https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/21953/Croma_arte_diseno_audiovisual_2025_Vol_7_Num_1_Marzo.pdf a76f816fbaf23118da1143de40cc6cfe PDF Text Text �Í N D I C E TALENTO FAV 04 - DANIELA GODINEZ 08 - CHRISTOPHER SOSA DOCENTE 12 - MARTÍN ONTIVEROS TEMA DEL MES 18 - EL TATUAJE COMO FORMA DE EXPRESIÓN EMPRENDIMIENTO 24 - SOPA DE LETRITAS 26 - FREELANCE ENFOQUE 28 - EL ARTE DE LOS MOTION GRAPHICS 30 - EL AUGE DE LOS PODCAST �CRÉDITOS Dr. Med. Santos Guzmán López Rector UANL Dr. Juan Paura García Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL Dra. Verónica Lizett Delgado Cantú Directora de la Facultad de Artes Visuales Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado ARTE 32 - EL ARTE DEL CROCHET 36 - BODYPAINT 42 - EVENTOS 38 - FERIA DEL LIBRO 40 - ECOS: ARTE EN EVOLUCIÓN 44 - HALLOWEEN 46 - CERTAMEN DE ALTARES 48 - CERTAMEN DE LAS ARTES VISUALES M.A. Eva Julia De La Cerda Cruz Secretaria Académica Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván Lic. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores y Editores de la Revista Croma Armando Jahir Rodríguez Rodríguez Cesia Edlyn García Sagástegui Diana Isabel Lozano Hernández Evelyn Silvia Morales Arévalo Emilio Alberto Treviño Gallardo Fátima Joseline Vásquez Rico Fernando Abraham Armendáriz González Lucía Martínez Reyes Luna Guadalupe Gaytán Vázquez Mónica Alexandra Helgueros Hernández Poleth Islas Flores Estancia de Producción Portada: Armando Jahir Rodríguez Rodríguez CROMA, año 7, No. 13, Marzo 2025, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de la Facultad de Artes Visuales. Calle Praga y Trieste 4600, Fracc. Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Tel. +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No.04-2023-080113474100-102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor. Responsable de la última actualización de este número Coordinación Editorial FAV, Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván, Calle Praga y Trieste 4600, Fracc. Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L. México C.P. 64930. Fecha de última actualización 7 de marzo de 2025. DICIEMBRE 2024 5 �T A L E N T O F A V DANIELA GODINEZ PASIÓN POR LA FOTO POR: POLETH FLORES Fotógrafa y estudiante de producción audiovisual, comparte sus aprendizajes tanto en el ámbito académico como en la industria audiovisual. ¿Cuál es el área de la producción audiovisual que más te gusta? ¿Y por qué? Yo soy 100% de foto, he hecho trabajos de video pero la verdad no me siento tan segura en ese campo. Me gusta mucho la foto, empecé haciendo sociales, ahí por ejemplo, tuve que ser muy paciente conmigo misma porque me costaba mucho hablar con la gente, pero fui mejorando esa habilidad. Me gusta mucho más la foto, me siento más cómoda, lo disfruto mucho y me gusta también editar. ¿Qué habilidades o conocimientos crees que son importantes para destacar en el mundo de la producción audiovisual? Tienes que estar activo, tener mucha actitud de servicio, ser creativo y paciente, porque hay una curva de aprendizaje para muchas cosas. O sea, nadie nace sabiendo cómo operar una cámara. Yo cursé parte de la carrera en pandemia, entonces sí sentí que estaba muy atrasada, pero poco a poco le fui agarrando la onda y por otro lado, debes tener paciencia en tu propio proceso para no caer en compararte con los demás. ¿Qué proyectos consideras que han sido los más importantes en tu carrera hasta ahora? Gracias a mi anterior trabajo, tuve oportunidad de hacer proyectos bastante grandes, uno de ellos me costó mucho y siento que hubo un antes y un después de mí, ese proyecto fue para Coppel Jeans, mi primer proyecto en el que ya nadie me estaba apoyando, entonces las fotos que tomaron el día uno las querían editadas para el día 2, a la hora de salir me fui a mi casa a editar y cuando terminé ya me tenía que volver a ir y fue muy pesado, pero aprendí mucho, aunque fue trabajo bajo presión. Hice también una campaña para Coppel en abril, eran fotos de productos de tecnología y también me gustó mucho. 2 septiembre MARZO 20252020 �FOTO POR: DANIELA GODÍNEZ ¿Cuáles han sido los roles o puestos que has desempeñado en las producciones en las que has trabajado? He estado como asistente de foto fija, post productora y tech assit, que este último es un cargo que yo no sabía ni siquiera que existía, fue algo que sí me tocó aprender fuera de la facultad, también se aprende bastante fuera, con la práctica y el mundo real. Me gustaba mucho porque básicamente es como editar un previo en vivo, a lado del cliente y estás pegado al fotógrafo y tú eres los ojos del fotógrafo porque si él se está fijando en el encuadre, tú te fijas en la computadora en que el foco esté bien gracias a que la cámara está conectada por un cable a la computadora. Disfruto mucho trabajar en el departamento de foto, siento que cada proyecto te pide una cosa diferente, o sea, si tú ya le agarraste la onda el primer día de producción y piensas que el siguiente va a ser así, pues no, muchas veces cambian las cosas o cambian las necesidades de cada proyecto. COPPEL EVL 2024. FOTOGRAFÍA POR ADRIANA FARIAS. RETOQUE POR DANIELA GODÍNEZ ¿Cómo fue tu experiencia trabajando en la Tuna photo? Mi experiencia en la Tuna photo fue muy buena, actualmente ya no trabajo con ellos porque encontré mejores oportunidades de trabajo, duré el semestre haciendo prácticas y me quedé 3 meses más, aprendí mucho la verdad, me tocó trabajar con fotógrafos muy buenos y muy amables, trabajé con Pepe Escarpita , Adriana Farías y Jacobo Parra, siento que todos tienen la amabilidad de explicarte las cosas. Los primeros meses sí me sentía algo desorientada, pero fui aprendiendo a cómo asistir bien, siento que ya después de trabajar una vez con un fotógrafo, tú ya sabes más o menos qué es lo que se va a necesitar. También existe el puesto de encargada de equipo, yo tenía las llaves de la bodega de almacén y días antes de la producción tenía que ir por el equipo, hablar con el fotógrafo sobre qué ocupaba, si necesitaba luces, brolis, softbox, etc. Sí fue una curva de aprendizaje algo grande, pero aprendí de todo desde como asistir, post producción y mucho más, obtuve grandes aprendizajes. MARZO 2025 5 �T A L E N T O F A V ¿Cómo ves tu futuro profesional en la industria audiovisual? ¿Hacia dónde te gustaría dirigir tu carrera? La verdad no tengo un camino muy visto, cuando yo me salí de la Tuna fui teniendo otras oportunidades de trabajo, encontré una mejor oportunidad e hice el detrás de cámaras para una película, ahorita sigo tomando trabajos de sociales, el sábado pasado hice un evento corporativo, este sábado tengo 15 años, la verdad, siento que ahorita también estoy respirando un poco porque sí fue un trabajo de bastante presión y llegó un momento donde dije a ver sigo en la carrera, pero no puedo ser tan dura conmigo misma, entonces mientras sigo estudiando, recibo los trabajos que me van llegando, pero sí estoy abierta a todo lo que pueda realizarse, yo aquí recibo de todo. ¿Cómo has enfrentado la idea que tienen algunas personas en la industria sobre el dicho de que dedicarse a la fotografía social implica no ser un buen fotógrafo o no estar a la altura en el ámbito profesional? No comparto la opinión, siento que en lo social hay muchos rangos. Al instante se puede notar en tu trabajo, si vas empezando o si ya tienes tu camino más estipulado, pero siento que cualquier trabajo de foto, sea social o una campaña más grande, es respetable, es trabajo a final de cuentas y vas a desarrollar tu creatividad de cualquier manera, entonces pues sí, así yo empecé haciendo piñatas para niños pequeños y fue un trabajo que me enseñó mucho, tener la paciencia a los niños, montar y desmontar rápido, y poder dirigirlos. Creo que mucha gente empieza en lo social y está bien, o sea, te ayuda a tratar con un cliente, aprendes a como estipular tus precios y cosas así, yo siento que todo el trabajo de foto es respetable y es súper válido. POR: DANIELA GODÍNEZ Recuerda que nadie nace sabiendo, CADA QUIEN VA EN SU PROPIO CAMINO, siempre se puede seguir aprendiendo, practica mucho. NO TENGAS MIEDO DE INTENTAR LAS COSAS, es parte de ser paciente contigo mismo y de tu curva de aprendizaje ”. POR: DANIELA GODÍNEZ 6 MARZO 2025 �¿Cuáles fueron o han sido las materias que más te marcaron durante tu carrera? La materia que a mí más me gustó fue en cuarto semestre en posproducción de foto. Aprendí todo de post, la maestra es muy buena, nos enseñó cómo arreglar la piel, cómo hacer dodge and burn y fue muy paciente con nosotros porque ya estando en el salón, ves a gente que ya tiene más experiencia o ya va más avanzado, y pues yo no sabía mucho más que arreglar el color y un balance de blanco simple, pero de ahí aprendí mucho y me gustó bastante la verdad. Esa fue mi materia favorita, le saqué mucho provecho. Otra materia que me gustó mucho fue la de stencil, hice muy buena relación con el maestro y después de terminar la materia todavía fui un tiempo a apoyarlo en su estudio, el stencil me encanta porque ves toda la parte creativa, gráfica y lo que puedes hacer con las manos, aunque sí es un trabajo de mucha paciencia, como que hacer cada corte y todo eso, pero me gusta mucho esta área SALIMOS RAYADOS 2024. FOTOGRAFÍA POR ADRIANA FARIAS. RETOQUE POR DANIELA GODÍNEZ. ¿Tienes algún consejo para quienes desean ejercer en la producción audiovisual? Siento que es muy importante y la razón po la que también me han llegado trabajos es hacer relaciones, se llama networking. Cuando estás en producciones, sé amable con todos, ayúdales a los demás a hacer su trabajo, porque si el día mañana tienen un trabajo, ocupan apoyo, ellos van a pensar en ti y te pueden hablar. Ser muy proactivo, practicar y también algo en lo que yo batallo, pero recomiendo mucho, es publicar tu trabajo porque eso te abre más puertas. Algo de la fotografía es que siempre puedes seguir aprendiendo, hay muchas, muchas ramas. A mí me gustan mucho los retratos, los disfruto mucho, inclusive para trabajos más comerciales cuando hay oportunidad de ser un poco más creativo. Si tú vas a hacer un trabajo comercial simple, o piensas que no le puedes sacar mucho provecho; sí lo puedes hacer, puedes darle tu propio enfoque a las fotos. Algo que a mi me faltó es que no aprovechaba las tareas que me encargaban para dar mi 100% y usar eso de portafolio, siento que muchas tareas como que las hacía bien, pero pude haberlas hecho mejor. También fijate en qué áreas se pueden desempeñar mejor tus compañeros, si ves que alguien es bueno en sonido, tener la nota mental por si algún día le necesitas. Saber dirigirte con esa persona, ser amable con todos, para que si algún día ocupan apoyo, pues vengan contigo. Hay muchas veces que digo yo soy fotógrafa y todo lo que tú quieras, pero yo también sigo haciendo fotos gratis de vez en cuando, a veces hay proyectos que no van a estar muy bien remunerados y unos que van a estar súper bien, hay que saber cuáles sí aceptar, porque esos trabajos que no están tan bien remunerados o favores que te toca hacer, puede ser un favor que luego pidas de regreso o saber que ese proyecto te va a traer más trabajo después, si un cliente te habla y no tiene mucho presupuesto, pero es un cliente recurrente, tal vez valga la pena. Aprende a ponerle precio a tu trabajo, es algo en lo que yo batallo mucho y consulto con muchos amigos que también se dedican a lo audiovisual. Siento que es un tema que no vimos mucho en la carrera, cómo cobrar tu trabajo o contratos, pero se va aprendiendo poco a poco, cuando uno ya va sintiéndose más seguro con su trabajo va comprando más equipo y va cobrando un poco más. Y sí, es parte de ir creciendo profesionalmente. POR: DANIELA GODÍNEZ REDES SOCIALES INSTAGRAM @danyvisuales PORTAFOLIO https://danyvisuales.myportfolio.com/ MARZO 2025 7 �T A L E N T O F A V CHRISTOPHER SOSA SOSA PASIÓN T A L E N TPOR O F EL A V ARTE PASIÓN POR EL ARTE POR: POLETH FLORES Con un estilo de ilustración único y distintivo, este talentoso alumno encuentra inspiración en su amor por el cine y el teatro. ¿Cómo descubriste tu pasión por la ilustración? y ¿Cómo definirías tu estilo? Desde muy pequeño todos en mi familia dibujan. Mi mamá dibuja, mi papá dibuja, mi hermano mayor se dedica a hacer artes conceptuales, crecí en ese ambiente, desde entonces yo dibujaba en todas las libretas, obviamente me regañaban un montón, pero fue una actividad que yo no sentía que estuviera haciendo por hobby, ya que, según yo todo el mundo lo hacía, pero después descubrí que no. Yo creo que mi estilo es muy fantasioso, un poco inspirado en Pixar, muy llamativo para el público infantil, pero también creo yo, para las audiencias en general. 8 MARZO 2025 �¿Cuáles han sido tus proyectos artísticos que más te han marcado? Yo creo que para empezar fue Lory, es un cómic que hice hace dos años sobre un corazón que se estaba rompiendo pero no se quería romper, ese cómic estuvo en un concurso de la Universidad Autónoma de Nuevo León y lo ganó. Para mí era muy raro porque recuerdo que ese, en particular, no lo hice para estar en ningún concurso, lo hice por gusto y dio la casualidad que cuando yo lo terminé, como a dos o tres días iba a cerrar la convocatoria y dije bueno, pues voy a aplicar sin esperar nada realmente, llamó la atención de la gente, empecé a recibir respuestas muy bonitas de personas que decían que les había tocado la historia o que la sentían necesaria. Yo creo que, sobre todo eso, es lo que más me ha marcado. Otro proyecto fue de teatro el año pasado y este año otra vez estoy actuando en una función de El show de terror de Rocky. En sí es una obra que es un musical, yo entré a este proyecto, sin saber nada del musical, sin saber nada de la película. Lo hice ciegamente por amor al arte y ya estando en escena yo me divertía mucho. Entonces esto para mí es bien padre, porque realmente lo hice solo con el pensamiento de ir por diversión, pero al final tocó a las personas y quiero creer que les dejó un mensaje. MARZO 2025 9 �T A L E N T O F A V Encuentra algo que REALMENTE TE GUSTE MUCHÍSIMO , como para dedicarle un montón de tiempo, dinero, fallas y aciertos. No algo que creas que a los demás les va a gustar, algo que te encante a ti, CREE EN ESE PROYECTO Y HAZLO. Vale la pena hacerlo. ¿ Cómo el cine influye en tu trabajo creativo? Crecí con el cine muy inculcado en mi vida, desde muy pequeño mi papá siempre ponía películas, siempre me llevaba al cine, no recuerdo exactamente cuál fue la primera película que vi en el cine, pero yo sí creo que mis papás eran de esos que llevaban a sus bebés al cine, me consta. La primera película que vi, que yo dije me gustaría hacer esto, me gustaría seguir por ese camino, fue reciente, fue la primera de Jurassic World. Yo no tenía contexto de Jurassic Park ni de este tipo de películas, pero una tía no tenía con quién ir, me pidió que la acompañara y cuando fui a verla con ella en la escena final sale el T-Rex rugiendo y yo me acuerdo que se me puso la piel chinita. yo dije, yo quiero causar esto en la gente o a mí me gustaría poder generar esto que que yo estoy sintiendo. Entonces yo creo que ese fue el primer momento donde me di cuenta lo que quería hacer. El cine visualmente me ayuda a entender mejor mis historias. Por ejemplo, si yo quiero hacer un cómic de una historia que tenga en mi cabeza, lo que hago en mi proceso es siempre pasarla en mi mente, como si fuera una película y voy entendiendo cómo sería, si estos zapatos son importantes en la historia, pues lo voy a poner en un primer plano, los voy a dibujar más grande que todo lo demás o voy a usar colores más brillantes para que destaquen más que otros elementos. El cine me ha instruido bastante a la hora de yo contar mis historias. Me ha ayudado a entender mejor el lenguaje audiovisual, aunque casi nunca he usado audio, pero yo creo que en cuanto a composición y en cuanto a visuales, colores, todo eso y también mi gusto por el cine me hizo empezar a hacer resumenes de películas en redes sociales. 10 MARZO 2025 �¿Qué te motivó a iniciar el proyecto de hacer resumenes de películas en redes sociales?? Es algo que llevo haciendo ocho años, cuando yo estaba en prepa, era mucho de ir al cine, de ver películas, estrenaban una película y yo la quería ver el msimo día del estreno. Aparte soy muy ansioso, entonces no me podía esperar como un fin de semana o una semana y lo que me molestaba mucho era que, yo quería ver una película, pero luego no me ponía de acuerdo con la gente o no coincidíamos en tiempos, entonces yo me tenía que esperar para platicar, era tanta mi emoción de ver una película y de querer contarla con alguien, que dije tengo que contarla de alguna forma, pero pues no podía contársela a mis amigos porque obviamente no podía hablar con spoilers, lo que se me ocurrió en ese momento fue grabarme, así fue como empezó, creo que fue con los ilusionistas dos, algo así, la vi en el cine, llegué a mi casa, grabé mi opinión, la subí a YouTube, ahí se quedó y luego empecé a grabar más. Al principio era todo muy secreto, no me gustaba que la gente se enterara, nada más se lo pasaba a mis amigos con los que hablaba de películas, pero de repente, un día escuché que mi mamá estaba escuchando mi voz, y ella lo fue pasando y la gente ya sabía que yo tenía un canal. Y poco después, Multimedios se acercó a mí, me contactaron por correo, me dijeron que si quería cubrir ciertas películas, les dije que sí y poco a poco lo fui haciendo de forma más independiente. Ya las distribuidoras me conocían, les gustaba mi trabajo y también lo fui haciendo de una forma más práctica. Actualmente las escribo completamente en Facebook, se me hace muchísimo más cómodo así, es algo que a la fecha sigo haciendo. Yo creo que como dos veces por semana me invitan a ver películas antes de que se estrenen, lo cual está padre a cambio de que yo les escriba reseñas y las comparta. Y la respuesta del público, la verdad ha sido muy positiva, recientemente he encontrado la forma de conectar con la gente y sí, he notado que algunas pueden llegar a viralizarse o a comentarse mucho y eso se me hace muy padre. REDES SOCIALES @abookohchris @chrisvsosa @chrislemia MARZO 2025 11 �D O C E N T E MARTIN JAIME ONTIVEROS QUINTANILLA AMOR AL ARTE DE LA DOCENCIA Y LA PRODUCCIÓN AUDIOVISUAL Con más de 40 años de experiencia en la producción audiovisual, Ontiveros nos comparte sus inicios en la producción de video, y algunos de sus mejores consejos y reflexiones sobre su labor docente en la facultad REDACCIÓN POR: LUNA GAYTÁN M Martin Ontiveros maestro decano de la Facultad de Artes Visuales FOTOGRAFÍA POR: LUNA GAYTÁN 12 MARZO 2025 artín Ontiveros ingresó a la Facultad de Artes Visuales el 1 de septiembre de 1984 como técnico audiovisual. Su labor inicial consistía en apoyar a los alumnos en el manejo de cámaras de video y asistir a los profesores en cuestiones técnicas. A medida que adquiría experiencia, su rol fue evolucionando hasta convertirse en profesor de tiempo completo en 1989. Actualmente, imparte las materias de Técnicas de Producción Audiovisual y Producción de Géneros Audiovisuales. El maestro Martín comenzó su carrera en televisión en 1979, cuando tenía solo 16 años y fue contratado como camarógrafo de estudio. Debido a su juventud, para trabajar le pidieron que se capacitara un mes con la cámara de televisión para que después le realizaran exámenes de la parte conceptual, técnica y operativa de la cámara, los cuales aprobó satisfactoriamente. En septiembre de 1979 inició como camarógrafo de estudio de televisión y fue ahí donde inició su carrera en el área de televisión, la producción audiovisual y la cámara, “Me enamoré de todo esto”, comenta el profesor. Al recordar sus primeros años en la televisión, menciona que, en Monterrey, en aquel entonces, muy pocas personas trabajaban como camarógrafos. Su pasión por la cámara lo llevó a continuar en este campo, y con el tiempo, empezó a desempeñarse como camarógrafo de exteriores, lo que le permitió salir del estudio y grabar en diferentes locaciones de Monterrey. �Con emoción, el maestro recuerda aquellos días cuando cargaba las primeras cámaras LDK 11 de Ampex. “Era un arnés pesadísimo, que llevaba la electrónica de la cámara en la espalda. A pesar del esfuerzo físico, era una experiencia enriquecedora y emocionante”, comenta. Sin embargo, este compromiso le costó en sus estudios, ya que en aquel tiempo estaba cursando su carrera en FIME y tuvo que dejar algunas materias debido a las demandas del trabajo en televisión. Decidió entonces dejar el puesto de camarógrafo y pasar a operar el switcher en el canal, para así poder terminar su carrera. Ontiveros ha dedicado gran parte de su trayectoria a la televisión deportiva, comenzando en 1997 con TV Azteca como freelancer, donde fue camarógrafo para los partidos del Santos de Torreón. A lo largo de los años, ha ocupado diversos roles, desde ingeniero de microondas hasta jefe de ingeniería, contribuyendo a múltiples deportes como fútbol, basquetbol, tenis y béisbol. En 2017, se unió al equipo que inició el VAR en México, donde lideró la implementación de las primeras unidades móviles en un tiempo récord de un mes. Tiempo después fue contratado por Fox Deportes de Estados Unidos como jefe técnico, donde pasó cuatro años aprendiendo sobre la planificación y la metodología del trabajo de otro país. Actualmente, se desempeña como ingeniero de control de video en TUDN, trabajando en partidos de fútbol de equipos como Rayados, Tigres y Santos. El profesor expresa su amor por su trabajo, afirmando que se siente “vivo” y “rico” gracias a su pasión por la producción de video y televisión. Su meta es participar en la cobertura del Mundial de Fútbol, un objetivo que espera alcanzar, aunque reconoce que depende de otros factores. “Mientras tanto, estoy agradecido por la vida, la salud, mis hijos, mis nietas y mi esposa”, comenta con entusiasmo. Martin Ontiveros trabajando en el estadio BBVA Martin Ontiveros trabajando en una cabina móvil MARZO 2025 13 �D O C E N T E En agosto de 1984, un amigo del profesor Ontiveros le comentó sobre una vacante en la Facultad de Artes Visuales. “Me dijeron que buscaban a alguien que conociera sobre cámaras y que le gustara enseñar”. Fue así como el profesor Ontiveros tuvo una entrevista con el entonces secretario académico, el doctor Salvador Aburto Morales, quien le ofreció el puesto de técnico audiovisual. Desde el principio, su rol fue apoyar a los alumnos con las cámaras de video y asistir a los profesores en temas técnicos. Aunque aún no era docente de manera formal, Ontiveros ya desempeñaba labores de enseñanza en la facultad. Martín Ontiveros menciona que su decisión de convertirse en profesor no estuvo inspirada por algún maestro en particular. Al ser asignado como asistente en la facultad, y luego como profesor titular, se propuso corregir aquellos aspectos que consideraba errores en sus profesores anteriores. El profesor Martín recuerda con claridad que en sus etapas como estudiante hubo maestros que le exigieron al máximo, especialmente en la secundaria y preparatoria, quienes lo formaron con un enfoque riguroso y le inculcaron la importancia de la disciplina. Comenta que estos profesores, aunque eran estrictos, dejaron en él una enseñanza profunda: el valor de la exigencia y el compromiso en el proceso de formación. Es por ello que hoy en día define su estilo de enseñanza como estricto, buscando formar no solo profesionales capacitados, sino personas integrales y comprometidas. Dentro de su trayectoria en la Facultad de Artes Visuales, Ontiveros encontró en el doctor Salvador Aburto Morales un modelo que reforzó su enfoque docente. Admiraba la dedicación, el orden y el respeto que Aburto mostraba hacia sus alumnos y colegas, características que Ontiveros ha intentado reflejar en su propio quehacer. Otro punto fundamental en su formación docente fue la Maestría en Artes, en la cual fue el primer egresado. Para él, esta experiencia representó no solo un logro académico, sino una oportunidad para reforzar sus habilidades y conocimientos en humanidades, un área que complementaba su formación técnica como ingeniero. Esta maestría, asegura, le brindó herramientas que sigue aplicando en la actualidad para rediseñar sus clases y mejorar constantemente su enseñanza, siempre con el objetivo de que sus estudiantes aprendan de manera significativa. Martín Ontiveros con su título de Maestría en Artes en 1998 14 MARZO 2025 �Para Martín Ontiveros, cada proyecto audiovisual representa un desafío y una oportunidad para aplicar todas sus habilidades y conocimientos. Uno de los primeros proyectos en su carrera que considera fundamental fue su participación en un concurso universitario de producción de video en los años 90. Su video, que exploraba la semiótica en el contexto de un congreso en la Facultad de Artes Visuales, fue premiado como la mejor producción. Ontiveros dirigió y produjo el proyecto, obteniendo con él un reconocimiento por su trabajo. En particular, el profesor recuerda con entusiasmo una producción llamada “Solidaridad”, creada también en la Facultad de Artes Visuales en 1990 junto con un equipo de estudiantes. Esta obra fue concebida como una parodia de la famosa canción “Solidaridad” que impulsó el entonces presidente Carlos Salinas de Gortari, y en ella participaron numerosos alumnos y extras. En un esfuerzo comunitario, el video fue editado en Canal 53, debido a que en ese momento la facultad no contaba con equipo propio para la edición de video. “Solidaridad” fue muy bien recibido, al punto de que Televisa Monterrey, a través del periodista Gilberto Marcos, reconoció su calidad. El maestro Martín recuerda cómo estas felicitaciones y la retroalimentación positiva sirvieron como motivación tanto para él como para sus alumnos, quienes participaron en la producción. Ontiveros comenta que lo que hace especial cada proyecto es el empeño y dedicación que pone en ellos. Reconoce que, al mirar sus producciones antiguas, siempre encuentra aspectos que mejoraría, pero siente que esa búsqueda de la perfección es lo que lo impulsa a seguir adelante. La producción de “Solidaridad” fue especialmente memorable, no solo por su alcance y calidad, sino también por el esfuerzo conjunto de todos los involucrados. Este reconocimiento externo representó una confirmación de que estaba enseñando y transmitiendo a sus alumnos los valores y habilidades esenciales para la producción audiovisual. Para el profesor, el éxito de proyectos como este es un reflejo de que el trabajo colectivo y la dedicación valen la pena, dejando una huella significativa en su trayectoria profesional. Martín Ontiveros menciona que la técnica es la base de cualquier producción audiovisual. Como Ingeniero en Electrónica y Comunicaciones, él ha dedicado su carrera a profundizar en el manejo técnico de los equipos y los procesos operativos, y considera que esta comprensión técnica es indispensable para cualquier profesional del sector. Según Ontiveros, los estudiantes deben dominar la técnica de los equipos, especialmente de la cámara, ya que ese conocimiento será el cimiento de sus proyectos. A partir de ahí, podrán explorar la parte conceptual y creativa de cada producción, adaptando sus habilidades a las particularidades de cada guión y tipo de proyecto. Para el profesor, aunque el contenido de un proyecto puede variar en estilo y enfoque, ya sea basado en un guión estructurado o en ideas espontáneas en proyectos artísticos, el dominio de la técnica facilita el proceso creativo. Esta habilidad técnica no solo les permitirá a los estudiantes ejecutar proyectos con mayor precisión, sino también experimentar y explorar la narrativa visual de maneras efectivas. Imágenes de la producción “Solidaridad” Facultad de Artes Visuales en la producción “Solidaridad” en los 90´s Dominando la técnica, lo demás es más fácil de llevar a cabo”. MARZO 2025 15 �D O C E N T E Alumnos en clase en el auditorio Juan Alberto Pérez Ponce Para el profesor Ontiveros, la producción audiovisual y la docencia son inseparables. En sus propias palabras, “están completamente unidas”. Desde 1985, cuando participó en la primera revisión del plan de estudios de la facultad, ha trabajado para integrar las dos pasiones en un solo propósito: brindar a los estudiantes la oportunidad de experimentar con la producción en un ambiente profesional. En ese entonces, trabajando también en Canal Ocho, visualizaba la creación de un estudio en la facultad que emulara las condiciones de un canal de televisión real. Esa visión se concretó con la creación del estudio Juan Alberto Pérez Ponce en la Facultad de Artes Visuales, logrando así un espacio donde los estudiantes pudieran dirigir y producir televisión en vivo. Gracias a este logro, y al apoyo de fondos federales, la facultad pudo adquirir equipo de televisión profesional, lo cual ha sido esencial para la formación técnica y personal de sus alumnos. Con esta unión entre producción y docencia, Ontiveros ha logrado compartir su conocimiento y su pasión con generaciones de estudiantes, fomentando en ellos tanto habilidades técnicas como valores de compromiso y profesionalismo. Reconoce que, a pesar de sus décadas de experiencia, la revisión curricular sigue siendo uno de sus mayores retos, “su coco,” como él mismo dice. Aun así, muestra una constante voluntad de aprender, especialmente sobre las nuevas herramientas tecnológicas, con el fin de fortalecer sus clases y ofrecer a los alumnos una experiencia más enriquecedora. El profesor Martín se muestra orgulloso y honrado de su rol como maestro decano en la Facultad de Artes Visuales, aunque admite que nunca fue una meta personal. Su trayectoria comenzó con humildad, sin plantearse objetivos a largo plazo, pero su pasión por el audiovisual y la enseñanza lo han mantenido en la facultad desde 1984. En su rol actual, continúa dedicándose a la docencia con entusiasmo, valorando especialmente el proceso de enseñanza-aprendizaje que comparte con sus alumnos, a quienes considera parte esencial de su vida profesional. 16 MARZO 2025 El maestro Ontiveros mantiene una disposición de servicio y un deseo genuino de contribuir más a la institución. Su verdadera satisfacción radica en ver el aprendizaje de los estudiantes y en ayudarlos a desarrollarse en el ámbito profesional de la producción audiovisual y la televisión. Esta labor le ha dado un sentido de realización, y aunque no planea su retiro inmediato, deja en manos del tiempo y de las circunstancias la decisión de hasta cuándo continuará compartiendo su conocimiento y pasión en el aula. A lo largo de su carrera, Ontiveros ha realizado ajustes en sus programas de estudio, tomando en cuenta tanto el estilo de aprendizaje de sus estudiantes como las necesidades cambiantes del mundo audiovisual. En su opinión, un buen docente sabe equilibrar sus conocimientos con las necesidades de sus alumnos y no teme hacer ajustes cuando es necesario para maximizar el aprendizaje en cada curso. Su perseverancia y dedicación a la docencia han sido claves en su constante evolución, siempre con el objetivo de ofrecer a sus alumnos la mejor formación posible Recientemente, el profesor Ontiveros recibió un reconocimiento por parte de la Universidad Autónoma de Nuevo León por sus 40 años de labor. Aunque aclara que no ha estado 40 años como docente oficial, sí ha trabajado en la universidad desde 1984, comenzando como asistente. Este reconocimiento lo hace sentir revitalizado y motivado a seguir contribuyendo en la docencia. El profesor Ontiveros comparte que recibir el reconocimiento por sus 40 años de labor en la UANL lo hace sentir vivo. Para él, continuar dedicándose a la docencia es una experiencia enriquecedora, y lo que más valora son los mensajes de sus ex-alumnos sobre sus logros. Independientemente de un papel que te entregan, lo más importante para mí son los mensajes de mis ex-alumnos sobre lo que han logrado y lo que logré en ellos, ese agradecimiento es el verdadero premio”. FOTOGRAFÍA POR: LUNA GAYTÁN �El mejor consejo que puedo darles es que lo que han aprendido y desarrollado como proyectos no servirá de nada si no le ponen el corazón a su profesión. Más allá de lo técnico, es fundamental que se apasionen por lo que hacen, pongan toda su energía y pasión en cada trabajo.” Martin Ontiveros con alumnos de la materia “Producción de géneros audiovisuales” El profesor Martín Ontiveros comparte un mensaje de profunda inspiración para sus estudiantes que están próximos a finalizar su carrera en producción audiovisual. Con décadas de experiencia, su consejo principal es que pongan el corazón en cada proyecto que emprendan. Para Ontiveros, el conocimiento técnico y la habilidad procedimental son esenciales, pero la diferencia real entre profesionales se encuentra en la dedicación y el amor que se le pone al trabajo. Les aconseja no solo dominar todos los conceptos necesarios para realizar una producción, sino que siempre den ese extra, sin importar las circunstancias. Comparte su experiencia personal al señalar que, en ocasiones, los proyectos que ha cotizado y autorizado han evolucionado más allá de lo acordado. “A veces, me piden más de lo que habíamos pactado, y prefiero hacerlo con toda mi dedicación. Si te pagan un peso por un producto audiovisual, debes abordarlo como si fueran 100,000. Cada proyecto es una oportunidad de demostrar tu capacidad y construir tu prestigio.” Además, sugiere a los estudiantes desarrollar la sensibilidad para saber cómo y cuándo actuar en el ámbito profesional. También enfatiza la importancia de confiar en que el camino de cada persona está guiado por algo más grande. Ante los obstáculos, Ontiveros invita a no desanimarse y a dejar que cada tropiezo sea una oportunidad para crecer, confiando en que cada paso tiene una razón y propósito. Con estos consejos, Ontiveros inspira a sus estudiantes a convertirse no solo en buenos profesionales, sino en personas que trabajan con integridad, sensibilidad y confianza en su destino. La trayectoria del profesor Martín Jaime Ontiveros Quintanilla es un testimonio del poder transformador de la docencia y de la pasión por la producción audiovisual. Su dedicación a la enseñanza y su compromiso con sus alumnos reflejan un profundo amor por su labor. Este amor por la enseñanza no solo enriquece a sus estudiantes, sino que también contribuye al legado de la Facultad de Artes Visuales, donde su influencia seguirá resonando en las generaciones futuras de profesionales en el campo audiovisual. Cada profesor tiene su trayectoria y sus anécdotas, experiencias, y seguramente, semejante a lo que yo siento, es un amor al arte, un amor al arte de la docencia.” Martin Ontiveros en entrevista por Luna Gaytán para la revista Croma MARZO 2025 17 �T E M A D E L M E S EMILIO TREVIÑO GALLARDO El tatuaje como forma de expresión El tatuaje es una manera de contar la historia de una forma visual y permanente. Cada tatuaje tiene un significado profundo que está ligado a experiencias personales, creencias o momentos importantes en la vida de una persona E l arte del tatuaje tiene raíces que se hunden profundamente en la historia de la humanidad. Desde las civilizaciones antiguas, como los egipcios y los polinesios, hasta las tribus nativas americanas, el tatuaje ha sido utilizado como un símbolo de estatus, un amuleto de protección, o incluso una herramienta de comunicación entre diferentes culturas. Sin embargo, la percepción del tatuaje ha evolucionado significativamente con el tiempo. Lo que antes era visto como algo reservado para marineros, pandillas o sectas religiosas, ahora se encuentra en personas de todas las edades y profesiones. En la actualidad, el tatuaje se ha convertido en una forma legítima de arte. Para muchos, el cuerpo se ha transformado en un lienzo donde los tatuadores, como verdaderos artistas, crean obras únicas y permanentes. Este arte en la piel es un proceso íntimo y a menudo cargado de simbolismo personal. Cada tatuaje tiene una historia, un significado que solo su portador puede desentrañar completamente. En este sentido, el tatuaje va más allá de ser una simple imagen; se convierte en una extensión de la persona, una parte integral de su identidad. A pesar de su creciente popularidad, el tatuaje aún enfrenta desafíos en términos de aceptación social. En algunos entornos laborales o culturales, los tatuajes visibles pueden ser malinterpretados o estigmatizados. Sin embargo, la percepción está cambiando a medida que más personas, incluyendo profesionales y figuras públicas, adoptan el tatuaje como una expresión de su individualidad. 18 MARZO 2025 �El tatuaje también es un medio para celebrar y preservar la herencia cultural. En muchas comunidades indígenas y tradicionales, el tatuaje es una práctica ancestral cargada de simbolismo y significado espiritual. Estos tatuajes suelen estar llenos de símbolos que representan creencias, mitos y tradiciones que se han transmitido de generación en generación. En estos contextos, el tatuaje es tanto una expresión individual como colectiva, un lazo que conecta al individuo con su comunidad y su historia. En la actualidad, muchas personas eligen tatuarse símbolos de sus culturas ancestrales como una forma de reafirmar su identidad y honrar sus raíces. Este acto puede ser una forma de resistencia cultural en un mundo globalizado, donde las identidades a menudo se diluyen. Más allá del simbolismo personal o cultural, el tatuaje también se ha consolidado como una forma de arte en sí mismo. Para muchos, el cuerpo es un lienzo en blanco donde los tatuadores, que actúan como artistas, crean obras únicas y complejas. Desde retratos hiperrealistas hasta diseños abstractos y geométricos, el tatuaje ha alcanzado un nivel de sofisticación técnica y estética comparable al de otras formas de arte visual. Lo que antes podía verse como un símbolo de rebeldía o pertenencia a subculturas específicas, hoy se ha transformado en una manifestación artística que atraviesa fronteras sociales, culturales y generacionales El arte del tatuaje permite a las personas expresar su creatividad y estética de manera única y permanente. Los estilos varían ampliamente, desde el tradicional japonés y el tribal polinesio, hasta el minimalismo moderno o el realismo en blanco y negro. Cada elección artística refleja los gustos y la personalidad del portador, convirtiendo su piel en una obra de arte viviente. En algunas subculturas y movimientos sociales, el tatuaje se utiliza como una forma de identificación y solidaridad. Por ejemplo, en el movimiento punk, los tatuajes son una manifestación de rechazo a las normas convencionales y una afirmación de los valores de la subcultura. En el feminismo, algunas mujeres utilizan el tatuaje como una forma de empoderarse y desafiar las expectativas sociales sobre el cuerpo femenino. El tatuaje puede también actuar como un símbolo de pertenencia a un grupo o una comunidad. Compartir un tatuaje similar o tener tatuajes realizados por el mismo artista puede crear vínculos entre personas con experiencias o creencias comunes, creando una identidad colectiva. MARZO 2025 19 �T E M A D E L M E S Diferentes estilos Tradicional americano Realismo Blackwork El estilo tradicional americano, también conocido como “old school”, es uno de los estilos más icónicos y reconocibles. Este estilo se caracteriza por líneas gruesas, gama cromática brillante y una paleta limitada de colores, predominando el rojo, negro, verde y amarillo. Los diseños suelen ser simples y de fácil lectura, con temas clásicos como anclas, rosas, corazones, dagas, águilas y pin-ups. Este estilo se popularizó entre los marineros y militares en el siglo XX, y sigue siendo un favorito por su estética retro y su fuerte presencia visual. El realismo en el tatuaje busca recrear imágenes detalladas y precisas, como retratos de personas, animales o paisajes. Este estilo requiere un alto nivel de habilidad técnica por parte del tatuador, ya que implica un uso avanzado de sombreado, gradaciones y texturas para dar una apariencia tridimensional. Los tatuajes realistas pueden ser en blanco y negro o a color, y su objetivo es capturar la esencia de la imagen de manera fidedigna. Es un estilo muy popular para tatuajes de retratos de seres queridos o ídolos. El estilo blackwork se basa en el uso exclusivo del negro para crear diseños que van desde patrones geométricos hasta imágenes figurativas. Este estilo incluye subgéneros como el tribal, el dotwork y el ornamental. Los tatuajes blackwork pueden ser simples o muy complejos, utilizando solo tinta negra para crear contrastes fuertes y formas definidas. Es un estilo muy versátil, que puede adaptarse a cualquier tamaño o parte del cuerpo. 20 MARZO 20252020 4 septiembre �Tribal Tipográfico El dotwork es un estilo que utiliza puntos pequeños para crear imágenes o patrones. Este estilo puede usarse solo o en combinación con otros estilos, como el geométrico o el blackwork. Los tatuajes dotwork requieren paciencia y precisión, ya que la imagen se construye punto por punto. El dotwork se presta para crear sombras sutiles y texturas complejas, lo que lo hace ideal para diseños que requieren un enfoque detallado y meticuloso. El tatuaje tribal es uno de los estilos más antiguos, con raíces en culturas indígenas de todo el mundo, como las polinesias, africanas y celtas. Este estilo se caracteriza por patrones geométricos repetitivos, líneas gruesas y diseños abstractos que a menudo tienen significados espirituales o culturales profundos. En la cultura moderna, los tatuajes tribales se han popularizado por su estética impactante y su capacidad para adaptarse a las formas del cuerpo. Sin embargo, es importante reconocer y respetar el origen cultural de estos diseños. El lettering se centra en la creación de palabras o frases con estilos tipográficos únicos. Puede variar desde letras simples y elegantes hasta estilos más elaborados como el chicano, que incluye sombras, adornos y efectos 3D. Este estilo es popular para tatuajes de citas, nombres o palabras que tienen un significado especial para la persona. Imágenes recuperadas de Pexels.com Dotwork MARZO 2025 21 �T E M A D E L M E S Adriana Aguirre REDACCIÓN POR: EMILIO TREVIÑO GALLARDO Soy Adriana Aguirre, tatuadora y estudiante de octavo semestre en la Facultad de Artes Visuales de la UANL, tengo 21 años, mi signo zodiacal es leo y lo que más disfruto en la vida es la música, el baile, Rosalia, Ralphie Choo, comer, la moda y por supuesto los tatuajes Actualmente me encuentro trabajando en un estudio en el centro de Cadereyta Jiménez, ciudad en la que vivo actualmente. Tengo un año de experiencia trabajando formalmente en ese local y verdaderamente no podría estar más feliz con mi trayectoria. No ha sido un camino fácil, sobre todo por familiares que no se sienten orgullosos de lo que hago, es doloroso saber que los decepcionas, pero al tratarse del vínculo tan bonito que tengo con mi trabajo, me es imposible separarme de él. Afortunadamente, así como he encontrado a quienes me insisten en dejar mi proyecto, son más las personas que con toda su buena vibra me apoyan y me desean lo mejor, es por esto que desde que comencé he podido avanzar hasta llegar a lo que soy el día de hoy. Tras realizar mi primer tatuaje en 2022, continué haciendo pocos más a gente cercana, pero estos mismos no los hacía con frecuencia ya que para ese entonces, el miedo en mí seguía demasiado presente, pues no dejaba de pensar en que era una inexperta plasmando algo eterno en la piel de alguien más. Fue gracias a toda la gente que confió en mí, y ¿por qué no decirlo?, que se arriesgó a que en mis inicios les hiciera un tatuaje, gracias a ellas, a ellos y a mi constancia, mi trabajo ha evolucionado a lo que es ahora y pude perder el miedo que sentía cada que prendía la máquina, pudiendo formalizar y llegar a un estudio de tatuajes en agosto de 2023. Conforme he ido avanzando he aprendido de todo: ¿cómo hay que tratar a los clientes?, ¿cómo se agenda una cita?, ¿cuáles son los cuidados previos y posteriores al tatuarse?, ¿en qué situaciones puedes tatuarte y en cuáles no?, ¿cómo todo lo que utilizas debe estar desinfectado y aislado?, etcétera. Es muy importante, sobre todo, el servicio que se le brinda a los clientes, pues te están dando su confianza para que modifiques una parte de ellos para siempre, estás tratando con su identidad y en mi opinión eso es de las cosas más valiosas y hermosas con las que contamos los individuos. 22 MARZO 2025 �Trabajo de Adriana Aguirre Al momento de diseñar, lo que más me gusta es jugar con el sombreado hecho con puntillismo, ya sea aplicado en algún elemento botánico, en un animal o en un insecto. Estos son tres de los elementos que más disfruto hacer a la hora de tatuar y dibujar Al llegar a tener los avances y logros con los que afortunadamente hoy cuento, he sido consciente de un sinfín de cosas, principalmente he ido comprendiendo y sintiendo cada vez más esta pasión, pues para mí un tatuaje no es solo un dibujo en la piel, un tatuaje también habla sobre quién eres: delata tus gustos, tus experiencias, tu historia, tus ideologías, tu estilo, tus preferencias, entre muchas otras cosas. El tatuaje para mí es el vínculo que una persona tiene con distintos elementos de su identidad, reafirma quién eres” Tatuar simboliza el respeto y el interés que tengo hacia la historia y el mundo ajeno, estando siempre agradecida y emocionada por plasmar lo que mis clientes quieren comunicar con su propio cuerpo. Asimismo tanto acudir a tatuarme, como tatuar a alguien más, para mí simboliza un método más de expresión, pues esta nueva imagen que se le está entregando al cuerpo no es más que un deseo de platicarse algo a sí mismos o hacia el mundo que les rodea sobre la persona que sienten ser en esos momentos. En mi experiencia, puedo mencionar que de los tatuajes que tengo hay dos que son mis preferidos, por un lado tengo a una mujer adulta con una lágrima en su rostro y una gorrita de fiesta con una flor marchita, al cual le brindo un significado que tiene que ver con ese dolor que sientes al ser mayor y voltear a ver a tu niño o niña interior, dándote cuenta de que creció rodeada de puro dolor. Por otro lado mi segundo tatuaje favorito son unas moras, simplemente porque amo las moras. Ambos son un ejemplo de lo que quiero expresar, así alguno tenga más peso sentimental que otro, ninguno es inválido y podría decir que los amo por igual. MARZO 2025 23 �E M P R E N D I M I E N T O SOPHIA SILVA LA TINTA COMO LIENZO Una talentosa estudiante de la carrera de Artes Visuales cuya pasión por el arte ha encontrado su máxima expresión en el tatuaje. POR: CESIA EDLYN C onoce a Sophia Silva, también conocida como sopade_letritas. Sophia ha fusionado sus habilidades creativas con su visión única para dar vida a su propio estilo en el mundo del tatuaje. En esta entrevista, nos comparte cómo ha sido su viaje para construir su camino en este arte tan íntimo, su enfoque como emprendedora, y los retos que ha enfrentado a lo largo de su trayectoria. COMIENZOS E INSPIRACIÓN ¿Qué te inspiró a convertirte en tatuadora y cuándo decidiste que querías dedicarte a ello? Siempre he tenido esa manía de rayarme la piel desde niña; me encantaba dibujar en mí misma, aunque mi mamá no lo veía tan bien y siempre me decía cosas como: “Pareces baño público”. Pero fue mi papá quien vio potencial en eso y me sugirió que probara a tatuar. Él fue quien me ayudó a comprar mi primer kit de tatuaje, y desde ahí empecé a tomarlo en serio. ¿Hay algún artista o estilo de tatuaje que haya influido en tu trabajo? Me atrae mucho el estilo blackwork. Aunque a veces me piden fineline, siento que me identifico más con el trabajo en negro, con esas líneas sólidas y definidas. También me gustaría explorar más lo tradicional, con esas líneas gruesas y colores vibrantes como el rojo, amarillo y azul. ¿Cómo describirías tu estilo de tatuaje y qué te atrae de ese estilo en particular? En este momento, mi estilo es minimalista, pero no creo que haya definido un estilo propio del todo. Me gusta experimentar con varios, pero definitivamente quiero enfocarme más en el blackwork y trabajar más con áreas planas de color sólido, en lugar de usar una escala de grises. Lo que más disfruto es esa libertad de explorar diferentes técnicas y estilos. 24 MARZO 2025 FOTOGRAFÍAS E ILUSTRACIONES POR SOPHIA SILVA PROCESO CREATIVO ¿Podrías contarnos sobre tu proceso creativo desde la idea inicial hasta el diseño final? Cuando alguien me pide un diseño específico, siempre trato de sugerir algunos cambios o mejoras, pero si el cliente tiene una idea muy clara, lo respeto. Si es un diseño que hago desde cero, primero me inspiro en mis propios gustos o en una temática que me interese. Luego busco imágenes de referencia y hago varios bocetos hasta que algo me convence. Y si es algo que me piden, siempre trato de adaptar mi estilo para que ambos quedemos contentos. ¿Cómo decides qué diseños hacer? ¿Prefieres trabajar con ideas del cliente o te gusta tener libertad creativa? Me gusta mucho cuando los clientes traen sus ideas, pero también disfruto cuando me dan la libertad de ponerles mi toque personal. Creo que el mejor resultado es cuando llegamos a un punto intermedio, donde lo que ellos quieren y lo que yo propongo se fusionan. ¿Qué importancia tiene para ti la relación con tus clientes y cómo te aseguras de que tengan una buena experiencia? Es muy importante para mí que mis clientes se sientan cómodos y seguros. Me gusta asegurarme de que estén 100% satisfechos con el diseño antes de empezar, incluso si eso significa hacer ajustes al stencil varias veces hasta que el acomodo sea perfecto. Al final del día, quiero que se vayan contentos no solo con el tatuaje, sino también con la experiencia completa. �DESAFÍOS Y LOGROS ¿Cuáles han sido algunos de los mayores desafíos que has enfrentado al comenzar como tatuadora? Al principio, me daba mucho miedo tatuar a alguien. Practiqué bastante antes de animarme, pero siempre tenía esa duda de si estaba lista. De hecho, hubo momentos en los que ni siquiera quería tocar la máquina. Fue una amiga quien me dio el empujón que necesitaba al pedirme que la tatuara. Claro, el primer tatuaje no fue perfecto, pero eso me motivó a seguir mejorando. Además, he contado con el apoyo de una amiga tatuadora que me ha resuelto varias dudas, especialmente en el relleno y los tiempos. Pero sin duda, la práctica ha sido clave. ¿Qué es lo más satisfactorio de haber montado tu propio estudio en casa? La comodidad, sin duda. No tener que desplazarme y que el trabajo venga a mí es una gran ventaja. Además, puedo ofrecer precios más accesibles por no tener que pagar renta de un local. Aunque, claro, tiene sus desventajas, como que algunas personas desconfíen o no se sientan tan cómodas al venir a una casa en lugar de un estudio más formal. ¿Cómo manejas el equilibrio entre el profesionalismo y la comodidad al trabajar desde casa? Me gusta que el cliente se sienta en confianza, por eso trato de crear un ambiente relajado, ya sea platicando, poniendo música, o lo que les haga sentir a gusto. Sin embargo, también es importante poner límites, porque hay clientes que a veces confunden la comodidad con demasiada confianza. Siempre trato de mantener el respeto mutuo. Así, Sophia Silva, o sopade_letritas, nos deja con una visión inspiradora sobre el arte del tatuaje y el espíritu emprendedor. Su recorrido evidencia que el camino hacia nuestros sueños requiere dedicación, paciencia y una constante evolución personal y artística. Para Sophia, el tatuaje no solo es una forma de expresión, sino una oportunidad para conectar con los demás y plasmar historias en la piel. Su historia nos invita a encontrar nuestra propia voz en aquello que amamos y a seguir adelante, transformando cada trazo en una parte de nosotros mismos y del mundo. REDES SOCIALES _ INSTAGRAM @sopade_letritas MARZO 2025 25 �E M P R E N D I M I E N T O FREELANCE: CLAVES DE SUPERVIVENCIA TOP 10 CONSEJOS AL COMENZAR COMO ARTISTA FREELANCER IMÁGENES RECUPERADAS DE PEXELS POR: FERNANDO ARMENDÁRIZ Y MÓNICA HELGUEROS Consejos resumidos de las palabras del artista y freelancer mexicano Fabián Ruiz, extraídos de la entrevista realizada por alumnos de FAV del canal ASIMÉTRiCXS en Youtube en Febrero del 2024 E petitivo. mpezar como artista freelancer implica desarrollar un portafolio sólido, promocionar tu trabajo en redes, gestionar clientes y establecer tarifas justas. Organiza contratos claros y mejora constantemente tus habilidades para destacar en un mercado com- 1. DEFINE TU NICHO: Decide qué tipo de arte visual ofrecerás y a qué clientes te dirigirás. 26 Marzo 2025 2. ESTABLECE TU MARCA PERSONAL: Refleja tu estilo y valores en tu portafolio y redes. 3. CREA UN PORTAFOLIO EN LÍNEA: Muestra tu mejor trabajo en un sitio o perfil de arte para ganar credibilidad. 4. OFRECE PROPUESTAS CLARAS: Define alcance, plazos y tarifas en cada proyecto para evitar malentendidos. �5. GESTIONA TUS TARIFAS: Investiga el mercado y establece precios justos que reflejen tu experiencia. 6. FOMENTA BUENAS RELACIONES CON CLIENTES: La buena comunicación puede generar recomendaciones. 7. ORGANIZA TU CARGA DE TRABAJO: Usa herramientas de gestión para cumplir plazos y organizarte. 8. EXPANDE TU RED: Conéctate con otros artistas y participa en eventos para crear oportunidades. 9. SOLICITA FEEDBACK: La retroalimentación ayuda a mejorar y a entender mejor las expectativas de los clientes. 10. PREPÁRATE PARA LA INCERTIDUMBRE: Ahorra y busca apoyo en coworking o redes para afrontar los altibajos. En conclusión, iniciar y consolidarse como artista freelancer requiere un enfoque integral que va más allá de las habilidades creativas. La clave para destacar en este campo es construir una identidad profesional bien definida: un nicho específico y una marca personal que reflejen un estilo único y atraigan al tipo de cliente adecuado. Además, contar con un portafolio en línea sólido, utilizar contratos claros y gestionar tarifas adecuadas permite establecer expectativas y evitar malentendidos. El éxito también depende de una gestión eficiente del tiempo y las relaciones, manteniendo una comunicación abierta y ofreciendo un servicio de calidad que fomente recomendaciones. Por otra parte, gestionar de manera estratégica las finanzas, planificar para la incertidumbre y construir una red de contactos amplia, son prácticas que otorgan estabilidad en un entorno con ingresos variables. En resumen, ser freelancer en el mundo del arte requiere creatividad y una visión de negocios sólida, lo que, con esfuerzo y constancia, permite construir una carrera independiente sostenible y enriquecedora. Ser artista freelancer es fusionar TALENTO Y VISIÓN para crear tu propio camino.” marzo 2025 27 �E N F O Q U E MOTION GRAPHICS EL ARTE DE LOS Dentro del contenido visual visto en los últimos años, los motion graphics se han destacado por mostrar un alto grado de dinamismo y viralidad. POR: JAHIR RODRÍGUEZ L csdcdLenimus, voluptas doluptae. Aborerum imaiorr ovidio es in es nis et a nestis quam aut quo desectu restorit eos estem aut facerupta viti adi nos a eumendandant re, conectur? Reicit moluptas ut aditionet lam fuga. Nemquiati beritio nsequatecus ab im vernatem qui audit dem re re vollo que sequi omnist, nihilla borepudanti sitatiisse maximil icimi, utem. Ma seceptin el endanda volupta tibusci in cusdae simpori busape susam alitaturepti aut autem quideli similibus dolora aut eum fugit es quam re, vol 1 DICIEMBRE 2024 POR: NOMBRE DE FOTÓGRAFO cabezacabezacabeza cabezacabezacabeza os motion graphics en la publicidad son piezas visuales animadas que combinan gráficos, texto, colores y sonido para transmitir un mensaje claro de manera dinámica. Estos gráficos en movimiento se utilizan para captar la atención del público de forma atractiva y memorable, aprovechando el poder de la animación para simplificar conceptos, fortalecer la identidad de marca y mejorar la experiencia del usuario mediante este contenido creado. Se aplican ampliamente en la publicidad actual para captar la atención del público y comunicar mensajes de forma dinámica. En redes sociales, se utilizan en videos cortos e impactantes que promueven productos o servicios, en especial en plataformas como Instagram, TikTok y Facebook. Además, son fundamentales en videos explicativos, donde ayudan a simplificar conceptos complejos en diversos sectores, haciendo más comprensibles las ofertas de las marcas. En campañas digitales, estos gráficos animados enriquecen banners y anuncios web con elementos en movimiento que capturan rápidamente la atención del usuario. Por otro lado, en anuncios televisivos o comerciales en streaming, los motion graphics refuerzan la identidad visual mediante animaciones de logos, tipografías y transiciones fluídas. Incluso en eventos corporativos y presentaciones, las empresas los emplean para crear contenido moderno y atractivo, facilitando la comprensión y haciendo que el mensaje sea más memorable. Esta versatilidad ha consolidado a los motion graphics como una herramienta clave en la comunicación MARZO 2025 28 �E N F O Q U E publicitaria, permitiendo a las marcas conectar mejor con su audiencia en un entorno saturado de contenido. Aunque es una técnica relativamente reciente, los motion graphics se han ganado un lugar en el mundo del arte contemporáneo debido a su capacidad para combinar estética, tecnología y funcionalidad comunicativa. Su versatilidad y el potencial para experimentar con diferentes estilos y técnicas les otorgan una riqueza expresiva que los convierte en una forma de arte reconocida, utilizada en diversos campos como la publicidad, el cine y la web. ¿POR QUÉ SON CONSIDERADOS ARTE? Combinación de disciplinas: Son un cruce entre el diseño gráfico, la animación y, en ocasiones, la cinematografía. Esta fusión de diferentes disciplinas artísticas les otorga una riqueza expresiva y una complejidad que los eleva a la categoría de arte. Creatividad y expresión: Al igual que cualquier otra forma de arte, los motion graphics permiten a los creadores expresar sus ideas, emociones y visiones del mundo de manera única y original, permitiendo que cada pieza se mantenga como una obra individual con un estilo y una narrativa propia. Narración visual: Son capaces de contar historias de manera concisa y efectiva, utilizando elementos clave como el movimiento, el sonido y la imagen como herramientas narrativas. Esta capacidad de comunicar ideas a través de la imagen en movimiento los acerca a otras formas de arte narrativo, como el cine y la animación. Impacto emocional: Pueden generar una gran variedad de emociones en el espectador, que van desde la alegría y la sorpresa hasta la tristeza y la reflexión. Este poder de evocar sentimientos tan intensos y diversos constituye una de las características más distintivas y poderosas del arte, que trasciende el tiempo, el espacio y las fronteras culturales. Valor estético: Al igual que una pintura o una escultura, los motion graphics pueden ser apreciados por su belleza formal, su armonía de colores y su composición visual. Son considerados arte porque cumplen con los criterios fundamentales que definen cualquier expresión artística como la creatividad, originalidad y la capacidad de comunicar ideas. En conclusión, los motion graphics son considerados arte porque combinan creatividad, tecnología y narrativa de manera innovadora, dando lugar a piezas visuales que no solo cumplen una función comunicativa, sino que también provocan una respuesta emocional en el espectador. Su capacidad para transformar elementos estáticos en secuencias dinámicas y su versatilidad para explorar diferentes estilos visuales les otorgan una riqueza expresiva que va más allá de lo digital o lo funcional. 29 MARZO 2025 �E N F O Q U E LA REVOLUCIÓN DIGITAL EN TUS OÍDOS EL AUGE DE LOS PODCASTS: UNA NUEVA ERA DE COMUNICACIÓN En la última década, los podcasts han pasado de ser un formato de nicho a convertirse en una de las principales plataformas de entretenimiento e información, atrayendo a millones de oyentes en todo el mundo IMAGENES EXTRAIDAS DE FREEPIK POR: EVELYN SILVIA L a manera en que consumimos contenido ha evolucionado los últimos años, y el podcast se ha convertido en un formato que ha crecido exponencialmente, siendo una forma muy de popular de entretenimiento en la era digital. Desde sus inicios, los podcasts han evolucionado, pasando de ser simples grabaciones de audio a convertirse en plataformas ricas y diversas que atraen a millones de oyentes en todo el mundo. El podcasting se remonta a principios de la década de 2000, cuando se utilizó por primera vez el término “podcast” en 2004. Sin embargo, su verdadero despegue ocurrió en 2005, cuando Apple incorporó la función de podcasts en su plataforma iTunes. Esto facilitó el acceso y la suscripción a programas, lo que llevó a un aumento significativo en la cantidad de oyentes y creadores. Durante este período, muchos programas comenzaron a explorar diversos géneros, desde noticias hasta entretenimiento y educación. 30 MARZO 2025 A medida en que el podcasting ganaba popularidad, comenzó a diversificarse. Según un estudio de Edison Research, en 2023 hubo más de 465 millones de oyentes de podcasts en todo el mundo y se estima que esta cifra alcanzaría aproximadamente 504.9 millones para finales de 2024. Además, un 57% de los oyentes afirma que ha incrementado su consumo de podcasts en el último año, lo que evidencia un creciente compromiso con este medio, siendo Spotify la plataforma que lidera esta industria, seguida por ApplePodcast. Hoy en día, el podcasting se ha establecido como una forma importante de comunicación y entretenimiento. Este medio ha evolucionado para incluir no solo audio, sino también elementos visuales y formatos interactivos. Asimismo, la pandemia global aceleró aún más su crecimiento, ya que muchas personas buscaron nuevas formas de entretenimiento e información mientras estaban en casa. �Y es que los podcasts ofrecen una forma única de consumir información que se adapta perfectamente a la vida moderna. A diferencia de otros formatos, como la televisión o el cine, los podcasts permiten a los oyentes disfrutar del contenido mientras realizan diversas actividades, ya sea conduciendo, haciendo ejercicio o incluso cocinando. La flexibilidad del on-demand, permite a los oyentes escuchar episodios en el momento que deseen. Esta característica se complementa con la capacidad de pausar, retroceder o avanzar en el contenido, algo que no es posible, por ejemplo, en la televisión, donde los espectadores deben sintonizar en horarios específicos para no perderse el contenido o la radio en vivo, donde todo es efímero y se transmite en tiempo real. Además, el acceso a plataformas como Spotify, Apple Podcasts y Google Podcasts ha facilitado la búsqueda y escucha de estos programas, haciendo que sea sencillo para los oyentes explorar una vasta biblioteca de programas sobre casi cualquier tema, lo que también democratiza el acceso al conocimiento y la cultura. Su amplia oferta temática es una de las características más atractivas. Desde historias personales hasta análisis sobre temas específicos; siempre hay un podcast para cada interés, y es gracias a esta variedad, se fomentan ambientes inclusivos donde cada oyente puede encontrar algo que resuene con sus intereses. Según la macroencuesta Statista Consumer Insights, el 47% de los mexicanos encuestados se declara como oyente de podcasts. De este grupo, el 42% pasa diez horas o menos cada semana disfrutando de este formato de audio, mientras que un 5% dedica al menos once horas semanales a esta actividad Más datos revelan que la comedia es el género más popular, con un 46% de los oyentes disfrutando de programas en esta categoría. La música sigue de cerca, con un 43% de los encuestados sintonizando podcasts relacionados con sus artistas y géneros favoritos. Además, los temas de consejos y autoayuda capturan la atención del 41% de la audiencia. Por otro lado, podcasts sobre negocios y economía, ciencia y tecnología, así como cine y televisión, son seguidos por alrededor de un tercio de los oyentes. Finalmente, los géneros que abordan la salud, bienestar e historia, son disfrutados por algo menos del 30% de los participantes. A medida que el podcasting sigue evolucionando, se convierte en una herramienta cada vez más esencial para divulgadores y creadores de contenido en general. Su capacidad para contar historias de manera íntima y, sobre todo, accesible, permite a los oyentes sumergirse en un mundo de ideas y experiencias que trascienden las barreras del tiempo y el espacio. A diferencia de otros formatos, como la televisión o el cine, los podcasts permiten a los oyentes disfrutar del contenido mientras realizan diversas actividades, ya sea conduciendo, haciendo ejercicio o incluso cocinando MARZO 2025 31 �A R T E CROCHET UN MUNDO DE CREATIVIDAD, ARTE Y TRADICIÓN POR: JOSELINE VÁSQUEZ Tejer es una técnica ancestral que sigue con vida, acompáñanos a explorar su origen, beneficios y el amplio mundo de posibilidades que ofrece, mostrando cómo ésta forma de tejido sigue cautivando tanto a jóvenes como a adultos 32 MARZO 2025 2 septiembre 2020 E l Crochet es una técnica tan antigua y fascinante que ha sobrevivido a lo largo de los siglos, reinventándose con cada generación. Con solo un gancho y un hilo, es posible crear un universo de posibilidades: desde accesorios y prendas de ropa hasta complejas obras de arte. La palabra “crochet” proviene del germánico croc y del francés antiguo crochet, que significa gancho, haciendo referencia a la herramienta principal utilizada para tejer. Pero ¿qué es lo que lo convierte en un arte tan especial? �Este tipo de tejido manual, que parece tan simple, es en realidad muy versátil. Con el ganchillo, se forman cadenas de puntos que, entrelazados, dan lugar a patrones complejos o sencillos. La belleza del crochet radica no solo en los productos finales, sino también en el proceso mismo, que resulta ser relajante y casi meditativo. Para iniciarte en este arte, solo necesitas tres elementos básicos: un gancho, hilo o estambre y unas tijeras. Los ganchos vienen en diferentes tamaños y materiales, desde aluminio y acero hasta madera y plástico. Para los principiantes, los ganchos metálicos son recomendados por su precisión y suavidad al deslizarse sobre el hilo. El hilo, por su parte, varía en grosor y textura, lo que influye en el resultado final de las piezas. ¡Y eso es todo! Con estos simples materiales, estarás listo para dar los primeros pasos en el fascinante mundo del crochet. Un vistazo a la historia del crochet Los orígenes exactos del crochet aún generan debate. Aunque hay evidencias de tejidos a mano que datan del siglo XI, se cree que la técnica moderna del crochet comenzó en Europa en el siglo XVI, durante el auge de los encajes. Sin embargo, algunos estudiosos han encontrado rastros de esta técnica en América y el Medio Oriente, lo que sugiere que pudo haber nacido en varias partes del mundo simultáneamente. Lo que está claro es que el crochet ha logrado mantenerse a lo largo del tiempo, adaptándose a diferentes culturas y estilos. Hoy en día, es una técnica amada por millones, desde aficionados hasta artistas textiles que experimentan con el crochet como forma de expresión. Una de las mayores virtudes del crochet es su versatilidad. Las creaciones pueden ser tan variadas como sombreros, bolsos, suéteres, tops y hasta cobijas. Sin embargo, no se limita solo a prendas de vestir. Puedes hacer accesorios como pendientes, guantes o incluso fundas para celulares. ¡Las posibilidades son infinitas! El crochet ha logrado mantenerse a lo largo del tiempo, adaptándose a diferentes culturas y estilos. septiembre 2018 3 �A R T E Tendencia actual: Amigurumi Una de las técnicas más populares dentro del crochet en los últimos años es el amigurumi. Esta técnica, originaria de Japón, se centra en la creación de figuras tejidas a mano, normalmente en forma de animales, personajes o criaturas adorables. Estas pequeñas obras maestras se tejen en espiral y se rellenan para darles una apariencia tridimensional. En la cultura japonesa, se cree que los amigurumis tienen un alma que acompaña y protege a su dueño, convirtiéndolos en algo más que simples objetos decorativos. Los amigurumis han ganado popularidad en todo el mundo, gracias a la explosión de tutoriales y patrones disponibles en línea. Si bien comenzaron en Japón, ahora es común ver estas pequeñas figuras adornando espacios en Occidente, ya sea en escritorios, habitaciones o como regalos personalizados. ¿Qué necesito para crear crochet? Los ganchos están realizados de aluminio, acero, madera, bambú y plástico, sin embargo, lo más recomendable es usar los metálicos ya que el tejido suele ser delicado. Existen alrededor de 25 tamaños de ganchillo, normalmente cuando se compra el hilo para tejer, se indica cual ganchillo debe usar. Para empezar en este gran arte, solo basta con hilo, gancho que corresponda y tijeras. Proyectos El crochet ofrece una amplia gama de posibilidades creativas. Se pueden hacer desde accesorios como sombreros, bolsos y pendientes, hasta prendas de ropa como suéteres y tops, además de cobijas, guantes y estuches. Esta técnica permite crear prácticamente cualquier cosa que la imaginación dicte. 34 MARZO 2025 �BENEFICIOS DE TEJER A CROCHET Más allá de ser un hobby, también tiene beneficios para la salud mental y física. Entre los más destacados están: • Mejora de la motricidad fina • Reducción del estrés • Aumento de la autoestima • Mejora la concentración y planificación • Fomenta la creatividad • Fortalece las relaciones personales • Entrena la resolución de problemas ¿Cómo aprender crochet? Si deseas sumergirte en el arte del crochet, existen numerosos recursos disponibles. Entre ellos, los cursos online son una excelente opción. Plataformas como Domestika ofrecen cursos para todos los niveles, desde principiantes hasta avanzados, con proyectos que van desde lo más básico hasta creaciones complejas. �A R T E BODYPAINT UNA EXPRESIÓN ARTISTICA Una manifestación artística que convierte el cuerpo humano en un lienzo vivo POR: EVELYN SILVIA E FOTOGRAFÍAS DE ANDREA MENDEZ l bodypaint o pintura corporal, es una técnica que tiene sus orígenes en prácticas antiguas que evolucionaron a lo largo de los siglos, adaptándose a diferentes contextos culturales y artísticos. Sus inicios se remontan a la prehistoria, cuando los seres humanos utilizaban pigmentos naturales como carbón y sangre animal para adornar sus cuerpos. Estas prácticas no solo tenían un valor estético, sino que también cumplían funciones sociales y rituales, siendo así utilizada como instrumento de transformación; los dibujos y colores permitían a los individuos alternar entre diversas identidades, señalar la entrada en un nuevo estado social o reafirmar su pertenencia a una comunidad determinada. En este sentido, el bodypaint adquirió un simbolismo social y cultural tan fuerte que cada vez más individuos deseaban exponer sus cuerpos decorados, Con el tiempo el bodypaint fue perdiendo su carácter utilitario y se transformó en una forma de arte reconocida, siendo a finales del siglo XX que resurgió con fuerza y comenzó a ser considerado un medio artístico por sí mismo. Diversos moviemientos del Body Art en los años 60 y 70 ayudaron a legitimar esta práctica y permitieron que artistas exploraran nuevas dimensiones creativas. El body painting también se integró en el ámbito del performance. Durante esta época muchos artistas comenzaron a realizar performances donde el cuerpo pintado era central y su efimeridad se convirtió en un recurso poderoso para explorar la vulnerabilidad humana y los límites del cuerpo. Andrea Méndez Artista egresada de la Facultad de Artes Visuales de la UANL se especializa en BodyPaint. 36 MARZO 2025 �Hoy en día, el bodypaint se presenta en diversas formas y estilos. Los artistas contemporáneos utilizan su creatividad para explorar temas como la identidad, la naturaleza y la crítica social, convirtiéndolo en una poderosa herramienta de expresión personal y social. Eventos como el World Body Painting Festival en Austria han contribuido a consolidar esta disciplina como una forma respetada de arte visual. El bodypaint ha encontrado su lugar no solo en galerías de arte, sino también en eventos culturales y festivales alrededor del mundo. A medida que crece su popularidad, también lo hace su aceptación dentro del ámbito artístico formal. Sin embargo, aún enfrenta desafíos relacionados con la percepción pública; muchos todavía lo confunden con el tatuaje o perciben como una forma de exhibicionismo. A pesar de esto, cada vez más artistas están desafiando estos prejuicios al mostrar el bodypaint como un medio legítimo para explorar la creatividad y autoexpresión. La comunidad artística está comenzando a reconocer su valor, no solo como técnica estética, sino también como un vehículo para el cambio social. redes sociales _ INSTAGRAM @andy_quartz Esta efímera forma de arte invita al espectador a reflexionar sobre la naturaleza del cuerpo humano y su relación con el entorno. MARZO 2025 37 �E V E N T O S C elebrando la anual y popular Feria Internacional del Libro Monterrey, el pasado 28 de septiembre inició una semana llena de un buen caos, creado por mar de gente entusiasta por la lectura y por adentrarse en su más grande exposición en Monterrey. Aunque Cintermex abrió sus puertas al público y brindó un espacio enorme, lleno de stands y salas, en donde se vio un flujo de personas impresionante; incluso algunos stands llegaban a acumular filas para lograr entrar, como fue el caso de editoriales de gran renombre como Planeta, o Librerías Gandhi, una de las tiendas de libros más grandes de México. En los últimos catorce años, la Feria ha recibido a miles de jóvenes interesados en la lectura, esto siendo consecuencia de una 38 MARZO 20252020 2 septiembre explosión de popularidad en las novelas juveniles, y diversos géneros como la ciencia ficción, fantasía, romance; y en las adaptaciones en pantalla que se ganaron las obras más populares de estos. Dicho fenómeno creó una ola de nuevas generaciones enamoradas de la lectura y la ficción, lo que repercutió en la cantidad de asistentes en pasadas ediciones de la Feria. Una buena manera de interesar a personas desde la infancia en la lectura es buscando que sea de una manera más orgánica, es decir, buscar que ellos se interesen por sí mismos y no forzarla. Un hecho es que nadie aprecia hacer cosas por insistencia de externos, lo que sería una buena razón para explicar el por qué los jóvenes no leen, cuando en realidad solo necesitan un buen incentivo, como encontrar libros que sean de temas de su interés para desarrollar el hábito de la lectura. �Lo más bello de la Feria en esta edición, fue todo lo que prepararon para los niños. El llamado “Pabellón de la Niñez” con el título “La Tierra Nuestro Hogar”, con el propósito de que los niños se sientan como parte de la naturaleza, un ser vivo más como los muchos que hay en el planeta. En este pabellón, se impartieron talleres que iban dirigidos a niños desde los seis hasta los trece años, estos fueron impartidos por diversas instituciones como la Secretaría de Cultura y CONARTE En estos talleres, los niños participaban en actividades para desarrollar su imaginación, como construir con piezas de LEGO, y dibujar basándose en audios proporcionados por medio de auriculares; además varios de los talleres se impartieron por medio de un cuentacuentos, donde sentaban a los niños en una sala totalmente ambientada para hacerlos sentir un “bichito” más en un gran campo. Aquí contaban historias con mensajes educativos, donde pequeñas actuaciones acompañaban a la narración; estos cuentos fueron preparados con la intención de ayudar a las infancias a comprender temas importantes y algo fuertes, uno de ellos aprender a lidiar con el duelo por el fallecimiento de un hermano, en la situación de los bebés que lamentablemente nacen sin vida. También, había un Foro de Espectáculos, en donde los niños podían entretenerse con diversas actuaciones que involucraban música y teatro. El conjunto de todas estas actividades, aunque para muchos no lo parezca, es una forma increíblemente asertiva para lograr interesar de manera natural a los niños en la lectura; antes de amar a los libros, hay que amar la narración y las historias. Muchas personas han relatado que la razón por la que tardaron mucho tiempo en interesarse en la lectura, o nunca lo hicieron, es porque su único acercamiento a la literatura fue en la escuela, donde muchas veces fueron forzados a leer obras que no captaban su interés y así se llevaron una mala experiencia de la lectura. Con estas funciones y actividades preparadas por la feria, se incita a los niños a convivir con la narración de historias, con la fantasía, con los mensajes, y con las emociones que éstos sacan a flote en ellos. En conclusión, el “Pabellón de la Niñez” fue notoriamente creado con la sólida intención de invitar a los niños a pasar momentos agradables, donde cada aspecto fue diseñado para ellos y su felicidad, rodeados de personas e intenciones de que encuentren ese espacio en la literatura para ellos. Físicamente, cada aspecto fue hecho para crear una experiencia mágica para las infancias, donde pudieron sentirse totalmente parte de la naturaleza. Algo que hizo muy especial a este pabellón fue el esmero con el que hicieron la identidad del evento, sobre todo las ilustraciones en exposición; hechas con colores vibrantes y un estilo que nos hace recordar a las figuritas de papel que tanto adoran hacer los niños cuando desatan su creatividad. MARZO 2025 39 �E V E N T O S ECOS: ARTE EN EXPOSICIÓN ALUMNOS 9° SEMESTRE Un espacio donde la creatividad y la iniciativa se encuentran, dando lugar a la primera exposición de este tipo, en la que los estudiantes pueden mostrar su evolución artística dentro de la facultad y compartir sus trabajos con el público POR: FERNANDO ARMENDARIZ L POR: DIANA LOZANO a exposición Ecos: Arte en Evolución, fue un vibrante despliegue de talento y creatividad dentro de la Facultad de Artes Visuales de la UANL. Este evento celebra el arte emergente de los estudiantes de noveno semestre de las 3 diferentes licenciaturas de la facultad, quienes actualmente ya son egresados; ofreciendo un espacio para que sus obras brillen en un nuevo entorno. 40 MARZO 2025 La inauguración en la FAV tuvo lugar el 28 de agosto del 2024 a las 12 p.m. en el Edificio A, donde la directora Verónica Delgado Cantú compartió su entusiasmo por la iniciativa. �N EVOLUCIÓN Dra. Verónica Delgado Directora POR: DIANA LOZANO La exposición no solo muestra el talento de los estudiantes, sino que también actúa como una fuente de inspiración para los demás. Ver a compañeros exponiendo en un espacio tan importante genera curiosidad y ambición. MARZO 2025 41 �E V E N T O S La iniciativa El comienzo Todo comenzó cuando una alumna entusiasta, Julia Díaz, se acercó al departamento de vinculación con una idea ambiciosa: organizar una exposición colectiva que uniera a estudiantes de las tres licenciaturas. “Queríamos darles la oportunidad a los que están a punto de egresar de mostrar su trabajo en un espacio formal,” explica Celeste Flores, docente de la FAV. A las 12:23 p.m. del mediodía, la directora Verónica Delgado dio por inaugurada la esperada exposición, continuando el evento con un recorrido guiado por Julia Díaz, quien comenzó presentando su obra titulada “Si Mi Corazón no Rima con la Realidad”. En el marco de la exposición Ecos: Arte en Evolución, Julia Díaz compartió su visión y agradecimientos a todos los involucrados en hacer realidad este evento. “Quería hacer esta exposición más que nada para poder darle la experiencia a muchos amigos de todas las carreras, para que pudieran exponer y tener la oportunidad de mostrar su trabajo al público. Me di cuenta que en noveno semestre había mucha gente que nunca había expuesto, y quería facilitar ese proceso para ellos,”explicó Julia. No todos están acostumbrados a conocer cómo funciona una exposición, así que decidí que era hora de abrir ese espacio. Julia Díaz Egresada de FAV 42 MARZO 20252020 4 septiembre El recorrido por la exposición permitió a los asistentes apreciar una variedad de obras que reflejan la producción artística de los estudiantes, muchas de ellas creadas para exposiciones dentro del aula. La temática de las piezas indica una introspección intensa y honesta, mostrando la conexión personal del artista con su trabajo. Julia también comentó sobre la diversidad de medios en las artes visuales: “En nuestra carrera, también podemos explorar el performance y el audiovisual. A menudo, se asocian las artes visuales únicamente con materiales plásticos, pero vivimos en una época contemporánea en la que podemos expresarnos a través de diferentes formatos y experimentar con medios menos convencionales.” Con esta inauguración, Ecos no solo celebró el arte en su forma más pura, sino que también promovió un diálogo sobre la evolución y la diversidad en las prácticas artísticas, invitando a todos a explorar nuevas maneras de crear y expresarse. �POR: FERNANDO ARMENDARIZ POR: DIANA LOZANO Un llamado al arte y la colaboración Julia explicó que la idea de la exposición nació de su experiencia personal al no haber participado en muchas exposiciones durante su carrera, al hablar con compañeros de otras carreras, se dio cuenta de que ellos también carecían esa experiencia. Por lo que decidió organizarlo para facilitar el proceso, encargándose de la logística para que pudieran enfocarse en mostrar su trabajo. POR: FERNANDO ARMENDARIZ Julia Díaz junto con su obra en la exposición ECOS: Arte en evolución. También sugirió la importancia de conocer a personas del medio fuera de la carrera, pues no solo amplía la comprensión del entorno, sino que también aporta conocimientos técnicos y teóricos que pueden ser útiles. Enfatizó lo esencial de mantener una mente abierta hacia nuevas conexiones y relaciones de apoyo mutuo. Finalmente, Julia expresó su admiración por su generación de noveno semestre, destacando su sentido de comunidad y la capacidad para luchar por sus objetivos en conjunto, para enriquecer la experiencia artística de todos. La exposición busca seguir invitando a los estudiantes actuales a seguir los pasos de sus predecesores, pues se espera que esta actividad se repita en los próximos semestres, consolidándose como una tradición dentro de la facultad. “Las puertas están abiertas para que más proyectos como este florezcan.” Así, Ecos se convierte en un símbolo de la unión entre el arte, la iniciativa estudiantil y la gestión cultural, demostrando que la creatividad no tiene límites y que cada paso dado por los estudiantes es una semilla que germina en el futuro del arte. POR: FERNANDO ARMENDARIZ Abriendo puertas al futuro septiembre 2018 5 �E V E N T O S C ompromiso es la palabra correcta para describir la relación que tiene el alumnado de la Facultad de Artes Visuales con la festividad de Halloween. Como cada año, el pasado 31 de octubre se celebró la fiesta de Halloween en las instalaciones de la facultad; este es el momento más esperado por los alumnos en el año, pues es la oportunidad perfecta para escalar el ambiente tan divertido y creativo que caracteriza a las artes visuales, portando disfraces originales dignos de un espectáculo. Lo mejor de este evento son las actividades que se organizan, de alumnos para alumnos, como una nueva edición del Mercado de Arte y Diseño “MAD” en donde los estudiantes tienen la oportunidad de exponer su arte, la cotizada casa del terror con la gran fila para lograr acceder; y la más reciente edición: la cabina de fotografías, que brinda la oportunidad de inmortalizar el gran recuerdo de la fiesta más divertida del año. Y este evento también se trata de demostrar el talento de FAV, con la explanada llena de presentaciones como la de el Club de Música, o grandes concursos como la batalla de Lip Sync, y el tan esperado concurso de disfraces. 44 MARZO 20252020 2 septiembre �Aunque la Fiesta de Halloween en su totalidad es un evento increíble amado por los alumnos de FAV, es bien sabido que el momento más anticipado del evento es el concurso de disfraces. Por excelencia, las facultades del rubro artístico son quienes traen a la vida los disfraces más creativos y despampanantes, y la nuestra no es la excepción. Esta es una escuela llena de personas creativas, que en cada aspecto de su vida y su estilo buscan expresar su personalidad llamativa y su talento para el lenguaje visual; eso se ve reflejado en la manera en que el alumnado trabaja duramente por semanas para lograr un increíble disfraz y llevarlo a la facultad, para competir en el concurso de disfraces. Por este concurso han pasado cientos de alumnos con disfraces increíbles, de calidad y creativos, y con ellos una actuación espectacular para presentar su caracterización. Este momento es totalmente sobre personificación, y de éste mismo nació la leyenda viral, Ethan Kuri, quien fue viral en cuatro ocasiones: el vaso de Pollo Loco, el libro de español, la bolsa de Didi Food, y este año, volcán; él es el gran ejemplo del compromiso que tienen con crear un gran disfraz, y la diversión que da la fiesta. Como cada año, el Top 10 final de los disfraces fue impecable, haciendo extremadamente difícil poder decidir en los tres primeros lugares. Aquí, se premia la creatividad del disfraz, el empeño que pusieron en él, y la actitud con la que presentan su obra. Te presentamos los primeros 3 lugares del concurso de disfraces, donde lo más destacable fue el esfuerzo en la calidad del disfraz, la calidad del material y el maquillaje, la creatividad de crear piezas móviles, y el compromiso de enfrascarse en un personaje para dar una presentación completa de su visión. MARZO 2025 45 �E V E N T O S CERTAMEN DE ALTARES UANL POR: POLETH FLORES Y MONICA HELGUEROS Celebrando la TRADICIÓN y la CREATIVIDAD la UANL reúne a su comunidad en un colorido homenaje a la cultura y sus figuras destacadas. P FOTOGRAFÍA: MONICA ALEXANDRA or más de 25 años, la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL) ha invitado a su comunidad universitaria a participar en una de las tradiciones mexicanas más emblemáticas: el Certamen de Altares de Muertos. Organizado por la Secretaría de Extensión y Cultura, a través de la Dirección de Desarrollo Cultural, este evento ha reunido a estudiantes y docentes de diversos planteles para rendir homenaje a figuras destacadas de la Universidad y la cultura popular a través de altares llenos de color y simbolismo. Este año, el certamen se llevó a cabo con la misma pasión y dedicación que ha caracterizado a esta festividad. El Dr. José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura de la UANL, destacó la importancia de estas manifestaciones artísticas: “Estas expresiones son integradoras y representan a nuestra comunidad, manteniendo viva la tradición”. 46 MARZO 2025 Las preparatorias y facultades que participaron fueron demasiadas este año, un total de 31 sedes, abarcaron desde la Preparatoria 1 hasta la Facultad de Filosofía y Letras, mostrando un abanico diverso de propuestas que rendían tributo a figuras como Guillermo González Camarena, El Santo, y Cristina Pacheco. A continuación, se presentan las dependencias ganadoras del certamen de este año. GANADORES DEL CERTAMEN DE ALTARES UANL 2024 Primer lugar: Altar dedicado a Guillermo González Camarena por la Facultad de Artes Visuales. Segundo lugar: Altar dedicado a Ramón Valdiosera Berman por la Escuela Industrial y Preparatoria Técnica Álvaro Obregón (Unidad Monterrey I). Tercer lugar: Altar dedicado a Cristina Pacheco por la Preparatoria 9 �FOTOGRAFÍA: EFRAÍN ALDAMA, PREPARATORIAS Y FACULTADES UANL FOTOGRAFÍA: EFRAÍN ALDAMA, PREPARATORIAS Y FACULTADES UANL FOTOGRAFÍA: EFRAÍN ALDAMA, PREPARATORIAS Y FACULTADES UANL MARZO 2025 47 �E V E N T O S CERTAMEN DE LAS ARTES VISUALES UANL 2024 El arte estudiantil encuentra su escenario, brindando una oportunidad única para que las ideas y talentos jóvenes se hagan visibles POR: FERNANDO ARMENDARIZ E n el más reciente Certamen de las Artes Visuales UANL realizado el día 5 de Septiembre del 2024, autoridades académicas y culturales tales como: el Dr. José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura; Martha Ramos Tristán, directora de Desarrollo Cultural Universitario; Sara López, Curadora de Arte; Pablo Cuéllar, coordinador de Exposiciones de la Secretaría de Extensión y Cultura; se reunieron para celebrar la creatividad de los estudiantes. Martha Ramos, agradeció el apoyo del rector de la UANL y destacó la labor del jurado compuesto por egresados de la Universidad. Reconoció la importancia de las artes en el desarrollo de un pensamiento crítico entre los jóvenes y alentó a los participantes a seguir dedicándose a estas disciplinas. “¿Algún día seré libre?” por Olga Margarita González Nieves. El certamen, que comenzó en los años 90 y se realiza anualmente desde 2004, recibió 109 obras en diversas categorías: dibujo, pintura, fotografía y formatos tridimensionales. Ramos enfatizó el esfuerzo de los estudiantes y la confianza en que algunos de ellos se convertirán en artistas destacados. Agradeció a los equipos involucrados en la organización y montaje de la exposición, motivando a los participantes a continuar su camino en el mundo del arte y a seguir presentándose en futuras convocatorias. POR: DIANA LOZANO Sara López, expresó su admiración por las autoridades presentes y agradeció a todo el equipo de la Secretaría de Extensión y Cultura por su dedicación en la realización del evento. En su discurso reflexionó la complejidad de las artes y la influencia que tiene en la sociedad. Afirmó que todas las obras presentadas, premiadas o no, reflejan un esfuerzo valioso y cultural. Felicitó a los participantes por su valentía al mostrar su trabajo y los animó a seguir explorando el arte, ya que muchos de ellos podrían convertirse en agentes de cambio en el futuro. 48 marzo 2025 �POR: FERNANDO ARMENDARIZ “¿Para qué sirve el arte?, créanme que he escuchado a los más importantes estudiosos y académicos titubear, contradecirse y no poder resolver esta interrogante. El arte parece cotidiano y omnipresente, pero tiene un aura e incluso en sí mismo las armas para destruirla, ejercicio humano contradictorio hasta el límite, pero quizá el más influyente y seductor de todos.” Así mismo, José Javier Villarreal, Secretario de Extensión y Cultura, dio al público la bienvenida al Certamen de Artes Visuales UANL 2024 en el emblemático Colegio Civil, destacando su importancia como un lugar de encuentro y expresión creativa. Resaltó la visión del rector Santos Guzmán López sobre una educación integral que valore la diversidad y el impacto del arte en la formación de estudiantes y docentes. “No me resta más que felicitar a los estudiantes que participaron en este certamen con sus pinturas, dibujos, fotografías y piezas tridimensionales, hoy nuestra máxima casa de estudios impulsa su talento y los convoca a seguir creando arte, quiero decirles que la Universidad Autónoma de Nuevo León la hacemos todos, absolutamente todos; los que le damos vida, los que exponemos, los que vamos a los cursos, los que estamos en los campus, los que nos sentimos universitarios, muchas gracias por estar aquí.” POR: DIANA LOZANO Villarreal también mencionó que las 109 obras presentadas fueron evaluadas con rigor por un jurado de prestigio, considerando aspectos como originalidad y técnica. Felicitó a todos los participantes y los animó a seguir explorando su talento artístico, reafirmando que la Universidad es un espacio donde todos contribuyen al desarrollo de una comunidad vibrante y creativa. La ceremonia no solo celebra el arte, sino que también impulsa a los estudiantes a trascender como profesionales y agentes de cambio en la sociedad. “Elena” por Priscila Alheni Ángeles Leija. MARZO 2025 49 �E V E N T O S GANADORES Formatos tridimensionales 01 * PRIMER LUGAR Obra: El vals del equilibrio Cinthia Lizeth Cantú Guardiola Facultad de Artes Visuales MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Elena Priscila Alheli Ángeles Leija Preparatoria 7 Oriente Fotografía 01 02 03 * PRIMER LUGAR Obra: Arriba Myriam Catalina Puente Ávila Facultad de Ciencias de la Comunicación SEGUNDO LUGAR Obra: Rito, fe, muerte Fernando Isaí Díaz Gutiérrez Facultad de Artes Visuales TERCER LUGAR Obra: Mi visión mundo nírico Aarón Yecatl Ayala Sánchez Facultad de Ciencias de la Comunicación MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Vida Estrella Ismerai Medina Salazar Preparatoria 16 Obra: Ecos del Alma Valeria Murillo Gámez Preparatoria 8 Obra: Texas on the road Cecilia Alejandra García Zugsti Facultad de Artes Visuales 50 MARZO 2025 �Pintura Dibujo 01 PRIMER LUGAR 01 PRIMER LUGAR 02 SEGUNDO LUGAR 02 SEGUNDO LUGAR 03 TERCER LUGAR * Obra: Cada vez que entro al club Mauricio Javier González Manzo Facultad de Arquitectura Obra: Dinámica de músculos Bibiana Jiménez Ramírez Facultad de Artes Visuales Obra: Cerro de Santa Catalina Shirley Elizabeth Coronel Ponce Preparatoria 25 MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Perdónanos Señor Itzel Jacqueline Posada Martínez Facultad de Artes Visuales Obra: Como vine al mundo Andrea García Orozco Facultad de Artes Visuales 03 * Obra: Analogía circulatoria José Luis Hernández Pérez Facultad de Medicina Obra: El fantasma de Tsushima Eduardo José Gutiérrez Facultad de Ingeniería Mecánica y Eléctrica TERCER LUGAR Obra: Dulces sueños Alejandro Udave Sadurni Facultad de Ciencias Químicas MENCIÓN HONORÍFICA Obra: Emergencia Sofía Rubí Leyva Acevedo Facultad de Artes Visuales Obra: Sin cabida ni pronunciación Itzel Jacqueline Posada Martínez Facultad de Artes Visuales MARZO 2025 51 �Marzo 2025, Número 13 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2025 Volumen Volumen de la revista 7 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Tetramestral Relación OPAC https://revistacroma.uanl.mx/index.php/revista/issue/view/14/14 Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, arte, diseño, audiovisual, 2025, Vol 7, Num 1, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Delgado Cantú, Verónica Lizett, Directora Subject The topic of the resource Educación Diseño Arte Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2025-03-01 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource txt/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021477 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant San Nicolás de los Garza, Nuevo León Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. 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