https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/22061/Croma_Arte_Diseno_Audiovisual_2025_Vol._7_No._2_Agosto.pdf 85eddf7c1d9dd47ece653db85309097a PDF Text Text �Í N D I C E TALENTO FAV 4 CRISTINA PALOMO 8 EDGAR SANDOVAL DOCENTE 12 DR. MARIO ALBERTO MÉNDEZ RAMÍREZ TEMA DEL MES 16 DEL PAPEL A LA PORTADA EMPRENDIMIENTO 20 PINKUPINKU 22 OZIEL CASTILLO ENFOQUE 24 ANIMACIÓN TRADICIONAL VS ANIMACIÓN DIGITAL 2 AGOSTO 2025 �ARTE 28 LA VISIÓN DE UN ARTISTA DEL GRAFFITI PATRIMONIO 32 JOSÉ GUADALUPE POSADA EVENTOS 34 BIENAL DE VENECIA 38 CREPÚSCULOS QUE DURAN UN INSTANTE 42 EMPRENDER EN EL DISEÑO CREDITOS Dr. Med. Santos Guzmán López Rector UANL Dr. Mario Alberto Garza Castillo Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL M.A. Ana Isabel Guzmán Medrano Directora de la Facultad de Artes Visuales Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado M.A. Santiago Javier Villarreal Villarreal Secretario Académico Jorge Humberto Briones Leal Portada Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván MMDRS. Alejandra Gabriela Martínez Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores Croma CROMA, año 7, No. 14, Agosto 2025, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Adriana Karina Aguirre Araujo Barbara Gisselle Frias Rosales Juan Angel Salazar Rios Juan Gerardo Delgado Robles Lizbeth Guadalupe Diaz Martinez Marjaneh Vargas Barajas Monica Damarys Rodriguez Gracia Oziel Isaias Vazquez Ruiz Ximena Alejandra Mendez Paulin Estancia de Producción Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2023080113474100-102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor AGOSTO 2025 3 �T A L E N T O T A L E N T O F A V F A V CRISTINA PALOMO EL ARTE ESPEJO Y VOZ COMO Estudiante de la carrera de Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Nuevo León, nos detalla su evolución artística con el paso de los años N POR: MÓNICA DAMARYS RODRÍGUEZ GRACIA Con el tiempo, fue cultivando una profunda afinidad por las letras; su gusto por los libros transformó su proceso artístico en un híbrido entre lo pictórico y lo literario. El impulso definitivo para inscribirse en la carrera de Artes Visuales surgió durante un concurso en su preparatoria, al cual fue invitada por sus maestros, quienes conocían sus inclinaciones artísticas. El evento, que coincidió con su cumpleaños número 17, consistía en una competencia de pintura y dibujo en vivo con temática del Día de la Mujer. Al finalizar, cada participante debía presentar un discurso sobre su obra. Cristina relata que, al dibujar y exponer su pieza, una sensación de plenitud y adrenalina la invadió por completo. Tras ganar el primer lugar en su categoría, FOTO POR: EMILIANO ZAMBRANO acida en Monterrey, Nuevo León, el 5 de marzo de 2003, Cristina Palomo siempre ha visto las artes como un espejo y una lente a través de los cuales se interesa por el mundo que la rodea. Hija de arquitectos con inclinaciones artísticas, menciona que, desde siempre, sus padres le brindaron tanto a ella como a su hermano el impulso necesario para perseguir sus sueños creativos. Gracias a ese apoyo, nunca dejó de lado su interés por la escritura y pudo desarrollar sus habilidades en ese ámbito. 4 AGOSTO 2025 �IMÁGEN: CRISTINA PALOMO IMAGEN: CRISTINA PALOMO tuvo su primera gran certeza: supo que eso era lo que quería hacer el resto de su vida. La matriz artística de Cristina es el dibujo, al que considera su primer gran amor. Sin embargo, sus procesos creativos, técnicas y habilidades han evolucionado con el tiempo y a lo largo de su formación profesional. Desde un inicio mostró interés por los retratos y los objetos realistas, así como una inclinación por el estilo caricaturesco en el diseño de personajes. Conforme avanzaban los proyectos escolares, comenzó a explorar un enfoque más abstracto en la pintura, abordando temas diversos como la dignidad humana. Al mismo tiempo, desarrolló un creciente interés por el muralismo y el activismo artístico. En una etapa inicial, sus procesos creativos estaban más enfocados en la técnica, en la frescura de la experimentación, aunque aún sin una fase conceptual clara. Las piezas eran creadas en sesiones intensas e ininterrumpidas, sin estructura ni seguimiento. Con el tiempo, Cristina ha construido un proceso más consciente y sólido, con mayor duración en el desarrollo de las obras, apoyada en referentes y en una búsqueda deliberada de un estilo propio. La conceptualización previa, el vínculo con intereses personales y la toma de decisiones formales son, para ella, los cambios más notables en su paso por la facultad. La vulnerabilidad de Medusa fue una pieza clave en su evolución artística. A través de este grabado, Cristina inició una producción más honesta e íntima, donde temas como el feminismo, el cuerpo y la identidad comenzaron a ocupar un lugar central. Esta obra marcó un parteaguas: no solo fue seleccionada para exposiciones, sino que también le dio la confianza para profundizar en temáticas personales. Al hablar del grabado, menciona con gratitud el apoyo del profesor Héctor Morales, cuya metodología basada en el proceso y el acompañamiento fue fundamental para su desarrollo. �T A L E N T O F A V El abstracto como un lenguaje en sí mismo, UNA CONFESIÓN SENTIMENTAL gráfica, orgánica y libre”. IMAGEN: CRISTINA PALOMO Continuando con la exploración de temas personales y ahora enfocada en la crítica social y cultural, desarrolló un proyecto para su tesina sobre cómo la religión católica afecta la percepción de diversos temas en el mexicano contemporáneo. Esta investigación tuvo como resultado Soy Virgen, Soy Madre, Soy Puta, una pintura con la que culmina una madurez que la artista venía desarrollando desde hace mucho tiempo y con la cual se permitió explorar de lleno temáticas con causas que le son significativas, como la identidad, el erotismo, la maternidad y la sexualidad. En sus proyectos recientes, podemos ver que se desenvuelve en un ámbito abstracto y esta inclinación -nos menciona- comenzó como un juego. En su periodo de inmersión en la pintura, utilizó lo abstracto para buscar entender mejor el color, sus efectos y teoría, y como recurso para generar atmósferas, ya que su método de aprendizaje es a través de la experimentación. Ese lenguaje le permitió expresar sensaciones que la pintura figurativa no lograba. 6 AGOSTO 2025 �IMÁGEN: CRISTINA PALOMO El año pasado, incursionó en un viaje de estudios a la Universidad de Salamanca, en España, y durante ese tiempo viajó a Sevilla y al país vecino, Portugal. Esta experiencia -nos menciona- además de ser maravillosa, despertó muchos nuevos intereses. La ciudad en la que vivió se encontraba rodeada de catedrales e iglesias de estética barroca, y es por eso que uno de los intereses mencionados fue la exploración del sentimiento sagrado religioso. El apoyo de su maestro de pintura, Vallejo, así como la oportunidad de disponer del taller de pintura durante todo el semestre, le permitieron aventurarse mucho más en el arte abstracto y experimentar con sus intereses pictóricos y sus procesos. De la misma manera, un viaje de esta escala no podría estar completo sin la experiencia de conocer nuevas personas, y esto fue un punto a destacar en su desarrollo personal, ya que convivir con artistas tan increíbles, en especial la pintora alemana Lili Geyer, con su pasión y dedicación a la práctica diaria, la inspiró a tomarse más en serio sus procesos y no solo las piezas terminadas. Este viaje significó una revolución en su forma de percibir las artes. Para Cristina, el arte no se trata de hacer lo que uno quiere ni de estar cómodos, ya que cuando uno se atreve a seguir el camino menos esperado, ese que nos intimida y que muchas veces evitamos, es cuando se dan grandes descubrimientos. Es por eso que también nos invita a desarrollar un criterio propio, un gusto sin disculpas, para aprender a entender qué es lo que nos gusta y qué no; a rodearnos de personas que crean en nosotros, que nos admiren, porque en esa colectividad, dice, hay un gran crecimiento. Para ella, nuestras voces valen, y nuestras piezas, también. IMAGEN: CRISTINA PALOMO Considero que cada idea tiene una PROPIA VOZ, UNAS NECESIDADES PARTICULARES. Y en base a eso, seguir las necesidades de la pieza”. AGOSTO 2025 7 �T A L E N T O F A V FANTASÍA EDGAR SANDOVAL QUE ILUMINA Su obra crea portales hacia mundos mágicos donde la cotidianidad adquiere un giro extraordinario E POR: ADRIANA KARINA AGUIRRE ARAUJO dgar Sandoval es un artista mexicano de 22 años. Su obra define lo que es un acercamiento para observar el mundo con otros ojos. "Mi obra es una invitación a ver el mundo desde una perspectiva sensible y a perderse en la magia de lo cotidiano" -comenta Edgar-. Desde que era un niño, Sandoval se sintió muy atraído por el dibujo y la pintura, asegurando desde pequeño que quería ser pintor. “Desde pequeño me encantaba dibujar y experimentar con los materiales. Esa curiosidad y el placer de ver cómo podía transformar mis ideas en algo visual creo que me llevaron a la idea de querer ser pintor. Siempre decía que quería serlo sin siquiera haber tocado un pincel. Mi primera experiencia con la pintura fue con acuarelas escolares. Hasta los 14 años, aproximadamente, probé por primera vez la pintura acrílica, y apenas hace un par de años experimenté con la técnica al óleo”, explica el artista. Más allá de los medios, Edgar es principalmente impulsado por aquellas situaciones en las que puede aportar su grano de arena a quien lo necesita. “Lo que más me emociona es participar en eventos con causa social. Ver que mi trabajo puede acercar a las personas y, en ocasiones, hacer una diferencia en la vida de alguien”. Conforme a su proceso creativo, el joven comenta que es bastante personal, ya sea acomodándose a escuchar música, viendo alguna película, leyendo una historia inspiradora o dejando que algo le despierte el impulso de plasmar sus sentimientos en el lienzo. Añade que sus obras más simbólicas surgen de acontecimientos personales que ha transformado en algo positivo. Uno de los elementos más distintivos de su trabajo es el uso de pintura luminiscente, una técnica que juega con lo visible y lo oculto. “La pintura luminiscente me permite jugar con lo visible 8 AGOSTO 2025 Edgar Sandoval Su infancia reflejando la claridad de su pasión por la pintura. y lo no visible. Es como encontrar belleza en la obscuridad, mostrando que siempre hay algo brillante por descubrir”. Esto no solo da un efecto único a sus piezas, sino que refuerza la fidelidad entre su mensaje y lo visual: “Siempre hay algo brillante esperando a ser descubierto, incluso en los momentos más oscuros”. Por otro lado, el surrealismo es otra de sus grandes guías. Esta corriente le permite desarrollar sus propias historias sin límites, donde la realidad y la fantasía se fusionan. “El surrealismo me abre la puerta a un mundo sin límites, donde los sueños y la realidad se mezclan. Me ayuda a expresar ideas y sentimientos que a veces son difíciles de poner en palabras”. A la par de esto, tres de sus inspiraciones son Remedios Varo, Margaret La pintura luminiscente me permite jugar con lo visible y lo no visible. ES COMO ENCONTRAR BELLEZA EN LA OSCURIDAD, mostrando que siempre hay algo brillante esperando a ser descubierto”. Keane y Leonora Carrington, influencias evidentes en los elementos que suele manejar. “Los símbolos en mi obra son una forma de comunicación directa. Aunque para mi tengan un significado personal, me interesa que la gente interprete y sienta la obra a partir de sus propias experiencias”. �Para Sandoval, el arte es una herramienta de conexión y cambio. Por ello, su distinción como artista es clave: resalta con tonos oníricos apegados al universo, plasmando un enfoque surreal, sensorial y positivo. Como él mismo menciona: “No se trata solo de lo visual, sino de generar una conexión genuina”. La distinción de Edgar es innegable, encontrando en creencias populares una oportunidad para transformar. “Alguna vez leí una frase: ‘Si la vida te da limones, haz pastel de chocolate’. Este mantra me define, me recuerda que cada obstáculo es una oportunidad para reinventarme y hacer algo distinto a lo que se espera. No tengas miedo de transformar lo cotidiano en algo extraordinario. El destino no está escrito y no todo tiene que ser como debería ser. Mi consejo para crecer en el arte es reconocer que, por muy talentosos que seamos, todo sucede cuando te atreves a salir y a mostrar tu obra al mundo. No basta con crear, hay que construir puentes en el medio”. Causas sociales: Colaboraciones en exposiciones y eventos con causa como Causartt, Marttbe y Artecho. Experiencia educativa: Ha participado en el Museo MARCO en recorridos, talleres y montajes de obra, además de dar clases en diferentes espacios culturales a través de Conarte. Involucramiento con la comunidad: Ha dado talleres y clases en espacios culturales. Exploración creativa: Combina el arte con otras áreas como la moda o el diseño de interiores. POR: EDGAR SANDOVAL Distinciones de su carrera: AGOSTO 2025 9 �T A L E N T O F A V LA DIOSA DE ORO: LA PINTURA QUE UN HOMENAJE QUE TRASCENDIÓ EL TIEMPO CONECTÓ GENERACIONES FOTOS POR: ÉDGAR SANDOVAL Conmovido por la historia de Silvia Pinal, Edgar creó una obra simbólica en su honor y, aunque no logró entregársela en vida, el homenaje llegó a manos de su hija y conmovió a miles de personas a través del arte y la memoria POR: ADRIANA KARINA AGUIRRE ARAUJO E dgar tuvo una experiencia enriquecedora y admirable tras haber pintado un óleo en honor a la memorable Silvia Pinal, con el cual ha logrado ganarse el respeto y reconocimiento de miles de personas. “Toda mi vida, a través de mi familia, —sobre todo de mi mamá, que veía novelas y películas— crecí viendo a Silvia Pinal. Siempre me llamó la atención, pero hace unos años descubrí una serie biográfica sobre ella, y ahí fue donde realmente me atrapó su historia. El año pasado se me ocurrió la idea de hacerle una pintura y entregársela como homenaje. Antes de contactar a su familia, primero quise terminarla para ver si realmente les gustaría. La terminé más o menos en septiembre y logré ponerme en contacto con ellos. Para mi sorpresa, les gustó mucho y empezamos a planear la entrega"-comenta Edgar-. "Pero justo dos semanas después de haber hablado con Sylvia Pasquel, a través de un intermediario, la señora Silvia Pinal falleció. En ese momento, por respeto, decidí no insistir con la entrega y dejé que pasara el tiempo. De hecho, llegué a pensar que ya no se iba a hacer, pero meses después, a finales de febrero, volví a contactar a Sylvia Pasquel y acordamos entregar la pintura en su foro, en la Ciudad de México. Finalmente, el 7 de marzo pude hacer la entrega. A Sylvia le gustó mucho; grabamos algunos videos, nos tomamos fotos y fue muy amable. Me mostró todo su foro, el teatro, algunas de las piezas que tiene, y platicamos sobre la pintura"-menciona el artista-. "Esta pieza la hice con mucho cariño y respeto para la señora Silvia Pinal. Lamentablemente no pude entregársela en vida, pero quise cerrar el homenaje dándosela a su hija mayor. La verdad, no esperaba que esto se hiciera tan grande, pero a raíz de la entrega recibí mucho cariño de la gente, sobre todo de los admiradores de Silvia Pinal. También varios medios se interesaron en la historia de la obra y en conocer un poco más sobre mí. La pintura se llama La Diosa de Oro y la retrata con varios elementos simbólicos que representan tanto su historia personal como su legado en el cine, el teatro y el arte mexicano”-concluyó-. �AGOSTO mes 2025 2025 11 11 �D O C E N T E S UNA VIDA DEDICADA A ENSEÑAR Y PENSAR EL ARTE FORMACIÓN, VISIÓN Y PASIÓN POR LAS ARTES IMÁGENES POR: DR. MARIO MÉNDEZ Docente, exdirector y presidente de un organismo de investigación, el Dr. Mario Méndez ha sido una figura clave en la evolución de la enseñanza artística, apostando por modelos educativos que trascienden la producción y abrazan la docencia, la gestión y la reflexión crítica Dr. Mario Méndez, profesional de las artes. 12 AGOSTO 2025 POR: MARJANEH BARAJAS E n una entrevista con el Dr. Mario Alberto Méndez Ramírez, la revista Croma tuvo la oportunidad de conocer más sobre la experiencia y trayectoria de este profesional de las artes, quien fue Director de la Facultad de Artes Visuales durante el período 20102016 y Presidente de CAESA hasta 2025, un organismo dedicado al desarrollo de la investigación artística. Actualmente ejerce como investigador de las artes. Méndez Ramírez cuenta que tuvo un acercamiento a las artes durante su paso en los talleres impartidos por la Facultad de Artes Visuales, lo que lo llevó a desarrollar un gran vínculo emocional con el arte. Con el tiempo, incursionó en la docencia, motivado por el deseo de brindar apoyo en la formación de profesionales en el ámbito artístico. En el tema pedagógico, subraya que existen dos modelos de educación artística: el conservador y el universitario. El primero constituye un modelo tradicional que busca formar artistas virtuosos con base en criterios y cánones que anteriormente predominaban; mientras que, en el segundo, la educación tiene como objetivo principal formar profesionales de las artes que puedan ejercer en diversas ramas que van más allá de la simple producción. En este sentido, considera que, para que las artes y su formación puedan subsistir y desarrollarse, se requieren tres ejes principales: docencia, gestión y producción. Estos tres pilares ofrecen a los estudiantes de artes un abanico amplio de oportunidades. Méndez Ramírez menciona que, curiosamente, muchos estudiantes ingresan a la facultad con el deseo de convertirse en artistas y dedicarse a la producción, pero, conforme adquieren nuevos conocimientos, muchos optan por otros caminos como la docencia o la gestión. Estos intereses incluyen la educación artística, curaduría, museografía, investigación, entre otros campos. Reconoce que la labor formativa de las futuras generaciones no es tarea fácil, ya que implica investigar, tener visión, proponer programas educativos, intercambiar conocimientos con los alumnos y, sobre todo, alimentar la pasión por el arte en los futuros profesionistas. "No hay que olvidar el papel que juega la �El Dr. Mario reconoce el trabajo que se ha realizado mediante el empeño institucional. Es algo bonito también, el olvido, para QUE SE DILUYAN TOTALMENTE LAS COSAS Y SALGAN COSAS BUENAS. Sinceramente, no me preocupa mucho que me recuerden”. investigación en el arte, ya que conocer el pasado y el presente es la clave del futuro". Durante el paso por la dirección de la Facultad de Artes Visuales, Méndez Ramírez tuvo la oportunidad de conocer a fondo la historia de la institución, de estar en contacto con ella a través de sus talleres y de familiarizarse con su evolución. Este acercamiento le permitió comprender con mayor profundidad el presente de aquel entonces. Como docente, declara que la oportunidad de haber dado clases fue algo muy valioso para él, estar dentro de las aulas cada semestre, frente a varios grupos, donde cada alumno tenía su propia historia, motivación y una visión particular del arte. Para él, la enseñanza fue también una oportunidad para intercambiar conocimientos con sus estudiantes, tarea a la que se dedicó con el propósito de conocerlos y así aportar de forma más efectiva y significativa a su formación. Sin embargo, lo que considera más importante de su labor como profesor fue el contribuir a que sus alumnos cultivaran su propia pasión por las artes. AGOSTO 2025 13 �D O C E N T E S Dr. Mario Méndez, encabezando la reacreditación de la Licenciatura en Artes Visuales. Para Méndez Ramírez, desarrollar investigaciones sobre el arte, revisar constantemente los programas educativos, intercambiar conocimientos con sus alumnos y adoptar metodologías interdisciplinarias fueron aspectos clave durante su paso por la dirección de una institución y como docente. También enfatiza que la interdisciplinariedad es un rubro importante dentro de las artes, ya que, así como el ser humano es un ser social que depende de otros para desarrollarse, el arte no es una disciplina aislada ni confinada en una misma burbuja, sino que comprende todo un mundo que vale la pena llevar a nuevos horizontes: combinar las artes con otros campos y no negarse a revisar el quehacer artístico desde otras disciplinas. Sin embargo, también considera importante seleccionar adecuadamente las metodologías aplicadas a las artes, tanto en la investigación como en la docencia. Si bien existen muchos tipos de gran valor y utilidad, señala que ser interdisciplinario no solo contribuye significativamente a la docencia, investigación o creación artísticas, sino que también mejora el trabajo de gestión y administración. Durante sus años como director, buscó conocer otras facultades y relacionarse con diferentes disciplinas; conocer los marcos reglamentarios y legales; gestionar recursos humanos y financieros; y realizar labores administrativas apoyándose en otros profesionales y departamentos de distintas áreas. 14 AGOSTO 2025 Para hacer este tipo de labores y equilibrar sus distintos roles, FUE FUNDAMENTAL DISFRUTAR DE LO QUE HACÍA, tener pasión por su trabajo y disciplina para dedicarse a esto”. Él advierte que es muy importante llevar a cabo estas acciones para lograr una buena gestión que conduzca a los mejores resultados posibles, atendiendo las necesidades de las universidades comenzando por las más prioritarias, utilizando responsablemente los recursos disponibles (que muchas veces son limitados) y siguiendo los protocolos y marcos legales. Fueron sus metodologías interdisciplinarias y colaborativas las que lo ayudaron a tener un buen desempeño administrativo. Admite que es una labor sumamente demandante y difícil, en la que frecuentemente es necesario tomar decisiones complejas, ante las cuales es importante estar informado y actuar con responsabilidad. Sin embargo, comenta que la confianza y el trabajo en equipo, de la mano de otros profesionales (tanto del ámbito artístico como de otros campos), fue un gran apoyo para llevar a cabo sus funciones, tanto en la dirección como en la investigación. �A lo largo de su trayectoria, HA DESARROLLADO DIFERENTES FACETAS COMO PROFESIONAL DE LAS ARTES, por lo que tuvo varios hitos en su ocupación, los cuales casi siempre se relacionaron con haber conocido y compartido con personas importantes en su vida”. Celebración del 30 aniversario del IAGO, fundado por Francisco Toledo. LO MÁS RELEVANTE PARA ÉL EN SU TRAYECTORIA A lo largo de su trayectoria ha desarrollado diferentes facetas como profesional de las artes, por lo que ha tenido varios hitos en su carrera, los cuales casi siempre estuvieron relacionados con haber conocido y compartido con personas importantes en su vida, a quienes siguió como una luz que lo hacía reconsiderar sus pensamientos. En especial, su experiencia más significativa fue haber tenido la oportunidad de dar clases, ya que al hacerlo dialogaba con sus alumnos tratando de aportar algo, y simultáneamente absorbía mucho de ellos, incluso llegando a replantearse el arte mismo cada semestre. Él destaca su alegría porque desde muy joven ha tenido un gran disfrute por las artes y ha gozado de su profesión en todas sus facetas. Por ello, enfatiza la importancia de que los futuros profesionales del arte no olviden cultivar diariamente su pasión y su creatividad. Después de todo, esa es precisamente la clave para desarrollarse exitosamente en el arte. Al final del día, cuestiones como el reconocimiento o la fama son algo irrelevante, pues lo que más importa es estar en paz con uno mismo, amar lo que se hace y, sobre todo, ser feliz. Recibió influencias de autores de libros que le gustaban y de experiencias concretas, como sus viajes por diferentes países, su formación académica (destacando sus estudios en Barcelona), su trabajo administrativo en la Facultad, el proyecto del CEIIDA y su labor como presidente en CAESA. Dr. Mario Méndez inaugurando en CEIIDA el polo cultural del área metropolitana sur de Monterrey. AGOSTO 2025 15 �FOTOGRAFÍA POR GEORGIE COBBS (2017) T E DM OA C D E N E LT EMS E S DEL PAPEL A LA PANTALLA EL DISEÑO GRÁFICO D Hoy es prioridad para el diseñador tener una alfabetización tecnológica previa sobre el dominio manual, puesto que la disciplina se ha transformado a pasos gigantescos con la llegada del internet y el avance tecnológico de las últimas décadas 16 AGOSTO 2025 es la nuev �POR: JUAN GERARDO Y XIMENA E l diseño gráfico ha evolucionado desde formas más primitivas de la comunicación visual hasta convertirse en una disciplina esencial en la nueva era digital. Impulsado por avances tecnológicos y FOTOGRAFÍA POR KLAUS HAUSMANN (2017). “Las pinturas rupestres son el atisbo más remoto sobre el origen de la comunicación visual” los cambios culturales, su importancia radica en su capacidad para transmitir información de manera clara y atractiva. Desde las pinturas rupestres de Lascaux hasta los jeroglíficos egipcios y mosaicos romanos, la comunicación visual ha sido fundamental en la narración de historias y desarrollo editorial. DIGITAL va norma Durante la Edad Media, los manuscritos iluminados fueron clave para preservar y transmitir el conocimiento, gracias a su caligrafía e ilustraciones detalladas. La iconografía religiosa también destacó, mientras que los escudos de armas y los símbolos heráldicos comenzaron a usarse como formas tempranas de identidad visual. El diseño es una disciplina MUTABLE, FLEXIBLE Y COLABORATIVA que se desenvuelve en ambientes multidisciplinarios para la resolución de los problemas que se presentan”. Con la invención de la imprenta por Johannes Gutenberg en el siglo XV, se marcó un antes y un después. La posibilidad de reproducir textos e imágenes de manera masiva no solo democratizó el acceso a la información, sino que también transformó la tipografía, generando nuevos estilos y estándares para la composición visual. La Revolución Industrial consolidó el diseño gráfico como profesión, con la publicidad como una de sus principales aplicaciones. El desarrollo de la litografía y el cartelismo impulsó el uso de imágenes en la comunicación masiva, mientras que movimientos artísticos como el Art Nouveau y el Constructivismo influyeron en su estética, promoviendo la integración del arte y la funcionalidad en el diseño. El siglo XX trajo consigo la modernización del diseño gráfico, con la Bauhaus como referente de la simplicidad y la comunicación efectiva. Con la llegada de los medios de comunicación masiva, como la televisión y la publicidad impresa, el diseño gráfico se convirtió en una herramienta indispensable para FOTOGRAFÍA POR DAVID BUMGARDNER (2021). “La iconografía religiosa servían para narrar la historia del cristianismo y sus enseñanzas para atraer más fieles” las marcas y la cultura popular. Sin embargo, la revolución digital marcó un punto de inflexión con el surgimiento de software especializado como Adobe Photoshop e Illustrator, permitiendo nuevas formas de creación visual con una flexibilidad sin precedentes. AGOSTO 2025 17 �T E DM OA C D E N E LT EMS E S FOTOGRAFÍA POR: MARKUS SPISKE (2018) La constante innovación tecnológica exige que los diseñadores gráficos se adapten para crear EXPERIENCIAS VISUALES que conecten con las NECESIDADES”. 18 AGOSTO 2025 Asimismo, la democratización del internet brindó acceso a conocimiento especializado y plataformas de diseño, haciendo que el diseño gráfico evolucionara de manera colaborativa y globalizada. Hoy en día, disciplinas como el diseño web, UX/UI y la creación de contenido digital han redefinido la manera en que el diseño se integra en la vida cotidiana. Ya no se trata únicamente de comunicar visualmente, sino de generar experiencias interactivas e inmersivas para los usuarios. La irrupción de los medios digitales, vinculada a la expansión del internet a nivel global, ha ido sustituyendo paulatinamente al medio impreso. Con ello, se generó un debate sobre qué formato ofrece una mejor experiencia al usuario, algo que continúa hasta el presente debido a la incertidumbre sobre el futuro de las publicaciones impresas. En primer lugar, el material impreso ofrece una conexión tangible, ya que favorece la concentración y la comprensión del contenido a través de una estructura rígida que permite una rápida orientación. Además, el lector puede marcar páginas o agregar anotaciones. Aunque no se adapta a necesidades visuales como modificar el tamaño del texto, es un medio que no requiere de electricidad ni conexión a internet, lo que lo convierte en un recurso confiable de comunicación. A partir de la exploración de las posibilidades en color, textura y visualizar prototipos antes de ser producidos en serie, etc. A pesar de la optimización de procesos y las nuevas posibilidades que brinda lo digital, este formato no ha logrado reemplazar por completo a los soportes tradicionales. La litografía y la serigrafía siguen vigentes en la producción de carteles, textiles y arte gráfico, como ilustraciones y grabados para ediciones de arte. Aunque muchas editoriales han optado por distribuir contenido en línea, existen nichos específicos que valoran la conexión tangible que ofrecen las publicaciones y revistas impresas. �FOTOGRAFÍA POR: GEORGIE COBBS (2017) Por último, muchas de las tipografías diseñadas antes de la era digital han establecido los estándares del diseño gráfico gracias a su legibilidad y versatilidad. Incluso, diseñadores y artistas han rescatado la caligrafía para darle un nuevo significado artístico, ya que esta técnica aporta un carácter único a proyectos de branding y a la identidad visual de una empresa. El diseño gráfico es una disciplina que ha sabido adaptarse a los avances tecnológicos sin perder la relevancia de sus formatos tradicionales. Aunque el entorno digital ha optimizado procesos y ampliado posibilidades creativas, medios como la serigrafía y la tipografía clásica siguen vigentes en nichos específicos. La capacidad de integrar innovación y tradición ha sido clave para su evolución, permitiendo mantenerse como una disciplina esencial. Incluso los formatos y soportes tradicionales han trascendido por su VERSATILIDAD Y LA RIQUEZA VISUAL que aportan un carácter único y auténtico a los proyectos”. AGOSTO 2025 19 �E M P R E N D I M I E N T O CREATIVIDAD SIN LÍMITES FOTOGRAFÍA DE PINKUPINKU POR: S_TFUMAX EN REDES PINKUPINKU FOTO DE: PINKUPINKU POR: S_TFUMAX EN REDES. PinkuPinku es un artista que ha transitado entre la fotografía y la música, explorando lo visual y lo sonoro con una estética bizarra y kawaii. Lo que comenzó como un impulso creativo se convirtió en un proyecto serio, enfrentando retos como el costo de la industria musical y la necesidad de construir una comunidad. Hoy, apuesta todo a su sonido, confiando en que su identidad única lo llevará lejos 20 AGOSTO 2025 P POR: GISSELLE ROSALES ara PinkuPinku — también conocido como Isantov cuando lleva una cámara— es uno de esos artistas que no pueden quedarse quietos en una sola disciplina. Su historia comienza con una mirada aguda hacia el mundo: desde muy joven, se sorprendía al ver cómo ciertas escenas del día a día parecían gritarle “¡esto merece una foto!”. Así fue como nació su primer proyecto: la fotografía. Durante dos años, capturó instantes que otros no veían, desarrollando una sensibilidad visual que más tarde sería clave para definir su identidad como músico. Pero la música no tardó en aparecer. Fanático desde siempre de géneros variados, decidió dejarse llevar por la curiosidad y el deseo de experimentar. Lo que comenzó como una exploración personal se volvió una pasión que hoy ocupa gran parte de su tiempo y energía creativa. Aunque lleva apenas un año en la música, PinkuPinku ya tiene claro que no se trata solo de hacer canciones, sino de construir una experiencia estética completa. �FOTOGRAFÍA POR ISANTOV ¿CÓMO TE DEFINES COMO ARTISTA? FOTOGRAFÍA PARTE DE LAS CAMINATAS DE ISANTOV La estética visual puede ser UN ARMA PODEROSA para diferenciarte”. FOTOGRAFÍA POR: ISANTOV En el camino ha enfrentado muchos retos, sobre todo económicos: “todo es muy caro dentro de la industria musical”, dice sin rodeos. Aun así, no se detiene. Su ambición es clara: quiere tocar en venues más grandes, frente a más personas, y formar una comunidad que lo acompañe en su crecimiento. Las redes sociales han sido una aliada clave: lo ayudaron a difundir su primer sencillo y siguen siendo su escaparate más importante. Al hablar de cómo se inspira en lo medieval, en el Y2K, en lo kawaii, en lo otaku y en todo lo que se escapa de lo convencional, define su estilo como “bizarro, otaku y kawaii”, una mezcla que suena tan extraña como irresistible. Esta identidad se refleja no solo en su música, sino en cada aspecto de su imagen como artista. Aunque su proyecto fotográfico personal ha quedado en pausa, sigue colaborando como freelancer con otros artistas. Dirigió su sesión más desafiante el año pasado: ocho modelos, en plena calle y bajo un sol implacable. Sabe que dirigir no es solo tener una cámara, sino traducir una visión en algo colectivo. Y eso también lo aplica a la música: confiesa que aún no diseña del todo su imagen como músico, pero reconoce la importancia de trabajar con otros creativos y encontrar afinidades reales. Su consejo para otros artistas es claro: trabajen con lo que tengan, enfoquen bien sus ideas y practiquen siempre para mejorar la calidad en todo lo que hagan... y si no fluye, ¡no lo fuerces! Con nueva música en camino, su última presentación en OpenClub el pasado 26 de abril del 2025, y un estilo que no pasa desapercibido, PinkuPinku nos recuerda que el arte —cuando es honesto— puede ser tan extraño, poderoso y encantador como uno mismo. Si quieres acompañarlo en su camino creativo, PinkuPinku comparte pedacitos de su día a día, futuros lanzamientos y esa chispa que lo mueve a través de Instagram, donde está más activo como @ pinkupinku.u, una ventana sincera y colorida a su universo personal. ¡No te pierdas a este artista en rápido crecimiento dentro de la escena musical regia! AGOSTO 2025 21 �E M P R E N D I M I E N T O E M P R E N D I M I E N T O DE HOBBY A CARRERA REGISTRO DE EMOCIONES: OZIEL CASTILLO Oziel nos habla sobre su experiencia como fotógrafo en la escena indie y cómo eso ha evolucionado hasta generar su propio estilo visual ¿QUÉ BUSCAS TRANSMITIR A TRAVÉS DE TUS FOTOGRAFÍAS? Soy un fan del atractivo visual. Me gusta transmitir la idea de satisfacción o gusto cuando se mira una fotografía: ya sea por los colores, las expresiones o las formas. Me gusta poder decir “wow’’ y no dejar de mirar la foto cuando me encuentro con algo bueno. POR: OZIEL VAZQUEZ C onoce a Oziel Castillo, un fotógrafo independiente con raíces en la escena local de Monterrey, quien desde diciembre del 2022 ha dedicado su lente a capturar la esencia de las personas y la escena musical local. Comenzando su carrera como estudiante de la Facultad de Artes Visuales de la UANL, Oziel siguió su trayecto en los rincones más íntimos de Monterrey, documentando conciertos indies en lugares emblemáticos como Nodriza, Metapatio, Barrio Antiguo, donde la energía y la pasión de las bandas emergentes encontraron en su cámara, una forma de más de expresarse. Lo que inició como registros de la escena underground pronto evolucionó hacia un proyecto personal: sesiones fotográficas que fusionan su visión artística con la esencia de sus modelos, consolidando así su nombre en el medio. Su búsqueda de retos lo llevó a incursionar en el cine como parte del equipo de fotografía, aportando 22 AGOSTO 2025 22 septiembre 2020 Busco CREAR UN ATRACTIVO VISUAL, CAPTAR EL INTERÉS EN FOTO, Y EL INTERÉS DE LA GENTE en la misma”. a producciones audiovisuales una estética cargada de emociones y atmósferas que trascienden la pantalla. ¿QUÉ TIPO DE SESIONES DE FOTOS OFRECES Y CUÁL ES TU ENFOQUE? Ofrezco servicios de fotografía social, desde los típicos eventos como bodas, XV años y coberturas musicales. A veces también apoyo en rodajes. El enfoque que me doy a mí mismo, tiene que ver con la idea de crear un atractivo visual, captar el interés en la foto y en la gente que la observa. ¿A QUÉ TIPO DE RETOS TE HAS ENFRENTADO EN TU MARCA? Al inicio, fue aprender sobre la marcha y enfrentarme a una cantidad mínima de trabajos. Hoy el reto principal es tener una estabilidad constante, aunque me va muchísimo mejor que antes. �FOTOS POR: OZIEL CASTILLO ¿A QUÉ TIPOS DE EVENTOS SUELES ASISTIR Y POR QUE? Al principio, iba a toquines por gusto y por querer hacer lo que veía en internet. Tiempo después, me uní a un medio y comenzaron a mandar a auditorios grandes y próximamente a un festival en Monterrey (Tecate Pal Norte). El gusto se convirtió en ganas de trabajo. Me siento feliz captando imágenes y obteniendo ingresos de ello. ¿CÓMO TE ADAPTAS A LAS DIFERENTES CONDICIONES DE ILUMINACIÓN Y ESCENARIOS EN LOS CONCIERTOS? Usualmente, en lugares con luz decente solo uso un objetivo luminoso, un tiempo de exposición fijo pero alto y un ISO adecuado. Cuando la luz es pésima, uso flash, y luego corrijo iluminación, curvas y colores en postproducción. Mi equipo más usado es mi Nikon D7200, mi lente 35–70 mm f/2.8 y mi flash externo. Edito en Lightroom, que usualmente es suficiente, y uso Photoshop solo cuando son retratos en estudio para corregir detalles. ¿QUÉ MENSAJE LE DARÍAS A LOS FOTÓGRAFOS Y PRODUCTORES QUE VAN COMENZANDO? Que sean amables, que traten de ser extrovertidos, que compren un lente luminoso, y siempre aprendan por su cuenta. Siempre hay cosas nuevas que aprender y poner en práctica. Modelo: Ximena ¿CÓMO LOGRAS QUE TUS CLIENTES SE SIENTAN CÓMODOS Y NATURALES FRENTE A LA CÁMARA? Platico con ellos, no hago tantas preguntas, solo las necesarias. Y si algo no funciona en cámara, lo omitimos directamente. ¿CÓMO COMBINAS TUS FOTOGRAFÍAS EN TOQUINES, CON TU NEGOCIO? Los eventos musicales, ya sean toquines o conciertos, suelen estar separados por 2 o 3 semanas, a veces un mes, y siempre son en fines de semana (viernes o sábado). El resto de los días, los dedico a la fotografía social, incluso también algunos fines de semana si están libres. La verdad, incluso me he permitido no ir a un concierto que quería por cubrir un evento social. Hay que ser profesionales y priorizar a veces los negocios. Modelo: Sheila Johanna AGOSTO 2025 23 �E N F O Q U E IMÁGEN POR: VOXEL SCHOOL ANIMACIÓN TRADICIONAL VS ANIMACIÓN DIGITAL La animación es una vertiente del arte que evoluciona constantemente. Acompáñanos a conocer sus dos estilos más revolucionarios e importantes en la historia de la animación L POR: JUAN SALAZAR Y LIZBETH DÍAZ a animación tradicional nació a finales del siglo XIX y principios del XX como una forma de dar vida a los dibujos, creando la ilusión de movimiento al fotografiar cada imagen una por una, como si fuera una secuencia. Aunque al principio el proceso era bastante lento y complicado, permitió que los dibujos pasaran de ser imágenes estáticas a cobrar movimiento. Pioneros como Winsor McCay fueron fundamentales en los primeros experimentos, pero fue Walt Disney quien ayudó a popularizar está técnica. En 1928, con el estreno de Steamboat Willie, se marcó un gran avance al incorporar sonido sincronizado con la animación. Durante las décadas de 1930 a 1950, la animación tradicional vivió su apogeo, consolidándose como una forma artística muy poderosa. Aunque hoy la animación digital es la más utilizada, la animación tradicional sigue siendo muy apreciada por su estilo único, su toque artesanal y su capacidad para contar historias de forma especial. 24 AGOSTO 2025 La animación digital surgió a finales del siglo XX gracias a los avances en la tecnología informática y el desarrollo de software especializado. A diferencia de la tradicional, que requiere dibujar cada cuadro a mano, la digital permite crear personajes, escenarios y movimientos utilizando herramientas informáticas. Esto hace que el proceso sea más rápido y flexible, ya que se pueden hacer cambios fácilmente sin rehacer todo el trabajo manualmente. Con el tiempo, esta técnica fue perfeccionándose, ofreciendo más posibilidades para crear mundos y personajes complejos y detallados, así como efectos visuales impresionantes. La animación digital también permitió integrar gráficos en 3D y efectos especiales, lo que abrió nuevas formas de contar historias. Hoy en día, es la técnica más utilizada en la industria del cine, la televisión y los videojuegos, debido a su rapidez, precisión y la gran variedad de opciones creativas que ofrece a los animadores. Aunque la animación tradicional sigue siendo apreciada, la digital ha revolucionado la forma en que se producen y experimentan las animaciones. IMÁGEN POR: SHEYLA PIKGAR DOS DIMENSIONES, UN SOLO ARTE �REPRESENTANTES MÁS SIGNIFICATIVOS DE CADA ESTILO EXPONENTES DEL 2D IMÁGENES EXTRAÍDAS DE MILENIO, DISNEY LATINO Y SONORAPRESENTE BLANCANIEVES: fue la primera película de animación tradicional de larga duración. Su éxito demostró que la animación podía ser una forma seria de cine, abriendo camino para futuras producciones y consolidando a Disney como líder en la industria. REY LEÓN: reafirmó la importancia de la animación tradicional en una era en la que la animación digital empezaba a surgir. Su éxito técnico y narrativo mostró que la animación 2D seguía siendo relevante y capaz de emocionar a audiencias globales. VIAJE DEL CHIHIRO: combinó técnicas tradicionales con algunos elementos digitales, pero su éxito mundial destacó el valor de la animación hecha a mano. Mostró que aún podía ser una forma poderosa de contar historias y cautivar al público, especialmente a nivel artístico. IMÁGENES EXTRAÍDAS DE: INFOBAE, HOBBYCONSOLAS Y GQ MÉXICO EXPONENTES DEL 3D TOY STORY: fue el primer largometraje completamente hecho en animación digital, revolucionando la industria y marcando el inicio de una nueva era. Su éxito demostró el potencial de la animación por computadora y abrió la puerta a una gran cantidad de películas animadas digitalmente. SHREK: no solo destacó por su innovadora animación digital, sino también por su enfoque irreverente y su capacidad para atraer tanto a niños como a adultos. Su éxito consolidó a la animación digital como técnica dominante, mostrando que se podían contar historias complejas desde una nueva perspectiva. SPIDER-MAN: INTO THE SPIDER-VERSE: rompió barreras con una animación digital estilísticamente única, mezclando técnicas de cómic y animación 3D. Su innovación visual y narrativa mostró que la animación digital no solo podía ser realista, sino también altamente creativa, llevando la animación a nuevos niveles de expresión artística. AGOSTO 2025 25 �E N F O Q U E 2D S3D V ventajas y desventajas VENTAJAS: • Menor coste de producción: no hay necesidad de hacer una gran inversión. • Menos recursos técnicos: es mucho más accesible al no requerir tantos recursos técnicos ni de hardware. • Mayor énfasis narrativo: se centra mucho más en la creación de la historia y en dar vida a los personajes, por lo que la narración es más cuidada. • Llama rápido la atención: por su gran colorido y estética, consigue que el ser humano preste mayor atención. VENTAJAS: • Realismo visual: se crean imágenes y escenas muy realistas, gracias a los efectos de iluminación y la aplicación de texturas detalladas. • Mayor versatilidad y variedad de estilos: existe una mayor libertad a la hora de generar diferentes estéticas y estilos únicos. • Eficiencia en la producción: los modelos 3D creados pueden utilizarse en diferentes producciones, lo que permite ahorrar tiempo y dinero en proyectos futuros. DESVENTAJAS: • Poco realismo visual: en la animación 2D no existe la profundidad y, por lo tanto, el realismo es limitado. • Menos demanda en ciertos mercados: en las producciones con grandes presupuestos suele demandarse más la animación 3D. • Menos interactividad: dadas las limitaciones visuales y técnicas, su capacidad de interactividad es mucho menor. DESVENTAJAS: • Mayor complejidad técnica. • Mayor tiempo de producción y necesidad de recursos. • Posibilidad de adquirir un aspecto ‘‘plástico’’ en los modelados. • Necesidad de hardware y software potente. • Requiere conocimiento de programas complejos. La animación tradicional requiere un proceso manual de dibujo “frame a frame”, mientras que la animación digital utiliza modelos que solo necesitan ser creados una vez y luego pueden ser animados usando software. Esto hace que la animación digital sea generalmente más rápida y menos propensa a errores humanos. El estilo de la animación tradicional es, a menudo, más cálido y orgánico, reflejando la mano del artista. Por otro lado, la animación digital puede alcanzar un nivel de detalle y precisión muy elevado, lo cual es especialmente beneficioso en géneros como la ciencia ficción y la fantasía. La animación tradicional es laboriosa y puede ser extremadamente costosa y lenta debido a la necesidad de dibujar cada frame a mano. La animación digital, en cambio, reduce significativamente los tiempos de producción y puede ser más económica a largo plazo, aunque requiere una inversión inicial significativa en tecnología. Ambas formas de animación tienen sus méritos y desafíos únicos. La elección entre animación digital y tradicional depende en gran medida del estilo artístico deseado, del presupuesto, del tiempo disponible y de las preferencias personales del animador o del estudio de animación. 26 AGOSTO 2025 IMAGEN POR: PROYECTO MULTIMEDIA ¿LA ANIMACIÓN TRADICIONAL está en PELIGRo? �¿Qué FUTURO LES ESPERA? su capacidad de evocar emociones de una forma visualmente atractiva y accesible. Por otro lado, la animación 3D continúa avanzando a gran velocidad con la integración de tecnologías como la inteligencia artificial, la captura de movimiento y la simulación de entornos hiperrealistas. Estos avances no solo permiten crear personajes y mundos más detallados, sino que también facilitan la creación de experiencias inmersivas en cine, videojuegos y otras formas de entretenimiento interactivo. La creciente accesibilidad a herramientas de modelado 3D ha democratizado la producción de contenido, permitiendo que incluso los estudios más pequeños puedan crear producciones de alta calidad. Además, el 3D se ha expandido a campos como la realidad aumentada (AR) y la realidad virtual (VR), abriendo nuevas posibilidades para que los usuarios interactúen de manera más directa con los mundos animados. El futuro también se caracteriza por una mayor hibridación entre la animación 2D y 3D. Esta fusión permite combinar lo mejor de ambos estilos, creando obras visualmente innovadoras que mezclan la tradición con la tecnología más avanzada. Este enfoque se está utilizando en películas y series, donde la animación 2D se aplica sobre fondos 3D o se integran técnicas de ambos estilos para crear experiencias visuales únicas. Asimismo, el avance de la inteligencia artificial en la animación está optimizando procesos como la generación de movimiento y la creación de fondos, permitiendo a los artistas enfocarse más en la parte creativa y menos en las tareas repetitivas. La IA también promete personalizar las experiencias animadas, adaptándolas a las preferencias del público de manera dinámica. En resumen, el futuro de la animación 2D y 3D está marcado por la convergencia de tecnologías como la inteligencia artificial, la realidad aumentada y virtual, lo que expandirá las fronteras del entretenimiento y la narrativa visual. La creación de mundos animados más interactivos e inmersivos será una parte esencial de esta evolución, posicionando la animación como una herramienta fundamental para la comunicación, el arte y el entretenimiento en los años venideros. IMAGEN POR: ANIMUN 3D IMAGEN POR: ANIMATION BLOG El futuro de la animación 2D y 3D promete ser una etapa de grandes avances, impulsados por la constante innovación tecnológica que está transformando la manera en que se crean y experimentan los contenidos visuales. La animación 2D, aunque considerada tradicional, sigue evolucionando y adaptándose a las nuevas herramientas digitales. Esto le permite mantener su esencia única, mientras incorpora mayor fluidez, complejidad y detalle. A pesar de las innovaciones en la animación 3D, el 2D sigue siendo fundamental en muchos ámbitos, como los videojuegos, las series y las películas independientes, gracias a AGOSTO 2025 27 �A R T E ENTRE SOMBRAS Y EL SPRAY: La visión de un artista del graffiti El graffiti no busca aprobación, solo existir en el momento exacto en que la pintura toca el muro P IMÁGENES POR: LUCIO / WONE, INSTAGRAM: @martin_ebria POR: GISSELLE ROSALES 28 AGOSTo 2025 ara Lucio, el graffiti no es un adorno urbano ni una herramienta de embellecimiento. Es una acción transgresora, un acto que cobra sentido en el instante mismo de su ejecución. “El único momento donde existe arte es durante su ejecución; después deja de serlo”, afirma con seguridad. Su primer contacto con el graffiti fue en la infancia, al ver los tags y murales que cubrían las calles mientras caminaba con su madre. Con el tiempo, escribir su nombre en cualquier superficie se volvió una necesidad más que un pasatiempo. Lo que más lo motiva no es solo el resultado final, sino la adrenalina de intervenir espacios prohibidos y la tensión de esquivar a la policía. Entre sus recuerdos más intensos está la vez que pintó dentro de un túnel del metro. No busca reconocimiento ni una firma en una galería; para él, el graffiti de verdad no necesita permiso ni aprobación. Por eso, diferencia por completo lo que hace de los murales institucionales: “Eso no es graffiti”, sentencia. Pintar es un instante de libertad… hasta que la ciudad borra su rastro �El mayor reto ha sido el costo y el tiempo invertido, pero no se queja. Lo que sí critica es cómo el graffiti ha sido suavizado por proyectos gubernamentales que lo convierten en algo “bonito y aceptable”, alejándolo de su esencia. Tampoco le molesta que algunas marcas usen graffiti en publicidad, siempre que los artistas reciban un pago justo por su trabajo. Su consejo para quienes comienzan en el graffiti es claro: disfrutarlo, cuidarse y saber en qué terreno se mueven. “Diviértanse, cuídense mucho de la policía y de la gente que está más loca que una cabra”, advierte entre risas. Y sobre todo, nunca dejar lo que los apasiona. El arte callejero no necesita un marco, porque el mundo entero es su exposición”. LUCIO / WONE ARTISTA DEL GRAFFITI AGOSTO 2025 29 �A R T E Monterrey a Todo Color: El Graffiti y su Impacto en la Ciudad De Nueva York a Monterrey: La trayectoria del graffiti como voz rebelde y memoria visual de la ciudad POR: OZIEL VAZQUEZ P IMÁGENES POR: OBJETIVE-BROTHER-520 roveniente de las calles de Nueva York y Filadelfia en los años 60 y 70, llegó a Monterrey, Nuevo León, como un reflejo de su espíritu rebelde y su identidad urbana. A diferencia del street art, que suele contar con permisos, el graffiti tradicional es espontáneo, anónimo y, muchas veces, ilegal. 30 AGOSTO 2025 Su dualidad entre arte y vandalismo genera un debate constante en la ciudad: ¿es una manifestación cultural o un problema urbano? En una metrópoli industrial como Monterrey, los muros cuentan historias. Muraleando 2023, impulsado por Revive el Centro, buscó dignificar el graffiti a través de murales oficiales. Pero en colonias como Barrio Antiguo o la Independencia, el arte callejero surge de forma más orgánica, con tags y throw-ups que desafían las normas. Mientras instituciones como CONAR- TE buscan integrar el graffiti en espacios designados, en municipios como Escobedo y Santa Catarina su crecimiento ha sido percibido como vandalismo. Pese a la controversia, el graffiti ha dejado huella en la ciudad. Murales inspirados en Studio Ghibli en la colonia Los Laureles, homenajes a Paul McCartney y BTS, y los icónicos changos de El Pront han convertido las calles en lienzos de expresión, especialmente en espacios emblemáticos como el Túnel de la Loma Larga. �Pront: La eternidad de lo efímero o se puede hablar de graffiti en Monterrey sin honrar a Juan Carlos García, “Pront”. Con sus changos traviesos, Pront transformó muros abandonados en parte de la identidad urbana de Monterrey, Nuevo León. Sus obras, inicialmente perseguidas como vandalismo, hoy forman parte del ADN visual de nuestras calles, donde turistas y locales buscan sus firmas con cariño. Murió en 2022, pero su legado persiste. El colectivo ACME’s Crew le rindió tributo con un mural en Diego de Montemayor 551, donde sus changos ahora conviven con retratos del artista. “Pront nos enseñó que hasta lo efímero puede ser eterno”, dijo en la inauguración Sofía Ramírez, líder de Revive el Centro. Hoy, sus diseños inspiran a nuevas generaciones que, entre tags y stencils, repiten su lema: “El muro no es tuyo ni mío: es de quien lo siente”. Mi arte refleja la ‛JUNGLA DE CONCRETO’ en la que se vive, y todos los ciudadanos se comportan como simios”. Pront señaló en su momento. IMÁGEN POR: @streetart_guanatos N ADN urbano de Monterrey AGOSTO 2025 31 �P A T R I M O N I O CELEBRAN ANIVER S JOSÉ GUADALUPE POSADA Exponen algunas de las impresiones en tinta que brindan un breve vistazo al Porfiriato y la Revolución Mexicana FOTOGRAFÍAS TOMADAS POR MARJANEH VARGAS BARAJAS (2025) 32 AGOSTO 2025 dE ARTISTA POR: JUAN GERARDO DELGADO ROBLES Y MARJANEH VARGAS BARAJAS �El 12 de febrero del 2025, a las 12:00 hrs., y con motivo del aniversario número 173 del artista José Guadalupe Posada, el Departamento de Patrimonio Artístico, liderado por Héctor Morales, organizó una muestra conmemorativa de la obra del artista, ubicada en el edificio E de la Facultad de Artes Visuales. Dicha muestra está compuesta por una selección de diecinueve grabados con las técnicas de zincografía y xilografía. Las piezas enmarcadas forman parte de un acervo cultural de más de 700 grabados, los cuales fueron cedidos por el Instituto Nacional de Bellas Artes al rector Gregorio Farías Longoria de la UANL y al primer director de la Facultad de Artes Visuales, Arq. Armando Flores, en el año de 1985. SARIO MEXICANO Se prevé que la muestra sea presentada también en otras dependencias de la UANL con la intención de difundir el legado cultural e histórico del artista. Posada fue un artista con una gran capacidad crítica. Abordó la cotidianeidad, así como los acontecimientos históricos que marcaron a la época, con fenómenos como el sufrimiento del pueblo bajo el yugo de los poderosos, la marginalidad, la tragedia, el dolor, la risa, la vida y la muerte. Cabe mencionar que su obra fue tan prolífica y adquirió tal difusión, que hubo más de veinte mil obras publicadas y más de sesenta periódicos y publicaciones que le dieron cobertura. Fueron precisamente estas publicaciones periodísticas, sumadas a la ausencia de capital económico, las razones que llevaron a Figura 1. Calavera con Guitarra (1900) por José Guadalupe Posada. Posada a trabajar con grabados en pequeño formato. El ilustrador mexicano tuvo influencias de Manuel Manilla al ilustrar la vida social y política de México a través de las calaveras, siendo uno de sus grabados más icónicos La Catrina, una sátira a la burguesía porfirista, que se convirtió en un símbolo importante para el Día de Muertos. Una de las obras de Posada fue inspirada en los acontecimientos de 1899, cuando el paso del cometa Biela provocó zozobra en el público, haciéndoles creer que el juicio final estaba cerca. Dicho evento llevó al artista a realizar a una representación satírica sobre las supersticiones de la población. En sus últimos años de vida, experimentó los comienzos de la Revolución Mexicana, algo que supo aprovechar para plasmar visiones de triunfos, ideas, personajes y acontecimientos principales. Ilustró a Madero y a Zapata bajo un juicio ambivalente entre el apoyo y la crítica, además de retratar la perspectiva violenta de los combates y fusilamientos. Tras su muerte, sus placas fueron almacenadas en la imprenta de Antonio Venegas Arroyo, aproximadamente entre 15 mil y 20 mil de ellas. Algunas de sus obras se perdieron con el transcurso del tiempo, pero fueron recuperadas posteriormente por Diego Rivera, Jean Charlot, entre otros artistas, quienes redescubrieron y editaron sus planchas con fines de difusión para las generaciones posteriores. Finalmente, fue el Departamento de Patrimonio Artístico de la Facultad de Artes Visuales, el encargado de clasificar, preservar y difundir el material creado por este célebre grabador e ilustrador. Actualmente, la obra de Posada trasciende en la historia y el arte mexicano como un conjunto de piezas que no solo presentaron catástrofes, milagros, crímenes, sucesos sensacionales y cancioneros, sino que además fueron capaces de mostrar múltiples perspectivas sobre la experiencia de vida de aquella época. Hoy en día, su obra sigue dando de qué hablar, al tiempo que inspira a las nuevas generaciones con su carácter y humor icónicos. Obtuvo el respeto y admiración de otras figuras, como JOSÉ CLEMENTE OROZCO Y DIEGO RIVERA, quienes lo consideraron como el prototipo del artista del pueblo”. AGOSTO 2025 33 �FOTO: ANDREA AVEZZÙ / LA BIENAL DE VENECIA E V E N T O S BIENAL DE ARQUITECTURA DE VENECIA, 2025 APUESTAN POR LA SUSTENTABILIDAD CON LA MUESTRA COLECTIVA: INTELLIGENS, NATURALE, ARTIFICIALE El arquitecto e ingeniero Carlo Ratti explora soluciones inteligentes y sustentables al cambio climático POR: MARJANEH VARGAS BARAJAS E ste 2025 tomará lugar la Bienal de Venecia, un evento dedicado al desarrollo y difusión de las artes. Pero ¿qué es la Bienal de Venecia y por qué vale la pena hablar de ella? La Bienal de Venecia surgió en 1895, y en la actualidad, es considerada una de las tres instituciones culturales más prestigiosas del mundo. Es famosa por estar a la vanguardia en la investigación y difusión de las nuevas tendencias artísticas contemporáneas. Desde su fundación, ha organizado eventos en diversas disciplinas, tales como: arte (1895), arquitectura (1980), cine (1932), danza (1999), teatro (1934) y música (1930). 34 AGOSTO 2025 En esta ocasión, se abordará la Bienal de Arquitectura 2025, que se llevará a cabo del sábado 10 de mayo al domingo 23 de noviembre del 2025 (con preapertura el 8 y 9 de mayo) en la ciudad de Venecia, Italia, específicamente en las sedes de los Giardini, el Arsenale de Marghera y otros lugares del centro histórico. Este año, la Bienal presentará la 19ª Muestra de Arquitectura, protagonizada por la exposición colectiva Intelligens, naturale, artificiale (Inteligente, natural, artificial), bajo la curaduría del arquitecto e ingeniero Carlo Ratti. La muestra abordará una aproximación interdisciplinaria a la problemática medioambiental actual, desembocando en soluciones inteligentes que, a través de la arquitectura, permitan enfrentar la crisis climática. Dicha propuesta busca desglosar el concepto de inteligencia en todas sus formas, más allá del simple concepto de inteligencia artificial, expandiéndolo dentro de un conjunto de significados más amplios e integrados. Desde disciplinas como el arte, la ingeniería, la biología, las ciencias sociales y políticas, se pretende �GIARDINI. FOTO: ANDREA AVEZZÙ / LA BIENAL DE VENECIA La Bienal de Venecia surgió en 1895, y en la actualidad, es considerada una de las tres instituciones culturales más prestigiosas del mundo”. FOTO: JACOPO SALVI / LA BIENAL DE VENECIA Este año, la Bienal presentará la 19ª Muestra de Arquitectura, protagonizada por la exposición colectiva Intelligens, naturale, artificiale, bajo la curaduría del arquitecto e ingeniero Carlo Ratti”. individuar soluciones concretas a los desafíos medioambientales del presente. Tal y como expresó Ratti: “Para afrontar un mundo en llamas, la arquitectura debe surgir para explotar toda la inteligencia que nos rodea”. Intelligens, naturale, artificiale defiende cómo la arquitectura puede expandirse a diferentes campos y jugar un papel fundamental en la resolución de la crisis climática, una problemática que la humanidad enfrenta desde hace varias décadas. No hay que olvidar que el calentamiento global ha ido aumentando año con año la temperatura del planeta, alcanzando cifras alarmantes. Tan solo en 2024, el promedio global rebasó considerablemente el límite de +1.5°C establecido en el Acuerdo de París de 2016. Pero ¿cómo puede una disciplina como la arquitectura hacer frente a estos desafíos? Al respecto, el curador Ratti expresó: “La arquitectura siempre ha sido una respuesta a los desafíos que plantean las condiciones climáticas. Desde las “chozas primitivas”, el diseño humano ha estado impulsado por la necesidad de protegernos para sobrevivir: nuestras creaciones han buscado cerrar la brecha entre los entornos hostiles y los espacios seguros y habitables que todos necesitamos”. Intelligens, naturale, artificiale, es planteada bajo una perspectiva optimista, en la que se aplican enfoques arquitectónicos inteligentemente, que se adaptan al contexto actual: “La arquitectura debe volverse flexible y dinámica, tal como el mundo para el que está diseñada” (Ratti). El 24 de febrero de este año, tuvo lugar una conferencia de prensa en Ca’ Giustinian, San Marco, sede de la Bienal de Venecia. En ella, el presidente de la Bienal, Pietrangelo Buttafuoco, junto con el curador de Carlo Ratti y Cristiana Costanzo, jefa de la oficina de prensa del sector de Artes Visuales y Arquitectura de la Bienal, presentaron la Bienal de Arquitectura 2025. Durante la conferencia, Buttafuoco reconoció el trabajo del curador para articular un discurso a través de la muestra que no sólo comprende los términos tierra, naturaleza, mundo e inteligencia, sino también las relaciones entre ellos. Según su reflexión, la naturaleza envuelve la tierra, el mundo ocurre en la tierra y requiere de inteligencia para garantizar la preservación del todo. En sus propias palabras: “Cuando comenzamos, nos confrontamos con lo que entonces era la razón específica de la Bienal de Venecia, no solo el intérprete, sino también el espejo exacto en el que la construcción del mundo en la tierra, a través de las diversas disciplinas, encuentra un código, una referencia. Todos nosotros, con responsabilidad sobre el contenido de la construcción y el compromiso teórico, debemos reconocer la urgencia de dar respuestas a lo que hoy la tierra, en su devenir mundo, nos exige. Más aún, cuando la construcción del mundo se desmorona, podemos ofrecer soluciones gracias a la ciencia, el genio y el ingenio”. Ratti, por su parte destacó que existe una relación entre el clima y la arquitectura, y cómo, en un mundo azotado por el calentamiento global, es posible contrarrestarlo mediante una arquitectura que reduzca las emisiones. Enfatiza que, si bien: “La reducción de las emisiones también depende de la industria, el transporte y la producción de energía. Ahora neAGOSTO 2025 35 �E V E N T O S L’ARSENALE. FOTO: ANDREA AVEZZÙ / LA BIENAL DE VENECIA La muestra abordará una aproximación interdisciplinaria a la problemática medioambiental actual, desembocando en soluciones inteligentes que, a través de la arquitectura, permitan enfrentar la crisis climática”. y otras salas del Arsenale, las cuales ofrecerán al espectador un recorrido con tres mundos temáticos: Natural Intelligence, Artificial Intelligence y Collective Intelligence, culminando en la sección Out, donde se plantea la pregunta: ¿Podemos mirar al espacio como una solución a las crisis que enfrentamos en la Tierra? Dentro de la muestra, cada sección fue concebida como un espacio modular y fractal, donde se conectan proyectos de pequeña y gran escala que generan una red de diálogo. Cabe mencionar que incluso la propia ciudad de Venecia será un laboratorio viviente, en el cual se presentará un nuevo tipo de exposición, con instalaciones, prototipos y experimentos distribuidos entre los Giardini, el Arsenale y otros barrios. La Muestra de Arquitectura de la Bienal de este año representa un proyecto a gran escala que contó con la colaboración de 66 países (26 en el Arsenale y 25 en el centro histórico) y más de 750 participantes. Entre ellos, hay arquitectos, ingenieros, matemáticos, científicos del clima, filósofos, artistas, cocineros, programadores, escritores, talladores, agricultores y diseñadores de moda, todos seleccionados bajo un criterio curatorial interdisciplinario e innovador. UN TOTAL DE 16 PROYECTOS SELECCIONADOS, CORDERIE. FOTO: GIULIO SQUILLACCIOTTI / LA BIENAL DE VENECIA cesitamos pasar de la mitigación a la adaptación, y en esto, la arquitectura en el sentido más amplio, y la ingeniería, son nuestra única esperanza”. Por otro lado, los espacios expositivos de Intelligens, naturale, artificiale, serán: Las Corderie, el Pabellón Central, los Giardini 36 AGOSTo 2025 DE LOS SIGUIENTES ARTISTAS: 1. �Sebastián Enrique Carvajal Avilés (Chile) 2. Joelle Mohammad Dib (República Árabe Siria) 3. Anya Ghosh (India) 4. Jia Wei Huang (Malasia) 5. Tomás Cid Leme Ferreira (Brasil) 6. Tinsae Tsegahun Mengistu (Etiopía) 7. Caterina Miralles Tagliabue (España) 8. Agnes Thomasina Parker (Inglaterra) 9. Lucia Rebolino (Italia) 10. Bárbara Schumacher Militzer (Chile) 11. �Angela Miriam Loescher Montal (España), Latifa Khalil Yaqoob Alkhayat (Bahréin), Ous Abou Ras (Canadá), Jules Maurice Marcel Kleitman (Francia) 12. �Gildardo Ramón García Ayala (México), Abril Gu dalupe Armenta Medina (México), Alejandro Aguilar Solorio (México) 13. �Clara Mu He (China), Chun Tak Henry Chung (China) 14. �Tanvi Khurmi (Canadá), Rita Espinha Dos Santos Abreu Morais (Portugal) �Se espera que la Bienal de Arquitectura de Venecia 2025 combine esfuerzos de distintas disciplinas para elevar la arquitectura a un nivel capaz de adaptar a la humanidad a un mundo devastado por el cambio climático”. 15. � Florian Kilian Jaritz (Alemania), Franziska Gödicke (Alemania) 16. �Jaakko Julius Heikkilä (Finlandia), Emil Oscar Lyytikkä (Finlandia) Un total de 16 proyectos seleccionados reunirán a arquitectos, ingenieros, matemáticos, científicos del clima, filósofos, artistas y otros expertos en una visión interdisciplinaria innovadora”. Para hacer realidad una muestra de tal magnitud, la Bienal de Venecia colaboró con múltiples instituciones de talla global, como: la COP30 de las Naciones Unidas en Belém, el C40, la Alianza Baukultur en Davos, el Soft Power Club y muchos otros. Cuenta además con un programa público, GENS, el cual alberga- rá reuniones y conversaciones que involucrarán a audiencias de todos los tamaños. En conclusión, se espera que la Bienal de Arquitectura de Venecia 2025 sea un evento artístico internacional de gran escala que, al combinar esfuerzos de distintas disciplinas, eleven la arquitectura a otro nivel. Un nivel capaz de adaptar a la humanidad a un mundo devastado por el cambio climático, pero que, de forma inteligente, dé un paso adelante para hacer las paces con la naturaleza, convirtiendo este planeta un lugar no sólo habitable, sino también sustentable. FOTO: ANDREA AVEZZÙ / LA BIENAL DE VENECIA FOTO: JACOPO SALVI / LA BIENAL DE VENECIA AGOSTO 2025 37 �E V E N T O S DOS SIGLOS DE ARTE QUE DAN IDENTIDAD A NUEVO LEÓN “CREPÚSCULOS QUE DURAN UN INSTANTE” La Pinacoteca de Nuevo León alberga una muestra única que refleja el pulso cultural de un estado en constante transformación P POR: JUAN SALAZAR Y LIZBETH DÍAZ ara la conmemoración del 200º aniversario de la instauración de Nuevo León como “Estado libre y soberano de la República Mexicana”, el Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León, a través de la Pinacoteca del Estado, ha organizado una monumental exposición titulada “Crepúsculos que duran un instante. 200 años de artes visuales y poesía en Nuevo León”. Esta muestra colectiva, dirigida por el maestro Xavier Moyssén, se convierte en un tributo a la riqueza cultural de la entidad, celebrando dos siglos de historia que han definido su identidad en el ámbito artístico. Con una curaduría a cargo de expertos como Sara López en artes plásticas, Carmen Avendaño en poesía y Roberto Ortiz Giacomán en fotografía, además de la minuciosa investigación FOTOGRAFÍAS TOMADAS POR: LIZBETH DÍAZ 38 AGOSTO 2025 histórica realizada por Alan Hernández García, esta exposición se presenta como una auténtica joya visual y literaria. La colección reúne 375 obras de 220 artistas locales, abarcando una impresionante variedad de géneros y técnicas que van desde la pintura y la escultura hasta la fotografía, el vídeo, las instalaciones y, por supuesto, la poesía. Cada una de estas obras ofrece una ventana única a la evolución artística de Nuevo León a lo largo de dos siglos, destacando la creatividad y la diversidad de voces que han marcado el panorama cultural de la región. Lo interesante de esta muestra es que no solo presenta arte, sino que lo contextualiza dentro de los momentos históricos, sociales y políticos de cada periodo. A través de sus secciones, los visitantes recorren un viaje visual y poético que refleja los cambios en la identidad de Nuevo León, desde la construcción del estado hasta su evolución democrática. Con obras que van desde el siglo XIX hasta lo contemporáneo, la exposición transmite la esencia de la región a través de generaciones de artistas. �La exposición‛̀CREPÚSCULOS QUE DURAN UN INSTANTE’ es una muestra representativa del arte y la cultura de Nuevo León, y un reconocimiento al talento de sus creadores, pasado y presente”. Doctora Melissa Segura Guerrero, Secretaria de Cultura de Nuevo León. Esta magna exhibición no solo documenta la transformación de las formas estéticas a lo largo del tiempo, sino que también da testimonio del espíritu resiliente, creativo y reflexivo de los artistas nuevoleoneses. La selección de obras destaca tanto los grandes hitos históricos como los momentos íntimos de la vida cotidiana, tejiendo un diálogo entre el arte y la memoria colectiva. “Crepúsculos que duran un instante” traza un puente entre pasado y presente, ofreciendo a nuevas generaciones la oportunidad de redescubrir y resignificar su patrimonio cultural. En este espacio convergen la nostalgia, la crítica social, la experimentación y la identidad regional, invitando a la reflexión y el asombro. La muestra incluye charlas, talleres, recitales de poesía y visitas guiadas, acercando el arte a públicos de todas las edades. Así, esta celebración de 200 años se proyecta hacia el porvenir, reafirmando al arte como eje vital en la construcción del Nuevo León contemporáneo. AGOSTO 2025 39 �E V E N T O S Un recorrido cronológico por la historia cultural La exposición se estructura en cinco secciones que permiten un recorrido cronológico desde 1824 hasta 2024, reflejando las transformaciones que ha vivido Nuevo León, tanto en lo social y político como en lo cultural: • I� ntroducción/Presentación del Estado de Nuevo León: Una mirada inicial sobre los orígenes del estado, donde la creación de su identidad comienza a tomar forma. • Alternancia y participación ciudadana (2001 – 2024): Este periodo contemporáneo se caracteriza por la interacción de las artes con la participación ciudadana, reflejando la diversidad de voces que constituyen la actualidad de Nuevo León. • Estabilidad e institucionalización (1927 – 1972): Durante estos años, se da un impulso significativo a la educación artística y la profesionalización de los creadores. • La construcción de un Estado (1824 – 1924): En esta etapa, la producción artística y literaria comienza a consolidarse, reflejando las primeras décadas del Nuevo León independiente. • Crisis y apertura (1973 – 2000): Años de gran efervescencia social y política, que se traducen en una explosión de nuevas expresiones artísticas que buscan abordar temas de crítica y cambio. Cada sección está cuidadosamente diseñada para no solo exhibir las obras, sino también para contextualizarlas dentro de los movimientos sociales y políticos que marcaron esos periodos. Desde la lucha por la autonomía estatal hasta los más recientes movimientos de participación democrática, la muestra revela cómo el arte ha sido un espejo de la evolución de la sociedad neolonesa. UN HOMENAJE A LA PLURALIDAD DE VOCES La directora de la Pinacoteca de Nuevo León, Elvira Lozano de Todd, destacó el propósito de la exposición al afirmar que se espera que “este recorrido por la historia cultural de nuestro estado nos muestre un panorama de su evolución y la pluralidad de expresiones artísticas de los creadores de diversas generaciones que han contribuido a construir la identidad neolonesa”. 40 AGOSTO 2025 FOTOGRAFÍAS TOMADAS POR: LIZBETH DÍAZ �La pluralidad, uno de los ejes centrales de la muestra, es clave para entender la complejidad de la identidad de Nuevo León. Las 375 obras que componen la exposición no solo revelan la creatividad de los artistas, sino también las inquietudes y los desafíos que la sociedad ha atravesado a lo largo de estos dos siglos. Un aspecto importante de la exposición es la revisión de las colecciones históricas de la Pinacoteca y la Fototeca, junto con los archivos de CONARTE, que se han utilizado para complementar la narrativa visual y literaria. Según Moyssén, este trabajo de recuperación y puesta en valor de los materiales archivados es esencial para crear una historia cultural ilustrada que haga justicia a las contribuciones de los artistas locales a lo largo de los años. UNA HISTORIA VIVIENTE La exposición, además de ser una retrospectiva de los dos siglos de Nuevo León, se configura como un homenaje vivo a la creatividad y la capacidad de los artistas para responder a las vicisitudes de su tiempo. Al mostrar la evolución del arte en la región, desde las primeras inquietudes visuales hasta las propuestas más actuales, “Crepúsculos que duran un instante” se presenta como un reflejo fiel del devenir cultural del estado, un estado que ha sido, y sigue siendo, una tierra fértil para la expresión artística. Es, en este sentido, una invitación a reflexionar sobre la memoria colectiva, sobre lo que hemos sido, lo que somos y lo que podemos llegar a ser como sociedad a través de la lente del arte. Una ventana abierta no solo al pasado, sino también al futuro de Nuevo León y su producción cultural. La exposición estará abierta hasta el final del presente año, ofreciendo a los visitantes una oportunidad única para sumergirse en la historia de la cultura de Nuevo León y la rica pluralidad de sus voces artísticas. Un viaje que promete ser tan enriquecedor como revelador para quienes deseen conocer más sobre el alma de este querido estado mexicano. AGOSTO 2025 41 �E V E N T O S FOTOGRAFÍAS POR: CENTRO DE MEDIOS FAV PABLO GUTIÉRREZ Y OMEGA UNO EMPRENDER EN EL DISEÑO: CLAVES PARA EL ÉXITO Y LA CREATIVIDAD El fundador de la agencia Omega Uno nos compartió en su charla con estudiantes su trayectoria, aprendizajes y consejos sobre emprendimiento, destacando la importancia del esfuerzo, la constancia y la formación continua en el mundo del diseño gráfico POR: MARJANEH VARGAS BARAJAS E l día 21 de febrero del 2025, a las 12:00 pm, en el Auditorio E de la Facultad de Artes Visuales, se llevó a cabo el evento “Diseño gráfico a la Vanguardia”, una conferencia impartida por Pablo Gutiérrez, CEO fundador de la Agencia Omega Uno, que cuenta con casi una década de experiencia y fue recientemente consolidada de manera oficial como empresa el año pasado. El evento fue gestionado por la Secretaría de Extensión y Cultura de la UANL dentro del marco de las actividades de la Cátedra de Arte Latinoamericano Fernando Botero 2025 y contó con la presencia de diversos profesores y departamentos de la facultad, así como con una gran asistencia por parte del alumnado. A lo largo de la conferencia, Gutiérrez compartió sobre su formación, trayectoria, algunas anécdotas profesionales y su camino hacia el emprendimiento de su propia agencia de 42 AGOSTO 2025 Pablo Gutiérrez Ceo y fundador de la agencia de diseño gráfico Omega uno. diseño. Relató de forma inspiradora la historia detrás de Omega Uno, al tiempo que brindaba consejos al público estudiantil sobre cómo profesionalizar sus pasiones en el mundo del diseño y el arte. Pablo Gutiérrez es egresado de la Licenciatura en Diseño Gráfico de la Facultad de Artes Visuales, generación 20112014. Tuvo acercamientos previos a las artes y al diseño durante su paso por la secundaria, a través de cursos y talleres de artes plásticas y de cómics que tomó en la facultad. Finalmente, motivado por seguir los pasos de su hermano, decidió estudiar Diseño Gráfico. Si bien su sueño �frustrado era ser arquitecto, descubrió que disciplinas como el diseño, la arquitectura y las artes parten de la misma base, lo que lo llevó a desarrollar un gran gusto por el diseño. Cabe destacar que su formación no terminó con su egreso de la facultad, ya que desde entonces ha tomado diversos cursos, talleres y diplomados que han ampliado sus habilidades dentro del mundo del diseño gráfico. A la par de su experiencia profesional con distintas empresas, en múltiples ocasiones tuvo que salir de su zona de confort, adquiriendo nuevos aprendizajes y generando resultados favorables. Tuvo su primera experiencia laboral en una agencia, en el área de creación de contenidos para redes sociales. También trabajó en fotografía, branding y otras áreas del diseño. Sin embargo, su sueño siempre fue fundar su propia agencia y tener un proyecto personal en el cual trabajar. La idea para Omega Uno surgió en una conversación que tuvo con su hermano, lo que rápidamente lo llevó a hacer un primer diseño y logotipo en su computadora. Sin embargo, no fue hasta tiempo después, cuando notó que no recibía ofertas de sueldo justas para su perfil multidisciplinario, que decidió dejar su trabajo en una empresa y dedicarse a Omega Uno. Lo hizo con la esperanza de seguir su pasión y ser recompensado justamente por ello. Después de todo, no quería quedarse con las ganas de intentarlo, y en caso de que su emprendimiento no funcionara, siempre podía volver a buscar trabajo en alguna empresa. Afortunadamente, su proyecto despegó y hasta la fecha nunca tuvo que recurrir a ese plan B. Fue gracias a su decisión de dar ese gran salto, arriesgándose a caer, que ahora existe Omega Uno, una agencia de diseño que ha ayudado a múltiples empresas como: QULOI , Welldex Logistics, VQS, Brookstone Bennington, RGT Global Connect, Elevados Film, Digital Co Tech Consulting, Tecnológico de Monterrey, Ecosis, RCM Reclutamiento para empresas, y Glorié. Cabe destacar que, a lo largo de los años, la agencia ha ido desarrollándose y creciendo para ofrecer múltiples servicios, como branding, generación de contenido, diseño web, fotografía, blogs, posicionamiento SEO, integración de CRM’s, e-Commerce, edición de video, estandarización de identidad de marca y aplicativos. Para Gutiérrez, el diseño es un área multifacética capaz de mejorar la vida de las personas. Al respecto, plantea la analogía de que el diseño gráfico es para el cliente, lo que la medicina es para el enfermo. Por ende, destaca la importancia de que el diseñador tenga un hambre constante por aprender y busque involucrarse realmente en el proyecto: Entendiendo cuál es la dolencia del cliente y qué desea para así ofrecerle un remedio eficaz, como un médico lo hace con su paciente. Eso es en lo que cree Omega Uno, tal y como su fundador propone: “Omega Uno nace de la convicción y la determinación de hacer las cosas con calidad y profesionalismo, con bases en la investigación y la mejora continua”. Cabe mencionar que no todo fue perfecto en el viaje para crear Omega Uno y consolidarlo como lo que es hoy. Tal y como su fundador declaró: “El progreso no es lineal, la frustración llegará, pero El progreso no es lineal, la frustración llegará, pero NO DESISTAS. Cuida tu salud mental y física”. — Pablo Gutiérrez.. no desistas. Cuida tu salud mental y física”. Él cuenta que tuvo múltiples altibajos, desde la falta de motivación e inseguridades hasta dificultades para equilibrar la vida personal y la profesional. Explica que, a veces, se tiene la tendencia a no querer hacer las cosas y sólo tener las ideas en la mente sin llevarlas a cabo. Cuando uno no se esfuerza al máximo, no es constante o simplemente no obtiene los resultados deseados, es fácil victimizarse, desanimarse y buscar excusas. En estos casos, Gutiérrez destaca la importancia de la fuerza de voluntad: comenzar a hacer las cosas aunque sea difícil, sin importar nada; fijarse metas a corto plazo, autoevaluarse constantemente, evitar la procrastinación y ser constante, haciendo así las cosas lo mejor posible y sin desistir. En sus inicios, Omega Uno incluso tuvo proyectos que fueron rechazados. Sin embargo, no hubo desánimo al respecto, AGOSTO 2025 43 �E V E N T O S ¡Visita el sitio web de Omega uno y conoce más! www.omegauno.mx Mantén siempre el hambre por aprender y aplicar tus conocimientos, CONFÍA EN SUS HABILIDADES Y ABRE TU MENTE”. — Pablo Gutiérrez. ya que la agencia postuló sus propuestas con la mayor calidad posible. En una ocasión, incluso recibieron comentarios positivos y retroalimentación. Fue precisamente el haber tomado el rechazo como una experiencia de aprendizaje lo que le permitió que la agencia se desarrollara aún más y ganara nuevas oportu- 44 AGOSTO 2025 ¡Sigue a Omega uno en Instagram! IG: omega1uno nidades para llevar a cabo proyectos importantes. Por otra parte, Gutiérrez compartió múltiples consejos a los estudiantes de la Facultad de Artes Visuales, los cuales le permitieron desarrollarse y llevar a cabo su emprendimiento. Entre ellos destacan: aprendizaje constante, equilibrio, cuidado de la salud física y mental, gestión del tiempo, esfuerzo, trabajo duro, capitalizar el trabajo propio, saberse vender adecuadamente, crear conexiones con clientes y socios, practicar cómo presentar un proyecto, convicción, concentración y proactividad. Sobre el aprendizaje Gutiérrez sugiere: “Mantén siempre el hambre por aprender y aplicar tus conocimientos, confía en tus habilidades y abre tu mente”. Un gran diseñador, artista o profesionista, no concluye sus estudios al egresar de la facultad, sino que continúa formándose, aprendiendo, y cultivando sus habilidades mientras adquiere nuevas. Estar en constante formación, además de sumar al perfil profesional, también aumenta la calidad y el valor de los proyectos. Por otra parte, él cuenta que su bienestar y desempeño me- �Omega Uno nace de la convicción y la determinación de HACER LAS COSAS CON CALIDAD Y PROFESIONALISMO, con bases en la investigación y la mejora continua”. — Pablo Gutiérrez. joraron considerablemente en el momento en que aprendió a balancear su vida personal y profesional, ya que hacerlo le permitió cuidar de forma más atenta su salud física y mental. Hacer cambios pequeños, como alimentarse sanamente, hacer ejercicio y dedicar tiempos específicos a sí mismo y a su trabajo, significaron una gran diferencia, por lo que destaca la importancia de llevar una vida balanceada en todos los aspectos. Del mismo modo, recomienda activamente esforzarse siempre, trabajar duro y apuntar alto en los proyectos que se llevan a cabo, pero nunca exagerar ni hacerlo a expensas de la salud física o mental. En el tema laboral, explica que se debe procurar capitalizar el trabajo propio y saberse vender. Para ello, menciona que transmitir confianza durante la venta y mantenerse transparente y honesto ayuda bastante. Después de todo, ¿cómo podrías ven- Entre los consejos para emprender en el diseño, Gutiérrez menciona: APRENDIZAJE CONSTANTE, EQUILIBRIO, GESTIÓN DEL TIEMPO, ESFUERZO, TRABAJO DURO Y CREAR CONEXIONES CON CLIENTES Y SOCIOS”. der algo en lo que ni siquiera crees? ¿Y cómo podrías esperar, como vendedor, que el cliente confíe en lo que vendes? La confianza y la transparencia son pilares clave para atraer a los clientes y generar relaciones a largo plazo con ellos. Pero no sólo las relaciones con los clientes son importantes; también las conexiones laborales pueden servir de apoyo. Gutiérrez explica que hay personas más extrovertidas que otras, a las que se les facilita más hablar, venderse y hacer negocios, y es normal. Lo importante es no dejarse llevar por la frustración si esa parte resulta complicada y simplemente concentrarse en hacer el mejor proyecto posible, coronándolo con una presentación bien ensayada. En su experiencia personal, encontró útil el premeditar las palabras que usaría en una presentación de proyecto e incluso escribir su discurso. Sin embargo, lo que fue aún más efectivo fue la práctica. Al final del día, lo más importante es aprender a articular el discurso, y hay que hacerlo sin miedo a ensayar las cosas. Ensayar ayuda a reconocer fortalezas y debilidades en el proceso; ya sea hablando solo o con una persona de confianza, practicar puede llevar a una mejor presentación, una que delate menos nervios y transmita más seguridad, lo que a su vez lleva a mejores resultados. Gutiérrez también aborda la importancia de tener convicción ante cada proyecto que se desee llevar a cabo y dar lo mejor de uno mismo al hacerlo. Si bien, a veces puede ser difícil concentrarse y trabajar, mientras que dejar todo para después parece más cómodo, es importante ir cumpliendo con lo que uno se propone, para así obtener resultados notables a largo plazo. Él incluso comenta que, en ocasiones, tuvo que aprender a concentrarse cuando era necesario, lo que lo llevó a encerrarse y aislarse de las distracciones temporalmente para poder trabajar. En Diseño gráfico a la Vanguardia, el CEO fundador de la Agencia Omega Uno nos enseña que la fórmula para vivir del diseño, del arte o de cualquiera que sea tu pasión podrá parecer difícil de descifrar, pero la solución es más simple de lo que uno imagina: simplemente se trata de hacer las cosas, sin dejar los proyectos sólo en la mente y las tareas en la lista de pendientes. Se trata de ser proactivo. ¿Cómo y por dónde comenzar? Él comenta que sólo hay que levantarse en las mañanas y empezar a trabajar por lo que quieres, sin importar nada. Por más difícil que sea persistir para que las cosas realmente funcionen, la persistencia y el trabajo duro son desafíos que no se deben menospreciar. AGOSTO 2025 45 �Agosto 2025 - Número 14 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2025 Volumen Volumen de la revista 7 Número Número de la revista 2 Mes de publicación Mes cuando se publicó Agosto Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Tetramestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2025, Vol. 7, No. 2, Agosto Creator An entity primarily responsible for making the resource Guzmán Medrano, Ana Isabel, Directora Subject The topic of the resource Educación Diseño Arte Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2025-08-01 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource txt/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021574 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource https://revistacroma.uanl.mx/index.php/revista/issue/view/14/14 Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant San Nicolás de los Garza, Nuevo León Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. 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