https://hemerotecadigital.uanl.mx/files/original/413/22062/Croma_Arte_Diseno_Audiovisual_2026_Vol._8_No._1_Marzo.pdf e4a662fe9dead26ada543066c807fc93 PDF Text Text ARTE. DISEÑO. AUDIOVISUAL MARZO 2026 . No. 15 AÑO 8 Salud mental y física de los creativos �Í N D I C E TALENTO FAV 4 - KARINA MOCTEZUMA 8 - FERNANDO ARANDA DOCENTE 12 - YASODARI SÁNCHEZ ZAVALA TEMA DEL MES 18 - LA SALUD EN LOS CREATIVOS EMPRENDIMIENTO 24 - CHARLO 30 - ALONDRA IRACHETA ENFOQUE 32 - LA SEMIÓTICA EN EL CINE 34 - TIKTOK: HISTORIAS FUGACES ARTE 36 - TIM BORTON: STOP MOTION 38 - LA CATARSIS QUE SANA 2 marzo 2026 �PATRIMONIO 42 - HILDA CRUZ DE ABAD 44 - ADRIANA MARGAIN EVENTOS 46 - EXPOSICIÓN “REFLEXO” 48 - ALTAR DE MUERTOS 54 - FERIA DEL LIBRO 56 - MATERIAL FÍLMICO 58 - HALLOWEEN FAV REFLEXIÓN 60 - MÁS ALLÁ DEL DISEÑO CRÉDITOS Dr. Med. Santos Guzmán López Rector UANL Dra. Sandra Guadalupe Altamirano Galván MMDRS. Alejandra Gabriela Mtz. Carrasco Lic. Uriel Almazán Martínez Coordinadores Croma María Fernanda Zuñiga Vega Maximiliano Meza Ferrer Reflexión Dr. Jesús Eduardo Oliva Abarca Subdirector de Investigación y Posgrado Andrik Alberto Luna Rivera Elizabeth Baca Fernandez Graciela Vargas Hernandez Irlanda Joelli Vargas Hernandez Karina Moctezuma Escobedo Maria Alondra Iracheta Reyes Paloma Elizabeth Gonzalez Coronel Ruby Ayde Leal Lopez Sanjuana Guadalupe Gonzalez Barajas Veronica Navid Rivera Silva Ximena Zapata Lopez Estancia de Producción CROMA, año 2026, No. 15, Marzo 2026, es una publicación semestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Domicilio de la publicación: Praga y Trieste 4600, Fraccionamiento Las Torres, Unidad Mederos, Monterrey, N.L., México, C.P. 64930. Teléfono +52 8183-294260. Reserva de derechos al uso exclusivo No. 04-2023-080113474100102 otorgado por el Instituto Nacional del Derecho de Autor M.A. Santiago Javier Villarreal Villarreal Secretario Académico Karina Moctezuma Escobedo Portada Dr. Mario Alberto Garza Castillo Secretario General UANL Dr. Jaime Arturo Castillo Elizondo Secretario Académico UANL Dr. José Javier Villarreal Tostado Secretario de Extensión y Cultura UANL M.A. Ana Isabel Guzmán Medrano Directora de la Facultad de Artes Visuales marzo 2026 3 �T A L E N T O F A V KARINA MOCTEZUMA ESCOBEDO EL COLOR COMO LENGUAJE Y ESTILO DEL ALMA Con base en el arte y el dibujo, la estudiante de la carrera de Diseño Gráfico desarrolla sus ilustraciones como lenguaje y voz emocional que se transmite en cada trazo. POR: VERÓNICA RIVERA Y SANJUANA GONZÁLEZ L a joven ilustradora Karina Moctezuma Escobedo, nacida en Monterrey, Nuevo León, el 02 octubre de 2004, nos abre la puerta a su mundo visual no solo conformado por pinceles sino también por tabletas gráficas, diversos tonos de colores y una infaltable taza de café en mano. Con una trayectoria que comenzó a inicios de su etapa en preparatoria y se ha expandido durante su estadía como alumna en la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Actualmente está concentrada en desarrollar su experiencia 4 MARZO 2026 profesional dentro de convenciones y mercados de arte, una visión más directa y pública de su trabajo hacia la sociedad. Con un estilo que la misma artista confiesa no saber cómo definir ya que la caracteriza la versatilidad que tiene para adaptarse a cualquier tema, proyecto o encargo. Sin embargo, ha resaltado que su gran distinción es el color y la forma en que este es difuminado dentro de la ilustración, un estilo tan libre como su inspiración. Manejando una estética influenciada por varios artistas extranjeros en redes sociales, personas conocidas en galerías de arte u objetos observados en su propio entorno cotidiano. �Uno de los mayores desafíos e incluso, se podría llamar enemigo, es el perfeccionismo en la carrera de la dibujante. Debido a que es una constante lucha entre la inseguridad de que su trabajo no sea suficientemente perfecto para los demás y mantener una no sobresaturación de los detalles en las ilustraciones para que a la vez no sea demasiado, un balance que ha estado desarrollando con esfuerzo poco a poco en su trayectoria. La artista menciona: “a veces me comparo demasiado en redes sociales y eso me frena. He dejado de publicar dibujos por no sentirlos suficientemente buenos pero también he aprendido a escuchar opiniones y a no cerrarme en mi propia visión”. El perfeccionismo ayuda a mejorar, pero también puede paralizar”. Título de la obra: Tiempo muerto Título de la obra: ¿Dónde están? MARZO 2026 5 �T A L E N T O F A V Título de la obra: Un recuerdo agradable La ilustradora suele utilizar el arte a su manera como lenguaje emocional. Partiendo desde una inspiración visual que obtiene de lo que observa en su día a día, dibujos donde mira detenidamente los detalles, la manera en que otros utilizan los colores y resaltan algunos elementos en estilos diferentes a los de ella; un proceso de inspiración constante para tratar de mejorar. Asimismo, Karina habla de esta dificultad que tienen algunos artistas para expresarse con palabras, optando por la comunicación por medio de colores “ilustrar es mi forma de hablar. Es sacar lo que siento y mostrarlo sin tener que explicarlo”. Un cuadro muy querido por la misma ilustradora es sobre una ardilla, realizado con una técnica al óleo tradicional. Este lienzo fue parte de la exposición Olarte Galería y Taller, a pesar de ser solo un enfoque general en el animal, tiene un contexto sentimental y nostálgico para ella ya que se trata de una escena que vio en un paseo dentro de La Huasteca, Santa Catarina El arte es la manera de expresar lo que sientes cuando no tienes las palabras correctas”. 6 MARZO 2026 donde se dio cuenta de lo feliz que se sentía al haber salido de su casa y respirar un momento lejos de las pantallas. La artista considera que para mantener una constante inspiración es importante el balance entre su labor que adora y el descanso que requiere por medio de otros hobbies, “al fin y al cabo, como personas también necesitamos un momento para nosotros” a causa de que el sostener una constancia exhaustiva en el dibujo puede desencadenar estrés y frustración que imposibilita seguir con el trabajo. Por eso, Karina recomienda levantarse de la silla, descansar y tomarse un respiro lejos para mejorar el ojo crítico. Como todo artista, ella también tiene herramientas indispensables en su entorno como lo son las almohadas para su mano y el asiento, porque la ayudan a mantener una buena postura mientras desarrolla proyectos digitales. Sin embargo, si la ilustración es más tradicional, las acuarelas y los lápices de colores son infaltables por su gusto de aplicarle color a todo. Un espacio lleno de pequeños detalles personalizados, stickers creados por ella misma y cuadernos llenos de bocetos con cada elemento reflejando su personalidad cálida, vibrante y en constante cambio. �Título de la obra: Metallic heart Quiero encontrar mi propia voz para poder hacer eco de cosas que he vivido y que puedan ayudar a alguien después”. Su ilustración más reciente trata de una persona observando la ciudad desde la distancia, envuelta en una explosión de luces y colores. Participando en el concurso Vograce con esta pieza, demostrando que su lenguaje visual continúa evolucionando. De igual manera, el evento más importante en el que considera que ha participado es en “Diseña mi tarro” de 7-Eleven, más que nada por el reconocimiento y la fácil ubicación que tiene la empresa para todos. Últimamente, enfrentó el reto de mostrar su arte en un lugar más público y grande como lo es la convención Oops que se llevó a cabo los días 18 y 19 de octubre en Cintermex, Monterrey debido a que la ilustradora participó por primera vez en un evento con este nivel de exposición en su carrera y llega a mencionar: “me asusté, claro, pero tuve el apoyo de mis amigos. Si siempre te dejas llevar por el miedo, nunca vas a poder vivir la vida como quieres”. En cuanto a su futuro, Karina sueña con expandir su marca hacia otros formatos de merch personalizada como lo son las almohadas, los peluches, las cobijas, las tote bags, las sudaderas con sus propios personajes e ilustraciones. Su meta es llegar a un público internacional y consolidarse como una artista que trasciende fronteras y formatos estableciendo su marca por completo, llegando poco a poco a diferentes personas, más allá de su público objetivo. Confesó que desea ser reconocida como una artista versátil que ha logrado adaptarse a diferentes estilos además del propio, sin perder su autenticidad y esencia en cada ilustración que realiza con el corazón. MARZO 2026 7 �T A L E N T O F A V CÉSAR FERNANDO ARANDA NUÑO Fernando Aranda Fotógrafo independiente, egresado de la Facultad de Artes Visuales en el año 2024. Una mirada humanista Una voz joven que retrata la dignidad y la emoción en cada imagen. POR: IRLANDA JOELLI VARGAS HERNÁNDEZ FOTOS: FERNANDO ARANDA NUÑO C ésar Fernando Aranda Nuño, originario de Mexicali, Baja California, ha encontrado en la fotografía no solo una vocación, sino una forma de entender el mundo. Desde muy joven descubrió que mirar a través de una cámara era también una manera de conectar con los demás, de observar sin juicios y con profunda empatía. Egresado de la Escuela de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL), ha forjado una trayectoria que combina técnica, sensibilidad y compromiso social, construyendo una mirada artística donde la estética y lo humano caminan de la mano. Un sueño cumplido que marca un ANTES y un DESPUÉS en mi trayectoria”. Su historia con la fotografía comenzó a los 17 años, cuando viajó como voluntario a la Sierra Tarahumara, en Chihuahua. Aquel viaje, lejos de su entorno cotidiano, lo llevó a convivir con la comunidad Rarámuri y a descubrir la fuerza que tienen las imágenes cuando son creadas desde la cercanía y el respeto. Esa experiencia marcó un antes y un después en su manera de observar, convirtiéndose en la semilla de su primer proyecto documental: Vénezica Anagupi, centrado en la infancia y la vida cotidiana de esta comunidad originaria. Ese inicio, lejos de ser un episodio aislado, se transformó en una declaración de principios. La conexión genuina con las personas y su historia lo llevó años después a obtener el tercer lugar en el Quinto 8 MARZO 2026 Concurso Mundial de Fotografía Universitaria, celebrado en León, Guanajuato. Su trabajo fue reconocido por la solidez de su composición y, sobre todo, por su capacidad para capturar la dignidad de quienes retrata, sin recurrir al sensacionalismo ni a la mirada distante del espectador ajeno. Entre otros logros, destaca también su participación en la revista Cuarto Oscuro, una de las publicaciones más influyentes en el ámbito fotográfico mexicano, donde no solo colaboró como artista, sino que también asumió los roles de director creativo y ejecutivo. Alcanzar una portada a los 25 años es como él mismo lo describe, un sueño hecho realidad. �DONDE LA MIRADA SE VUELVE VERDAD MARZO 2026 9 �T A L E N T O F A V RETRATA LO DESDE HUMANO DENTRO César define su estilo como humanista y realista, aunque no en el sentido de copiar la realidad, sino de permitir que lo auténtico y lo espontáneo surjan naturalmente frente a la cámara. No busca posar ni alterar las escenas; su intención es acompañar, no dirigir. Cada fotografía nace de la confianza y el respeto mutuo, convirtiéndose en un acto de encuentro. Busco retratar a las personas con dignidad. MI TRABAJO NO DENUNCIA, ACOMPAÑA; RESALTA LO HUMANO EN SU FORMA MÁS HONESTA”. Sus proyectos se centran en personas, emociones y condiciones de vida, explorando temas como las masculinidades, las dinámicas de poder y la vulnerabilidad social. En sus propias palabras: Su fotografía se siente viva, cálida y cercana. Hay una intención de escuchar antes de mirar, de comprender antes de presionar el obturador. Esa sensibilidad le ha permitido construir un lenguaje visual propio, uno que habla de la empatía, de los vínculos y de la belleza que existe incluso en los silencios cotidianos. Influencias y caminos por recorrer Entre sus grandes referentes menciona a Henri Cartier-Bresson y Sebastião Salgado, fotógrafos que también hicie- 10 MARZO 2026 ron de la humanidad su centro de gravedad. Para César, estudiar sus obras ha sido una lección constante: entender cómo una imagen puede narrar una historia entera, cómo puede convertirse en una herramienta de memoria y transformación. Sin embargo, también reconoce que su aprendizaje es permanente, que aún tiene un largo camino por recorrer, y que el crecimiento como artista es un proceso que nunca termina. Más allá de los logros, Aranda enfrenta los desafíos que conlleva ser un joven artista en México. Desde lo económico —ahorrar para comprar equipo, trabajar con recursos limitados— hasta lo emocional, donde muchas veces el arte se ve como un lujo y no como un trabajo de valor social. Aun así, lo asume como un acto de resistencia cultural: seguir fiel a su visión, crear con honestidad y sostener su arte con dignidad, incluso mientras equilibra su vida profesional en otros ámbitos, como su actual trabajo en el sector gubernamental. �LA FOTOGRAFÍA EN TIEMPOS DE INMEDIATEZ En un mundo lleno de imágenes fugaces, César defiende la fotografía como un espacio de pausa y reflexión. Para él, cada imagen es más que una captura: es una invitación a mirar con atención y detenerse en medio del ruido visual que domina las pantallas. Aunque reconoce que las redes sociales han transformado la forma en que percibimos las imágenes, también valora su potencial para mostrar realidades antes invisibles. Su trabajo busca justamente eso: retratar con honestidad a las personas y sus historias, recordando que detrás de cada rostro existe un universo de emociones y memorias que merecen ser vistos con respeto. Consejo a las nuevas generaciones A los jóvenes que desean adentrarse en la fotografía, César les recomienda acercarse con curiosidad y empatía: Con apenas 25 años, César Fernando Aranda Nuño ya ha construido una trayectoria sólida que lo perfila como una de las voces jóvenes más prometedoras de la fotografía mexicana contemporánea. Su obra combina técnica, sensibilidad y compromiso social, dando vida a una estética humanista que seguirá madurando con el tiempo. Su historia nos recuerda que la fotografía, más allá de la técnica, es un acto de encuentro. Es crear memoria, tender puentes y dignificar la vida humana a través de la luz. Serie “Benésika Anagupi” (2019) Retrata infancias Rarámuri de la comunidad de Kwechi en la Sierra Tarahumara en el Estado de Chihuahua. Fotografíen con empatía y sentido, no solo con la mirada”. MARZO 2026 11 �D O C E N T E El poder de la Resiliencia y el Servicio a la LA DOCENCIA Y EL PODER DEL ARTE EN LA LUCHA SOCIAL Comunidad FOTO POR: VIDA UNIVERSITARIA – UANL. Yasodari Sánchez Zavala nos permite ver un poco de su vida y aquello que la inspiró y llevó a ser la artista que es hoy en día. Yasodari Sánchez Artista y docente comprometida con el arte y el servicio comunitario. 12 MARZO 2026 POR: ALONDRA IRACHETA Y ELIZABETH BACA L a revista Croma tuvo el honor de entrevistar a la artista y docente Yasodari Sánchez Zavala. En la entrevista nos habló de temas en relación con su carrera profesional y su docencia, el origen de su conexión con el arte, cómo su vida siempre estuvo influenciada del propósito de ayudar y cómo logró conectar el arte con la ayuda a comunidades vulnerables. La vida de Yasodari desde siempre estuvo ligada al servicio y al ayudar a las comunidades que se encuentran en estados de vulnerabilidad. Todo partió por sus dos mayores fuentes de influencia, su abuelo y su madre. Desde muy temprana edad, Yasodari empezó a experimentar cierto interés por los proyectos comunitarios y sociales, principalmente, de la mano de su madre, quien fue voluntaria en los DIF de Santa Catarina durante 25 años. Acompañaba a su madre en estos voluntariados desde los seis u ocho años, ella era estilista y en este municipio de Nuevo León abundaba la migración e inmigración por lo que se dedicaba a enseñar corte y demás; ahí, tuvo su primer acercamiento a las historias de vida de otras personas, ya que las alumnas de su madre le platicaban sus problemas económicos, de matrimonio, con los hijos, etc. Yasodari y su familia tenían una situación económica complicada, pero eso nunca fue un impedimento para que su madre ayudara a los demás. Aprendió de la memoria que tenía con su madre, quien la formó con voluntad y expectativas. “Mi mamá decía: el problema de ser pobre, no es ser pobre, es tener expectativas... tú no tienes oportunidades, Yasodari, lo único que tienes es la voluntad y si no la aplicas, pues ya es tu problema”. Por otro lado, su abuelo fue luchador social, siempre estuvo empapándola de política, “en vez de contarme cuentos, me contaba sobre política”; además, siempre estuvo al servicio de la comunidad, fue el primero que pavimentó la calle Francisco Zarco en la colonia Independencia y también creó un sistema para bombear agua a partir del río Santa Catarina. Toda su familia es de la Independencia y siempre presenció necesidades y formó parte de proyectos comunitarios. �Su interés subió al siguiente nivel cuando entró a estudiar artes en la Facultad de Artes Visuales. Al principio no sabía qué eran las artes, solo le interesaba el dibujo. Este llamado a la ayuda resurgió cuando a los diecinueve años le llegó un proyecto por petición voluntaria de la escuela, específicamente para el área de camarógrafa en donde estaba ella, este proyecto consistía en un documental de la Casa de Simón de Betania, lugar donde se resguardaban enfermos terminales, la mayoría con VIH. El problema principal era el tabú que todavía existía sobre el virus del VIH y su forma de ser contagiado. Varias personas que se sumaron al proyecto desistieron, pero ella se quedó seis meses más para ayudar, dar talleres y cuidar de un amigo enfermo de VIH del que se hizo cercana durante el desarrollo del proyecto. Una vez recibió comentarios tras un incidente con su amigo en donde diferentes compañeros le sugirieron tirar sus ropas por “riesgo de contagio”, ella no hizo caso, lavó su ropa y la siguió usando. Su padre, al ser biólogo, llegó a decirle: “Es más lo que tú puedes infectarlos, de lo que ellos te pueden infectar”, dándole a entender la erroneidad que existía sobre el tema. Luego de la muerte de su amigo, dejó de ir a la Casa de Simón de Betania, pero aprendió algo importante: “tú trata a las personas como quieres que te traten” y renació con más fuerza la inquietud que tenía de empezar a trabajar en comunidades vulnerables. Pero, ¿cómo surgió ese descubrimiento de la conexión que existe con el arte y la ayuda a la comunidad? A ella siempre le pareció más interesante el video que la fotografía, y exploraba esta área con grabaciones en mayoría personales y para la escuela. Pero, comenzó a darse cuenta del verdadero significado de la famosa frase del artista Duchamp “todo puede ser arte” a través de sus maestros, como, por ejemplo, el colectivo “La caxa” (comunidad de artistas) o como ellos se expresaban sobre FUENTE: PLAYLISTCURADA.COM/EN/AUTHOR/YASODARI-SANCHEZ/ El valor de LA PERSONA, pero también, los INTERESES REALES de un que hacer ya no digo artístico, de un que hacer QUE ATRAVIESA el arte de la comunidad y de los derechos humanos.” temas que eran tabúes, como, la práctica con modelos desnudos que era meramente interés técnico, de arte y proporción. Yasodari sentía que en aquellas épocas no lograba entender qué era realmente el arte, pero iba a todo tipo de eventos artísticos porque no conocía y estaba dispuesta a aprender. Su perspectiva sobre el arte se abrió mucho más al conocer diferentes personas con diferentes perspectivas de ver la vida y el mismo arte. Le cambió el pensamiento de que no solo era el ámbito estético, técnico y tradicional de siempre, sino que podías llegar mucho más lejos; observó diferentes formas de expresión, dibujos y pinturas que nunca en la vida se le hubiese ocurrido, pero que terminaba teniendo un propósito. Entendió y se desarrolló a partir de la observación y de empaparse de los proyectos de maestros y personas que se salían de lo convencional. Entonces es cuando empezó a cuestionarse cómo pudo ella haber trabajado los trabajos artísticos que contemplaba; eso la hizo entender otras salidas artísticas. MARZO 2026 13 �FOTO POR: PLAYLIST CURADA – YASODARI SÁNCHEZ D O C E N T E Yasodari Sánchez Durante una de sus actividades de mediación artística, promoviendo la expresión creativa y la conexión comunitaria. Pero no todo fue perfecto en sus épocas de estudiante, recién saliendo de la preparatoria, se le fue otorgada una beca en ingeniería química de parte del Tecnológico de Monterrey, pero prefirió irse por las artes y eso causó enojo en su padre; por lo que tuvo que verse en la necesidad de buscar formas para pagarse la escuela ella misma; hizo de todo, trabajó en boutiques, de limpieza, vendía tacos, entre otros empleos. Debido a su situación económica, se metió en una escuela gratuita en la colonia Independencia, en donde enseñaban oficios a las personas y aprendió a hacerse su propia ropa. En esa misma escuela, conoció a personas de muchas partes que le contaban sus historias y sus propias situaciones de vida; es entonces, cuando la hizo reflexionar y pensó que sería interesante hacer algo en video para visibilizar aquellas historias. En su época universitaria el ambiente estudiantil era pesado para ella; amaba sus clases y a sus maestros, incluso fue una muy buena alumna, siempre becada y necesitaba mantenerlo así. El verdadero conflicto eran las diferentes estructuras sociales que existían en su generación, en donde lo importante era “¿qué tienes? ¿qué eres?” o incluso tu valor venía dependiendo de tu 14 MARZO 2026 área centrada (visuales, lenguaje o diseño). En los primeros semestres de la carrera el mundo estudiantil la hizo a un lado por ser de la colonia Independencia o por vestirse con ropa muy holgada y buscó refugio con personas en su misma situación de rechazo. Aun así, Yasodari no descartaba que la situación era muy seria con el arte y la introspección que este ocasionaba en los demás. En específico, las áreas de lenguajes y artes ponían en evidencia temas controversiales. Yasodari se graduó de la universidad y siguió haciendo retratos y continuaba pensando en el dibujo. Tuvo un momento de quiebre, no sabía qué hacer; estaba segura de que quería hacer algo, pero no sabía qué con exactitud. Pero, no consideraba la palabra artista en su repertorio. Tras la muerte de su mamá en el año 2009, mientras la acompañaba en el hospital, conoció a muchas personas y escuchó muchas historias. También ese mismo año dio paso a la enfermedad de su papá y la suya, artritis severa que le impidió caminar. Ese fue su parteaguas, decidió que ya nunca iba a parar por el arte y las comunidades. Necesitaba ser más continua y disciplinada, con proyectos no espaciados, más estructurada y �No es solo ir a DIBUJAR y hacer un VIDEO BONITO, se pueden hacer MÁS COSAS”. más constante. Desde entonces, empezó a trabajar y se lo toma muy en serio, cuando trabaja se adentra en la comunidad, conoce sus secretos, vive con ellos; se tarda en tener salidas artísticas, pero le importa la relación con las personas, después de todo son personas con sentimientos, pensamientos, costumbres y creencias. Entró en la casa del migrante, llamada Casa Nicolás, para ayudar a los centroamericanos, en especial a las mujeres, ya que no se les permitía quedarse en cualquier espacio, la mayoría eran espacios para hombres. Empezó a contar historias y a entrevistar a los que entraban, en consecuencia, realizó juegos a partir de sus memorias, hizo dinámicas y aprendió de su folklore; dependiendo del país del que llegaban. Es entonces que su visión se abrió mucho más y buscó otras formas de expresar y visibilizar a la comunidad, aparte del video; por ejemplo, usaba tarjetas telefónicas, algunos ejercicios con ropa, etc. En el año de 2013, con el mismo grupo con quienes realizó el documental de la casa de Simón de Betania, hicieron el primer informe de mujeres centroamericanas en la ciudad, en donde se reportaban muchas violaciones y donde se fingía y aparentaba que no pasaba nada, se les quitaba foco y no se le daba la importancia y visibilidad que se merecía. El reporte arrojó que muchos centroamericanos trabajaban en San Pedro o en el mercado Juárez haciendo labores de limpieza, como cargadores, veladores, etc. Por parte de las mujeres, estas no eran contratadas y sufrían de muchos acosos sexuales de parte de sus autoridades, además de no contar con la seguridad adecuada para las labores que se les pedían realizar. Igualmente, al visibilizar el problema, ayudaron con acompañamiento psicológico y a denunciar. Este tipo de proyectos le hizo darse cuenta de muchos opuestos que se desarrollan en la ciudad y cómo esta se entiende con los migrantes y el clasismo, siendo Nuevo León el estado con mayor discriminación en el país. Ahora bien, es importante resaltar el trabajo de Yasodari al equilibrar su labor como artista y docente. Ella comenzó a producir a partir de los veintinueve años y es la principal razón por la que entró a la docencia, porque creía que le daría más tiempo para producir. A veces, debido a la carga de trabajo, le queda muy poco tiempo para las FOTO POR: PERIÓDICO EL VERSÁTIL. MARZO 2026 15 �FOTO POR: VIDA UNIVERSITARIA – UANL. D O C E N T E Trabajo fotográfico Realizado en el marco de las iniciativas de arte, comunidad y educación promovidas por Yasodari Sánchez. cosas personales, como comer. Aun así, ella afirma que nunca dejaría el arte académico, ya que los maestros y sus vidas activas con el arte y la docencia les da referencia a los estudiantes para que vean de primera mano cómo dar salida a sus proyectos. Los aproxima a ver los ecosistemas profesionales que les revela, al ser ellos aún muy pequeños. Aunque le gusta la docencia, le gustaría tener un poco más de enfoque en sus alumnos. No suele priorizar uno sobre otro, solo en situaciones y momentos puntuales o con situaciones difíciles, como, por ejemplo, proyectos finales. Menciona que es importante como docente seguir manteniendo un aprendizaje continuo y no caer en que ya sabes todo, ya que el mundo está en constante cambio. Es primordial aprender a escuchar, algo que ya no sucede mucho en la actualidad: escuchar para aprender y ser críticos. En cuanto a sus desafíos de trabajar directamente con comunidades en contextos complejos, Yasodari nos deja ver la completa realidad; no es un trabajo fácil, en un proyecto, donde tuvo que trabajar con una comunidad mixteca, le llevó alrededor de nueve meses para entrar en ella, todas las semanas sin falta iba a explicar sus proyectos, pero se complicaba por la diferencia de idiomas y demás. También le resultó difícil el voluntariado en la salud, donde darse cuenta y digerir la verdad. Ver a las mujeres y sus tratos 16 MARZO 2026 violentos, saber que se puede denunciar a un nivel local, pero ser consciente de lo que pasa en todos lados. En cuanto a su trabajo en la colonia Independencia, menciona que lleva alrededor de doce años con esta investigación, pero como todo, están las cosas buenas y las malas. Como aquella vez en donde la comunidad le ayudó con una operación del apéndice al reconocer que es la persona que imparte talleres gratuitos a los niños y ayuda en la comunidad; es consciente del apoyo y el respaldo que tiene, pero, enfatiza que a veces puedes llegar a romantizar a la comunidad, y no debe ser el caso. Menciona: “Uno puede romantizar a la comunidad, pero, la comunidad, como todo, tiene sus blancos, sus negros y sus grises”. Alude a las variadas anécdotas en donde diferentes personas que han trabajado en comunidad han pasado por estos malentendidos y por situaciones en donde terminan violentados ellos y el mismo proyecto. Pero sobre todo, siempre antepone tener ética, no lucrar y ser empático. Yasodari procura siempre trabajar de manera gratuita con las personas que la buscan para investigación y colaboración. Sobre todo, ella siempre hace más que solo una investigación y un proyecto por encima. Esta labor va más allá, se busca trabajar y ayudar de una manera por completo sincera. “Los proyectos comunitarios no solo se deben de quedar en la foto”. También se le preguntó sobre qué temas cree que serán urgentes �FOTO POR: VIDA UNIVERSITARIA – UANL. Uno puede ROMANTIZAR LA COMUNIDAD; pero, la comunidad, como todo, tiene sus BLANCOS, sus NEGROS y sus GRISES.” Yasodari Sánchez Durante la exposición En el cauce del río, presentada en el Museo MARCO. a trabajar en los siguientes años. Yasodari responde a la visibilidad de los derechos socioambientales y las infancias. Le preocupan los pocos pulmones de esta área, el río Santa Catarina, y forma parte del colectivo Los Guardianes de la Cuenca. Por otro lado, las infancias necesitan de buenas políticas públicas, ya que los niños desde edades tempranas se ven expuestos a la violencia y al narco porque no es una situación aislada y pasa en muchas colonias, barrios y países. Otro tema de extrema urgencia es la protección a las mujeres indígenas y cómo ellas perciben la ciudad. Ya que, quedan ajenas muchas poblaciones de mujeres, a sus costumbres y terminan siendo obligadas a diferentes casos de violencia. También, se debe hacer algo sobre el derecho a la memoria, un espacio sensorial y más afectivo, ya que las personas que llegan desconocen sobre el lugar y el área donde están y se pueden ver expuestas a la violencia y a los grupos criminales. Yasodari dejó en claro que la voz propia del artista y la voz de la comunidad en sus proyectos son uno mismo. “Siempre trato de pensar en un hecho autorreferencial, o sea, en un hecho que también me afecta a mí, no nada más a una comunidad...no es esta cosa de ellos y yo o yo y los otros. Es más bien algo que de alguna manera es el mismo universo y que si la violencia a la mujer le puede afectar a una mujer indígena, pues también nos afecta a nosotros... A veces el privilegio de estudiar o el privilegio de ser maestra tampoco tiene que ver con que a nosotros no nos pase, tiene que ver con que nos puede pasar y tener sensibilidad sobre eso que sucede allá y nos puede cruzar”. Enfatiza que la memoria tiene que ser colectiva y tiene que encargarse de restaurar ciertas formas de convivencia. Todo tiene que ver con involucrar a la comunidad. Para finalizar, Yasodari nos deja con un mensaje que le gustaría dar a los jóvenes artistas que buscan conectar el arte con la comunidad. Menciona que lo más importante es que sean honestos con las comunidades o los grupos en vulnerabilidad. Saber ser críticos, no solo desde la superficie, sino ver de entre las capas que componen un grupo y ver aquello que puede ser urgente, necesario y prioridad. Hace mucho hincapié en preguntarse las cosas que se hacen en un grupo: ¿Por qué el espacio que usan?, ¿Por qué la vestimenta?, ¿Por qué el baile?, ¿Por qué esas costumbres?... ¿Realmente estás involucrado? Si no se terminan sumergiendo, solo caen en la tendencia. Necesitan ser autocríticos y curiosos, preguntarse el por qué de las cosas. Se debe tener una autorreflexión del por qué tú mismo buscas ayudar, interiorizar y buscar la raíz del sentimiento del ayudar. Puede que venga de una experiencia de la infancia o de un suceso que te marcó. Sobre todo, tienen que ser conscientes de que lo que afecta a uno, afecta a todos y buscar un cambio, moverse y realizar proyectos que el gobierno no hace. Yasodari Sánchez es una artista con un sustento sólido en su arte y tiene claro hacia dónde va e irá en un futuro; con esta entrevista y su apertura a contarnos cosas sumamente personales nos deja ver su espíritu resiliente y luchador, el cual, no solo ve el problema, sino que está dispuesto a buscar el cambio y actuar. MARZO 2026 17 �D E L M E S LA SALUD EN LOS CREATIVOS Como creativos enfrentamos riesgos similares a los de otras profesiones, aunque pocas veces se hable de ello, es un reto constante que merece ser visibilizado POR: KARINA MOCTEZUMA Y PALOMA GONZÁLEZ E stas problemáticas se reflejan de maneras muy diversas: ilustradores y artistas desarrollan síndrome del túnel carpiano por las horas de trabajo; diseñadores pasan jornadas extensas frente a la pantalla y sufren de fatiga visual; cantantes se enfrentan al desgaste de sus cuerdas vocales; mientras que bailarines y actores lidian con dolores físicos y lesiones propias del esfuerzo corporal. A ello se suma la salud mental: el estrés constante que impone la sociedad, los plazos de entrega, la autoexigencia, la depresión y los bloqueos creativos derivados de la presión por destacar. La Emoción del Creativo Si hay algo que caracteriza a un buen artista es su creatividad y su capacidad de sentir emociones con más profundidad, esto es el motor principal que hace que se construyan grandes obras, ya que a través de la exploración de las emociones se puede ver al mundo desde perspectivas diferentes, conectar y comunicarse con otras personas mediante aquello que no podemos expresar con palabras simples. 18 MARZO 2026 Sin embargo, esto puede tornarse en un arma de doble filo, ya que el creativo siempre estará más atento a su alrededor, notando cosas que a ojos de los demás no son visibles, lo cual puede provocar un desgaste emocional bastante significativo ya que este proceso de reflexión e imaginación lo hace más sentimentalmente susceptible que otros. UN PROBLEMA MUY COMÚN ES EL INTERMINABLE PERFECCIONISMO Esa necesidad constante de querer un trabajo impecable, miedo constante a las grandes expectativas del público y sobre todo, las auto-impuestas. Este conflicto interno perjudica el resultado de la obra y termina generando más obstáculos como lo es la procrastinación, ciclos de frustración, ansiedad y dudar de las capacidades de uno mismo, por lo que se queda expuesto a más problemas del bienestar mental. IMAGEN DE KATHY DO T E M A �Las lesiones por movimientos repetitivos son afecciones de músculos, nervios, tendones o articulaciones causadas por la repetición constante de un mismo movimiento, lo que genera inflamación, dolor, rigidez y debilidad en la zona afectada. Estas pueden incluir condiciones como el síndrome del túnel carpiano y la tendinitis El tratamiento temprano es importante no solo para aliviar la inflamación y el dolor, sino también para evitar que la lesión empeore. Además de evitar la necesidad de cirugía y disminuir el riesgo de que la lesión produzca una limitación más grave. IMAGEN DE SHUTTERSTOCK Uno de los DOLORES MÁS COMUNES en diseñadores y artistas son las lesiones por movimientos repetitivos”. Lo recomendable en estos casos es el reposo durante unos días de la parte lesionada poner compresas frías, medicamentos y terapia física e incluso puedes acudir al médico por analgésicos y antiinflamatorios para aliviar el dolor. O fármacos para tratar el dolor del síndrome del túnel carpiano y síndrome del túnel cubital. Recuerda, deben ser prescritos por tu médico y acompañados de reposo y si es necesario de fisioterapia. En los casos en los que estos tratamientos no resuelvan el problema, se debe consultar con un traumatólogo especialista en la mano y miembro superior. La fisioterapia es uno de los tratamientos y de gran ayuda en caso de que no se mejore con el reposo y los antiinflamatorios, sin embargo, si no se acude a tiempo puede terminar necesitando una cirugía. PREVENCIÓN Y TRATAMIENTOS Los períodos intermitentes de descanso son una de las mejores maneras de prevenir lesiones por estrés repetitivo. Hacer un descanso cada 30 o 20 minutos después de comenzar, y luego a intervalos regulares. Lo importante es levantarse 1 o 2 veces por hora para beber agua, estirar la espalda y tomar un breve descanso de la pantalla. Buena postura y estiramientos. La espalda recta, el cuello recto y la cabeza erguida para evitar dolores de espalda y cuello, y procurar tener ambos pies en el suelo al sentarse. Así mismo es importante estirar músculos y articulaciones para mantener la flexibilidad y la buena circulación en esas partes del cuerpo que sufren posturas prolongadas y a veces inadecuadas. Si hablamos de la vista es importante también hacer ejercicios, uno de ellos es simplemente enfocarte en un punto en el fondo, un punto en el medio y un punto en primer plano, y seguir cambiando el enfoque entre estos. También procura ajustar el brillo de la pantalla de acuerdo al entorno y tener una mejor iluminación en la habitación. Así mismo la distancia de la pantalla deberá estar entre 40 y 76 cm de la cara. IMAGEN DE GETTY IMAGES Utilizar objetos y herramientas ergonómicas. Por ejemplo, las sillas ergonómicas con soporte lumbar, los ratones y teclados, los escritorios para trabajar de pie y muchos otros elementos esenciales tanto en términos de comodidad como de prevención de lesiones. MARZO 2026 19 �T E M A D E L M E S LO QUE HAY DETRÁS DE CADA CREATIVO Salud Mental Sí hablamos de la salud mental, recordemos que esta también tendrá consecuencias en nuestro cuerpo. La salud mental es de suma importancia, ya que sin ella el trabajo se verá afectado y especialmente tu persona E l funcionamiento de nuestro cerebro hace más fácil la generación de ideas, y este hecho ha sido estudiado por la neurociencia cognitiva durante mucho tiempo. A través de varios estudios neurocientíficos, se ha logrado detectar cierto patrón en la actividad cerebral mientras ocurre el proceso del pensamiento creativo, esto nos ha ayudado a entender que las señales emitidas en la red cerebral (cada una con su perfil) son las que contribuyen a la creatividad. La más importante de esta es la Red Neuronal por Defecto (RND). Imagen por: Lucía Lucas Sosa 20 MARZO 2026 Pintura por: Vincent Van Gogh, pintor reconocido por ser uno de los principales exponentes del postimpresionismo, pero también conocido por sus padecimientos. Los creativos son muy propensos a la introspección y a la ensoñación, que son reconocidos por formar parte del proceso creativo. La RND está vinculada con la rumiación, que es el acto de pensar repetidamente, enfocándose en ciertos problemas, generando un ciclo vicioso; dicho acto está vinculado a estados depresivos y ansiosos. Los estudios nos han revelado que la alta actividad de la RND está conectada con la rumiación patológica en personas con depresión, que se vuelve irregular y volátil, lo cual provoca que el individuo entre en pensamientos negativos de sí mismo. De la misma manera, el sueño (o su ausencia) tiene mucha importancia en la RND. Las funciones de la red se ven afectadas y alteradas cuando la calidad del sueño es deficiente o nula, lo que trae problemas como la falta de concentración. Y en casos de insomnio crónico, el desbalance de la actividad de la RND afecta muy notablemente a otras áreas. Este desbalance nuevamente tiene relación con síntomas depresivos como los mencionados anteriormente. La depresión y ansiedad pueden venir de un estrés constante y es muy común estar estresado cuando hablamos de cumplir con plazos o trabajos, sin embargo, es importante no ignorar ni minimizar el estrés y/o la fatiga. Los signos más comunes de agotamiento incluyen perder interés en los proyectos, sentirse abrumado e incapaz de cumplir con los plazos, tener dificultades para concentrarse y tomar decisiones, constantes bloqueos creativos y tener síntomas físicos como dolores de cabeza, insomnio o un sistema inmunológico debilitado. �Un consejo que puede ayudar no solo en esta situación es establecer límites horarios y prioridades, está bien no siempre aceptar todas las solicitudes, trabajar muchas horas y cumplir con expectativas poco realistas. No existe la perfección, y buscarla solo te llevará a un gran agotamiento, una mala calidad en tu trabajo y la insatisfacción. Para evitar esto, es esencial establecer límites y prioridades claras para tu trabajo, aprender a decir NO a los proyectos que están más allá de tu alcance, presupuesto o interés, negociar plazos y expectativas realistas con tus clientes y gerentes, delegar o externalizar tareas que no son esenciales o agradables para ti (no necesitas demostrarle nada a nadie y está bien fallar en el proceso, es parte de crecer). Procura programar descansos y dormir a tus horas para recargar tu energía y creatividad. Así como es importante comer y dormir, lo es descansar y tener pasatiempos, para distraerte de tu trabajo y tener una mejor calidad de vida. Y lo más importante, tómate un descanso y busca ayuda. Si crees que estás pasando por un momento difícil recuerda comunicarte y buscar ayuda, el estrés puede afectar tu vida de gran manera hasta tener daños irreparables en tu cuerpo. Busca ayuda profesional y apoyo personal de amigos y familiares. Imagen por: Cottonbro Studio MARZO 2026 21 �T E M A D E L M E S Imagen por: micuento.com Artistas que han visibilizado su lucha con la salud mental y física Casos de resiliencia, y cómo transformaron sus experiencias en arte y conciencia social. U n caso muy conocido es el de la artista mexicana Frida Kahlo, cuya vida estuvo marcada por el dolor físico y también por una profunda lucha emocional. Tras sufrir poliomielitis en la infancia y un grave accidente en su juventud, enfrentó no sólo limitaciones físicas, sino también periodos de depresión y 1 angustia. Fue precisamente en esos momentos cuando encontró en la pintura un medio para expresar sus emociones, convirtiendo el arte en su refugio y en una forma de expresar tanto su sufrimiento como su fortaleza. Sus obras, cargadas de simbolismo y sentimientos, son prueba de cómo la creatividad puede ser una herramienta para afrontar el dolor físico y la salud mental. Imagen por: Mark Savage El siguiente caso es el de Lady Gaga, quien ha hablado abiertamente sobre su lucha contra el dolor crónico causado por la fibromialgia y, al mismo tiempo, sobre sus batallas emocionales con la ansiedad, la depresión y el trastorno de estrés postraumático. Conocida por sus presentaciones llenas de energía y baile en el escenario, tuvo que adaptar sus coreografías y reducir la intensidad de sus espectáculos para cuidar su salud, mostrando que poner límites también es una forma de fortaleza. Para ella, la música se convirtió en un refugio y en una forma de transformar la vulnerabilidad en fuerza, además de inspirar a sus seguidores a pedir ayuda y hablar de lo que sienten. Con iniciativas como la Born This Way Foundation, Gaga ha buscado visibilizar la importancia de la salud mental y crear espacios de apoyo y empatía para jóvenes alrededor del mundo. 2 22 MARZO 2026 �Imagen por: Ashley Osborn 3 Otro caso es el de la banda Twenty One Pilots, que, a través de sus letras, ha visibilizado la lucha frente a la depresión y la ansiedad. La mayoría de sus canciones también abordan el estrés de la vida cotidiana y las inseguridades, condiciones a las que estamos constantemente expuestos en la sociedad actual, ya sea en el trabajo, la escuela o en nuestro entorno. Tanto Tyler Robert Joseph, su vocalista, como Josh William Dun, el baterista, han compartido experiencias personales relacionadas con la salud mental, señalando que la música ha sido un apoyo fundamental para enfrentar estas situaciones. Asimismo, alientan a todos sus seguidores a canalizar sus emociones mediante el arte, a no reprimir lo que sienten y a buscar ayuda cuando lo necesiten. De esta forma, su música se convierte en un espacio de expresión y concientización, cargado de simbolismo y honestidad, que recuerda a su audiencia que hablar de lo que sentimos no es una debilidad, sino un acto de valentía que nos guía hacia una vida más saludable y consciente. Imagen por: Brad Heaton MARZO 2026 23 �E M P R E N D I M I E N T O POR: MARLÓN GARCÍA PHOTOGRAPHER CARLOS GARCÍA WALTERBACH (CHARLO) EL TRAZO QUE CUENTA HISTORIAS Charlo es un artista que ha hecho del mural una extensión de su lenguaje interior, fusionando arte, diseño y comunidad con una estética espontánea y humana. Lo que comenzó como un ejercicio libre de trazo se transformó en un movimiento visual que invita a mirar, agradecer y pertenecer. POR: GRACIELA VARGAS HERNANDEZ E ntre trazos negros que se entrelazan en formas que evocan símbolos antiguos y palabras contemporáneas, Charlo ha encontrado su propio lenguaje visual; uno que respira autenticidad y fluye entre la estructura del diseño y la intuición del arte. En su obra, el blanco y negro no es solo una elección estética, sino una forma de síntesis: la búsqueda constante de equilibrio entre opuestos, entre el control del diseñador y la emoción del artista. ¿Cómo te defines como artista y diseñador dentro de tu propio lenguaje visual? Charlo dice que su trabajo es el resultado de una conversación constante entre dos mundos que no pueden separarse. “Mi arte está completamente influenciado por mi educación como diseñador, pero también sucede a la inversa: mi arte influye en mi forma de diseñar.” Egresado de Diseño Gráfico, aprendió pronto que el lenguaje visual podía ser más que una herramienta de comunicación; podría convertirse en una voz propia. “He hecho mucha identidad visual para marcas, pero con el tiempo me di cuenta de que también había desarrollado una identidad para mí mismo. Un lenguaje que, aunque nació del diseño, evolucionó en el arte.” 24 MARZO 2026 FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE CHARLO.STUDIO �Ese lenguaje se compone de líneas que respiran y símbolos que mutan. No hay bocetos rígidos ni planes cerrados; su proceso se construye desde la espontaneidad. “La gente se sorprende de que no tenga un plan para lo que hago. Ven un muro enorme y piensan que todo está calculado, pero en realidad todo ocurre ahí, en el momento. Eso rompe una expectativa, y me encanta ver sus caras cuando se dan cuenta de que el arte puede surgir del presente.” ¿Qué papel juega la comunidad en tu trabajo muralista? ¿Cómo influye la interacción con la gente en el proceso creativo? Para Charlo, el mural es un acto de la comunidad. Desde sus primeros proyectos en Denver, entendió que pintar muros era también pintar vínculos. “Empecé haciendo murales para mis vecinos, y eso me hizo sentir parte de la comunidad en la que vivía. Como inmigrante, fue mi manera de pertenecer, de sentir que también era parte del país, aunque no hubiera nacido ahí.” Durante el proceso creativo, su diálogo con las personas se convierte en parte del mural. “A veces la gente se me queda viendo sin saber qué pasa, y yo les saludo. Les pregunto una palabra que les guste mucho. Una señora, una vez, me dijo que le gustaban las mariposas. En ese momento pinté una en el mural.” Ese gesto aparentemente simple contiene el corazón de su práctica: el arte como un acto cotidiano, cercano y compartido. “Me llena de alegría ver cómo alguien que pensaba que el proceso creativo era algo sagrado o milagroso se da cuenta de que es algo cotidiano, al alcance de todos.” FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE @CHARLO.GW Me llena de alegría ver cómo alguien que pensaba que el PROCESO CREATIVO era algo sagrado o milagroso se da cuenta de que es algo cotidiano, AL ALCANCE DE TODOS.” ¿Cuál ha sido la reacción más significativa o inesperada del público frente a una de tus obras? FOTOGRAFÍAS EXTRAÍDAS DE CHARLO.STUDIO FOTOGRAFÍAS EXTRAÍDAS DE CHARLO.STUDIO “Una vez, una persona se acercó a decirme que, al ver uno de mis murales, sintió que podía respirar. Me dijo que había tenido un día muy difícil, pero que al pasar por ahí algo le cambió el ánimo.” Charlo recuerda esa escena con humildad. “Eso me hizo entender que el arte público puede tener un poder muy sutil pero muy real. A veces no se trata de entender la obra, sino de sentir que algo se mueve dentro de ti.” Aquella experiencia le confirmó que el arte no necesita intermediarios. Para él, esa es la verdadera finalidad de su trabajo: que las personas se detengan un momento y miren. “Si nos detenemos a observar los detalles, nuestro día puede cambiar. Mi trabajo pasa rápido, pero está hecho para que la gente explore, para que vea lo espontáneo. Si algo quiero dejar, es eso: que mirar una flor o una palabra puede cambiar tu actitud ante el mundo.” MARZO 2026 25 �E M P R E N D I M I E N T O Tus murales muchas veces transmiten mensajes positivos como “alegría” o “gratitud”. ¿Por qué es importante para ti incorporar esas palabras? Charlo no oculta que su trabajo parte de una necesidad emocional. “Vivimos rodeados de malas noticias, de cosas negativas. Yo trato de enfocarme en las cosas pequeñas que son buenas, pero sin negar lo otro.” Sus palabras y símbolos son espejos de lo que observa en la gente. “Últimamente he incluido palabras que no son tan positivas, como ‘llorar’ o ‘mal’. Lo importante no es ser feliz todo el tiempo, sino ser auténtico.” En sus piezas más personales, aquellas que exhibe en galerías, esa autenticidad se traduce en una mirada más introspectiva. “Mi trabajo mural es más colaborativo y público, por eso tiende a ser más positivo. Pero en mi obra íntima, el mensaje es más profundo. Tener esas dos partes, lo público y lo íntimo, lo alegre y lo doloroso, también es parte de mi arte.” Cuando trabajas en un mural, ¿qué importancia le das al espacio urbano que lo rodea? POR: GRACIELA VARGAS Charlo explica que cada muro tiene su propio carácter y que su trabajo busca dialogar con él. “El muro me dice qué hacer. A veces su textura, su historia o la gente que lo rodea cambian completamente mi idea inicial.” Para él, el arte urbano no es solo intervenir un espacio, sino escucharlo. “Pintar un mural es escuchar el ritmo del lugar. No quiero imponer algo que no le pertenezca a ese entorno.” Menciona con especial emoción su intervención en la estación Cuauhtémoc de Monterrey. “Nunca me imaginé volver y hacer algo tan público, algo que va a ver tanta gente todos los días. Todavía no me cae el veinte, pero me da mucha emoción saber que mi trabajo forma parte del paisaje cotidiano de mi ciudad.” “Pintar un mural es ESCUCHAR EL RITMO DEL LUGAR. No quiero imponer algo que no le pertenezca a ese entorno.” POR: GRACIELA VARGAS 26 MARZO 2026 �Dicha intervención, llamada “Dream structures. Las estructuras de un sueño”, tuvo su inauguración el pasado 19 de Octubre del 2025 a las 16:00 hrs, como parte del Festival Santa Lucía. La exposición cuenta con un mural de gran escala en la línea del metro, así como diez piezas montadas en mamparas dentro del lobby, las cuales pueden ser vistas por los usuarios. Esta exhibición es permanente y se puede visitar en la estación Cuauhtémoc, en la Línea 2 del Metro de Monterrey. ¿Qué diferencias sientes al trabajar en Monterrey y en ciudades como Denver o Nueva York? “Cada ciudad tiene su energía. En Estados Unidos me sentí adoptado; en Monterrey me siento en casa.” Charlo reconoce que la experiencia de migrar le dio una nueva perspectiva sobre su identidad, “Cuando pintaba en Denver, muchas veces incluía palabras en español, como una manera de mantener viva mi raíz. En Monterrey, en cambio, siento que esas palabras ya no necesitan traducirse; aquí se entienden desde el corazón.” Volver a su ciudad natal, dice, ha sido un proceso de reencuentro. “Se siente bien padre poder estar haciendo un mural donde crecí. Es un orgullo real, del corazón. Aunque me haya ido, estoy de regreso haciendo algo que me representa como individuo, pero también representa lo que soy gracias a esta ciudad.” POR: MARLÓN GARCÍA PHOTOGRAPHER POR: GRACIELA VARGAS POR: GRACIELA VARGAS POR: GRACIELA VARGAS MARZO 2026 27 �E M P R E N D I M I E N T O FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE CHARLO.STUDIO FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE CHARLO.STUDIO ¿Cómo ha influido la migración en tu lenguaje visual y en la narrativa de tus proyectos? “La migración me cambió completamente la mirada”, confiesa. “Vivir fuera te hace valorar más de dónde vienes. En mis murales en Estados Unidos siempre hay palabras en español: gracias, familia, amor; es mi manera de tender un puente.” Su estética, con líneas que recuerdan jeroglíficos y símbolos prehispánicos, también refleja esa conexión con sus raíces. “A veces me dicen que mis dibujos parecen jeroglíficos mayas o aztecas, y aunque no lo hago conscientemente, sé que mi formación mexicana está ahí.” FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE KRISTINADAVIESART.COM En tus talleres de arte, ¿qué ejercicios o dinámicas disfrutas más impartir a tus alumnos? Su faceta pedagógica es otra forma de conectar. En sus talleres, busca que cada participante encuentre su propio trazo, su propio símbolo. “Todos dibujamos una flor diferente; eso ya es una identidad visual, una huella.” Para Charlo, enseñar arte no es transmitir técnica, sino despertar curiosidad. “Me gusta ver cómo cada persona expresa algo propio sin darse cuenta. Es una prueba de que el arte está en todos; solo hay que dejarlo salir.” ¿Has tenido experiencias de colaboración con otros artistas o colectivos? ¿Cómo han enriquecido tu estilo? REDES SOCIALES INSTAGRAM @kristinadaviesart Kristina Davies. Artista visual abstracta que ha colaborado con Charlo. 28 MARZO 2026 SITIO WEB https://www.kristinadaviesart.com/ Charlo disfruta especialmente de las colaboraciones. Una de las más significativas ha sido con Kristina, una pintora abstracta. “Ella trabaja con color, yo con línea. Empezamos en extremos distintos del lienzo y nos movemos hasta que nuestros estilos se mezclan; es como un baile.” Ese intercambio ha reforzado su visión del arte como algo vivo, que sucede en movimiento. “Pintar con otros artistas te obliga a soltar el control; aprendes a escuchar visualmente.” �Si algo quiero dejar, es la idea de que LA CREATIVIDAD NO ES UN DON RESERVADO, SINO UN GESTO COMPARTIDO; todos podemos crear, observar, conectar.” ¿Qué legado te gustaría dejar a través de tu trabajo como diseñador gráfico y artista visual? “Quisiera que la gente, al ver mi obra, se detuviera un momento. Que entendiera que el arte no es un lujo, sino una forma de estar presente.” Más que dejar un legado material, le interesa sembrar una actitud: la de mirar con atención. “Si algo quiero dejar es la idea de que la creatividad no es un don reservado, sino un gesto compartido. Todos podemos crear, observar, conectar.” Entre líneas y símbolos, Charlo pinta desde el corazón y desde el presente. Sus murales son mapas emocionales que hablan de pertenencia, gratitud, memoria y comunidad. En cada nube que dibuja, en cada palabra que traza, se escucha una misma certeza: el arte sucede cuando aprendemos a mirar con atención. POR: GRACIELA VARGAS REDES SOCIALES INSTAGRAM @charlo.gw SITIO WEB https://www.charlo.studio/ FOTOGRAFÍA EXTRAÍDA DE CHARLO.STUDIO MARZO 2026 29 �E M P R E N D I M I E N T O Arte sobre mezclilla JÓVENES TALENTOS FOTOS TOMADAS POR: ALONDRA IRACHETA Con cada trazo sobre la mezclilla, Alondra Iracheta transforma una prenda común en una pieza de arte con significado. 30 MARZO 2026 POR: ELIZABETH BACA C onvertir una prenda cotidiana en una obra de arte es posible. Así lo demuestra Alondra Iracheta, una joven emprendedora que transforma chaquetas de mezclilla en piezas únicas. El camino de Alondra en la pintura sobre mezclilla comenzó de manera inesperada. Mientras estudiaba la carera de Diseño Gráfico, su mamá encontró en Instagram videos de chaquetas pintadas y pensó que su hija podía intentarlo. La animó a probar con prendas viejas y pinturas básicas. “Al principio fue difícil, pero después mi mamá me empezó a dar más prendas para pintar y yo fui añadiendo más detalles como artista, con un enfoque más conceptual”, recuerda. Con el tiempo, su interés se convirtió en un emprendimiento. Su motivación principal fue descubrir que se sentía más cómoda pintando sobre tela de mezclilla que en un lienzo: “El fondo azul de la mezclilla me resulta mucho más fácil, es como que mi mente fluye más rápido ahí”. Aunque el inicio fue retador especialmente al emprender desde la universidad sin mucha experiencia lo ha asumido como un aprendizaje constante. SU PROCESO CREATIVO Cada pieza que pinta Alondra tiene un trasfondo personal. A veces, los diseños nacen de su estado de ánimo o de algún pensamiento; otras, de lo que los clientes le piden. “Si es algo para mí, tiene más significado; si es para alguien externo, depende mucho de la persona que me lo pide, pero siempre trato de darle un trasfondo”. Su proceso combina bocetos, pruebas y la determinación de lograr exactamente lo que imagina. “Lo que me inspira a crear es el propósito de la pieza, ya sea expresar un tema interesante o una situación que estoy viviendo.” Cada prenda es un ejercicio de constancia: a los colores y trazos suele añadir detalles brillantes, piedras y listones que hacen que sus chaquetas se distingan de lo común. �El arte no es sobre la PERFECCIÓN, sino sobre EXPRESAR lo que con PALABRAS no siempre puedes”. Obra de Alondra Iracheta Seleccionada para la exposición del Día de Muertos 2023. LA SATISFACCIÓN DE VER SUS PIEZAS EN USO El momento en que alguien viste una de sus piezas es para Alondra la mayor recompensa: “Se siente bien bonito porque alguien lo está usando, porque le gusta lo que pinté”. CONCURSO DÍA DE MUERTOS Un punto clave en su trayectoria fue su participación en un concurso con una chaqueta inspirada en el Día de Muertos. La experiencia fue todo un reto, pues coincidió con uno de los semestres más pesados de su carrera. Entre tareas y su colaboración en el altar de muertos de la Facultad, tuvo que organizarse para terminar su pieza. “¡Tres días antes no llevaba nada! Solo el boceto que hice entre la escuela y la casa. Necesito que la inspiración me llegue, y eso a veces es un problema”. A pesar del estrés, el esfuerzo valió la pena: su pieza fue seleccionada. “Yo no esperaba que quedara, pensé que no tenía oportunidad. Cuando vi mi nombre en la lista no lo podía creer”. Más allá del reconocimiento público, este logro le dio seguridad y le mostró que su arte tenía un lugar, además de demostrarle a su familia que su camino creativo tenía futuro. MIRADA AL FUTURO Entre sus planes está experimentar con nuevas prendas y accesorios: tenis, pantalones, chaquetas de cuero e incluso lienzos completos de mezclilla. También le gustaría consolidar su marca en línea y lograr que la gente la busque no por encargos genéricos, sino por piezas con significado. SU CONSEJO El consejo que comparte con otros jóvenes refleja su esencia: “No tengan miedo, incluso si tienen miedo háganlo. El arte no es sobre la perfección, sino sobre expresar lo que con palabras no siempre puedes”. Aunque el futuro es incierto, este proyecto le ha dado la fuerza para seguir su pasión. La pintura en mezclilla no solo ha transformado su forma de expresarse, sino también la manera en que se ve a sí misma y sus posibilidades como artista. La pintura en mezclilla no solo ha TRANSFORMADO su forma de EXPRESARSE, sino también la manera en que se ve a sí MISMA COMO ARTISTA”. REDES SOCIALES _ INSTAGRAM @theworldofmarilo MARZO 2026 31 �E N F O Q U E LA SEMIÓTICA EN EL CINE EL LENGUAJE OCULTO DE LAS IMÁGENES POR: RUBY AYDE LEAL LOPEZ Imagen extraida de: CineOculto. Cada plano es un signo y cada signo, una historia: descubre cómo la semiótica transforma nuestra manera de ver el cine. E ntre los estudiantes de artes, la semiótica tiene una mala fama ya que se le acusa de ser muy complicada, abstracta y oscura, lo cual si bien es cierto ya que los libros de la materia son bastante complejos, en el cine es uno de los mejores métodos para comprender lo que comunica el lenguaje cinematográfico, cada elemento visible y audible opera como un signo que el espectador interpreta, ya sea de manera consciente o intuitiva. Nada en una película está colocado al azar: todo participa en la construcción del sentido La palabra semiótica viene de la raíz griega seme sēmeiōtikos que significa intérprete de signos. Cuando hablamos de signos en el cine, nos referimos a cualquier elemento que comunique algo. Una rosa marchita puede transmitir pérdida; un ángulo de cámara en contrapicado puede hacer que un personaje se sienta más poderoso; un primer plano nos acerca a sus emociones. Estas interpretaciones dependen tanto de nuestra experiencia como de 32 MARZO 2026 los códigos culturales que compartimos. La semiótica identifica tres tipos principales de signos. Los iconos se parecen a la realidad (como una fotografía o un paisaje); los índices señalan una relación directa, como el humo que indica fuego; y los símbolos dependen de un acuerdo cultural, como el color rojo asociado al peligro o la pasión. En el cine, estos signos se combinan para crear capas de lectura que enriquecen la historia. El lenguaje cinematográfico también participa en la creación de significado. La puesta en escena, que incluye iluminación, vestuario, decorado y actuación, construye la atmósfera y revela información sobre los personajes. La puesta en cuadro, es decir, el tipo de plano, el ángulo y los movimientos de cámara, guía nuestra interpretación. El montaje une imágenes para generar nuevas asociaciones, como lo demuestra el famoso efecto Kuleshov. Incluso el sonido, como la música, los silencios y los efectos aporta emociones y tensiones que no siempre vemos, pero sí sentimos. �Comprender la semiótica nos permite analizar la narrativa desde otro ángulo. Objetos recurrentes, contrastes de color o ciertas composiciones pueden convertirse en metáforas visuales o en pistas sobre la intención del director. Un ejemplo conocido es El laberinto del fauno, de Guillermo del Toro. En esta película, la clara distinción cromática entre los tonos dorados y cálidos del mundo fantástico y los colores fríos y azulados del mundo real establece un contraste emocional que guía al espectador. Los tonos cálidos sugieren refugio, imaginación y esperanza, mientras que la frialdad del mundo real subraya la dureza y crudeza del contexto histórico. Esta dualidad cromática funciona como un código visual que profundiza en la psicología de la protagonista y en la naturaleza de los mundos que habita. Imagen extraida de: Warner Bros. Otro ejemplo emblemático de semiótica aplicada en el cine se encuentra en El Padrino, donde las naranjas se convierten en un símbolo recurrente de peligro o muerte inminente. Aunque a primera vista parecen objetos cotidianos, su presencia estratégica antes de escenas violentas crea un patrón simbólico que el espectador aprende a reconocer de manera intuitiva. Este detalle visual se ha convertido en un elemento icónico del lenguaje cinematográfico de la película, demostrando cómo un signo aparentemente sencillo puede adquirir un significado profundo dentro de una obra. Asimismo, en Los Juegos del Hambre, el sinsajo funciona como un potente símbolo de resistencia y libertad. A lo largo de la saga, este emblema evoluciona junto a la protagonista, convirtiéndose en un signo cultural dentro del propio universo narrativo. Su presencia en vestuarios, gestos, propaganda y objetos lo transforma en un marcador visual de rebelión que trasciende su función inicial. El sinsajo no solo representa una identidad colectiva, sino que también actúa como un vehículo semiótico que articula el crecimiento político y emocional del personaje principal. Para finalizar, tenemos de ejemplo a El resplandor de Stanley Kubrick. La película utiliza los signos de manera magistral para construir atmósferas, desarrollar personajes y revelar discursos sociales y psicológicos. En “El resplandor”, la arquitectura del Overlook Hotel es un sistema de signos que comunica aislamiento, repetición e inestabilidad. La película es reconocida por su composición simétrica extrema, un recurso que normalmente se asocia con equilibrio o armonía, pero que en este contexto genera una sensación inquietante. La perfección geométrica de los pasillos y habitaciones actúa como un símbolo de control y, al mismo tiempo, como un índice de la mente deteriorada de Jack Torrance. En resumen, la semiótica en el cine nos invita a mirar más allá de la superficie. Cada encuadre, objeto o color tiene un significado que contribuye al discurso total de una película. Comprender estos signos permite desarrollar análisis más sólidos y sensibles, además de ampliar la forma en que interpretan y producen sus propias imágenes. agen optenida de CineOculto. Imagen extraida de: Warner Bros. Imagenes extraidas de: Amazon,NICHXAV. El cine, como cualquier lenguaje, se entiende mejor cuando descubrimos el sistema de signos que lo compone. Y es precisamente esta lectura profunda la que transforma la experiencia cinematográfica en un acto creativo, crítico e interpretativo. MARZO 2026 33 �E N F O Q U E CULTURA DIGITAL TikTok y el arte de contar historias fugaces En menos de un minuto, millones de usuarios logran condensar emociones, tendencias y reflexiones que trascienden la pantalla. POR: IRLANDA JOELLI VARGAS HERNÁNDEZ E n la era digital, las formas de comunicación han cambiado radicalmente, y con ellas, la manera en que contamos y consumimos historias. TikTok es una de las plataformas que mejor ha entendido esta transformación. Su propuesta se basa en la inmediatez: videos breves capaces de atrapar la atención del espectador en cuestión de segundos. Este modelo de narrativa corta responde a un público acostumbrado a lo rápido, lo visual y lo que genera un impacto inmediato. La magia de esta plataforma no radica únicamente en la brevedad, sino en los recursos creativos que pone al alcance de cualquiera. Transiciones fluidas, filtros llamativos, sonidos virales, música y efectos especiales se convierten en herramientas narrativas. Con ellos, los usuarios condensan ideas, emociones e incluso relatos completos en clips de apenas unos segundos. Lo interesante es que, aunque estas historias son fugaces, tienen el poder de quedarse en la memoria colectiva y generar tendencias culturales que trascienden lo digital. Un ejemplo reciente de cómo TikTok logra transformar la brevedad en narrativa impactante es el trend de “Ojitos mentirosos”, una cumbia que se viralizó acompañada de videos donde jóvenes se maquillaban como payasos y recorrían calles, tianguis o barrios populares. Más allá de lo estético, muchos de estos clips se produjeron con gran cuidado en la edición, el uso de filtros y la construcción de una historia visual. El maquillaje y las locaciones evocaban la película Chicuarotes (2019) de Gael García Bernal, cargando los videos de un simbolismo social y cultural que conectó con miles de espectadores. Esta tendencia demostró cómo una canción, acompañada de recursos creativos, puede convertirse en un relato fugaz que no solo entretiene, sino que también provoca reflexión e identidad colectiva. 34 MARZO 2026 Cada video funciona como una microhistoria. No importa si se trata de una escena humorística, un consejo práctico, un baile o un fragmento de vida cotidiana; la clave está en cómo se construye el relato con creatividad y ritmo. La plataforma fomenta un lenguaje audiovisual propio, donde lo breve es sinónimo de intensidad. En lugar de explicar demasiado, se busca mostrar lo esencial, generando un impacto emocional inmediato. TikTok también ha redefinido el papel del espectador. Ya no somos simples consumidores pasivos: podemos ser parte de la narrativa a través de duetos, comentarios o recreaciones. Esa interacción crea un ciclo en el que las historias se multiplican y se transforman constantemente, reafirmando la idea de que lo fugaz no significa superficial, sino flexible y adaptable a las dinámicas de la cultura digital. Además, la interacción constante entre los usuarios y el contenido hace que las narrativas en TikTok sean �un reflejo de la cultura compartida. Al no depender de una estructura rígida de inicio, desarrollo y final, cada video puede transformarse en un lienzo abierto donde los significados cambian con cada visualización. Los duetos, las respuestas creativas y las remixes amplifican la historia original, permitiendo que el contenido se expanda y se multiplique en formas inesperadas. Este fenómeno de “co-creación” democratiza el proceso narrativo y permite que cualquiera, desde creadores novatos hasta artistas establecidos, participen activamente en la construcción de significado colectivo. La velocidad con la que se difunden los contenidos y la capacidad de generar conversaciones globales a partir de un solo video refleja cómo las redes sociales han modificado nuestra relación con la narrativa. Lo efímero ya no es un obstáculo, sino un puente hacia nuevas formas de conexión y expresión. De esta forma, TikTok nos enseña que las historias no necesitan ser largas para ser significativas. Lo efímero puede ser poderoso y lo breve puede dejar huella. En cada transición creativa o en cada sonido viral se esconde una nueva forma de narrar que conecta con millones de personas alrededor del mundo. Al final, estas historias fugaces reflejan nuestra manera contemporánea de ver el tiempo: intensa, veloz y siempre en movimiento. No pierdas el tiempo, aprovéchalo, OBSERVA, EXPERIMENTA COSAS NUEVAS y sigue tus corazonadas siempre con cuidado”. INSPIRACIÓN EN CHICUAROTES (2019) En la cinta, se retrata la vida de dos jóvenes que buscan salir de la pobreza usando cualquier medio posible. No es una historia glorificada, sino una mirada cruda a la realidad de los barrios, con colores tierra, maquillaje de payaso y calles que hablan por sí mismas. No solo copiaban el estilo: buscaban esa sensación de estar luchando contra el mundo desde lo cotidiano, convirtiendo segundos de video en pequeños relatos visuales llenos de tensión y memoria. Haz clic y mira la historia detrás del trend. POR ANGELMUSIC MARZO 2026 35 �A R T E LA TÉCNICA ARTESANAL QUE RESISTE EN LA ERA DIGITAL TIM BURTON REVIVE LA MAGIA DEL STOP MOTION El cineasta regresa a sus orígenes con un cortometraje gótico dentro de la serie de Netflix, apostando por la imperfección, lo hecho a mano y la nostalgia que lo consagró. POR: SANJUANA GONZÁLEZ Y VERÓNICA RIVERA POR: NETFLIX LATINOAMÉRICA EN YOUTUBE E 36 MARZO 2026 Demuestra que, como productor, tiene la habilidad de combinar la trama de una serie popular, con altos niveles de audiencia, con lo hecho a mano y desconocido para las nuevas generaciones. Apuesta por lo artesanal y por la imperfección que suelen encontrarse en sus personajes, invitando a los espectadores a dejarse llevar por la esencia del stop motion. POR: NETFLIX LATINOAMÉRICA EN YOUTUBE n una era donde la inteligencia artificial comienza a predominar, reemplazando lo manual con lo digital, Tim Burton nos demuestra la atrapante magia que aún contiene el stop motion en la actualidad. La participación que se llevó a cabo en la serie Merlina revivió esta técnica artesanal, confirmando por qué el director de cine estadounidense es uno de los mejores dentro del mundo artístico oscuro y tétrico. En la segunda temporada de Merlina, en el episodio inicial, se utilizó la técnica para narrar la anécdota de El cuento del Árbol de la Calavera, en donde se habla sobre un estudiante con un corazón mecánico que está ligado al misterioso Árbol Calavera de la academia privada Nunca Jamás, contando la trágica historia de manera personal y significativa para el público. Un tributo a los orígenes cinematográficos de Tim Burton. En este regreso al stop motion del artista, podemos observar la clara influencia de sus demás obras icónicas, como El extraño mundo de Jack, El cadáver de la novia y Vincent, siendo este último uno de sus primeros trabajos en blanco y negro, completamente fiel a su estilo, utilizando figuras y paisajes macabros. �POR: NETFLIX LATINOAMÉRICA EN YOUTUBE Tuve que recurrir a técnicas rudimentarias, como las que usaba cuando era estudiante” Tim Burton, Director, productor y guionista Tim Burton y su legado en stop motion El cortometraje utilizado en la serie, realizado en una escala de grises, se caracteriza por tener una atmósfera clásica, gótica y emotiva. Se usaron aproximadamente quince títeres y diez sets hechos a base de materiales reciclados, en un proceso extenso de ocho meses en el que se involucró el equipo de Mackinnon & Saunders y el mismo Tim Burton. El director de cine realizó bocetos rápidos de los personajes e incluso talló en madera algunas esculturas, manteniendo el detalle, la precisión y su obsesión por la autenticidad en cada toma, cuadro por cuadro. Exigió que se evitara cualquier tipo de técnica digital en términos de animación, optando por efectos manuales como la explosión que sucedió en la Torre del reloj, donde las llamas se crearon con jabón de glicerina. Esta técnica, que lo llevó a la fama, forma parte de varios de sus proyectos más reconocidos, por lo que el productor mencionó en una reciente entrevista la nostalgia que sintió al estar de vuelta en sus orígenes. “Tuve que recurrir a técnicas rudimentarias, como las que usaba cuando era estudiante”, indicó Burton, recordando que en esa época trabajaba humildemente con material reciclado y un bajo presupuesto. Esto otorgó una atmósfera orgánica a este capítulo, enriqueciendo la trama y aportando un aura mágica y ancestral que caracteriza al stop motion. Asimismo, Tim Burton señaló que el cortometraje El cuento del Árbol de la Calavera, fue un homenaje a sus primeros maestros, manteniendo su énfasis en la profesora Doris Adams, quien lo animó a adentrarse en el mundo del stop motion durante sus tiempos de aprendiz. Su principal objetivo es que el público recuerde la importancia que esta técnica tiene en la narrativa cinematográfica y artística. Aunque complicada de trabajar, es irremplazable debido a su toque original y llamativo. Vincent (1982) Cortometraje en blanco y negro que rinde homenaje al actor Vincent Price y a la estética gótica, marcando el inicio del estilo único de Burton en el cine de animación. The Nightmare Before Christmas (1993) Dirigida por Henry Selick, esta película fue producida y concebida por Burton, quien aportó su visión artística y característico diseño de personajes. James and the Giant Peach (1996) Basada en la novela de Roald Dahl, esta película combina técnicas de stop motion con acción en vivo, bajo la producción de Tim Burton. Corpse Bride (2005) Dirigida por Mike Johnson y Tim Burton, esta película cuenta la historia de un hombre que accidentalmente se compromete con una novia cadáver. Frankenweenie (2012) Remake en stop motion del cortometraje original de Burton de 1984, el cual narra la historia de un niño que revive a su perro fallecido. Beetlejuice Beetlejuice (2024) Secuela de Beetlejuice, la cual incluye una secuencia animada en stop motion. Diseñada por Burton, para representar la muerte del personaje Charles Deetz. MARZO 2026 37 �A R T E ARTE Y EMOCIÓN LA CATARSIS CATARSIS QUE SANA De Altamira a Frida: el arte como vía de purificación y expresión POR: ALONDRA IRACHETA Y ELIZABETH BACA E l arte ha estado presente en la historia de la humanidad desde tiempos remotos, comenzando con las cuevas de Altamira como una forma de favorecer la caza o como una vía para acercarse y comunicarse con los dioses en la civilización griega. No solo se limita al lado estético o conceptual, sino también a la expresión y la comunicación, ya sea de temas sociales complejos o meramente personales. Varias figuras importantes que han dejado huella en la historia de la humanidad han abordado el tema de la catarsis y su estrecho vínculo con el arte. Un caso famoso es el del filósofo, científico y polímata Aristóteles, quien describe la catarsis como el efecto final de las acciones y de las emociones suscitadas por una bella tragedia. La catarsis, para los griegos, era un símbolo de purificación que, para alcanzarla, requería pasar por un proceso en el que los sentimientos se desencadenaban al presenciar una historia. Para ellos, este efecto se reflejaba especialmente en las obras teatrales de la época, las cuales, en su mayoría —si no en su totalidad— eran trágicas (historias con finales dolorosos). Tras experimentar este proceso, Aristóteles señalaba al arte como un medio contemplativo sobre las emociones, capaz de hacer que los seres humanos se reflejen en sus pasiones y en el dolor de sus emociones, logrando así que la humanidad pudiera comprenderse a sí misma desde su propia sensibilidad. Más tarde, a finales del siglo XIX e inicios del siglo XX, Sigmund Freud retomaría la relación entre catarsis y arte como herramienta de salud mental, dedicándose al estudio del teatro y su impacto en la mente. Incluso estudió la civilización griega y su respuesta a la catarsis en sus obras teatrales. Asimismo, tras la Primera Guerra Mundial, en diferentes países directamente involucrados, los médicos en hospitales psiquiátricos comenzaron a aplicar y estudiar el arte psico-patológico, concluyendo que el arte servía como descarga de la ansiedad y el sufrimiento que ex38 MARZO 2026 perimentaban estos pacientes. Además, apoyaba la liberación de endorfinas y dopamina, elementos clave para generar sensaciones de bienestar y placer. Tras la Segunda Guerra Mundial, se dio prioridad al tratamiento de la salud mental a través del arte con ex-soldados hospitalizados por neurosis (ansiedad, obsesiones, fobias) y niños abandonados. En el caso de estos últimos, se estudiaba su entorno a través de sus dibujos, mientras que los ex-soldados participaban en terapias grupales y en la terapia del arte. Además, el arte comenzó a servir como herramienta de comunicación para pacientes hospitalizados que no podían hablar o, en los geriátricos, para personas mayores con demencia. El arte despierta emociones profundas y permite que nos sintamos comprendidos y validados, fomentando la autorreflexión y la empatía”. �Ahora bien, ¿cómo se considera actualmente al arte como objeto de catarsis? Primero, debemos aclarar que el arte no se limita a la pintura, sino que abarca todas las bellas artes: arquitectura, escultura, pintura, literatura, música, danza y cine. Incluso, escribir un diario puede considerarse una forma de arte. El proceso de canalización de emociones se relaciona, en gran medida, con la creatividad humana. Esta no se limita al aspecto visual y estético; también implica la resolución de problemas y la búsqueda de alternativas a situaciones o pensamientos que afectan la mente. Así, incluso un ingeniero puede ser considerado creativo. Por lo tanto, cualquier persona, aunque inexperta, puede canalizar sus emociones y creatividad a través del arte. Claro que algunas personas poseen una creatividad más innata que otras, pero esto no significa que no se pueda entrenar y desarrollar al mismo nivel o incluso más alto. En el arte no existen reglas estrictas: algunas personas encuentran su canal de expresión en los lienzos, mientras que otras pueden preferir pintar en piedras, papel o utilizar el carboncillo. Quienes no se sientan atraídos por las artes visuales pueden explorar la danza, la escultura, la literatura y muchas otras formas de expresión. Cuando las personas encuentran un canal de expresión que les resulta adecuado, ocurre un proceso casi mágico: tras una semana difícil llena de conflictos y problemas que no pudieron expresarse plenamente, el arte permite externalizar sentimientos que de otro modo permanecerían reprimidos. Este proceso puede sentirse automático: se tiene clara la imagen y el concepto de lo que se quiere comunicar, o bien, se parte sin una idea definida, pero con el sentimiento presente, lo que es suficiente para que el proceso creativo se lleve a cabo. Cada ser humano lo experimenta de formas distintas, pero el resultado es el mismo: una catarsis emocional a través del arte. Si tu canal de expresión es la pintura o el dibujo, los estados emocionales pueden interpretarse mediante colores y formas: no es lo mismo usar azul para expresar tristeza que un amarillo vivo para comunicar alegría, ni un círculo que un cuadrado, que transmite fuerza y rigidez. La música genera catarsis emocional a través de melodías; escucharlas o tocarlas permite liberar tensiones y expresar sentimientos personales. La escritura, desde un diario hasta poesía o relatos cortos, también facilita la liberación emocional. La danza y el teatro movilizan el cuerpo, fomentando la conexión mente-emoción, el autoconocimiento y un alivio físico tras la actividad. No solo existe un canal de expresión en las artes visuales; la danza, la música, la literatura y muchas otras formas permiten canalizar emociones y alcanzar la catarsis”. Beneficios del arte: 1. El arte permite la catarsis emocional, liberando sentimientos reprimidos y generando bienestar. 2. Pintura, música y escritura activan emociones diferentes; por ejemplo, colores y formas transmiten estados de ánimo distintos. 3. La participación en actividades artísticas mejora la inteligencia emocional, la autoestima y la concentración en los niños. 4. El arte fomenta la empatía, la inclusión y el respeto por la diversidad, además de conservar la memoria histórica y cultural. MARZO 2026 39 �A R T E Al final, lo más importante en una obra o performance artístico no es el resultado final, sino lo que se siente antes, durante y después del proceso de catarsis. El arte despierta emociones profundas y permite que nos sintamos comprendidos y validados, fomentando la autorreflexión y la empatía. No todos comprenderán los sentimientos expresados en tu obra, pero esto no significa que sean incorrectos; siempre habrá alguien que experimente con la misma intensidad las emociones que transmitiste. Está claro que el arte debe jugar un papel fundamental en la educación y la sociedad. Sus ventajas incluyen el desarrollo del pensamiento crítico y creativo, la estimulación de la imaginación, la resolución de problemas y la innovación, habilidades esenciales en cualquier disciplina. Además, mejora la expresión emocional, el autoconocimiento y el aprendizaje integral; estudios demuestran que los niños que participan en actividades artísticas presentan mejor desempeño académico e inteligencia emocional, lo que favorece la autoestima, salud mental, memoria, concentración y coordinación. El arte también estimula la empatía y la inclusión, exponiendo a los estudiantes a diversas culturas, historias y perspectivas, fomentando la tolerancia y el respeto por la diversidad. En la sociedad, el arte conserva la memoria histórica y cultural, cuestiona realidades sociales, impulsa la cohesión comunitaria y promueve valores democráticos. Está claro que el arte debe jugar un papel fundamental en la educación, estimulando la creatividad, la inteligencia emocional y la empatía desde temprana edad”. 40 MARZO 2026 Un ejemplo claro del arte como catarsis es Frida Kahlo, quien expresó sus dolores físicos y emocionales mediante la escritura y la pintura. Su vida estuvo llena de tragedias, y el arte se convirtió en su escape emocional, ofreciendo al público un testimonio único de su mundo interior. Sus autorretratos, en particular, servían como catarsis, reflejando tristeza, ira, esperanza y amor. Su obra no solo fue una forma de expresión personal, sino también un puente para conectar con otras personas, demostrando que el arte puede sanar y comunicar sentimientos complejos. Una obra ejemplar es El Diario de Frida Kahlo: un íntimo autorretrato (1944-1954), donde en 170 páginas plasmó su expresión emocional a través de la escritura y la pintura. Entre los elementos recurrentes destacan Diego Rivera, el amor de su vida, y el México prehispánico, así como la representación de su dolor físico, como la pierna que eventualmente fue amputada. Su arte no buscaba ser estético, sino reflejar su sentir más puro, liberar cargas emocionales y fomentar la comprensión de otros. Aunque el arte es una forma de catarsis, no debe buscarse la perfección a toda costa. El arte puede liberar emocionalmente, pero si no se reconocen los propios límites o no se desarrollan las habilidades necesarias, el resultado puede ser frustrante. Sin embargo, incluso si la obra no alcanza la expectativa, conserva su valor si logra reflejar el sentir del artista; aprender a soltarlo es parte del proceso. �MARZO 2026 41 ILUSTRACIONES POR ALONDRA IRACHETA �P A TA RV II M S O O SN I O FOTOGRAFIAS POR XIMENA ZAPATA LÓPEZ ARTISTA DEL MES: AGOSTO Celebrar el arte y la enseñanza: CEDART Hilda nos comparte sus obras más significativas acompañada de sus seres queridos. POR: XIMENA ZAPATA 42 MARZO 2026 �E l 25 de agosto nos reunimos en el área del primer piso del edificio E para rendir homenaje a la gran artista Hilda Cruz de Abad, quien recibió un merecido reconocimiento por parte de la Facultad de Artes Visuales. Más allá de la entrega del reconocimiento, Hilda nos regaló la oportunidad de adentrarnos en su universo creativo: un espacio armónico, espiritual y profundamente humano. Su obra, fruto de un dominio excepcional en la pintura, el grabado y la escritura, se presentó ante nosotros como un canto apasionado al arte. “El material y la técnica usadas ayudan a definir determinados estados del espíritu.” Las piezas expuestas —pinturas y esculturas cargadas de fuerza y sensibilidad— pertenecen a una etapa significativa en la vida de la maestra: su tránsito como estudiante y posteriormente como recién egresada del Taller de Artes Plásticas, antecesor de la actual Facultad de Artes Visuales. Su huella no se limita a la creación artística. Como fundadora del CEDART Monterrey, Hilda Cruz de Abad ha formado a generaciones enteras de artistas, consolidándose como una figura indispensable en la docencia y en la vida cultural de nuestra comunidad. Su legado trasciende el tiempo y las generaciones. Cada una de sus obras es un reflejo de la sensibilidad con la que supo mirar el mundo y transformarlo en arte. Al recorrer esta exposición, no solo contemplamos colores, formas y materiales, sino también la voz de una creadora que invita a detenernos, a reflexionar y a sentir. Su presencia nos recuerda que el arte es, ante todo, un puente entre lo humano y lo trascendente. En esta edición del Artista del Mes de agosto, recibimos con profundo orgullo y gratitud tanto su presencia como la riqueza de sus obras. La maestra Hilda Cruz de Abad nos recuerda que el arte no solo se contempla, sino que también se siente, se vive y se comparte. “El material y la técnica usadas ayudan a definir determinados estados del espíritu.” Hilda Cruz de Abad Fundadora del CEDART de Monterrey, docente de la Facultad de Artes Visuales. Recibiendo reconocimiento por parte de la institución. MARZO 2026 43 �P A TA RV II M S O O SN I O ARTISTA DEL MES ADRIANA MARGAIN POR: RUBY AYDE LEAL LOPEZ E l pasado 16 de octubre de 2025, en punto de las 11:00 horas, el Departamento de Patrimonio Artístico, bajo la dirección de Héctor Morales, llevó a cabo la inauguración de la exposición correspondiente al “Artista del Mes”. En esta ocasión, la protagonista fue la reconocida ceramista y escultora nuevoleonesa Adriana Margain, cuya obra quedó instalada en el edificio E de la Facultad de Artes Visuales, ofreciendo a la comunidad universitaria y al público general una muestra íntima de su exploración técnica y estética. La exposición reúne un total de cuatro piezas de grabado elaboradas mediante la técnica de colografía, un método que destaca por su carácter experimental y su marcada riqueza textural. Esta técnica consiste en la creación de una matriz a partir de un collage construido con diversos materiales (generalmente objetos o superficies texturizadas) adheridos a un soporte rígido como cartón o madera. Una vez conformada la matriz, se aplica tinta o pigmento sobre su relieve para posteriormente transferir la imagen resultante a papel u otros soportes. 44 MARZO 2026 El proceso da lugar a composiciones con profundidades, contrastes y relieves únicos, cualidades que Margain explora con sensibilidad y precisión. Las obras exhibidas forman parte del archivo del Departamento de Patrimonio Artístico, una colección que resguarda un acervo considerablemente amplio y diverso. Muchas de estas piezas han permanecido bajo su cuidado desde mucho antes de la fundación formal de la Facultad de Artes Visuales, lo que convierte al archivo en un testimonio vivo de la evolución académica y creativa de la institución. Estos espacios se hacen con el objetivo de que tengamos una perspectiva histórica, una memoria de todo lo que ha sido la facultad, que a veces como estudiantes desconocemos”. �Una parte significativa de este acervo proviene de maestros y artistas formados en el histórico Taller de Artes Plásticas, lo que otorga a estas obras un valor no solo estético, sino también documental y cultural, al representar la consolidación de las prácticas artísticas en la región. El Taller de Artes Plásticas desempeñó un papel fundamental en el nacimiento y desarrollo de lo que hoy conocemos como la Facultad de Artes Visuales. Fundado en 1947 con una matrícula inicial de 45 estudiantes, el taller asumió desde sus inicios la responsabilidad de formalizar y profesionalizar el estudio de las artes plásticas en Nuevo León. Su crecimiento fue rápido y fundamental para la década de los años cincuenta ya había ampliado su plan de estudios con la incorporación de talleres especializados en litografía, xilografía y grabado en metal, sentando así las bases para la formación integral de generaciones de artistas. La exposición de Adriana Margain no solo permite apreciar las posibilidades expresivas de la colografía, sino que también reafirma la importancia del diálogo entre el pasado artístico de la institución y las prácticas contemporáneas. Al activar obras pertenecientes al archivo institucional en un nuevo contexto expositivo, el Departamento de Patrimonio Artístico contribuye a mantener viva la memoria creativa que ha dado forma a la Facultad de Artes Visuales, al tiempo que impulsa y reconoce el trabajo de artistas que continúan expandiendo el panorama cultural de Nuevo León. MARZO 2026 45 �E V E N T O S Una exposición que refleja experiencias NUEVA YORK EN REFLEJOS La muestra ‘Reflexo’ reúne las experiencias visuales de alumnos que encontraron en la fotografía un medio para plasmar sus memorias y reflexiones. FOTOS TOMADAS POR: ELIZABETH BACA 46 MARZO 2026 L POR: ELIZABETH BACA Y ALONDRA IRACHETA a exposición “Reflexo” realizada el 4 de septiembre de 2025 nace como una forma de plasmar la vivencia del viaje estudiantil a la ciudad de Nueva York, a través de la mirada de los estudiantes. La muestra reunió el trabajo visual de alumnos de distintas carreras artísticas, quienes transformaron su experiencia en imágenes capaces de transmitir emociones, memorias y reflexiones. Tal como lo expresó el maestro Eduardo Mallén en la inauguración: “Esta exposición es la reflexión de los alumnos, por eso el juego de palabra de Reflexo. La intención era transmitir esa experiencia, esa idea, eso que se vivió por medio de imágenes, de fotografías, de plasmar la ciudad y ver cómo dentro de lo que puede ser cotidiano también hay una reflexión, un sentimiento, una emoción”. La galería reunió las experiencias, las ideas y las emociones que surgieron en el recorrido. Cada fotografía captura un instante que va más allá de lo cotidiano, mostrando desde la grandeza de la ciudad hasta los pequeños detalles que muchas veces pasan desapercibidos. Durante la inauguración, algunos estudiantes compartieron lo que este viaje les dejó tanto a nivel personal como académico. Alison Zamudio compartió: “Fue muy lindo convivir con personas que estamos en la misma facultad pero nunca nos habíamos visto. La ciudad es muy grande y hay muchas cosas tanto para diseñadores como para artistas de las que se puede aprender. Lo que más me dejó fue visitar las exposiciones del museo MoMA, porque son muy variadas. Ahí te das cuenta de que todo, a ojos de ciertas personas, puede ser arte”. Cielo Sophia recordó con entusiasmo: “El viaje estuvo increíble, me la pasé bastante bien. Recorrimos varios museos, mi favorito fue el MoMA que es hiper-mega grande. Yo me hubiera quedado más tiempo ahí. Lo que me dejó fue aprender que en cada lugar se puede encontrar algo mágico; si te detienes a observar, siempre descubres algo distinto y valioso. Eso es lo que también busca el arte; ver más allá de lo que está enfrente”. Jorge Cornejo resaltó la importancia de abrir los ojos a nuevas realidades: “Me gustó mucho porque conocí un lugar nuevo. A veces nos encerramos en nuestra propia realidad y olvidamos �REFLEXO no es solo una muestra de imágenes, FUE UN ESPACIO donde los estudiantes lograron EXPRESAR SU MANERA DE VER LA CIUDAD”. todo lo que hay afuera. Lo que más me llevo es la conciencia de ese mundo que existe más allá de nosotros. Además, este viaje me ayudó a educar mi ojo; ya no tomar fotos en automático, sino planear lo que quiero ver y lo que quiero recordar”. Para el maestro Eduardo Mallén, el viaje también representó un aprendizaje personal: “Una cosa que amo de Nueva York es que me obliga a fluir. Yo suelo querer tener todo controlado, pero allá las cosas salen como tienen que salir y eso es algo que aprecio mucho. Aprendí que no todo debe estar bajo control y aun así puede salir bien”. Respecto a la exposición, el profesor compartió los retos que enfrentaron: “La coordinación con los alumnos fue lo más complejo. La maestra Alma y yo teníamos claro el concepto y la idea, pero gestionar la participación siempre es un reto: que manden, hagan y digan. Aun así, lo más importante fue que se logró motivar a todos, y el resultado es esta muestra que refleja el esfuerzo y la visión de cada estudiante”. “Reflexo” no es solo una muestra de imágenes, fue un espacio donde los estudiantes lograron expresar su manera de ver la ciudad y reconocer el talento creativo que lograron transmitir, a través de la fotografía y su manera de tener un recuerdo de esa gran experiencia que siempre recordarán. MARZO 2026 47 �E V E N T O S INAUGURACIÓN ALTAR DE MUERTOS INMERSIVO 2025 Un homenaje a la identidad regiomontana a través del talento universitario y la preservación de las tradiciones mexicanas. POR: XIMENA ZAPATA POR: GRACIELA VARGAS HERNÁNDEZ E l pasado 1 de octubre de 2025, a las 3:30 p.m., se celebró la inauguración del Altar de Muertos Inmersivo en el Pabellón Cultural del Gobierno de Monterrey, un proyecto que une la tradición ancestral del Día de Muertos con la innovación artística de la Facultad de Artes Visuales de la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL). Este evento marcó el inicio de una experiencia cultural que busca honrar la memoria, fomentar el arte y fortalecer los lazos entre la universidad y la comunidad regiomontana. Bajo una atmósfera llena de color, flores de cempasúchil y calaveras ornamentales, se llevó a cabo una ceremonia que combinó emotivos 48 MARZO 2026 discursos, muestras de gratitud y una profunda reflexión sobre el valor del arte como vehículo de identidad y cohesión social. Durante la inauguración, se expresaron múltiples agradecimientos a las autoridades que hicieron posible el proyecto. Entre ellos, se reconoció el apoyo del alcalde de Monterrey, el licenciado Adrián de la Garza, y de la licenciada Silvia Nancy García Treviño, directora de Turismo y Cultura, por brindar el espacio y los recursos necesarios para que la Facultad de Artes Visuales pudiera llevar a cabo este proyecto que hoy se consolida como un referente artístico en la ciudad. Asimismo, se destacó la colaboración del doctor Santos Guzmán López, Rector de la UANL, y de la maestra Ana Isabel Guzmán Medrano, Directora de la Facultad, por su compromi- �POR: XIMENA ZAPATA Hoy podemos decir que Monterrey cuenta con un altar que refleja su IDENTIDAD, SU HISTORIA Y SU ORGULLO NORTEÑO”. - Andrés González. Andrés González Responsable del área de desarrollo cultural. so con la formación integral de los estudiantes y por su impulso constante a los proyectos que combinan arte, cultura y comunidad. También se agradeció el acompañamiento de la Doctora Eréndira Villanueva, Secretaria Administrativa de la Facultad, así como de los departamentos de Vinculación, Comunicación, Tesorería y Desarrollo Cultural, cuyos esfuerzos coordinados hicieron posible la materialización de esta obra colectiva. El maestro Andrés González, responsable del área de Desarrollo Cultural, subrayó que el altar representa el fruto del talento, la disciplina y la creatividad de los alumnos, quienes trabajaron arduamente durante más de dos meses en el diseño, modelado y montaje del proyecto. “Hoy podemos decir que Monterrey cuenta con un altar que refleja su identidad, su historia y su orgullo norteño”, señaló. Lejos de ser un altar tradicional, esta propuesta artística se distingue por su carácter inmersivo y contemporáneo. Inspirado en la emblemática Plaza Zaragoza, el altar busca transportar al visitante a una representación simbólica del corazón de la ciudad, donde convergen personajes típicos de la vida cotidiana regiomontana: el barrendero, el vendedor de algodones, las parejas de baile, los músicos locales, e incluso figuras ligadas al deporte y la vida popular. Además de los elementos escultóricos y florales, el altar integra tecnología multimedia a través de un videomapping que da vida a personajes icónicos de la cultura mexicana como El Piporro, Cepillín y Celso Piña; este recurso visual convierte el altar en una experiencia sensorial que combina imagen, sonido y movimiento, invitando al público a interactuar con la obra y a reflexionar sobre el significado de la vida y la muerte desde una perspectiva local. Durante la ceremonia, algunos de los docentes y alumnos involucrados compartieron su entusiasmo por haber logrado un proyecto que trasciende los muros de la universidad. “Queríamos que la ciudadanía se sintiera parte de este altar. Por eso incluimos una pared donde las personas pueden traer fotos de sus seres queridos y colocarlas como parte de la exposición”, explicaron. MARZO 2026 49 �E V E N T O S POR: XIMENA ZAPATA POR: XIMENA ZAPATA De esta manera, la obra no solo rinde tributo a los difuntos, sino que también se convierte en un punto de encuentro entre generaciones y memorias compartidas. En las entrevistas realizadas, los participantes coincidieron en que este proyecto representa una oportunidad de aprendizaje colectivo y una muestra del poder del arte para conectar a las personas. Hablaron de la organización del proyecto; los equipos se dividieron por áreas de escultura, pintura, calaveras, tapete de aserrín y ambientación, cada uno con líderes encargados de coordinar los avances y mantener la coherencia estética de la obra. Uno de los mayores desafíos, mencionaron, fue encontrar la identidad sonora del altar, “Buscamos una música que representara a Monterrey; algo que conectara con nuestra cultura y nuestra forma de vivir el duelo. No queríamos usar solo melodías del centro o del sur, sino algo que hablara desde el norte”, comentó uno de los profesores participantes. Los alumnos también expresaron su orgullo por colaborar con el municipio en un evento público, destacando la importancia de mostrar el talento universitario más allá del ámbito académico. “Durante años el altar era una actividad interna, pero ahora el público puede ver lo que hacemos, y eso nos llena de emoción. Es una manera de demostrar que el arte puede transformar espacios, inspirar y unir”, compartieron algunos de ellos. El Altar de Muertos Inmersivo permaneció abierto al público hasta el 2 de noviembre, en horario de 10:00 a.m. a 6:00 p.m., con entrada gratuita. La exposición invitó a las familias regiomontanas a disfrutar de una experiencia artística que celebraba la memoria de los seres queridos y la riqueza cultural de la región. Con esta iniciativa, la Facultad de Artes Visuales reafirma su compromiso de llevar el arte a la comunidad, promoviendo va- 50 MARZO 2026 �lores de colaboración, respeto por las tradiciones y apertura a la innovación. La fusión entre el simbolismo del Día de Muertos y las herramientas digitales contemporáneas da como resultado una propuesta fresca, emotiva y profundamente mexicana, que demuestra que la modernidad y la tradición pueden convivir en perfecta armonía. El altar no solo honró a quienes han partido, sino que también celebró la vida, la creatividad y el espíritu colectivo que define a Monterrey; mientras la memoria siga viva en el arte, la muerte nunca será olvido. MARZO 2026 51 �E V E N T O S Mientras la MEMORIA SIGA VIVA EN EL ARTE, la muerte nunca será olvido.” 52 MARZO 2026 �MARZO 2026 53 �E V E N T O S LITERATURA LETRAS QUE ROMPEN EL SILENCIO: FERIA INTERNACIONAL DEL LIBRO MONTERREY 2025 En la FIL Monterrey 2025, proyectos como Vindictas y la Biblioteca de Escritoras Colombianas reivindican la voz de mujeres olvidadas por la historia de México y Colombia. internacionales. En especial, tuvimos la oportunidad de descubrir la riqueza cultural de Colombia, a través de espacios dedicados a su literatura, su música y sus costumbres. Esta experiencia nos brindó una visión más amplia sobre cómo el intercambio entre países latinoamericanos fortalece la unión cultural y fomenta la diversidad. POR: ANDRIK LUNA FOTOGRAFÍAS POR: XIMENA ZAPATA ¿Qué pudimos encontrar en esta edición? Uno de los proyectos más destacados de esta edición fue la Biblioteca de Escritoras Colombianas, una iniciativa del Ministerio de las Culturas y la Biblioteca Nacional de Colombia, curado por la autora Pilar Quintana, quien también formó parte de los invitados especiales de esta edición. En torno a este proyecto se realizó una conferencia conjunta con la colección Vindictas, en la que participaron Pilar Quintana y Socorro Venegas, quienes compartieron detalles sobre el trabajo que desarrollan en ambas colecciones. Esta segunda edición de la Biblioteca de Escritoras Colombianas reunió a 97 autoras poco reconocidas, desde la época colonial hasta la primera mitad del siglo XX y se compuso de diez tomos que reúnen las obras de estas autoras. E n la edición 2025 de la Feria Internacional del Libro Monterrey, el país Invitado de Honor fue Colombia, con el objetivo de reconocer su potencia narrativa y la diversidad de su cultura literaria. Colombia cuenta con una amplia tradición en las letras; en 2007, Bogotá recibió el título de Capital Mundial del Libro, distinción que marcó un antes y un después en su proyección internacional. Logramos asistir a esta edición de la Feria Internacional del Libro Monterrey y no solo pudimos conocer la literatura que se produce en nuestro país, sino también acercarnos a obras Stand de Colombia. Stand con una variedad de libros de escritores colombianos, incluyendo la Biblioteca de Escritoras Colombianas. 54 MARZO 2026 �Ambas colecciones incluyeron diversos géneros literarios, como crónica, poesía, literatura infantil y novela corta, escritos por mujeres de Colombia y México respectivamente. ¿De dónde surgen estas colecciones? En 2017 se celebró un año de intercambio cultural entre Colombia y Francia, que reunió a numerosos autores, cineastas y músicos, convirtiéndose en un periodo de gran diversidad artística. Para el evento de clausura, la Biblioteca Nacional de Colombia colaboró con una biblioteca en París. Sin embargo, en la promoción del evento en redes sociales, la delegación colombiana presentó como representantes a diez hombres, todos originarios del centro del país, lo que generó cuestionamientos entre las escritoras colombianas sobre la falta de inclusión femenina en dicho evento. Ante esta situación, las escritoras colombianas decidieron unirse y crear el hashtag #ColombiaTieneEscritoras, mediante el cual muchas autoras se sumaron al movimiento. Pilar Quintana comentó algo muy significativo: “Llegué a la reunión que se realizó y me puse a pensar cuántas de las mujeres presentes había leído realmente; solo cuatro o cinco. Luego me cuestioné cuántas escritoras clásicas colombianas conocía, y descubrí que había leído apenas unas pocas, mientras que en la escuela leí a doce autores hombres”. Quintana señala que, en su búsqueda de escritoras colombianas clásicas, solía recibir respuestas como “no existen” o “eran malas”. Sin embargo, reflexiona que muchos de los escritores hombres que leyó en el colegio no destacaban por su calidad literaria, pero sí gozaban de oportunidades de publicación, algo que históricamente se les negó a las mujeres. Luego me cuestioné cuántas ESCRITORAS CLÁSICAS COLOMBIANAS conocía, y descubrí que había leído apenas unas pocas, mientras que en la escuela leí a doce autores hombres. Por otro lado, Socorro Venegas compartió la historia detrás de Vindictas, un proyecto que surge en 2019 dentro de la Editorial de la UNAM con el propósito de rescatar y difundir la obra de escritoras mexicanas que fueron olvidadas o marginadas de la historia literaria. La idea nació a partir de una conversación con una colega, cuando Venegas se dio cuenta de lo difícil que era encontrar textos de autoras como Luisa Josefina Hernández, pese a su relevancia en la dramaturgia mexicana. Este descubrimiento la llevó a cuestionar la escasa presencia femenina en los catálogos editoriales y en la crítica literaria. Así, Vindictas se convirtió en una plataforma que busca reivindicar la voz de las mujeres en la literatura, devolviéndoles el lugar que siempre les correspondió en la memoria cultural del país. ¿Qué fue lo más difícil al realizar las colecciones? En la colección Vindictas destaca la obra de Guadalupe Marín, titulada “La única”. Este libro, basado en experiencias personales, resulta especialmente interesante porque su autora es más conocida por las figuras masculinas con las que se relacionó: estuvo casada con el pintor José Clemente Orozco y con el poeta Jorge Cuesta. Ambos describieron la novela con tres adjetivos poco favorables: repugnante, indiscreta y deletérea. Durante la búsqueda de autoras para integrar ambas colecciones, las conferencistas comentaron que algunos herederos se mostraron entusiasmados al conocer que la obra de una familiar sería publicada en la actualidad. Sin embargo, en muchos casos, ese entusiasmo se transformó en silencio o rechazo al descubrir que dichas escritoras expresaban ideas adelantadas a su época, por lo cual desaparecían sin poder ceder los derechos para su publicación. Para concluir el evento, las conferencistas invitaron al público a acercarse más a estas colecciones, no solo durante la Feria Internacional del Libro Monterrey, sino también a través de la investigación y la lectura de autoras del pasado. Mujeres que, debido a las condiciones sociales, históricas y políticas de su tiempo, no pudieron difundir plenamente su obra y fueron relegadas por una tradición literaria dominada por hombres. Hoy, proyectos como Vindictas y la Biblioteca de Escritoras Colombianas buscan devolverles el espacio que merecen en la memoria cultural. MARZO 2026 55 �E V E N T O S AUDIOVISUAL REDESCUBRIENDO LA HISTORIA DEL NORESTE A través de fragmentos recuperados y una aventura para encontrar una película perdida, el Archivo Fílmico del Noreste nos muestra el valor de preservar el legado audiovisual. POR: ANDRIK LUNA E l pasado 27 de octubre, como parte de la celebración del Día Mundial del Patrimonio Audiovisual, proclamado en 2005 por la UNESCO para conmemorar, reflexionar y crear conciencia acerca de los registros audiovisuales, el Departamento de Patrimonio de la Facultad de Artes Visuales llevó a cabo una charla junto con el Archivo Fílmico del Noreste. El evento incluyó una pequeña proyección y un espacio para preguntas sobre los archivos que se presentaron. Por parte del Archivo Fílmico del Noreste acudió a las instalaciones de la Facultad Gil Morales, reconocido cineasta y fundador del proyecto, con tres años desde su creación. Colección Escamilla. “Daño tras el paso del Huracán Gilberto en Monterrey”. Archivo Fílmico del Noreste (1988). 56 MARZO 2026 ¿Por qué se creó el Archivo Fílmico del Noreste? Gil Morales mencionó que no buscaban crear un archivo en un inicio, sin embargo, conocían las condiciones en las que se encontraba la memoria audiovisual de la ciudad y de la región, ya que existían muchas lagunas de memoria que no estaban documentadas durante el siglo XX. Por ello, el Archivo Fílmico del Noreste nació a partir de un documental que el equipo realizaba en 2020. Al investigar, encontraron información sobre una película perdida, filmada en los años cincuenta por un cineasta regiomontano. Posteriormente, en 2021, realizaron varias entrevistas relacionadas con esa película. Tras una exhaustiva búsqueda, en la revista Proceso, en la edición de enero de 2022, descubrieron una nota donde se mencionaba que un habitante de Ciénega de Flores buscaba deshacerse de una gran cantidad de películas cinematográficas que contenían imágenes de la región del noreste de México, específicamente de Nuevo León. El equipo del archivo pensó que entre ese material podría encontrarse la película perdida, por lo que, después de una larga conversación, decidieron investigar. Los materiales se encontraban en una bodega de Ciénega de Flores, la cual había funcionado como taller mecánico y presentaba varias aberturas que permitían la entrada de polvo, frío y calor, factores que dañaron el material fílmico resguardado en el lugar. �Cuando un archivo fílmico empieza a deteriorarse, se percibe un OLOR A VINAGRE. Nuestra oficina comenzó a oler así, y de hecho, todavía huele a vinagre. Este olor es el PRIMER SÍNTOMA DEL DETERIORO, y una vez que aparece, no hay marcha atrás”. -Gil Morales A pesar del deterioro, realizaron distintas pruebas para rescatar el material. Gil Morales comentó: “Cuando un archivo fílmico empieza a deteriorarse, se percibe un olor a vinagre. Nuestra oficina comenzó a oler así, y de hecho, todavía huele a vinagre. Este olor es el primer síntoma del deterioro, y una vez que aparece, no hay marcha atrás”. Además de compartir este valioso archivo histórico del noreste, Gil Morales presentó un adelanto del proyecto que dio origen a todo: un largometraje documental que narra la búsqueda de la película perdida de los años cincuenta. En el avance se mostró cómo surgió la investigación y cómo este proyecto abrió la puerta a algo mucho más grande, creando un equipo de personas interesadas en preservar la memoria audiovisual de nuestra región, y logrando un proyecto que llegaría a más personas interesadas en este medio. Para concluir, Gil Morales invitó al público a seguir las redes sociales del Archivo Fílmico del Noreste, además de extender una invitación al estreno en 2026 del largometraje que pondrá fin a esta búsqueda, ofreciendo así un vistazo al inicio del Archivo Fílmico del Noreste y cerrando un capítulo fundamental en la preservación de la memoria audiovisual de nuestra región. ¿Qué se presentó del material fílmico recuperado? En la proyección del material fílmico se mostraron distintos archivos que abarcan desde 1951 hasta 1990, conformando un registro histórico valioso. Entre ellos destacan: • • • • • • • • • • El primer centenario de General Terán, N.L. El desfile del 16 de septiembre de 1956. La vialidad de Monterrey en 1958. La visita del presidente Adolfo López Mateos a Monterrey en 1963. La inauguración del Centro Médico Muguerza. El Grito de Independencia encabezado por el gobernador Luis M. Farías en 1972. La visita del presidente Luis Echeverría a Monterrey. La inauguración del emblemático Parque Canoas. Los daños ocasionados por el huracán Gilberto. La llegada del papa Juan Pablo II a Monterrey en 1990. Colección Escamilla. “Arribo del Papa Juan Pablo II a Monterrey”. Archivo Fílmico del Noreste (1990). MARZO 2026 57 �E V E N T O S FESTIVIDADES EL ARTE DEL TERROR: HALLOWEEN FAV 2025 Unidos por el arte y la festividad, los alumnos de la Facultad de Artes Visuales transformaron Halloween en una muestra de talento y creación. POR: ANDRIK LUNA FOTOGRAFÍAS POR: XIMENA ZAPATA C omo celebración por la festividad de Halloween, la Facultad de Artes Visuales, así como la Sociedad de Alumnos de la misma facultad, organizaron uno de los eventos más esperados por toda la comunidad estudiantil: Halloween FAV 2025. Un evento en el que participaron los clubes, la asociación Zihuame Mochilla y la propia comunidad de la facultad. Como una de las actividades principales se contó con el Mercadearte, un espacio en el que los emprendimientos de los 58 MARZO 2026 estudiantes y la asociación Zihuame Mochilla tuvieron un lugar físico para darse a conocer y vender sus productos. En esta edición se pudieron encontrar emprendimientos muy variados por parte de los alumnos, que iban desde pines, impresiones con láser, retratos caricaturizados, hasta repostería, y por parte de la asociación tenían productos artesanales, así como alimentos de la gastronomía mexicana. Para iniciar el evento, se presentó un número de baile con diferentes alumnos de la facultad, quienes realizaron performances con canciones icónicas de esta celebración, así como temas más modernos, como el K-pop. Este año cada presentación a diferencia de años anteriores contó con una gran participación por parte de los estudiantes, se pudieron ver grupos de más de diez personas o grupos más pequeños de cuatro integrantes. Entre los performances destacaron temas como “Your Idol” de la película K-Pop: Demon Hunters, “Abracadabra” de Lady Gaga, la canción inicial de la icónica serie Monster High y “Gabriela” de KATSEYE. �CONCURSOS DE LA EDICIÓN 2025 Este año no pudieron faltar los disfraces icónicos por parte de la comunidad estudiantil, así como el gran concurso de disfraces, que contó con la participación de trece estudiantes. Esta edición del concurso presentó un cambio respecto a las anteriores, en lugar de existir únicamente un podio de tres lugares, se amplió a cinco ganadores, dando así más oportunidades para motivar a los participantes con más premios los cuales consistieron en tarjetas de regalo para distintas plataformas digitales. Entre los disfraces más destacados estuvieron “Nightwing”, de los cómics de Batman; “Glinda”, del universo de Wicked; y “Hornet”, del videojuego Silksong, entre otros. Aunque la competencia estuvo muy reñida, cada participante mostró un desempeño destacable y original con su caracterización, sin embargo, el podio de esta edición fueron: “la enfermera” del videojuego Silent Hill y “el animatrónico Bonnie” de Five Nights at Freddy’s, compartiendo el tercer lugar; “Hellboy” y “Bendy” compartiendo el segundo lugar; y “Jason Voorhees”, de las películas de Viernes 13, quien obtuvo el primer lugar tanto por su originalidad y gran adaptación de su personaje, así como la interpretación que dio no sólo durante el concurso, sino también durante todo el evento. Además del concurso de disfraces, se implementaron dos concursos adicionales, cada uno con su propia dinámica. El primero fue el concurso de máscaras, cuyos premios consistieron en dos becas del 50 % en rectoría para el segundo y tercer lugar, y una beca del 100 % para el primer lugar. Al ser un concurso relativamente nuevo, solo contó con tres participantes, sin embargo, no se puede negar la creatividad y el empeño que pusieron en cada una de sus máscaras, las cuales parecían salidas de los mismos cuentos de terror. Por otro lado, se realizó el concurso de ilustración, con la misma dinámica de premiación. En esta ocasión, la base del concurso consistió en representar al animal simbólico de la facultad, el tucán, en el contexto de Halloween. En este concurso se observaron una gran variedad de estilos artísticos, desde propuestas más amigables hasta ilustraciones más caóticas, mostrando así el gran talento versátil que reside dentro de la facultad y su comunidad estudiantil. Sin duda, esta festividad fue una de las más esperadas por gran parte de la comunidad de la Facultad de Artes Visuales, ya que permitió a los alumnos mostrar su lado más creativo y libre mediante sus disfraces y performances a lo largo del día. Esta festividad representó una oportunidad para fortalecer la unión dentro de la comunidad estudiantil, donde a pesar de la diversidad de carreras, siempre existirá ese espíritu de autenticidad y creatividad que caracteriza a la facultad. MARZO 2026 59 �R E F L E X I Ó N IMAGEN DE FREEPIK EL DISEÑO GRÁFICO COMO HERRAMIENTA DE EMPATÍA Y TRANSFORMACIÓN SOCIAL Más allá del diseño: convirtiendo lo invisible en visible POR: ANDREA V. HUELGA E n un mundo saturado de mensajes e impactos visuales, retener la atención de las personas y despertar una emoción en medio del ruido, no es fácil. Ya no se trata solo de diseñar desde la creatividad, el verdadero desafío está en lograr conectar con las personas desde lo que sienten, piensan y valoran. Se trata de crear marcas coherentes entre lo que dicen y lo que hacen, y de utilizar el diseño como una herramienta de empatía, capaz de cuestionar realidades y ofrecer soluciones que transformen el entorno de las personas. No es sorpresa que como consecuencia a esta nueva era visualmente abrumadora, los usuarios transformaran sus hábitos de consumo y la manera en la que se comportan, volviéndose sumamente susceptibles al actuar de las marcas (Merca 2.0, 2022). Las personas ya no quieren que las marcas les vendan, sino que las comprendan, que tengan un propósito real, que inspiren y aporten algo positivo al mundo. 60 marzo 2026 Kotler. Kartajaya y Setiawan (2018), en su libro Marketing 4.0, explican que en esta nueva era del marketing, las marcas deben centrarse en generar conexiones auténticas y duraderas con sus usuarios a través de una comunicación más humana que permita romper barreras que tradicionalmente se generaban entre consumidores y marcas. Al humanizar a una marca, ésta se vuelve más atractiva: genera empatía, confianza y aporta un valor que hace más fácil la fidelización de los usuarios. En este escenario, el diseño juega un papel esencial, es la herramienta que permite darle rostro y voz visual a la marca. Cuando el diseño se aplica con intención y propósito, deja de ser una cuestión estética y se convierte en un medio que construye experiencias, transmite valores, visibiliza causas y genera empatía ayudando a los usuarios a comprender e identificarse con la marca. �En los últimos años se han abordado temas enfocados en cómo ha crecido, dentro de las marcas, una necesidad de apoyar causas sociales gracias a la conectividad y viralidad que ofrecen las plataformas digitales y redes sociales. El diseño tiene el poder de dar a conocer temas relevantes; así, da voz a personas que, de otra manera, no serían escuchadas y nos ayuda a generar conciencia sobre problemas de vital importancia”, Yolanda Moreno Cavazos, maestra. En las campañas con propósito social, el diseño traduce la estrategia de marketing en experiencias tangibles que conectan emocionalmente con la audiencia, transformando conceptos complejos en mensajes visuales claros. Como explica la Maestra Yolanda Moreno Cavazos (2019) “El diseño tiene el poder de dar a conocer temas relevantes; así, da voz a personas que, de otra manera, no serían escuchadas y nos ayuda a generar conciencia sobre problemas de vital importancia.” Diseñar con empatía y comunicar con propósito no es una tendencia, es una responsabilidad. Cuando se crea este tipo de estrategia, la comunicación de cualquier marca es capaz de influir en valores, actitudes y hábitos que beneficien al bien común. Sin embargo, es importante entender que al igual que un rompecabezas, todo forma parte de un sistema en el que se necesitan de varias piezas, como las políticas públicas, la educación, la economía y la tecnología, para que un proyecto de impacto social funcione. En el entorno visual actual, no basta con ser creativos al comunicar un mensaje y que este destaque entre la competencia, sino de transmitir información que invite a la acción, de paso a la reflexión y fortalezca la conexión humana con la marca, creando espacios visuales donde la empatía y la autenticidad se perciban, se sientan y se recuerden, potenciando el impacto de cada acción social o comunicativa. Como creativos, dentro de la industria de la publicidad, tenemos el reto de dejar de ver al público únicamente como consumidores, y empezar a verlos como lo que realmente son: personas con emociones, historias, miedos, preocupaciones y deseos. IMAGEN DE FREEPIK Vivimos en constante evolución, y la mercadotecnia no será la excepción. Las personas buscarán un enfoque más humano, donde la conexión emocional y la responsabilidad social sean tan importantes como la innovación tecnológica. Las marcas ya no se centrarán únicamente en vender productos, sino en transmitir valores a través de experiencias, y el diseño será el lenguaje que los haga visibles. Cuando se crea desde la sensibilidad y la empatía, el diseño tiene la capacidad de hablar sin palabras y de convertir lo invisible en visible. Referencias: Kotler, P., Kartajaya, H., y Setiawan, I. (2018). Marketing 4.0: Transforma tu estrategia para atraer al consumidor digital. LID Editorial Empresarial. Merca 2.0. (2022, octubre). Revista Merca 2.0, (248). Recuperado de https://www.merca20.com Moreno, Y. (2019) El diseño como herramienta de impacto social. UDLAP. https://blog.udlap.mx/ blog/2019/03/29/el-diseno-como-herramienta-de-impacto-social/ marzo 2026 61 �Marzo 2026 - Número 15 � Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Tetramestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Text A resource consisting primarily of words for reading. Examples include books, letters, dissertations, poems, newspapers, articles, archives of mailing lists. Note that facsimiles or images of texts are still of the genre Text. Título Uniforme Croma Año de publicación El año cuando se publico 2026 Volumen Volumen de la revista 8 Número Número de la revista 1 Mes de publicación Mes cuando se publicó Marzo Día Día del mes de la publicación 1 Periodicidad La periodicidad de la publicación (diaria, semanal, mensual, anual) Tetramestral Dublin Core The Dublin Core metadata element set is common to all Omeka records, including items, files, and collections. For more information see, http://dublincore.org/documents/dces/. Title A name given to the resource Croma, Arte, Diseño, Audiovisual, 2026, Vol. 8, No. 1, Marzo Creator An entity primarily responsible for making the resource Guzmán Medrano, Ana Isabel, Directora Subject The topic of the resource Educación Diseño Arte Audiovisual Description An account of the resource Croma es una publicación Trimestral editada y publicada por la Universidad Autónoma de Nuevo León a través de la Coordinación Editorial de Licenciatura de la Facultad de Artes Visuales. Entre los temas que abarca están el arte, la creatividad, el diseño, la educación, la docencia y lo audiovisual. Publicación activa, fundada en el 2019. Publisher An entity responsible for making the resource available Universidad Autónoma de Nuevo León, Facultad de Artes Visuales, Coordinación Editorial Contributor An entity responsible for making contributions to the resource Altamirano Galván, Sandra Guadalupe, Coordinación Editorial Martínez Carrasco, Alejandra Gabriela, Coordinación Editorial Date A point or period of time associated with an event in the lifecycle of the resource 2026-03-01 Type The nature or genre of the resource Revista Format The file format, physical medium, or dimensions of the resource txt/pdf Identifier An unambiguous reference to the resource within a given context 2021575 Source A related resource from which the described resource is derived Fondo Universitario Language A language of the resource spa Relation A related resource https://revistacroma.uanl.mx/index.php/revista/issue/view/14/14 Coverage The spatial or temporal topic of the resource, the spatial applicability of the resource, or the jurisdiction under which the resource is relevant San Nicolás de los Garza, Nuevo León Access Rights Information about who can access the resource or an indication of its security status. Access Rights may include information regarding access or restrictions based on privacy, security, or other policies. Universidad Autónoma de Nuevo León Rights Holder A person or organization owning or managing rights over the resource. El diseño y los contenidos de La hemeroteca Digital UANL están protegidos por la Ley de derechos de autor, Cap. III. De dominio público. Art. 152. Las obras del dominio público pueden ser libremente utilizadas por cualquier persona, con la sola restricción de respetar los derechos morales de los respectivos autores Docencia El Color Eventos y Patrimonio Salud Semiótica del Cine TikTok Tim Burton