originales de John Tenni, en uno de los ejemplares, el cual, Everardo constató, se trataba de una edición de la Editorial Porrúa, que contenía en la segunda mitad, la obraAlicia a través del espejo, no obstante, las hojas de esta segunda novela, se encontraban descuidadamente extraídas. Luego de varias preguntas inútiles al señor García, Everardo se rinde diciendo -"Está bien. Sólo tiene Alicia en el país de las maravillas, lverdad?". Pregunta que pareció haberle devuelto la calma al señor García, para después ser él quien cuestionaría a Everard~ -"lPara qué sirve un libro que no tiene ni grabados ni diálogos?". Después de la respuesta de Everardo, vino un entusiasmado aplauso del señor García, al sentir, con esa respuesta, que por fin su cliente comprendió el "juego" propiciado y exclusivamente armado para cada visitante de su librería: Everardo, en un principio, ENERO - JUNIO 2017 39 respondió que no sabía para qué sirve un libro sin grabados ni diálogos, luego, mencionó que quizás Alicia es la única persona que tiene la respuesta ... se imaginó a sí mismo, sentado en la barra de alguna cantina, mirando fijamente cada una de las botellas, que en lugar de marca, tenían el mensaje "BÉBEME", después el señor García, leyó, en voz alta, una frase que eligió aparentemente al azar -"Se quién era esta mañana, pero creo que desde entonces he cambiado varias veces". Everardo comenzó a incomodarse y se exaltó, la frase le había dado al clavo. Sin que el señor García dejara a un lado su serenidad, continuaron intercambiando palabras; le mencionó a su cliente que él no era más que un vendedor de libros y que lo único que quería de él, era que se llevara uno. Prosiguió- "To~os los libros son respuestas. Uno los evalua de acuerdo a sus propias preguntas. Por eso los críticos nunca se ponen de acuerdo: preguntas distintas, lve usted? Si uno lee El juego de abalorios de Hesse preguntando si el autor padecía complejo de Edipo leerá un libro muy distinto que si lo hace preguntando sobre el valor de las sociedades teocráticas o el significado del arte. En ese libro las respuestas son las mismas, pero el lector las altera con sus preguntas. En muchos libros hay respuestas distintas, claro. Pero ninguna es incorrecta. Todas son correctas ... " (Schwarz, 1996). El señor García vio el reloj, era hora de cerrar la librería. Su cliente toma la edición de Porrúa preguntando el precio para pagar y el vendedor le contesta: no es nada, es un libro viejo y las UANL í �L _J 7 hojas están amarillas y con manchas de café. Everardo salió abrazando el libro. El próximo cliente, sería Julieta, no obstante, para ella no estaba Alicia en el país de las maravillas multiplicado en todos los idiomas y presentaciones posibles, para ella estaba El idiota de Dostoievski. la madriguera del conejo; Everardo se detuvo y entró en la librería: "GARCÍA LIBROS RAROS". Imagino que debiera concentrarme en el análisis del personaje Everardo, sin embargo, creo que no es el que más contribuye en esta historia, el hecho de que se hubiera tomado unos tragos antes de entrar a la librería, incluso la condición de alcohólico con la que lo describen, no parece ser relevante; su reacción fue la misma que hubiera podido tener cualquier otro amante de los libros en estado sobrio, incluso las dudas que nos genera como lectores bien se hubieran podido crear con un codependiente, un depresivo, un neurótico o alguien con trastorno del sueño. lUna respuesta para cada cliente?, luna pregunta para cada libro? "El libro de García", es, sin duda, un ejemplo claro de metaficción, ya que instala una ficción dentro de otra ficción. Alicia en el país de las maravíllas es la base del juego en el que logra atraparnos el autor, exponiéndonos los pensamientos, sentimientos y dudas de Everardo, el protagonista, quien como Alicia, se introduce en El país de las maravíllas siendo en este caso, una librería. Cuenta también con un fino toque de fantasía, ya que no existe explicación lógica para la existencia de la librería, ni para el comportamiento del señor García. El personaje que más llamó mi atención, es sin duda el señor García, debo decir que no me bastaron las preguntas que se hizo a sí mismo Everardo; el narrador me dejó con ganas de conocer más sobre el señor García, me hubiera encantado saber, por ejemplo, todos los viajes que seguramente hizo para llegar a obtener esa gran colección de libros, no sólo de una obra, sino de varias, esas que se encontraban en la parte no visible para los clientes. Al conocer sus acciones repetitivas, quizá tenía para exhibir la colección de una obra para cada día de la semana, si fuera así lqué día le habría tocado a la obra Alicia en el país de las maravíllas? lPor qué después de ésta, exhibe El idiota? lQuién fue, en el pasado, el señor García del señor García? lQué obra tiene las respuestas que él mismo elige? lSerá consciente de su Trastorno Obsesivo Compulsivo? lQué más suele coleccionar? lContará con videos de sus clientes para comparar las reacciones de cada uno? Al señor García le gusta divertirse, supongo que comparar las reacciones de cada cliente debe ser gracioso. Es evidente que no necesita dinero, al contrario, pareciera que le sobra. Y si alguno de sus clientes regresa para comprarle la colección entera lpodría deshacerse de ella? lRespondería que son libros viejos y que no valen nada? Antes de comenzar a desmenuzar la historia, me parece pertinente compartir la siguiente cita de Lauro Zavala: "La lectura de materiales metaficcionales es una actividad riesgosa. El lector de metaficción corre el peligro de perder la seguridad en sus convicciones acerca del mundo y acerca de la literatura. También corre el riesgo de modificar sus estrategias de lectura y de interpretación del mundo. Pero el mayor riesgo al leer estos textos es tal vez su poder para hacer dudar acerca de las fronteras entre lo que llamamos realidad y las convenciones que utilizamos para representarla" (Zavala, 2007: 132). "BÉBEME", palabra con la que tanto Alicia como Everardo tropiezan en cada una de sus respectivas historias. Ella, siendo una niña prudente, decide verificar que aquélla botellita aparecida como por arte de magia sobre una mesa de cristal, no contuviera veneno, esa misma que minutos antes, sólo tenía encima, una llave de oro. Finalmente, se atrevió a probar el contenido de la botella, encontrándole una mezcla de sabores que iban desde pavo asado hasta tostadas con mantequilla y caramelo. "iQué sensación más extraña! -dijo Alicia-. Me debo estar cogiendo como un telescopio" (Carroll, 2003:1 fectivamente: eso era lo que le estaba suce I Everardo, en cambio, bebía diariamente y deración las botellas de aquellas cantinas tro de la ciudad. Alicia con su transformaci ' entrar a ENERO - JUNIO 2017 Se percibe una intertextualidad pura entre las preguntas de Alicia, las preguntas de Everardo y las respuestas del señor García, ocupando el lugar del gato de Alicia (Cheshire). Se borra la distancia que hay entre la realid la ficción, quebrando toda verosimilitud y e do una verdad perteneciente a un doble co o; como primera ficción, el del se nda, la novela que está dentro 40 UANL í �L _J 7 del mismo. Se advierte, también, una especie de Max Demian en el señor García, y de Emil Sinclair en cada uno de los clientes. La psicología usada para hacer que se encuentren a sí mismos o para encontrarse a sí mismo, el mundo perfecto en donde todo es dulzura, y el oscuro, donde habita todo lo malo, las tormentas que nos persiguen sin cesar y la excesiva seguridad ajena que nos hace temer, es lo que Hermann Hesse y Mauricio-José Schwarz nos exponen, uno en un ambiente literario y otro en uno espiritual y religioso. Ahora me gustaría abordar un poco la relación del autor con su cuento. Al confesar en una entrevista su deseo de hacer un cuento que le diera la contra a "La biblioteca de Babel", Schwarz recurre a elementos metaficcionales para crear un relato cuyo universo es el de la lectura literaria, pero enfocado no en la posibilidad de leer muchos libros, sino en la múltiple lectura de uno solo. Las alteraciones de voces y niveles narrativos, al brincar en todo momento de los personajes del cuento a los personajes de Alicia en el país de las maravillas, refuerza este propósito. La sobrecarga intertextual aparece desde el momento en que se menciona el letrero de la librería: "GARCÍA LIBROS RAROS", y después al hacer alusión a Kafka y a Edgar Allan Poe, entre otros autores, creando con ello un texto que se contiene a sí mismo. De la misma manera que cuando aprendemos una nueva palabra, ya sea en nuestro idioma o en otro, comenzamos a verla por todas partes, sabemos que siempre estuvieron ahí, pero nosotros no las notábamos; es así como la metaficción está en nuestra vida real de todos los días: cuando estamos presentes como público en un concierto y el cantante solicita que coreemos con él la canción ENERO · JUNIO 2017 que está interpretando; cuando tomamos una fotografía, y alguien más nos toma una fotografía tomando una fotografía; cuando leemos y nos encontramos con que uno de los personajes se revela queriendo cambiar su historia porque se da cuenta que es ficticio; cuando leemos una novela en la que el escritor escribe sobre un escritor que está escribiendo una novela; cuando estudiamos inglés con videos y el maestro se dirige a la cámara para preguntar y hacernos participar en la clase; cuando vamos al teatro y alguno de los actores se dirige a nosotros como público; cuando asistimos a una exposición de pintura y se exhibe un cuadro en donde aparece el pintor pintándose a sí mismo; incluso, ahora mismo, al concluir este ensayo y reflexionar sobre la metaficción. Para cerrar, una cita de Patricia Waugh, especialista en literatura modernista y posmodernista: ·~unque el término de metaficción podría ser nuevo, la práctica es tan antigua, incluso más que la propia novela" (Waugh, 2009: 5). Tú, lector, lEstás de acuerdo? Bibliografía Carral, Lewis. Alicia en el país de la maravillas, México: Ediciones del Sur, 2003. Pimentel, Luz Aurora. El relato en perspectiva. Estudio de teoría narrativa, México: Siglo XXI Editores, 2005. Schwarz, Mauricio-José. El libro de García, en: Más allá no hay nada, México: UAM, 1996. Waugh, Patricia. Metafiction: the Theory and Practice ofSelf-Conscious Fiction, London: Routledge, 2009. Zavala, Lauro. Ironías de la ficción y la metaficción en cine y literatura, México: UACM, 2007. �L _J 7 fAMUS IE\IJmruLruv.r.a:LAFACT.UADOOMl.'llCADEIAUANL el1/ ~ fnÚsica; DRA. BEANIA SALCEDO MONCADA influyeron notablemente en Platón y Aristóteles, en el desarrollo de las matemáticas, en la filosofía racional y por supuesto en la música. Se confiere a Pitágoras el descubrimiento de los intervalos musicales regulares, es decir las relaciones aritméticas de la escala musical. Diógenes Laercio le atribuye la invención del monocordio, instrumento de una sola cuerda, que enseña la ley según la cual "La altura del sonido es inversamente proporcional a la longitud de la cuerda". Según la afinación pitagórica las frecuencias de la nota Do son las siguientes: 1, 2, 4, 8, 16, 32, 64, 128, 256, etc. A esto se le llamaría serie armónica, la cual es una sucesión de los sonidos cuyas frecuencias son múltiplos enteros positivos de la de una nota base, llamada fundamental. P itágoras de Samos, filósofo Griego (580 a.e- 495 a.C), es considerado como el primer filósofo en la historia, aunque no se conserve ningún escrito que lo confirme, se hace referencia que hacia el año 530 a. C., el tirano León se dirigió hacia él llamándolo sabio, a lo cual Pitágoras contestó que él no era sabio pero que aspiraba a serlo porque amaba la sabiduría, viniendo de ahí el término filosofía cuyo significado es amor a la sabiduría. Pitágoras estudió la naturaleza de los sonidos musicales y descubrió que existía una relación numérica entre los tonos, observó que al dividir una cuerda a la mitad producía un sonido que era una octava más aguda que el original (Do al Do superior), que cuando la razón era 3:2 se producía una quinta (Do a Sol), la afinación pitagórica está construida sobre intervalos de quintas perfectas. Es considerado también el primer matemático puro, fue fundador de la hermandad Pitagórica, que fue una sociedad que aunque era predominantemente religiosa, estaba interesada en la medicina, cosmología, filosofía, ética, política y música, entre otras disciplinas. En esta hermandad eran aceptados hombres y mujeres, vivían en una sociedad permanente donde no tenían posesiones personales, adoptaron el secretismo, el vegetarianismo y tenían reglas estrictas de conducta. Las personas que no pertenecían al núcleo del grupo se hacían llamar acusmáticos y éstos vivían en sus propias casas, podían tener posesiones personales, no estaban obligados a llevar a cabo el vegetarianismo y podían asistir como oyentes. Sus principios ENERO - JUNIO 2017 Para los pitagóricos la música fue fundamental porque permitió enlazar las matemáticas con el arte, poseía un valor ético y medicinal, Pitágoras sostenía que la educación debía comenzar por la música a través de ciertas melodías y ritmos con los cuales sanaba los rasgos de carácter y las pasiones de los hombres, atraía la armonía entre las facultades del alma. 42 UANL í �L _J Esta teoría tiene algunas variantes según el texto en el que aparece, algunas de sus clasificaciones más importantes hacen referencia a que la música de las esferas está compuesta de una escala ascendente o descendente y procede de grados conjuntos en la cual los intervalos se definen por las distancias entre los planetas "La distancia TierraLuna está evaluada en un tono, y los planetas se escalonan según una gama ascendente" (Plinio el viejo. Historia Natural, 11/84). Otra variante de esta teoría propone una gama que procede por intervalos conjuntos de un semi_tono o de un tono y ocasionalmente un tono y medio, donde los intervalos son definidos por la velocidad relativa entre los planetas. Esta es una interpretación que se atribuye a Cicerón en el Somnium scipionis (República, VI, 18). Los planetas que giran más despacio emiten un sonido más grave e inversamente los planetas que giran a mayor velocidad emiten un sonido más agudo. Tenía la convicción de que el orden y las relaciones de armonía regulan todo el universo y se encuentran presentes en el sistema pitagórico, aseguraba que los números están detrás de todas las cosas, desde las más pequeñas hasta las más grandes como las órbitas de los planetas. Fue el primero en aseverar que los planetas son esferas y que la tierra gira alrededor del fuego que produce la noche y el día. Visto el universo en términos matemáticos y relacionándolo en la música Pitágoras asegura que el movimiento de las esfera~ es armónico y genera una melodía constante llamada Música de las esferas, su teoría sostiene que el sonido de cada esfera corresponde a una nota de la escala musical que depende del radio de su órbita, igual que las cuerdas dependen de su longitud. Esta teoría propone que la vida en la tierra está condicionada por una sinfonía que regula las estaciones, los ciclos biológicos y los ritmos de la naturaleza "esta música no la podemos oír, ya sea porque siempre hemos estado acostumbrados a ella y no la podemos distinguir, o porque el sonido es tan potente que escapa a nuestras capacidades auditivas" (Aristóteles, Porfirio). Aristóteles es el primer filósofo que hace una exposición crítica a la teoría de la armonía de las esferas de Pitágoras donde asevera "Debemos ver evidentemente, después de todo lo que precede, que, cuando nos hablan de una armonía resultante del movimiento de estos cuerpos, igual a la armonía de sonidos que se entrelazan, se está haciendo una comparación muy brillante, sin duda, pero vana; esa nos es la verdad de ningún modo. Hay un efecto gente (los pitagóricos) que se figura que el movimiento de los cuerpos tan grandes (los planetas) deben producir necesariamente ruido pues escuchamos alrededor nuestro los ruidos qu~ hacen cuerpos que ni tienen tanta masa, ni una velocidad igual a la del Sol o la Luna. Por ello, uno se cree autorizado a concluir que astros tan numerosos e inmensos que aquellos que tienen ese prodigioso movimiento de traslación, no pueden andar sin hacer ruido de una intensidad desmesurada. Admitiendo en principio esta hipótesis, y suponiendo que estos cuerpos, gracias a sus distancias respectivas, están por sus velocidades en la misma proporción que las armonías, estos filósofos llegan a pretender que la voz de los astros, que se mueven en círculos, es armoniosa. Pero como sería muy sorprendente que nosotros no escucháramos esta pretendida voz, nos explican la causa, diciendo que ese ruido data La teoría pitagórica de la armonía de las esferas ha sido documentada por Platón (La República, 530d y 617b; Gritón, 405c) y por Aristóteles (Tratado del cielo, 290b 12). Esta teoría siguió ejerciendo influencia en grandes pensadores y humanistas hasta el final del Renacimiento. ENERO - JUNIO 2017 43 UANL �L _J 7 para nuestros oídos desde el momento mismo de nuestro nacimiento. Esto hace que no distingamos el ruido, es que no hemos tenido nunca el contraste del silencio, que sería su contrario; pues la voz y el silencio, se hacen así distinguir recíprocamente el uno del otro. Pero, al igual que los herreros, por el hábito del ruido que hacen, no se dan más cuenta de la diferencia, así igualmente, dicen, sucede a los hombres. Esta suposición, lo repito, es muy ingeniosa y muy poética; pero es absolutamente imposible que sea así" (Aristóteles "Tratado del Cielo", 11, Cap. 9,290). Finalmente podemos decir que aunque la teoría de armonía de las esferas, causó gran furor entre los estudiosos de la antigüedad donde algunos pensadores estuvieron a favor y otros en contra, Pitágoras contribuyó sustancialmente en el estudio de la música, su relación con las distancias de los intervalos, la escala pitagórica y los armónicos han seguido vigentes y han sido una base muy importante para el estudio de la música hasta nuestros días. Referencias bibliográficas: Aristóteles. De Coelo. Trad. De Diego Reina en http://www.mercaba.org/filosofia Última consulta el 2 de noviembre del 2016. Crom bie, A. C: Historia de la ciencia. De San Agustín a Galile ". Ed. Alianza, Madrid, 1996. Eggers Lan, C: Los filósofos Presocráticos. Ed. Gredos, Madrid, 1994 García, Amaya. El concepto de consonancia de la Teoría Musical. De la Escuela Pitagórica a la Revolución Científica. Salamanca, 2006. Jeans, J: Matemáticas de la música en "El mundo de las Matemáticas", Tomo IV, Ed. Grijalbo, Barcelona, 1976. http://es.wikipedia.org/wiki/Armonía_de_las_esferas Última consulta el 2 de noviembre del 2016. ENERO - JUNIO 2017 44 UANL í �L _J 7 M. A. Graciela Mima Marroquín Narváez (Facultad de Música de la UANL) Tiene una Maestría en Artes con especialidad en Educación en el Arte. Es profesora de tiempo completo de la Facultad de Música de la UANL e imparte la cátedra de Historia de la Música en México I y II desde 1996. Coautora del libro: La Música Prehispánica y su Iconología. Pertenece al Cuerpo Académico "Desarrollo e Investigación Musical" y posee el perfil PRODEP desde 2008. Ha enfocado sus investigaciones en la música prehispánica para su enseñanza a partir de las imágenes. Cursa el Doctorado en Historia del Arte en el Centro Cultural Casa Lamm. Dr. David Josué Zambrano de León (Facultad de Música de la UANL) Es Arquitecto, Licenciado en Música y Pianista. Tiene una Maestría en Artes con especialidad en Educación en el Arte y posee dos títulos doctorales. El primero es en Educación y lo tiene como egresado de la Universidad ':José Martí" de Latinoamérica. El segundo es en Ciencias Filosóficas y lo obtuvo en la Universidad de La Habana, Cuba, en la Facultad de Filosofía e Historia. Es Profesor de Tiempo Completo, actual Coordinador de la Licenciatura en Música y Educación Musical de la Facultad de Música de la UANL y cuenta con el perfil PRODEP desde 2009. Es el director general de "FAMUS Revista Cultural de la Facultad de Música de la UANL'.'. Colabora con el IMNRC como catedrático de la Maestría en Estudios Literarios y Musicales. Es autor del libro ''Aproximaciones musicales". lng. Gerardo Mauro Gallegos Garza (Facultad de Música de la UANL) Es Ingeniero en Electrónica y Comunicaciones, Técnico Medio en Música, Licenciado en Música y Educación Musical y Guitarrista. Durante sus estudios de Licenciatura en la Facultad de Música perteneció al Programa Institucional Desarrollo de Talentos Universitarios durante cuatro años consecutivos, impartió clases en el nivel Preescolar Musical, Técnico Medio en Música y en la Licenciatura en Música, estuvo a cargo de la Certificación Musical para Maestras y Maestros de la SEP 2016 y recibió el Reconocimiento al Mérito Académico 2015-2016 por parte de la UANL. Actualmente es maestro de música en la Secretaría de Educación en el Nivel Preescolar. Lic. Verónica Lizzeth Velázquez Gayosso (Facultad de Música de la UANL) Es egresada de la Licenciatura en Música y Educación Musical de la Facultad de Música de la UANL. Terminó la carrera de Profesional Medio en Música en el Instituto Nacional de Bellas Artes de Monterrey, N. L. Ha tomado diversos cursos y talleres nacionales e internacionales con enfoque en los métodos Dalcroze, Orff, Kodaly y Tort. Ha impartido clases en la Facultad de Música de la UANL a los niveles de Capacitación Musical, Técnico y Licenciatura. Actualmente es maestra de Iniciación Musical en el Instituto Docet y de Estimulación Musical Temprana en el centro MIMA. Bertha Zuriel Cruz Hernández (Facultad de Música de la UANL) Actualmente cursa el 1Oº semestre de Licenciatura en Música con acentuación en Educación Musical en la Facultad de Música de la UANL. Ha participado en los diversos Congresos de Educación Musical dentro de la misma institución. Fue estudiante durante 3 años en el taller cultural de música impartido en la Universidad JuárezAutónoma de Tabasco con el piano como instrumento principal. José Carlos Ávila Salinas (Facultad de Música de la UANL) Actualmente cursa el 1Oº semestre de la Licenciatura en Música con acentuación en Dirección de Coros en la Facultad de Música de la UANL. Actualmente es profesor de ensambles corales en los niveles Técnico y Capacitación, además de coordinar del programa de Prácticas Corales como servicio social y de la actual rondalla de Capacitación Musical de la misma institución. Ha participado en agrupaciones de diferentes índoles como el coro de cámara de la Facultad de Música de la UANL, el coro juvenil de la ESDMD y codirector de la rondalla de la Facultad de Enfermería de la UANL. ENERO - JUNIO 2017 45 UANL í �L _J Hugo Adrián Bermúdez Ledesma (Facultad de Música de la UANL) Actualmente cursa el 6º semestre de la carrera de Licenciatura en Música e Instrumentista con acentuación en Piano. Se ha desenvuelto musicalmente en el ámbito nacional e internacional, habiendo sido merecedor de diversos premios en concursos en el área de Nuevo León y en Volgogrado, Rusia. Ha asistido a cursos de piano en la Universidad Autónoma de Nuevo León, Universidad de las Artes (Filadelfia, PA) y Universidad de Princeton (Princeton, NJ), y se ha presentado en recintos como el Teatro Universitario de la UANL y el Auditorio San Pedro. Desde el 2015, estudia el Enfoque Taubman de Técnica Pianística así como la pedagogía del mismo. Hoy en día continúa cursando sus estudios profesionales y es profesor de piano en la Facultad de Música de la UANL en el área de Capacitación Musical. Dra. Lucía Yepes Villafuerte Doctora en Artes y Humanidades, diplomada de la S.O.G.E.M. Ex Becaria del Centro de escritores de N.L. Cuenta con diversos premios como el "Celedonio Junco de la Vega" ISSSTE (1994). "Premio Literatura Nuevo León" (1998), "Edición de libros Editorial Abismos" (2014) y "Cuarto Concurso Regional de poesía" ITCA (2015). Es autora de los libros "Con cicatrices pero a salvo", "Nosotros los malditos y el resto", "El rojo es un color salvaje", entre otros. Su poesía ha sido antalogada en España, Argentina, Perú y México, traducida al inglés. Desde 1994 se desempeña como Gestor, Promotor cultural y coordinadora de talleres de creación. C. P. A. Brenda Elizondo Artista apasionada de la música y la literatura, cuenta con una formación que se ha distinguido por la versatilidad: titulada como Contadora Pública y Auditora, por la Universidad lnteramericana del Norte, ingresó en la Facultad de Música de la UANL (2005-2009) donde estudió música en general, y en particular; el violoncello. Su primer libro Romances de una cellista / Catalina y Florentino, fue publicado por la UANL (2013). Próximamente será publicado su segundo libro, una novela que se titula "En Madrid está lloviendo". Dra. Beania Salcedo Moneada (Facultad de Música de la UANL) Es egresada del Conservatorio Nacional de Música con la Licenciatura en Pianista Concertista. Tiene un postgrado en Música Española en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, España. Grabó junto al violonchelista José María López Prado el disco "Ángel Azul" financiado por CONARTE. Cuenta con Maestría y Doctorado en Educación, bajo la línea de investigación "Propuestas pedagógicas". Es profesora de tiempo completo de la Facultad de Música y directora general del Festival Internacional de Música Mexicana. ENERO - JUNIO 2017 46 UANL �� Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Famus : Revista cultural de la Facultad de Música de la UANL Description An account of the resource FAMUS. Revista Cultural de la Facultad de Música de la uanl publica piezas de investigación y artículos de actualidad en materia cultural, mayormente relacionados con la música y los compositores e intérpretes que han pasado a la inmortalidad debido a la calidad de sus creaciones; también abarca tópicos acerca de la educación musical y su labor fundamental en la vida del hombre, la estética filosófico-musical y temas que cubren el área de las bellas artes. Inició en el 2011, se publica semestralmente y se mantiene activa. Creator An entity primarily responsible for making the resource Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Música Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2011 Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Famus : Revista cultural de la Facultad de Música de la UANL Año de publicación El año cuando se publico 2017 Año Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación. 6 Número Número de la revista 16 Mes de publicación Mes cuando se publicó Enero-Junio Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Semestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Famus; Revista cultural de la Facultad de Música de la UANL, 2017, Año 6, No 16, Enero-Junio Creator An entity primarily responsible for making the resource Lozano Lozano, Luis Gerardo, Coordinador Subject The topic of the resource Política Cultura Arte Música Gobierno Educación Description An account of the resource FAMUS. Revista Cultural de la Facultad de Música de la uanl publica piezas de investigación y artículos de actualidad en materia cultural, mayormente relacionados con la música y los compositores e intérpretes que han pasado a la inmortalidad debido a la calidad de sus creaciones; también abarca tópicos acerca de la educación musical y su labor fundamental en la vida del hombre, la estética filosófico-musical y temas que cubren el área de las bellas artes. Inició en el 2014, se publica semestralmente y se mantiene activa. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Música Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Zambrano de León, David Josúe, Director de la Revista Velázquez Gayosso, Verónica Lizzeth, Editora Responsable Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 01/01/2017 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource text/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2020258 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource https://issuu.com/famusrevista Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant Monterrey, N.L., México Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores. Eisenach Música Musicalidad integral Nivel preescolar Satie