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9f26f15a241bf36711fe51265301f4c6
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�Héctor Morales
Alan García
TALENTOS FAV
Créditos
Dr. Med. Santos Guzmán López
Rector
Dr. Juan Paura García
Secretario General
Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo
Secretario Académico UANL
Dr. José Javier Villarreal Tostado
Secretario de Extensión y Cultura
2 MARZO 2024
44
04
Andrea Barrera
Conejo Tóxico
Abigail Gutiérrez
Jonathan Moreno
La industria de la
animación mexicana
DOCENTES
ARTÍCULO DEL MES
22
34
Í N D I C E
Dra. Verónica Lizzet Delgado Cantú
Directora de la Facultad de Artes Visuales
M.A. Eva Julia de la Cerda Cruz
Secretaria Académica
Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca
Subdirector de Investigación y Posgrado
Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván
Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco
Lic. Uriel Almazán Martínez
Coordinadores y Editores de la Revista Croma
�46 56
ARTE
Las AI's como una
herramienta para el arte,
no un sustituto
Damián Ortega: Pico y Elote.
EMPRENDIMIENTO
ENFOQUE
Ram Tamez, el poder
de la animación en la
actualidad
Matte Painting
High key o Low key
Ixchel Carolina Acuña Villa
Coordinadora alumna
Ana Yarezi Bazaldua Rodríguez
Blanca Alicia Segovia Herrera
Fátima Anayansi Sánchez Peña
Jatziry Abigail Martínez Pérez
Jorge Alberto Olvera Velasco
Luis Angel Sigala Hernández
Sebastián Méndez Jaramillo
Silvio Abraham Manzano Pérez
Vianey Alessandra De Lara Aguilar
Estancias de producción
60
EVENTOS
Portada: Jatziry Abigail Martínez Pérez
CROMA, año 6, No.1, Marzo 2024, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura
de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación:
Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad
Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52
8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 042023-080113474100-102 otorgado por el Instituto Nacional del
Derecho de Autor
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ERIKA HERNANDEZ
CONEJO
TÓXICO
EL ARTE DE ADAPTARSE
A LAS TENDENCIAS
Erika Hernández, “Kika”, es dueña de
la marca “Conejo Tóxico” conocida
por su estilo kawaii e ilustraciones
inspiradas en la nostalgia y cultura pop
de los noventa, en este artículo nos
contará sus vivencias como alumna
en FAV, su experiencia emprendiendo
y los retos que conlleva
POR: BLANCA SEGOVIA
C
onejo Tóxico surgió en el 2016 y si bien no
era el negocio que conocemos hoy en día,
la experiencia que Erika tuvo al trabajar
en “Viudas T-shirts” le ayudó a conseguir
los proveedores y habilidades que se requieren para el mercado de camisas, lo
que la ha llevado a participar en diversas
ferias de diseño y anime aquí en el estado
y fuera de este, al ir a la Hatsukoi en Ciudad de México.
Cuéntanos sobre tu trayectoria, ¿Cómo fue tu tiempo en FAV? y lo que aprendiste, ¿te ayudó a desarrollar tu marca?
Cuando yo entré me decidí por la carrera de diseño, porque
malamente yo no había investigado qué carreras había en la facultad, yo solo vi artes y pues me gustaba mucho ilustrar, cuando vi
la descripción de cada carrera vi que me llamaba más la atención
diseño gráfico, porque en la carrera de artes venía creación de esculturas, pintura al óleo, performance, vi la descripción, pero no
era algo en lo que me veía en un futuro haciéndolo, en la descripción de diseño venía creación de páginas web, de logos, problemas de comunicación, y me decidí por esa, presenté y así quedé.
Durante los propedéuticos fue donde me di cuenta que sí era
la carrera que yo quería, entré en el 2014 y me gradué en el 2018,
nos tocó hacer la creación de un anuncio para Coca-Cola, un collage y un logo para una revista, eso fue mi propedéutico, y ahí
me di cuenta que sí era para mí la carrera, al entrar a la facultad
aprendí mucho y es lo que me está ayudando a desarrollar la tienda en estos momentos, la facultad si me gustó y comparándolo a
otras escuelas el programa de la UANL está muy completo.
Actualmente Erika ha tenido la oportunidad de aplicar lo que
aprendió en esa época además de complementar sus habilidades
con nuevos conocimientos, ella por su cuenta ha aprendido a hacer modelado 3D y lo que es el community manager.
PROMOCIÓN DE LA TIENDA
4 MARZO 2024
�PRODUCTOS DE LA TIENDA
Son herramientas que
no se deben satanizar,
sí SIRVEN PARA
HACER MÁS FÁCIL
EL TRABAJO O PARA
APOYARSE, y pues
no tiene nada de malo
usarlas.
Así mismo durante la entrevista surgió el
tema acerca de cómo las IA`s no deberían
ser satanizadas y al contrario deberíamos
aprender a usarlas y sacarles provecho, ya que
deben usarse como una herramienta para el
creativo y no un sustituto, además de saber
usar las herramientas de fácil acceso como el
Canva y el Chat GTP.
¿Cómo surgió la idea/concepto de
Conejo Tóxico?
Desde que estaba en la facultad, pues me
ponía a hacer garabatos, yo era la que se sentaba atrás a dibujar, me acuerdo que hice el
boceto de un conejito con una máscara y le
puse bien mamadora “Toxic Bunny” en inglés, y lo deje ahí, entonces después llevé un
taller de serigrafia e Illustrador, y el de serigrafia me gustó bastante, el chavo sí le ponía
empeño a lo que estaba haciendo, la verdad si
estaba muy padre, nos enseñó mucho, hicimos una playera como de trabajo final, hice la
ilustración más pichurrienta, fea y mal hecha,
porque nomás tenía que ser de un color y yo
realmente no sabía tampoco cómo separar
los colores, fue a raíz de ese taller que le
agarré gusto a tener cosas impresas con
mis diseños, mis ilustraciones o mis ideas,
y no le moví tanto hasta que, por algo pasan las cosas, cuando entré a trabajar con
estas chavas en Viudas, yo me encargaba
de hacer ilustraciones y las redes, a raíz de
que yo pensaba:
“Oye siento muy bonito que la gente utilice mis diseños, mis ilustraciones”
empecé aprender a separarlos por color,
acomodarlos, dónde comprar las playeras,
qué tipo de playera debía ser para cierto
tipo de ilustración, cuántos colores, aprendí mucho con ellas, ya una vez que salí de
ahí dije: “Quiero hacer algo mío”
También, cuando estaba en la facultad,
hacían los mercaditos del Mercadearte, la
primera vez me puse con una amiga y vendíamos llaveros de pasta francesa, y encontramos a una chava que hacía botones
y le encargábamos para vender, me gustó
mucho eso, cómo yo podía hacer mis cosas y venderlas.
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Con esta respuesta, Erika nos cuenta que su experiencia en el
Mercadearte no solo le dio el impulso de querer producir diseños
propios, sino en dónde debía ponerlos y que fueran redituables,
de igual forma se reflexionó acerca de cómo muchas veces se tiene el pensamiento de trabajar para otros en lugar de emprender o
autoemplearse y cómo es necesario tener conocimientos y herramientas para auto sustentarse.
¿De qué trata Conejo Tóxico? ¿Cuál es la esencia de
tu marca?
Yo creo que la esencia sería: nostalgia y cultura pop, fue un
tema que yo decidí agarrar, porque al principio sí hacia cosas que
nada más a mí me gustaban, nostalgia, cultura pop, anime, a mí
me gusta mucho Sailor Moon, entonces todo lo hacía de Sailor
Moon, pero llega un momento en donde te das cuenta que aunque te gusta mucho lo que haces, tienes que hacer estudios de
mercado y ver que se está vendiendo, porque aunque yo soy diseñadora e ilustradora, también estoy a cargo de un emprendimiento y al final, es importante darle a la gente lo que quiere; pero la
esencia en sí son cositas kawaii, es una tienda super girly y rosa.
Al ser una niña de los 90, para Erika este estilo es algo con
lo que se siente cómoda y le gusta trabajar, teniendo la ventaja
en una época donde esa década, volvió a ser tendencia aprovechando la reciente popularidad de Barbie, de igual forma, Erika
se encarga de estar al tanto de las tendencias que van surgiendo y
que sean fieles a la esencia de su marca, que se basa en el anime,
los videojuegos, canciones, el city pop, así mismo se ha enseñado
a usar el modelado 3D ya que actualmente la tendencia y2k está
volviendo a tener fuerza, por lo que Erika busca seguir usando la
nostalgia y cultura pop a su favor.
Como mencionó anteriormente, es importante realizar un
estudio de mercado para poder saber qué productos realizar y
cómo venderlos, en el caso de Erika su mercado abarca personas
de 18-35 años que crecieron en los 90´.
Si bien las mujeres son una mayoría en su mercado, no se discrimina a los hombres ya que parte de la esencia de Conejo Tóxico es poder ofrecer mercancía a aquellas personas que no podían
acceder a estos productos en su niñez y en una época donde el
anime esta más normalizado.
¿Por qué decidiste emprender?
Al principio que no me gustaba que me molestaran los clientes,
después de trabajar con Viudas, trabajé en una empresa en el área
de marketing de unos restaurantes japoneses, y a mí no me gustaba que mi jefa, la directora de arte, viniera a picar el monitor, y
luego venía el jefe: “no quítale eso, no le hagas caso, pon esto” y a
mí me molestaba mucho, como que no respetaran lo que yo estaba haciendo, con Viudas era igual, no me gustaba tener que hacer
realidad los sueños de alguien, cuando yo tengo las herramientas,
ya tengo los proveedores, ya tengo todo. Entonces junté dinero de
los sueldos y de lo que me dieron cuando me salí y dije: “Bueno
voy a empezar a emprender.”
6 MARZO 2024
Si bien Erika es una persona muy celosa de sus diseños y de
igual forma con su creación de contenido, cuenta con el apoyo de
una amiga que es contadora y con una empleada que apoya en los
envíos, aunque no descarta la idea de contratar a más gente que
le ayude con sus redes en un futuro con las condiciones que se
merecen y convertir su pequeño negocio en una empresa formal.
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¿Cómo es tu proceso creativo o tu forma de trabajar?
Primero investigo qué está en tendencia, que bueno, regresó
el y2k, los 2,000, y cómo puedo acoplar eso a la tienda, reviso
referencias, videos, canciones, como yo crecí en esa época, yo soy
del 93, reviso recortes o cosillas que guardé de mi infancia y adolescencia, ahora que pasó todo lo de Britney, saqué unas ilustraciones de Britney Spears, su canción, la de Baby One More Time,
cómo la adapto a mi estilo, primero boceto la idea en el iPad o
en papel, ya después la empiezo a trabajar, empiezo a buscar un
chorro de referencias, me gusta mucho Pinterest, es una red donde nadie se está peleando, nadie dice nada, estás ahí feliz viendo
imágenes y cositas bonitas, ya cuando digo bueno ya saqué estas
referencias de Pinterest, bueno voy a buscar de Britney Spears, escuchar las canciones, ver cómo se vestía, qué colores usaba, cómo
puedo adaptar eso a la tienda, los colores de la tienda son lila,
rosa, verde y azul, bueno eso lo adapto a la ilustración, y luego ya
veo si la ilustración funciona en playera, porque no puedo hacer
iguales diseños para playera que para sticker, sobre todo por el
método de impresión.
Aunque la serigrafía es la base de las camisas de Conejo Tóxico,
actualmente Erika experimenta con nuevos métodos de impresión como la impresión directa, un método que no es muy usado
en México ya que es más caro, sin embargo, esto no impide que
Erika se adapte a las nuevas tendencias y usarlas en su negocio.
Los productos principales que puedes conseguir en la tienda
son: playeras, totebags stickers, botones, llaveros, parches, sudaderas (en el invierno), Erika de igual forma al estar vendiendo su
mercancía en diferentes eventos dedicados al anime ha podido
escuchar y analizar qué es lo que los clientes desean comprar y
cómo es que puede adaptarlo a su tienda.
pues también es lo de al no tener un horario fijo tal cual, pues a
veces estás todo el día o hasta las 2 o 3 de la mañana.
¿Entonces tu dirías que ese es de los mayores retos a
la hora de emprender?
Sí, la organización del tiempo, es algo que todavía me falla mucho, también que de repente hay temporadas altas, por ejemplo
a mí la temporada de regreso a clases es de la más baja de venta,
incluso de eventos, porque todo el mundo está comprando útiles
escolares o está de vacaciones, muchas veces incluso el algoritmo de Instagram, aunque pagué publicidad bajaron mucho la
interacciones, porque la gente está buscando cosas de uniformes,
dónde comprar útiles escolares, cosas de papelería, también es
otro de los retos, administrar muy bien el dinero para que te rinda en esos meses.
¿Qué otra cosa tú crees que es un reto a la hora de
emprender que hace que la gente desista?
Que no tienes un ingreso fijo siempre, es muy diferente trabajar en una agencia, en este caso hablando de las áreas de trabajo
de los creativos, en una agencia, o en el área de marketing de alguna una empresa, en donde ya tienes tu sueldo fijo; en cambio
acá tienes que ver, qué estrategia de venta tengo que hacer, cuánto
contenido debo publicar, qué contenido agrada o debe salir para
poder llegar a más gente, cuál es la meta del mes, hay que pagar publicidad, es muy difícil todo eso, también que a veces las
prestaciones las tienes que pagar aparte, darte de alta en el SAT, a
mucha gente le da mucho miedo, que realmente no está tan mal
ni es tan difícil de manejarse, pero sí creo que es una de las cosas
que aleja a la gente, sobre todo la seguridad, o no tener como una
seguridad.
¿Qué es lo que más te gusta de tu trabajo?
La libertad de tiempos que tengo, pues muchas veces me hago
mensa por la libertad de tiempo, pero me gusta que puedo decir:
bueno voy a empezar a trabajar a partir de las 9, descanso a las 2 y
le sigo hasta las 6, o hay mucho trabajo, hago todo el trabajo que
puedo hoy, toda la tarde, hasta las 8 o 9 de la noche, y ya al día
siguiente puedo trabajar más relajada, hacer más vueltas, también
que tengo libertad de diseño eso también me gusta mucho, de
manera creativa yo soy totalmente libre, sí me tengo que apegar al
segmento que va dirigido a la tienda, a las tendencias, pero tengo
más libertad de adaptar las cosas que yo quiera.
¿Qué has aprendido gracias a Conejo Tóxico?
A tener mucha paciencia y ser muy perseverante, porque hay
veces que digo: “Ay mejor me hubiera metido a trabajar en una
agencia, ay hubiera estudiado leyes como mi mamá”, porque a veces si es muy pesado, le estaba diciendo a una amiga, que soy mi
propio jefe explotador, sobre todo porque yo me encargo de la
mayoría de las cosas.
Le pasa a mucha gente que tiene emprendimientos o negocios
propios que no tiene autocontrol con sus horarios, sigue siendo
muy pesado, aunque está muy bien lo de la libertad de horarios,
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El emprendimiento es un reto que conlleva mucho esfuerzo y
sacrificio, actualmente en México hay 4.4 millones de emprendimientos, según los datos del Estudio sobre la Demografía de los
Negocios del Inegi, del cual el 35% es de jóvenes de 26 a 35 años,
por lo que es un gran reto manejar, con sus altos y bajos, antes
de la pandemia, Erika abrió un pequeño local junto con otros
empresarios en Interplaza, pero con la llegada de la pandemia se
tuvo que cerrar además de otros conflictos, sin embargo eso no
la detuvo y comenzó a enfocarse en su tienda en línea además de
seguir desarrollando diferentes habilidades como la fotografía, el
modelado 3D entre otras.
¿Te gustaría trabajar en alguna colaboración, has
trabajado con alguna colaboración?
Si me gustaría, de hecho, no fue una colaboración tal cual, pero
había quedado con un chico que era líder de una banda, iba hacer
la merch para su banda, pero ya por cuestiones de agenda y tiempo nunca nos pusimos de acuerdo, el era de la Ciudad de México,
entonces ya como que ese proyecto quedó en pausa, pero sí me
gustaría hacer más colaboraciones ya sea con artistas locales de
aquí o marcas locales o igual con gente de otros estados, si me
gustaría hacerlo pero como que no se ha dado la oportunidad.
Me gustaría fusionar los estilos, que se vea que hay un concepto mío y un concepto de la otra marca, y sacar merch, igual un
producto en particular o sacar varios tipos de mercancía como
las que hace Vania Bachur la de Supergirl, creo que sacó una con
Hello Kitty y varias cositas de ella, me gustaría hacer algo así.
¿Cuáles son tus metas a futuro? ¿Hasta dónde te
gustaría que llegará Conejo Tóxico?
Me gustaría poner un local, osea ya no uno partido en varios
como en Interplaza, ya un local tal cual, y expandirme primero
aquí, tener aquí la tienda que se conozca, que se haga más de renombre, y luego ya expandirme a otros estados o poner puntos
de venta chiquitos, es como que una de mis metas, poner un local
en una plaza concurrida, cuando yo tuve un local nos tocó que
empezaba lo de la pandemia y a la gente le daba miedo salir, ya
ahorita que está más regularizado me gustaría volver a ponerlo, si
me gustaría tener un punto de venta mío nada más, ahorita tengo
un punto de venta en Barrio antiguo en Moshi Moshi.
¿Te gustaría expandirte de manera Internacional?
Mi sueño es poner un localito en Japón o que haya gente que
me conozca en Japón.
Gracias a la experiencia que Erika ha tenido a lo largo de los
años, está dispuesta a volver a intentar poner un local por su cuenta ahora que tiene más conocimiento acerca de cómo funciona.
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¿Algún consejo que nos puedas dar con base en tu
experiencia?, ¿qué le dirías a alumnos que quieren emprender?
Que es mucha paciencia, mucha perseverancia, no solo es
decir: no se rindan, hay que investigar el mercado, muchas veces se romantiza esto de ser emprendedor, pero también si pueden tomar cursos de lo que sea, cursos de finanzas personales,
cursos de Google Adds, porque a veces nos vamos con la idea
de que para vender solo posteo en Instagram, y no, a qué mercado te quieres dirigir, qué temas puedes manejar, usar todas
las herramientas que están disponibles, no hagamos menos ni a
canvas ni a chat gpt ni a ninguna de estas herramientas nuevas
que están saliendo, usen todo lo que tengan a su alcance, tomen
cursos de cualquier cosa que ustedes crean que les puede servir
ya sea profesionalmente o para su emprendimientos, en gobierno de repente ponen cursos en línea todavía, bueno un curso de
cómo organizar mi contenido en redes sociales, bueno tomo ese
curso si tengo chance, o incluso en YouTube hay muchos que
te dan un cursito express de qué publicar y qué no, aprender
y buscar cualquier cosa que tu crees que te pueda servir para
tu nicho o el segmento que ya elegiste para vender, pues también siento que mucha gente dice: no te rindas, si no te rindas
pero dame herramientas, busca cursos, también no tiene nada
de malo que tener un emprendimiento y un trabajo fijo en una
agencia, pues también aprovechar y que puedes aprender ahí,
yo malamente me traje muchas fonts y templates, todo lo que
me pude traer pues me lo traje, también me traje proveedores,
aprendí donde se debían comprar las camisas o donde comprar,
también investiguen y traten de aprender todo lo nuevo que sale
por que el diseño va evolucionando constantemente, y cada año
hay una tendencia diferente.
Y aunque la facu si nos enseña y nos da la base, el diseño es
mucho de ser autodidacta en ese aspecto.
Con esta respuesta Erika nos demuestra que al usar las herramientas que tenemos en nuestro entorno podemos desarrollar
nuestro emprendimiento y habilidades sin tener que esperar a que
llegue el momento correcto o tener las herramientas adecuadas,
por lo que siempre tenemos que seguir aprendiendo y conocer
las diferentes tendencias que surgen y saber cómo adaptarlas a
nuestro favor.
REDES SOCIALES
Insta, Facebook, TikTok:
@ conejotoxicotshirt
Próximos Eventos:
La feria del diseño independiente
La Conve-Noviembre
Hatsukoi-Diciembre
MARZO 2024 9
�el dibujar, una motivación pueden ser los vínculos amistosos, el
cómo me gusta expresarles mi afecto que les tengo con dibujos,
me gusta investigar a la gente, ¿qué les gusta?, ¿qué esperan de
mí?, o sea, en hacer esos detalles, que se dirijan a un lado más
personal, plasmar mis ideas, compartirlo con todos, me gusta
ser notada y también que consideren ellos lo que hago y lo que
soy. Muchas veces es, por lo que veo, escucho y quiero representar, mis sentimientos o las cosas que imagino. Son puntos de
vista que tengo a la hora de querer dibujar.
Abigail
Gutiérrez
La artista mexicana Abigail
Gutiérrez nos cuenta sobre las
profundas motivaciones a la hora
de crear arte, su “burbuja” cuando
está pintando y cómo crecer en el
mundo del arte
¿Cómo te iniciaste en el mundo del arte?
Desde pequeña he presentado cierto apego y atención con las
caricaturas, después me daban ganas de dibujar lo que veía,
aunque todavía no tenía tanto desarrollo motriz con mi mano
para dibujar, pero sí me llevé más por ese lado que quería
plasmar lo que veía, lo que me gustaba, empecé desde los 3
años, mis papás veían mi hobby, veían que tenía esa fascinación por seguir dibujando, dibujaba muchos animales. Mis
familiares, se asombraban de lo persistente que era . En algún
punto me salió muchísimo mejor que otras personas de mi
escuela, ahí identificaron que iba por el camino de las artes.
¿Qué es lo que te motiva a hacer arte?
Lo que realmente me motiva son las ideas que a veces puedo
tener; puedo estar en mi vida diaria o viendo videos y de
repente quiero plasmar, la amistad que tengo con mi mejor
amiga, representar los gustos que tenemos en común, la conozco desde los 8, entonces ambas conectamos bastante, una
de las cosas que siempre nos gustaba dibujar eran ponis, pues
entre ella y yo intercambiamos dibujos. Era como que gusto
por hacer algo con lo que ambas nos identificamos ,ya sea por
el diseño o la trama, a nosotras nunca nos ha dejado de gustar
10 MARZO 2024
¿Cuál es tu proceso creativo? Me estabas contando
que cuando estás en tu vida cotidiana, de repente
te entran las ganas de querer dibujar, o te entra alguna idea ¿tienes alguna costumbre antes de empezar a dibujar?
Agarro un espacio libre o un momento en donde estar físicamente cómoda, sentarme en un lugar donde me pueda estirar,
tener la espalda recargada, odio encorvarme o tener esa posición
de camarón. Me gusta estar recta, tener el dibujo más cerca porque, cuando tenía unos 13 o 14 veía muy bien, pero con el paso
del tiempo empecé a batallar en ver de lejos, aprendí que debo
tener una muy buena iluminación, tener el dibujo cerca para
no tener problemas a la hora de querer hacer un trazo grande
poderme separar de la hoja y calcular bien. Me gusta poner mis
cosas a como yo las identifique para poder hacer mi mugrero
en paz, tremendo desastre que termino haciendo en el proceso
dependiendo de la técnica, ya sea pintura, marcadores o gises.
Utilizo diferentes métodos para cada material, pero siempre
hago bocetos chiquitos en otro cuaderno, bocetos simples de lo
que a mí me gustaría hacer para que pueda tener una idea de la
perspectiva. Si la quiero desde arriba o desde abajo, para sentirme segura de lo que voy a plasmar, organizo mis ideas y veo las
opciones para elegir la que más me guste. Cuando tengo problemas en la estructura, busco fotografías porque normalmente
las ilustraciones ya están simplificadas o no te dan el panorama
completo como tú tienes que aprenderlo. Paso muchas horas
viendo los colores, cuando termino de hacer el boceto en grande, voy viendo el color base, el color secundario que tiene la luz,
¿por dónde está la luz? ¿por dónde está la oscuridad? Escucho
música, para sentirme mejor, tener un buen estado de ánimo
donde yo pueda estar dibujando por 7 horas que sí me las he
aventado así, dibuje y dibuje hasta que ya lo acabo en un día, es
una inversión de horas, de seguir con el ánimo a todo lo que da,
desde que empiezas, te sientes que estás en tu propia burbuja. Se
siente, así como que nada más estás tú, tus papeles, tus lápices,
haciendo lo que más te gusta, aprovechando el momento para
disfrutar.
Se siente, como que nada más estás
tú, tus papeles, tus lápices, haciendo
lo que más te gusta, aprovechando el
momento para disfrutar.
�@moffin13_o
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�T A L E N T O S
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¿Por qué no entraste a artes visuales?
Me di cuenta de que también me gustaba hacer presentaciones
de Canvas o de PowerPoint, escoger la tipografía, darle un enfoque diferente a las presentaciones, el cómo presentar la información, cómo acomodarla en temas de investigación de la
escuela, qué colores usar, también hacer videos, porque en pandemia aprendí a hacer videos de cómo hago mis dibujos desde cero. Aprendí intuitivamente a cómo editar, poner audios,
animaciones, me gusta transmitir con palabras, no solamente
una composición visual, sino que tenga escrito lo que quiero
comunicarle a la gente. Mis papás, me hicieron despertar desde
muy pequeña el hecho de que, no todo el tiempo solamente vas
a dibujar y ya, tienes que planear una forma de vender tu trabajo, porque te pueden notar por tu trabajo, pero lo que vas a vender también son tus propuestas, tienes que hacerte oír, hacerte
visible ¿quién eres tú? ¿de qué habla tu trabajo? , al principio se
me complicó un poco, pero después fui perdiendo ese miedo
en lo que me dicen mis papás, hacerte notar, que hablen de ti,
que te recuerden, que siempre te tomen en cuenta, la capacidad
que tienes, eso me lo dijeron desde que entré a secundaria porque en primaria llegué a participar en concursos, eso me motivó
muchísimo a seguir en las artes plásticas, después me encargaron hacer letreros, pintar murales de 3 metros en la secundaria,
hacer los bocetos. Después entre al Madonnari el cual gané 2
veces, ya cuando se atravesó la pandemia decidí empezar mi
negocio porque también disfruto de complacer a la gente, les
gustaba lo que hacía en mi estilo de dibujo, en cómo proponía
ideas, tratar de entenderlas, porque yo sé que no muchos saben
plasmar la idea imaginaria que tienen en su cabeza pero a mí
me gusta ayudarles a aclarar un poco sus ideas o comprenderlas,
entonces esos fueron mis comienzos, me gusta vender todo lo
que yo hago, también vender lo que ellos me piden que haga,
tenía muy en cuenta lo que querían, lo que les gustaba, porque
12 MARZO 2024
�No muchos saben plasmar
la idea imaginaria que
tienen en su cabeza pero
a mi me gusta ayudarles a
aclarar sus ideas.
era lo que ellos necesitaban. Me gustaría
aprender sobre mercado, estrategias de
ventas, para empatizar con la gente en
cómo piensa y cómo llamar su atención.
Antes vendías tus obras a un
precio muy bajo ¿A qué se debió
esto?
No muchos pagarían por algo que solo
lo ven como un dibujo, si es un dibujo,
pero lo que representa son las ganas de
tener esa imagen en tu posesión, ¿te gusta
lo que yo hago?, pues lo puedes obtener,
pero dándome algo a cambio, que es lo
que a mí me ha costado hacer, he conocido gente que dice “a mí me gustaría tener
algo tuyo”, y yo digo “sí, pero a cambio
me gustaría que me dieras dinero para
que pueda ampliar lo que yo puedo ofrecer a la gente”, si puedo hacer una técnica en acrílico, pues quiero más pinturas,
necesito dinero, pero sí los vendía baratos porque no estaba tan desarrollada mi
habilidad de dibujar cosas complicadas
batallaba en algunas partes de la anatomía humana, también me costaba hacer
fondos, tenía ese miedo a que me lo fue-
ran a pedir y que no saliera como ellos lo
imaginaban o no les terminara gustando,
muchos dicen “seguro sabes más cosas,
ya dibujas muy bien deberías ya de haber aprendido eso”, pero no porque sepas
de anatomía necesariamente tienes que
saber de fondos o viceversa. Siento que
a veces no cumplo con la expectativa de
la gente en cómo me ve, cómo he hecho
algunas ilustraciones, claro que lo puedo
hacer, pero denme tiempo.
¿Cuáles son tus principales influencias artísticas?
La naturaleza que tengo en mente y veo
constantemente en paseos, en el atardecer, mediodía, noche, en los diferentes
ecosistemas, los animales que los habitan.
Los artistas que pude conocer gracias a
los videos de YouTube, conocerlos y ver
su forma de ser, sus estilos de dibujo, lo
que transmitían con su estética visual.
Las maravillas de los cuentos o novelas,
como echan a volar tu imaginación, sientes esa inspiración en como poder plasmarlo en físico, mis recuerdos tan lindos,
sobre esas personas y la música.
¿Cómo describirías tu estilo artístico, en pocas palabras?
Bueno, mi estilo es muy detallado, pero al
mismo tiempo es llamativo en el aspecto de los colores, me gusta que tenga ese
efecto de Impresionismo, juego con la luz
MARZO 2024 13
�T A L E N T O S
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Muchas veces no existe nadie que te guíe en
esos momentos, sientes una profunda tristeza, te
transformas tu mismo en una piedra en tu camino.
y estructura como en el semi realismo y
lo combino con el estilo Cartoon o anime.
¿Te has fijado que algunas personas tienen miedo de dibujar?
¿qué les dirías a la gente que tiene ese miedo a dibujar?
Sí, me he fijado bastante ahora que
tengo un mes de experiencia con mis
compañeros, sé que no es requisito,
pero es una herramienta muy básica,
entiendo que no todos tengan esa habilidad desde pequeños, pero siento que solo es de perder el miedo de
enfocarse en ellos mismos, lo que he
aprendido es que nunca te fijes en la vida
de los demás, porque puede que te sientas
menos, ellos no son tú, sé que puede llegar a ser frustrante que tus dibujos no se
vean tan buenos como los demás, pero lo
importante es reconocer la habilidad que
tienes, saber cuál es tu límite y cómo manejarlo para seguir mejorando. Muchas
veces no existe nadie que te guíe en esos
momentos, sientes una profunda tristeza,
14 MARZO 2024
te transformas tú mismo en una piedra
en tu camino por eso es fundamental solucionar esos problemas emocionales. Es
importante la humildad, porque cuando
hay alguien mejor que yo, nunca es el
caso de que tenga envidia, me sorprendo,
me dan ganas de preguntar ¿cómo lo hiciste? quiero saber, me encanta investigar
el arte de la gente.
¿Cómo aprendiste a usar las técnicas de Acuarela?
Prueba y error, porque las acuarelas son
muy intuitivas; le pones mucha agua,
no hay mucho color, le pones poca agua
y sale mucho, hacía pruebas en hojas
aparte, experimentaba con mis primeras
ilustraciones, veía dibujos ya hechos para
estudiar sobre el uso de los colores
¿Has tenido bloqueos creativos?
¿Cómo los superas?
Si los he tenido, ahora un poco más en mi
carrera, pero siempre procuro ver desde
antes los proyectos para tener el tiempo de tener esas ideas que me motivan
a realizarlas, siempre teniendo en cuenta el trabajo que piden que cumpla, así
igual con el objetivo que quiero cumplir
de poco en poco en mis ilustraciones, en
su composición, tomando un descanso
en ver películas, videos, platicar con mis
amigos sobre mi frustración, e ir tomando mi propio espacio para intentar otras
cosas aunque sean pequeñas, que me ayuden a volver a mi objetivo principal, no
es fácil, pero hago que lentamente fluya el
paso de la inspiración
�¿Tienes algún consejo para artistas que apenas van comenzando
en este mundo?
Que siempre se motiven en lo que más les
llame la atención e identifiquen qué punto fuerte destaca en ellos para poder explotarlo, que en ellos tengan la ambición
de mejorar, investigando técnicas y modos de expresión para ver como transmitirlo a la gente, perder un poco el miedo
del fracaso que es muy útil para después
ver que si se necesita entender los puntos
débiles que tuviste, al igual que para extender tu panorama creativo es ver varios
temas sociales.
Que ayuden a complementar esa pieza
que te falta en tu camino, en desarrollar
ese talento que no has podido descubrir
tú mismo, al igual que, la ayuda de alguien, donde te muestre esos detalles que
perfeccionen tus objetivos a corto plazo,
y así ir alcanzando más en el futuro.
¿Hay algún ejercicio de dibujo
que recomiendes para mejorar?
Dibujar cosas pequeñas, lo que más te
llame la atención ilustrar o bocetear, pero
con el uso de referencias fotográficas para
poder practicar las estructuras de objetos,
como lo es la figura humana, experimentar con los colores y sus armonías, por último recomiendo muchísimo estudiar lo
que más te intrigue aprender, para poder
aplicarlo hasta dominarlo en su totalidad.
MARZO 2024 15
�T A L E N T O
F A V
JONATHAN MORENO
DISEÑADOR UX/UI
Nos reunimos con Jonathan Moreno, diseñador gráfico y consultor,
especialista en UX/UI, platicamos de su trabajo en el ámbito de las nuevas
tecnologías, el desarrollo del diseño de interfaz de usuario y su experiencia
trabajando en el extranjero
POR: MILTON ROJAS
C
FOTOGRAFÍAS E IMÁGENES DE: JONATHAN MORENO
uéntanos un poco sobre ti y a lo que te dedicas.
Hola, hello, bonjour, mi nombre es Jonathan. Soy
Consultor Senior UX/UI, actualmente radico y
trabajo en la ciudad de Montreal, Canadá, en la
industria de las tecnologías de la información (IT).
Respecto a mi formación académica, dediqué muchos años
a estudiar diseño gráfico. Estudié la carrera técnica de Diseño
Publicitario en la prepa UDEM, después la licenciatura en Diseño Gráfico y posteriormente la maestría en Diseño Gráfico,
ambas en FAV, UANL, en Monterrey, México. Adicional a ello,
he tenido la oportunidad de complementar mis estudios en
la Universidad Complutense de Madrid, España, y Concordia
University en Montreal, Canadá.
Cuento con 13 años de experiencia profesional, comencé a
trabajar muy joven en el ámbito del diseño gráfico desde 2011,
experimentando diversas áreas como el diseño web, branding,
medios impresos, diseño de interacción, etc.
Hoy en día trabajo como Concepteur UX/UI Senior bilingüe (francés–inglés) para una de las empresas de mayor
prestigio en consultoría en tecnologías de la información, en
Quebec, Canadá, colaborando en proyectos para compañías
de gran tamaño alrededor de todo América del Norte.
Por otro lado, en mi tiempo libre sigo mi pasión por enseñar
como profesor para una de las academias en línea de tecnología más importantes de Latinoamérica, con sede en Argentina,
llamada Coderhouse. Al mismo tiempo también ejerzo como
mentor académico para la academia internacional en línea CareerFoundry, ambas en la disciplina de UX/UI.
¿Cómo diste con esta rama del diseño? Hoy en día es bastante
importante, ¿cómo te interesaste en la carrera de diseñador UX/
UI?
Toda mi formación académica y experiencia profesional
temprana fue orientada al área de diseño gráfico, tuve la oportunidad de experimentar diferentes subespecialidades dentro
de esta disciplina, hasta encontrar mi verdadera gran pasión,
16 MARZO 2024
�que es el enfoque a la industria de las tecnologías de la información.
Mi pasión por la especialidad del User Experience and User
Interface comenzó a partir de iniciar mis estudios de maestría, comencé a direccionar mi carrera y tesis al dominio de
las startups de alto impacto. Por su naturaleza, esto implicaba
hacer una inmersión en el factor de las nuevas tecnologías y su
relación con la disciplina del diseño gráfico. Fue ahí donde inicié verdaderamente a especializarme en ello, primero a nivel
académico, posteriormente pasar a la práctica profesional, obteniendo mi primer empleo como Diseñador UX/UI con enfoque en atender solamente fast-growing tech startups. Después
tomé la decisión de orientar mi carrera a atender solamente
proyectos relacionados al sector IT. De ahí en adelante, cada
oportunidad laboral ha formado todo el toolkit de competencias, conocimientos, y experiencia necesaria para desempeñarme en los proyectos que ejerzo hoy en día.
He sido muy afortunado en experimentar y entender las
perspectivas bilaterales de los diferentes tipos de empresas,
cuando uno ejerce como colaborador, como lo son las startups
de high tech, dónde el tipo de trabajo es siempre acelerado,
retador, innovador, muchas veces con gran libertad creativa e
injerencia en la toma de decisiones estratégicas. Así como yo
tuve mi propio camino, experiencia en cómo inicié mi carrera
en UX/UI en una etapa temprana en la industria del diseño
gráfico en México, cuando aún no era entendido como el fenómeno que hoy es visible, me gusta compartir mi conocimiento
para facilitar el camino a aquellas personas que están interesadas en el ámbito, ya sea como profesor, consultor, o colega,
siempre me muestro disponible para compartir.
Personalmente veo todo como una serie de eventos concatenados, uno da dirección a su práctica profesional, se prepara, siembra las oportunidades, mientras que el resto se da por
causalidad en el tiempo y espacio correspondiente.
¿Por qué crees que es importante el diseño de interfaz de usuario?
“El diseño de interfaz de usuario es una disciplina muy
importante en nuestra sociedad”, esa es una afirmación muy
cierta. Estamos viviendo en un entorno donde la tecnología ha
permeado en la vida del ser humano de una manera holística
y contundente.
Pensar hoy en día en algún ámbito de la vida que no lleve
explícito o implícito el factor tecnológico, es difícil de concebir. Se entiende que la tecnología está presente en cada uno
de los aspectos de la vida humana, y que su objetivo de manera general es el mejorar y facilitar la vida de las personas, así
como abordar desafíos y necesidades humanas.
Entonces, si ponemos atención a esa explicación, podemos
observar que el concepto humano figura al centro del propósito de la tecnología, y que cualquier extensión de ésta, gira
en torno a la satisfacción de las necesidades del humano. Lo
cual me lleva a plantear, que, si la tecnología está hecha para
atender necesidades humanas, en algún punto y sin importar
el nivel de injerencia, ¿quién hará uso de estas tecnologías? La
respuesta es el humano, o mejor dicho, el usuario.
Partiendo de esa breve reflexión podemos decir que siempre al hablar de tecnología, de manera explícita o implícita, el
concepto de diseño de interfaz de usuario estará presente en
cualquiera de sus diferentes vertientes.
Y digo diferentes vertientes porque al hablar de interfaz
de usuario no solo nos limitamos a hablar de interfaz visual
mejor conocida como interfaz gráfica de usuario (GUI), sino
también de otros diferentes tipos como interfaz de línea de comandos (CLI), interfaz táctil, interfaz de voz, realidad virtual,
o interfaz de usuario natural (NUI).
Poniendo un ejemplo coloquial, de qué nos serviría contar
con un software capaz de generar respuestas a los grandes problemas de la humanidad, si es difícil de entender cómo funciona, o peor aún, imposible de operar debido a una pésima o
MARZO 2024 17
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F A V
nula interfaz de usuario. ¿Sería muy irónico, no?, Bueno, pues
así de relevante es el diseño de interfaz de usuario dentro del
dominio tecnológico.
¿Cuál es la tarea más difícil que has encontrado al hacer el
diseño de una interfaz?
Los desafíos más importantes para un diseñador UX/UI
son encontrar un entendimiento holístico de los problemas y
por consecuente, pensar en soluciones efectivas y viables.
Desde mi punto de vista, el comienzo del reto es entender
la disciplina como una especialidad que se enmarca en otros
procesos de trabajo mucho más amplios. Al hablar de UI hablamos de una fase específica que se subscribe dentro de otros
procesos más grandes. Es un engrane dentro de una gran maquinaria, si ese engrane está desalineado o no va al mismo ritmo que el resto de la maquinaria, las cosas no van a salir de
manera óptima.
El diseñador de UX/UI debe tener un buen dominio de cuatro grandes factores. El factor diseño, con una capacidad creativa y técnica para materializar soluciones bajo los más altos
estándares de la industria y bajo una perspectiva centrada en
el usuario. El factor tecnológico, un buen entendimiento de los
tipos de tecnologías, los procesos, la viabilidad y su relación
con la experiencia de usuario. El factor negocio, ser capaz de
procesar los conceptos primordiales de la industria. Poder traducir objetivos de negocios en planes de acción, trabajo UX/
UI. Y el factor estratégico, ser capaz de tener un buen criterio
y dominio de los métodos.
La tarea más difícil al diseñar una interfaz de usuario suele
ser la de encontrar un equilibrio entre los elementos clave para
una solución UI efectiva, asegurándose de que la interfaz sea
atractiva, usable, adaptable y accesible.
18 noviembre
MARZO 20242023
Requiere un comprensión profunda de los usuarios, sus necesidades y los objetivos del diseño y negocio.
Y al momento de hacer eso, ¿el factor de diseño es más importante que todo lo demás?
Probablemente la respuesta más aceptada podría ser no.
Siempre dentro del UX/UI lo más importante es responder a
las necesidades del usuario, tomando en consideración también los objetivos de negocio de la compañía con la que estamos trabajando.
Entendiendo en esta pregunta en particular el factor diseño como algo más relacionado al tema gráfico, visual, estético,
idealmente no se debería superponer como prioridad antes de
responder a las necesidades del usuario. Por otro lado, si entendemos el concepto diseño, como ese maravilloso concepto
que es alinear soluciones estéticas y funcionales, entonces sí.
El factor diseño debe implementarse y nutrirse de todos los
hallazgos previos dentro del proceso de diseño de productos
digitales. Un buen diseño UI siempre estará anclado a descubrimientos UX bien fundamentados, una infraestructura o
marco tecnológico bien pensado y viable, así como a una definición de objetivos de negocios claros y coherentes.
¿Cómo es tu proceso de trabajo? ¿Cómo llegas a materializar la idea final de tus diseños?
Me gusta gestionar mis procesos acordes al reto que se me
presente, de inicio a fin. Me apasiona fundamentar mi práctica
en metodologías, teorías, técnicas líderes en la industria, acorde a mi criterio para cada proyecto. De manera muy general,
para referirme a la fase de producción de UX/UI dentro de
cualquier otro proceso más grande para cualquier tipo de solución tecnológica, se le suele llamar UX/UI process.
�Dentro del UX/UI process, existen diversos recursos en materia de metodologías, métodos y técnicas para llevar a cabo la
labor. En mi caso, gestiono mi planeación y planteamiento de
lo que creo que es mejor para cumplir en tiempo y forma con
objetivos de negocio. Tomando en cuenta que otros procesos
de otras áreas profesionales pueden impactar o tener injerencia en mi planeación de manera directa o indirecta.
El proceso de diseño de experiencia de usuario (UX) y diseño de interfaz de usuario (UI) es un enfoque iterativo que se
centra en comprender las necesidades de los usuarios y crear
soluciones efectivas, eficientes y agradables de usar.
Describiré un poco de lo que es este proceso: investigación
y análisis; definición de objetivos y requisitos; creación de arquitectura de la información, sitemaps y userflows; creación
de wireframes y prototipos; diseño visual (puede o no incluir
el concepto Design Systems); validación (User testing); desarrollo e implementación; pruebas y evaluación; lanzamiento
y seguimiento.
Es importante tener en cuenta que el proceso de diseño
UX/ UI puede variar según el proyecto y las necesidades específicas. También se trata de un proceso iterativo en el que se
retroalimenta continuamente y se ajusta el diseño en función
de las pruebas y la retroalimentación de los usuarios. La colaboración entre los equipos de diseño, desarrollo y usuarios es
fundamental para lograr un diseño exitoso.
¿Tienes un estilo que hayas estado desarrollando hasta
ahora? ¿Cómo lo describirías?
Estrictamente hablando acerca del diseño de interfaz de
usuario, en contraste con otras especialidades del diseño gráfico como la ilustración, el factor estilo gráfico personal, no se
hace presente en la solución final, o por lo menos no debería
ser así desde mi punto de vista. Ya que en el UI la solución
gráfica y los elementos de UI siempre van a corresponder a las
necesidades del proyecto y estarán supeditadas a las convenciones globales de interfaz de usuario.
No obstante, sí creo que he desarrollado un estilo personal, que se refleja sobre todo en mi metodología personal de
trabajo, en la premisa de creer en el diseño inteligente, y en
mi criterio profesional que me permite poder asesorar clientes
como consultor en UX/UI.
Me fascina concebir mi quehacer profesional como una
mezcla interesante entre ciencia y creatividad, dónde me permito experimentar con los diversos recursos disponibles en el
universo del diseño y la tecnología para generar nuevas soluciones.
Es interesante y a la vez un poco disruptivo para las personas
con formación en diseño, el recordar que la creatividad no solo
se manifiesta al producir diseños visuales, sino también se hace
presente desde el momento en que generamos pensamientos divergentes a las soluciones convencionales, cuando ponemos en
acción nuestro criterio y pensamos en identificar oportunamente
los problemas principales de un usuario, y pensamos en cómo solucionar dichos problemas de manera efectiva e innovadora. Para
mí, ese es el factor creatividad/estilo dentro de la disciplina de
User Experience and User Interface.
¿Cuáles o quiénes son tus principales inspiraciones en el
diseño de UX/UI?
Una persona que me inspira mucho, que es un referente en
cuanto a la disciplina del diseño y la tecnología, es el Dr. John
Maeda, especializado en el proceso de investigación en la disciplina del diseño y la tecnología.
Fue director de la prestigiosa Universidad Rhode Island de
Estados Unidos, ha sido consejero invitado en el tema de tecnología y diseño para grandes empresas del mundo, es consulMARZO 2024 19
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tor, ha tenido puestos como directivo asociado en empresas
muy importantes y tiene muchos libros que hablan acerca de
liderazgo, de la relación entre el diseño y la tecnología, y cómo
el diseño puede aportar muchísimo valor a todo el tema tecnológico. Entonces para mí, él es un referente muy importante
en esta área, es una persona muy citada en la disciplina del
diseño y la tecnología, me parece un personaje contemporáneo fascinante.
Como todo tu trabajo se desarrolla principalmente en el
idioma francés, ¿cómo manejas este reto?
Además de todo lo que implica el tener que estudiar y especializarse en una industria como lo son las tecnologías de
la información, el idioma se ha convertido en un must que he
tenido que compaginar por la naturaleza de los frameworks de
tecnológicos y lo que esto demanda.
Como es fácil de deducir, el inglés siempre ha sido un idioma que se dice que abre muchas puertas a nivel profesional,
sin embargo, personalmente el idioma francés ha tomado un
papel protagónico que me ha permito tener experiencias profesionales muy interesantes.
Yo comencé a estudiar francés en el año 2013 mientras comenzaba los primeros semestres de mi licenciatura, comencé
a estudiarlo como un hobbie por mi gusto por la cultura francesa, sin dimensionar que esa decisión algún día se iba a con-
20 MARZO 2024
vertir en un catalizador para mi quehacer profesional y vida
en general. Siendo más tarde en mi carrera cuando identifiqué
que podría ser una llave para llevar mi carrera al siguiente nivel, y formalicé mis estudios con certificaciones oficiales que
avalan mi nivel de francés.
A lo largo de mis experiencias de vida, el francés me ha
permitido desenvolverme en diferentes ambientes tanto laborales como personales, en las diferentes oportunidades que he
tenido al viajar al exterior y de manera remota.
Hoy por hoy, puedo decir con alegría que me desempeño en
un puesto completamente bilingüe, dónde la comunicación en
idioma francés e inglés se hace presente en mi cotidianidad. Desde la comunicación en los talleres de UX, Service Design hasta
la comunicación con ingenieros de software. Sin duda alguna el
idioma francés es una pasión en la que día a día me sigo desarrollando y la cuál siempre será un constante aprender.
�¿Cómo se dio la oportunidad de que fueras a vivir a Canadá?
De manera orgánica, diría yo. Creo que siempre fue un
proyecto que visualicé de manera aspiracional pero que nunca
dimensioné que fuese a pasar de la manera tan natural y es
pontánea como pasó. Siento como si hubiese sido algo para
lo cual me estuve preparando mucho tiempo, pero que nunca
pensé que se fuese a hacer realidad.
Tuve un primer acercamiento con la ciudad de Montreal
en el 2018, cuando tuve la oportunidad de vivir y estudiar un
tiempo en la ciudad. Ahí me empecé a relacionar a nivel profesional con algunas personas dentro de la industria tecnológica, así como de hacer varias amistades a nivel personal.
Posteriormente tras la pandemia, se incrementó la demanda de profesionales dentro de la industria de tecnologías de
la información, y fue ahí donde se presentó la oportunidad
formal para reubicarme completamente a la ciudad de Montreal. Hubo un acercamiento profesional de una empresa que
se interesó en mi perfil, ya que mis aptitudes encajaban perfectamente con lo que ellos estaban buscando, y me realizaron
la propuesta. Sin duda alguna el hecho de que yo ya hablaba
francés fue un punto clave para que se presentara la oportunidad, y a pesar de que no fue fácil tomar la decisión, decidí
aceptar la propuesta.
En retrospectiva lo veo como un golpe de suerte y otras veces lo veo como un proyecto de vida para el cual siempre me
estuve preparando y simplemente sucedió. Genuinamente no
lo vi venir, nunca pensé que fuese tan real, fue algo muy inesperado, por irónico que suene.
La creatividad no solo
se manifiesta al producir
diseños visuales,
también se hace presente
desde el momento
en que generamos
pensamientos
divergentes a
las soluciones
convencionales”.
¿Cuál es tu consejo para quienes están incursionando en el
diseño de interfaz de usuario y las tecnologías?
En primera instancia y aunque suene trillado, mi consejo
sería que las personas sigan sus sueños, por más lejanos que
parezcan. Que tengan confianza en sí mismos, que definan qué
es lo que quieren y que tengan la certeza de que trabajando y
aplicándose pueden lograr todo lo que se propongan.
Todos tenemos la capacidad de alcanzar nuestros sueños
tarde que temprano, es solo un poco de paciencia, disciplina,
trabajo, creatividad y se puede lograr.
Ya a un nivel más concreto, y es algo que siempre le digo a
mis alumnos de Argentina, es que trabajen en su career path,
identifiquen dónde se encuentran hoy en día, con que herramientas cuentan hoy por hoy, y que contrasten eso con la idea
de hacia dónde quieren llegar, y qué necesitan para llegar ahí.
Al hacer ese ejercicio obtendrán respuestas más concretas que
les permitirán comenzar a generar sus propias rutas de cómo
llegar a ese punto que desean.
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MARZO 2024 21
�DIBUJO,
HÉCTOR MORALES
ALEGORÍAS
yVIDA
Con estudios en Arte Dramático y Escenografía;
y una notable trayectoria en la pintura artísticamural; el profesor Héctor Manuel Morales Orona,
nos habla sobre su particular fijación en el cuerpo
humano y el valor de la experiencia de vida en su
obra como artista y en la enseñanza.
REDACCIÓN POR: SEBASTIÁN MÉNDEZ JARAMILLO
ILUSTRACIONES POR: HÉCTOR MORALES
¿De dónde nace este interés por el dibujo y por qué la figura humana en
particular?
Yo me decidí por la figura humana porque como dibujante y artista, el
cuerpo siempre ha sido uno de los motivos que me hace dibujar. Me gusta la
figura humana y veo en ella todos los elementos que un dibujante puede percibir
en cuanto al volumen y la expresividad. Hay varias cosas ahí como elemento
didáctico que te permite programar una manera de enseñar y plantearlo paso a
paso, empezando desde la estructura, luego el volumen y algo de anatomía; para
que así, esto te permita abordarlo por temas y también llevarlo de algo sencillo a
algo más complejo.
22 MARZO 2024
�Viento Cósmico por Héctor Morales
Por ejemplo, cuando yo dibujo una montaña pienso en una
figura humana porque veo volumen, proporción entre otras
cosas; y bueno, eso es como dibujar un cuerpo. Hasta el paisaje
lo veo desde ese mismo punto de vista, siempre me encuentro
dibujando cuerpos y fue uno de los motivos que me llevó a
querer adentrarme un poquito más a la figura humana. Aunque
a mí me gusta dibujar de todo.
Es interesante esa comparativa con el paisaje y la figura
humana, ¿tuvo algún referente en su desarrollo como
dibujante en ese entonces?
Yo empecé dibujando paisajes muy influenciado por la
maestra Saskia Juárez. Cuando yo quise ser pintor era porque
yo veía su obra y me gustaba mucho, pues de esas casas sólidas
que había en su trabajo intentaba reproducir desde lo que yo
veía. Para mí, en esa solidez de las casas, se convirtió también
en cuerpo, y así, la figura estaba ahí siempre. Saskia fue una
referente para mí como estudiante ya en formación; cuando
ya decidí tomarme enserio como artista y como pintor estudié
Técnicas Antiguas. A partir de ahí pasé a entender también los
materiales con los que estaban hechos la pintura y el dibujo, a
aprender muchas cosas de la figura humana y todo eso fue como
“cayendo”, donde todo empezó a recobrar sentido.
Y referentes así a nivel muy personal no te puedo decir que
haya tenido yo un maestro; más bien tuve “alter egos”. Uno de
ellos fue Miguel Ángel; del que se aprende mucho viendo, pues
no es que necesitas tener un maestro a tu lado, sino más bien…
que a veces son maestros imaginarios y él es uno de ellos, aunque
suene muy “pesadito” decir eso pero sí, viendo sus dibujos y
pintura aprendes.
Por ejemplo, en los cuerpos de Miguel Ángel no son cuerpos
naturales, son figuras que, aunque eran a capricho suyo, se
denota lo mucho que sabía de anatomía en la misma torsión de
los músculos y todo aquello que no era precisamente natural en
los cuerpos. Esas cosas me siguen llamando mucho la atención y
también son cosas que trato reproducir en mis propios dibujos.
También estaban Leonardo (Da Vinci) y Rembrandt y pues
todos los pintores antiguos porque en ellos, yo veo sus dibujos
como “apuntes” para algo más. Yo no lo veo como ahora, que
tenemos el dibujo contemporáneo y es como “voy a hacer un
dibujo”. Yo infiero en que los maestros antiguos decían, “voy a
hacer un apunte, para luego llevarlo a un estudio y recrear una
pintura”.
Entonces, sus dibujos son apuntes para una pintura porque
justo contienen todos los elementos que ellos usaron en la
realidad, porque tú ves planos de distancia de un dibujo y hay
saturaciones, los materiales que tenían, el color en el dibujo, y
para mí eran como “códigos encriptados” que luego te metías al
laboratorio, el estudio del artista, y se convertían en un cuadro,
porque toda la información está ahí contenida, y eso me gusta
ver de los dibujos de los maestros antiguos, algo que yo no veo
en los dibujos contemporáneos.
Y una de las cosas a estudiar en Técnicas Antiguas fue eso,
detenerme en observar esos dibujos, y con eso, pude adentrarme
más en el estudio de la figura humana, algo que todavía estoy
tratando de entender. No es que yo lo domine, sino más bien,
yo sigo aprendiendo.
MARZO 2024 23
�D O C E N T E
No quiero decir que tenga que ser terapéutico
el arte, pero sí que tiene un ingrediente;
aunque yo no lo tomo desde ese ángulo, sino
como una experiencia de vida, y a partir de
eso sí que te transforma y te da conocimiento,
Partiendo de ese continuo aprendizaje con la figura ¿cuál considera uno de sus
proyectos más importantes y qué le enseñó de su proceso creativo al llevarlo a cabo?
Sí, hay un proyecto en particular que a mí me sirvió incluso para escribir mi tesis y
es un proceso de creación, que partió de cosas que yo estaba sintiendo en ese momento,
porque siempre he considerado que el arte está implicado con las experiencias de vida.
Entonces, el artista está viviendo su vida y al mismo tiempo está queriendo
crear algo, así digamos que con este proyecto partí de una situación particular que
me empezó a afectar de tal manera que tuve que preguntarme: “¿qué voy a hacer con
esto?” Y a partir de esa pregunta dije: “pues soy pintor, tengo que convertirlo en algo,
encontrarle una salida a esto que me está… fastidiando.”
De esa manera, esa experiencia que en un principio no me dejaba dormir;
literalmente me la pasaba en insomnio, surgió una idea de crear a partir de esos
movimientos en los que te revuelcas en la cama buscando el sueño sin encontrarlo y
aquellos acomodos instintos del cuerpo, un proyecto que lo llamé “Cuerpo Insomne”.
En Cuerpo Insomne me permitía tener como motivo principal las composiciones
del cuerpo y ahí hicieron “clic” muchas cosas, lo que yo sentía y cómo lo representaba
a partir de la experiencia en las posiciones incómodas del cuerpo y en las alegorías
que yo utilizaba para representar las cosas que me estaban molestando, las que me
daban miedo. Entonces busqué alegorías del miedo y lo asocié con el cuerpo, incluso
también pensé realizar como un tipo de partitura dancística. Primero maqueté la
iluminación que iba a formar parte del estado emotivo de la obra, ahí el color fue un
elemento importante pues sería la vía para adentrarse a una convención emocional.
Posteriormente pude trabajar con un actor, al que le daba indicaciones y él las
interpretaba, para después hacerle una sesión fotográfica y partiendo de ese material
que yo recopilé, empecé a dibujar.
Al final hubo una especie de transformación, porque como artista cuando tomas
un proyecto, ese mismo te tiene que aportar algo, un conocimiento o una experiencia.
Fue un trabajo que duró dos meses pero que la repercusión de eso ha continuado
porque me dio para terminar mi tesis y el proyecto de un libro que tengo ahorita. Pero
también fue la manera anímica en la que entré y la forma en la que salí, y considero
que fue para bien, porque el arte no es para fregarte, es más bien lo contrario, como
para sostenerte, para no dejar que te hundas en el lodo o que te vayas a un hoyo. No
quiero decir que tenga que ser terapéutico el arte, pero sí que tiene un ingrediente;
aunque yo no lo tomo desde ese ángulo, sino como una experiencia de vida, y a partir
de eso sí que te transforma y te da conocimiento. Te hace madurar.
24 MARZO 2024
CUADROS DE PROYECTO CUERPO INSOMNE
te hace madurar.
�¿Qué ha aprendido de su voz creativa al dedicarse a la docencia?
La creatividad tiene que ver con la docencia en el sentido que, la misma te permite
transformar experiencias. Por ejemplo, la del dibujo es una por sí sola porque estás tú
dibujando, o sea, te toca de alguna manera. Entonces en el arte aunque uno cree que
es la libertad absoluta… tiene reglas y formas de proceder, y si uno no lo ve así no le
dará resultado. También te da esa posibilidad de enseñar a partir de una metodología,
y a veces esa la haces tú como creador porque conoces los materiales y los temas con
los que se va a trabajar. Yo siempre les digo a mis estudiantes que les voy a mostrar
formas en las que a mí me ha dado resultado, pero ellos también pueden aportar e ir
integrando técnicas y van haciendo sus propias metodologías. La creatividad está ahí
en el sentido en que tú transformas tus maneras de trabajar en procedimientos. De
repente me gusta grabarme cuando me pongo a dibujar o a pintar de manera libre,
para después poder analizar esos procesos que yo hago o que repito, y al final en cosas
que yo anoto y que pueden influir en mis clases.
¿Han influido sus estudios en Arte Dramático y Escenografía en los métodos de
enseñanza que menciona?
Ah sí, totalmente, porque la creatividad te conecta. Es como un puente en el que, a
mí por ejemplo, los estudios que he hecho en Arte Dramático me han servido mucho;
para trabajar primero mi propia obra y segundo, para enseñar. Yo aprendí mucho
cuando estuve estudiando teatro y sobre los procedimientos de creación que ahora los
utilizo en mis clases, no quiero decir que enmedio de una me ponga actuar, sino más
bien, es conectar métodos y hablar de la composición, al igual como enseñar sobre la
disposición de elementos en un escenario.
Suena como una gran forma de relacionarse con sus alumnos como profesor, y
preguntando más a profundidad sobre ellos, ¿cómo lleva a cabo la situación o qué
estrategias aplica al enseñar a alumnos que no tienen experiencia en el dibujo?
Si da miedo porque luego los estudiantes creen que tienen que saber todo, pero es
que “el dibujo te enseña”, si es cierto que hay una parte que no puedes instruir por muy
buen o mal maestro que seas, pues no puedes enseñar la experiencia de vida, porque
esa es nada más suya.
Lo que he tratado es: primero pensar que el dibujo sí se puede enseñar y
aprender, no al 100% por las experiencias que comenté, pero sí que hay maneras de
proceder incluso para alguien que nunca ha dibujado. Entonces, a partir de eso lo
que yo propongo como metodología de enseñanza es irnos de lo elemental a algo
más ambicioso. Dibujar una esfera en vez de la cabeza, o elementos muy básicos de
geometrías muy sencillas para luego, ir señalando y agregar cosas de mayor dificultad.
También es útil ir revisando a otros autores. Por ejemplo, me gusta mucho lo que
hizo Betty Edwards porque ella enseñó a dibujar a gente de una fábrica por primera
vez, se fue a darles clases y ella empezó a mostrarles como dibujar relaciones entre
líneas, de manera que al final de todo esto, tenían un retrato completo y no se habían
dado cuenta que lo habían hecho.
Al final, si les exijo de alguna manera la complejidad que debe tener, sobre todo en
el PIA, que debe haber una temática y justificación, porque ya tuvieron recorrido en el
semestre y creo que ya pueden hacer algo un poquito más elaborado.
MARZO 2024 25
�D O C E N T E
Reitero, sean responsables con su
talento, que si lo tienen deben hacer
algo por ello, cultivarlo y prepararse
mejor; y tomen enserio lo que están
haciendo, porque solamente de esa
manera van a ser conscientes de que son
creativos y que pueden
aportar algo a su entorno.
Usted mencionó que se encuentra trabajando en el
proyecto de un libro, así que, ¿cuáles son esos nuevos
proyectos que tiene por delante?
Sí, tengo un proyecto de un libro, ya está terminado por así
decirlo, solamente que lo estoy revisando; desacomodando y
acomodando. Tengo también un proyecto de una exposición
individual para la cual estoy trabajando algunas temáticas,
estoy apenas inmerso en la investigación sobre qué temas
voy a abordar. Creo que con ese último proyecto va a ser
por lo menos un año de trabajo para tener una exposición
con una obra bien ejecutada y sólida. También vienen
proyectos expositivos y un encuentro nacional de grabado
del cual yo soy parte del comité, pues soy grabador. Será
el primer encuentro nacional de grabado que se hará aquí
en Monterrey, nosotros lo estamos proponiendo y sé que
será interesante. El grabado es otra de las disciplinas en las
que tengo como contemplado más adelante en exposiciones
individuales, donde se presentarán de esos trabajos, pintura
y dibujo, así que esperemos que sí ocurran.
CUADROS DE PROYECTO CUERPO INSOMNE
Me imagino lo relevante que se vuelve la constancia en la
materia, siendo algo clave en el dibujo ¿no?
Totalmente porque a mí me pasa que si yo no dibujo, porque
luego también la enseñanza te quita el tiempo de practicarlo,
cuando vuelvo a ponerme con ello se nota que el hábito se
ha perdido un poco. Pienso que todos los días uno tiene que
practicar, aunque sean 30 minutos o una hora, porque es la
única forma de lograr un proceso; así es con el dibujo, la pintura
y todo el arte que implica el uso de las manos.
26 MARZO 2024
Con base en su experiencia ¿qué les diría a los alumnos
que estén interesados en desempeñarse en el dibujo y
como puede nutrir su propia expresión artística?
Lo que yo les digo siempre a los alumnos es que el punto
de partida tendría que ser algo que a ellos les guste, porque
si no es así, pues no llegarán a los 5 minutos y querrán
abandonar el proyecto. Al ser cosas que les gustan, va a
partir de algo más personal y que puede ser tomado en
serio, porque es otra cosa que yo veo y es el hecho que no
toman en serio lo que hacen. Podrán tener talento, pero si
no son responsables no se hace gran cosa y solo queda el
desinterés.
Reitero, sean responsables con su talento, que si lo tienen
deben hacer algo por ello, cultivarlo y prepararse mejor; y
tomen en serio lo que están haciendo, porque solamente de
esa manera van a ser conscientes de que son creativos y que
pueden aportar algo a su entorno. Hacer consciencia de lo
que tienen y qué piensan, porque decidieron estudiar artes.
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MARZO 2024 27
�D O C E N T E
ALAN GARCÍA HERNÁNDEZ
DE LA PASIÓN
A LA PROFESIÓN
Nos platicó sobre su trayectoria
profesional desde que egresó de la
facultad. Lo importante de trabajar
bien y cómo orientar tú pasión hacía
una profesión, y las estrategias para
poder monetizarlo
N
POR: RICARDO VERA MEJÍA
os reunimos con Alan García Hernández,
catedrático de la Facultad de Artes Visuales, quien imparte la materia de Análisis de
Relatos. Es escritor, director y productor
audiovisual y actualmente está a punto de
concluir su Doctorado en la Universidad de
Liège, Bélgica, en estudios cinematográficos. A continuación él
mismo nos cuenta un poco de su carrera.
Comenzaré diciendo, soy egresado de la preparatoria 22
de Nuevo León; lo platico porque cuando somos jóvenes y
terminamos la secundaria todavía queremos tener una extensión de la escuela, ya que todavía no sabemos qué queremos hacer y el por qué tenemos que hacer algo para trabajar
más allá de la respuesta evidente de necesitar dinero para
vivir. Creo que es más adelante cuando descubres, qué es lo
que tú vas a aportar a la sociedad. Para mí, esa es la verdadera
vocación, cuando sabes con qué puedes contribuir.
Al terminar la preparatoria, una persona que estimo mucho me decía que estudiara algo técnico, sin embargo, esto
implicaba un año más de estudio. Es ahí donde hay un acercamiento a una orientación vocacional en la preparatoria y
resulta que salía con altos puntajes en otras áreas que no
tenía que ver con las artes.
Curiosamente, sin ser de los mejores deportistas, salía más
alto ahí que en lo relacionado a lo artístico, incluso salía más
alto en biología y medicina. Sí yo hubiera hecho caso a esa
orientación vocacional, quizá no estaría aquí, pero te digo con
certeza que no me equivoqué.
28 MARZO 2024
�Lejos de criticar sí funciona o no la orientación vocacional,
creo que tiene más que ver con una introspección tuya y el evaluar lo que estas encuestas o lo que tus maestros te dicen, y lo
que realmente te hace feliz.
Una tarde que estaba haciendo figuras de plastilina, ya era
un adulto pero siempre me ha gustado esculpir o hacer figuras
en plastilina y dibujar, aunque siempre lo había visto como un
hobby como parte de mi naturaleza, fue la misma familia que
me dijo «¿por qué no estudias algo referente a eso?».
Fue entonces que me enteré de la Facultad de Artes Visuales;
llegué con muchas dudas, pues trabajar de esto no lo visualizaba, en ese entonces estuve a nada de inscribirme en Medicina.
Poco a poco me di cuenta que quizá siendo cirujano plástico
orientaría ese gusto que tenía por modelar en plastilina o el dibujo, que también tiene mucho que ver. Finalmente me decido
a venir aquí rompiendo todos los paradigmas familiares.
En mi familia, o son futbolistas o son profesores a nivel secundaria, y no había nadie relacionado con las artes. Fue un
verdadero reto en ese sentido y, afortunadamente, con todo
y las carencias familiares que había, tuve ese apoyo, el cual es
muy importante tener. Saber que si algo no funciona, todavía
puedes dar marcha atrás. Tomé el reto y tuve la suerte de encontrar lo que se convertiría en mi pasión: las artes.
Tener un tronco común me dio tiempo para definir y orientar lo que quería hacer. En aquel entonces la carrera era menos
enfocada hacia el cine y más hacia la televisión, lo que me permitió ver a qué tipo de artes me quería dedicar. La gente me
decía que el diseño gráfico tenía más futuro a nivel profesional,
pero a mí no me llenaba.
Finalmente descubrí en los medios audiovisuales, que convergía todo lo que me apasionaba, incluso empecé a tener una
especie de epifanía. Me tocó el boom de los videoclubs en los
80 y 90, sobre todo del VHS. Haciendo memoria, descubrí que
desde muy chico tenía una afición hacia las películas. Tuve la
fortuna de que un tío tenía un videoclub, por lo que tenía acceso a películas que en ese tiempo era imposible conseguir. Fue
un gran aporte, siempre le estaré agradecido a mi padrino por
el desarrollo y el gusto que eso me influyó. Soy de las generaciones que se criaron con la televisión, por lo cual me tomo muy
enserio lo que se produce para medios audiovisuales, porque
pueden cambiar las generaciones.
Tuve la suerte de que las producciones de aquel entonces
enfatizaban mucho la amistad y la ética, las caricaturas de los
noventa siempre cuidaban tener algún tipo de mensaje. Creo
que se cuidaba más la televisión, y dicho y hecho, todos los de
mi generación creemos en ese tipo de lazos y comportamiento,
sobre todo la amistad y compañerismo.
Me crié con la televisión y las películas como parte de una
generación en la que los papás ya no están en casa por necesidades laborales. Todo eso influye en mi decisión para irme
hacia los medios audiovisuales. En conclusión, si pudiera decir
el secreto del éxito profesional, que no sea medido en el éxito
económico convencional, creo que es ese, cuando encuentras
tu pasión y el sentido de vida los puedes orientar hacia una
profesión.
Entonces, egresas y el reto es saber ¿qué vas a
hacer?
Trabaja muy bien porque
nunca sabes quién va
a ver tú trabajo o con
quién vas a engancharte
profesionalmente”.
Hasta noveno semestre llevé la materia de producción de ficción con el maestro Martín Ontiveros, la experiencia que tuve
con él como docente me permitió conocer el lenguaje de los
medios audiovisuales en su totalidad, aunque no era cinematográfico. Ahí es donde empiezo a inclinarme en el gusto por la
escritura, pues de hecho en el trabajo final, el guionista fui yo.
Siempre le digo esto a mis alumnos, «trabaja muy bien porque nunca sabes quién va a ver tú trabajo o con quién vas a engancharte profesionalmente», lo cuento como una muy buena
anécdota profesional.
Todo lo que no hice en la carrera, lo hice en el último semestre, creo que todos tenemos ese clic profesional. Los primeros
semestres estaba más interesado en el rock and roll, la música
y otras cuestiones más propias de un pre-adulto. Me pasó hasta
noveno semestre, más vale tarde que nunca. «Esto va a ser mi
vida, mi profesión. Debo tomármelo más en serio» pensé.
Me acuerdo mucho que le eché muchas ganas a ese último
semestre y compañeros que se engancharon en un trabajo fueron los que me recomendaron. Entonces salí en diciembre de la
facultad y en enero ya tenía un trabajo, que fue por recomendación directa de una compañera a la que aprecio mucho.
En este trabajo me voy hacia el área de televisión, era una
cadena privada que ofrecía sus servicios a empresas de la localidad y me contrataron como post-productor.
Otra cosa increíble de la facultad es que a veces sientes que
no aprendes nada, y aclaro me refiero a esa inseguridad de decir «lo vi en clase pero ahora estoy en el mundo real y no sé si
realmente lo aprendí». Me enseñaron en estas máquinas que
ahora ya están obsoletas, la de post-producción análoga que le
llamaba la beta suit, era parte del sistema de betacam.
La edición análoga requería el manejo de esas máquinas que
parecía el laboratorio de El Santo, con botones y pantallas por
todos lados. Y ¡oh sorpresa! el click fue instantáneo, al momento de enfrentarme ahí, resultó que sí había aprendido, que sí le
sabía mover.
Fue ahí donde tuve la oportunidad de orientarme al puesto que en ese entonces le llamaban “el creativo” y abarcaba un
poco más de rasgos que la escritura. Desafortunadamente la
empresa desaparece justo cuando apenas me estaba estrenando en ese puesto. Esto me sirve para empezar a considerar un
futuro más alineado y es donde me oriento hacia la educación.
Tengo todo el antecedente de mi familia siendo docentes
y había algo en mí que me hacía pensar, y esto también se lo
MARZO 2024 29
�D O C E N T E
digo mucho a mis alumnos, en que había cosas que si me las
hubieran dicho al estar en la carrera, llevaría años de ventaja.
Entonces tenía esa inquietud de dar clases en mi facultad, porque tengo la camisa bien puesta, pensé: «Es mi facultad, quiero
dar clases y decirle a mis alumnos las cosas que, si me hubieran
dicho, me hubieran servido mucho».
Elaboro un plan para llegar a la docencia, estudio la maestría
y aprovecho ese tiempo para mantenerme como independiente
y comienzo a ser freelance. Tuve trabajo como editor, camarógrafo y eventualmente también me cayeron trabajos de creativo. Me dio mucho gusto que me contrataran para escribir un
guión para un vídeo institucional o un story board, ya que en
ese entonces todavía se hacían a mano.
Nosotros al estar a punto de egresar, pensamos ¿a dónde vamos? de acuerdo a nuestros intereses, y al enfrentarse uno al
campo laboral, nos encontramos con que piden cierto grado de
experiencia y otras habilidades que a veces en ese momento no
contamos del todo.
Es mi facultad, quiero
dar clases y decirles a
mis alumnos las cosas
que si me hubieran
dicho, me hubieran
servido mucho”.
¿Qué recomendaciones puedes dar para encaminar con
éxito la carrera artística y profesional?
Siempre habrá esa necesidad de trabajar, de tener dinero, de
ser independiente y de poder darse los gustos que uno quiere, por otro lado, está esa necesidad de encontrar aquello que
realmente quiero hacer y ser; yo le apuesto más a esa segunda.
Si quieres dinero, hay formas muy fáciles de hacer dinero, por
ejemplo y lo digo sin ningún tipo de reserva, graba bodas, es
un mercado que tiene para eso y mucho más. Muchas veces fui
contratado para grabar bodas y te puedo decir que mi casa la
compré gracias a ello, pues se ganaba muy bien y ni siquiera
teniendo que ser el dueño de la agencia, a mí me contrataban
otras por proyecto, yo ponía el precio, pero claro, hay que trabajar muy bien. Me tocó el boom de cuando las bodas empiezan a
ser como películas, se venden de esta manera y afortunadamente en la ciudad en la que vivimos hay mucho mercado para eso.
Pero llegó un momento en el que dije «Esto no es lo que yo
quiero hacer». Para mí, más que buscar donde insertarse, es
primeramente atender el qué es lo que quieres ser y hacer, y no
siempre es exactamente lo que tú visualizas, tienes que ser lo
suficientemente astuto como para saber dónde se inserta.
Por ejemplo, me interesaba no sólo la docencia, siempre
estuvo el hambre de hacer arte, de hacer una producción audiovisual. Sin conocimientos cinematográficos, me llamó la
30 MARZO 2024
Poster “Parpadeo”, largometraje escrito y dirigido por Alan García
atención aquello que fue siempre mi pasión desde niño, el cine.
Entonces empiezas a orientar tu quehacer hacia eso. En mi
caso el cine, que aquel entonces era un poco más complicado,
hoy en día las posibilidades son más amplias, con el boom de las
plataformas de streaming hay más producciones, mayor mercado y más inmediato que antes. Ahora hay una mayor oportunidad de hacer lo que realmente quieres, solo es cuestión de redireccionar la pregunta: ¿dónde te puedes insertar?, ¿qué quieres
hacer? De ahí buscar las estrategias para que eso te dé dinero.
La carrera aquí en la facultad es muy versátil y permite desarrollarte en diferentes puestos. Particularmente me llamó la
atención la escritura, que hoy en día mantengo y lo trato de
compartir cada que tengo la oportunidad de platicar ante un auditorio o clase, si nosotros vemos el guión como tal, está muerto.
El guión ha evolucionado a algo mucho más complejo y
�completo, es decir, ser guionista ya no solo es escribir en el formato y plantearse una historia en un texto, el guión se ha convertido en una herramienta a tal grado que se ha usado en los
medios publicitarios o marketing digital, como estrategia de lo
que ahora llaman el storytelling o para hacer relatos. No se diga
en la política con el famoso marketing político.
Entonces, si tu sueño es escribir, puedes alinearlo a cualquier
área que te lo pueda permitir, por ejemplo, puedes ser un director de campaña política porque tú estarías contando la historia
de ese político a las masas.
Muchos directores de campaña son las personas que dominan las estrategias que tú aprendes en una clase de guión. Si tu
personaje protagonista es el político, constrúyelo y diséñalo tal
cual como lo haces al crear un personaje de ficción porque vas
a tratar de empatizar. La empatía es una estrategia que Aristóteles se planteaba desde la poética, es la esencia para que el relato
funcione. ¿Para que provoque qué? En aquél entonces era provocar la catarsis en el aspecto de la tragedia griega, hoy en día
así sea arte o algo comercial, siempre hay un objetivo a lograr.
El guión funciona a través de las estrategias de persuasión
para lograr un fin. Esperemos que sea un fin noble, honesto y
ético, no como muchos lo utilizan. La política lo va a usar, para
venderte un producto, el cine lo va usar quizá para venderte
solo placer momentáneo, un deleite estético, una sonrisa o un
discurso profundo y complejo, pero siempre habrá algo que se
quiera vender.
Entonces en ese sentido el guión me permitió esa versatilidad de discursos. Por cuestiones profesionales o de oportunidades, se me dio más realizar guiones para proyectos institucionales o incluso académicos. Actualmente mi trabajo como
administrador dentro de la UANL se basa en la generación de
material audiovisual académico con el cual el mismo storytelling lo utilizo para que un determinado contenido académico
llegue a ese impacto que va alineado con todas las tendencias
de gamificación, ahora se utilizan las estrategias de los videojuegos para venderte algo.
En un principio nunca dejé mi gusto de hacer producciones
audiovisuales de ficción, que esa es realmente mi pasión, pero
cuando tengo que trabajar sigo haciendo lo que me gusta, que
es escribir, aunque sea institucional o académico, termina siendo un deleite porque se aplican las mismas estrategias, solamente tengo que tener bien claro qué es lo que estoy vendiendo.
¿Lo buscaron o fue un descubrimiento en el camino?
Te diría que he tenido mucha suerte, que no he tenido que
buscarlo. Sin pecar de vanidoso, más que suerte es trabajar
bien. Al igual que en el marketing, la recomendación de boca
en boca es la mejor, por ello siempre le digo a los estudiantes
que ahorita es realmente donde tú estás haciendo tu verdadera
carta de presentación.
Si trabajas bien con tu camarada, en algún momento él se va
acordar de ti y te va a recomendar. A veces piensan «si el profe
le flojea, entonces yo también le flojeo», pero no es para el profe, tú estás creando tu propio perfil.
No es el objetivo
primario del cine hacer
filosofía, porque si no, no
es cine, es filosofía”.
Mi pasión real, si tuviera que escoger solo una cosa, sería
hacer ficción. He podido darme el lujo de hacerla solo para mí.
Me gusta escribir y no me puedo aguantar las ganas de verlo,
así que termino haciéndolo, sin recursos y sin ningún tipo de
cuidado más allá que el del placer de ver mi guión en pantalla.
Hice un par de trabajos así, me aventé una película de dos
horas nada más porque traía un guión que había trabajado en
la maestría. Ahí conocí a un gran maestro, Giampiero Bucci,
quién fue mi primer gran acercamiento a la filosofía. Recuerdo
mucho que al terminar una de sus clases pensé «Todo lo que
veo aquí, lo quiero transmitir a través de un guión», él como un
gran filósofo me dio consejos que jamás olvidaré, «no es el objetivo primario del cine hacer filosofía, porque si no, no es cine,
es filosofía», un consejo que desde entonces no he olvidado.
¿Proyectó esos trabajos a una audiencia?
De esos trabajos no hubo ninguna pretensión más que el hecho de escribir algo que necesitaba escribir, el hacerlo de mí
para mí. Uno es un corto, otro un mediometraje y un largometraje. En automático se empiezan a abrir puertas, me invitan a
exponer en distintos lugares y fue así que hice algunas presentaciones. Curiosamente muchos años después me encuentro a
un profesor que me dio clase de guión en la facultad y resulta
que se acordaba de que había hecho algo bien en su clase y me
invita a la cineteca a presentar los trabajos. Ahí fue donde volví
a reiterar que trabajar bien te sirve de recomendación.
Todo lo que había hecho hasta ese momento, mi trabajo
como freelance, mis trabajos de ficción y los guiones para video
institucional o cuestiones académicas, me sirvieron para llegar
a la facultad listo y a punto de titularme de la maestría.
Este es mi plan de vida que yo quería, dedicarme a la docencia porque iba a permitirme estar dedicado a las artes, regresar
y compartir a la facultad lo que me hubiera gustado que me dijeran y me permitiría seguir produciendo por estar en el medio.
Llegué a pedir trabajo y lo que me sirvió de currículum fueron esos proyectos. En aquel entonces no estaba tanto el boom
de la edición no lineal o post-producción en software. Manejé algunas cuestiones de montaje y dijeron, «ah, mira, precisamente necesitamos a alguien de montaje». Entonces no fue
directamente guión, que era lo que llegué pidiendo, pero eso
fue lo que me permitió entrar. Ese vídeo que yo hice por gusto
y placer donde había una cierta pasión, me terminó sirviendo
como demo reel para que me contrataran.
Picasso decía que «cuando las musas lleguen tocando a tu
puerta, que te pesquen trabajando». También creo que es una
MARZO 2024 31
�D O C E N T E
Alan García con los hermanos Dardenne
cuestión de disciplina, no hay que quitar el dedo del renglón, y
esto aplica para cualquier tipo de actividad.
Al final de cuentas llegué al guión tocando puertas y fue
una administración particular la que le apostó a la producción audiovisual, que vio el potencial y ahí fue donde pude
combinar todo.
Fuera de lo respectivo a la docencia, ¿Tienes proyectos a
futuro?
“Me absorbe casi en la totalidad la parte de la docencia, estoy
colaborando administrativamente en la secretaría académica
donde eventualmente me están pidiendo que aporte desde mi
experiencia en medios audiovisuales a las cuestiones académicas para tratar de ir con las tendencias globales de la educación
que le están apostando mucho a lo audiovisual, y por supuesto,
estoy en fase final de terminar el doctorado en la Facultad de
Filosofía y Letras en la Universidad de Liège en Bélgica, pero es
32 MARZO 2024
en estudios cinematográficos. Después de haber estado allí tres
años, regresé este diciembre a presentar la defensa de tesis en
estudios cinematográficos.
¿Por qué en Bélgica?
La principal razón es porque hay unos cineastas con un trabajo que me encanta. Son los hermanos Dardenne, originarios
de una ciudad que se llama Lieja, y Festival de Cannes al que
van, festival que ganan.
Su película ‘Rosetta’, ganadora de la Palma de Oro en 1999,
es una de mis películas favoritas. Ellos son modelos de guionistas filósofos y productores, es decir, es el ensamble de todo,
ver cómo hay un discurso que obviamente tendrá un impacto
social, pues sus películas las utilizan como medios para sensibilizar a la gente más allá del nivel artístico y la propuesta
audiovisual que tienen.
�Dan clase de guión en una de las universidades de allá y a mi
se me dio la oportunidad de hacer un estudio doctoral enfocado hacia el proceso creativo del guión.
Tuve la fortuna de conocerlos, platicar con ellos, entrevistarlos y aparte tomar clases de guión, es decir, tomar clases con
el ganador a la Palma de Oro a Mejor guión con una película
que se llama ‘El Silencio de Lorna’, que es una cátedra de cómo
escribir guiones ganadores y es lo que trato de enseñarle a mis
alumnos, porque el trabajo del doctorado es prácticamente una
metodología de análisis y redacción de guiones para cine. Entonces lo que estoy enseñando hoy en día en clases es el resultado de ese doctorado.
La docencia, la parte administrativa y el doctorado es lo que
me ha absorbido, por lo que he dejado en stand by la producción personal. Por supuesto tengo proyectos parados, desde
hace mucho tiempo, tengo un libro de cuentos donde los estoy
tratando de escribir a partir de mi metodología de escritura, es
una combinación de cuentos, novelas cortas.
Todo lo que tenga en la mente lo voy escribiendo, de hecho,
eso me ha funcionado como estrategia creativa, escribo algo y
sé que tarde o temprano eso será parte de un proyecto, no lo
dejo, lo voy almacenando y catalogando para en algún momento dado retomarlo, y así es como van saliendo.
Siempre le digo a los
estudiantes que ahorita es
realmente donde tú estás
haciendo tu verdadera
carta de presentación;
si tu trabajas bien con
tú camarada, en algún
momento, él se va acordar
de ti y te va a recomendar.”
Agradecemos mucho al Maestro Alan García por su tiempo
para esta entrevista. Les dejamos su contacto de Facebook y compartimos su podcast ‘El Club de los Relatos’, el cual lo pueden
encontrar en Spotify.
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El Club De Los Relatos
Cover de “El club de los relatos”, podcast por Alan García
MARZO 2024 33
�P O R T A D A
LOS INICIOS
La animación en un
MÉXICO ANTIGUO
Acompáñanos a conocer qué proyectos y casas productoras impulsaron
la industria de la animación para convertirla en lo que hoy conocemos
POR: JATZIRY MARTÍNEZ
CANTINFLAS
SHOW (1972)
E
sta caricatura fue creada por el pilar de la industria cinematográfica de México Mario Moreno “Cantinflas” en conjunto con Televisa y
DIAMEX, y es conocida como la primer serie
de animación en el país, la trama era simple: el
personaje de Cantinflas viviendo aventuras con grandes figuras históricas y educando a los pequeños de la casa. Con
un total de 53 episodios de entre 5-7 minutos, varias revistas
ilustradas de 24 páginas cada una, una adaptación para Estados Unidos titulada “Amigo and Friends” y un infructuoso intento de traer de vuelta la popularidad de la serie con
una última revista titulada “Las aventuras de cantinflas”, este
show dejó una profunda huella en el imaginario colectivo de
muchas infancias mexicanas entre los 1970 y 1980.
Aun siendo el trabajo menos reconocido del actor, “Cantinflas Show” fue
muy innovador en su momento y se ha
vuelto un legado para la industria de la
animación del país, pues dicha caricatura
marcó un antes y un después hablando
estrictamente sobre series animadas, las
cuales comenzaron a resurgir a inicios de
los 2000 y solo han ido avanzando.
Imagen de: revista925taxco.fad.unam.mx
34 MARZO 2024
Imagen de: cantinflashow.blogspot.com
�Imagen de: alimagenes.wordpress.com
Los tres reyes magos (1976)
Bajo la dirección de Fernando “El abuelo de la animación en México” Ruíz y
su co-director Adolfo Torres Portillo
se logró realizar el primer largometraje
animado en México, en una entrevista Ruíz declaró que su intención era
competir contra la tradición navideña de Santa Claus y darles a los niños
mexicanos su propia tradición para las
fiestas decembrinas tal como lo hizo el
presidente Pascual Ortiz Rubio, que en
la navidad de 1930 organizó un evento masivo en un estadio donde quien
repartía los juguetes era Quetzalcoatl y
no Santa Claus.
“Los 3 Reyes Magos” merecen reco-
nocimiento al haber funcionado como
un espacio formador de dibujantes,
pues durante su producción y bajo la
tutela del experimentado animador
Claudio Baña, muchos jóvenes aprendieron a dibujar y animar. Aún así esto
no impide valorar tanto la calidad de
los dibujos como el hecho de que esta
película permitió el despegue de la industria de largometrajes animados en
México.
Cabe mencionar que después de su
estreno pasaron tres décadas más para
que se volviera a realizar otra película
animada, aún así no se puede discutir
el referente que es este largometraje
para todo los creativos del área.
Imagen de: alexkong.mx
MARZO 2024 35
�P O R T A D A
El chavo del
ocho (2006)
A pesar de que esta industria se “apagó” de los 80s a los 90s,
a partir de los 2000 comenzó lo que se puede llamar el renacimiento de la animación en México. Ánima Studios fue un
factor clave, pues crearon películas como “Magos y Gigantes”
e “Imaginum” ambas animadas en Flash debido a los bajos
apoyos económicos, estas contaban con un sin fin de deficiencias narrativas y técnicas pero los ayudó a establecer su
forma de trabajar, lo que provocó que poco después Televisa
se les acercara con la idea de “El Chavo del Ocho” animado.
Durante más de dos décadas Roberto Goméz Bolaños
y su hijo Roberto Goméz Fernández buscaron una casa
productora para animar la famosa serie de “El Chavo del
Ocho” que se pasaba constantemente por Televisa, a pesar de que varios estudios de diferentes países les hicieran
ofertas, ninguno pudo garantizar llevar a “El Chavo” a la
pantalla con su distintivo carácter mexicano. Hasta que
llegó Ánima Studios.
Imagen de: chulavista.mx
Considerada la mayor creación de esta
casa productora, “El Chavo del Ocho”
utilizó avances tecnológicos de la época
para mejorar la calidad de animación
que se venía ofreciendo hasta ese entonces. Flash, Maya, Combustion y After
Effects fueron solo algunos de los programas utilizados para su realización,
mientras que el precio por cada capítulo
era alrededor de 100,000 dólares. Volviéndose la serie para niños de mayor
éxito en toda la historia de la televisión
iberoamericana “El Chavo del Ocho”
demostró el éxito que puede tener una
serie animada creada por mexicanos y
permitió que las productoras de animación de México se aventuraran a seguir
con proyectos cada vez más ambiciosos.
Imagen de: blog.chespirito.com
36 MARZO 2024
�Huevocartoon (Casa productora)
En este caso, hablaremos de un estudio de animación y no
de una sola producción. “Huevocartoon” nació en el 2002
gracias a Gabriel y Rodolfo Riva Palacio, su idea fue crear
un sitio de entretenimiento multimedia enfocado en la realización de cortometrajes protagonizados por toda clase de
ovos. El éxito obtenido fue tan grande que en tan solo tres
meses acumularon más de 3 millones de visitas al portal.
Esta buena respuesta ubicó a los Riva Palacio entre los mayores pioneros del renacimiento de la animación en México.
“Huevocartoon” ha concebido varios largometrajes hasta
la fecha, el más antiguo llamado “Una película de Huevos”
(2006), por desgracia, este proyecto y su secuela “Otra película de Huevos y un Pollo” (2009) fueron maquilados por
completo en Argentina debido al poco apoyo económico
que recibió el estudio y a la falta de talento entrenado en
el país, aún así se presentaron como proyectos nacionales,
“Una película de Huevos” logró recaudar más de 142 millones de pesos convirtiéndose en la animación mexicana
Rodolfo y Gabriel
Riva Palacio
Fundadores de
Huevocartoon
Imagen de: pecime.com.mx
Todo GRAN PROYECTO
empieza por un sueño… y el
nuestro vale la pena contarlo.”
más taquillera durante casi 10 años, mientras que “Otra
película de Huevos y un Pollo” recaudó 113 millones y medio. Este impacto fue tan grande que su tercera entrega
“Un Gallo con muchos Huevos” (2015) pudo ser completamente maquilada en México ya con talento mexicano
entrenado y durante su estreno logró rebasar la primera
entrega con un total de 167 millones 808 mil 502 pesos,
convirtiéndose así en la película más taquillera en la historia del cine animado mexicano.
Sabemos que estos proyectos, desde los cortometrajes del
sitio hasta el último largometraje en cines destacan por su
humor picaresco mexicano y por la gran cantidad de chistes con doble sentido, permitiendo ser producciones para
el disfrute de todas las edades, pero no se trata solo de eso,
a nivel técnico las producciones de “Huevocartoon” son un
verdadero logro, permitiendo que otros países visualicen el
talento mexicano y ofreciendo múltiples empleos a los ciudadanos, apoyando y expandiendo esta industria.
37 Octubre 2023
MARZO 2024 37
�P POORRTTAADDAA
1
2
La saga de las leyendas
Ricardo Arnaiz, dueño y fundador de
Animex decidió apostar por la exploración de las leyendas mexicanas en la
animación para representar a México a
nivel nacional e internacional, esto lo
empleó en su primer largometraje “La
leyenda de la Nahuala” (2007) y aunque
la técnica tuvo varias deficiencias, la
apuesta fue tan bien recibida que llamó
la atención de Ánima Studios, quienes
conscientes del enorme potencial de la
idea, decidieron unirse y junto a Arnaiz
como director, comenzaron una importante franquicia que al día de hoy
ya cuenta con 6 secuelas: “La leyenda
de la Llorona” (2011), “La leyenda de
las momias de Guanajuato” (2014), “La
leyenda del Chupacabras” (2016), “La
38 MARZO 2024
Imagen de: Las Leyendas (Facebook)
�3
leyenda del Charro Negro” (2018), “Las leyendas: El origen”
(2022), “La leyenda de los Chaneques” (2023) y una serie de
TV titulada “Las Leyendas” (2017), la cual también puede ser
encontrada en Netflix.
Ánima tiene un enfoque muy especial a la hora de producir sus películas, y es que ellos mismos deciden trabajar con
recursos limitados. Cada una de las entregas tuvo un presupuesto menor a 2 millones de pesos y, en promedio, han
recaudado dos o tres veces lo invertido. Esto no solo se limita
al dinero, la misma estrategia también aplica al número de
artistas y las fechas límite, lo cual los confina a producir lo
más rápido posible, entregando productos que parecen baratos y terminan siendo éxitos en taquillas.
Gracias al éxito que tienen estas producciones, Ánima
Studios desarrolló “Las Leyendas” (2017) la cual se convirtió
en la primera serie de animación producida completamente
en México para el gigante del streaming Netflix, convirtién-
6
4
5
dose en una de las series más vistas en latinoamérica, junto
a las demás aportaciones de Ricardo Arnaiz a la industria, lo
sostienen como una promesa del cine animado nacional y su
éxito ha logrado que otros países y nosotros mismos veamos
el potencial y talento que se tiene nacionalmente.
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Redes sociales
FACEBOOK:
Ánima
INSTAGRAM:
@helloanima
TWITTER:
Imágenes 1-5 de: alexkong.mx
Imágenes 6-8 de: legendquest.
fandom.com
@helloanima
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8
39 Octubre 2023
MARZO 2024 39
�P O R T A D A
EL PRESENTE
La nueva generación de
animadores mexicanos
En esta sección les compartimos
algunas de las propuestas y algunos
creadores que más han destacado por
su creatividad y las nuevas formas en
que representan a México con sus lados
dulces, amargos y agridulces
POR: SILVIO MANZANO
¡Hay Elotes!
B
asada en el cómic de Rubén Arriola, mejor conocido como el Manchón, “Hay Elotes, El Canto del Elotero” es una serie animada de género
cyberpunk mexicano que refleja la brutal realidad en la que vivimos y cómo nuestras raíces
ecológicas y alimentarias son una alternativa para vivir en
un mundo mejor.
Manchón nos da un vistazo a un México retrofuturista que
combina elementos del cine noir, la ultraviolencia, el animé
japonés de los 80 y los mitos prehispánicos. Todo esto para
ofrecer una original exploración del modelo agroecológico
como alternativa sustentable a la voracidad consumista que
tiene en vilo al mundo. Para ello se apoya en las vivencias de
un elotero, cuya venta de maíz no es una profesión aparentemente sencilla como en la actualidad. En su contexto es el
trabajo más peligroso del mundo, ya que su producto es completamente natural y no modificado genéticamente como el
que puede encontrarse en las tiendas, lo que es visto como un
desafío directo al sistema, uno que debe ser eliminado.
El Manchón es un dibujante independiente de historieta,
caricaturista y cronista social, lo que en México se conoce
como un “monero”. En su obra mezcla crítica social, un humor ácido y absurdo cargado de irreverencia donde juega
con los personajes del imaginario social mexicano.
Ilustración por: El Manchón (Rubén Arriola)
40 MARZO 2024
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�Imagen de: crunchyroll.com
Onyx Equinox
Convirtiéndose en el primer anime ambientado en México, “Onyx Equinox” se
arraiga en las ricas tradiciones prehispánicas que alguna vez predominaron en el
país para contarnos su historia. La mente
creativa detrás de esta innovadora serie es
Sofia Alexander, originaria de Quintana
Roo, quien también ha dejado su huella
en proyectos como “Las Chicas Superpoderosas” y la película de “Invasor Zim”.
Envuelta en influencias de las culturas
mixteca, olmeca, azteca y maya, la historia
nos lleva a conocer a Izel, un joven azteca
que se queda solo cuando su hermana es
elegida como sacrificio. Desesperado, intenta suicidarse, pero es rescatado por un
emisario divino que le encomienda la tarea de cerrar cinco puertas del inframundo
para demostrar el valor de la humanidad.
A regañadientes, Izel acepta, motivado
por la promesa de que su hermana podría
ser devuelta. Su viaje lo lleva por la región
mesoamericana, donde enfrenta desafíos y
busca sentido a su dolor, todo con el destino de la humanidad en juego.
Sofía Alexander, originaria y criada
México es súper fan del anime. Para mí, como
mexicana, quería ver un México como una
épica a la ‘Dragon Ball’ o el ‘Señor de los
anillos’. Sentí que era mi deber hacer una
historia sobre un México de una manera que no
se hubiera visto antes.”
en México, inició su carrera en la industria de la animación como artista de
storyboard en 2016 en el reinicio de “Las
Chicas Superpoderosas”. Desde entonces,
ha continuado desempeñando ese papel
en diversas producciones, incluyendo
“Stretch Armstrong y los Guerreros Flex”,
“Invader Zim y el Poder del Florpus” y
“El Tren Infinito”. Además, Sofía ha contribuido con la creación de conceptos
para Walt Disney Imagineering, la división encargada del desarrollo de los parques temáticos de la compañía.
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MARZO 2024 41
�P O R T A D A
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Hot Salsa
Desarrollada de forma independiente, “Hot Salsa” es una webserie animada dirigida al público adulto. Esta obra es el producto de la mente creativa de Miguel Gradilla, un talentoso
artista nacido en Ensenada, Baja California, quien se destaca
como animador, autor de cómics y diseñador de personajes.
“Hot Salsa fue inventado cuando miraba una película del
Cine de Oro y mi mamá preparaba las verduras para un caldo
de res. Cuando vi las verduras en la cocina pensé: ‘¿Qué tal
si las verduras fueran vaqueros?’, y así comenzó una ola de
diseño y desarrollo con ese concepto”, explica Miguel sobre
el origen de la idea de su serie.
Esta webserie narra la fascinante historia de vegetales del
norte que adquieren habilidades sobrenaturales al consumir
salsa picante en un México inmerso en la cultura norteña,
específicamente en la década de 1800. En esta versión de
México, tanto las personas como los animales tienen características vegetales. Pico Salcedo, un joven alguacil y chile
jalapeño, es hijo de un renombrado bandido y ve cómo su
vida tranquila se ve alterada por las promesas que su padre
hizo antes de su muerte.
Poco a poco, Pico se une a un variado grupo de bandidos
que se convertirán en sus amigos más cercanos: Calico, Chato y Leticia. Juntos, enfrentarán peligrosos desafíos y emprenderán un viaje para llegar a Ciudad Ensalada, el lugar al
que todos los bandidos aspiran a vivir. Es importante destacar que la primera animación fue creada con la colaboración
de un estudio independiente llamado Scum House (conocido
por su trabajo en “Satina”), aunque no se considera el piloto
oficial. Para su lanzamiento inicial, el proyecto se encuentra
en proceso de desarrollo con un doblaje que refleja el auténtico acento norteño mexicano, específicamente de Ensenada,
Baja California.
Ilustraciones por: Miguel Gradilla
Fuente: El Sol de Hermosillo
42 MARZO 2024
�La espectacular
saga of the Mask!
Un emocionante proyecto de animación 2D de origen mexicano titulado “La espectacular saga of the Mask!” el cual se
hizo merecedor del prestigioso Premio Animation! en el evento Pixelatl 2020. Este proyecto es concebido y dirigido por el
joven y talentoso José Alfredo Espinosa. Quien además es el
autor de su cautivadora historia. Acompañando a José en esta
creación, los co-creadores Karla Velázquez y Alex Durazo se
destacan por su brillante labor en el aspecto visual de la obra.
Este trío creativo se sumerge en el mundo de la lucha libre
mexicana para tejer su narrativa única y transmitir un mensaje poderoso. Inspirados en la icónica figura del luchador
mexicano de las décadas de 1960 a 1990, nos adentraremos
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en la vida de “Hombrecito”, el hijo arrogante de un legendario luchador conocido como “El Hombre”. La trama se desarrolla a medida que “Hombrecito” se embarca en un viaje
de redención tras decepcionar tanto a su padre como a su
pueblo al no cumplir con las expectativas de convertirse en
su protector y héroe.
En el corazón de la serie se encuentra la exploración de
la persona detrás de la máscara, así como la denuncia de la
masculinidad tóxica. Además, la historia nos sumergirá en
emocionantes combates en el ring, donde los luchadores se
enfrentarán a criaturas, criminales y monstruos, ofreciendo
una experiencia llena de acción y profundidad temática.
Imagen de: animotora.com
MARZO 2024 43
�E M P R E N D I M I E N T O
ANDY’S
EL EMPRENDIMIENTO EN GRANDES LIGAS
ANDREA BARRERA
Andrea Barrera, dueña del local “Andy’s”, nos contará su experiencia
al emprender junto a su hermana y cómo desarrolló su estrategia
para sobresalir en el mundo de las botanas
POR IXCHEL ACUÑA & JORGE OLVERA
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@andysmva
FOTOS POR ANDREA BARRERA
44 MARZO 2024
O
riunda de Monclova,
Coahuila. Experimentó
un choque cultural al
llegar como estudiante foránea, las botanas
(boneless, papas fritas
y dedos de queso) que son tan comunes
en su ciudad natal no se veían por ningún
lado en Monterrey, esto la puso a pensar
“En mi primer semestre lo que más extrañaba de Monclova era la comida, era las
botanas… Imagínate algún día vender botanas en Monterrey” Así fue como nació
el proyecto de Andy’s una serie de restaurantes en diferentes ubicaciones, teniendo
como punto principal una sucursal dentro
del estadio de los Acereros de Monclova.
Desde pequeña la llama del emprendimiento fue parte de la vida de Andrea
buscando siempre encontrar un ingreso
propio, vendiendo dulces en la primaria,
ofreciendo snacks fuera de su casa y durante la pandemia tuvo su propia tienda de
ropa. Sin embargo, el punto de inflexión
en su vida fue cuando la idea de Andy’s
llegó a su cabeza, pero el hacer funcionar
un negocio desde cero es muy complicado
ya que requiere invertir tiempo, dinero y
muchísimo esfuerzo para posicionarse en
un mercado que tiene competidores ya
establecidos. “Ayudó bastante que Andy’s
naciera en la pandemia, las clases eran en
línea y me dio el tiempo de poder dedicárselo a Andy… Estuve 8 meses con mi
hermana trabajando de lunes a domingo
de 11 am a 11 pm”, mencionó.
�Le preguntamos las claves del éxito de
su proyecto y para ella el apoyo que recibe de su familia es algo indispensable,
“Andy’s se volvió como una pasión familiar, empezó con mi hermana y conmigo,
pero terminó involucrando también a
mis papás” desde la apertura de su primera sucursal, su hermana ha sido una pieza
fundamental para que Andy’s se convirtiera en lo que es hoy. Juntas crean una
sinergia única, puesto que sus estudios
se complementan de muy buena forma,
Andrea cursando Lenguaje y producción
audiovisual y su hermana mercadotecnia,
gracias a esto lograron formular una estrategia que les permitiera diferenciarse
de sus competidores. Crear una presentación única para su producto, sus famosos
“conitos” y que junto a una gran estrategia de marketing digital con contenido
original lograron desmarcarse del resto.
Después de dos años de operaciones
interrumpidos han tenido experiencias
de todo tipo, pero una de las más desafiantes sin duda es el compaginar el
emprendimiento con el ser estudiante
universitario, para Andrea uno de los
principales retos fue la distancia entre
Monclova y Monterrey; por lo que medir
Emprender es la libertad
de poder hacer algo que te
APASIONA, MOLDEARLO
A TU GUSTO y el saber
que LOS LÍMITES LOS
PONES TÚ”.
sus tiempos era algo indispensable para
hacer funcionar el proyecto.
El método que ella empezó a utilizar
fue acomodar su horario de una forma
que todas sus clases fueran en 2 días
para poder regresar a Monclova el resto
de la semana, poco a poco el proyecto
fue tomando más fuerza y ella no estuvo tan al pendiente; sin embargo, aún
se preocupa mucho sobre mantener las
cosas balanceadas entre los estudios y el
emprendimiento.
Por último le pedimos a Andrea que
nos compartiera un poco de su experiencia y que nos diera algunos consejos para
emprender mientras seguimos estudiando, ella nos respondió que lo primero que
tenemos que hacer es organizar nuestro
tiempo muy eficientemente, olvidarnos
de la procrastinación. El segundo consejo
fue mantener los pies en la tierra, muchas
veces al iniciar un emprendimiento las
personas piensan que de un día para otro
van a empezar a funcionar solos y la realidad es que requiere mucho sacrificio para
poder echar a andar un proyecto exitoso.
El último consejo fue que se mantuvieran resilientes, no rendirse, para ella el
emprendimiento es un trabajo donde no
tienes descanso, pero al final del día vale
mucho la pena.
El futuro de Andy’s se ve muy prometedor y seguramente dentro de algún
tiempo se cumplan las metas propuestas, el sueño de Andrea es algún día posicionarse dentro de la MLB o la NFL,
podemos decir orgullosamente que
dentro de FAV tenemos un talento increíble, tanto en la producción como en
el emprendimiento, sabemos que Andrea va a llegar muy lejos y pondrá en
alto el nombre de la UANL.
FOTOS POR ANDREA BARRERA
MARZO 2024 45
�E N F O Q U E
RAM
TAMEZ
EL PODER
DE LA ANIMACIÓN
EN LA ACTUALIDAD
El animador mexicano demuestra
que sus pasiones y su cultura pueden
encontrarse de forma sentimental y
dramática, haciendo que sus mensajes
crucen fronteras.
REDACCIÓN POR: SEBASTIÁN MÉNDEZ JARAMILLO
ILUSTRACIONES POR: RAM TAMEZ
E
l mundo de la animación es tan vasto como
complejo, en la misma radica una extensa
trayectoria llena de técnicas tradicionales y
avances tecnológicos, pero sobre todo, historias entrañables en las que se han presenciado personajes legendarios, tierras con estéticas creativas e imponentes y lecciones de
vida que, tanto la audiencia más joven como
la adulta, pueden llevar consigo por siempre.
Aun conociendo a los estudios más representativos en el
campo, ya sea en la magia y profundidad que puede ofrecer
Disney y Pixar o las aventuras fantásticas e íntimas que retrata
Studio Ghibli, la animación a lo largo de toda su historia ha trascendido a tal punto que puede generar un lazo universal más
estrecho entre obra y espectador.
La animación en México no pasa desapercibida en este macrocosmos de historias imaginarias, pues a través de los años se
han visto grandes exponentes que han logrado ir más allá del
boceto, de la figura digital o hasta de un “puppet”.
Artistas de la talla de Sofía Carrillo y su camino en el stop
motion más oscuro y gótico en ‘Cerulia’ (2017); la alocada y colorida cultura mexicana producto de la mente de Jorge Gutiérrez en ‘El libro de la vida’ (2014); las aventuras sobrenaturales
y paranormales a cargo de Ricardo Arnaiz con su franquicia de
46 MARZO 2024
‘Las Leyendas’ (2007 - 2023); o la naturaleza humana más inocente y trágica de Carlos Carrera con ‘El héroe’ (1994) y ‘Ana y
Bruno’ (2017)
Con todo lo mencionado, son vitales para esta industria las
voces nuevas que se desarrollan aprendiendo de estas mentes
creativas que han impulsado el campo de la animación en México. Uno de esos nuevos talentos es Ram Tamez, el cual ha ganado renombre en los últimos años y ha demostrado con ingenio
y corazón el poder que reside en una historia local, donde sus
pasiones y su cultura pueden encontrarse de forma sentimental
y dramática, haciendo que sus mensajes crucen fronteras.
�UNA OPORTUNIDAD
Ramiro Tamez, mejor conocido como Ram, es un joven regiomontano que, aunque su pasión por la animación no llegó a
temprana edad, siempre se vio envuelto por el mundo del cine,
la música, la pintura y la atención por las diversas narrativas que
exponían las producciones en aquel momento.
Aun cuando él hubiera intentado aprender,
estudiar o realizar otro tipo de actividades ajenas a sus intereses, Ram de forma directa e indirecta volvía a poner trazos y bocetos sobre
una hoja de papel, tocaba su guitarra, se conectaba con sus raíces o apreciaba de forma
íntima lo que el séptimo arte podía ofrecerle
como espectador y futuro realizador. “Siempre
uno termina regresando a donde uno es más
feliz” (Cine para todos, 2021).
La vida como animador mexicano se vuelve
parte de su cotidianidad en el 2011, al llegar a
trabajar para grandes casas de animación con
sedes en México como Disney TV, Nickelodeon
y hasta Cartoon Network, colaborando como animador 2D, realizando storyboards, arte conceptual, entre otras tareas.
Su labor llega a tal punto que logra dirigir y supervisar
crews completos a cargo de varios proyectos animados del mo-
mento, pero estar donde se encontraba Ram no fue un camino
sencillo, pues parte de los retos en un inicio, fue el de aprender
nuevos métodos de trabajo y rodearse de personas que eran más
talentosas que él.
Entre ellos pudo conocer dos lados de una misma moneda: los animadores a favor de compartir sus conocimientos y sabiduría para que pudiera crecer y
hacerse de un nombre en la compañía; y los que
se tomaban tan en serio los sacrificios que habían hecho, para poder llegar al puesto donde
estaban y que no se daban el lujo de brindar cualquier enseñanza, consejo o una simple ayuda, a
alguien tan inexperto como Ram.
Estas experiencias le pusieron al joven
los pies sobre la tierra, una donde la animación, aun cuando no es correctamente
valorada, es un campo lleno de ambiciones
y metas reales a alcanzar.
Al mantenerse así por siete años, la vida de
Ram Tamez dio un giro inesperado en 2018,
cuando obtiene una beca por parte de Guillermo
del Toro para poder estudiar en la prestigiosa escuela
de animación 2D de Gobelins, en París, haciendo que su carrera tomara un nuevo rumbo a descubrir.
MARZO
2024 47
septiembre
2018
�E N F O Q U E
A BORDO DE LA BESTIA
Tras varios semestres de aprendizaje y enseñanza en las múltiples áreas que conforman la Maestría en Artes para la animación de personajes y cinematografía en la escuela de París, Francia; Ram tenía las herramientas para llevar a cabo su proyecto
final de la carrera, y junto con Marlijn van Nuenen y Alfredo
Gerard, compañeros y amigos extranjeros del joven mexicano,
se lanzaron a planear la que sería la primera producción profesional en español por parte de Gobelins.
Esta fue una idea que vino a la mente de Ram cuando vivió
tres años en Guadalajara y pudo ver pasar un tren fronterizo en
particular. La historia que contarían sería la de “Guayaba”, un
hombre gruñón al que le es encomendado el cuidado de una
niña llamada Lupita, para cruzar a los Estados Unidos a bordo
del peligroso tren conocido como ‘La Bestia’.
“El segundo año es más de divorcio… es cuando tenemos
que hacer un cortometraje en equipo y es muy dramático” (De
48 MARZO 2024
�Obeso, 2022) describe Ram, lo que sería el arduo proceso de
llevar a cabo la producción, pues puso numerosos desafíos para
el trío de directores: como cambios en la historia, el decidir sobre qué subtramas se quedaban y cuáles no, cambiar el enfoque
protagónico, entre otros.
Numerosas fueron las lecciones que aprendieron con ‘La Bestia’, tal como identificar el pitch o el exponer y vender una idea
como un arte por sí solo, la humanidad que pueden tener las
creaciones en vez de tramas complejas y ajenas al contexto de
la vida del animador mexicano, el aprender a descansar después
de largas jornadas de trabajo y lo que implica terminar tu proyecto y que sea visto, después tomar ciertas decisiones un tanto
dolorosas, entre comillas, “en función de que tu película exista,
debes matarla un poquito” (Cine para todos, 2021).
El cortometraje de ‘La Bestia’ se expuso al público por medio
del canal oficial de YouTube de la escuela Gobelins, como par-
te de la serie de trabajos de graduación de la generación 20182020, resultando en una grata sorpresa para los más cercanos al
mundo animado y de la cultura mexicana, logrando reunir poco
más de 70 nominaciones a premios y festivales, siendo el “Best
student film” de los Annie Awards 2021, de los más importantes
en obtener, pues es conocido como uno de los más prestigiosos
reconocimientos en el campo de la animación.
Ram Tamez, al fungir como co-director, guionista, animador,
compositor y actor de voz, entre otros puestos, demostró una
identidad única con aquel trabajo, pues por medio de un relato
donde el peligro, el amor y el distanciarse de las raíces de una
cultura, son piezas que convergen en un cortometraje que no
teme en mezclar la cruda realidad y la fantasía que engloba el
simbólico tren en la vida de numerosos pasajeros que van con la
intención de cumplir su sueño americano. “Dedicado a aquellos
que buscan una oportunidad”, se lee al final del corto estudiantil.
MARZO 2024 49
�E N F O Q U E
Referencias
•Cine para todos. (2021). Creadores
independientes Ep. 5: Ram Tamez,
co-director del cortometraje animado La
Bestia. [Video].
•De Obeso, C. (2022). RAM TAMEZ –
CINEASTA DE ANIMACIÓN. Viva Mexico Rencontres Cinématographiques.
UN FUTURO PROMETEDOR
Ram Tamez actualmente vive en Francia, en donde recientemente pudo ser parte
del Festival Internacional de Cine de Animación Annecy 2023, donde el invitado de
honor fue el país de México y también pudo proyectar su último trabajo animado ‘Kikiriki’, una pequeña historia y canto de amor entre un gallo y una paloma con la más
pura estética del cine de oro mexicano.
El animador también ha llegado a trabajar al lado del icónico animador Genndy
Tartakovsky para la serie ‘Primal”, de Adult Swim, entre otros proyectos que aún están
a la espera de ser revelados.
La historia de Ram Tamez es una donde, aun cuando se pueden tener dudas, conflictos o dilemas durante el proceso creativo de una obra, termina siendo un viaje donde la misma pieza artística logra retroalimentar y transformar al creador en sí, dando
una perspectiva renovada de lo que uno representa en el mundo.
Por el lado de Ram, se debe tomar conciencia sobre ver más allá del poder de la
animación, desde el valor que tiene una historia y lo significativa que puede ser para
las personas, al resaltar la belleza desde lo simple y la humanidad más honesta, al
atreverse a ser valientes y confiar en el talento que radica en cada uno para destacar.
“Hay gente talentosísima en México, pero llegan a un punto donde toman una decisión difícil que es probar en otro país porque hay más oportunidades, pero siempre
con un espíritu de volver” (De Obeso, 2022).
Storyboard para el cortometraje de “Kikiriki” dirigido por Ram Tamez (ideabybud.com)
50 MARZO 2024
�REDES
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MARZO
2024 51
septiembre
2018
�E N F O Q U E
¿QUÉ ES EL
LA TÉCNICA QUE INNOVÓ AL MUNDO AUDIOVISUAL
MATTE PAINTING?
La construcción de mundos
imaginarios que parecen reales
E
POR: SAMARIA DE LA ROSA
l Matte Painting es una herramienta de gran ayuda que, a partir de imágenes reales o creadas, genera escenarios realistas sin tener que invertir en
lo que parece imposible. Actualmente, la técnica
se usa en cualquier medio audiovisual. “Es una
técnica que reduce mucho los costos, ya que no
hay que levantar escenarios ni construir maquetas”, comentó
Fernando R. Monroy, reconocido ilustrador digital y tradicional. Todo se hace con medios digitales, lo que permite emplearlo tanto en publicidad como en cine, videojuegos o en diseño
de portadas.
Hay un compendio de cosas que se debe saber sobre esta
técnica, sin embargo, lo más importante es el dominio de la
luz. Debido a que, por muy buenas imágenes o referencias que
se busquen, si no se sabe integrar la luz será imposible que la
ilustración sea creíble. Y, por supuesto, hay que tener buenos
conocimientos de perspectiva (o tener un ojo muy habitado a
manejarla). Es fundamental para que la línea del horizonte, es
decir, la altura de los ojos del espectador, no varíe en ningún
momento.
TÉCNICAS Y PROGRAMAS DIGITALES
PARA LOS PROYECTOS DE MATTE PAINTING
En imagen fija, desde luego, el que prima es Photoshop; aunque hay otros programas
que incluyen muchos elementos de retoque fotográfico, como ProCreate o ClipStudio,
en Matte Painting no sólo se trabaja con imagen fija, “cuando la imagen tiene movimiento hay que pasar a otro software, como Adobe After Effects”, señaló Monroy.
Los buenos artistas de Matte Painting son muy buscados por productoras, empresas, estudios y editoriales; su trabajo permite recrear universos nunca vistos con una
inversión más ajustada y en tiempo récord.
52 MARZO 2024
�LOS INICIOS DEL MATTE
PAINTING: STAR WARS
Michael Pangrazio trabajando en el telón de fondo de La Batalla de Hoth
FOTOS EXTRAÍDAS DE LA PÁGINA OFICIAL DE STAR WARS
Hubo una época en la que los cineastas, debido a las limitaciones técnicas, no utilizaban imágenes generadas por ordenador, (CGI) sino que se recurría a la técnica Matte Painting,
que en aquel entonces consistía en pintar paisajes con óleo o
pinturas acrílicas sobre una superficie de vidrio. Una vez que
la imagen estaba terminada se fusionaba con el video o se incorporaba en la postproducción. Más de 70 Matte Painttings
fueron creados para “El imperio contra ataca” por tres artistas
de Industrial Lights & Magic (ILM). Dos de ellos, Ralph McQuarrie y Michael Pangrazlo, eran relativamente nuevos en la forma
de arte. El otro, Harrison Ellenshaw, prácticamente había sido
criado para la tarea como hijo del pintor Matte elegido por Walt
Disney, Peter Ellenshaw.
Todo este trabajo fue hecho a base de pinturas acrílicas y
óleo, algunos matte eran fragmentos para completar una toma
ya existente y todos fueron pintados sobre rectángulos de vidrio
enmarcados. Para crear muchos de los efectos, las pinturas se
combinaron con elementos proyectados frontalmente sobre las
áreas claras o neutras del vidrio pintado.
Neil Krepela y Michal Lawler fueron los fotógrafos Matte
asistidos por Craig Barron y Robert Elswitt (el primero con tan
solo 18 años).
La pintura conceptual de Ralph MCQuarrie del interior de Echo Base,
puede haber inspirado la composición Matte final
MARZO2024
2024 53
MARZO
�E N F O Q U E
HIGH KEY
o LOW KEY,
FOTOGRAFÍA DE CLAVE ALTA Y BAJA
ahí está el dilema
Javier Molina, fotógrafo de moda, te explica cómo utilizar estos conceptos de
la fotografía en distintos ámbitos para que los apliques en lo que te convenga
S
POR: SAMARIA DE LA ROSA
i quieres crear una atmósfera
que realce ciertos conceptos
visuales, el High Key y Low
Key son términos utilizados en
el entorno fotográfico y son
técnicas de iluminación que
sirven para enfatizar ciertas características
de la luz.
Estos esquemas de iluminación son necesarios para crear fotografías que logren
transmitir algo y para poder entenderlo
mejor, Javier Molina Rangel, fotógrafo de
moda, te lo explica.
“No lo hago como un estilo que me
caracterice, más bien lo adapto según el
mensaje que se quiera trasmitir. Y es recomendable usarlos siempre y cuando exista
justificación y congruencia en su utilización”, contó Molina.
Desde sus inicios en la fotografía, Molina hace uso de estas técnicas cuando se
necesita lograr escenas que requieran dar
un mensaje específico o según las necesidades y conceptos que el cliente pida. Una
buena fotografía no depende del tipo de
cámara que se utilice, siempre y cuando
54 MARZO 2024
Javier Molina Rangel,
Fotógrafo de Moda y
experto en el tema.
conozcas los parámetros y el de los valores
correctos de exposición de manera manual. Con esto puedes lograr maravillas
entre luces y sombras.
Una de las ideas erróneas que se tiene
con respecto al High Key y el Low Key es
creer que se trata de imágenes en blanco y
negro, ya que cuando se mencionan luces
y sombras, lo que se piensa automáticamente es en estos dos colores. Molina afirma que una fotografía de este estilo puede
ser incluso a color, mientras se respeten las
características visuales de cada esquema.
Uno de los consejos que nos da nuestro
experto es que si se llega a usar alguno de
estos esquemas sea con base en la semiótica y la estética de nuestra imagen.
Es importante analizar el
CONTEXTO bajo el cual se
está trabajando y así, a partir
de eso, crear el AMBIENTE
que mejor se adapte.”
�Black Swan (2010)
CONOCE EL HIGH KEY
DOMINA EL LOW KEY
High Key, también conocido como Clave
Alta (traducción literal en español), hace
uso de tonos vivos, utilizando una iluminación suave, sin sombras, con acentos en
blanco, creando escenas sin volumen donde todo parece plano.
“La principal característica, como su
nombre lo dice, es darle prioridad a las altas
luces para que predomine el color blanco,
por lo tanto, todo lo que conlleva un ambiente claro y limpio será enfatizado si se
decide usar este esquema”, comenta Molina.
Se puede aplicar a todas las áreas de la
fotografía de alimentos, ya que al mejorar
los reflejos, puede proporcionar fondos
bien iluminados y alimentos que tengan la
frescura deseada en su fotografía.
Así mismo, fotografiar específicamente
a recién nacidos y niños utiliza connotaciones que simbolizan la pureza, la inocencia y una atmósfera clara. La moda
también tiende a evocar estos sentimientos, como hacen los diseñadores cuando lo
que se anuncia merece ser entendido, y de
manera comercial.
Se puede decir que el Low Key es el antagonista del High Key, porque su valor es el
opuesto. Aquí, el énfasis no está en el brillo, sino en la sombra.
Nos comenta el fotógrafo de moda que
una de las principales características es el
contraste entre estos dos conceptos, resaltando los tonos negros, dejando solo
puntos de luz muy concretos que crean
dramatismo en la imagen gracias al claroscuro.
Más específicamente hablando, se puede usar esta técnica para fotografiar objetos y sujetos en los que se desee crear una
atmósfera inclinado hacia la penumbra y
enfatizar los tonos oscuros. Se utiliza también en fotografías de alimentos, pero en
lugar de la frescura, el Low Key busca reflejar algo completamente distinto:
“Esta técnica se emplea para lograr
emular imágenes del estilo de los bodegones o naturalezas muertas del periodo pictórico barroco muy usadas en restaurantes
de alta gama, te da ambientes sofisticados
y elegantes”, describe Javier Molina.
Imágenes tomadas
de Freepik.
MARZO 2024 55
�A R T E
LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL
UNA HERRAMIENTA
PARA EL ARTE
Y NO UN SUSTITUTO
Aunque parece una amenaza para
muchos artistas, el uso correcto
ofrece una mejora en la producción
de distintas tareas
POR: ANA BAZALDUA & LUIS SIGALA
L
a inteligencia artificial (IA) es considerada como
un campo de la informática en el que se combinan
procesos de conocimiento humano con algoritmos
informáticos, usados para crear programas que realicen determinadas acciones de manera autónoma.
Los rápidos avances en la IA, así como el complemento de
otras tecnologías, están revolucionando distintas áreas profesionales, ofreciendo una gran oportunidad en la mejora de producción de diversas disciplinas y facilitando sus procesos.
Aunque pareciera que el arte sería la excepción, la nueva
rama de la informática ya se ha dado entrada para ser una
herramienta de gran acceso para diversos artistas que comprenden que la IA no vino a ser un sustituto del trabajo que
realizan, sino a pulirlo.
Esta automatización ha permitido a los artistas implementar diversos procesos que les han dado gran alcance para mantener un mayor y mejor enfoque en la parte más creativa de
su trabajo.
Pese a que muchos piensan en la inteligencia artificial como
una amenaza, todo depende del uso correcto que se le dé. Por
ejemplo, ha permitido que el arte sea mucho más accesible
para las personas, creando cada vez más galerías y museos
digitales que permiten la exhibición de obras de muy buena
calidad, necesitando solo conexión a internet.
Por otro lado, permite obtener datos importantes sobre la
creación y recepción del arte, obteniendo un análisis mucho
más objetivo de las diversas obras que realizan los artistas.
56 MARZO 2024
�El arte está cada vez
más relacionado con
la inteligencia artificial,
por eso actualmente ya
EXISTEN DIVERSAS
HERRAMIENTAS que
nos pueden ayudar
a GENERARLO Y
MEJORARLO.
Imagen generada con las herramientas descritas de Photoshop
Aplicaciones como Photoshop lo están implementando con
su nueva función de relleno generativo, que si bien aún sigue
en estado beta, es decir en fase de prueba, esta herramienta nos
permite colocar elementos en nuestra imagen de manera automática.
Para lograrlo, necesitamos elegir el área deseada con la herramienta “selección generativa”, después tenemos que indicarle
al programa qué elemento queremos colocar, y en cuestión de
minutos nuestro fotomontaje quedaría listo. La aplicación se
encargará de crear diferentes opciones para que podamos escoger una.
Con esta herramienta preliminar se podrían hacer muchas
tareas, desde ponerle barba a las personas, hasta poner animales en las fotografías sin la necesidad de pasar por el proceso
de tener que seleccionar la imagen, o en especial resolver los
problemas que causa seleccionar cabello.
Esta herramienta también puede crear nuevas imágenes a
través de una primera idea, mientras le indiquemos qué elementos queremos conservar de la primera imagen.
Además, esta no es la única utilidad de Photoshop que cuenta
con esta tecnología. Desde hace tiempo existe la herramienta de
“selección del sujeto” que nos permite de manera automatizada
elegirlo en una fotografía. Es muy útil cuando se quiere realizar
cambios en el fondo y se necesita que el sujeto esté en una capa
separada.
MARZO 2024 57
�Imagen generada con Bing al estilo Pablo Picasso
DALL-E
Esta aplicación es la que más causó revuelo entre artistas, diseñadores, y creadores de contenido digital. Se trata de DALL-E,
un sistema de inteligencia artificial creado por OpenAI, los mismos creadores de ChatGPT. Está basada en GPT-3, un modelo
de lenguaje con bastantes parámetros por lo que puede entender e interpretar el lenguaje humano de forma natural, porque
está entrenada para identificar lo que queremos expresar. Esta
inteligencia artificial puede crear imágenes tan solo escribiendo que es lo que queremos, es por esta razón que causo una
gran polémica entre los internautas, ya que, si el crear imágenes es tan sencillo como indicarle a la computadora que es lo
que queremos, las carreras como diseño gráfico, artes visuales y
artes plásticas no serán necesarias en el futuro. Eso es lo que co58 MARZO 2024
Imagen generada con Bing Gato con Sombrero
mentan muchas personas, sin embargo, la creatividad humana
es irremplazable porque estas imágenes son creadas a partir de
otras que ya existen en internet, y por lo tanto no cuentan con
derechos de autor. Esto no quiere decir que no debemos usar
las IA ya que son muy útiles a la hora de aprender sobre las tendencias que existen en el arte, y hacia donde se dirigen. Actualmente esta aplicación es de pago pero vale la pena probar cuales
son sus capacidades. Tras el éxito de la aplicación, muchas otras
personas desarrollaron sus propias herramientas de IA de Arte,
como PixAl.Art, que te permite no solo crear arte, sino también
analizar los dibujos de otros artistas para poder generar obras
totalmente nuevas. Esto inquieta a los ilustradores porque al tener estas herramientas, los usuarios pueden generar sus dibujos
sin necesidad del artista.
�Imagen generada con Bing al estilo Pablo Picasso
Bing Chat
Es una función impulsada por IA que permite a los usuarios
hacer preguntas complejas y obtener respuestas detalladas en
tiempo real.
También puede ayudar a convertir tus pensamientos en contenido atractivo y creativo, como poemas, historias, entre otros.
Esta nueva inteligencia artificial creada por Microsoft destaca
especialmente porque a diferencia de ChatGPT cuenta con datos hasta finales de 2023, pero lo que más nos interesa como artistas es su capacidad de crear contenido visual, esto nos puede
ayudar enormemente a la hora de crear contenido, porque será
más fácil identificar hacia dónde queremos que nuestros proyectos se dirijan con una imagen más clara de lo que queremos
plasmar.
Queramos o no, esta tecnología ya es una realidad, debemos
adaptarnos a ella para conseguir mejores resultados, hoy en día
muchísimas empresas utilizan ChatGPT para hacer consultas,
recopilar información entre otras cosas.
¿Cuánto tiempo pasará para que también la utilicemos para
crear imágenes? Si un programa como Photoshop lo está incluyendo en sus nuevas actualizaciones es porque nos dirigimos
cada vez más a una nueva época del diseño, la información y
el arte.
Lo que debemos tener en cuenta es que aunque las personas puedan crear imágenes, el verdadero arte es el que se hace
con la intención de expresarnos, no es lo que creamos, es por
qué razón lo hacemos, desde pasar noches dibujando, pintando,
manchándonos las manos, solo para transmitir una pizca de lo
que nos gusta a otras personas, por eso es muy importante que
sepamos como plasmar esto a través de todas las herramientas
disponibles
MARZO 2024 59
�E V E N T O S
P IC
EXPOSICIÓN
O
El artista mexicano deslumbra con su singular
exposición de esculturas y ensamblajes.
Y
POR: ALESSANDRA DE LARA
E
n un brillante despliegue de creatividad y
destreza artística, el aclamado artista mexicano Damián Ortega ha llevado su genio a
la ciudad de Monterrey con su exposición
"Pico y Elote" en el Museo de Arte Contemporáneo. Desde su inauguración el pasado
mes de agosto, la exhibición ha cautivado
a visitantes de todas partes, con una visión
única que fusiona elementos de la cultura mexicana con una
profunda reflexión sobre la naturaleza humana.
Obra "Pico cansado", 1997.
La exposición, cuidadosamente curada por José Esparza
Chong, ocupó varias salas del museo, cada una inmersa en
una atmósfera diferente pero igualmente intrigante. Desde el
momento en que los visitantes ingresaban, eran recibidos por
la icónica obra de Ortega, "Cosmic Thing", una escultura de
un automóvil desmantelado suspendido en el aire. Esta obra
maestra desafía la gravedad y redefine la relación entre objetos
cotidianos y su entorno.
Obra "Cosmic Thing", 2002.
60 MARZO 2024
�E
T
EL O
"Pico y Elote" no solo es un título intrigante, sino que
también sirve como un leitmotiv en toda la exposición. Ortega
explora los conceptos de lo cotidiano y lo extraordinario al
tomar elementos comunes de la cultura mexicana, como el elote
y el pico, y los presenta de manera inesperada y provocativa. En
una de las salas, el maíz se conviertía en una serie de esculturas
que exploran su relación con la historia, la agricultura y la
alimentación, recordándonos la importancia del maíz en la
cultura mexicana.
Otra sala presentaba ensamblajes impresionantes que
combinan objetos cotidianos como herramientas, cubiertos
y utensilios de cocina, creando obras que cuestionan la
funcionalidad y la belleza. Ortega demuestra su habilidad para
transformar lo mundano en lo sublime.
Cosechar, ensamblar y
colapsar, son los términos
conceptuales que reflejan la
amplia visión del artista.
POR: ALESSANDRA DE LARA
La exposición “Pico y Elote” de Damián Ortega en el
MARCO fue un recordatorio de la vitalidad y la innovación
del arte contemporáneo mexicano. Ortega ha logrado crear
una experiencia que desafía las expectativas, estimula la mente
y emociona el corazón. No se trata solo de una exposición de
arte, sino de un viaje emocional y conceptual que invita a los
visitantes a reflexionar sobre su propia relación con el mundo
que les rodea.
Obra "Elote clasificado", 2005.
MARZO 2024 61
�Marzo 2024, Número 11
62 MARZO 2024
�
Dublin Core
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Title
A name given to the resource
Croma, Arte, Diseño, Audiovisual
Description
An account of the resource
Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019.
Text
A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text.
Título Uniforme
Croma
Año de publicación
El año cuando se publico
2024
Año
Año de la revista (Año 1, Año 2) No es es año de publicación.
6
Número
Número de la revista
1
Mes de publicación
Mes cuando se publicó
Marzo
Día
Día del mes de la publicación
1
Periodicidad
La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual)
Trimestral
Dublin Core
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Title
A name given to the resource
Croma, arte, diseño, audiovisual, 2024, Año 6, No 1, Marzo
Creator
An entity primarily responsible for making the resource
Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora
Subject
The topic of the resource
Educación
Docencia
Diseño
Arte
Creatividad
Audiovisual
Description
An account of the resource
Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019.
Publisher
An entity responsible for making the resource available
Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial
Contributor
An entity responsible for making contributions to the resource
Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial
Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial
Date
A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource
01/03/2024
Type
The nature or genre of the resource
Revista
Format
The file format, physical medium, or dimensions of the resource
text/pdf
Identifier
An unambiguous reference to the resource within a given context
2021251
Source
A related resource from which the described resource is derived
Fondo Universitario
Language
A language of the resource
spa
Relation
A related resource
http://artesvisuales.uanl.mx/index.php/difusion/publicaciones/
Coverage
The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant
Monterrey, N.L., México
Access Rights
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Universidad Autónoma de Nuevo León
Rights Holder
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